Стиль в рисовании: Ошибка | artlab.club

5 идей как найти свой стиль в рисовании

Автор Наталья Юршина На чтение 4 мин. Просмотров 3.6k. Опубликовано 18.06.2020

Наверное, нет ни одного начинающего художника, который бы не задумывался как найти свой стиль в рисовании. Создание уникальных работ, которые будут выделяться и запоминаться окружающим, безусловно задача не из легких. Даже опытные мастера могут так и не выбрать свой стиль рисования на протяжении всей жизни.

Изменять манеру письма, метаться от одного направления к другому, искать что-то своё — этот процесс знаком не одному живописцу. Если вы уже долгое время не можете определиться, переходите от реализма до абстракции, от пейзажей к портретам — это вполне обычный путь перед тем, как определить свой стиль в живописи.

Просто по желанию его невозможно разработать, на это нужны годы интеллектуального и физического труда художника.

• Импрессионизм
• Кубизм
• Модернизм
• Экспрессионизм

Часто новички в живописи мечтают, чтобы их работы имели что-то общее, стали более индивидуальными и узнаваемыми. Если вы видите себя в живописи, но не знаете какой стиль рисования выбрать, я рекомендую следовать правилам ниже.

1. Всегда думайте, какие эмоции и мысли хотите донести зрителям. Очень важно творить «со смыслом», вкладывать в работу определенную идею. Картина, которая заставляет задуматься, развивает воображение, всегда будет выделяться на фоне других.

   Когда рисуете, думайте не о стиле, а в первую очередь о том, что вы хотите сказать и о чем поведать в своей картине. Поделитесь своими личными переживаниями и размышлениями, покажите свое отношение к нарисованному, поведайте свою уникальную историю.

Неоклассицизм, Жак Луи Давид

2. Не копируйте бездумно с картинок. Бывает, художники полностью погружаются в определенную тематику и просто переписывают изображения. Бесспорно, это помогает выработать определенные способы и приемы рисования.

   Но в них не выявляется позиция, отношение и мировоззрение автора. Красивое перерисовывание картинок или фотографий – даже не ученическое упражнение, не то, чтобы стиль.

Поэтому, даже если вы освоили только самые простые техники живописи, старайтесь рисовать больше с головы. Не переписывайте полотна, не ищите примеры. Подбирайте референсы разве что для вдохновения.

Пишите с натуры — это покажет, как и что именно вы видите, как его лично интерпретируете.  Данное правило работает, потому, что вы не ориентируетесь на чужое произведение, не повторяете манеры рисования автора. Здесь придется искать и вырабатывать собственную методику.

Развивайте фантазию, создавайте уникальные элементы, экспериментируйте. Оригинал — всегда лучше и ценнее копии.

Импрессионизм, Винсент Ван Гог

3. Тренируйте насмотренность. Сравнение с другими художниками может губительно влиять на ваше творчество. Но отслеживание работ, которые вам нравятся, помогает расширить горизонты и развить «насмотренность глаза». Изучайте произведения известных мастеров настоящего и прошлого.  Проанализируйте, чем привлекает вас эта картина? Какие элементы цепляют и заставляют обратить на них внимание? Как составлена композиция (тональность, линии, фактура)?

Посещайте выставки, музеи, насыщайтесь атмосферой искусства. Часто изображение, взятое из интернета или другого источника, не в силе передать все нюансы работы. Рассматривайте картины вживую, сравнивайте. Только так вы поймете, к чему у вас больше «лежит душа». Черпайте из того, что близко для вас, комбинируйте, сочетайте. Превратите свое творчество в гибрид внутренних и внешних влияний.

Сюрреализм, Сальвадор Дали

4. Старайтесь наполнять каждый свой день впечатлениями. Даже если не получается путешествовать в другие страны, попробуйте изучить свой родной город — уверенна, вы откроете для себя что-то новое и интересное.

   Впитывайте из окружающего мира то, что вас радует, пропускайте через себя. Не бойтесь применять в своем творчестве что-то от других. Формируйте собственное мировоззрение и воплощайте в живописи.

Романтизм, Эдмунд Блэр Лейтон

Ищите понравившиеся техники и стили не только на полотне, но и в музыке, фильмах, отдельных строчек любимых книг. Когда вы чувствуете новые эмоции, задумайтесь над тем, что вы хотите нарисовать именно сейчас. Подберите несколько цветов из любимой палитры, которые соответствуют вашему настроению, и начните творить.

5. Попробуйте раскрыть одну и ту же идею по-разному. Например, если вы влюблены в море и подобно Айвазовскому, хотите изображать его на своих картинах — постарайтесь написать его в разных стилях и посмотреть, что больше отзовется. «Набивайте руку», практикуйтесь в разных направлениях.

   Сравнивайте, что получается у вас лучше, что нужно доработать. Выбирайте то, что пишется легко и непринужденно.Чтобы найти художнику свой стиль, необходимо любить свое творчество. Не нужно искусственно выдумывать или притягивать его. Больше рисуйте, стремитесь к точности интерпретации и выразительности идеи.

Реализм, Иван Шишкин

Ваши мысли и форма их выражения должны существовать совокупно. Тогда у ваших работ появятся объединяющие черты и сформируется авторский стиль. Даже если пока нету единства содержания и формы, продолжайте развиваться. Трудолюбие и увлеченность помогут вам определиться.

Самые популярные стили живописи | Арт Новости | Современное искусство | Картины

Автор: Нона Султанян, Art News

Самые популярные стили живописи: импрессионизм, экспрессионизм, кубизм, модернизм, неоклассицизм, поп-арт, романтизм, реализм, сюрреализм, символизм.

Существует просто огромнейшее разнообразие направлений и стилей в изобразительном искусстве. Зачастую они не имеют каких-либо выраженных границ и плавно могут переходить из одного в другой, при этом находясь в непрерывном развитии, противодействии и смешении. Большинство направлений в живописи сосуществуют одновременно именно по этой причине – «чистых стилей» практически не бывает. Представляем вам самые популярные стили живописи на сегодняшний день.

Импрессионизм

Импрессионизм получил свое название благодаря картине «Impression, soleil levant» Клода Моне. Импрессионизм – стиль живописи, который, как правило, направлен на работу на открытом воздухе. Живопись в данном направлении призвана передать световое ощущение мастера.

К ключевым характеристикам импрессионизма относятся: тонкие, относительно небольшие, еле видимые мазки; точно переданное изменение освещения; открытая композиция; присутствие какого-либо движения; необычное видение предметов.

Яркие представители импрессионизма: Пьер Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне.

Узнайте больше: Импрессионизм

---

Экспрессионизм

Экспрессионизм – одно из современных направлений искусства, которое зародилось в Германии примерно в первой половине XX века. Вначале экспрессионизм охватывал только поэзию и живопись.

Экспрессионисты обычно изображают окружающий мир лишь субъективно, полностью искажая реальность для еще большего эмоционального эффекта. Таким образом, они заставляют своего зрителя задуматься.

Яркие представители экспрессионизма: Амедео Модильяни, Эдвард Мунк, Эрнст Людвиг Кирхнер.

Узнайте больше: Экспрессионизм

---

Кубизм

Кубизм – это авангардное направление искусства, которое зародилось в XX веке благодаря знаменитому Пабло Пикассо. Поэтому именно он и является самым ярким представителем этого стиля. Отметим, что данное направление произвело революцию в скульптуре и живописи Европы, вдохновив также схожие направления в архитектуре, литературе и музыке.

Для произведений искусства в этом стиле характерны перекомбинированные, ломаные предметы в абстрактной форме.

Яркие представители кубизма: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Фернан Леже.

Узнайте больше: Кубизм

---

Модернизм

Модернизм демонстрирует совокупность разных тенденций культуры, а также ряд объединенных направлений искусства, которые зародились в XIX и XX вв.

Живописцы называют модернизм «иным искусством», цель которого создать уникальные, ни на что не похожие картины, то есть они показывают особенное видение художника.

Яркие представители модернизма: Анри Матис, Поль Синьяк, Казимир Малевич.

Узнайте больше: Модернизм

---

Неоклассицизм

Неоклассицизм являлся главным направлением в Северной Европе примерно XVIII и XIX вв. , для которого характерно искусство эпохи Возрождения, античности и даже классицизма.

Благодаря своим глубоким знаниям церковных законов, мастера неоклассицизма старались реконструировать, а также вводить каноны в свои работы.

Яркие представители неоклассицизма: Николя Пуссен, Лоуренс Альма-Тадема, Антон Рафаэль Менгс.

Узнайте больше: Неоклассицизм

---

Поп-арт

Поп-арт, как стиль искусства, возник примерно в 1950-х в Великобритании и чуть позже в Америке. Говоря о поп-арте, просто нельзя не вспомнить Энди Уорхола, который является одним из наиболее популярных представителей данного направления.

Основной темой поп-арта выступают обычные предметы. Он акцентирует внимание на вульгарных и банальных элементах любой культуры, как правило, иронизируя их. Поп-арт довольно популярен в различных аспектах массового искусства: комиксах, рекламе и т. д.

Яркие представители поп-арта: Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Ричард Гамильтон.

Узнайте больше: Поп-арт

---

Романтизм

---

Реализм

Реализм возник как реакция на академизм и романтизм, впервые проявив себя в 1850-х во Франции. Художники-реалисты обычно старались изобразить различные предметы через призму мирских правил. Они были лишены каких-либо объяснений и приукрашиваний.

Реализм верил лишь в существование объективной реальности, поэтому протестовал против сильной эмоциональности романтизма. Точность и истина были главными целями в творчестве большинства представителей данного стиля.

Яркие представители реализма: Илья Репин, Иван Шишкин, Жюль Бретон, Эдуард Мане.

Узнайте больше: Реализм

---

Сюрреализм

Сюрреализм – это обнажение психологической истины с помощью отделения предметов от их обыденного значения с целью создать сильный образ, дабы вызвать сопереживание зрителя.

Яркие представители сюрреализма: Макс Эрнст, Рене Магритт и Сальвадор Дали.

Узнайте больше: Сюрреализм

---

Символизм

Символизм – это некий протест в пользу духовности, мечтаний и воображения, развившийся в некоторых странах Европы в конце XIX века.

Художники-символисты произвели достаточно сильное влияние на сюрреализм и экспрессионизм в живописи. Эти два направления произошли непосредственно от символизма.

Яркие представители символизма: Михаил Врубель, Гюстав Моро, Хуго Симберг, Виктор Васнецов.

Узнайте больше: Символизм

Предыдущая статьяКак стать программистомСледующая статьяТарелка в технике квиллинг своими руками

Как художнику найти свой стиль в рисовании

Все, кто любит рисовать на начальном этапе творчества сталкиваются со сложной задачей — поиск собственного стиля. Это касается не только начинающих художников, но и мастеров со стажем.

Наглядный пример индивидуальности стиля — 30 самых влиятельных современных художников. Здесь вы найдете список самых известных современных художников https://www. virtosuart.com/blog/30-most-influential-contemporary-artists. Современное искусство охватывает мир сегодняшнего дня и влияет на вектора движения на предстоящие годы. К современному искусству прилагаются произведения со второй половины 20-го века по сегодняшний день. С истечением времени интересно узнать о современных художниках, которые оставят после себя культурное наследие для будущего человечества.

Творчество великих художников всегда вдохновляет и служит мощным толчком в развитии. Собственный стиль рисования есть у каждого человека. Он включает в себя: философию автора, технику, манеру письма, жанр. В разные периоды творчества он меняется в зависимости от изменений мировосприятия художника, его образа жизни, происходящих событий в социуме. Процесс формирования стиля требует времени. В картинах отражаются личные переживания автора, идеи, посыл публике, отношение к изображаемому.

Интересуйтесь художественной литературой, историей изобразительного искусства, формируйте свою позицию, развивайте чувство вкуса. С ростом технического мастерства расширяйте кругозор знаний. Не зацикливайтесь только на развитии стиля. Оттачивайте технику рисования. Развитие происходит от картины к картине. Существует масса сообществ и социальных сетей художников. Выкладывая в них свои картины, узнавайте мнение о них, прислушивайтесь к советам профессионалов.

Трудолюбие, терпение, целеустремленность, увлеченность сделают свое дело. Посещайте художественные галереи, музеи. Участвуйте в граффити-фестивалях, баттлах, групповых экспозициях. Проявляйте свои таланты, заявляйте о себе в арт-тусовке. Общение в кругу единомышленников способствует рождению новых проектов, совместных задумок. Когда произведения художника становятся узнаваемы, с уверенностью можно заявить о наличии у него уникального стиля.

Эксклюзив! Как найти свой стиль в рисовании за 9 дней ~ Онлайн-школа рисования и творчества Марьяны Брюхановой

• Хотите, чтобы ваши скетчи были больше, чем просто рисунки?
• Готовы узнать главный секрет великих художников?

Найдя свой стиль, художник становится истинным Творцом…

Работы художника с собственным стилем становятся узнаваемыми, выше ценятся, выделяются среди других. Стиль проявляет уникальность, неповторимость, индивидуальность.

Какого бы известного художника мы не взяли, его работы всегда легко распознаются, и ценятся почитателями именно за самобытность.

Сначала мы учимся передавать на бумаге окружающую реальность, затем начинаем искать способы создания своей реальности.

Поиск собственного стиля — это творческий процесс переработки того, что мы видим, во что-то новое, отличающееся от обычного. Это усиливает впечатление от работы или даже создает совсем другое.

Существует много путей поиска своего стиля. Я перепробовала массу вариантов, пока нашла то, что мне ближе всего, то, что находит отклик в моей душе.

На прошлом вебинаре, который был после онлайн-марафона «Веселый Скетчер», мы пробовали один из способов — искали свою линию.

Линия — это лишь один из элементов проявления собственного стиля, наряду с цветом, стилизацией, композицией, особыми фишками и т.д. И все же вы лично смогли убедиться, как одна эта деталь влияет на общее впечатление от скетча.

За то время, что я занималась поиском своего стиля, я собрала лучшие техники, которые помогают нащупать свой стиль, определить уникальные особенности, отличающие ваши работы от прочих. И объединила их  в 9 последовательных уроков, по которым вы сможете пройти этот путь и найти тот самый свой стиль:

Урок 1. Как искать свой стиль

Урок 2. Техники для раскрепощения рук и глаз

Урок 3. Ищем свою линию

Урок 4. Стилизация

Урок 5. Итоговый урок №1. Первые результаты поиска своего стиля

Урок 6. Композиция

Урок 7. Цвет

Урок 8. Фокус и фишки

Урок 9. Итоговый урок №2. Определяем и описываем свой стиль.

От урока к уроку мы будем делать смелые, неожиданные, непредсказуемые техники, которые по-новому раскроют вас как художника, проявят вашу индивидуальность и помогут понять, что лежит в основе вашего стиля.

За 9 уроков вы:

• поймете, что у вас получается лучше всего, что больше всего нравится, и по каким принципам отбирать то, что будет определять ваш стиль,
• разберетесь, как вы хотите рисовать в дальнейшем,
• повысите свое мастерство и станете смелее в рисовании,
• выполните массу новых техник,
• определитесь, что отличает ваши работы, и в чем заключается ваш стиль, а значит, сможете рисовать по-новому и стать более успешным на пути художника.

Эта технология работающая и проверенная уже несколькими сотнями учеников. Когда мы сравниваем скетчи до прохождения уроков и после, вторые всегда отличаются уникальными проявлениями художника, как правило, они более смелые и узнаваемые.

Сейчас у вас есть возможность получить эти эксклюзивные уроки стоимостью $55 в ПОДАРОК!

Обратите внимание! На этих условиях мы можем принять еще 3 учеников. Поэтому, если вам важно не просто научиться рисовать, но и

через рисунок проявлять свою индивидуальность, раскрыть в себе художника-творца, успевайте присоединиться, пока действует самое выгодное предложение!

← Пред. пост След. пост→

Как найти свой стиль в рисовании инструкция от гуру.

Если вы озадачены поиском своего стиля в рисовании, то находитесь на верном пути. Индивидуальный стиль – это ваш личный бренд, который лучше запоминается зрителями и ассоциируется с определенной личностью и помогает продавать работы. В этой статье я познакомлю вас с основными составляющими собственного почерка художника и подскажу основные направления его поиска.

Оглавление:

1. Как влияют предпочтения в живописи на формирование личного стиля?
2. Уместна ли для вас идея выбора своего стиля, если пока плохо получается рисовать?
3. Узнайте, искали ли свой стиль великие мастера?
4. Что делать, если свой стиль найти не удается?
5. Что еще помогает выбору вашего стиля?
6. Упражнение для отработки своего стиля.
7. Вывод и определение дальнейших шагов.

Как влияют предпочтения в живописи на формирование личного стиля?

Я хочу у вас спросить: «Какой художник является для вас кумиром?» Я вынужден сразу уточнить вопрос, пока не услышал фамилии великих мастеров, начиная с Леонардо да Винчи, заканчивая Айвазовским. Я обожаю многих мастеров классической живописи. Я чувствую духовную связь с их произведениями. Это мое богатство. Но как художник, размешивающий краски на палитре, понимая всю сложность их техник, в своей практике ориентируюсь на мастеров с более простыми техническими решениями.

У меня возникает ощущение, что я могу их повторить. Пусть это получится не сразу, но тренировка займет не долгие годы, а неделю или две. Еще, что очень важно: темы их работ и манера исполнения созвучны моим вкусам и предпочтениям в творчестве на сегодняшний день.

Ваш тест художника может быть совсем простым: «Я бы хотел повесить эту работу у себя дома?» Если ответ да, то это точно ваш герой и фото его картин стоит сохранить в отдельной папке на ПК. Понимаю, что в итоге таких папок может собраться не три. Хорошо, не беда, но пусть их будет не более десяти. Все остальные только как справочный материал, но не в разряде фаворитов.

Выбирайте самую простую работу и пытайтесь повторить ее самостоятельно. Зачем это нужно? Начинающий художник не видит своего личного почерка и ему трудно представить идею картины в материале. Он не видит итога перед своим внутренним взором и двигается к заветной точке вслепую.

Это очень осложняет работу, сбивает с толку и не позволяет преодолеть промежуточные результаты работы, которые кажутся недостаточно хорошими, чтобы продолжать. В итоге даже не понятно, получилась ли картина. Нет эталона для сравнения, нет опыта для анализа и объективной самокритики. Копирование любимого автора решает эту задачу. Вы четко понимаете, куда и зачем движетесь, и есть с чем сравнить итоги работы.

Отмечу здесь еще один очень важный момент. На самом деле, у каждого человека есть свой личный почерк. Вы не исключение! Робкие движения, неуверенность начинающего мастера не позволяют ему раскрыться именно в эту минуту. Копирование созвучного по стилю мастера (вы же сами его выбрали) миксует в работе на полотне вашу разгадку его приемов и подмешивает туда действия собственной руки.

Вы чувствуете себя более свободным в рисовании, зная программу действий, которые диктует сам образец. Это и будет постепенно раскрывать ваш личный почерк. Усилить этот эффект после нескольких недель тренировки поможет следующее упражнение.

Вы берете следующую картину для копирования. Последовательность действий при написании работы не меняется, остается и выученное стилистическое решение, но вы немного меняете сюжет картины. К примеру, рисуете его в зеркальном отражении, самостоятельно фиксируя эскиз на холсте или копируя предварительный набросок на бумаге. Можно переставить дом, дерево, другие элементы сюжета, чтобы получить что-то свое.

Вы отрываетесь от первоисточника, проявляя способности своего творческого мышления. Следующим шагом на этом пути будет составление или зарисовка с натуры полностью своего сюжета. Вы будете писать в технике любимого мастера, но исполнять свое произведение. Постепенно автор, который вам помогал и сопутствовал вашему становлению «отойдет в сторону». Вы перестанете нуждаться в этой поддержке.

Что делать если вы ошиблись в выборе эталона и, попробовав писать в определенном стиле, разочаровались? Берем другого автора и пробуем копировать его. Здесь нужно понимать, почему вы отказались от ранее выбранного тренера? Важно, чтобы это была не лень и не уход от совсем мелкой неудачи. Знайте, что на начальном этапе что-то может не получиться. Не впадайте в метание и бесконечный поиск.

2. Уместна ли для вас идея выбора своего стиля, если пока плохо получается рисовать?

Мой дорогой друг, из опыта скажу: мне очень не нравится, когда начинающие авторы начинают «изобретать велосипед». Мне присылают на проверку работы, на которых изображены странные пейзажи, сочиненные не опытной фантазией, не развитым образным мышлением, без знаний композиции. С одной стороны, это творчество в чистом первозданном виде как наскальная живопись, с другой, странное бесполезное занятие.
Ну, открой любую репродукцию, попробуй скопировать форму дерева, попытайся размешать краски, подгоняя цвет. В этом случае, ты уже соприкасаешься с мастерством и учишься. В художественных вузах есть специальный курс копирования произведений живописи.
Студенты так учатся, разгадывая приемы в технике других мастеров. Вы спросите: «Что я теперь должен только копировать? Я хочу рисовать сам, свое». Пожалуйста, пиши свое, но ты посмотри, как решается отражение в воде, как пишется облако. Бери готовые решения и вставляй в свой сюжет. Но сегодня мы говорим о личном стиле в рисовании и мои рекомендации касаются именно этого.
Да, идея выбора своего стиля уместна и в том случае, если вы сейчас еще плохо рисуете. Следуя рекомендациям, описанным в первой и второй главе, вы точно облегчите свой путь к вершинам мастерства и потратите меньше времени, не изобретая, а пользуясь опытом других мастеров. Тем более, что сейчас XXI век и масса видео-уроков живописи с полными комментариями всех действий автора. Это делает процесс обучения как никогда комфортным и быстрым. Уверяю вас, в момент моего становления у меня не было такой возможности.

3. Искали ли свой путь великие мастера?

Если мы возьмем юношеские рисунки Шишкина или Серова, то увидим, что и тогда они отличались исполнительной мощью, а со временем их направление, их живописный язык только креп и становился более виртуозным. Мы можем найти и другие примеры, когда в руку мастера с ранних лет была встроена определенная техника, которую нужно было совершенствовать в течение всей жизни.
Другим же покорителям муз приходилось долго искать свой почерк. Ранние работы К. Моне по почерку похожи на его импрессионистские решения, но все же это не импрессионизм. Почерк найден где-то в середине своей творческой карьеры. Отточен и донесен до зрителя.
Думаю, что если вы посмотрите на ранние и поздние работы П. Пикассо, то решите, что их создавали два разных мастера. Это же мы можем увидеть и у Эрнста Неизвестного и Поля Сезана. Для кого-то личный почерк это дар, а для кого-то осознанное решение работать в определенной манере с опорой на свои исходные данные.
Согласитесь, что перечисленные имена во многом создали свой собственный язык искусства.

4. Что делать, если свой стиль найти не удается?

Я умею работать в разных стилях, но точно не знаю, какой из них мой. При этом позади уже более 30 лет творческого поиска. Я люблю художников, узнаваемых «с первых нот». Но не является ли моя способность прекрасным даром? Являясь преподавателем живописи, я не ломаю ученика под себя, не клонирую свою творческую личность, а, обладая стилистической гибкостью, подстраиваюсь под стиль ученика и раскрываю его сильные стороны. Если вы не можете точно определить свой стиль, возможно вы по призванию педагог и природа бережет вас в этом амплуа.
Знайте, что в этом поиске не нужно давить на себя и стараться выжать какой-то стиль из своих действий на холсте. Написание работ личным почерком это спокойный, гармоничный, само проистекающий процесс. Все равно, что писать на бумаге шариковой ручкой сочинение. Когда-то в первом классе так трудно давались прописи, но теперь это естественный полет вашей руки.

5. Что еще может помочь выбору вашего стиля?

Скажите, вы знаете людей, которые не посещают галереи, музеи, театры, творческие проекты? Возможно, кто-то из них в детстве рисовал, но, если сейчас обратиться к ним с творческой задачей, они решат ее на уровне прикола, насмешки. Ничего стоящего мы не выжмем. Эти люди не находятся в творческом поле, не умеют сопоставлять стили, соотносить техники. Они живут, пользуются объектами созданными художниками (все изделия, созданные человеком, были сначала нарисованы), но сами не способны на этот вид созидательной деятельности. Я говорю о том, что творческая личность не имеет права существовать только в собственном соку. Насмотренность, способность отличить Моне от Мане, если не напрямую влияет на ваш стиль, то точно наполняют интеллект, который связан с психологией, а значит с физической моторикой; а значит и с личным стилем. Как мы будем, к примеру, говорить об импрессионизме, если вы никогда не видели фотокартин Клода Моне и не читали его биографию. Вы даже близко не сможете процитировать в своей живописной работе приемы этого мастера. Воспитание вкуса, общение с прекрасными творениями прошлого обогатит вас и точно не помешает в становлении индивидуального почерка.

6. Упражнения на выработку своего стиля в рисовании.

Когда вы уже приобрели небольшой опыт в рисовании, вам поможет упражнение на выполнение скоростных набросков. Это может быть рисование отдельных предметов интерьера или наброски людей. Возьмите карандаш, пока ваши близкие занимаются своими делами – это лучшие модели. Зарисовывайте их в свой альбом. Делайте это быстро. Не нужно стремиться к сходству, вырисовывать элементы одежды. На каждый набросок 2-3 мин. Пусть что-то не получается, нет аккуратности, попадания в форму объекта, но через все это уже просматривается ваша природа, ваш стиль.
За один подход нужно делать не менее 8-12 рисунков. Только на 7 рисунке вы начнете раскрываться и не думать о результате. Спонтанная, стремительная линия, полет мысли – это главные составляющие вашего поиска. Если проделывать такие упражнения регулярно, вы не только усовершенствуете свое мастерство рисовальщика, но и увидите свой почерк, таким, какой он есть.
Позже, это же упражнение можно выполнить, используя акрил. Здесь можно увеличить время наброска до 15 минут. Это все равно должен быть короткий сеанс без деталировки изображения. Поверьте – это работает!

7. Вывод и определение дальнейших шагов.

Подводя итог вышесказанному, мы можем с уверенностью отметить, что личный почерк есть у каждого человека, он заложен в нас природой. Его совершенствование или доработка с тонкой стилистической настройкой осознанный направленный процесс. В нем может сочетаться и свое спонтанное действие и «подсказки мастеров» при копировании их произведений, выбранных по принципу «Я думаю, что так смогу».
Далее подкрепление своих находок идет в сторону обогащения своего внутреннего мира. Необходимо посещение галерей, музеев, театров, участие в живых мастер-классах. Чувство вкуса нельзя купить, но его можно в себе воспитать. Не плохо познакомиться с человеком, который обладает этими качествами, и время от времени консультироваться по возникшим вопросам. Ну, и ваша практика, как автора, каждый день ведет к цели.
Как вы узнаете, что нашли свой стиль? Однажды к вам подойдет знакомый и скажет, что видел ваши работы на выставке.
Вы спросите: «А как ты узнал, что они мои?»
Ответ: «Да ты что, твои работы сразу видно!»
Поздравляю, вы на верном пути!

Бесплатный курс живописи акриловыми красками по подписке здесь —>>>

О реализме, фотореализме и стиле вообще

«Я знаю, что анатомия неправильная, но таков мой стиль», «У этого рисунка нет стиля», «Мне нравится ваш стиль». Мы часто используем слово «стиль», не до конца понимая его значение. Мы понимаем его на подсознательном уровне, как «любовь» или «искусство», но не так уж легко конкретно определиться, что это.

В этой статье я попыталась проанализировать стиль: что это? Можно ли его осуждать? Все ли стили одинаково хороши? Может ли стиль скрыть недостаток таланта? Что делает стиль реалистичным? Что неправильного в копировании чужого стиля? И, самое важное, как мы можем развить наш собственный стиль?

Ответы на эти вопросы заложены в самом рисовании. Если вы никогда не пытались понять что такое рисование, выводы могут удивить вас!

Стиль? Что это? Я даже рисовать не могу!

Или можете? Леди и джентльмены, с удовольствием представляю вам урок по тому, как рисовать!

Шаг 1

Возьмите что-нибудь, что красится, когда на него надавливают (карандаш, например).

Шаг 2

Надавите этой вещью на материал (что-нибудь твердое типа бумаги, дерева и т.д.).

1 –надавливание

Шаг 3

Передвиньте ту штуку с силой, чтобы оставить след.

1 – надавливание, 2 – перемещение

Звучит абсурдно? Но это на самом деле рисование! В основном определении нет ничего о красоте или реализме. К сожаленью, каждый может рисовать – даже слепой!

Это рисунок!

Однако, полное и объективное определение рисования связано с кое-чем более туманным – стилем. Рисование даже чаще ассоциируется с одним конкретным стилем: реализмом. Каким-то образом ценность рисования была связана с тем, насколько оно реалистично. Когда ребенок слышит, что у него есть талант к рисованию, это не, потому что его линии аккуратные, или ему удалось закончить картину без резинки – это только потому, что люди могут понять, что он нарисовал!

Возможно, это талант. Возможно – упорство

Когда кто-то говорит «Я не умею рисовать», он, скорее всего, говорит не о неумении держать карандаш, недостатке времени или еще о чем-нибудь, он подразумевает «Я не знаю, как отобразить реальность на листе бумаги». Если он это осознает, проблема этого человека станет легко решаемой: если ты не знаешь, как сделать что-то, найди того, кто умеет, и научись этому от него! Однако выражение «Я не умею рисовать!» используется не равнозначно «Я не умею плавать/говорить на китайском/играть в шахматы (пока)».

Это сигнал безнадежной неспособности: «кто-то там умеет рисовать, а я нет». Откуда взялось это отчаяние?

Как мы говорили, есть 2 определения рисования: оставление следов на материале и создание этих следов, но уже похожих на что-то реальное. Смешение этих значений может стать фатальным для начинающего художника. Вы знаете, как легко рисовать (ведение карандашом по листу бумаги), но в то же время вы не можете это сделать (нарисовать дракона, например). Как еще вы можете это объяснить, если только те люди, которые умеют рисовать, не обладают секретной магией?

Базовый рисунок и рисунок со стилем

Только что вы сделали первый шаг к пониманию того, что такое «талант». Талантливый человек не тот, кто «родился с уже готовыми навыками». Талант – это предрасположенность к чему-нибудь, не ограничиваясь только искусством.

Давайте приведем пример. Управление самолетом это легко, так? Вам всего лишь нужно сидеть, передвигать рычажки и нажимать кнопки время от времени. … Нет, конечно, никто так не скажет. Мы все можем догадаться, что чтобы управлять самолетом нужно, обладать огромными знаниями. Талантливый пилот не родился с этим – однако, он мог родиться с чем-то меньшим: хорошими рефлексами или хладнокровием. Эти маленькие вещи могут помочь ему во многих профессиях, и если он станет пилотом, они хорошо послужат ему.

Талант в практический профессиях проще ассоциируется с изучаемыми навыками. Даже когда вы говорите, что пилот или водитель имеет талант, вы подразумеваете это, как вишенку на торте, что-то, что делает их хорошими пилотами и водителями. Но для художественных профессий… ну, тут другая ситуация. «Ваши работы прекрасны, вы так талантливы!» говорят люди каждому хорошему художнику, подразумевая, что талант – это обязательно хорошо рисовать. И если вы не можете хорошо рисовать, это, наверно, потому что у вас нет таланта – вы обречены, как художник. Хорошая причина чтобы отчаяться, не так ли?

А – водитель, В – художник; 1 – плохой, 2 – хороший, 3 – талантливый.

Давайте повторим еще раз – нет такой вещи, как «талант к рисованию». Как в примере с пилотом, вы можете родиться с маленькими, общими качествами, такими как терпение, чувствительность, любопытство, перфекционизм или упрямство. Их может быть и больше, но объединяет их только одно – они не специфичны, не разработаны для одного конкретного навыка, но влияют на различные области деятельности. Вы можете использовать их, чтобы стать хорошим художником – но они не необходимы. Вы можете стать программистом или часовщиком, и никогда не касаться карандаша.

Я верю, что большинство этих качеств, применимых к рисованию, могут использоваться и по-другому. Что важно вам понять: рисование должно активно изучаться – это не магия, это навык, которому учиться надо так же, как и управлять самолетом. Я серьезно! Вам нужно научиться основам не только дизайна, но и медицины, архитектуры, математики и физики. Но прежде того, как мы поймем, что на самом деле такое рисование, давайте перейдем к тому, чего вы прежде делать, вероятно, не могли – реалистичному рисованию.

Реализм

Вообще, реализм — это стиль создания чего-то в нашем мозгу, что определяется как «реальное» или близкое к реальному. Мы легко можем назвать скульптуру реалистичной, но что насчет плоского листа с чем-то расплывшемся на нем? Как это может быть опознано, как что-то реальное? Я описала это здесь, но сейчас я бы хотела уточнить эту тему.

Наш мозг создает реальность, которую мы воспринимаем, как серию двухмерных снимков, создающихся каждую долю секунды. Глубина же создается сравнением 2 снимков, взятых в один и тот же момент времени, но немного с разной позиции (это не единственный способ создать глубину, ведь, даже с одним глазом, мы можем справится с этим очень хорошо). Поэтому, рисунок может считаться «мозговым снимком», выставленным всем на обозрение.

Отсюда несколько проблем:

• Хоть все «снимки» и сохраняются в нашем мозгу, наше сознание недостаточно быстро, чтобы процессировать их все. Как мы не видим отдельного кадра в фильме, мы не можем заметить и один «снимок» – мы видим только движение, создаваемое изменениями между ними.

• Реальность, которую мы видим, состоит из многих различных «снимков», которые постоянно меняются. Одно движение головы и ты понимаешь, насколько большим будет предмет, если подойдешь ближе (даже если он выглядит маленьким сейчас). Перспектива – неотъемлемая часть нашей реальности – мы не можем вообразить мир без нее. Даже если перспектива существует только в нашем мозгу!

• Невозможно нарисовать реальность – один «снимок» не сделает этого. Следовательно, каждый рисунок это какой-то компромисс и симуляция реальности – обычно несколько снимков объединяются в один, чтобы сделать наше видение полным.

• Вы не можете двигать ваши глаза в одном «снимке». Вы можете только смотреть на что-то, находящееся в вашем фокусе (предмет входит в фокус, когда вы посмотрите на него, изменяя всю сцену). Поэтому рисунок – замороженный «снимок», и когда вы смотрите на это, вы не можете видеть то, что видел рисовальщик.

Существует много уровней реализма. Наш мозг хорошо адаптирован для наблюдения шаблонов, так что мы можем видеть вещи, которых на самом деле здесь нет, как, например, лицо на Марсе или знаки, нарисованными чайными листьями. Вот почему сравнительно легко достичь базового уровня реализма без слишком долгого обучения – наш мозг простит это. Одним из признаков «таланта к рисованию» может быть возможность создавать эти шаблоны очень эффективно – но это не навык, это только догадки. Если вы нажимаете случайно несколько кнопок и заставляете этим машину заработать, это не значит, что вы управляете ею!

Разницу между талантом к созданию шаблонов и реальным навыком легко обнаружить – если вы привязаны к каждому симпатичному рисунку и боитесь, что никогда не нарисуете так больше – это результат таланта. Мастерство не берет удачу за основу!

Линии слева были полностью случайными!

Уровни реализма создаются разными элементами, за которые цепляется наш мозг, ища что-то, чтобы распознать это. Некоторые из них важнее других, и они могут отличаться у разных людей.

Контуры

Линии – значение рисунка. Однако, они не то же самое, что и контуры – контур это линия, которая означает разделение между чем-то «внутри» и «снаружи». Мы очень хороши в видении контуров, даже если их не существует в природе в виде линий. Они полностью произвольны, каждый художник может использовать разные контры для одного объекта.

Это первый этап, на котором появляется стиль. Если что-то произвольно, каждый может создать свою версию этого предмета – и ни одна их них не будет более или менее правильна. Нужно добавить другой стандарт, чтобы судить по нему. Это мы и делаем обычно – мы используем ярлыки, на подобии «реалистично» (очень напоминающий что-то реальное), «мультяшно» (немного линий, символичные фигуры) или «манга» (характерный японский стиль).

Если различие между реальностью и мультфильмом настолько велико, почему каждый не-реалистичный стиль выглядит правильным и приятным глазу?

Каждый стиль приходит от искажения Реализма

Если вы хотите нарисовать кота, вы не можете нарисовать что-то совершенно новое и сказать, что это кот (если только вы не сюрреалист – но даже в этом случае вашей целью должно быть не нарисовать кота). Вам нужно взять все специфичные черты котов и скомбинировать их, чтобы создать новую версию животного. И вам нужно знать правила, чтобы разрушить их. Если вы никогда не рисовали кота прежде, и никогда не изучали его анатомии и пропорции, не ждите, что ваш рисунок будет правильным. Это, как с моделью машины – если вы не можете построить оригинал в первую очередь, вы не можете сделать и свою версию.

Каждый стиль основан на Правилах

Все должно иметь замысел – вы не должны случайно передвигать элементы. Вот почему начинающие художники обычно имеют проблемы с перерисовыванием их персонажей – первый рисунок – результат догадки, и даже если он выглядит хорошо, художник не понимает почему!

Если ваш «стиль» не основан на правилах, это не стиль. Стиль можно описать – и если ваш не имеет правил, как вы можете описать его? «Стиль Х характеризуется… ну, на самом деле это было нарисовано Х». Здесь не больше смысла, чем в характеристике  машины Y: «это выглядит, как машина Y». «Спонтанность», «случайность» или «безумие» не совсем хорошие слова для описания стиля. Здесь должно быть больше определений – рецепт, который вы можете использовать снова и снова – даже если вы единственный человек, знающий все о своем стиле.

Правила делают стиль повторяемым; именно на его основании. Одна картинка не создает стиль, их должно быть больше. Это приносит нам следующую проблему:

Стиль сознателен

Вы можете подумать «ты говорила стиль приходит из реализма, но что насчет абстракционизма?»

Во-первых, искусство не равно стилю. Это гораздо обширнее и мы не будем говорить о нем здесь..Что важно для стиля – он может быть описан на многих уровнях детализации. Образец «Дерево» можете выглядеть как: рисунок – черное и белое – манга – (сюда поместите конкретные правила). То же самое с абстрактным искусством: рисование – цветное – абстрактное – (сюда поместите конкретные правила).

Во-вторых, это может прозвучать спорно, но я считаю, что и абстракции произошли от реализма – это его отрицание. Чтобы создать что-нибудь абстрактное, вы нуждаетесь в знаниях о том, что такое неабстрактное. Если вы хотите нарисовать темную картину, вам нужно знать, какие цвета вам нужны – вам нужно знать, что не темное. Кот не выглядит котом, потому что вы не научились рисовать не абстрактно – это просто ошибка. Когда финальная картинка полностью отличается от того, что в вашей голове, и вы притворяетесь, что этого вы и хотели, вы только обманываете себя.

Может, я выхожу из своей компетенции здесь: определение искусства настолько неуловимо, что кто-то может назвать это пятном, состоящим из красок, брошенных на стену (это потому что искусство настолько случайно и непреднамеренно). До тех пор, я не назову случайность стилем – и даже если я делаю это, определение стилем будет «рисунок, который не был намерением художника». Не хотите ли вы поделиться своим стилем с 2-х летним?

Это мама, папа и Бади. Возможно, вы не можете распознать их, но это мой стиль.

Золотое сечение – мера красоты

Это большая тема, но определенно стоящая изучения. В основном, это пропорции, которые заставят ваши предметы выглядеть хорошо – и наоборот, предметы выглядят плохо, без конкретных пропорций. Наш мозг как-то подстроен под золотое сечение – вы не можете изменить его. Чистая математика имеется в каждом цветке и листочке, и та же математика должна быть применена ко всему, что вы создаете, чтобы ваш мозг распознал это, как верное, даже если ваш рисунок не реалистичен.

Конечно, могут и должны быть маленькие различия (идеальная красота скучная, а небольшие дефекты могут быть приятными). Но основное «тело» вашего объекта должно следовать этим правилами, хотя бы примерно. Так что даже когда вы меняете голову, чтобы нарисовать ее в мультяшном стиле, есть некоторые размеры, которые должны всегда выглядеть хорошо, а некоторые нет – возможность видеть их без измерений может быть еще одним признаком «таланта», но этот приходит и с практикой.

Пропорции между А и В такие же, как между А+В и А

Адаптация

Есть одна вещь, которая может сохранить ваш стиль, неважно насколько он безумен и далек от реализма. Это зовется адаптацией – когда вы смотрите на что-то необычное часто, это становится нормальным для вас (но не для других). Так что если вы показываете ваши рисунки одним и тем же друзьям на протяжении долгого времени, они могут начать понимать их. Их оценка  может привести к ложному предположению о наличии у вас стиля, но он до сих пор не понятен другим. Не запирайте себя в зоне комфорта, но, вместо этого, слушайте мнения других людей, не только ваших фанатов. Это единственный путь развиться, как художнику.

Есть и другая сторона адаптации. Мы, как правило, учитываем только те вещи, с которыми мы знакомы как с «нормальными». Вот почему даже правильно нарисованный, но малоизвестный динозавр может выглядеть анатомически неправильным, и анатомия кошки по отношению к лемуру может пройти незамеченной. Забавный факт: те же 4 ноги, те же уши, размещенные в верхней части головы более оправданы, чем три ноги и уши на макушке – это только потому что подобное часто встречается в нашем мире и, таким образом, воспринимается как естественное.

Длинный полосатый хвост? Есть! Черная маска на голове? Есть! Круглые глаза? Есть! Тонкое тело? Есть! Все верно – это должен быть лемур

Свет и тень

Первой целью видения была способность различать свет и тень. Мы до сих пор чувствительным к этому. И нам не нужны контуры, чтобы видеть форму, если даны свет и тень. Это может быть новой стадией рисунка (затемнение с помощью линий) или первой стадией живописи.

Мы заметили, что есть несколько элементов, которые могут относиться к «таланту к рисованию», как терпение, перфекционизм, способность создавать шаблоны и распознавать пропорции. Талант к живописи встречается гораздо реже. Его основой будет «глаз для наблюдений». Идея о том, что мир создан из контуров, настолько закреплена в нашем мозгу, что очень трудно увидеть фигуры, созданные светом и тенью. Вам нужно приложить реальные усилия, чтобы визуализировать мир таким, какой он на самом деле – покрытый светом и тенью. И даже тогда попытка живописи может привести к боли в мозгу (у меня, по крайней мере). Однако это того стоит – рисунок со светом и тенью выглядит гораздо реалистичнее для наших глаз, чем сложный и изысканный шедевр, состоящий только из контуров.

Свет и тень, и формы, которые они создают, так же открыты для стиля, как и контуры. Размер и форма кисти обводки дают вам шанс создать бесконечное число полностью различающихся интерпретаций увиденного. Когда вы добавляете ваше собственное видение света и тени, вам не нужно бояться не быть понятым. Прочитайте больше о свете и тени здесь— и удивитесь, как вы можете использовать эти правила для создания вашего собственного стиля.

Цвет

Цвет это отличное добавление к зрению, приносящая много новой информации. Сейчас, помимо освещенности, мы получаем оттенок, насыщенность и яркость. Чем больше элементов составляют картинку, тем больше возможностей для создания индивидуального стиля.

Вы можете быть реалистичным – но не обязаны. Я часто вижу художников, которые хороши в реалистичном рисовании (контуры) и потом берут самые реалистичные цвета – все так, как на самом деле. Это не необходимо, даже больше, это приносит вас ближе к скучному фотореализму! И проблема с фотореализмом (давайте поговорим о нем попозже) – это стиль, который выглядит одинаково, независимо от того, кто его использует. Если вы хотите свой отличительный стиль, чтобы он был полностью вашим, экспериментируйте с правилами. Вам нужно знать их, конечно, изучайте природу и объекты вокруг вас, но потом поменяйте то, чему вы научились. Создайте собственные правила!

Apofiss – стиль этого художника великолепный пример игры с реальностью

Детали

Это может быть удивительно, но детали не важны для реалистичного рисования. Поскольку мы действительно не видим картинки в нашем мозгу, и картина – всего лишь симуляция предполагаемой сцены, мы можем по-разному создавать ее. Рисование всего так, как это выглядит в одну долю секунды, только лишает вас чувства ситуации. Значение распределено на несколько снимков. И, если вы хотите нарисовать картину, не создавай кино или анимацию, вам нужно использовать несколько трюков.

Способность передавать движение в неподвижной картине может быть еще одной частью таланта. А детали могут помешать вам достигнуть этот цели. Когда мы видим, прежде всего вы замечаем некоторые нематериальные ощущения – мы видим движение, борьбу, свет на мече, красную кровь – но не каждый волосок в бороде воина или его мастерские украшенные доспехи.

Здесь только пятна света и тени. То, что вы видите здесь, зависит только от вас!

Столько пространства для стиля, между бесформенностью тени и детализированностью какой-либо сцены. Бесконечное количество путей достичь «чувства». И когда вы жертвуете деталями, вы можете очень легко найти свой стиль. Есть только один способ рисовать детали реалистично – и бесконечное число способов создать только их ощущение.

Фотореализм

В чем разница между реализмом и фотореализмом? До сих пор мы обсуждали снимки в мозгу. Что если кто-нибудь сделает их реальной камерой? Фотографии стали полностью нормальными для нас. Мы воспринимаем их как реальное представление реальности, не понимая, что камера не работает точно так же как наши глаза и мозг. Мы настолько привыкли к фотографиям, что они иногда становятся более реалистичными для нас, чем реальность, сама по себе!

Фотореализм не высшая форма реализма. Это только создание вещей настолько тщательное, что они могут быть перепутаны с фотографией. Но, давайте повторим еще раз, фотография – не то же самое, что снимок в нашем мозгу – камера не ловит иллюзию и не устроена так, как мы привыкли думать. Как часто вы уставали фотографировать что-то, не получая в результате того, что вы видите это (луна, закат)? С небольшими знаниями фотографа вы можете зафиксировать это, но сейчас можно пойти дальше и создать расширенную реальность – что-то, что воспринимается лучше, чем просто глазами! И я не говорю о фото манипуляциях – камера сама по себе может быть настроена видеть мир разными способами. И когда вы добавляете собственный свет, не встречающийся в природе, вы получается привлекательный, но нереалистичный эффект. Обучение на фотографиях может и не приблизить вас к реализму.

1 – реализм, 2 – фотореализм

Вы можете сказать «но фотографии такие реалистичные, так что это одно и то же». Неправильно – вы только думаете, что они реалистичны. Сделайте снимок, а потом просто смотрите на это место – разница бросится в глаза. Это технические различия, такие как блики (это не происходит в наших глазах так, как в фотоаппарате), или форма зоны вне фокуса (мы смотрим двумя глазами, поэтому эта область не только размыта, но так же состоит из двух изображений). Но так же более неуловимые – камера ловит только то, что есть, но наш мозг может сделать это гораздо реалистичнее. В не сможете сфотографировать что-либо глазом, полным слезами, или глазом напуганного человека, бегущего через темный лес ночью. Мы не только видим, мы так же чувствуем – а фотографии игнорируют последнее.

Еще одна вещь: я говорила раньше, что невозможно нарисовать реальность. В то же время, камера пытается идеально передать реальность. Это не делает фотографии более реальными, чем то, что мы видим – они слишком объективны и лишены очень важной части реальности. Как будто поход в ресторан это только путешествие в дорогое место, чтобы утолить голод, реальность состоит не только из визуальных сигналов.

Местность под небом на самом деле не такая темная, и цвета могут быть не такими яркими

Конечно, это не значит, что фотореализм неправильный. Я просто хочу противостоять тому убеждению, что реалистичный художник должен быть настолько близко к качеству фотографии, насколько это вообще возможно. Это два разных стиля, и не один из не «лучше» или «выше». Очень важно наблюдать мир просто глазами и не полагаться только на фотографии. Я знаю, их проще найти, но иногда собирание листьев и создание эффекта поверхностного рассеивания света вашими силами, может научить вас большему, намного большему. Учась и на реальности, и на фотографиях вы сможете создать полностью новый и уникальный стиль.

Рисование из головы

А что насчет вещей, которые не существует на самом деле? Возможно, нарисовать их реалистично или в любом другом стиле, происходящим от реализма? Да, но вам нужно нарисовать их так, как если бы в нашем мире они были бы реальными. Вы скажете: «но я хочу использовать нереалистичный стиль, например, дракон с тонкими ножками, как спички, и большой круглой головой. Хорошо, но заметьте, что вы используете «ноги» и «голова». Это вещи из нашего мира, с точным определением. Это отправная точка для ваших созданий. Вам необходимо знать, как рисуется голова, даже, если вы хотите создать новый вид головы.

Между прочим, я хотела бы уточнить один вопрос: почему вы не можете нарисовать, что-то реалистично, даже, если вы знаете, как это выглядит? Вы можете очень четко представить лошадь, но на бумаге она выглядит полностью неправильной. Не это ли недостаток таланта.

Нет, здесь мы снова смешиваем два разных процесса: выявление и создание. Давайте посмотрим на этот псевдо-код:

Идентификация:

1

2     если (ноги == «длинные, тонкие, к копытами»

3    И

4     тело == «большое, сильное»

5     И

6     голова == «вытянутая»

7     И

8     хвост == «длинный»)

9     тогда

10    животное = лошадь

Когда вы видите животное с набором качеств, которые хранятся в вашем мозгу, как принадлежащие лошади, вы узнаете лошадь. Просто, не так ли? Вам не нужно знать каждую деталь лошади, чтобы понять, кто это – лишь некоторых достаточно. То же самое происходит, и когда вы визуализируете лошадь в вашем воображении – вы не видите каждую деталь, о которой вы даже понятия не имеете, а ваш мозг скрывает этот недостаток.

Создание

1 если (животное == лошадь)

2 тогда

3 ноги = х;

4 если (х == «с копытами»)

5 тогда

6 ширина копыта = ?;

7 высота копыта = ?;

8 закругленность копыта = ?;

9 длина ног = ?;

10 ширина ног = ?;

11 высота ног =?;

12 длина тела = ?;

13 ширина тела = ?;

14 высота тела = ?;

15 длина головы = ?;

16 ширина головы = ?;

17 высота головы = ?;

18     …

Совершенно другая ситуация, когда вы ходите создать лошадь сами. Внезапно вам нужно знать значение всех этих переменных и даже больше! Вы начинаете рисовать копыто и понимаете, что не знаете как оно выглядит – даже если вы можете распознать его, если увидите.

1 – идентификация, 2 – создание

Все проблемы с созданием исходят из плохой базы знаний о реальности. Слишком часто мы только думаем, что мы знаем, как та или иная вещь выглядит, но когда дело доходит до деталей, их просто нет у нас в памяти. Когда вы читаете книгу, вы не видите каждую травинку, под ногой главного героя, на самом деле, вы даже не задумываетесь о том, какое у него лицо (до тех пор, пока вы не увидите его в кино). Вы под впечатлением от видения законченного мира в книге, но когда кто-то рисует это и показывает вам, окажется, что у вас много пробелов. Если вы хотите создать ваш собственный стиль, начните с изучения реализма – соберите все, что вы видите в вашу базу знаний.

Стиль и осуждение

Комментатор: «Я думаю, эти ноги не должны быть такими длинными, это животное такое мускулистое, и выглядит так, будто сейчас же упадет»

Художник: «Мне нравится так рисовать, это мой стиль, ты не можешь осуждать это!»

Комментатор: «Я обожаю эту картину! Его хрупкие ноги такие милые!»

Художник: «Спасибо!»

Не замечает чего-то странного? Критика это не только негативные или позитивные отзывы. Это и то, и то. В тот момент, когда вы выкладываете ваш рисунок куда-нибудь (или показываете его кому-то), вы ставите его на обсуждение. Когда вы это делаете, но ожидаете только позитив, выглядит так:

Художник (готовит что-то и ставит на стол): Вот!

Гость 1: Мм… Вкусно!

Художник: Спасибо! А что ты думаешь, Гость 2?

Гость 2: Честно говоря, мне нравится, слишком солоно.

Художник: Но это МОЙ рецепт! Ты не можешь говорить нравится тебе или нет!

Нелогично? Да, но когда вы публикуете вашу работы в ожидании только похвал, вы так же не думаете логично. Каждый может судить вас, вы не можете лишить их этого права. Но их осуждение ничего не меняет в объекте.

Представьте, у вас есть камень, который вы любите, может напоминание о каком-то важном событии в вашей жизни. Вы выкладывает миллион фоток этого камня на вашем профиле и когда друзья начинают ворчать, вы агрессивно отвечаете: «но это МОЙ камень!Вы не можете осуждать его! Вы не знаете, как он важен для меня!». Да, они не знают и никогда не узнают – тогда зачем вы опубликовали эти фотографии? Если этот камень/стиль можете понимать только вы, почему другие должны это увидеть? Вы хотите, чтобы они не осуждали это? Вы не можете залезть к ним голову. Если вы хотите, чтобы ваш стиль приняли и рассматривали, как настоящий, сделайте его понятным (используйте советы из предыдущих пунктов). Если вы не хотите – ну и зачем вы их выложили?

Стиль, как и все на свете, может быть осужден. Когда человек говорит, что ему или ей не нравится стиль Короля Льва, это не значит, что он не прав, потому что существует множество людей, которым он нравится – это просто мнение! Оправдание « это мой стиль, ты не можешь судить его!» это на самом деле отчаянная мольба «не говори, что это неправильно, не говори, не говори…».

Чтобы ответить на вопрос поставленный во введении, нет никаких «лучше» или «хуже» стилей, пока у вас нет определенного стандарта. Стиль не «уродливый», он «не достаточно реалистичный для меня». Однако, стили могут быть более или менее развитыми, так что будьте осторожны и не используйте «стиль» в качестве щита от критики.

Копирование стиля

Я думаю, большинство художников начинает с этого, сразу после детских каракулей. Они комфортно себя чувствуют с карандашом в руке (они «хороши в рисовании» в самом общем смысле), но в то же время их прогресс не такой быстрый, как бы им хотелось. Так что вместо обучения у других, они начинают полностью их копировать. Неожиданно их картины выглядят идеально, и каждый любит их. Это обычно начинается с обводки картины, затем художник копирует ее глазами, и в конце концов изучает правила стиля, чтобы создать собственного персонажа и получить немного независимости. Настолько ли это плохо? Давайте посмотрим:

Плюсы:

• Вы хорошо владеете карандашом и линиями

• Ваше координация типа глаз-рука хорошо развита

• Подсознательно вы учитесь золотому сечению

• Вы учитесь, как получать удовольствие от рисования

• Вы без давления рисуете, чтобы стать лучше, потому что вы уже хороши

• Вы чувствуете, как хорошо, когда ваши навыки хвалят

Минусы:

• Вы хорошо чувствуете себя в рисовании и вам не нужно изучать что-то еще – так, вы останавливаете свое развитие

• Ваше креативность не так развита

• Вы относитесь к стилизации, как к чему-то нормальному и верному, чему-то реальному

• В отличие от настоящего художника, вы игнорируете все правила, которые приводят к созданию стиля, так что вы никогда не достигнете вершины

• Стиль становится вашей частью и вы не можете выйти из него, даже если пытаетесь создать собственный стиль (это серьезно!)

• Вы не способны судить свой рисунок объективно, вы – и другие тоже, — рассматриваете его только с той стороны, насколько он близок к оригиналу

• Вы строите свою зону комфорта, из которой трудно выйти

• Вы становитесь зависимым от похвалы и боитесь пробовать что-то новое, потому что оно может быть не таким хорошим

Но что насчет манги? Разве рисование манги не «копирование стиля»? Не совсем. Манга (или «особый стиль японских комиксов») это набор других стилей. Как, например «Дисней стиль», может дать вам направляющие, кучу всего полезного о пропорциях, но все равно останется пространство для развития чего-то вашего. Другая ситуация, когда вы концентрируетесь на каком-то конкретном стиле (определенного комикса/мультфильма), но это все равно не полностью ограничивает вас правилами, созданными кем-то другим.

Если последний абзац прозвучал для вас стимулом, есть несколько плохих новостей: каждый хороший художник в манге имеет свой собственный стиль, как и любой другой хороший художник. Будьте уверены, у них много опыта в реализме, и они просто выбрали мангу, как основу их стиля. Если у вас нет. выбора, кроме как рисования в чьем-то стиле, можете ли вы рисовать? До тех пор пока вы не поймете, на чем основан стиль (реализм), вы никогда не сможете менять его свободно. Вы просто не будете знать как изменить что-то, не разрушив всего остального!

Заключение

Рисование намного сложнее, чем мы привыкли думать. Настолько простое в основании и такое невообразимо сложное, когда дело доходит до драконов и воинов… Я думаю, большинство этих проблем начинающих происходят от непонимания их хобби – это не помещение линии на бумагу, согласно какому-то мистическому процессу в голове. Когда вы поймете, как много аспектов имеет рисование, станет очевидно, что каждый из них может быть изменен, для создания нового стиля. И раз все стили произошли от реализма, начните с его понимания – наблюдайте, будьте осторожными, сделайте реальность единственным стилем, который вы копируете.

Посмотрите на других художников – найдите в их работах реализм, посмотрите, что они изменили, решите как вы можете использовать это знание. Вы не развиваетесь как художник, только когда держите карандаш – всегда, когда вы делаете попытку внимательно смотреть и понимать что-нибудь, ваш опыт растет!

Наблюдайте, удивляйтесь, задавайте вопросы – и тогда сделайте то, что хотите с линиями, светом и цветами, чтобы донести ваши наблюдения до других.

Оригинал статьи: Realism, Photorealism and Style

Автор статьи: Monika Zagrobelna

Онлайн курс «Стиль в цифровой иллюстрации» от Александры Балашовой в школе рисования Kalacheva School

— Дудлы

• Узнаем, что это, для чего и какие композиционные законы в них работают?
• Рисуем работу «Утро в городе»: выбираем референсы, стилизуем их.
• Изучаем характерную композиционную схему и сюжеты для дудлов.
• Рисуем чистовик на заданную темы.

— Пятно и фактура

• Смотрим, как работают в рисунке пятно и фактура.
• Работаем над темой «Большое в маленьком».
• Находим референсы по небольшому предмету (чашка, будильник, музыкальная шкатулка), персонажа в позе и фоновые объекты (дома, растения, подводный мир).
• Рисуем в своем стиле, продумываем фактуры.
• Собираем единую историю, в которой фоновые объекты взаимодействуют с увеличенным небольшим предметом.

— Пластичная минималистичная графика

• Берем тему «Работа»: подбираем референсы по интерьеру и позе персонажа, добавляем сопутствующие предметы.
• Узнаем, как передавать статику.
• Изучаем характерную композиционную схему и подбираем цвет.

— Детская графика

• В фокусе внимания предмет-фон-персонаж.
• Рисуем работу «Однажды в большом и темном лесу…» — подбираем свои референсы и стилизуем объекты.
• Создаем композицию с крупными объектами на переднем плане и добавляем в сюжет чуть-чуть динамики.

— Детско-взрослый наив

• Работаем на тему «Отдых»: подбираем тематические референсы.
• Добавляем в рисунок возможную динамику и необычный ракурс.
• Рисуем на чистовик.

— Экспрессивная иллюстрация

• Берем тему «Танцы»: работаем с линией движения.
• Выстраиваем композицию, подбираем цвет, создаем сюжет.
• Передаем динамику в движении внутри композиции.

— Свет

• Учимся рисовать композиции на тему «Свет».
• Изучаем характерные композиционные схемы и цветовые решения для раскрытия темы «свет»

— Финальная работа

• Всё будет совсем не так, как привыкли 😉

VIP-формат

— Анализ индивидуального стиля

• Выбираем и анализируем стилистику.
• Рисуем набросок.
• Рисуем чистовик.

Вызов 20 художественных стилей — BrushWarriors

Еще один арт-мем захватывает Интернет! 20 художественных стилей испытание — проверьте свои навыки рисования и нарисуйте своего собственного персонажа в 20 различных художественных стилях!

Вы когда-нибудь пробовали подражать стилю другого художника? Или — вам было интересно, есть ли у вас свой узнаваемый стиль рисования?

Я сделал. И я не считал себя человеком, имеющим свой уникальный стиль рисования — мне нравится рисовать рисунки в стиле манга, а также гиперреалистичные портреты.
Пока я не опубликовал скетч в Instagram, и моя подруга не заметила, что она узнает мой старый стиль в скетче.

Готов поспорить, вы знаете такую ​​ситуацию, когда вы смотрите на определенное произведение искусства и думаете: «О, это определенно * имя художника * рисунка. Это ее стиль ». И, может быть, вы, как и я, думаете, что ваш художественный стиль не уникален? Тогда у меня для вас есть подходящее художественное задание

Итак, вы хотите увидеть, чем ваш художественный стиль отличается от стиля других художников? Присоединяйтесь к испытанию 20 художественных стилей!

Что представляет собой вызов «20 художественных стилей»?

20 художественных стилей вызов — это художественный вызов, в котором ваша задача — нарисовать одного и того же персонажа / себя в 20 различных художественных стилях.

Это популярный арт-вызов, размещенный в Instagram и других социальных сетях с хэштегами: # 20stylechallenge # 20styles и хэштегами художественных стилей, которые они использовали в этом испытании.

Пс. Если вы заинтересованы в участии в других художественных испытаниях, вам обязательно нужно ознакомиться с этим Списком художественных испытаний !

Шаблон вызова 20 художественных стилей

Я создал шаблон для конкурса «20 художественных стилей». Это файл в формате PSD, который вы можете скачать бесплатно и при необходимости изменить.

Щелкните ссылку выше, чтобы загрузить шаблон PSD. Каждый логотип находится на отдельном слое, вы можете удалить их и добавить нужный логотип. В этом случае я собрал несколько наиболее часто используемых художественных стилей в этой задаче и поискал логотипы.

* Информация: если у вас нет Photoshop, вы можете открыть файл с помощью Photopea.com

По сути, это простая онлайн-версия PS. Вы можете увидеть краткое объяснение того, как использовать аналогичный шаблон и Photopea в этой статье: Art vs Artist

Список вызовов 20 художественных стилей:

Я собрал наиболее часто используемые художественные стили в этом испытании.Ниже вы найдете список и логотипы. Я также включил изображения под каждым логотипом, чтобы вы могли посмотреть на художественный стиль без необходимости искать его в Google.

Если есть какой-то художественный стиль, который я не упомянул, дайте мне знать в комментариях!

Studio Ghibli style

Стиль Вселенной Стивена

Стиль «Время приключений»

Стиль Гравити Фолз

Звезда против сил зла стиль

Стиль Тима Бертона

Card Captor в стиле сакуры

Стиль Дисней

Dragon Ball Z стиль

Стиль One Punch Man

Гориллаз стиль

Стиль My Little Pony

Стиль Sweet Sins

Стиль Осомацу

Стиль крутых девчонок

Крутые девчонки в стиле Z

Стиль покемонов

Стиль Сейлор Мун

Стиль Пожирателя душ

Моб психо 100 стиль

Над садовой стеной

Стиль Юных Титанов

Гамбол стиль

В стиле Наруто

Стиль Boku no hero academia (Моя геройская академия)

Цельный

Скотт Пилигрим стиль

20 работ Art Styles Challenge

Истоки и значения позднего стиля рисования Рембрандта в JSTOR

Абстрактный

Изучая стихи Рембрандта «Читающий стихи Гомера» и другие завершенные подарочные рисунки, это исследование показывает истоки его позднего стиля рисования в устоявшихся графических традициях.Эти листы демонстрируют фундаментальный принцип, лежащий в основе работы Рембрандта: даже готовые рисунки должны раскрывать процесс творчества. Грубая, непринужденная манера, которую он разработал для выражения этой аксиомы, хотя и отходила от большинства графических условностей, канонизированных в художественной литературе, тем не менее была основана на современной голландской мысли. Аналоги, обнаруженные в риторике, проповедях и философии, позволяют предположить, что в свое время поздний стиль рисования Рембрандта считался скромным, духовным и правдивым.

Информация о журнале

The Art Bulletin публикует ведущие стипендии на английском языке по всем аспектам истории искусств, которые практикуются в академиях, музеях и других учреждениях. С момента своего основания в 1913 году журнал публикует на основе строгих экспертных оценок научные статьи и критические обзоры высочайшего качества во всех областях и периодах истории искусства. В статьях используются самые разные методологические подходы — от исторического до теоретического.Выполняя свою миссию в качестве официального журнала, The Art Bulletin способствует активному участию в интеллектуальных разработках и дискуссиях в современной художественно-исторической практике. Журнал, который принимает заявки от ученых со всего мира и на всех этапах карьеры, издается Ассоциацией искусств колледжей четыре раза в год: в марте, июне, сентябре и декабре.

Информация об издателе

Основанная в 1911 году Художественная ассоциация колледжа … Способствует передовому опыту и преподаванию истории и критики. изобразительного искусства и творчества и технических навыков в преподавании и практики искусства.Облегчает обмен идеями и информацией между заинтересованными в искусстве и истории искусства. Выступает за всестороннее и инклюзивное образование в области изобразительного искусства. Выступает от имени членов по вопросам, касающимся изобразительного искусства и гуманитарных наук. Предоставляет возможности для публикации стипендий, критики и работ художников. сочинения. Способствует развитию карьеры и профессионального роста. Определяет и разрабатывает источники финансирования практики искусства и стипендий в искусство и гуманитарные науки.Отмечает достижения художников, искусствоведов и критиков. Формулирует и подтверждает высочайшие этические стандарты поведения профессия. Разрешение на фотокопирование текстов для внутреннего или личного использования (помимо этого разрешено разделами 107 и 108 Закона США об авторском праве), или однократно, ограниченное использование в некоммерческих учебных заведениях в учебных пакетах или закрытый доступ в учебных заведениях. веб-сайты курса Интранет, предоставленный Ассоциацией искусств колледжа без плата. Для других целей, пожалуйста, сначала свяжитесь с отдельным автором и / или другим правообладатели, чтобы получить письменное разрешение, затем Колледж художественной ассоциации.

Мы не можем найти эту страницу

(* {{l10n_strings.REQUIRED_FIELD}})

{{l10n_strings.CREATE_NEW_COLLECTION}} *

{{l10n_strings.ADD_COLLECTION_DESCRIPTION}}

{{l10n_strings.COLLECTION_DESCRIPTION}} {{addToCollection.description.length}} / 500 {{l10n_strings.TAGS}} {{$ item}} {{l10n_strings.PRODUCTS}} {{l10n_strings.DRAG_TEXT}}

{{l10n_strings.DRAG_TEXT_HELP}}

{{l10n_strings.ЯЗЫК}} {{$ select.selected.display}}

{{article.content_lang.display}}

{{l10n_strings.AUTHOR}}

{{l10n_strings.AUTHOR_TOOLTIP_TEXT}}

{{$ select.selected.display}} {{l10n_strings.CREATE_AND_ADD_TO_COLLECTION_MODAL_BUTTON}} {{l10n_strings.CREATE_A_COLLECTION_ERROR}}

Disney Art Style: стили рисования Диснея на протяжении многих лет

То, что происходит в хранилище Диснея, не всегда остается в хранилище Диснея.Отсюда весь этот крутой концепт-арт, которым вы собираетесь кормить глаза.

Искусство, несомненно, эволюция. Новые художественные технологии, новые художники с уникальными стилями, даже (а иногда и особенно) изменения в нашем обществе и мире могут открыть больше возможностей для художественной эволюции в анимации, чем Pixar сделала в Корпорация монстров

Художественный стиль, который мы называем типично «диснеевским», не всегда выглядел так — он развивался со временем. Итак, давайте отправимся в путешествие по художественному времени и посмотрим, как стиль Диснея изменился и развивался, взглянув на историю концепт-арта Диснея, не так ли?

.. .

Белоснежка

Трудно поверить, что Snow White был первым полнометражным анимационным фильмом Disney… в основном потому, что трудно поверить, что когда-либо Disney не называл именем , синонимом анимации.

«Плохое яблоко» Стефани Санчес

Концепт-арт с первых дней существования диснеевских фильмов больше напоминал сборник рассказов. Как я уже сказал, художественный стиль находится в процессе эволюции, и удивительно видеть не только то, как развивался внешний вид Сноу — как от концепции к фильму, так и сегодня в форме переосмысления истории, такой как Once Upon a Time или даже только в сегодняшнем Белоснежке фан-арт! Что совершенно по-прежнему актуально.Фэндомы навсегда.

Белоснежка изображения через Concept Art World

Алиса в стране чудес

Наш участник Андреа Лопес написал отличную статью об оригинальных эскизах Алисы в Стране чудес и об уникальном способе анимации фильма — нарисовав Алису прямо поверх кадра с реальной женщиной, изображающей ее.

Алиса в стране чудес изображений через BoredPanda

Сходите с ума по этим рисункам Алисы в Стране чудес !

Спящая красавица

То, что мы теперь называем художественным стилем Диснея, немного более заметно в этих концептуальных эскизах персонажей.Но Sleeping Beauty также был немного более экспериментальным в художественном отношении, чем мы все думаем. Малефисента, например, возникла под сильным влиянием готики и средневековья.

И если вы думали, что яркие фоны выглядят уникальными в фильмах Диснея, то это потому, что они таковы. Легендарный художник Эйвинд Эрл сделал фон для фильма, придав ему атмосферу своего готического и средневекового стиля.

Изображения Спящей красавицы через коллайдер

Король Лев

Даже Lion King выглядел совершенно иначе, чем арт-стиль Диснея на ранних стадиях.

Но, конечно, даже после финального продукта фильма, благодаря силе фан-арта и переосмыслению современных художников, стиль Lion King продолжает развиваться и принимать различные формы. Приложение A:

«Будь готов!» от Vo Maria

изображений Lion King (без последнего) через Visual News

Замороженная

Что бы вы ни говорили о Frozen, , но это одна из самых крутых концептуальных трансформаций персонажей, которые можно увидеть.Вы не только увидите эволюцию внешнего вида персонажей — вы сможете увидеть этих персонажей 3D-фильмов в прошлом, когда их внешний вид еще только зарождался в 2D-эскизах.

Эльза, в частности, имела очень другую, более злодейскую внешность.

Замороженные изображения через Concept Art World и Animation and So Forth

Большой герой 6

Я немного одержим концепт-артом Big Hero 6 по той же причине, по которой я люблю концепт-арт Frozen — удивительно видеть переход персонажа от 2D-концепции к 3D-анимации.Вы можете почти представить, как бы выглядел фильм, будь он 2D.

Плюс… их настройки хоть и.

Сеттинг и городские пейзажи Big Hero Six могут (возможно) быть одними из самых амбициозных произведений Диснея за долгое время, сочетающих легкий киберпанк и определенно футуристическую и научно-фантастическую атмосферу.

Но вы также можете получить исправление 2D Hiro и Baymax с сайта rad fanart, вот так!

«Волосатый ребенок» Саманты Жермен Сим

А теперь, на будущее… Добро пожаловать, Моана!

Пока не так много закулисного искусства об этих долгожданных новых принцах Диснея … на самом деле, нет большого количества информации или превью Моаны вообще в том, что было чертовски хорошо сохранено в секрете Disney.

Но мы возьмем то, что сможем!

Изображения Моаны из блога о семейных путешествиях, Adventures by Daddy

Вот и все! Визуальный взгляд на то, как художественный стиль Диснея менялся не только на протяжении десятилетий, но даже от концепции до финального персонажа в фильмах, которые мы называем вневременной классикой. Не знаю, как вы, но если мы зашли так далеко? Мне не терпится увидеть, как стиль анимации и иллюстраций Диснея продолжает развиваться.

Покупайте все наши дизайны Диснея, чтобы они не застряли в ужасном Убежище Диснея навсегда!

Методы и приемы рисования Питера Пауля Рубенса

В наше время обычным методом рисования является использование прямых линий.Процесс обычно состоит из использования прямых линий, чтобы очертить форму нарисованного объекта, затем пересечения или наложения прямых линий в том же направлении. Это влияет на плотность за счет использования наложенных участков для создания другого диапазона значений на чертеже. Использование значений создает тени, которые еще больше улучшают перспективу рисунка (рис. 1).

Рис. 1. Норман Роквелл , Al (Дорн) Норман , н.д.

Когда вы смотрите на работу художника Питер Пауль Рубенс (бельгиец, 1577-1640) лично, всегда возникает вопрос, как он рисовал таким образом, чтобы представить формы и формы, используя только линии.Его особый метод рисования называется стилем рисования контурных линий. Этот стиль рисования контурных линий сосуществует с прямыми линиями, но в нынешнюю эпоху он менее популярен из-за длительного периода обучения и необходимости интенсивного обучения. Эта статья будет посвящена изучению метода рисования Питера Пауля Рубенса.

Чтобы полностью понять метод рисования Рубенса, важно понять, как он развивал свой стиль рисования в молодости. Его мышление и процесс обучения одинаково важны для анализа рисунка Рубенса по частям.

Рис. 2. Питер Пауль Рубенс, Портрет художника , 1623.

Питер Пауль Рубенс (рис. 2) родился в 1577 году и скончался в 1640 году. Его жизнь началась в конце эпохи Северного Возрождения и в середине Реформации католической церкви. Он родился в умеренно обеспеченной семье, которая позже предоставила ему доступ к широкому спектру возможностей при выборе карьеры. [1] После смерти отца Рубенса (Ян Рубенс) художник вернулся в Антверпен, где он служил учеником Тобиаса Верхахта (1561–1631).[2] Самая ранняя из существующих работ Рубенса является копией после года, когда Ганс Гольбейн Младший опубликовал гравюру (1497-1543) «Пахарь и смерть» (рис. 3). [3]

Рис. 3. Питер Пауль Рубенс, Пахарь и смерть , н.д.

Видно, что стиль гравюры на дереве Северного Возрождения уже повлиял на молодого Рубенса. Его копия рисунка также показывает, как художник тщательно изучал рисунок, размещая чернила в соответствии с оригинальной деревянной печатью.Поскольку Рубенс копировал работы Ганса Гольбейна Младшего, на который оказало влияние Северное Возрождение, нетрудно представить, что на него также могут повлиять работы немецких художников 16 века, таких как Альбрехт Дюрер (1471-1528 гг.). ), Матиас Грюневальд (1470-1528) и Лукас Кранах Старший (1472-1553). [4] Отпечатки на дереве получить было относительно легко. Есть интересный пример такого легкого распределения: в 16 веке даже император Священной Римской империи Максимилиан Первый (1459-1519) распространял свои хорошо напечатанные портреты Альберхта Дюрера и Ганса Вейдица Младшего (1495-1537). ) для его массового продвижения по службе.[5] Эти гравюры были напечатаны в больших количествах и популярны во всей Европе. [6]

Регион Италии часто считался центром Возрождения. Художники отправились в Италию изучать искусство. Например, Дюрер при жизни дважды учился в Италии, чтобы улучшить свои художественные навыки, сначала с 1494 по 1495 год, затем с 1505 по 1507 год [7]. Ганс Гольбейн Младший отправился в Италию в 1517 году и вернулся в 1519 году, чтобы развить свой художественный стиль. После того, как Питер Пауль Рубенс закончил свое ученичество в 1598 году, он также уехал в Италию, где пробыл восемь лет (1600–1608).[8] В это время он изучал классические статуи и картины. Он также делал рисунки по мотивам картины Микеланджело для Сикстинской капеллы. В своем неопубликованном латинском трактате Рубенс описал свои намерения по рисованию статуй. Он избегал узнавать в них каменные статуи с каменной текстурой, а видел в них живые фигуры [9]. В своих эскизах он изучил итальянский стиль эскиза, сочетая коричневую окраску с коричневыми чернилами. Этот стиль рисования также использовал учитель Питера Пауля Рубенса Отто Ван Вин (1556–1629), когда Рубенс служил учеником Ван Вина в мастерской с 1594 по 1598 год.[10]

После того, как Рубенс начал свою мастерскую в Антверпене в 1609 году и стал уважаемым мастером, он сосредоточил свою карьеру на живописи. Рубенс использовал свои навыки рисования как идеи для рисования и руководил своим учеником и своим учеником. (Питер Пауль Рубенс почти никогда не показывал свои рисунки публике, даже своим ученикам. Предполагаемая причина этого в том, что его рисунки в то время были больше связаны с эскизами для его картин. Художник, подобный ему, не хотел бы показывать свой оригинал идеи, боясь, что их скопируют другие художники).[11] Питер Пауль Рубенс делал гравюры в дополнение к карьере художника. Как и большинство мастеров эпохи Возрождения, он не печатал сам, а сотрудничал с мастерскими других граверов или пользовался помощью своих учеников. Он также тридцать лет сотрудничал со своим другом и гравером Бальтазаром Моретусом (1574–1641) из Plantin Press. Было известно, что Рубенс полностью контролировал свои работы. [12] Он строго заставлял своего художника-гравера или его помощника следовать его линиям и переносить свою картину на рисунок, не передавая никакого личного художественного стиля граверу.После того, как копия была сделана, он просто исправлял ошибку или участок рисунка, который ему не нравился. По этой причине интерпретация опубликованных гравюр Рубенса может помочь нам задуматься о прогрессе его мышления в рисовании.

В последние годы жизни Рубенс снова начал интересоваться гравюрами на дереве. В сотрудничестве с Кристоффелем Джегером (1596–1652) около 1628 года он создал большое количество гравюр, таких как Геркулес, сражающийся с яростью, Отдых на пути в Египет, и Сад любви .[13] Эти принты отражают стиль одежды 17-го века и стиль рисования лиц Рубенса, но техника соответствует духу стиля Северного Возрождения 16-го века. Кажется, будто Питер Пауль Рубенс путешествует во времени, и то, над чем он работает, вызывает у зрителей воспоминания подростковой жизни Рубенса.

Чтобы понять технику рисования, которую использовал Рубенс, можно взглянуть на его рисунок Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье (рис.4), который здесь выбран из-за его четко видимых отметок. Это этюдный рисунок, который Рубенс сделал около 1600–1605 годов во время своего пребывания в Италии. Эта работа сейчас находится в коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке.

Рис. 4. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье , ок. 1600–1605.

В начале этого анализа нанесение отметок на это произведение искусства можно упростить до трех различных методов рисования, основанных на движении вправо при рисовании линий: «точечное указание, рисование линий по часовой стрелке и рисование линий против часовой стрелки.”(Рис. 5a) Метод точки можно заметить в верхней центральной части кадра, по краям светового пятна, близкого к полутону, создаваемому разгибателем левой руки Carpi radialis (рис. 5b). Методы рисования линий по часовой стрелке и против часовой стрелки — доминирующие способы рисования Рубенса, используемые в этом произведении искусства. Яркие примеры находятся в верхней части рисунка.

Рис. 5а. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [деталь], ок.1600-1605.

Рис. 5б. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [деталь], ок. 1600–1605.

Комбинация этих трех методов сгенерировала три новых стиля рисования: ромбовидная штриховка в том же направлении по часовой стрелке, ромбовидная штриховка в том же направлении против часовой стрелки и точки в прямоугольниках. Эти примеры можно найти в большинстве разделов этого произведения. В качестве наглядного примера, в нижнем левом углу, Рубенс использовал то же направление штриховки по часовой стрелке в верхнем левом углу.На заднем плане над мышцей левой руки он использует штриховку в том же направлении против часовой стрелки (рис. 6a). Наконец, похоже, что Рубенс использовал другую технику. Он указал на одну-две точки в каждую клетку, созданную штриховкой. Этот метод можно увидеть в верхнем правом отделе, на концевом участке локтевого разгибателя запястья левой руки. Большинство этих точек точно расположены в центре каждой штриховки. Описанная здесь ромбовидная форма основана на наклоне горизонтальных линий, вставленных друг в друга; в этом произведении искусства также используются разные углы, например, пересечение кубической формы большего угла, но на этом чертеже использование нижних углов ромбовидной формы более основательно.Невозможно иметь точки в центре каждого прямоугольника, что означает, что эти точки становятся пунктирными после нанесения линий штриховки. Следовательно, Рубенс намеревался создать эффект среднего значения для плавного перехода от полутонов к краям тени (рис. 6b).

Рис. 6а. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [деталь], ок. 1600–1605.

Рис. 6б. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [деталь], ок.1600-1605.

Для создания различных диапазонов значений используется усиленная штриховка. Это делается путем добавления дополнительных линий поверх контурных линий штриховки ромбовидной формы (максимальное количество сосуществующих линий на одном пересечении — четыре). Чтобы применить эти линии к тяжелым значениям, как только Рубенс закончил свои контуры, он затем применил перекрестную штриховку к штриховке основной ромбовидной формы. Эти линии часто толще, чем те, которые он использует в своем базовом слое штриховки в форме ромба. Лучший пример этого метода можно увидеть в центральной правой части обсуждаемого рисунка, основной тени и отбрасываемой тени под левым запястьем (рис.7).

Рис. 7. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [деталь], ок. 1600-1605.

Процесс рисования Рубенса, как и большинства сегодняшних рисунков, начался с эскизов. Хотя на этом изображении их трудно различить, две светло-серые отмеченные линии следовали за формой конца сгибающей мышцы (выше локтя). Непонятно, что именно Рубенс использовал для создания этих серых линий, возможно, это серебряное острие или графит.Затем художник использует тонкую коричневую линию, чтобы обвести свой рисунок под эскизом (с линией или двумя), это также можно увидеть в верхнем левом кадре, когда он рисует длинный и лучевой разгибатели запястья. Он с легкостью обрисовал эти две мышцы. Эти три последовательные линии имеют одинаковый вес линий, но не имеют таких же жирных очертаний, как линии коррекции. Тем не менее, эти три линии значительно тяжелее, чем другие параллельные линии затенения. (Рубенс, должно быть, понял, что допустил ошибку, но, поскольку это коричневые чернила, он не мог стереть ее с бумаги.Вместо этого, чтобы скрыть свою ошибку, он использовал линии, идущие в том же направлении вместе с линиями штриховки) (рис. 8). После того, как был нанесен тонкий контур, Рубенс покрыл его штрихом или двумя взвешенными линиями, чтобы отличить объект от сильной тени и твердой формы контура. В центре этого произведения искусства большое негативное пространство было создано под левой лапой. Если Рубенс хотел продемонстрировать свой гордый рисунок линий, ему нужно было ограничить количество линий в одной области.Без толстого контура, разделяющего две теневые области, просто недостаточно места для затененных теней, отображающих форму и форму. Рубенс использует свою смекалку, чтобы создать толстый контур, чтобы проиллюстрировать основную тень и описать форму и форму левой лапы.

Рис. 8. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [деталь], ок. 1600-1605.

Наконец, Рубенс использовал упомянутый выше метод рисования, чтобы создать форму кисти и руки.Ксилография Garden of Love — произведение Рубенса и его мастерской совместно с Кристоффелем Йегером. Существуют три копии этой работы; одна была написана коричневыми чернилами и хранится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке (рис. 9). Другой был печатной версией, сделанной Рубенсом в сотрудничестве с Кристоффелем Йегером (рис. 10) и основанной на рисунке коричневыми чернилами, также находящемся в коллекции Метрополитен-музея. Последний — это версия картины маслом, хранящаяся в музее Прадо в Мадриде.

Рис. 9. Питер Пауль Рубенс, Сад любви , 1633–1635.

Это произведение искусства (рис. 9) представляет собой празднование второго брака Питера Пауля Рубенса с шестнадцатилетней Хеленой Фурмент (1614–1673). [14] На заднем плане изображен дом Рубенса в Антверпене. На переднем плане вместе стоят две пары. Стоящий мужчина держит свою молодую жену как драгоценный камень. С такой же козьей бородой и приподнятым кончиком, но с распущенными императорскими усами, вьющимися волосами, но частично смелыми, это вполне может быть сам Питер Пауль Рубенс, как изображен на его автопортрете (рис.2). Сад на заднем плане можно рассматривать как символ плодородия. Размещение Рубенса и его жены на переднем плане, а часть здания на заднем плане имитирует традиционную структуру средневековья и ренессанса, предполагая, что эти фоновые здания и сады являются собственностью Рубенса и его жены. Также слева от жены Рубенса находится ангел в форме купидона «Херувим», который положил левую руку на правую ногу Рубенса, а правую — на ногу Елены. Этот жест можно рассматривать как благословение для супружества Рубенса и Елены Фурмент.На картине Рубенс был изображен с мечом-рапирой на левой талии. Ношение меча предполагает его благородство в рыцарстве, которое было титулом как у Филиппа IV Испании, так и у Карла I. [15]

Рис. 10. Питер Пауль Рубенс, Сад любви , 1630-е гг.

Для наших обучающих целей вариант рисунка Garden of Love (рис. 9) является отличным индикатором рисования Рубенса. Кроме того, Garden of Love (гравюра на дереве, рис.10), использует ту же технику рисования линий, что и рисунок тушью, и, кроме того, имеет четко прорисованные детали на линиях. Совместное изучение этих двух произведений искусства поможет лучше понять технику рисования Рубенса. Прежде чем нанести рисунок тушью, Рубенс построил легкий набросок, используя серебрянку или тонкий графит. Несмотря на то, что этот эскиз в основном покрыт коричневыми чернилами, его остатки все еще существуют в верхнем левом углу, вокруг ветвей дерева. Изучив предыдущие работы Рубенса, Битва обнаженных мужчин , Часть толпы в Ecce Homo и Venus Lamenting Adonis , можно увидеть, что у художника была привычка работать от фигур к фону.Сцену Garden of Love можно разделить на три части, сгруппировав фигуры вместе. Очевидная первая группа с тремя фигурами (Рубенс, Елена и Херувим) поставлена ​​на переднем плане. Затем на среднем плане видна вторая группа молодого человека с мечом и молодой женщины, смотрящей в сторону зрителя. На заднем плане видна третья группа из шести фигур.

Группы фигур переднего плана

Глядя на рисунок Рубенса и Елены Фурмент, можно сразу заметить различные методы построения контурных линий: по часовой стрелке, против часовой стрелки, в форме ромба в том же направлении по часовой стрелке и в форме ромба против часовой стрелки.Почти каждая контурная линия, которую использовал Рубенс, указывает направление и форму объекта. Например, лицо Фурмента упрощено до трех эллипсов, каждая из которых описывает его форму, создавая отрицательное пространство. Затем Рубенс применил элементы волос по S-образной кривой направления вместе с контурными линиями, чтобы создать отрицательное пространство. Применяя линии, которые повторяют формы и формы, художник создает ощущение трехмерности и реалистичное изображение фигуры или объекта, не жертвуя красотой каждой отдельной линии.

Фигура Херувима представляет собой великолепный образец техники Рубенса. Здесь художник использовал сильно утяжеленные линии в определенных областях, таких как нижняя часть правой руки, передняя часть живота и груди херувима или правое бедро и нога. Эти части тела херувима ближе к зрителю. Следовательно, сильно взвешенный контур создает пространство и размеры, демонстрирующие положение фигуры в кадре. Используя ранее упомянутые контурные линии по часовой стрелке и против часовой стрелки, Рубенс затем создал пухлую плоть херувима, как это делали художники до него, такие как Микеланджело, Дюрер или Ганс Гольбейн.

Группы фигур среднего плана

Фигуры среднего плана должны быть менее важны для зрителя, чем фигуры переднего плана, и это хорошо видно на языке рисования Рубенса. Рубенс использует иерархию, чтобы привлечь внимание зрителя к Рубенсу и Елене, а затем к двум фигурам на среднем плане.

Молодой мужчина на среднем плане наполовину лежит на земле с мечом на ноге, однако надлежащая манера носить меч — на левой талии владельца.Полное снятие меча с пояса — знак того, что вы признаете более низкий профиль и демонстрируете смирение. Рисунок Рубенса этой молодой мужской фигуры отличался от того, что он сделал в первой группе фигур. По сравнению с тем, что он сделал с головой молодой женщины, с богатым разнообразием контурных линий, он использовал больше контурных линий по часовой стрелке в отрицательном пространстве, все в одном направлении и не всегда повторяя форму фигуры. Использование контурной линии против часовой стрелки в негативном пространстве дает зрителю ощущение плоскостности.

Справа от этого молодого джентльмена — хорошо одетая девушка. Хотя большинство техник рисования, применимых к этой фигуре, уже обсуждались выше, женское платье представляет собой отличное исследование того, как линии, идущие в одном направлении, могут изображать форму объекта, но изменять его расстояние и кривизну. (Формы с изображением Купидона и / или женских фигур с пухлой плотью существовали задолго до того, как Рубенс создал это произведение искусства; например, есть римские статуи Кентавра и Купидона, датируемые 1-2 годом н.э.Пухлое лицо или пухлое тело считалось признаком богатства и благополучия). В нижней части платья Рубенс использует комбинацию длинных одиночных линий или набор коротких линий, чтобы подчеркнуть плоскостность платья и складки. Художник также использовал интервал между строками, уплотняя межстрочный интервал, чтобы создать отрицательное пространство, или увеличивая межстрочный интервал, чтобы создать пространство с позитивным цветом.

Фоновые группы фигур

Справочные данные существуют в основном для экологических целей.В Garden of Love они предназначены для того, чтобы доставить удовольствие зрителю. Поскольку эти фигуры не так важны, как упомянутые выше, они не имеют большого количества деталей, потому что чрезмерное описание их линиями приведет к путанице с фигурами среднего и переднего плана. Почти все шесть этих фоновых фигур нарисованы с использованием одинаковых техник. Однако женщина слева — интересный пример. Правило Рубенса об использовании линий, следующих за формой, почти отменено, и почти каждая линия, используемая здесь, представляет собой контурную штриховку по часовой стрелке.Это помогает сделать фигуру более плоской.

Заключение

Метод рисования Рубенса может показаться трудным для понимания при анализе его рисунков в целом, но его легче объяснить, если у нас есть возможность изучить эти работы по частям. Как писал китайский философ Лао-цзы (600 — 400 г. до н.э.): «Дао произвел Единое; Один произвел Два; Двое произвели Три; Три создали Все вещи ». [16] От основных контурных линий до« точки в квадрате »- это мастерство основного метода рисования линий, используемого художником, который позволяет нам дальше интерпретировать сложные формы рисунков Рубенса.

[1] Чарльз Скрибнер, «Питер Пауль Рубенс», Британская энциклопедия. 24 июня 2020 г. По состоянию на 18 декабря 2020 г. https://www.britannica.com/biography/Peter-Paul-Rubens

[2] Там же.

[3] Кристин Лозе Белкин, «Латинские надписи Рубенса на его копиях после« Пляски смерти »Гольбейна». Журнал институтов Варбурга и Курто 52 (1989): 245-250.

[4] Виктория Чарльз, Искусство эпохи Возрождения (Нью-Йорк: Parkstone International, 2012), 65-79.

[5] Эндрю Робисон и Клаус Альбрехт Шредер, Альбрехт Дюрер Мастер рисунков, акварелей и гравюр Альбертины (Вашингтон, округ Колумбия: Национальная галерея искусств, 2013).

[6] Ларри Сильвер, Максимилиан по маркетингу: Визуальная идеология императора Священной Римской империи (Принстон, Нью-Джерси: Princeton University Press, 2008).

[7] Генрих Теодор Муспер, Альбрехт Дюрер (Кельн, Германия: DuMont-Literatur-und-Kunst-Verl, 2003), 5-7.

[8] Анн-Мари Логан, Питер Пауль Рубенс: Рисунки (Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2013), 5.

[9] Там же, 6.

[10] Скрибнер, «Питер Пауль Рубенс».

[11] Логан, Питер Пауль Рубенс: Рисунки , 4.

[12] «Рубенс и его художники» (Выставки Центра Гетти). 24 сентября 2006 г. https://www.getty.edu/art/exhibitions/rubens_printmakers/#

[13] Логан, Питер Пауль Рубенс: Рисунки , 257-267.

[14] Там же.

[15] Скрибнер, «Питер Пауль Рубенс».

[16] Джеймс Легге Лаоцзы и Чжичао Гао, Дао Де Цзин: Тао Дэ Цзин (Чжэнчжоу Ши: Чжун чжоу гу цзи чу бан она, 2016).

Эскизные взгляды: стиль рисования от руки в современном веб-дизайне / пользовательском интерфейсе | Шелли Фердуси | Oceanize Geeks

Старая поговорка «картинка стоит тысячи слов» до сих пор актуальна. Людей привлекают визуальные эффекты быстрее, чем текст, и это естественное свойство фотографий, иллюстраций или эскизов делает их очень полезными для визуального дизайна.

В современных пользовательских интерфейсах фотографии и иллюстрации стали функциональными элементами наряду с текстом и интерактивными элементами.Иллюстрации — это универсальный способ создать уникальный дизайн. От нарисованных вручную иллюстраций в стиле героев до небольших иконок — все, что связано с наброском изображения, похоже на искусство. В этой статье я хотел бы рассмотреть некоторые функции иллюстрации с точки зрения современного дизайна пользовательского интерфейса.

Большинство веб-дизайнов начинается с ручки и бумаги, прежде чем их перенял Photoshop. Однако мы заметили новую тенденцию (возможно, не слишком новую), когда дизайнеры возвращают эскизы как форму дизайна.Без сомнения, рисованное искусство — один из популярных стилей веб-дизайна. Нет ничего лучше, чем использовать эти схематичные рисунки для передачи и отражения индивидуальных стилей.

Изображение веб-сайта креативной студии Fat Heads: http://www.fatheads.co.uk/

Несколько месяцев назад журнал Smashing Magazine объявил, что блестящие и глянцевые элементы дизайна официально устарели. Веб-дизайн станет более утонченным, более ориентированным на пользователя, более ориентированным на содержание и менее громким. Действительно, это именно то, что наблюдаем на данный момент.Почерк, который раньше часто доводился до крайности, теперь кажется утонченным, поддерживающим и менее доминирующим.

Элементы, нарисованные от руки, используются умеренно.

В частности, поскольку дизайнеры стараются предоставить посетителям удобные, удобные для пользователя презентации, они, как правило, умеренно используют рисованные элементы и элементы, написанные от руки. Иногда только несколько элементов дизайна разрабатываются соответствующим образом, в то время как остальная часть дизайна ориентирована на чистое представление контента и вообще не прорисовывается. Например, часто от руки написаны только заголовки категорий, окна поиска или навигация.

Эстебан Муньос: http://www.estebanmunoz.com/home.html

Набирают популярность скриптовые шрифты

Поскольку элементы, нарисованные от руки, становятся более тонкими, дизайнеры часто стремятся имитировать рукописный текст вместо его использования. Например, это достигается за счет использования чистых и четких скриптовых шрифтов вместо буквально рукописных или нарисованных эскизов. Такой подход помогает дизайнерам сделать макет чище и легче сканировать.

BootbCarsonified

Как иллюстрации помогают улучшить взаимодействие с пользователем

Подобно другим визуальным элементам, иллюстрация может быть мощным средством коммуникации.Хорошо составленные иллюстрации имеют следующие преимущества:

• Может привлечь внимание пользователя и предоставить наиболее важную информацию в удобном для понимания визуальном формате.
• Может внести ясность в сложную идею. Нет необходимости использовать какие-либо слова, если вы можете предоставить эту информацию с помощью наглядных материалов.
• Может привлекать пользователей. Красивая иллюстрация не только привлекает внимание пользователей, но и заставляет их интересоваться самим продуктом.
• Может играть с воображением пользователей.С помощью иллюстрации можно объединить реальность и воображение.

yoke

Есть много случаев, когда иллюстрации могут улучшить пользовательский опыт продукта. Вот 6 из них:

1. ПОСТАВЛЯЙТЕ ГЛАВНУЮ ТОЧКУ БЫСТРЕЕ

Как было сказано ранее, иллюстрации обладают прекрасным потенциалом для объяснения и пояснения. В контексте веб-сайтов и мобильных приложений существует десяток способов использования иллюстраций для улучшения UX с первых экранов. Например, можно сделать процесс адаптации более увлекательным, используя иллюстрации на экранах учебных пособий.Этот подход имеет дополнительное преимущество для мобильных приложений, помогая избежать слишком большого количества текста на экране.

Изображение предоставлено: Divan Raj

2. СОЗДАЙТЕ БОЛЬШЕ ЗАПОМНИТЕЛЬНОГО ОПЫТА

Как пользователи, мы регулярно пользуемся множеством продуктов, но лишь некоторые из них создают действительно незабываемые впечатления.

Как дизайнеры, если мы хотим создать незабываемые впечатления, нам нужно узнать, как работает человеческий мозг. Барбара Фредриксон и Дэниел Канеман предложили психологическую эвристику, называемую правилом пиковой точки, которая определяет способ работы нашего мозга с информацией.Правило «пик-конец» гласит, что люди судят об опыте в основном на основании того, как они себя чувствовали на его пике (т. Е. В его наиболее интенсивной точке) и в конце, а не на основе общей суммы или среднего значения каждого момента опыта. Эффект наступает независимо от того, приятно это переживание или неприятно.

Кусояма

Другими словами, когда мы вспоминаем переживания, мы склонны вспоминать не весь опыт, а только ключевые события, которые произошли. Приятная иллюстрация — возможность стать таким ключевым событием и повысить узнаваемость бренда.

Agami

Использование талисманов в пользовательском интерфейсе — популярный способ применения техник иллюстрации в дизайне для создания более запоминающихся впечатлений. Элементы брендинга, такие как талисманы, становятся элементами идентичности и связующим звеном между пользователем и продуктом.

3. СОЗДАЙТЕ ИЛЛЮЗИЮ ПРЯМОГО ОБЩЕНИЯ С ПОЛЬЗОВАТЕЛЕМ

Каждое взаимодействие пользователя с продуктом — это путешествие. За каждым путешествием стоит цель, которую пользователь хочет достичь с помощью продукта. В некоторых случаях можно превратить путешествие в историю, в которой пользователь будет персонажем, а цель — конечным пунктом назначения.Иллюстрации могут выступать в качестве посредника между пользователем и приложением, вовлекая пользователей в процесс.

Хорошим примером является Omono. Приложение использует сову, чтобы направлять пользователей по интерфейсу и усиливать удобный характер приложения.

https://app.omono.co/login

4. УСИЛИТЕ СУЩЕСТВУЮЩУЮ СТИЛИСТИЧЕСКУЮ КОНЦЕПЦИЮ

Иллюстрации могут применяться в пользовательском интерфейсе для визуальной поддержки общей стилистической концепции приложения или веб-сайта. Наряду с другими элементами брендинга, такими как логотипы, шрифты, цветовые схемы, иллюстрации оказывают значительное влияние на стиль продукта.Когда иллюстрация создается в соответствии со стилем, это дает более естественное и гармоничное ощущение продукта (и бренда в целом). Но для того, чтобы это произошло, иллюстрации должны быть последовательными, как будто они взяты из одного источника, даже если они были созданы разными людьми.

Изображение предоставлено: Zurb Foundation: https://foundation.zurb.com/

5. ПРОДОЛЖАЙТЕ ПРОЦЕСС ВЗАИМОДЕЙСТВИЯ

Когда мы думаем о наших приложениях и веб-сайтах, мы редко думаем о них как о статических страницах, связанных вместе.Концепция взаимодействий требует, чтобы мы добавляли анимированные эффекты и переходы, чтобы процесс выглядел и ощущался более естественным. Как и любые другие части дизайна, иллюстрацию можно обогатить анимацией. Иллюстрации в сочетании с анимацией могут не только доставить по-настоящему незабываемый опыт, но и сделать его более динамичным.

Например, Readme.io, сервис, который предоставляет миру прекрасную документацию, заставляет пользователей улыбаться каждый раз, когда они вводят пароль.Людям нравятся такие маленькие штрихи, потому что они делают их более человечными.

https://readme.io/

6. ДОБАВЛЕНИЕ ЭЛЕМЕНТОВ ИГРОФИКАЦИИ В UX

Геймификация — это популярный метод, используемый дизайнерами продуктов для повышения вовлеченности пользователей. Дизайнер может рассмотреть возможность использования иллюстрации в интерфейсе, когда пользователь должен быть вознагражден за какое-либо достижение.

WeFail: http://wefail.com/

Осторожно: Проблемы с удобством использования!

С точки зрения юзабилити нам удалось найти несколько отрицательных примеров.Пытаясь создать отличительный дизайн, дизайнеры часто пренебрегают проблемами удобства использования . Независимо от того, нарисован ли какой-либо элемент дизайна от руки или нет, важно, чтобы он успешно передавал свою функцию, и посетители могли а) найти его и б) сразу же знать, как его использовать.

Mind Never (снимок экрана выше) использует рукописный ввод для 6 элементов дизайна — логотипа, слогана, навигации, заголовков, иллюстраций и всех интерактивных элементов. Основная проблема с дизайном заключается в том, что сложно сканировать .

Хотя кнопка RSS и иллюстрация для подписки могут восприниматься как интерактивные элементы дизайна, в выбранном выше выборе языка это не так. Имейте в виду: если ваше решение использовать художественный элемент вместо стандартного решения вызывает некоторые проблемы с удобством использования, вам следует предпочесть стандартное решение.

Давайте теперь рассмотрим несколько примеров того, как рукописный ввод и рисование от руки используются на практике.

Штепан Мареш: http://www.stepanmares.cz/

Самые ценные и новаторские идеи были написаны от руки первыми.Это не новость, поскольку дизайнеры в любом случае склонны создавать первые эскизы в виде бумажных прототипов; тем не менее, это важно, потому что веб-дизайн отличается от «обычного» дизайна. Конечно, на нем также есть личная заметка, и он сделан вручную, однако пользователи этого не видят. Поскольку CSS «квадратный, но хороший», дизайны имеют довольно ограниченный вид — они слишком квадратные и слишком прямоугольные.

Если дизайнеры хотят добиться другого дизайна, они должны сами рисовать свои сайты — или хотя бы некоторые его части.И на самом деле это делается довольно часто: будь то блог, магазин, реклама, частная страница или какой-то совместный проект — не имеет значения, с помощью Flash или (X) HTML. Основная цель нарисованных от руки элементов заключается в их способности передать индивидуальность и индивидуальную заметку в те времена, когда красочные, четкие и округлые элементы Web 2.0 можно найти почти повсюду.

Кайл Стид: https://www.kylesteed.com/

Иногда дизайнеры создают целые страницы с помощью бумаги, карандаша и / или планшета.Чаще отдельные элементы макета разрабатываются особым образом — изогнутые ссылки, сделанные вручную значки, фоны, заметки, стикеры и нечеткие линии должны придавать сайту «человечность». Эти элементы выделяют веб-страницу, которая внешне ничем не отличается от десятков похожих страниц, и вызывает у пользователей любопытство. Внимание: быстро установленный рукописный шрифт может больше навредить, чем помочь (подсказка: Comic Sans — определенно не выход).

co коллектив https://www.cocollective.com/

Рисование от руки как художественный минимализм

Поскольку рисование от руки является типичной чертой художников-графиков, дизайнеров и иллюстраторов и часто ассоциируется с творчеством и вдохновением, оно часто используется в портфелях и витринах.

Интересно, что стиль , нарисованный от руки, часто является единственным элементом , который используют дизайнеры для презентации своих работ на своих сайтах.

Ссылки:

https://www.pinterest.com/pin/44824958768247977/?lp=true

https://www.pinterest.com/kszerovay/sketching-for-ux-designers/? lp = true

Учимся у Эгона Шиле — Как развить свой собственный стиль

Сегодня мы собираемся учиться, копируя картину Эгона Шиле.Главный вывод будет о стиле. Если вы когда-нибудь задумывались о том, как развить свой собственный неповторимый стиль, в этом видео / статье вы найдете полезную информацию.

Когда вы видите картину, обладающую некоторой силой или характером, которую вы не можете понять, вы можете поглотить часть ее силы, скопировав ее. Вот что сделал Майко с картиной Эгона Шиле. Она записала то, что узнала из этого опыта, чтобы мы тоже могли поучиться у Шиле.

Вас простят за то, что некоторые элементы картины выглядят немного грубо. Линии немного грубые и неровные, а текстуры кожи и одежды довольно грубые. Цвета довольно простые. Несмотря на все это, картина действительно мощная, полная жизни и характера.

• ____________________________________

  Получите бесплатное руководство — «Успех в жизни»

  Большая ошибка, которая привела ко всем остальным моим ошибкам

  Получите это сейчас

  ____________________________________

• ПОЛУЧИТЕ БЕСПЛАТНОЕ РУКОВОДСТВО — «УСПЕХ РИСУНКА ЖИЗНИ»

  Большая ошибка, которая привела ко всем остальным моим ошибкам

Подобные атрибуты можно увидеть на некоторых других его картинах.Это не полированные, высокоточные работы с нюансированными тонами. Они грубые и смелые, но в то же время очень естественные и человечные. Как он это сделал?

Основы технического мастерства

Первое, что следует отметить, это то, что Шиле был хорошо обучен и твердо владел традиционными навыками рисования. За свою карьеру он сделал тысячи рисунков фигур. Итак, за этой картиной стоит множество технических способностей и опыта. Он прошел путь практики и приобрел технические способности до такой степени, что эти навыки стали его второй натурой.Так он мог забыть об этих проблемах и вместо этого сосредоточиться на наполнении изображения энергией и эмоциями.

Конструкция

Когда Майко изучала Шиле, она начала замечать много геометрической структуры на рисунках. Первое, что она сказала мне, когда начала, было «много треугольников».

Итак, в этой картине она сосредоточилась на этих треугольниках и на вертикальных и горизонтальных линиях, которые, как она чувствовала, дали этой картине прочную основу, основу, на которой Шиле построил свою более грубую и эмоциональную картину.Она сказала:

Ее правое плечо, правое колено и левая рука составляют большой треугольник. Сложив 2 точки — верх головы и правый локоть, вы получите прямоугольник, который с треугольником образует своего рода форму воздушного змея. Легкая маркировка этих форм дала мне нечто вроде строительных лесов, прежде чем я приступил к правильному рисованию.

Внедрение силы и эмоций

Итак, у него много навыков и знаний, чтобы наблюдать и делать отметки, у него есть композиции с твердыми структурами.Как он тогда построил эту выразительную картину поверх всего этого?

Во-первых, он рисовал и рисовал без страха. Его не волновало, были ли допущены ошибки, он с радостью отбросил неудавшиеся картины и начал заново. Часто, участвуя, мы боимся делать что-то «неправильно», поэтому осторожны со своими репликами и, когда делаем ошибки, пытаемся их исправить. Этот подход слишком обременен анализом и тревогой, чтобы позволить проявить себя, поэтому Шиле работал более спонтанно. В его процессе не было ничего подозрительного.

Ему нравился контурный рисунок — акцент на линиях, а не на тонах или светлом и темном. Таким образом, он был спонтанным и работал с линиями, но его рисунки не имели плавного ощущения традиционного рисования жестами. Он не стремился к ритмичному ощущению движения, о котором мы часто говорим в рисунках жестов. Его работы наполнены резкими ракурсами, что придает фигурам неловкое, а иногда даже гротескное ощущение.

Превосходная, карикатурная анатомия

Если вы внимательно посмотрите на рисунки, анатомия Шиле действительно хороша.Просто это было преувеличено, чтобы создать почти карикатурный вид. Руки красиво нарисованы, грудная клетка имеет большой объем, этот локоть точен, а поворот этого предплечья преувеличен, чтобы создать это искаженное и неловкое чувство.

Он часто делал позы в укороченном виде, что помогало создавать многие из тех геометрических фигур, о которых мы говорили ранее. Он продемонстрировал большие способности с точки зрения перспективы.

Итак, формула этого отличительного и очень выразительного стиля — это база навыков и знания основ — перспектива, анатомия и т. Д. Могут лечь в основу стиля.Эти вещи требуют кучу времени и практики, поэтому спешить не стоит. На вершине этого фундамента вы затем можете построить что-то более выразительное и сырое, что исходит изнутри вас. Вам понадобится мужество, чтобы рисовать без страха. Подчеркните визуальные элементы, которые вы больше всего чувствуете в фигуре, и, не беспокоясь или чрезмерно анализируя, рисуйте и раскрашивайте от всего сердца.

Еще несколько заметок

Майко чувствовал, что бумага, которую использовал Шиле, была важна для достижения тех эффектов, которые он делал.Видимо, он часто использовал японскую бумагу. Она также подумала, что он использовал бы технику сухой кисти, чтобы получить эти грубые следы, создающие эти текстуры.

Если вы еще не подписались на нашу рассылку новостей и бесплатное руководство «Успех жизненного рисования», в котором рассказывается об одной ошибке, которая привела ко всем моим другим ошибкам в рисовании жизни, подпишитесь ниже!

Избегайте большой ошибки, которая привела ко всем другим моим ошибкам

Получите бесплатное руководство — «Успех рисования жизни»

.

No related posts.