Стили для рисования людей: Ошибка | artlab.club

Как выработать собственный стиль в иллюстрации

Как выработать собственный уникальный стиль рисования? Этим вопросом, как правило, задаются те, кто мало занимался практикой. У тех, кто практиковался много, стиль выработался сам. Впрочем, вот и ответ 🙂

Но можно расписать подробнее — 5 советов как подходить к созданию иллюстраций, чтобы определиться с собственным стилем и закрепить его.

Определитесь с тем, что вы будете рисовать

Людей, животных, воображаемых существ? Выберите направление: манга, реализм, вектор и т.д.

Присмотритесь к любимым художникам

Поймайте вдохновение и попробуйте скопировать их стиль в паре набросков. Если вам нравится то, как кто-то рисует глаза, то нет ничего страшного в аналогичном рисовании глаз.

Только не копируйте чужой стиль целиком. Эти люди упорно трудились над выработкой собственного стиля, поэтому должны потрудиться и вы. Вам не следует заниматься плагиатом.

В практике рождается совершенство!

Это утомляет, но чтобы стать хорошим художником, необходима практика. Ваше машинальное рисование даст толчок развитию отличного собственного стиля.

Придумайте собственных персонажей

Это вам поможет. Сделайте их максимально уникальными, вы не должны копировать известных художников. Начните их часто рисовать и, возможно, вы выработаете новый стиль. Другой способ практики рисования – это рисование самого себя. Большинство людей видят себя такими, какими хотят казаться. Т.е. если они представляют себя симпатичными, то могут несколько увеличивать глаза, если считают себя толстыми, то могут рисовать себя повыше. Попробуйте нарисовать себя в собственном видении, а затем развить свой собственный стиль, отталкиваясь от этого.

Обращайте внимание на строение

Используйте простые формы, такие как круги и квадраты, при выполнении наброска. Немного больше узнайте про анатомию человека/животного, чтобы облегчить свою задачу. Будет неплохо заиметь книгу по академическому построению или посещать курсы.

Самое главное — не уставать упражняться и верить в себя.

Фото на обложке: ShutterStock
Источник: Sweerl. Design Culture

4 шага к формированию собственного стиля в рисовании

Экспериментируя, я нашел способ, о котором сейчас расскажу. Во всех ресурсах сказано, что на разработку собственного стиля требуются годы, но найти пошаговую инструкцию к его созданию не представлялось возможным. Попадалось множество постов с заголовками «Как найти свой фирменный стиль», но ни один фактически не раскрывал секрета. Они пестрели советами в стиле «не бросай рисовать» или «найди то, что пробудит в тебе страсть к рисованию». Да, это хорошие советы, но мне нужен был по-настоящему действенный план и следом за ним желаемые результаты. В конце концов я нашел способ сам, и с тех пор у меня есть пошаговый план — помощь тысячам художников найти свой стиль, который идеально им подойдет и сможет развиваться в течение их деятельности. Это действительно работает, вам всего лишь нужно следовать инструкции.

В создании фирменного художественного стиля нет магии и мистики. Стиль, как и все в процессе создания иллюстрации, приходит естественно. Процесс его формирования не заберет вечность: стиль — это результат труда, получаемый максимум за неделю.

Давайте приступим.

Вам следует очень точно придерживаться моих советов и игнорировать соблазн сжульничать и забежать вперед или охватить больше, чем я советую. Пожалуйста, не делайте так. Следуя всем шагам и делая осознанный выбор, ваш оригинальный почерк проявится в первой же созданной иллюстрации.

И последнее, прежде чем мы начнем. Сейчас считается, что для разработки персонального стиля необходимо выполнить творческие усилия, так что вам может помочь мое определение творчества. Как только мы уберем в сторону творческую часть, вы сможете следовать плану и добиваться желаемых результатов.

Творчество — это умение собирать новое из привычного нам старого.

Запомните это определение — и приступайте.

Шаг 1: Найдите трех художников или три стиля, которые вызывают сильные эмоции

С этого и начнем. Возьмите за пример три любимых художника, стиля или арт-объекта. Ими могут быть кто угодно и что угодно, даже нечто трехмерное — скульптуры, куклы, игрушки, но обязательно выбрать хотя бы два двухмерных стиля. Например, можете выбрать троих художников с различными стилями, или три иллюстрации разного характера, или же направления — Импрессионизм, Маньеризм и т.д.
Выбранные художники должны максимально отличаться друг от друга.

И, конечно же, самое важное на этой стадии — отобрать художников, чьими работами вы действительно восхищаетесь, стиль которых в самом деле приносит визуальное наслаждение. Любите по-настоящему то, что вы выбрали, но не забывайте — больше трех выбирать нельзя.

Шаг 2: Выберите картинку, которая лучше всего отражает выбор в шаге 1

Для многих второй шаг означает некоторые трудности. Выберите картину, иллюстрацию или фото, которые лучше всего отражают выбор в шаге 1. Например, ваш выбор пал на Андрея Кавасаки (Audrey Kawasaki). Остановитесь на той его работе, которая нравится вам больше. Или, скажем, вы выбрали аниме-стиль — найдите любимый рисунок из этой области.

Знаю, это сложно, ведь хороших работ, из которых можно выбирать, огромное количество. Но это важно, так что не жульничать — выберите по одной картинке на каждого исполнителя, стиль или 3D-объект. Не спешите и выберите то, что вам действительно нравится, такую картину, которую вы бы купили и повесили в своем доме.

Шаг 3: Проанализируйте каждую из картинок из шага 2

Второй шаг заставил вас поломать голову? Пристегните ремни, самое сложное еще впереди. Третья часть самая сложная, и именно ей большинство не уделяет достаточно времени. Этот шаг важен для получения желаемого результата, поэтому искренне прошу — найдите время для его качественного выполнения.

Теперь о том, что значит качественное выполнение. Серьезно отнеситесь к анализу картинок: возьмите ручку и бумагу и запишите свои наблюдения. В каждой работе должна быть одна ключевая деталь, влияющая на общее восприятие картинки, либо изюминка, выделяющая работу среди прочих. Найдите такие детали, проанализируйте и запишите.

Задайтесь вопросом: что первым обратило на себя ваше внимание? Почему именно эта деталь завладела вашим вниманием? Как именно эта деталь используется в рисунке?

Неверных наблюдений не существует, не справиться с заданием можно только если вы поскупились на наблюдения.

Подходите к заданию творчески. Выбирая художника-фигуративиста, не пишите лишь то, что вам нравится его подход к изображению объекта. Этой информации недостаточно! Нужно понять, почему вам нравится этот подход. Что заставило вас выбрать именно этого фигуративиста и обойти вниманием прочих? Предметы в его работе реалистичны или стилизованы? Картина навевает мысли о сильном и властном или о нежном и хрупком? Художник использует жирный контур или не использует контур вообще? Объекты смело освещены резким светом и тенями или еле-еле видны на картине?

Может, вас восхитят не нарисованные образы, а выбранные художником цвета. Почему они особенные? Эти цвета светлые и яркие или приглушенные и мрачные? Использовал ли художник различные оттенки или большинство оттенков из одной цветовой гаммы? Это вопросы, ответы на которые важно получить.

Для каждой картинки следует посвятить по абзацу на описание важных деталей. Неплохо было бы написать больше одного абзаца или даже целую страницу, но любой результат удовлетворителен.

Готов поспорить, что сейчас ваши головы полны возражений. Может быть, вы считаете, что недостаточно хорошо владеете словом, или сомневаетесь в том, что знаете об искусстве достаточно, чтобы делать хорошие наблюдения, или же просто чувствуете, что обладаете скудным словарным запасом. Однако это не играет никакой роли, ведь никто проведенной вами работы не увидит, а значит не важно то, получали вы Пулитцеровскую премию или нет. Чем проще, тем лучше, и не обязательно считаться гуру в истории искусства, чтобы понять, что вам нравится. Не обязательно свободно оперировать многоэтажными художественными терминами, важно лишь знать, почему вам нравится то, что вы выбираете. Не утверждаю, что это просто — ничто не дается легко. Не спешите и рассмотрите в деталях каждую работу.

Умение проводить подобный анализ может иметь большое значение для профессионального роста. Можете вспомнить мой комментарий в блоге под постом «Готов ли ты начать продавать свои иллюстрации, выполненные маркерами Сopic?» (Are You Ready to Start Selling Your Copic Marker Art?) про то, что сбыт работ и обсуждение работ — это одно и то же. У большинства художников появляются проблемы с продажей именно по причине неумения говорить о своих работах. Они не умеют этого делать, потому что не умеют говорить о художественных произведениях в целом. Когда вы не умеете объяснять что-то конкретное, людям становится сложно это понять. Никто не любит то, что не понимает.

Уделите этому шагу достаточно времени, и вы научитесь анализировать искусство и говорить о нем, а значит сможете применять эти умения к собственным работам. Чем больше вы говорите о том, что создаете, тем лучше оно будет продаваться.

Шаг 4: Объедините художественные элементы из шага 3 в собственный оригинальный рисунок

Теперь поможет мое определение творчества. В шаге 4 требуется соединить детали, тщательно выбранные на предыдущем этапе, и получить собственный оригинальный рисунок. Внесу ясность: вы не работаете с главными объектами выбранных картинок, вы сочетаете зацепившие вас детали. Сюжетом работы должно стать то, что вы чаще всего рисуете. Рисуйте любимые сюжеты и предметы.

Допустим, главным персонажем ваших работ является герой комиксов, но ваш стиль не выделяет его среди персонажей прочих авторов. До этого момента вы рисовали в стиле любимого автора комиксов, но сейчас вы ищите собственный стиль. Вы решили нарисовать героя А.

Тут вам и пригодится работа, проделанная в третьем пункте. Скажем, вы поняли, что вам нравится контур художника Х, яркая цветовая гамма художника Y и похожий на стиль Рембранта почерк художника Z, смелая игра светотени. Начинайте рисовать персонажа А с набросков, так же как и всегда. Приведите его в порядок и выполните контур в стиле художника Х. Используйте насыщенные цвета Y и выразительную светотень Z.

По окончанию работы родится уникальный, не использованный никем стиль. Он будет узнаваем как ваш, потому что сохранены прежние пропорции тела и рисовка персонажа — главная концепция персонажа. Он уникален за счет сделанного выбора. Даже если два человека выберут одинаковых художников и одинаковые стили, они по-разному внедрят отобранные детали в работы и, следовательно, получат уникальные работы.

Что действительно интересно в описанном подходе, так это возможность мгновенно отличиться от большинства, но при этом сохранить то характерное, что привыкли видеть в ваших старых работах. Рисунок выйдет новым, но знакомым; уникальным, но узнаваемым. Он не будет непринятой в искусстве белой вороной (как творчество Ван Гога), но и не получится настолько знакомым, что при взгляде на него покажется, что вы уже видели подобное. Вы будете удивлены тем, как многие отметят в вашей работе схожесть со стилем их любимых авторов. Другие люди подчеркнут уникальность вашего стиля и признаются, что он им близок.

Мой метод разработки фирменного стиля действительно работает.

Так как вы выбираете каждую деталь тщательно и сознательно, новый стиль подойдет вам как личности и продолжит развиваться вместе с вашей техникой. Чем больше вы будете рисовать, тем быстрее стиль будет совершенствоваться. Через несколько лет сможете заметить, что почерк изменился коренным образом. Но за счет наличия хорошо подготовленного базового стиля изменения останутся естественными, не выбивающимися из общей картины.

Попробуйте и посмотрите, что получится. Не нужно быть гением, чтобы найти свой стиль, так что я с нетерпением жду ваших результатов.

Как найти свой АВТОРСКИЙ стиль в рисовании — видео

 

Поделиться статьей:

 

Угловатый стиль рисования. «создание и разработка образа персонажа»

Приложите к фотографии листок бумаги и переведите ее. Упростите волосы до «лоскутов», увеличьте глаза и сделайте в зрачках большие блики. Аниме-портрет готов. Но достаточно этого, если вы хотите знать, как нарисовать себя в

Вы прочитали описание процесса создания многих героев мультиков. А ведь у стиля аниме есть достаточно нюансов и особенных деталей. Персонажи из манги сразу бросаются в глаза, и невозможно их перепутать с любыми другими героями обычных мультфильмов. Изучите это, и тогда вам будет просто рисовать портреты в стиле аниме.

Выражение лица

Хотите передать эмоции, но не знаете как? Нарисовать лицо в стиле аниме одно дело, другое — передать Эмоции рисуются достаточно упрощенно, можно даже сказать, символами.

Например, розовые черточки на щеках показывают, что герой смущен, широко раскрытый рот с оскалом при разговоре — он рассержен, две дуги вместо глаз — глаза закрыты, и, вероятнее всего, персонаж испытывает удовольствие.

Однако, не изучая эту «азбуку», можно легко угадать душевное состояние героя. Если на портрете человек улыбается, посмотрите, как это изображается в аниме-стиле, и сделайте так же.

Динамика

Рисовать голову легко в анфасе. Но это скучно и быстро надоедает. Как нарисовать себя в стиле аниме, чтобы голова была динамичной? Представьте, что голова — это шар. Начертите ровно посередине линию, на которой будут расположены глаза. Теперь поверните этот шар вместе с линией, чтобы поменять угол движения.

Проведите линии для носа и губ и затем прорисуйте лицо в деталях. Работу всегда нужно делать, намечая фигуры. Детально прорисуете — и окажется, что получилось совсем не то движение, какое хотелось бы.

Главные ошибки

Аниме в портретах подчиняется общим правилам. Нос, глаза, рот, уши занимают свое положение на голове. Если вы не можете нарисовать обычную голову, о том, как нарисовать портрет в стиле аниме, вам рано думать. Мастерство зависит от опыта.

Рисуйте больше набросков, практикуйтесь. Это помогает выявлять ошибки и в конечном итоге их исправлять. Таким образом, вместо того, чтобы каждый раз открывать руководство по рисованию портрета в стиле аниме, изучите список общих ошибок, которые вы должны учитывать, и старайтесь их устранить.

Располагаются ли глаза равномерно на линии? У многих начинающих художников не получается нарисовать одинаковыми глаза, они и не знают, что делать с этим и как. Нарисовать себя в стиле аниме — это не только сделать глаза размером с галактику. После того как вы нарисуете их, отметьте снизу и сверху крайние точки и проведите через них линии. Это поможет выяснить, ровно ли нарисованы глаза.

Находится ли подбородок по центру между ними? Проведите линию вниз по центру лица между глазами и убедитесь, что подбородок на этой линии. Она также должна пересекать рот и нос. По центру, на трети или четверти — это зависит от перспективы, в которой находится голова.

Находятся ли уши на одном уровне с глазами? Верхняя точка ушной раковины располагается на уровне бровей. Мочка — на одной линии с кончиком носа. Но это индивидуальные величины, так что могут быть отклонения от заданных правил — учитывайте это.

Смотрите аниме, снятые по манге разных авторов, чтобы не задаваться вопросом о том, как нарисовать себя в стиле аниме. Изучайте разные стили манги и одновременно наслаждайтесь просмотром. Многие отаку (заядлые анимешники), не изучая принципов, с первого раза делают хороший «анимешный», рисунок.

Главный вопрос, который терзает всех начинающих художников — откуда берется авторский стиль и как его развить?
Большинство уже состоявшихся художников отвечает на этот вопрос так:

Авторский стиль — дело такое, о котором не стоит задумываться. Вам нужно просто рисовать и он придет сам собой.
На самом деле, меня такой ответ никогда не устраивал и я решила сама разобраться в этом вопросе.
Каким образом нужно формировать свой авторский стиль?

Мне кажется, что изначально нужно разобраться в том что вообще из себя представляет стиль иллюстрации. Какие они бывают и какие у них особенности.
Стилей в иллюстрации существует неимоверное количество! Они все очень тесно переплетаются друг с другом. Но среди них можно выделить пять основных:

• Реализм
• Декоративный стиль
• Гротеск
• Минимализм

Реализм

Реализм — это стиль, согласно которому, задача художника состоит в как можно более точной и объективной фиксации изображаемого объекта.
Основной упор делается на максимальную достоверности изображения. Работая в жанре реализма, художнику необходимо четко соблюдать пропорции, законы светотени и перспективы. Однако, всё же некоторая степень упрощения в данном стиле имеется. Эффект упрощения достигается за счёт техники исполнения — штриховка карандаша, обильные и небрежные мазки краски, также некое пренебрежение прорисовки отдельных элементов в технике цифровой живописи для выделения главного объекта.

Кому подходит реализм?

• Всем любителям академизма
• Концерт артерам

Что прокачивать для овладения стилем реализм?

• Академический рисунок
• Живопись
• Анатомию
• Светотень
• Реалистичные текстуры

Декоративный стиль

Декоративный стиль — стиль, имеющий парадоксальное сочетание декоративной условности и реалистичности изображаемого объекта.
Главной силой декоративного стиля является контраст реалистичности и условности. Этот эффект достигается плотной плашечной заливкой некоторых элементов объекта, то есть завивкой чистым цветом и обязательной реалистичной прорисовкой других элементов.
Для усиления эффекта можно использовать декорирование орнаментом отдельных объектов. Работая в декоративном стиле очень важно не переборщить и соблюсти баланс условности и реализма, чтобы изображение вызывало как можно больше смешанных чувств у зрителя.
Кому подходит декоративный стиль?

• Всем бунтарям, имеющим за плечами хорошую школу академического рисунка
• Журнальным иллюстратором
• Художникам, что желают создавать супер концептуальные и вызывающие работы

Что прокачивать для овладения декоративным стилем?

• Анатомию
• Орнамент и прочие декоративные элементы.

Гротеск

Гротеск — это художественный образ и стиль, основанный на причудливости и сочетании реального и нереального. Некое искажение изображения и сюжета.
Гротеск — один из самых популярных стилей в иллюстрации. Для него характерно существенное искажение пропорций, перспективы, а также необычно необычные ракурсы, что благодаря законам перспективы существенно искажает изображаемые объект.
Однако, очень важно не уходить кардинально от первоначального образа, чтобы сохранить его узнаваемость. Для гротеска характерна некая метафоричность и сюрреалистичность сюжета и образ персонажа.
Кому подходит гротеск?

• Большинству иллюстраторов
• Художникам-аниматорам
• Концепт-дизайнерам персонажей

Что прокачивать для владения стилем гротеск?

• Композицию
• Пластическую анатомию
• Фантазию самого автора

Наив

Наив — это стиль, главной характеристикой которого является упрощение формы для восприятия на подсознательном и эмоциональном уровне.
Основной отличительной чертой является примитивность форм с практическим отказом от анатомии и пропорций. Его часто называют детским или мультяшным стилем.
Главная задача иллюстраций в стиле наив — вызвать у зрителя положительные эмоции и умиление.
Рисуя в стиле наив, важно не переборщить с упрощением, сохранив свойства и узнаваемость изображаемого объекта.
Кому подходит стиль наив?

• Большинству иллюстраторов
• Детских иллюстраторам
• Художника- аниматорам
• Концерт-дизайнерам персонажей и окружения для мультфильмов

Что прокачивать для владения стилем наив?

• Формообразование
• Работы с силуэтом
• Мягкость текстуры
• Различные способы декоративной штриховки

Минимализм

Минимализм — стиль, для которого характерно максимальное упрощение формы изображаемого объекта, использование минимальных средств выразительности для передачи художественного замысла.
Сейчас он очень популярен и имеет еще одно название — Флэт-дизайн (Flat Design), то есть «Плоский».
Для минимализма характерно отсутствие перспективы, законов светотени. Объекты упрощаются до геометрических фигур, либо из них составляются. Также объекты могут изображаться лишь несколькими линиями и пятнами. Для того, чтобы вдохнуть немного жизни в свои работы и добавить им шарма, иллюстраторы часто используют приятные и шероховатые текстуры.
Кому подходит сстиль минимализм?
Иллюстраторам, желающим работать с:

• Инфографикой
• Моушен-дизайном
• Журнальной иллюстрацией

Что прокачивать для владения стилем минимализм?

• Композицию
• Формообразование

После того, как мы разобрали все 5 стилей и узнали об их особенностях, наступает время самого главного вопроса:

Как формировать свой стиль в иллюстрации?

Формировать авторский стиль необходимо из того, что у вас получается лучше всего. Но сейчас, когда вы уже знаете о том, какие стили иллюстрации бывают, Вы можете сравнить свои рисунки с теми примерами, которые я привела и увидеть к какому стилю относятся именно ваши рисунки. А чтобы добавить изюминки в свой стиль и сделать его наиболее запоминающимся, я советую вам совмещать характеристики двух разных стилей в один собственный стиль.
Если лучше всего у Вас получается рисовать в наивном стиле, добавив в него элементы из декоративного стиля, Вы уже внесете свой собственный авторский почерк.

Ребенок или взрослый, не имеет значения. Порой бывает очень трудно сразу достать книгу «Как нарисовать аниме или мангу» и подстраивать весь свой стиль под манеру какого-нибудь конкретного художника. С этого момента развивайте свой собственный уникальный творческий подход. Вы можете создать стиль, состоящий из разнообразных фишек аниме и манги!

Шаги

Прочтите настоящую мангу и посмотрите настоящее аниме. Серьезно, хотя детские нарисованные аниме книги учат в основном «poser-manga» (не оригинальному аниме). Всегда ищите японские названия. Существует достаточно очень хороших нарисованных манга книг, написанных фактическими представителями японского народа. Кто создаст пример японского искусства лучше? Приятные японцы, в большинстве случаев. Кроме того, если вы прочитаете настоящую мангу, то будете в состоянии уловить отличительные особенности манги и аниме, и, может, даже понять значение термина «американское аниме» (посмотрите kidsWB). Многое перед глазами.

Попробуйте нарисовать персонажей манги и/или животных ПРЕЖДЕ, чем найдете книгу, обучающую рисованию. Таким образом, стиль художника книги не будет подсознательно впитываться, в то время как вы творите.

При наличии в книге пошаговой инструкции для рисования не стоит просто переходить к последней картинке и копировать ее. Это обман, путь к тому, чтобы начать повторять манеру письма художника книги. Приступите к работе с круга, головы, линий глаз и тому подобного. Вы даже можете нарисовать героя в той же позе, что и в книге, только создавайте свой собственный персонаж .

Практикуйтесь в рисовании ваших любимых персонажей. Звучит как большое противоречие тому, что было сказано ранее, но это помогает. Не страшно формировать свой стиль на основе работ другого художника, однако не следует копировать его. Если вы рисуете ваших любимых героев и делаете это хорошо, вторя стилю данного художника, значит, частички этой техники перейдут вам, когда вы начнете создавать своих собственных персонажей. Не просто рисуйте уже выдуманных героев. Они являются отличной отправной точкой, но если все, что вы можете сделать, это Рена из Dot Hack, тогда не будет ничего хорошего для всего, что вы еще хотите создать (тем не менее, ваши рисунки, возможно, станут хитом на фан-сайтах Dot Hack).

1. Не позволяйте другим людям говорить, что ваши рисунки глупы. Даже если так и есть, при достаточной практике вы сможете козырять перед всеми по приезду в Японию и заставите их сказать «A! Ii manga-e desu yo!» (Ничего себе! Отличный рисунок манги!). [Однако если вы не говорите свободно на японском языке, не понимаете их культуру и т.д., стоит воздержаться от переезда в Японию.]

   • Как вы собираетесь совершенствоваться? Благодаря практике. Купите альбом для зарисовок и рисуйте в нем каждый день. Когда вы заполните его, то увидите, как ваши иллюстрации улучшались от первого наброска до последнего. Это еще не все! Продолжайте практиковаться!
   • Если вы хотите научиться рисовать, посмотрите на картинки из интернета и изучите их. Таким способом вы, вероятнее всего, станете лучше при проектировании собственных персонажей.
   • Вера в себя также имеет решающее значение. Просто верьте в свои рисунки, даже если вы считаете, что они не совершенны, потому что вы СТАНЕТЕ лучше, если положитесь на себя и свой талант в рисовании!
   • Попросите помощи у людей, которые знают толк в манге, будь то в реальной жизни или по интернету. Иногда принятие помощи у кого-то более опытного может помочь вам значительно повысить свои навыки.
   • В случае возникновения проблемы с формированием вашего собственного стиля просто изучите несколько существующих полюбившихся вам техник рисования, которые в конечном итоге сольются в вашу манеру письма. Кроме того, не бойтесь искать вдохновение за пределами стилей манги и аниме.
   • Исследуйте жизнь реальных людей и их повседневную деятельность, так вы, в конце концов, многому у них научитесь.
   • Нарисуйте реальные предметы и посмотрите, как их можно подкорректировать под стиль манги (если задние планы и объекты действительно вообще не имеют особого отображения в манге). Животные, в частности, очень разнообразны в американской анимации.
   • Изучайте японскую культуру. К вам придет лучшее понимание того, что вы рисуете. Это один из способов сказать, что вы читаете руководство по «poser-manga», видя множество примеров американских обычаев и стереотипов. (Как, к примеру, термин «гетто». Вы не найдете про это в справочнике японского автора.)
   • Рассмотрите свое строение тела. Да, скучно глядеть на рисунок мышц и скелета, однако при желании серьезно заняться искусством, знание анатомии имеет важнейшее значение.

   Предупреждения

   • Данный процесс занимает много времени. Вы не станете потрясающим художником манги за неделю или месяц. При наличии большого опыта в сфере искусства, например, учеба в художественном училище или нечто подобное, вам будет легче усвоить материал (или сложнее, смотря как). Вы, вероятно, также быстрее усовершенствуете свои навыки.
   • Если вы действительно станете великим и начнете продавать результаты своего труда, убедитесь, что не посягаете на какие-либо законы об авторском праве, создав своих персонажей похожими на героев вашей любимой манги по костюму, голосу или характеру, не имеет значения. Что-нибудь да найдут.

   Что вам понадобится

   • Карандаши
   • Ластики
   • Чернила
   • Чистая гладкая бумага хорошего качества. Она не должна быть зернистой. (Бумага для копировального аппарата или принтера – хороший и недорогой вариант!)
   • Книга «Как нарисовать мангу» (не обязательно)
   • Компьютер (если вы занимаетесь цифровым искусством)
   • Различные настоящие выпуски манги и/или знание японской культуры (не обязательно, но очень и очень полезно)

Техника создания персонажей и сами персонажи мультфильмов, комиксов и продуктов с самыми разными проявлениями характера и эмоций

• Автор
• 2 апреля 2019, 17:45

Создавать крутых, запоминающихся персонажей легко, если знать определенные правила. Этот пост фиксирует некоторые простые, но полезные моменты процесса создания.

Рассказывайте историю

Истории — это то, что вызывает у нас интерес и помогает нам поверить в персонажа. Подумайте о сюжетах фильмов и играх — мы обычно заинтригованы историей персонажа и личностными чертами, и это также относится к иллюстрации. Даже самые простые истории делают персонажа более привлекательным и запоминающимся. Показать историю на картинке можно окружением, движением, элементами костюма или чертами лица.

Формы и линии

Многие известные персонажи состоят из простых форм и линий. Помните, что зритель подсознательно считывает округлые мягкие формы как признак доброты персонажа, а резкие и рваные — как атрибут негативного героя. Поэтому если ваш милый персонаж состоит из острых кусков, это может вызвать проблемы в понимании.


Силуэты

Можно с уверенностью сказать, что люди могут сразу узнавать знакомых персонажей только по их силуэтам, если они хорошо разработаны и используют правильные формы и линии.Если вы удаляете детали из своего персонажа и тестируете их на узнаваемость силуэта, это обычно является признаком крутого дизайна.

Пропорции и преувеличение

Использование искаженных пропорций или преувеличение длины и размера частей тела, даже с мелкими деталями, такими как пальцы, может реально помочь создать индивидуальность вашего персонажа. Вы можете заставить его казаться более сильным или неуклюжим, даже более злым, преувеличивая черты внешнего вида. Это также верно для их ходьбы и движений, если вы хотите продолжать и оживлять персонажа в анимации. Плюс еще когда нужно показать, что персонаж маленький и милый ему сознательно увеличивают голову и глаза.

Выражение

Первое, на что мы смотрим, когда видим персонажа, это его глаза. В реальной жизни человеческие и животные глаза полны эмоций и являются хорошим способом понять, что кто-то думает или чувствует. Поэтому, естественно, мы смотрим на глаза на иллюстрации. Еще один хороший совет — преувеличивать выражение, чтобы оно действительно читалось и не заставлять аудиторию усердно думать.

Поза и позиция

Размышление о том, как персонаж стоит или как он себя держит, — это еще один способ больше рассказать о его личности и добавить деталей в историю. Вы можете заставить персонажей выглядеть сильными, внушительными, испуганными, растерянными, злыми и т.д., просто изменяя их позу и положение.

Масштаб

Знание масштаба и размера персонажа важно, и может быть трудно представить его размер особенно в абстрактных дизайнах. Именно здесь введение других объектов, таких как деревья, дома или столы и растения, может помочь нам понять, насколько большой или маленький персонаж, на которого мы смотрим.

Цвет

Использование цвета может помочь с настроением персонажа, сделать его более серьезным или веселым. Использование правильных оттенков для оттенка кожи, меха, одежды и т. д. также помогает зрителю понять, на какого персонажа он смотрит, и даже имеет ли он дружелюбный или не очень характер. Помните, что использование более увлекательной и нереалистичной цветовой палитры сделает вашего персонажа более веселым и игривым.

Тени

Затенение может быть настолько сложным или простым, как вам нравится. Это действительно зависит от того, насколько реалистичным или подробным вы хотите, чтобы персонаж выглядел. Вы можете по-настоящему поиграть со стилем и окончательным визуальным обликом своего персонажа, когда думаете о тенях. Это способ ввести некоторые тона/оттенки существующих цветов, которые вы использовали.

Текстура

Вам не всегда нужно использовать текстуру на иллюстрации персонажей, если вы хотите получить чистый векторный рисунок, возможно, лучше его оставить без текстуры. Однако, если вы хотите, чтобы ваша иллюстрация выглядела более органичной, живой и естественной, возможно, стоит добавить текстуру. Удачных примеров масса, стоит просто посмотреть по сторонам.

Вот и все основные моменты, этот список может реально помочь и быть полезным даже если реализовать только часть пунктов.

• Автор
• 18 декабря 2016, 14:35



Иногда нам необходимо рисовать животных, похожих на людей и есть несколько очень простых способов, которые позволяют добиться этой цели. Особенно часто прием очеловечивания используется в детских книгах и при создании маскотов. Существует несколько степеней антропоморфизма (очеловечивания).

1. Животное с человеческими эмоциями — когда животные остаются животными, но имеют человеческие эмоции и выражения морды. Для усиления эффекта можно использовать человеческие позы.

2. Животное выполняет человеческие действия — эффект отлично работает на противопоставлении с приемом выше, когда одно животное только с эмоциями, а другое выполняет какие-то действия. На этом этапе животные могут носить или не носить одежду, но у них обычно лапки, а не руки и как правило они не обуты. Очень часто этот прием использовала известный английский иллюстратор Бетрикс Поттер (это ее иллюстрация на обложке поста).

3. Практически полное совпадение с человеком — на этом этапе уже в добавление к пунктам выше животные носят одежду, обувь, ходят обычно на двух ногах и действуют как люди. Иногда такие персонажи выглядят как люди с головой животного.

Вот наглядная иллюстрация всех степеней очеловечивания. Первый пингвин просто животное, у второго есть эмоции, третий все больше очеловечивается, но пока остается пингвином, а последний полностью похож на человека.

Надеюсь теперь рисовать человечных животных вам будет просто и легко)

Честно я долго думала над этим вопросом, потому что ответ «везде» меня категорически не устраивал. В итоге собралось несколько понятных областей, учитывая особенности которых можно разрабатывать персонажей уже конкретно для чего-то.

Мультфильмы/анимация
Успех мультфильмов во многом зависит от уникальности и самобытности персонажа, поэтому образ обычно не берется с потолка, а тщательно прорабатывается. Мультики могут быть 2D или 3D — от этого зависит в чем рисовать персонажа. К персонажу прилагается комплект схем для его последующей анимации (вид в фас, профиль, карта эмоций и так далее). Вводное задание составляет режиссерская группа фильма. Обычно в полнометражных фильмах художник работает над персонажем на протяжении всей съемки.

Кстати многие крупные студии после выхода мультфильмов выпускают артбуки с процессом работы и множество всякого стаффа с персонажем.

Рекламные ролики
Обычно короткие и с акцентом на то, что продается. Все действия персонажа должны строиться вокруг продаваемого продукта. По сути мультик в миниатюре, только меньше поз, окружения и сцен. С развитием моушн-дизайна очень часто делаются из векторных персонажей с комбинацией разных переходов и смен кадра. Достаточно включить телевизор и дождаться рекламы — персонажи там самые разные.

Компьютерные игры
Отправной точкой служит общая тематика игры, ее сюжет, сеттинг (среда, в которой происходит действие) и роль, которая отведена данному персонажу. Например, требуется создать концепт-арт главного героя для шутера, действие которого происходит во времена 2-й мировой войны или во времена крестового похода. Перед началом рисования данного персонажа, художник должен тщательно изучить одежду того времени (военную форму, если герой — солдат), образцы оружия и т.п. Так же важно проработать каждое действие персонажа, как он бежит, стреляет, умирает и так далее. Примерно вот так.

Маскоты
Персонажи-талисманы, олицетворяющие компанию, бренд, спортивную команду, коллектив и так далее. Маскоты часто используются как персонажи, представляющие потребителям товары и услуги (например, клоун Рональд Макдональд). Для уличной рекламы, как правило, нанимают человека и обряжают его в костюм маскота. Еще очень яркие маскоты обычно используются для Олимпийских игр и на спортивных соревнованиях (в видео ниже как раз один из символов американской баскетбольной команды). Даже у автомобильных брендов могут быть свои маскоты — например конь у Ferrari или бык у Lamborgini. При этом персонаж не обязательно должен быть мультяшным, стилизованная брутальная версия тоже вполне может быть маскотом.

Книжная графика/комиксы
Как правило здесь нужно разрабатывать много разных персонажей и их взаимодействие друг с другом. Поведение, характер и окружение тесно связаны между собой. Чем ярче персонаж, тем проще вокруг него строить историю. Комиксы вообще отдельное большое направление, очень ярко представленное в восточных странах типа Японии и в США, но с другой стилистикой. Вот отличное видео как сделать персонажей разными.

А вот довольно долгое, но интересное как сделать персонажа миленьким.


Фигурки
Обычно это коллекционные серии с персонажами игр или мультфильмов, но бывает, что персонаж изначально создается только под скульптуру малым тиражом. С появлением 3D печати невозможное становится возможно даже для любителей и необязательно делать сразу огромный тираж.
У меня кстати есть несколько фигурок из Игры престолов, отличные персонажики)

Если вы знаете другие интересные примеры использования персонажей — поделитесь в комментариях.

• Автор
• 15 февраля 2016, 20:44


Решила обобщить все полезные фишки, которые советуют известные иллюстраторы для создания качественных и узнаваемых персонажей. Главное в персонаже — это его узнаваемость и читаемость. Соответственно без четкого силуэта добиться этого сложновато. Поэтому первым делом стоит залить персонажа черным и проверить как он вообще выглядит в качестве пятна. Вот например несколько силуэтов — конечно вы сразу их узнаете.


Очень круто с силуэтом работает Денис Зильбер, вот например последовательность рисования его персонажа и хорошо видно, как он изменил позу в пользу читаемости силуэта.

Много вариантов

Не стоит сразу рисовать персонажа и концентрироваться только на одном образе — лучше нарисовать несколько разных концептов и выбрать наиболее удачный. В любом случае с отвергнутых вариантов можно взять интересные детали.

Простые формы

Проще и правильнее начинать рисование с простых форм — овалов, груш и цилиндров и уже потом наращивать на них нужный объем и детали. Рисование с форм позволяет просто найти нужную позу или ракурс, не изменяя весь рисунок целиком. И несмотря на то, что очень часто хочется углубиться в детали, на начальном этапе палка, огуречик — это наше все)

Необычные детали

Персонаж может быть запоминающимся не только своей фигурой, но и интересными вещами дополняющими образ. Например если вспомнить Гарри Поттера, то это сразу очки, сова и шрам в виде молнии. Однажды я видела дизайн обложек книг, где были нарисованы эти три вещи и не написано название книги и я стопроцентно была уверена, что это Поттер.

Правильные пропорции

Обычно если персонаж умный — ему делают голову побольше и большие очки, если он качок — у него будут широкие плечи, у романтичных девочек — большие глаза и длинные ресницы. Все эти вещи помогают проще считывать образ персонажа, не задумываясь. Нужно помнить о соотношении частей тела, т.к. пропорции создают характер персонажа. Например, у большого и драчливого героя будет маленькая голова, широкая грудная клетка, плечи и ноги, рот и подбородок будут выдаваться вперед. Милые персонажи будут иметь пропорции младенца: большая голова, овальное тело, высокий лоб, и маленькие зоны подбородка, рта, глаз. Зная эти вещи уже можно добиваться определенных эффектов.
Например почти все диснеевские принцессы выглядят миленькими за счет больших глаз и маленького ротика.

Окружение тоже важно

Понимание того, где именно будет действовать и работать персонаж может серьезно упростить работу. Особенно это важно, когда персонажа «вписывают» в уже готовое место. В каком-нибудь таинственном лесу уместнее будут лешие и колдуны, чем например всадник на коне или африканское животное.
Мне нравится пример с Бикини Боттом — он идеально подходит по стилю к Губке Бобу и его друзьям, а они идеально подходят к нему.

Для чего и для кого создается персонаж

Для какой-нибудь компании по продаже турпутевок персонаж лучше сделать простым, а вот для игр разрабатывают обычно сложных и детализированных героев. Однако если человек просто идет по улице и видит сложного героя, скорее всего он не будет его разглядывать.
Вот персонаж Евросети, которого легко изменять и заставить сделать что угодно и которого часто можно увидеть, проходя мимо очередного салона.


А вот герой Варкрафта, где люди просиживают долгое время и важна атмосфера и любые мелочи.

И напоследок

Всегда интересно не просто смотреть на понравившихся героев, а анализировать их и выделять характерные черты. Зная основные приемы, можно очень быстро научиться создавать интересных персонажей, соответствующих задаче.

А вы знаете какие-то важные моменты, которые стоило бы учесть при создании персонажей?

Почти каждый художник в начале своего творческого пути сталкивается с вопросами – как научиться рисовать и как найти свой собственный стиль? На самом деле, научиться рисовать не так сложно. Ответ на этот вопрос скрывается в деталях и нюансах, которые мы как раз и рассмотрим в этой статье.

Это даже не правило, а самый верный и искренний путь, который может выбрать творческий человек. Сколько я себя помню, мне всегда нравилось рисовать человеческие лица. И именно с этого я когда-то начала учиться рисовать и искать свой стиль. Но все мы такие разные, и одним нравятся изображения с пейзажами, а другим абстракция. Поэтому, в первую очередь, просто определитесь с тем, к чему стремится ваша душа, руки и краски! И начните рисовать в свое удовольствие. Со временем, конечно же, список может расширяться, но каждый раз нужно задавать себе один и тот же вопрос: «Рисую ли я сейчас именно то, что могу рисовать бесконечно?» В начале творческого пути задавайте этот вопрос себе почаще. И, конечно, никогда не выкидывайте свои старые рисунки и храните их в одном месте, чтобы со временем видеть свой прогресс.

Потому что вы никогда не узнаете, сколько времени, какие приемы и «фишки» стоят за той или иной картиной. Вы никогда не узнаете, сколько времени потратил художник на достижение своего результата. И самое худшее, что вы можете сделать, когда только начинаете учиться рисовать — это начать сравнивать свое начало с чужой серединой.

Как я уже написала выше, сравнение с другими художниками — губительно для вашего творчества. Но это совершенно не отменяет «насмотренность глаза», которая развивается благодаря расширению горизонтов и отслеживанию работ художников, которые вам близки. Особенно это актуально, когда вы только начинаете учиться рисовать и ищите вдохновение извне. Проанализируйте, что именно цепляет вас в этих работах? Что конкретно привлекает и нравится? Какие фрагменты бросаются вам в глаза и заставляют трепетать? Может быть, вам нравится, как одни художники сочетают совершенно несочетаемые вещи или используют оригинальные текстуры? Чтобы научиться рисовать, вдохновляйтесь тем, что вам близко и комбинируйте приемы, которые вам так нравятся, чтобы создать собственную уникальную работу. И, конечно, ищите вдохновение и понравившиеся стили не только в работах других авторов, но и в отдельных строчках прочитанных книг, выставках, фильмах и даже музыке!

Этому пункту большинство начинающих авторов не уделяют нужного внимания, а зря. Как только вы начали учиться рисовать и тем более задались вопросом поиска собственного стиля, не стоит сразу искать быстрый путь. Лучше пробуйте больше, совмещайте разные текстуры, материалы, приемы. Ищите то, что другие не нашли. Используйте то, до чего другие не догадались. Пробуйте, черкайте, рвите, совмещайте! Будьте безумными и непредсказуемыми — в хорошем смысле этого слова! Ведь только эксперименты и поиск новых идей способны вытолкнуть вас из зоны привычного комфорта и найти именно свою «изюминку».

Тут, я думаю, все ясно. Это, пожалуй, мой самый любимый и важнейший пункт. Научиться рисовать и обзавестись собственным стилем за две недели, при всём желании, невозможно. Поэтому я всегда говорила и повторюсь снова — усердие и трудолюбие это 90% успеха! Иначе, как же научиться рисовать и найти свой стиль? Многие считают, что талант рисовать и наличие собственного стиля — это то, что тебе далось сразу, практически с рождения. Но это не так. Потому что за каждым уникальным стилем и собственным почерком стоят годы работы, бессонные ночи, разочарования, творческие кризисы и падения. Это может прозвучать очень грозно, но творчество — это работа, которая поглощает все ваше время и силы. Но это стоит того.

Какие бывают стили живописи? | Школа живописи Artville

Описать стили изобразительного искусства так же непросто, как пересчитать звёзды на небе. Многие течения существуют параллельно с другими направлениями, распадаясь на мелкие разветвления и подвиды. Хотя и установлена некая классификация, чёткие границы между ними провести довольно сложно. Разговор о стилях живописи для большинства людей начинается с момента, когда появляются картины, написанные маслом, а произошло это в эпоху Возрождения.

Ренессанс

Временные рамки эпохи Возрождения довольно обширны: начиная с 14 века в Италии, стиль постепенно в 15-16 веках распространился в других европейских странах. Если попросить сейчас назвать имена средневековых живописцев, большинство людей не смогут этого сделать, так как мастера почти никогда не подписывали свои работы. А вот кто такие Микеланджело, Леонардо да Винчи или Рафаэль – знают практически все.

Произошло так потому, что наивысшей ценностью для художников Возрождения стал человек. Гуманистический идеал этого направления в живописи был позаимствован у творцов античности. Художники Ренессанса возродили древнегреческие традиции, собственно так и возникло название стиля. Кроме того, искусство стало более светским. Живописцы отошли от условностей и схематичности иконографической традиции. Изображения стали более объёмными и реалистическими.

Барокко

Реформация и последовавшая Контрреформация в 16-17 веках внесли смятение в души и умы обывателей. Ясность и гармонию Ренессанса заменили динамизм и контрастность эпохи барокко. Достаточно увидеть картины Караваджо, чтобы понять, насколько это разные стили рисования. Резко противопоставляя свет и тень, художник достиг эффекта большого напряжения и эмоциональности.

Абсолютизм и стремление церкви вернуть утраченные позиции привели к театрализации и пышности искусства этого периода. Художники Франции, Испании пишут парадные портреты. Одно из произведений этого жанра – «Менины» Веласкеса.

Рококо

Естественным продолжением барокко стал художественный стиль рококо, который возник в начале 18 века во Франции. Изображая жизнь высшего общества, живописцы уже не использовали тяжеловесную пышность предыдущего направления, а создавали лёгкие, галантные полотна. Вместо контрастов – пастельные тона, театральность уступила место камерности и изысканности. Пастушескую идиллию, бегство от реальности – всё это можно увидеть, например, в работах Ватто.

Классицизм

Начало 18 века – период, когда одновременно существовали разные стили живописи: барокко, рококо, а с конца 17 века и классицизм. Это направление также возникло во Франции. Яркий его представитель – Никола Пуссен. Стиль прекрасно подошёл для восхваления абсолютизма. Художники классицизма, как и мастера Ренессанса, обращались к античным сюжетам. Но ценность для них представляла не возможность прославления человека-творца, а мифология, возвышающая богов. Установилась строгая иерархия, где жанры живописи делились на высокие и низкие. Все картины писались соответственно принятым канонам и нормам. Классицизм просуществовал до начала 19 века.

Романтизм

Французская революция смела все нормы и условности, открыв дорогу новому направлению в искусстве – романтизму. Вместо холодной рассудочности и рациональности наступила эпоха господства чувств и эмоций, которая охватывает период с конца 18 века до середины 19 века. Представление о стиле рисования даст картина Делакруа «Свобода на баррикадах» или творчество русского художника Айвазовского.

Реализм

Несоответствие между мечтой о свободе и наступившей отрезвляющей действительностью привело к появлению нового направления – реализма. После 1855 года в искусстве господствует лозунг: «Ничего, кроме правды». На полотнах Гюстава Курбе изображены самые обыкновенные люди, зарабатывающие на хлеб насущный в поте лица. Реалистическими направлениями также стали веризм и натурализм. Эти стили рисования изображали людей в типичных ситуациях почти с фотографической достоверностью.

Модернизм

В последние десятилетия 19 века появляется много новых направлений в живописи, которые получили название модернизм или «другое искусство». Эти разные течения объединяет оригинальное видение мира, стремление к новшествам. Наиболее значительные из них:

• Импрессионизм. Художники стремились передать изменчивость и подвижность окружающего мира. Живописцы не смешивали краски на палитре, а добивались нужного эффекта прямо на холсте. Моне, Дега, Ренуар, Сезанн, Мане предпочитали работать на пленэре, уделяя много внимания освещению. Так они могли лучше передать мимолётное впечатление от действительности. Название художественного стиля «импрессионизм» и означает «впечатление».
• Пуантилизм (дивизионизм). Течение стало продолжением импрессионизма. Писсарро и Сёра использовали достижения оптики и рисовали раздельными точечными мазками. Цвета смешивались на этапе восприятия картины.
• Модерн. Главными принципами стали орнаментальность, декоративность и асимметрия. Криволинейные контуры напоминают растительные формы.
• Кубизм и абстракционизм. Эти стили рисования узнаваемы по изображению различных сочетаний геометрических форм, плоскостей и цветов. Авторы отказались от приближения к действительности. Наиболее известные работы – «Авиньонские девицы» Пикассо и «Чёрный квадрат» Малевича.
• Экспрессионизм. Очень важными становятся эмоциональные состояния автора, преимущественно тревога, страх, разочарование. Это стало отражением пережитых ужасов Первой мировой войны, которые предвидел ещё Мунк в картине «Крик». Основной принцип гласит: не важно, что будет нарисовано на полотне, главное, как это изобразит автор.

Философия модернизма обширна и включает в себя самые разные направления: фовизм, футуризм, дадаизм, сюрреализм и другие течения.

Сегодня стили изобразительного искусства практически не существуют в «чистом» виде. Андеграунд и поп-арт, минимализм и перформанс мирно уживаются друг с другом. Современные художники смело экспериментируют, ищут новые, нетрадиционные способы рисования. Полотна каждого творца – отдельный интересный и уникальный мир.

Как называется стиль рисования, когда рисуют людей с большими головами и маленьким телом?

Разделите квадрат 6×6 на равные по велечине и форме 4 части, так чтобы в каждой части было по две одинаковых фишки. Даю 80 баллов!

100000000000000000000000000000000000000. какое это число ?

Посоветуйте какие посмотреть фильмы зарубежные?​

Краткий пересказ книги тайна подброшеных писем

абстракція Моє ім’я (Анастасія) (можна квіти) з контрастними кольорами

М.е. салтыков-щедрин романа история одного города сведения об авторе, тема, основная событие, главный герой кратко для читательского дневника

Заполните пропуск в последовательности. Чем быстрее тем лучше! Без объяснения ответ не принимается, только с объяснением!

НУЖНЫ ОТВЕТЫ НА ВОПРОСЫ Угол между передней и задней поверхностями называют:Выберите один ответ:a. оселкомb. углом стамескиc. углом заострения лезвияd … . углом заточки лезвияВопрос 6Подготовка заготовки для точения на токарном станке может включать:Выберите один ответ:a. разметку центров вращения заготовкиb. придание заготовке формы, близкой к цилиндрическойc. всё перечисленноеd. отрезку заготовки по длине с учетом припусков на торцах, осмотр ее внешнего состоянияРежущая часть токарных резцов, называемая лезвием, имеет:Выберите один ответ:a. коническую формуb. круглую формуc. клиновидную формуd. цилиндрическую форму

Стамески для токарных работ бывают: Выберите один ответ: a. плоские косые b. желобчатые, c. полукруглые выпуклые, желобчатые полукруглые вогнутые d. в … сё перечисленное Каждая машина состоит из: Выберите один ответ: a. передаточного механизма b. исполнительного механизма c. двигателя d. всё перечисленное Станки, предназначенные для изготовления (точения) деревянных изделий, имеющих в поперечном сечении форму круга, называют: Выберите один ответ: a. фрезеровочными b. резочными c. токарными d. точильными

НУЖНА ПОМОЩЬ , ОЧЕНЬ ТОРОПЛЮСЬ ! ДАМ 20 БАЛЛОВ ЗА ЛУЧШИЙ ОТВЕТ Стамески для токарных работ бывают:Выберите один ответ:a. плоские косыеb. желобчатые,c … . полукруглые выпуклые, желобчатые полукруглые вогнутыеd. всё перечисленноеКаждая машина состоит из:Выберите один ответ:a. передаточного механизмаb. исполнительного механизмаc. двигателяd. всё перечисленноеСтанки, предназначенные для изготовления (точения) деревянных изделий, имеющих в поперечном сечении форму круга, называют:Выберите один ответ:a. фрезеровочнымиb. резочнымиc. токарнымиd. точильнымиУгол между передней и задней поверхностями называют:Выберите один ответ:a. оселкомb. углом стамескиc. углом заострения лезвияd. углом заточки лезвия

Как выработать авторский стиль в иллюстрации

Профессиональный иллюстратор Дейв Нил умудряется сохранять свой стиль даже в рекламных проектах. Как ему это удается? Дейв поделился парочкой секретов, которые помогут вам выработать уникальный стиль и придерживаться его несмотря ни на что.

Видео ниже – это одна из работ Дейва. Также он создал рекламу для Aquafresh. По этим двум роликам можно понять стиль художника – очень гладкое 3D изображение стало визитной карточкой Дейва.

Дейв выработал приведенные ниже советы, основываясь на собственном опыте и ошибках, которые он совершал за многие года работы иллюстратором.

1. Изучите основы

Формы – ключ к успеху

Формы должны лежать в основе работы любого художника, но, к сожалению, в большинстве случаев про формы никто не помнит. Вы обязаны основываться на реальных элементах, когда собираетесь создавать несуществующих персонажей.

Как вы сможете нарисовать крутую рыбу, если вы даже не умеете рисовать реалистичную рыбу? Если рисунок выглядит плохо, то, скорее всего, формы были нарисованы неправильно. Знать формы – значит разбивать все, что вы видите или рисуете, на более простые фигуры.

Структура

Структура – это анатомия того, что вы рисуете. Не имеет значения, что вы хотите нарисовать, вы должны знать, как это построено. Мышцы, кости, кожа, шкура, шерсть, корни, ветки, листья – все это части одной структуры.

Убедитесь в том, что у вас нет пробелов в знаниях. Вы должны знать столько технической информации, чтобы вы уже могли интуитивно ориентироваться в структуре. Это подразумевает не только знание основных правил рисования, но и умение применять их и понимать их.

Как только вы знаете структуру животного, вы уже можете свободно создавать дизайн и не волноваться о логистике. Ваша работа и так будет выглядеть отлично, так как структура будет правильной.

Помните, что если вы хотите, чтобы ваш рисунок выглядел достоверно, вам нужно знать структуру объекта.

Используйте сетки

Сетка поможет вам правильно расположить формы. Попробуйте рисовать с помощью сетки, это поможет вам справиться с перспективой и пропорциями, так как вы буквально сможете разбить свое изображение на маленькие кусочки.

Умейте видеть в 3D

Перспектива невероятно важна. Дейв говорит, что даже 2D рисунок нужно видеть в трехмерном пространстве. Это поможет вам понять пропорции.

Правильная перспектива

Перспектива подразумевает пропорции. Она имеет огромное влияние на все, к примеру, на расположение глаз. И если вы не освоили это, то вам даже не стоит браться за сложные работы.

Сделайте обучение веселее: рисуйте коробки с глазами (они будут вашими персонажами, чтобы отработать перспективу.

Проверить правильность симметрии и перспективы довольно просто. Переверните изображение. Оно все еще выглядит правильно? Если нет, то вы, наверняка, позабыли про симметрию.

Ракурс довольно сложно освоить, поэтому, как и было сказано выше, практикуйтесь на простых формах – коробках и квадратах, превратите их в персонажей, чтобы вам было веселее.

2. Примеры и исследования необходимы

Используйте реальные примеры, чтобы добавить сложные детали вашему изображению. Изучите как можно больше анатомии. Дейв довольно часто рисует в зоопарках. Это помогает ему улучшить знания по анатомии животных. Поэтому он советует вам не просто слепо копировать, а смотреть глубже и понимать то, что вы рисуете.

Если вы знаете, как каждая кость двигается, в каком положении находится каждая мышца, то вы сможете вдохнуть жизнь в ваши рисунки. У вас появится гораздо больше возможностей, чем если бы вы основывались только на своих навыках.

3. Работайте над ошибками

Определите свои недостатки. Вы ужасно рисуете руки? Вы не можете нарисовать персонажа в движении? Изучайте это! У каждого художника есть его слабые места. Мы бы все могли и дальше просто сидеть и рисовать только то, что мы умеем рисовать, снова и снова. Но тогда вы никогда не будете расти, как художник.

Анализируйте то, что вы рисуете. Разбивайте все на структуры и думайте, зачем вы рисуете то, что рисуете.

Работайте над своими недостатками, но не перегружайте себя. Обучение может занять даже несколько лет, дайте себе это время.

 4. Практика – путь к идеалу

Параллельно с работой над своими недостатками, оттачивайте и те навыки, которыми вы уже овладели.

Вы можете рисовать привлекательные линии? Работайте и дальше над своей ловкостью. Пробуйте различные стили и инструменты, чтобы улучшить свои навыки.

Помните, что ваши рисунки должны выглядеть хорошо и в виде наброска. Ваши руки должны уметь в точности повторять мысли ума. Координация ума, глаз и рук невероятно важна.

5. Не следуйте всем советам

Никто не знает, что для вас сработает, кроме вас самих. Слушайте советы с долей скепсиса – это может не сработать в вашем случае!

Мы все не работаем одинаково – мы находим разные способы обучения. Вам стоит научиться понимать разницу между учебой и пониманием информации. Вы должны знать, почему вы принимаете те решения, которые вы принимаете.

Спросите себя: “Что помогает информации попасть в ваш ум?” Нужен ли вам пример, или вы учитесь по книгам? Может уроки на Ютуб или реальные курсы? Или Пинтерест?

Вам нужно найти свой собственный путь, который будет работать для вас.

6. Берите что-то от других

Впитывайте окружающий мир. Не бойтесь брать что-то от других и применять это в своем творчестве, пропуская через призму собственного мировоззрения.

Не копируйте элементы, ваше творчество должно стать гибридом многих влияний. К примеру, музыканты выбирают различных артистов, чтобы вдохновиться, и берут от каждого из них то, что им самим нравится, видоизменяя и внедряя это в их собственный стиль.

7. Всегда есть чему учиться

Не делайте постоянно одно и тоже. Не используйте какой-то стиль, как основу, если вы не знаете его досконально.

Рисуйте, используя воображение, экспериментируйте и спрашивайте себя “Зачем”. Зачем вы нарушаете правила? Что вы чувствуете, когда рисуете? У вас должно быть собственное мнение, развивайте интуицию в дизайне, прививая себе хорошие привычки. Изучайте основы, стремитесь к новым знаниям и никогда не ленитесь.

Но, несмотря на все, сказанное выше, не слишком жестко относитесь к себе. Дейв признается, что он все еще учится и старается избавиться от плохих привычек, даже учитывая то, что он профессионал. Веселитесь!

Автор: Creativebloq

Перевод: Say-Hi

Читайте также:

Подробное руководство: как правильно состарить своего персонажа

28 советов по рисованию масляными красками

Урок по созданию смайликов в Adobe Illustrator

Стили рисования, или Как смотрят на мир художники?

Художники всех времен и народов рисовали лишь то, что они хотели. Они отображали на холстах мир таким, каким видят его только они. Донести свои чувства, эмоции, цвета, оттенки и игру теней до других людей весьма проблематично, поэтому они создавали новые стили рисования и техники. Конечно, нельзя распределить все искусство по нескольким категориям, но это помогает увидеть общую картину и создать правильное впечатление. Как и в случае с одеждой, в изобразительном искусстве есть мода на определенные стили, которые время от времени сменяют друг друга. Давайте же посмотрим, какими основными категориями они представлены на сегодняшний день.

Абстракционизм

Это направление не признается многими простыми обывателями, поскольку на картинах нельзя увидеть привычные для нас формы и цвета. Но именно на этом и делают акцент художники. Сам термин в переводе означает удаление или отвлечение от реальности. Главная цель – достичь гармонии форм и оттенков цветов, тем самым вызывая у созерцателя определенные ассоциации. Основоположником был Василий Кандинский, но, пожалуй, самым известным произведением искусства стал «Черный квадрат» Казимира Малевича.

Импрессионизм

Стили рисования данного направления воссоздают впечатления от увиденного, форма не имеет значения. Картины, как правило, создаются энергичными штрихами, а мелкие детали практически отсутствуют. Зародилось направление во Франции в конце 19 века. Главным для художника было не то, что он рисует, а то, как оно выглядит на холсте. Проблемой этого стиля можно назвать чрезмерную позитивность и полное отсутствие социальных проблем, в итоге это привело к расколу среди импрессионистов.

Ярким представителем являлся Клод Моне («Впечатление. Восходящее солнце»)

Сюрреализм

Отличительной особенностью данного стиля являются аллюзии и невероятные сочетания форм и размеров предметов. Тем, кто привнес эту идеологию в искусство, был Андре Бретон, а наиболее ярким последователем оказался Сальвадор Дали. Если описать картины в двух словах, то они скорее похожи на что-то среднее между сном и реальностью. Стили рисования в данном направлении были далеки от рациональной эстетики, так как привычные детали предстают перед нами в вытянутом, увеличенном или чересчур уменьшенном виде, не говоря уже о том, что само сочетание их абсурдно.

Реализм

Стили рисования, с которых мы начали, далеки от реальности, однако самым распространенным направлением все-таки считается именно реализм.

С него начинается обучение в школе искусств, это умение отобразить на листе бумаги то, что мы видим, в правильных пропорциях и в естественных цветах.

Гиперреализм

А вот современные стили рисования, гиперреализм, к примеру, отличаются такой правдоподобностью, что они больше похожи на фотографии, нежели на рисунок. Именно этот момент и заставляет замирать при виде картин, написанных представителями этого направления. На портретах можно разглядеть каждый волосок, малейшие блики в глазах и даже морщинки. А от городских пейзажей мурашки по телу бегут. Теперь вы знаете, какие бывают стили рисования, и можете спокойно идти на выставку, не боясь выставить себя абсолютным дилетантом в данном вопросе.

Как найти свой собственный стиль рисования для произведения искусства

Wangs Lok / EyeEm / Getty Images / EyeEm

---

Если вы хотите стать художником следующего уровня, обучение технике — это только начало. Ваши рисунки должны отражать ваш личный стиль и говорить: «Привет, это Я».

Чтобы разработать фирменный стиль, вам нужно будет смотреть на множество произведений искусства и как сумасшедшие экспериментировать. Хорошие новости: заниматься этими делами весело, увлекательно и дает огромный импульс творчеству.

Вот как добавить индивидуальности всему, что вы рисуете.

1. Займитесь просмотром произведений искусства.

Эдгар Чапарро / Unsplash

---

Возьмите все, а не только рисунки: книги, музейные экспонаты, веб-сайты, посвященные изобразительному искусству, поп-арт, мультипликационные ленты — все, что вы можете найти. Обратите внимание на то, что заставляет вас говорить: «Еще, пожалуйста». Это ваш первый ключ к тому, какие произведения искусства могут в конечном итоге вдохновить вас на индивидуальный стиль.

2. Основные сведения

Поймите правила, чтобы их нарушить. Изучение основ рисования, таких как методы рисования пером, затенение и рисование с перспективой, поможет вам встать на правильный путь. Таким образом, когда ваш собственный стиль начнет проявляться, у вас будут навыки, чтобы его подкрепить.

3. Займитесь профессиональным стилем

Давайте проясним: никогда не стоит заниматься плагиатом искусства. Но особенно когда вы только начинаете, копирование других художников просто для практики расширяет ваши навыки, поскольку вы исследуете собственные способы самовыражения.То, что могло начаться с подражания, может развиться в ваш уникальный стиль.

4. Посетите тренажерный зал

Обучение рисованию похоже на тренировку: если вы хотите быть в форме, вам нужно регулярно заниматься спортом. Ежедневная практика рисования укрепит ваши навыки и раскроет ваш стиль.

5. Выйди из зоны комфорта

mediaphotos / Getty Images / iStockphoto

---

Попробуйте рисовать в стиле, который пугает или пугает вас.Останься со мной здесь. Изучение стилей, которые кажутся неестественными, может научить вас тому, что вы действительно хотите рисовать, а что делает естественным.

Допустим, вы бросаете себе вызов нарисовать реалистичный цветок, но все, о чем вы можете думать, — это то, как вам не терпится рисовать мандалы. Это ваши естественные инстинкты, взывающие к вам. Слушай внимательно.

6. Дудл

Серьезно. Когда дело доходит до оттачивания навыков и выработки индивидуального стиля, ничто не сравнится с рисованием.Рисуя, вы не только улучшаете зрительно-моторную координацию. Вы также работаете в свободной форме и решаете проблемы творчески, даже если не осознаёте этого.

Рисуете ли вы сердца и звезды, повторяете узор или просто рисуете, ваши каракули могут превратиться в стилизованные элементы. Они могут найти свое место в более «законченном» искусстве и превратиться в подписи вашего стиля.

7. Промыть и повторить

Хорошо, вам не нужно «полоскать», но вам обязательно стоит повторить — например, рисовать одно и то же снова и снова.Независимо от того, рисуете ли вы полевые цветы или какого-то персонажа, которым вы одержимы (мой — «Посыпьте единорога»), ваш личный стиль начнет бросаться в глаза.

Вы когда-нибудь смотрели старые серии The Simpsons и думали, насколько забавно выглядят персонажи — почти как бета-версии самих себя? Чтобы персонажи превратились в знаковых фигур, которых теперь все знают, требовалось постоянное рисование и перерисовка. Даже если вы не Мэтт Грёнинг (пока), вам будет полезно повторение.

8. Слушайте свой внутренний голос

Даже если вы начинаете рисовать с определенной идеей, дайте себе свободу изменить курс. Сделайте паузу на минуту и ​​честно скажите, что работает, а что нет. Часто тот голосок, который говорит «Стой» или «Нарисуй здесь букет цветов», — это ваш личный стиль, который пытается быть услышанным. Сделай погромче.

9. Остановить рисование

Нет, это не шутка. Вы знаете, как люди говорят, что лучшие идеи приходят в голову в душе? Направьте это спонтанное творчество и отложите перо и чернила на секунду.

Прогуляйтесь, примите ванну или займитесь чем угодно, чтобы избавиться от рутины. В это время ваш мозг обрабатывает идеи, и перерыв может сделать вас лучшим художником.

10. Развитие

Иногда, когда вы находите что-то, что работает художественно, вы испытываете искушение придерживаться этого навсегда. Это может быть здорово для некоторых художников, но многие другие со временем развивают свой стиль. Посмотрите, куда вас ведут ваши инстинкты.

Например, я всегда рисовал персонажей. Раньше мне нравилось работать пером, тушью и акварелью, но теперь я люблю раскрашивать предметы в цифровом виде и использовать фотографии. Работа с персонажами по-прежнему определенно мой стиль, но он развивался на основе новых техник, которые я изучаю, и всего того, что мне нравится в то время.

11. Держись

Вы можете расстроиться и захотите сдаться — это совершенно нормально, но, пожалуйста, не делайте этого. Для некоторых людей развитие личного стиля происходит быстро и естественно; для других это может занять много времени и экспериментов.И эй, у тебя может быть больше одного стиля. Придерживайтесь процесса. Со временем вы увидите результаты. Обещать.

Работа через CakeSpy

Изучите и узнайте о различных типах стилей рисования ~ Wikye

От архитекторов, модельеров до аниматоров — все художники, которым следует овладеть навыками рисования.

По сути, рисунок — это то, что дает художнику свободу безграничного самовыражения и творчества.

И, используя разные стили рисования, художники могут увидеть в себе невероятное видение.

Итак, если вы хотите в будущем стать известным художником, вам нужно начинать с чистого листа.

И чтобы помочь вам в этом, мы придумали несколько важных вещей, которые нужно знать, чтобы стать художником.

Ниже приведены различные стили рисования, которые вы можете попробовать как художник.

Рисование линии

Рисование линий, также называемое контурным рисунком, — это базовый стиль рисования, о котором должен знать каждый художник.

При рисовании линий художники используют контуры без штриховки для создания запоминающихся эскизов.

Если вы действительно хотите тренировать свои навыки рисования, рисование контурных линий — лучшая идея.

В этом упражнении карандаш или ручка никогда не отрываются от листа бумаги.

Помимо контуров и внутренних форм, карандаш или ручка должны перемещаться вперед и назад по поверхности бумаги.

Следовательно, конечный результат формируется из одной непрерывной линии.

Этот стиль рисования помогает вам развить уверенность и скорость рисования, а также побуждает ваши глаза, руки и мозг работать вместе.

Дудлинг

Многие люди, особенно не художники, думают, что рисование — это способ убить время.

Тем не менее, это один из самых важных стилей рисования, которым следует овладеть.

Doodling — прекрасный способ дать волю своему подсознанию и развить творческие идеи.

Леонардо да Винчи, один из величайших художников всех времен, известен своими рисунками на полях его блокнотов.

Дудлы предназначены для быстрого выполнения с простыми четкими линиями.

Также дудлы — это прекрасное, непосредственное впечатление о мире перед нами.

Мода

Каждый, кто занимается творчеством, такой же художник, как и модельеры.

Модельеры используют стили рисования, чтобы выразить свои идеи на бумаге.

Они часто называют это быстрыми жестами, передающими суть предмета одежды.

Этот тип стиля рисования обычно состоит из длинных вытянутых фигур, имитирующих части тела модели, с акцентом на дизайн.

Однако в этих стилях рисования черты лица часто отсутствуют или минимальны.

Это потому, что лицо модели или покупателя не имеет ничего общего с их бизнесом.

Внутри модной иллюстрации есть много разных стилей.

Некоторые рисунки грубые, а другие более полированные и чистые.

Если вы не интересуетесь модным дизайном, лучше пропустите эту часть.

Анаморфный

Анаморфный — это технический стиль рисования, требующий много усилий и самоотдачи.

По сути, этот трехмерный рисунок требует владения перспективой для создания глубины и иллюзий.

Чтобы освоиться, может потребоваться дополнительное время, усилия и концентрация.

Однако в результате получаются ошеломляющие и удивительные произведения искусства, которые порадуют любого.

На YouTube есть множество обучающих видео, которые помогут вам освоить этот стиль рисования.

Мультфильмы

В 19, ^-х, годах карикатуры использовались как сатирические и юмористические иллюстрации.

Однако с течением времени иллюстрации из мультфильмов стали появляться в более крупных категориях.

Некоторые стили мультфильмов включают карикатуру, аниме или мангу, а также классический стиль Диснея.

Играть с мультяшными рисунками означает освободиться от реального мира.

Вы начинаете создавать свой собственный мир с героями, злодеями и другими особенными персонажами в своем уме.

Развитие творческих способностей — это настоящая сила рисунков из мультфильмов.

Фотореализм

Другой тип стиля рисования после анаморфизма, который требует много усилий и самоотдачи.

Для художника, работающего в фотореалистичном или гиперреалистичном стиле рисования, терпение является ключевым моментом.

Можно провести месяцы и годы перед этим произведением искусства, чтобы довести его до уровня, похожего на фотографию.

Портретная живопись — популярный объект фотореализма, однако вы можете пойти дальше.

Вы можете использовать цветной карандаш или окунуть в него кисть, и при этом он будет выглядеть сюрреалистично.

Пуантилизм

Пуантилизм — это стиль рисования, который часто ассоциируется с постимпрессионистскими картинами Жоржа Сёра.

Это стиль рисования, который предполагает использование точек разного цвета для создания иллюзорной формы.

Идея пуантилизма заключается в том, что когда вы помещаете два разных цвета рядом друг с другом, они переходят в разные цвета.

Результаты часто могут быть потрясающе реалистичными.

Никто не поверит, что вы использовали только точки для завершения своей работы.

С пуантилизмом вы начнете понимать, что чем больше вы смешиваете цвета, тем менее насыщенными они становятся.

различных видов рисования — подготовительный

Рисование лежит в основе способа самовыражения художника. Как инструмент коммуникации рисунок — это творческий способ выразить чувства и мысли художника или дизайнера.Рисунок может быть эскизом, планом, рисунком или графическим изображением, сделанным с помощью ручек, карандашей или мелков. Конечный результат зависит от его характера и цели. Ниже вы можете найти разные виды рисунков с оригинальными иллюстрациями Ярена Эрена.

Иллюстративный чертеж

Это чертежи, которые созданы для представления макета конкретного документа. Они включают в себя все основные детали рассматриваемого проекта с четким указанием его цели, стиля, размера, цвета, характера и эффекта.

Живой чертеж

Рисунки, полученные в результате прямых или реальных наблюдений, являются рисунками из жизни. Рисование жизни, также известное как рисунок натюрморта или рисунок фигуры, отображает все выражения, которые видит художник и запечатлел на картине. Человеческая фигура составляет одну из самых устойчивых тем в рисовании жизни, которая применяется в портретной живописи, скульптуре, медицинской иллюстрации, карикатуре и иллюстрации комиксов и в других областях.

Эмоциональный рисунок

Подобно живописи, эмоциональный рисунок подчеркивает исследование и выражение различных эмоций, чувств и настроений.Обычно они изображаются в форме личности.

Аналитический чертеж

Наброски, созданные для ясного понимания и представления наблюдений, сделанных художником, называются аналитическими рисунками. Проще говоря, аналитический рисунок используется для разделения наблюдений на мелкие части для лучшего обзора.

Рисунок в перспективе

Перспективный рисунок используется художниками для создания трехмерных изображений на двухмерной картинной плоскости, например на бумаге.Он представляет собой пространство, расстояние, объем, свет, плоскости поверхности и масштаб, и все это рассматривается с определенного уровня глаз.

Схема

Когда концепции и идеи исследуются и исследуются, они документируются на бумаге в виде схематических рисунков. Диаграммы создаются для отображения смежностей и случайностей, которые могут иметь место в ближайшем будущем. Таким образом, схематические рисунки служат активным процессом разработки мгновенных идей, задуманных таким образом.

Геометрический чертеж

Геометрический рисунок используется, в частности, в областях строительства, требующих определенных размеров. Измеренные масштабы, истинные стороны, разрезы и другие наглядные изображения представлены в виде геометрических чертежей.

Нравится:

Нравится Загрузка …

Руководство для художников — беспорядок после

NEW: Вам лень читать этот пост? У меня есть видео для этого.

Какой твой стиль?

Стиль изучается, перенимается, регулируется и развивается с течением времени.Иногда случайно, иногда специально, а часто и то, и другое.

Ваш стиль — это комбинация вашего голоса, техники, выбора цвета, композиции, предмета, средств массовой информации и многого другого. Ваш стиль — это то, что объединяет каждую вашу вещь в уникальную и сплоченную коллекцию. Самое приятное то, что он продолжает развиваться с течением времени. Даже когда вы его нашли, он начинает меняться.

Мы можем многому научиться, глядя на собственное искусство. Если вы не уверены, нашли ли вы свой стиль, для начала задайте себе несколько вопросов:

• Есть ли элементы дизайна, которые объединяют ваши кусочки?
• Какие темы чаще всего встречаются в вашем творчестве?
• Какие предметы вас привлекают? Многие или несколько?
• Какое искусство вам нравится создавать в настоящее время?
• Отличается ли ваше искусство от работ других художников?

Я всегда могу сказать, когда кто-то все еще находится в стадии исследования своего искусства.Когда художник прыгает между множеством предметов или когда их произведения выстраиваются в одну линию и кажется, будто все они принадлежат разным художникам, он еще не совсем определился со своим стилем.

В этом нет абсолютно ничего плохого! На это нужно время и много работы. Итак, если вы в настоящее время ищете свой стиль, я создал рабочий лист, который поможет вам провести мозговой штурм и собраться с мыслями при чтении этого сообщения.

Как художники находят свой стиль?

Во-первых, ни один художник или создатель не является полностью оригинальным.Вдохновение для наших стилей исходит от окружающего нас мира и от того, чему мы хотим себя открывать. Он не возникает на пустом месте. Простая формула поиска своего стиля состоит в том, чтобы принимать стимулы из внешнего мира, крутить и превращать их во что-то новое своим умом и руками. Повторяйте это снова и снова разными способами.

Если вы застряли, вам нужно найти новые стимулы.

Копируйте понравившихся художников

Но их куча. Если вы копируете точно один, вы их срываете.Если вы берете частичные идеи от нескольких художников, вы можете создать что-то уникальное.

Если вы еще этого не сделали, вам нужно прочитать «Укради как художник» Остина Клеона. Он полон полезных творческих советов.

Он пишет:

Каждому художнику задают вопрос: «Откуда у тебя идеи?»

Честный художник отвечает: «Я их украл».

Если вас привлекает работа определенного художника, вероятно, это стимулирующая часть вашего стиля.Когда я впервые начал рисовать в подростковом возрасте, я был одержим искусством Брэндона Бойда. По сей день я должен отдать ему должное за мою одержимость линейной работой. В колледже я влюбился в Альфонса Муху и модерн. Совсем недавно, когда я занялась плавной живописью, меня, естественно, вдохновила Эмма Линдстром. Вы можете видеть их влияние в моей работе, но вы также можете видеть, что мой стиль не совсем похож на их.

Возьмите небольшие элементы стиля из любого источника. Чем больше тем лучше.

Скопируйте мир вокруг вас

Подражание природе. Изучите свет, форму, цвет и форму. Возьмите уроки рисования фигур. Настройте натюрморт в своей гостиной. Регулярная работа над своими техническими навыками познакомит вас с новыми перспективами и стилем.

Практика. Упражняться. УПРАЖНЯТЬСЯ.

Если вы занимаетесь искусством только в уме (хронические прокрастинаторы знают, о чем я говорю!), Ваш стиль не разовьется. Если вы занимаетесь искусством всего пару раз в месяц или реже, вы не увидите большого прогресса.Постарайтесь творить как можно чаще. Лучше всего каждый день, но лучше всего несколько раз в неделю.

Выйди из зоны комфорта

Развивайте свои навыки. Нарисуйте не доминирующей рукой. Изучите различные предметы. Работайте по-крупному. Работай мелко. Изучите свободное и быстрое создание эскизов. Практикуйтесь в точном и медленном рисовании. Если вы еще не знаете, что вам нравится делать, практикуйте как можно больше навыков.

Если вы планируете или уже посещали уроки искусства в колледже, вы узнаете, что преподаватели назначают упражнения в таком количестве стилей, которое они могут уместить в семестр.Они предполагают, что вы как артист понятия не имеете, поэтому подталкивают вас во всех направлениях, чтобы помочь вам развить свой уникальный голос.

Найдите время поиграть

Отпустите ожидания и просто получайте удовольствие. Когда у вас есть четкое видение того, что вы хотите создать, вы ограничиваете свою перспективу и создаете слепое пятно. Я решил создать что-то одно, «облажался» и создал что-то совершенно другое, что мне понравилось, и теперь я включил его в свой стиль. Если бы я остался верен своим ожиданиям, я бы счел это неудачей.

Могут случиться удивительные вещи, когда мы станем более игривыми и просто позволим искусству происходить.

Помните, что это требует времени

Чтобы найти свой стиль, часто нужно знать, кто вы как личность, и принять его. Звучит банально, но быть художником — это не просто карьера или хобби, это стиль жизни. Чем больше вы вплетаете искусство в свою повседневную жизнь и свою индивидуальность в свое искусство, тем легче вам будет развивать свой стиль, но все это требует времени.

Заключение

Создание и демонстрация вашего личного стиля — прекрасное достижение.Некоторые артисты рано развиваются, а некоторым требуются годы, чтобы найти свой ритм и голос. Какой бы темп вам ни требовался, это правильный темп. Честно говоря, я все еще работаю над своим.

Не пытайтесь форсировать свой стиль, но тренируйте свои художественные мышцы, когда можете.

Надеюсь, этот пост был полезен. Если у вас есть вопросы, оставьте их ниже. А если вам нужен взгляд со стороны и помощь в поиске своего стиля, я всегда рад предложить свои услуги коучинга.

А теперь займись беспорядком!

-Келли

стр.S. Если вам нравятся мои блоги и вы черпаете вдохновение из того, что я там размещаю, пожалуйста, подумайте о том, чтобы стать покровителем Messy Ever After на Patreon. Взнос всего 1 доллар в месяц позволяет мне продолжать делать то, что я делаю. Кроме того, вы получаете дополнительные маленькие льготы, такие как обои для телефона и возможность выбирать мой мозг, когда захотите, с помощью перка для вопросов и ответов художника.

Ресурсов:

Рабочий лист «Откройте для себя свой художественный стиль»

Дополнительное чтение:

Как создать бренд в своей учетной записи Instagram: руководство для художников

Семь дней самозанятости

Типы иллюстраций — стили и приемы

Мы заметили, что существует , несколько определений того, какая иллюстрация может быть и , какие разные типы иллюстрации существуют . Каждый раз, когда мы пытались найти видео, статью или какой-либо другой источник, проливающий свет на эту тему, мы терялись или не получали достаточно информации; или нам пришлось заглянуть в несколько мест, чтобы систематизировать наши выводы.

Давайте взглянем на

Какие типы иллюстраций бывают?

Техники — традиционные и современные
1. Деревообработка
2. Травление металла
3. Карандаш
4. Рисунок углем
5. Литография
6. Акварельная иллюстрация
7. Иллюстрация, гуашь
8. Иллюстрация акрилом
9. Коллаж
10. Иллюстрация пером и тушью
11. Цифровая иллюстрация от руки
12. Векторная графика

Стили
1. Концепт-арт
2. Детские книжные иллюстрации
3. Графический роман / комиксы
4. Книги, публикации, редакции
5. Реклама
6. Упаковка
7. Брендинг и логотип

Теперь мы более подробно рассмотрим отдельные разделы:

• Иллюстрация
• Типы иллюстраций
• Стили и приемы

как наша попытка создать исчерпывающую, но легко читаемую статью об иллюстрации.

Кстати, вам может быть интересно ознакомиться с главными тенденциями дизайна персонажей на 2019 год.

Майк Редман — Гостиная-студия

Мы выяснили, что многие человек сбиты с толку определениями «дизайнер» и «иллюстратор» , и даже если они получают представление о том, что делает иллюстратор, они теряются на следующем этапе — распознавая разные типы. иллюстраций и объяснения того, что им нравится. Первым делом давайте

Узнайте разницу между «дизайнером» и «иллюстратором»

Очень сложно отличить их друг от друга, но вы не будете далеки от истины, если скажете это:

Daniel Tan — целевая страница приложения Sportify

Дизайнер

часто опирается на набор элементов — изображения, типографику и т. Д.и организует их в увлекательные композиции . Основная задача дизайнера — привлечь внимание зрителя к определенной визуальной концепции t, идее, детали, части дизайна и сделать идею привлекательной и запоминающейся.

Лулу и Тумми — Миллениалы

Иллюстратор

чаще всего создает сами изображения и не обязательно работает над всем дизайном «продукта». Иллюстрации часто являются вспомогательными для других носителей — например, иллюстраций часто сопровождают газетные статьи, книги, журналы и чаще всего служат для поддержки и лучшего перевода идей , текстов и / или дальнейшего их объяснения.Чаще всего иллюстраторы стараются сохранить баланс между визуальным и текстовым, а стараются не отвлекать внимание от иллюстрации.

Тем не менее, многие иллюстраторы и дизайнеры поменялись бы шляпами и действовали бы наоборот.

Хорошо, тогда каково же определение иллюстрации?

Источник: Freepik

Одно из определений, которое нам нравится, взято из VisualArtsCork.com:

Иллюстрация — это рисунок, картина или печатное произведение искусства, которое объясняет, разъясняет, освещает, визуально представляет или просто украшает письменный текст, который может иметь литературный или коммерческий характер

Как иллюстрация стала тем, чем она является сегодня…

Чтобы ответить на этот вопрос, мы должны вернуться в историю. До появления фотографии единственным способом выражения идей были иллюстрации. Часто в более поздние годы иллюстраций должны были быть вполне реалистичными, потому что не было фотографий, которые бы служили этой цели .По логике вещей, огромным рынком иллюстраций были журналы, газеты и книги. Со временем иллюстраторов получили больше свободы, и их креативность и оригинальность теперь ценились больше, чем их технические навыки и способность реалистично рисовать. Это также объясняет большинство стилей в иллюстрациях . Но прежде чем перейти к наиболее распространенным стилям иллюстраций, отметим, что

давайте поговорим о типах иллюстраций в зависимости от используемой техники.

Мы можем в основном разделить типы иллюстраций, в зависимости от используемой техники, на две большие группы: Традиционная иллюстрация и Современный стиль.

Методы создания иллюстраций менялись с течением времени, так как материалы также меняются и развиваются. Художники полагались на бумагу, краски, карандаши, но с развитием цифровой эры даже художники, привыкшие к традиционным средствам и материалам, начали работать в цифровом формате — например, с помощью программного обеспечения 2D и 3D, такого как Photoshop, 3DMax и Maya . Цифровые инструменты и методы имитируют традиционные материалы и эффекты, достигаемые с их помощью. и легко переключать различные материалы и экспериментировать.

Несколько слов о традиционных видах иллюстраций…

Одним из старейших видов иллюстраций была рисованная. Другой популярный метод был:

.

1. Лесозаготовка

Это древняя техника, которую вы можете увидеть в некоторых из старейших сохранившихся рукописей в мире. Он был популярен в средние века и стал предпочтительным типом иллюстраций после изобретения печатного станка. Резные блок-иллюстрации позволили выпускаемым серийно книгам иметь красивые иллюстрации, напечатанные с помощью одного и того же мастера огранки .Музей Метрополитен объясняет, что иллюстрации на дереве также были чрезвычайно популярны в феодальной Японии.

Отличительной чертой этой техники являются контрастирующие цвета, если таковые имеются; контраст между темными и светлыми, областей на иллюстрации, а также относительно больших штрихов. Эту технику по-прежнему предпочитают многие современные иллюстраторы, которым нравится более грубый вид и текстурированный вид этих иллюстраций.

Вот видео, которое покажет вам немного работы, которая стоит за такой иллюстрацией — техника гравюры на дереве:

Другие типы иллюстраций, в зависимости от техники, требующие некоторой подготовки, материальной базы и конкретных знаний о производственном процессе:

2.Офорт по металлу

При традиционном чистом травлении металлическая пластина (обычно медь, цинк или сталь) покрывается воскообразным грунтом, стойким к кислотам. Затем художник царапает землю острой иглой для травления там, где он или она хочет, чтобы на готовом изделии появилась линия , таким образом обнажая голый металл. Затем пластину погружают в ванну с кислотой, и кислота «впивается» в металл там, где она обнажена, оставляя после себя линии, погруженные в пластину. Затем с пластины счищают оставшуюся землю. Пластина покрывается чернилами по всей поверхности , а затем чернила стираются с поверхности, оставляя только чернила в вытравленных линиях. Затем пластина пропускается через печатный пресс высокого давления вместе с листом бумаги, и бумага забирает чернила с протравленных линий, создавая отпечаток. Вы можете узнать больше о различных методах травления металла на странице Википедии.

В зависимости от используемой техники травления металла, иллюстрация может выглядеть как акварель (акватинта) или может выглядеть как карандашный рисунок — с очень тонкими линиями и штриховкой. Приведенные выше 3 примера демонстрируют универсальность, которая может быть достигнута на иллюстрациях с помощью этих методов.

Очень интересное видео, показывающее процесс создания такой иллюстрации, можно посмотреть здесь:

Теперь давайте посмотрим на тип иллюстраций, не требующий особой подготовки для начала работы, а именно:

3. Карандашные иллюстрации

Наверное, . Один из самых популярных видов иллюстраций — карандашный .Это богатый материал, который позволяет создавать мягкие тени и переходы, а также создавать четкие и точные линии. Иногда иллюстраторы предпочитают делать карандашный набросок очень свободным и рисовать карандашом — позже они заканчивают иллюстрацию другим материалом.

Выше вы видели 3 различных подхода к иллюстрации карандашом — монохромный, с чистыми линиями и богатством толщины линий; один цветным карандашом с очень плавной и мягкой штриховкой объемов; и одна грубая, схематичная и динамичная иллюстрация из-за энергичной работы линий и поиска форм и объемов.Последний подход очень распространен для создания исходных концепций дизайна персонажей.

Вы можете посмотреть видео, в котором художник рассказывает о работе с карандашом, о своем процессе, и вы можете наблюдать, как он работает:

Следующий тип иллюстрации, основанный на использованной технике, которую также часто принимают за карандашную, — это

.

4. Рисунок углем

Рисунки углем часто не так точны, как иллюстрации с ручкой и карандашом , но являются предпочтительным выбором для иллюстрации коротких рассказов, быстрых набросков, укромных уголков. Совместимость с углем позволяет художнику создавать различные текстуры, представляющие материалы и тени, людей, объекты и мир природы. Художники часто используют пальцы и салфетки, чтобы растушевать мягкий материал, растушевать и создавать плавные и мягкие тени.

На приведенных выше иллюстрациях вы можете увидеть, как уголь помог создать грубый, свободный набросок лошади. Затем другой художник сделал очень тонкую детализацию человеческого лица в другом произведении. И наконец, что не менее важно, иллюстратор создал мягкие тени, смешивание и текстурирование.Наверное, главное отличие от иллюстрации карандашом в том, что линия угля всегда немного толще, мягче и темнее по качеству. Причина, по которой примеры 2 и 3 так различаются, заключается в способе производства древесного угля: угольных карандашей , состоящих из прессованного порошка древесного угля и связующего вещества жевательной резинки, который дает тонкую, острую линию ; в то время как древесный уголь для лозы обеспечивает более гладкую и мягкую линию.

Вы можете увидеть, как материал позволяет добиться этих эффектов, в следующем видео с советами по рисованию углем:

Говоря о мягкости иллюстрации и плавных переходах в штриховке, мы должны упомянуть в качестве следующей техники в нашем списке типов иллюстраций:

5.Литография

Литография происходит от греческого слова «камень». Первоначально эта техника использовала изображение, нанесенное маслом, жиром или воском на поверхность гладкой, ровной литографической плиты из известняка. Сегодня большинство типов многотиражных книг и журналов, особенно с цветными иллюстрациями, печатаются с использованием офсетной литографии , которая стала наиболее распространенной формой печати с 1960-х годов. Вы можете узнать больше о технике в статье Википедии, посвященной этой теме.

Вы можете заметить, что приведенные выше примеры иллюстраций литографии имеют одно качество, хотя они представляют разные стили и образы — для всех трех из них существует определенный уровень мягкости . В некоторых местах цвет даже выглядит размытым и бледным.

Посмотрите видео об этой технике гравюры:

Еще один тип иллюстраций, с помощью которых можно добиться мягкости, плавных переходов и множества нюансов:

6.Акварельные иллюстрации

В акварельных иллюстрациях главное использовать цветные пигменты, а до создавать нюансы и разные прозрачности, добавляя воду в цвет. В целом акварельные иллюстрации мягкие, воздушные, с большой глубиной . Иллюстраторы предпочитают его для иллюстрации кулинарных книг, женских и модных иллюстраций, иллюстраций детских книг, так как он очень легкий. Это один из самых простых способов создания цветных пятен, сливающихся друг с другом — распространенная угроза для упомянутых стилей иллюстраций.

Замечательную демонстрацию акварельной иллюстрации вы можете посмотреть здесь:

В качестве корпуса акварельной иллюстрации можно выделить

7. Рисунки гуашью

Гуашь похожа на акварель, модифицированная для придания непрозрачности. Он предлагает насыщенных, более толстых, немного более темных оттенков, чем акварель и , может быть даже переработан несколько лет спустя . Коммерческие художники часто используют гуашь для таких работ, как плакаты, иллюстрации, комиксы, а также для других дизайнерских работ.Большинство анимаций 20-го века использовали его для создания непрозрачного цвета на целле с акварельной краской, используемой для фона . Использование гуаши в качестве «плакатной краски» желательно из-за ее скорости, так как слой краски полностью высыхает из-за относительно быстрого испарения воды. Вы можете прочитать больше о технике в Википедии.

Замечательную демонстрацию иллюстрации гуашью можно посмотреть здесь:

Следующий тип иллюстраций, который мы рассмотрим, — это

.

8.Акрил иллюстрация

Акрил — одна из самых популярных техник для начинающих — работать с ним относительно легче, чем с акварелью или маслом. Тем не менее, художник может добиться как эффектов, аналогичных масляным, так и акварельным. Ими можно красить практически любую поверхность, и они становятся водостойкими после высыхания. Эти краски очень универсальны. , поскольку они также бывают флуоресцентными, металлик и другими интересными эффектами.

Вы можете увидеть процесс создания акриловой иллюстрации здесь:

Немного отличается от последних рассмотренных нами методов — это

.

9. Иллюстрация коллажа

Название происходит от французского « coller», «», что означает «склеивать». Это техника, при которой произведений искусства создаются из совокупности различных форм, часто из разных материалов, чтобы сформировать новое целое. Эти типы иллюстраций очень популярны в последние годы, и даже считаются источником вдохновения для большого тренда — материального дизайна. Часто иллюстраторы используют затенение из разных слоев своего коллажа для достижения красивого трехмерного эффекта и глубины. На приведенных выше иллюстрациях вы можете увидеть, как эта техника была красиво интерпретирована разными художниками.

Еще одно отличное видео процесса для такого типа иллюстраций; затем иллюстрация используется для обложки книги:

И наконец, что не менее важно,

10. Иллюстрация «Перо и чернила»

Иллюстрирование чернилами позволяет художнику создавать сильные контрастные области. Большинство иллюстраций выполнено с использованием чернил одного оттенка на светлой поверхности, что также помогает получить высококонтрастные изображения. Чернила — это широко доступный и недорогой материал, который легко транспортировать и с ним можно выразительно работать. Может быть, вы помните резкие контрасты гравюры на дереве? Что ж, рукописный ввод позволяет вам быть более мобильным и создавать еще более тонкие линии.

Иногда, достижение градаций по значению является трудным , если только не работать с чернилами и кистью, как в первом примере иллюстрации. Ценность может быть достигнута также за счет использования точек и штрихов с разным весом и разным расстоянием друг от друга , как во втором примере. На третьей иллюстрации художник чудесно соединил сильно затененные, богатые на ценность области с элегантной простой тушью.

Следующее видео представляет собой красивую демонстрацию шведского мастера чернил:

Современные стили и виды техники иллюстрации

Как мы уже говорили ранее, с развитием электроники и вступлением в так называемую цифровую эру возможности художников для самовыражения быстро и более свободно росли.Первое устройство для электронного рукописного ввода было изобретено еще в 1888 году. С тех пор технология стала более сложной, и многие иллюстраторы и дизайнеры привыкли использовать графические планшеты, в настоящее время — устройства, которые подключены к компьютеру. Художники используют перо и поверхность планшета для рисования, а устройство передает изображение в открытом программном обеспечении для рисования, таком как Phothoshop. Artrage, Ikscape и другие. Программы имитируют различные традиционные кисти, ручки, различные инструменты для рисования, бумагу и эффекты.

Мы можем разделить иллюстрации, созданные в цифровом виде, на две большие группы:

1. Цифровые иллюстрации от руки

Как видно из рисунков ниже, цифровые иллюстрации от руки позволяют получить очень плавные переходы света и тени, создавая сложный фон и мелкие детали. Большинство этих иллюстраций имеют растровый формат, и их можно увеличивать и печатать только до определенных размеров, прежде чем они потеряют качество. Узнайте больше о различиях между растровыми и векторными изображениями.

2. Векторная графика

В другую группу мы помещаем векторную графику / иллюстрации. Способ создания изображений позволяет масштабировать их вверх и вниз до любого размера без потери качества. По правилу, сделать плавный переход с векторами сложнее, но вектор имеет свои преимущества в создании определенного стиля изображения. Это делает его очень популярным для веб-иллюстраций. Вы можете легко распознать вектор по его четким очертаниям, формам и четкости.

Мы совершенно уверены, что приведенных нами примеров недостаточно, поэтому — это несколько тщательно отобранных иллюстраций и портфолио, которые мы нашли в Интернете. — завораживающие примеры различных типов иллюстраций:

Хорошо, на данный момент вам, вероятно, будет интересно узнать еще больше.

Возможно, вас заинтересует эта статья по теме: 300+ бесплатных иллюстраций для вашего следующего дизайн-проекта

Первая часть нашего руководства в мире иллюстрации наполовину готова, и теперь мы переходим к следующей части:

Стили в иллюстрации

Начнем с небольшого замечания — под стилем мы подразумеваем разные жанры в иллюстрации (или, по крайней мере, самые популярные).Тем не менее, стиль используется также для индивидуального и очень специфического способа выражения отдельных художников, но его можно было бы определить гораздо сложнее, если это вообще возможно. Короче говоря, в иллюстрации можно выделить следующие жанры:

Концепт-арт

Концептуальная иллюстрация для браузерной игры, созданная GraphicMama

Эти типы иллюстраций включают иллюстрации в стиле фэнтези, иллюстрации для игр, анимацию и прекрасные иллюстрации для одной страницы. Термин «концепция» впервые появился в 1930-х годах, вероятно, впервые был использован компанией Disney, а также в автомобильной промышленности. В концептуальной иллюстрации художники создают несколько интерпретаций (концепций) определенной темы, из которых клиент может выбрать и увидеть различные этапы, развитие и процесс создания иллюстрации.

Некоторые авторы иллюстраций к комиксам / графическим новеллам, которые вы, возможно, захотите увидеть:

Детские иллюстрации

Книжная иллюстрация Джеймса П. Дэвиса

Детские книжные иллюстрации могут быть самыми разнообразными — от реалистичных, детализированных иллюстраций до очень упрощенных, детских, наивных рисунков. Это зависит от истории, целевой возрастной группы и многого другого. Тем не менее, детские иллюстрации — красочных, повествующих, всегда что-то происходит. Персонажи милые и дружелюбные.

Некоторые из авторов детских иллюстраций, которых вы, возможно, захотите увидеть:

Комиксы / Графические романы

Согласно Википедии, комиксы — это носитель, используемый для выражения идей с помощью изображений, часто в сочетании с текстом или другой визуальной информацией .Комиксы часто имеют форму совмещенных друг с другом последовательностей панелей изображений. Часто текстовые устройства, такие как выноски, подписи и звукоподражания, обозначают диалог, повествование, звуковые эффекты или другую информацию. Размер и расположение панелей определяют темп повествования. Карикатуры и подобные формы иллюстраций являются наиболее распространенными средствами создания изображений в комиксах.

Некоторые из авторов иллюстраций комиксов / графических новелл, которых вы, возможно, захотите увидеть:

Книги / Публикации / От редакции

Иллюстрация обложки книги Кэти Харнетт

Знаете ли вы, что в роскошных книгах по географической тематике и естественной истории, а также в некоторых детских книгах, были напечатаны иллюстрации, которые затем раскрашивались вручную , но в Европе ни один из экспериментальных методов истинной цветной печати не получил широкого распространения до середины 1990-х гг. 19 век.

Сегодня книжную иллюстрацию можно оформить в любой технике, а затем распечатать. Этот стиль очень универсален и зависит от видения автора и тематики книги. Иллюстраторы пытаются создать привлекательные обложки , чтобы составить конкуренцию стопкам книг в книжных магазинах. Это очень специфический стиль, который требует привлечь внимание зрителя, дать намек на то, что находится внутри книги, а иногда именно обложка продает книгу (или издание).

Некоторые авторы книжных иллюстраций, которых вы, возможно, захотите увидеть:

Реклама

Иллюстрация Рлона Ванга

В то время как иллюстрации к книгам и публикациям должны поддерживать и освещать определенную идею, не отвлекая внимание от текста, рекламный тип иллюстрации предназначен именно для этого — привлечь ваше внимание и произвести неизгладимое впечатление на одну большую идею или бренд / товар. Многие компании выбирают иллюстрацию в качестве средства передачи своего сообщения аудитории, потому что стиль лучше передает идею, чем, например, фотография.

Некоторые рекламные иллюстрации, которые вы, возможно, захотите увидеть:

Упаковка

Аптекарь Aureum — иллюстрация упаковки

Рост цифровых технологий во второй половине 20-го века позволил предприятиям быстро масштабироваться и стать глобальными.В условиях беспрецедентной конкуренции упаковка стала способом выделить продукт на полке. Для некоторых предприятий, таких как ювелирные изделия, хлебобулочные изделия, детские товары, наиболее удачным выбором является иллюстрация. Он предлагает индивидуальный подход, элегантность и индивидуальность.

Некоторые из иллюстраций упаковки, которые вы, возможно, захотите увидеть:

Брендинг / Логотип

Мультяшные персонажи сотрудников отдела недвижимости, от GraphicMama

Брендинг / логотип — это очень специфический стиль, требующий определенного набора навыков.Например, логотип должен быть узнаваемым и читаемым при меньшем размере. Поэтому иллюстратору следует тщательно продумать детали логотипа. Логотипы должны быть простыми, но привлекающими внимание и запоминающимися. Иногда предприятиям нужно больше, чем логотип иллюстрации, а только талисманы, карикатурные версии их сотрудников или продуктов. С их помощью бренды усиливают свое присутствие и впечатляют покупателей.

Некоторые изображения брендов / логотипов, которые вы, возможно, захотите увидеть:

Теперь, когда мы дали некоторые определения для иллюстрации, вот видео, обобщающее некоторые идеи:

Надеемся, вам понравилась эта статья и вы смогли погрузить себя в волшебный мир иллюстрации! Дайте нам знать, как мы это сделали, что еще вы, возможно, захотите узнать.Будем рады добавить его в статью!

Ура!

Вас также могут заинтересовать эти статьи по теме:

22 невероятно реалистичных карандашных рисунка

Это шокирует, но все эти изображения представляют собой реалистичные карандашные рисунки. Да, вы правильно прочитали. Каждый из художественных рисунков, представленных в этом списке, представляет собой чрезвычайно подробный карандашный набросок, и многие из них представлены в потрясающих черно-белых тонах.

Чтобы создать эти карандашные рисунки, талантливые художники заточили свои карандаши (если вам нужно обновление, см. Наш выбор лучших карандашей) и вытащили некоторые экспертные методы (чтобы изучить некоторые, вот методы рисования карандашом от профессионалов), чтобы создать какое-то невероятное искусство.В нашем обзоре есть портреты знаменитостей, животных, природные пейзажи, предметы повседневного обихода и известные достопримечательности. Разнообразие тем означает, что в каждой записи есть что вдохновить. Наслаждайтесь …

Щелкните значок в правом верхнем углу изображения, чтобы увеличить его.

01. Дж. Д. Хилберри

Хотя Дж. Д. Хилберри признает, что изначально хотел быть музыкантом, а не художником, он стал мастером реалистичных карандашных рисунков. Веб-сайт Хилберри содержит множество потрясающих примеров его работ, а также уроки и советы, которые помогут вам создать свои собственные художественные рисунки.

В приведенном выше видео Хилберри рассказывает о некоторых процессах, лежащих в основе его карандашного наброска автопортрета, который основан на идее художника, который снова собирает себя вместе после того, как его раздирали критики. Это настолько реалистично, что мы должны постоянно смотреть на него, чтобы убедиться, что изображения на самом деле не были разорваны и слиплись.

02. Вери Априятно — Свидетели

Как люди видят мир отражается в их глазах (Изображение предоставлено Вери Априятно)

Индонезийский художник Вери Априятно исследует человеческую форму и эмоции через свои гиперреалистичные карандашные рисунки.В этой серии под названием «Свидетели» рассказывается, как люди относятся к миру через отражение в их глазах, нарисованное карандашом, акрилом и углем.

Сверкающий зрачок и изображение не соответствуют матовому покрытию самого глазного яблока, что приводит к смешению текстур, которые соскакивают со страницы. Потрясающая детализация самого глаза скрыта в отраженном изображении.

03. Кельвин Окафор — Навелл II

Интерлюдия Навелла II — один из карандашных рисунков в серии Интерлюдия Окафора (Изображение предоставлено Кельвином Окафором)

Кельвин Окафор — художник из Великобритании, цель которого — вызвать настоящий эмоциональный отклик .Каждая часть представляет собой карандашный набросок, и с помощью инструмента, который он называет скромным инструментом, он создал серию Interlude, нарисовав портреты моделей, когда они наиболее спокойны, в удобной обстановке. Навелл II (вверху) — один из тех карандашных рисунков.

Окафор объясняет на своем веб-сайте: «Я люблю рисовать лица. Каждое лицо рассказывает мне интригующую историю, независимо от возраста, пола, расы или происхождения … Я визуально анализирую черты лица. Я изучаю их, а затем снова соединяю их вместе. снова как кусочки в пазле.»

04. CJ Hendry

CJ Hendry в основном работала в черно-белом цвете, создавая карандашные рисунки, связанные с популярной культурой (например, этот флакон Chanel), до ее сотрудничества с Кристианом Лабутеном в 2017 году. Дополнительные цвета были созданы полностью с использованием цветным карандашом, хотя вас простят за то, что вы подумали, вместо того, чтобы нарисовать карандашный набросок, она просто брызнула огромную каплю краски на стену. Используя 12 разных цветов карандаша, чтобы создать единый оттенок, и наслоив их, чтобы создать При необходимости текстуры и вязкости, она создала пятна «масляной краски» всех цветов для Art Basel в Гонконге.

05. Аринз Стэнли — Черный шум

Аринз Стэнли оттачивает свои навыки с шести лет

Нигерийский художник Аринз Стэнли давно практиковал свое потрясающее карандашное искусство; Художественными рисунками занимается с шести лет. То, что он вырос в семейном бумажном бизнесе, вдохновил его на любовь к рисованию, и он выражает себя через то, что он называет своими тремя принципами: терпение, практика и настойчивость. «В большинстве случаев это почти как будто я теряю контроль над своими карандашами и, подобно передаче энергии, искусство перетекает через меня от карандаша к бумаге», — говорит он.

06. Джоно Драй — Prey

Джоно Драй обычно работает графитом на больших поверхностях бумаги или картона

Южноафриканский художник-самоучка Джоно Драй быстро заработал себе имя благодаря своему уникальному стилю рисования, сочетающему фотореализм и сюрреализм в массовом масштабе. Его работы выглядят как винтажные фотографии, но обычно с тревожными или неуместными поворотами; Если вам нравится внешний вид, у него есть распечатки, которые можно купить в его магазине Etsy.

07. Франко Клун — Энн Хэтэуэй

Удивительно, но у Франко Клуна не было формального художественного образования

Этот невероятный портрет голливудской актрисы Энн Хэтэуэй — работа Франко Клуна, художника-самоучки из Италии, который подобрал все, что он знает о рисовании, — это чтение руководств и много практики.

08. Пол Кадден — Душ

Иллюстрации Пола Каддена пугающе реалистичны

Когда мы впервые увидели работы шотландского художника Пола Каддена, нам потребовалось некоторое время, чтобы понять, что они на самом деле были карандашными рисунками — художник-гиперреалист использовал просто графит и мел, чтобы создать эти потрясающие изображения.

«Хотя рисунки и картины, которые я делаю, основаны на серии фотографий и видеокадров, я использую более мягкую и сложную фокусировку на предмете, чтобы полученное искусство представляло его как живое, осязаемое существо», — объясняет он.

«Таким образом, эти объекты и сцены на моих рисунках тщательно детализированы, чтобы создать иллюзию новой реальности, которой не было на исходной фотографии».

09. Кэт Райли — Плоть

В этой серии, выполненной Кэт Райли, представлены гиперреалистичные карандашные рисунки плоти

Художественные рисунки Кэт Райли удивительны, но она считает свои гиперреальные работы лишь этапом в своем продолжающемся эволюционном процессе исследования и развитие.

Сейчас она движется в более экспериментальных и абстрактных направлениях в своей работе, включая очень крупномасштабные проекты рисования, основанные на человеческой фигуре.

Ее невероятные карандашные рисунки включены в коллекции по всему миру, и она работала с такими клиентами, как Nike, GQ, M&C Saatchi, The Economist и The New York Times.

10. Армин Мерсманн — Деревья

Работы Армина Мерсманна выставлялись по всему миру

Немецкий художник Армин Мерсманн — человек, стоящий за этой холодной лесной сценой, которая поднимает скромный карандашный набросок на новую высоту. Хотя он также работает с маслом, Мерсманн наиболее известен своими яркими натуралистическими рисунками графитом.Его работы были представлены на более чем 150 выставках и получили более 30 наград.

«Сам процесс рисования каждой ветки, веточки, бликов и теней, визуализация текстур от экстремальных зимних шкур до шелковистости свежевыпавшего снега превращает сцену в интимное путешествие. Это мероприятие значительно отличается от простого путешествия фото или просто быть там », — поясняет он на своем сайте.

«Процесс рисования погрузил меня на сотни часов, интерпретируя и переводя то, что я видел и чувствовал на основе сотен справочных фотографий, собранных веток, веток и повторных посещений сайта.»

11. Диего Фацио — Sensazioni

Почти невозможно поверить, что это невероятное изображение — карандашный рисунок

Под названием Sensazioni (ощущения, на английском языке) этот потрясающий карандашный рисунок был создан художником Диего Фацио. примерно 200 часов, Фацио нарисовал это замысловатое произведение, в которое мы до сих пор — сколько бы мы ни смотрим — не можем поверить, это рисунок. Просто потрясающе.

12. Стефан Марку — Горилла

Стефан Марку заставляет себя создавать свой лучшая возможная работа

«С пяти лет я начал рисовать и со временем добавил новые навыки, такие как рисование, живопись, скульптура, все виды графического дизайна, карикатура и цифровая фотография», — объясняет Стефан Марку, художник, создавший этот потрясающе реалистичный портрет гориллы.

«Я сосредоточен на изучении искусства и личном развитии во всех его отраслях, и я одержим совершенством в создании любого продукта».

Марку создал это исследование гориллы для участия в Национальном открытом художественном конкурсе Великобритании. «Я доволен этой работой, поскольку она лично представляет собой большой скачок в масштабе, деталях и терпении», — говорит он. «Это примерно в два раза больше моей предыдущей работы, и я многому научился, работая над этим зверем».

13. Джакомо Бураттини — Апноэ

Джакомо Бураттини считает, что его работа подчеркивает красоту несовершенства

«Гиперреализм в моей работе идеально отображает красоту несовершенства, открывая дверь в предмет, который обычно не изображается в реальной жизни, — говорит итальянский художник Джакомо Бураттини, нарисовавший этот необычный портрет.

«Я считаю, что реальность — это красота сама по себе, поэтому мне не нужно искать способы скрыть недостатки человеческой природы, поэтому мои работы показывают совершенство несовершенств жизни».

Бураттини нашел аудиторию, поделившись своими карандашными рисунками на Tumblr, Facebook и Instagram, где он регулярно делится своими работами. Этот художественный рисунок был создан с помощью карандашей черного, графитного и древесного угля.

14. Пол Лунг — Муи Чу

Пол Лунг специализируется на суперреалистичном мехе

Этот поразительно реалистичный образ кошки был создан традиционным художником Полом Лунгом.Портфолио гонконгского креативщика на Deviant Art поражает воображение, в нем представлены реалистичные портреты людей и животных.

Время, которое требуется каждому, зависит от его предмета. На выполнение этого конкретного карандашного рисунка А2 у Лунга уходит примерно 60 часов.

Следующая страница: более невероятно реалистичные карандашные рисунки

Объяснение

стилей искусства — исследуйте популярные стили искусства! — Art is Fun

Художественные стили описывают внешний вид произведения искусства.Стиль — это в основном манера , , в которой художник изображает свой предмет, и , как художник выражает свое видение. Стиль определяется характеристиками, описывающими произведение искусства, такими как способ, которым художник использует форму, цвет и композицию, и это лишь некоторые из них. Еще одним важным фактором при определении стиля произведения искусства является изучение того, как художник обращается со средой, принимая во внимание метод или технику, которую использует художник. Дополнительным аспектом художественных стилей является философия или движущая сила произведения искусства.Все эти стилистические элементы определяются выбором художников при создании своих работ.

Работы, имеющие определенные общие черты, считаются выполненными в одном стиле. Иногда это означает, что они являются частью одного механизма , но не всегда. Понятие «движения» в искусстве обычно связано с определенным временем (а иногда и местом) в истории. Например, сегодня есть художники, которые все еще рисуют в импрессионистской манере, придерживаясь концепций, которые впервые определили импрессионизм в 19 веке.Однако, поскольку они являются современными художниками, которых вдохновлены импрессионистами , они на самом деле не являются частью первоначального «импрессионистского движения», как оно существует с исторической точки зрения. Хотя художественные стили можно воскресить из прошлого, само движение по-прежнему закреплено на своей исходной позиции на временной шкале истории искусства.

При этом у каждого художника есть свой личный художественный стиль, который вырабатывается на протяжении всей его жизни. Стиль художника может меняться и адаптироваться по мере роста художника как художника, так и как личности.Начинающие художники часто подражают (копируют) стили художников, которыми они восхищаются. Поначалу это может быть полезно для того, чтобы намочить ноги, и поможет развить понимание того, как создавать разные виды искусства. Однако очень важно, чтобы начинающие художники сосредоточились на развитии своего собственного стиля и нашли свой собственный уникальный способ самовыражения. Личный стиль художника обычно развивается по мере того, как художник приобретает больше уверенности благодаря опыту, расширяет свою базу знаний и приобретает больше навыков с материалами.

Художники могут работать в разных стилях. В прошлом от художников обычно ожидалось, что они будут создавать искусство в той моде, которая преобладала в то время. Теперь художники имеют гораздо больше свободы работать по своему усмотрению. Хотя работать в разных стилях — это нормально, обычно лучше сосредоточиться на тех, которые вам больше всего нравятся, чтобы полностью раскрыть свой художественный потенциал в этом стиле. Использование разных стилей — отличный способ поэкспериментировать, но чтобы по-настоящему процветать как художник, вам нужно сосредоточиться на одном или двух стилях, которые, по вашему мнению, действительно позволяют вам выразить свое внутреннее видение.

На этом веб-сайте мы рассмотрим четыре основных стиля, в которых я работаю: фотореализм , абстрактный , причудливый и композитный (комбинированные стили).

No related posts.