Традиции возрождения в изобразительном искусстве барокко: Эпоха барокко | История искусства — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Эпоха барокко | История искусства

Охота на бегемота и крокодила. Рубенс

В конце 16-го — начале 17-о века искусство Ренессанса в Западной Европе сменилось новым направлением «барокко». Слово «барокко» в буквальном переводе с итальянского означает «причудливый», «вычурный».

Зародилось барокко в Италии, в конце 16 века. Зрителя поражают яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей. Барокко покорило всю Европу.

Архитектура

Родиной архитектуры барокко стал Рим. Новый стиль утвердился прежде всего в церковном зодчестве, а затем и в архитектуре дворцов. Построенные ранее церкви украшали элементами барокко, в основном — интерьер. Сооружения в стиле барокко ослепляют пышностью, роскошью. Здания богато украшены, часто без меры, разнообразными деталями: это богатый, лепной, с завитками, орнамент, портики, галереи со статуями атлантов и кариатид. В интерьере дворцов сглаживаются углы потолка и стен, они украшаются богатыми росписями, лепниной, позолотой. Помещения украшаются гобеленами, статуями, зеркалами. Разноцветные полы, хрустальные люстры, изящная мебель на тонких изогнутых ножках дополняют убранство дворцов.

Типичной для архитектурного барокко представляется архитектура Рима в 17 веке.

Фонтан Треви в Риме. Николо Сальви. (1732 -1762)

Мастера барокко порывают со многими художественными традициями Возрождения, с его гармоничными, уравновешенными объемами. Архитекторы барокко включают в целостный архитектурный ансамбль не только отдельные сооружения и площади, но и улицы, которым они придают строго прямолинейные очертания. Начало и конец улиц непременно отмечены какими-либо архитектурными или скульптурными акцентами. Огромное значение приобретают обелиски и фонтаны.

На смену статуе как организующему площадь началу приходит обелиск с его устремленностью ввысь, а еще чаще — фонтан, обильно украшенный скульптурой. Блестящим примером барочных фонтанов были фонтаны Бернини: фонтан Тритона на площади Барберини и фонтаны Четырех рек и Мавра на площади Навона.

В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. Особого размаха достигла архитектура вилл с их богатым садово-парковым ансамблем. Парк обильно украшают гроты, балюстрады. скульптуры, фонтаны.

Джакомо делла Порта. Церковь Иль Джезу в Риме.Фасад (1573 — 1584)

Скульптура

Неотъемлимой частью архитектуры в эпоху барокко была скульптура. Она украшала фасады и внутренние помещения. Скульптуры барокко были декоративным дополнением к архитектуре зданий. Парки украсились скульптурными группами на античные сюжеты; на площадях появились памятники властителям, многочисленные статуи оживляли фонтаны и лестницы.

Скульптуры барокко беспокойны, порывисты, живописны. Люди — в развевающихся одеяниях или обнаженные — представлены в вычурных, неестественных позах. Пышные драпировки, вычурные жесты, бесчисленные детали придают статуям извилистые и неопределенные очертания.

Искусство барокко

Искусство барокко стало художественным отражением противоречий раннебуржуазного периода европейской культуры. Подчеркивая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Основные черты барокко отразили его дуализм. Черты мистики, фантастичности, повышенной экспресии, декоративность удивительно уживаются в нем с трезвостью и рассудочностью, с истинно бюргерской деловитостью. Стиль барокко легко узнается в очертаниях архитектурных сооружений, в изысканной вычурности линий в скульптуре и живописи, в пышности, декоративности, аллегоричности фасадов и интерьеров зданий, в напыщенности языка прозы и поэзии.

Совмещая иллюзорное и реальное, барокко является в целом стилем, который отражал преимущественно систему ценностей, идеалов и вкусов дворянства, в первую очередь той его части, которая сохраняла еще известные прогрессивные тенденции. Поэтому этот стиль развивался прежде всего в тех странах, где сохраняли свои позиции феодальные отношения и католическая церковь. Церковное искусство, собственно и было типичным «барокко» в узком смысле этого термина. Зародившись на рубеже XVI-XVII вв. в Италии, барокко распространяется затем в Испании, Португалии, Фландрии, а позднее в Австрии, Англии, Германии, Скандинавии, Новом Свете и России. Динамизм барочной скульптуры, противостоящей спокойствию и мощи скульптуры Ренессанса, вызывает чувство восхищения своей легкостью. Для искусства барокко важно было не столько тело как таковое, сколько его движение. Если у скульпторов классической Греции и у художников Возрождения боги, пусть идеализированные, изображались как люди, то у мастеров барокко боги оставались богами («Аполлон и Дафна», «Экстаз св. Терезы» Л. Бернини). В архитектуре барокко сохранялась масштабность и гармоничность сооружений, характерных для искусства Возрождения, но в то же время мастера барокко порывают со многими художественными традициями Ренессанса, с его гармоничностью и уравновешенными объемами. Более пышным становится архитектурный декор, усиливается пластическая выразительность. В парадных интерьерах архитектура сливается с многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а плафонная живопись создает иллюзию разверзшихся сводов. Фасады зданий приобретают роскошную, причудливую пластику. Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны, городские и загородные резиденции строятся на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчиняясь общему декоративному оформлению и архитектурному замыслу, придавая им пышный, парадный и изысканный вид.

Таковы ансамбли Верхний Бельведер в Вене, лестницы на пл. Испании в Риме. В живописи преобладают виртуозные, декоративные композиции на религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты и парадные портреты. Натюрморт и пейзаж, как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств эпохи. Барокко предпочитает живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и создается форма. Барочный стиль нарушает принципы линейной перспективы, разработке которого отдали столько сил и энергии художники раннего Возрождения, чтобы усилить глубинность, иллюзию ухода в бесконечность. Идеализация образов, безудержные гиперболы сочетаются в живописи барокко с бурной динамикой, оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная страсть — с подчеркнутой чувственностью. В Италии творили братья Карраччи, Л. Бернини, А. Маньяско, Дж. Б. Тьеполо, М. Караваджо, в Испании расцвет живописи барокко связан с именами Эль Греко и Б. Мурильо, некоторые черты барокко проступали в реалистической живописи X. де Риберы и Ф.Сурбарана. Во Фландрии рожденное революцией миропонимание внесло реалистические начала в творчество П. П. Рубенса, А. ван Дейка, Я. Йорданса. В Голландии реализм проступал сквозь барокко в творчестве Ф. Хальса, Рембрандта. В литературе искусство барокко вдохновлялось идеей разума, продолжая в этом направлении ренессансные традиции, но оно уже не верило в силу, в закономерность прогресса. Человек — песчинка в вихре истории, его жизнь полна трагических случайностей. Такова ведущая нить, в частности испанской барочной литературы, нашедшая выражение в лирике Л. Гонгоры, пьесах П. Кальдерона, итальянца Дж. Марино. Барочная литература построена на контрасте. Появляются реалистические произведения, описывающие новый «мир денег» («Буржуазный роман» А. Фюретьера). Получает развитие жанр литературной сказки (Ш. Перро). Возрождается басня (Ж. де Лафонтен).

В музыке барокко гораздо рельефнее и непосредственнее, чем в других видах искусства, сказывалось переплетение различных по своим истокам идейно-художественных принципов.

Этот стиль в музыке отличается, с одной стороны, стремлением к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата), с другой — к освобождению от союза со словом (развитие инструментальных жанров). В русле барокко зародился оперный жанр. Как и в литературе, барочный стиль в музыке отличается своей манерностью, «капризностью», витиеватостью (А. Вивальди). Он особенно ярко проявился в итальянской музыке (Дж. Габриели, М. А. Чести, Дж. Фрескобальди).

Время барокко — время взаимодействия различных видов искусства, когда «поэзия понималась как говорящая живопись, а живопись как немая поэзия». Это было время театрализованных церемоний, высокопарных од, витиеватых речей, аллегорий и гипербол, эмблем и метафор. Во всем жило иносказание.

Осознание несовершенства действительности, стремление противопоставить ей идеальный образ мира, соответствующий современным представлениям о разумном мироустройстве, вызвали к жизни рождение второй стилевой системы — классицизма.

Западное барокко в российской интерпретации

Интерпретация и понимание барокко в российской научной традиции делает свои первые запоздалые шаги. В данной области много еще неизученного и неясного. Прежде всего, это относится к самому термину «барокко». Наиболее традиционным является выведение данного понятия от итальянского термина “barocco” или “barock”, что означает жемчуг неправильной формы. С таким пониманием были связаны первоначальные негативные оценки произведений барочного искусства, которые высказывали многочисленные противники из числа бурно рождающегося клана классицистов. Другое объяснение термина связано с именем итальянского художника Федерико Бароччи (1526–1612). Существуют и другие варианты, которые все еще нуждаются в объяснении и проверке. Не меньшую трудность вызывает обсуждение вопроса о том, что такое барокко – эпоха в европейской истории или определенный художественный стиль? В отечественной искусствоведческой литературе господствует второе понимание.

Но если проводить параллель барокко с Ренессансом, то вполне возможно говорить об эпохе барокко, точно так же, как мы говорим об эпохе Возрождения. Но тогда следует выяснить основные черты этой эпохи и определить, чем она отличается от эпохи Возрождения. К сожалению, такого рода исследования еще только предстоит провести нашим историкам и искусствоведам.

Известную сложность представляет факт, что барокко своеобразно и оригинально развивалось в разных видах искусства – поэзии, музыке и изобразительных искусствах. В каждом из них существовали региональные школы и многочисленные объединения художников. В связи с этим существует известная разобщенность в исследованиях литературоведов, музыковедов и искусствоведов, которые занимаются только своим, узкоспециальным видом искусства, игнорируя связь между собой других его видов. Между тем очевидно, что, несмотря на разнообразие жанровых и национальных форм, барокко обладает и общими чертами, характеризующими процесс развития искусства между Ренессансом и классицизмом. Поэтому успех исследования зависит от того, в какой мере возможен целостный взгляд на барокко как на универсальное явление в европейском искусстве.

Барокко приходит на смену искусству и эстетике Возрождения и в своих теоретических принципах от них отталкивается. Главным принципом эстетики Ренессанса была, как известно, глубокая вера в гармонию как онтологический, так и нравственно-эстетический принцип. Деятели Возрождения – гуманисты, философы, художники, писатели – верили в гармоничное устройств?@??????8@5 BEрдерной системе, строгой пропорциональности. Так, французский архитектор Фреар де Шамбре осуждает тех «скудоумных» архитекторов, которые «будучи не в силах познать универсальную природу искусства, вынуждены заниматься мелочами, от которых не могут отказаться, поскольку нет у них другой цели и сами по себе они бесплодны: идеи их столь неразумны и низки, что не способны они произвести ничего, кроме декоративных масок, дрянных рамочек и прочих смехотворных гротескных украшений, которыми поистине кишит новая архитектура» [6]. Эта негативная оценка барочной архитектуры сохраняется на протяжении нескольких столетий. Мы встречаем ее даже у такого маститого, но, правда, склонного к эстетству автора, как Бенедетто Кроче. По его словам, «барокко представляет собой нечто вроде уродства в искусстве и поэтому не имеет к искусству никакого отношения: напротив, оно совершенно чуждо искусству, у которого заимствовало облик и наименование, проникло в его сферу и подменило его собой. Не подчиняясь закону художественной цельности, восставая против него или обходя его, барокко очевидным образом подчиняется другому закону, а именно закону наслаждения, комфорта, каприза, иными словами, закону утилитарному или гедонистическому, кому нравится. Поэтому барокко, как все разновидности уродства в искусстве, опирается на практические потребности» [7].

Однако к началу XX в. происходят серьезные изменения в оценке барокко. В этом отношении самым показательным выступлением является книга австрийского искусствоведа Алоиза Ригля «Истоки барочного искусства в Риме» (1897). Автор обращает внимание на достоинства венского барокко, связанного с творчеством архитектора Фишера фон Эрлаха, на развитие барокко в южной Германии, Бельгии и Испании и в других странах Европы. Все региональные стили, по его мнению, вырастают, как из общего корня, из итальянского барочного стиля. Австрийский исследователь отмечает, что барокко берет начало из позднего Ренессанса, что стиль восходит к творчеству Микеланджело и Корреджо. Ригль предлагает и свою периодизацию искусства итальянского барокко. Во-первых, это период до 1630 г., когда определенные черты, свойственные данному стилю, вырабатываются в архитектуре и живописи. Второй период начинается после 1630 г., когда доминирующим видом искусства становится скульптура, и на авансцену выходит творчество Бернини. Иными словами, для Ригля барокко – это серьезное и плодотворное искусство, которое требует своего изучения. «Нет сомнений, – пишет он, – что для искусствоведа углубленное изучение итальянского барочного искусства полезно и плодотворно» [8].

С Алоиза Ригля начинается новая эпоха в искусствознании. Теперь барокко понимается не как система извращенных и произвольных образов, культивирующих уродство и экстравагантность, но как важная страница в истории искусства. Из данного убеждения исходит и швейцарский писатель, историк, искусствовед Генрих Вёльфлин в известной работе «Ренессанс и барокко» (1888). Это – первая книга молодого ученого, открывающего для себя искусство барокко, которое вполне сопоставимо с искусством Возрождения. Данную методологию исследователь сохраняет и в более поздних работах, в частности, в книге «Основные понятия истории искусства» (1915). Правда, признавая правомерность барокко, Вёльфлин сохраняет некоторые традиционные предрассудки в отношении этого искусства. В частности, он утверждает, что «в отличие от Ренессанса барокко развивается без всяких теорий. У этого стиля нет образцов. Создается впечатление, что никто не вступает на новый путь из принципа» [9]. Сегодня суждения подобного рода вызывают естественные сомнения. Если барокко понимать не только как изобразительное искусство, но также как поэзию и музыку, то оказывается, что оно не так уж бедно в теоретическом отношении. В 20–30-х гг. ХХ в. на Западе появились многочисленные публикации по проблемам барокко. К его изучению обращаются видные историки искусства, такие как В.Вайсбах, М.Дворжак, Г.Зедльмайр [10].

В России большой вклад в изучение барокко как определенного исторического стиля внесли ученые Всесоюзного научно-исследовательского института истории искусств АН СССР. В 1966 г. была издана книга «Ренессанс, барокко, классицизм». В статье, посвященной стилю барокко, Б.Р.Виппер, в частности, писал: «Стиль барокко нельзя исчерпать, характеризуя его только как явление упадка, разложения, деградации традиций Возрождения. Барокко имеет и реакционные, и прогрессивные тенденции; разрушая многие классические традиции, барокко вместе с тем создает новые ценности, обладающие непреходящим значением» [11].

Крупным отечественным знатоком европейского барокко был литературовед И.Н.Голенищев-Кутузов (1904−1969). Он вернулся в Россию из Югославии после Второй мировой войны и издал на родине несколько книг, посвященных итальянской литературе. В частности, книгу о Данте и о средневековой литературе Италии. Мы познакомились в начале 1960-х гг., когда я принимал участие в подготовке к печати антологии по эстетике в пяти томах с пространным названием «История эстетики. Памятники мировой эстетической мысли». Как составитель и редактор я издал три тома, как мне кажется, самые интересные. В то время Академия художеств едва ли стала бы сотрудничать с эмигрантом, только что вернувшимся в Россию из-за границы, – ксенофобия была в крови у советских чиновников от культуры. Пойдя против течения, для второго тома этого издания я заказал Голенищеву-Кутузову материалы по Италии XVII–XVIII вв. Он прекрасно справился с работой и, главное, отметил положительное значение барокко для развития всей европейской культуры. «В XIX веке, – писал он, – историки культуры сузили понятие “барокко”, ограничив его изобразительными искусствами, но в ХХ веке этот термин стал применяться и к литературе… Писатели и теоретики барокко не отреклись от имени гуманистов, ощущали связь с XVI веком, но и в то же время повторяли, что несут новое восприятие мира, отличное не только от ренессансного, но и от античного… Вёльфлин в конце прошлого века предложил несколько основных принципов для понимания искусства барокко. У художников и скульпторов барокко он видел переход от “линейного” изображения к живописному. Само ощущение форм приходит с поверхности предметов в глубину, сливаясь с бесконечностью. Прямая линия нарушается, восприятие плоскости исчезает, изогнутая линия стремится к бесконечности. Это мир не Птоломея, а Бруно» [12].

Таким образом, И.Н. Голенищев-Кутузов рассматривает поэтику барокко в синтезе с изобразительным искусством, что делает целостной его интерпретацию искусства XVII в. Исследователь обратил внимание на теоретические источники, подготовил для антологии по эстетике переводы теоретиков барокко (Дж.Марино, Э.Тезауро, Д.Бартоли), показал оригинальность их мысли в сравнении как с ушедшим Возрождением, так и с наступающим классицизмом. Его вклад в понимание культуры и эстетики XVII в. является весьма значимым и весомым.

В заключение краткого обзора публикаций, посвященных стилю барокко, хочется упомянуть одно из немногочленных последних отечественных изданий. Это книга Александра Якимовича «Новое время. Искусство и культура XVII–XVIII веков» (2004), в которой автор пространно пишет о барокко как художественном стиле в искусстве. Для него это искусство вседозволенности, нарушения меры, культурных и художественных норм.

Бурное развитие барокко происходило по двум главным линиям. Прежде всего, это было движение на Запад – из Италии во Францию, Испанию, Англию. Но был еще один вектор – восточный, благодаря которому барокко распространялось в страны Восточной Европы – Польшу, Украину, Россию. Мы не имеем никаких документальных свидетельств о теоретических идеях восточного барокко, но очевидно его влияние на архитектуру, поэзию и даже политическую мысль этих стран.

В XVII и XVIII вв. барочная архитектура получила широкое распространение в России, в частности, в Москве и Санкт-Петербурге. Строительство северной столицы в период царствования Петра I было ориентировано на парадные и торжественные формы, связанные с прославлением нарождающейся национальной идеи. В переводах и изданиях западных архитектурных трактатов в Петровскую эпоху появились приложения, которые способствовали адаптации мировой архитектуры к русским условиям. «Издание трактата Виньолы способствовало быстрому распространению ордерной архитектуры в том ее понимании, которое было характерно для позднего Возрождения, близкого к барокко, когда ордер утрачивал конструктивный смысл, превращаясь в декоративную систему. Такая ордерная архитектура, удовлетворявшая правительство своей новизной и представительностью, как нельзя лучше отвечала бытовавшему дотоле пониманию ордера» [13].

Современные историки искусства отмечают, что барокко было влиятельно в странах северной и восточной Европы, в частности, в России. Как пишет Виктор Тапье в книге «Барокко и классицизм» (1986), «в протестантских странах барокко не прижилось по сходным причинам, обусловленным в данном случае потребностями торговой экономики, привычкой к расчету и прогрессом математических наук, что в целом создавало совершенно иную форму интеллектуальной жизни и приверженность к иным религиозным концепциям. Весьма знаменательно, что общества домениального характера – такие как Россия после Смутного времени или колониальные страны Америки – с энтузиазмом принимали барочное искусство» [14].

Барокко, как восточное, так и западное, развивалось в борьбе и в соревновании с классицизмом, который претендовал на общеевропейское господство в художественной культуре. Классицизм апеллировал к республиканским добродетелям, символам античной демократии, достижениям греческого и римского искусства. Он был востребован в равной степени республиканскими странами и абсолютными монархиями. В конечном счете, классицизм победил, он стал господствующей доктриной как в искусстве, так и теории. Этому способствовали и программы многочисленных академий искусств, которые были основаны в Европе. Они превратились в инструмент государственного контроля над искусством. Барокко подверглось осмеянию как эксцентрическая теория искусства, а в последующем и просто замалчиванию. Но при этом классицисты, провозгласив незыблемость художественных правил и норм рассудочного ума, утратили глубину понимания мира, связь с воображением и чувством. Хочется надеяться, что в будущем историческая роль барокко в становлении европейской культуры будет восстановлена. Похоже, что сбывается предсказание Якоба Буркхардта, который в книге о Рубенсе писал, что в будущем барочное искусство будут воспринимать с большим вниманием и симпатией. Но для этого необходима серьезная систематическая работа по собиранию и анализу документов эпохи барокко. Реставрация здания Российского института культурологии, построенного в стиле барокко, – один из шагов в данном направлении.

Стили и направления в изобразительном искусстве

	Готика – художественный стиль, сформировавшийся в странах Западной и Центральной Европы в XII-XV вв. Он явился результатом многовековой эволюции средневекового искусства, его высшей стадией и одновременно первым в истории общеевропейским, интернациональным художественным стилем. Он охватил все виды искусства – архитектуру, скульптуру, живопись, витраж, книжное оформление, декоративно-прикладное искусство. Основой готического стиля была архитектура, которая характеризуется устремленными ввысь стрельчатыми арками, многоцветными витражами, визуальной дематериализацией формы. Элементы готического искусства часто можно встретить в современном оформлении интерьеров, в частности, в настенной росписи, реже в станковой живописи. С конца прошлого века существует готическая субкультура, ярко проявившаяся в музыке, поэзии, дизайне одежды.
	Возрождение ( Ренессанс) — (франц. Renaissance, итал. Rinascimento) Эпоха в культурном и идейном развитии ряда стран Западной и Центральной Европы, а также некоторых стран Восточной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своего рода «возрождение» его (отсюда и название). Культура Возрождения обладает специфическими особенностями переходной эпохи от средневековья к новому времени, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый сплав. Сложным является вопрос о хронологических границах Возрождения (в Италии — 14-16 вв., в других странах — 15-16 вв.), его территориальном распространении и национальных особенностях. Элементы этого стиля в современном искусстве довольно часто используются в настенных росписях, реже в станковой живописи.
	Маньеризм — (от итальянского maniera — приём, манера) течение в европейском искусстве XVI века. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную «внутреннюю идею» художественного образа, рождающегося в душе художника. Ярче всего проявился в Италии. Для итальянского маньеризма 1520-х гг. (Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо) характерны драматическая острота образов, трагизм мировосприятия, усложненность и преувеличенная экспрессия поз и мотивов движения, удлиненность пропорций фигур, колористические и светотеневые диссонансы. В последнее время стал использоваться искусствоведами для обозначения явлений в современном искусстве, связанных с трансформацией исторических стилей.
	Барокко — исторический художественный стиль, получивший распространение первоначально в Италии в сер. XVI-XVII столетия, а затем во Франции, Испании, Фландрии и Германии XVII-XVIII вв. Шире этот термин используется для определения вечно обновляющихся тенденций беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, динамичных формах. Наконец, в каждом времени, почти в каждом историческом художественном стиле можно обнаружить свой «период барокко» как этап наивысшего творческого подъема, напряжения эмоций, взрывоопасности форм.
	Классицизм – художественный стиль в западноевропейском искусстве XVII — нач. XIX века и в русском XVIII — нач. XIX, обращавшийся к античному наследию как к идеалу для подражания. Он проявился в архитектуре, скульптуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве. Художники-классицисты считали античность высшим достижением и сделали ее своим эталоном в искусстве, которому стремились подражать. Со временем переродился в академизм.
	Романтизм – направление в европейском и русском искусстве 1820-1830-х гг., сменившее классицизм. Романтики выдвигали на первый план индивидуальность, противопоставляя идеальной красоте классицистов «несовершенную» действительность. Художников привлекали яркие, редкие, необычайные явления, а также образы фантастического характера. В искусстве романтизма большую роль играет острое индивидуальное восприятие и переживание. Романтизм освободил искусство от отвлеченных классицистических догм и повернул его к национальной истории и образам народного фольклора.
	Сентиментализм — (от лат. sentiment — чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом С. считается Ж.Ж.Руссо.
	Реализм – направление в искусстве, стремящееся с наибольшей правдой и достоверностью отобразить как внешнюю форму, так и сущность явлений и вещей. Как творческий метод соединяет в себе индивидуальные и типические черты при создании образа. Самое длительное по времени существования направление, развивающееся от первобытной эпохи до наших дней.
	Символизм – направление в европейской художественной культуре конца XIX-начала XX вв. Возникший как реакция на господство в гуманитарной сфере норм буржуазного «здравомыслия» (в философии, эстетике — позитивизма, в искусстве — натурализма), символизм прежде всего оформился во французской литературе конца 1860-70-е гг., позднее получил распространение в Бельгии, Германии, Австрии, Норвегии, России. Эстетические принципы символизма во многом восходили к идеям романтизма, а также к некоторым доктринам идеалистической философии А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, отчасти Ф. Ницше, к творчеству и теоретизированию немецкого композитора Р. Вагнера. Живой реальности символизм противополагал мир видений и грёз. Универсальным инструментом постижения тайн бытия и индивидуального сознания считался символ, порождённый поэтическим прозрением и выражающий потусторонний, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Художник-творец рассматривался как посредник между реальным и сверхчувственным, везде находящий «знаки» мировой гармонии, пророчески угадывающий признаки будущего как в современных явлениях, так и в событиях прошлого.
	Импрессионизм – (от фр. impression – впечатление) направление в искусстве последней трети XIX – начала XX в., возникшее во Франции. Название было введено художественным критиком Л. Леруа, пренебрежительно отозвавшемся о выставке художников 1874 года, где среди прочих была представлена картина К. Моне «Восход солнца. Впечатление». Импрессионизм утверждал красоту реального мира, акцентируя свежесть первого впечатления, изменчивость окружающего. Преимущественное внимание к решению чисто живописных задач уменьшало традиционное представление о рисунке как о главной составной части произведения искусства. Импрессионизм оказал мощное воздействие на искусство европейских стран и США, пробудил интерес к сюжетам из реальной жизни. (Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар, К. Моне, А. Сислей и др.)
	Пуантилизм – течение в живописи (синоним – дивизионизм), развивавшееся в рамках неоимпрессионизма. Неоимпрессионизм возник во Франции в 1885 году и получил распространение также в Бельгии и Италии. Неоимпрессионисты пытались применить в искусстве новейшие достижения в области оптики, согласно которым выполненная раздельными точками основных цветов живопись в зрительном восприятии дает слияние цветов и всю гамму живописи. (Ж. Сера, П. Синьяк, К. Писсарро).
	Постимпрессионизм – условное собирательное название основных направлений французской живописи к. XIX – 1-ой четв. XX в. Искусство постимпрессионизма возникло как реакция на импрессионизм, который фиксировал внимание на передаче мгновения, на ощущении живописности и утратил интерес к форме предметов. Среди постимпрессионистов – П. Сезанн, П. Гоген, В. Гог и др.
	Модерн – cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти. Объeктoм cтилизaции мoдepнa также cтaнoвятcя и пpиpoдныe фopмы. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa — oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы. Тecнo cвязaн c мoдepнoм — cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй. Модерн имел в разных странах разные названия, которые в сущности являются синонимами: Ар Нуво – во Франции, Сецессион – в Австрии, Югендстиль – в Германии, Либерти – в Италии.
	Модернизм – (от фр. modern – современный) общее название ряда направлений искусства первой половины XX в., для которых характерны отрицание традиционных форм и эстетики прошлого. Модернизм близок авангардизму и противоположен академизму.
	Авангардизм – название, объединяющее круг художественных направлений, распространенных в 1905-1930-х гг. (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм). Все эти направления объединяет стремление обновить язык искусства, переосмыслить его задачи, обрести свободу художественного выражения.
	Сезаннизм – направление в искусстве к. XIX – н. XX в., основанное на творческих уроках французского художника Поля Сезанна, который сводил все формы в изображении к простейшим геометрическим фигурам, а колорит – к контрастным построениям теплых и холодных тонов. Сезаннизм послужил одной из отправных точек для кубизма. В большой мере сезаннизм повлиял также на отечественную реалистическую школу живописи.
	Фовизм – (от fauve – дикий) авангардистское течение во французском искусстве н. XX в. Название «дикие» было дано современными критиками группе художников, выступивших в 1905 г. В парижском Салоне независимых, и носило иронический характер. В группу входили А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, М. де Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген и др. Фовистов сближали тяготение к лаконичной выразительности форм и интенсивным колористическим решениям, поиск импульсов в примитивном творчестве, искусстве средних веков и Востока.
	Примитивизм – намеренное упрощение изобразительных средств, подражание примитивным стадиям развития искусства. Этим термином обозначают т.н. наивное искусство художников, не получивших специального образования, однако вовлеченных в общий художественный процесс к. XIX – нач. XX века. Произведениям этих художников – Н. Пиросмани, А. Руссо, В. Селиванова и др. присуща своеобразная детскость в интерпретации натуры, сочетание обобщенной формы и мелкой буквальности в деталях. Примитивизм формы отнюдь не предопределяет примитивность содержания. Он часто служит источником для профессионалов, заимствовавшим из народного, по сути примитивного искусства формы, образы, методы. Из примитивизма черпали вдохновение Н. Гончарова, М. Ларионов, П. Пикассо, А. Матисс.
	Академизм – направление в искусстве, сложившееся на основе следования канонам античности и эпохи Возрождения. Бытовало во многих европейских школах искусства с XVI по XIX век. Академизм превращал классические традиции в систему «вечных» правил и предписаний, сковывавших творческие поиски, пытался противопоставить несовершенной живой природе «высокие» улучшенные, доведенные до совершенства вненациональные и вневременные формы красоты. Для Академизма характерно предпочтение сюжетов из античной мифологии, библейских или исторических тем сюжетам из современной художнику жизни.
	Кубизм – (фpaнц. cubisme, oт cube — кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года – канун первой мировой войны. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г.Аполлинер. Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др.
	Сюрреализм — течение в литературе, живописи и кинематографе, возникшее в 1924 году во Франции. Оно в значительной мере способствовало формированию сознания современного человека. Главные деятели движения – Андре Бретон, Луи Арагон, Сальвадор Дали, Луис Бунюэль, Хуан Миро и многие другие художники всего мира. Сюрреализм выражал идею существования за пределами реального, особенно важную роль здесь приобретают абсурд, бессознательное, сны, грезы. Одним из характерных методов художника-сюрреалиста является отстранение от осознанного творчества, что делает его инструментом, различными способами извлекающим причудливые образы подсознания, родственные галлюцинациям. Сюрреализм пережил несколько кризисов, пережил вторую мировую войну и постепенно, сливаясь с массовой культурой, пересекаясь с трансавангардом, вошел в качестве составной части в постмодернизм.
	Футуризм — (oт лaт. futurum — бyдyщee) литepaтypнo-xyдoжecтвeннoe тeчeниe в иcкyccтвe 1910-x гoдoв. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Baжнoй xyдoжecтвeннoй идeeй фyтypизмa cтaл пoиcк плacтичecкoгo выpaжeния cтpeмитeльнocти движeния кaк ocнoвнoгo пpизнaкa тeмпa coвpeмeннoй жизни. Pyccкaя вepcия фyтypизмa нocилa нaзвaниe кyбoфyтypизм и былa ocнoвaнa нa coeдинeнии плacтичecкиx пpинципoв фpaнцyзcкoгo кyбизмa и eвpoпeйcкиx oбщeэcтeтичecкиx ycтaнoвoк фyтypизмa.

Религиозное искусство эпохи Барокко. Эпоха религиозных войн. 1559—1689

Стили живописи — Академизм — Возрождение — Барокко — Классицизм — Романтизм — Реализм — Импрессионизм

Стили живописи часто не имеют выраженных границ и могут переходить из одного в другой, развиваясь, смешиваясь и противоречить.

Абстракционизм (лат.abstractio— удаление, отвлечение)— направление не фигуративного искусства, отказавшегося от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма— достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.
Важным слагаемым современного языка абстракции стал белый цвет, высшее напряжение цвета вообще наполнено бесконечными вариативными возможностями, позволяющими использовать и метафизические представления о духовном, и оптические законы отражения света. Пространство как понятийная категория обладает в современном искусстве разной смысловой нагрузкой. Например, существует пространство знака, символа, возникшего из глубины архаического сознания, иногда преображенного в структуру, напоминающую иероглиф.

Абстрактный экспрессионизм (англ. abstract expressionism)— школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.
Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением. Выражение «абстрактный экспрессионизм» впервые возникло на немецком языке в 1919 году на страницах журнала «DerSturm». В 1929году Альфред Барр впервые использовал этот термин по отношению к картинам Василия Кандинского, который около 1911года отбросил всякие попытки копировать мир объектов.

Авангардизм (фр. avant-garde — передовой отряд), авангардизм — обобщающее название течений в мировом, прежде всего в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков. Термин в его фигуральном значении использовался в работах французских социалистических утопистов. В их же работах термин впервые получил следующий, художественный смысл — основатель школы утопического социализма Анри Сен-Симон в статье «Художник, ученый и рабочий», вышедшей в год его смерти в 1825 году, в союзе художника, ученого и рабочего ведущую роль отвёл художнику. Художник, по Сен-Симону, наделен воображением и должен воспользоваться силой искусства для пропаганды передовых идей: «Это мы, художники, будем служить вам авангардом».
Долгое время термин сохранял свое политическое значение, а художник наделялся особой политической миссией. Последователи Сен-Симона, продолжая вслед за ним акцентировать ведущую роль художника в политических процессах, фактически оставляли в стороне социальные цели искусства, обязывающие его быть утилитарным, дидактическим, понятным широким массам, и тем самым парадоксально сближали политический авангард с «искусством для искусства» (фр. l’art pour l’art) как революционной идеей.

Академизм (фр.academisme)— направление в европейской живописи XVII—XIX веков. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.
Академизм помогал компоновке объектов в художественном образовании, воплощал в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. Понятие академизма в настоящее время получило дополнительное значение и стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня. Термин «академизм» сейчас часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к сюжету художественного произведения.

Акционизм — форма современного искусства, возникшая в 1960-е годы в Западной Европе. Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит к поискам новых способов художественного выражения, придающих динамику произведению, вовлекая его в какое-либо действие. В акционизме художник как правило становится субъектом и/или объектом художественного произведения.

Ампир (фр. Empire — империя) — стиль в изобразительном искусстве, завершивший развитие классицизма. Стиль опирался на художественное наследие архаической Греции и императорского Рима, черпая из него мотивы для воплощения величественной мощи: монументальные массивные портики, военная эмблематика в архитектурных деталях и декоре.

Аналитическое искусство — метод, разработанный и обоснованный русским художником Павлом Филоновым (1881—1941) в ряде теоретических работ и в собственном живописном творчестве 1910-1920 годов. Отталкиваясь от принципов кубизма, Филонов считал необходимым обогатить его ограниченный рационализмом метод принципом «органического роста» художественной формы и «сделанности» картин по принципу «от частного к общему», где картина развивается из точки, подобно прорастающему зерну.

Анахронизм — в исторической науке, литературе, кино — ошибочное, намеренное или условное отнесение событий, явлений, предметов, личностей к другому времени, эпохе относительно фактической хронологии. В переносном смысле — что-либо несовременное, пережиток старины.
В живописи анахронизмы обычны в эпохи средневековья, Возрождения и отчасти классицизма, когда античные и библейские персонажи изображались в костюмах и антураже эпохи, современной художникам. Анахронисты, или «культурные художники», вдохновляются творчеством мастеров эпохи Возрождения, маньеризма и барокко, которых они перефразируют, пародируют, стремясь вписать классическую традицию в мозаичный контекст постмодернистской культуры.

Андерграунд (от англ. underground— подполье, подпольный; under — под, ниже, ground — земля, площадка, пол) — совокупность творческих направлений в современном искусстве (музыке, литературе, кино, изобразительном искусстве и др.), противопоставляющихся массовой культуре, мейнстриму и официальному искусству.
Искусство андеграунда, проникнутое духом диссидентства. Отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. Типичная тематика американского и европейского андеграунда – «сексуальная революция», наркотики, проблемы маргинальных групп.

Ар брют (фр.Art Brut— грубое искусство, здесь— необработанное, неограненное искусство)— термин, введенный французским художником Жаном Дюбюффе для описания собранной им коллекции картин, рисунков и скульптуры, созданных непрофессиональными мастерами, которые как с общественной, так и с психической точки зрения являются маргиналами (душевнобольные, инвалиды, заключенные, чудаки— одиночки, медиумы ит.п.). Их работы несут в высшей степени спонтанный характер и практически не зависят от культурных шаблонов.
В частности, Ар брют не считается с конвенциями правдоподобия, живописной перспективы и условных масштабов, не признает разграничения реального и фантастического, иерархии материалов ит. д. Большое влияние на концепцию Ар брют оказали две монографии— немецкого психиатра Ханса Принцхорна «Художественное творчество душевнобольных» и швейцарского психотерапевта Вальтера Моргенталера «Душевнобольной как художник». Они привлекли внимание сюрреалистов и Дюбюффе, последний собрал крупную коллекцию произведений Ар брют, с 1976 находящуюся в Лозанне. Авангардное искусство ХХ в. (дадаизм, сюрреализм, футуризм и др.) активно обращается к опыту Ар брют.

Ар-деко, также арт-деко (фр.art dеco, досл. «декоративное искусство», от названия парижской выставки 1925 года Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств— влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930—1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде, живописи, и переставшее быть актуальным в период после Второй мировой войны.
Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модернизма и неоклассицизма. Стиль ар-деко также имеет значительное влияние таких художественных направлений, как кубизм, конструктивизм и футуризм. Отличительные черты— строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик.

Арте повера (итал. Arte Povera — бедное искусство) — термин, введенный в 1967 году искусствоведом и куратором Джермано Челантом для определения художественного течения, объединившего художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине 1960-х — 1970.
Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера.
Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности. Некоторые из художников арте повера, которые принадлежали к разным поколениям, были уже хорошо известны в арт-кругах Италии.

Барокко, или барочная живопись,— живописные произведения периода барокко в культуре XVI—XVII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на абсолютизм и контрреформацию. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко— броская цветистость и динамичность.
Микеланджело Меризи, которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI века новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом, переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.
Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм наблюдается в полотнах Никола Пуссена.
Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного.
Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса— в Харлеме, Рембрандта— в Амстердаме, Вермеера— в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни.
Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Баухауз (нем. Bauhaus, Hochschule für Bau und Gestaltung — Высшая школа строительства и художественного конструирования, или Staatliches Bauhaus) — учебное заведение, существовавшее в Германии с 1919 по 1933 годы, а также художественное объединение, возникшее в рамках этого заведения, и соответствующее направление в архитектуре.

Бидермейер (Бидермайер; нем.Biedermeier)— художественный стиль, направление в немецком и австрийском искусстве, (архитектуре и дизайне), распространённый в 1815—1848 годах. Стиль получил свое название по псевдониму «Готлиб Бидермейер», который взял себе немецкий поэт Людвиг Айхродт, и под которым печатал в журналах эпиграммы.
Слово Bieder переводится как «простодушный, обывательский». Бидермейер является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют «смесь ампира с романтизмом». В бидермейере отразились представления «бюргерской» среды, формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для бидермейера характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. В начале XX века бидермейер оценивался негативно. Его понимали как «пошлый, мещанский». Ему действительно были присущи такие черты, как интимность, камерность, сентиментальность, поэтизация вещей, что и привело к такой оценке.

Веризм (итал.il verismo, от слова vero— истинный, правдивый)— реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возродился во второй половине XIX века как обозначение реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве.

Возрождение, или Ренессанс (фр.Renaissance, итал.Rinascimento; от «re/ri»— «снова» или «заново» и «nasci»— «рожденный»)— эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре Нового времени.
Для живописи эпохи Возрождения характерно обращение профессионального взгляда художника к природе, к законам анатомии, жизненной перспективе, действию света и другим идентичным естественным явлениям. Художники Возрождения, работая над картинами традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приемы: построение объемной композиции, использование пейзажа как элемент сюжета на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чем проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Геометрическая абстракция — форма абстрактного искусства, основанная на использовании геометрических форм, иногда, хотя и не всегда, расположенных вне иллюзорного пространства и объединенных в беспредметные, абстрактные композиции. В основе абстрактных композиций лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.

Гиперманьеризм (другое название— анахронизм)— одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Гиперманьеризм возник в Италии в конце 70-х, а в начале 80-х— во Франции. Его важнейшим идейным источником стало творчество Джорджо де Кирико. Гиперманьеристы вдохновляются искусством мастеров прошлого (Возрождения, маньеризма, барокко), которых они перефразируют, пародируют. По сути своей, гиперманьеристы— стилизаторы, обратившиеся к анализу искусства прошлого. Идея, концепция, цитата— основа диалога художника с прошлым.

Гиперреализм (др.-греч. Ὑπερ — над, сверх; лат. realis — вещественный) — термин, который используется для обозначения:
а) течения в современном искусстве (живописи, скульптуре и кинематографии) второй половины XX — XXI века;
б) творчества европейских фотореалистов 1970-х годов.
Цель гиперреализма – изображение повседневных реалий, а главные темы – обезличенная механизированная жизнь современного города, обезличенная живая система в жестком и грубом мире. Его сюжеты нарочито банальны, а образы – подчеркнуто объективны. Являясь формой фигуративного искусства, гиперреализм основывается на доскональной точности и детальности воспроизведения действительности, имитирующей специфику фотографии.
Произведения гиперреалистов представляют собой детально копированные фотографии, увеличенные до размеров большого полотна. Некоторые художники, работавшие в этом направлении, на самом деле использовали фотографии и цветные слайды как основу для своих работ. При этом сохранялись все особенности фотоизображения, для чего художниками использовались механические приемы копирования: диапроекция, лессировка, аэрограф вместо кисти, эмульсионное покрытие и т.д. Применение таких технологий было не случайным: оно подчеркивало механистичность , устраняло из процесса создания человеческое присутствие, как бы стараясь не допустить собственное, личное видение мира художником. Возможно поэтому мир гиперреализма кажется неживой, холодной, отстраненной от зрителя сверхреальностью.

Граффити или граффити (в контексте исторических надписей единственное число— изображения, рисунки или надписи, выцарапанные, написанные или нарисованные краской или чернилами на стенах и других поверхностях. К граффити можно отнести любой вид уличного раскрашивания стен, на которых можно найти все: от простых написанных слов до изысканных рисунков.

Граффитизм (англ. graffiti art) — течение в современном искусстве 1970—80-х годов, возникшее в Америке. Характеризуется переносом приемов и образов граффити в станковую живопись и графику. Буйная фантазия, яркая самобытность сочетающая в себе элементы городской субкультуры с искусством этнических групп были отличительными чертами этого искусства, быстро вошедшего в моду.

Готика — период в развитии средневекового искусства на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV—XVI века. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Термин «готика» чаще всего применяется к известному стилю архитектурных сооружений, который можно кратко охарактеризовать как «устрашающе величественный». Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. В Англии и Франции переход от романского стиля к готическому произошел в Германии— в 1220-х гг., а в Италии позднее всего— около 1300г.

Дадаизм , или дада— авангардистское течение в изобразительном искусстве. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе. Существовало с 1916 по 1922годы. В 1920-е годы французский дадаизм слился с сюрреализмом, а в Германии— с экспрессионизмом.
Некоторые теоретики искусства считают, что из дадаизма берет свое начало постмодернизм. Дадаизм возник как реакция на последствия Первой мировой войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики.
Дадаисты провозглашали: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего». Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма, во многом определившим его идеологию и методы. В изобразительном искусстве наиболее распространенной формой творчества дадаистов был коллаж— технический прием создания произведения из определенным образом скомпонованных и наклеенных на плоскую основу (холст, картон, бумагу) кусочков разнообразных материалов: бумаги, ткани и т.д. В дадаизме можно выделить три ветви развития коллажа: цюрихский «случайный» коллаж, берлинский манифестационный коллаж и кельнско-ганноверский поэтический коллаж.

Дивизионизм или Пуантилизм (фр.Pointillisme, буквально «точечность», фр.point— точка), — стилистическое направление в живописи неоимпрессионизма, возникшее во Франции около 1885 года, в основе которого лежит манера письма раздельными мазками правильной, точечной или прямоугольной формы. Характеризуется отказом от физического смешения красок ради оптического эффекта. Возникновение пуантилизма связано с увлечением молодого художника Жоржа Сра теорией цвета, им были изучены труды Шарля Блана, Эжена Шеврля, Огдена Руда и удачно применены на практике.

Иероглифический абстракционизм – течение в абстрактной живописи, в основе которого лежит имитация приемов китайской и японской каллиграфии. Особенностью иероглифического абстракционизма является манера письма: свободно нанесенные мягкой кистью мазки уподобляются знакам восточной письменности, идеограммам, сграффити, клинописным иероглифам. Совмещая, стилизуя, интерпретируя их, художник создавал свою форму письменности, с помощью которой писал послание людям.

Импрессионизм (фр.impressionnisme, от impression— впечатление)— направление в искусстве последней трети XIX— начала XXвеков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления.
Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли свое воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Интимизм (от лат.intimus— самый глубокий, тайный, сокровенный, искренний, задушевный)— разновидность жанровой живописи, возникшая на рубеже XIX—XXвв. в среде неоимпрессионистов. К числу художников-интимистов, как правило, относят членов группы «Наби»: Пьера Боннара, Эдуара Вюйара, Кер-Ксавье Русселя и Феликса Валлоттона. Основные сюжеты работ интимистов— сцены повседневной жизни, при этом на первый план выносятся не люди, а цвет и композиция. Интимизму присуще необычные ракурсы и декоративные приемы (например, изображение на переднем плане картины натюрморта).

Информализм, информель (фр.art informel)— направление в искусстве, возникшее во второй половине 40-х годов XX века во Франции (в Париже). Обычно под этим понятием объединяют различные течения в абстрактном искусстве, возникшие в послевоенной Европе.
Понятие «информализм» применимо как собирательное для многочисленных течений в абстракционизме 50-х годов. Информализм организуется в 1945—1946 годах в Париже, в рамках «Парижской школы», как противоположность геометрическому абстракционизму. Название этого художественного направления восходит к парижской выставке под наименованием signifiance de l’informel. Согласно представлениям художников-информалистов, эмоциональность и спонтанность художественных произведений важнее их совершенства и разумности, отвергаются также любые правила, любая регламентация. Художники отказываются от изображения как людей, так и предметов, даже в абстрактной форме.
Сильное влияние на становление и развитие информального искусства оказал сюрреализм, особенно в форме автоматизма. Из информального искусства в Европе развился ташизм. Оба понятия часто употребляются как европейские параллели американскому искусству действия (Action Painting). Близкими по духу к информализму являются также живопись цветового поля и ар брют.

Классицизм (фр.classicisme, от лат.classicus— образцовый)— художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII—XIXвв. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания.
Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Интерес к искусству античной Греции и Рима проявился еще в эпоху Возрождения, которая после столетий средневековья обратилась к формам, мотивам и сюжетам античности. Величайший теоретик Ренессанса, Леон Батиста Альберти, еще в XV в. выразил идеи, предвещавшие отдельные принципы классицизма и в полной мере проявившиеся во фреске Рафаэля «Афинская школа».

Клуазонизм (от фр.cloison— перегородка)— термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства, обозначает особую манеру письма, разработанную Э.Бернаром и Л.Анкетеном в 1887г., воспринятую П.Гогеном и ставшую основой живописного «синтетического» символизма.
Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в эмалях пластинками или в витражах— свинцовыми перегородками (профилем). Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени.
Очень близок клуазонизм синтетизму, воспроизводящему тот или иной мотив по памяти или из глубин воображения, а потому не требующему детальной его прорисовки.

Конструктивизм — советский авангардистский метод (направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920— первой половине 1930 годов.

Костумбризм (исп. costumbrismo, от costumbre— нрав, обычай)— направление в литературе и изобразительном искусстве Испании и Латинской Америки XIX и начала ХХ столетия. Костумбризм зародился в Испании в конце XVIII века и позже распространился по испаноязычным странам Северной, Центральной и Южной Америки. Костумбризм характеризуется особым интересом к народным типам, национальному колориту, а также стремлением к почти документальному описанию природы и быта простых людей. Костумбризм в изобразительном искусстве (особенно в странах Латинской Америки) начался с этнографических и географических зарисовок, постепенно переходя в жанровую и пейзажную живопись. Хотя зачастую костумбристы идеализировали патриархальные нравы и обычаи, а этнографические мотивы превращались у них в идилличные жанровые сцены, однако в целом костумбризм сыграл положительную роль в становлении национально-художественных школ во многих странах.

Кубиизм (фр.Cubisme) — модернистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века во Франции и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы. Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 годами и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака.
Термин «кубизм» появился в 1908году, после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами». Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907—1909), аналитический (1909—1912) и синтетический (1913—1914).

Кубофутуризм — направление авангарда начала ХХ века в живописи и поэзии, соединившее в себе наработки французских кубистов и итальянских футуристов. Кубофутуризм был особенно популярен в русском авангарде.

Концептуалиизм — литературно — художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х — начале 70-х годов ХХ века в Америке и Европе. В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест.
Один из основоположников течения, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в «коренном переосмыслении того, каким образом функционирует произведение искусства — или как функционирует сама культура … искусство — это сила идеи, а не материала». Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

Лирическая абстракция — одно из течений абстрактного искусства, для которого характерны стремление к прямому выражению эмоциональных и психических состояний художника и импровизационность исполнения. Произведения лирического абстракционизма— воплощение субъективных цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, запечатленный в цвете. Европейская критика часто использовала термин в качестве синонима неформального искусства или ташизма, американцы— выхолощенной формы абстрактного экспрессионизма.

Луминизм (нидерл. Luminisme) — одно из художественных направлений в живописи. Луминизм разделяет акцент на эффектах света с импрессионизмом. Луминизм предшествовал импрессионизму, и художники, которые писали в стиле луминизма, никоим образом не были под влиянием импрессионизма.

Лучизм (районизм, от фр. rayon — «луч») — направление в живописи русского авангарда в искусстве 1910-х годов, одно из ранних направлений абстракционизма.

Люминизмом называется направление в котором особое внимание уделяется отображению световых эффектов.

Магический реализм— это художественный метод, в котором магические элементы включены в реалистическую картину мира. В современном значении этот термин скорее описательный, чем точный. Первоначально термин «магический реализм» использовался немецким критиком Францем Рохом для описания «новой вещественности— жанра живописи. стиль изобразительного искусства, который использует реализм в сочетании с некоторой кажущейся аберрацией зрения художника при изображении повседневных сюжетов.
В живописи этот термин иногда взаимозаменяем с постэкспрессионизмом. В 1925 году критик Франц Рох использовал этот термин для описания картины, которая положила начало возвращения к реализму после экстравагантности экспрессионистов, которые изменяли внешний вид объектов для проявления их внутренней сущности. Согласно определению Роха, другие важные аспекты магического реализма в живописи включают: Возвращение к повседневным объектам в противоположность фантастическим. Наложение движения вперед с ощущением расстояния, в противоположность экспрессионистской тенденции укорачивания объекта; Использование миниатюрных деталей даже в очень больших картинах, например, больших ландшафтах.

Маньеризм (от итальянского maniera, манера)— западноевропейский литературно-художественный стиль XVI— первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Некоторые исследователи (особенно литературоведы) не склонны считать маньеризм самостоятельным стилем и усматривают в нем раннюю фазу барокко.

Существует и расширенное толкование понятия «маньеризм», как выражения формотворческого, «претенциозного» начала в искусстве на разных стадиях культурного развития— от античности до современности.

Максимализм — это превышеные претензии к жизни, бескомпромиссность в решениях, видение и вера только в чем-то конкретном и видимо, видение жизни в черном и белом цветах, не обращая внимания на оттенки. Максимализм является едва ли не лучшим стимулом для выполнения определенной цели жизни. Термин в искусстве для определения крайних форм и средств проявления того или иного явления.

Метареализм (греч. meta — между, после, через и геalis — вещественный, действительный) — реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свернутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола — способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica)— направление в итальянской живописи начала Xxвека. В метафизическом движении выделились две тенденции: одна особенно богата символическими и литературными смыслами и реминисценциями, вторая менее доктринерская, но более обусловленная живописной фантазией. Движение не создало ни своей школы, ни определенной группы, оно скорее было реакцией на футуризм, выражением его кризиса, и именно в этом качестве имело влияние в Италии, где схожую эстетику в это время стали исповедовать некоторые другие художники, а также во всей Европе.

Минимал-арт (англ.Minimal art), также Минимализм (англ.Minimalism), Искусство ABC (англ.ABC Art)— художественное течение, возникшее в Нью-Йорке в 1960-х годах. В теории искусства обычно рассматривается как реакция на художественные формы абстрактного экспрессионизма, а также на связанные с ним дискурс, институции и идеологии.
Искусство минимал-арта обычно включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, монохромность, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.

Мизерабилизм (от фр.miserable— несчастный; англ.miserabiliste, фр.misérabilisme, польск. mizerabilizm)— направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире.
Творчество мизерабилистов явилось своего рода изобразительной параллелью к философии экзистенциализма. Для живописи мизерабилизма типичны мотивы одинокой фигуры в интерьере. Истощенные, удрученно поникшие, освещенные холодным сумеречным светом, и затерявшиеся в пустом пространстве. Настроения неудовлетворенности и разочарования, выраженные в аскетичной живописи мизерабилистов, были весьма популярны в послевоенной Франции.

Моголов стиль особый стиль Южной Азии живописи , как правило, приурочены к миниатюры либо, как книжные иллюстрации или отдельных работ, которые необходимо иметь в альбомах, которые возникли из Персидского миниатюрной живописи, с индийской индуистской, Джейн, и буддийских влияний, и создавались, в основном в суд империи Великих Моголов (16 — 19 вв), а затем распространился на другие индийские суды, как мусульмане, так и индусы, и позже сикхов.

Модерн (от фр.moderne— современный), ар-нуво (фр.art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем.Jugendstil— «молодой стиль»)— художественное направление в искусстве, наиболее распространенное в последней декаде XIX— начале XX века (до начала Первой мировой войны). Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.
Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В модерне выделяются два основных направления: конструктивное (Австрия, Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). Кроме того, в Италии и России сильное влияние на него оказали национальные традиции: в этих странах образцы модерна носили отпечаток традиционных форм. В качестве примера можно привести неорусский стиль в архитектуре России (не путать с псевдорусским стилем, который относился к периоду эклектики). При этом следует иметь в виду, что разделение искусства модерна на отдельные периоды и стили условно.
Модерн, как ни один из других стилей, впитал в себя столько различных направлений и подвергся влиянию стольких национальных культур и традиций, что даже специалистам сложно определить, где заканчивается эклектика и начинается модерн и где заканчивается модерн и начинается ар-деко. Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. Картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.

Модернизм (итал.modernismo— «современное течение»; от лат.modernus— «современный, недавний»)— направление в искусстве конца XIX— начала XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые, нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлеченностью) стиля.
Модернистская парадигма была одной из лидирующих в западной цивилизации первой половины XX века; во второй половине века она была подвергнута развернутой критике. Совокупность художественных направлений в искусстве второй половины XIX— середины XX столетия. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, модерн, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения— абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций.
В широком смысле модернизм— «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка, нередко сопровождающиеся эпатажем и определенным вызовом устоявшимся канонам.

Мурализм — художественное движение монументальной живописи в Мексике 1920–1960-х гг. В 1920–1921 гг. молодые художники, вдохновленные мексиканской революцией, провозгласили новые идеи. Искусство должно было обращаться к народу и поднимать его на революционную борьбу, быть национальным, возрождать древнюю культуру индейцев и быть массовым. Так звучали положения «Декларации революционного синдиката работников техники и искусства», который учредили Сикейрос, Ривера, Ороско, Герреро, и др. В 1930-е гг. мурализм приобрел воздействие на искусство других стран Латинской Америки.

Наби (фр. Nabis от др.-евр. נביא‎ — «пророк», «избранный»; название предложено поэтом Анри Казалисом) — французская художественная группа, основана Полем Серюзье, существовала в Париже в 1890—1905 годах. Набиды, наравне с импрессионистами, представляли собой одно из главных направлений искусства конца XIX — начала XX веков.
Художники-набиды создали своеобразный вариант стиля «модерн» под влиянием Поля Гогена и понт-авенской школы. Их творчество близко литературному символизму и характеризуется главенством цветового начала, декоративной обобщенностью форм, мягкой музыкальностью ритмов, плоскостной стилизацией мотивов искусства разных народов: французского народного искусства, японской гравюры и итальянских примитивистов.

Нанга (南 лит «Южный картина» ), также известный как Bunjinga (文人 лит литераторов живописи » ), школа японской живописи , которая процветала в конце периода Эдо среди художников, считавших себя литераторами или интеArt Nouveauллектуалами. В то время как каждый из этих артистов был почти по определению, уникальный и независимый, все они разделяли восхищение традиционной китайской культурой. Их картины, как правило, в монохромном черными чернилами, иногда с светлым цветом, и почти всегда с изображением китайских пейзажей или подобных предметов были по образцу китайской литературной живописи.

Натурализм (от лат. nаturа— «природа»)— поздний этап развития французской реалистической живописи, пришедшийся на 1870-е годы. Натуралистами называли бывших художников-академистов, которые стремились как можно более точно, фотографично запечатлеть современную действительность, в частности, повседневную жизнь крестьянства и рабочего класса. В сравнении с произведениями Курбе социально-критическая и сатирическая составляющие в произведениях натуралистов отошли на второй план.
До появления термина «импрессионизм» его представителей причисляли к натуралистам. По мере того, как импрессионисты получали все большее признание, интерес к натурализму сходил на нет. Задачи бесстрастного фиксирования реальности, которые ставили перед собой художники этого направления, с успехом выполняла фотография.

Необароко (от греч. Neos — «новый», см. Барокко) — один из неостилей, сложившийся в европейском искусстве XIX века. Как стилистическое направление имел относительно небольшой срок существования. Имел несколько фаз развития и различные региональные варианты. Это объясняется тем, что оригинальный стиль барокко в искусстве Италии сложился в конце XVI-начале XVII в. на основе переработки элементов архитектуры периода Высокого Возрождения начала XVI в. В других странах, например в Германии XVIII в..
Стиль барокко позаимствовал кое-что от поздней готики, собственного варианта маньеризма и соединялся с элементами рококо. Разобщены и разбитые княжества Германии в 17 в. после Тридцатилетней войны трудно восстанавливали свою экономику и только усваивали стилистику, уже произведенную и распространенную в Италии, во Франции, Швеции и в Речи Посполитой. С некоторым опозданием получило развитие и барокко Австро-Венгрии, образцы которого больше ориентувалисть мастера немецких княжеств. Поэтому в XIX в. необарокко (в архитектуре и в интерьерах), ориентированное на различные исторические прототипы, приобрело эклектичный характер.

Неодадаизм ( нео-дада)— термин, обозначающий различные стили, направления и произведения искусства, в которых угадываются возрожденные идеалы или методы дадаизма. Движение дало толчок к возникновению поп-арта.

Неоимпрессионизм — течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 г. Его основными представителями были Ж. Сера и П. Синьяк. Развивая художественно-эстетические принципы позднего импрессионизма, проявлявшего повышенный интерес к оптическим явлениям в природе, неоимпрессионисты стремились довести до логического завершения эмпирические находки предшественников на основе научных достижений, передать с помощью живописных приемов все богатство оптических эффектов.
Главным живописным методом нового течения стал дивизионизм – система, основанная на целенаправленном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые наносились на холст раздельными мазками. На основе дивизионизма Сера и Синьяк разработали необычную технику письма – пуантилизм, которая заключалась в том, что краски наносились на полотно в виде маленьких точек и квадратов, которые при восприятии картины с определенного расстояния оптически сливались в сетчатке глаза зрителя в созданные художником формы и образы.

Неоклассицизм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и первой четверти XX веков, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке— также и эпохи барокко).
В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII— первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода. Неоклассицизм предвосхищался уже в творчестве прерафаэлитов с середины XIX века, однако он окончательно сложился к концу 1870-х гг. в Германии.
«Неоидеалисты» стремились возродить монументальность и пластичную четкость классического искусства. Большое распространение неоклассицизм получил в конце XIX— начале XX веков, явившись одной из разновидностей реакции на импрессионизм. Он сочетал в общем русле определенные позднеакадемические тенденции, в той или иной степени программное следование принципам античного искусства, реже— искусства Возрождения и классицизма, наконец, соприкосновение со стилистикой модерна.

Неоэкспрессионизм (Neo-expressionism)— направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Нео-образное искусство описывает экспрессионистской возрождение в современной форме изобразительного искусства.

Нео-минимализм аморфного арт-движение конца 20 и начала 21 веков. Он альтернативно называют «нео-геометрического» или «нео-гео» искусство. Другие термины включают: Нео-концептуализм, нео-футуризм , нео-Op, нео-поп, новых абстракция, Poptometry, пост-абстракционизма, симуляционизм.

Неопластицизм — введенное Питом Мондрианом обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917—1928гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl». Для «Стиля» характерны четкие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Нео-поп-арт — направление, возникшие в 80-е годы ХХ столетия как реакция на концептуализм и минимализм. Не является принципиально новым художественным движением, а скорее представляет собой эволюцию поп-арта с его интересом к предметам массового потребления и знаменитостям мира популярной культуры, только уже с иконами и символами нового времени.
Нео-поп-арт в значительной степени зависит от средств массовой информации и как источника вдохновения, и как средства для продвижения. В творчестве многих художников нео-попа помимо поп-арта можно обнаружить влияние минимализма, концептуального искусства и фотореализма.

Неореализм ( ит. Neorealisme – новый реализм) – художественное направление в искусстве послевоенной Италии, ярче всего проявившее себя в кинематографе и изобразительном искусстве, литературе. Главной темой неореализма стало изображение послевоенной Италии, жизнь рабочих и крестьян, их борьба за свои права. Для живописи неореализма характерны динамичная композиция, энергичная моделировка объемов, насыщенный цвет и экспрессивная манера письма. Художественные течения, близкие итальянскому неореализму, проявились в искусстве ряда стран Европы и Америки.

Неорококо (англ. Neo-rococo) — стилистическое направление 19 века в пределах эклектики (стиль историзм). Наиболее яркими и довольно цельными были две линии историзма — неоготика и неорококо. Именно в 19 веке в разных странах Европы взялись за достройки древних готических соборов, заброшенных недостроенных.
Неорококо станет известным стилевому направлению в декоре интерьеров достаточно состоятельных заказчиков и в создании вещей декоративно-прикладного искусства. В отличие от недавнего классицизма, неорококо отказывалось от ордерной системы. Фееричность и помпезность, преувеличения неорококо хорошо сосуществовали с эпохой сентиментальных венских вальсов, легкого и беззаботного досуга богатых дворян, коронованных особ, нуворишей и буржуазных дельцов, успели быстро обогатиться и жадно поглощали недоступные ранее роскоши привилегированных слоев населения.

Неоромантизм— течение в искусстве (прежде всего, в литературе) рубежа XIX—XX веков, возникающее как реакция на реалистические и натуралистические тенденции второй половины XIX века. В общем смысле слова может быть определен как возрождение литературных настроений первой половины XIX века в Европе. Может пониматься как ранняя фаза или одно из крыльев модернизма.

Нихонга (日本 нихонга ) или буквально » Японские картины «являются картины, которые были сделаны в соответствии с традиционными японскими художественными конвенциями, технологиями и материаллами. Будучи основан на традициях более тысячи лет, термин был придуман в Мэйдзи в императорской Японии , чтобы отличать такие произведения живописи западного стиля, или йога (洋 йога).

Новая вещественность (нем. Neue Sachlichkeit) — художественное течение в Германии 1920-х годов, охватившее живопись, литературу, архитектуру, фотографию, кино, музыку. Участники движения стремясь противопоставить тревожной экстатичности экспрессионизма, провозгласили возврат к позитивной и конкретной реальности.
Эстетическая концепция направления строилась на утверждении ложности реального мира, поэтому главной целью становится адекватное выражение неадекватности мира, реалистически зафиксированное отсутствие реальности, а смыслом художественного творчества – практически фотографическая точность изображения, не ставящая своей целью скрыть за художественной декоративностью неприглядность реальности.

Новая европейская живопись — появилась в 1980-х годах и достигла критической точки в 1990-х годах. Картины создают новый диалог между историческим архивом, американской абстракцией и формой.

Новеченто (итал. Novecento — «ХХ век») — итальянская художественная группа. Члены группы представляли различные направления в живописи, однако их объединяло признание ведущей роли модернизма в художественном творчестве. В то же время работы этого направления должны были пониматься как «возвращение к порядку» и в значительной степени сюжетный материал для них брался из истории Средневековья и Возрождения.

Новые дикие (нем. Neue Wilde, Новые фовисты) — течение немецкого постмодернизма в живописи. Течение возникло на волне новой моды на экспрессионизм и фовизм (отсюда само название, напоминающее о фовистах как «старых диких»). Тяготели к импульсивной эмоциональности самовыражения, противостоящей концептуальному искусству или гиперреализму.

Новый реализм (фр. Nouveau Réalisme)— движение, объединяющее художников, которые вместе с критиком и теоретиком Пьером Рестани подписали манифест 27 октября 1960 в Париже. Члены поставили перед собой цель интегрировать реальность повседневной жизни в искусство, используя новые методы и материалы. Тем самым они внесли значительный вклад в развитие объектного искусства и ранних форм акционизма.

Оп-арт (англ. op art (optical art)) — стиль современного искусства, который широко использует оптические иллюзии. Художники оп-арта достигают создания иллюзий движения или мерцание неподвижных объектов из изображения периодических структур и точное использование цветов и форм. Обычно произведения оп-арта носят абстрактный характер.

Ориентализм — определенная тенденция в проявлениях той или иной культурной традиции, опирающаяся по ряду признаков на экзотические относительно самой этой традиции особенности, свойственные восточному мировоззрению в тех или иных его формах. К ориентализму, благодаря этнографическим реалиям относят и следование североафриканским образцам.

Орфизм или Орфическое кубизм, термин, введенный французским поэтом Гийом Аполлинер в 1912 году, был ответвлением кубизма , который сосредоточился на чистой абстракции и ярких цветах, под влиянием фовизма. Это движение, считается ключевым в процессе перехода от кубизма к абстрактному искусству.

Пикториализм (англ.pictorialism, от англ.pictorial— живописный)— течение в европейском и американском фотографическом искусстве конца XIX— начала ХХ вв., подчеркивавшее в фотографии те черты, которые сближали ее с живописью и графикой эпохи (импрессионизм, живопись прерафаэлитов, символизм, югендстиль, арт-нуво и др.). Для достижения подобного эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати.

Питтура кольта (ит. Pittura colta, букв. – ученая, просвещенная живопись) – художественное течение в европейской живописи постмодернизма, возникшее в Италии во второй половине 1970-х гг. Постмодернизм как художественное и культурное движение явился результатом отрицания: модернизм отрицал классическое искусство, однако сам в свою очередь став традицией, привел к своему отрицанию и к возврату предмодернистских форм и стилей.

Поп-арт (англ. pop art, сокращение от popular art) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления.

Постимпрессионизм (фр.postimpressionisme, от лат. post— «после» и «импрессионизм»)— художественное направление, условное собирательное обозначение неоднородной совокупности основных направлений в европейской (главным образом— французской) живописи; термин, принятый в искусствознании для обозначения магистральной линии развития французского искусства начиная со второй пол. 1880-х гг. до нач. ХХ в.
Художники этого направления отказывались изображать только зримую действительность (как реалисты), или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать ее основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации.

Постживописная абстракция (англ.Post-painterly Abstraction), хроматическая абстракция— течение в живописи, зародившееся в Америке в 1950-е гг. Термин введен критиком Клементом Гринбергом для обозначения направления, представленного на курируемой им выставке 1964 года в Los Angeles County Museum of Art.
Постживописная абстракция отталкивается от абстрактного экспрессионизма, фовизма и постимпрессионизма. Основные признаки: четкие края, свободный мазок, гармония (или контраст) простых форм, монументальность, созерцательно-меланхолический склад живописи, аскетичность. Постживописная абстракция также является потомком Геометрической абстракции, округляя и смягчая ее.

Постминимализм — искусствоведческий термин, вошедший в оборот в начале 1970-х годов для описания особой тенденции в различных сферах искусства, которая отталкивалась от предшествующего ей минимализма — как в стремлении его развить (через сохранение приверженности формальной простоте), так и наоборот преодолеть (стремясь к более широкому смысловому наполнению).

Постмодернизм (фр. postmodernisme — после модернизма) — термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины XX века. Постмодернизм явился результатом отрицания отрицания. В свое время модернизм отверг классическое, академическое искусство и обратился к новым художественным формам. Однако по прошествии множества лет сам стал классикой, которая привела к отрицанию традиций модернизма и возникновению нового этапа художественного развития в образе постмодернизма, провозгласившего возврат к предмодернистским формам и стилям на новом уровне.

Прецизионизм, или пресижинизм (англ.precision — точность, четкость) — направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма. Главный сюжет для прецизионистов — изображение города, его пластическая визуализация в четких геометрических формах. Отсюда, главные герои картин: мосты, небоскребы, фабрики, элеваторы и другие индустриальные достижения цивилизации. Язык форм пресижинистов геометрически выверен, до предела механистичен.
Пространство картин стерильно, такое ощущение, что из них выкачан воздух, в нем нет человека. В то же время такая пустота подчеркивает вневременный характер изображения. Главная тема — механистическая эстетика — роднит прецизионистов с итальянскими футуристами.

Примитивизм — стиль живописи, зародившийся в XIXвеке, вмещавший в себя обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными, как творчество ребёнка или рисунки первобытных времен. По мнению некоторых искусствоведов, понятие наивного искусства не подпадает под определение «примитивизм», так как первое означает живопись непрофессионалов, второе— стилизованную живопись профессионалов.

Пуантилизм (фр. Pointillisme, буквально «точечность», фр. point — точка), или дивизионизм — стилистическое направление в живописи неоимпрессионизма, возникшее во Франции около 1885 года, в основе которого лежит манера письма раздельными (неизолированными) мазками правильной, точечной или прямоугольной формы. Характеризуется отказом от физического смешения красок ради оптического эффекта.

Пуризм (от фр. pur— чистый)— направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Пуристы преследовали цель в создании простой, функциональной живописи и архитектуры, в которых эстетическое соединяется с механическим миром, подобным миру машин. Наиболее рациональным считается использование точного соединения геометрических орнаментов. Идеальной пропорцией в отображении рассматривается золотое сечение. Декоративность и манерность отвергаются.

Районизм (Лучизм)— направление в живописи русского авангарда в искусстве 1910-х годов, основанное на смещении световых спектров и светопередачи. Одно из ранних направлений абстракционизма. Основывался также на идее возникновения пространств, форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета и попавших в поле нашего зрения». Лучи на полотне передаются с помощью цветных линий. Основателем и теоретиком течения был художник Михаил Ларионов.

Реализм — эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. В сфере художественной деятельности значение реализма очень сложно и противоречиво. Его границы изменчивы и неопределенны; стилистически он многолик и многовариантен. Под реализмом в узком смысле понимают позитивизм как направление в изобразительном искусстве 2-й половины XIX века. Термин «реализм» впервые употребил французский литературный критик Ж. Шанфлери в 50-х годах XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и академизму.

Регионализм (англ.Regionalism от regional— местный)— течение в американской живописи 1930-х годов. Движение обращалось к изображению образов и эпизодов из жизни американского Среднего Запада. Термин часто используется в том же значении, что и американская жанровая живопись, но регионализм является западноамериканским ответвлением этого более общего направления.
Регионалисты стремились создать подлинно американское искусство и обратились к местным темам. Регионалистами двигали ностальгические чувства к «подлинной Америке», стремление запечатлеть жизнь американской деревни и маленьких городков, что стало причиной их большой популярности. Период наибольшего расцвета движения связан с Великой депрессией, когда на фоне глубокой национальной неуверенности художники возрождали веру Америки в свои силы, развивая идею национальной исключительности и самобытности развития.

Рококо (фр. rococo, от фр.rocaille— дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо)— стиль в искусстве, возникший во Франции в первой половине XVIII века как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.
Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля— вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах. На смену репрезентативности приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек.

Романский стиль или романика (от лат. Roma — Рим) принято называть период в европейском искусстве, начиная примерно с 1000 года и вплоть до возникновения готического стиля в XIII веке или позже, в зависимости от региона. Этот термин распространился в XIX веке среди историков искусства, особенно применительно к романской архитектуре, которая сохранила многие характерные черты римского архитектурного стиля, в первую очередь круглоголовые арки, а также цилиндрические своды, апсиды и украшения в виде листьев-акантов, но также внедрила очень много своих специфических элементов.

Романтизм (фр.romantisme)— идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII века— первой половины XIX века. Характеризуется утверждением самоценности духовно-творческой жизни личности, изображением сильных (зачастую бунтарских) страстей и характеров, одухотворенной и целительной природы. Распространилось на различные сферы деятельности человека. В XVIII веке романтическим называли все странное, живописное и существующее в книгах, а не в действительности. В начале XIX века романтизм стал обозначением нового направления, противоположного классицизму и Просвещению. Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма.
Романтики укоряли своих предшественников в «холодной рассудочности» и отсутствии «движения жизни». В 20-30-х годах работы многих художников отличались патетикой, нервной возбужденностью; в них наметилось тяготение к экзотическим мотивам и игре воображения, способного увести от «тусклой повседневности». Борьба против застывших классицистских норм длилась долго, почти полстолетия.Одним из ответвлений романтизма в живописи является стиль бидермейер.

Северное Возрождение— термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающее— во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий.
Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определенные специфические черты. В основе сезанновской живописи – рисунок, цвет и контрасты. Цвет – это ведущее формообразующее начало. Его краски – это градация (по его выражению, модуляции) трех основных цветов – зеленого, голубого, охристого – и белого, а с помощью контрастов и соотношений тонов художник лепит объемы, добиваясь ощущения их плотности, весомости и придавая предметам особую значительность.

Сезаннизм ( по имени Поля Сезанна, крупнейшего живописца, представителя постимпрессионизма) – течение в живописи первой четверти 20 в., ориентирующееся на методы П.Сезанна, на построение контрастами цвета прочной, устойчивой объемной формы, на ее обобщение и геометричность.

Сентиментализм (от лат. sentiment — чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”.

Символизм (фр.Symbolisme)— одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России.
Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление к новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Все «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.

Синтетизм (от фр. synthétiser— охватывать, объединять)— художественное течение внутри постимпрессионизма. Синтетизм возник из объединения техник таких различных художественных стилей, как клуазонизм и символизм и развивался в направлении, противоположном пуантилизму. Синтетизм появился и проявился около 1888года.
Как новое течение в искусстве получил известность после организованной Гогеном выставки в парижском кафе Вольпини, приуроченной к Всемирной выставке 1889года. Художники, принадлежавшие к синтетическому течению, пытались в своих произведениях «синтезировать» три понятия: Внешний вид изображаемого; Свои собственные чувства в отношении изображаемого; Эстетичность линии, цвета и формы изображения. Таким образом, речь идет о синтезе видимого и воображаемого миров, зачастую создаваемого на полотне по воспоминаниям об некогда увиденном. Поэтому допускалось упрощение изображения, излишняя декоративность, также часто изображаемое передавалось яркими, необычно сияющими красками.

Синтетический кубизм — стиль изобразительного искусства. Поздняя фаза кубизма, характеризуется главным образом более широкому использованию цвета и имитации или введения в широком диапазоне текстур и материалов в живописи.

Синхромизм (англ.Synchromism; от греч. σύν— «вместе», «с» и χρωμος— «цвет»)— художественное направление в живописи, основанное в 1912 году американскими художниками Морганом Расселлом и Стэнтоном Макдональдом-Райтом; одно из первых в современном искусстве США.
Отличительными чертами полотен синхромистов являлись насыщенные, яркие цвета и геометрические формы с ярко выраженными гранями. Работая над написанием картин, синхромисты, по их собственному признанию, использовали цвета по аналогии с музыкальными нотами, превращая свои произведения в «симфонии на холсте».

Соц-арт — одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1970-х годах в рамках так называемой альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода, возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом.

Социалистический реализм — стиль реалистического искусства , которая была разработана в Советском Союзе и стал доминирующим стилем в других социалистических странах. Социалистический реализм телеологически -ориентированной стиль, имеющий своей целью достижением целей социализма и коммунизма. Хотя и родственных, это не следует путать с соцреализма, в более широком вида искусства, что реально изображает предметы социального характера. В отличие от соцреализма, социалистический реализм часто прославляет роли кроткого и рабочего класса и борьбы за свое освобождение.

Спациализм (итал.Movimento spaziale, от итал.spazio— пространство)— направление в искусстве, рассматривающее живопись и скульптуру как один вид искусства, объединяющий цвет, звук, пространство, движение и время. Спациализм сочетает в себе элементы конкретизма, дадаизма и ташизма. Основателем спациализма является итальянский художник и скульптор Лючио Фонтана, отстаивавший принципы синтеза искусств на на основе современных научно-технических достижений.

Стакизм (Stuckism)— международное художественное движение, основанное в 1999 году в Великобритании художниками Билли Чайлдишем и Чарли Томсоном для продвижения фигуративной живописи в противовес концептуальному искусству.

Сын-Ханга (то есть «Новая гравюра») — художественное течение в Японии, которая существовала с перерывом до 1989 года. Бушующее художественная жизнь Японии начальных десятилетий 20 в. характеризовалось горячими дискуссиями и не менее напряженными поисками. Одни художники настаивали на скорейшем освоении художественного опыта Западной Европы и США, как это делалось в промышленном производстве по усвоению новых технологий, другие декларировали сохранение традиционных жанров и технологий, которые имели национальную окраску и национальные технологии.

Супрематизм (от лат.supremus— наивысший)— направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х годов К.С.Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции. На начальном этапе этот термин, восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи.

Сюрреалиизм (фр.surrеalisme— сверхреализм)— направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием иллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность— совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made».
Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность.
Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления.

Ташизм (фр.Tachisme, от Tache — пятно) — течение в западноевропейском абстракционизме 1950—60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.
К ташизму близки европейская группа «КОБРА» и японская группа «Гутаи» (Gutai). Одним из полных синонимов ташизма с точки зрения творческого метода и идеологии является абстрактный экспрессионизм, однако время появления, география распространения и персональный состав этих течений совпадает не полностью.>

Тенебризм (от итальянского , tenebroso (темная)), также называемый драматическиое освещение, используя ярко выраженную светотень, где есть жесткие контрасты света и тени, и где темнота становится доминантой образа. Методика была разработана, чтобы добавить драмы изображению через эффект прожектора, и был популярен в стиле барокко.

Тонализм (Tonalism) — направление в изобразительном искусстве США, появившееся в 1880-х годах и характеризующееся изображением пейзажей с доминирующим тоном воздушного пространства или тумана. С 1880 по 1915 в работах тоналистов доминировали темные и нейтральные тона — черный, серый, коричневый, темно-синий. В 1890-х годах американские критики начали называть подобные работы «тональными». Термин «тонализм» также иногда используется для обозначения американских пейзажей, созданных под влиянием Барбизонской школы. Позже тонализм был поглощён импрессионизмом и модернизмом.

Трансавтоматизм — современный стиль живописи, основанный Фриденсрайха Хундертвассера. Это своего рода сюрреализма , ориентируясь на фантазии зрителя, а не объективной интерпретации. Различные люди видят разные вещи на одной и той же картине. Трансавтоматизм основывается на различных стилях, разработанных Хундертвассера, например, спирали и капли.

Трансавангард— течение в европейской живописи, итальянский вариант нео-экспрессионизма. Термин «трансавангард» был введен в 1979 году итальянским критиком Акилле Бонито Олива и буквально означал «после авангарда».

Узор и украшения арт-движение находится в Соединенных Штатах с середины 1970-х годов до начала 1980-х годов. Движение иногда называют «P & D» или в качестве новой декоративности.

Укие-э (яп. 浮世絵, картины (образы) изменчивого мира) — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Слово укие, дословно переводящееся как «плывущий мир», является омофоном к буддистскому термину «мир скорби», но записывается другими иероглифами. Гравюры в стиле укие-э— основной вид ксилографии в Японии. Эта форма искусства стала популярной в городской культуре Эдо во второй половине XVII века.
Основоположником укие-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу. Изначально гравюры были черно-белыми— использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»). Для укие-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. Позднее стала популярной пейзажная гравюра.

Фантастический реализм — термин, применяемый к различным явлениям в искусстве. С 1948 существует «Венская школа фантастического реализма» в живописи, носившая ярко выраженный мистико-религиозный характер, обращающаяся к вневременным и вечным темам, исследованиям потаенных уголков человеческой души и ориентированная на традиции немецкого Возрождения.

Фовизм (от фр.fauve— дикий)— направление во французской живописи конца XIX— начала XX века. Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр.les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения.
Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго— примерно с 1898 по 1908 год. Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам. Главой этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом.

Футурзм (лат.futurum — будущее)— общее название художественных авангардистских движений 1910-х— начала 1920-х годов, прежде всего в Италии и России. Футуристов интересовало не столько содержание, сколько форма стихосложения. Они придумывали новые слова, использовали вульгарную лексику, профессиональный жаргон, язык документа, плаката и афиш.
В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.
Главные художественные принципы— скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приемами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передается путем наложения последовательных фаз на одно изображение— так называемый принцип симультанности.

Экспрессионизм (от лат.expressio, «выражение»)— течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора.
Экспрессионизм возник как острейшая, болезненная реакция на уродства капиталистической цивилизации, Первую мировую войну и революционные движения. Поколение, травмированное бойней мировой войны, воспринимало действительность крайне субъективно, через призму таких эмоций, как разочарование, тревога, страх.
Эстетизму и натурализму старшего поколения они противопоставляли идею непосредственного эмоционального воздействия на публику. Для экспрессионистов превыше всего субъективность творческого акта. Принцип выражения преобладает над изображением, очень распространены мотивы боли и крика.
Своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали постимпрессионистов, которые в конце XIX века, открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных субъективных состояний. Банальность, уродливость и противоречия современной жизни порождали у экспрессионистов чувства раздражения, отвращения, тревоги и фрустрации, которые они передавали при помощи угловатых, искореженных линий, быстрых и грубых мазков, кричащего колорита. Предпочтение отдавалось цветам предельно контрастным с тем, чтобы усилить воздействие на зрителя, не оставить его равнодушным. Малопримечательные, на первый взгляд, картины современной уличной жизни получали под кистью экспрессионистов бьющую через край эмоциональную окраску.

Ямато-э (яп. 大和絵) — школа японской живописи, сложившаяся в XI — XII веках при императорской Академии художеств. Для мастеров ямато-э характерны яркие силуэтные изображения, горизонтальные свитки, иллюстрирующие аристократические романы, повести, в которых живопись перемежается с каллиграфией.

Японизм (от франц. Japonisme)— направление в европейском искусстве XIX столетия, сложившееся под влиянием японской цветной ксилографии укие-э и художественных ремесел. Мотивы, техника и подача цвета в японском искусстве отразились на творчестве таких мастеров, как Мане, Гоген, Винсент ван Гог и других импрессионистов. Значительное влияние японизм оказал также на искусство стиля модерн и на кубизм.
Импрессионисты искали в японской цветной гравюре необходимые средства изображения. Они переняли различные формы композиции, например изображения отдельно стоящего, как бы «обрезанного» рамкой картины объекта; фигуру, стоящую на переднем плане полотна; асимметричное построение картины; экстремально углубленные вдаль диагонали; ««зарешеченность» картины при помощи деревьев и пр. В Великобритании важнейшим представителем японизма следует считать жившего и работавшего там американского художника Уистлера.

‹‹ к списку статей

Стиль барокко в русском искусстве, архитектуре, литературе и музыке

Древнерусская музыка в своем развитии на протяжении XI—XVII вв. была монолитна. Она вся находилась в рамках единого стиля, выработанного в эпоху Средневековья. То новое, что возникало в процессе ее развития, не вносило существенных изменений, отличавших ее от существовавшей системы. Новые распевы в XV—XVII вв. — демественный, путевой, даже авторские распевы были всего лишь ветвями на стволе этого гигантского дерева. Они подчинялись общим нормам, выработанным средневековым каноном. Сам факт появления многоголосия на Руси после более чем полутысячелетнего господства унисона стал гигантской вехой в развитии русской музыки.

Минуя стадию разработки полифонического контрапунктического многоголосия, подобную итальянскому и нидерландскому мотетному стилю эпохи Возрождения, русское музыкальное искусство конца XVII в. осваивает формы, типичные для западноевропейского барокко, но применительно к своим, местным условиям. С развитием партесного концерта формируется первое новое стилевое направление в русском музыкальном искусстве — стиль барокко.

Барокко как стилевое направление охватило русскую культуру конца XVII — первой половины XVIII в. и параллельно развивалось в литературе и в искусстве. Д. С. Лихачев отмечает, что литература в Древней Руси была однородна, она подчинялась стилю эпохи того времени, но в XVII в. она уже не так едина и стройна, как в древности:

Древнерусская литература не знает литературных направлений вплоть до XVII в. Первое литературное направление, сказавшееся в русской литературе, — барокко¹.

Существенной особенностью развития русского барокко надо признать историческое совмещение стилей. Как отмечает А. А. Морозов,

…в России, в силу ускоренного развития страны, вызванного петровскими преобразованиями, на одном историческом этапе как бы совместились несколько исторических периодов художественного развития, наслоившихся друг на друга… в тесном взаимодействии с особенностями национальной культуры страны².

В изобразительном искусстве, как и в литературе и в музыке, расцвет стиля барокко относится к концу XVII — началу XVIII в., но период, предшествующий ему (XVII в.), был временем подготовки классических форм барокко, отмеченным взаимодействием западных и древнерусских традиций. В результате такого взаимодействия рождались оригинальные формы национального русского барокко: в архитектуре — нарышкинское барокко, очень яркое в цветовом отношении, с затейливыми формами; в иконописи — школа царских мастеров, ушаковская школа; в литературе — придворная поэзия Симеона Полоцкого, Кариона Истомина, Сильвестра Медведева; в музыке — троестрочное пение и партесные четырехголосные гармонизации песнопений знаменного, киевского, греческого, болгарского распевов. Эти ранние формы барокко имели большое значение в развитии русского искусства, выполняя до известной степени роль Возрождения, которое в силу исторических особенностей развития отсутствовало в русском искусстве.

Барокко как широкое историко-культурное понятие охватывает значительный круг явлений, связанных общностью эстетических воззрений. Развитие средств выражения, выработанных в одних родах искусства, порождает своеобразные соответствия в других. Если сопоставить характер развития литературы, музыки и разных видов изобразительного искусства в России конца XVII — начала XVIII в., то можно заметить определенную синхронность их развития, в котором наиболее яркой гранью является рубеж XVII—XVIII вв. Начало века открывает новую эру в искусстве. Изменившаяся социальная и политическая атмосфера XVIII в. повлияла на характер развития искусства. Меняется язык литературы, музыки, архитектуры, живописи. Особенно отчетливо эта грань прослеживается в музыке. Развитие музыки стиля барокко складывается из двух этапов: раннего, второй половины XVII в., когда закладывались основы, происходило формирование новых жанров, еще связанных с древнерусской певческой культурой, и позднего барокко — с развитыми концертными формами многоголосия, яркими контрастами концертного стиля, расцветшего в начале XVIII в.

Очень сходна картина развития архитектуры эпохи барокко. Период московского зодчества с его декоративным убранством — карнизами, кокошниками — в 1670-х гг. сменяет заключительный аккорд древнерусской архитектуры — нарышкинское, или московское, барокко, представляющее собой переходную ступень от древнерусской культуры к европейскому стилю барокко. Нарышкинское барокко совмещает в себе декоративные черты древнерусского московского зодчества с планировкой, свойственной западноевропейской барочной архитектуре. В начале XVIII в. Петр I специально выписывает итальянских мастеров для застройки Петербурга, русская архитектура XVIII в. подражает западной архитектуре.

В истории русского изобразительного искусства общепризнанным фактом является переход на рубеже XVII—XVIII вв. от иконописи к живописному началу. Элементы барокко в иконописи также проявлялись на протяжении второй половины XVII в., когда под влиянием попавших в Россию гравюр Библии Пискатора — памятника западного барокко — рождались прекрасные ярославские фрески.

В XVII веке на Руси атмосфера так насыщена западными мотивами, что даже чудесные видения облекаются в западноевропейскую форму. Рождается новая порода людей. Внешней подвижностью и беспокойством проникнуты их позы и жесты, повороты и наклоны голов… Святые словно бегут мелкими шажками, подчиненные ритму какого-то своеобразного менуэта. Одновременно и жесты становятся более разнообразными и выразительными. Вместо спокойно протянутых рук начинает чувствоваться пафос³.

Это характеризует и школу царских мастеров, и ушаковскую школу, а в начале XVIII в. процесс быстрого движения навстречу западноевропейской культуре ускоряется. В России появляется портретная живопись на манер голландских и немецких портретистов Кнеллера, К. Моора, Гельдера, иконопись начинает подражать портрету.

Литературу XVII в. характеризует процесс, аналогичный развитию музыкальной культуры. Она отличается необыкновенным разнообразием и пестротой жанров и стиля. Зарождается светская лирическая поэзия любовного содержания — виршевая поэзия с характерным силлабическим ритмом, появляются повести и даже романы авантюрного содержания. Постепенно она сближается с западноевропейской литературой. Д. С. Лихачев пишет:

Никогда еще ни до XVII в., ни после русская литература не была столь пестра в жанровом отношении. Здесь столкнулись две литературные системы: одна отмиравшая, средневековая, другая зарождающаяся — нового времени… Литературная система русского XVIII в. ничем уже не отличается от литературной системы передовых западноевропейских стран… образование новой литературной системы не было простым результатом Петровских реформ. Эта система подготовлялась в русской литературе, и ее появление не явилось неожиданностью⁴.

Нетрудно заметить параллелизм развития во всех видах искусства эпохи барокко. В конце XVII в., последнем этапе, завершающем древнерусские традиции, уже активно сказывается западное влияние, которое проглядывает через оболочку древнерусских форм. Безусловно, веяния с Запада были и раньше (взаимодействие Руси с Европой началось уже в XVI в.), но с такой рельефностью они отразились лишь в XVII в., зерно упало на плодородную почву и дало пышные всходы. В XVIII в. «струя европеизма захлестнула старую культуру… произошел некий перерыв непрерывности»⁵. Происходит качественный скачок, в искусстве открывается новая эпоха, обусловленная сменой мировоззрения, мироощущения, изменением художественных принципов.

В таком же состоянии находилось и музыкальное искусство во второй половине XVII в. Новые западные веяния вступили в борьбу со старыми, еще очень крепкими традициями. Угасание древнерусского искусства не было результатом его внутреннего оскудевания. Конец ему положили общие исторические условия, сделавшие невозможным дальнейшее изолированное развитие русской культуры в русле старой традиции.

На русской почве барокко приобрело своеобразные национальные черты, отличающие его от западноевропейских барочных форм. Хотя барокко явилось в Россию из Европы через Польшу, Украину, здесь оно приобрело иное значение, чем на Западе.

Национальное своеобразие стиля барокко проявляется в музыке — так же как в литературе и изобразительном искусстве.

Барокко в России более жизнерадостно и декоративно, чем на Западе. Праздничность и стремление к украшениям порой доходят здесь до пестроты. Орнаментальность достигает пределов возможного, она проникает даже в стихосложение. «Орнамент курчавится по поверхности, не столько выражает существо предмета, сколько украшает его. Литературные сюжеты многопредметны», — отмечает Д. С. Лихачев. Даже внешний вид стихов приобретает барочные формы, они строятся в виде орнамента или фигур в виде креста, ромба, орла, звезды и т. д. «Стихи напоминают строгановские или царские письма в иконописи — та же орнаментальность, та же мелкопись, драгоценность, украшенность. Содержание в значительной мере заслонено драгоценным окладом формы. В целом орнамент барокко динамичен, но без свойственного западному барокко борения масс»⁶.

В литературу так же как и в музыку входит авторское начало, усиливается личная точка зрения автора. «Рост самосознания автора был одним из симптомов осознания в литературе человеческой личности»⁷.

Музыке эпохи барокко свойственна орнаментальность, декоративность письма, изукрашенность мелодики и фактуры; однако при всей динамичности сопоставления хоровых массивов, концерты не достигают той силы напряжения образных контрастов, которая характеризует музыку И.-С. Баха, Г. Генделя, А. Габриели, Г. Шютца.

Партесные концерты в эпоху барокко

В эпоху барокко впервые в России появляются профессиональные композиторы, начинается процесс индивидуализации авторского стиля. В партесных рукописях встречаются десятки имен композиторов. В сочинениях лучших из них можно заметить стремление к индивидуальной, самостоятельной выразительности. И когда композитор называет свое произведение «творением» («творение Василия Титова», «творение Николая Калашникова», «творение Федора Редрикова» — читаем мы в партесных рукописях), это означает новое осознание значения и роли композитора, автора, творца, которое принципиально отличается от канонического творчества распевщика, создающего песнопения в соответствии со средневековым каноном. Это также отмечает один из рубежных этапов развития русского искусства — начало развития русской композиторской школы эпохи барокко.

Эпоха барокко дала русской музыке огромную музыкальную литературу. В России появилась целая плеяда русских композиторов — создателей духовных концертов, кантов, служб, обработок. По подсчетам С. В. Смоленского, число их доходит до 36 имен⁸. В. В. Протопопову удалось расширить этот список до 46 имен⁹ — свидетельство огромной активизации творчества русских музыкантов. Среди них можно выделить имена Николая Дилецкого, Василия Титова, Николая Калашникова, Николая Бавыкина, Степана Беляева. И все же большая часть концертов в партесных рукописях анонимна. Очевидно, слишком крепка еще была средневековая традиция скрывать авторскую принадлежность.

В текстах партесных концертов преобладают сюжеты духовного содержания, но встречаются и концерты на светские тексты, а также посвященные царственным или духовным особам. Выделяются виватные концерты, прославляющие победы Петра, а в 40-е гг. XVIII в. появляются концерты даже пародийного характера¹⁰.

Так, Дилецкий советует композиторам в концертах использовать известные канты и светские мелодии «мирских песен». Он пишет: «И сие есть не последнее художество ко слаганию, егда песнь мирскую, или ини превращаю на гимны церковныя». Он рекомендует использовать русские, украинские, польские напевы. В качестве примера Дилецкий приводит известный кант «Радуйся, радость твою воспеваю», который перекладывает на богослужебный текст.

Мелодии песен и кантов часто звучали в партесных концертах В. Титова, Н. Бавыкина.

Большую роль в развитии искусства эпохи барокко сыграло учение об аффектах, проникшее в Россию в конце XVII в.¹¹ Возбуждение аффектов было основной целью, которую видели западноевропейские теоретики искусства эпохи барокко, способом передавать движение человеческих страстей с помощью движения голоса, динамики мелодии, гармонии, лада и ритма. В противовес самоуглубленности искусства Средневековья искусство эпохи барокко направлено на восприятие, эстетика барокко определяется коммуникацией человека с человеком. Суть ее довольно точно выражена Дилецким: «Мусикия — иже сердца человеческие возбуждает или до увеселения, или до жалости»¹². В эпоху барокко музыка осознается как средство воздействия на сердца человеческие, она становится способной вызывать разнообразные чувства, глубокие эмоции — жалость, печаль, радость. Средневековое искусство не знало такого богатства оттенков выражения чувств. Оно обладало единой направленностью на общение человека с Богом, что создавало его монолитность, внутреннюю замкнутость и особую созерцательность. Этим оно принципиально отличалось от музыкальной эстетики барокко, воздействующего на слушателя и всегда учитывающего его восприятие.

Эта направленность отразилась и в практике, и в теории эпохи барокко. Многие идеи «Мусикийской грамматики» Дилецкого заимствованы из западноевропейских трактатов. Главные среди них — теория подражания, названная «естественным» правилом композиции.

Музыкальное воплощение различных аффектов было связано с определенными универсальными средствами, испытанными приемами, активно воздействовавшими на слушателей, — так называемыми музыкально-риторическими фигурами. В партесных концертах вырабатывается определенная система признаков, воплощавшая разные эмоциональные состояния. Наиболее яркие музыкально-риторические фигуры концертов связаны с имитацией движения на таких словах, как «побежé», «скакаше», «играя», изображающие бег. Например, на словах «Море виде и побежé, Иордан возвратися вспять» в концерте Василия Титова «Днесь Христос» волнение моря и обращение реки вспять переданы сложнейшими полифоническими приемами — двенадцатиголосной канонической имитацией (называемой в XVII в. фугой), постепенными нарастаниями звучностей путем присоединения одного за другим трех хоров. Эти нарастания звучности создают ощущение движения, волнения, беспокойства.

Радостные чувства передаются плясовыми мотивами и ритмами, «трубными» оборотами. В этих эпизодах в партесных концертах преобладают светлые мажорные тональности, господствуют консонансы, обычно быстрый темп, метрическая четкость.

Черты гимна характеризуют праздничный партесный концерт «Веселися, Ижерская земле», написанный в честь завоевания Петром I Ижорской земли в 1702 г. Характерно использование в басовых партиях мелодических формул, называемых «тиратами». Чувства печали, горести, страдания передавались минорным ладом, медленным темпом, интонациями вздоха, как, например, в концерте «Плачу и рыдаю». Нередко музыкально-риторические фигуры носят звукоподражательный характер, особенно в тех случаях, когда в тексте говорится о трубном гласе, златокованой трубе, используется «золотой ход» валторн (последовательность трех интервалов — сексты, квинты и терции).

В партесных концертах выработался новый особый музыкальный язык типизированных формул, изображающих определенные чувства, действия, выражавшиеся определенными формулами, музыкальными эпитетами, которые повторялись в сходных смысловых и текстовых ситуациях в соответствии с риторикой.

Несмотря на то что риторика не имеет непосредственного отношения к музыке, будучи связанной с литературой, с проповедью, красноречием, законы, на которых она основывается, отражаются и в законах музыкального развития и творчества, тем более что все жанры XVII—XVIII вв. были вокальными. С риторикой связаны важнейшие стадии сочинения музыки, к которым относятся inventio — изобретение, dispositio — расположение и decoratio — украшение. Все они нашли конкретное воплощение в «Мусикийской грамматике» Дилецкого и широко применялись в практике.

Исторические истоки искусства барокко в 1600-х годах — курс истории искусства (видео)

Истоки искусства барокко

Барокко возникло как реакция католической церкви на многочисленные критические замечания, возникшие во время протестантской Реформации в 16 веке. Католическая церковь в Ватикане увидела в искусстве возможность воссоединиться с людьми.

В 1517 году Мартин Лютер начал протест против католической церкви, сетуя на коррупцию и злоупотребление властью среди духовенства.Это было началом эпохи, известной как Реформация и протестантское христианство. Большая часть XVI века была отмечена религиозными конфликтами.

Эта ситуация побудила Ватикан создать постоянную конференцию высокопоставленных священнослужителей. Он проводился между 1545 и 1563 годами и был назван Советом Трента в честь итальянского города, в котором он проходил. В ходе многочисленных дискуссий совет осудил реформы и зарождающийся протестантизм. Была пересмотрена административная структура церкви, и были подтверждены многие аспекты современного католицизма, такие как таинства и безбрачие духовенства.Педагогическая цель художественных образов и поклонения святым и реликвиям также обсуждалась и признавалась, поэтому они продолжали продвигаться как важная часть художественных представлений. Время Собора и войн против протестантизма стало известно как католическая контрреформация.

К концу века католическая церковь активно пыталась установить более тесную связь с обществом. Интеллектуальные поиски искусства эпохи Возрождения были понятны только образованным людям, поэтому церкви требовалось более реалистичное и эмоциональное искусство.Идея заключалась в том, чтобы достичь необразованного большинства через эмоции, вызываемые искусством.

Драматический и тщательно продуманный стиль барокко не только доставлял чувственное восприятие, но и стал демонстрацией богатства и могущества. Первоначально церковь пропагандировала его для просвещения верующих, но также как заявление власти протестантам.

Европейские католические монархии очень поддерживали искусство барокко, чтобы оставаться рядом с церковью. Вскоре монархи увидели в искусстве барокко возможность продемонстрировать собственное богатство и силу, поэтому оно было принято не только в религиозном искусстве, но и в различных помещениях королевской семьи.Дворцы стали удивительно роскошными, с тщательно продуманными элементами в каждой комнате. Грандиозные лестницы, купола и другие архитектурные элементы использовались, чтобы подчеркнуть важность монархов. Французский Людовик XIV и Версальский дворец — одни из лучших примеров.

Несколько стран центральной и северной Европы решили отделиться от Ватикана и последовать новым протестантским идеям, включая Нидерланды и Англию. После того, как конфликты между протестантами и католической церковью утихли, на их территории начали прибывать влияния барокко.

У этих народов барокко не только пришло позже, но и не было связано с религией; это было скорее о власти. Барокко было принято как стиль, чтобы показать важность правительства и как символ статуса для растущего класса богатых купцов.

Краткое изложение урока

Хорошо, давайте на мгновение вспомним, что мы узнали об искусстве барокко и его историческом происхождении. Как мы узнали, Барокко было периодом искусства, начавшимся в начале 17 века и затронувшим большинство форм искусства.Он был ярким и искал драматический реализм. Художники пытались создать ощущение движения и использовали сильные контрасты света и тьмы. Внимание было уделено деталям, а орнаменты и украшения были в изобилии. Часто совмещались разные виды искусства.

Барокко пропагандировалось католической церковью в ответ на протестантскую реформу. Во время Трентского Собора , , церковь подтвердила педагогическую цель художественных образов, поэтому они продолжали продвигаться в искусстве.Через искусство барокко церковь пыталась соединить со всеми социальными слоями.

Католические европейские монархии приняли барокко, чтобы продемонстрировать свою власть и богатство. Они построили роскошные дворцы и королевские дворцы. В протестантских странах барокко пришло позже и было стилем власти. Его использовали, чтобы показать важность монархий и богатых купцов.

Барокко — Arthistory.net

В каждом периоде истории искусства есть своя история. Для искусства барокко история объясняет, почему этот период был неправильно истолкован с классической точки зрения.В начале 1600-х годов художники и интеллектуалы работали в академиях, чтобы исследовать гуманизм, начатый в эпоху Возрождения, классическую мысль (то есть Платон и Аристотель) и новые тенденции в человеческом мышлении и выражении. Но почему у слова «барокко» отрицательная история? Оригинальные переводы этого слова включают итальянский, означающий «извилистую средневековую педантичность», и португальский, означающий «деформированную жемчужину» (Хонор и Флеминг). Согласно другим источникам, барокко ассоциируется со странностями, причудливостью и зрелищностью.

Наибольший вклад в искусство барокко внес величайший скульптор Джанлоренцо Бернини (1598-1680).Он родился в семье итальянского скульптора Пьетро, работал со своим отцом и создал бюст в возрасте десяти лет. Он был вундеркиндом, как Дали и Микеланджело. Бернини пользовался огромной популярностью и сотрудничал с могущественной элитой Европы, создавая важные архитектурные и скульптурные произведения, особенно для церкви. Например, папа Урбан VIII нанял его в возрасте 26 лет для изготовления балдаччино (1624–1633), балдахина высотой 95 футов, украшавшего главный алтарь базилики Святого Петра. Эту изысканную бронзовую работу все еще можно увидеть во время экскурсии по Ватикану.

В конце XIX века Иоганн Георг Хек вспомнил знаменитую цитату: «Было бы лучше для скульптуры, если бы Бернини никогда не жил». Противоречия этого периода отражены в возмутительном отходе Бернини от эпохи Возрождения. В мраморной статуе «Экстаз Святой Терезы» (1645–1652) Бернини возродил католическую тему своей собственной интерпретацией. Вот описание Вернона Хайда Минора изображения божественного мистицизма художником:

«Для Бернини и барокко мистицизм был не просто внутренним и скрытым переживанием, но тем, что предполагало прямую интуицию божественного, настолько ясную и осязаемую, что ее можно было описать живым языком и конкретными визуальными формами.”

В период барокко (1600-1790) художники продолжали религиозные и светские темы в портретах, картинах, бюстах, церковных потолках, церквях, скульптурах и других работах. Реализм изобилует фигурами в стиле барокко, сочетающими реализм с зрелищем и яростной независимостью. Среди великих художников были Питер Пауль Рубенс (1577-1640), его помощник Энтони ван Дейк (1599-1641), Николя Пуссен (1594-1665), Рембрандт ван Рейн (1606-1669) и Симон Воуэ (1590-1649).

Откровенная, вызывающая сексуальность в искусстве барокко встречается не только в «Экстазе св.Тереза. Другие художники барокко также стремились увлечь публику. Питер Пауль Рубенс запечатлел сладострастных женщин на холсте в картинах «Похищение Лукреции» (1610 г.) и «Похищение дочерей Левкиппа» (1616–1617 гг.). Энтони ван Дейк запечатлел мускулы и сухожилия мужской формы в «Насмешке над Христом» (1620). Интересно, что эта картина принадлежала Рубенсу до своей смерти в 1640 году.

Период барокко предлагает глубокие переживания через яркий реализм и символизм. Барокко — от диагоналей Бернини до высоких церквей Европы и Нового Света — бросает вызов идее о том, что этот период лучше всего описать как раннее Новое время.

13 основных направлений искусства для понимания современного изобразительного искусства

Оглядываясь назад на западную историю, невероятно видеть, сколько видов искусства оказали влияние на общество. Прослеживая временную шкалу по различным направлениям в искусстве, мы можем не только увидеть, как развивалось современное искусство, но и то, как искусство является отражением своего времени.

Например, знаете ли вы, что импрессионизм когда-то считался андерграундным спорным движением или что абстрактный экспрессионизм означал сдвиг в мире искусства из Парижа в Нью-Йорк? Подобно строительным блокам, от реализма до лаконичного, эти разные виды искусства взаимосвязаны.Когда творческий маятник колеблется, художественные стили часто являются реакцией или данью уважения своим предшественникам. И, оглядываясь назад на некоторые из наиболее важных направлений в искусстве в истории, мы лучше понимаем, как известные художники, такие как Ван Гог, Пикассо и Уорхол, произвели революцию в мире искусства.

Эти 13 направлений визуального искусства имеют фундаментальное значение для понимания различных видов искусства, формирующих современную историю.

Искусство итальянского Возрождения

«Давид» Микеланджело.1501-1504. Galleria dell’Accademia (через Википедию)

С 14 по 17 век Италия пережила беспрецедентный период просвещения. Известный как Renaissance — термин, образованный от итальянского слова Rinascimento , или «возрождение», — этот период привел к повышенному вниманию к таким культурным предметам, как искусство и архитектура.

Итальянские художники эпохи Возрождения, такие как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль, черпали вдохновение в классическом искусстве Древнего Рима и Греции, переняв древние интересы, такие как баланс, натурализм и перспектива.В Италии эпохи Возрождения этот вдохновленный античностью подход материализовался в виде гуманистической портретной живописи, анатомически правильной скульптуры и гармоничной симметричной архитектуры.

Узнайте больше о эпохе Возрождения.

Знаменитые художники: Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэль

Знаковая работа: Давид Микеланджело

Барокко

«Экстаз Святой Терезы» Бернини.1647–1652. Капелла Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим

Ближе к концу эпохи Возрождения в Италии появился механизм Baroque . Как и предыдущий жанр, искусство барокко продемонстрировало художественные интересы в реализме и богатой цветовой гамме. Однако, в отличие от искусства и архитектуры эпохи Возрождения, произведения барокко также подчеркивали экстравагантность.

Это богатство очевидно в живописи, скульптуре и архитектуре в стиле барокко. Такие художники, как Караваджо, предлагали драматизм через обращение со светом и изображение движения.Скульпторы, такие как Бернини, достигли ощущения театральности благодаря динамичным контурам и сложной драпировке. А архитекторы по всей Европе украсили свои проекты орнаментом, от сложной резьбы до внушительных колонн.

Узнайте больше о механизме в стиле барокко.

Знаменитые художники: Караваджо, Рембрандт, Бернини

Знаковое произведение искусства: Экстаз Святой Терезы Бернини

Реализм

«Собиратели» Жана-Франсуа Милле.1857. Музей Орсе, Париж (через Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)

Реализм — это жанр искусства, зародившийся во Франции после Французской революции 1848 года. Явный отказ от романтизма, господствовавшего до него стиля, художники-реалисты сосредоточились на сценах современных людей и повседневной жизни. То, что сейчас может показаться нормальным, было революционным после столетий живописи, когда художники изображали экзотические сцены из мифологии и Библии или создавали портреты знати и духовенства.

французских художника, таких как Гюстав Курбе и Оноре Домье, а также международных художников, таких как Джеймс Эббот Макнил Уистлер, в своих произведениях сосредоточились на всех социальных классах, впервые давая голос бедным членам общества и изображая социальные проблемы, возникшие в результате промышленной революции. . Фотография также оказала влияние на этот вид искусства, побуждая художников создавать реалистичные изображения, конкурируя с этой новой технологией.

Узнайте больше о реализме.

Знаменитые художники: Густав Курбе, Жан-Батист-Камиль Коро, Жан-Франсуа Милле

Iconic Painting: The Gleaners Жан-Франсуа Милле

Импрессионизм

«Водяные лилии» Клода Моне. 1906. Художественный институт Чикаго. (через Википедию)

В это трудно поверить, но этот любимый ныне жанр искусства когда-то был изгоем из визуального движения. Отойдя от реализма, художники-импрессионисты отошли от реалистичных изображений, чтобы использовать видимые мазки, яркие цвета с небольшим смешиванием и открытые композиции, чтобы передать эмоции света и движения. Импрессионизм начался, когда группа французских художников нарушила академические традиции, написав на пленэре — шокирующее решение, когда большинство пейзажистов выполняли свои работы в помещении в студии.

Первоначальная группа, в которую входили Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, образовалась в начале 1860-х годов во Франции. Дополнительные художники присоединятся к формированию своего собственного общества, чтобы выставлять свои произведения искусства после того, как традиционные французские салоны отвергнут их, посчитав их слишком спорными для выставок.Эта первая подземная выставка, состоявшаяся в 1874 году, позволила им завоевать признание публики.

Узнайте больше об импрессионизме.

Знаменитые художники: Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Мэри Кассат

Знаковая картина: Кувшинки Серия Клода Моне

Постимпрессионизм

«Звездная ночь» Винсента Ван Гога. 1889 г. МоМА, Нью-Йорк. (через Википедию)

Снова возникший из Франции, этот вид искусства развивался между 1886 и 1905 годами как ответ импрессионистскому движению.На этот раз художники отреагировали на необходимость натуралистического изображения света и цвета в искусстве импрессионистов. В отличие от более ранних стилей, Постимпрессионизм охватывает множество различных видов искусства, от пуантилизма Жоржа Сёра до символизма Поля Гогена.

Не объединенные единым стилем, художники были объединены включением абстрактных элементов и символического содержания в свои произведения. Возможно, самым известным постимпрессионистом является Винсент Ван Гог, который использовал цвет и мазки кисти не для передачи эмоциональных качеств пейзажа, а для передачи собственных эмоций и душевного состояния.

Узнайте больше о постимпрессионизме.

Знаменитые художники: Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Поль Гоген

Культовая картина: Звездная ночь Винсента Ван Гога

Кубизм

«Авиньонские девицы» Пабло Пикассо. 1907. MoMA (через Википедию)

Поистине революционный стиль искусства, Кубизм — одно из важнейших направлений в искусстве 20-го века.Пабло Пикассо и Жорж Брак разработали кубизм в начале 1900-х годов, причем этот термин был придуман искусствоведом Луи Вокселлем в 1907 году для описания художников. На протяжении 1910-х и 1920-х годов двое мужчин, к которым присоединились другие художники, использовали геометрические формы для создания окончательного изображения. Полностью порывая с любым предыдущим движением в искусстве, объекты анализировались и разбивались на части, а затем снова собирались в абстрактную форму.

Это сокращение изображений до минимальных линий и форм было частью кубистского стремления к упрощению.Минималистский взгляд также просочился в цветовую палитру: кубисты отказались от теней и использовали ограниченные оттенки для сглаженного внешнего вида. Это был явный отход от использования перспективы, которая была стандартом со времен Возрождения. Кубизм открыл двери для более поздних направлений в искусстве, таких как сюрреализм и абстрактный экспрессионизм, выбросив предписанный свод правил художника.

Узнайте больше о кубизме.

Знаменитые художники: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Гри

Iconic Painting: Les Demoiselles d’Avignon Пабло Пикассо

Сюрреализм

«Постоянство памяти» Сальвадора Дали.1931. МоМА, Нью-Йорк.

Точное определение Сюрреализм может быть трудным для понимания, но ясно, что это некогда авангардное движение сохраняет силу, оставаясь одним из самых доступных жанров искусства даже сегодня. Воображаемые образы, порождаемые подсознанием, являются отличительной чертой этого вида искусства, зародившегося в 1920-х годах. Это движение началось, когда группа визуальных художников приняла автоматизм — технику, творческую составляющую которой полагалось подсознание.

Призывая художников освободиться от ограничений и обрести полную свободу творчества, сюрреалисты часто бросали вызов восприятию и реальности в своих произведениях.Частично это произошло из-за сопоставления реалистичного стиля живописи с нетрадиционными и нереалистичными предметами.

Узнайте больше о сюрреализме.

Знаменитые художники: Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт

Знаковая картина: Постоянство памяти Сальвадора Дали

Далее: Больше революционных движений в искусстве

Гендер в искусстве — Возрождение и барокко — женщины, женщины, общество и итальянский язык

Начиная с эпохи Возрождения, писатели, интеллектуалы и художники все больше занимались гендерными проблемами, особенно в обсуждении социальной роли женского начала.Французская фраза querelle des femmes (дебаты о женщинах) относилась к гуманистическим дискуссиям о женственности и ее месте в современной культуре того времени. До этого, следуя аристотелевскому подходу, женщины воспринимались как несовершенные, уступающие мужчинам. В своей книге « De Claris mulieribus » («Об известных женщинах») Джованни Боккаччо (1313–1375), итальянский поэт и писатель эпохи Возрождения, представил женщин как могущественные образцы для подражания. Тем не менее, добродетели, которые Боккаччо видел в женщинах, были признаны «мужскими качествами» того времени.

Одной из первых, кто озвучил независимые добродетели женщин, была французская поэтесса и историограф Кристин де Пизан (ок. 1363 — ок. 1430). В своей книге « Livre de la cité des dames » (ок. 1404; Книга города женщин) Пизан разработала исчерпывающую категоризацию положения и функций женщин в обществе ее времени. Другие, такие как голландский писатель Эразм Дезидериус из Роттердама (1466–1536), испанский гуманист и философ Хуан Луис Вивес (1492–1540) и немецкий писатель и философ Генрих Корнелиус Агриппа фон Неттесхайм (1486–1535), заложили фундамент для более прогрессивного видения гуманизма роли женщин в обществе и культуре.

Растущее понимание необходимости пересмотра социальных ролей женщин сосуществовало с такими явлениями, как доминирование мужчин, женоненавистничество и охота на ведьм. В изобразительном искусстве эпохи Возрождения и барокко, в основном созданном мужчинами, женские фигуры появляются реже, чем изображения мужчин, независимо от того, являются ли они центральными фигурами или нет. В дополнение к тому, что они превосходят по количеству представлений, мужчины чаще всего изображаются на доминирующих и центральных позициях.

Со времен средневековья демонология в основном ассоциировалась с женственностью.Идентификация женщин как более склонных к колдовству, чем мужчин, основывалась на традиционных женоненавистнических представлениях о том, что считалось основной женской природой. Судебные процессы над колдовством способствовали обсуждению гендерных вопросов и повлияли на изобразительное искусство. В графике эпохи Возрождения, особенно в Северной Европе, женское колдовство было популярной темой, что можно увидеть в гравюрах и ксилографиях Альбрехта Дюрера (1471–1528) и Ханса Бальдунга Гриена (1484–1545). В этих работах обнаженные или частично обнаженные некрасивые колдуньи изображены в различных якобы сверхъестественных действиях.

Портреты женщин эпохи Возрождения призваны передать красоту — почти архетипическую — и социальную роль. Мужчина определялся атрибутами профессии и социальными статуями. Женский портрет в искусстве итальянского Возрождения не должен был быть прямым изображением человека. Примером в досовременной итальянской портретной живописи является бюст обнаженной женщины Пьеро ди Козимо (1462–1521). Моралистический подтекст представлен змеей на шее женщины, чтобы напомнить об опасностях соблазна и похоти, традиционно известных как порок luxuria.

Эротизм — сублимация и стилизация сексуального желания — зависит от культуры и социальной среды. В искусстве это отношение отражается в сублимации сексуальности. Традиционно ключевыми элементами, связывающими гендерные темы с визуальными проблемами, были женская сексуальность и нагота. Нагота и сексуальность — преобладающие аспекты гендерных тем в изобразительном искусстве эпохи Возрождения и барокко. Картина Сандро Боттичелли (1445–1510) « Рождение Венеры », датируемая примерно 1485 годом, представляет собой усовершенствованный символизм, в котором обнаженная богиня любви помещена в духовный контекст философии Возрождения.Эротические женские представления занимают центральное место в картинах Тициана (Тициано Вечеллио; 1488 или 1490–1576), как и в его эротически заряженной картине Флоры, богини весны, цветов и плодородия. В ту же эпоху возникло женское покровительство искусству.

В эпоху Возрождения и итальянского барокко художницы, такие как Лавиния Фонтана (1552–1614) и Софонисба Ангуиссола (1527–1625), предлагая своеобразный взгляд на женскую художественную перспективу того времени, продвигали более напористый образ женщины.Это наиболее очевидно, когда женщина становится агрессивной фигурой, как на картине Артемизии Джентилески « Юдифь, убивающая Олоферна». Героини Джентилески, борющиеся с противоположным полом и вызывающие у зрителя сильное сочувствие, стали центром гендерных исследований истории искусства.

Фламандские художники эпохи барокко Питер Пауль Рубенс (1577–1640) и Энтони ван Дайк (1599–1641) изображали женщин с символическими и аллегорическими отсылками, подчеркивая высокий социальный статус натурщиков, как это было популярно в традиционной портретной живописи итальянского Возрождения в четырнадцатом и века. пятнадцатого века (например, Ван Дейка Venetia Stanley, Lady Digby, as Prudence, 1633).Однако голландские женские портреты семнадцатого века выражают новую тенденцию к гендерной идентичности: фигуры мужчин и женщин больше не представлены как идеал или символ, а в основном в их реалистичном окружении в нейтральной манере (например, картина Иоганна Корнелиса Верспронка Регентессы больницы Святой Елизаветы, 1641). Изображения Рембрандта ван Рейна (1606–1669) его интимных партнеров Саскии ван Эйленбург и Хендрикье Стоффельс предполагают аутентичность, выходящую за рамки традиционных социальных гендерных конвенций (см. Его Саския как Флора, 1641).В популярных голландских исторических картинах и жанровых сценах семнадцатого века сексуальность прикрывается моралистической критикой. Но в своем изложении первородного греха (1638) Рембрандт трансформирует архетипическое представление в психологически чувствительное изображение Адама и Евы как двух ненадежных грешников.

Южное барокко: Италия и Испания

Лекции по европейскому искусству семнадцатого века обычно проходят после занятий по эпохе Возрождения в Италии и на Севере. На этом этапе хронологического исследования истории искусства студенты узнают о ряде ключевых идей и тем, таких как возобновление интереса к греческому и римскому гуманизму и натурализму, пересечение искусства и науки в эпоху Возрождения, движения за религиозные реформы. это изменило европейскую культуру и возникший глобализм, который связал Европу, Африку, Азию и Америку.Эти темы создают интересные контрасты и преемственность с барокко.

Этот урок можно начать с краткого исторического обзора, чтобы представить контекст искусства семнадцатого века. Другой способ начать обсуждение в классе — сравнить произведения эпохи Возрождения и барокко, такие как «Тайная вечеря » Леонардо да Винчи и «Зов святого Матфея » Караваджо. Чтобы учащиеся критически оценили это сравнение, дайте им лист, в котором перечислены сходства и различия.Студенты могут работать вместе в парах, чтобы поделиться своими идеями и подготовиться к сегодняшней лекции и / или обсуждению в классе. Затем можно попросить группы студентов добровольно поделиться своими ответами. Среди вопросов, которые могут стать рамками лекции или обсуждения в классе, следующие: «Основываясь на этих двух изображениях, чем живопись барокко отличается от живописи эпохи Возрождения?» или «Как искусство барокко связано с искусством Возрождения?» Вступительное обсуждение может помочь студентам рассмотреть концепции и элементы (например, светотень, жесты и т. Д.).) они уже научились в классе, чтобы помочь понять их варианты в искусстве барокко (т. е. тенебризм, крайние эмоции и т. д.).

Есть много отличных ресурсов для изучения искусства Италии и Испании семнадцатого века. Материалы для чтения могут включать соответствующие главы из любого из основных учебников по исследованиям, таких как Gardner, Janson и Stokstad. Некоторые из текстов обзоров, относящихся к конкретному периоду, содержат полезные сегменты для преподавателей, которые хотят получить больше информации об искусстве семнадцатого века:

Роберт Нойман, Искусство барокко и рококо (Пирсон, 2013).
Энн Сазерленд Харрис, Искусство и архитектура семнадцатого века , 2-е изд. (Пирсон, 2008).

Краткие выдержки из основных трактатов по искусству итальянского и испанского барокко в книге Роберта Энггасса и Джонатана Брауна « Итальянское и испанское искусство, 1600-1700: источники и документы» могут быть назначены для ознакомления студентов с первоисточниками по таким крупным художникам, как Караваджо и Веласкес. Всю книгу можно найти в Интернете здесь.

Текущее научное онлайн-руководство по исследованиям, содержащее дополнительные ссылки, см. В Anne H.«Барокко» Мураоки в Оксфордской библиографии .

Интернет-ресурсы включают записи о Хейлбруннской шкале истории искусств, поддерживаемой Метрополитен-музеем, а также Smarthistory. Музей Метрополитен также имеет открытый доступ к некоторым из их публикаций. Например, книга Кейта Кристенсена «Переход к барокко: привлечение мастеров 17-го века в метрополитен», , Бюллетень Музея искусств Метрополитен , т. 62, вып. 3 (зима 2005 г.).

Онлайн-программа AHTR также предлагает хорошие рекомендуемые чтения.

Если библиотека вашего учебного заведения подписана на «Фильмы по запросу», вы можете рассмотреть возможность потоковой передачи некоторых клипов или полнометражных фильмов, посвященных искусству и архитектуре барокко. К знаменитой серии Саймона Шамы «Сила искусства» (2006) можно получить доступ целиком, а также к ее фрагментам, посвященным искусству Караваджо и Бернини.

Искусство и архитектура барокко в Италии — Возрождение и Реформация

Введение

Хотя термин барокко чаще всего применяется к изобразительному искусству, на котором будет сосредоточена данная статья, и он наиболее тесно связан с итальянским искусством 17 века, между учеными существует мало согласия относительно ценности и значения этого термина.Более того, ученые англоязычного мира все еще сопротивляются применению этого термина к искусству 17-го века, потому что термин барокко никогда не использовался в тот период. Примененный к музыке Дени Дидро и к архитектуре Борромини в 18 веке, чтобы обозначить излишество, причудливость, уродство и отклонение от правил, барокко впоследствии использовалось, все еще уничижительно, в критике архитектуры и искусства 17 века. Немецкие историки искусства в 19 веке представили его для обозначения производства живописи и скульптуры в период между Ренессансом и расцветом неоклассицизма.Искусство этого периода с 16 _-го до начала 18 _-го веков было связано с декадансом. К 20 веку термин барокко стал применяться к другим областям культурного производства, включая литературу. Следуя примеру Генриха Вельфлина, который рассматривал барокко как реакцию на Возрождение, Юджин Орс утверждал, что барокко существует в каждую эпоху, хотя и в исторически уникальных итерациях. С одной стороны, искусство барокко связано с художественным производством, символизирующим риторику триумфальной Римско-католической церкви, и, таким образом, было создано в ответ на покровительство папства и религиозных орденов.Его часто связывают с римским искусством 17 века, которое неизбежно будет здесь в центре внимания. С другой стороны, этот термин сохранился в англоязычном мире с 1970-х годов в качестве удобного обозначения периода, хотя в значительной степени пустого. Недавно барокко было вновь введено в английскую науку, чтобы отсылать к драматическому, риторическому и эмоциональному характеру большинства культурных произведений 17-го века. Разногласия относительно продолжительности барокко продолжаются. Заканчивается ли этот период в 17:00, 1725, 1750 или даже в 1800 году? Этот термин также нашел успех в художественной теории в качестве повторяющегося и метаисторического контрапункта классическому.Ученые, которые идентифицируют барокко как единую эстетику, выходящую за пределы какой-либо одной художественной области, утверждают, что это эстетика движения, драмы, новаторства и высокой риторики. С ним также связаны многие другие формальные характеристики, в том числе высокая контрастность, детализация, искусность и монументальность. Иногда считается, что это произошло из-за политического кризиса, коррупции и абсолютизма или возникло одновременно с ними. Некоторые ученые используют этот термин для обозначения формальных характеристик определенного периода в изобразительном искусстве; другие используют его для описания универсальной эстетики, объединяющей литературу, риторику, театр, музыку и искусство.

Общие обзоры

Концепция барокко как эстетики высокой риторики, великолепия и великолепия все еще сильна в континентальной науке, о чем свидетельствует постоянное появление публикаций в Германии, Франции и Италии, ориентированных как на специалистов, так и на обычных читателей. . Работы англоязычных ученых, в том числе Магнусона 1982, имеют тенденцию сопротивляться понятию единой объединяющей эстетики или стиля барокко, используя термин baroque экономно и ограниченно, чтобы предположить хронологический период, простирающийся с конца XVI века. века до конца 17 века.Кенсет 1991 исследует интеллектуальный союз искусства, литературы, риторики и коллекционирования в контексте эстетики чудесного с конца 16 века до 17 века. Баттистини 2000 связывает барокко с Контрреформацией, в то время как и эта работа, и Снайдер 2005 связывают его также с придворной культурой и театром. Бауэр 1992 наиболее тесно отождествляет барокко с римским культурным производством 17 века. Снайдер 2005, напротив, отождествляет барокко с новаторской эстетикой, а также с развитием литературы и риторики, которые представляют собой решительный разрыв с прошлым.В противовес преобладающему мнению, которое связывает барокко со стилистическими качествами, очевидными в изобразительном искусстве, Снайдер 2005 утверждает, что эти средства массовой информации выдают меньше новизны, энергии и инноваций и, будучи тесными связями с культурой Возрождения, они менее точно представляют барокко. . Бауэр 1992 связывает барокко с искусством и притворством придворной культуры и с Concettismo , в то время как Харбисон 2000 исследует эстетический характер барокко тематически, рассматривая движение, искажение, неожиданность, мгновенность, иллюзионизм и величие.

Баттистини, Андреа. Il barocco: Cultura, miti, imagini . Рим: Салерно, 2000.
Рассматривает многие аспекты культуры барокко. Отношение к католической реформе и к риторике, театру, искусству и музыке в стиле барокко. Помещает барокко в противоположность маньеризму, хотя и то, и другое связано с придворной культурой. Маньеризм интровертен, тогда как барокко экспансивно, театрально, грандиозно и эмоционально. Барокко прозелитизирует и ассоциируется с орнаментом, изобилием, преувеличением, неравномерностью, неожиданностью и эффектностью.
Бауэр, Германн. Барокко: Kunst einer Epoche . Берлин: Дитрих Реймер, 1992.
Определяет барокко как театральный стиль, связанный с придворной жизнью, абсолютизмом, Concettismo и связанный с римским культурным производством. Он рассматривает различные формы культурного производства, включая церемонии и эфемерные представления, такие как фейерверки и театр. Подчеркивает иллюзионизм барокко; включает важную главу о дворце в стиле барокко.
Харбисон, Роберт. Размышления о барокко . Чикаго: University of Chicago Press, 2000.
Тематически исследует эстетику барокко в искусстве, литературе, религии, политике и историческом сознании в различных исторических и региональных контекстах. Начинается в Италии и в основном концентрируется на 17-18 веках, хотя также включает главу о необарокко и барокко 20-го века.
Кенсет, Джой, изд. Эпоха чудес . Ганновер, Нью-Хэмпшир: Художественный музей Гуда, Дартмутский колледж, 1991.
Опубликовано вместе с выставкой, посвященной культуре и представлениям о чудесах 16-17 веков. Очерки прослеживают пересечения поэзии, риторики и изобразительного искусства. Связывает чудесное с порождением чудес у читателей и наблюдателей через размытие жанров, новых сюжетов, удивление и трансформацию.
Магнусон, Торгил. Рим в эпоху Бернини . 2 тт. Стокгольм: Almquist & Wiksell International, 1982.
Незаменимый обзор развития римской культуры в историческом, политическом и экономическом контексте между папствами Сикста V (годы правления 1585–1590) и Иннокентия XI (годы правления 1676–1689). Исправляет прежнюю тенденцию пренебрегать этим периодом и рассматривает культурное производство, включая изобразительное искусство, музыку, театр и зрелище, в связи с политическими событиями. Полезно для студентов и специалистов.
Снайдер, Джон Р. L’estetica del barocco . Болонья, Италия: Il Mulino, 2005.
Краткое, но всестороннее исследование философии эстетики барокко, которую Снайдер определяет в отношении парадокса и правдоподобия, а также гениального, фантастического и остроумного. Воспринимает барокко как новое осознание искусства. Отождествляет эту мысль с дворами конца XVI — второй половины XVII веков.

Пользователи без подписки не могут видеть полный контент на эта страница.Пожалуйста, подпишитесь или войдите.

Живопись в стиле барокко | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Краткое содержание живописи в стиле барокко
Раннее барокко ок. 1600-25	Высокое барокко ок. 1625-75	Позднее барокко ок. 1675-1725	Рококо ок. 1725-1800
реалист Барокко: Караваджо	динамическое барокко: Рубенс реалистическое барокко: Рембрандт, Веласкес классицизм: Пуссен	наследники мастеров высокого барокко	Буше

Светская живопись барокко
пейзаж	Ruisdael
жанровая живопись	Vermeer
натюрморт	Шарден
портрет	Галс

Общие характеристики

Искусство барокко характеризуется динамизмом (чувство движения), которое дополняется экстравагантными эффектами (например.грамм. сильные изгибы, богатая отделка, яркое освещение; см. западная эстетика). Полноценная эстетика барокко ( полное барокко, ) была воспринята в южной части Западной Европы, в то время как северная часть Западной Европы пришла к компромиссу между классическим барокко ( сдержанное барокко ). Главное исключение из этого обобщения — Фландрия, которая охватывала «полное барокко» (см. «Распространение барокко»).

Следовательно, можно было бы ожидать, что живопись в стиле барокко будет содержать динамическую композицию (см. «Визуальная композиция»).Однако это не всегда так; иногда, вместо того, чтобы использовать заранее заданную эстетическую структуру (динамическую композицию), художники эпохи барокко просто составляли сцены так, как они появляются в реальном мире (или, в случае воображаемых сцен, как они правдоподобно появляются в реальном мире). Этот подход можно охарактеризовать как реалистичное барокко , в отличие от динамического барокко .

Повторяем: живопись эпохи барокко можно разделить на динамическую картину в стиле барокко, (с динамической композицией) и реалистическую картину в стиле барокко, (с реалистичной композицией).Первую можно рассматривать как потомок итальянской живописи эпохи Возрождения (которая сосредоточена на общей композиции), последнюю — как потомка живописи Низких стран эпохи Возрождения (которая сосредоточена на реалистичном изображении непосредственного физического мира).

Идеализм против фотореализма

Эстетика реалистического барокко идет дальше реалистичной композиции: она также отличается фотореализмом . (Только в эпоху барокко живопись достигла уровня физического реализма, который можно с полным основанием назвать «фотореалистичным».Контрастный подход — это идеализм , который преобладал в живописи эпохи Возрождения и в целом был продолжен художниками динамичного барокко .

Идеализм является логическим следствием эстетики классицизма , которая в основном озабочена общим балансом и гармонией композиции (а не точными деталями). Хотя классическая живопись вполне реалистична, отдельные элементы и текстуры, тем не менее, часто упрощаются , поскольку они имеют второстепенное значение.Следовательно, элементы классической композиции (например, человеческие тела и лица, элементы ландшафта) приобретают аналогичный общий вид, поскольку они идеализированы (то есть, когда нерегулярные и негармоничные аспекты реального мира сглаживаются).

Повторяю: реалистическая живопись в стиле барокко включает фотореализм (уровень физического реализма, приближающийся к реальному миру), в то время как динамическая живопись в стиле барокко обычно представляет собой идеализм (в котором реальный мир упрощен до идеализированных общих черт).Первое качество происходит от живописи Нижних стран , второе — от итальянского искусства .

Фотообои на потолок

Когда сцена нарисована с достаточным физическим реализмом (особенно глубиной перспективы ), это дает наблюдателям иллюзию «смотрящего через» нарисованную поверхность на сцену за ее пределами; это известно как иллюзионистическая картина . Самая впечатляющая традиционная форма иллюзионистской живописи — это потолочная фреска , которая возникла в эпоху Возрождения, а затем достигла своей кульминации в эпоху барокко.Помимо неба, облаков и солнца, эти фрески обычно наполнены парящими фигурами и богатыми декоративными элементами, что делает их, пожалуй, самыми роскошными образцами эстетики динамичного барокко 12

Основная статья

Раннее барокко

ок. 1600-25
Основоположником эстетики реалистического барокко был Караваджо, самый влиятельный художник периода раннего барокко, и художник, установивший тенебризм (яркое освещение сцены из темноты) как общую черту реалистической живописи барокко. .Учитывая его усиливающий драматизм эффект, тенебризм во многом является эффектом барокко (см. «Западная эстетика»). Влияние этого эффекта можно увидеть в «Музыкантах», одном из самых известных нерелигиозных произведений Караваджо, и в «Призыве святого Матфея», возможно, его шедевре.

Караваджо вызвал много споров своим смелым принятием реальности. В религиозных картинах, например, он столкнулся с широко распространенным противодействием его изображениям библейских фигур с реалистичными телами и чертами; это знаменует собой резкий отход от идеализма эпохи Возрождения , в котором фигуры обычно мускулистые и молодые, а лица безупречны.Более того, в творчестве Караваджо часто фигурируют бедняков и места; «Призвание святого Матфея» , например, происходит в захудалой таверне. C87, E47, H837

Терминология нижних стран

Историческое обсуждение региона, известного как Низкие страны , может сбивать с толку из-за двусмысленной терминологии. Этот регион состоит из двух основных частей: Нидерланды (на севере) и Бельгия (на юге). Нидерланды стали независимой страной ок.1600, в то время как Бельгия добилась независимости в девятнадцатом веке.

В период позднего средневековья Нидерланды были домом для ряда небольших процветающих государств с экономикой, основанной на торговле и производстве. Самым сильным из них был Flanders , который лежал в основном на севере Бельгии. При обсуждении истории до ок. 1600 г. весь регион Низких стран часто называют «Фландрией».

Между тем, термин Нидерланды буквально означает «Нидерланды».До ок. 1600, «Нидерланды» также использовалось для обозначения всего региона Низких стран.

Терминология нижних стран
	при обсуждении истории…
	до ок. 1600	ок. 1600-1800	после ок. 1800
регион Низкие страны известен как	Нижние страны, Нидерланды, Фландрия	Нижние страны
северная половина известна как		Нидерланды
южная половина известна как		Фландрия	Бельгия

Прибл.1600, северная часть Нидерландов стала независимой страной Нидерландов. Таким образом, после ок. 1600, термин Нидерланды обычно ограничивается этой страной. Термин Фландрия , однако, часто все еще применяется к южным Нидерландам до девятнадцатого века, когда была образована нация Бельгия .

Расцвет светской живописи

Наряду с Италией, самым инновационным регионом западной живописи в эпоху барокко была Нидерланды .Действительно, семнадцатый век был годом голландского золотого века , необычайным расцветом (особенно для такой маленькой страны) искусства, науки и глобальной торговой империи. Экономическое процветание породило большой средний класс со здоровым аппетитом к искусству. E52, G382, H854

На протяжении средневековья и эпохи Возрождения в западном искусстве повсеместно доминировали христианские темы (и, в меньшей степени, классическая мифология). Это господство продолжалось бы на протяжении всей эпохи барокко, если бы не Реформация года , которая обратила большую часть Европы в протестантизм.В протестантских народах религиозные и мифологические образы были категорически запрещены . Более того, протестантизм (который предписывал суровую, простую жизнь) был несовместим с богатством динамичной эстетики барокко. E46, F326

Таким образом, в странах протестантской Европы (включая Нидерланды) художники не могли зарабатывать на жизнь ни религиозным искусством , ни динамическим искусством барокко . С точки зрения эстетики, это привело к тому, что протестантские художники приняли реалистическое барокко ; по содержанию светских, (нерелигиозных) предметов.

Золотой век Нидерландов, наконец, поднял светскую живопись на уровень , равный религиозной и мифологической живописи в Европе. Светскую живопись можно разделить на четыре основных типа: пейзаж , жанровая картина , натюрморт и портрет . Ранняя разработка всех четырех типов произошла в эпоху Возрождения .E46, F319, H854

Пейзаж можно определить как «картину, в которой окружающая среда является основным предметом; фигуры отсутствуют или второстепенны».(Морской пейзаж и городской пейзаж часто группируются как особые типы ландшафта.) Натюрморт изображает коллекцию объектов (часто цветов, фруктов и / или посуды), обычно выбранных для приятного смешения цветов и текстуры. Жанровая картина — это изображение повседневной жизни.

Самым выдающимся пейзажистом эпохи барокко был Якоб ван Рейсдал , а ведущим художником жанра барокко Ян Вермеер .Оба были голландскими художниками, чьи карьеры приходились в основном на эпоху высокого барокко. В то время как натюрморты также процветали в голландский золотой век, самым известным художником натюрморта в стиле барокко, вероятно, является французский художник Жан Шарден периода рококо.

Наконец, Золотой век Нидерландов дал начало естественному портрету , который запечатлел спонтанную, естественную осанку и выражение лица. Этот подход постепенно появлялся на протяжении всего Возрождения, когда жесткая формальность (которая характеризует самые ранние портреты эпохи Возрождения) медленно смягчалась .Выдающимся портретистом эпохи барокко был Франс Хальс .F327, H854

Высокое барокко

ок. 1625–1675

Рембрандт ван Рейн, реалист в стиле барокко, часто считается величайшим из всех голландских художников. Рембрандт воспринял тенебризм , но более мягко и атмосферно, чем Караваджо. Его ведущие работы включают «Ночной дозор» (его шедевр) и «Аристотель с бюстом Гомера». E54, F335, H857,6

Диего Веласкес, еще один художник-реалист в стиле барокко, считается величайшим художником Испании.7 Его шедевр — Las Meninas («Фрейлины»), в котором представлены члены испанского двора.

Питер Пауль Рубенс, величайший художник эпохи барокко Фландрии, часто считается выдающимся художником эстетики динамического барокко (хотя он также работал в реалистическом барокко) .1 Его стиль часто описывают как живописный , что означает, что он отдавал предпочтение свободным, выразительным мазкам цвета перед четко очерченными формами. (Художник, который предпочитает четко очерченные формы, сначала нарисует эти формы, а затем аккуратно закрасит линии рисунка; это линейный стиль , живопись , противоположность живописному стилю.)

Самыми известными произведениями Рубенса могут быть два запрестольных образа: «Воздвижение креста» и «Снятие с креста». Его дар динамизма также хорошо подходил для сцены охоты .

В то время как живопись в стиле барокко процветала во Франции, многие художники предпочли продолжить стремление к классицизму . Среди них был величайший французский художник эпохи барокко Николя Пуссен, чьим шедевром является «Аркадские пастухи». Пуссен был настолько влиятельным человеком, что вплоть до появления современного искусства его стиль (резко линейный) широко считался идеальной моделью французской живописи.E62, H865-68,4

Французский классицизм охватил не только фигурную живопись, но и пейзаж . Однако полученные изображения были не реалистичными, а воображаемыми классическими пейзажами , в которых ландшафт и его особенности расположены уравновешенно и гармонично. Действительно, аналогичные работы были созданы динамичными художниками эпохи барокко: воображаемые динамичные пейзажи барокко , расположенные в динамичной, диссонирующей манере, часто с неспокойной погодой и резко изогнутыми дорогами и реками.

Позднее барокко

ок. 1675-1725

Величайшие художники эпохи барокко относятся к периоду высокого барокко и года. Различные стили и предметы живописи высокого барокко продолжали процветать в течение позднего барокко в кистях многих менее известных преемников .

Рококо

ок. 1725-1800

Последней фазой барокко был рококо , в котором были сохранены изгибы и динамизм барокко, но его тяжелая драма смягчила до легкого игривого стиля.Веселые сюжеты, светлые цвета и изящные изгибы — все это типичные черты искусства рококо. Самым культовым художником рококо является Франсуа Буше, чьи работы включают картины, керамику и гобелены; его шедевр — Рождение Венеры. C95, G378,9

1 — «Период барокко (искусство)», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
2 — «Караваджо (итальянский художник): Главное», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
3 — «Караваджо, Микеланджело Меризи да», Колумбийская энциклопедия.По состоянию на май 2009 г.
4 — «Искусство и архитектура барокко», Энкарта. Проверено в мае 2009 г.
5 — «Барокко в искусстве и архитектуре», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
6 — «Рембрандт Харменс ван Рейн», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
7 — «Веласкес, Диего Родригес де Сильва и», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
8 — «Rococo Style», Encarta. Проверено в мае 2009 г.
9 — «Стиль рококо (дизайн)», Британская энциклопедия. Проверено в мае 2009 г.
10 — «Живопись: живопись итальянского барокко», Энкарта.Проверено в мае 2009 г.
11 — «Живопись: живопись французского барокко», Энкарта. Проверено в мае 2009 г.
12 — «Western Painting: Baroque», Encyclopedia Britannica. По состоянию на июль 2009 г.
13 — «Ле Брен, Шарль», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
14 — «Живопись», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
16 — «Испанское искусство и архитектура», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.

Эпоха барокко | История искусства

Искусство барокко

Западное барокко в российской интерпретации

Стили и направления в изобразительном искусстве

Религиозное искусство эпохи Барокко. Эпоха религиозных войн. 1559—1689

Читайте также

§ 32. ИСКУССТВО ЭПОХИ ЕДИНОГО ГОСУДАРСТВА

От Возрождения до барокко

Барокко

Дитя барокко

Глава 6. Искусство эпохи викингов

Глава 1. От мировоззрения эпохи Рыб к миропониманию эпохи Водолея. Разгерметизация концептуальной власти

Абсолютизм эпохи барокко и придворное общество

ВЕК БАРОККО

Барокко

Немецкое барокко

9.7. Искусство эпохи Возрождения

Тема 2 Архитектура и изобразительное искусство Эгейского мира IV–III тысячелетия до н. э. – эпохи неолита, халколита и ранней бронзы

Тема 18 Архитектура и изобразительное искусство Древней Греции эпохи эллинизма (на территории Балкан, Пелопоннеса Малой и Передней Азии, Египта)

Тема 23 Римская архитектура и изобразительное искусство эпохи правления Октавиана Августа

Тема 3 Архитектура и изобразительное искусство Египта эпохи Раннего царства, (XXX–XXIX века до н. э.), 1–2 династии

Стили живописи — Академизм — Возрождение — Барокко — Классицизм — Романтизм — Реализм — Импрессионизм

Стиль барокко в русском искусстве, архитектуре, литературе и музыке

Стиль барокко в русском искусстве, архитектуре, литературе и музыке

Исторические истоки искусства барокко в 1600-х годах — курс истории искусства (видео)

Истоки искусства барокко

Краткое изложение урока

Барокко — Arthistory.net

13 основных направлений искусства для понимания современного изобразительного искусства

Эти 13 направлений визуального искусства имеют фундаментальное значение для понимания различных видов искусства, формирующих современную историю.

Гендер в искусстве — Возрождение и барокко — женщины, женщины, общество и итальянский язык

Южное барокко: Италия и Испания

Искусство и архитектура барокко в Италии — Возрождение и Реформация

Введение

Общие обзоры

Живопись в стиле барокко | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Общие характеристики

Идеализм против фотореализма

Фотообои на потолок

Основная статья

Раннее барокко

Терминология нижних стран

Расцвет светской живописи

Высокое барокко

Позднее барокко

Рококо

Добавить комментарий Отменить ответ