Виды артов в рисовании: Art: Виды арта

Art: Виды арта

   Стикер-арт (англ. Sticker art) — одна из форм уличного искусства, в котором изображения несут наклейки. Содержание таких наклеек может быть разнообразным, и включает многие подкатегории граффити. Стикеры начали активно распространяться с начала 2000-х годов и часто появлялись в крупных городах, например, на мусорных баках, дорожных знаках и стенах домов. Первопроходцем этого вида искусства считается Шепард Фейри.

  
  Апт-арт — «квартирное искусство», название происходит от английских слов «apartment» (квартира) и «art» (искусство). Апт-арт — термин, изобретенный художником Никитой Алексеевым для домашней выставки, которая оформляется в начале 80-х годов в качестве особого экспозиционного жанра, ставшего ярким художественным явлением и оригинальным, чисто российским вкладом в развитие современного искусства. Апт-арт — искусство созданное именно с расчетом на такой способ демонстрации.

   Виженари арт (англ.

 Visionary art — визионерское искусство) — художественный стиль, имеющий в своей основе спонтанное изображение увиденного в изменённом состоянии сознания, религиозного, медитативного созерцания, транса, а также флешбэков, возникающих после так называемых «трипов».

 
    Концепт-арт — направление в искусстве, предназначенное для того, чтобы визуально передать идею произведения, но не форму или внешние атрибуты. Как правило создаётся на начальной стадии разработки проекта и предназначается для использования в фильмах, компьютерных играх, комиксах до создания финальной версии. Также называется «концепт-дизайном». Не следует путать с концептуальным искусством.

   
    Фурри-арт (от англ. furry art), иначе фурри-искусство — художественные работы, темой которых являются антропоморфные (очеловеченные) животные. Фурри-артом называют художественные работы, созданные в контексте субкультуры фурри как главной целевой аудитории, реже так называют художественные работы, предназначеные для широкой аудитории, но содержащие антроморфных животных персонажей.

    Латте-арт (от итал. Latte art, «молоко» + «искусство») — это особый способ вливания вспененого молока в эспрессо, благодаря чему на поверхности кофе создаются различные узоры. Также узор может быть создан путём простого рисования на верхнем слое пены, например зубочисткой или другим острым предметом. Латте-арт требует чёткого соблюдения пропорций молока и кофе.

    Сёрф-арт (англ. Surf Art) — направление в искусстве, сформировавшееся в начале 20-го века. Отличается использованием элементов импрессионизма, постимпрессионизма, сюрреализма, абстрактных и парадоксальных сочетаний форм. Сёрф-арт включает в себя картины, скульптуры и различные элементы дизайна, в которых изображен подлинный сёрфинг, образ жизни и всё, что с этим может быть связано.

     
   
   Паблик-арт (Общественное искусство; искусство в общественном пространстве; англ.

public art) — искусство в городской среде, ориентированное на неподготовленного зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством.

     
   Лэнд-арт (от англ. land art — ландшафт-искусство), направление в искусстве, возникшее в США в конце 1960-х годов, в котором создаваемое художником произведение было неразрывно связано с природным ландшафтом. Работы лэнд-арта не были по отношению к ландшафту внешними или привнесёнными, последний использовался скорее как форма и средство создания произведения. Часто работы выполнялись на открытом и удалённом от населённых мест пространстве, в котором оказывались предоставленными самим себе и действию природных сил.

   Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.
Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

• изменяются масштаб и материал;
• обнажается приём или технический метод;
• выявляются информационные помехи и др.

    Боди-арт (англ. body art  — «искусство тела») — одна из форм авангардного искусства, где главным объектом творчества становится тело человека, а содержание раскрывается с помощью невербального языка: поз, жестов, мимики, нанесения на тело знаков, «украшений». Объектом Боди-арта также могут выступать рисунки, фото, видео и муляжи тела.

   

   Мэйл-арт (англ. mail art) — вид современного изобразительного искусства, применяющий почтовые марки и другие почтовые материалы как изобразительные средства.

    

  Стрит-арт (англ. Street art — уличное искусство) — изобразительное искусство, отличительной особенностью которого является ярко выраженный урбанистический стиль.
Основной частью стрит арта является граффити (иначе спрей-арт), но нельзя считать, что стрит-арт это и есть граффити. К стрит-арту также относятся постеры (некоммерческие), трафареты, различные скульптурные инсталляции и т.

 п. В уличном искусстве важна каждая деталь, мелочь, тень, цвет, линия. Художник создает свой стилизованный логотип — «уникальный знак» и изображает его на участках городского ландшафта. Самое главное в стрит-арте — не присвоить территорию, а вовлечь зрителя в диалог и показать различную сюжетную программу.

   Фан-арт (англ. fan art) — разновидность творчества поклонников популярных произведений искусства, производное рисованное произведение, основанное на каком-либо оригинальном произведении (как правило, литературном или кинематографическом), использующее его идеи сюжета и (или) персонажей. Также стало популярно рисовать фан-арты к играм. Авторские работы фанатов отдельного произведения или их сходной группы на тему доработки внешности персонажей, места действия и т. п. Фан-арт не включает самостоятельно придуманные доработки и их литературные описания.

   Фан-арт может представлять иллюстрацию, пародию, карикатуру, кроссовер («переплетение» нескольких произведений), и др.

Виды артов в рисовании. Как найти свой стиль рисования: практическое руководство

Стилем называют общее направление развития искусства, репрезентативные образцы которого объединены идейным смыслом, техникой передачи, характерными приемами творческой деятельности. Стили в искусстве живописи тесно переплетались, перерастали в сродные направления, существовали параллельно, обогащая друг друга.

Живописные стили и направления формировались под влиянием идеологии, политического и экономического развития общества, религии, традиций.

История развития

История развития стилей демонстрирует сложную культурную эволюцию общества.

Готика

Зародилась во Франции в XI – XII веках. Стиль развивался на территории Западной, а с XIII – XIV веков – в Центральной Европы. Зарождение и эволюция этого направления находились под существенным влиянием церкви. Средние века – период доминирования церковной власти над светской, поэтому готические художники работали с библейскими сюжетами.

Отличительными особенностями стиля являются: яркость, вычурность, динамичность, эмоциональность, помпезность, невнимание к перспективе. Картина не выглядит монолитной – она смотрится, словно мозаика из нескольких действий, изображенных на холсте.

Ренессанс или Возрождение

Пришел из Италии в XIV века. Около 200 лет это направление было доминирующий и стало основой для развития рококо и Северного Возрождения. Характерные художественные черты картин: возвращение к традициям античности, культ человеческого тела, интерес к деталям, гуманистические идеи. Это направление было сконцентрировано не на религии, а на светской стороне жизни. Отличалось Северное Возрождение Голландии и Германии – здесь Возрождение воспринималось, как обновление духовности и христианской веры, предшествовавшее Реформации. Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти.

Маньеризм

Направление в развитии живописи XVI века. Идейно противоположное Возрождению. Художники отходили от идеи совершенства человека и гуманизма в сторону субъективизации искусства, ориентации на внутренний смысл явлений и объектов.

Название стиля происходит от итальянского слова «манера», что полностью отображает суть маньеризма. Представители: Я.Понтормо, Дж.Вазари, Брозино, Ж.Дюве.

Барокко

Пышный, динамичный, роскошный стиль живописи и культуры, зародившийся в Италии в XVI веке. На протяжении 200 лет направление развивалось во Франции, Германии, Испании. Барочная живопись полна яркими красками, особое внимание уделяется деталям, украшениям. Изображение не статично, эмоционально, поэтому барокко считают наиболее напряженным и выразительным этапом развития живописи.

Классицизм

Возник в западноевропейских странах в XVII веке, через 100 лет он добрался до стран Восточной Европы. Главная идея – возврат к традиции античности. Портреты, пейзажи, натюрморты легко узнать, благодаря догматическому воспроизведению, выполнению четких правил стиля. Классицизм переродился в академизм – стиль, которые впитал наиболее яркие черты античности и Ренессанса. В этом стиле работали Н.Пуссен, Ж.-Л.Давид, российские передвижники.

Романтизм

Сменил классицизм во второй четверти XIX века. Художественные черты: стремление к передаче индивидуальности, даже если она несовершенна, эмоциональность, выразительность чувств, фантастичность образов. Искусство художников-романтистов отрицает нормы и правила классического этапа развития живописи. Возрождается интерес к народным традициям, легендам, национальной истории. Представители: Ф.Гойя, Т.Жерико, К.Брюллов, Э.Делакруа.

Символизм

Культурное направление конца XIX – XX века, идеологическую базу почерпнул у романтизма. На первом месте в творчестве был символ, а художник был посредником между реальностью и фантастическим миром творчества.

Реализм

Художественные изыскания, которые на первый план ставят точность передачи форм, параметров, оттенков. Характерны натуральность, точность воплощения внутренней сути и внешней оболочки. Этот стиль наиболее масштабный, популярный и многогранный. Его ответвлениями являются современные направления – фото и гиперреализм. Представители: Г.Курбе, Т.Руссо, художники-передвижники, Ж.Бретон.

Импрессионизм

Зародился в конце XIX – начале XX века. Родина – Франция. Суть стиля – воплощение в картине магии первого впечатления. Этот короткий миг художники передавали при помощи коротких мазков краской по полотну. Такие картины лучше воспринимать не с близкого расстояния. Работы художников наполнены красками и светом. Постимпрессионизм стал фазой развития стиля – для него характерно большее внимание к форме и контурам. Художники: О.Ренуар, К.Писсарро, К.Моне, П.Сезанн.

Модерн

Самобытный, яркий стиль, который стал основой для формирования многих живописных направлений XX века. Направление собрало черты искусства всех эпох – эмоциональность, интерес к орнаментам, пластичность, преобладание плавных, криволинейных очертаний. Основой для развития стал символизм. Модерн неоднозначен – развивался в странах Европы по-разному и под разными наименованиями.

Авангардизм

Художественные стили, для которых характерен отказ от реалистичности, символизм передачи информации, яркость красок, индивидуализация и свобода творческого замысла. К категории авангардных относят: сюрреализм, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Представители: В.Кандинский, П.Пикассо, С.Дали.

Примитивизм или наивный стиль

Направление, для которого характерно упрощенное изображение реальности.

Перечисленные стили стали главными вехами в развитии живописи – они продолжают перевоплощаться в новые формы творческого самовыражения художников.

Стилем называют общее направление развития искусства, репрезентативные образцы которого объединены идейным смыслом, техникой передачи, характерными приемами творческой деятельности. Стили в искусстве живописи тесно переплетались, перерастали в сродные направления, существовали параллельно, обогащая друг друга.

Живописные стили и направления формировались под влиянием идеологии, политического и экономического развития общества, религии, традиций.

История развития

История развития стилей демонстрирует сложную культурную эволюцию общества.

Готика

Зародилась во Франции в XI – XII веках. Стиль развивался на территории Западной, а с XIII – XIV веков – в Центральной Европы. Зарождение и эволюция этого направления находились под существенным влиянием церкви. Средние века – период доминирования церковной власти над светской, поэтому готические художники работали с библейскими сюжетами. Отличительными особенностями стиля являются: яркость, вычурность, динамичность, эмоциональность, помпезность, невнимание к перспективе. Картина не выглядит монолитной – она смотрится, словно мозаика из нескольких действий, изображенных на холсте.

Ренессанс или Возрождение

Пришел из Италии в XIV века. Около 200 лет это направление было доминирующий и стало основой для развития рококо и Северного Возрождения. Характерные художественные черты картин: возвращение к традициям античности, культ человеческого тела, интерес к деталям, гуманистические идеи. Это направление было сконцентрировано не на религии, а на светской стороне жизни. Отличалось Северное Возрождение Голландии и Германии – здесь Возрождение воспринималось, как обновление духовности и христианской веры, предшествовавшее Реформации. Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти.

Маньеризм

Направление в развитии живописи XVI века. Идейно противоположное Возрождению. Художники отходили от идеи совершенства человека и гуманизма в сторону субъективизации искусства, ориентации на внутренний смысл явлений и объектов. Название стиля происходит от итальянского слова «манера», что полностью отображает суть маньеризма. Представители: Я.Понтормо, Дж.Вазари, Брозино, Ж.Дюве.

Барокко

Пышный, динамичный, роскошный стиль живописи и культуры, зародившийся в Италии в XVI веке. На протяжении 200 лет направление развивалось во Франции, Германии, Испании. Барочная живопись полна яркими красками, особое внимание уделяется деталям, украшениям. Изображение не статично, эмоционально, поэтому барокко считают наиболее напряженным и выразительным этапом развития живописи.

Классицизм

Возник в западноевропейских странах в XVII веке, через 100 лет он добрался до стран Восточной Европы. Главная идея – возврат к традиции античности. Портреты, пейзажи, натюрморты легко узнать, благодаря догматическому воспроизведению, выполнению четких правил стиля. Классицизм переродился в академизм – стиль, которые впитал наиболее яркие черты античности и Ренессанса. В этом стиле работали Н.Пуссен, Ж.-Л.Давид, российские передвижники.

Романтизм

Сменил классицизм во второй четверти XIX века. Художественные черты: стремление к передаче индивидуальности, даже если она несовершенна, эмоциональность, выразительность чувств, фантастичность образов. Искусство художников-романтистов отрицает нормы и правила классического этапа развития живописи. Возрождается интерес к народным традициям, легендам, национальной истории. Представители: Ф.Гойя, Т.Жерико, К.Брюллов, Э.Делакруа.

Символизм

Культурное направление конца XIX – XX века, идеологическую базу почерпнул у романтизма. На первом месте в творчестве был символ, а художник был посредником между реальностью и фантастическим миром творчества.

Реализм

Художественные изыскания, которые на первый план ставят точность передачи форм, параметров, оттенков. Характерны натуральность, точность воплощения внутренней сути и внешней оболочки. Этот стиль наиболее масштабный, популярный и многогранный. Его ответвлениями являются современные направления – фото и гиперреализм. Представители: Г.Курбе, Т.Руссо, художники-передвижники, Ж.Бретон.

Импрессионизм

Зародился в конце XIX – начале XX века. Родина – Франция. Суть стиля – воплощение в картине магии первого впечатления. Этот короткий миг художники передавали при помощи коротких мазков краской по полотну. Такие картины лучше воспринимать не с близкого расстояния. Работы художников наполнены красками и светом. Постимпрессионизм стал фазой развития стиля – для него характерно большее внимание к форме и контурам. Художники: О.Ренуар, К.Писсарро, К.Моне, П.Сезанн.

Модерн

Самобытный, яркий стиль, который стал основой для формирования многих живописных направлений XX века. Направление собрало черты искусства всех эпох – эмоциональность, интерес к орнаментам, пластичность, преобладание плавных, криволинейных очертаний. Основой для развития стал символизм. Модерн неоднозначен – развивался в странах Европы по-разному и под разными наименованиями.

Авангардизм

Художественные стили, для которых характерен отказ от реалистичности, символизм передачи информации, яркость красок, индивидуализация и свобода творческого замысла. К категории авангардных относят: сюрреализм, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Представители: В.Кандинский, П.Пикассо, С.Дали.

Примитивизм или наивный стиль

Направление, для которого характерно упрощенное изображение реальности.

Перечисленные стили стали главными вехами в развитии живописи – они продолжают перевоплощаться в новые формы творческого самовыражения художников.

Продолжаем раздел «Рукоделие » и подраздел « » статьёй . Где предлагаем вам определения нескольких известных и неизвестных современных и не очень стилей, а также проиллюстрируем их как можно более понятно.

Стили искусства в картинках нужны, в частности, для того, чтобы вы смогли узнать, в каком стиле вы рисуете (или рукоделите в общем), или какой стиль вам подходит больше всего для рисования.

Начнём мы со стиля, который называется «реализм». Реализм — это эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. Существует множество подстилей реализма — критический реализм, социалистический реализм, гиперреализм, натурализм и множество других. В более широком смысле слова реализм — это способность искусства правдиво, неприкрашенно изображать человека и окружающий его мир в жизнеподобных, узнаваемых образах, при этом не копируя пассивно и бесстрастно натуру, а отбирая в ней главное и стремясь передать в видимых формах сущностные качества предметов и явлений.

Пример: В. Г. Худяков. Контрабандисты (кликните для увеличения):

Теперь перейдём к стилю под названием «импрессионизм». Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — стиль, где художники старались наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Пример: Дж. Уильям Тёрнер (кликните для увеличения):

Далее по списку у нас намного менее известный, чем импрессионизм и реализм, стиль под названием «фовизм». Фовизм (от фр. fauve — дикий) — название образовалось, так как картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы.

Следующий стиль — модерн. Модерн — (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, где основой был отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Пример архитектуры в стиле модерн — в статье «Волшебные дома Гауди «. Пример картины в стиле модерн: А. Муха «Закат» (кликните для увеличения):

Затем перейдём далее. Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — выражение эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. В экспрессионизме идея эмоционального воздействия, аффектации была поставлена в противовес натурализму и эстетизму. Подчеркивалась субъективность творческого акта.

Пример: Ван Гог, «Звёздная ночь над Роной»:

Следующее течение, которого мы коснёмся — это кубизм. Кубизм (фр. Cubisme) — направление в изобразительном искусстве, характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Далее стиль под названием «футуризм». Название стиля футуризм произошло от латинского futurum — будущее . Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. Свои картины футуристы посвящали поезду, автомобилю, самолётам — словом, внимание было на все сиюминутные достижения цивилизации, упоённой техническим прогрессом. Футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы.

И теперь переходим к стилю под названием «абстракционизм». Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

Пример: В. Кандинский:

Далее у нас по списку течение «дадаизм». Дадаизм , или дада — название течения происходит от нескольких источников: на языке негритянского племени Кру оно означает хвост священной коровы, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки, кормилицы, удвоенным утверждением в русском и румынском языках. Это могло быть и воспроизведением бессвязного младенческого лепета. Во всяком случае дадаизм — это нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения.

И теперь мы переходим к супрематизму. Супрематизм (от лат. supremus — наивысший) — выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Пример: Казимир Малевич:

Следующее течение, которое мы вкратце рассмотрим — это течение со странным названием «метафизическая живопись». Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica) — здесь метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики, а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект.

Пример — Джорджо Моранди. Натюрморт с манекеном:

И теперь мы переходим к очень интересному течению по имени «сюрреализм». Сюрреализм (фр. surréalisme — сверхреализм) в основе имеет совмещение сна и реальности. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одним из величайших представителей сюрреализма в живописи стал Сальвадор Дали.

Пример: Сальвадор Дали:

Далее мы переходим к такому течению, как активная живопись. Активная живопись (живопись по интуиции, ташизм, от французского Tachisme, от Tache — пятно) — течение, которое представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Предпоследний на сегодня стиль — это поп-арт. Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) порождает произведения искусства, для которых были использованы элементы „народной культуры“. То есть, Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст (например, изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и так далее).

Пример: Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»:

Соответственно, последнее на сегодня направление — минимализм. Минимал арт (англ. Minimal art), также Минимализм (англ. Minimalism), Иску́сство ABC (англ. ABC Art) — это течение, которое включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.

Таким образом, существует огромное количество стилей искусства — которые преследуют свои собственные цели.

Весьма разнообразны и многогранны. Единый принцип художественного мышления и есть тот самый ключевой признак, в соответствии с которым работы мастеров могут быть отнесены к тому или иному течению. Исторически сложилось так, что основные направления в живописи сменяли друг друга в зависимости от смены восприятия искусства. Сыграли свою роль в этом вопросе и определенные события.

Направления в живописи 19 века

В девятнадцатом веке Франция оставалась ведущей страной, сделавшей значительный вклад в развитие европейской культуры. На первом месте в художественной жизни оказалась живопись. Направления в живописи 19 века — это классицизм, романтизм, реализм, академизм и декаданс. Основной фигурой романтизма считался Эжен Делакруа. Его самая известная картина «Свобода на баррикадах» была написана по реальным событиям. В середине девятнадцатого века основные направления в живописи — классицизм и реализм. Позиции реализма в Европе были укреплены Густавом Курбе. А во второй половине столетия те же течения переместились из Франции в Россию. Направления в искусстве, живописи, архитектуре и других сферах культурной жизни Европы этого столетия достаточно разнообразны. Последняя треть девятнадцатого века балансировала на грани реализма и декаданса. В результате такой балансировки возникло совершенно новое направление — импрессионизм. Но основным течением в русской живописи этого периода все же оставался реализм.

Классицизм

Это направление развивалось во Франции с семнадцатого по девятнадцатый век. Оно характеризовалось гармонией и стремлением к идеалу. Классицизм определял собственную иерархию, согласно которой к высокому положению причислялись религиозный исторический и мифологический жанры. А вот портрет, натюрморт, а также пейзаж считались незначительными и даже бытовыми. Совмещать жанры было запрещено. Многие традиции художников обязаны своим появлением именно классицизму. В частности, речь идет о законченности композиции и согласованных формах. Произведения классицизма призывают к гармонии и созвучию.

Академизм

Направления в живописи не просто менялись со временем в порядке очереди. Они проникали друг в друга, тесно переплетались и следовали какое-то время вместе. И бывало зачастую так, что одно направление возникало из другого. Так случилось с академизмом. Возник он как следствие классического искусства. Это все тот же классицизм, но уже более проработанный и систематизированный. Ключевыми моментами, которые в полной мере характеризуют это течение, были идеализирование натуры, а также высокое мастерство в техническом исполнении. Самыми известными художниками этого направления были К. Брюллов, А. Иванов, П. Деларош и другие. Конечно, современный академизм больше не занимает ту (ведущую) роль, которая была отведена ему во времена зарождения этого стиля.

Романтизм

Нельзя рассматривать основные направления живописи 19 века, не упомянув о романтизме. Эпоха Романтизма зародилась в Германии. Постепенно она проникала в Англию, Францию, Россию и другие страны. Благодаря такому внедрению мир живописи и искусства обогатился яркими красками, новыми сюжетными линиями и смелым изображением обнаженной натуры. Художники этого направления в ярких красках изображали все человеческие эмоции и чувства. Они выворачивали наизнанку все внутренние страхи, любовь и ненависть, обогащая полотна огромным количеством спецэффектов.

Реализм

Рассматривая основные направления живописи второй половины 19 века, в первую очередь следует упомянуть реализм. И хотя возникновение этого стиля датируется восемнадцатым столетием, все же наибольший его расцвет приходится на середину и вторую половину девятнадцатого века. Основным правилом реализма этого периода являлось изображение современной действительности во всем разнообразии ее проявлений. Большое влияние на формирование этого течения в живописи оказала революция, которая произошла во Франции в тысяча восемьсот сорок восьмом году. А вот в России развитие этого направления в искусстве было тесно связано с веянием демократических идей.

Декаданс

Период декаданса характеризуется изображением безнадежности и разочарования. Этот стиль искусства пропитан упадком жизненных сил. Он появился в конце девятнадцатого века как форма сопротивления общественной морали. И хотя в живописи декаданс так и не сформировался в отдельное направление, все же художественная история выделяет отдельных творцов в этой области искусства. Например, Обри Бердслей или Михаил Врубель. Но надо отметить, что художники-декаденты, не боясь экспериментировать с разумом, часто балансировали на грани. Но именно это и позволяло им шокировать публику своим видением мира.

Импрессионизм

Хотя импрессионизм и считается начальным этапом современного искусства, предпосылки этого направления зародились еще в девятнадцатом столетии. Источником возникновения импрессионизма стал романтизм. Поскольку именно он поставил в центр искусства индивидуальную личность. В 1872 году Моне написал свою картину «Впечатление. Восход солнца». Именно это произведение и дало название всему направлению. Весь импрессионизм был построен на восприятии. Художники, творившие в этом стиле, не собирались освещать философские проблемы человечества. Самым важным было не то,что нужно изобразить, а то, как это сделать. Каждая картина должна была раскрыть внутренний мир художника. Но импрессионисты тоже хотели признания. А потому они старались находить компромиссные темы, интересные для всех слоев населения. На своих полотнах художники изображали праздники или вечеринки. А если бытовые ситуации и находили свое место на их картинах, то подавались они только с положительной стороны. Таким образом, импрессионизм можно назвать «внутренним» романтизмом.

Основные направления русской живописи 19 века (первая половина)

Особенно яркой страницей в культуре России считается первая половина девятнадцатого века. В самом начале столетия основным направлением в русской живописи оставался классицизм. Но уже к тридцатым годам его значение было утрачено. Вся культура России вздохнула по-новому с появлением романтизма. Его основным постулатом было утверждение индивидуальной личности, а также человеческих мыслей как основной ценности во всем искусстве. Появился особенный интерес к внутреннему миру человека. Направления русской живописи первой половины девятнадцатого века возглавляются романтизмом. Причем вначале он имел героический характер, а позже трансформировался в романтизм трагический.

Говоря о первой половине девятнадцатого века в истории культуры России, исследователи делят ее на две четверти. Но какие бы разделения не существовали, все равно определить временную грань между тремя стилями в изобразительном искусстве практически невозможно. Направления русской живописи 19 века (классицизм, романтизм и реализм) в первой его половине так сильно переплетались, что разграничить их можно лишь условным образом.

С уверенностью можно сказать, что в первой половине девятнадцатого столетия живопись в жизни общества заняла гораздо больше места, чем в восемнадцатом веке. Благодаря победе в войне 1812 года русское самосознание получило сильный толчок к развитию, в результате чего интерес народа к собственной культуре сильно возрос. Впервые возникли организации в обществе, которые считали своей первейшей задачей развивать отечественное искусство. Появились первые журналы, в которых рассказывалось о живописи современников, а также первые попытки устроить выставки работ художников.

Выдающихся достижений в этот период добилась портретная живопись. Этот жанр наибольшим образом объединял художника и общество. Это связано с тем, что наибольшее количество заказов в тот период было именно портретного жанра. Одним из выдающихся портретистов первой половины 19 века был Владимир Боровиковский. Также следует отметить таких известных художников, как А. Орловский, В. Тропинин и О. Кипренский.

Именно в начале века развивается также русская пейзажная живопись. Среди художников, творивших в этом жанре, следует выделить прежде всего Федора Алексеева. Он был мастером городского пейзажа, а также одним из родоначальником данного жанра в русской живописи. Другими известными пейзажистами упомянутого периода были Щедрин и Айвазовский.

Лучшими художниками России во второй четверти девятнадцатого века считались Брюллов, Федотов и А. Иванов. Каждый из них внес свой особый вклад в развитие живописи.

Карл Брюллов был не только достаточно ярким, но еще и сильно противоречивым живописцем. И хотя основным направлением в русской живописи второй четверти девятнадцатого века был романтизм, все же художник оставался верен некоторым канонам классицизма. Возможно, именно поэтому его творчество ценилось столь высоко.

Александр Иванов сумел обогатить глубиной философской мысли не только русскую, но и европейскую живопись девятнадцатого века. Он обладал очень широким творческим потенциалом и был не только новатором исторического жанра и пейзажной живописи, но и прекрасным портретистом. Ни один из художников его поколения не умел воспринимать окружающий мир так же, как Иванов, и не владел таким разнообразием приемов.

Важный этап в развитии реалистической живописи в России связан с именем Павла Федотова. Этот художник первым сумел придать бытовому жанру критическое выражение, поскольку обладал талантом сатирика. Персонажами его картин обычно выступали горожане: купцы, офицеры, бедняки и другие.

Вторая половина 19 века

В конце пятидесятых годов девятнадцатого столетия началась совершенно новая глава в истории реалистической живописи в России. Глобальное влияние на эти события оказало поражение царской России в Крымской войне. Оно послужило причиной демократического подъема и крестьянской реформы. В 1863 году четырнадцать художников восстали против требований писать картины на заданные темы и, желая творить исключительно на свое усмотрение, создали художественную артель, возглавляемую Крамским. Если реализм в России первой половины девятнадцатого столетия стремился к раскрытию в человеке исключительно прекрасного и назывался поэтическим, то тот, что пришел ему на смену во второй половине века, был назван критическим. Но поэтическое начало не покинуло этого течения. Теперь оно проявлялось в негодующих чувствах творца, вкладываемых им в свое произведение. Основным направлением в русской живописи второй половины девятнадцатого века стал реализм, шествующий по пути критики и обличения. По сути это была борьба за признание бытового жанра, который бы отражал естественное положение вещей в России.

В семидесятых годах направление живописи несколько меняется. Художники-шестидесятники в своих произведениях отображали веру в наступление всеобщего блага после исчезновения крепостного права. А пришедшие им на смену семидесятники были разочарованы бедствиями крестьян, последовавшими за проведенной реформой, и их кисти направились уже против наступающего нового будущего. Одним из ярких представителей этой жанровой живописи был Мясоедов, а его наилучшая картина, отражающая всю действительность того времени, называлась «Земство обедает».

Восьмидесятые годы перенесли внимание искусства с человека, который переживал о народе, на сам народ. Это время расцвета творчества И. Репина. Вся сила этого художника заключалась в объективности его произведений. Все образы его картин были жизненно убедительными. Целый ряд его полотен был посвящен революционной тематике. Своим искусством Репин пытался ответить на все волнующие его и весь остальной народ вопросы, возникающие в повседневной жизни той эпохи. В то же время другие художники искали те же ответы в прошлом. В этом и была особенность и сила искусства великого живописца. Еще одним известным художником этого периода был Васнецов. Его творчество опиралось на народное искусство. Через свои полотна Васнецов пытался донести мысль о великой мощи русского народа и его богатырском величии. Основой его работ служили легенды и предания. В своих творениях художник не только использовал элементы стилизации, но и сумел достичь целостности образа. В качестве фона на своих полотнах Васнецов, как правило, изображал пейзаж средней полосы России.

В девяностых годах концепция творческой жизни снова меняется. Теперь мосты, возведенные между живописью и обществом, призывают нещадно разрушить. Образуется объединение художников под названием «Мир искусства», которое пропагандирует чистоту художественных произведений, то есть отделение их от обыденной жизни. Особенностью творческого характера художников, входивших в это объединение, была ограниченность масштабами камерности. Активно начинает развиваться музейная деятельность, основной задачей которой является разжигание интереса к памятникам культуры. Таким образом, к началу двадцатого века все больше художников стремятся передать на своих полотнах историческое прошлое России. Особую роль деятели объединения «Мир искусства» сыграли в развитии искусства книжной иллюстрации, а также театрально-декорационного творчества. Одним из лучших художников этого направления считался Сомов. Он никогда не изображал на своих работах современную жизнь. В крайнем случае, он мог ее передать посредством исторического маскарада. Вслед за «Миром искусства» начали формироваться и другие объединения. Их создавали художники, имеющие в отношении живописи другую точку зрения.

Мастера, критиковавшие работу творцов из вышеописанного союза, создали (ему в противовес) объединение «Голубая роза». Они требовали вернуть живописи яркие цвета и говорили о том, что искусство должно лишь односторонне передавать внутренние ощущения художника. Самым талантливым среди этих деятелей был Сапунов.

Наперекор «Голубой розе» скоро появился еще один союз, который получил название «Бубновый валет». Он отличался откровенным антипоэтическим смыслом. Но его сторонники вовсе не хотели возвращаться к реальным вещам. Они подвергали их всяческому искажению и разложению (на свой манер). Таким образом, благодаря всем этим враждующим союзам возникает русский модернизм.

Современные веяния

Время течет, и все, что считалось современным ранее, становится достоянием истории, и искусство здесь не исключение. Сегодня термин «современное искусство» применим ко всему, что создавалось творческими личностями, начиная с тысяча девятьсот семидесятого года. Новые направления в живописи развивались в рамках двух этапов. Первый — это модернизм, второй — постмодернизм. Семидесятый год двадцатого века считается переломным во всем искусстве. С этого года художественные течения практически не поддаются классификации. Единственное, что можно сказать с абсолютной уверенностью, — социальная ориентированность искусства за последние тридцать лет выражена гораздо интенсивнее, чем за все минувшие эпохи. В то же время живопись в современном искусстве перестала занимать ведущее место. Все больше художников обращаются сейчас к фотографии, а также компьютерным технологиям для реализации своих замыслов и идей.

Несмотря на разносторонние направления в живописи, можно сказать, что главная задача художественного бытия девятнадцатого века сводилась к тому, чтобы максимально приблизить все жанры искусства к повседневной жизни. И она успешно реализовывалась посредством обращения мастеров кисти — и не только — к современным проблемам человечества и внутреннему миру самого художника. Все направления в живописи этого времени позволяют ощутить дух эпохи и получить представление о том, чем жили и что чувствовали люди того времени.

Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Шедеврами готического стиля стали знаменитые европейские соборы, которые так любят фотографировать в мельчайших деталях туристы. В оформлении интерьеров готических соборов важная роль отводилась цветовым решениям. В наружном и внутреннем убранстве царило обилие позолоты, светоносность интерьера, ажурность стен, кристаллическая расчлененность пространства. Материя была лишена тяжеловесности и непроницаемости, она была, как бы одухотворена.

Огромные поверхности окон заполняли витражи с композициями, воспроизводившими исторические события, апокрифические сказания, литературные и религиозные сюжеты, изображения бытовых сцен из жизни простых крестьян и ремесленников, которые явили собой уникальную энциклопедию уклада жизни в период средневековья. Кона сверху донизу заполнялись фигурными композициями, которые были заключены в медальоны. Сочетание светового и цветового начала живописи в технике витража придавало повышенную эмоциональность художественным композициям. Использовались самые разные стекла: густо-алые, огненные, красные, цвета граната, зеленые, желтые, темно-синие, голубые, ультрамариновые, вырезанные по контуру рисунка… Окна грели подобно драгоценным самоцветам, пронизанные наружным светом, — они преображали весь интерьер храма и настраивали его посетителей на возвышенный лад.

Благодаря готическому цветовому стеклу зародились новые эстетические ценности, а краски приобрели высочайшую звучность сияющего цвета. Чистый цвет порождал атмосферу воздушной среды, крашенной в различные тона благодаря игре света на колоннах, полу, витражах. Цвет превратился в источник света, углублявший перспективу. Толстые стекла, зачастую неодинаковые, были наполнены не совсем прозрачными пузырьками, усиливавшими художественный эффект от витража. Свет, проходя через неравномерную толщу стекол, дробился и начинал играть.

Лучшие образцы подлинных готических витражей открыты обозрению в соборах Шартра, Буржа и Парижа (например, «Богоматерь с младенцем»). Наполнена не меньшим великолепием, а также «Огненные колеса» и «Мечущие молнии» в соборе Шартра.

С середины 1-ого столетия в красочную гамму начали вводить сложные цвета, получаемые при помощи дублирования стекол. Такие необыкновенные витражи в готическом стиле сохранились в Сент-Шапель (1250г.). коричневой эмалевой краской наносились контуры по стеклу, а формы при этом обладали плоскостным характером.

Готическая эпоха стала временем расцвета искусства миниатюрной книги, а также художественной миниатюры. Усилению светских тенденций в культуре только усилило их развитие. Иллюстрации с многофигурными композициями на религиозную тематику включали различные реалистические детали: изображения птиц, зверей, бабочек, орнаменты растительных мотивов, бытовых сценок. Особым поэтическим очарованием наполнены работы французского миниатюриста Жана Пюсселя.

В развитии французской готической миниатюры 13-14-го столетий ведущее место было занято парижской школой. Псалтырь святого Людовика изобилует многофигурными композициями, обрамленными одним мотивом готической архитектуры, отчего повествование приобретает необычайную стройность (Лувр, Париж, 1270г.). фигуры дам и рыцарей грациозны, их формы отличаются струящимися линиями, что создает иллюзию движения. Сочность и густота красок, а также декоративная архитектура рисунка превращают данные миниатюры в уникальные произведения искусства и драгоценные украшения страниц.

Стиль готической книги отличают заостренные формы, угловатый ритм, беспокойность, филигранность ажурного узора и топкость извилистых линий. Стоит отметить, что в 14-15-ом столетии светские рукописи также иллюстрировались. Часословы, научные трактаты, сборники любовных песен и хроники наполнены великолепными миниатюрами. В миниатюре, иллюстрировавшей произведения куртуазной литературы, воплотился идеал рыцарской любви, а также сцены из обычной окружающей жизни. Подобное творение – рукопись Манес (1320г.).

Со временем в готике усилилась повествовательность. «Большие французские хроники» кона 14-го столетия наглядно демонстрирую стремление художника проникнуть в смысл изображаемого им события. Наряду с этим книгам придавалась декоративная нарядность путем использования изысканных виньеток и рамок причудливых форм.

Готическая миниатюра оказала большое влияние на живопись и внесла живую струю в искусство Средневековья. Готика стала не просто стилем, а важным звеном в общем культурном развитии общества. Мастера стиля с невероятной точностью смогли воспроизвести образ своего современника в предметной и природной среде. Величавые и одухотворенные готические произведения окружены аурой неповторимого эстетического обаяния. Готика породила новое понимание синтеза искусств, а ее реалистические завоевания подготовили почву для перехода к искусству эпохи Возрождения.

Что ты такое? Концепт-арт для начинающих

В этой статье рассмотрим: что такое концепт-арт, основные его направления, чем он отличается от промо-арта, какие знания необходимы начинающему концептеру и на что следует обращать внимание при выборе графического планшета.

Комментарии к статье дает Сергей Ярошенко — концепт-художник по окружению и персонажам с более чем  десятилетним опытом работы в игровой и анимационной индустрии.

Концепт-арт — это тот этап работы, когда идею, описанную словами, художник должен воплотит визуально. Проще говоря, нарисовать или замоделить. Быстрые скетчи позволяют рассмотреть разные варианты и отсечь бесперспективные решения на самых ранних этапах производства (предпродакшн) и  определить, какое направление стоит развивать. Выбранные наброски затем будут прорабатываться, детализироваться и запускаться в производство.

Концепт-арт применяется во многих отраслях визуального искусства: киноиндустрия, анимация, геймдев, реклама комиксы и так далее. Он помогает разработчикам в кратчайшие сроки сформировать и визуализировать идею. Часто для того, чтобы создать желаемый образ, разработка одного и того же персонажа, объекта или локации поручается разным художникам.

Эта работа проводится в самом начале проекта. Но именно на этом этапе создаются образы, которые, благодаря работе остальной команды, обретают жизнь на экране. Чем лучше концептер понимает свои задачи и владеет необходимыми инструментами, тем более востребованным он становится. Получая таким образом возможность принять участие в крупных международных проектах.

Основные направления концепт-арта

Концепт персонажей. Художник, работающий в этом направлении, производит поиск визуального образа героя. Ему нужно отразить характер и эмоции персонажа, продумать его костюм и характерные позы. Это актуально как для детских мультфильмов, так и для голливудских блокбастеров и  AAA-игр.

Концепт окружения. Здесь перед художником стоят задачи как по созданию отдельных интерьеров или зданий, так и по продумываю целых локаций (городские кварталы, острова, подземелья, замки и т. д. ). Кроме того, важнейшей частью разработки окружения является работа с освещением и цветом. С помощью чего создается атмосфера и настроение картины.

Дизайн техники. Это направление, характерное, в первую очередь, для SCI-FI сеттинга. От художника требуется очень хорошее понимание, устройства транспорта и оружия, знание перспективы, и, как правило, владение 3D.

Дизайн пропсов. Часто именно эту работу доверяют менее опытным концепт художникам на крупных проектах.

Отдельно хочется выделить такой этап анимационного пайплайна как сториборд. Перед тем как приступать к съемкам фильма, необходимо сделать раскадровку — небольшие наброски каждой сцены, дающие общее представление о движении камеры, плановости, расположении героев на экране. Что-то вроде комиксов. Иногда режиссеры сами это делают, но чаще эту работу выполняет отдельный художник.

Так, например, выглядит сцена из фильма «Достать ножи» в исполнении его режиссера Райана Джонсона:

А это примеры более детальных раскадровок:

Пример сториборда, нарисованного при создании мультфильма «Как приручить дракона»

Теоретически, всем этим может заниматься один специалист, но для этого требуется просто колоссальный объем знаний и умений. Поэтому, гораздо чаще один художник работает с одним-двумя направлениями.

Стоит заметить, что требования к детализации и степени проработки концепта  в разных индустриях разные. Над игровыми концептами зачастую ведется больше работы, потому что в игре есть возможность рассматривать персонажа, локацию или оружие, не ограничиваясь экранным временем. В кино результат упорной работы художника может занимать всего десяток кадров. 

Отличия концепт-арта от промо-арта.

Нередки случаи когда то, что преподносится как концепт-арт на самом деле является промо-артом — рекламой. Задача промо-арта — подогреть интерес публики. Его отличие в том, что он создается на более поздних стадиях разработки проекта, когда дизайн уже давно одобрен. Зачастую, он гораздо более проработан в деталях. Отсюда, кстати, берутся завышенные стандарты, применяющиеся к концептам, из-за чего многие начинающие художники могут разочароваться и потерять интерес к своей работе.

Как правило, промо-арт — это хорошо проработанная, презентабельная картинка. По сути, это иллюстрация. Что касается концепт-арта, очень часто по проработке он не далеко уходит от скетчей. Задача концепт-художника, в первую очередь, показать дизайн того или иного персонажа, окружения, предмета, техники. А не прорисовать его до самых мельчайших деталей. Передать идею, а не довести ее до совершенства.

Какие знания необходимы для работы?

В концепт-арте очень важно уметь показывать и объяснять не на словах, а с помощью визуального ряда. Ваши идеи должны быть одновременно понятны заказчику, арт-директору и тем специалистам, которые будут их реализовывать в дальнейшем. Перечень необходимых знаний сильно зависит от специализации художника и стилистики проекта. Однако концептеру, как и любому художнику, необходимы базовые художественные знания.

Я бы разделил знания на две категории. Первая —  это универсальные. Знание анатомии, пространственное мышление, понимание того, как работает свет (освещение в пространстве и на объекте), понимание хотя бы основных позиций цветовой теории.

Вторая категория — технические знания и знание инструментов. Они, скорее, вторичны, но тоже очень важны. Знания Photoshop, умение рисовать руками, знание 3D. Как правило, основным инструментом концепт-художника все еще является фотошоп. Но даже для начального уровня им нужно владеть очень хорошо. Но чем больше перечень технических возможностей художника, тем больше его конкурентоспособность

Можно ли научиться самостоятельно.

Сейчас интернет забит под завязку всевозможными уроками, туториалами и мастер-классами. Такое количество информации может стать губительным для новичков, поскольку они просто не смогут разобраться в том, что и на каком этапе им учить. Хорошим и действенным решением для новичков будут специализированные курсы. Они подают информацию структурировано и могут заменить целые годы блужданий по интернету.

Теоретически, ничего невозможного нет. Но как показывает практика, с самого нулевого уровня научиться самостоятельно сложно и долго. Такое обучение требует гораздо большего усердия и самоорганизации. Очень часто начинающие художники заходят в тупик, из которого не могут выйти без посторонней помощи. Поэтому желательно иметь хотя бы просто более опытного товарища, который иногда будет подсказывать и направлять вас. На своем курсе я подробно рассказываю о работе концепт-художника, даю необходимые знания и регулярный фидбек.

Есть ли особые требования к компьютеру?

Концепт-арт — одно из самых не требовательных к компьютерным мощностям направлений графики. Здесь не нужны новейшие GPU на 20 Gbt с RTX системой. Практически любой бюджетный ПК способен поддерживать стабильную работу  Photoshop. Достаточно процессора с частотой не менее 1.6 ГГц, 4 ГБ ОЗУ, а лучше 8 ГБ и около 7 ГБ свободного места на жестком диске.

Если речь идет о простом рисовании в фотошопе, для этого не нужен супермощный компьютер. Но если вы планируете дальше использовать 3D, вам нужно обратить внимание на его технические характеристики.

Какой планшет выбрать?

Есть несколько основных критериев, по которым нужно выбирать графический планшет.  В первую очередь важно обратить внимание на распознавание случайных касаний пальцев и ладони. Планшет должен реагировать только на работу пером. Также плюсом будет наличие экспресс кнопок, с возможностью настройки уникальных функций для разных приложений и перо, которое работает по технологии электромагнитного резонанса. Оно не требует зарядки и имеет низкий порог регистрации нажатия.

Остальные параметры, вроде размера планшета и наличия у него дисплея, не так важны для начинающих художников, и в большей степени влияют на стоимость инструмента, чем на удобство пользования им. Хорошим вариантом будет, например, Wacom Intuos.

Основная идея здесь в том, что не нужно сразу покупать дорогой и большой планшет. Для начала стоит научиться рисовать и по-максимуму использовать функционал более простого устройства. Важнее здесь не то, на каком планшете вы рисуете, а то, как много вы это делаете и насколько тщательно анализируете свои ошибки. Инструмент вторичен. Я часто рисую на чем придется, и не сказал бы, что чувствуется какая-то катастрофическая разница.

Необходимо ли знание английского для обучения и работы?

Как ни крути, а самая свежая и актуальная информация не только по концепту, но и по компьютерной графике в целом, поступает на английском языке. За то время, пока ее переведут, она может измениться или дополниться. Конечно, самые основы неизменны и давно переведены, так что начинать обучение можно и не зная языка. Но если вы хотите стать востребованным профессионалом, то вам придется постоянно обновлять свои знания, а для этого необходим английский.

Английский язык не является базовым знанием, но минимальное владение им необходимо хотя бы для того, чтобы разобраться с интерфейсом программы. Не говоря уже о том, чтобы почитать какую-то литературу или посмотреть туториал. Также нужно понимать, что незнание языка на достаточном уровне, сразу же отсекает возможность сотрудничать с заказчиками и студиями из-за рубежа.

Большая ли конкуренция на рынке концепта?

Нужно помнить, что концепт-арт — достаточно широкая отрасль CG. Внутри одной только игровой индустрии существует множество направлений, в которых необходимы концепт-художники: от иконок во free-to-play играх, до персонажей в крупнобюджетном экшене от третьего лица. Да, желающих рисовать для игр и кино более чем достаточно. Но любая конкуренция — это показатель востребованности и перспективности направления, а значит, за место в этом потоке стоит побороться.

Концепт-художники для кино и для детских казуальных игр — это совершенно разные профессии, для которых нужны разные навыки. В целом, можно сказать, что конкуренция есть, но вакансии также появляются достаточно часто. Хороший художник без работы не останется никогда.

Записывайтесь на курс «Дизайн персонажей и окружения», для наших студентов действует специальная цена на всю технику Wacom. Детали уточняете у куратора курса.

Статью подготовил Олег Мощенко.

Композиция в рисунке или секреты удачной картины / Doodle&Sketch

Чтобы научиться рисовать, важно четко понимать, что же такое композиция в рисунке и с чем ее едят. Композиция в рисунке и живописи — это расположение предметов на вашей картине. Если говорить по-научному, то композиция — это распределение предметов и фигур в пространстве, установление соотношения их объемов, света и тени, пятен цвета. Если композиция в картине правильная, то все элементы картины будут визуально органично связаны между собой. В рисунке и живописи существуют два основных вида композиции: 1. Статичная композиция — это композиция, которая передает в рисунке ощущение равновесия, состояние умиротворения. 2. Динамичная композиция — хорошо передает движение, бурные эмоции, стихию природы. Разницу этих двух видов композиции можно отчетливо увидеть на примере рисунка ракеты ниже.

На левом рисунке ракета неподвижна. Это ощущение создается за счет статичной композиции. Статичная композиция в этом рисунке возникает за счет пересечения горизонтальной оси (линия горизонта) с вертикальной осью (ровно стоящая на земле ракета) под прямым углом. Пересечение вертикальной и горизонтальной линий под прямым углом (перпендикулярные прямые) в рисунке всегда добавляет статики и монументальности. На правом рисунке есть ощущение, что ракета летит. Это ощущение для зрителя мы создали с помощью динамичной композиции за счет смещения угла наклона. Вы можете легко проделать такой же эксперимент, нарисовав, например, чашку. Когда вы нарисуете горизонтальную линию стола и ровно перпендикулярно столу нарисуете чашку — вы увидите устойчивое состояние (статичная композиция). А теперь нарисуйте чашку под углом к столу и вы увидите, что возникло ощущение момента падения, динамики (динамичная композиция).

Мы разобрались с основными видами композиции в рисунке и живописи и теперь переходим к следующему важному элементу — композиционному центру. Композиционный центр — это объект, к которому, по задумке художника, должен стремиться глаз зрителя — центральный элемент рисунка. Художнику очень важно уметь определить композиционный центр и сделать на нем акцент в своей работе. Есть и исключения. Например, паттерны (простые повторяющиеся формы, цвета или объекты), специфические иллюстрации, поддержанные определенной концепцией, могут не содержать композиционного центра.

✔ КОНТРАСТНЫЙ КОМПОЗИЦИОННЫЙ ЦЕНТР Контраст — это яркая разница между светлым и темным. Уловка заключается в том, что необходимо противопоставить композиционный центр тональности остальной композиции. То есть сделать так, чтобы задуманный вами композиционный центр был явно темнее, или явно светлее остальных элементов на картине. Если сравнить два рисунка ниже, то вне зависимости от расположения ракеты, композиционный центр явно считывается — это, как раз, достигается за счет контраста с основным фоном. При использовании этого приема, надо учитывать некоторые моменты: темные заливки, визуально уменьшают предмет, а светлые, наоборот — увеличивают.

✔ НАПРАВЛЯЮЩИЕ ОСИ Для привлечения внимания к композиционному центру своей картины, используйте направляющие линии. Направляющие линии можно использовать как леску, на которую нанизывают бусины, только вместо бусин будут предметы, задуманные в композиции. Важно построить движение, как систему коридоров, ведущих к одной цели — композиционному центру. На левом рисунке к композиционному центру (космонавту) ведут направляющие линии с разных углов. А в правом, несмотря на насыщенность деталями композиции, за счет направляющих линий и направления движения всех элементов, композиционный центр (космонавт) также остается выделенным.

✔ РАЗМЕРНОСТЬ И МНОГОПЛАНОВОСТЬ Чем больше объект, тем больше на него внимания. Поэтому, чтобы сделать какой-то объект главным на свое картине — сделайте его большим. Но здесь есть важные исключения: если все объекты на картине крупные и лишь один маленький — он интуитивно будет играть роль «крючка», и зритель будет, неоднократно, визуально возвращаться к нему. Многоплановость — позволяет создать пространство и глубину в изображении. Чтобы выделить композиционный центр в своей работе, выдвиньте его на передний план, а все остальные элементы — на задний. Или сделайте наоборот: обозначьте композиционный центр на заднем плане, а неважные элементы — на переднем. Самое главное — чтобы композиционный центр был единственным элементом, стоящим на заднем или переднем плане. Здесь верные помощники — это размывки (blur), помогающие усилить разность планов, как на рисунке справа.

Мы уже знаем, как создать ощущение покоя или движения в рисунке за счет статичной и динамичной композиции, а также как привлечь внимание зрителя к главному объекту композиции — «композиционному центру» за счет особых приемов и «уловок». Теперь нам пора узнать, по каким правилам необходимо выстраивать гармоничную и правильную композицию в рисунке. В изобразительном искусстве существует несколько правил, по которым строится композиция. Для того чтобы научиться рисовать, вам нужно иметь представление об этих самых правилах. Поэтому ниже я постараюсь максимально понятно и кратко рассказать о них.

“Золотое сечение” бывает двух видов: 1. Спиралевидное золотое сечение или логарифмическая спираль (левый рисунок). Свое название эта спираль получила из-за связи с последовательностью вложенных друг в друга прямоугольников с отношением сторон, равным φ (это фиксированная величина, равная 1,62), которое принято называть золотыми. Достаточно визуально представить спираль на листе и уже на ней расположить предметы. Или ориентируясь на данный рисунок, тонкой еле заметной, карандашной линией, нарисовать ее на листе. Спиралевидное золотое сечение очень распространено в природе – например, раковина улитки. 2. Диагональное золотое сечение (правый рисунок). Диагональное золотое сечение широко используется в композиции для распределения объектов разных по смыслу. В прямоугольнике проводим диагональ. Далее из вершины необходимо провести перпендикуляр к уже проведенной диагонали. В итоге получаются три треугольника разных размеров. Значимые объекты располагаются в них. Это правило означает, что для гармоничной композиции нужно масштабы предметов соотносить с пропорциями nhteujkmybrjd (как на правом рисунке). Большой объект — в большом треугольнике «а», средний — в среднем треугольнике «b», маленький — в маленьком треугольнике «с».

Рассмотрим пример слева — спиралевидное сечение. Я расположила человечков по оси спирали. По мере закругление спирали, происходит уменьшение формы и возникает ощущение урагана или бури, а так же появляется глубина пространства и перспектива. На иллюстрации справа мы распределяем объекты (звездочка, ракета и космонавт), ориентируясь на их общий объем и массу. Чем больше размер (в нашем случае это космонавт), тем больший сегмент он занимает, соответственно, маленькая звездочка — займет самый маленький треугольник. Композиция получится интересной благодаря разным по объему предметам.

Если в композиции несколько объектов, то рекомендую их расположить на пересечении линий — композиция не потеряет выразительности. На линиях можно располагать объекты, на которые художник хочет сделать упор. Линия горизонта может пролегать по одной из горизонтальных линий, то есть, композиция делится 1 к 2 (как на правом рисунке внизу), где одна часть — это земля, а две части — это небо.

Жанры в изобразительном искусстве и живописи. Деление картин по жанрам

	Анималистика (произошло от лат. animal — животное), анималистический жанр — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные. Анимализм картины
	Аллегорический жанр (от греч. allegoria — иносказание) — жанр изобразительного искусства, в котором в художественное произведение закладывается скрытый и тайный смысл. В этом жанре трудно изобразимые идеи (например добро, сила, власть, справедливость, любовь и т.д.) показываются иносказательно через изображения живых существ, животных или человеческих фигур с атрибутами, за которыми исторически закрепился символический, легко читаемый смысл. Аллегорический жанр наиболее характерен для искусства Возрождения, маньеризма, барокко, классицизма.
	Батальный жанр (произошло от фр. bataille — битва) — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы, воспевающий воинские доблести, ярость сражения, торжество победы. Батальный жанр картины
	Былинный жанр — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются сцены из былин и народного фольклора. Былинный жанр картины
	Бытовой жанр (жанровая живопись) — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас. Бытовой жанр картины Разновидности фигуративного жанра
	Ванитас (от лат. vanitas, букв. — «суета, тщеславие») — жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании. Ванитас картины
	Ведута — жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи — венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцы Ф.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин. Ведута картины
	Городской пейзаж (архитектурный пейзаж) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания. Городской пейзаж картины Разновидности жанра городской пейзаж
	Завтрак — подвид жанра натюрморт в голландском натюрморте XVII в. Завтрак — изображение накрытого стола со скромным набором предметов трапезы и домашней утвари. Завтрак картины
	Интерьер (произошло от фр. intérieur — внутренний) — жанр, в котором предметом изображения является изображение внутреннего вида помещения. Интерьер картины
	Иппический жанр (произошло от греч. hippos — лошадь) — жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади. Иппический жанр картины
	Исторический жанр — жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества. Исторический жанр картины
	Каприччо (произошло от итал. capriccio, буквально — каприз, прихоть) — архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто. Каприччо картины
	Карикатура (произошло от итал.caricare — преувеличивать) — особый жанр изобразительного искусства, объединяющий изображения, в которых: сознательно создается комический эффект; соединяется реальное и фантастическое; преувеличиваются и заостряются характерные черты фигуры, лица, костюма, манеры поведения людей и др.
	Лениниана — жанр изобразительного искусства, посвященный Владимиру Ильичу Ленину. Над созданием образа Ленина работали многие мастера изобразительного искусства СССР и одним из первых художников этого жанра был Исаак Израилевич Бродский. Неоимпрессионист Эмиль Бернар один из первых зарубежных художников, кто изобразил Ленина. В своих произведения не обошли образ Ленина и знаменитые художники Энди Уорхол, Сальвадор Дали, Диего Ривера, Николай Фешин и др. Лениниана картины
	Мифологический (от греч. mythos — предание) — жанр изобразительного искусства, посвященный героям и событиям, о которых рассказывают мифы и легенды древних народов. Мифологический жанр картины
	Морской пейзаж (марина) (произошло от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus — морской) — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра — И.К.Айвазовский (1817-1900). Морской пейзаж картины
	Натюрморт (в переводе с фр. — мертвая, неодушевленная натура) — это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта — фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции. Натюрморт картины Разновидности жанра натюрморт
	Ню (произошло от фр. nu — нагой, раздетый) — один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом. Ню картины
	Обманка — один из жанров изобразительного искусства, характерной чертой которого являются особые приемы перспективной живописи, которые создают эффект обмана зрения, стирают грань между реальностью и изображением. Обманка картины
	Охотничьи трофеи, охотничий натюрморт — олицетворение голландского натюрморта XVII-XVIII веков. Жанр Охотничьи трофеи был связан с модой на охоту богатой буржуазии и аристократии. Самыми крупными мастерами охотничьего натюрморта были Мельхиор де Хондекутер и Ян Баптист Веникс. Почти во всех натюрмортах Хондекутера рядом с битой дичью изображены живые звери, что делает картины необыкновенно выразительными и динамичными. Веникс очень часто показывал дичь на фоне парков. Благодаря сопоставлению зелени деревьев и теплых оттенков шерсти животных и оперения птиц изображение становилось необыкновенно выразительным и красочным. Охотничьи трофеи картины
	Парсуна (от лат. persona — личность, особа) — условное наименование произведений русской портретной живописи XVII в. — переходная между иконой и светским произведением форма портрета.
	Пастораль (произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) — жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь. Пастораль картины
	Пейзаж (произошло от фр. paysage — страна, местность) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа. Пейзаж картины Разновидности пейзажного жанра
	Портрет (произошло от фр. слова portrait) — это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет. Портрет картины Разновидности жанра портрет
	Религиозный жанр, религиозная живопись — жанр изобразительного искусства, основными сюжетами которого являются эпизоды из Библии, Евангелия и других священных писаний. Религиозный жанр картины
	Сюжетно-тематическая картина — смешивание традиционных жанров живописи (бытового, исторического, батального, композиционного портрета, пейзажа и др.), возникшее в советском искусствознании и в художественной практике 1930-х гг Сюжетно-тематические картины

Советы и хитрости при создании концепт-арта в игровой индустрии

Перевод в PDF формате. Дисклеймер[1] В качестве предисловия скажу, что несмотря на наличие огромного числа набросков и поскребушек на моём вебсайте, я не считаю себя кем-то особенным. Много разного народу зарабатывает себе на жизнь тем же чем и я, и многие из них делают это гораздо лучше меня. Прошло уже немногим больше 12 лет, с тех пор как я начал заниматься концепт артом, так что чувствую, что могу кое-что рассказать о необходимых инструментах, философии и техниках, которые я изучил за это время. Для меня эта статья — «живой документ», который редактируется и дополняется не только для ищущих знаний новичков, но и для меня самого, так как порой я могу немного подзабыть то, что когда-то знал. Многое, из описанного здесь, относится к базовым основам, что навряд ли удивит ветеранов, и связано больше с личным мнением и опытом, нежели с реальным положением вещей. Я так же был бы рад услышать ваше мнение по этому поводу. ~ Пол Ричардс Концепт Арт Vs Продакшн Арт Некоторые могут поспорить с этим и сказать, что между Концепт Артом и Продакшн Артом нет никакой разницы, так как они в конечном итоге приводят нас к одному финалу и оба сильно связаны с концепт-художниками. Я же попробую провести между ними различие, так как каждый из них требует своего подхода и своего мировоззрения. «Концепт арт» довольно расплывчатое понятие на которое существует множество взглядов, но чтобы сузить выбор возьмём одну из этих взглядов и перенесём его красиво на «футбольное поле». Здесь ещё остаётся много места для игры, но пространство стало меньше – оно уже не так пугает своим масштабом. Ваша цель, как концепт-художника, с помощью исследований и отбора, нужных вам идей, создать единый, цельный образ. Если вам не удалось создать его сразу, то придётся поработать с формами миниатюр, чтобы найти его. [см. Steps и Thumb War] Даже если вам удалось получить хороший концепт, в итоге всё равно может потребоваться некоторая его проработка. Именно в этот момент и появляется «Продакшн Арт». Ортографические (спереди/сбоку/сзади) развёртки, цветовые композиции и более подробные чертежи с референсами в порядке вещей на этом этапе. Продолжая аналогию с бейсболом скажу, вы говорите следующему парню «на биту» когда ему надо размахнуться и как сильно это сделать. Как далеко вы сможете зайти с продакшн артом зависит от того количества информации которое вы вложили в свой концепт, а также от способностей к интерпретированию тех, кто будет потом с ним работать. Гейм ДизайнПродакшн Арт Концепт Арт Запомните: вы должны точно передавать суть концепта, иначе не жалуйтесь на то, что в итоге он не войдёт в финальный продукт, надо ясно излагать идею, а не делать предположения! Мой самый первый арт-директор как-то сказал, что я лишь «подразумеваю детали». Он был прав. То, что будет считаться приемлемым уровнем детализации для одного арт-директора, для другого будет недостаточным. Всё решают дедлайны, поэтому всегда лучше ошибаться в сторону большей детализации. «Деталирование» в данном случае, не означает добавление одного слоя с деталями поверх другого или иных излишеств, это скорее о том, что необходимо продвигаться дальше и чётче обозначать формы, из которых состоит ваш концепт, это сделает его читаемым и поможет лучше донести его идею. Рабочие принадлежности «Работайте с тем, с чем чувствуете себя комфортно». Именно так, скажет вам большинство концепт-художников, но каждый инструмент имеет как преимущества, так и недостатки. Есть вещи, которые можно сделать традиционными средствами и которые компьютеры едва ли смогут полностью повторить. Но также есть и цифровые приёмы, на повторение которых традиционными инструментами у вас уйдёт гора времени. Используйте оба способа, это ускорит рабочий процесс и поможет избежать скуки. Примечание: Вам совсем необязательно иметь дорогущую доску для рисования или отдельную комнату-студию, чтобы делать классные работы, так что берите предметы первой необходимости и вперёд рисовать! Мой оружейный набор… Синий карандаш (Sanford Col-Erase «Blue») – Того же эффекта можно достичь в Photoshop регулировкой синего/голубого уровней. Чёрный карандаш (Prismacolor Verithin «Black) – он восковой и не сильно пачкается Цанговый карандаш, стержни HB или ТМ для него (довольно сильно мажется, но позволяет сильно и точно зачернять), точилка для стержней. Стёрка Держатель для удлинения карандашей[3] Точилка для карандашейx Механическая точилка Prismacolor Cool Gray маркеры (и чёрные для комплекта) Шаблоны для кругов и эллипсов Французские кривые Корректоры, гелевые ручки и белые карандаши (для бликов и исправлений) Клейкая лента (чтобы удержать бумагу от падения со стола) Пюпитр в виде дощечки с зажимом, копировальная бумага и футляр для переноски (чтобы рисовать на ходу) Линейка с роликом или же рейсшина инерционная (лишь одна из множества инерционных линеек – потрясающая и незаменимая в обиходе вещь, в продаже встречаются экземпляры разных размеров, гораздо проще в применении чем обычная рейсшина) [3]Прим. пер.: Выглядят так и так А теперь обратимся к цифровому миру… 2 Монитора – Чем больше мониторов у вас есть, тем меньше, вашим уставшим глазам, придётся щуриться. Плнашет Wacom – Cintiq? Нет. Мой вакомовский планшет вполне справляется со своей работой! Сканер – с возможностью сканировать как минимум в 300 dpi Photoshop – Painter обладает возможностью вращать холст и имеет множеств органических кистей, но в Photoshop много инструментов для выделения и манипуляции с изображением. 3Д Программы – Я использую Lightwave, потому что это первая программа, которой я научился пользоваться. Она может генерировать и работать с грубыми мешами вещей, которые вы вынуждены рисовать снова и снова, и даже имеет перспективную сетку[4], которая поможет сохранить вам множество времени. Это немножко похоже на жульничество, но давайте будем честны: перспектива это вовсе не весело, а получать удовольствие от работы это один из ключевых факторов в нашей работе, который сохранит ваш рассудок в здравом уме. Google также выпустил бесплатную версию Sketchup, возможно самую простую 3Д программу из представленного мною списка. [4] Прим. пер.: Для игр с перспективной сеткой могу посоветовать Carapace бесплатную программу от ребят из Epic Games. Дополнительная поддержка (по желанию, но это помогает)… Неофициальный спонсор www.autodestruct.com! Этапы «И так по этапам…» 1) Думай~ Очень легко угнаться за первоначальной идеей на данном этапе, но лучше соберите всю необходимую информацию для концепта и обмозгуйте её пару минут, это убережёт вас от лишней головной боли на поздних этапах. Поговорите с другими концептерами. Изучите документацию. Посмотрите на референсы. Вам не нужно ослеплять себя, если вы зрячий. Концепт-арт ничто без концепции. 2) Миниатюры~ Это маленькие, быстрые скетчи которые позволяют продумывать различные варианты одной идеи. Что из этого работает? Что не работает? Определите такие характеристики как масштаб и силуэт. Будьте раскованнее, не тормозите на данном этапе. ПРОЧТИТЕ БОЛЬШЕ О ПРАКТИКЕ МИНИАТЮРИЗАЦИИ В МОЕЙ НОВОЙ СЕКЦИИ «THUMB WAR[5]» 3) Контур~ Это обтекаемая «каркасная» версия вашего дизайна (иногда это просто увеличенная миниатюра). Он позволяет вам выяснить, что все главные массы находятся в пределах своих очертаний, не вдаваясь в подробности каждой отдельной детали. Работайте над тем, чтобы сделать ваш дизайн «читаемым» уже на данном этапе. Выясните где и как элементы будут перекрываться. 4) Рендер~ Это всё то, что вы не сделали на этапе контурного рисунка. Добавление мелких деталей, определение текстуры материалов и выбор тона/цвета. Знайте, что необходимо остановиться в тот момент, когда все эти вещи будут чётко представлены. 5) Манипулирование~ С современным арсеналом цифровых средств, никогда не будет «законченного» рисунка. Вы можете масштабировать, изменять оттенок и работать над отдельным участком рисунка бесконечно, оставляя его суть неизменной. Очень важно быть храбрым и обязательным, так что считайте данный этап больше игрой, нежели необходимостью. Вы можете получить что-то клёвое просто по случайности! Что приводит нас к… [5]Прим. пер.: Отличный перевод данной статьи представлен на сайте Алексея Самохина Модель Любви (МЛ) Художники рано или поздно выходят на этап завершения проекта. Мы жаждем этого момента, этого заряда позитива от достигнутого успеха и чувства облегчения от завершения проекта. Наш восторг, от созерцания своих результатов, часто заставляет нас двигаться по прямой к намеченной нами вершине, срезая по дороге все углы и повороты и обходя все препятствия. Когда клиент требует от вас немедленного результата, то возможен некий азарт, но в основном конечный продукт пострадает, если кто-нибудь подойдёт к своей работе с установкой на «бесподобный результат». Даже когда наступает головокружительный финал. И из-за того, что я верю, что важно наслаждаться КАЖДЫМ аспектом этого процесса, я предлагаю вам Модель Любви: -Флирт // Идёт рука об руку с этапом миниатюризации. Когда вы флиртуете, вы оставляете часть себя для забавления этим процессом, лишь чтобы потом посмотреть, хорошо ли его приняли. Не каждая идея вашего флирта должна перерастать во что-то серьёзное. Пусть ваш флирт будет игривым и не расстраивайтесь, если ваша идея вдруг вам не понравится. Продолжайте пытаться пока вы не найдёте ту, что вам понравится. Принуждайте себя к длительным отношениям с идеей, так вы не навлечёте несчастье на вас обоих. -Ухаживание // Как только вы нашли «ту самую» идею, стоит проработать её получше, сделайте дополнительные наброски, поищите референсов и задайте себе такие вопросы как: «Как я буду прорабатывать эту часть? Какими методами я смогу обеспечить совместимость между остальными частями концепта?» Проходите этот этап не торопясь, не гоните лошадей. Для кого-то это прозвучит нудно, но вдумчивость приносит свои плоды. -Любовные Игры // Химия права. Сексуальность течёт. Пришло время лечь в постель с вашим концептом! Но вы же не хотите чтобы веселье закончилось СЛИШКОМ быстро? Так что подключаем свою чувственность! Это будет вашим наброском, фундаментом на котором вы построите …ох, как длительно вы сможете заботиться о нём. Дразните его. Массажируйте. Шлёпните его по попке! Как только вы стали готовы, настало время для… -Главное Направление // Это проработка вашего контура, тона или цвета. Как только основное планирование закончено эта часть будет уже чисто механической. Так что здесь уже чистая техника, но ведь никому не нравится думать подобным образом. Оставляйте его привлекательным! Доставляйте себе удовольствие в каждом моменте, на этом этапе, и ради всего святого не делайте ничего, что могло бы разрушить это чувство! Это заставит вас начать сначала или что ещё хуже, отказаться от идеи вообще! -Кульминация // Добавьте финальных штрихов! Отнеситесь к этому как к своему десерту! — Остывание // Возьмите небольшую передышку и оцените свои действия. Какие приятные движения вы сможете применить в следующий раз? Каких ошибок вы избежите? Самое великолепное в рисование это то, что как и в любви вы можете найти пути расширить и продлить своё удовольствие. Социальная Реклама: «Всегда практикуйте безопасное концептирование!» Фактор Случайности (ФС) Некоторые из самых лучших моментов в вашей жизни были незапланированными, они больше походили на случайность. Вот несколько способов, как включить случайность в свою работу. — Рисуйте множество миниатюр на одной странице. Этим вы создадите интересные промежутки между миниатюрами, которые будут влиять на их внутреннее содержание. Эти формы не возникнут, если вы рисуете каждую миниатюрку на отдельной странице. — Делайте кляксы маркером, накладывайте друг на друга фототекстуры или делайте беспорядочные движения, как обычными, так и хаотичными кистями в Photoshop. — Откройте свой законченный рисунок в Photoshop и используйте инструменты масштабирования/деформации, чтобы получить новые необычные варианты. «Warp» и «Liquify» мои любимые, но я видел людей делавших то же самое с «smudge tool» и разными фильтрами. — Откройте книгу на любой странице или сделайте бесцельный запрос в интернет. Это просто удивительно, что иногда жизнь может предложить вам, когда вы этого совсем не ищете. — Рисуйте направленно. Позвольте вашему карандашу (или чем вы там рисуете) бесцельно парить, и не беспокойтесь о наброске или о том, чтобы вещи получались правильными. Вам лишь необходимо сделать немного случайности, чтобы затем отобрать из кучи мусора настоящие бриллианты. Ген Крутости (ГК) Концепт-художники часто сталкиваются с задачей «сделай круто». Это конечно субъективно и достаточно трудно, но при отсутствии определённого арт дирекшена[6], они тем не менее должны пытаться выделить «ген крутости.» Люди часто ассоциируют «крутость» с большими, громоздкими, мощными пропорциями. Ваш концепт выглядит крепко стоящим на ногах или же похоже, что его сейчас сдует ветром? В 9 из 10 случаев «неубедительность» никуда не исчезает. Стремитесь к солидности! — Психология формы / Мы ассоциируем определённые формы с определёнными эмоциями. Ищите что-то суровое? Добавьте больше острых углов. Ищите что-то нежное? Сгладьте предметы изогнутыми, плавными линиями. Широкие словно от линзы «рыбий глаз» формы = величие, грандиозность. Компактные, сдавленные формы = что-то малое малое. Решите, какой тип визуального воздействия вам нужен, перед тем как начать рисовать, и придайте ему соответствующие формы. — Угол / положение камеры. Может сделать или разбить часть концепта в терминах его общей крутости. Динамичная картинка обычно всегда более впечатляющая, чем статичная, прямая. Определитесь с линией действия – с направлением(-ями) изображаемого вами предмета – а заодно и с линиями ритма, они задают движение глазу внутри вашего рисунка. — «Якорная точка» / «фокальная точка». Какая часть в вашем концепте самая главная? По отношению к какой части все остальные будут вторичными? На какую часть вы хотите, чтобы в первую очередь обратил своё внимание зритель? Выяснив это, вы сможете узнать, что следует сделать выразительнее, а что следует преуменьшить. Подчёркивайте крутизну и убирайте отстой! — «Толстое к тонкому». Добавьте форме изящности (иногда через чур явной), сужение сможет заставить прямую, тупую форму выглядеть круче. — «Большое в малое». Располагайте большие объекты рядом с меньшими, это добавит больше интереса, чем объекты одного размера расположенные рядом. Симметричный дизайн будет выглядеть скучно, если он состоит из однородных объектов. Если изображаемый вами предмет однообразен по своей природе, то неплохо было бы добавить ему немного асимметрии. — Силуэт. Залейте свой рисунок чёрным цветом, получившаяся форма устраивает вас? Если нет, то вам следует разбить эту форму, чтобы добавить интереса. — Бог в деталях. Иногда небольшие акценты/штрихи могут разительно изменить предмет – добавьте характера предметам. Думайте об объектах/персонажах/сценах так как будто вы рассказываете историю. Можете ли вы описать свой концепт парой слов или их нужно больше? [6]Прим. пер.: Art direction – понятие подразумевает следование определённой, заданной стилистике в проекте. Простой пример: если игра в жанре sci-fi, то фэнтезийный рыцарь (пусть даже с крутым дизайном) будет смотреться не к месту. Но sci-fi-рыцарь вполне может иметь право на существование. Само понятие достаточно обширно и включает в себя такие вещи как следование цвету, текстурам, освещению и т.д. заданным в проекте, что в итоге позволяет сделать цельный продукт. Если говорить в терминах визуального интереса, то есть большая разница между «человек-лягушка с топором» и «горбатый человек-лягушка в бинтах, с топором украшенным человеческими черепами.» Вы можете сказать, что то над чем вы работаете вас не возбуждает. В таких случаях, спросите себя, как можно взять что-то обыденное и сделать его необычным. Это и есть решение проблемы. То, что вы делаете должно выглядеть круто, даже если это всего лишь случайные пропсы[7] о которых вы даже не задумываетесь. Не бойтесь отказаться от старого дизайна и начать новый, если что-то не работает. Если вас это не заводит, то как вы можете ожидать этого от остальных? [7] Прим. пер.: Пропсы (props) – различные обыденные вещи, окружающие игрока в компьютерной игре, такие как: ящики, вазы с растениями, полки, книги, бочки и т.д. Они служат для наполнения игрового мира, делают его более правдоподобным, но игрок как правило мало обращает на них внимания. Даже при идеальных условиях, какая-то часть вашей рисовальной энергии потеряется на пути к игре, поэтому зажигайте «крутость» когда чувствуете, что это необходимо. С таким подходом вы гарантированно получите цепляющий взгляд результат. Сила Трёх Когда вы размышляете о способах улучшить рисунок, обратитесь к волшебному числу 3. 3 отличительных физических черты 3 главные массы (большая, средняя, малая) 3 разных материала (кожа, мех, металл и т.д.) 3 слоя глубины: передний план, средний план, фон 3 измерения пространства: x, y, z 3 уровня высоты 3 основных тона (тёмный, средний, светлый) 3 основных цвета (тёплый, холодный, нейтральный) 3 «прочтения» — первое прочтение (общее впечатление), второе прочтение (дополнительная информация), третье прочтение (больше забавных деталей на заметку – «украшательства») -Правило Трёх: Разделите холст на три части по горизонтали и вертикали, и располагайте свои точки интереса в местах пересечения этих линий. Об ограничениях Часто, мы внутренне устанавливаем себе пределы возможностей. «Ой, да они никогда не пойдут на это» или «Это слишком амбициозно. Я никогда не смогу осуществить это» иногда эти голоса говорят правду, иногда нет. Сдерживайте свою креативность только когда это необходимо, и всегда помните о следующем: — Арт дирекшн // Если вам точно сказали о том, что должно получиться в итоге, то лучше всего придерживаться этих параметров ради своевременности и исполнительности. Вы можете предоставить альтернативные варианты, но только после того как требования вашего арт-директора выполнены. Если вас просили нарисовать зелёного дракона, а вы нарисовали фиолетового единорога, то готовьтесь получать нагоняй. — Ограничения игрового движка // Концепт-художники часто имеют на руках карт-бланш на ранних этапах разработки игры, таком как пред-продакшн. Очень полезно будет получше узнать технологии с которыми вам придётся иметь дело. Сможет ли нео-готическое здание, которое вы нарисовали быть построенным с 27-ью летающими аркбутанами? Может ли босс-паук иметь с десяток другой лап, или какой-то долбанный аниматор попросит вас отрезать лишние и оставить лишь шесть? В отсутствии этих ограничивающих факторов, мыслить масштабно и о главном является хорошей тактикой (так как всегда легче начать с чего-то грандиозного и сделать его затем немного проще, чем начинать с минимализма, а потом наращивать), потому что, имея правильные ожидания, у вас будет меньше поводов для расстройства.- Дедлайны // Делайте то, что можете в отведённое вам время. Если же ограничений нет, то расслабьтесь и не напрягайтесь. Если это нужно было вчера, то постарайтесь достичь приемлемой точки остановки как можно скорее. Ваш внутренний критик может ненавидеть текущее состояние вашей работы, но он должен знать, когда следует переходить на следующий этап. Если то, что вы делаете вам неинтересно, то оставьте это на потом. Именно на такую работу игровая индустрия располагает креативными ребятами в безвыходном положении: «Мы все хотим гордиться тем, что мы делаем, так что потратим больше времени, чтобы всё было как надо.» Осознайте, когда вы делаете, что-то для своего удовольствия, а когда для удовлетворения кого-то другого. О Презентации Кулинарные эксперты, сервируя тарелку с блюдом, скажут вам, «первым вкушает глаз». Еда сама по себе может быть вкусной и питательной, но то, как она выглядит, напрямую влияет на то, как аппетитно она будет смотреться. То же самое и с концепт-артом![8]. Чтобы люди «заглатывали» ваши идеи, иногда необходимо их приправить специями и подать с гарниром. Работайте крупно и мелко. Сжатые предметы выглядят плотно. Так что, после того как определились с чем-то на этапе миниатюры, раздуйте это немедленно! После того как поработали над «большим» вариантом, уменьшите его на 20%-50% и смотрите, как люди поражаются вашим вниманием к деталям. Если бы они только знали, как вы это делаете! Работайте от целого. Это говорит нам о том, что всё, что вы рисуете необходимо делать почти одинакового уровня проработки, прежде чем переходить на следующий уровень. Если половина вашего рисунка супер-плотная, но другая половина почти вся свободна, то такой рисунок будет читаться как «незавершённый». Однако, если обе половинки схожего уровня проработки, то рисунок будет считаться «завершённым» даже если на самом деле это не так. Меняйте толщину линий[9]. Если у вас линейный рисунок, то делайте внешний контур толще (но не с той стороны, где ярко светит ваш источник света), это позволит чётко обозначить ваш рисунок на странице, привлечёт к нему необходимое внимание. Когда же рисуете технические вещи, то люди обычно бывают впечатлены прямыми параллельными линиями. Если вы когда-либо слышали, как кто-то говорил «Я не могу даже прямую линию провести!» то знаете, что эта способность может приводить определённых людей в восторг. Люди такие забавные. Зачеренение. Зачерняйте землю в самых тёмных областях вашей работы, сделав так, вы увеличите вес и основательность своей работы. Изменение толщины линий и зачернение помогут вам избежать вида «как в книжке-раскраске» (хотя и в них иногда попадаются изящно сделанные рисунки). Располагайте по порядку ваши страницы. Если какая-то маленькая часть вашего рисунка нравится вам больше остальных, то увеличьте её и сделайте контрастней[10]. А то, что вам не нравится, списывайте ближе к фону. Лишь на мгновение, представьте себя графическим дизайнером и спросите себя то, что вы сейчас сделали будет для печати, веб-сайта, или станет частью промо акции? Кадрируйте и отсекайте лишнее, двигайте вещи, поворачивайте их в разные стороны и вращайте. То, что вы хотите показать, не должно теряться в толпе, но и не должно появляться в одиночку. Не бойтесь изменять размеры своего холста, так как вам будет нужно, или разбивать его на несколько отдельных документов. [8]Прим. пер.: Мне очень нравится, как представляет свои концепты художник Karanak. [9]Прим. пер.: У Пола есть высказывание на этот счёт: If you can’t make pretty designs, at least make pretty lines! /Если вы не можете делать приятный дизайн, то делайте хотя бы приятные линии! [10]Забавный факт: арт-директора обычно тяготеют к самой большой миниатюре на странице. Не спрашивайте меня почему. Им лучше знать. Добавьте тона/цвета. Также как простой контурный рисунок может передать основные формы, так же и дополнительная проработка это то, что иногда нужно, чтобы привлечь внимание к дизайну или передать его главные свойства. «Этот факел заряжен бздением Смурфа, поэтому его кончик светится голубым, и после себя он оставляет вонючий след, когда им размахивают.» Люди склонны рисовать цветастые, яркие штучки. Я обнаружил, что часто некоторые недостатки рисунка прощаются (а иногда полностью игнорируются), если в нём используется приятная цветовая схема. Я не говорю, что это правильно. Как тот, кто должен знать лучше об истинном положении вещей, вы должны избегать принципа «делать из говна конфетку». Гораздо чаще вся эта дополнительная обработка воспринимается как «Вау, этот чувак сделал даже больше чем нужно![11]». И хотя не многие студии разрабатывают чёрно-белые игры[12], вы убережёте себя от дальнейших проблем с дальнейшей покраской. Только будьте уверены, что время, которое вы потратите на наведение лоска, не отнимается от поиска других, лучших в плане дизайна решений. [11] Прим. пер.: Вы могли слышать выражение «Предвосхищать ожидания» — от вас ожидали небольшого наброска, а вы сделали неплохой рисунок, да ещё и с цветом (или сделали красивый лайнарт). [12] Прим. пер.: Как тут не вспомнить очаровательную чёрно-белую Limbo Добавляйте подписи. Как концепт-художник ваша главная задача визуально передавать идеи, так что оставляйте подписи и другие пояснительные пометки, если вам это нужно. В этом плане гораздо лучше один раз показать, чем рассказать. Добавьте референс. Включение небольшого количества фоторефов (даже если вы не использовали их) может ясно показать такие вещи как функциональность предмета, масштаб и фактура поверхности. Они также удобно заполняют мёртвое пространство на странице, создавая впечатление, что вы думали о большем количестве вещей, чем это было на самом деле. Некторые концептеры любят включать фоторефы в свои концепты[13]. [13] Смотрите раздел о референсах Показывайте масштаб. Иногда вы можете услышать от кого-нибудь «Эй, а насколько эта штука большая?» Не заставляйте их чесать свои головы в раздумьях. Если это окружение или техника, нарисуйте рядом фигурку какого-нибудь чувака. Если это что-то небольшое нарисуйте человеческую ладонь, или четверть ладони – одним словом, что-нибудь чётко опознаваемое. Сделайте это как можно раньше и это поможет вам удержать вещи в правильных пропорциях. Добавляйте выноски. Иногда вас может выбешивать что-то мелкое или грязноватое, что плохо читается и требует более чёткого определения. Чем зумить через лупу и увеличивать разрешение холста, гораздо быстрее нарисовать рядом увеличенную версию. Выноски могут быть полезны, когда надо показать какую-нибудь функциональность, как например разные физические состояния объекта или его базовая анимация. Нумеруйте ваши дизайны. Множество разных дизайнов на одной странице? Пронумеруйте их, чтобы людям было проще рассказать вам, какой вариант им больше нравится, и дайте им возможность «франкенштейнить» их вместе. «А давай-ка ласты от 5-го номера соединим с плавником 10-го». Очень многие арт-директоры потом выразят вам свою радость по емэйлу, что вы уберегли их от попыток указать вам на нужный вариант. О Референсах «Библиотека! Библиотека! / Место, где книги бесплатны! /Библиотека!Библиотека!/ Это гораздо лучше, чем смотреть телевизор.» -Курсор Майнер В старые добрые времена, концепт-художники были нужны, чтобы придумать что-то чего не существует в реальном мире. Но даже тогда, чтобы что-нибудь инопланетное выглядело «правильным», лучшим выходом было найти его земной эквивалент. Логично предположить, что вы знаете как выглядит колесница, страус-эму или паровой локомотив, но если вы не обладаете фотографической памятью, то вам придётся заглянуть в книги или Интернет, или на свой задний дворик, чтобы уточнить отдельные детали. Имея представление о том как вещи выглядят/работают на самом деле, добавит правдоподобия/функциональности вашему дизайну, а также поможет подобрать цвет и правильные материалы, которые в ином случае вы бы и не использовали. Но также неплохо бывает позволить сначала дать шанс вашему воображению проявить себя, а уже потом анализировать рефы, иначе вы рискуете следовать во всём за рефом. Каждый может скопировать картину, поэтому изобретайте! (взято из Gnomon DVD Яна МакКейга (Ian McCaig )) Когда собираете референсы, спрашивайте себе о следующих вещах: — Соответствует ли этот реф сеттингу/временному периоду моего проекта? — Даёт ли этот реф полезные подсказки о материалах и цветовой палитре? — Что я узнал из этого рефа? — Находится ли рядом со мной то, что я ищу и не лучше ли изучить его здесь, чем брать свои фоторефы? (Первые совпадения в Google иногда слишком банальные.) — Не «загрязняет» ли этот реф мой мыслительный процесс, не ухудшает ли он моей способности придумывать что-то новое? (За исключением вышеуказанных пунктов, не стоит во всём следовать за своими рефами, иначе вы рискуете получить их почти точную копию) — У меня уже достаточное количество рефов того, что я собираюсь нарисовать или я могу начать рисовать эту проклятую штуковину прямо сейчас? (Это отлично показывает разницу между сбором полезных рефов и прокрастинацией) Когда включаете фото-референсы в свою работу, спрашивайте себя о следующем: — Будет ли он (фотореф) бросаться в глаза зрителю или же он нарушает общую цельность образа? — Использую ли я этот референс для, того чтобы заменить им часть своего рисунка и не рисовать малозаметные части, на которые всё равно никто не обратит внимания? — Если этот реф было очень легко найти, то как бы мне потом не пришлось драться на дуэли с другим концепт-художником использующим его? — Если не «маскировать» копирайт, то легко ли опознать его владельца и

‎App Store: ibis Paint X

ibis Paint X — это очень популярное полноценное приложение для рисования с 150 миллионами загрузок! Материал более 2700 точек! Более 2000 вида кисти! Более 1100 шрифтов! 75 фильтров для обработки изображений! 46 видов экрана! 27 видов режима наложения слоев! Процесс рисования Функция видео! Функция коррекции встряхивания! Функция линейки! Прямая линейка! Симметричная линейка! Обрезающая маска!

*Рисование лекции Канал YouTube
Курс рисования На канале YouTube мы распространяем много полезных способов использования ibis Paint.
Пожалуйста, зарегистрируйтесь.
https://youtube.com/ibisPaint

*Концепция · Особенности
— Аутентичное приложение для рисования, превосходящее программное обеспечение для ПК!
— Чувство приятного рисования плавно, высокая скорость работы с использованием технологии OpenGL!
— Возможность сохранения процесса рисования рисунка в виде фильма!
— Прикладное приложение с функцией SNS, чтобы научиться рисовать изображение!

*Голос пользователя
Мы получили много голосов от пользователей.
— Я не думал, что до сих пор могу рисовать красивые фотографии с помощью смартфона!
— Самое простое в использовании приложение для рисования!
— У меня нет Mac / ПК, но теперь я могу рисовать цифровые фотографии!

*Функция
Ориентируясь на совместное использование видео в процессе рисования изображений, мы также улучшили функцию в качестве приложения рисования.

[Функция кисти]
— Гладкая, максимально 120 кадров в секунду
— Более 2000 вида кистей, таких как G-перо, ручка, цифровая ручка, воздушная щетка, круглая щетка, плоская щетка, карандаш, масляная краска, уголь, карандаш, штамп
— Различные параметры кисти, такие как входная толщина, толщина прокола, непрозрачность наконечника, начальный угол поворота рисунка, отслеживание вращения
— Быстрый слайдер с толщиной кисти и прозрачностью кисти, готовыми к работе
— Предварительный просмотр кисти, который можно проверить в режиме реального времени

[Функция уровня]
— Функция уровня, которая может быть добавлена ​​неограниченно
— режимы наложения, такие как непрозрачность на слой, альфа-смешивание, сложение, вычитание, умножение
— Функция отсечения, удобная для отсечения изображений

*О планах приобретения ibis Paint
Для ibis Paint доступны следующие планы покупки:
— ibis Paint X (бесплатная версия)
— ibis Paint (платная версия)
— Удалить дополнение к рекламе
— Премиум-подписка (Месячная подписка / Годовая подписка)
В платной и бесплатной версиях нет никакой разницы в возможностях, кроме наличия или отсутствия рекламы.
Если вы приобретете дополнение Удалить дополнение к рекламе, реклама не будет отображаться и не будет никаких отличий от платной версии ibis Paint.
Для использования более продвинутых функций необходимы следующие контракты Премиум-подписка (Месячная подписка / Годовая подписка).

[Премиум-подписка]
Премьер-член может использовать основные функции. Вы можете попробовать его бесплатно один месяц с момента первой покупки.Премьер-член может использовать следующие функции и возможности
— Премьер-материалы
— Премьер-шрифты
— Фильтр Кривая оттенка
— Фильтр Карта градации
— Фильтр Облака
— Изменение порядка произведений искусства в Моей галерее
— Отсутствие рекламы на экранах
* После того, как вы станете премьер-членом с бесплатной пробной версией на один месяц, если вы не отмените свое «Премиум-подписка» по крайней мере за 24 часа до последнего дня срока действия бесплатной пробной версии, ваше «Премиум-подписка» будет автоматически обновлено, и вы будете платить за автоматическое продление.
* Мы добавим премиум-функции в будущем, пожалуйста, обратите внимание на них.

* О вопросах и проблемах
Вопросы в обзоре, отчеты об ошибках не могут быть подтверждены и переписаны, поэтому обратитесь в службу поддержки ibis Paint.
https://ssl.ibis.ne.jp/en/support/Entry?svid=25

Изобразительное искусство — живопись, рисунок, эстамп, фотография, скульптура

Изобразительное искусство — это виды искусства, которые вы можете увидеть, например, рисунок, живопись, скульптура, , гравюра, , фотография и кинопроизводство. Дизайн и работа с тканями также часто называют визуальным искусством. Изобразительное искусство изменилось за века до года. В средние века художники создали картин, скульптур или гравюр и стали известными.Сегодня изобразительное искусство применяет ко многим различным формам.

Чертеж

Рисование — это создание изображения с помощью разновидностей инструментов , в большинстве случаев карандашей, мелков, , ручек или маркеров. Художники рисуют на разных типах поверхностей , таких как бумага или холст . Первые рисунки были обнаружены в пещерах, датируются примерно 30 000 лет назад.

Древние египтяне рисовали на папирусе , греки и римляне рисовали на других объектах, например, на вазах .В средние века рисунков было эскизов , которые были выполнены на пергаменте . Когда бумага стала обыкновенной в эпоху Возрождения, рисунок стал искусством , усовершенствованным Микеланджело, Леонардо да Винчи и другими.

Рисунок льва Рембрандта

Живопись

Живопись часто называют важнейшим видом изобразительного искусства.Речь идет о нанесении цвета на холст или стену. Художники выражают своих идей с помощью смеси цветов и различных мазков кисти .

Живопись также является одним из древнейших видов изобразительного искусства. В старых пещерах доисторических человек рисовали сцены охоты на стенах. Картины стали важными в древнем Египте, где гробниц фараонов были покрыты сценами повседневной египетской жизни.

В эпоху Возрождения живопись стала очень важным видом искусства. Италия стала центром живописи эпохи Возрождения. Эта эпоха родила таких мастеров, как Микеланджело, Рафаэль и Тициан. Влияние Италии распространилось на север Европы, в основном на Бельгию и Голландию. Самыми известными художниками 17-го века, известными художниками периода голландского золотого века года , были Рембрандт и Вермеер.

За последние 200 лет художники открыли для себя новые стили.Импрессионизм зародился во Франции в конце 19 века; Пикассо создал кубизм в начале 20 века.

Печать

Печать — это искусство, которое создается с помощью , покрывающего пластину чернилами и прижимающего ее к поверхности другого объекта. Сегодня оттиски в основном производятся на бумаге, но первоначально , они были отпечатаны на ткани или других объектах. Таблички часто делают из дерева или металла.

Первые оттиски, вероятно, были сделаны в древней Месопотамии . Позже они стали популярными в Древнем Египте и Китае. К концу средневековья полиграфическое производство распространилось на Европу.

Фотография

Фотография — это создание изображений путем пропускания света через линзы фотоаппарата на пленку.В аналоге фотографический свет записывался на пленку, которую нужно было химически проявить . Затем изображения можно было распечатать на специальной бумаге.
Сегодня большая часть фотографии — цифровых . В камерах нет пленки, изображения записаны на кремниевых чипах .

Камера 19 века — Янез Новак

Кинопроизводство

Кинематографисты создают движущиеся изображений , которые они превращают в фильмы.Это очень дорогой и сложный вид искусства, включает много задач , например сценариев , кастинга и редактирования фильмов последовательностей прежде, чем они могут быть показаны публике. На создание полнометражного художественного фильма часто уходит много недель или месяцев.

Компьютерное искусство

Сегодня искусство больше не ограничено до кистей , краски и карандаши.За последние десятилетий художников работали с компьютерами, чтобы захватить изображений и изменить их. Компьютерное искусство состоит из из большого разнообразия различных форм, от захвата и изменения звука до создания видеоигр.

Скульптура

Скульптуры — это трехмерные предметов произведений искусства, которые создаются путем формирования различных видов материалов.Среди самых популярных — камень , сталь , пластик , керамика и дерево. Скульптура часто упоминается как пластических искусств.

Скульптура восходит к Древней Греции. Он играл важную роль в различных религиях мира на протяжении веков годов. В эпоху Возрождения Микеланджело был одним из мастеров искусства. Самым известным его произведением был Давид, мраморная статуя обнаженного мужчины .

Моисей Микеланджело

Связанные темы

слов

• аналог = не цифровой; например, аналоговые часы используют указатели, а не числа
• древний = старый
• применяется к = здесь: состоит из
• кисть = объект, который вы используете для рисования
• мазок кисти = одно движение пера или кисти, когда вы рисуете или рисуете
• холст = кусок ткани, нарисованный художником на
• захват = сэкономить
• кастинг = выберите людей, которые будут сниматься в фильме
• век = сто лет
• ткань = материал, используемый для пошива одежды
• обычный = популярный, часто используемый
• состоит из = состоит из
• крышка = здесь: надеть
• мелок = палочка из цветного воска или мела, которую дети используют для рисования
• создать = сделать
• дата назад = вернуться к
• декада = десять лет
• проявить = здесь: превратить в бумажные распечатки
• цифровой = с использованием системы информации, которая хранится в виде чисел, обычно единиц и нулей
• обнаружить = найти впервые
• Голландский золотой век = время 17 века, когда Нидерланды были важной мировой державой и давали много ученых и художников
• монтаж = соединить части фильма
• экспресс = показать
• художественный фильм = полнометражный фильм, который обычно имеет сюжет и использует профессиональных актеров; обычно его показывают в кинотеатрах и смотрят миллионы людей
• изображение = изображение
• влияние = мощность, управление
• включить = включить
• линза = часть камеры, через которую проходит свет, прежде чем он попадет на пленку
• лимит = существует только определенным образом
• мрамор = твердый кусок камня, который становится гладким после полировки; он используется для памятников, полов и т. д.
• мастер = человек, который очень хорошо справляется
• Месопотамия = территория в Западной Азии, вокруг Евфрата и реки Тигр; важные цивилизации и культуры развивались вокруг этой области, и здесь были построены первые города
• смесь = комбинация
• первоначально = сначала
• папирус = бумага, сделанная из растения, которое растет в воде
• пергамент = материал, который использовался в прошлом до появления бумаги; его обычно делали из козьей или овечьей шкуры
• perfect = сделать что-то как можно лучше
• фараон = древнеегипетский царь
• шт. = объект
• пластина = тонкий кусок металла
• доисторические = время до того, как что-либо было записано
• эстамп = создание рисунков путем нанесения чернил на тарелку и нажатия на бумагу, ткань и т. Д..
• запись = сохранить
• обратитесь к = позвоните
• написание сценария = напишите сюжет или сюжет фильма
• скульптура = объект, сделанный художником из камня, дерева или других материалов
• последовательность = часть фильма
• форма = форма
• силиконовый чип = кусок металла, который используется для хранения информации
• эскиз = простой и быстрый рисунок, не отображающий много деталей
• распространение = переместить в другое место
• статуя = изображение человека или животного из камня или металла
• поверхность = верхняя часть объекта
• задача = работа, дело
• текстиль = все типы тканей, которые используются для изготовления одежды, скатертей и т. Д.
• могила = место под землей, где похоронен мертвый
• инструментов = здесь: объекты, которые вы используете для рисования или раскрашивания
• разновидность = много разновидностей
• разные = разные
• ваза = контейнер для цветов

Искусство | Britannica

Искусство , также называемое изобразительное искусство , способы выражения, которые используют навыки или воображение при создании эстетических объектов, окружающей среды или опыта, которыми можно поделиться с другими.

Традиционные категории в искусстве включают литературу (включая поэзию, драму, рассказ и т. Д.), Изобразительное искусство (живопись, рисунок, скульптура и т. Д.), Графику (живопись, рисунок, дизайн и другие формы выражения). на плоских поверхностях), пластическое искусство (скульптура, лепка), декоративное искусство (эмаль, дизайн мебели, мозаика и т. д.), исполнительское искусство (театр, танец, музыка), музыка (как композиция) и архитектура (часто включая дизайн интерьера).

Британская викторина

Лучшая викторина по искусству

От символизма до скульптуры — эта викторина познакомит вас с вашей художественной стороной.

Искусство освещено в ряде статей. Для общих обсуждений основ, принципов, практики и характера искусств, см. эстетика. Для технических и теоретических аспектов нескольких видов искусства, см. архитектура, каллиграфия, танец, рисунок, литература, кино, музыка, живопись, фотография, эстамп, скульптура и театр. См. Также исторические дискуссии по истории кино и истории фотографии.

Технические и исторические обсуждения декоративного искусства и мебели можно найти в плетеных изделиях, эмали, цветочном декоре, мебели, стеклянной посуде, дизайне интерьеров, лаковых изделиях, металлических изделиях, мозаике, керамике, коврах и коврах, витражах и гобеленах.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Относительно трактовки различных искусств, практикуемых конкретными народами и культурами, см. Африканская архитектура; Африканское искусство; Африканский танец; Африканская литература; Африканская музыка; Центральноазиатское искусство; Восточноазиатское искусство; Исламское искусство; Латиноамериканская архитектура; Латиноамериканское искусство; Латиноамериканский танец; Латиноамериканская литература; Латиноамериканская музыка; Искусство коренных американцев; Индейский танец; Индейская литература; Индейская музыка; Океаническое искусство; Океаническая литература; Искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии; Западная архитектура; Западный танец; Западная музыка; Западная живопись; и западная скульптура.Литература часто трактуется по языку, на котором она написана. См., Например, , словенская литература; Монгольская литература.

Чертеж | Введение в концепции искусства

Введение

Рисование — это самый простой и эффективный способ передать визуальные идеи, и на протяжении веков уголь, мел, графит и бумага были достаточными инструментами для создания некоторых из самых глубоких образов в искусстве. В картине «» Леонардо да Винчи «Мадонна с младенцем, святой Анной и святым Иоанном Крестителем » все четыре фигуры объединены в портрет, который по сути является семейным портретом.Да Винчи рисует фигуры в невероятно реалистичном стиле, который подчеркивает индивидуальность и окружает фигуры грандиозным незавершенным пейзажем. Он оживляет сцену с младенцем Христом, тянущимся вперед, пытаясь освободиться от хватки Марии, чтобы приблизиться к юному Иоанну Крестителю справа, который сам поворачивается к младенцу Христу с любопытным взглядом на своего младшего кузена. .

Традиционная роль рисунка заключалась в создании набросков для более крупных композиций, которые проявлялись в виде картин, скульптуры или даже архитектуры.Из-за своей относительной непосредственности эта функция рисования продолжается и сегодня. Предварительный эскиз современного архитектора Фрэнка Гери отражает сложные органические формы строений, которые он проектирует. Рисунок также используется для того, чтобы легко задокументировать то, что художник видит, помнит или воображает. И рисунок, конечно же, часто используется для создания самостоятельных готовых произведений искусства.

Типы носителей для рисования

Dry Media включает уголь, графит, мел и пастель.Каждая из этих сред дает художнику широкий спектр возможностей и эффектов для создания знаков, от тонких линий до больших областей цвета и тона. Художник может манипулировать рисунком для достижения желаемых эффектов разными способами, в том числе оказывать различное давление на материал на поверхность рисунка или стирать, протирать или тереть. Различные цвета и текстуры бумаги могут еще больше расширить визуальные возможности художника.

Этот процесс рисования может мгновенно передать ощущение характера изображению.От энергичного до тонкого, эти качества проявляются в самых простых произведениях: непосредственный и чистый дух идеи художника. Вы можете увидеть это на автопортретах двух немецких художников; Кэте Кольвиц и Эрнст Людвиг Кирхнер. Раненый во время Первой мировой войны, его Автопортрет под воздействием морфина примерно 1916 года представляет нам кошмарное видение себя, окутанного туманом опиатных наркотиков. Его впалые глаза и графическая дисфункция отметок свидетельствуют о силе его рисунка.

Эрнст Людвиг Кирхнер, Автопортрет под воздействием морфия, около 1916 года. Бумага, тушь. Под лицензией Creative Commons.

Графит носитель включает карандаши, порошок или прессованные палочки. Каждый из них создает диапазон значений в зависимости от твердости или мягкости материала. Тона твердого графита варьируются от светлого до темно-серого, а более мягкий графит — от светло-серого до почти черного. Картина «Стоящая обнаженная с драпировкой » французского скульптора Гастона Лашеза — это карандашный рисунок, который всего несколькими штрихами фиксирует энергию и ощущение движения фигуры на бумаге.И современные крупномасштабные рисунки Стивена Таласника графитом с их спиралевидными органическими формами и архитектурными структурами свидетельствуют о силе карандаша (и ластика) на бумаге.

Гастон Лачиас, стоящая обнаженная с драпировкой, 1891. Бумага, графит, тушь. Академия искусств Гонолулу. Под лицензией Creative Commons.

Древесный уголь , возможно, самая старая форма носителя для рисования, изготавливается путем простого обугливания деревянных палочек или небольших веток, называется древесным углем лоза , но также доступен в механически сжатой форме .Древесный уголь бывает трех плотностей: мягкой, средней и твердой, причем обработка каждого из них немного отличается от другой. Мягкие угли придают рисунку бархатистость. Художнику не нужно прилагать столько усилий к палке, чтобы получить твердую отметку. Твердый уголь из виноградной лозы дает больше контроля, но, как правило, не дает самых темных тонов. Прессованный уголь дает более глубокий черный цвет, чем уголь из виноградной лозы, но с ним труднее работать, когда он наносится на бумагу.

Слева: угольные палочки из виноградной лозы.Справа: сжатые угольные квадраты. Примеры Vine Charcoal, через Wikipedia Commons. Под лицензией Creative Commons.

Рисунки углем могут варьироваться по стоимости от светло-серого до насыщенного, бархатистого черного. Рисунок углем американской художницы Джорджии О’Кифф — хороший тому пример.

Пастель — это, по сути, цветные мелки, обычно спрессованные в форму карандашей для удобства использования. Для них характерны мягкие, едва уловимые изменения тона или цвета. Пастельные пигменты обеспечивают резонансное качество, которое труднее получить с графитом или древесным углем.«Портрет матери художника» 1896 года Пикассо подчеркивает эти качества.

Пастель, цифровое изображение лицензировано Creative Commons.

Более поздние разработки в области сухих материалов — это масляная пастель , пигмент, смешанный с органическим масляным связующим, который обеспечивает более плотную маркировку и дает более графические и яркие результаты. Рисунки Беверли Бьюкенен отражают это. Ее работы прославляют сельскую жизнь юга, сосредоточенную в формах старых домов и лачуг.Здания вызывают воспоминания и создают ощущение места, обычно они окружены людьми, цветами и яркими пейзажами. Она также создает скульптуры лачуг, придавая им индивидуальность за пределами их физического присутствия.

Мокрая среда

Чернила: Носители для влажного рисования традиционно относятся к чернилам, но на самом деле включают любые вещества, которые можно растворить и нанести на поверхность рисунка. Поскольку с влажной средой манипулируют так же, как с краской — за счет разбавления и использования кисти — она ​​стирает границу между рисунком и рисунком.Чернила можно наносить палочкой для получения линейных эффектов и кистью для покрытия тоном больших участков. Его также можно разбавить водой для создания оттенков серого. «Возвращение блудного сына» Рембрандта демонстрирует выразительное использование коричневых чернил как в качестве линий, так и в больших заштрихованных областях, которые создают иллюзию света и тени.

Фломастеры ручки считаются одной из форм влажной среды. Чернила пропитываются фетровыми полосками внутри ручки, а затем попадают на бумагу или другую опору через кончик.Чернила быстро сохнут, оставляя стойкий след. Цветные маркерные рисунки Доннабель Касис имеют плавный, органичный характер. Абстрактное качество предмета подразумевает части тела и внутренние органы.

К носителю для рисования можно добавлять другие жидкости для улучшения эффектов или создания новых. Художник Джим Дайн брызнул содой на рисунки углем, чтобы поверхность стала пузыриться. В результате получается визуальная текстура, непохожая на все, что он мог бы создать с помощью одного лишь угля, хотя его работа известна своими сильными манипуляциями.В рисунках Дайна часто используются как сухие, так и жидкие материалы. Его тематика включает животных, растения, фигуры и инструменты, которые много раз собирались вместе в плотных, мрачно-романтических образах.

В традиционной китайской живописи используются чернила и пигменты на водной основе. Фактически, это одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Нарисованный на бумажной или шелковой основе, сюжет включает пейзажи, животных, фигуры и каллиграфию , художественную форму, в которой буквы и шрифт используются в плавных, лирических жестах.

Ниже представлены два примера традиционной китайской живописи. Первый, настенный свиток, написанный Ма Линем в 1246 году, демонстрирует, насколько искусно художник использует чернила в выразительной форме для обозначения фигур, одежд и элементов ландшафта, особенно сильных, узловатых форм сосен. В работе есть чуткость и смелость. Второй пример — это начальная деталь копии «Предисловия к стихотворениям, сочиненным в павильоне орхидей», сделанной до XIII века. Используя тушь и кисть, художник превращает язык в искусство с помощью четких жестов и знаков персонажей.

Ма Линь, настенный свиток, тушь на шелке. 1246 Используется под лицензией GNU Free Documentation License

Вступительная деталь экземпляра Предисловия к стихотворениям, сочиненным в павильоне орхидей. До тринадцатого века. Ручной свиток, бумага, тушь. Дворцовый музей в Пекине. Лицензировано Creative Commons.

Рисунок — это самостоятельная форма искусства, а также основа для других двухмерных и трехмерных произведений искусства, даже если они объединены с цифровыми носителями, что расширяет представление о его формальном выражении.Искусство Мэтью Ричи начинается с небольших абстрактных рисунков. Он сканирует в цифровом виде и проецирует их в больших масштабах, занимая целые стены. Ричи также использует сканирование для создания больших и тонких трехмерных шаблонов для создания скульптур из оригинальных рисунков.

10 основных видов искусства, которые нужно знать

У всех нас есть любимое произведение искусства, даже если это то, что мы не всегда сразу воспринимаем как искусство.

Будь то любимый фильм, песня или картина, о которых вы не можете перестать думать, искусство — важная часть нашей повседневной жизни.На протяжении веков люди общались и развлекались с помощью искусства. Искусство соотносится с историческими моментами и является идеальным мерилом времени и культурных изменений.

Существует множество видов искусства. В этой статье мы поговорим об основных видах искусства и обсудим, что такое искусство. Это содержательная тема, которая обязательно вызовет некоторые наводящие на размышления вопросы.

Итак, давайте поговорим о спорном вопросе: что считается искусством?

Что такое искусство?

Что такое искусство? Это отличный вопрос, который искусствоведы и интеллектуалы задают веками.

Источник изображения: Кевин Ламинто

Искусство — это сознательное использование навыков и творческого воображения, особенно в производстве эстетических объектов — Словарь Мерриам-Вебстера

Безусловно, вы сочли бы искусство известного художника искусством, будь то акварельные картины Моне. фильм Жана-Люка Годара или статуя Давида Микеланджело.

Но возникает вопрос, где провести черту того, что считается искусством, а что нет?

Комиксы — искусство? А как насчет уличных граффити? Кусок барахла, который вы нашли на улице и повесили на стену?

Одно из спорных и наводящих на размышления произведений искусства — это The Fountain by Marcel Duchamp.Широко признанный жизненно важным произведением искусства 20-го века, он шокировал критиков, когда был впервые выставлен в 1917 году.

Источник изображения: Wikipedia

‍ Фонтан — это образец «найденного искусства» или «готового» искусства. форма искусства, в которой художники берут кажущиеся бессмысленными предметы и используют их для художественного выступления.

Этот писсуар с написанным на нем именем изменил представление многих людей об искусстве. В то время многие критики говорили, что это всего лишь форма озорства, выставленная как искусство.

Итак, Фонтан арт? Мы позволим вам решить это для себя, но это определенно вызвало много интересных вопросов в мире искусства.

Такое нестандартное мышление Дюшана вдохновило таких художников, как Энди Уорхол и Трейси Эмин, на создание собственных противоречивых произведений искусства.

В этой работе мы рассмотрим 10 основных видов искусства. Давай займемся этим.

Типы искусства

Большинство «искусства», в зависимости от того, как вы его определяете, можно в общих чертах разделить на эти 10 категорий: живопись, графический дизайн, иллюстрация, скульптура, литература, архитектура, кино, музыка, театр и мода.

Знакомство с этими категориями и их представлением в современном и историческом искусстве — отличный способ лучше понять искусство и художников.

Конечно, есть и другие способы художественного самовыражения. Шитье, гончарное дело и даже жонглирование — вот лишь несколько примеров малоизвестных форм искусства, которые не вошли в наш список.

Эти 10 видов искусства являются фундаментальными, как старыми, так и новыми, которые сформировали историю искусства и нашу общую культуру.

Живопись

Источник изображения: Adrianna Geo

От наскальных рисунков до соборов живопись — это основа того, что многие люди считают искусством.

Картина — это произведение искусства, созданное с использованием пигментов для создания рисунка на холсте или бумаге. Акварель, акрил и пастель — это разные среды, которые можно использовать для создания картины.

Живопись — это искусство, которое обычно заполняет музеи, художественные галереи и наши дома. Он появился в доисторические времена, когда кочевники (часто известные как пещерные люди) рисовали рисунки на стенах пещер.

Самые старые известные нам картины были созданы людьми, жившими более 42 000 лет назад в Испании.

Живопись радикально эволюционировала от самых ранних наскальных рисунков и продолжает развиваться сегодня. Некоторые известные художники, о которых вы почти наверняка слышали, — это Пабло Пикассо, Ван Гог и Клод Моне.

Пожалуй, одним из важных моментов в новейшей истории живописи является эпоха Возрождения. Эпоха Возрождения — это период от XIV до XVII века в европейской культуре, когда процветали плодовитые художники.

С тех пор появилось много важных направлений в искусстве, включая импрессионизм, поп-арт и сюрреализм, и это лишь некоторые из них.

В 21 веке мы наблюдаем значительное появление Дада-искусства, движения с откровенными политическими заявлениями и отказом принять статус-кво.

Графический дизайн

Bombadil Flowers Co. — Отрывной лист

Bombadil Flowers Co. — Отрывной лист, разработанный Кайли Скай Соуза для Commence Studio. Свяжитесь с ними на Dribbble; мировое сообщество дизайнеров и творческих профессионалов.

Это сочетание искусства и технологий становится все более популярным с наступлением цифровой эры. Графический дизайн — один из новейших видов искусства в этом списке.

Графический дизайн — это форма цифрового искусства, которая использует визуальный контент для создания дизайна. Графические дизайнеры обычно используют сочетание изображений и типографики для выполнения своей работы и передачи сообщения или истории.

Часто графический дизайн используется для создания рекламы. Из-за этого повсюду примеры графического дизайна: веб-сайты, плакаты и цифровая реклама.Графический дизайн черпает вдохновение во многих направлениях искусства, включая ар-нуво, баухаус и ар-деко.

В эпоху цифровых технологий графический дизайн стал популярным. С созданием Photoshop в 1990-х годах графический дизайн стал чрезвычайно популярным видом искусства, которым он является сегодня. Некоторые известные графические дизайнеры включают Чипа Кидда, Роба Яноффа и Кэролайн Дэвидсон.

Здесь, в Vectornator, мы явно неравнодушны к этому виду искусства, но оно, несомненно, популярно и культурно значимо.

Просто подумайте о политических кампаниях и о том, какое влияние графический дизайн может оказать на политический климат с помощью кнопок, знаков и плакатов.

Иллюстрация

Этот стиль современного искусства часто встречается в книгах, видеоиграх и цифровом дизайне.

Традиционно иллюстрация — это интерпретация текста в визуальном формате. Цифровая иллюстрация — это изображение произведения искусства в графической форме.

Abbora — веб-иллюстрация

Abbora — веб-иллюстрация, разработанная Bulma.Свяжитесь с ними на Dribbble; мировое сообщество дизайнеров и творческих профессионалов.

Иногда иллюстрацию отождествляют с графическим дизайном, но между ними есть различие. Давайте разберемся.

• Графический дизайн фокусируется на цифровом повествовании
• В центре иллюстраций — творческая интерпретация текста

Среди известных иллюстраторов — Морис Сендак, Беатрикс Поттер и Хаяо Миядзаки.

Искусство иллюстрации началось в основном с рисунков в детских книгах или путеводителях.Этот художественный стиль сильно развился и приобрел популярность с развитием технологий.

С ростом популярности видеоигр иллюстрация стала основным продуктом поп-культуры и развлечений.

Скульптура

Этот классический вид искусства возник еще до появления первых наскальных рисунков и до сих пор популярен.

Скульптура — это создание двух или трехмерных форм путем вырезания на материале.

Первая известная скульптура была обнаружена в Германии и датируется периодом палеолита около 35 000 лет до нашей эры.Исторически известные скульптуры включают Микеланджело, Огюста Родена и, совсем недавно, Дамиана Ортегу.

Греческая скульптура, пожалуй, самая узнаваемая скульптура эпохи. В течение 4-5 веков, известных как ранний классический период, художники начали лепить человеческие фигуры, которые были невероятно реалистичными и вызывающими воспоминания.

Источник изображения: Dim 7

Скульптура как художественное направление продолжает оставаться популярным и со временем развивается.

Джефф Кунс — современный художник-скульптор, создавший несколько грандиозных скульптур.

Он широко известен своими культовыми скульптурами «Кролик» и «Собаки-воздушные шары». Эти скульптуры высотой 12 футов, безусловно, трудно не заметить.

Источник изображения: Ким

Литература

Литература — это искусство рассказывать истории, используя письменное слово. Он охватывает языки, континенты и эпохи и, возможно, является одним из старейших видов искусства в этом списке.

Книги, стихи, журналы и любые цифровые материалы, созданные с помощью письменного слова, считаются литературой.

Источник изображения: Tom Hermans

Литература, как живопись и скульптура, пережила разные периоды. Есть четыре общепринятых литературных течения: романтизм, реализм, натурализм и модернизм.

Некоторые известные авторы, которых вы, вероятно, были вынуждены читать на уроках английского, включают Чарльза Диккенса, Марка Твена и Эмили Дикинсон.

Литература тесно связана с театром, еще одним фундаментальным видом искусства в нашем списке. Без письменного слова театра в том виде, в каком мы его знаем сегодня, не существовало бы.

Архитектура

Архитектура нас окружает. Это недооцененный вид искусства, о котором каждый день не задумываешься.

Архитектура — это искусство проектирования и строительства зданий. Но это касается не только замечательных чудес архитектуры.

Конечно, когда вы думаете об архитектуре, вы думаете об Эйфелевой башне, римском Колизее и Тадж-Махале.

Эти здания представляют собой образец архитектурного великолепия. Но не забывайте об уникальных зданиях в вашем районе: церквях, старых зданиях и современных небоскребах.

Даже здание, в котором вы сейчас читаете эту статью, можно считать произведением искусства.

Существует восемь общепринятых архитектурных стилей:

1. Греческая и римская классическая архитектура
2. Готическая архитектура
3. Барокко
4. Неоклассическая архитектура
5. Викторианская архитектура
6. Архитектура модерна
7. Архитектура постмодерна
8. Неофутур Архитектура — это не только функциональная практика, но и эстетическая.Среди известных архитекторов — Фрэнк Ллойд Райт, Фрэнк Гери и Заха Хадид.
   Источник изображения: Кирк Торнтон

   Конечно, некоторые дома или здания строятся в первую очередь для служебных целей, но элементы дизайна по-прежнему преобладают в эстетическом облике здания.

   Фильм

   Эта форма самовыражения, возможно, является формой искусства, которую мы активно потребляем больше всего в современном мире. Это также одна из новейших форм искусства в этом списке.

   Кино, стиль искусства, более известный как фильмы, кино или кино, представляет собой движущиеся изображения, отображаемые на экране, которые передают историю.

   Кинофильмы были впервые созданы около века назад и с тех пор покорили мир. Киноиндустрия превратилась в чрезвычайно сложную производственную форму искусства. Сегодня для создания фильма требуются спецэффекты, гримеры, режиссеры, дублеры и многое другое. Некоторые известные режиссеры включают Жан-Люка Годдарда, Грегга Толанда и Кристофера Нолана.

   Кино превратилось из черно-белых немых фильмов в гиперреалистичные произведения искусства, реалити-шоу и даже тик-токи.

   Да, верно. Искусство кино — это не просто трехчасовые сложные фильмы, которые вы смотрите в кинотеатре. Также включены короткометражные фильмы, скетчи и видео на YouTube. Возьмем, к примеру, этот короткометражный фильм. Хотя он длится всего 12 минут, это отличный пример творческого подвига, который режиссеры могут совершить за короткое время.

   Музыка

   Музыка определяется как инструментальные и вокальные звуки, соединенные вместе для создания гармоничного звука.

   Музыка имеет сильные ассоциации с литературой и театром. Трудно датировать точное появление музыки, но есть свидетельства того, что древние люди создавали музыку с помощью вокала и искусственных инструментов. Среди известных музыкантов — Вольфганг Амадей Моцарт, Элвис Пресли и Мадонна.

   Источник изображения: Адриан Корте

   Музыка — от симфоний Моцарта до рэпа Тупака — это искусство, приятное для слуха и души.

   На самом деле, исследования показали, что прослушивание и исполнение песни может резко изменить и улучшить ваше настроение.

   Популярные жанры в 21 веке включают поп-музыку, инди, техно, рэп, кантри, панк, фолк и многие другие.

   Театр

   Источник изображения: Мостафа Мераджи

   Люди наслаждались театром на протяжении веков. Хотя то, как мы воспринимаем театральные постановки, изменилось, привлекательность живых постановок и драматизм сцены не исчезли.

   Театр определяется как акт игры, постановки или написания пьес. Искусство театра сочетает в себе актерское мастерство, движение и часто пение.

   История театра уходит корнями в Древнюю Грецию V века.

   Возможно, самый известный драматург и автор всех времен Уильям Шекспир жил в 1564–1616 годах и за свою жизнь создал более 38 пьес. Среди других известных драматургов — Артур Миллер и Теннесси Уильямс.

   Во время пандемии COVID-19 многие театры и актерские группы были вынуждены закрыться из-за ограничений социального дистанцирования. Многие известные пьесы на Бродвее перекочевали на потоковые каналы, и театрам пришлось переосмыслить, как донести свое искусство до людей.

   Это привело к появлению серьезных инноваций в театре, включая прямые трансляции шоу, выступления на открытом воздухе и увеличение количества потоковых шоу.

   Мода

   Мода — это форма самовыражения и искусства, которая предполагает создание стильной одежды, чтобы заявить о себе.

   Под модой понимается одежда, аксессуары, макияж или прически, пользующиеся популярностью или популярными в мейнстриме и индустрии моды.

   Трудно отрицать, что мода — это форма искусства, когда видишь замысловатый, красивый дизайн, который украшает подиумы известных дизайнеров.

   Многие изделия едва ли функциональны, чтобы их можно было увидеть на подиумах, и в основном они воспринимаются как художественное проявление. Среди известных модельеров — Коко Шанель, Джорджио Армани и Кельвин Кляйн.

   Уличная мода в последние годы стала популярным трендом. Instagram и другие социальные сети наполнены примерами великолепных комбинаций одежды, которые являются не чем иным, как искусством.

   Заключение

   Искусство развивалось и менялось с годами, но способ, которым оно создает связи и рассказывает культурно значимые истории, никогда не исчезнет.

   Надеюсь, эта статья дала вам свежий взгляд на то, что такое искусство и чем оно может быть. Это очень важно при создании собственного сайта художника.

   Каким бы ни был ваш творческий путь, мы надеемся, что вы почувствуете вдохновение создать что-то великое, прочитав это.

   Как всегда, нам нравится смотреть на то, что вы создаете. Создайте что-нибудь красивое с помощью Vectornator, опубликуйте изображение своего искусства в социальных сетях с помощью #vectornator, и мы, возможно, поделимся им с остальным сообществом!

   Зажигайте свои новые идеи рисования с помощью этих 10 различных способов рисования

   Зажигайте свою следующую идею рисования с помощью 10 способов наклеить карандаш на бумагу

   Главное в рисовании — это всегда доставлять удовольствие.В частности, создание эскизов должно быть быстрым и незамедлительным. Или это о том, чтобы поймать момент, который можно развить позже, или просто ради радости нарисовать движение и отношение. Если вы любите рисовать и жаждете идей для рисования, изучите эти 10 различных способов рисования!

   Большинство людей думают, что есть только один способ рисовать. Но нет. Да, вы можете создать линейный контур, начиная сверху, а затем продолжая по всему силуэту. Рисовать таким образом вполне возможно, но это сложный подход, не говоря уже о узком, потому что на самом деле есть много способов рисовать.На семинарах по рисованию я прошу людей выполнить серию упражнений, основанных на десяти подходах к рисованию. Это помогает генерировать идеи для новичков, которые не решаются их исследовать. Это также дает продвинутым ученикам больше идей для рисования для отработки своих навыков.

   Я выбрал разные идеи рисования для каждой техники, но по мере того, как вы их практикуете, попробуйте смешать их или выбрать одну вещь, которую вам нравится рисовать, и отработайте все подходы, применяя техники к единой идее рисования.

   TEN — Макет, или чертеж на основе формы

   Самый простой способ научиться рисовать большинство вещей — это преобразовывать сложные формы в простые. Меня познакомили с таким подходом как рисование макета. Я также видел, как к нему относились под другими названиями, такими как строительство, аниме или манга. Это тот же прием, который используют большинство аниматоров.

   Maquette Demo или Люси на пони

   1) При рисовании макета на первом этапе уменьшаются пропорции и формы до ряда прямоугольников и кругов.

   Тело лошади укладывается в грубый квадрат. Пони более прямоугольный, и я рисую Дарси под небольшим углом, поэтому я помещаю свой прямоугольник в перспективу, показываю линию посередине живота, немного выше для локтя, а затем на полпути вниз от локтя для основных суставов ног. Три перекрывающихся круга обозначают грудь, живот / ребра и четверти (внизу).

   2) Добавляю овалы для коленных (скакательный сустав на заднюю ногу) и ягодиц (сустав над стопой). Затем я присоединяюсь к ним, чтобы показать ноги.Копыта имеют форму треугольника, грудь — грубую клиновидную форму, а шея входит в центр грудного клина в виде отрезанного конуса. Круг на щеке, треугольники ушей и перекрещенная ромбовидная форма напоминают голову.

   3) Теперь я могу набросать контуры шеи, спины, живота и головы. Кончики перечеркнутого ромба показывают, где разместить глаз и ноздрю.

   4) Для Люси я беру свежий макет с контуром из этапа 3 и начинаю с овалов для ее головы, лица, плеча, ягодиц, колена, пятки, стопы, локтя и рук.

   5) Я добавляю ноги и руки Дарси в форме «леденцов» и соединяю овалы для ее юбки, рук и ступни. Простая центральная «вертикальная» линия и поперечные линии обозначают черты ее лица. Отсюда я могу перенести схему на новый лист бумаги и продолжить рисование.

   Обратите внимание на готовый рисунок-врезку, который я создал на основе тех первых набросков макета.

   ДЕВЯТЬ — чертеж ключевой линии или арматуры

   Эта идея рисунка во многом обязана рисунку анатомии скелета.Художники, обладающие такими знаниями, часто находят эту технику полезной, а те, кто не знает, могут найти ее в качестве введения в это увлекательное исследование.

   Это подход, который очень полезен для рисования жеста и движения, но даже статический объект, такой как здание, имеет «скелет», а растение или поток воды имеют направленную линию движения, поэтому он применим и к этим объектам. ! Помните, что ключевые линии описывают структуру, а не очертания, поскольку они находятся над мускулатурой.

   Демонстрация рисования ключевых линий

   Можете ли вы нарисовать фигурку из палочек? Все мы делали это в детстве — и цифра 1 на первом изображении — это рисунок, нарисованный ребенком.Если вы можете это сделать, то это небольшой шаг к , фиг.2 , который просто добавляет линии для плеч и бедер и добавляет ключевые точки для суставов на конечностях.

   Сделайте еще один этап в , рис. 3 , сделав голову более яйцевидной, предложив грудную клетку и используя два овала для крыльев таза, которые ближе друг к другу у основания (паха). Приблизительные пропорции, нарисованные карандашом справа, основаны на измерении длины головы. Я стараюсь немного удлинить ноги (как на остальных рисунках), чтобы фигура не выглядела коренастой.Дети, пожилые люди и некоторые люди не подходят под это соотношение, но это нормально. Наблюдение за тем, где человек уникален и противоречит норме, поможет вам нарисовать именно это, увидев, где разные пропорции.

   На рис. 4 показано, как это можно применить к виду сбоку. Мы не всегда стоим так, как будто мы на фотографии полицейского, поэтому цифра 5 показывает, как можно попрактиковаться, глядя, как кто-то стоит. Углы бедер и плеч являются ключевыми, как и место падения веса.

   Посмотрите, какие биты накладываются друг на друга! Кроме того, если угол плеча находится на одно плечо выше линии плеча, тогда суставы рук также будут располагаться выше, а угол бедер уравновесит линию плеч. Когда вы овладеете искусством стоять, вы сможете смотреть на движущиеся фигуры, как на , рис. 6, , где мы действительно начинаем смотреть, как мы уравновешиваем, в этом случае противоположная рука махает вперед с ведущей ногой. С еще большей практикой вы можете быть уверены, что попробуете более сложные идеи рисования, такие как рисунок 7 , танцующая фигура.

   Более сложные рисунки с ключевыми линиями могут показывать фигуры в движении, как в этом случае, когда друг бросает мяч для моего уиппета, Scribble.

   ВОСЕМЬ — «Инженерный» чертеж

   «Инженерия» — это мой термин, обозначающий более механический подход к рисованию. Он охватывает два подхода, которые можно использовать для построения основы рисунка, и является полезным упражнением, но я считаю, что это может привести к жестким, неестественным результатам, поэтому я использую его больше для проверки своих рисунков, а не для построения при рисовании животных и фигур. .

   Городская площадь в Лидсе находится совсем рядом с моей студией. Здесь можно увидеть множество архитектурных памятников и скульптур, в том числе знаменитую статую Эдуарда Черного принца. Мой первоначальный набросок для этого был сделан на месте, но затем воссоздан в студии для этой демонстрации.

   Этап 1. Начиная со статуи, я выбираю точку — верхнюю часть его вытянутой руки и карандашом (в студии я использую более длинную палочку для еды) держу ее вытянутой рукой, чтобы показать угол между ней и верхнюю часть головы лошади, затем нарисуйте линию под этим углом.С этой второй точки я повторяю процесс, чтобы сформировать линию скакательного сустава лошади (согнуть заднюю ногу), чтобы получить точку 3, затем повторяю от пинты 1 до точки 3, чтобы получился треугольник. Место пересечения линий дает мне три очка. Как видите, затем я использую ту же систему, чтобы задать другие ключевые точки и начать рисовать статую.

   Этап 2. Я добавил немного затенения, чтобы вы могли видеть, как это работает, и начал проводить линии от ключевых точек статуи к ключевым точкам на окружающих зданиях.Поскольку у меня есть статуя и ее постамент, я также могу выбрать меру, например, высоту постамента, и использовать ее для проверки расстояний или высоты зданий. Когда я рисую животных или людей, я использую для этого измерение высоты головы.

   Этап 3. Я оставил некоторые линии триангуляции, но добавил штриховку на рисунок. Эта идея рисования дает ключ к пониманию и осмыслению относительного масштаба и пропорции. Линии, измеренные под углом, также могут быть взяты из точек на горизонте для определения перспективы.

   SEVEN — Линейный чертеж

   Хотя я по своей природе линейный рисовальщик, мне приходилось работать, используя другие методы и подходы, чтобы улучшить мою линейную работу. Когда я работаю линейно, я ищу линии движения и линии, которые описывают то, что находится под кожей, а также очертания: сила работающих мышц, натяжение троса сухожилий и резкость изменения тона там, где кость прилегает близко. к коже. Иногда я использую точку, а иногда и сторону носителя для обозначения формы, текстуры или края.

   Этот быстрый набросок наездницы, поправляющей куртку, показывает мой линейный стиль. Попробуйте изменить линию так, чтобы она стала описательной и имела больше «плавности» и жестов.

   Попробуйте найти линию, которая вас вдохновляет! Когда я рисую фигуру, мое внимание часто привлекает линия спины или плеча. Используйте длинные очереди, сначала падайте в обморок, если вы не уверены. Вы можете просмотреть их позже.

   Использование стороны карандаша, а также острия может помочь вам изменить линию. Попробуйте по-разному держать карандаш — держать его так, как вы пишете, на самом деле очень ограничивает способ нанесения пометок.

   SIX — Негативное пространство

   Способность видеть и использовать негативное пространство — очень хороший талант для художника. Некоторые говорят, что природная способность делать это — одна из отличительных черт художника. Проще говоря, негативное пространство — это область и формы за пределами основной массы объекта. Если мы сможем увидеть формы отрицательного пространства и убедиться, что они нарисованы правильно, это поможет получить правильные пропорции и формы в «положительном пространстве» или самом предмете.

   Это можно представить как кусочки головоломки.В качестве упражнения на идею рисования я могу нарисовать негативное пространство, чтобы создать силуэт, но в повседневном рисовании я чаще использую его, чтобы «проверить» формы объекта, которые я создаю.

   Если вам сложно увидеть негативное пространство, закройте или прикройте один глаз. Это воспроизводит стереослепоту: неспособность использовать оба глаза для построения трехмерного изображения мира. Вместо этого вы видите вещи скорее как набор взаимосвязанных форм.

   Демонстрация отрицательного пространства

   Стулья

   идеально подходят для демонстрации этого подхода, потому что негативное пространство является неотъемлемой частью их дизайна.

   1) Я рисую негативное пространство одного стула — это формы, которые НЕ являются стулом. Обратите внимание, что здесь нет очертаний силуэтов стула — в этом упражнении мне нужно найти отрицательные формы пространства вокруг стула , чтобы создать их. Чтобы помочь вам, я обозначил отрицательные пространства крестиком.

   2) Помогите себе дальше, добавив контуры силуэта стула по мере необходимости.

   3) Я добавил два других стула, используя ту же технику, что и на этапе 1, и на этот раз я также сделал силуэты, добавив негативное пространство, созданное столами, столбами и линиями дороги за сценой.Я также добавил немного теневого отрицательного пространства: например, источники света между теневыми формами.

   4) Именно здесь ВЫ решаете, куда вы хотите пойти с этим рисунком. Вы можете просто оставить его как тип изображения графического дизайна, или вы можете продолжить затенение рисунка, чтобы сделать его более реалистичным, или вы можете использовать плоский цвет для создания искусственно-абстрактного изображения. Упражнения — это хорошая практика, но это не значит, что вы тоже не сможете играть!

   Наконечник для отрицательного рисунка

   Ищите ритм в создаваемых пространствах — рассматривайте их как абстрактные формы, а не как стулья.Практикуя этот подход, вы обнаружите, что сравниваете положительное и отрицательное пространство друг с другом. Для меня это привычно сейчас, рисую я отрицательное пространство или положительный предмет.

   FIVE — каракули и «слепой контур»

   Эта идея рисования предполагает рисование «каракулями». Тон и текстуру можно создать, работая над одной и той же областью, но убедитесь, что у вас есть достаточно прочная бумага, чтобы выдержать это.

   Когда я работаю, я начинаю редактировать, поэтому сначала я держу линии светлыми.Затем я могу работать над теми же областями, постепенно усиливая вес линии по мере улучшения и построения изображения. Следы каракулей могут быть случайными или могут следовать направлению массы или движения для более скульптурного ощущения.

   В примерах рисунков головы ягненка оба выполнены непрерывной линией с использованием художественного маркера. Перо поддерживает контакт с бумагой на протяжении всего рисунка.

   Этот набросок был сделан на блокноте маркера, который представляет собой очень гладкую поверхность.
   Голова ягненка была нарисована на грубой акварельной бумаге, поэтому текстура прерывает линию.

   Существует еще одно упражнение, называемое «слепое рисование контура», когда перо поддерживает контакт с бумагой, но художник смотрит только на их образец, а не на бумагу. Когда я быстро рисую, например, прыгающую лошадь или играю в поло, я часто рисую слепой контур.

   Чтобы практиковаться в слепом контуре, начните с простого письма, не глядя на бумагу. Затем вы можете перейти к рисованию небольших простых фигур, постепенно создавая более сложные формы.

   FOUR — Тональный рисунок

   Лучшие чисто тональные рисунки обрабатываются без привязки к контуру, или, скорее, контур создается путем изменения тонального значения.Для этой идеи тонального рисунка проще использовать уголь или пастель. Если вы используете карандаш, лучше использовать сторону грифеля, а не острие.

   Этот набросок яйца — хорошая отправная точка, поскольку в нем используется простая форма. Я отметил, где находится источник света, и, чтобы получить единственный источник, я обернул картоном заднюю часть яйца, прежде чем рисовать его, затем поместил лампу сверху и слева от него. Я использовал графитовый карандаш, чтобы нарисовать свое яйцо, внимательно глядя на то, где находятся свет и тени (отсутствие света).

   «Линии» создаются за счет более высокой контрастности тона (затенения), а не путем их рисования. Когда у вас есть графитовое яйцо, попробуйте еще раз с углем или пастелью, а еще лучше, погрузив палец в порошкообразный уголь или пастель, чтобы по-настоящему попытаться рисовать тонально без линий. Когда вы будете уверены в правильности изображения яйца, вы можете попробовать более сложные формы, но постарайтесь для начала придерживаться одного источника света.

   Держите в студии пестик и ступку и собирайте пастельную пыль и крошечные наконечники, слишком маленькие для использования в ней, затем измельчайте их в порошок, чтобы использовать пальцем, подушечкой или кистью.

   ///

   Наслаждайтесь этой замечательной демонстрацией рисования, а затем продолжайте прокручивать, чтобы найти другие подходы к рисованию!

   ///

   THREE — вычитание

   Вы можете создать тональный рисунок на темной бумаге, используя белую пастель или мел, и в этом случае вы будете смотреть на свет, а не на тени, чтобы вылепить форму, но я предпочитаю рисовать с вычитанием.

   Для этой идеи рисования весь лист покрывается углем или графитом, а затем используется ластик, чтобы «приподнять» свет.После того, как вычитающая часть будет завершена, вы можете добавить больше угля или графита, чтобы создать более глубокие тени там, где это необходимо.

   Этот подход придает рисунку более мягкий, выразительный и атмосферный вид, чем использование более яркого белого цвета на темном фоне, и хорошо подходит для изучения того, как свет определяет объем и массу. Это быстрый и незамедлительный способ рисования, и это очень хорошее упражнение для рисования для художников. Ключ к такому подходу — смелый уверенный рисунок.

   Демонстрация вычитания чертежей

   Моим объектом этой идеи или подхода к рисованию является одно из многих моих орхидей, которые, кажется, процветают, несмотря на мое пренебрежение или, может быть, благодаря ему.

   Материалы для вычитания

   Я использую бумагу для картриджа А2 из отрывного блокнота для рисования. Я чаще использую лист акварельной бумаги (грубый или нет), так как он дает приятную мягкую поверхность с хорошей способностью приподнимать уголь, что дает четкие белые пятна. Но для первых попыток используйте большой лист бумаги для заметок.

   Имейте в виду, что слишком гладкая или блестящая бумага может привести к «скольжению» угля, а из-за жира или влаги на бумаге ластик может размазаться, а не приподняться, поэтому перед началом работы вымойте руки.

   Вы также можете использовать угольный карандаш или прессованный уголь для завершающих штрихов, хотя я не делал этого в этой демонстрации идеи рисования. Вы можете использовать ластик для замеса для вычитания следов или даже Blu-Tac. Я обычно использую недорогие ластики и срезаю клинья скальпелем, чтобы края были более тонкими.

   Когда ластик слишком пачкается углем, я либо очищаю их, трет дерево, либо просто срезаю слой, чтобы снова получить более чистую поверхность.

   1) Я покрываю всю бумагу углем, чтобы создать средний оттенок. Вы можете просто оставить угольную основу грубой или растереть уголь до более гладкой поверхности. Здесь вы играете и получаете восхитительно грязные руки! В то время как я фотографировал уголь только наполовину, я втирал остальное, прежде чем начал работать с ластиком.

   2) Теперь я начинаю рисовать плоской стороной ластика, ища сначала большие средне-светлые формы.Затем я выбрал более яркие, меньшие огни с помощью моих меньших клиньев. Если вы допустили ошибку, вы можете просто добавить еще древесного угля, а затем переделать. Этот этап занял у меня около 35 минут, значительно меньше времени, чем мне потребовалось, чтобы настроить орхидею так, как я хотел!

   СОВЕТ: Прикрыв глаза наполовину или прищурившись, легче увидеть большие формы и тональные контрасты, когда вы смотрите на эталон. Это обесцвечивает цвет, чтобы вы могли видеть более тонально.

   4) Теперь я снова работаю углем, чтобы исправить любые ошибки и создать больше темных оттенков.Добавление линий может разрушить тональный эффект, поэтому сведите их к минимуму. На самом деле, ближе всего к линии в этой части я узнал угольную отметину на затененной стороне стебля.

   Обводка лепестков нарушила бы цель упражнения, поэтому я оставил их как изменения тона, а не очертания. Вы также можете экономно добавить немного белого мела, чтобы подчеркнуть небольшие блики, но, как говорит мой друг и наставник по рисованию, Андрес Ярославский: «Вам нужно приготовить торт, прежде чем вы сможете украсить его глазурью.”

   TWO — чертежи плоскостей

   Самолеты — это форма перспективы. Представьте себе детский мобильный телефон с застежками, подвешенными к раме. Ближайший к зрителю крепеж находится на ближней плоскости, самый дальний — на дальней плоскости, а промежуточные крепления будут на своей собственной или общей плоскости.

   Понимание плоскостей на рисунке — отличная подготовка к рисованию, но также проясняет цель для затенения, поскольку, хотя я работаю с двухмерной поверхностью, я отображаю расположение элементов в пространстве.

   Такой подход к рисованию плоскостей помогает многое понять не только в рисовании, но и в рисовании в любой среде. Обычно мы пытаемся визуализировать в двух измерениях то, что мы видим в трех измерениях, и разбиение этого на части и понимание этого может помочь, особенно с затенением и рисованием тонов и цвета.

   Упражнение с рваной бумагой

   Упражнение с разорванной бумагой из шести частей является примером того же сплющивания плоскостей в рецессивно работающие цветные полосы.Вы можете поиграть со слоями и цветами различных листов бумаги, выполнить упражнение тонально с серой бумагой или нарисовать свою собственную бумагу. Это хорошая вещь, которую можно сделать вместе с эскизом стоимости.

   Посмотрите, как цвета, которые я использовал, размещаются в пространстве.

   Вы также можете использовать это, чтобы помочь с портретом или более предметными картинами и рисунками. Используя те же шесть цветов, я применил ту же идею к рисунку прыгающей лошади, чтобы помочь мне использовать самолеты, чтобы понять, где я вижу объекты в космосе.

   На прыгающей лошади обычно не было цифр. Они здесь, чтобы помочь вам увидеть, как я разделил плоскости, например, застежки на детском мобильном (нарисованные сбоку) они расположены в пространстве относительно друг друга. Это помогает мне организовать свой подход к рисованию или картине в целом и на чем я хочу сосредоточиться.

   Для начала я показал здесь простые примеры. Этот вид рисунка может стать намного более подробным, если вы вводите плоскости в более крупные области, такие как контуры на карте, что само по себе может привести к интересному рисунку, как на этом эскизе контурной плоскости груш.

   ONE — Ваш собственный стиль художественного рисования

   Существует более десяти подходов к рисованию, но, на мой взгляд, последним в любом наборе должен быть личный подход художника к предмету.

   Мне нравится думать о подходах как о «цветах на палитре». Какой цвет вы выберете в любой момент времени, зависит от вас, но прежде всего, чтобы иметь цвет именно там, нужна практика. Вы можете выбирать и комбинировать «цвета» либо для своих собственных заметок в альбоме для рисования с натуры, либо для создания рисунка с интересом, движением и интонацией.

   Часто, когда я работаю по жизни, мне приходится работать очень быстро. Проработав все подходы, мне не нужно думать о том, «как» рисовать — я просто рисую.

   Из моего балетного альбома — углы и плавность линий. Первой линией, которую я здесь нарисовал, был ее позвоночник!

   Образ мышления для рисования

   — Не думайте о готовом рисунке, а о всех забавных и захватывающих маленьких шагах по пути. Думайте о процессе, а не о продукте.
   — Ценность любой идеи или метода рисования — это то, что они создают / как они улучшают вашу работу, а не само упражнение.
   — Не существует правильной или неправильной идеи или способа рисования, просто шаги по пути — ошибка является ошибкой только в том случае, если вы не извлекаете уроки из нее.
   — Иногда совершенство находится в несовершенстве.
   — Просто начните с первых идей рисования, которые вас вдохновляют.
   — Нарисуйте что угодно и все — нарисуйте все, что находится перед вами. Если вы готовите еду, проиллюстрируйте рецепт, нарисовав ингредиенты.
   — Научитесь смотреть, вокруг вас есть прекрасные идеи для рисования, которые только и ждут, чтобы их набросали.

   Час рисования жизни в Йорке. Обратите внимание на изменения веса линии, которые были добавлены после того, как основная часть рисунка была сделана тонально.

   Как только вас укусит ошибка рисования, вы начнете видеть идеи рисования повсюду: от мелких сторон, которые большинство людей даже не замечает, до величия общей картины. Каждый из них имеет свою привлекательность и может стать вашим собственным маленьким миром вдали от мира, когда вы потеряете себя в волшебстве и внимательности эскиза.

   Знакомьтесь, Рут Бьюкенен

   Рут Бьюкенен начала свою карьеру в качестве графического дизайнера и иллюстратора, зарабатывая на жизнь рисованием всего, что ее просили нарисовать.Наибольшую известность она получила благодаря картинам исторической архитектуры, когда работала в корпоративных финансовых учреждениях и частных подрядчиках по восстановлению городов.

   Рут стала штатным художником в 2001 году, черпая вдохновение в основном из конского и изобразительного искусства. Ее работы выставляются в галереях традиционного искусства, а также на международных конных мероприятиях и хранятся в частных и корпоративных коллекциях в Великобритании, Европе и США.

   Рут получила множество наград и премий за свои картины, рисунки и альбомы для рисования.Ее работы последние пять лет подряд выбирают в качестве одного из пятнадцати художников, представляющих английскую акварель на международной выставке Fabriano In Acquarello в Фабриано, Италия. Рут живет и работает в Йоркшире, Великобритания, и уравновешивает свое писательство, ведущие мастерские и заказные работы наряду с собственным рисунком и живописью.

   ***

   Если вы хотите еще больше изучить 10 подходов Рут, рассмотрите их в области рисования фигур. Демистифицируйте человеческое тело с помощью собственных набросков и откройте для себя силу и красноречие его фигуры.

   Различные виды искусства, которые удивительно универсальны

   Существуют разные виды искусства, которые влияют на наши эмоции и чувства. В этой статье мы попытаемся обсудить различные формы искусства, которые делают нашу жизнь более насыщенной.

   Именно через искусство мы можем передать миру наши внутренние чувства и наши творческие способности, которые существуют только в нашем разуме. Искусство имеет множество форм; от изобразительного искусства до исполнительского искусства. Многие великие цивилизации и культуры считаются великими, потому что они были развиты в искусстве.Сила и культура целой нации или цивилизации зависят от того, насколько богато искусство этой конкретной страны или цивилизации. Существуют разные формы искусства, такие как живопись, скульптура, литература, архитектура, музыка, танцы, театр, фотография и фильмы.

   Какую бы форму искусства мы ни увидели, ее главная характеристика — это то, что она приятна для чувств. Он выражает чувства и эмоции художника и может быть интерпретирован разными людьми по-разному. Любой вид искусства, по сути, рассказывает историю.Это косвенная, но очень глубокая форма общения с другим человеком. Искусство имеет тенденцию глубоко трогать наши души, и большинство шедевров, которые мы видим в музеях, являются безмолвным свидетельством этого.

   Изобразительное искусство

   Изобразительное искусство можно определить как вид искусства, в котором используется любая среда для представления идеи, эмоций и воображения художника. Визуальное искусство, такое как картины, скульптуры и архитектура, эволюционировало со временем, и в разные периоды появлялись разные направления в искусстве.Самые известные направления и стили в искусстве — импрессионизм, кубизм, сюрреализм, экспрессионизм, фавизм, арт-нове, реализм и релятивизм.

   Рисунок — это изображение любой формы или объекта вручную с помощью карандаша, ручки, угля и т. Д. Рисунки не обязательно являются изображением того, что мы видим вокруг. Рисунок также может быть абстрактным, иллюстрирующим определенные эмоции и идеи, которые находятся в сознании художника и открыты для интерпретации.

   Существует множество техник рисования и зарисовок, и то, что использует художник, зависит от его навыков и предпочтений.

   Картины классифицируются по стилю, в котором они выполнены, а также по жанру и главному объекту картины. Натюрморт, пейзажи, морские пейзажи, абстракция и поп-арт — это разные жанры живописи, популярные среди художников.

   Кроме того, вид материала, используемого для рисования, например масляные краски, пастель, акварель, уголь, и поверхность, на которой они нарисованы, будь то холст или бумага, влияют на то, как будет выглядеть картина.

   Скульптуры также относятся к разным видам искусства, относящимся к изобразительному искусству. Скульптуры можно определить как трехмерную форму искусства, в которой для выполнения используются такие материалы, как глина, камень или дерево.

   Скульптуры по сути делаются двумя способами. Либо они постепенно приобретают определенную форму и структуру, как в случае с глиняной скульптурой, либо они высекаются и вырезаются из бруска дерева или куска камня. Есть много идей глиняных скульптур, из которых любитель может черпать вдохновение, пытаясь создать скульптуру.

   Искусство писать буквы так, чтобы они выглядели привлекательно, определяется как каллиграфия. Каллиграфия — это вид изобразительного искусства, имеющий большую коммерческую ценность и пользующийся большим спросом.

   Для каллиграфии часто используется специальная каллиграфическая ручка с плоским острием или кисти, смоченные краской. Существует множество стилей каллиграфии, и обычно требуется несколько месяцев обучения и навыков, чтобы выучить эти алфавиты и стили каллиграфии.

   Фотография — это искусство создания изображения объекта на фотопленке.Способ захвата изображения с использованием света отличается от фотографа к фотографу. Есть разные виды фотографии: от модной фотографии, фотографии дикой природы, фотографии еды до свадебной фотографии и многого другого.

   Прикладное искусство

   Прикладное искусство — это часть изобразительного искусства, и его можно определить как искусство, имеющее как практическое применение, так и функциональность.

   Архитектура — это форма прикладного искусства, и Иоганн Вольфганг Ван справедливо сказал, что «Архитектура — это застывшая музыка».Архитектуру можно разделить на коммерческое или прикладное искусство. Проектирование и строительство любого сооружения может показаться чудом науки, но хороший архитектурный дизайн на самом деле является формой искусства.

   Архитектурный дизайн должен быть не только функциональным, но и эстетичным. Существуют разные архитектурные стили: от колониального, викторианского, французского колониального, испанского до современных.

   Модный дизайн — это искусство создавать одежду, которая не только функциональна, но и эстетична.Дизайн одежды включает в себя работу с различными типами тканей и узоров, которые затем превращаются в одежду.

   Дизайн ювелирных изделий — это еще один вид искусства, включающий в себя создание сложных ювелирных изделий из металла, дерева или пластика. Металлы, которые в основном используются для создания ювелирных изделий, — это золото, серебро, платина, медь и т. Д. В дизайне ювелирных изделий также используются драгоценные и полудрагоценные камни.

   Любой предмет, сделанный из дерева, который эстетически приятен для глаз, а также функционально, называется поделкой из дерева.Мебель и предметы декора — это образцы обработки дерева. Рисунок может быть изогнутым на дереве или разные деревянные части могут быть соединены вместе в поделке из дерева.

   Искусство планирования дизайна, планировки и стиля архитектурного пространства, будь то дом или офис, называется дизайном интерьера. Дизайн интерьера включает в себя меблировку, расстановку мебели, планировку интерьеров и многие другие факторы.

   Изобразительное искусство высоко развито, и есть много людей, которые являются мастерами в своей области.Как можно не тронуть взглядом Мона Лиза Леонардо да Винчи или прекрасную картину Клода Моне «Кувшинки». Пабло Пикассо, Ван Гог, Рафаэль, Сальвадор Дали и Джон Констебль — некоторые известные имена в области живописи и скульптуры.

   Исполнительское искусство

   Из всех форм искусства люди высоко ценят и любят исполнительское искусство — танцы, музыка, опера, фильмы, театр, драма, волшебные шоу и стендап-комедии. Художники, которые занимаются этим искусством, известны по типу искусства, которое они усовершенствовали.Певцы, актеры, комиксы, фокусники, танцоры и музыканты — все люди, которые занимаются этим исполнительским искусством.

   Движение тела в определенной последовательности под музыку называется танцем, и существует много форм танца. Конкретная танцевальная форма может быть из определенного региона или страны, где преобладают шаги и движения под определенный тип музыки.

   Танец — это вид невербального общения, движения тела эстетически приятны и гармоничны. И классический, и современный танец — это разные формы исполнительского искусства.

   — Балетные танцы
   — Бальные танцы
   — Танцы сальсы
   — Танцы танго
   — Линейные танцы
   — Чечетки
   — Танцы живота
   — Латинские танцы
   — Танцы фламенко
   — Хип-хоп танцы

   Акт создания звука с помощью голоса в ритмической манере, приятной для слуха, известен как пение. Пение часто сопровождается использованием музыкальных инструментов. Есть разные стили пения: оперный, классический, модерн, кантри, поп и т. Д.

   В мире много известных певцов, обладающих невероятным талантом и качеством голоса. Чтобы научиться петь, нужно много самоотверженности и усилий, и только действительно талантливые люди могут достичь больших высот.

   Виды исполнительского искусства — театр и кино. И в театре, и в фильмах используются истории, захватывающие воображение людей. Это также хороший вид развлечения. Опера, карнавалы, цирк, магические шоу и концерты — это также разные виды искусства, которые происходят на природе.

   Театр как вид искусства со времен средневековья превратился в одно из лучших развлечений. Артисты театра выступают перед публикой, и существуют различные театральные представления, которые проводятся в разных регионах мира. В фильмах раскрывается история, разыгранная актерами и содержащая элементы танца и музыки, чтобы дать людям полный пакет развлечений.

   Одна из самых сложных форм искусства для определения, музыка также является одним из видов искусства, которым больше всего восхищаются.Любой гармоничный звук, будь то вокал или музыкальный инструмент, можно определить как музыку. Но музыка — это гораздо больше. Музыка может изменить наше настроение, поднять настроение и эмоционально взволновать нас.

   Есть разные виды музыки: рок, кантри, джаз и соул.

   — Блюз
   — Классическая музыка
   — Кантри
   — Госпел
   — Инди-музыка
   — Инди-рок
   — Рок-музыка
   — Рок-н-ролл
   — Рэп-музыка
   — Соул

   Искусство — это символическое изображение идей и мыслей.У него есть сила двигать нас. Работа в различных формах искусства — это выражение чувств, воображения и творческих способностей человека. Искусство не знает границ, и различные формы искусства всегда помогают, когда мы чувствуем потребность стимулировать наши чувства.

   Что такое художественный рисунок — G-Lamer

   Вы когда-нибудь видели рисунок, который передал вам какие-то эмоции или чувства? Если ваш ответ утвердительный, вы, вероятно, захотите узнать, что стоит за всем искусством, благодаря которому рисунок или графическая форма могут вызывать такое ощущение.Художественный рисунок — это тип рисунка, который скрывает среди своих линий чувства художников, которые их рисуют. Продолжайте читать следующую статью и узнайте все, что вам нужно знать о художественном рисунке, его видах и классификации.

   Художественный рисунок характеризуется графическим изображением всего, что не может быть выражено словами, это дисциплина, основанная на начертании и обводке фигур и / или форм, которые визуально выражают идеи и чувства Исполнитель.Он также известен как язык форм, поскольку он позволяет передавать эмоции, идеи или чувства без языковых ограничений или временных и / или культурных барьеров только с помощью фигур, штрихов и творческих рисунков.

   Невозможно определить единую технику, которая была разработана для обеспечения успеха художественного рисунка, однако каждый художник может совершенствовать свою работу, используя свой творческий потенциал, и благодаря большим усилиям и самоотверженности может добиться признания своей работы.

   Техника, которую используют художники, зависит от стиля художника и того, что он хочет передать или выразить в своей работе, но нет сомнений в том, что хороший рисунок характеризуется безопасными, твердыми и свободными мазками.Еще одна из основных характеристик художественного рисунка заключается в том, что в нем осуществляется глубокая интеллектуализация объектов для субъективного синтеза.

   Как упоминалось выше, в этой дисциплине существует множество различных техник и стилей рисования, но есть уже определенные типы художественного рисования, с которых вы можете дать волю своему воображению и добавить свой собственный стиль.

   Среди основных методов можно найти следующие:

   Базовый художественный рисунок

   Этот тип рисунка идеально подходит для начинающих, поскольку это «легкий» художественный рисунок, в котором используются простые техники, такие как рисование от руки, мазки, композиция, измерения и пропорции.

   Иллюстрация

   Часто используется для дополнения идей в тексте изображениями, которые помогают читателю лучше понять письменную информацию.

   Книжная

   Это верное и реалистичное изображение людей, в этом типе рисунка оно призвано очень подробно отразить отличительные черты портрета. Обычно используются методы, основанные на карандаше, угле, туши, мелках, и даже в настоящее время используются цифровые программы или инструменты.

   Карикатура

   Это поразительный тип рисунка, поскольку, как и портрет, карикатура стремится отразить характерные черты изображаемого человека, однако она преувеличивает или преуменьшает их для создания. Этот тип художественного рисунка художественной литературы часто можно найти включенным в иллюстрации или графические романы. Карикатуристы, создающие портреты, также часто видоизменяют их, чтобы включить в них некоторые элементы персонажа.

   Гиперреализм

   Гиперреалистичный художественный рисунок состоит из «преувеличенного реализма», то есть чрезвычайно детализирован.Чтобы добиться этого типа рисунка, художник обычно берет фотографию в качестве эталона, в которой ему удается идентифицировать мельчайшие детали, чтобы воспроизвести их в своей работе в преувеличенном виде.

   Граффити

   Этот вид художественного рисунка выполняется на фресках аэрозольными красками. Для них характерны изображения фигур, передающих чувства или идеи художника. Обычно они красочные и очень контрастные. Этот вид рисунка вызывает много споров, поскольку его можно рассматривать как акт вандализма, однако детализация работ и их назначение придают им большую художественную ценность.

   Натюрморты

   Этот классический натюрморт обычно используется для изучения и практики искусства живописи, однако детали и характеристики, которые каждый художник добавляет в свои работы, позволяют рассматривать их как тип художественного рисунка. Невероятно, что натюрморт может передать зрителю!

   Комиксы

   Этот вид художественного рисунка имеет большое количество поклонников во всем мире. Это серия графиков, которые рассказывают части истории, персонажей научной фантастики, юмор, романтику и т. Д.

   Теперь вы знаете больше о художественном рисунке, его невероятной силе и различных типах, которые существуют. Не бойтесь пробовать разные техники и найти свой собственный стиль, вы можете начать с оценки работ другого художника, чтобы найти вдохновение. Помните, что за хорошим художественным рисунком скрывается множество чувств и ощущений.

   .

   No related posts.