Замкнутая композиция примеры: Открытая и закрытая композиция

Глава 1: Базовые принципы композиции

Для передачи образа чего-то неподвижного, устойчивого подойдет замкнутая, закрытая, статичная композиция. Основные направления линий стягиваются к центру. Построение ее по форме круга, квадрата, прямоугольника с учетом симметрии дает необходимое решение. А. РУБЛЕВ. Троица Ветхозаветная. Замкнутая композиция

Замкнутая композиция. Схема

Если вам необходимо нарисовать панорамный пейзаж, показать большой простор, то не следует его перегораживать с боков, ограничивать какими-либо деревьями или зданиями, а лучше сделать уходящим за пределы рамы. Это тип открытой композиции. Основные направления линий из центра.

Догадки расширяют фантазию зрителя. Если далекий горизонт частично загородить деревьями или другими предметами первого плана, то можно достигнуть большой образной выразительности композиции. Когда в эпоху Возрождения изменилась концепция мира и на смену замкнутого мира пришел мир бесконечный, то и на смену замкнутым композициям пришли открытые. В дальнейшем зарубежные и русские художники разработали новые типы композиции и использовали традиционные в зависимости от замысла произведения. И. ШИШКИН. Рожь. Открытая композиция

Открытая композиция. Схема

Конечно, не стоит преувеличивать значение композиционных схем. Художник, воплощая замысел, опирается прежде всего на свое образно-зрительное представление о будущей картине. Но в период обучения основам композиции очень полезно использовать такие схемы, так как они помогают найти соотношения различных частей картины \или рисунка, уяснить общую структуру композиции. Эти схемы имеют вспомогательное значение. Постепенно, приобретая опыт, можно научиться строить композиционные схемы только мысленно.

В качестве примера композиционного построения картины рассмотрим полотно Веласкеса «Сдача Бреды». Это — одна из наиболее ясно читаемых композиций, благодаря четкому распределению масс, чередованию темных и светлых пятен. Сюжетно-композиционный центр совпадает с центром холста. Две фигуры, расположенные в центре, нарисованы на фоне дали. Голова человека, подающего ключи от крепости, подчеркивается большим белым воротником, выразительно передан силуэт правой руки с ключом. Его полусогнутая поза говорит о необходимости сдаться на милость победителя.
Фигура человека, принимающего ключи, написана на светлом фоне пейзажа. Его лицо выглядит светлым пятном на темном фоне, оно обрамлено темными волосами и светлым воротником. Везде контрасты и противопоставления. Шарф, диагонально перевязывающий костюм, и силуэт лошади справа позволяют подчеркнуть одну из диагоналей картины.
Другую диагональ полотна образуют знамя, положение рук центральных фигур и оружие в левом углу картины.

	Светлые пятна кафтана воина на третьем плане и головы лошади рядом с ним создает ощущение глубины пространства. Попытайтесь на минуту прикрыть эти два пятна и вы увидите, насколько обедняется композиция, как теряется ее глубина, потому что чрезмерно сближаются первый и последний планы картины. Композиционное пространство состоит из нескольких планов с перспективой дали. Интересных находок в композиции много. Можно дальше разбирать каждый элемент и убедиться в том, что художник руководствовался в передаче характеров принципом цельности в разнообразии. Введение пик с флажками, которые создают ритмическое разнообразие, вносят мажорные ноты, является приемом, делающим композицию поразительно живой. Произведение искусства, по выражению П. Флоренского, есть «запись некоторого ритма образов, и в самой записи даются ключи к чтению ее». Интересно отметить, что в этой картине Веласкеса «ключ» к ее чтению совпадает действительно с изображением ключа от крепости. Нет сомнений, что этот ключ является центром композиции, находящимся в центре холста, и специально выделен темным силуэтом в светлом многоугольнике. Веласкес использовал приемы, правила и средства композиции для того, чтобы передать содержание картины наилучшим образом. В истории искусства большую роль играли как процессы выполнения общепринятых канонов композиции (античность, Возрождение, барокко, классицизм и др. ), так и стремление избавиться от жестких канонических схем использовать свободные композиционные приемы (XIX-XX вв.). Композиция, отвечающая индивидуальным творческим поискам художников, способна вызвать разнообразные ассоциации, чувства и эмоции. 1. Композиционная схема 2. Плановость в композиции 3. Контрасты темного и светлого в композиции

Композиции подвластно многое. С помощью композиционных средств можно передать на картине события, имеющие протяженность во времени, то есть происходящие не одновременно, а одно за другим. Этими приемами хорошо владели древнерусские иконописцы. Например, мастера новгородской школы XV века, чтобы рассказать о битве суздальцев с новгородцами, использовали трехъярусную фризовую композицию, то есть как бы три отдельные картины, показывающие каждая определенный эпизод, они расположены одна над другой, но вместе с тем составляют единое целое.
Еще один распространенный прием построения композиции для передачи событий, происходящих в разное время и в разных местах,- объединение в одно целое нескольких сюжетов. Как правило, это крупное по размеру изображение в центре холста и небольшие рисунки вокруг него. Примеры такого построения композиции можно встретить в иконописи, народном искусстве, книжной графике и других видах искусства.
Композиционные приемы в полной мере зависят от видов искусства. Наряду с общими закономерностями композиции каждый вид искусства имеет свою специфику и даже одно и то же композиционное средство может использоваться по-разному.
В живописном произведении композиция должна казаться естественной и органичной, не навязывать зрителю идею картины, а как бы незаметно подводить его к ней с тем, чтобы он проникся ее содержанием и замыслом художника.
Если в живописи композиция помогает передать иллюзию пространства, его глубину, то в народном и декоративно-прикладном искусстве художник композиционными приемами, наоборот, стремится подчеркнуть объем или плоскость украшаемого объекта.
В декоративной композиции тема может быть выражена способами, принципиально отличающими ее от композиции картины. Изображение пейзажа может разворачиваться не в глубину, а вверх, в таком случае дальние планы помещают над ближними, как в древнерусской иконе.
В иконописи и народном искусстве привлекают ясность образа, необыкновенная цельность, плавность и текучесть линий.
Следует обратить внимание на композиционные приемы народного орнамента в изделиях исконно русских промыслов. Пластически-ритмический принцип является основой гармонии в изделиях Хохломы, Городца, Павловского Посада и других традиционных центров.
Тематическую декоративную композицию можно сравнить не только с орнаментом, где есть мотив, но и с узором, свободно заполняющим плоскость. При всем своеобразии декоративного изображения оно совершенно не исключает последовательности, не лишено возможности вести сюжетный занимательный рассказ, даже иллюстрации к книге могут быть выполнены декоративно.
Декоративная тематическая композиция — особый художественный мир со своим условным порядком, а иногда и конкретными, легко узнаваемыми персонажами, которые соотносятся друг с другом совсем не так, как в реальной действительности.

Основная отличительная особенность декоративного изображения от реалистического состоит в том, что цвет предмета может быть дан без учета света и тени, возможен даже полный отказ от реального цвета. Важно, чтобы с его помощью цвета создавался художественный образ.
Свойство декоративной композиции — декоративное преображение любой натуры, выделение нарядности, красочности, орнаментальности окружающего мира, соблюдение определенной меры условности изображения. Умелое обобщение формы нисколько не вредит выразительности. Отказ от второстепенных подробностей делает более заметным главное. К положительным результатам ведет не только строгий отбор главного, но и некоторая недосказанность, ассоциативность эмоционально-образного решения темы.
Композиция ансамбля русского народного костюма строится по-разному в традиционных женских нарядах Севера и Юга России.
В русской деревне вышивками, аппликациями, бисером и речным жемчугом любили украшать праздничную одежду. Женский костюм русского Севера часто называют «сарафанным комплексом», так как основные его части — рубаха и сарафан. Рукава, плечи и ворот, не закрытые сарафаном, обычно расшивали красными нитками. Часто украшали и подол. На Руси никогда не ходили без пояса, так как считалось, что он оберегает от бед.
Завершает ансамбль русского костюма головной убор. У девушек это может быть только перевязка, оставляющая верх головы не закрытым, а замужняя женщина не показывалась на людях простоволосой. Северянки, например, носили кокошники, расшитые золотой нитью и речным жемчугом. Они по своей форме могли напоминать распушившуюся курочку, полумесяц, царский венец или иметь иную форму. Южанки предпочитали рогатую кичку, состоящую из многих деталей.

Костюм южных губерний заметно отличался от костюма северных. Он представлял собой так называемый «поневный комплекс». Основу его составляет понева, которую укрепляют на талии, причем полы ее не сходятся, и в просвете видна рубаха. Позднее прореху стали закрывать полотнищем другой материи — прошвой. Для этих костюмов характерна особая узорность, яркость и декоративность.
Самая незамысловатая часть костюма — обувь тоже делалась с выдумкой, но в народном искусстве красота и назначение никогда не расходились. Крестьяне носили легкие и удобные для работы в поле лапти, а в праздники надевали обувь кожаную — сапоги, полусапожки, башмаки, коты.
Композиция каждый раз ставит перед художником сложные вопросы, ответы на которые должны быть точными, оригинальными, неповторимыми.
В композиции важно все — масса предметов, их зрительный «вес», размещение их на плоскости, выразительность силуэтов, ритмические чередования линий и пятен, способы передачи пространства и точка зрения на изображаемое, распределение светотени, цвет и колорит картины, позы и жесты героев, формат и размер произведения и многое другое.
Художники используют композицию как универсальное средство, чтобы создать живописное полотно, скульптуру или произведение декоративно-прикладного искусства, добиться их образной и эмоциональной выразительности. Композиция же — не только мысль, идея произведения, ради выражения которой художник берется за кисть и карандаш, это и определенно созвучная душе художника и требованиям времени пластическая форма выражения.

		Построение картины можно рассчитать заранее. Постоянные упражнения в композиционном искусстве развивают композиционные навыки, можно научиться приемам построения композиции. С чего же начинается работа над композицией? Даже если попробовать разместить на листе всего одну точку, то уже встает проблема, как ее расположить наилучшим образом. Впечатление меняется в зависимости от перемещения точки на плоскости. Вместо точки может быть любой объект, например один человек или даже толпа народа, если взглянуть на нее с большой высоты. Новые проблемы в композиции появляются, когда к точке добавляется линия, которая в сущности состоит из многих точек. Попробуйте представить цепочку из большого количества людей и взглянуть с высоты. Вы увидите линию.
Примеры композиционного размещения объектов на листе

Точка и несколько линий дают множество вариантов композиции.

Можно представить, что на первом рисунке изображен человек на берегу моря. На следующем рисунке может быть нарисован альпинист, поднимающийся в гору. Третья картина может показать охотников на берегу реки. А четвертая — пейзаж.
Каждый может увидеть в этих схемах свои картины. Из точек, линий и пятен можно составить бесконечное количество композиций. Но для того, чтобы подняться к вершинам мастерства, освоить секреты композиции, необходимо познакомиться с ее правилами, приемами и средствами.

У композиции есть свои законы, складывающиеся в процесс художественной практики и развития теории. Этот вопро’ очень сложный и обширный, поэтому здесь пойдет речь < правилах, приемах и средствах, которые помогают построит] сюжетную композицию, воплотить идею в форму художествен ного произведения, то есть о закономерностях построение композиции.
Мы рассмотрим в основном те из них, которьи касаются процесса создания реалистическогс произведения. Реалистическое искусство не простс отражает действительность, а олицетворяет востор] художника перед удивительной красотой обычны? вещей — эстетическое открытие мира.

Конечно, никакими правилами нельзя заме нить отсутствие художественных способностей к творческой одаренности. Талантливые ХУДОЖНИКЕ могут интуитивно находить правильные композиционные решения, но для развития композиционного дарования необходимо изучать теорию и многс трудиться над ее практической реализацией.
Композиция строится по определенным законам. Ее правила и приемы взаимосвязаны между собой и действуют во все моменты работы над композицией. Все направлено на достижение выразительности и цельности художественного произведения.
Поиск оригинального композиционного решения, использование средств художественной выразительности, наиболее подходящих для воплощения замысла художника, составляют основы выразительности композиции.
Итак, рассмотрим основные закономерности построения художественного произведения, которые можно назвать правилами, приемами и средствами композиции.
Основной замысел композиции может быть построен на контрастах доброго и злого, веселого и грустного, нового и старого, спокойного и динамичного и т. п.
Контраст как универсальное средство помогает создать яркое и выразительное произведение. Леонардо да Винчи в «Трактате о живописи» говорил о необходимости использовать контрасты величин (высокого с низким, большого с маленьким, толстого с тонким), фактур, материалов, объема, плоскости и др.
Тональный и цветовой контрасты используются в процессе создания произведений графики и живописи любого жанра.
Светлый объект лучше заметен, выразительнее на темном фоне и, наоборот, темный — на светлом.

На картине В. Серова «Девочка с персиками» (ил. 36) можно хорошо видеть, что смуглое лицо девочки выделяется темным пятном на фоне светлого окна. И хотя поза девочки спокойна, все в ее облике бесконечно живо, кажется, что она сейчас улыбнется, переведет взгляд, пошевелится. Когда человек изображен в типичный момент своего поведения, способным на движение, не застывшим, мы восхищаемся таким портретом.
Пример использования контрастов в многофигурной тематической композиции — картина К. Брюллова «Последний день Помпеи». Она отображает трагический момент гибели людей во время извержения вулкана. Композиция этой картины построена на ритме светлых и темных пятен, разнообразных контрастах. Главные группы фигур расположены на втором пространственном плане. Они выделены самым сильным светом от вспышки молнии и поэтому наиболее контрастны. Фигуры этого плана особенно динамичны и выразительны, отличаются тонкой психологической характеристикой. Панический страх, ужас, отчаяние и безумие — все это отразилось на поведении людей, их позах, жестах, действиях, лицах.
Для достижения цельности композиции следует выделить центр внимания, где будет расположено главное, отказаться от второстепенных деталей, приглушить отвлекающие от главного контрасты. Композиционной цельности можно добиться, если объединить светом, тоном или колоритом все части произведения.
Важная роль в композиции отводится фону или среде, в которой происходит действие. Окружение героев имеет огромное значение для раскрытия содержания картины. Единства впечатления, цельности композиции можно достигнуть, если найти необходимые средства для воплощения замысла, в том числе и наиболее типичный интерьер или пейзаж.
Итак, цельность композиции зависит от способности художника подчинить второстепенное главному, от связей всех элементов между собой. То есть недопустимо, чтобы сразу бросалось в глаза что-то второстепенное в композиции, в то время как самое важное оставалось незамеченным. Каждая деталь должна восприниматься как необходимая, добавляющая что-то новое к развитию замысла автора.
Запомните:
— ни одна часть композиции не может быть изъята или заменена без ущерба для целого;
— части не могут меняться местами без ущерба для целого;
— ни один новый элемент не может быть присоединен к композиции без ущерба для целого.

Знание закономерностей композиции поможет вам сделать свои рисунки более выразительными, но это знание вовсе не самоцель, а лишь средство, помогающее достигнуть успеха. Порой сознательное нарушение композиционных правил становится творческой удачей, если помогает художнику точнее воплотить свой замысел, то есть бывают исключения из правил. Например, можно считать обязательным то, что в портрете, если голова или фигура повернуты вправо, перед ними необходимо оставить свободное место, чтобы портретируемому, условно говоря, было куда смотреть. И, наоборот, если голова повернута влево, то ее сдвигают вправо от центра. В. Серов в портрете Ермоловой нарушает это правило, чем добивается поразительного эффекта — создается впечатление, что великая актриса обращается к зрителям, которые находятся за рамой картины. Целостность композиции достигается тем, что силуэт фигуры уравновешивается шлейфом платья и зеркалом (ил. 38). Можно выделить следующие композиционные правила: передачи движения (динамики), покоя (статики), золотого сечения (одной трети). К приемам композиции можно отнести: передачу ритма, симметрии и асимметрии, равновесия частей композиции и выделение сюжетно-композиционного центра. Средства композиции включают: формат, пространство, композиционный центр, равновесие, ритм, контраст, светотень, цвет, декоративность, динамику и статику, симметрию и асимметрию, открытость и замкнутость, целостность. Таким образом, средства композиции — это все, что необходимо для ее создания, в том числе ее приемы и правила. Они разнообразны, иначе их можно назвать средствами художественной выразительности композиции. Здесь названы не все, а только основные.

Узнать еще:

ОТКРЫТАЯ И ЗАКРЫТАЯ КОМПОЗИЦИЯ. Фотосъемка. Универсальный самоучитель

Читайте также

Жерлицы (открытая вода)

Жерлицы (открытая вода) Многие рыболовы не без основания считают, что без привычных жерлиц на щучьем водоеме делать нечего. Действительно, вбитый под наклоном кол и подвешенная к нему жерлица с гуляющим живцом притягивает щуку подобно магниту, и в конечном итоге

1 — форт (главное укрепление со рвом), 2 — броневая батарея (2х155-мм укороченные пушки), 3 — открытая батарея, 4 — открытая маскированная батарея, 5 — наблюдательный пост и прожектор, 6 — бетонное пехотное убежище, 7 — промежуточное артиллерийское депо

1 — форт (главное укрепление со рвом), 2 — броневая батарея (2х155-мм укороченные пушки), 3 — открытая батарея, 4 — открытая маскированная батарея, 5 — наблюдательный пост и прожектор, 6 — бетонное пехотное убежище, 7 — промежуточное артиллерийское депо Несколько лет спустя

Лицензия открытая

Лицензия открытая ЛИЦЕНЗИЯ ОТКРЫТАЯ — лицензия на использование объекта промышленной собственности или селекционного достижения, предоставляемая любому заинтересованному лицу на основании заявления, поданного правообладателем в уполномоченный государственный

10.

10.2. Закрытая травма живота Тупая брюшная травма, как правило, возникает вследствие несчастных случаев, при автомобильных авариях, во время занятий спортом, поединков, падений. Прогноз зависит от степени повреждения, но чем быстрее оно диагностировано и начато лечение,

Композиция

Композиция Композиция (componimento – итал., composition – франц.) – музыкальное сочинение, а также искусство изображать звуками настроение души. Пособием для более красивого стройного изложения музыкальных мыслей служит «теория К.». С К. связаны творчество, т. е. способность

Композиция

Композиция Композиция – в начертательных искусствах, сочинение художником его произведения, т. е. перенесение архитектором в проект сооружения, скульптором в рельеф или статую, живописцем в картину или рисунок, орнаментистом в декоративное изделие тех линий, форм и

КОМПОЗИЦИЯ

КОМПОЗИЦИЯ Фигура, расположенная в центре кадра, кажется больше, чем на самом деле. Если фигура модели не худощавая, то ее лучше располагать ближе к краю кадра, желательно по правилу одной трети.Движущиеся объекты, рекомендуется располагать на снимке таким образом, чтобы

Открытая рана

Открытая рана Если рана идет вдоль, то для того, чтобы она не раскрывалась, мышцы живота должны быть напряжены. Чтобы добиться этого, пострадавшего следует положить на спину, слегка приподняв вытянутые ноги помещенным под них свернутым одеялом, пальто или курткой.

Г.Вельфлин. Основные понятия: Замкнутая и Открытая форма

Третья пара понятий: развитие от изображения замкнутой формы к открытой: Классицизму присущи замкнутые формы изображения, Барокко – открытые формы изображения.

Г.Вельфлин представляет, что каждое художественное произведение оформлено и представляет собой организм, должно быть замкнутым це­лым, и нужно считать недостатком, если оно не огра­ничено самим собой. Существеннейшим признаком произведения является присущий ему характер необходимости: в нем ничто не может быть изменено или смещено, но все должно быть таким, как оно есть. Однако толкование этого требова­ния было столь различным в XVI и XVII столетиях, что по сравнению с распущенной формой Барокко класси­ческую слаженность можно справедливо считать искус­ством замкнутой формы. Ослабление суровых правил, смягчение тектонической строгости — означает не просто увеличение привлекательности, но является последовательно прове­денной новой манерой изображения; вот почему и этот мотив, по мнению Г. Вельфлина, должен быть отнесен к основным формам изоб­ражения.

          «Замкнутым» по Вельфлину называется изображение, которое с помощью большего или меньшего количества тектонических средств превращает картину в явление, ограниченное в себе самом, во всех своих частях ограниченное в себе самом, во всех своих частях объясняющееся собою самим, тогда как стиль открытой формы, наоборот, всюду выводит глаз за пределы картины, желает показаться безграничности, хотя в нем всегда содержится скрытое ограничение, которое одно только и обуславливает смысл замкнутости(законченности) в эстетическом смысле.

При попытке осмыслить понятие замкнутой формы, мы вправе принимать в расчет не только высшие дости­жения строгой закрытой формы, вроде Афинской школы (1) или Сикстинской Мадонны (2) Рафаэля.

 1.

2.

Не следует забывать, что такие композиции и в пре­делах своей эпохи представляют исключительно строгий тектони­ческий тип, и что наряду с ними всегда существует более свобод­ная форма, без геометрического остова, которая с таким же пра­вом может рассматриваться как «замкнутая форма»; примерами могут служить Чудесный Улов Рафаэля (3) или Рождество Марии Андреа дель Сарто (4) во Флоренции.  3. 4.

        Свойство, присущее всем картинам XVI века: вертикальное и горизонтальное направления на них не только имеют место, но им принадлежит господствующая роль. XVII век избегает отчет­ливо выражать эти элементарные противоположности. Они те­ряют тектоническую силу даже в тех случаях, когда фактически проступают во всей своей чистоте. Части картины располагаются в XVI веке около средней оси или же, где ее нет, таким образом, чтобы между половинами кар­тины существовало совершенное равновесие, которое хотя и не всегда поддается точному определению, все же очень явственно чувствуется при сопоставлении с более свободным распределением частей на картинах XVII века. Что же касается проведения средней оси, то изобразительное искусство барокко питает к ней самое реши­тельное отвращение. Чистая симметрия исчезает или же делается незаметной при помощи всякого рода нарушений равновесия. При заполнении картины для XVI века было естественно при­держиваться данной плоскости. Содержание распределяется в пределах площади картины таким образом, что кажется, будто оно определено ею. В XVII веке заполнение отрешается от рамы. Делается все для того, чтобы избежать впечатления, будто данная композиция придумана специально для данной плоскости. Хотя скрытое соответствие, естественно, продолжает давать себя знать, целое все больше стремится к тому, чтобы выглядеть как случайный отрезок видимого мира.

            В конечном же итоге все явственнее обнаруживается тенден­ция к тому, чтобы картина перестала выглядеть как самодовлею­щий кусочек мира, но казалась преходящим зрелищем, которое радует зрителя именно тем, что приобщает его к жизни мгнове­ния.

Элементы изображения закрытой и открытой формы:

1. Классическое искусство есть искусство отчетливо выражен­ных горизонталей и вертикалей. Наглядность этих моментов до­водится в искусстве до высшей ясности и остроты. Идет ли речь о портрете или о фигуре, о жанровой сцене или о пейзаже, в картине всегда господствует противоположность отвесных и горизонтальных на­правлений. Барокко склонен если и не вовсе вытеснить названные моменты, то все же затушевать их противо­положность. Нельзя утверждать, будто классическое искусство пользуется исключительно отвесными и горизонтальными на­правлениями в их чистом виде, но они предполагаются всегда и слу­жат для чувства нормой. Изменение геометрии, конечно, меняет явление во всех отно­шениях. Для классического Грюневальда (5) световой ореол, окру­жающий воскресающего Христа, само собой разумеется, был кругом, Рембрандт (6) же, при аналогичном намерении создать впе­чатление торжественности, не мог бы пользоваться этой формой.   5.    6.

2. Симметрия и в XVI веке не была всеобщей композиционной формой, однако к ней прибегали очень часто, ее всегда заменяет ясно выраженное равновесие половин картины. XVII век превратил это устойчивое отношение равновесия в отношение неустойчивое, по­ловины картины утрачивают сходство. Где речь идет о симметрии, там имеют в виду прежде всего торжественность впечатления; к симметрии стремятся при всякой попытке дать более монументальную композицию, для буднич­ного же настроения она нежелательна. XVI век решался подчинять симметрии даже сцену свободного движения, не опасаясь произвести впечатление мертвенности; XVII век дает сим­метрическое расположение, лишь когда оно реально налично. Важно, однако, что и в этом случае картина все равно остается атектонической.

Как резко восстает дух времени против чистой симметрично­сти, очень хорошо можно видеть на добавлениях к картинам урав­новешенного стиля, которые любил давать Барокко для сообще­ния этим картинам большей жизненности. Барокко же сознательно подчеркивает одну сторону и создает таким образом отношение неустойчивого равновесия, — совер­шенная неуравновешенность недопустима в искусстве. Сравните двойные портреты у Ван-Дейка (7) с аналогичными картинами Голь-бейна (8) или Рафаэля (9). Равноценность обеих фигур всегда устранена, часто с помощью еле ощутимых средств. Всякое пространственное направление сопровождается в XVI веке другим — уравновешивающим — направлением, всякое све­товое пятно, всякая краска дополняются соответствующими про­тивоположностями. Барокко предпочитает преобладание одного какого-нибудь направления. А краска и свет распределяется им таким образом, что в результате создается впечатление не насы­щенности, а напряжения.
 7.
  8.   9.

            Классическую картину можно узнать издали по равномерному распределению на плоскости световых пятен, по тому, например, как освещение головы на портрете уравновешивается освещением руки. У Барокко расчет другой. Не вызывая впечатления рас­стройства, он освещает одну лишь сторону картины, внося в нее таким образом живое напряжение. Различные способы насыщен­ного распределения света и тени кажутся в эпоху Барокко чем то мертвым. Картина спокойно текущей реки с видом Дордрехта фан Гойена (10), где наиболее ярко освещен самый край, содержит такое распределение света, которое было недоступно XVI веку даже в тех случаях, когда он пытался выразить крайнее воз­буждение.  10.

       Примерами нарушенного равновесия колорита могут служить хотя бы Андромеда Рубенса (11), где сверкающая масса кармина—сброшенный плащ—асимметрично подчеркнута в ниж­нем правом углу, или Купающаяся Сусанна Рембрандта (12) с издали бросающимся в глаза вишневым платьем, у самого края картины направо: эксцентрическое распределение колорита здесь можно почти осязать.

 11.   12.

3. В тектоническом стиле заполнение картины определяется ее площадью, в атектоническом — отношение между площадью и за­полнением кажется случайным.

Какова бы ни была площадь картины: прямоугольная или круглая, — в классическую эпоху всегда руководились правилом делать данные условия законом для собственной воли, т. е. при­давать целому такой вид, как если бы данное заполнение суще­ствовало именно для данной рамы, и наоборот. Параллельные ли­нии способствуют впечатлению законченности и прикрепляют фигуры к краям. Напротив, даже столь тщательно построенные пейзажи Рей­сдаля (13) определяются главным образом стремлением освободить картину от власти рамы: она не должна выглядеть так, точно она получает свой закон от рамы, или как утратила соприкос­новение с линиями рамы Дорога в Миддель Гарнис Гоббемы (14).  13.
  14.

С проблемой признания или отрицания рамы связывается, далее, другая проблема: умещается ли мотив целиком в преде­лах рамы или же, напротив, пересекается ею. Барокко избегает слишком явных совпадений между площадью картины и вещью. И классическое искусство, конечно, не обходилось без пересечения краев изобра­жаемого, но все же классическая картина производит целостное впечатление, потому что она дает зрителю ответ на все суще­ственное, и пересечения касаются лишь предметов, лишенных какого бы то ни было ударения. Позднейшие художники стре­мятся создать иллюзию насильственного пересечения, но в дей­ствительности и они не жертвуют ничем существенным (в про­тивном случае кар­тина всегда произво­дила бы неприятное впечатление.

4. Если на Тайной Вечере Лионардо (15) Христос восседает в ка­честве подчеркнутой центральной фигуры между симметрично расположенными боковыми группами, то это пример тектоничного распределения, о котором была уже речь выше.  15.

Но иным и новым является то обстоятельство, что этот Христос одновре­менно согласован с изображенными на картине архитектурными формами: он не только сидит посредине комнаты, но его фигура точно совпадает со светлым пятном центральной двери; от этого впечатление усиливается: Христос предстоит нам как бы в ореоле. Важно то, что такая дис­позиция вообще была возможной, тогда как позже она больше невозможна. Доказательством служит Рубенс (16), он ото­двигает важнейшие фигуры в сторону, и такое расхождение осей ощущается теперь не как нарушение строгой формы, как в XVI веке, но просто как нечто естественное.  16.

5. Резюмирующим понятием тектонического стиля следует считать планомерность, которая лишь отчасти сводится к геоме­трической правильности; скорее можно сказать, что она создает впечатление общей закономерной связанности, отчетливо выра­женной освещением, манерой проведения линий, перспективой и т. д. Атектонический стиль не есть нечто свободное от всяких правил, но порядок, лежащий в его основе, кажется настолько чуждым строгости, что с полным правом можно говорить о про­тивоположности закона и свободы.

Пространственность классического искусства, как мы знаем, носит ступенчатый хара­ктер, причем эта ступенчатость закономерна. Напротив, мотив вроде изображения переднего плана в крупных размерах стал возможным только потому, что худож­ники перестали видеть красоту в равномерности, но зато при­обрели способность наслаждаться прелестью причудливого ритма. Разумеется, и в этом случае соблюдается известная правильность, т. е. в основе построения картины лежит известный закон, но он не бросается в глаза, и поэтому порядок на картине кажется свободным. Стиль замкнутой формы есть архитектурный стиль. Он строит, как строит природа, и ищет в природе то, что ему род­ственно. Влечение к изначальным направлениям: вертикальному и горизонтальному, связывается с потребностью в границе, по­рядке, законе. Никогда симметрия человеческой фигуры не чув­ствовалась сильнее, никогда противоположность горизон­тальных и вертикальных направлений и законченная пропор­циональность не ощущались острее, чем тогда. Всюду классический стиль стремится   изобразить   незыблемые,    пребывающие   элементы формы. Природа есть космос, а красота — открывшийся взору художника закон. Для атектонического стиля интерес к архитектурности и вну­тренней замкнутости отступает на второй план. Картина пере­стает быть архитектурой. В изображении фигуры архитектониче­ские моменты играют второстепенную роль. Самым существен­ным в форме является не схема, но дыхание, расплавляющее ока­менелость и сообщающее всей картине движение. Классический стиль создает ценности бытия, барокко — ценности изменения. Там красота заключена в ограниченном, здесь — в безграничном. Различное миросозерцание! Классика демонстрирует нам креп­кую слаженность рисунка в портретах классических художников, как явление новое. Четко намеченное противопоставление опреде­ляющих форм, вертикальная установка головы, привлечение подчеркивающих тектоничность сопрово­ждающих форм, вроде симметричных дере­вец, — все действует в одном и том же смысле. Автопортрет Дюрера (17) является, в качестве такой чисто фронтальной картины, выра­жением credo не только личности художника, но всего тектонического искусства.  17.

     Однако исключение вертикальности дело невозможное. И в Барокко люди на картинах «стоят прямо». Но за­мечательно: вертикальное напра­вление утратило свое тектоническое значение. Как бы ясно оно ни про­ступало, его согласованность с си­стемой целого исчезает. Сравним бюст Красавицы Тициана (18) с Луиджией Тассис Ван-Дейка (19): у Тициана фигура живет в рамках тектониче­ского целого, от которого она заим­ствует силу, и которое; в свою оче­редь, сама усиливает, у Ван-Дейка фигура отрешена от тектонической основы. В первом случае фигура со­держит в себе нечто фиксированное, во втором — она движется.  18.
  19.

      Когда Терборх (20)  изо­бражает свои стоящие в пу­стых помещениях одинокие фигуры, то кажется, что связь между осью фигуры и осью картины совершенно утрачена.  20.

            В трактовке нагой фигуры ни одна нация не применяла тектонического стиля с такой убедительностью, как италь­янцы (Бресчиано, Венера и купидоны 21).  21.

Здесь мы в праве ска­зать, что стиль вырос из со­зерцания тела, и цар­ственному строению человече­ского тела вообще. Этого убеждения держишься до тех пор, пока не увидишь, во что обратили человеческое тело художники типа Рубенса (11) или Рембрандта (12) с их иною формою видения.

История тектонического стиля не может быть написана без учета национальных и местных различий. Как уже сказано, север всегда ощущал атектоничнее, чем Италия. На севере всегда казалось, что геометрия и «правила» убивают жизнь. Северная красота не есть красота в себе замкнутого и ограниченного, а красота без­граничного и бесконечного.

Основы композиции на плоскости. Основные принципы построения композиции (стр. 2 из 3)

а) б)

Рис. 3. Устойчивые композиции

Поиск равновесия в композиции значительно облегчается, если вы работаете за компьютером. В качестве тренировки полезно выполнить несколько условных композиций из простых геометрических фигур. Скопируйте и сохраните наиболее удачные по вашему мнению варианты, в результате можно будет выбрать лучший. Выше приведены примеры достижения равновесия в симметричных и асимметричных композициях (рис. 4).

Рис. 4. Равновесие в симметричных и асимметричных композициях

5. Контраст

Контраст — резкое различие элементов композиции — мощное средство усиления выразительности. Это сочетание противоположных характеристик, противопоставление высокого и низкого, линий и пятен, темного и светлого. Контраст выделяет часть изображения, расставляет акценты, выражает энергию и силу произведения. Умение использовать контрасты – показатель художественного чутья дизайнера. Построенная на контрасте реклама сразу же обращает на себя внимание и лучше запоминается; использование контрастных решений в интерьере способствует переключению внимания при рутинной работе; на контрастном фоне текст заметнее. Контраст — проявление всеобщего диалектического закона единства и борьбы противоположностей; он подчеркивается не только формой, цветом, текстурой, но и общей идеей, отраженной в композиции. Мужчина и женщина в скульптуре В. Мухиной “Рабочий и колхозница” смотрятся особенно устойчиво и убедительно потому, что преодолевают напор ветра.

Важную роль в композиции играет нюанс, сущность которого составляет плавный переход характеристики элементов композиции. При нюансе нет четко выраженных противоречий: он призван выявить оттенки, помогая избежать монотонности.

6. Ритм

Форма, текстура, цвет отдельных объектов, взаимодействуя, дополняют и в то же время подчеркивают индивидуальность друг друга. Это взаимодействие создает определенный ритм — темп, напряжение дизайнерской работы. Он связывает отдельные линии, плоскости, формы, настраивает движение глаз зрителя по объекту или изображению. Ритм — элемент самой жизни: дыхание, пластика тела, чередование дня и ночи — все в природе ритмизовано.

Ритму подчинен порядок, связь, строй всех элементов художественного произведения, он побуждает к преодолению неподвижности изображения, заставляет его дышать и двигаться. Ритм может быть явным, динамичным (строение ветвей дерева, стоящие вдоль улицы дома, геометрический орнамент) или приглушенным, сдержанным (горная цепь, складки одежды, повороты голов людей, стоящих группой). Ритмическое развитие композиции может идти по горизонтали или вертикали, по квадрату, кругу, реже — по овалу.

7. Гармония и центр композиции

Все средства выразительности при объединении следует подчинять гармонии. Гармония — соразмерность всех частей целого. Гармония фона и переднего плана, цвета и графических элементов, освещения и ракурса составляют основу композиции. Цельность произведения определяется возможностью сразу охватить его взглядом и одновременно определить основную часть, вокруг которой располагаются не столь значимые, но тем не менее необходимые элементы композиции. Главный смысловой элемент является центром композиции. Заметим, что центр в данном случае — понятие условное. Форма и место размещения центра могут быть любыми, но главная часть композиции всегда содержит внутри себя точку или линию, относительно которой устанавливается равновесие боковых частей или верха и низа.

8. Форматы плоской композиции

Огромное значение для плоской композиции имеет “рама”, граница поля изображения. Элементы композиции, расположенные у центра, воспринимаются лежащими в глубине, в этом случае ровное плоское поле становится пространством. Элементы, расположенные на однородном поле близко к краю, как бы лежат на поверхности, в плоскости “рамы”.

Наиболее распространенные форматы изображения — прямоугольные, круглые, овальные. Прямоугольный, вытянутый вертикально формат придает ощущение возвышенности, стремления вверх. Горизонтальный формат выглядит “распахнутым”: ослабляется чувство замкнутости, уменьшается значение композиционного центра. Он удобен для сложных многоплановых композиций. Чаще всего используется прямоугольный формат золотого сечения. Он наиболее уравновешен и замкнут. Круглый и квадратные форматы слишком статичны, в них трудно компоновать изображение. Очень выразительна овальная “рама”, но она требует тщательно продуманной компоновки.

9. Основные принципы построения композиции

1. Существуют два типа композиции — замкнутая и открытая. Для передачи идеи неподвижности, устойчивости больше всего подходит замкнутая (закрытая, статичная) композиция. Для нее характерны устремленные к центру основные направления линий, построение по форме круга, квадрата, прямоугольника с учетом симметрии. Признак замкнутой композиции — четкий внешний контур, нарастание сложности к центру.

Ощущение простора передается открытой композицией. Основные направления линий — от центра. Как правило, строится несколько композиционных узлов, используется ритм. Ниже приведены примеры замкнутой и открытой композиций.

2. Для передачи движения (динамики) используются:

— диагональные линии;

— свободное пространство перед движущимся объектом;

— момент кульминации движения.

3. Условия для выражения покоя (статики):

— нет диагоналей;

— нет свободного пространства;

— статичные позы;

— симметрия, уравновешенность;

— вся композиция вписана в простую геометрическую форму (треугольник, квадрат, овал).

4. Характерные элементы композиции объединяются по однород-ным признакам, форме, цвету, текстуре, фактуре.

5. Построение всей композиции на контрастах создает напряжение: так, изделиям из керамики противопоставляются хрустальные сосуды; бабочки выглядят особенно яркими и живыми на фоне белых рулонов и листов бумаги.

6. Необходимо соблюдать ограничения (не больше трех-четырех) в материале, деталях, цвете, форме. Избегайте пестроты и дробности, так как это создает нежелательное ощущение беспокойства и тревоги. Пестрые, перенасыщенные изображе-нием композиции утомляют, вызывают отрицательные эмоции.

7. Если в композиции много элементов, их располагают группами по два-три. Для изображения событий, равных по своей значимости, используют несколько композиционных центров.

8. Следует обеспечить свободное пространство между группами, чтобы, не “потерялись” отдельные части композиции.

9. Особо подчеркивается субординация (соподчинение) между группами. Наиболее значимые элементы выделяют размещением, размером, цветом так, чтобы направить взгляд человека сначала на них, а затем — на менее важные детали.

10. В соответствии с правилом золотого сечения наиболее значимый элемент или группу элементов располагают примерно на расстоянии 1/3 от края экспозиции.

11. Объемность, глубина изображения достигаются с помощью цвета, размеров, динамики формы, перспективы, теней.

12. Необходимо соблюдать оптическое равновесие за счет правильного размещения крупных, тяжелых, темных форм относительно малых, легких, светлых.

Эксперимент — залог успеха в творчестве. Создав композицию, не останавливайтесь на достигнутом, пробуйте что-либо изменить. Ставьте задачу нахождения взаимосвязи частей композиции. Убедитесь, что:

— ни одна часть композиции не может быть изъята или заменена без ущерба для целого;

— части композиции нельзя поменять местами без ущерба для целого;

— ни один новый элемент нельзя присоединить без ущерба для целого.

10. Некоторые композиционные приемы

Совсем необязательно строить многоэлементную композицию — можно использовать минимум деталей, и чем их меньше, тем сильнее должна быть их характерность, типичность.

Можно выразить тему через отдельные характерные ассоциации с помощью предметов или комбинаций предметов, способных эти ассоциации вызвать.

Правильное построение композиции усиливает впечатление динамики: сравните предлагаемые примеры. Когда перед автомобилем или фигурой бегущего человека оставлено свободное место (пространство), компоновка смотрится лучше. Ощущение динамики может вызвать и форма объекта.

Выразительные образы реальных объектов можно создавать композицией абстрактных геометрических форм.

Выразительность образа усиливается за счет преднамеренного искажения, трансформации формы.

В монохромной композиции смелее экспериментируйте с тоном. Кроме черного и белого цветов можно широко использовать промежуточный, серый, тем более, что он до бесконечности разнообразен.

Цвет делает изображение богаче, усложняет его структуру модуляциями теплых и холодных тонов, с помощью которых хорошо передается гармоничный контраст. В рекламном искусстве применяется также метод сознательного отказа от гармоничных сочетаний, что обусловлено назначением рекламы: привлекать зрителя.

Часто в качестве декоративного элемента используется орнамент — особый вид композиции, состоящий из ритмически упорядоченных элементов. Орнаментальное украшение — самое простое художественное построение, которое тоже подчиняется законам композиции (ряд примеров был приведен выше). Типичными элементами орнамента являются сочетания геометрических фигур, стилизованных форм живой природы, произвольных графических элементов. Повторяющаяся часть орнамента называется раппорт. Один раппорт порождает практически неограниченное число орнаментов за счет сдвигов, зеркальной или угловой симметрии, наложений.

: Open Vs. Замкнутая композиция

Если у вас есть хоть какой-то опыт в фотографии, вы уже знаете, что на всех хороших фотографиях присутствуют некоторые важные элементы — цвет или контраст, освещение и, конечно же, композиция.

Композиция — это невероятно широкий термин, охватывающий множество практических правил фотографии: правило третей, золотое сечение, использование направляющих линий, наличие баланса или симметрии и многие другие.

Что касается этих «других» практических правил, открытые и закрытые композиции — эффективные способы создания вашего имиджа, но они не так широко известны.Давайте рассмотрим обе эти концепции более подробно.

Открытые композиции

Открытые композиции — это композиции, в которых все элементы изображения работают вместе, помогая направить взгляд от одного места к другому. В связи с этим для создания очень динамичной сцены часто используется использование линий, форм, текстур, цветов и т. Д. Кроме того, открытые композиции содержат сильные элементы, некоторые из которых могут быть фокусами, которые выходят за край кадра. Из-за этого эти элементы кажутся продолжающимися и продолжающимися, как поле ячменя на изображении выше, что придает открытость композиции.

В открытых композициях обычно отсутствует формальное обрамление, поскольку элементы изображения часто не ограничиваются рамками фотографии, как отмечалось выше. Этот тип композиции отлично подходит для создания ощущения динамизма и движения, даже если в кадре нет движущихся объектов. Это связано с тем, что глаз зрителя поощряется переходить от одной области изображения к другой, например, от области насыщенных цветов к области, которая включает интересную форму, к другой области, содержащей интересную текстуру, и так далее.

Пейзажная фотография, пожалуй, наиболее широко использует открытые композиции. При просмотре пейзажа глаз может свободно перемещаться по кадру и за его пределами, исследуя все различные аспекты сцены. Архитектурная фотография также выигрывает от открытых композиций. Обратите внимание на изображение выше, что глаз может свободно перемещаться от формы одного здания к другому, в то время как открытое небо над горизонтом города создает ощущение открытости, выходящей далеко за пределы кадра.

Закрытые композиции

Изображение считается закрытым, если все основные элементы изображения содержатся в кадре. Выделяется основной объект, сразу привлекающий внимание зрителя. Во многих ситуациях объект располагается в середине кадра или рядом с ним либо по горизонтальной, либо по вертикальной оси, а иногда и по обеим сторонам. Все остальное в изображении направляет внимание зрителя на основной объект.По этой причине закрытые композиции, как правило, вызывают ощущение статичности, что контрастирует с более динамичным ощущением, создаваемым открытыми композициями. Все на своих местах, делает свое дело на благо основного субъекта.

Изображение выше — пример закрытой композиции. Обратите внимание, как женщина помещена в мертвую середину кадра, где она может легко привлечь внимание зрителей. Углы изображения закрыты кирпичными стенами по обе стороны от объекта, а это означает, что взору зрителя некуда блуждать.Более того, линии, созданные стенами, направляют взгляд на лицо женщины, еще больше усиливая замкнутость этой композиции.

Особенности закрытой композиции позволяют одним типам фотографии лучше других. Естественно, что портретная съемка часто выигрывает от закрытых композиций, потому что цель состоит в том, чтобы выделить объект портрета. В некоторых случаях уличную фотографию и пейзажи также можно сделать более динамичными, используя закрытую композицию.Пейзаж выше, в котором природные элементы используются в качестве рамки внутри кадра, помогает создать замкнутую композицию, которая направляет взгляд на реку и вверх по течению по ее пути.

Хотя открытые и закрытые композиции выглядят по-разному, у них есть одна общая черта: они помогают создавать более интересные изображения. Попробуйте свои силы в использовании как открытых, так и закрытых композиций в своей работе и посмотрите, как удерживание взгляда зрителя в кадре и возможность блуждания взгляда вокруг кадра и за его пределы помогает изменить эффект снимаемых вами фотографий.

Учебное пособие по искусству композиции — овладение искусством открытой и закрытой композиции

Фотография как процесс впервые была предпринята учеными, главным образом потому, что она была увлекательной с научной точки зрения. Вы будете удивлены, но первая постоянная фотография была сделана французским изобретателем Жозефом Нисефором Ньепсом примерно в 1825–1827 годах. Но когда дело доходило до интереса к этой новой технике, художники всегда первыми. Это опять же потому, что художник часто искал на фотографии то же, что и на картинах, — интересные объекты и хорошее освещение.Таким образом, инструменты для создания шедевра изменились только от куска холста, кисти и немного краски до света, линз и химикатов. И поэтому правила, применимые к живописи, в значительной степени применимы и к фотографии, включая композицию.

А теперь давайте посмотрим, что такое композиция на самом деле.

Обычно объект в изображении — это то, что считается композицией этого изображения. Но на самом деле дизайн картины или предметы на ней не составляют композицию, а делают выбор в отношении того, как мы выбираем предмет, сколько из него мы выбираем и как мы выражаем этот выбор в двухмерном пространстве.

Как художник / фотограф, именно вы принимаете решение о том, на чем вы хотите, чтобы зритель сосредоточился. Например, произвольно составленное музыкальное произведение с нотами, не имеющими аранжировки, будет только создавать шум, тогда как расположение тех же нот по порядку формирует мелодичное музыкальное произведение.

Существует два основных типа составов: Открытый и Закрытый .

Так что же такое закрытая композиция?

Фотография с закрытой композицией — это такая фотография, в которой элементы аккуратно помещены в рамки.Они не позволяют глазам блуждать и помогают сузить кругозор зрителя до главного объекта в кадре. Вы сможете четко отличить главный объект изображения от остальной части кадра и, таким образом, сфокусироваться на тех элементах, на которых фотограф хочет, чтобы зритель сфокусировал внимание. Чаще всего видно, что объект на фотографии с закрытой композицией расположен в центре кадра, а не в углах.

Ряд фотографических жанров, таких как портрет, натюрморт, пейзаж и даже уличная фотография, могут быть изящно выражены через закрытую композицию; натюрморт — самый распространенный жанр фотографии, использующий закрытые композиции.

Изображение предоставлено Africa Studio

Изображение Maglara

Мы знаем, что закрытая композиция больше связана со статичными объектами и согласованностью элементов в кадре. Но это не обязательно свидетельствует о том, что если объект в кадре находится в движущемся положении, изображение автоматически становится основанным на открытой композиции. На самом деле существует комбинация многих факторов, которые определяют, является ли изображение открытым или закрытым.

К этим факторам относятся цвет, количество и расположение предметов и направляющих линий.Можно с уверенностью сказать, что если изображение успешно фокусирует взгляд зрителя с одного объекта на другой в пределах кадра, а не на какой-то конкретный объект, то его можно рассматривать как фотографию с открытой композицией.

Вы часто увидите открытую композицию на фотографиях пейзажей, городских пейзажей и других фотографиях, для которых не требуется единственная точка фокусировки.

Изображение от Elena11

Хотя мы можем определить открытую или закрытую композиционную фотографию, отличить их друг от друга иногда бывает сложно.Поскольку за фотографией или картиной нет науки, действительно может быть трудно разделить произведение искусства на эти две категории. Давайте посмотрим на некоторые из этих изображений и попробуем распределить их по этим двум категориям.

а.

Изображение Дарьи Вер.

г.

Изображение Кунала Мехты

Это снова основано на открытой композиции, поскольку узоры на изображениях повторяются, и нет единого элемента, который привлекал бы внимание зрителя. Некоторые могут отличаться от этого, поскольку на изображении нет движущегося элемента, но и нет ни одного конкретного элемента, на котором можно было бы сосредоточиться.

г.

Изображение Джона Билоуса

Это изображение сложно расшифровать, поскольку на нем слишком много элементов, а также автомобиль, который выделяется на фоне остальных. Некоторые назовут это открытым составным изображением из-за количества элементов в изображении — автомобиля, света, окон и зданий, в то время как, с другой стороны, некоторые могут сказать, что оно основано на закрытой композиции, поскольку зрение зрителя в конечном итоге после прогулки возвращается к машине.Таким образом, можно с уверенностью сказать, что его можно разделить как на открытую, так и на закрытую композицию.

В заключение, поскольку фотография субъективна для зрителя, это зависит от творческих способностей, идеи и навыков самого фотографа, который решает, является ли изображение закрытым или открытым композиционным изображением. В уме фотографа должно быть ясно, на каком изображении он хочет сосредоточить внимание зрителя и какое сообщение он хочет передать визуально.

СОСТАВИТЬ: Открытое и Закрытое

Иногда художники предпочитают заинтересовать зрителя, давая ограниченное количество подсказок о содержании своей работы, придавая произведению ощущение таинственности. Один из классических методов для этого — открытая композиция .

В то время как в закрытой композиции весь объект появляется в пределах краев картины, открытая композиция показывает только часть объекта.На языке фотографов изображение обрезано.

Мы знаем, что это человек, но где она? На улице или в открытое окно? Что она делает? Она смотрит на пейзаж? Ветер развевает ей волосы? Открытая композиция может вырезать любую информацию, позволяющую нам, зрителям, завершить рассказ или просто задать вопросы.

По-прежнему открытая композиция , этот выбор и размещение дают нам больше подсказок.Теперь мы знаем, что она на велосипеде, но едет она или отдыхает? Она в шортах, брюках или юбке? Она разворачивается или собирается врезаться в забор?

Здесь у нас есть немного больше информации — мы знаем, что она носит шорты, но мы все еще не видим все изображение. Мы до сих пор не знаем, едет ли она, отдыхает или вот-вот рухнет. Ее волосы говорят нам, что движение исходит откуда-то, но это от того, как она движется, или от ветра? Состав еще открыт.

Но на этой фотографии история завершена, давая нам закрытую композицию , где нам показано все изображение.Девушка едет на велосипеде и собирается свернуть с одной тропы на другую вдоль забора. Остается единственный вопрос: дует ли ветер или она быстро разворачивается.

Художница двадцатого века Джорджия О’Киф часто использовала открытую композицию, приближаясь к центру вещей, чтобы найти свой объект.На первый взгляд мы видим абстрактный узор, но, присмотревшись, мы понимаем, что смотрим в центр цветка.

__________________________________
См. Мою последнюю картину в «Путешествии одного художника». Каждое воскресенье выкладывается новая картина.

Думая о закрытых и открытых картинках; или насколько старые термины истории искусства все еще могут быть полезны

Афинская школа Рафаэля использует четкие горизонтальные и вертикальные линии. Он чувствует себя очень сдержанным. (Изображение предоставлено HarshLight на Flickr и использовано на условиях Creative Commons.)

Если бы вы сказали сегодня искусствоведу термин «формальный анализ», вам, вероятно, сказали бы, что это уже прошло. Никто больше не пытается объективно сравнивать одну картину с другой, используя формальные концепции. Однако формальный анализ — или выявленные им концепции — все же дает некоторые интересные идеи, особенно для фотографов.

Швейцарский историк искусства Генрих Вёльфлин был ключевой фигурой в формальной методологии. Он разработал систему, которая сравнивала противоположные художественные концепции, чтобы их можно было применить к картинам и использовать для их анализа.В частности, Вельфлин интересовался попытками охарактеризовать искусство эпохи Возрождения и барокко.

Одна пара компараторов, используемых Wölflinn, была закрытой формы против открытой. Хотя я сомневаюсь, что вы собираетесь воссоздавать картины эпохи Возрождения или Барокко, полезно знать, что означают эти термины и как их можно применить к вашим фотографиям и заставить вашу аудиторию почувствовать их.

Композиции закрытые

Если вы ищете образцы закрытых композиций, произведения искусства эпохи Возрождения вам обеспечены в изобилии.У них есть чувство самодостаточности, и для них характерно сильное чувство равновесия. Следовательно, изображения в закрытой форме часто кажутся спокойными и в некотором роде завершенными.

Ощущение солидности в верхней части столба обычно обеспечивается структурой изображения, которая может основываться на преобладании четких вертикальных и горизонтальных линий. Как говорит Сьюзан Вудфорд в своей книге Looking at Pictures : «Замкнутая форма создает впечатление стабильности и равновесия, и есть тенденция к симметричному расположению…»

Читая это, у меня, вероятно, сложилось впечатление, что это скучные, унылые, уравновешенные картинки, и, конечно же, они могут быть такими.Но если все сделано правильно, их врожденная стабильность — вещь ценная.

И, конечно, закрытая форма не ограничивается картинами эпохи Возрождения. Все разговоры о горизонтальных и вертикальных линиях, вероятно, заставят вас думать об архитектурных фотографиях как об очевидных примерах изображений замкнутой формы. И они часто являются отличными примерами. Но изображения в закрытой форме — это больше, чем просто изображения зданий. Они могут заставить вашу аудиторию задуматься о вашем предмете определенным образом.

Сильные вертикали вместе с наклоненными внутрь стойками молодых монахов делают этот образ замкнутым и замкнутым.

Закрытые композиции заставляют думать «стабильно», «надежно», «надежно». Если вы хотите передать ощущение стабильности, надежности и надежности, составьте кадр соответствующим образом.

Четкие горизонтальные и вертикальные линии создают ощущение замкнутости на этой фотографии.

Попробуйте снять портрет на фоне здания и соответствующим образом ограничить объект. Найдите любую среду с четкими горизонтальными и вертикальными линиями, подумайте об их размещении, и вас не будет.Или дюйм.

Открытые композиции

Противоположностью закрытой композиции, естественно, является открытая композиция. В то время как открытая форма связана с устойчивостью и балансом и опирается на горизонталь и вертикаль, открытая форма связана с движением, энергией и динамизмом и использует диагональные линии.

Изображение в открытой форме не имеет смысла. Вместо этого он не связан и не скован ограничениями фрейма; вы можете почувствовать, как он вырывается наружу. Его движение и энергия раскованы.У вас возникает ощущение, что за кадром что-то скрывается и что все возможно.

Картина Жана-Оноре Фрагонара «Качели» проходит по четкой диагональной линии сверху справа налево. Ощущение движения могло оставить ощущение, что качели могут прорваться сквозь холст в любой момент. (Изображение в открытом доступе.)

Если вы ищете примеры открытой композиции, которую Вельфлин назвал бы типичной для этой формы, обратите внимание на период барокко.

Для динамичных снимков диагональная линия — ценный инструмент в арсенале фотографа.Они привносят в сцену ощущение срочности. Если вы когда-нибудь почувствуете, что сильные горизонтальные и вертикальные линии могут сдерживать вас, попробуйте ввести диагональ. У них есть сила отрицать ощущение статичности и стабильности и вместо этого создавать что-то более свободное и динамичное.

Он расслаблен, но диагонали создают ощущение движения.

В любом кадре, где вы хотите предположить, что кто-то свободен духом, стремитесь к открытой композиции, чтобы это отразить.

Как и почему поля изображения играют роль в кадрировании

Трудно объяснить роль полей в композиции изображения.Что еще хуже, разные книги и учебные курсы дают немного разные объяснения. Вот простой пример открытого и закрытого обрамления.

При создании кадра то, что мы выбираем для кадра, напрямую влияет на эмоциональную реакцию зрителя. Это относится как к съемкам реального мира, так и к синтетическим изображениям.

Я часто предлагаю своим студентам прочитать книгу Стивена Каца «Режиссура фильма: кадр за кадром», поскольку это действительно отличный ресурс. Глава 15, Открытые и закрытые обрамления, кажется, вызывает больше всего проблем.Это также может быть связано с тем, что разные книги по-разному объясняют терминологию открытия / закрытия.

Что происходит на практике при кадрировании картины

Короче говоря, имея дело с открытым и закрытым кадрированием, мы должны решить, может ли объект пересекать границы изображения и казаться частично внутри и снаружи изображения.

Чтобы лучше понять значение этого выбора, взгляните на следующие снимки. Контент одинаков в обоих, но визуальное воздействие разное.

На кадре слева в закрытом кадре зритель испытывает более сильную эмоциональную реакцию. Это обрамление также подчеркивает важность того, на что смотрит актриса. Это не зависит от размера объекта. Скорее, это из-за того, что объект перекрывает изображение.

Снимок в открытом кадре справа более объективен, требует меньшей эмоциональной реакции и позволяет зрителю блуждать по кадру. Мы можем считать это более театральным, потому что границы изображения напрямую связаны с границами сцены.

В кинематографии нижняя граница обычно освобождена от правил кадрирования. Как и в реальном мире, мы склонны игнорировать то, что происходит ниже точки интереса.

Мастер-класс по обрамлению

Прекрасный пример открытого и закрытого обрамления можно найти в анализе Сергея Эйзенштейна картины Валентина Серова, изображающей актрису Ермолаеву, стоящую перед зеркалом.

Обрезая картину по композиционным линиям, найденным на заднем плане, Эйзенштейн превращает картину с открытой рамкой, на которой актриса стоит целиком на полях, в более сжатые кадры, которые в конечном итоге становятся закрытой рамкой.

Цифровая кинематография упрощает кадрирование

В цифровой кинематографии выбор между открытым или закрытым кадром может стать решением поста. Просто используйте при съемке только закрытое обрамление. Затем изображения можно довольно легко преобразовать в открытое кадрирование с небольшим увеличением. При съемке HD потеря разрешения незначительна.

Очевидно, что обратное невозможно, поскольку при открытом кадрировании то, что находится за пределами кадра, вообще не было захвачено.

Список литературы

1. Стивен Д.Кац, «Режиссура фильма выстрел за кадром», Анн-Арбор, Michael Weise Productions, 1991, ISBN 0-941188-10-8
2. Сергей Эйзенштейн, «Изабранные производства в сести томач», Москва, Искусство, 1963-1970 гг.

Шесть трендов графического дизайна 2019 года — Wick & Mortar

Отличный способ поддерживать актуальность вашего бренда каннабиса — это следовать последним тенденциям. Это не означает, что вы должны ежегодно менять все в своем бренде, но это означает, что ваша компания, занимающаяся каннабисом, должна как минимум выглядеть так, как будто она настроена на последний культурный дух времени.Лучший способ добиться этого — принять эти тенденции графического дизайна 2019 года.

Так что же происходит в мире графического дизайна? Вот основные тенденции графического дизайна на 2019 год:

Лучшие тенденции дизайна 2019 года

1. Открытые композиции

Одна из самых популярных тенденций графического дизайна 2019 года — открытая композиция. Чтобы дать вам лучшее представление о том, что такое открытая композиция, давайте обсудим ее противоположность: закрытую композицию.Замкнутая композиция — это статичное изображение, в котором объект аккуратно обрамлен, чтобы быть в фокусе изображения. Все элементы дизайна призваны привлечь ваше внимание к объекту, который обычно находится близко или в центре изображения.

Открытая композиция делает обратное. Вместо того, чтобы привлекать ваше внимание к одному объекту, открытая композиция представляет собой динамическое изображение, призванное привлечь ваше внимание к различным элементам изображения. В открытых композициях также есть элемент, который выходит за край границы изображения, что создает ощущение, что что-то происходит за пределами вашего поля зрения.Вот пример открытой композиции:

СВЯЗАННЫЕ С: 42 БЕЗОПАСНО ТВОРЧЕСКИХ И Ошеломляющих ДИЗАЙНА УПАКОВКИ КАННАБИСА

2. Антигравитационный

Придерживаться неизменных законов физики — , значит, 2018. В 2019 году все говорят об антигравитации. Под этим я подразумеваю включение летающих или парящих элементов в графический дизайн. Часто используемые в сочетании с открытой композицией, антигравитационные элементы создают ощущение исследования и освобождения.Использование антигравитационных элементов может помочь улучшить обычные или скучные элементы, особенно когда речь идет об упаковке продукта!

По общему мнению, это просто средний контейнер крема для кожи. Однако, сделав контейнеры слегка наклонными и оторванными от земли, вы почувствуете, что это что-то новое, что-то другое. Причина в том, что мы часто ассоциируем симметрию с ортодоксией, а полет / плавание — со свободой. «Бросая вызов» тому, что является ортодоксальным, и включая элементы, которые мы ассоциируем со свободой, наш разум подсознательно говорит нам, что это что-то новое и уникальное.

3. Яркие цвета

В мире, который иногда бывает мрачным и унылым, иногда полезно напоминать миру, что будущее все еще светлое. Один из способов сделать это в своем дизайне каннабиса на 2019 год — включить яркие цвета. Подумайте о ярких голубых, красных, желтых и, возможно, зеленых тонах. Помимо того факта, что яркие цвета — одна из самых популярных тенденций графического дизайна года, яркие цвета великолепны, потому что они привлекают ваше внимание.На рынке, где все борются за внимание, включение сногсшибательных элементов дизайна — отличный способ произвести незабываемое первое впечатление.

Прекрасный пример использования ярких цветов можно найти в всегда модном Apple. Всегда опережая тенденции, Apple изменила дизайн своего логотипа для мероприятия в конце прошлого года, которое радикально изменило свой логотип через призму ярких цветов и умопомрачительных стилей.

Если вы действительно хотите включить все последние и величайшие тенденции графического дизайна в свой дизайн каннабиса, то вы также можете рассмотреть возможность включения Коралла в свою яркую цветовую схему.Pantone, один из мировых лидеров в области цветового вдохновения (и наиболее известный своей системой соответствия Pantone), назвал коралловый цвет своим цветом года. Когда Pantone назвал фиолетовый цвет цветом 2018 года, он стал одной из самых популярных тенденций графического дизайна года; То же самое, скорее всего, произойдет и с Кораллом.

4. Металлический эффект: золотистый, серебряный, переливающийся

Еще одна популярная тенденция графического дизайна 2019 года — использование металлических эффектов. Придание определенным элементам дизайна каннабиса металлического элемента может создать множество эффектов, особенно если вы используете разные типы металлов.

Использование золота в дизайне конопли может создать ощущение престижа, роскоши или эксклюзивности. Использование металлов с переливающимся цветовым эффектом может привлечь внимание к ярким визуальным эффектам, особенно если вы используете яркие цвета для создания контраста. Возвращаясь к примеру Apple, вот еще один переработанный логотип:

Использование ярких цветов и золотого металлика вызывает ощущение квазифутуристической эстетики паровой волны, которая находит отклик у потребителей. Самое замечательное в использовании металлических эффектов заключается в том, что вы можете не только использовать их в своих рекламных объявлениях или логотипах, но и использовать их в упаковке продукта.

Добавление металлического блеска к упаковке с каннабисом может сделать ее более привлекательной и привлекательной. Он не только визуально более привлекателен, но и изменяет текстуру упаковки таким образом, что упаковка кажется на более дорогой и роскошной. Вот хороший пример:

Исходя исключительно из внешнего вида, разве вы не сказали бы, что это выглядит как элитный предмет роскоши? Одна из главных причин, по которой он «выглядит дорого», заключается в том, что на нем выпуклые золотисто-металлические буквы.Если бы все было плоским, матовым и без намека на золото; вы, скорее всего, не назовете его «высококачественным» продуктом.

5. Жидкость и эффект жидкости

Следующая тенденция графического дизайна дает определенную степень свободы. Жидкости бывают разных состояний, от густых и вязких до тонких и сыпучих. Используя плавные / жидкие элементы дизайна, вы можете создавать различные эффекты, охватывающие весь спектр эмоций, вдохновленных дизайном.

Надеетесь создать эфирный эффект? Попробуйте использовать текстуры, похожие на воду.Хотите чего-нибудь более индустриального? Возможно, вам нужна маслянистая текстура. Эффекты жидкости / жидкости лучше всего работают при использовании в веб-дизайне, особенно в сочетании с открытыми композициями.

Вот два отличных примера использования жидких эффектов:

6. Альтернативное искусство

Нет ничего плохого в хорошо продуманной классической композиции с чистыми линиями, правильным балансом цвета и профессиональной отделкой. Но проблема с продуктами и рекламой, изображающими «профессионально выглядящие» произведения искусства, заключается в том, что это нормально, а когда дело касается графического дизайна, нормальное просто не подойдет.Вместо традиционных иллюстраций попробуйте использовать альтернативное искусство.

На самом деле эта тенденция графического дизайна существует уже некоторое время, но в 2019 году она возвращается. Альтернативное искусство имеет более импровизационный вид, чем традиционные формы иллюстраций. Чаще всего альтернативное искусство принимает форму иллюстраций в стиле фристайл или нарисованных от руки каракулей, которые, хотя и эстетически приятны, не так совершенны, как другие формы искусства.

Одна компания, которая много лет использует альтернативное искусство, — это сеть кофеен Starbucks.Если вы когда-нибудь зайдете в один из их магазинов в разное время в течение года, вы, скорее всего, увидите блестяще оформленные пакеты с кофе с художественными работами, которые одновременно являются профессиональными, но одновременно граничными. Взгляните на этот дизайн примерно 2015 года:

Советы по реализации тенденций в графическом дизайне 2019 года

Когда дело доходит до воплощения последних тенденций в дизайне конопли, проявляйте непредвзятость. Хотя вы можете предпочесть один элемент дизайна другому, это не значит, что вам следует придерживаться только одного.Попробуйте использовать разные элементы, чтобы дополнять друг друга. Открытые композиции отлично сочетаются с жидкими текстурами и эффектами. Металлические элементы отлично смотрятся, когда вы используете яркие цвета. И вы не ошибетесь, добавив в смесь антигравитационные эффекты.

Независимо от того, какой тренд графического дизайна вы выберете, самое важное — это выбрать элемент дизайна, который соответствует вашему бренду.

Открытые и закрытые композиции — LittleArtTalks

Видео This Monday Minute объясняет разницу между открытыми и закрытыми композициями в искусстве!

Посмотреть увеличенные изображения для упражнения можно здесь: http: // www.2): Импрессионизм — Моне, Дега, Ренуар, Писсарро
http://youtu.be/Em5sAv-MTv4

Акрил против масляной краски
http://www.youtube.com/watch?v=PB0m0HpQP2k&feature=share&list= UUnrh8VjdQiHDSWsnAUPVWww & index = 5

Подпишитесь на Little Art Talks, чтобы увидеть больше образовательных видео, наполненных искусством: https://goo.gl/89YzFS
Не забудьте нажать на колокольчик рядом с кнопкой «Подписаться», чтобы получать уведомления о публикации новых видео!

Помогите нам подписать и перевести это видео!
http: // www.youtube.com/timedtext_cs_panel?c=UCnrh8VjdQiHDSWsnAUPVWww&tab=2

Поддержите Little Art Talks напрямую на Patreon: https://goo.gl/Nkr9VO

MERCHANDISE:
Arden Cove Bags & Backpacks

Давайте подключимся!

ВЕБ-САЙТ: https://goo.gl/8CnhJp
FACEBOOK: http://goo.gl/YScjms
TWITTER: http://goo.gl/UuSvyp
INSTAGRAM: https://goo.gl/MeahG0
TUMBLR: https://goo.gl/UvZQB1
PINTEREST: http://goo.gl/Cazd5J
GOOGLE +: https: // goo.gl / RIE8pN
GOODREADS: https://goo.gl/by7dUF

Ссылки Карин:

ВЕБ-САЙТ: https://goo.gl/f41Bgy
YOUTUBE: https://goo.gl/m64WCw
INSTAGRAM: https: //goo.gl/mh22cV
TWITTER: https://goo.gl/MZ59mt

Спасибо за просмотр! Здесь, на Little Art Talks, я снимаю бесплатные обучающие видео по истории искусства и всему, что связано с искусством. От древних японских картин до реди-мейдов Дюшана мы хотим поговорить о том, что делает эти предметы искусством, и попытаться лучше понять их.Присоединяйтесь к нам в обсуждении 🙂

Если вам понравилось это видео, поделитесь им с друзьями.

Изображения: Википедия, общественное достояние, добросовестное использование

исходный код