Лекция 1 — История дизайна интерьера различных эпох
История дизайна интерьера различных эпох
Иинтерьер наших домов – это как бы наше второе Я, представленное в предметах и помноженное на материальные возможности, мастерство и фантазию.
Заходя в дом, мы чувствуем его особую атмосферу и можем многое сказать о его хозяевах: их вкусах, склонностях, достатке и аккуратности.
Каждая эпоха формирует свой интерьер. Каждой эпохе присущи только ей определенные черты:
культура, мировоззрение, традиции и обычаи общества, общественное положение, мода.
Изучение интерьеров прошлого – занятие захватывающее. Тем, кто решил обратиться к практическому дизайну – знать историю этого вопроса необходимо, знать (наиболее значимые) интерьеры предшествующих эпох. Это не только интересно, но и полезно: полученные знания могут пригодиться при обустройстве наших собственных современных жилищ. Не копируя буквально исторические стили, но взять их идею, направление.
- 1.«Колыбель» дизайна жилища – Древний Египет – Законодатель стиля.
Интересно, что современный дизайн до сих пор черпает идеи в другой древней цивилизации –– в культуре устройства жилища Древнего Египта.
Одна из первых высокоразвитых культур мира — египетская. Египетский стиль – еще и прародитель почти всех последующих европейских.
Древний Египет это одно из самых первых цивилизованных государств. Поэтому египетский стиль в дизайне интерьера можно по праву назвать тоже одним из первых, который стал известен человеку
Древний Египет – первое в мире государство, где были созданы древнейшие в истории памятники архитектуры – возникло искусство
Египтяне жили с развитым культом загробного мира. Поэтому строили на века (пирамиды). Благодаря этим каменным гигантам мы имеем возможность ознакомиться с древним бытом египтян (необходимая утварь).
Интерьер домов был богат и красочен. Роскошные колонны, фрески на стенах, ковры и занавеси завершают внутреннее убранство помещений.
В Египте уже в глубокой древности впервые стали разрабатывать медные рудники, производить сложные изделия: иголки, проволоку, украшения, посуду.
Производилось строительство из кирпича. Египтяне первыми научились возводить кирпичный свод, изобрели водопровод, создали систему обогрева полов в виде керамических труб, в которые подавался теплый воздух из горящего во дворе дома костра. Посуду производили из глины особого состава – египетского фаянса. В Египте впервые изобрели папирус. Использовали изделия из слоновой кости.
Дома богатых египетских жителей возводились из камня. Представляли собой сложный комплекс из многих помещений с внутренним двором.
Интерьеры домов фараонов и знати были богаты и красочны. Роскошные колонны подпирают потолок, фрески украшают стены, ковры и занавеси украшают внутренние помещения.
В Древнем Египте сильно развито было столярное искусство. Использовали черное эфиопское дерево. Инкрустировалось оно слоновой костью, малахитом (зеленым и синим), бирюзой, лазуритом.
Довольно рано в Египте появились меха и шерсть, которые ввозились из северной Эфиопии. Усовершенствовался ткацкий станок. Это позволило делать полотно тоньше и шире. Так появились драпировки.
Стены дворцов украшались барельефами и художественной росписью, которая отличалась плоскостностью. В живописи и рельефах, прежде всего, бросается в глаза то обстоятельство, что голова, руки и ноги человеческой фигуры изображены в профиль, а тело — анфас. Типичное для древнеегипетского искусство построение человеческого изображения: Это наиболее характерный силуэт древнеегипетского искусства. Древние египтяне не знали законов перспективы, и в многокомпонентных изображениях фигуры часто перекрывают одна другую.
Предметы изображались так, будто на них смотрели и прямо, и сбоку.
В оформлении убранства домов знати использовалось золото. Из него изготовлялись обшивки, скульптуры, украшения, посуда.
Особенно богатую мебель украшали
Желтый цвет и все его оттенки — это цвета, которые преобладают в египетском стиле. Почему, не известно до сих пор.
Современникам близка версия, что желтый цвет это цвет богатства, а точнее золота.
Таким образом, царские персоны создавали видимость финансового благополучия или иллюзию богатства. С другой стороны, психологи утверждают, что желтый цвет приносит радость, придает уверенность в себе, провоцирует сообразительность и оригинальность в поступках. Стоит отметить, что Египет действительно был сильным государством, и залогом этого было не одно интересное решение.
Из всех вышеперечисленных версий можно согласиться лишь с тем, что египетский стиль благодаря оттенкам желтых цветов, действительно выглядит дорого.
У Египтян еще не было рубанка и токарного станка.
Поэтому дефекты скрывались под толстым слоем краски-замазки, на которую сверху наносились расцветки посветлее.
Египтяне знали уже технику фанерования, когда дешевую древесину облицовывают пластинками из более благородных пород ( правда, не такими тонкими, как фанера).
Египетская мебель была шикарной. Изначально, это была всего лишь мебель для сидения, но и она имела инкрустированные вставки, иероглифические орнаменты, а также различная символика – солнце, папирус и многие другие изображения.
Несмотря на обычай сидеть на земле, именно египтяне первыми создали мебель для сидения. Чаще это были низкие скамеечки и стулья. Здесь возник и первый раскладной стул.
Мебель для сидения выглядела как стулья и скамейки. Так как египтяне сидели ровно с сомкнутыми ногами, по — другому они сидеть и не могли, так как не позволяла одежда, то и форма трона соответствовала их манере сидения. На само сидение стелили мягкую подушку, которая дала начало мягкой мебели.
Мебель для сидения или скреплялась поперечными соединениями под углом или в угловые части стульев изнутри врезали специальные дугообразно искривленные шипы. Такие изогнутые формы получались в результате искусственного искривления стволов на корню в продолжении нескольких лет. (по исследованиям египтолога Петри).
Мебель обычно разрисовывалась цветным орнаментом, иероглифами, символическими элементами (солнце, жук скарабей, священный коршун, пальма, папирус и др.). Краски были яркими.Издревле, чтобы придать ткани или шерсти цвет использовались корни растений. Так, например, красный цвет получали благодаря корням марены
Парадный же трон
Так заложен был прототип мягкой мебели.
Кроме стульев, у древних египтян были скамейки разных типов, кровати (они умели изготовлять даже складные кровати!)
Египтяне одними из первых создали ложе, отказавшись спать на холодном полу. Рама ложа опиралась на ножки в виде звериных лап. Это излюбленный декор ножек в Египте. Ложе – необычность конструкции для тех времен заключалась в том, что за счет более длинных передних ножек ложе располагалось по наклонной от головы к ногам. Угол наклона мог регулироваться по желанию владельца с помощью богато расписанной подставки для ног, вертикальная стенка была со стороны ног. Мягкими подушками египтяне не пользовались, предпочитая им специальные подставки, покрывавшиеся материей (седловидная опора).
Итак, огромное место в интерьере Древнего Египта занимала мебель. Здесь были: деревянные кровати, стулья с ножками, изображающими львиные лапы или копыта быков, богато украшенные кресла и троны с подлокотниками в виде идущих львов.
Спинки их покрывали резьбой, накладками из золота и эмалью.
Двери в помещение, в египетские залы, чаще всего делались из кедра. Украшали их золотом и слоновой костью
Мебель, ларцы и сундуки в большинстве окрашивались белой краской, служившей фоном для дальнейших украшений. Особенное изобилие образцов роскошно украшенной парадной мебели было найдено в открытой в 1922г. гробнице фараона Тутанхамона — (1350 г до н. э.). кроме мебели в гробнице было найдено большое количество колесниц, интересных по конструкции.
Египет был очень консервативной страной. Устоявшиеся формы дизайна интерьера мебели слабо изменялись. В 1798 году Наполеон вновь открыл Египет для Европы. И забытые египетские мотивы вновь стали очень модными по всей Европе и отразились на стиле
2. Древне-Греческие интерьеры.
Культура Древней Греции стала основой всей европейской цивилизации.
Истоки культуры классической Греции начинаются на острове Крит (Дворец царя Миноса).
Самый крупный из греческих островов Крит славится тем, что здесь расположен один из самых древних и самых загадочных памятников человечества: Кносский дворец
царя Миноса.
Существовали мифы о зодчем Дедале, который построил этот загадочный дворец-лабиринт. Раскопки доказывали, что эти мифы – реальные исторические события.
Дворец представлял собой огромный лабиринт.
Лабиринт в действительности означает совсем не то, что мы привыкли думать. Само слово лабиринт произошло от древнего греческого слова «лабрис» — двойной топор.
В Кносском дворце изображение этого оружия встречается на каждом шагу – вероятно, это было греческое священное оружие. Две стороны лабриса означали две противоположные фазы луны: жизнь и смерть, созидание и разрушение. Громадные, отлитые из бронзы «двойные топоры» хранились в специальных залах — святилищах. Это были символы могущества критских царей.
Отсюда и название дворца – «Дворец Двойного Топора». То есть, Лабиринт.
Символом же головоломки, из которой нет выхода, Лабиринт стал из-за древнегреческого мифа о том, что в бесконечном подвале Кносского дворца жил мифический Минотавр – человекобык.(Из его подвалов никто не мог найти выхода, погибая от острых рогов Минотавра, и только греческий герой Тезей, воспользовавшись помощью царевны Ариадны, смог убить чудовище и вернуться назад. ). Впрочем, как оно там было на самом деле – неясно. Многочисленные изображения быка говорят о том, что это было культовое животное. Росписи рассказывают легенду о Минотавре. Голова быка, туловище – человека.
Действительно, сложная система коридоров, связывающих множество помещений, в какой-то степени напоминает лабиринт…
Дворец находится в городе Кносс недалеко от столицы Крита – г. Ираклион.
Еще одна интересная особенность Кносского дворца – отсутствие окон.
Их с успехом заменяли так называемые световые колодцы – значительные по площади проемы в потолке. Иногда они во всех перекрытиях располагались один под другим.
Свет через проемы проходил вплоть до первого этажа. При этом создавалась различная степень освещенности комнат. Также световые колодцы служили своего рода «кондиционером», так как обеспечивали естественную вентиляцию помещений.
Обогрев здания в зимнее время осуществлялся при помощи специальных переносных печей.
Основная достопримечательность Кносского дворца – кроваво-красные колонны, которые в искусствоведении получили название “иррациональные”. Они не расширялись книзу, как в постройках других древних народов, а наоборот – сужались.
Здесь есть запутанные ходы и выходы, внезапные лестничные спуски и подъемы, непредсказуемые повороты, соседство ярко освещенных помещений с полутемными, насыщенные краски настенной живописи – таков интерьер дворца, одного из древнейших среди дошедших до нас.
Кроме этого Кносский дворец является первым сооружением на Земле, в котором были применены искусственное освещение, водопровод, канализация, вентиляция, отопление и многоэтажное строительство.
Цивилизация Древней Греции известна нам за счет архитектурныххрамов, амфитеатров, известна своими термами (бани).
Знаменитый Парфенон – самый главный храм Древней Греции достиг своего архитектурного совершенства.
Основной элемент архитектуры – колоннада. Пропорции колонн идеально соответствовали пропорциям человеческого тела (принцип Золотого сечения: длина кисти руки относится к локтевому суставу как части отрезка, разделенного в «золотых сечениях», фаланги пальцев дают такую же пропорцию, как 3:5:8 или в 1,6) , а каннелюры напоминали складки хитона. Правильные формы, симметрия.
Каннелюры – это сеть желобков, которыми покрыт гладкий ствол колонны. Они протягиваются от основания к верхней части колонны.
Храм был уподобен живому организму. Символом всей греческой культуры являются слова: «Человек – мера всех вещей».
Греки не принимали роскошь. Греческие дома выглядели довольно аскетично.
Естественная простота их отделки, минимум мебели – что созвучно современным интерьерам в стиле минимализм. Но выглядели интерьеры греков достаточно цельными.
Древний грек был человеком общественным (полисным). Поэтому долгое время роскошью в Греции отличались только общественные здания (в первую очередь храмы). Частные жилища даже у богачей были без элементарных удобств, так как большую часть дня греки проводили вне дома, а часто и спали в городе, благо климат позволял.
Лишь позже – после войн с персами — начали появляться красивые богатые дома.
Теперь это дом, обнесенный каменным забором. Окна, выходящие на улицу, появились довольно поздно. На улицу такой дом выходи глухими стенами.
Дом формировался вокруг внутреннего дворика (перистиль), через который освещались все помещения.
Дворик служил основным местом встреч и трапез. Стены сначала белили известью, а позже стали расписывать.
Естественный свет в жилые помещения свет проникал только сквозь небольшие окошки, размещенные под потолком, а вечером всегда зажигалось большое количество масляных светильников. Чаще всего светильники изготавливались из глины, реже из бронзы или другого металла. Форма светильника, как этого требовала система мировоззрения, была проста: небольшая плошка с ручкой, но и сейчас она все еще популярна. Для освещения дворика в вечернее время чаще всего использовались масляные факелы.
Стены домов часто имели цокольный пояс белого или желтого цвета высотой примерно 1 метр. Красный – излюбленный цвет. Полы 1-ого этажа оставались глинобитными. Стены делались расписными, полы в богатых домах иногда выкладывали мозаикой. Мозаика впервые появилась именно в Др.Греции. Создавалась она из отшлифованной речной гальки. Наиболее распространенный узор – Круг, вписанный в Квадрат.
Исследователи в изображении квадрата и круга на основе древних религиозных представлений, усматривают «космологическую схему мира, то есть квадрат символизирует четыре стороны света, а круг служил символом неба.
..». «Квадрат и круг сочетали в себе космологическое и исторические аспекты восприятия человеком окружающего мира».
Квадрат — один из четырех фундаментальных символов. Это символ земли в противопоставлении небу, а также символ созданной вселенной — пространства, это фигура антидинамичная, символизирующая остановку, выделенное мгновение, идею стагнации, застывания. Во всех астрологических традициях квадрат представляет землю, материю, ограничение.
Круг — один из четырех фундаментальных символов. Это символ движения (колесо), неба, бесконечности, вселенной, времени, защиты, обеспеченной в своих границах.
Это расширившаяся точка (центр) с общими символическими свойствами. Он ассоциируется с культом огня, героев, божества. В христианской мифологии круг символизирует вечность.
Первая мебель (V1век до н.э.) имела жесткую конструкцию с преобладающими прямыми углами, похожую на мебель, изготовлявшуюся в Египте.
Позднее (Vвек до н.э.) мебель приобрела большую изящность. У греков-столяров появляются рубанок и токарный станок, что сказалось на качестве обработки деревянной мебели. Греки освоили гнутье древесины с помощью пара. Этот способ заново открыли европейцы только в Х1Х веке.
Мебель в домах была немногочисленной. Отличалась выверенной пропорцией и элегантностью. Греки широко использовали слоновую кость для украшения мебели, ларцов, шкатулок и т.д.
Даже в богатых домах мебели было немного. Из Египта «приходит» складной табурет на Х-образной опоре. Такие табуреты носил раб за своим господином на тот случай, если тому понадобится внезапно присесть. Это также повседневное сиденье для греческих женщин.
Греческие мужчины предпочитали сиденье посолиднее, с высокой спинкой и подлокотниками – так называемый трон.
Наиболее часто встречающейся формой мебели этого времени был табурет с четырьмя круглыми точеными ножками, утончающимися книзу.
Высшим искусством греческой мебели является «клисмос» — мягкий изящный стул с серповидными ножками, задние из которых держали спинку.
Вообще, греки предпочитали есть, читать и писать в полулежачем состоянии, на специальных ложах – клине. Они были покрыты яркими пушистыми тканями с узорами. На них лежали 1 или 2 тугие подушки. Они служили опорой для левой руки во время принятия трапезы. Столы были также низкими, так как предназначались для расстановки различной снеди. Они чаще делались переносными. После трапезы столик задвигался под кровать. Кровать имела довольно высокие ножки, примерно в один метр.
Клине –среднее между кроватью и софой.
Для хранения одежды был особого вида ящик – ларь. Шкафы и комоды греки не знали.
Большинство мебели было цветной. Для орнамента, кроме растительных мотивов, наиболее характерен широко всем известный меандр – ряд линий, ломанных под прямым углом.
Свое название получил от реки Меандр в Малой Азии (Впоследствии широко применялся в искусстве классицизма и ампира).
Орнамент не имел культового значения, как у тех же египтян.
В античном интерьере Греции ткани играли не менее важную роль, чем теперь. Греки применяли покрывала для мебели и настенные драпировки. При помощи однотонных занавесей осуществлялось обособление, зонирование помещений (двери были редкостью). Узорчатые ткани висели вдоль стен свободно или в складку. Это немного напоминало теперешние тюлевые гардины.
Древние Греки применяли шерсть и сукно, обычно ярких цветов. Предпочитались цвета: зеленые, шафрановый, золотой, оттенки фиолетового – цветовые решения интерьера современности ( нашего времени).
Высокого расцвета в Греции достигла керамика. Вазы, разнообразные по форме.
Покрывались росписью, использовались для хранения вина, масла, благовоний, воды.
3. Древне-Римский интерьер.
Архитектура в Древнем Риме была ведущим искусством. В отличие от Греции, где главным был храм, в Риме основное место занимали сооружения, говорившие о могуществе римского государства и императора: форумы (площадь) (центр общественной жизни), триумфальные арки, амфитеатры.
Вершиной римской архитектуры становится амфитеатр Колизей, вмещавший 50.000 зрителей. Предназначался он для гладиаторских боев.
Древние римляне изучали и копировали греческую архитектуру. Но их отношение к роскоши было совершенно иное. Именно у римлян сложилась та система типов жилых зданий, которой мы пользуемся и теперь.
Это городской дворец или просто дом (domus), затем многоквартирный и многоэтажный городской жилой дом – «инсула» и загородная вилла. Благодаря раскопкам в Помпеях, мы можем доподлинно увидеть роскошь римского жилища.
Вулканический пепел, образовавшийся во время извержения Везувия в 79 г н.э. сохранял город Помпеи в неприкосновенности на протяжении долгих веков.
Вид римского жилища — «domus» — это в основном одноэтажные, реже двухэтажные дома и напоминают маленькие крепости. Они выходили на улицу глухими, без окон, стенами. В доме было главное помещение – атриум. В центре помещения находился неглубокий бассейн. По углам бассейна стояли 4 колонны, поддерживающие крышу.
Освещался атриум через отверстие в крыше, в которое также стекала дождевая вода, наполняя неглубокий бассейн (имплювий). В атриуме собиралась семья, здесь принимали гостей.
В домах имелись также спальни, столовые. В богатых домах имелся еще перистиль – дворик с внутренней колоннадой, где устраивали сады с водоемами и статуями.
Перистиль был гордостью хозяев.
Дома римской знати были значительно более представительными, чем греческие.
Жилища римлян были уютнее греческих.
У римлян, как и у греков были популярны настенные росписи, фрески, которые создавали иллюзию расширения пространства для тесных комнат. Технология римской настенной живописи была довольно сложной и состояла из многих этапов: многослойной грунтовки, полировки шерстью, после чего шелковой кистью наносился расплавленный воск. Затем подносили к стенам раскаленные угли из чернильного ореха, затем снова разглаживали и полировали поверхность полотном.
Римляне покрывали стены не только росписью, но также облицовывали стены мрамором, иногда гранитом.
Популярным был такой вид декора, как мозаика. Она украшала пол, потолок, и даже колонны. Существовал особый жанр мозаики – эмблемата. Это были изделия особенной красоты и тщательности исполнения, предназначенные для неспешного разглядывания. Часто они покупались как станковые произведения и включались в разнообразные декоративные схемы. Наиболее впечатляющий – мозаика, изображающая битву Александра Македонского с царем Дарием.
Мебель. Древние римляне делали мебель из дерева, бронзы и мрамора. Но также делали плетеную мебель из ивовых прутьев.
Общие формы древнеримской мебели изящны и изысканны, но страдают излишеством украшений.
Например, кресла делались с подлокотниками в виде сфинксов, львов. Ножки – в виде лап львов с крыльями, оканчивающихся вверху головою зверя.
Мебель украшалась резьбой, позолотой, инкрустацией.
Как и греки, римляне любили проводить большую часть времени в полулежащем состоянии. Поэтому вокруг обеденного стола обычно ставили три ложа – на трех человек. Мужчины возлежали на них, а женщины сидели на стульях.
Римским искусством завершилось искусство античности. Но оно воскреснет в других стилях. Классицизм возьмет его за основу – образец. Стиль Ампир вообще будет копией римского стиля.
Кстати, арочный принцип в интерьере зародили древние римляне. А также своды, купола.
Мебель была похожа на греческую.
Кровати позаимствованы у греков. В спальнях стояли маленькие деревянные или бронзовые столики – для светильников.
Мебель для сиденья опять-таки похожа на греческие формы. Особенно складной стул на основе греческого клисмоса.
Вся древнеримская мебель была либо деревянная с резьбой, позолотой, инкрустацией, либо декоративная из белого или цветного мрамора (неподвижная).
Бронзовая мебель
К бронзовым предметам также относились канделябры, светильники и другие предметы обстановки.
В интерьере римлян часто использовались ткани: мех, кожа. Шелковые ткани – из Китая.
На основе (почве) формы древнеримской мебели возник стиль ампир.
История дизайна (лекция 2) — презентация онлайн
1. Лекция 2. История дизайна
1730 г. «Летучий» челнок Дж. Кея1762 г. Джозайа Веджвуд, керамическая фабрика «Этрутрия»
1851 г. Всемирная выставка, в
Лондоне вошедшая в историю как
Великая индустриальная выставка
всех наций.
1889г. Г. Эйфель, башня для Всемирной выставки в Париже
В 1861 году Уильям Моррис создаёт фирму по
производству предметов декоративно-прикладного
искусства «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко».
1858 г. Михаэль Тонет, Стул № 14
10. Становление дизайна как профессии
В 1903 г. Дизайнер КолмманМозер и архитектор Йозеф
Хоффман основали Венские
художественные мастерские
1907 г. Был основан
Германский художественнопромышленный союз –
Веркбунд.
• В 1907 г. Архитектор П. Беренс приглашается на должность
художника-консультанта в фирму AEG.
В 1908 г. Генри Форд, американский инженер и предприниматель
выпускает «Модель Т», первую экономичную модель автомобиля,
созданную конвейерным способом.
1920х гг. родились движения — конструктивизм, супрематизм,
голландское движение «Де Стиль».
1917 г., Де Стиль, Гэрри
Ритвельд, создает знамениты
красно-синий стул – манифест
конструктивизма в дизайне
мебели
В 1927 архитектор Людвиг Мис ван дер Роэ создал на строго математической основе
стул, стол и кресло, которые были выполнены из металлических трубок. консольное
кресло MR 534, известное как Weissenhof.
1923 год архитектор
и дизайнер
Ле Корбюзье.
Шезлонг из
стальных труб с
парусиновым
сиденьем.
Фрэнк Ллойд Райт, концепция
органической архитектуры,
идеалом которой является
целостность и единение с
природой.
1929 год, Великая депрессия,
экономический кризис в США,
давший неожиданный толчок
развитию дизайна в Америке.
Мировой культурный центр, за счет
активной эмиграции деятелей культуры
перемещается в Америку.
Генри Дрейвус
проектирует
стандартную
трубку аппарата
Белла
1929 г. Реймонд
Лоуи
Уолтер Дорвин Тиг –
революция в дизайне
фотоаппаратов
«Кодак»
Новое течение в
дизайне Streamline,
переделка облика
повседневных
предметов в
обтекаемые
формы.
1935 г. «потрясающий своими обтекаемыми формами холодильник»
«Суперсикс Колдспот»»
1936 г. Генри Дрейфус создает пылесос «Грувер 150», дизайн которого основан на
обтекаемых формах поездов «Стримлайнер».
Крайслер Эйрфлоу (1934)
1934 г. Фердинант
Порш создает
Фольксваген Жук
Ситроен «2SV»
Фиат 500
История дизайна науки и техники/
Рунге В.Ф.
История дизайна, науки и техники/Рунге В.Ф.: Учеб. пособие. Издание в двух книгах. Книга 1. — М.: Архитектура-С, 2006. — 368 с, ил.
Первая книга учебного пособия состоит из 16 лекций. В них даётся ретроспектива развития материальной культуры от доиндустриальной эпохи до середины XX века. История технического развития общества, научных открытий и изобретений рассматривается с дизайнерско-искусствоведческих позиций во взаимосвязи с явлениями художественно-прикладной деятельности. Последовательно, с привлечением обширного иллюстративного материала прослеживается зарождение индустриального дизайна в первый период промышленной эпохи, его становление в первые десятилетия XX века и развитие в годы перед Второй мировой войной. Приводятся общие положения по основам дизайна, его методике, дается толкование основных употребляемых терминов.
Учебное пособие предназначено для студентов художественно-промышленных и архитектурно-дизайнерских специальностей высших учебных заведений. Издание будет полезно преподавателям данных специальностей, а также всем интересующимся вопросами дизайна.
СОДЕРЖАНИЕ
Введение 6
Лекция 1
Дизайн. Основные понятия и определения. Специфика дизайн-проектирования 8
Лекция 2
Эргономика — естественнонаучная основа дизайна 26
Лекция 3
Ретроспектива технического
развития и формообразования предметного
мира
доиндустриального общества 48
Лекция 4
Ретроспектива оптического
приборостроения (эволюция
формообразования
телескопов и
микроскопов) 63
Лекция 5
Дезинтеграция воссоздания предметного мира. Машинный переворот.
Первая Всемирная промышленная выставка 82
Лекция 6
Научно-технический прогресс XIX века, открытия и изобретения ……………99
Лекция 7
Зарождение прототеорий дизайна. Первые этапы интеграции искусства
и техники 123
Лекция 8
Особенности возникновения
предпосылок протодизайна в России.
Рекламная
графика (плакат) 140
Лекция 9
Начало промышленного дизайна
как профессиональной деятельности в
XX веке.
Веркбунд, П.
Беренс в АЭГ, Баухауз 165
Лекция 10
Дизайн визуальных коммуникаций среды. Графический фирменный стиль 192
Лекция 11
Художественный авангард в России.
Супрематизм. Конструктивизм.
Производственное
искусство 217
Лекция 12
ВХУТЕМАС—ВХУТЕИН. Советский отдел на Международной выставке
в Париже, 1925 244
Лекция 13
Стилеобразующие принципы ар деко. Становление коммерческого дизайна
в США 262
Лекция 14
Довоенный дизайн в Советском Союзе. Московский метрополитен
как комплексный объект проектирования 294
Лекция 15
Дизайн осветительных приборов. Ретроспектива и тенденции
формообразования 317
Лекция 16
Отечественный автодизайн 1930—1950-х годов. Творчество дизайнера
Ю.А. Долматовского 336
Рекомендуемые темы рефератов 358
Приложения 360
Литература (ко всему циклу лекций Книги 1 учебного пособия) 368
История дизайна: от Баухауса до ИКЕА
Высшее образование онлайн
Федеральный проект дистанционного образования.
Я б в нефтяники пошел!
Пройди тест, узнай свою будущую профессию и как её получить.
Химия и биотехнологии в РТУ МИРЭА
120 лет опыта подготовки
Международный колледж искусств и коммуникаций
МКИК — современный колледж
Английский язык
Совместно с экспертами Wall Street English мы решили рассказать об английском языке так, чтобы его захотелось выучить.
15 правил безопасного поведения в интернете
Простые, но важные правила безопасного поведения в Сети.
Олимпиады для школьников
Перечень, календарь, уровни, льготы.
Первый экономический
Рассказываем о том, чем живёт и как устроен РЭУ имени Г.В. Плеханова.
Билет в Голландию
Участвуй в конкурсе и выиграй поездку в Голландию на обучение в одной из летних школ Университета Радбауд.
Цифровые герои
Они создают интернет-сервисы, социальные сети, игры и приложения, которыми ежедневно пользуются миллионы людей во всём мире.
Работа будущего
Как новые технологии, научные открытия и инновации изменят ландшафт на рынке труда в ближайшие 20-30 лет
Профессии мечты
Совместно с центром онлайн-обучения Фоксфорд мы решили узнать у школьников, кем они мечтают стать и куда планируют поступать.
Экономическое образование
О том, что собой представляет современная экономика, и какие карьерные перспективы открываются перед будущими экономистами.
Гуманитарная сфера
Разговариваем с экспертами о важности гуманитарного образования и областях его применения на практике.
Молодые инженеры
Инженерные специальности становятся всё более востребованными и перспективными.
Табель о рангах
Что такое гражданская служба, кто такие госслужащие и какое образование является хорошим стартом для будущих чиновников.
Карьера в нефтехимии
Нефтехимия — это инновации, реальное производство продукции, которая есть в каждом доме.
Цикл лекций «История дизайна» | Синхронизация на Яузе, Moscow, MC
Schedule
Sun Nov 14 2021 at 05:00 pm to 07:00 pm
UTC+03:00Location
Синхронизация на Яузе | Moscow, MC
Advertisement
Мы хотим чувствовать себя комфортно дома и на работе. Приятно сидеть на стуле с удобной спинкой и держать в руках кружку, которая не обжигает. Но как появились эти предметы и кто их создал?На цикле научимся замечать красоту в простых вещах и посмотрим на мир предметов с разных ракурсов. Поймём, как дизайн формировал представления об уюте с конца XIX века до наших дней. Узнаем, почему IKEA стала главным магазином мебели в Европе и как соковыжималка может изменить мир дизайна.
Формат: офлайн-лекции в Москве
Длительность цикла: 5 лекций по 2 часа
Старт цикла: 14 ноября в 17:00
? Программа цикла:
1. Дизайн и искусство: прерафаэлиты и модерн
2. Дизайн и большие идеи: модернизм и деконструктивизм
3. Дизайн и массовая культура: от авангарда до IKEA
4. Дизайн и ирония: интерьеры 1960-80-х
5. Дизайн сегодня: искусство ради искусства
?? Лектор: Ксения Григорьева
Историк искусства и архитектуры, экскурсовод
Стоимость одной лекции: 1200 руб
При покупке цикла из 5 лекций — скидка 20% : 4800 руб
Подробности и регистрация: https://clck.ru/XzXpr
Advertisement
Where is it happening?
Синхронизация на Яузе, Яузская улица 5, Moscow, Russia, Moscow, RussiaHost or PublisherСинхронизация
1. История становления дизайна — СтудИзба
Лекция 1. История становления дизайна мировой и отечественный опыт
Рассмотрим основные вехи зарождения, становления и эволюции дизайна, того явления, которое в англоязычных странах с 1920-х годов именуют Industrial design.
Вторая половина XIX века. После первой Всемирной выставки 1851 г. в Лондоне наиболее прогрессивные европейские архитекторы и художники были поражены «бесстильем и эклектикой» изделий машинного производства и произведений искусства.
Художник, общественный деятель Уильям Моррис (1834-1896) под влиянием идей Д. Рескина предпринял в Англии утопические попытки через движение за обновление искусств и ремесел вернуться к ремесленному производству.
Его позиция: от массовой продукции с безвкусной имитацией ручного декора назад к выразительной работе ремесленников. Наивные и безрезультатные попытки остановить технический прогресс, уничтожить машинное производство с гораздо более дешевой продукцией. Но они помогли увидеть и осознать проблему необходимости иного, чем ремесленный, подхода к воссозданию предметного окружения, к проблемам материально-художественной культуры в период промышленной революции.
В эти же годы немецкий архитектор, теоретик и историк искусства Готфрид Земпер (1803-1879) написал труд «Стиль в технических и тектонических искусствах, или практическая эстетика». Он рассматривал форму как производное от ряда объективных факторов: практическое содержание (назначение), материал и способы его обработки, вкусы потребителей, традиции, религиозные и политические установления, личность художника-творца. Его учение во многом предопределило идеи теории функционализма [3].
В начале XX века набирающие силу молодые немецкие монополии стремились на мировой рынок. Однако уровень их продукции настолько низок, что правительство Великобритании в целях протекционизма требует простановки на товарах знака «сделано в Германии», обоснованно считая, что уже это оттолкнет английских покупателей. Тогда промышленники намечают ряд экстренных мер и создают совместно с видными деятелями искусств (Г.Мутезиус, П.Беренс, Х.Ван де Вельде и др.) в 1907 г. Германский художественно-промышленный союз («Германский Веркбунд»). Обращается особое внимание, на внешнюю привлекательность продукции (форму, материалы, отделку) и комфортность (удобство и безопасность в эксплуатации).
1920-е годы. Сначала мировая война, затем революционные потрясения и всплеск активности художников, архитекторов, критиков. В Германии Вальтер Гропиус (1883-1969), архитектор, педагог в 1919 г. создает Баухауз (Веймар) – художественно-промышленную школу нового типа с лозунгом «искусство и техника – новое единство».
Рекомендуемые файлы
Для практики в Европе и, особенно в России, с их послевоенной разрухой это был не лучший период. Но одновременно это было время бескомпромиссных споров, зарождения теорий, становления профессионального образования. Был сформулирован главный принцип функционализма: степень красоты изделия определяется степенью соответствия его формы его функции.
В послереволюционной Советской России в силу объективных причин не могла иметь место ситуация, характерная для Западной Европы, где становление дизайна стимулировалось пониманием необходимости повышения конкурентоспособности продукции. Зато у нас была государственная поддержка авангардных течений в искусстве как противовес буржуазным ценностям капиталистического общества.
Двумя основными течениями «левой живописи» или двумя концепциями нового подхода к предметно-пространственной среде, были супрематизм и конструктивизм.
Термин «Супрематизм» был создан Казимиром Малевичем (1878-1935) для определения абстрактных композиций, представленных им на последней футуристической выставке картин «0, 10» (ноль, десять) в Петрограде, декабрь 1915года. Этот термин происходит от латинского «supremus» (высший, крайний), образовавшему в родном языке художника, польском, слово «supremacja», что в переводе означало «превосходство», «доминирование». Геометрические фигуры, написанные чистыми локальными цветами, располагаются в трансцендентном (вне реальной конкретной ситуации) пространстве, «белой бездне», образуя динамично-статичные гармоничные композиции.
Конструктивизм представлял иную концепцию формообразования, основанную на акцентировании внутренних структурных связей между теми же, что и в супрематизме, абстрактными геометрическими элементами, подчёркивании особенностей материалов, выразительности их сочетаний. В отличии от поиска нового стиля в супрематизме через геометризацию форм и цвет, создание системы новых внешних форм, в конструктивизме главенствовало конструкторско-изобретательское начало, конструирование изнутри.
Родоначальником конструктивизма считается Владимир Евграфович Татлин (1885-1953), профессиональный художник, ученик Серова и Коровина.
При всей внешней принципиальной разнице две концепции формообразования дополняли друг друга. Конструктивизм, выработанный его идеологами и практиками «объективно-формальный метод» легли в основу педагогической системы ВХУТЕМАСа — ВХУТЕИНа (1920-30). После 1917г. в Советской России началась реорганизация всей системы художественного образования. На базе «Строгановки» и Училища живописи, ваяния и зодчества были созданы Первые и Вторые Государственные свободные художественные мастерские. В 1920г. на их базе декретом Совнаркома создаются Высшие художественно-технические мастерские (ВХУТЕМАС) как «специальное художественное высшее техническо-промышленное заведение, имевшее целью подготовить художников-мастеров высшей квалификации для промышленности».
Ведущими принципами их работы были: экономичность материалов и конструкций, рациональность использования пространства, многофункциональность и мобильность изделий. Категорически отвергалось всякое поверхностное украшательство. Большое внимание обращалось на гигиеничность вещей. Многие из этих принципов впоследствии стали каноническими для дизайна.
Тридцатые годы. В США после первой мировой войны наблюдался бурный технический прогресс и промышленный подъем. Однако на рубеже 20 — 30-х годов их сменил глубокий экономический кризис. Преодоление его последствий становится стимулом для развития дизайна.
В Англии, которая меньше пострадала от экономического кризиса, коммерческий дизайн также получил почву для развития. Одновременно интерес к дизайну проявляют искусствоведческие круги. В 1934 г. появилась книга «Искусство и промышленность» Герберта Рида (1893-1968), закрепившая примат искусства: «В границах функциональной целесообразности фабрика должна приспосабливаться к художнику, а не художник к фабрике». В 30-е годы одновременно с началом активной дизайнерской практики в Америке и Европе складывается теоретическая база дизайна.
В Советском Союзе в этот период резко разошлись пути проектирования промышленной продукции и искусства. Можно говорить об инженерном проектировании с элементами дизайнерского подхода, что было наиболее характерно для транспортного машиностроения: паровозы, самолеты.
Середина XX века. Дизайн США стал неотъемлемой частью американского образа жизни, прежде всего в воссоздании предметного окружения, создании новых видов товаров и услуг. Дизайн, порождение новых социально-экономических отношений государственно-монополистического капитализма и рыночных отношений, выполняя коммерческую задачу, стал одним из ведущих и эффективных факторов конкурентоспособности.
Позиция ведущих американских дизайнеров: «Самая важная цель дизайна — заставить звонить кассу, выбивающую чеки».
Правительство СССР в феврале 1945 г. воссоздает художественно-промышленные училища в Москве (на базе б. Строгановского) и в Ленинграде (б. Штиглица). Через десять лет эти учебные заведения, став уже высшими, начали подготовку художников-конструкторов.
Знаменательным событием и как бы официальным признанием дизайна явилась организация в 1957 г. Международного Совета Организаций Индастриал Дизайна (ИКСИД). На международном семинаре в Брюгге (1964) было предложено и на конгрессе ИКСИДа 1969 г. принято определение: «Дизайн есть творческая деятельность, конечной целью которой является определение качеств изделий, относящихся к их формообразованию (или «формальных свойств», «качеств с точки зрения формы»).
Эти качества связаны не только с внешним видом, но, главным образом, с конструктивными и функциональными характеристиками («структурными и функциональными связями изделий»), которые превращают какую-либо систему («предмет») в единое целое, как с точки зрения потребителя, так и с точки зрения изготовителя. Дизайн охватывает все обусловленные промышленным производством аспекты окружающей нас среды».
Вместе с этой лекцией читают «Изоляция реагирующих веществ».
В Советском Союзе государственная система художественного конструирования (так был интерпретирован термин «дизайн») была создана Постановлением Совета Министров в 1962 г. в связи с необходимостью повышения качества продукции. Значительное внимание уделялось эргономическим исследованиям и рекомендациям по учету человеческих факторов при проектировании и экспертизе.
80—90 годы. Начало 80-х, а тем более их конец для практики советского художественного конструирования были не лучшими годами. Но в этот период получила достаточно стройную формулировку теория системного проектирования, «системного дизайна». Углублялись также положения по категории «эстетическая ценность» в связи с аксиологической теорией красоты. Особое внимание обращалось на системные объекты, комплексы предметно-пространственной среды, создаваемые архитектурой и дизайном.
80—90 годы на международном уровне характерны дальнейшей глобализацией и интернационализацией экономических процессов в условиях информационной (телекоммуникационной) революции. Дизайн наряду с нововведениями организационного, технологического характера; научно-техническими достижениями остается неотъемлемым фактором конкурентоспособности в экономической борьбе производителей. В борьбе за рынки сбыта используются новейшие открытия, в т.ч. в области психологии.
Сегодня рынок предметов первой необходимости в постиндустриальных странах уходит в прошлое. Бум рутинных покупок «по необходимости» оставлен далеко позади новым рынком — «рынком удовольствия», рынком «эмоциональных покупок». Дизайнеры и конструкторы, не забывая о функциональности, удобстве и безопасности в эксплуатации, делают акцент на оригинальности формальных признаков (цвете, фактуре) — на впечатлении от изделий, их эффектности [2, 3].
Анонс лекций «Первые школы дизайна»
База дизайна: первые объединения и школы
Уильям Моррис был одним из первых, кто в графе профессиональной принадлежности написал заветное слово «дизайнер». Моррис и британское движение Arts&Crafts стало образцовым для многочисленных мастерских, сецессионов и небольших школ как в Европе, так и в Америке, в недрах которых ковалось новое направление – дизайн.
Как происходило утверждение основ дизайна, как рождались первые школы, какова структура и методика образования, что являлось пропедевтикой и основой основ в дизайн-образовании, о генетических корнях первых школах дизайна и агентах влияния, о великих преподавателях и талантливых учениках, о драматической судьбе инновационных образовательных структур – Веркбунда, Баухауса и ВХУТЕМАСа – мы поговорим на лекциях.
Курс состоит из 4 лекций:
Лекция 1. Уильям Моррис и Arts&Crafts
Лекция 2. Веркбунд: союз искусства и промышленности
Лекция 3. Баухаус: фундамент современного дизайна
Лекция 4. ВХУТЕМАС и ВХУТЕИН: фейерверк русского авангарда
Курс рассчитан как на профильную аудиторию, так будет интересен всем, изучающим историю искусства и дизайна. Для активизации навыка визуальной насмотренности и глубокого погружения в материал, курс поддержан мультимедийным форматом презентаций (200 — 300 слайдов), что позволяет не только познакомиться с творчеством архитекторов и скульпторов, декораторов и дизайнеров, но и сформировать понимание особенностей становления и развития дизайна в разных культурных средах.
Краткое описание лекций
Лекция 1. Уильям Моррис и Arts&Crafts
Английский модерн отличается от общеевропейского. Викторианское общество определяло ритм и характеристики художественных изменений. Однако движение, связанное с деятельностью прерафаэлитов и эстетическим движением, получили максимальное развитие в руках талантливого Уильяма Морриса, который сделал Общество искусств и ремесел образцовой для мирового художественного сообщества.
На лекции мы поговорим не только о работах английского поэта, художника, издателя, архитектора и лидера Arts&Crafts – Уильяма Морриса, узнаем, почему Red House стал пощёчиной общественному вкусу; посмотрим, какие проекты Моррис создал вместе с Данте Габриэлем Росетти, Эдвардом Берн-Джонсом, Фоксом Мэдоксом Брауном, Филиппом Уэббом, Чарльзом Фолкнером и Петером Паулем Маршаллом; поймем, в чем секрет успешности орнаментики Морриса и его издательства Kelmscott Press; и кто продолжил дело дизайнера№1.
Лекция 2. Веркбунд: союз искусства и промышленности
Веркбунд, основанный в Мюнхене осенью 1907 году, решал несколько задач, наиважнейшая из которых — объединение ремесла, искусства и промышленности. В состав нового объединения входили не только архитекторы и художники, но и руководители компаний-производителей. Такой союз был обусловлен, с одной стороны, невиданными возможностями, которые давали индустриализация и массовое производство, с другой стороны, озабоченностью крайне низким качеством производимых товаров, потере их эстетической составляющей. Рациональная конструкция, лаконичная художественная форма и выраженная функциональность должны были, по замыслу членов Веркбунда, привести к установлению единого эстетического вкуса и вывести из тотального кризиса.
Популярность идей Вербунда была столь велика, что за 5 лет численность союза выросла в четыре раза, появились австрийский и шведский, швейцарский и венгерский аналоги организации, а в Британии по образцу основана Design and Industries Association. Наиболее важными центрами производства Веркбунда были знаменитые Объединенные немецкие мастерские прикладных искусств и ремесел с центром в Хеллерау, имевшие рабочие мастерские и выставочные залы в 22 городах страны. Идеи Мис ван дер Роэ, Вальтера Гропиуса, Бруно Таута, Германа Мутезиуса, Карла Шмидта, Фридриха Наумана, Рихарда Римершмида, Фрица Шумахера и многих других даже после официального закрытия Вербунда влияли на развитие немецкого искусства и промышленности.
Лекция 3. Баухаус: фундамент современного дизайна
Баухаус, организованный в 1919 году Вальтером Гропиусом, просуществовал всего 14 лет, однако идеи, заложенные в этой школе, нашли свое воплощение в самых разных областях искусства и культуры. И это – закономерно. Школа Баухаус был передовой и по составу преподавателей, среди которых были Василий Кандинский и Пауль Клее, Вальтер Гропиус и Людвиг Мис ван дер Роэ, Ласло Мохой-Надь и Иоханнес Иттен, Гербер Байер и Марсель Бройер, и по методам преподавания, где практика и эксперимент ценились также же высоко, как и фундаментальные знания.
В настоящее время работы, созданные почти век назад в Баухаус, продолжают вдохновлять современных архитекторов и художников. В чем секрет такого успеха, какое влияние оказал Баухаус на развитие интернационального стиля, кто заложил основы современной колористики, когда открылся «Новый Баухаус» в Чикаго, какой вклад внесли ученики Баухас в развитии совеских городов,– об этом и многом другом мы поговорим на лекции.
Лекция 4. ВХУТЕМАС и ВХУТЕИН: фейерверк авангарда
Реорганизация системы художественного образования в России привела к созданию учебного заведения нового типа – ВХУТЕМАС. Объединение, образованное в 1918 году, в 1927 г. был переименовано во ВХУТЕИН — Высший художественно-технический институт, однако методика обучения и тематика учебных проектов была сохранена.
В творчестве и теоретических взглядах выдающихся педагогов ВХУТЕМАСа-ВХУТЕИНа — Александра Родченко и Константина Мельникова, Моисея Гинзбурга и Ильи Голосова, Александра Веснина и Ивана Леонидов, Василия Кандинского и Павла Флоренского, Веры Мухиной и Эль Лисицкого, Владимира Татлина и Александра Родченко, нашли воплощение новаторские идеи в области архитектуры и дизайна.
Лектор – культуролог Елена Рубан.
Лекции проводятся в формате вебинара. После оплаты участник получает активную ссылку. Запись вебинара активна в течение двух недель. Информацию об актуальных на данный момент лекциях и заявку для участия можно подать в произвольной форме — [email protected]
новый взгляд на преподавание истории дизайна / The Design Society
DS 76: Материалы 15-й Международной конференции по инженерному проектированию и образованию в области дизайна продуктов E & PDE 2013, Дублин, Ирландия, 05-06.09.2013
Год: 2013
Редактор: Джон Лоулор, Гер Рейли, Роберт Симпсон, Майкл Ринг, Ахмед Ковачевич, Марк МакГрат, Уильям Ион, Дэвид Торми, Эрик Богемия, Крис МакМахон, Брайан Паркинсон
Автор: Хауэлл, Брайан; Кристенсен, Кимберли
Серия: E & PDE
Учреждение: Университет Бригама Янга, Соединенные Штаты Америки
Секция: Учебные классы
Страницы: 838-843
ISBN: 978-1-0-42-1
Абстрактные
Учебные моделиStudio на протяжении почти 100 лет были центральной вехой в архитектурном и дизайнерском образовании.Тем не менее, студийные модели обычно встречаются только на курсах, обучающих навыкам или практике дизайна, в то время как история и теория дизайна остаются в ловушке традиционных форматов, основанных на лекциях. Эти традиционные курсы истории предлагают мало возможностей для активного участия и часто не могут передать ощутимые ценности молодым практикующим дизайнерам, которые борются с форматом обучения, который настолько заметно отличается — и более пассивен — чем большинство их студийных курсов. . В этой статье мы обсуждаем преобразование традиционного, основанного на лекциях, курса истории дизайна в студийную модель, когда студенты активно участвуют в исследованиях дизайнеров, а затем применяют свои новые знания, создавая презентации в классе и ведущие обсуждения в классе.Мы начинаем с определения студийного обучения, противопоставляем его подходам, основанным на лекциях, и даем обоснование для изменения учебного подхода курса. Затем мы обрисовываем базовую структуру нового формата студийного курса, включая несколько этапов исследования, разработки и выполнения презентации, а также оценки. Наконец, мы обсуждаем, как повысилась вовлеченность студентов и качество обучения в рамках студийной модели, как показано студентами курса и оценочными баллами преподавателей, и размышляем об общем опыте и будущем курса.
Ключевые слова: Дизайн-образование, история дизайна, студийное обучение, лекционное обучение
Загрузить
Серия лекций Макса и Эммы // Департамент искусства, истории искусства и дизайна // University of Notre Dame
- Главная>
- Программа бакалавриата>
- Max & Emma Lecture Series
Любовное воспоминание приводит к серии лекций
Эмма.Картина Брук Вертин
По человеческим меркам жизнь Макса Дженсена была короткой — всего 17 лет. Но для кошачьих это жизнь, продолжавшаяся до «золотых лет», и жизнь, которая будет влиять на студентов-искусствоведов в Нотр-Даме на десятилетия.
В память о своем любимом питомце профессор экономики Рич Дженсен поручил художнику Барб Рош нарисовать портрет Макса, который он подарил в 2006 году своей жене, Гей Даннелли, администратору библиотек Хесбурга, в качестве сюрприза ко Дню святого Валентина.Однако вместо того, чтобы принять оплату за портрет, Барб Рош предложила Дженсену и его жене пожертвовать деньги художественному отделу Нотр-Дама. Дженсен и Даннелли решили профинансировать серию лекций, которые приглашают выдающихся докладчиков в кампус для специальных презентаций и встреч со студентами, что обогащает интеллектуальную жизнь факультета и приносит прямую пользу студентам.
Макс. Картина Барб Рош
«Что нам понравилось, так это идея иметь уважаемых гостей, которые будут находиться в кампусе достаточно долго, чтобы общаться со студентами, а также читать лекцию», — сказал Дженсен.
Был создан Фонд Макса и Эммы за совершенство, и первая лекция Макса и Эммы состоялась в апреле 2007 года. (Эмма, еще одна любимая кошка Даннелли-Дженсена, умерла летом после того, как портрет Макса был подарен Даннелли. Студентка искусств Брук Вертин нарисовала Памятный портрет Эммы.) Первая лекция привела в Нотр-Дам известного историка дизайна и критика Виктора Марголина. Марголин прочитал публичную лекцию под названием «Проблема социального дизайна». Во время своего визита он также провел встречи со студентами-дизайнерами и преподавателями.
| 2007-2008 | Виктор Марголин | Почетный профессор истории дизайна Чикагского университета |
| 2008-2009 | Чип Кидд Фрэнк Бейсман | Заместитель арт-директора — Random House Директор — Baseman Design Associates |
| 2009-2010 | Джон Паолетти | Кенан, профессор гуманитарных наук, почетный профессор истории искусства, почетный профессор Уэслианского университета |
| 2010-2011 | Марк Рэндалл Андреа Пеллегрино | Доцент кафедры стратегического дизайна и менеджмента — Новая школа Партнер и директор отдела социальных инноваций и стратегического партнерства — Worldstudio |
| 2011-2012 | Джон Биленберг | Предприниматель и мыслитель дизайна |
| 2012-2013 | Эмили Пиллотон | Дизайнер, строитель, педагог, автор, основатель — Project H Design |
| 2013-2014 | Марк Дион | Скульптор, художник по инсталляции, наставник — Колумбийский университет, штат Нью-Йорк, содиректор — Mildred’s Land Foundation |
| 2014-2015 | Джеймс Отцов | Директор Школы дизайна; Кафедра лидерства в дизайне; Профессор, Промышленный дизайн и дизайн взаимодействия — Сиракузский университет |
| 2015 — 2016 | Сесиль Уайтинг | Профессор истории искусств и визуальных исследований — Калифорнийский университет в Ирвине |
| 2016-2017 | Эдди Опара | Партнер — Пентаграмма |
| 2017-2018 | Венди Уайт | Самостоятельный художник — Художник |
| 2018-2019 | Ханна Б.Хиггинс | Профессор истории искусств и директор программы IDEAS — Университет Иллинойса, Чикаго |
| Школа архитектуры Бартлетта
Эта недавно созданная серия лекций по истории и теории B-Pro предлагает платформу для презентации, обсуждения и теоретических размышлений о связях между цифровой мыслью, архитектурой и городским дизайном. В лекциях этого года подчеркивается ключевая роль вычислений в синтезе сложных проектов и их культурное значение.
«Перспективы» направлен на поощрение и воодушевление нынешних студентов и заинтересованных специалистов, создание диалога, направленного на академические круги, практику и не только, а также на общие дисциплинарные проблемы и границы.
Организаторы серии — Даниэль Келер и Роберто Боттацци, координаторы модулей «История» и «Теория» в наших программах «Архитектурный дизайн» и «Городской дизайн B-Pro» соответственно.
Пятница, 19 января, 16:00
Аудитория Кристофера Инголда
20 Gordon Street, WC1H 0AJ
Резюме лектора:
«Сегодня беспрецедентная мощность вычислений способствует новому виду науки, в котором прогнозирование может быть основано на простом извлечении информации, а поиск формы путем моделирования и оптимизации может заменить вывод из математических формул.Дизайнеры какое-то время играли с машинным мышлением и машинным обучением, и очевидно непостижимая сложность физических форм, которые они сейчас создают, уже выражает новую форму искусственного интеллекта, выходящую за рамки традиций современной науки и чуждую органическая логика нашего разума ».
Среда, 24 января, 13:00
Зал 1.02, The Bartlett
Изображение: Двенадцать математических приютов для музея неограниченного расширения
Среда, 31 января, 14:00
Зал 1.02, The Bartlett
Резюме лектора:
«Истина, похищенная, содержится в плену в башне лжи, из высоких окон которой она взывает к освобождению: так изображен Томас Ле Мезье в 1321 году. На помощь ей едут три стороны. : Впереди Аристотель, вооруженный разумом и силлогистическим аппаратом греческой логики; позади него Аверроэс, вооруженный воображением и его хитрыми кратчайшими путями к истине, которые всегда ускользают от громоздких рассуждений Аристотеля; и сзади Рамон Луллий, вооруженный только вращающимися колесами своего Ars Demonstrativa.Бумажные колеса Лулля, преждевременные предшественники латунных колес, которые Лейбниц установил в своем «Ступенчатом счетчике», знаменуют начало истины как расчет, заключенный в машине.
Как и ожидал Луллий, машины мысли, не зараженные ошибками, поражающими человеческое мышление, не должны были думать лжи и, конечно, не иметь грузовика с альтернативными фактами. Но машины мысли, далекие от спасения истины, в своих последних аватарах пузырей и ботов начали напоминать разноцветных демонов, свисающих с зубчатых стен Ле Мезье: уродство, замешательство, пустота, противоречивость, праздность, слабость, ненависть и т. Д. ошибка.Может быть, она свободна, и теперь именно мы заточены в новом пространстве махинаций машины Ллулля? »
Биография:
Франческа Хьюз — теоретик архитектуры и педагог, проживающая в Лондоне, где она преподает в Архитектурном институте. Association. Она является автором-редактором книг Архитектор: реконструируя свою практику (MIT Press, 1996), Рисунков, которые считают (публикации AA, 2013) и самой последней книги Архитектура ошибки: материя, мера и Злоключения Precision (MIT Press, 2014).В настоящее время она работает над предысторией универсальной дискретной машины.
Среда, 7 февраля, 14:00
Зал 1.02, Бартлетт
Резюме лектора:
«Дискурс о важности эстетики, пересмотренный через призму системного мышления, теории сложности и трансдисциплинарности, в устойчивом дизайне города и территории.
«Карта путей», основанная на ссылочных последовательностях, напоминающая не только современное культурное воображаемое, но и новый концептуальный аппарат, возникший из трансдисциплинарного союза между мыслью, наукой и эстетикой, создающий картографию резонансов между различными сферами и представляющий новые модели и инструменты для другого многообещающего пути в развитии городов ».
Среда, 14 февраля, 14:00
Зал 1.02, The Bartlett
Резюме лектора:
«История поисков культурной формы для компьютера — это история, полная противоречий, споров и горячих споров. Любопытство, а также сильное восхищение и страх перед ним возникшие в прошлом, часто остаются незамеченными в современном дискурсе. Эта лекция посвящена попыткам архитектуры развить подходящую форму культуры для структурной логики компьютера. Чтобы проработать эти вопросы, в лекции будет углублена амбивалентная, но чрезвычайно информативная глава в история послевоенной архитектурной критики Западной Германии.»
Среда, 23 мая, 14:00
Зал 6.04, Бартлетт
Резюме лектора:
» Несмотря на то, что цифровая архитектура занимает важное положение В современном дискурсе, возможно, парадоксально, что до сих пор мало осведомленности об истории, фундаментальных концепциях и методах использования компьютеров в архитектурном дизайне. В этой лекции особое внимание будет уделено данным в архитектуре и их использованию для описания и моделирования пространства.»
Биография:
Роберто Боттацци — архитектор, исследователь и педагог из Лондона. Он учился в Италии и Канаде, прежде чем переехать в Лондон. Он преподавал в Королевском колледже искусств с 2005 года и в The Bartlett. с 2015 г. Он является автором готовящейся к выпуску книги « Цифровая архитектура за пределами компьютеров: фрагменты культурной истории вычислительного дизайна» (2018 г.) и редактором книги «Ходячие города : Лондон, » (2017 г.). Он читал лекции и участвовал в международных выставках.
История дизайнерского сознания — Лекция @ Hult International Business School
В начале семестра преподавания «Дизайн для бизнес-лидеров» в Hult я представил повторение ранее размещенной здесь лекции, которую я читал в SFSU Колледж бизнеса. Он похож по наброскам, но сильно отличается по конкретному повествованию — как и следовало ожидать от материала, который все еще находится в разработке. Каждый из них является прототипом, на котором я надеюсь сфокусировать внимание и внести ясность в книгу о дизайнерском сознании, которая является моим текущим проектом.
В настоящее время я готовлю к выпуску обновленной версии в Тихоокеанской школе религии, которую с нетерпением жду.
Я разбил лекцию, которая проходила через Zoom во время блокировки Covid в Сан-Франциско, на 4 части — чтобы сделать ее более удобоваримой и чтобы я мог вырезать разделы, в которых мы делали перерыв, но не ставили паузу в записи.
Часть 1: Введение в Design Consciousness
Часть 2: Глава 1: Человек-дизайнер и Глава 2: Ремесленный дизайн
Часть 3: Глава 3: Промышленный дизайн
Часть 4: Глава 4: Дисциплина, ориентированная на человека
Поделиться страницей:
Ежегодная серия лекций| История искусств
От всемирно признанных старших ученых до начинающих историков искусства, которые формируют будущее этой дисциплины, в нашей ежегодной серии лекций представлены самые разные голоса.Спикеры представляют работы, относящиеся к историческим периодам, с использованием различных методологий, которые затрагивают множество тем и исследовательских вопросов.
2021-2022 Кафедра истории искусств Серия лекций
| Дата | ФИО преподавателя | Название |
|---|---|---|
21 октября 2021 г., 17:00 125 Уилли Холл, Zoom | Хесус Эскобар | Дональд Р.Лекция Торберта по истории архитектуры — «Мадрид Марианы: архитектура, церемония и сила» |
2020-2021 Кафедра истории искусств Серия лекций
| Дата | ФИО преподавателя | Название |
|---|---|---|
20 октября 2020 г., 15:00 Увеличение | Лаура Калба | Серия коллоквиумов для факультетов — «Красивые деньги: Глядя на La Semeuse в Fin-de-Siécle France» |
2019-2020 Кафедра истории искусств Серия лекций
| Дата | ФИО преподавателя | Название |
|---|---|---|
11 октября 2019 г., 15:30 445 Хеллер Холл | Джейн Блокер | Серия коллоквиумов для факультетов — «Маяк: эпистемологии арт-объекта» |
30 октября 2019 г., 17:30 | Мадхури Десаи | Дональд Р.Лекция Торберта по истории архитектуры — «Храм Великих Моголов в Банарасе и за его пределами» |
27 марта 2020 г., 12:00 Zoom | Дженнифер Авес-Фриман | Серия коллоквиумов для факультетов — «Измененные ковчеги / ковчеги как алтари: божественность в движении в поздней античности и раннем средневековье» |
2018-2019 Кафедра истории искусств Серия лекций
| Дата | ФИО преподавателя | Название |
|---|---|---|
1 ноября 2018 г., 17:00 | Майкл Осман | Дональд Р.Лекция Торберта по истории архитектуры — «Видимая рука модернизма: архитектура и регулирование в Америке» |
8 апреля 2019 г., 16:00 | Дженни Соркин | «Тысяча часов: художественный труд и ваза, положившая начало мастерской керамики» |
2017-2018 Кафедра истории искусств Серия лекций
| Дата | ФИО преподавателя | Название |
|---|---|---|
24 октября 2017 г., 17:30 | Кристина Когделл | Дональд Р.Лекция Торберта по истории архитектуры — «К живой архитектуре? Сложность и биология в генеративной архитектуре» |
30 ноября 2017 г., 16:00 | Дженнифер Авес Фриман | «Кормящий Каин: визуализация роли Евы осенью» |
6 апреля 2018 г., 16:00 | Пэн Пэн , приглашенный доцент | Симпозиум факультета истории искусств |
12 апреля 2018 г. | Анника К.Джонсон | «Камень на стыке культур в девятнадцатом веке» |
2016-2017 Кафедра истории искусств Серия лекций
| Дата | ФИО преподавателя | Название |
|---|---|---|
4 октября 2016 г., 17:00 | Луи П.Нельсон | Лекция Дональда Р. Торберта по истории архитектуры — «Архитектура западноафриканского порабощения» |
12 октября 2016 г., 19:30 | Том Рассье | «Мартин Лютер: Искусство и Реформация» |
10 ноября 2016 г., 14:30 | Ананья Чаттерджи | «Скажи, что видишь: визуальная культура во всех дисциплинах» |
1 декабря 2016 г., 14:30 | Маргарет Кул Рут | «Визуальная культура персидского мира» |
8 апреля 2017 г., 10:30 | XIX век Коллин Денни Ислам Дебора Хаттон Южная Азия Ребекка Браун | «Liber Amicorum: симпозиум в честь профессоров Кэтрин Ашер, Фредерика Ашера и Габриэля Вайсберга» |
Обучение в разных часовых поясах | RISD
Курс RISD История промышленного дизайна уже давно стал обрядом для второкурсников в области промышленного дизайна.
Созданный и преподаваемый Мэтью Бердом 89 ID, давним преподавателем и выпускником факультета, этот класс охватывает столетия глобального производства, уделяя особое внимание вещам, которые люди создали до промышленной революции. По сути, он рассказывает историю вида, который выживает, создавая и используя виджеты, гаджеты и другие интересные инструменты для повседневной жизни.
«Вы не можете преподавать историю промышленного дизайна, не обсуждая историю всего остального.” id преподаватель Мэтью Берд
«Невозможно преподавать историю промышленного дизайна, не обсуждая историю всего остального, — говорит Берд, который этой весной преподает две секции по 50 студентов в каждой.
«Класс помогает студентам определить свои собственные интересы и проблемы, изучая работы других дизайнеров, используя историю, чтобы избежать отвлекающих факторов, фальстартов, подводных камней и ненужных ошибок в своей работе.”
Студенты курса Bird’s каждую неделю создают визуальные заметки в ответ на чтения и его лекции.Во многих отношениях учебная программа Bird предлагает относительно плавный ввод в виртуальное обучение перед лицом пандемии COVID-19. Он обновляет и дополняет свой сайт курса каждый год, добавляя новые записи своих презентаций по всему, от шейкеров до модерна и Баухауза, а также эклектичную коллекцию ресурсов.
Интересует история костюма зут? Или как танцовщица американского происхождения Жозефина Бейкер стала силой французского сопротивления во время Второй мировой войны? Он там.
Студенты отвечают на лекции и чтения, отправляя рисунки и зарисовки, вдохновленные их содержанием — визуальные заметки, которые Бёрд описывает как «чрезвычайно красивые.”
Теперь, когда студенты со всего мира учатся из дома, занятия Bird’s Zoom — это спасательный круг для тех, кто может войти в систему. Многие из них находятся в материковом Китае, где они находились на карантине с момента прибытия из США в прошлом месяце.
«Мы используем звонки, чтобы обсуждать показания, проверять и поддерживать сообщество, которое нам всем действительно нужно», — говорит Берд.«Наше время в классе — единственное, что не связано с пандемией, оно связано с построением сообщества и созданием надежды. Вирус заставил всех лучше понять, насколько ценным является наше сообщество, и это немаловажно ».
«Наше время в классе — единственное, что не связано с пандемией — это создание сообщества и создание надежды».
Курс завершается многоэтапным исследовательским проектом, сфокусированным на случайно назначенном объекте из невероятной коллекции продукции отдела: радиоприемниках, камерах, пылесосах и других знаковых повседневных предметах, относящихся к 1800-м годам.
И хотя студенты не могли держать предметы в руках с тех пор, как покинули кампус в середине марта, они могут исследовать практически каждую деталь своей биографии в Интернете — от номера патента до изобретателя до ранних рекламных объявлений, рекламирующих их жизнь и экономию времени. изменение добродетелей.
SM
Студенты приходят в RISD с «впечатляющими навыками работы с компьютером и социальными сетями», — говорит Берд.«Им просто нужно применить эти навыки, чтобы проводить исследования».
Рассмотрим кофеварку Braun 1970-х годов, один из многих объектов, которые можно присвоить. Студенты начинают с основных вопросов, таких как: «Из чего он сделан? Сколько это стоит? Есть ли патент? »
Затем они сравнивают другие предметы той же эпохи и могут, например, обнаружить, что кофеварка Braun стоит в пять раз дороже, чем кофеварка Mr.Кофе из того же времени. «Это помогает дизайнерам понять, как продукт позиционируется на рынке», — говорит Берд.
И тот факт, что многие студенты находятся дома со своими родителями (и даже бабушками и дедушками) — помимо «пузыря RISD», как выразился Бёрд, — делает содержание его курса гораздо более значимым.
«Обычно, когда я говорю о кухонном смесителе 1950-х годов, студенты действительно не знают, что это такое», — говорит он.«Но теперь многие из них говорят:« Я смотрел эту лекцию со своей бабушкой, и раньше у нее было такое! »Таким образом, физический сдвиг помогает им привязать школьную работу к большему опыту, что является реальным преимуществом, особенно для промышленных предприятий. дизайнеров ».
— Симоне Солондз
14 — Конспект лекций 14 — SDC250 — Всемирная история дизайна — WSU
Исламский дизайн через Аверроэс
РАЙСКИЙ САД
После падения Римской империи
4-й век до нашей эры — 15 век нашей эры
Прямое сравнение с дзен-буддизмом сад
Религиозный идеал, проявленный в саду
Символически он говорит о порядке, любви и смерти, вечной жизни
Первоначально импортирован в Грецию из Персии
Архетип Эдема = принят и реконструирован египтянами, греками, Христиане
Umayyad 711-1492
Сады средневековья, в основном обнесенные стенами и ориентированные внутрь, как ответ на опасность
, присутствуют на открытом ландшафте
Рай
oParadaeza = оградка
oParades =
oParades =
oParades =
oParades =
oParades oParadeisos = экстравагантный парк
Идея потерянного Эдема
oИстория Эдемского сада
oПсихологический поворот от хорошего к плохому
o Пустыня просто прекрасна
Райский сад — это средний сад
oЗахватить идеальный райский сад
oСозерцать идеалы вселенной
ИУДАИЗМ И ПРИРОДА
Что мы теперь знаем, что еврейское слово, обозначающее владычество, не означает доминировать или использовать
или использовать
o Это означает взять на себя ответственность, как правило, будет нести ответственность за царство
«Большинство людей, включая большинство евреев, не знают, что иудаизм был одним из первых великих
экологические религии .
