А цорн все его картины: Андерс Цорн — 145 произведений

Разное 

Содержание

Андерс Цорн: картины, биография

Андерс Леонард Цорн (1860-1920)

 

 

27 октября 1897 года одна из петербургских газет сообщала, что накануне «вечером, в ресторане Донона состоялся банкет в честь находившегося в Петербурге известного шведского ху­дожника Андреаса Цорна. На банкете присутствовали: И. Е. Репин, А. Н. Бенуа, А. П. Соколов, Л. Н. Бенуа.., а также прибывшие из Москвы С. И. Мамонтов и художники Коровин и Серов… Устроителем банкета был С. П. Дягилев. Первый тост за здоровье „великого мастера и виртуоза» А. Цорна провоз­гласил Репин. После него говорил Дягилев о значении сканди­навского искусства…»

Интерес к творчеству Андерса Цорна в России — явление не случайное. Уже молодой Цорн приобрел славу непревзойден­ного виртуоза. У него появились бесчисленные поклонники и подражатели. В статьях художественных критиков тех лет почти привычным стало словосочетание «живопись а ля Цорн». Техническое совершенство, артистизм работ Дорна производят и теперь ошеломляющее впечатление.

Цорн, в 1881 году окончивший Академию художеств в Сток­гольме, начал свою деятельность как акварелист, пройдя ве­ликолепную школу в Англии, не только в мастерской, но и в музеях Лондона, где он внимательно изучал произведения Констебля, Уистлера и современных акварелистов.

Специфика работы в технике акварели, требующей от ху­дожника умения быстро и безошибочно переносить на бумагу свои впечатления от натуры, предопределила во многом и осо­бенности живописной манеры Цорна. Легкой, но очень уверен­ной кистью написаны женские портреты, жанровые картины, пейзажи тех лет. Излюбленный художником способ письма «по-мокрому», когда на предварительно увлажненную поверх­ность бумаги быстро и точно наносятся пятна краски, позво­лил ему сочетать столь, казалось бы, несовместимые вещи, как прозрачность красочного слоя и фактурность изображаемого. Эта же манера обусловила и свойственную работам Цорна «размытость» очертаний предметов, рождающую, в свою оче­редь, ощущение погруженности их в атмосферу, окутанности воздухом.

Сложившаяся к началу 80-х годов стилистика импрессио­низма, с теорией и практикой которого Цорн мог познакомить­ся во время своих постоянных наездов в Париж, во многом от­вечала характеру поисков молодого художника. Осмыслив опыт предшественников и современников, Цорн создал свой собственный вариант стиля, определяющей чертой которого было не столько следование основным принципам импрессионизма, сколько усвоение свободной артистической манеры письма. Сам художник весьма расширительно толковал по­нятие «импрессионизм», называя, например, импрессиони­стом Веласкеса.

Сдержанная гамма палевых и дымчато-зеленоватых тонов с вкраплениями сложно разработанных черного и красного ха­рактерна для большинства ранних произведений Цорна («Портрет Эммы Цорн», 1883; «Девушки за чтением»). Вариа­циями этих немногих тонов художник добивается самых раз­нообразных эффектов. В акварели «Алоэ и кактус» (1887), кажущейся на первый взгляд почти беспредметной, несколь­кими прикосновениями кисти переданы горячий песок, голу­бое небо, сочные, но словно растворенные в нагретом воздухе листья растений… Обретшим плоть солнечным лучом застыла у распахнутой двери золотоволосая темноглазая девочка в светлом платье… Прозрачное прохладное облако брызг повис­ло над нежно-зелеными струями водопада в йоркшире.

Перейдя зимой 1887 —1888 года к работе масляными крас­ками, Цорн остался верен выработанной манере письма. Кар­тины напоминают акварели; он пишет маслом очень жидко, почти прозрачно, как бы эскизно, здесь та же невыявленность, «размытость» контуров — но за всем этим, как всегда, пре­восходное владение рисунком, любование объемом, недаром художник в первые годы обучения мечтал стать скульптором.

Интересом к скульптурной форме можно объяснить частое обращение Цорна к мотиву нагого женского тела, теплоту которого он умеет передать и в дымчато-сером полумраке мас­терской, где рядом со строгими линиями и холодными тонами гипсовых слепков особенно живой и прекрасной кажется плоть человека, и на фоне зеленовато-голубых далей солнечного пейзажа. Чувственное любование молодым прекрасным телом неотделимо у художника от наслаждения живописной факту­рой произведения. Эротизм здесь как бы «снимается» испол­нительским артистизмом, обретая чисто эстетическое звуча­ние.

Широкую известность принесли Цорну его портретные рабо­ты. Начинал художник с камерных акварельных и гравиро­ванных портретов, изображая себя, свою жену и близких. Од­нако уже в конце 80-х — начале 90-х годов он превращается в одного из самых модных портретистов и, по словам С. П. Дя­гилева, в «большого баловня Парижа». Зиму он проводит в своем парижском ателье, а на лето уезжает на родину в Мору. Несколько поездок в Соединенные Штаты делают славу Цорна поистине мировой.

Современников в портретных работах Цорна привлекало безусловное умение уловить сходство и одновременно придать облику изображенного особую значительность, а портрету в целом — репрезентативность и эффектность.

Люди на портретах Цорна уверены в себе, исполнены чувст­ва собственного достоинства. Здесь нет сложных психологических нюансов, следов рефлексии, и даже более того — эти нюансы тщательно замаскированы, скрыты за внешним благо­получием модели. По-видимому, вполне бессознательно ху­дожник усвоил концепцию портрета-маски, характерную для искусства рубежа веков. Отсюда и определенность социальной окрашенности портретных работ Цорна.

Стилистическая структура этих произведений также доста­точно однотипна. На почти беспредметном фоне, где лишь намеком обозначен интерьер, скульптурно четко, как бы рель­ефно пишется лицо портретируемого, детализации которого противопоставлена широкая свободная живопись одежд. (Именно одежды, особенно женские, дают возможность Цорну блеснуть живописным и колористическим мастерством.) Лицо изображенного оказывается заключенным в своеобразную «раму» фона, частью которого является и декоративно тракто­ванные одежды. В этом приеме также легко угадать воздей­ствие стилистики модерна.

Колористически портреты Цорна изысканны, почти аристо­кратичны. Бесконечные вариации сочетаний серых и розовых тонов заставляют вспомнить любимого Цорном Веласкеса, а зеленовато-серебристые оттенки, объединенные с палевыми и опаловыми, говорят о прекрасном знании работ Уистлера.

Заказчиками Цорна-портретиста были представители па­рижской художественной элиты и крупной европейской бур­жуазии. Круг этот с годами расширялся, но, расширяясь, он становился все более «узким» — американские финансисты и государственные деятели, члены шведской королевской фами­лии и т. д. …Художник как бы переставал принадлежать себе. В угоду заказчикам он вынужденно повторялся.

Может быть, именно это дало право С. П. Дягилеву в обзоре парижских выставок 1901 года писать: «Вы видите эффект­нейший портрет, последнее произведение Цорна… Когда два года назад появилась его голубая „Американка» с большой собакой — весь Париж бегал ее смотреть, только и было раз­говоров о Цорне; он был силен, непосредствен, в нем была нот­ка своеобразной свежести… Все это осталось и теперь… Жен­щина чудно усажена на холсте, все красиво в пропорциях и тонах, но под всем этим совершенством каким-то чудом про­крадывается тот неуловимый холодок, который рассказывает нам, что всему можно научиться, что можно знать не только анатомию и рисунок, но даже найти секрет как придавать себе сильный темперамент, юную наивность… В Цорне его пыл, его художественный пафос подчас шокируют: теперь это уже не более как true, подделка».

Автопортреты Цорна — это та область, где совершенствова­лось не только мастерство, но и дар портретиста-психолога. Они дают возможность увидеть процесс постепенного пре­вращения самоуверенного, но чуть провинциального, наивно подчеркивающего свой «дендизм» юноши художника, сына крестьянки и пивовара, в прославленного «маэстро», честибыть изображенными которым добивались сильные мира сего.

Цорн был превосходным графиком. Его гравюрам (портреты, жанровые композиции) присуща та же свободная широкая манера, за которой стоит совершенное владение рисунком. Для Цорна-графика характерны отказ от подчеркнутого кон­тура, уверенная лепка объемов длинными, параллельными, следующими изгибам формы штрихами, пучками сходящи­мися в местах сочленения форм, умение едва приметными градациями толщины линии передать вибрацию световоздуш- ной среды. Порой кажется, что его гравюры, этот в своем роде образчик графического импрессионизма, «написаны» широ­кой кистью, столь живописна их фактура.

Импрессионистичны и работы Цорна в малой пластике («Фавн и нимфа»). Иначе, в строгих традиционных формах выполнена монументальная скульптура Цорна — бронзовый памятник Густаву Вазе в родном городе художника, Море, в котором он постоянно жил с 1896 года и где основал и субси­дировал Высшую школу для крестьян. В 1919 году он учредил так называемую «стипендию Андерса Цорна». Цорн собрал большую коллекцию произведений искусства, среди которых были картины Рубенса, старинные шпалеры, изделия при­кладного и народного искусства. Это собрание вошло в состав музея Цорна в Море.

Стиль жизни художника вполне соответствовал по широте и «размашистости» его живописной манере.

Т. ВОЛОДИНА

Картины Цорна

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

картины художника с названиями и описанием

 

Андерс Цорн. Впервые

1888 г. Национальный музей Швеции, Стокгольм

Шведский живописец Андерс Цорн испытал несомненное влияние импрессионистов: его картины, созданные широкими легкими мазками, производят обманчивое впечатление простоты и легкости, за которой на самом деле стоят годы напряженного труда. «Впервые» — забавная сценка из жизни: маленький ребенок в первый раз купается в озере.

 

 

 

 

 

Андерс Цорн. Музыкальная семья

1905 г. Национальный музей Швеции, Стокгольм

Творческим ориентиром для себя художник считал Рембрандта, и влияние великого мастера ощущается в тональности многих работ Цорна, в его передаче разнообразных видов света — солнца, луны, горящего очага, свечи. На многих картинах изображены жители родной провинции художника — Даларне.

 

 

 

 

 

Андерс Цорн. Полночь

1891 г. Музей Андерса Цорна, Мура

Андерс Цорн любил запечатлевать длинные летние ночи, когда светлое, подернутое туманом небо не дает возможности определить, наступила ли уже полночь. Или ночь давно перевалила на вторую половину и скоро взойдет солнце? Загадка и магия северных белых ночей. Только по невероятной звенящей тишине, по спокойствию речной воды мы можем догадаться, что до утра еще далеко…

 

 

 

 

 

Андерс Цорн. Летний танец

1897 г. Национальный музей Швеции, Стокгольм

Второе название картины — «Танец в Иванову ночь». Художник с большим уважением относился к народным обычаям, любил запечатлевать на холсте все, что с ними связано. Когда работы Цорна приобрели популярность за рубежом, многие из них стали для поклонников источником информации о родной стране живописца.

 

 

 

 

 

Андерс Цорн. Марта Дана

1899 г. Музей изобразительных искусств, Бостон

Начинавший с жанровой живописи, Цорн, с его тонким чувством цвета и глубоким психологизмом, в итоге стал одним из самых популярных портретистов. Интересно, что за рубежом к нему обращались в основном «сильные мира сего» — как к «салонному» мастеру. У себя на родине художник предпочитал писать близких ему людей.

 

 

 

 

 

Андерс Цорн. Хьюго Рейзингер

1907 г. Национальная галерея искусства, Вашингтон

Современников поражала способность художника создать за несколько часов невероятно схожий с оригиналом портрет. При этом эскизов он не делал и, по воспоминаниям очевидцев, «работал большой кистью и всего несколькими красками». Цорн был подлинным виртуозом в передаче формы, но, как писали знавшие его, часто отказывался изображать мелкие детали облачения аристократов, заказавших ему портрет. Мотивация была простая: «Я художник, а не портной». Цорн также был известен как выдающийся мастер гравюры.

 

 

 

 

 

Андерс Цорн. Уильям Говард Тафт

1911 г. Белый Дом, Вашингтон

Не правда ли, показательно: портрет 27-го президента США, находящийся в Белом доме, создан не американским художником, а шведским? Не это ли доказательство признания таланта Андерса Цорна не только на родине? Это не просто портрет, а точная характеристика политика и человека: грузный и неповоротливый Тафт основательно устроился в кресле и устремил скептический взгляд куда-то в сторону: возможно, там находится его собеседник, которому президент (Тафт баллотировался от Республиканской партии) намерен возразить.

 

 

 

 

 

Андерс Цорн. Портрет миссис Бэкон

1897 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Этот портрет — удачная иллюстрация к высказыванию одного из друзей художника: «Цорн не знает плавных линий». Штрихи и мазки на его произведениях сливаются в живое полотно, создающее ощущение, впечатление, характер!

картина In Werners Rowing Boat, Helga, En premiär, After the bath, Studio Idyll

Андерс Леонард Цорн (Anders Zorn) — шведский художник, известный в основном своими портретами обнаженных женщин, написанными яркими красками. Его часто называют «шведским импрессионистом».

Биографические факты

Цорн родился 18 февраля 1860 года. Его талант проявился в раннем детстве, когда он начал вырезать фигуры лошадей и людей из дерева. Сначала он планировал стать скульптором, но в итоге предпочел живопись.

С 1875 по 1880 год он учился в Шведской королевской академии искусств, но редко ее посещал и позже признал, что в заведении мало чему научился.

В 1880 году Цорн выставил свою акварельную картину «В трауре», на которой изображена молодая девушка под вуалью. Картина представляет собой чувственное отображение цветов и мазков, которые и проложили путь к плодотворному творчеству Цорна. Публика и критики высоко оценили его мастерство.

Он написал портреты многих ведущих политиков и общественных деятелей, таких как король Швеции Оскар II, Теодор Рузвельт, Гровер Кливленд и Уильям Х. Тафт.

Он известен своими изображениями обнаженных женских фигур. С его мягкими краями и свободными мазками фигуры будто растворяются в окружающей среде.

Международный успех художник получил за свои акварели, картины маслом и гравюры. Ниже представлена гравюра, изображающая автора и его жену Эмму, которая, несмотря на использование только двух цветов, поразительно точно изображает пару.

К середине 20-х годов Цорн излучал уверенность в себе, утверждая, что превзошел своих предшественников и современников.

В некоторых своих картинах он использовал чрезвычайно ограниченную палитру, которая включала только желтую охру, черную слоновую кость, алый и белый цвет («палитра Цорна»).

В 1920 году он учредил премию Беллмана, которая присуждается «выдающимся шведским поэтам. Премия была профинансирована фондом пожертвований Эммы и Андерса Цорнов.

В поздние годы он перенес заражение крови и умер 22 августа 1920 года в 60 лет.

Стиль и техника

Цорн сочетал свободную, виртуозную работу кистью с умелым использованием карандашного рисунка. Его картины кажутся невероятно реалистичными, но в них есть ощущение легкости.

К примеру, на картине «Музыкант», если посмотреть поближе, штрихи кажутся широкими. Но в целом все выглядит невероятно реалистично.

Обратите внимание, что края вокруг кистей человека довольно мягкие по сравнению с остальной частью произведения. Это показывает динамику движения, когда он играет на скрипке.

Темные части объекта растворяются на заднем плане.

Ярко-красный цвет привлекает внимание к голове.

Что касается цвета, то Цорн известен тем, что использует ограниченную палитру. «Палитру Цорна» преподают в лучших художественных школах, чтобы помочь студентам узнать о теории цвета и смешивания. Однако утверждение о том, что он использовал только эти цвета, ошибочно. Многие его картины написаны с помощью дополнительных цветов. Так или иначе, его произведения по большей части демонстрируют сдержанное и контролируемое использование цвета.

На картине ниже представлена ограниченная палитра желтого, красного и оранжевого цвета, но он смог сделать их действительно «светящимися». Он просто показывает, что возможно сделать, если использовать правильные цвета в правильных местах.

Композиции Цорна часто кажутся естественными и органичными, а его герои, казалось бы, не подозревают о его присутствии, живя своей повседневной жизнью. Многие его картины нарушают стандартные композиционные «правила», но все же они, кажется, работают.

Описание картин

Художник написал сотни полотен в своем особом стиле.

Парк Альгамбра (Park Alhambra)

Это нежная акварель, на которой изображена целующаяся пара и удивленная кошка. Произведение отличает необычная композиция. Не подозревая, что они объект наблюдения, парочка забивается в угол картины; возникает ощущение спокойствия. С точки зрения техники, похоже, что Цорн сначала наложил широкие блоки цвета, а затем перешел к более сложным деталям (ветви, цветы, блики и акценты).

Хлеб наш насущный (Our Daily Bread)

Еще одна замысловатая акварель. Уровень ее сложности заставляет думать, что она написана маслом. Цорн явно обладал замечательным уровнем контроля и вниманием к деталям. На картине изображена мать художника, сидящая на краю дорожки и готовящая картофель для жнецов. У нее напряженное выражение лица.

Обратите внимание, как ваш взгляд направляется к матери, она нарисована с повышенным уровнем контраста, цвета и деталей по сравнению с остальной частью полотна.

Эмма Цорн (Emma Zorn, Reading)

Портрет жены Андерса Цорна, Эммы, за чтением.

Большая часть деталей была упрощена; обратите внимание, как он не пытался рисовать слова на бумаге и как стена на заднем плане — просто широкие мазки. Справа аквариум с яркими золотыми рыбками. Это обращает внимание ту сторону картины, где расположен объект работы.

Обнаженная под пихтой (Nude Under a Fir)

Одна из многочисленных картин Цорна, изображающая обнаженную женскую фигуру в пейзаже. Контраст между светом и тьмой на этой картине совершенно ошеломляющий; вы действительно ощущаете яркий свет от солнца. Фигура будто сливается с окружающей средой, а не выделяется из нее.

Другие картины:

Helga, Андрес Цорн

In Werners Rowing Boat

En premiär

After the bath

The two

Studio Idyll

The bedroom

Девушки из Даларны в бане

Портрет Марии Ольс

 

Картина «отдых», 1911, джон сингер сарджент

?

kolybanov (kolybanov) wrote, 2018-07-09 17:10:00 kolybanov kolybanov 2018-07-09 17:10:00 Category: Автор — Feigele. Это цитата этого сообщенияХудожник Андерс Леонард Цорн (1860-1920)

  • Художник Андерс Леонард Цорн
  • (1860-1920)
  • Андерс Цорн. Портрет миссис Люси Тернер Джой, 1897
  • Андерс Цорн. Портрет дамы

Андерс Леонард Цорн (швед. Anders Leonard Zorn) — знаменитый шведский живописец, график и скульптор. Оказал большое влияние на развитие русского изобразительного искусства.  В свое время «русским Цорном» называли Валентина Серова, Константина Коровина и многих других.

Особенности творчества художника Андерса Цорна: Цорну присуща размашистая манера, крупный мазок и глубокое проникновение в характер модели, что делало его одним из самых востребованных портретистов своего времени и позволяло Цорну считаться «своим» и среди импрессионистов, и среди приверженцев реализма старой школы.

Андерс Цорн. Автопортрет, 1882

Среди добродетелей шведского художника Андерса Цорна никогда не было умеренности. Он дышал полной грудью, брал от жизни все, что она могла ему предложить, а иногда и немного сверх того. Он не экономил ни денег, ни красок, ни сил. Если Цорн плясал, то до упаду. Если пил, то до утренних петухов.

Его кисть была легка. Ему, вообще, многое давалось легко. К примеру, Цорн удивительно быстро находил общий язык с самыми разными людьми — миллионерами, королями, президентами, крестьянами, служанками (в особенности с хорошенькими). Он любил и умел жить. Должно быть, в этом и заключался его секрет: полотна Цорна не просто полны жизни, они брызжут ею, заражая желанием жить все вокруг.

Андерс Цорн. Автопортрет

На несколько долларов больше

Андерс Цорн родился 18 февраля 1860 года в пригороде Мура в шведской провинции Даларна. Его отец, местный пивовар, не был женат на матери, и Андерс его практически не знал.

Он рос на фамильной ферме, принадлежавшей родителям матери, совмещая учебу с нелегким крестьянским трудом. Интереса к каким-либо наукам Андерс не проявлял и учился довольно скверно.

Впрочем, уже в начальной школе стал заметен его художественный дар: юноша ловко вырезал фигурки из дерева, и мать рассчитывала, что он станет как минимум краснодеревщиком.

Андерс Цорн. Портрет Марии Ольс, 1918

Андерс Цорн. Miss Law Андерс Цорн. Портрет миссис ХовеАндерс Цорн. Портрет миссис Уолтер Рэтбоун Бейкон, 1897

В 15 лет Андерс Цорн поступил в школу при Королевской академии изящных искусств в Стокгольме, а четыре года спустя — в саму Академию. Против ожиданий, скульптура не слишком его увлекла. После выставки Эгрона Лундгрена, которую Цорн посетил в 1876-м, он заболел акварелью.

Чтобы свести концы с концами в голодные студенческие дни, Андерс Цорн писал на заказ. Так он познакомился с Эммой Ламм — девушкой из богатой еврейской семьи, чей портрет был заказан ему в 81-м.

Эмма была хорошо образована, она говорила на нескольких языках, обладала изысканными манерами, живо интересовалась искусством. В том же году Андерс и Эмма обручились.

Помолвка была тайной: Эмма Ламм не была уверена, что ее родственники — текстильные короли и потомственные снобы — придут в восторг от отношений с нищим художником, да к тому же бастардом.

Андерс Цорн. Портрет Эммы Ламм, жены художника. 1881

Андерс Цорн. Портрет Эммы Цорн, жены художника. 1887

Со временем выяснилось, что Эмма сделала верную ставку. Цорн сделался большой знаменитостью — сначала в Стокгольме, затем в Лондоне, Париже, в России и в США. С годами его слава и его гонорары неуклонно росли.

Он регулярно получал медали на самых престижных выставках, однако куда важнее было то, что Цорн был модным художником. Нечастый случай: спрос на него при жизни был выше, чем после смерти. Миллионеры, президенты, члены монарших семей и светские львицы — все хотели, чтобы их написал Андерс Цорн.

В одном из американских журналов в 1901-м подсчитали, что только портретами Цорн зарабатывал 15 тысяч долларов в неделю.

Андерс Цорн. Портрет Эммы в парижской студии. 1894

Андерс Цорн. Портрет антиквара Альфреда Берделе, 1906

And the Oscar goes to…

Своей популярностью Цорн искренне наслаждался. Собираясь в Стокгольм, он не упускал случая с провинциальной непосредственностью обронить жене (и особенно — ее надменным родственникам) что-нибудь вроде: «Оскар просил, чтобы я написал его портрет», имея в виду короля Швеции Оскара II.

Притом благоговейного трепета перед знатными заказчиками Цорн никогда не испытывал. Того же Оскара IIон убедил отказаться от орденов и парадного мундира, объяснив это тем, что ему интересен характер, а не золоченые побрякушки.

Высокомерному Рокфеллеру, посулившему Цорну на доллар больше, чем ему заплатил президент Тафт, отказал вовсе. Когда Савва Мамонтов спросил, почему на его портрете Цорн не сделал ни одной пуговицы, тот ответил: «Я — художник, а не портной». В этом не было ни капли заносчивости.

Цорна в самом деле интересовали характеры, а не пуговицы или ордена — именно этот интерес делал его героев живыми, а самого Цорна — невероятно востребованным портретистом.

  1. Андерс Цорн. Портрет Изабеллы Стюарт Гарднер в Венеции, 1894
  2. Андерс Цорн. Омнибус, 1892

Андерс Цорн. МаргаритаАндерс Цорн. Ночной эффект

Свой среди своих

Нужно сказать, что фамилию Цорн произносили с придыханием не только галеристы и состоятельные заказчики — коллеги ценили его не меньше.

О нем с восхищением высказывались Джеймс Уистлер и главный конкурент в жанре портрета — Джон Сингер Сарджент. Главными географическими очагами «цорнопоклонничества» были, пожалуй, США и Россия.

Достаточно сказать, что российские арт-критики упрекали в «цорнизме» и Коровина, и Серова, и Архипова, и Малявина, и многих других.

В 1897-м Цорн приезжал в Россию. В Москве сходил на Шаляпина и в галерею к Третьякову.

В Петербурге показал 27 работ на организованной Дягилевым выставке скандинавских художников и, удовлетворенно посмеиваясь в свои роскошные усы, посмотрел, как Репин провозглашает тосты за «Паганини живописи» и «первого художника-виртуоза Европы» на банкете, который в честь Цорна закатили Дягилев с Мамонтовым*.

Также в Петербурге Цорн дал сеанс написания обнаженной натуры в Академии художеств — поразив зрителей скоростью, энергичностью письма, небольшим количеством используемых красок и огромной широкой кистью. К этому времени уже вполне сформировалась та стремительная и размашистая манера, за которую Цорна причислят к импрессионистам.

Андерс Цорн. Портрет Саввы Мамонтова

Андерс Цорн. Ванная комната, 1888Андерс Цорн. Купающаяся девушка, 1894Андерс Цорн. Свидание, 1887

Константин Коровин, друживший с Цорном, вспоминал, как однажды их пригласили к князю Голицину — тогдашнему губернатору Москвы:

«За большим круглым столом расположились гости за чаем.

— Теперь такая живопись пошла, — говорила одна дама. — Ужас! Все мазками и мазками, понять ничего нельзя. Ужасно. Я видела недавно в Петербурге выставку. Говорили, это импрессионисты.

Нарисован стог сена, и, представьте, синий… Невозможно, ужасно. У нас сено, и, я думаю, везде — зеленое, не правда ли? А у него синее! И мазками, мазками… Знаменитый, говорят, художник-импрессионист, француз**.

Это ужас что такое! Вы вот хорошо, что не импрессионист, надеюсь, у нас их нет, и слава богу.

Я смотрю — Цорн как-то мигает.

— Да. Но и Веласкес — импрессионист, сударыня, — сказал он.

— Неужели? — удивились дамы.

— Да, и он (Цорн показал на меня) — импрессионист.

Дорогой до дому Цорн спрашивал меня:

— Это высший свет? Это высший свет?

— Да, — говорю я.

— Как странно.

Цорн молчал. А на другой день утром он собрал свои чемоданы и уехал к себе, в Швецию».

Андерс Цорн. Летние развлечения

Андерс ЦорнАндерс Цорн. Матильда, 1887

Аморально устойчив

Если и было что-то, затмевавшее славу знаменитых цорновских портретов, то это его несметные ню (1, 2, 3). Глядя на эти солнечные жизнерадостные, пропитанные эротизмом и сладострастием полотна, трудно не задаваться определенным вопросом.

Ответ на него вполне очевиден: нет, Андерс Цорн определенно не был святым. Он любил рисовать обнаженных женщин. И самих этих женщин он тоже любил — едва ли Цорн достиг бы таких выдающихся результатов, будь его нравственные устои поустойчивей.

Со стороны брак Андерса и Эммы Цорн казался монолитом: они вместе путешествовали, вместе появлялись на публике и неизменно вместе возвращались домой. Они были партнерами долгие годы. Однако у идиллии было другое дно.

Некоторые биографы считают, что во второй половине девятнадцатого века окрестности города Мура просто кишели незаконнорожденными младенцами. Их матери неизменно говорили местному священнику, что не знают, кто отец.

И при крещении — в зависимости от пола — хотели назвать ребенка Андерсом или Андреа.

Андерс Цорн. Портрет Эдит Пэлгрейв Эдвард в ее лондонской резаденции, 1887

Андерс Цорн. Женщина с сигаретойАндерс Цорн. В трауре

Эмма Цорн была терпеливой женщиной и предпочитала не раскачивать лодку. Она мирилась с неуемным темпераментом Андерса, пока речь шла о служанках и крестьянках.

Впрочем, как минимум однажды она ощутила реальную угрозу, когда Цорн всерьез увлекся Эмили Бартлетт — породистой светской дамой, с которой он познакомился в Париже. Отношения, длившиеся несколько лет, не были секретом для Эммы.

Сохранилась фотография, на которой она играет со своей соперницей в бильярд. Брак устоял и на этот раз — эту партию Эмма выиграла.

Андерс Цорн. Портрет Элизабет Шерман Камерон

Андерс Цорн. Девочка с собакой, 1884Андерс Цорн. Портрет миссис Ричардс Эбен, 1899

Под стать сексуальным аппетитам Цорна была и его жажда. Вместе с Альбертом Энгстремом — известным карикатуристом, верным другом и преданным собутыльником — Цорн устраивал вполне эпические попойки. Согласно популярной легенде, одна из них даже окончилась немедленной покупкой таверны, из которой Цорна и Энгстрема пытались выставить по причине наступившего рассвета.

Когда в 1922-м в Швеции проходил референдум по поводу сухого закона, Альберт Энгстрем нарисовал плакат, где изобразил рюмку водки, бутылку пива и вареных раков — традиционный шведский стол во время «раковой недели» в августе.

Энгстрем на афише гневно указывал на аппетитных красных раков и провозглашал: «Раки требуют этих напитков. Ты должен от них отказаться, если проголосуешь «за». Противники сухого закона победили тогда с перевесом в 2%. Увы, Энгстрем не смог разделить радость победы со старым соратником.

К тому времени Цорна уже два года как не было в живых.

Андерс Цорн. Сестры Саломон, 1888

Андерс Цорн. Портрет миссис Пилц, 1913Андерс Цорн. Портрет Марты Дана (позднее жена Вильяма Мерсера, 1899

Долгая дорога домой

С момента поступления в Академию Андерс Цорн жил двойной жизнью. Нет, речь не о его многочисленных романах и не про то, как реалист уживался в нем с импрессионистом.

Еще студентом он жил осенью и зимой в Стокгольме, а с наступлением весны возвращался домой в глухую провинцию. И превращался из джентльмена артистической профессии в деревенщину, простака, увальня, чьи интересы космически далеки от салонных споров об искусстве.

Цорн обожал эту простую сельскую жизнь. И став интернациональной знаменитостью, не изменил этой традиции: как бы ни рукоплескали ему столицы мира, он всегда возвращался домой. Верно, когда Цорн отказал в портрете Рокфеллеру, одной из причин была личная неприязнь.

Но главное — Цорн хотел успеть домой на Мидсоммар — Праздник середины лета, который старался не пропускать.

Андерс Цорн. Отдых, 1882

Андерс Цорн. В спальнеАндерс Цорн. Дагмар, 1911

Он был очень привязан к родине (особенно к малой), к матери, к корням.

Американский импрессионист Эдвард Симмонс описывал в своей автобиографии, как Цорн постоянно покупал в европейских столицах дорогие пальто и шубы и отсылал их матери — в конце концов, та накопила полный сундук и с трудом могла закрыть крышку. Цорн не думал о том, куда живущая в глуши старушка пойдет в модных мехах. Он был художник, а не портной.

Андерс Цорн. Музыкант, 1914

Еще в 1888 Цорн приобрел участок земли в Муре и перевез на него старый дом деда, в котором он рос. Постепенно разрастаясь, старый дом превратился в усадьбу Цорнгорден. Здесь Андерс Цорн оборудовал одну из своих мастерских. Здесь, в Муре он умер в возрасте 60 лет 22 августа 1920 года.

Андерс Цорн. Портрет презилента США Гровера Кливленда, 1899

После смерти художника усилиями Эммы Цорн усадьба была преобразована в музей. Сегодня здесь экспонируются предметы искусства, которые Цорн собирал всю свою жизнь, и, конечно, картины самого Цорна. Картины, которые брызжут светом, энергией и жизнью. Картины, увидев которые, кто-нибудь, наверняка, захочет назвать ребенка Андерсом или Андреа.

Примечания:

* Существует заблуждение насчет портрета Саввы Мамонтова кисти Цорна из коллекции Пушкинского музея — будто он был написан во время визита художника в Россию в 1897-м, на одном из публичных сеансов живописи, которые он тут устраивал.

На самом деле портрет Мамонтова был создан годом ранее, в Париже. А в России Цорн писал коллекционера и мецената княгиню Марию Тенишеву. Дягилев сообщал в письме Бенуа: «На днях жду к себе Zorn’a, Thaulow и Edelfelt.

Представь себе, первые два остановятся у меня! Княгиня [Тенишева] заказала Zorn’у портрет». Портрет этот Цорн так и не закончил.

** Речь, конечно, о Клоде Моне и выставке французских импрессионистов, которая прошла в Москве в 1895-м году. Выставка эта, между прочим, оказала серьезнейшее влияние на дальнейшее развитие искусства.

Один юрист, посетив ее, решил завязать с юриспруденцией и уехал в Германию учиться живописи. Это был Василий Кандинский.

Его на московской выставке импрессионистов тоже впечатлили «Стога сена» Моне: а именно картина (речь, вероятно, об одной из двух — этой или этой), которая возмутила и восхитила его тем, что он не смог понять, что на ней изображено, пока не заглянул в каталог.

Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru

Источник: https://kolybanov.livejournal.com/19773280.html

Читать онлайн Национальная галерея искусства Вашингтон страница 8. Большая и бесплатная библиотека

Уинслоу Хомер (1836–1910) Порыв ветра 1873–1876. Холст, масло. 61,5×97

Основные достижения американского искусства второй половины XIX века во многом связаны с именем художника Уинслоу Хомера, который наряду с Томасом Икинсоном был ведущим представителем реалистической живописи. В молодости Хомер учился литографии, работал иллюстратором.

Первые значительные работы — рисованные репортажи с фронтов Гражданской войны — он публиковал в нью-йоркском журнале «Harper’s Weekly». Формат издания требовал ясных, лаконичных, но вместе с тем эффектных рисунков.

Элемент иллюстративности и графичности можно обнаружить и в живописи автора.

Несмотря на ограниченность выразительных средств, Хомер в своих произведениях прекрасно передавал настроение. Написанная в тот же год, что и роман Марка Твена «Гекльберри Финн», картина отображает свойственное детству атмосферу счастья, свежего летнего дня.

В накренившейся под порывом ветра парусной лодке рыбак и трое мальчиков, пересев на один борт стараются восстановить равновесие. Сюжет навевает мечты о плавании, приключениях и дальних неизведанных странах, но в то же время это рыбачье суденышко и люди, смотрящие куда-то вдаль, передают чувство одиночества человека в бескрайнем море.

Художник изображал реальные сцены с такой живостью и мощью, что зритель, рассматривающий полотна, проникался их настроением.

Джон Сингер Сарджент (1856-1925) Отдых 1911. Холст, масло. 63,8×76,2

Джон Сингер Сарджент — американский художник-космополит, много работавший в Европе. Он приобрел славу наиболее выдающегося портретиста «belle epocque» — «прекрасной эпохи».

Одним из лучших произведений Сарджента является «Отдых». Работая над этой картиной, он словно радовался возможности продемонстрировать виртуозность кисти.

В своих близких по технике исполнения к импрессионистам портретах живописец стремился передать впечатление видимых предметов, разнообразие теней и изменчивость цвета.

Художник с особой любовью выписывает сложно задрапированную накидку с орнаментом модели и распределение света на объемном платье, добавляя цветовые рефлексы сине-серого тона.

В этой работе, созданной для себя, Сарджент абсолютно свободен от той ответственности, которую чувствовал, когда писал заказные портреты. Название произведения и вольная поза героини, прилегшей отдохнуть на диване, в каком-то смысле показывает это. Выполняя портреты богатых и известных персон, мастер постоянно шел на компромисс, стараясь изображать людей не такими, какими они были, а какими хотели себя видеть.

Рой Лихтенштейн (1923–1997) Мазок 1965. Цветная шелкография. 58,4×73,6

Американский художник Рой Лихтенштейн — один из ярких представителей направления поп-арт в искусстве. Его работы, стилизованные под комиксы, безошибочно узнаваемы. Мастерам поп-арта свойственно изображать известный, растиражированный образ массовой культуры в ином контексте, чтобы он приобретал другой смысл.

Лихтенштейн пересмотрел отношение к мазку кисти.

Если с помощью мазка создавалось произведение искусства, то почему он сам не может стать предметом живописи? Почему мазок нельзя не просто нанести, а именно изобразить, показать его как первооснову творчества художника? Так на свет появилась целая серия работ, представляющая живописные мазки.

Стоит оговориться, перед зрителем — не сам мазок, автор делает его изображение, презентацию. Чистый желтый цвет мазка без каких-либо оттенков формируется с помощью растровых точек, а тело мазка резко ограничивает черный контур. Так Лихтенштейн закрепил за живописным мазком высокое звание достойного мотива для картины.

Искусство Франции

Мэри Кассат. Девушка, укладывающая волосы. 1886

Никола Пуссен (1594–1665) Святое семейство на лестнице 1648. Холст, масло. 68,7×97,8

Основоположник классицизма во французской живописи XVII столетия, Никола Пуссен вдохновлялся античностью, искусством Рафаэля и Тициана.

Своими произведениями он старался привнести в господствовавший парадный барочный стиль классическую, строгую сдержанность, чистый, сияющий свет.

Лестница, на которой расположилось Святое семейство, нереальна, она существует в другом, внеземном пространстве, а образы излучают гармонию и спокойную, созерцательную красоту. В самом центре композиции — акцент на яблоко, протянутое Младенцу Иисусу маленьким Иоанном.

Мария держит Сына, одновременно демонстрируя и оберегая Его, она — священная опора и преграда. Христос тянется к двоюродному брату, Иоанну Крестителю, мать которого, святая Елизавета, созерцает Его.

Фигуру Мадонны уравновешивает сидящий в тени святой Иосиф, яркий свет падает лишь на ступню его выпрямленной ноги.

В картине много иносказательных элементов, на первый взгляд кажущихся случайными: поднесенная Святому семейству корзина с фруктами символизирует земное плодородие, апельсиновые деревца — искупление грехов и начало новой жизни.

Рядом со святым Иосифом — классическая ваза, напоминающая об античной Греции, ларец — намек на драгоценные дары восточных волхвов.

Композиция устремляется ввысь благодаря настойчивым вертикалям и подчеркнутым горизонталям каменных ступеней — от первых к колоннам и балюстраде портика, открытого в бесконечное небо.

Жан Антуан Ватто (1684–1721) Итальянские комедианты. Около 1720. Холст, масло. 63,8×76,2

Художественное наследие Ватто, создателя жанра «галантных праздников», невозможно представить без театральных сценок с персонажами комедии дель арте. Вероятно, эта картина — одна из самых поздних композиций с актерами, исполненных живописцем.

Она немного перегружена фигурами, в ней не ощущается строгая сдержанность «Жиля» и «Мецетена». Но эта работа в какой-то степени — групповой портрет комедиантов. Посередине маленькой сцены стоит Жиль, у ног которого лежит гирлянда роз.

Чувствуется, что этот большеротый и носатый герой реален, он только что сбросил простодушное выражение своего персонажа и явил публике естественное, усталое лицо. Он привлекает внимание товарищей по группе, на него также указывает рука актера, исполняющего роль Арлекина.

Вокруг Жиля строится все действие, теснятся другие артисты. В картине пятнадцать фигур, представляющих все маски — тут и Мецетен, и Коломбина, и Панталоне.

Это торжественный и прощальный выход на бис комедиантов, которых Ватто вызвал из глубины своих воспоминаний, чтобы показать благодарным ценителям искусства и навсегда проститься с ними. В тесной группе старающихся казаться веселыми лицедеев есть что-то бесконечно печальное. Будто они разделяют грусть, которую испытывает зритель, знающий, что перед ним — последняя театральная композиция мастера.

Франсуа Буше (1703–1770) Портрет мадам Бержере 1766. Холст, масло. 143,5×105,4

Придворный художник французского короля Людовика XV и любимый живописец его фаворитки маркизы де Помпадур, Буше с изящной грацией изображал мифологические и аллегорические сцены с богинями и амурами, столь ценимыми в эпоху рококо.

«Портрет мадам Бержере» — один из интереснейших в творчестве мастера. Точно не установлено, кто изображен на холсте.

Возможно, это одна из трех жен Бержере де Гранкура — коллекционера, обладавшего самым большим собранием картин и рисунков Буше, или же сама маркиза де Помпадур, так как позу «мадам Бержере» автор повторит в ее более позднем портрете, а черты моделей художник всегда идеализировал.

Знатная заказчица позирует живописцу в богатом, переливающемся светлом шелковом платье, лиф украшают букет цветов и объемный голубой бант, цвет которого перекликается с лентами на широкополой соломенной шляпе в ее руке. Произведение построено на сочетании мягких серебристо-оливковых тонов, характерных для живописи XVIII века.

Источник: https://dom-knig.com/read_188592-8

Художник Стюарт Сатклифф: биография и картины :

В начале 90-х на аукционе в Нью-Йорке, где распродавались вещи, принадлежащие легендарным битлам и архивы фотографа Астрид Кирхгерр, огромная сумма была выложена анонимным покупателем за письмо Стюару Сатклиффу от Джона Леннона и картины маслом, автором которых был Стюарт Сатклифф. Независимо от того, насколько велика потеря этого художника для изобразительного искусства, когда упоминается имя Сатклифф, главным эпизодом его жизни считают время, когда он был «пятым» битлом.

Семья

Стюарт рос в дружной семье морского офицера Чарльза и школьной учительницы Милли, в окружении сестер Полины и Джойси. Родился он в шотландском Эдинбурге 26 июня 1940 года.

Задатки художника проявились у мальчика в раннем возрасте. Он не мыслил себя без живописи, и после окончания школы в Престоне поступил в художественный колледж Ливерпуля. Именно в колледже произошло его судьбоносное знакомство с Джоном Ленноном. И в этом же колледже остались ценители его таланта художника.

Случайный музыкант

Стюарт Сатклифф и не думал о карьере музыканта. Стью был уже тогда признанным талантом, в отличие от Джона Леннона, который маялся и мечтал о славе музыканта.

Интеллигентный, с обширным кругозором Стюарт и хулиган Джон стали близкими друзьями и даже одно время делили комнату. Стюарт Сатклифф, по воспоминаниям однокурсников, был одержим живописью.

Везде, где только можно, он делает зарисовки, вся комната была усеяна его набросками. Бесшабашный Джон не понимал этого и стремился увлечь товарища своими музыкальными проектами.

Решающим фактором стало приобретение бас-гитары на первый гонорар от продажи картины Стюарта. В басе всего четыре струны, говорил Джон, нечего там уметь играть. Так и случилось – Стюарт Сатклифф стал просто приложением, причем красивым, к шикарной бас-гитаре «Хофнер-Президент». Так он и стал басистом первого состава легендарной ливерпульской группы и был им с 1959 до 1961 год.

Одаренный художник

Еще в колледже в рамках выставки работ известного художника Джона Муреса в престижной ливерпульской галерее Уолкера картина Сатклиффа «Летняя живопись» была куплена за сумасшедшие деньги – 65 фунтов. Купил ее, кстати, сам Мурес, и это была сумма, равная почти двухмесячной зарплате рабочего.

Ранние работы художника выполнены в стиле послевоенной Британии «Сердитые Молодые Люди» («Angry Young Men»). Фон выбирался мрачный, готическое направление четко просматривается, и грубые мазки, как у Ван Гога, придают полотнам не утонченность, а внутреннюю силу.

После встречи в июне 1961 года с Астрид Кирхгерр и решения Стью оставить музыку и полностью посвятить себя живописи он поступает в Гамбургский арт-колледж искусств, где становится лучшим студентом.

В это время его работы приобретают налет импрессионизма. Абстрактные формы уступают лирическим мотивам, в них выражает свою любовь к Астрид Стюарт Сатклифф.

Картины «Автопортрет» и «Распятие» пополняют галерею Уолкера.

На протяжении своей жизни он исследует абстракцию, экспрессионистов. Многочисленные рисунки и картины подтверждают рождение таланта, имя которого Стюарт Сатклифф.

Рост его мастерства отмечали его преподаватели, такие как Паолизи и кумир Стью и Леннона Бретби (тот самый, что впоследствии напишет портрет Пола Маккартни в окружении знаменитостей).

Картины Стюарта приобретают динамичность и сохраняют таинственность.

Его картины не имеют названий, он пишет много портретов. Все портреты у Стюарта похожи на наброски, но они открывают душу, четко передают черты лица.

В то самое время, когда Стюарт Сатклифф собирается жениться на возлюбленной Астрид, а его талант получает признание, он внезапно умирает. Так обрывается карьера талантливого двадцатидвухлетнего юноши, который мог стать высокооплачиваемым и знаменитым художником.

Стюарт Сатклифф: причина смерти

Он умер от кровоизлияния в мозг 10 апреля 1962 году у невесты в Гамбурге. Его долгое время мучили головные боли. Многие связывали их появление с дракой в 1960 году в Литерленде.

Джон Леннон, не стесняясь в выражениях, пояснил пьяным слушателям, что он думает по поводу из замечаний о репертуаре группы. Вслед за этим на сцену полетели бутылки, завязалась драка.

Результат: у Джона Леннона подбиты оба глаза, Питу Бесту и Джорджу Харрисону разбили нос, а Стюарту о голову разбили пару пивных бутылок. Но это была не единственная потасовка, когда Стюарт Сатклифф еще был ее членом.

Позже, много лет спустя, мать Стюарта попыталась начать расследование, но это ни к чему не привело.

Послесловие

После смерти Стюарта Астрид и Джон стали очень близкими друзьями. Это не удивительно – горечь утраты столь любимого ими человека сблизила ранее не очень любящих друг друга людей. Их сблизил Сатклифф Стюарт.

Художник до последнего дня писал трогательные письма Джону, сопровождал их шаржами и рисунками и подписывал от имени Иисуса Христа. Джон отвечал, подписывая письма от имени Иоанна Крестителя. Астрид Кирхгерр — выдающийся фотохудожник, ей сейчас 74 года.

Она два раза была замужем, но Сатклиффа считает единственным своим возлюбленным.

Наследие короткой жизни

Коллекция картин и рисунков художника сохранена его сестрами.

В ней представлены оригинальные картины, наброски и рисунки, а также фотографии Астрид Кирхгерр, его первая гитара (подаренная в свое время Полу Маккартни) и письма, написанные Джону Леннону.

Выставки коллекции проходили в разных странах. В 2008 году Астрид привозила часть коллекции в Москву и ее могли видеть российские почитатели таланта ливерпульской четверки.

The Beatles почтили память Стью размещением его фотографии на обложке альбома «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» (1967) и «Anthology 1» (1995).

О любовном треугольнике Астрид – Джон – Стюарт снят фильм «Backbeat» (1993).

Режиссер Иан Софтли, славящийся своим прогрессивным стилем, сделал фильм художественно-биографичным, взяв период жизни группы в Гамбурге.

«Пятеро парней, четыре легенды, трое любовников, двое друзей и одна девушка» — этот слоган сопровождал фильм и в российском прокате (в России в прокате шел под названием «Пятый в квартете»).

Официальный биограф группы The Beatles Хантер Девис напишет о смерти Стюарта Сатклиффа: «Умер самый талантливый из The Beatles». Мы не можем судить, насколько талантливым басистом был Стью, записи есть только на неофициальных архивных пластинках. Но то, что мир потерял талантливого художника, бесспорно.

Источник: https://www.syl.ru/article/309781/hudojnik-styuart-satkliff-biografiya-i-kartinyi

Танцы в живописи

Танец рисовать трудно, точно так же, как трудно зрительно ухватить и передать на холсте любое движение. Однако выразить с помощью кисти душевный порыв танцора, его чувства и эмоции – задача двойной сложности. Возможно, тем самым танец так притягателен для художников, ведь смысл их творчества — запечатлеть прекрасное и вдохнуть в полотно душу.

Греческая мифология на полотнах многих художников также представлена танцем: от Сандро Боттичелли до Пойнтера.

Великие мастера пропитывали могущественной силой одухотворенного движения свои бессмертные работы, обретая власть над разумом и воображением последующих поколений.

Богини, нимфы, навеки запечатлённые в хороводе, их развевающиеся волосы, их побеспокоенные ветром одежды, замершие в шаге босые ноги хранят в себе музыку, танец, историю, вымысел, саму жизнь.

Те, сквозь чьё видение мира мы воспринимаем прошлое, когда-то сами были заворожены живым, наполненным движением танцем, который воплотили в своих произведениях игрой света и тени, пронзительными и приглушёнными оттенками.

В 1911-м году самого Матисса называли безумцем, а его полотна «Танец», «Музыка» и «Купание» вызвали настоящий скандал. Вдохновившись народными плясками, спустя год импрессионист представил «Танец с настурциями».

Сдержанный в выборе цвета, художник писал свое знаменитое полотно всего лишь тремя красками.

Символист Франц фон Штук – художник-самоучка и его «Хоровод роз», австралиец Кунде Ванг с «Танцем монгольской девушки», Ренуар и его полотна «Танец в Буживале», «Танцы в городе» и «Танцы в деревне» — такие непохожие, но объединённые единой целью – воплотить в статике то, что никогда не останавливается, вдохнуть в краски ощущение полёта.

Танец много значил и для творчества Тулуз-Лотрека. Художник, увлечённый исполнительницей канкана Ла Гулю, создал несколько гениальных полотен, среди которых и знаменитый «Танец в Мулен Руж».

В доступной лишь ему манере, смело экспериментируя, гротескно преувеличивая, мастер изображал мир театров и ночных кафе, их завсегдатаев, и танец, сто лет назад считавшийся вульгарным, сегодня сияет новыми красками, приобретя неожиданное благородство.

Пламенный фламенко особенно часто привлекал внимание художников.

Огонь и страсть, броские цвета, ощущение экзистенциальной черты между жизнью и гибелью – фламенко изображали по-разному, но всегда это была борьба. И как контраст – балет.

Его воздушная утончённость, прозрачно-белые тона, невесомая нежность. Как и в позапрошлом веке, балет сегодня служит вдохновением для многих современных мастеров.

И не только балет, танец вообще — это любимый предмет творчества, который вдохновляет и просит воплощения.

Балы, балет в сельском клубе, танец под звездами, венский вальс – невероятно много сюжетов, неисчерпаемо богата цветовая палитра, неожиданные и спорные картины воплощают танец в работах наших современников.

Владимир Первунинский, например, детально и вдохновенно воссоздает атмосферу дворянских балов.

Пикассо, Лейтон, Мунк, Моро, Альбани – список художников, переносящих танец на холст, можно продолжать и продолжать. Великие и почти забытые, принадлежащие к разным школам живописи, разному времени, они словно умоляли мгновенье остановиться, и оно послушно замирало, готовое отдавать свою красоту вечно…

Источник: http://www.elementdance.ru/headings/tantsy_v_zhivopisi

Читать

Л. Пуликова

Национальная галерея искусства Вашингтон

Официальный сайт музея: www.nga.gov

  • Адрес музея: 4th and Constitution Avenue NW, Вашингтон.
  • Проезд: на метро: Красная линия, остановка «Judiciary Square», Желтая/Зеленая линии, остановка «Archives», Голубая/Оранжевая линии, остановка «Smithsonian».
  • Остановки автобуса: «4th Street», «7th Street», «Constitution Avenue».
  • Телефон: (202) 737 42 15.
  • Часы работы: Понедельник — суббота:10:00–17:00, воскресенье: 11:00–18:00.
  • Галерея закрыта 25 декабря и 1 января.
  • Вход в музей бесплатный.
  • Фото- и видеосъемка: Не разрешается пользоваться треногами, осуществлять съемку тематических выставок.
  • Информация для посетителей: В Галерее не разрешено пользоваться мобильными телефонами, курить, передвигаться на роликовых коньках, трогать руками произведения искусства.

Запрещается выносить еду и напитки за пределы зон кафе. Закрытые бутылки с водой разрешается носить только в сумках.

В Сад скульптуры запрещен доступ с велосипедами, домашними животными и спиртными напитками.

В подземном переходе, соединяющем Восточное и Западное здания, находятся кафе «Cascade», кафе-мороженое, книжный магазин, предлагающий большой выбор изданий по искусству, каталогов выставок и публикаций Галереи, и магазин товаров для детей, представляющий широкий ассортимент книг и развивающих игрушек. Декоративный бассейн с фонтаном, расположенный в центре Сада скульптуры, зимой превращается в каток, а летом — в площадку для ужина под звуки джаза. К услугам посетителей — кафе «Pavilion» со столиками в помещении и на открытом воздухе.

В Галерее регулярно проводятся экскурсии на русском, немецком, французском, испанском, итальянском, японском, китайском, польском, корейском языках. Более подробную информацию можно получить на сайте или в справочном бюро.

Западное здание музея

Восточное здание музея

Министры финансов запоминаются обычно тем, что напрямую связано с их профессиональной деятельностью: один, положим, экономику страны из руин поднял, а при другом, наоборот, какой-нибудь «черный вторник» случился.

Эндрю Меллон, министр финансов США в 1921-1932, вошел в историю как человек, которому обязана своим появлением Национальная галерея в Вашингтоне.

Страстный коллекционер искусства, Меллон предложил построить здание музея, средства на поддержание которого выделял бы Конгресс США, а сам он передал бы туда свое богатейшее собрание.

Ему было важно, чтобы Галерея ни в чем не уступала крупнейшим музеям и не носила чье-либо имя, так как создавалась благодаря многим людям.

На мемориальной доске при входе в Галерею в хронологическом порядке перечислены имена коллекционеров-дарителей, основателей музея. Благодаря их превосходным собраниям, которые они пополняли многие годы, а затем передали в дар, и их щедрым пожертвованиям Национальная галерея в Вашингтоне входит в число лучших музеев мира.

Многие предметы искусства американскими коллекционерами были куплены в Европе в 1920-1930-е, когда из-за войн и революций это можно было сделать на весьма выгодных условиях. Некоторые шедевры попали в собрание Эндрю Меллона из советской России, прямо из экспозиции Эрмитажа (позже он подарил их «народу Соединенных Штатов»).

За «Мадонну Альба» кисти Рафаэля Меллон заплатил более миллиона долларов. Эта сумма почти полвека оставалась рекордной ценой для произведения искусства.

Благодаря деятельности собирателя экспозицию вашингтонской галереи украшают шедевры Веронезе, Ван Дейка, Боттичелли, Перуджино, Тициана — все из бывшего собрания санкт-петербургского музея.

В своем завещании Меллон выразил надежду, что и другие коллекционеры пожертвуют произведения искусства во вновь созданную Национальную галерею, «чтобы они могли доставлять наслаждение всем людям и стали ценнейшим вкладом в культурную жизнь страны».

Его примеру последовали братья Сэмюель и Раш Кресс, подарившие большую коллекцию картин и скульптур итальянской школы, включавшую произведения XIII–XVI веков. Приняв на себя обязанности кураторов Галереи, они также сумели расширить собрание итальянского искусства, сделав его одним из крупнейших в мире.

С их помощью музеем были приобретены коллекции французской живописи и скульптуры XVIII века, несколько небольших собраний раннего немецкого искусства, венецианской и нидерландской живописи.

Из коллекции Питера и Джозефа Уйденеров поступило значительное собрание скульптуры, произведения прикладного искусства, среди живописных полотен, принадлежавших им, выделяются две работы Эль Греко — «Богоматерь со святой Мартиной и святой Инессой» и «Святая Мартина и нищий».

По завещанию в собственность Национальной галереи перешла обширная коллекция работ французских художников-импрессионистов и постимпрессионистов Честера Дейла, который еще при жизни дарил музею превосходные произведения.

Больше тридцати тысяч гравюр, среди которых — Дюрер, Рембрандт, Лука ван Лейден, обогатили фонды благодаря Лессингу Розенвальду.

Интерьер музея

Пол Меллон и Эйлса Меллон-Брюс — сын и дочь основателя Галереи — унаследовали его интерес к собирательству произведений искусства. Пол Меллон предоставил музею свою коллекцию английской живописи, а Эйлса Меллон-Брюс приобрела для него шедевр Леонардо да Винчи «Портрет Джиневры Бинчи», работу Гойи «Портрет графини Чонсон» и множество картин французских художников.

Национальная галерея размещается в двух зданиях рядом с Капитолием. Первое, открытое для публики в 1941, спроектировал выдающийся архитектор Джон Рассел Поп.

Оно построено в стиле классицизма и облицовано мрамором, на фасадах — порталы и монументальные ионические портики, стены украшены нишами и пилястрами.

В центре Галереи Поп поместил ротонду, ее металлический купол располагается на колоннах из темно-зеленого мрамора. Этот корпус Национальной галереи — самое большое в мире здание, облицованное этим дорогим камнем.

В Галерее в отличие от большинства музеев мира принята раздельная экспозиция: картины выставлены в залах живописи, статуи и скульптурные портреты — в других. Стены каждого зала оформлены в стиле той эпохи, произведения которой здесь представлены.

В залах раннеитальянского, фламандского и немецкого искусства они облицованы штукатуркой, в залах позднеитальянской живописи затянуты тканью, в голландских залах с произведениями Рубенса, Ван Дейка и Рембрандта — на стенах дубовые панели… Еще одна интересная особенность — картины развешены на расстоянии вдвое большем, чем принято в других музеях. Это позволяет посетителям сконцентрироваться на каждом полотне или скульптурном произведении.

Новый, Восточный, корпус Галереи, созданный по проекту архитектора Йон Мин Пея, был открыт в 1978. Постоянно растущая коллекция уже к началу 1960-х едва могла вместить новые поступления. Было решено возвести дополнительное здание, предназначенное для современного искусства.

Еще при строительстве первого зарезервировали участок на случай расширения музея. Так как он имел в плане трапециевидную форму, архитектор, разделив фигуру, получил в результате два треугольных здания.

В первом расположились выставочные залы, где проводятся временные экспозиции, во втором — научный центр с библиотекой, фотоархивом и служебными помещениями.

Каждый день в Галерее проводятся несколько типов экскурсий — обзорная (по всему музею), тематическая (по определенному периоду истории искусства) и лекции о какой-либо картине или скульптуре.

Ведется и научная деятельность, уже в 1950-е начались исследования в области художественных материалов. Современные ученые заняты решением проблемы выцветания красок из-за яркого освещения в залах, анализом живописных пигментов и многого другого.

Центр по изучению искусства проводит мероприятия с участием видных европейских и американских ученых и специалистов, конференции и семинары.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=545423&p=8

Русский авангард и письмо Малевича

В 1949 году я провел в Таллинне целых три месяца – меня назначили руководить летней практикой роты курсантов Высшего Военно-морского инженерного училища им. Дзержинского. Из офицеров училища мне дали заместителей по политической части и по строевой, и мой маленький штаб должен был, согласно приказу, находиться в Таллинне. Курсанты были расписаны на корабли и разбрелись по всей Балтике, от Пиллау до Кронштадта, а я должен был следить за практикой своих питомцев. В это лето я знакомился со всеми портовыми городами Балтийского моря и одновременно старался разузнать, есть ли русские картины в этих городах. К сожалению, попадались больше западная школа и работы местных художников. Однако именно в это лето мне выпала удача увидеть и приобрести сразу две работы великого шведского художника Андреаса Цорна.

С Германом Кидроном мы всегда встречались утром в кафе и вместе завтракали. Он – в первый раз, а я – во второй, так как рано утром завтракал еще на корабле. Во время завтрака мы обменивались новостями.

К 1949 году мои связи с местными коллекционерами весьма укрепились, ко многим я был вхож в дома, со многими менялся картинами. Тогда же мне посчастливилось приобрести изумительную картину Оскара Гофмана.

На ней были изображены три эстонца в национальной зимней одежде, почти в натуральный рост, читающие газету. Капитальная вещь. Досталась она мне недешево. Я похвастался Герману, он попросил разрешения посмотреть картину. Слово за слово, и я узнал, что в одном таллиннском доме есть картина Цорна. Я не верил Герману до тех пор. пока он не рассказал мне историю появления картины в городе.

В Таллинне жили два брата Таук. Один из них в прошлом был эстонским консулом в Швеции. Будучи коллекционером, консул искал возможность приобрести работы Цорна в Швеции, и ему это удалось – Таук привез домой акварельный вариант известной картины «Шведская баня», которая находится в национальной галерее в Стокгольме (я знал эту картину по репродукции).

В то время Таук-дипломат не жил в Таллине, всеми делами ведал его брат. Август Генрихович. Кидрон не хотел знакомить меня с коллекцией братьев. Несколько раз обещал, но так и не сдержал слова. Возможно, моего появления там не хотел сам Таук. Во всяком случае, попасть к ним в дом при жизни Кидрона мне не удалось.

Но что касается картины, – а я Кидрону сказал, что Цорн меня очень интересует и я даже готов пойти на жертвы ради приобретения этой вещи, – Герман пообещал поговорить с Тауком. Через несколько дней Кидрон привез меня к себе, где и показал акварель Цорна. Это был шедевр! Других слов не подберешь. Помню, я тогда подумал, что место этой вещи – в ГМИИ им. Пушкина, в наших музеях Цорн совершенно не был представлен. Причем место Цорну было именно в московском музее, а не в Эрмитаже, – может быть, потому, что в Пушкинском более полно и убедительно были представлены современники Цорна…

Картина меня буквально ошеломила. Несколько дней я ходил под впечатлением красок, силы и убедительности акварели. Однако мне показалось очень странным, что Кидрон повесил картину на стену своего кабинета – уж не приобрел ли он ее?

Осторожно зондирую почву. Кидрон отвечает, что купить-то картину у Тауков можно, но они очень высоко ее ценят. Кидрон начал сложный пересчет шведских крон, заплаченных за акварель в Стокгольме, на наши рубли. Я не слушал его, а любовался Цорном, в то время как он насчитал какую-то фантастическую сумму. Это был несерьезный подход к делу: мы жили в СССР и должны были реально подходить к стоимости картины на территории нашей страны, а не заниматься пересчетом валюты.

Кидрон, человек здравый, полностью согласился со мной и «в лоб» спросил: какую сумму я готов заплатить за картину? Я даже растерялся, так как не был готов к такой постановке вопроса, и ответил, что подумаю до утра, а во время завтрака дам ответ.

Герман напомнил, что мы собирались посмотреть купленную мною картину Гофмана. Я жил в каюте на корабле, и ко мне ехать было нельзя. Поэтому мы взяли картину и вернулись назад к Кидрону. Эффект, произведенный картиной Гофмана на столь спокойного и выдержанного знатока живописи, каким был Герман, потряс меня. Картина покорила его, затронув, видимо, чисто национальную струнку. От меня не ускользнуло волнение Кидрона, и я вдруг понял, что путь к Цорну мне удастся проложить с помощью этой картины Гофмана.

…Мой рассказ грешит множеством подробностей, возможно, выглядящих со стороны смешно. Эти наши «дипломатические» уловки, детские хитрости, суета… Однако все так и было на самом деле! И, насколько мне известно, все коллекционеры в своих проявлениях одинаковы. Иногда мы – солидные люди многие с сединой, – превращались в малых детей’ мы менялись, ссорились, обижались друг на друга из-за пустяков, но легко мирились и вновь продолжали общаться. Особенно забавными были наши обмены. Например, два коллекционера прилагали все усилия, чтобы как-то посрамить друг друга а после сказать: «Эту прекрасную картину я получил от X., но он не смог ее разгадать! Конечно, пришлось над картиной поработать…»

В числе моих знакомых-коллекционеров были министры и простые рабочие Путиловского завода (позже – завода им. Кирова). Как коллекционеры для меня они были равны, да и поступки они совершали примерно одинаковые. В своей среде мы совершенно забывали, кто из нас министр, а кто рабочий, кто академик, а кто рядовой инженер, кто генерал, а кто лейтенант. Чинов и рангов у нас не было – был коллекционер и была его коллекция. Вес, авторитет и уважение среди коллег определялись лишь конкретным собранием и знаниями человека в области искусства.

… На следующий день после службы я поехал к Герману домой, и мы осторожно начали разговор о Цорне. Кидрону в Таллинне очень доверяли, – я допускал, что ему поручили продать Цорна, на его усмотрение. Человек он был кристальной честности.

– Итак, Борис Николаевич, каково ваше предложение по Цорну? Я ответил, почти не думая, – эта мысль меня преследовала целые сутки:

– Даю вам, Герман, Оскара Гофмана и три ужина в «Глории» (это был один из лучших ресторанов Таллинна в то время).

Герман улыбнулся:

– Этого мало, Борис. Разве можно сравнивать Гофмана с Цорном?!

– Конечно, – говорю я, – но Гофман – капитальный, возможно, это лучшая вещь мастера. А Цорн – всего-навсего акварель небольшого размера…

Моей задачей было как можно выше оценить Гофмана и найти слабые места в работе Цорна.

Долго длился наш разговор, и порешили мы, что к Гофману я дам еще двух голландцев, которые были в моей коллекции, но находились в Ленинграде. Герман знал эти работы, и они ему нравились. Ужин в «Глории» тоже остался за мной, но меня это не тяготило, с Германом было приятно посидеть и поговорить.

Радости моей не было границ, когда я заворачивал Цорна. Вдруг Кидрон вполне серьезно говорит мне:

– Хотите еще одного Цорна? Я в недоумении отвечаю:

– Конечно, хочу!

– Беда только в том, что наш музей не признает эту работу подлинной, а Таук купил ее не в знаменитом стокгольмском художественном салоне, как «Шведскую баню», а случайно, в каком-то маленьком финском городке, когда путешествовал по озерам. «Шведская баня» – бесспорная вещь, а эта, вторая – сомнительная.


Андерс Цорн (Anders Leonard Zorn) (1860-1920).
Портрет мальчика. 1910.
Масло, картон.
Прошу показать картину, интересуюсь:

– Видели ли ее в Эрмитаже или в ГМИИ имени Пушкина?

– Не видели, картину туда не возили. Показывал ли Таук полотно в Швеции? Этого Кидрон не знал.

Он достает картину. Написана она на картоне маслом. Изображен юноша с пушистыми волосами. Манера письма – широкая, уверенная, смелая, внизу картины подпись «Zom» и дата…

Портрет мне нравится, и мне кажется, что это должна быть работа Цорна. Волосы юноши написаны совершенно по-цорновски. Пока не анализирую впечатления, отвечаю себе только на один вопрос: возможно ли авторство Цорна? Ответ – да.

Картину, видимо, дали Кидрону, также полностью доверив ему продажу. В подлинность портрета он не верит, полагаясь на мнение местных искусствоведов.

Здесь дело идет быстрее: за определенную сумму денег и какую-то картину в придачу мы договариваемся. Выхожу от него, имея в руках две работы Цорна: одну настоящую, бесспорную, блестящую. Вторую? Возможно, и вторая картина окажется настоящей, но очень ранней, юношеской работой великого шведа.

Но пока – это мои мечты. Сколько раз они разбивались о реальность и в более выгодных для меня условиях! Эту же вещь смотрели специалисты и не признали ее. Прямо скажем, шансов на успех было очень мало. Но вещь мне все равно нравилась, она походила на работы Цорна, была талантливо сделана, подпись хорошая. Кстати, подпись мне показалась авторской, сделанной вместе с окончанием портрета или, как говорят коллекционеры, – «подписью в тесте». А это – не пустяк в атрибуции картины!

Кроме того, картина была покрыта старым почерневшим лаком, после снятия которого она сильно посветлеет, рельефнее станет лицо, волосы, вся картина будет ярче и откроется такой, какой создал ее автор. Сохранность картины была хорошей.

«Шведскую баню» вешаю на хорошее место, но так, чтобы картина не выгорала на солнце. Музейные работники советовали мне делать шторки из черного материала, но я не любил «зашторенных» картин и развешивал свои акварели так, чтобы на них попадало как можно меньше дневного света.

Все, кто видел «Шведскую баню», были от нее в восторге, считали исключительно выразительной и сильной вещью. Не забуду реакцию на «Шведскую баню» покойного Николая Константиновича Черкасова. Он как-то в начале 60-х годов заехал ко мне на последнюю мою ленинградскую квартиру на Петроградской стороне и сразу же попросил горячего кофе или чаю. Его в то время уже сильно мучила одышка. Я всегда удивлялся: как можно, задыхаясь, играть на сцене? Последний раз я видел актера на сцене в постановке «Бег», играл он прекрасно, и никто не замечал, что ему постоянно не хватает воздуха. Таков был Черкасов, поистине народный артист…

Пока я на кухне готовил кофе, Николай Константинович смотрел картины и делал свои замечания – громко, чтобы я слышал. Дойдя до Цорна, он кричит мне: «А это чьи телеса здесь?» Я догадался, что речь идет о «Шведской бане», кричу из кухни: «Шведские, Цорна!»

– Вот это вещь! А формы, формы какие… Не побоялся… Настоящий художник! Смело, очень смело!

Николай Константинович сам был художником и остро чувствовал все прекрасное. «Шведская баня» ему очень понравилась, он вспомнил, что видел репродукцию с аналогичной картины, которая находится в Стокгольме.

Я зову его пить горячий кофе в столовую (Цорн висел в спальне), он идет и просит перенести вещь в столовую на время, пока он будет пить кофе. Я выполняю просьбу почтенного и уважаемого гостя, переношу Цорна в столовую и ставлю его так, чтобы Николай Константинович мог любоваться картиной. Мне очень польстило внимание и реакция знаменитого Черкасова на «Шведскую баню».

… Вторую картину, «Портрет мальчика», отдаю в реставрацию Ципалину. Ципалин работал, наверное, с месяц. После реставрации картина сильно изменилась к лучшему.

После приобретения работ Цорна я занялся изучением творчества мастера. Прочитал все, что о нем написано на русском и немецком языках. Много вечеров провел в Публичной библиотеке, просматривая репродукции в специальном фонде. Изучал различные периоды творчества художника, а также его манеру и стиль письма. Просмотрел работы Цорна находящиеся в СССР. В результате я уже сам мог судить о подлинности приобретенной картины и после детального осмотра «Портрета мальчика» пришел к выводу, что картина принадлежит кисти Цорна и написана им в ранний период творчества. Так я ее и не показал искусствоведам.

Обе картины пробыли у меня много лет. После переезда в Москву картины увидела и попросила уступить в музейную экспозицию Казахской художественной галереи ее директор Любовь Георгиевна Плахотная. Я вначале отказал, но вскоре согласился на предложение Плахотной и отдал их в закупочную комиссию СССР.

Но ГМИИ им. Пушкина не позволил увезти «Шведскую баню» в Алма-Ату и оставил ее в своих фондах. А «Портрет мальчика» перекочевал в коллекцию знаменитого медика Александра Леонидовича Мясникова. Получилось так, что Плахотная нашла Цорнов, уговорила нас с женой их продать, оформляла картины, организовывала экспертизу и закупку, а вещи ей не достались…

Со «Шведской баней» получилось все просто – я был бессилен изменить ситуацию. «Портрет мальчика», однако, разрешили увезти в Алма-Ату. Увы, тут сыграли роль «внтуриколлегиальные» дела. Мясников, узнав через одного московского коллекционера, что я расстаюсь с работами Цорна, велел мне передать, что художник его очень интересует. С этим московским коллекционером у меня были взаимные расчеты, и он в погашение их попросил «Портрет мальчика». Я ему отказал, сославшись на обещание отдать картину в Казахстан, но вечером мне позвонил Александр Леонидович и очень просил уступить Цорна. Он объяснил мне, что «Портрет мальчика» от этого коллекционера перейдет к нему. То есть получался так называемый тройной обмен. Я уступил картину, но с условием: если Мясников решит с ней расстаться, то отдаст ее только в Алма-Ату. Александр Леонидович слово дал, и Плахотная не очень ругала меня за «Портрет мальчика».

В конце 60-х годов состоялась выставка Цорна в Москве, и я с гордостью смотрел на обе картины, которые, еще будучи совсем молодым коллекционером, привез в Ленинград и которые были теперь в таком почете. К тому же «Портрет мальчика» я «вернул в строй», спас от безвестности, а возможно, и гибели. В спасении картин и возвращении их зрителю я вижу высшее предназначение коллекционера.

Картинные галереи и художники — Цорн Андерс

Андерс Цорн (1860-1920) родился в крестьянской семье на хуторе близ небольшого шведского городка Море.
В 1875 г. Андерс переехал в Стокгольм и поступил в Королевскую академию искусств.
В 1880 г. картина Андерса Цорна , экспонировавшаяся на студенческой выставке и выполненная в технике акварели, привлекла внимание арт-критиков и публики. Благодаря этому у художника появились состоятельные заказчики портретов.
В 1881 г. Андерс Цорн отправился за границу, где провел четыре следующих года, в основном, в Англии и Испании, и получил международное признание в качестве художника-портретиста.
В галерее портретов, созданных живописцем можно увидеть многих известных людей того времени: банкиров, крупных промышленников, политиков и даже американских президентов Гровера Кливленда, Уильяма Тафта, Теодора Рузвельта.
Зимой 1887-1888 г. г., находясь в Англии, Андерс Цорн решил перейти на технику живописи маслом.
Одну из его первых работ маслом , выставленную в Парижском салоне в 1889 г., приобрело французское государство.
В 1889 г. на Всемирной выставке в Париже художник был награжден ордена Почетного легиона.
В 1896 г. Андерс Цорн поселился в городке Море и до самой смерти почти его не покидал.
Умер Андерс Цорн 22 августа 1920 г.
Картины Андерса Цорна хранятся в Национальном музее Швеции, Гётеборгском художественном музее, Музее Цорна, Государственном художественном музее Вальдемарсудде, Музее Карла Ларсона, Музее Орсе, Художественном музее По, Международной галерее современного искусства Ка Пезаро, Будапештском музее изобразительных искусств, Метрополитен-музее, Бостонском музее изящных искусств, Вустерском музее искусств, Чикагском художественном институте, Музее Изабеллы Стюарт Гарднер, Сент-Луисском художественном музее, частных коллекциях.
В двух разделах коллекции представлено 119 работ Андерса Цорна.
Раздел 1. 84 картины, созданные в разные периоды времени.
Раздел 2. 35 картин в стиле Ню

84 картины Андерса Цорна. Раздел 1

Цорн А. Л. — это… Что такое Цорн А. Л.?

  • Цорн — (нем. Zorn)  немецкая фамилия. Вот некоторые её обладатели: Цорн, Андерс Леонард (1860 1920)  шведский художник Цорн, Макс Август  американский математик немецкого происхождения Цорн, Павел Иванович  русский военный и… …   Википедия

  • Цорн — (Андерс Леонгард Zorn) шведский живописец игравер аквафортист, род. в 1860 г., учился в стокгольмской акд.художеств сперва ваянию, а потом живописи под руководством Боклунда иусовершенствовался в ней в Париже. Уже первые, школьные произведения… …   Энциклопедия Брокгауза и Ефрона

  • Цорн — прізвище * Жіночі прізвища цього типу як в однині, так і в множині не змінюються …   Орфографічний словник української мови

  • Цорн А. Л. — ЦОРН (Zorn) Андерс Леонард (1860–1920), швед. живописец и график. Виртуозно владея техникой живописи и офорта, передавал эффекты освещения в сценах сел., гор. жизни ( Танец в Иванову ночь , 1897), в портретах ( Автопортрет , офорт, 1890) …   Биографический словарь

  • Цорн А. — Андерс Цорн Автопортрет в красном, 1915 Имя при рождении: Anders Leonard Zorn Дата рождения: 18 февраля 1860 Место рождения …   Википедия

  • Цорн — (Zorn)         Андерс (18.2.1860, Мора, Даларна, 22.8.1920, там же), шведский живописец и график. Родился в крестьянской семье. Учился в художественно промышленной школе (1875 77) и в АХ (1877 81) в Стокгольме; испытал воздействие Импрессионизма …   Большая советская энциклопедия

  • Цорн П. — Павел Иванович Цорн (1777 1829) русский генерал лейтенант, писатель; воспитание получил в инженерном и артиллерийском кадетском корпусе. В 1800 г. был назначен инспектором кавалерии литовской инспекции, но в 1801 г. вышел в отставку и до 1813 г.… …   Википедия

  • Цорн П. И. — Павел Иванович Цорн (1777 1829) русский генерал лейтенант, писатель; воспитание получил в инженерном и артиллерийском кадетском корпусе. В 1800 г. был назначен инспектором кавалерии литовской инспекции, но в 1801 г. вышел в отставку и до 1813 г.… …   Википедия

  • Цорн — Андрес Леонард (Zorn, Andres Leonard) 1860, Мура 1920, Стокгольм. Шведский живописец, график, скульптор. В 1877 1881 учился в Академии художеств в Стокгольме. Работал в Стокгольме, Англии (1882 1885). Посетил Италию (1882), Испанию (1884). В 1888 …   Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика: Энциклопедия

  • ЦОРН Андерс — ЦОРН, АНДЕРС ЛЕОНАРД (Zorn, Anders Leonard) (1860 1920), шведский живописец, график и скульптор. Родился 18 февраля 1860 в деревне Море. Учился в Академии художеств в Стокгольме. В 1881 1885 путешествовал по Франции, Испании и Англии, посетил… …   Энциклопедия Кольера

    • Андерс Цорн и травление — Блог Художественного музея Милуоки

    Текущая выставка европейских работ по ротационной бумаге (до 31 июля) — Андерс Цорн: шведский художник-гравер. Выставка, на которой представлены все 18 гравюр Цорна из коллекции Художественного музея Милуоки, является первым случаем, когда они были выставлены на обозрение одновременно. Это первый из серии постов, посвященных выставке.

    Андерс Леонард Цорн (шведский, 1860–1920), Цорн и его жена, 1890.Травление, возможно сухое острие, и графит. Художественный музей Милуоки, Коллекция Гертруды Нуннемахер Шухардт, представленная Уильямом Х. Шучардтом M1924. 141. Фотография: Джон Р. Глембин.

    Знаете ли вы, что Андерс Цорн может быть самым известным артистом, о котором вы никогда не слышали?

    За свою карьеру, которая длилась около 20 лет до и 20 лет после 1900 года, Цорн пользовался большим спросом на заказные работы по написанию портретов в Европе и США. Фактически, он составлял прямую конкуренцию Джону Сингеру Сардженту (американец, 1856–1925 гг.). ), один из самых известных портретистов на рубеже ХХ века.

    Итак, кем был Андерс Цорн?

    Андерс Цорн родился в 1860 году в семье немецкого пивовара и одного из его шведских сотрудников. Его родители не были женаты, и отец Зорна не принимал большого участия в жизни сына, хотя после смерти он оставил Зорну небольшое наследство.

    Цорн был воспитан родителями своей матери на их ферме в Море, примерно в 160 милях к северо-западу от Стокгольма. Скромное сельское воспитание оказало на него большое влияние на всю жизнь, чем он очень гордился.

    Его художественные таланты проявились рано. В детстве он начал вырезать фигурки по дереву и делать наброски. Наследство от отца означало, что в возрасте 15 лет он смог поступить в Королевскую академию изящных искусств в Стокгольме. Еще будучи там студентом, он начал продавать свои акварели. Ободренный своим успехом и недовольный курсовой работой в Академии — которая, по его мнению, была устаревшей, — Зорн бросил школу, не получив ученую степень.

    В поисках международной клиентуры он решил переехать за границу.Сначала он поехал в Лондон, где оставался до 1885 года. Он вернулся в Швецию, чтобы жениться, затем в 1886 году отправился в Константинополь через Италию и Грецию в свой медовый месяц. В течение этого времени Цорн продолжал заниматься акварелью. (Некоторые из моих любимых примеров — Summer Vacation и Our Daily Bread. ) Затем, в 1887 году, Цорн вернулся в Англию и оказался в Сент-Айвсе в Корнуолле. Там произошли две важные вещи: он подружился с рядом американских художников, которые составляли колонию художников в деревне (и они помогли ему установить контакты с американскими покровителями), и он познакомился с масляной живописью.

    Одним из его первых готовых масел было Fishermen at St. Ives , которое в 1888 году он показал на Парижском салоне (официальная выставка Академии изящных искусств) и продал французской нации. Это совпало с переездом Цорна в Париж, где он действительно проявил себя как художник. На него явно повлиял ряд факторов авангардной арт-сцены, таких как современная жизнь, смелые цвета и активная манера письма. Несмотря на его интерес к художественным движениям Франции, он так и не стал частью какой-либо одной группы.

    Андерс Леонард Цорн (шведский, 1860–1920), миссис Уолтер Рэтбоун Бэкон (Вирджиния Парди Баркер, 1862–1919), 1897. Холст, масло. Музей Метрополитен, подарок миссис Уолтер Рэтбоун Бэкон, в память о ее муже, 1917, 17.204.

    Цорн был особенно популярен в США. Он совершил семь обширных визитов для выполнения множества портретных заказов, таких как великий бостонский меценат Изабелла Стюарт Гарднер, богатая светская львица Вирджиния Бэкон (справа) и три президента США (Гровер Кливленд, Уильям Говард Тафт. , и Теодор Рузвельт).

    Итак, картины Цорна пользовались большой популярностью и пользовались успехом у критиков. Он регулярно демонстрировал свои картины в салоне в Париже и на международных выставках. Его важная роль в мире искусства была признана его родиной, которая назначила его комиссаром шведской художественной выставки на Всемирной Колумбийской выставке в Чикаго в 1893 году и комиссаром секции шведского искусства на Всемирной выставке в Париже в 1899 году.

    Но хотя портреты оплачивали многие счета и сделали его всемирную известность, Цорн был больше, чем портретист.

    Еще в 1882 году, когда он молодой художник пытался пробиться в Лондон, он подружился со шведским художником по имени Аксель Герман Хейг (1835–1921). Кажется вполне естественным, что Цорн нашел земляка в незнакомом городе.

    На поколение старше, Хейг большую часть своей карьеры провел в Лондоне. Он получил образование архитектора, и его талант к рисованию привел к тому, что он специализировался на создании подробных видов, необходимых клиентам для понимания архитектурных планов. В течение 15 лет он работал с английским архитектором Уильямом Берджесом (англ., 1827–1881) над проектами в стиле викторианской готики.Двумя примерами прекрасных акварелей Хейга являются пристройка к башне, которая была частью реконструкции средневекового Кардиффского замка и кампуса Тринити-колледжа в Хартфорде, штат Коннектикут.

    Аксель Герман Хейг (шведский, 1835–1921), Церковь Св. Франциска, Ассизи (Сан-Франческо, Ассизи), 1903. Офорт. Художественный музей Милуоки, подарок мистера и миссис Уолтер Дж. Голдсмит M1981. 204. Фото: Тина Шинабек.

    Однако Хейг, вероятно, наиболее известен своими большими детализированными отпечатками известных зданий.Эта вторая карьера началась после того, как он научился гравировать, чтобы иллюстрировать книгу о средневековой архитектуре Шотландии. Эти офорты пользовались огромной популярностью у публики. В Художественном музее Милуоки есть один в коллекции, который можно увидеть на выставке (слева). На нем изображена церковь Св. Франциска в Ассизи, и она является шедевром как документации, так и настроения.

    Как вы понимаете, именно у Хейга Зорн научился гравировать. Фактически, первые офорты Цорна были портретами его учителя.Вы можете увидеть одну из них здесь, в коллекции Художественного института Чикаго. Влияние стиля офорта его учителя очевидно в самых ранних офортах Цорна. Мягкое угрюмое освещение и бархатистые чернила.

    Цорн признал свой долг Хейгу, и они остались друзьями на всю жизнь. Нам очень повезло, что в коллекции есть четыре гравюры, которые лично подписаны как подарки от Цорна Хейгу.

    Хейг был одним из основателей Королевского общества художников-граверов и граверов, которое стремилось поднять статус гравюры до уровня живописи и продвигало офорт как оригинальную форму искусства.Они предложили своим членам выставить гравюры, что, в свою очередь, дало начинающим коллекционерам возможность их приобрести. Хотя Цорн не был членом английской группы, когда он переехал в Париж, он стал ассоциироваться с французской версией. Эти «живописцы-офорты» считали себя частью традиций таких мастеров искусства, как Рембрандт, и они использовали офорт, чтобы исследовать и по-новому показать мир.

    Здесь вы можете спросить, что такое офорт?

    Офорт — это техника гравюры с использованием металлических пластин и кислоты.Пластина, медный лист, сначала покрывается слоем кислотостойкого материала (часто содержащего воск), который называется землей. Художник использует иглу для травления, чтобы провести изображение сквозь землю, обнажая медь под ней. Затем пластина погружается в кислотную ванну, которая вступает в реакцию с металлом и «впивается» нарисованными линиями в медь. Можно сделать несколько ванн, чтобы еще больше углубить прорези в меди, что приведет к более темным и четким линиям на готовом отпечатке. После удаления земли пластину намазывают чернилами, а затем протирают так, чтобы чернила удерживались только в бороздках.Смоченную бумагу помещают на верхнюю часть пластины, и оба проходят через травильный пресс, перенося чернила на бумагу. Вот отличное видео, которое показывает, как делается травление.

    Офорт — это популярный метод печати среди художников, поскольку он позволяет им рисовать изображение более естественно по сравнению с другими методами печати, для которых требуется множество специализированных инструментов. Одним из этих других типов гравюры является гравюра, которую мы исследовали в более ранней публикации на Albrecht Dürer .

    Офорт и гравировка — это один из видов гравюры, который называется глубокой печатью. Интаглио — это итальянское слово, используемое для описания любой техники печати, при которой чернила удерживаются в канавках на пластине и требуют давления для переноса чернил на бумагу.

    В 19 — годах возродился интерес к офорту, который часто называют возрождением офорта. Движение живописца-гравера было частью этого феномена. Художники во многом экспериментировали, их привлекали возможности офорта.Некоторые художники, такие как Шарль Мерьон (француз, 1821–1868) и Феликс Бракемон (француз, 1833–1914), почти полностью работали в офорте.

    Офорт также прост, потому что формы можно переделывать после печати пробной копии, и этот процесс можно комбинировать с другими методами печати для достижения большего диапазона эффектов. Доказательства этого можно увидеть на гравюрах Зорна, в том числе на таких вещах, как сухая игла, акватинта, рулетка и даже гравюра.

    Акцент этого периода на художнике как творце делает уместным то, что самый ранний эстамп на выставке Художественного музея Милуоки — автопортрет Андерса Цорна (внизу).Он показывает себя сидящим за столом, за работой, внимательно изучающим предмет на расстоянии. Он держит лист бумаги и травильный инструмент. С правой стороны видна только полоска лампы, которая освещает его рабочую поверхность. Позади него стоит его жена, положив руку на бедро, и смотрит немного в другую сторону.

    Андерс Леонард Цорн (шведский, 1860–1920), Цорн и его жена, 1890. Офорт, возможно сухое острие, и графит. Художественный музей Милуоки, Коллекция Гертруды Нуннемахер Шухардт, представленная Уильямом Х.Schuchardt M1924. 141. Фотография: Джон Р. Глембин.

    История Зорна и его жены интересна. Ее звали Эмма Ламм, она происходила из богатой еврейской семьи в Швеции. Они встретились и полюбили друг друга, когда Цорна наняли для написания портрета Эммы в 1881 году. Их разный социальный статус — помните, Цорн был незаконнорожденным сыном пивовара, который вырос на ферме своей бабушки — привело к тайному четырехлетнему помолвка. Эта длительная помолвка позволила Цорну сделать карьеру еще до свадьбы в 1885 году.

    С самого начала было ясно, что этот брак стал мощным партнерством в бизнесе и творчестве. Эмма была умной женщиной с хорошими связями, которая функционировала как критик и финансовый администратор своего мужа, и она имела решающее значение для установления и поддержания социальных контактов с покровителями и другими артистами, которые необходимы любому важному артисту.

    Рембрандт ван Рейн (голландский, 1606–1669), Автопортрет с Саскией, 1636. Офорт. Метрополитен-музей, подарок Генри Уолтерса, 1917 г., 17.37,71.

    Композиция этого гравюра основана на автопортрете Рембрандта, на котором изображена его собственная жена Саския (см. Справа). Это, вероятно, неудивительно, поскольку это был гравюра, которая входила в личную коллекцию гравюр Рембрандта Цорна; у него было 180 к моменту его смерти.

    На обеих гравюрах художник работает с женой позади него. Однако в версии Зорна сеттинг более проработан, а присутствие Эммы более интересно. Вы можете увидеть влияние техники Рембрандта на Цорна в использовании активных линий и штриховки.Однако ясно, что даже на этом раннем этапе карьеры Зорна он подходит к медиуму с активным и драматическим жестом. Он мастерски использует линии и тон, чтобы изображение выглядело почти волшебным образом из кажущихся несвязанных форм. Многие критики и коллекционеры считали это гением Цорна.

    Другой принт на выставке иллюстрирует дополнительную технику Рембрандта, которую использовал Цорн: выборочная отделка. Это одна из самых известных гравюр Цорна — портрет историка религии Эрнеста Ренана (внизу).

    Андерс Леонард Цорн (шведский, 1860–1920), Эрнест Ренан, 1892. Офорт, гравировка и сухая игла. Художественный музей Милуоки, Коллекция Гертруды Нуннемахер Шухардт, представленная Уильямом Х. Шучардтом M1924. 135. Фото: Джон Р. Глембин.

    Цорн решил показать Ренана как большого большого человека, состоящего из тяжелых, темных линий; это, в некотором смысле, отражает важность Ренана, поскольку он построил свою карьеру, написав на головокружительные темы, такие как исторические ответы на вопрос, почему религия имеет такую ​​власть над человечеством.На основе своих исследований Ренан попытался сформировать философские идеи, которые привели бы к идеальной французской политической системе. Ренан был хорошо известен во Франции как человек, который помог сформировать французскую национальную идентичность во второй половине девятнадцатого века.

    Хотя Ренан вскоре умер после того, как Зорн сделал этот отпечаток, ученый активно думает, обладая критическим и умным умом. Великий ученый все еще работает; доказательства находятся в стопках книг и бумаг, которые заполняют не только его стол, но и каминную полку позади него.Наброски на книгах и бумагах содержат как можно меньше линий, что демонстрирует использование Цорном выборочной отделки. Более светлые участки создают приятный визуальный контраст с громоздкой фигурой самого Ренана.

    Цорн прославился своей виртуозной техникой офорта. Его быстрые линии и схематичность предполагали, что он сядет за тарелку и нанесет офорт одним коротким движением. В самом деле, один искусствовед популяризировал рассказ о портрете Эрнеста Ренана, который показал гениальность Цорна как офорта.В этой истории говорится, что Цорн сделал этот офорт прямо на пластине во время одного часового сеанса. Несмотря на то, что он продвигал Цорна как талантливого офорта, эта история обесценивается как Цорном, который сказал, что у него было три сеанса с историком, так и двумя существующими карандашными этюдами.

    Теперь, когда мы познакомились с Цорном, в следующий раз мы рассмотрим еще несколько его портретов с гравировкой!

    Екатерина Савински — помощник хранителя европейского искусства.Когда она не занимается повседневной работой отдела европейского искусства и Общества изящных искусств музея, она исследует коллекцию античных и европейских произведений искусства до 1900 года.

    Посетите нас — Zornmuseet

    Приходите увидеть величайшего художника Швеции!

    Андерса Цорна (1860–1920) часто называли живописцем. Художник-виртуоз во всем, что он делал, Цорн создавал искусство одновременно серьезное и чувственное, повседневное и эксклюзивное. Никто не писал воду так, как Цорн, не создавал портретов с такой же бравурностью и не изображал женщин так чувственно.Посетите Зорна в его родном городе и соблазнитесь его искусством.

    Музей Цорна

    В музее Цорна находится самая большая в мире коллекция произведений художника Андерса Цорна (1860–1920). В постоянной экспозиции представлены акварели, картины маслом, скульптуры и гравюры Цорна. В отдельном зале представлена ​​обширная коллекция серебряных изделий, которая когда-то украшала Zorn House, а также награды, полученные художницей, и украшения Эммы Зорн. Ежедневно демонстрируется короткометражный фильм об Андерсе Цорне, продюсером которого является Андерс Хансер.Несколько раз в год в музее проводятся временные выставки. Часы работы указаны в столбце справа.

    Zorn House

    Zorn House — один из самых известных домов художников в Швеции. Построенный и украшенный на рубеже прошлого века Андерсом и Эммой Цорн, он остается почти нетронутым со времен их времен. В оригинально оформленных комнатах искусство и предметы со всего мира смешаны с курбитами и традиционными произведениями искусства из Даларны: тканые гобелены, античные мраморные скульптуры, картины старых мастеров и мебель, созданная самим Цорном.В доме также есть сад со старомодными розами, овощами и фруктовыми деревьями, а также скульптурами Цорна. Часы работы указаны в столбце справа.

    Zorn’s Gammelgård и Текстильная комната

    Отель Zorn’s Gammelgård расположен в красивом месте на берегу озера Сильян, и был основан самим Андерсом Цорном. Здесь находится лучшая в Швеции коллекция исторических деревянных зданий, всего около 40, в том числе старейшее светское деревянное здание Швеции, датируемое 1237 годом.Посетители могут войти в исторические дома, хижины и лофты и вообразить жизнь фермеров Даларны в прошлом. Наш гид может показать вам несколько зданий. Туры продолжительностью ок. 45 минут бесплатно, но есть общие входные билеты. Максимум 20 человек за тур. Часы работы указаны в столбце справа.

    Гопсмор

    Почувствуйте себя входящим прямо в картину Цорна в коттедже Gopsmor, атмосферно расположенном у чистейших вод реки Эстердаль.Именно сюда художник удалился, чтобы жить скромной крестьянской жизнью, как и его предки в прошлые времена. Также в Гопсморе Зорн написал некоторые из своих самых известных работ, в том числе «Танец в коттедже Гопсмор» и «Поить лошадь» , обе из которых находятся в музее Цорна. Для получения дополнительной информации, пожалуйста, прочтите текст о Коллекциях Zorn. Гопсмор расположен недалеко от Гарберга (муниципалитет Эльвдален), в 20 км к северу от Моры по дороге 70. Затем следуйте указателям. Гид покажет вам большой коттедж и студию Zorn.Хорошая идея — принести свой кофе и расслабиться на скамейке у воды. Часы работы указаны в столбце справа.

    Детская мастерская

    Пока родители посещают музей Цорна и / или дом Цорна, дети от 4 до 10 лет приглашаются в нашу детскую мастерскую, где о них заботится репетитор. Летом 2015 года семинар будет открыт со вторника по воскресенье с 5 июля по 6 августа с 12.00 до 16.00. Входная плата 50 крон: -.

    Андерс Цорн | Институт искусств Чикаго

    Андерс Цорн | Художественный институт Чикаго
    Также известен как
    Андерс Леонард Цорн
    Дата рождения
    Дата смерти
    • МиссисПоттер Палмер, 1893,
      Андерс Цорн
    • Обнаженная девушка в дверях, ок. 1900
      Андерс Цорн
    • «La Grande Baigneuse» — Великая купальщица, 1895
      Андерс Цорн
    • Буря, 1891
      Андерс Цорн
    • Август Сен-Годенс II (Сен-Годенс и его модель), 1897
      Андерс Цорн
    • Мария Шелдон Скаммон, 1895
      Андерс Цорн
    • Испанка, 1884
      Андерс Цорн
    • Художник-гравер (Автопортрет), 1889 год
      Андерс Цорн
    • Портретный этюд мужчины, 1901 год
      Андерс Цорн
    • Саппо, 1917 год
      Андерс Цорн
    • Морские водоросли, 1910 год
      Андерс Цорн
    • Фрида, 1914 год
      Андерс Цорн

    Страница вторичной навигации

    Исследуй дальше

    Работы по теме

    • Мон-Сен-Мишель, 1882
      Аксель Херман Хейг
    • г.Пьер, Кан, 1879
      Аксель Херман Хейг
    • Печальный завтрак Little Lie-A-Bed, 1900
      Карл Улоф Ларссон
    • Оранжерея, 1979
      Кристиан Крокфорс
    • Choir Screen, Южный проход, Амьен, н.d.
      Аксель Херман Хейг
    • Порыв ветра, 1963
      Ян Форсберг
    • Окно на пару, 1963
      Ян Форсберг
    • Street Scene, н.d.
      Аксель Херман Хейг
    • Nüremberg, n.d.
      Аксель Херман Хейг
    • Пейзаж с флорой и деревенским забором у обочины дороги, без даты.
      Лоренц Экеманн Алессон
    • Апсида Собора, н.d.
      Аксель Херман Хейг
    • Сцена на пароме, н.д.
      Аксель Херман Хейг
    • Готический монастырь, н.
      Аксель Херман Хейг

    Андерс Цорн Биография

    Помолвлен, 1881–1885 (продолжение..)


    Счастливчик с дамами, 1884

    Цорн предпочел Лондон Парижу, чтобы учиться в стране, где изобразительное искусство акварели имело более выдающуюся историю и традиции. В его постановке показаны попытки приспособиться к текущей ситуации на арт-рынке. Он работал над несколькими офортами как иллюстратор, но в основном занимался портретами. В 1884 году он завершил «Счастливчик с дамами», сцену из дома, завершенную после огромного количества подготовительных набросков, где мы можем увидеть, сколько физических и своевременных усилий было затрачено на завершение картины.Он сделал множество рисунков обуви, рук, шляп, деревьев … — по сути, всего! Сейчас мы начинаем понимать, что шанс и удача не были элементами, на которых Андерс Цорн основывал свою постановку. «Чтобы добиться величия, потребовалась работа».

    В Лондоне он изучил все, что попадалось ему в руки, касающееся Констебля и Курбе. Через графа Пайпера он познакомился со многими модными семьями, в частности с графом Джерси, который стал важным контактом.Граф научит Андерса взаимодействовать с элитой; его учили этикету и манерам, как правильно складывать нож и вилку и другим подобным легкомыслиям, которые были украшены видом изысканности и достоинства. Позже он заметил:

    «Больше всего я узнал, что художник является совершенно лишним для человечества, по крайней мере, для такого рода людей».

    Причиной такого заявления послужили две недели, проведенные с графом: каждое сказанное слово имело какое-то отношение к приближающейся охоте.В особняке находилась большая коллекция голландских мастеров, о которых никто ничего не знал. Они хранили их в подвале и вынесли их только по указанию Андерса.

    Заброшенный, 1884

    В Лондоне он познакомился с американским рынком через мистера Кларенса Кинга, горного инженера и геолога. Кинг общался с такими известными людьми, как Генри Адамс и Джон Хэй, причем Адамс был внуком шестого президента Америки Джона Куинси Адамса.Цорн видел возможности в таких знакомствах и ухватился за возможности по мере их появления. В результате Кинг заказал три портрета вместе с заказным портретом своей жены, и во время одной из сессий спросил, может ли он привлечь больше клиентов », — ответил он. Итак, дверь в Америку распахнулась настежь.

    В 1882 году официальная цена Цорна составляла тридцать долларов за портрет, но при встрече с Кингом он поднял цену до пятидесяти долларов. (Цены указаны за картину в полный рост.Это вызвало небольшое беспокойство между ними, и Зорн не мог не чувствовать себя некомфортно в ситуации, в которой он оказался. Ожидалось, что он будет соответствовать своему помолвленному статусу, в то же время, когда он жил жизнью «раскованного» художника. Помня об этом конфликте, он нарисовал акварель под названием «Заброшенные», на которой мы видим, как молодой джентльмен надевает белые перчатки и готовится выйти в одиночестве, чтобы повеселиться. Его молодая жена со слезами на щеках держит его за руку и просит не уезжать надолго… или вообще не ходи. Цорн закончил его под Новый год, 1884, и он явно представляет собой элемент собственного эмоционального конфликта Цорна.

    «Любовная нимфа»

    Из письма к Эмме:

    «Я неустанно работаю над этой, моей любовной историей, и все идет прекрасно. Есть Богиня или нимфа, которая просто бросилась спиной на кровать, покрытая роскошной драпировкой, изо всех сил пытаясь пригласить любовь. Она показывает маленькому ублюдку за плечом, куда целиться, — прямо в сердце зрителя…

    Нимфа любви, 1885

    … «Другой юноша рядом с ней нетерпеливо чинит свой лук, который, кажется, сломан. Третий, выглядывая глазами, полными озорства, из-за драпировки, любопытно, какой эффект окажет стрела. Атмосфера наполненный восточными драпировками и цветами, пальмами и папоротниками из солнечных перьев, а также местами, сквозь которые просвечивает голубое небо … Картина доставляет мне огромное удовольствие и заставляет забыть обо всем остальном (кроме вас).Если у меня есть энергия (а у меня есть), чтобы завершить это, это вполне может быть величайшая акварель из когда-либо написанных.
    Он выглядит готовым, но я не оставлю его до тех пор, пока он действительно не будет закончен ».

    Он начал работу над ней в Мадриде в 1883 году (когда было написано письмо выше), но закончил ее только в 1885 году. Нельзя отрицать, что «Любовная нимфа» — это сияющее проявление акварели, использованной для достижения безупречного совершенства. Он закончил две версии акварелью, эскиз маслом, более 60 рисунков, гризайли и цветные эскизы.Он изучал растения в библиотеке, крылья бабочек, и по всей студии у него были разбросаны предметы одежды. Эти небольшие этюды показывают замечательный талант и надежные руки, почти более впечатляющие, чем сама картина. Это можно рассматривать как пересказ на тему Венеры и Амура.

    Этой картиной он зарекомендовал себя как самый многообещающий художник в Швеции. Монументальная картина стала центральным экспонатом выставки «Движение сопротивления» в Стокгольме 1885 года.СМИ высоко оценили Зорна и его работы.
    Эта пьеса должна была стать «грандиозным финалом» этапа развития Zorns. Он уже начал думать о среде всех сред — нефти.

    Путешествия, 1881–1888 гг.

    В одиночестве от своих школьных друзей Цорн решил посетить Англию, на что в значительной степени повлиял его студенческий визит в 1876 году, где он посетил выставку из пятисот произведений своего соотечественника Эгрона Лундгрена (1815-1875). Его благоговение перед Эгроном сделало его невосприимчивым к другим техникам и стилям, используемым в акварели, и побудило его отстоять свою национальную идентичность и сделать карьеру великого акварелиста.
    В 1881 году он отправился в Лондон с «аккредитивом» от Банка Скандинавии — он должен был стать его станцией на следующие четыре года. За это время он путешествовал в Испанию через Париж, встречая работы Веласкеса, Курбе, Мане, Ренуара, Моне, Сарджента и Макарта среди других. После знакомства с этими работами Цорн был вынужден пересмотреть свой соблазнительный способ обращения с акварелью, и поэтому в этот период путешествия он познакомился с художественным движением реализма.Хотя реализм существенно не повлиял на анекдотический взгляд Зорна, он привнес определенную красноречие в его мазки и плавность в соотношении цвета и ценности. Цорн начал исследовать то, что должно было стать сутью его искусства — способность вовлекать зрителя в творческий процесс.

    Андерс Цорн, 1886

    Теперь, когда он женат, период между 1885–1888 годами стал очень важным. Как член движения сопротивления Цорн оказался в авангарде политики, которая выступала против образовательных планов Академии в отношении старения.Это было также время для путешествий и оттачивания своих навыков.
    Брак Зорна часто подвергался напряжению в течение этих трех-четырех лет, так как он так и не оправился от напряжения, существовавшего в годы их помолвки. Читая между строк его личных писем, возникает ощущение, что Андерс чувствовал угрозу из-за высокого происхождения своей жены, и в то же время чувствовал, что его свобода как художника находится под некоторым давлением.

    Семья Ламм настояла на подписании брачного соглашения, в котором говорилось, что их состояние и имущество навсегда останутся разделенными, но когда их брак начался, именно Зорн должен был жить за счет имущества своей жены.В марте 1885 года его сводная сестра Анна умерла в результате бедности и болезней. Такой опыт побудил Андерса подтвердить свой отличительный характер и подтвердить свое происхождение.

    Случай 1887 года кое-что говорит нам о чувствах Андера. Пара путешествовала по Англии, когда мать Эммы позвала их срочно приехать домой. Цорн отказался расстаться с Лондоном, и его доход в сто пятьдесят долларов, который его ждал (плата за портрет), на это он возразил: «Ваша мать не стоит ста пятидесяти долларов» (что было больше, чем стоимость дома собственной матери).В 1886 и 1887 годах Цорн начал покупать землю в Море, чтобы помочь Моне (Мона на сленге Мора означает Мать). Несмотря на то, что это ставило Эмму в неловкое положение, она всегда оставалась верной решениям мужа.

    In Top Capu, 1886

    В 1885 году Цорн вместе с другими участниками сопротивления отправился на встречу в Париж. Здесь они составили исторический документ, в котором предлагались изменения в плане образования Почетной Королевской академии изящных искусств. Здесь же был составлен устав Ассоциации художников, который до сих пор предлагает помощь художникам в Швеции, предлагая очень выгодные цены на материалы в любой области искусства, вплоть до пятой части рекомендованных розничных цен.В 1886 году Цорн получил право называться придворным художником после того, как получил заказ нарисовать портрет двух принцев, Густава Адольфа и Вильгельма, в подарок немецкому совету в Стокгольме, который впоследствии отправил его императору Вильгельму I. Это была возможность Зорн тепло отзывался о нем в своей автобиографии.

    Как всегда бывает с успехом и завистью, успехи Зорна вызвали некоторые подозрения; его иногда исключали из встреч с сопротивлением, когда он явно присутствовал.По мере того как Цорн и его работы путешествовали по миру, неизбежно появлялись приглашения, такие как «Медаль Эгрона Лундберга за выдающиеся достижения в акварели». В таких ситуациях группа убеждала его отказаться от украшения. Хотя нельзя сказать, что Зорн был нелоялен к движению, он не проявлял особого интереса к их причинам или превосходству и оставался открытым и доброжелательным в своем отношении к бенефициарам, клиентам и гонорарам.

    Медовый месяц Эммы и Зорна встретился с его желаниями.Первоначально он сначала думал о Китае и Индии, но позже остановился на Трансильвании и Константинополе, местах, которые вдохновили Цорна своим потенциалом и возможностями. Пройдя через Гамбург, Берлин, Прагу, Вену и Будапешт, они оказались в небольшой горной деревушке в Венгрии под названием Надь-Эниед, и здесь он нашел: «Цыган и свиней». Цорн искал интересных людей, лица которых могли рассказать сотню интересных историй. Его амбиции заключались в том, чтобы закрепить свои навыки в акварельных портретах, и в том жанре, который обычно интересовал покупателей искусства.Как он неоднократно заявлял: «Я хочу, чтобы мои портреты тоже были картинами с сюжетом». Он намеревался добиться успеха, став писателем-путешественником, но тем, кто говорил с помощью картинок, а не слов. Цорн проводил все свои дни за рисованием, а на Рождество в Константинополе он создал несколько чудесных картин местных жителей. Именно здесь он впервые начал изучать поверхность воды, которую впоследствии стал мастером изображения. Эмма и Андерс провели праздник с шведско-норвежской миссией, группой людей, которых Цорн охарактеризовал как «кучку мерзких и отвратительных политических дураков».Пребывание должно было принять драматический оборот, когда Зорн заболел опасным для жизни брюшным тифом, напугавшим как его семью дома, так и г-на Касселя, опекуна Зорна в Англии, который отправил гонца, чтобы сообщить Зорну, что любые необходимые ресурсы будут быть обеспеченным. У мистера Касселя был личный врач, готовый уйти на место. Однако именно Эмме удалось справиться с лихорадкой в ​​течение двух месяцев, и только в конце марта того же года у него было достаточно сил, чтобы вернуться домой в Мору.К июню они достигли Швеции.

    Миссис Саймонс, 1888

    Следующее путешествие на юг началось в Новый год, 1887, на этот раз с королевским поручением в багаже. Король Швеции Оскар попросил Цорна создать студийную картину «Золотой Рог» в Алжире. Цорн тактично пытался убедить короля остановиться на картине-пейзаже из той же местности, но его просьба была отклонена, король был непреклонен в своей просьбе. Последующее путешествие к Средиземному морю дало Эмме и Цорну шанс пройти через Париж и Марсель, а оттуда в Алжир.Во время этих путешествий Цорн написал много картин с пейзажами, парками и фигурами, но картина короля выделялась как основная работа, выполненная в то время. Поездка привела их в Испанию, Кадис, Гранаду и Севилью. Вернувшись в мае, пара вернулась в Париж и посетила множество выставок и шоу. 25 мая они вернулись в Лондон, вскоре после этого Эмма вернулась домой. В Лондоне Цорн сразу приступил к работе — портрету дочери Касселя Мод, и в конце лета пара воссоединилась в Даларо.
    Осенью они вернулись в Лондон и путешествовали по Шотландии. Цорн закончил портрет мисс Саймонс, заказанный Касселем, когда он проживал в Корнуолле, который должен был стать более постоянным местом жительства на следующую зиму. Однако Сент-Айвс должен был стать конечным пунктом работы Андера. Он сразу влюбился в деревню, где уже была создана небольшая интернациональная колония художников. Они сняли дом, и Цорн впервые по-настоящему занялся изучением масел.(Следует упомянуть, что Цорн теперь встретился и познакомился с Уистлером!) Из его биографии мы можем прочитать:

    Эмма Цорн, 1888

    «Мы сразу подружились с другими художниками и сняли себе коттедж. Мне очень хотелось начать рисовать маслом, и я этим и занимался — рисовал, рисовал, рисовал. У меня была пара месяцев, когда я мог расслабиться и не беспокойтесь о моем экономическом будущем. Затем я начал рисовать «Рыбак», который флиртует с девушкой, что я считаю несколько странным.Они стоят бок о бок, перегнувшись через невысокую стену, и смотрят на луну с портом на заднем плане, на рыбацкие лодки с красными парусами, готовые отправиться на работу в океан. Это час, когда теплое мерцание заходящего солнца заставляет предметы светиться. Это — мой дебют художника маслом — оказался удачным. Он был куплен прямо с мольберта французским государством для Музея Люксембурга. Мне даже дали «почетную награду», — Как это? »

    Цорн получил тысячу франков за картину, и его международный прорыв был еще раз отмечен.Во время этого пребывания он создал два шедевра, портрет Эммы и «Рыбный рынок». Лето 1886, 1887 и 1888 годов проводилось в Даларо и Мора, где родилось множество картин. Среди них был «Хлеб наш насущный». Это было также время рождения особого мотива, который он хранил близко к сердцу, — «купание обнаженных женщин». Его все больше привлекала масляная среда, и по мере того, как его интерес к более старому искусству начал несколько рассеиваться, импрессионизм стал играть большую роль в его жизни и творчестве, чему во многом способствовали его путешествия.К осени 1888 года Цорн обосновался в Париже, пытаясь там обосноваться. Решение было принято после того, как мистер Кассель дал Цорну задание: изобразить телефонного короля, детей Эрнеста Мэя. Эта миссия оказалась очень полезной для Андерса Цорна.

    Париж, 1888-1896 гг.

    Аут, 1888

    Период с 1888 по 1896 год был временем личной революции. Масляные краски преобладали как благоприятная среда для творческих устремлений Цорна, поскольку его импрессионистические работы достигли своего апогея.
    Цорн и его жена поселились в Париже, хотя летом проводили в Море или Даларо. За годы своего пребывания во французской столице он приобрел две студии: первая располагалась на улице Добиньи, фешенебельном квартале мегаполиса. Он получил эту квартиру (спальню и кухню) осенью 1888 года, после успешного лета дома, где он закончил две великие картины: «Вне дома» и «Премьера». Год спустя он переехал на бульвар Клинчи. нет. 71, который был оборудован комнатой-студией, столовой, спальней и кухней.Это должно было стать адресом Цорна в Париже, пока он не вернулся домой в 1896 году. Как и в Англии, Цорн украсил студию роскошной мебелью и произведениями искусства, в том числе работами Рембрандта и Моне. Он очень любил изображать себя «человеком тонкого и благородного вкуса», но в те дни в мастерской художника не было классического исторического реквизита.

    Как он сказал в своей книге: «- Должен быть закон, запрещающий студию!» Он добавил, что в любом случае это касается портретов.Он практиковал то, что проповедовал: портреты должны быть выполнены в естественной среде и окружении объекта. Иногда он использовал студию для портретных работ, но только тогда, когда произведение было пристроено к мастерской художника.

    Премьер, 1888

    В 1887 году Цорн получил от руководства «Уффизи» во Флоренции просьбу написать автопортрет для их коллекции. Лишь в 1888 году он закончил это и оставил следующие размышления:

    «К тому времени я никогда не писал портретов в студии из-за странного освещения и из-за того, что все люди мешали мне, но для моего портрета это подходило… Это нужно делать маслом, и я начал пробовать. Конечно, мое тщеславие изобразило бы меня человеком, способным гораздо больше, чем рисовать, и мне было достаточно, чтобы я работал над бюстом Эммы из глины, так что я позволил этому комку грязи попасть туда.
    Незадолго до того, как я отправил его во Флоренцию, мне пришлось добавить каплю красного на свое пальто — «Ленту Почетного легиона», которую так жаждали награды, в том же году, когда я был награжден золотой медалью на Всемирной выставке . «

    Эта картина отражает, как и собственные слова Зорна, его профессиональную гордость, а также его радость от достигнутого им социального успеха.Бюст Эммы и оборотная сторона натянутого холста на заднем плане картины намекают на профессию этого человека. Обширная коллекция эскизов к этой картине дает некоторую информацию о том, как он, возможно, работал. Цорн был одержим проблемой получения цельной и гармоничной композиции.

    Этюд для автопортрета ,, 1888

    Дама спросила меня, нельзя ли вместо этого сделать портрет в альбомном формате, чтобы он поместился на ее кровати.Я яростно спросил ее, кто, черт возьми, она меня считает, и если бы она не знала о том, что на улице есть фотограф, который больше подходит для нее, чем художник, она бы только беспокоилась! Я бросил палитру в угол и объяснил ей, что если она хочет, чтобы я, Зорн, рисовал, она должна была сказать «да» или «нет» и немедленно покинуть комнату, чтобы я мог продолжить работу. В ужасе, со слезами по щекам она сказала «да» и вышла из комнаты.

    Les Demoiselles Schwartz, 1889

    Моя жена позже пообещала им, что я сделаю для них что-то особенное, и она оказалась права.Любой кусок дерьма будет особенным для таких дворняжек, и я бы дал им пару часов, не более того! Как ни странно, эта картина была одним из моих самых популярных на всемирной выставке в том году ».

    Позже он добавил: «Я никогда по-настоящему не заводил близких и преданных друзей в Париже после этого события».

    Профессиональная гордость Цорна, таким образом, подтолкнула его к оппозиции к высшему классу и отсутствию у них общественного признания художника и его работ. Всякий раз, когда Зорн упоминал о низших сословиях, он говорил об огромной массе людей, которые не понимали лучшего, чем не ценить первоклассного художника, когда они его видели.Этот аристократический взгляд, который предпочитал социальный порядок, основанный на знаниях и достижениях, а не на несущественных вещах, таких как социальные позиции, вытекающие из наследия, также нашел свое выражение, когда он прокомментировал освобождение оппозиции из Академии. Зорн имел в виду, что они были; «проповедовать против любых знаков благосклонности и только ради того признания, которое их собственная работа дала бы им. Это учреждение, его неспособность и недостатки были устранены в молодые годы».

    Здесь он осуждает Академию, называя ее гнездом некомпетентных, и в то же время раскрывает, что ему тайно предложили место в совете директоров и должность профессора.

    Нажмите, чтобы просмотреть ТРЕТЬЮ ЧАСТЬ биографии Андерса Цорна

    О теории цвета: ограничение глазами Зорна

    Картина Сэма Вулфа Коннелли

    Как показано на палитре Zorn, ограничение может быть одним из самых сильных инструментов, доступных для художников. Ограничивая свои инструменты, вы можете обнаружить, что ваши идеи могут развиваться.

    Ограничение глазами Зорна

    ОТ СЭМА ВУЛЬФА КОННЕЛЛИ

    Андерс Цорн был шведским художником, чьи работы 100 лет назад часто сравнивали с работами Джона Сингера Сарджента.Однако он наиболее известен тем, что использовал то, что сейчас метко называют «палитрой Zorn», которая состоит всего из четырех отдельных красок: белого, цвета слоновой кости, желтой охры и красного кадмия.

    Хотя не все его работы использовали эти ограничения, спектр цветов, которые можно было сделать с их помощью, довольно велик. Несмотря на то, что используются только «теплые» базовые оттенки, включение холодной черной краски, такой как Ivory Black, добавляет «прохладный» фактор к тому, что в результате можно смешать.

    Как работающий художник, окончив школу, я чувствовал, что плохо разбираюсь в теории цвета. В первую очередь я рисовал графитом, а когда мне требовался цвет, я обычно потом рылся в цифровом виде, чтобы посмотреть, какие цветовые палитры подходят для работы. Как только я попытался подобрать масляную живопись, мне показалось, что я прыгнул в гигантский бассейн из миллиардов цветов и все это превратило в беспорядок.

    Я не проходил никаких курсов рисования в школе, и мне казалось, что у меня нет особого представления о том, с чего начать.Для меня самый простой способ сосредоточиться — это ограничить то, с чем мне приходится работать, чтобы я мог доверять своим художественным инстинктам, вместо того, чтобы иметь бесконечные возможности, указывающие мне сразу в разных направлениях. Базовая палитра Zorn казалась отличным вариантом для экспериментов из-за ее универсальности и простоты. Кроме того, идея ограничения не должна рассматриваться как отрицательная, а только как строительная площадка, которую растущие художники могут настраивать и добавлять по мере развития своего собственного стиля.

    Сэм Вулф Коннелли, «White Out», 24 x 36 дюймов, масло

    Это сочетание цветов палитры Zorn действительно подходит для многих оттенков кожи при нейтральном освещении, что является основной причиной его повсеместного использования.Смешение чистого белого и чистого черного позволяет получить различные оттенки синего. Добавьте в эту смесь немного красного или желтого, и вы получите ряд фиалок и зелени соответственно.

    Работа с ними также тренирует ваш мозг мыслить в терминах насыщенности, где чрезмерный свет на некоторых изображениях может размыть все оттенки и оставить темные с высокой насыщенностью цвета, придавая живописи глубину. Палитра Zorn также помогает объединить картину с помощью связанных цветов, которые могут позволить вам смотреть на объект через связный фильтр.

    Мои образцы цветов

    Чтобы помочь себе понять взаимодействие цветов, я сделал множество образцов красок и обозначил пропорции смешанного. Да, я знаю, образцы скучны, и кажется, что они возвращаются к исходной точке, но в этом случае для меня было важно увидеть границы растяжения того, насколько далеко я могу продвинуть только два цвета. Это помогло мне в том, что не слишком отличалось от переводчика — взяв тарабарщину из моих глаз и преобразовав ее во что-то разборчивое, но все же сохранив необходимую информацию, такую ​​как тон, оттенок и насыщенность.

    С инструментами, которые у нас есть сейчас в цифровом виде, еще проще действительно сказать, какой зеленый цвет показывает это дерево или что мы можем подумать на самом деле синим в небе.

    Самое лучшее, что я узнал при использовании палитры Цорна, это то, насколько теория относительности играет в картине и как то, что мы можем воспринимать как голубое небо, на самом деле является просто холодным серым, когда оно окружено теплом. Для многих художников-реалистов избыток — это то, что нужно использовать в умеренных количествах, и я думаю, что это то, чего не осознают многие молодые художники.

    «Тонкость» не обязательно означает скучный или замкнутый. Используя ограничения Zorn, я узнал, что тонкость придает значимость предмету, когда он окружает чрезвычайно яркий пылающий красный огонь или светящийся источник света на расстоянии. Тонкость добавляет перспективу конечности.

    Это все равно что поставить фотографию беспорядка рядом с кадром, на котором кто-то платит налоги. Каждая сцена внутри себя представляет собой статичную ситуацию, но при правильном сочетании она создает конфликт интересов.Я знаю, что мы говорим здесь только о некоторых цветах, но я считаю, что те, кто ищет глубины, действительно ищут ограничений.

    Это даже не означает, что палитра Zorn — это ключ к поиску этого в вашем собственном искусстве. Вместо этого я считаю, что это идея о том, как ум художника может выйти на первый план в своей работе, а не ограничиваться материалами.

    Одно из величайших упражнений, которым меня учили как растущему художнику, произошло, когда я проходил летний курс искусства в возрасте 13 лет.Осенью инструктор вывел класс на улицу и сказал всем нам оторвать небольшую ветку от дерева перед студией. После того, как у каждого из нас был свой «инструмент», остаток дня мы посвятили рисованию нашей модели с помощью двухфутового деревянного переключателя, приклеенного скотчем к нашим рукам и смоченного чернилами на гигантском листе газетной бумаги.

    Каждый рисунок был ограничен менее чем минутой, и по сей день я все еще считаю, что это был величайший опыт обучения в моем художественном образовании. Несмотря на то, что я больше не крашу свои работы веточкой, это показало мне, что творчество — мощная вещь, которой никогда не помешает такая мелочь, как дорогая кисть или каталог красок.Как показывает палитра Zorn, простота зачастую лучше.

    Расплачивайтесь тем, что у вас есть.

    Сэм Вулф Коннелли, «Без названия», 24 x 26 дюймов, масло

    Узнайте больше о Сэме на сайте: www.samwolfeconnelly.com

    Связанные> Просмотрите другие статьи о том, как рисовать и рисовать в стиле современного реализма

    > Посетите EricRhoads.com (Publisher of Realism Today) , чтобы узнать о возможностях для художников и коллекционеров произведений искусства, в том числе:

    • Арт-ретриты
    • Международные художественные поездки
    • Художественные конвенции
    • Художественные мастерские (очные и онлайн)
    • И многое другое!

    мастеров: швед Сарджент | Сеть художников

    Мы отправились на поиски Андерса Цорна на его родину и обнаружили личность, достаточно крупную, чтобы охватить множество противоречий, и естественную способность рисовать как маслом, так и акварелью.

    Боб Бахр

    Когда имя Андерса Цорна упоминается в Соединенных Штатах, это обычно связано с Джоном Сингером Сарджентом и Хоакином Сорольей-и-Бастидой, современниками, которые также использовали заметную манеру письма и были известны своими проницательными портретами представителей высшего общества. Его известность в нашей стране часто происходит из-за его включения в эту группу, но более пристальный взгляд на шведского художника показывает сильную личность, способную принять то, что кажется противоречиями в его жизни и его живописном процессе.Незаконнорожденный сын работника пивоварни, он вырос, чтобы общаться с королями и королевами. Известный спонтанным ощущением своих картин и свободной манерой рисования, Цорн кропотливо готовился ко многим своим работам, иногда рисуя и раскрашивая многочисленные этюды и используя фотореференс. Оснастив свой дом технологическими устройствами, о которых в Швеции в то время практически ничего не слышали, он решил нарисовать небольшой деревенский флигель, которому почти 700 лет. Он ушел из Королевской академии изящных искусств в Стокгольме, отвергнув традиционализм своих учителей, но позже написал портреты шведского истеблишмента.И хотя Цорн много путешествовал по Европе и Америке, большую часть лета он возвращался в свой сельский родной город.

    Мисс Констанс
    Моррис
    1915, масло, 58¾ x
    39. Коллекция
    Зорнсамлингарна, Мора, Швеция.

    Биргитта Сандстрём — директор музея коллекции Zorn Collections, в которую входят резиденция художника, поместье и музей в Море, Швеция. Этот авторитет Андерса Цорна смеется над загадкой его противоречий, утверждая, что человек с такой крайней уверенностью будет рассматривать их просто как вопрос личных предпочтений.Цорн гордился своими корнями и уверен в своем статусе художника, с волей делать все, что он хотел. «Я не думаю, что у него были проблемы с разговором на моране (местном диалекте) со стариком из этих мест в один день, а на следующий день он сидел с президентом», — говорит Сандстрём. «В этом смысле он был великолепен. Это было частью его личности». Сочетание индивидуальности и способностей Цорна сделало его жизнь художника достойной изучения.

    Жизнь и творчество Цорна
    Мать Цорна познакомилась с его отцом, когда они вместе работали на пивоварне на севере Швеции.Они никогда не были женаты, и поскольку его мать работала вдали от Моры, Андерс был воспитан бабушкой и дедушкой по материнской линии. Еще мальчиком он научился вырезать, что было типично для провинции Даларна в центральной Швеции. «То, что он вырезал, не было чем-то особенным, особенным было то, что у него был талант делать с ним что-то еще», — комментирует Сандстрём. Способность Цорна лепить и рисовать привлекла внимание его учителей и коллег отца, и были собраны деньги, чтобы отправить его в Стокгольм для обучения в Королевской академии изящных искусств.Он проучился там пять лет, а затем восстал против все более традиционных методов школы, которые делали упор на рисование с гравюр, слепков и фигур. Его работы получали награды — особенно его мастерские акварели, — но он все больше уходил от школы.

    Внутри
    студии
    за домом Зорна
    в Море,
    построенный почти 900
    лет назад.

    В это время он влюбился в Эмму Ламм, происходившую из богатой семьи.Семья Ламма не стала бы рассматривать брак между ними, если бы у Цорна не было небольшого состояния. Поэтому он бросил академию драматическим образом (подталкиваемый неоднократными угрозами изгнания со стороны официальных лиц академии) и уехал за границу в 1881 году, чтобы заработать денег, тайно помолвившись с Эммой. «Он уже знал, чем хочет заниматься», — говорит Сандстрём. «Что бы произошло, если бы он продолжил в академии еще год? Он не смог бы добиться большего».

    Англия манила. В школе Цорн увлекся акварельной живописью, а лучшими акварелистами мира были англичане.Нет никаких сообщений или свидетельств того, что Зорн обучался тонкостям акварели каким-либо конкретным художником в Англии. Эта закономерность повторялась на протяжении всей жизни Зорна: его художественные навыки были в основном самостоятельными, за одним исключением. Цорн признал наставления Акселя Германа Хейга в гравюре, хотя опыт Цорна в резьбе и рисовании позволил ему преуспеть в этой технике. Художник определенно осознавал свое мастерство. «Он сравнил себя с Рембрандтом в плане гравюры — это показывает, к чему он стремился», — говорит Мерит Лайне, хранитель гравюр и рисунков в Национальном музее в Стокгольме.«Он установил для себя очень высокий стандарт мастерства». Сандстрём продвигает идею дальше этой цитатой из автобиографии Цорна: «Всегда было два офорта, Рембрандт и я. Ну, на самом деле, был только один». Близость Цорна к Рембрандту проявлялась по-разному. Он насчитал несколько рисунков и офортов Рембрандта в своей личной коллекции, а также выполнил множество автопортретов, как и голландский мастер. В 1890 году он дошел до того, что скопировал композицию Рембрандта на правой стороне гравюры и выгравировал свой автопортрет на левой.Их стили были совершенно разными — метод Зорна превратился в метод, который подчеркивал рыхлую параллельную штриховку (иногда напоминающую нарисованные петли) и сильные темные-светлые узоры, как в Zorn and His Wife . Офорты Рембрандта подчеркнули более тонкие линии и фактуру, достигнутые более традиционными средствами. Оба строили простые композиции на сильных темных и светлых узорах.

    Хлеб наш насущный
    1886, акварель,
    26¾ x 39½.
    Коллекция
    Национальный музей,
    Стокгольм, Швеция.

    Эта картина
    считается культовой в
    Швеции. Это
    , возможно, как
    представитель
    национального символа
    как
    американской готики, это
    в этой стране.

    Звезда Цорна быстро взлетела. Выставка в Кадисе, на которой представлены работы, которые он написал в предыдущие месяцы в Испании, принесла художнику международное признание в 1882 году. Цорн переехал в Англию, где представители шведского высшего общества заказывали портреты.Его карьера набрала обороты, когда богатые лондонцы заказали услуги Цорна, а король Испании попросил портрет. Его будущий успех обеспечен, он женился на Эмме в октябре 1885 года. Пара провела медовый месяц в Константинополе (где Цорн чуть не умер от брюшного тифа), затем посетила Италию и Францию, а в конце 1887 года переехала в Сент-Айвс в Корнуолле, Англия.

    К этому времени Зорн был превосходным акварелистом, но был готов к большему. Той зимой он сам научился рисовать маслом.Учитывая его любовь к акварели, его изменение в технике может показаться странным. Совсем наоборот, — говорит Лайне. «Было бы очень странно, если бы он придерживался акварели», — отмечает она. «Писать маслом было престижнее». Цорн написал об этом переходе в своей автобиографии с большой небрежностью. «[Сент-Айвс] был очарователен, и мы решили остаться там», — вспоминает Цорн. «Мы познакомились с этим художником и сняли дом. Я сразу начал рисовать и рисовать маслом. Я думал, что у меня есть несколько месяцев бесплатно, не думая о доходах.«Французское правительство вскоре купило одну из этих первых набегов на нефть, Fishermen in St. Ives . Примерно за семь лет Цорн почти полностью сместил акцент с акварели на масло.

    Новогодняя открытка
    1890, офорт, 4 x
    5½.

    Цорну нравится сравнивать себя
    с Рембрандтом
    на этом офорте
    , на котором он,
    , нарисовал автопортрет
    на
    слева и скопировал композицию
    Рембрандта
    на
    справа — графически показывает
    .

    В 1888 году пара переехала во Францию, где прожила восемь лет. Цорн продолжил свой путь в Испанию, где вместе с Сорольей писал картины в маленьком испанском городке. Трио, о котором сегодня упоминают многие восхищенные художники на одном дыхании, знало друг друга, но вряд ли они были тремя мушкетерами. Цорн был знаком с Сарджентом по его длительным поездкам в Англию, и ему нравилось хвастаться, что Сарджент считал его лучшим портретистом из них двоих. Но объединение Цорна с двумя другими знаменитыми портретистами того времени — американское изобретение, сделанное в ретроспективе.«Соролью вряд ли знают в Швеции, — утверждает Сандстрём, — а о Сардженте знают только искусствоведы. В Швеции достаточно Цорна».

    Сходства все же есть, особенно между Сарджентом и Цорном. Оба написали динамичные, актуальные портреты Изабеллы Стюарт Гарднер. Как и Сарджент, Зорн написал множество портретов, но выбирал свои заказы и, не колеблясь, составлял портрет нетрадиционным способом. Например, перспектива в Miss Constance Morris вызывает недоумение, поскольку точка обзора, по-видимому, перемещается от уровня глаз объекта к ее талии и ногам.На портрете Les Demoiselles Schwartz изображены две сестры, смотрящие из-за мольбертов на бюст, который они рисуют. В книге « шведских художников в мире » Е. Х. Браммера (Свалан / Бонье, Стокгольм, Швеция) цитируется Цорн: «Они сидели перед своими мольбертами в своих красных платьях и рисовали голову, которую я дал. Я тут же нарисовал несколько линий на своем холсте, чтобы не потерять то, что нашел.На следующее утро родители детей пришли в гости.Дама спросила меня, нельзя ли вместо этого сделать портрет в альбомном формате, чтобы он поместился на ее кровати. Я яростно спросил ее, кто, черт возьми, она меня считает, и если бы она не знала о том, что на улице есть фотограф, который больше подходит для нее, чем художник, она бы только беспокоилась! Я бросил палитру в угол и объяснил ей, что если она хочет, чтобы я, Зорн, рисовал, она должна была сказать «да» или «нет» и немедленно покинуть комнату, чтобы я мог продолжить работу.В ужасе, со слезами на глазах, она сказала «да» и вышла из комнаты. Позже моя жена пообещала им, что я сделаю для них что-то особенное, и она была права. Любой кусок дерьма будет особенным для таких дворняжек, и я бы дал им пару часов, не более того! Как ни странно, эта картина была одним из моих самых приветствуемых на всемирной выставке того года ».

    Цорн нарисовал короля и королеву Швеции и двух президентов США, а также большое количество могущественных промышленников того времени.Влияние этих комиссий на социальное положение и карьеру Зорна не поддается оценке, но, хотя Зорн, казалось, был осторожным планировщиком карьеры, он не был рабом бизнеса искусства. «Он просто мирился с заказами», — говорит Сандстрём. «Однажды он пожаловался Карлу Ларссону:« Еще одна комиссия — о, она убивает меня! » Но именно так он зарабатывал свои деньги. Он никогда не рисовал Рокфеллера, хотя ему было поручено это сделать, потому что он хотел провести середину лета в Швеции. У него были свои пределы. Шведское летнее время было для него важнее, чем Рокфеллер.«

    Процесс и материалы Цорна
    Многие художники упоминают концепцию «палитры Цорна», особенно в отношении портретов. Эта теплая палитра, которая, как часто говорят, включает просто желтый, черный, красный и белый, но не синего цвета, может быть очень полезным инструментом, но было бы ошибкой приписывать ее Андерсу Цорну. Несколько портретов и других картин Цорна, кажется, демонстрируют определенную теплоту и отсутствие трубчатого синего и зеленого цветов — и Сандстрём подтверждает, что художник гордился тем, что смешал все оттенки на холсте из нескольких цветов — но во многих картинах Цорна используется блюз.Фактически, в Швеции Цорн известен своими изображениями воды, для которых требовалась синяя краска. Сандстрёму было трудно даже понять предположение, что Цорн работал со специальной палитрой, связанной с ним. Она сообщает, что 17 тюбиков только кобальта представлены среди 243 тюбиков краски, оставленных Цорном в его студии в Море. Лайне из Стокгольмского национального музея соглашается с тем, что понятие палитры Цорна несколько неверно. Тем не менее, такие портреты, как Miss Constance Morris , показывают, что он умел использовать оттенки серого для обозначения синего.Многие портреты Цорна — и его обнаженные тела — демонстрируют непреодолимую теплоту, вдохновляя современных художников, независимо от того, что шведский художник на самом деле вложил в свою палитру.

    Нимфа любви
    1885,
    акварель, 46 x
    29.

    Многие из
    акварелей
    Зорна были нарисованы
    быстро, но он,
    , потратил два года,
    , нарисовав это произведение
    , которое он
    считал своим
    шедевром в
    то время.

    Цорн отдавал предпочтение краскам, разработанным ныне несуществующим производителем в Берлине. Он использовал кисти всех размеров и форм, и все кисти с маркировкой производителя шведского происхождения. При травлении он экспериментировал с различными кислотами, которые, как он понимал, использовал Рембрандт, но его травильные материалы были в основном стандартными — выполнялись на меди, а иногда и на цинке. Цорн создал несколько известных скульптур, в том числе известную скульптуру в Море короля Густава Васы, который объединил Швецию в 1520 году против датчан-оккупантов.Но эта ранняя среда была оттеснена живописью. «Он думал о живописи своей работой; офорт и скульптура были его хобби», — говорит Сандстрём. «Ночью, когда было слишком темно, чтобы рисовать, он резал. Днем у него не было времени продолжать лепить». Больше, чем в других средствах массовой информации, офорты Цорна были наполнены фотографией. Заядлый моряк, он брал модели на свою лодку и плавал по архипелагу Стокгольма, раскрашивая их на лесных островах и фотографируя для гравюр, которые он вырезал следующей зимой.Офорты также позволили ему воспроизвести свои популярные картины и, таким образом, получить больше денег от композиции.

    Некоторые детали ранних акварелей Зорна выдают часы работы, которые он вложил в них — акварель 1885 года Love Nymph , как сообщается, заняло у него два года, и потребовалось две версии акварелью, один набросок маслом и более 60 рисунков. гризайли и цветные наброски, но Эмма Цорн писала в 1887 году, что одна акварель составляла «утреннюю работу» для ее мужа.Метод Зорна заключался в том, чтобы четко зафиксировать композицию перед началом работы, а затем быстро разместить ее на странице. Его масла предполагают ту же спонтанность, но Сандстрём говорит, что есть свидетельства того, что он иногда наращивал слои для достижения желаемого эффекта.

    Les Demoiselles
    Schwartz
    1889, масло, 39½ x
    26½.
    Коллекция
    Лувр, Париж, Франция.

    Сделайте так, чтобы это выглядело просто — похоже, это тема.«У него были потрясающие навыки рисования и он мог нарисовать эффектный портрет за 44 мазка», — смеясь, говорит художник из Висконсина Джеффри Т. Ларсон. «Он видел так ясно и так уверенно — у него был такой глаз. Как говорится, он мог использовать одно предложение, чтобы объяснить то, что другим потребовалось бы полкниги для объяснения». Ларсон также ценит легендарную ограниченную палитру Zorn. «Это позволило ему сделать свои картины очень унифицированными», — говорит он.

    Его портреты снискали ему всемирную известность, а изображения шведской крестьянской жизни полюбили его соотечественники, но именно его пейзажи с перемежающимися фигурами вдохновляют многих современных художников.Цорну не нравилось рисовать модели в искусственной атмосфере студии. «Его способность передать настроение места с таким тонким цветом и ценностью появилась только благодаря тому, что он бесчисленные часы рисовал на открытом воздухе с натуры», — утверждает Фрэнк Серрано, калифорнийский пленэрный художник. «Вы не можете передать это настроение в картине, если используете фотографию. Он довольно много рисовал на открытом воздухе. Это то, что помогает вам стать проницательным и помогает вам научиться запечатлеть что-то естественным образом. Эта чувствительность присутствует в его работах, и это что мне действительно нравится.«

    «У него хватило смелости», — добавляет Ларсон. «Любой художник смотрит на работы Зорна и видит, что он положил записку и оставил ее. Он не был робким и не пытался никому угодить, кроме себя».

    Боб Бар — управляющий редактор журнала American Artist.

    Почему помните забытого художника Андерса Цорна?

    Гарднеры и Цорны катаются на гондолах в Венеции, 13 октября 1894 года. (Предоставлено Музеем Гарднера)

    В 1897 году Эдвард Рэтбоун Бэкон, могущественный железнодорожный магнат, бросил вызов путешествующему по миру шведскому художнику Андерсу Цорну, чтобы он создал лучший портрет своей сестры. -закон Вирджинии Парди, который Джон Сингер Сарджент написал годом ранее.

    На портрете Сарджента миссис Уолтер Рэтбоун Бэкон стояла в испанском платье, прислонившись к стене. Цорн — как сообщает музей Изабеллы Стюарт Гарднер на своей новой выставке «Андерс Цорн: европейский художник соблазняет Америку» (280, Фенуэй, Бостон, до 13 мая) — выбрал более интимный подход. Его картина смотрит вниз на сидящую в помещении простую женщину в атласном платье, крепко обнимающую своего колли.

    Сарджент увидел полотно Цорна, когда оно было показано в Парижском салоне в том году, и признал, что Цорн «одержал блестящую победу.По крайней мере, согласно воспоминаниям Цорна.

    Этот анекдот представляет собой проблеск конкурентного соперничества между Зорном и Сарджентом, когда художники и бизнесмены борются за заказы на портреты из одного и того же слоя высшего общества Позолоченного века.

    «Автопортрет» Андерса Цорна 1889 года для галереи Уффици. (Предоставлено Музеем Гарднера)

    Глядя сегодня на работы Цорна в Бостоне, трудно не почувствовать, что Сарджент, чьи работы до сих пор прославляются повсюду в этом городе, в конечном итоге превзошел Цорна.

    Цорн теперь из тех талантливых, но забытых художников, которых можно встретить в музейных собраниях; его искусство — это работа, на которую с кратким удовольствием заглядываешь на пути к громким именам.Почему мы должны помнить о нем сейчас?

    Картина Андерса Цорна 1894 года «Изабелла Стюарт Гарднер в Венеции». (Любезно предоставлено Музеем Гарднера)

    Куратор Гарднера Оливер Тостманн говорит, что он не был хорошо знаком с работами Цорна до того, как приехал работать в музей в 2011 году и наткнулся на картину художника 1893 года, изображающую людей на переполненном парижском омнибусе, и его портрет 1894 года. Изабелла Стюарт Гарднер, кажется, танцует в своем доме в Венеции. Затем Тостманн заметил Цорнса в Музее изящных искусств, Гарвардском университете, а также в Художественном музее Вустера.

    «Зорн, которого я знал, каким-то образом превратился во что-то другое. Я не знала, что он занимается этими городскими городскими сюжетами. Я не знал, что он так хорошо умеет обращаться с цветом, — рассказывает мне Тостманн. «Это просто открыло мне глаза».

    Тостманн собирает более 40 работ из США и Европы и проводит важные исследования, пытаясь открыть нам глаза. В каталоге он пишет: «Эта выставка направлена ​​на переоценку Андерса Цорна, представляя его как международного художника, подготовившего почву для современного искусства.» Хм.

    Андерс Цорн родился в Море, Швеция, в 1860 году. Он учился в Стокгольмской Королевской Академии художеств, но уехал до ее окончания, чтобы начать карьеру в Лондоне, а затем в Париже, пока все еще проводил летние каникулы на своей родине. Он широко демонстрировал свое искусство по всей Европе и выигрывал заказы на портреты у американцев, таких как Гарднер, который стал другом. В возрасте 29 лет Галерея Уффици во Флоренции, Италия, поручила ему написать автопортрет для знаменитой коллекции музея.

    Он работал комиссаром шведской художественной выставки на Всемирной Колумбийской выставке в Чикаго в 1893 году и комиссаром секции шведского искусства на Всемирной выставке в Париже в 1899 году.Он был назван кавалером шведского ордена Васы и награжден Крестом Почетного легиона французским правительством. Через год после его смерти в Море в 1920 году Бостонский музей изящных искусств представил мемориальную выставку его искусства. Другими словами, он был полностью поглощен своим истеблишментом современного искусства.

    Картина Андерса Цорна 1888 года «Утренний туалет». (Предоставлено Музеем Гарднера)

    Цорн был акварелистом, прежде чем занялся масляной живописью. Одним из первых его полотен является «Утренний туалет» 1888 года, на котором обнаженная женщина и ребенок входят в воду по каменистому изгибу пляжа.В этой сцене, напоминающей сельскую шведскую жизнь, Цорн резко передает отражение, прозрачность и движение воды.

    Как художник, в центре внимания Цорна были обнаженная натура, светские портреты («финансовая основа всей карьеры Цорна», пишет Тостманн), изображения современной городской жизни Парижа (в основном написанные для щекотливых коллекционеров за пределами Франции) и жанровые сцены традиционной шведской жизни. . Цорн положил глаз на Веласкеса и Мане. В частности, в его эффектной манере живописи чувствуется, как он адаптирует и обновляет голландского мастера 17 века Франца Хальса.

    В 1892 году он нарисовал две версии сцены с людьми, толпившимися внутри парижского «Омнибуса» — и различия говорят сами за себя. Первый меньше, манера письма более свободная. «Это было написано для Парижа», — говорит Тостманн. «Это новый стиль импрессионизма». Новое здесь относительно. Импрессионизм ворвался в Париж двумя десятилетиями ранее, в 1870-х годах.

    Вторая версия картины Андерса Цорна «Омнибус II» 1892 года в Париже. (Предоставлено Музеем Гарднера)

    Вторая, более крупная версия, теперь находящаяся в коллекции Гарднера, была написана для Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго.Для этой аудитории Zorn уделяет особое внимание отдельным пассажирам. Рендеринг женщины, сидящей на переднем плане со шляпной коробкой на коленях, был доведен до более высокого уровня, в то время как всадники позади остались не в фокусе. Это меняет смысл картины от группы людей в автобусе к портрету женщины в автобусе с другими людьми на заднем плане. Это не так похоже на то, что произошло, а больше похоже на театрализованный спектакль, демонстрирующий симпатичную актрису.

    Цорн изображает проститутку в своей картине 1895 года «Эффект ночи», изображающей в натуральную величину портрет женщины в красном платье (очевидно, обозначающий ее профессию), прислонившейся ночью к дереву, с искаженным пьяным ступором лицом.Цорн кивает импрессионизму с эффектной расцветкой, с которой он рисует ее платье, и объединяет его с довольно стандартным академическим реализмом, с которым он изображает ее лицо. Сила фигуры компенсирует неудобную композицию. Визуальное напряжение между смутным темным деревом справа и освещенным кафе на заднем плане слева выводит картину из равновесия. Кажется, что Цорн часто не обращает особого внимания на фон.

    Картина Андерса Цорна 1895 года «Ночной эффект». (Любезно предоставлено музеем Гарднера)

    Отчасти успех Цорна заключался в игре на романтических клише, таких как проститутки и трудолюбивые крестьяне, в его искусстве — и, возможно, также и в его профессиональном образе.«Монмартр, популярный квартал Парижа, где он жил… к середине 1890-х годов, уже потерял свою художественную репутацию и превратился в простую туристическую достопримечательность», — пишет Тостманн.

    Цорн — талантливый живописец, занимательный художник. Его офорты особенно хороши. Но он обычный. Кто скажет, насколько это было его индивидуальностью и насколько острым чувством своего рынка? Но, оглядываясь назад, можно сказать, что он всего лишь еще один хороший художник, работающий в привычном для своего времени академическом стиле.(Зорн технически не академичен, потому что он не обязательно был связан с официальной Французской Академией или следовал ей, но он академичен в общем значении этого слова сегодня.)

    В конце концов, Зорн и Джон Сингер Сардженты часто работать на той же территории. Но Сарджент более острый художник. О, боже мой, как Сарджент делает это без усилий, как будто он никогда не наносит ошибочный мазок или ему нужно передумать. А портреты Сарджента передают большую психологическую проницательность.К несчастью для Зорна в Бостоне, где тень Сарджента остается огромной, практически невозможно увидеть Зорна лично.

    Цорн и Сарджент попадают в категорию квадратных вешалок конца XIX века, в которую входят Гюстав Кайботт и Джеймс Тиссо, восхитительные и даже замечательные художники, которые не смогли или не захотели заставить вращаться революционные модернистские силы. Цорн заработал в жизни славу и деньги, но его репутация пострадала в истории. Вроде бы приличная сделка.

    Картина Андерса Цорна 1889 года «В мастерской Викстрома» (любезно предоставлена ​​Музеем Гарднера) Офорт Андерса Цорна 1899 года «Автопортрет с моделью II».

    No related posts.

    Автор записи

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *