Абстракция живопись: Абстрактная живопись

Абстрактная живопись

Абстрактная живопись

Абстрактная живопись – это одно из основных направлений современного искусства. Главная идея данного направления – передать гармонию между человеком и искусством, создать определенное гармоничное сочетание линий и цветовых пятен. Абстрактная живопись – это новое искусство, беспредметное и нефигуративное по своей сути. Абстрактная живопись не преследует цели точной и реалистичной передачи действительности, скорее, наоборот – главное передать поток эмоций и внутреннее состояние художника. Рекомендует для этого пройти курсы рисования акварелью красками, маслом и другие доступные программы в нашей арт-школе.

Истоки абстрактной живописи исходят к началу 20-го века. Именно тогда была создана первая картина абстрактной живописи. Родоначальником абстрактного искусства считают Василия Кандинского. Именно он разработал целую систему визуального восприятия абстрактного искусства. Направление абстрактной нефигуративной живописи поддержали и другие художники: Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Пит Мондриан.

В. Кандинский

П. Мондриан

Абстрактное направление в живописи дало отправную точку для зарождения и развития других современных направлений в искусстве – появился лучизм, неопластицизм, супрематизм, экспрессионизм и геометрическая абстракция. Такое разнообразие направлений в живописи дало новые возможности художникам, новые темы и приемы в живописи.

Для абстрактного искусства главную роль играет цвет и форма, реалистические очертания и рисунок уходят на второй план. Художники по-новому начинают передавать на своих холстах знакомый ранее предметный мир. Абстрактная живопись дает художникам полную свободу действий.

Казимир Малевич

Василий Кандинский

Наталья Гончарова

Курс «Абстрактная живопись» рассчитан на слушателей с разным уровнем подготовки. Если Вы решили написать абстрактную картину и переживаете, получится у Вас или нет – отбросьте все свои сомнения в сторону. Занятие по абстрактной живописи – это не только урок по рисованию, а и арт-терапия. Вам нужно только прислушаться к самому себе, взять кисть в руки и начать творить. Наши опытные преподаватели помогут Вам создать картину-шедевр, отображающую именно Ваш внутренний мир.

Некоторые считают, что абстрактная картина всего лишь обычная мазня, но они глубоко ошибаются. Абстрактная живопись насыщенна символами и эмоциями, цветом – это настоящее эмоциональное творение, которое оперирует языком символов и обобщений, доведенных до крайней простоты в восприятии. По сути, абстракция – это «разжеванная» художником для зрителя квинтесенция художественного образа.

Василий Кандинский

Джексон Поллок

Стоимость занятия: 400 грн.

Все материалы включены в стоимость, кроме полотна

На занятия «Абстрактная живопись» можно принести свой холст, или приобрести в школе рисования в Киеве по следующим ценам:

Стоимость  грунтованного полотна на подрамнике:

Размер, см.	Стоимость,грн.
35х55	100
45х55	130
55х75	150

Стоимость полотна других размеров  уточняйте по телефонам художественной студии «Artstatus»

Продолжительность занятия – 2,5 часа.
Запись на уроки живописи по телефону: (097) 450-72-21, (066) 956-61-71

   

                     рисунки учеников художественной школы «Артстатус»

Картины в стиле абстракция в интерьере

Меняете ли вы интерьер своего дома кардинально или решили просто его освежить, живопись — прекрасный способ для этого.

В нашей стране все еще популярна предметная живопись — пейзажи, натюрморты, изображения животных, людей. Но у нас часто бывают запросы именно на абстрактное искусство. Уже ставшее классическим за границей, это  направление постепенно проникает и в наши дома.

Чем хороша абстракция?

Абстрактная живопись может быть холодной и интеллектуальной или, наоборот, — эмоциональной и создающей настроение. Но в любом случае, она ярко отражает характер хозяина, его или ее темперамент.

Мы предлагаем провести аналогию с пейзажем. Природный, городской, солнечный или дождливый, вечерний или утренний. Когда мы находимся внутри него (мы говорим именно про физическое присутствие, но не про изображение пейзажа), то испытываем те или иные чувства. Иногда их трудно облечь в слова, но мы точно знаем, хотим ли мы продлить эти ощущения или изменить на противоположные. Это знание, которое мы получаем от органов чувств.

И так же, как отличается наше отношение к природе, разнятся и предпочтения в живописи.

Абстрактную живопись можно воспринимать всеми органами чувств. Да, это звучит нелогично в отношении плоского объекта, но, на наш взгляд, это самая верная аналогия. Абстракция вызывает ассоциативные образы — как минимум, зрительные. За зрительными образами могут потянуться (а могут возникнуть и сами по себе) и воспоминания запахов, звуков, вкусов.

Кроме того, в живописи профессионального художника, который давно пишет абстрактные картины, большое значение играет фактура. Количество слоев, способ нанесения краски (пастозный или тонкий), используемые материалы – всё это формирует авторский стиль, который заметен зрителю.

Поэтому важно рассматривать живопись (не только абстракцию) вживую, так вы заметите детали, которые не может передать фотография. И даже если вы не прикасаетесь к холсту, вы сможете представить себе тактильные ощущения. Кроме того, в разное время дня, в разных точках помещения естественный свет будет отличаться. Будет отличаться и впечатление от работы.

А еще беспредметная живопись не требует слов. Она не обязывает давать объяснений. Да, иногда вы влюбляетесь в картину с первого взгляда, а иногда требуется время, чтобы познакомиться с ней ближе. Но вы не обязаны никому объяснять, “что на ней нарисовано”, и почему вы ее выбрали. Это же чувства!

Абстрактные картины для интерьера

В каких пространствах хороша такая живопись? По сути — в любых (исключение, пожалуй, только традиционный классический интерьер), но в особенности, в тех, где предполагается спокойное пребывание, где можно некоторое время посвятить только созерцанию произведения искусства. Это гостиные, спальни, или зоны ожидания в общественных местах — офисах, отелях.

Мы дадим несколько советов по выбору картин в жанре абстракция и покажем примеры из жизни.

Абстрактная геометрическая картина или «свободная»?

Что вам нравится больше — линии или свободные пятна? Проще всего будет определиться на примерах. На слайдах ниже мы чередуем линейную абстракцию с нелинейной.

Геометрическая абстракция, скорее, про организацию и порядок.

В ней чувствуется структура, взаимосвязь элементов, работа “от ума”. Во второй есть элемент спонтанности, работа художника почти не подвергается корректировке, он работает, скорее, на ощущениях.

Это очень грубое разделение. Это больше про впечатление от конкретного полотна. Геометрическая абстракция упорядочивает пространство, спонтанная — добавляет эмоций.

Яркие абстрактные картины или черно-белые?

Своим характером и цветом живопись может поддержать пространство, а может добавить в него контраст и, тем самым, подчеркнуть его особенности.

Монохромная абстракция — беспроигрышный вариант практически в любом интерьере. Цветная — более требовательна.

Абстракция как источник палитры интерьера

Абстракция может стать не только источником используемых в пространстве цветов, но и помочь определиться с его стилем.

У нас есть статья на эту тему — “Интерьер начинается… с картины!”

Но сейчас поговорим только о цвете. Вариант, когда вы создаете интерьер, отталкиваясь от произведения искусства, на практике встречается редко. Чаще всего происходит обратная ситуация — картина подбирается в готовое пространство. Но и в этом случае, конечно,  можно найти подходящие работы.

Ниже на слайдах — подборка фотографий реальных интерьеров, в которые стилисты подобрали живопись для фотосъемок проектов.
А на коллажах — примеры того, как картины могут вдохновить на создание дизайна интерьера.

Современные абстрактные картины — примеры

Мы выбрали несколько примеров использования абстракции для интерьера (все работы на фотографиях ниже проданы).

“Танец”, художник А. Петров

Сразу бросается в глаза, что абстракция как-будто вбирает в себя цветовую палитру интерьера. Пожалуй, единственная краска, которой в ней нет, — ярко зеленая. На самом деле, такое впечатление достигается от обратного: сначала стилист выбирает в комнату картину, потом «вытягивает» из нее цветовую палитру и именно в этих цветах подбирает декор. Достигается колористическое единство и равновесие.

Кроме того, линейная сетка композиции вторит геометрии полок шкафа и мягкой мебели с подушками (посмотрите, они также составляют ячеистую структуру).

“Verti_Go”, художник Д. Стрелков

Живопись и предметы декора играют главные роли в оформлении этой спальни. Покрывало и подушки сочных цветов, букет цветов в тон и золотистая, яркая по характеру “витражная” абстракция. Она не только собирает базовые цвета этой комнаты, но и повышает градус настроения. Это точно выбор жизнерадостного и энергичного человека.

“Приоритет красного”, художник К. Инал-Ипа

Попробуйте прикрыть картину рукой, либо представьте, что ее нет. Это невозможно! Правда же?! Цвета на максимум! Драйв, харизма, сила! Да, яркая мебель в сочетании с мраморной характерной панелью на стене формируют пространство, но искусство добавляет в него жизнь, душу.

Отметим несколько контрастов, которые добавляют “яркости” интерьеру — темный графитовый и красный цвета, перпендикулярное друг к другу направление “жирных” горизонталей (диван, живописные мазки) и вертикалей (мраморная панель, шторы, формы картины).

“Тёплые отношения”, художник К.

Инал-Ипа

Настроение этой спальни — умиротворяющее, правда? Такое ощущение достигается благодаря спокойным базовым цветам, мягкому пуфику, стеганому покрывалу и, конечно, же уютной абстракции с ее природной древесной палитрой.

Этому впечатлению даже “не мешает” строгость стеновых молдингов в классическом стиле и нарядность подвесных светильников.

Все эти интерьеры декорировали профессиональные стилисты. Но никто не запрещает вам испробовать эти же приемы самостоятельно на примере своей спальни или своей гостиной.

Ну, а чтобы лучше ориентироваться именно в абстрактном искусстве, рекомендуем прочесть очень полезную статью куратора нашей  галереи “Как отличить хорошую абстракцию от плохой?”.

Абстракция и реальность живописи — Михаил Гефтер

В ХХ веке происходили встречные процессы — наравне с механизацией окружающего мира происходило и одухотворение машин: личный автомобиль заменил коня и, расширив опыт тела, придал телесности прежде небывалую упругость. Ностальгия по жизни и живому вряд ли оправдана; и человек, несмотря на все успехи естественных наук, не стал исключительно физиологом. Современный физиолог, в тесных стенах лаборатории, превращен в крохотный вырез сетчатки, способный к считыванию экспериментальных данных, и это говорит о том, что наука утрачивает «взгляд трепетный и проницательный», заменяя его простым «отчетом» глаза. «Мир в общем смысле развертывается как зрелище или же постоянно прокручивается двумя параллельными бесформенными рядами, по две стороны шоссе», и сколь бы нас ни захватывало зрелище за ветровым стеклом автомобиля, мир для современного человека уже измерен расстояниями. Автомобиль тысячью невидимых нитей держит нашу жизнь.

Следует задуматься над тем, что большая часть автомобилей — седаны [1]. Пейзаж всякий раз проносится за окном, «то есть находится на расстоянии и заключен в рамку — отделен от вас волшебной поверхностью стекла, за которым все есть знак, включая эти движущиеся силуэты, “пробегающие” мимо нас, автомобили с их своенравной свободой, несущиеся нам навстречу». «Замечали ли вы, что только дети, которые еще не утратили биологическое ощущение (sens) мира, подлинно глядят через стекло, забывая, что они находятся в управляемом ковчеге». Ребенок буквально прильнул к окну, словно ему не ведома разделительная граница, отделяющая его собственное лицо от пейзажа. «Я не знаю более прекрасного символа открытия мира, чем страницы одного романа», в котором ребенок проник в заброшенный монастырь, забрался на большое дерево, чтобы выследить птицу, и вдруг, оказавшись под лучами нового света, оказался захвачен (envahi) самим пространством мира. «Дети среди нас, взрослых — посланники пейзажа в географическом пространстве».

«В искусстве вещи должны быть реальными и обволакивающими, потому что только реальное может затронуть нас своим существованием. Но предметы нашего мира все более идеальны. Все измерено, подсчитано и предсказано — даже сам человек, который готовит свою технократическую эволюцию в расчете на эпоху роботов, будущих рабов-королей», пока он не окажется на обломках этого мира.

Ни в коем случае не следует думать, что модернистская живопись просто «выражает» современного человека, «объединяя в общей абстракции интеллектуализацию искусства с символизацией мира». Все происходит иначе. Что бы ни думали слепцы суждений, модернистская, современная живопись — не интеллектуальная живопись. Как и всякая живопись, она просто пытается преодолеть взаимное отчуждение человека и мира. Но также она позволяет увидеть то, что и в наши дни, как и во все века, в действительности сообщается искусством.

В западной живописи с XIV по XIX век изображенный предмет опознается непосредственно, и благодаря нему весь мир повседневности оказывается надежно привязан к плоскости картины. Но этот предмет, мученик или нагая женщина, конь или богиня, плита или ковер, дан мне в виде образа. Он появляется в во-ображаемом пространстве картины как отражение в зеркале — предмет живописи никогда не правдив. Видение, основывающееся на образе и толкующее, что отличает этот живописный образ от образа фотографического, в том смысле, что он приукрашен для того, чтобы тешить взор, — такое видение разрушает саму живопись. Такое образное мышление не способно проникнуть вглубь произведения искусства. Необходимо живописное восприятие, отличающееся как от натуралистического, так и от образного. Такое восприятие понимает, что произведение искусства «рождается в специфическом жесте, который его и обосновывает».

Посмотрим в окно вниз на улицу. Мы увидим только шляпы и плащи, перемещающиеся по разным направлениям. При этом вы меня спросите: «Что я вижу?» Я отвечу: «Я вижу людей, идущих по улице». Получается, что все мои чувства — только указания на предметы? Теперь я смотрю на фотографию. Я различаю пятна света и тени. И все эти черноты и пробелы, как и вся гамма серого, сходятся напрямую в изображении человека, который уже не плоть и кость, но дан мне через материю этих реальных пятен как нереальный, воображаемый объект. Одним словом, дан мне в образе.

Но на предмете движение живописи не останавливается. Когда я всматриваюсь в портрет Карла VII кисти Фуке, то вижу не только те связи, которые нужны для обозначения Карла VII, но и избыточные связи, ничего не дающие для репрезентации, но добивающиеся точности того стиля, в котором выполнена картина. Венценосный образ возникает перед нами в определенном ритме элементов. Ритм налицо в каждом элементе, потому что каждый вносит свой вклад в форму, в ее совершенное присутствие во всем, происходящем на картине. Ритмом следует называть именно такой жест, который позволяет общаться с миром, впервые и возникающим в этом акте общения.

Следует обращаться и дальше к истории живописи, например, живопись Вермеера есть «световая экспансия форм в пространстве, наполненном неподвижным светом». «Жизнь на картине Вермеера показывает бытие, которое не есть вещь, но в котором мы реконструируем все вещи». У Тинторетто, художника жеста, «ритм-создатель» пляшет изнутри разрушения готовых форм. Настоящий великий художник в любую эпоху определенным образом открывает предмет в мире, секуляризуя его от себя самого; потому что нельзя удерживать у себя то, что должно быть оживлено стилем самого мира, в котором и развертывается жест художника.

Если ренессансные художники воскресили мифологический сюжет как жест, то Рубенс стал его убийцей. Рубенс учредил дионисийский стиль живописи внутри своих величественных композиций, которые следует считать современным продолжением античной сатирической драмы. Они предвосхищали ницшевское «Рождение трагедии», заставив классическую мифологию удерживаться только на человеческой реальности. Кто бы ни творил после Рубенса на мифологический сюжет, даже величайший Веласкес, он тотчас впадал в эту стихию человечности.

Поэтому и в наши дни художник не просто знает о живописи прошлой эпохи и соревнуется с ней, но бросает вызов всему прошлому: музей позволил ему ознакомиться со всей живописью мира. Действительный музей доступен любому из нас, но еще больше манит доступностью пополняющийся музей образов, всемирный музей фотографических репродукций, тот самый воображаемый музей, о котором много говорили Мальро и сюрреалисты.

Предмету живописи можно вернуть молодость, дав ему новую жизнь. Так, в музее Экс-ан-Прованса хранится эстамп XVIII века, на котором показана гора Сен-Виктор. Этот эстамп очень симпатичен и вполне запоминается зрителю. Но достаточно взглянуть в этом зале на картину Сезанна с изображением горы Сен-Виктор, как на эстамп уже невозможно смотреть. Сезанн исключил из своей картины все то, что в достатке было на эстампе, все эти деревья-камни-поля, преданные себе самим, унылой и тавтологичной истине своего места, оказались мертвыми клетками, жировыми отложениями реальности. Именно таким становится мир всякий раз, когда утрачивает свой внутренний облик: от него только и остается россыпь улик и сувениров.

Сравним какой-нибудь натюрморт Шардена и натюрморт Сезанна. Чем дальше, тем больше предмет выигрывает в стиле и в универсальной значимости и тем больше проигрывает в репрезентации содержания. При этом и там, и там — фрукты. Но сливы и груши Шардена — скорее «предметы», а яблоки Сезанна — скорее «вещи». Картина Сезанна позволяет нам общаться с дообъектной, феноменальной реальностью. Груши Шардена пребывают «в мире», они стремятся к молчаливому бытованию. Но яблоки Сезанна таковы, что сам мир стремится к ним, производя в них свое появление. Мир не дается нам, а появляется в нашем присутствии.

История живописи состоит из нарастающей мобилизации всех вещей мира, сквозящей через последовательность стилей. При этом простота предмета столь же последовательно исчезает. Как только прозаическое содержание начинает накладываться на стиль, искусство данной эпохи, данной культуры начинает вырождаться. Архаические греки имели тягу (мощь, власть, puissance) к реальной жизненности, которой уже нет в скульптурах высокой классики, подчиненных содержанию данного стиля. Пьеро делла Франческа приветствует нас с той высоты, к венцам которой только стремится Рафаэль. У первых мы встречаем ту силу существования, которой нет у вторых. Сперва предмет утверждается прежде всего ради себя самого, но потом мир-предмет все больше замещается стилем мира. Отход от абстракции — всякий раз точное совпадение с уходами от реальности.

 

Примечание

↑1. Мальдине использует термин

conduite intérieure для обозначения седана, «где водитель внутри».

Реферат выполнен по изданию: Maldiney H. Regard Parole Espace. Lausanne: L’Age d’Homme, 1974. © 1974, 1993. Реферируется начало главы «Ложная дилемма живописи: абстракция или реальность».

Абстракция и кубизм: наука — Наука и метод

Научное значение искусства; однажды мы уже подняли эту тему. Тогда мы затронули наиболее практические аспекты и фактически сосредоточились на перечислении научных придумок и изобретений, которые когда-либо сделали художники или люди, связанные в искусством. Сегодня вкратце речь пойдет о более отвлеченных категориях.

Абстракционизм

Мы не претендуем на статус эксперта в области разновидностей искусств и жанров живописи, однако зачастую понятие «абстракция» понимается не совсем правильно. В «быту», похоже, принято обозначать абстракцией все непонятное и непривычное, написанное на холсте и вставленное в раму. Вместе с тем абстракция — это латинское слово, обозначающее отвлечение. Абстракция распространяется на живопись как отвлечение от второстепенных и не существенных признаков предмета. Абстрактная живопись — это визуальное выявление и обобщение наиболее существенных особенностей изображаемого предмета, или группы предметов. Кроме того, абстрактная живопись способна дать иное видение предмета или явления, потому что концепция абстрактного искусства исходит из обобщения.

Абстрактная живопись существует самая различная:

Желто-красно-синее. Василий Кандинский, 1925.

Голгофа. Марк Шагал, 1912.

Что самое интересное, в отличие от абстракции научной, абстракцию художественную, а тем более живописную, можно увидеть, ощупать и сфотографировать.

Кубизм

Теория кубизма на самом деле глубже, чем кажется с первого взгляда, и она может быть крайне полезной в искусстве декоративно-прикладном. Теория кубизма исходит не из представления о действительности, а из того, что художник в этой действительности уловил. Кубисты сократили живописное пространство до двухмерной плоскости, устранив тем самым иллюзионизм и представляя объекты в виде геометрических тел. Кубизм отрицает основы Западной живописи, заложенные в эпоху Возрождения. Он свободно сочленяет плоскости и сопоставляет различные виды одного и того же объекта в одной плоскости, утверждая картину как самодостаточную сущность, независимую от внешнего мира.

Портрет доктора Тэо Марино. Альберт Глейзес, 1912.

Портрет Пикассо, Хуан Грис, 1912.

Кубизм не был бы нам интересен, если бы не стоящий за ним природный феномен. Мы уже упоминали в некоторых наших статьях об исследованиях орнаментов народов мира на архетипические моменты, наиболее интересный из которых динамическая симметрия.

Динамическая симметрия, или циркулярный ритм, впервые описывается итальянским математиком Фибоначчи (1170–1250) на основе наблюдений за ростом растений. Современный математик Джей Хембидж (его книга «Элементы динамической симметрии» была впервые опубликована в 1920 г.) наглядно подтвердил, что все искусства Древнего Мира основывались на геометрических законах и закрепляли принципы динамической симметрии. Хембидж, анализируя геометрические соотношения классической греческой вазы, утверждает, что она является естественным воплощением динамической симметрии.

Ирма Рихтер (историк, искусствовед, 1876-1956), проанализировав произведения искусства начиная с 15-го века до н.э., обнаруживает в них те же самые законы динамической симметрии. Особенное внимание Ирма уделяет керамическим объектам, сделанных посредством гончарного круга. Она улавливает связь формы объектов с тем, как происходит рост растений.

Симметрия: статьи по теме

Буржуйский абстракционизм

Сторонники туманной философии буржуйского абстракционизма, которые вечно пребывая в абстракциях, считают ниже своего достоинства делать анатомически верные рисунки, изучать человеческое тело.

Интересно, что не только общество, но и искусство вытекают из исторической закономерности. Появление некоторых жанров, форм изобразительного искусства отнюдь и носит случайного характера и не совершается по капризу. Возникновение новых форм визуального искусства происходит в силу исторической необходимости.

Тэг: Живопись

Картины «абстракция» кистью или мастихином

Стоимость мастер-класса зависит от размера холста:

30/40 см 2350 руб акрил / 2400 руб масло
40/60 или 50/50 см  2750 руб акрил / 2800 руб масло
50/70 см 3200 руб акрил / 3250 руб масло
форматы больше требуют работы в два дня:
60/80 см 4850 руб акрил / 4900 руб масло
80/100 см 5650 руб акрил / 5700 масло
100/120 см 7300 руб акрил / 7350 масло

*отдельно дополнительный день дорисовки будет стоить 1400 руб
**так же можно согласовать любой другой размер холста на ваш выбор и даже форму)
***картина маслом требует высыхания, лучше оставить её в студии на неделю, но можно аккуратно забрать домой

Удобную дату можно выбрать в расписании, эту тему мы рисуем в рамках мастер-класса: «Картины. Смешанные занятия»

Создавать картины для себя или в подарок, будоражущее, любопытное дело! Вы можете почувствовать себя настоящим художником, взяв в руки кисти, холст, краски и необычные материалы) На мастер классе вы попробуете разные техники, изучите работу с поталью и с помощью сочетания различных  материалов добьетесь «wow-эффекта»! Серебро, золото, бронза и подбор красок позволят вам развить фантазию.

Наш мастер подскажет, направит и вместе с ней создадите свою неповторимую интерьерную  абстракцию без каких либо навыков в живописи! Отпутсите себя, дайте волю чувствам, позвольте вылиться всем вашим эмоциям, пусть полотно будет харизматичным, живым, вдохновеным. В современном дизайне эти картины будут смотреться потрясающе.

Абстракцию каждый видит по-своему, но художник всегда пишет автопортрет! Какие цвета появятся на хослте, какие линии? Плавные переходы, подобные облакам или клубам дыма, или же дерзкие, яркие росчерки контрастных цветов. ..
Закройте глаза — какая она, ваша идеальная картина на пол стены или на всю стену?)) Где висит, как подчеркивает элементы дизайна квартиры, впишите ее в окружение, сделайте частью жизни, ведь это частичка вас во нешнем мире)

Максимальное количество участников: 6 человек
Предоплата обязательна! 
Для записи просто позвоните нам 8-913-396-21-06 или запишитесь онлайн:
 

в Кириллове открылась выставка современного искусства

В Народном доме Кириллова открылась выставка современного искусства, авторами которой стали вологодские художники Илья Оши, Миша Приём и Серафима Гулак.

Куратором проекта выступила член Союза художников России Ираида Копьева: «Эта выставка художников-абстракционистов могла бы свободно звучать в любой галерее Москвы. Знаете, реалистический пейзаж прячет от нас взгляд автора – мы не всегда читаем его эмоции или ход мыслей… И когда я вижу художников, которые пытаются что-то сделать в современной форме, всегда удивляюсь их мужеству и открытости, тому, что они не боятся показать свой внутренний мир, мысли и чувства такими, какие они есть».

Все полотна Ильи Оши, представленные в Народном доме, являются образами из оригинальных постановок. Ведь Илья – это не только художник, архитектор, но и режиссер-постановщик танцевальных спектаклей, номинант «Золотой маски», участник шоу «Танцы» на ТНТ и проекта «Танцуй» на Первом канале, со-руководитель мастерской танца «JAM».

«Я очень тесно связан с творчеством: режиссирую, хореографирую… Занимаюсь постановкой спектаклей, для которых оформляю декорации, создаю костюмы, образы… Многие из них находятся здесь, – рассказал Илья. – Мне нравится работать с коллажем – соединять в одном произведении разнородные элементы, собирать, клеить, подкрашивать… Я не разделяю направления творчества – танец и живопись, я сочетаю их».

Работы художника, каллиграфа, архитектора, дизайнера, типографа, федерального эксперта по работе со средой Миши Приёма Ираида Копьёва назвала «живописью природы»: «В его картинах я вижу и слышу звуки природы. Я выросла на Волге, а Заволжье – это огромные степи. Осенью они покрываются ковылем, и ковыль на ветру издает такой характерный звук… типа шелеста. Его очень трудно передать словами, но когда я вижу картины Миши Приёмышева, они вызывают у меня природные звуки».

Каждая картина Миши имеет свою особенную историю. «Диагональный диалог» был написан в Вологде, в Заречье… камышом! «Три реки» создавались на Сухоне, Вологде и Сямже. Ещё одну картину, представленную на выставке в Кириллове, Миша рисовал в горах Алтая, на Марсе (так называется то место).

«На машине переезжали с точки на точку. Я раскатывал холст и рисовал пейзаж. Я не классический пейзажист, не реалист. У меня пейзаж абстрактный, он выглядит как каллиграфические штрихи, – рассказал Миша Приём. – Мне интересно создавать произведения в контексте окружающей среды: города, улицы, пространства. Того места, где я нахожусь в определенный момент, ловя его импульсы».

Серафима Гулак работает художником в компании «Playrix», занимающейся разработкой компьютерных игр. «У неё ещё не определился творческий стиль. Серафима попробовала себя в текстиле, в абстрактной живописи, – отметила Ираида Копьева. – И уже сейчас видно, что у этой женщины хватит смелости заявить о себе в мире абстрактного искусства».

Скульптуры, инсталляции и полотна абстрактной живописи останутся в Народном доме Кириллова до 14 ноября.

Пост-живописная абстракция — HiSoUR История культуры

Пост-живописная абстракция — термин, созданный искусствоведом Клементом Гринбергом в качестве названия для выставки, которую он курировал в Музее искусств округа Лос-Анджелес в 1964 году, который впоследствии посетил Арт-центр Уокера и Художественную галерею Торонто.

Гринберг осознал, что в живописи появилось новое движение, основанное на абстрактном экспрессионизме 1940-х и 1950-х годов, но «благоприятствующее открытости или ясности», а не плотным живописным поверхностям этого стиля живописи. Среди 31 художника на выставке были Уолтер Дарби Баннард, Джек Буш, Джин Дэвис, Томас Даунинг, Фридель Джубас, Пол Фили, Джон Феррен, Сэм Фрэнсис, Хелен Франкенталер, Сэм Гиллиам, Аль Хельд, Эллсворт Келли, Николас Крушеник, Александр Либерман, Моррис Луис, Артур Фортескью Маккей, Говард Меринг, Кеннет Ноланд, Джулс Олицки, Рэй Паркер, Дэвид Симпсон, Альберт Стадлер, Фрэнк Стелла, Мейсон Уэллс, Эмерсон Вулффер и ряд других американских и канадских художников, которые стали широко известны в 1960-й года.

Характерной чертой пост-живописной абстракции была плоскостность: в более узком смысле расположение разметки, отделенное друг от друга, области чистого цвета на доминирующей поверхности рисования или пустое пространство само по себе, и, наконец, превышение предустановки с экрана пространство. Это в конечном итоге привело к уменьшению цветовой аналитико-геометрической окраски, как это можно найти в Hard Edge или в минимализме. Пост-живописная абстракция была типичной чертой американской живописи после 1945 года. В качестве определения короткой переходной фазы между абстрактным экспрессионизмом и живописью в цветовом поле термин в историко-художественной этимологии имеет лишь незначительное значение.

Среди предшествующего поколения современных художников Барнетт Ньюман был выделен как тот, кто ожидал «некоторых характеристик пост-живописной абстракции».

Поскольку живопись продолжала двигаться в разных направлениях, первоначально от абстрактного экспрессионизма, движимого духом инноваций того времени, термин «пост-живописная абстракция», получивший определенную популярность в 1960-х годах, постепенно вытеснялся минимализмом, жестким краевая живопись, лирическая абстракция и цветовая живопись.

Поделиться ссылкой:

• Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
• Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

«Абстрактная живопись (726)», Герхард Рихтер, 1990

Абстрактная живопись (726) 1990 — масштабный диптих немецкого художника Герхарда Рихтера, состоящий из двух соединенных частей холста и характеризующийся мерцающими горизонтальными формами. Как следует из названия, на картине нет четких изобразительных элементов, но в ее толстых слоях цвета, особенно выделяются белый, красный и ржаво-оранжевый, чувствуется размытость исходного образа.Работа также отмечена несколькими царапинами, в основном вертикальными, которые Рихтер сделал сквозь краску.

Рихтер объяснил, что он изменяет свои абстрактные картины «гораздо чаще, чем репрезентативные». Часто они оказываются совершенно не такими, как я планировал» (Николас Серота и Герхард Рихтер, «Мне нечего сказать, и я это говорю», Годфри и Серота, 2011, стр. 17). Фотография ранней версии Abstract Painting (726) , , сделанная в кельнской студии Рихтера (и воспроизведенная в Rainbird and Severne 1991, p.100), показывает его эволюцию от более чистой и яркой композиции к финальной, более мрачной и расплывчатой ​​образности. Первоначально работа состояла из четырех примерно ровных вертикальных полос: в трех преобладали разные оттенки красного, а одна окрашена в ярко-зеленый цвет, хотя присутствовали также синие и желтые полосы. Когда этот состав высох, Рихтер нанес на поверхность толстые мазки дополнительной краски, которые он нажимал, сжимал и царапал по плоскости изображения толстыми горизонтальными движениями, используя длинную деревянную линейку с резиновым краем.Перетаскивая краску по поверхности, Рихтер смог создать серую вуаль на преимущественно красном подшерстке, который местами все еще можно увидеть сквозь тонкие мазки.

Соскабливание и полосы краски в Абстрактная живопись (726) создают эффект, напоминающий фотографическое размытие. В этом отношении работа подтверждает неизменную приверженность Рихтера фотографическим изображениям. Переехав в 1961 году из Дрездена в Восточной Германии в Дюссельдорф в Западной Германии (где он учился в городской художественной академии), Рихтер начал создавать картины по фотографиям, практику, которую он продолжал развивать наряду со своими более откровенно абстрактными работами.

Размытие на этой картине вызвало дополнительные интерпретации. Куратор и критик Ричард Корк заявил, что Abstract Painting (726) имеет «сильное ощущение городской жизни» и рассматривает размытые формы как отражения, создаваемые «фигурами, зданиями и движением транспорта» на «залитой дождем улице» (Richard Cork). Корк, «Сквозь темное стекло: размышления о Герхарде Рихтере», в галерее Энтони д’Оффе, 1991, стр. 11–13). Акцент Корка на городской сцене, казалось бы, противопоставляет эту картину серии из четырех других работ под названием Forest , которые Рихтер также завершил в 1990 году, где подразумевается более сельская тема (воспроизведена в Rainbird and Severne, стр.101–4). Кроме того, Корк предполагает, что розовые лужи в верховьях Abstract Painting (726) предполагают «частично разбавленную кровь, оставшуюся после несчастного случая или даже, возможно, террористического акта» (Корк 1991, стр. 13). Это интерпретация, которая, наряду с сильными порезами на холсте, ставит картину в диалог с неоднозначными портретами банды Баадер-Майнхоф (западногерманская военизированная группировка, известная в 1970-х годах), которые Рихтер впервые выставил в феврале 1989 года.

Название этой работы мало указывает на возможные значения. Номер, который он включает, относится к положению картины в «рабочем списке» Рихтера — хронологическом порядке его художественного творчества, который он поддерживает с 1963 года.

Абстрактная картина (726) впервые была представлена ​​на выставке Герхард Рихтер: Зеркала в галерее Энтони д’Оффе в Лондоне в апреле 1991 года, где это была самая большая картина на выставке. Позже эта работа появилась на первой ретроспективе Рихтера в Соединенном Королевстве, которая началась в галерее Тейт в октябре 1991 года.Впоследствии он стал частью крупной выставки « Герхард Рихтер: Панорама », которая началась в Тейт Модерн в 2011 году и побывала в Новой национальной галерее в Берлине и Центре Помпиду в Париже.

Дальнейшее чтение
Герхард Рихтер: Зеркала , каталог выставки, Галерея Энтони д’Оффе, Лондон, 1991.100.
Марк Годфри и Николас Серота (ред.), Герхард Рихтер: Панорама , каталог выставки, Тейт Модерн, Лондон, 2011 г. , воспроизведено стр. 195.

Джо Эплин
Февраль 2014

При поддержке Christie’s.

Содержит ли этот текст неточную информацию или язык, который, по вашему мнению, нам следует улучшить или изменить? Мы бы хотели получить от Вас отзывы.

Новые казуалисты – Бруклинская железная дорога

Пионеры абстракции — кубисты, абстрактные экспрессионисты, минималисты — вышли из прочных и узнаваемых эстетических корней и разработали свою собственную философию.В конкурентном водовороте искусства 20-го века эти философии стали догмами, а догмы — откровенными манифестами. В новом веке многие художники-абстракционисты прощаются со всем этим дидактическим мышлением и излучают своего рода рассчитанную неуверенность. Рафаэль Рубинштейн в эссе Art in America 2009 года и на выставке живописи 2011 года, которую он курировал в Лондоне, назвал этот новый тип абстракции «временной живописью». Точно так же художник и критик Стивен Мейн сосредоточился на «зарождающемся образе» на выставке в марте 2011 года, которую он курировал в Lesley Heller. А бруклинская кураторская команда Progress Report (также известная как Крис Чаттерсон и Винс Контарино) представила свой обзор современной абстракции в Арт-центре Бронкс-Ривер под номером под рабочим названием . Все три ярлыка указывают на центральное место открытого предложения в современной абстракции.

Многие из самых интересных абстрактных работ, которые сегодня делают художники, отличаются продуманной, пассивно-агрессивной незавершенностью. Но подрыв закрытости — не единственный их приоритет.Они также питают более широкую озабоченность множественными формами несовершенства: не только незавершенным, но и нестандартным, откровенно небрежным, не совсем правильным. Идея состоит в том, чтобы отбросить четкие, но жесткие основы, полученные в художественной школе, и принять все, что кажется поддающимся визуальной интриге, включая неудачи. Художники используют метаподход, который относится не только к более ранним художественным историческим стилям, но и к самому процессу рисования. Эти самодовольные, но несерьезные художники отказались от строго структурированных предложений и последовательных стратегий предыдущих поколений в пользу игривых, непредсказуемых встреч.В работах таких художников, как Лорен Лулофф, Корди Райман, Эми Фельдман и Джо Брэдли, пронизана расслабленная небрежность, которая может сначала напомнить уроки рисования на втором курсе.

Если это звучит пренебрежительно, значит, так не должно быть. Переоценивая базовые элементы, такие как цвет, композиция и баланс, основываясь на старинных принципах Баухауза 1920-х годов, преподаваемых в каждом курсе 2-D Foundations, новые художники исследуют неизведанную территорию. Они ищут неожиданных результатов, а не красивых результатов.Разбивая наши ожидания о «хорошей живописи», такие художники, как Мартин Бромирски, Патрисия Триб, Патрик Бреннан, Джеред Спречер и Келти Феррис, бросили вызов их обоснованности и, таким образом, направили живопись в направлении, требующем другого взгляда. Если картина кажется паршивой , возможно, с плохо сконструированной опорой и дилетантским обращением с краской, посмотрите еще раз.

Некоторые художники сосредотачиваются на разработке стиля и тратят 20 лет на его совершенствование. Эти новые художники-абстракционисты, с другой стороны, беспокойны, их устремления менее интенсивны и более экспансивны.Такие художники, как Рошель Файнштейн и Крис Мартин (чье первое музейное соло откроется в Коркоране 18 июня) комбинируют в своих картинах нехудожественные материалы просто так, черт возьми, работают в разных масштабах, используют разные цветовые сочетания и экспериментируют необычными способами. нанесения краски. С меньшими затратами на оттачивание уникального визуального языка такие художники, как Кадар Брок, Ребекка Моррис и Жасмин Джастис, используют более ранние формы абстракции, как Раушенберг использовал найденные объекты. При этом нет места заламыванию рук по поводу оригинальности; просто предполагается, что это произойдет в результате синтеза и рекомбинации.А если нет, то разве это не так интересно?

В той мере, в какой новые художники-абстракционисты пользуются старыми тропами и методами с некоторой беззаботной легкостью, их можно назвать новыми казуалистами. Тем не менее, они не такие иконоборческие, как может показаться. В «Малевич и американское наследие », недавней выставке в Гагосяне, куратор Андреа Крейн пытается позиционировать суперптизм Малевича как прародителя минимализма. Но, на мой взгляд, мелкомасштабные причудливые абстракции Малевича имеют больше общего с новым казуализмом, чем строгий, в высшей степени утонченный минимализм Джадда, Стеллы, Келли и им подобных.Малевич считал, что в беспредметной живописи можно найти чистое чувство, а материализм может привести к «духовной свободе». И Малевича, и новых казуалистов, интуитивно подходящих к своей работе, не смущают нечеткие параметры или усеченные линии мысли. Подобно философам-математикам, разработавшим «нечеткую логику», новые казуалисты, как и супрематисты, стремятся приспособиться к миру, в котором часто нет ни чистой истины, ни ложности. В целом их больше интересуют вопросы и противоречия в искусстве, чем какие-либо окончательные ответы, которые оно может дать.

В Jason McCoy Стефани Симмонс курировала выставку «70 лет абстрактной живописи: отрывки », в которой содержится хороший обзор небольших работ более чем 40 художников. Выставка представляет собой убедительный исторический контекст для новой абстракции пост-Баухауза. Старые картины Джозефа Альберса, Джина Дэвиса, Джексона Поллока, Эла Хелда, Ман Рэя, Хедды Стерн, Ганса Хофманна, Леона Полка Смита и Фриделя Джубаса висят рядом с недавними работами Джима Ли, Джо Файфа, Роба Надо. , Шэрон Хорват, Кора Коэн, Гвенн Томас, Томас Нозковски и другие.Для большинства художников их повседневный опыт является фильтром, через который они фокусируют свои картины, вынашивая сразу несколько противоречивых идей. Хотя многие художники, представленные на выставке, также работают в больших масштабах, Симмонс выбрала работы небольшого размера, чтобы она могла как можно больше вписаться в выставку, не маргинализируя более мелкие произведения. Характерно, что небольшие картины, как правило, не являются этюдами для более крупных работ; скорее, сказала она мне, «работа в разных масштабах — это один из способов избежать шаблонного подхода.” 

Если новый казуализм не поддается оценке по традиционным критериям, как его следует оценивать? Здесь, пожалуй, минималисты уместны. Элсворт Келли однажды сказал: «Меня никогда не интересовала живописность… нанесение меток на холст. Моя работа — это другой способ увидеть и сделать что-то, что имеет другое применение». Новый казуалист вполне может сделать такое же общее утверждение. Но в то время как Келли хочет исключить личное из уравнения, казуалист считает, что изучение даже обыденных субъективных восприятий может привести к экстраординарным открытиям.Во многом новый подход к абстракции обязан женщинам-художницам 1970-х годов, таким как Элизабет Мюррей, Мэри Келли и Ри Мортон, которые, выступая против мачо-позерства минималистов, работали с интимной точки зрения, охватывающей грязные будни. деталь. Новые казуалисты адаптируют подобное отношение ко все более сложному, незнакомому и многозначному миру. Если зритель покидает выставку их картин, взволнованный их резкими сдвигами, их встречными течениями и их преднамеренным отсутствием формальной сплоченности, работа удалась.

Что было первой абстрактной картиной в истории

Вдохновить

История легендарного спора: кто создал произведение, которому суждено было навсегда изменить современное искусство?

Можно ли изобрести художественный стиль? Может быть, это индивидуальное творение? Личное изобретение? Одно имя, которое приходит на ум, когда мы говорим о рождении абстрактного искусства, неизбежно — Василий Кандинский. В 1935 году русский художник написал своему галеристу в Нью-Йорке немаловажное заявление: он создал первую абстрактную картину в истории искусства, произведение, созданное в 1911 году.«Действительно, это первая в мире абстрактная картина, потому что тогда ни один живописец не писал в абстрактном стиле. «Историческая картина», — писал художник.

Позже в обсуждении участвовала даже вдова Кандинского. В 1946 году, вскоре после смерти мужа, она отстояла его место как оригинального создателя абстрактного искусства. В споре участвовали и другие художники, некоторые из которых даже изменили даты своих работ, чтобы претендовать на заветное звание. Среди них были Робер Делоне, Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Казимир Малевич.

 

 

  Окно в город № 3 , Робер Делоне (1912).

В начале 20 века искусство приняло новое направление благодаря достижениям в области связи и транспорта. Поезда, пароходы и автомобили способствовали более быстрому распространению искусства и окружающей его культуры. Средства массовой информации и критические обзоры, которые они распространяли, сделали художественные произведения гораздо более «демократичными». Это была эпоха, когда возникли передвижные художественные выставки, практика, начатая итальянскими футуристами.И все это отразилось, как можно видеть, на том, что сегодня называют «правами на интеллектуальную собственность».

Искусствоведы долгое время утверждали, что Композиция V , одна из самых известных картин Кандинского, первой привлекла внимание широкой публики на выставке в Мюнхене в 1911 году. Эта картина, по мнению некоторых, сделали правдоподобной новую форму художественного представления. Любопытно, что манифест Кандинского « О духовном в искусстве» (1909 г.), заложивший основы идеологического развития абстракции (и из которого мы до сих пор можем извлечь некоторые ценные жизненные уроки), был написан до того, как художник абстрактные работы.То есть русский художник теоретизировал движение, прежде чем придать ему форму.

 

 

  Композиция V , Василий Кандинский (1911).

В то же время другие художники, по сути, завершали работы, которые теперь относятся к разряду «абстрактных». К ним относятся чех Франтишек Купка (чьи Amorpha , Chromatique chaude, и Amorpha, Fugue à deux coleurs были выставлены в Париже в 1912 г.) или Франсис Пикабиа, чья акварель Caoutchouc была завершена в 1912 г. 1909 год, до манифеста Кандинского.Бесспорно, дискуссия трудна, потому что можно сказать, что абстрактное искусство пришло в мир мало-помалу и незаметно. Прежде чем великие произведения могли быть классифицированы таким образом, а художники-абстракционисты могли идентифицировать себя как абстракционистов, уже существовали работы с элементами абстракции. Так обстоит дело со шведской художницей Хильмой аф Клинт. При жизни она была известна как портретистка и пейзажистка. Но с 1906 года (руководствуясь тем, что она назвала «духовными силами»), некоторые из ее картин были составлены из спиралей и явно абстрактных органических форм.

 

 

  Изначальный Хаос , Хильма аф Клинт (1906 г.).​

 

Попытка определить, какая абстрактная картина является первой (как и первые работы сюрреалистов или импрессионистов), во многом была бы праздной и бессмысленной задачей. Также важно спросить себя, действительно ли художественный стиль может быть «изобретен» человеком, или он может быть результатом коллективного и постепенного движения, состоящего из многих шагов и множества источников.Было бы неплохо вспомнить, что фотография проявлялась по крайней мере в трех местах одновременно, но именно Дагер сделал возможность проявления фотографий более успешной благодаря своему маловероятному тогда дагерротипу . Все-таки поиск достойный – поиск семени. Это путешествие, которое в данном случае проведет нас через произведения невероятной красоты и через творения, которые в конечном итоге изменят историю искусства на Западе.

 

Через: Художественный.

Абстрактная живопись, 1960-65 | Художественный институт Чикаго

Абстрактная живопись, 1960-65 гг.

Дата:

1960/65

Исполнитель:

Эд Рейнхардт
Американец, 1913-1967

Об этой работе

Статус

В настоящее время не отображается

Департамент

Современное искусство

Художник

Эд Рейнхардт

Название

Абстрактная живопись, 1960-65 гг.

Происхождение

Соединенные Штаты

Дата

1960–1965 гг.

Средний

Масло на холсте

Размеры

152. 4 × 152,4 см (60 × 60 дюймов)

Кредитная линия

Призовой фонд Эмили Л. Уайлд; по предварительному завещанию Маргариты С. Ритман; благодаря предыдущим дарам друзей американского искусства, а также мистера и миссис Картер Х. Харрисон; подарок Фонда Ланнан

Справочный номер

1997.163

Авторское право

© 2018 Estate of Ad Reinhardt / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Расширенная информация об этом произведении

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований. Чтобы помочь улучшить эту запись, пожалуйста, напишите по электронной почте. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

Изучение абстрактной живописи | Шарлотка ручной работы

Если вы читаете блог уже несколько лет, вы, вероятно, знакомы с нашей подругой и давним автором Мари Ричардс.Ее тщательно подобранные сообщения в блогах и сводки новостей доставляют удовольствие даже сейчас, годы спустя. Так что, хотя вы, возможно, уже знаете эту сторону творческого мышления Мари, мы рады поделиться с вами сегодня еще одной гранью ее дизайнерской работы: этими прекрасно нарисованными абстрактными произведениями искусства!

Эти новые картины отмечают ее возвращение в студию после нескольких месяцев болезни и выздоровления. Она вернулась к живописи как к месту исцеления и надежды! Они наполнены ее любимыми отметинами и цветами — успокаивающим голубым.Каждая вариация на тему надежды! В своей студии живописи она находит место для использования цвета, меток, слоев и текстур. Как она говорит: «В тот момент, когда я пытаюсь спланировать картину, она перестает работать». Вместо этого речь идет об интуиции, чутье и разговоре с краской перед ней.

Мы рады поделиться новостями о ее новой серии картин, которая стартовала только вчера! Каждая из десяти новых частей имеет размер 8 на 8 дюймов и доступна по цене 100 долларов США, включая доставку.И бонус — если вы один из первых двух заказов, вы также получите бесплатную мини-картину размером 4″ на 4″! Взгляните на коллекцию в магазине Мари на Etsy.

У нас также была возможность встретиться с Мари и задать ей несколько вопросов о том, чем она занимается в последнее время, что вдохновило ее на создание новых картин и многое другое!

Как вы начали заниматься дизайном?

Искусство всегда было большой частью меня. И я подумал, что здесь я останусь. Но моя первая работа после окончания колледжа была в магазине вывесок, и владелец предоставил мне все эти дизайнерские возможности.Оказывается, я люблю решать дизайнерские задачи, меня это зацепило! После этого я нашел свою первую работу в дизайне игрушек случайно – в газете с объявлениями о поиске помощи! Я сразу понял, что это то, что мне нужно, сочетая мои навыки рисования и воображение с решением дизайнерских задач.

Вы разрабатываете множество товаров для детей. Над какими вам больше всего нравится работать, а над какими сложнее всего?

Одна из лучших частей дизайна для детей — это задействовать ту часть меня, которая все еще остается ребенком.Так что мои любимые проекты — это те, которые нравятся и моему маленькому ребенку: куклы, воображаемые существа, игрушки с элементами головоломки. Самые большие проблемы обычно возникают у проектов с наименьшими ограничениями — когда клиент просто говорит, что ему нужны новые идеи. Но эти большие проблемы также сопровождаются удовлетворением от поиска идеальных творческих решений!

Как давно вы занимаетесь абстрактными картинами? Ощущается ли работа над ними по сравнению с другими вашими дизайнерскими работами, и если да, то как?

Официально рисую около двух лет.Хотя я рисовал в колледже и немного, когда мне было немного за двадцать. Затем я переключился на дизайн, и мой MFA сосредоточился на более широком подходе; в основном рисунок и скульптура. У меня всегда что-то в руках!

Некоторое время назад я обнаружил, что мне не нравится заниматься только дизайном. Само по себе это может сделать меня слишком сосредоточенным на рыночных решениях, результатах других людей, тенденциях образа жизни. Таким образом, живопись является противовесом. В моей студии я провел много времени, отказываясь от удовольствия других и пытаясь просто дать волю творчеству.Частью этого является отказ от результатов — такая противоположность дизайну! Этот выпуск позволяет мне просто погрузиться в то, что меня подпитывает: само творчество. .

Расскажите нам о вашей новой группе картин и о том, что их вдохновило.

Прошлый год был действительно тернистым путем исцеления после тяжелой вспышки хронического заболевания. Было несколько месяцев, когда у меня просто не было сил ни умственных, ни физических, чтобы рисовать. Возвращение в студию и создание этих новых картин было актом надежды! Живопись помогла мне вернуться к своему центру, к тому, что делает мою жизнь моей жизнью.Удивительно, как много значат простые удовольствия, когда ты их теряешь. Эти картины — моменты, когда я начал собирать кусочки вместе, находить надежду, спокойствие и облегчение.

Какой совет вы можете дать читателям, которые проходят через исцеление и ищут радость в творчестве?

Создайте сначала для себя. Это может означать, что вы никому не показываете, чем занимаетесь. Вы можете сохранить его только для вас, как вы это чувствуете. Вы можете буквально выбросить его, когда закончите — сначала наслаждайтесь процессом, а не конечным результатом. Я месяцами никому не показывал то, что рисую, пока не убедился, что показываю просто для того, чтобы поделиться, а не для того, чтобы найти одобрение или признание. Слушайте то, что вам нравится, пробуя множество разных вещей. Даже если они кажутся глупыми или непродуктивными. Найдите наставников или вдохновителей. Есть несколько замечательных онлайн-ресурсов от других художников — творческие упражнения и мастер-классы, которые помогут вам раскрыть свою творческую сторону. Я лично обнаружил, что начало с короткой медитации и свечей помогает мне обрести покой и исцеление, пока я рисую.В конце концов, я думаю, что исцеление приходит от отпускания и нахождения радости в игре и слушании своего внутреннего творческого «я».

Подпишитесь на ежемесячный информационный бюллетень Mari, чтобы получать обновления, срочные распродажи и эксклюзивные закулисные материалы. И если вы еще не подписаны на Мари в Instagram, чтобы быть в курсе всех ее последних творческих приключений.

Парижское обозрение.

Первым художником-абстракционистом была женщина

Хильма аф Клинт, Группа IX/SUW, Лебедь, No.17 , 1915

В 1905 году шведская художница Хильма аф Клинт начала очищать себя, готовясь к серии работ, которые должны были быть выполнены по указанию некоего Амалиэля. Более века спустя эти картины заставят переписать историю абстракции. Согласно записям, оставленным художником, Амалиэль была одним из нескольких духов-проводников, которые говорили с ней сверху (и внутри), наставляя ее и даже ведя за руку. При жизни по велению духов аф Клинт создала более тысячи работ, но в основном они оставались в пределах ее мастерской.Несмотря на то, что она работала коммерческим художником, рисуя портреты и пейзажи, она выставила лишь несколько созданных ею абстрактных картин и рисунков. Она переживала, что мир не готов их увидеть, и когда она погибла в трамвайной катастрофе в 1944 году в возрасте восьмидесяти одного года, ее волей было предопределено, чтобы их не показывали еще как минимум двадцать лет.

Желание Аф Клинт исполнилось, а потом и кое-что. Она оставалась неизвестной до 1986 года, когда ее включили в выставку «Духовное в искусстве: абстрактная живопись 1890–1985» в Художественном музее округа Лос-Анджелес.Я впервые столкнулся с ее искусством на Гамбургском вокзале в Берлине в 2013 году во время передвижной ретроспективы, которая началась в Музее современного искусства в Стокгольме. Ряд ее тайно сделанных картин были показаны там впервые почти через семьдесят лет после ее смерти. Теперь, наконец, пять лет спустя, американское учреждение проводит первую крупную выставку работ Аф Клинт в США. ее картин и рисунков и семь ее записных книжек.

Василий Кандинский долгое время считался родоначальником абстракции, но, как ясно показывают выставки работ Клинта, ее абстрактные картины старше его на несколько лет. «Начиная с 1906 года, то есть почти за шесть лет до того, что считается датой открытия абстрактной живописи, — писал Паскаль Руссо в каталоге, сопровождавшем берлинскую выставку, — Хильма аф Клинт, живущая вдали от оси современности (Париж /Мюнхен/Милан), писал абстрактные, иногда монументальные произведения.

 

Хильма аф Клинт, Группа X, № 1, Алтарь , 1915

 

Аф Клинт создала свою центральную часть работы «Картины для храма» между 1906 и 1915 годами. Она состояла из нескольких подсерий и насчитывала в общей сложности почти двести работ. В первых ста одиннадцати картинах, созданных между 1906 и 1908 годами, аф Клинт представляла себя просто каналом, рука которого двигалась без ее воли. Игривые и образные, ранние работы, такие как в основном желто-синяя группа «Первобытный хаос» с улитками, спиралями и буквами «uw» (она объяснила, что «u» означает духовное, а «w» — духовное). материи) — в значительной степени опираются на символизм ее духовных верований.Галерея-ротонда Гуггенхайма позволяет сначала внимательно рассмотреть эти небольшие работы, написанные маслом на холсте, которые выставлены рядом на двух ярусах, а затем, когда вы поднимаетесь по спирали, открывается панорама всей работы.

К моменту прихода аф Клинт в «Десятку крупнейших» (точнее, в октябре 1907 года) она уже избавилась от духовных мотивов. Ее приказы для этой группы были такими: «Должны были быть написаны десять райских прекрасных картин; картины должны были быть в цветах, которые были бы образовательными, и они раскрывали бы мне мои чувства экономичным способом… Это было значением лидеров, чтобы дать миру представление о системе четырех частей в жизни человека.Они называются детство , юность , мужественность и старость. ». В результате получилась серия больших, жизнерадостных и воздушных полотен около десяти футов высотой, раскрашенных яркими красками и украшенных завитушками, спиралями, формами цветов, органическими элементами и словами, написанными крупным курсивом. Эти работы, выставленные вдоль входа в музей Гуггенхайма, кажутся свежими, проецируя как решительные амбиции, так и отступнический свободный дух, пролитый прямо на картины без сдерживания.Несмотря на их детские цвета, они мастерски выполнены.

 

Хильма аф Клинт, «Группа IV, Десять крупнейших»,  № 7 , Взросление, 1907 

 

Аф Клинт, в конце концов, был художником по образованию. Она родилась в 1866 году, рано проявила художественный талант и была отправлена ​​учиться в Королевскую академию изящных искусств в Стокгольме. Неясно, как мало или как много аф Клинт взаимодействовала с ведущими художниками своего поколения и в какой степени они находились под их влиянием или оказывали на нее влияние.Много лет она не могла путешествовать, потому что ухаживала за своей овдовевшей матерью. Мы знаем, что ее мастерская находилась в том же здании, где проходила выставка Эдварда Мунка, и что она участвовала в одной выставке с Кандинским.

Однако по большей части кажется, что аф Клинт работал в уединении. Похоже, она была серьезным и сдержанным человеком. На ее фотографиях в молодости ее волосы аккуратно собраны в пучок, а воротник застегнут на высокие пуговицы и стянут брошью.На более поздних изображениях также изображена строго одетая, но уже седеющая женщина. И все же, хотя она выглядела консервативной, аф Клинт был самым радикальным.

В 1908 году она создала серию минималистичных авангардных абстракций под названием «Семиконечные звезды». На светлом фоне эти работы изображают только линии синего, красного и желтого цветов, которые образуют форму цветка, круга или спирали.

В 1915 году ее работы превратились в строгие геометрические абстракции. Согласно берлинскому каталогу, «теперь она могла влиять на произведения в большей степени, чем раньше.Ее рука больше не направлялась, вместо этого ее вдохновляли слова и образы, которые она воспринимала внутри себя». Красная картина, похожая на мишень, и другая с белым кругом, показывающим малейшее движение цвета на фоне черного, имеют ту же резкость, что и культовый «Черный квадрат на белом фоне» Малевича, также написанный в 1915 году. «Проект Амалиэль» завершился тремя « Алтари», которые, как следует из их названия, наполнены мистической геометрией. В Гамбургском вокзале они занимали отдельную затемненную комнату, что подчеркивало их оккультистскую ауру; в Гуггенхайме они разделены на части и каждый установлен на своей стене, и их грандиозность немного притупляется.

 

Хильма аф Клинт, Без названия , 1920

 

Увлеченность Аф Клинт спиритизмом, который был весьма популярен среди буржуазии, вполне соответствовала ее времени. Работы Чарльза Дарвина, наряду с достижениями науки и техники, повернули людей к более эзотерическим системам верований, которые давали утешение перед лицом все более перевернутого и материалистического мира.

Подобно Кандинскому и другим пионерам абстрактного искусства, аф Клинт был глубоко погружен в теософию и антропософию.Но она, похоже, зашла в этом интересе гораздо дальше, чем ее коллеги-мужчины, участвуя (а позже и руководя) в сеансах с группой подруг. Что бы ни говорили духи, аф Клинт делал.

С помощью работ, которые она создала в своих сообщениях, аф Клинт надеялась просветить других об их среде и неотъемлемых связях между жизнью на микро- и макроуровнях. В 1908 году она познакомилась с Рудольфом Штайнером, в то время влиятельным австрийским философом и эзотериком. Она пыталась заинтересовать его своими картинами, но тщетно.Встреча со Штайнером уничтожила все ее надежды показать свои работы публике, и она перестала рисовать на добрых четыре года. Но в конце концов она нашла дорогу обратно. В 1922 году она снова обратилась к акварели. Все образы растворились в пятнах и кровотечениях, а оккультные отсылки исчезли.

В то время как абстрактные работы аф Клинт оставались малоизвестными на протяжении всей жизни художницы и несколько десятилетий спустя, ее семья признала ценность ее работ и сформировала фонд, чтобы сохранить ее искусство и существенные памятные вещи, которые задокументировали мысли художника.Сначала возглавляемый племянником аф Клинт, а теперь под руководством ее внучатого племянника, фонд предоставил произведения искусства как для европейской ретроспективы, так и для американской. В дополнение к своей выставке музей Гуггенхайма предлагает совершенно новый каталог. В предисловии Ричард Армстронг, директор музея, отмечает, что эта давно назревшая выставка «представляет собой важную и своевременную переоценку возникновения абстракции, выдвигая на первый план фундаментальные вопросы о том, какие факторы повлияли на ее формирование, как мы представляем ее развитие, и кто является неотъемлемой частью этого все еще развивающегося повествования. Это, несомненно, Хильма аф Клинт.

 

Хильма аф Клинт: «Картины будущего» будет выставлена ​​в Музее Гуггенхайма с 12 октября 2018 г. по 23 апреля 2019 г.

Нана Асфур — редактор New York Times и бывший искусствовед.

произведений по жанру: Абстракция — WikiArt.org

Жанр

Жанровая система делит произведения искусства в соответствии с изображаемыми темами и объектами.Абстрактный жанр в узком смысле не имеет ни темы, ни предмета. Абстракция не входила в классическую иерархию жанров , сложившуюся в европейской культуре к XVII веку. Он ранжировал жанры по высоким – история живописи и портрета, — по закону – жанровой живописи, пейзажу и натюрморту.

Как отдельный жанр абстрактная живопись появилась в начале 20 века, хотя фактически она зародилась вместе с фигуративной живописью. Палеолитическая наскальная живопись в пещере Шове была создана около 36 тысяч лет назад, и здесь изображения носорогов и бизонов соседствуют с абстрактными линиями и точками, которыми покрыты своды пещеры.В кельтском искусстве, расцветшем в 10—5 вв. до н. э., чрезвычайно популярны были орнаменты из совершенно абстрактных мотивов (узлы, спирали). С VII века распространение ислама (и его теологический запрет на изображение человека) инициировало активное развитие каллиграфии, сопровождаемой растительным или чисто геометрическим орнаментом.

В середине 19 века, с появлением фотографии, реалистическое искусство исчерпало свои возможности. Как раз в это время романтик Уильям Тернер создал пристани, где объект почти не различим в монохромных оттенках цвета.Возобновил это направление импрессионист Клод Моне: в 20 веке он писал почти абстрактные работы из серии «Кувшинки», где предмет практически растворялся в свете и цвете. В аналитическом кубизме Пикассо и Брака объект «рассыпался» на отдельные грани; натюрморты такого рода соседствовали и с чистой абстракцией.

Но только Абстрактное Искусство, в 20 веке полностью отказалось от реализма, сознательно отказавшись от миметического (подражательного) подхода к искусству.Картина перешла от создания иллюзии глубины (перспективы) к подчеркиванию плоскостности холста. Образ намеренно стал беспредметным, нерепрезентативным, построенным на сочетании цветов и абстрактных форм. В начале 20 века это направление реализовывалось в двух основных направлениях. Первая проявилась в биоморфных (органических) абстракциях Кандинского, а затем получила развитие в сюрреалистических абстракциях Жоана Миро и Жана Арпа, в абстрактных пейзажах Ива Танги, в скульптурах Генри Мура.Второй курс — геометрические (элементарные) абстракции Малевича; он использовал простые геометрические формы (квадраты, круги, треугольники, ромбы) и возобновился в неопластицизме Тео ван Дусбурга и Пита Мондриана, в конструктивизме Александра Родченко и Любови Поповой, в орфизме Роберта и Сони Делоне, в оп-арте Виктора Вазарели. .

В середине 20 века абстрактный экспрессионизм сделал еще один шаг вперед, полностью отказавшись от всех форм. В живописи акцент был сделан исключительно на выразительных свойствах цвета, использованных в спонтанных потеках и пятнах на работах Джексона Поллока или в огромных монохромных плоскостях Марка Ротко.В результате, сводя живопись к физическому присутствию краски на холсте, абстрактные работы этих художников показывают нам, что разделение между фигуративным и нефигуративным искусством просто условно. С одной стороны, никакая картина не может быть совершенно лишена предмета, и ни одна картина не может говорить исключительно о себе; оно всегда отсылало бы зрителя к внешней реальности (например, через ассоциации). С другой стороны, любая картина абстрактна — ведь любое изображение было бы результатом процесса абстракции, когда художник отделяет существенные качества предмета от упускаемых.Кроме того, даже самая реалистическая картина (как и абстракция) — это всего лишь набор цветовых пятен и линий, нанесенных на холст.

No related posts.