Барокко это кратко: Коротко о стилях: Барокко

Нарышкинское барокко — это… Что такое Нарышкинское барокко?

Нарышкинский стиль (также Нарышкинское или Московское барокко) является условным названием специфического стилевого направления в русской архитектуре конца XVII — начала XVIII вв., начального этапа в развитии архитектуры русского барокко. Своим названием архитектурное течение обязано молодому, прозападноориентированному боярскому роду Нарышкиных, в чьих московских и подмосковных имениях были построены церкви с некоторыми элементами нового для России того времени стиля барокко.

Главное значение нарышкинского стиля состоит в том, что именно он стал связующим звеном между архитектурой старой патриархальной Москвы и новым стилем (петровским барокко), возводимого в европейском духе Санкт-Петербурга^[1]. Существовавший одновременно с нарышкинским, более близкий к западноевропейскому барокко голицынский стиль (здания, возведённые в нём иногда причисляют к нарышкинскому стилю либо используют для них обобщённое понятие «московское барокко») оказался лишь эпизодом в истории русского барокко и не смог сыграть подобной важной роли в истории русского зодчества.

Название

Успенский собор на Покровке, в Москве

Название «нарышскинский» закрепилось за стилем после пристального изучения в 1920-е гг. Церкви Покрова, построенной в принадлежащих в конце XVII в. Нарышкиным Филях^[2]. С тех пор нарышкинскую архитектуру иногда называют «нарышкинским», а также, учитывая основной район распространения этого явления, «московским барокко». Однако возникает определённая сложность при сопоставлении этого архитектурного направления с западноевропейскими стилями, и связана она с тем, что стадиально соответствуя раннему возрождению, нарышкинский стиль со стороны формы не поддаётся определению в категориях, сложившихся на западноевропейском материале, в нём присутствуют черты как барокко, так и ренессанса и маньеризма. В связи с этим предпочтительнее использовать имеющий длительную традицию употребления в научной литературе термин «нарышкинский стиль»

[3].

Предпосылки к возникновению

В XVII в. в русском искусстве и культуре появилось новое явление — их обмирщение, выражавшееся в распространении светских научных знаний, отходе от религиозных канонов, в частности, в зодчестве. Примерно со второй трети XVII в. начинается формирование и развитие новой, светской культуры.

В архитектуре обмирщение выражалось прежде всего в постепенном отходе от средневековых простоты и строгости, в стремлении к внешней живописности и нарядности. Все чаще заказчиками строительства церквей становились купцы и посадские общины, что играло важную роль в характере возводимых построек. Был возведён ряд светски нарядных церквей, что однако не находило поддержки в кругах церковных иерархов, которые сопротивлялись обмирщению церковного зодчества и проникновению в него светского начала. Патриарх Никон в 1650-е годы запретил строительство шатровых храмов, выдвинув взамен традиционное пятиглавие, что способствовало появлению ярусных храмов.

Однако влияние светской культуры на русское зодчество продолжало усиливаться, в него также фрагментарно проникали некоторые западноевропейские элементы. Однако после заключения Россией Вечного мира с Речью Посполитой в 1686 г. это явление приобрело больший размах: установившиеся контакты способствовали масштабному проникновению польской культуры в страну. Это явление не было однородным, поскольку тогда восточную окраину Речи Посполитой населяли близкие по культуре, православные украинский и белорусский народы, и часть культуры, в том числе и сугубо национальных элементов, заимствовалась от них

[4]. Соединение особенностей различных стилей и культур, а также определённое «переосмысление» их русскими мастерами и определило специфичный характер нового возникнувшего архитектурного направления — нарышкинского стиля.

Особенности

Церковь Бориса и Глеба в Зюзине, Москва

Нарышкинскоий стиль сочетает в себе черты русской архитектуры с элементами центральноевропейского, прежде всего, украинского барокко, элементами «больших» европейских стилей, таких как ренессанс и маньеризм, чертами белорусских ремесленных промыслов, прежде всего, израцового дела. Основным источником заимствований служила расположенная за западными рубежами России Речь Посполитая

[5]. Таким образом, на российской почве возник достаточно самобытный стиль, который, будучи основанным в значительной степени на национальных традициях зодчества, органично вписывался в местную архитектуру того времени, привнеся в то же время в строительное искусство России новые черты. Стиль стал весьма произвольной адаптацией барокко для России, в отличие от построек петровского барокко.

Лучшими образцами нарышкинского стиля считаются появившиеся центрические ярусные храмы, хотя параллельно с этой новаторской линией возводилось множество традиционных, бесстолпных, перекрытых сомкнутым сводом и увенчанных пятью главами церквей, обогащённых новыми архитектурными и декоративными формами

[6] — прежде всего, заимствованными из западноевропейской архитектуры элементами ордера, обозначившими тенденцию перехода от средневековой безордерной к последовательно ордерной архитектуре^[7]. Для нарышкинского стиля также характерна двуцветность сочетания красного кирпича и белого камня, использование полихромных изразцов, позолоченной деревянной резьбы в интерьерах, следующих традициям «русского узорочья» и «травяного орнамента». Сочетание красных кирпичных стен, отделанных белым камнем или гипсом было характерно для зданий Нидерландов, Англии и Северной Германии.

Построенные в нарышкинском стиле здания нельзя назвать подлинно барочными в западноевропейском понимании^[8]. Нарышкинский стиль в своей основе — архитектурной композиции — оставался русским, и только отдельные, зачастую едва уловимые элементы декора заимствовались из западноевропейского искусства. Так, композиция ряда возведённых церквей противоположна барочной — отдельные объёмы не сливаются в единое целое, пластично переходя друг в друга, а поставлены один на другой и жёстко разграничены, что соответствует принципу формосложения, типичному для древнерусского зодчества. Иностранцами, равно как и многими россиянами, знакомыми с западноевропейскими образцами барокко, нарышкинский стиль воспринимался как исконно русское архитектурное явление.

Постройки

Одни из первых построек в новом стиле появились в московских и подмосковных имениях боярской семьи Нарышкиных (из рода, которых происходила мать Петра I, Наталья Нарышкина), в которых были возведены светски-нарядные многоярусные церкви из красного кирпича с некоторыми белокаменными декоративными элементами (яркие примеры: Церковь Покрова в Филях, 1690—93 гг. , церковь Троицы в Троице-Лыкове, 1698—1704 гг.), которым свойственны симметричность композиции, логичность соотношений масс и размещения пышного белокаменного декора, в котором свободно истолкованный ордер, заимствованный из западноевропейской архитектуры, служит средством зрительно связать многосоставный объём постройки.

«Церковь Покрова в Филях… — лёгкая кружевная сказка… чисто московская, а не европейская красота… Оттого-то стиль московского барокко имеет так мало общего с барокко западноевропейским, оттого он так неразрывно спаян со всем искусством, непосредственно ему на Москве предшествовавшим, и оттого для каждого иностранца так неуловимы барочные черты… Покрова в Филях или Успения на Маросейке, кажущихся ему совершенно такими же русскими, как и Василий Блаженный».

Игорь Грабарь, русский искусствовед

Церковь Покрова в Филях построена по принципам формосложения, типичным для русской архитектура XVII в., представляя собой ярусный пятиглавый храм, в котором жёстко разграниченный объёмы колокольни и церкви расположены на одной вертикальной оси, так называемый восьмерик на четверике. Четверик, окружённый полукружиями апсид — собственно сама церковь Покрова, а расположенный выше, на следующем ярусе, восьмерик — церковь во имя Спаса Нерукотворного, перекрытая восьмилотковым сводом^[9]. На нём возвышается ярус звона, выполненный в форме восьмигранного барабана и увенчанный ажурной позолоченной гранёной главой-луковкой, в то время как оставшиеся четыре главы завершают апсиды церкви. У основания церкви расположены гульбища, окружающие церковь просторные открытые галереи. В настоящее время стены храма выкрашены в розовый цвет, подчёркивающий белоснежные декоративные элементы постройки.

Аналогичные черты имеет полностью белоснежная церковь Троицы, расположенная в другой усадьбе Нарышкиных, Троице-Лыково, и возведенная Яковом Бухвостовым. С именем это крепостного по происхождению зодчего связаны и многие другие постройки в нарышкинском стиле^[10]. Показательно, что в постройках Бухвостова присутствуют элементы намеренно введённого западноевропейского ордера (соответствующая терминология используется и в подрядной документации), однако применение им ордерных элементов отличается от принятого в европейской традиции: главным несущим элементом, как и в древнерусской архитектурной традиции, остаются стены, почти исчезнувшие из виду среди многочисленных элементов декора.

Ещё одним выдающимся строением в нарышкинском стиле являлась построенная крепостным зодчим Петром Потаповым для купца Ивана Матвеевича Сверчкова тринадцатиглавая Успенская церковь на Покровке (1696—99 гг.)^[11], которой восхищался Бартоломео Расстрелли-мл., а Василий Баженов ставил её в один ряд с храмом Василия Блаженного. Церковь была настолько живописна, что даже Наполеон, распорядившийся взорвать Кремль, выставил возле неё специальную охрану, дабы она не была поражена начавшимся в Москве пожаром^[12]. До настоящего времени церковь не дошла, поскольку была разобрана в 1935—36 гг. под предлогом расширения тротуара.

Меншикова башня возле Чистых прудов

В традициях нарышкинского стиля были перестроены многие церкви и монастыри, что отразилось, в частности, на ансамблях Новодевичего^[13] и Донского монастырей, Крутицкого подворья в Москве. В 2004 г. комплекс Новодевичего монастыря был внесён в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО, в том числе, в качестве «выдающегося образца так называемого „московского барокко“» (критерий I), а также как «выдающийся пример исключительно хорошо сохранившегося монастырского комплекса, детально отображающий „московское барокко“, архитектурный стиль конца XVII в. » (критерий IV)^[14]. В монастыре сохранены стены и ряд церквей, построенных либо перестроенных в нарышкинском стиле.

В архитектуре Петербурга начала XVIII в. нарышкинский стиль не получил дальнейшего развития. Однако между нарышкинской архитектурой и петровским барокко Петербурга первой четверти XVIII в. существует определенная преемственность, характерными примерами которой являются здания служившей для светских нужд Сухаревской башни (1692—1701 гг.) и церкви Архангела Гавриила или Меншиковой башни (1701—07 гг.) в Москве^[15]. В основу композиции Меншиковой башни, построенной зодчим Иваном Зарудным на Чистых прудах в Москве для ближайшего сподвижника Петра I, князя Александра Меншикова, положена традиционная схема, заимствованная из украинской деревянной архитектуры — несколько уменьшающихся кверху поставленных друг на друга ярусных восьмигранников.

Нельзя не отметить, что создании архитектуры нарышкинского барокко, в отличие от петровского, отметились в основном русские мастера, что, безусловно, и определило специфичный характер построенных зданий — они представляли собой в большой степени древнерусские по характеру конструкции здания с заимствованными из западноевропейского зодчества деталями, как правило, носившими лишь декоративный характер.

Значение для русской архитектуры

Нарышкинский стиль наиболее сильно сказался на облике Москвы, но он также оказал большое влияние на развитие всей архитектуры России в XVIII в., будучи связующим элементом между архитектурой Москвы и строящегося Санкт-Петербурга. Во многом именно благодаря нарышкинскому стилю был сформирован самобытный образ русского барокко, что особенно отчётливо проявилось в его позднем, елизаветинском периоде: в шедеврах Бартоломео Растрелли-мл. черты московского барокко соединяются с элементами итальянской архитектурной моды того времени, во внешнем убранстве таких московских барочных зданий, как храм Святого Климента (1762—69 гг., арх. Пьетро Антони Трезини либо Алексей Евлашев), Красные ворота (1742 г., арх. Дмитрий Ухтомский) также видны черты нарышкинской архитектуры, прежде всего, характерное для неё сочетание красного и белого цветов в отделке стен.

Позднее, уже в конце XIX в. нарышкинская архитектура, многими воспринимая к тому времени, как типично русское явление, оказала определённое влияние на формирование так называемого псевдорусского стиля.

Список построек

В данном списке в хронологическом порядке перечислены наиболее известные постройки, созданные в нарышкинском стиле.

Дата постройки	Постройка	Архитектор	Местонахождение
1686	Борисоглебский собор	предположительно Яков Бухвостов	Рязанская область, г. Рязань, Трубежная ул., 9
ок. 1688	Церковь Бориса и Глеба в Зюзине	—	Москва, Перекопская ул., 7
1685—87	Церковь Успения Богородицы в Новодевичьем монастыре	—	Москва, Новодевичий пр., 1С1
1683—88	Покрова Пресвятой Богородицы в Новодевичьем монастыре	—	Москва, Новодевичий пр. , 1С1
1688—89	Церковь Святого Духа в Солотчинском монастыре	предположительно Яков Бухвостов	Рязанская обл., Рязанский район, пос. Солотча
1691	Церковь Знамения на Шереметьевом дворе	—	Москва, Романов пер., 2 (во дворе)
1691	Церковь Смоленской иконы Богоматери в Софрине	—	Московская область, Пушкинский район, село Софрино.
1693	Церковь Св. Сергия в Могутове	—	Московская область, Наро-Фоминский район, село Могутово.
1692—95, разр. в 1934	Сухаревская башня	Михаил Чоглоков	Москва, в районе перекрестка Сухаревской пл. и проспекта Мира
1690—96	Покровская надвратная церковь в Высоко-Петровском монастыре	—	Москва, ул. Петровка, 28
1693—96	Церковь Покрова в Филях	—	Москва, Новозаводская ул., 6
1696	Церковь Живоначальной Троицы в Хохлах	—	Москва, Хохловский пер., 12
1696	Церковь Михаила Архангела в Станиславле	—	Московская область, Ленинский район, село Станиславль.
1690—97, разр. в 1941	Надвратный храм Новоиерусалимского монастыря	Яков Бухвостов	Московская область, Истринский район, г. Истра, на территории сегодняшнего «Историко-архитектурного и художественного музея „Новый Иерусалим“»
1694—97	Спасская церковь в Уборах	Пётр Шереметев, Кузьма Бакров, Яков Бухвостов[16]	Московская область, Одинцовский район
1684-98	Большой собор Донской иконы Божией Матери в Донском монастыре	—	Москва, Донская пл. , 1
1698	Надвратная церковь Иоанна Предтечи в Солотчинском монастыре	—	Рязанская обл., Рязанский район, пос. Солотча
1693—99	Успенский собор Рязанского кремля	Яков Бухвостов	Рязанская область, г. Рязань, Кремль, «Рязанский историко-архитектурный музей-заповедник»
1696—99, разр. в 1935—36	Церковь Успения Пресвятой Богородицы на Покровке	Пётр Потапов	Москва, ул. Покровка, рядом с д. 5 (бывший дом причта церкви)
1702	Церковь Троицы в Конобееве	—	Московская область, Воскресенский район, село Конобеево.
1693—1703	Церковь Архангела Михаила в Тропарёве	—	Москва, просп. Вернадского, 90
1698—1704	Церковь Троицы в Троице-Лыковом	Яков Бухвостов	Москва, Одинцовская ул. , 24
1705	Троицкая церковь Ново-Голутвина монастыря	—	Коломна, Ул. Лазарева, 9-11
1705—07	Церковь Архангела Гавриила или Меньшикова башня	Иван Зарудный	Москва, Архангельский пер., 15
1703—1708	Церковь Св. Николая в Озерецком	—	Московская область, Дмитровский район, село Озерецкое.
1708	Церковь Смоленской иконы Богоматери в Кривцах	—	Московская область, Раменский район, село Кривцы.
1703—1710	Церковь Знамения в Холмах	—	Московская область, Истринский район, село Холмы.
1713	Церковь Покрова в Тропарёве	—	Московская область, Можайский район, село Тропарёво.

Примечания:

• Следует иметь в виду, что в силу невозможности точного определения стилистических границ нарышкинского стиля, отдельные здания из приведённого списка могут рассматриваться некоторыми исследователями как относящиеся к иным стилям русской архитектуры
• Тёмным отмечены здания, являющиеся памятниками истории и культуры федерального значения
• Розовым цветом отмечены здания, внесённые в Список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО
• Серым цветом отмечены утраченные здания

Значительные архитекторы

Интересные факты

• «Стиль московского (нарышкинского) барокко в храмовом зодчестве» согласно примерному содержанию образования по предмету «Православная культура» преподаётся при изучении художественной культуры православия^[17].

Примечания

1. ↑ Власов В.Г., «Нарышкинский стиль»//«Большой энциклопедический словарь изобразительного искусства» в 8т., Т.1., СПб., «ЛИТА», 2000
2. ↑ Наталья Мерзлютина «Надвратный храм Преображения Новодевичьего монастыря» XIV-MMV — 31.08.2005
3. ↑ И.Л. Бусева-Давыдова «О концепциях стиля русского искусства XVII века в отечественном искусствознании»
4. ↑ Владимир Седов «Стиль Вечного мира, или Польский ренессанс в Москве» XII-MMIV — 14.11.2004
5. ↑ Владимир Седов «Стиль Вечного мира, или Польский ренессанс в Москве» XII-MMIV — 14.11.2004
6. ↑ Наталья Мерзлютина «Надвратный храм Преображения Новодевичьего монастыря» XIV-MMV — 31.08.2005
7. ↑ «Нарышкинский стиль»//Большая советская энциклопедия, 3-е изд.
8. ↑ Кириллов В. В. «На переломе от Средневековья к Новому времени (русская модель европеизации архитектуры)»
9. ↑ Бусева-Давыдова И. Л. «Эволюция внутреннего пространства храмов XVII в. (на примере церквей Троицы в Никитниках и Покрова в Филях)» // Архитектурное наследство. Вып. 38. Проблемы стиля и метода в русской архитектуре / Российская Академия архитектуры и строительных наук. НИИ теории архитектуры и градостроительства; Под ред. Н.Ф.Гуляницкогою- М.: Стройиздат, 1995.- 400 с.: ил.
10. ↑ «Яков Григорьевич Бухвостов (вторая половина XVII — начало XVIII вв.)» Люди русской науки: Очерки о выдающихся деятелях естествознания и техники/Под ред. С.И. Вавилова — М., Л.:Гос. изд-во техн.-теоретической лит-ры. — 1948
11. ↑ Александр Можаев, «Покровка, 5. Дом причта церкви Успения на Покровке» // Москва, которой больше нет
12. ↑ Кондратьев И.К., «Седая старина Москвы: Исторический обзор и полный указатель достопамятностей» — М. Воениздат, 1996
13. ↑ «Ensemble of the Novodevichy Convent» (Advisory Body Evaluation) в списке объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО
14. ↑ Ансамбль Новодевичего монастыря, объект № 1097 в списке объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО
15. ↑ Власов В. Г., «Нарышкинский стиль»//«Большой энциклопедический словарь изобразительного искусства» в 8т., Т.1., СПб., «ЛИТА», 2000
16. ↑ И. Л. Бусева-Давыдова «О роли заказчика в организации строительного процесса на Руси в XVII веке» // Архитектурное наследство. 1988. Сб. 36. Русская архитектура / ВНИИ теории архитектуры и градостроительства; Под ред. Н.Ф. Гуляницкого.- М.: Стройиздат, 1988.- 255 с.: ил.- C. 43-53
17. ↑ Письмо Министерства образования РФ от 22 октября 2002 г. N 14-52-876ин/16

См. также

Ссылки

Литература

• «Барокко в России» (Сборник статей), М., 1926
• «Ежегодник Института истории искусств АН СССР», М., 1956
• Власов В. Г., «Нарышкинский стиль»// «Большой энциклопедический словарь изобразительного искусства» в 8т., Т.1., СПб., «ЛИТА», 2000
• И. Давыдова. «Проблема „нарышкинского стиля“ в русском искусстве второй половины XVII века». Автореферат канд. дисс. М-1978.

Wikimedia Foundation. 2010.

17. Скульптура барокко.

Барокко (Baroque), стиль европейского искусства и архитектуры XVII-XVIII веков. Первоначально очагом культуры барокко была Италия. Для Италии — это время медленного заката, многовекового блистательного искусства. Самые характерные черты  барокко — броская цветистость и динамичность. Наиболее ярко стиль проявился в архитектуре.

Произведения барокко отличаются несоблюдением правил ренессансной гармонии ради более эмоционального взаимодействия со зрителем

Скульптура барокко – художественный стиль в сфере скульптуры, характеризующийся подчёркнутой театрализацией образов, динамизмом поз, экспрессивностью лиц и жестов, специфической экстравагантностью. Сложился в XVII – первой половине XVIII века, как одна из составляющих эпохи барокко в культуре.

Одним из главных достижений маньеризма в скульптуре была экспрессия, которую стиль барокко развил до невиданного ранее уровня. В то же время скульпторы этого периода во главе с Бернини усилили в своих композициях элемент театрализации. 

Первым новшеством, привнесенным скульптурой барокко, стал интерес к драматической сложности и многообразию мира. Главное внимание уделялось динамизму ансамбля благодаря воплощению сцен, изображавших определенный момент какого-то действия. Скульпторы стремились к включению зрителей в пространство скульптуры и усилению зрелищности сцены. Многие мастера начали использовать в своих произведениях комбинации различных материалов. Скульптура, так же как живопись и архитектура, служила монархии, церкви и буржуазии. 

Джан Лоренцо Бернини (1598-1680)

Бернини считается создателем и выразителем барокко. В его скульптуре воплотились основные элементы этого стиля: динамизм поз, резкий разворот тел, экспрессивность жестов и лиц, отполированная до блеска поверхность мрамора, а также множественность ракурсов, что позволяет воспринимать скульптуру с разных точек зрения. Бернини заставлял мрамор светиться, что придавало его так называемым «говорящим», в том числе придворным портретам особую жизненность. Он умел извлечь самое важное из пожеланий своих клиентов и, в сочетании с достижениями своих предшественников и всем художественным наследием, сводил все это к одной главной идее. Он включал зрителя в действие и создавал интерактивное пространство между ним и своим произведением. В число лучших его работ раннего периода входят «Аполлон и Дафна» (1622-1625) и «Давид» (1623).

Одна из этих статуй изображает Давида (1619 Рим, галерея Боргезе). Библейская легенда рисует образ смелого юноши, который пастушеским оружием — камнем, пущенным из пращи, убил грозного врага, великана Голиафа. Искусство эпохи Возрождения неоднократно обращалось к этому сюжету, воплощая в образе Давида свое восхищение человеческим благородством и силой, воспевая красоту героизма. Созданные в XV веке статуи Давида изображали его победителем. Его образ Давида, например, звучит иначе, чем у Донателло, Вероккио или Микеланджело; Микеланджело представил его готовым к свершению подвига; Бернини при решении этой темы нашел новый ключ: действие, движение, душевное напряжение; он избрал самый момент борьбы, и уже этим поставил свое юношеское произведение в ряд передовых, проблемных работ своего столетия. Он изобразил Давида в тот момент, когда все его силы и чувства собраны для решающего удара; нахмурив брови, крепко закусив губы, он наклонился и откинулся в сторону: Давид целится в своего противника, устремив на него напряженный, ненавидящий взгляд. Вместо героизма — драматизм, вместо возвышенного обобщения — острота конкретной характеристики, вместо строгой уравновешенности — бурная динамика. Собственно, уже эта ранняя работа Бернини целиком принадлежит барокко. «Давид» — это «воинствующий плебей», бунтарь, в нем нет ясности и простоты скульптур кватраченто, классической гармонии Высокого Ренессанса. Его тонкие губы упрямо сжаты, мелкие глаза зло сузились, фигура предельно динамична, тело почти повернуто вокруг своей оси.

Если мы сравним «Давида» работы Бернини со скульптурой Микеланджело и зададимся вопросом, какая из них ближе к Пергамскому фризу, то нам придется признать первенство Бернини. С эллинистическими произведениями его скульптуру сближает как раз то единство плоти и духа, движения и эмоции, которого так целенаправленно избегал Микеланджело — этот пример показывает, прежде всего, что и барокко, и Высокое Возрождение признавали авторитет античного искусства, но каждый период черпал вдохновение из различных его сторон. Совершенно очевидно, что «Давид» Бернини — ни в коей мере не подражание Пергамскому алтарю. Барочным его делает подразумеваемое присутствие Голиафа. В отличие от других статуй, изображающих Давида, скульптура Бернини задумана не как самостоятельная фигура, а как часть парной группы — все внимание изображенного сосредоточено на его противнике. Интересно, намеривался ли Бернини создавать статую Голиафа для придания группе завершенности? Он этого не сделал, но по его «Давиду» мы можем ясно понять, где он видит своего противника.

Соответственно, пространство между Давидом и его невидимым соперником заряжено энергией — оно «принадлежит» статуе. Новые, активные пластические отношения с окружающим пространством — это то, что отличает барочную скульптуру от скульптуры двух предыдущих столетий. Скульптура Бернини отказывается от самодостаточности ради иллюзии живого присутствия или подразумеваемых поведением статуи сил.

«Давид» вместе с выполненной тогда же группой «Аполлон и Дафна» привлек к Бернини общее внимание. 1622-1624. В основе скульптурной композиции лежит древнеримский сюжет поэта Авидия «Мектоморфоза». Бог Аполлон преследует нимфу Дафну, которая стремилась соблюсти свою целомудренность. В момент, когда Аполлон все же настиг ее, произошло чудо, боги укрыли ее от глаз Аполлона и она стала деревом. Он выполняет еще ряд работ на мифологические сюжеты античности.

Ренессанс и барокко — отличие двух стилей

Ренессанс — воспеваемый и восхищающий своей красотой стиль архитектуры, дизайна интерьеров, изобразительного и декоративного искусства, процветающий до сменившей его эпохи Барокко.

Античное искусство, воплощенное в строгую, утонченную, закономерную и четко очерченную, симметричную форму, коим был Ренессанс (Возрождение), являлось наивысшим достижением человечества, без чего не состоялась бы современная цивилизация.

Ренессанс отображал в точности величие и глубинный смысл подлинного, чему нужно поклоняться и заложило основы гуманизма — уважения и свободы личности, раннее барокко же создало живописную иллюзию того, чем может быть искусство, воплощая движение в эмоциональные сложные композиции.

Время царствования ренессанса определяют с 1300 года до конца 16 века, а по мнению искусствоведа Генриха Вёльфлина — до 1630 года. Превращение ренессанса в живописное и легкое барокко началось непосредственно в Риме, после перешло на север Италии, и не поколебав венецианский ренессанс, переместилось дальше в другие страны средневековой Европы.

 Galleria Specchi

Villa Farmesina
Высокий Ренессанс отменили в новом своеобразном (Capriccioso-итал.) стиле работы Браманте, который изначально был мастером ренессанса, но начал возводить здание Ватикана с характерными чертами барочного стиля, а Микеланджело это продолжил, что можно наблюдать в его созданных работах — Собор Святого Петра, Капитолий, церковь Санта Мария дельи Анжели в Риме, а также Сан Лоренцо, капелла Медичи во Флоренции. Рафаэль и Бернини принадлежат золотому веку ренессанса, но в их произведениях проявляется новое чувство формы барокко.

Castello di San Giorgio, Mantua
Различия ренессанса от барокко в дизайне
1. Прежде всего различия в эскизах. Любой интерьер изначально определяется эскизом дизайна, и если в эскизах ренессанса четко очерчивали формы карандашом или пером, эскизы же в барокко начали рисовали углем, небрежно, со штрихами и растушевкой. Контраст превратился в пластическое пространство, в то же время живописность барокко за счет «живого впечатления» сформировало множество оттенков, выпуклостей углубленных предметов, а также игру света с тенями.

2. Ренессанс монументальный и грациозный. Именно Вазари дал название целой эпохе — Возрождение, описывая «maniera grande», что значит благородная манера, величественная. Барокко упрощает это величие, при этом укрупняет, увеличивает пропорции форм, пытаясь это преувеличение преподнести как большее достижение и богатство. Лестницы начинают проектироваться повыше, колоны — потолще, а лепнина — массивнее и безвкуснее. Такая гигантомания — признак начала потери чувства меры и тонкости восприятия, что и определило крах барокко в дальнейшем.

3. Закономерный и строгий ренессанс упорядочивает каждую вещь в интерьере, объясняя ее присутствие, сохраняет единство и соотношения всех деталей. Барокко же нарочито создает «живописный беспорядок», предметы можно добавлять неограниченно в произвольной порядке, при этом главным условием является — подчеркнуть роскошь.

4. Подлинно римскую черту — прямоугольность и остроту линий сменяет плавность и круглость пышных барочных форм. Появляются также узоры в виде круглых спиралей, круглые ленты, круглые раковины и цветы, обилие золота.

5. Особую важность в период Возрождения играло образование, ученость и красноречие, именно в это время наличие библиотеки становится неотъемлемой частью интерьера. Также и галереи античного искусства — скульптурам и картинам отводилось главные роли в интерьере, что подчеркивало важность и величие достояния искусств.

В искусстве барокко начинает прослеживаться гротеск и сарказм, мрачность композиций, на полотнах размытые и вытянутые формы, карикатуры, сводящие на нет искренность душевных порывов. В скульптурах и фресковых ансамблях барокко допускается изображать пытки инквизиции, бандитов, раненных солдат, разрушение, к примеру пейзаж Дж. Паннини «Развалины со сценой проповеди апостола Павла». Скульптура стиля барокко живая, в движении и полна эмоций, пример — «Орфей» Антонио Канова (1757- 1822).

Подытожив, можно сказать, что Ренессанс излучает спокойное и равномерное чувство благополучия и власти, свободу от переживаний и грациозную легкость.

Раннее Барокко же передает буйство эмоций, драматизм красок, пленяет своей сиюминутной страстью и, разделяя чувства с размышлениями, после оставляет наедине самим с собой. Спустя два века можно увидеть как Барокко утеряет свою манерность и полноту излишеств и сформируется как чувственный стиль позднего Барокко, впитавший в себя черты величия великого Ренессанса и динамичности раннего Барокко.

Автор статьи – главный редактор интернет-издания о дизайне «4ROOM.UA» Алёна Булат

«Нарышкинский стиль», или московское барокко / Архитектура барокко в России / История архитектуры / www.

Arhitekto.ru

Архитектура барокко / Россия

Под «нарышкинским стилем» подразумевают группу зданий (особенно храмов), выстроенных боярским родом Нарышкиных, и в целом комплекс московской архитектуры конца XVII – начала XVIII в. К ним относят церкви в Филях, Троицком-Лыкове, Уборах, Дубровицах, Успения на Маросейке.

«Нарышкинский стиль» тесно связан с узорочьем, но это в какой-то мере его дальнейшая стадия, в которой проступают преобразованные формы западноевропейской архитектуры — ордера и их элементы, декоративные мотивы, несомненно, барочного происхождения.

Это стиль возник в переломный момент, когда в русский патриархальный стиль начали проникать европейские веяния. От архитектуры XVI в. его отличает пронизывающая вертикальная энергия, скользящая по граням стен, и выбрасывающая пышные волны узоров.

Для зданий «нарышкинского стиля» характерны смешение противоречивых тенденций и течений, внутренняя напряженность, разнородность структуры и декоративной отделки. В них присутствуют черты европейского барокко и маньеризма, отголоски готики, ренессанса, романтизма, слившиеся с традициями русского деревянного зодчества и древнерусской каменной архитектуры.

Элементы наружной отделки типично маньеристического стиля использованы не для расчленения и украшения стен, а для обрамления пролетов и украшения ребер, как было принято в традиционном русском деревянном зодчестве. Противоположное впечатление производят элементы внутреннего декора. Традиционный русский растительный узор приобретает барочную пышность.

Характерное для европейского барокко непрерывное движение, динамика перехода лестниц от наружного пространства к внутреннему, в нарышкинском стиле не получило столь явного воплощения. Лестницы его скорее нисходящие, чем восходящие, изолирующие внутреннее пространство зданий от наружного. В них видимы скорее черты традиционного народного деревянного зодчества.

Для зданий нарышкинского стиля характерен двойственный масштаб — одного гигантского, вертикально устремленного, и другого – миниатюрно-детального. Эта особенность нашла воплощение во многих архитектурных проектах в Москве в течение всей первой половины XVIII в. Многие традиции нарышкинского стиля можно обнаружить в проектах И.П.Зарудного (Меньшикова башня), Баженова и Казакова.

К числу лучших, наиболее выразительных высотных, многоярусных храмовых сооружений «нарышкинского стиля» следует отнести церковь Покрова Богородицы в Филях под Москвой (1690—1693). В первом ярусе — крестообразно расположенные объемы, выше же, друг над другом, располагаются четверик и восьмерики. Основанием служит галерея с широко раскинувшимися по сторонам лестничными маршами. Прекрасно сгармонированы все объемы сооружения — основные его массы и главы, четыре из которых поставлены на концах основного «креста», а пятая венчает всю композицию. Тонко, изящно прорисованы все белокаменные детали фасадов — колонки, парадные наличники окон, рельефно выделяющиеся на кирпично-красном фоне стенных поверхностей, ажурные кружевные парапеты, которыми окаймлены высотные «ступени» этого неповторимого сооружения.

Читайте также:

Источники

Барокко в литературе

Что такое стиль барокко

Определение 1

Барокко в переводе с итальянского означает «причудливый», «странный». Этот стиль в культуре возник в Италии в 17 веке, и господствовало вплоть до конца 18 века.

Барокко появилось во время позднего Возрождения. Из Италии это направление достаточно быстро распространилось в другие европейские страны. Барокко противопоставляется классицизму и рационализму.

К характерным чертам барокко относят:

• контрастность и динамичность образов
• совмещение реальности и иллюзии
• слияние искусств
• автономность некоторых отдельных жанров

Барокко в литературе

Для писателей стиля барокко реальный мир представлялся как сон или иллюзия. В описаниях часто присутствует аллегория. Для литературного творчества стиля барокко характерны:

• символы
• метафоры
• театральные приемы
• графические изображения которые образуются из строк стихов
• риторические фигуры
• антитезы (резком противопоставлении понятий и образов)
• параллелизм
• градация
• оксюморон (сопоставление противоречивых понятий)
• разнообразие
• энциклопедизм

Обычно романы описывают действия, которые происходят в придуманной античной стране. Главные герои мужчины и женщины представлены в образах пастухов и пастушек. Этот жанр получил название пастораль. Для поэзии особенно характерны неестественно возвышенные метафоры. Типичными формами барокко являются сонет, рондо, мандригал, кончетти.

Замечание 1

Литературное барокко тяготеет к величавости, пышности, сложности.

Говоря о проблемах, которые поднимаются в литературе барокко следует отметить конфликт мира и человека, их противостояние, которое само по себе является трагичным. Но несмотря на это литературные произведения барокко полны духовного начала и божественной веры. Как для литературы, так и для всех остальных видов искусства этого направления характерным было не только сосредоточенность на проблеме бренности бытия, но также было характерно стремление к преодолению этого критического состояния. Предполагается что человек силой свой мысли способен созидать, а Бог является высшим разумом, идеалом милосердия и справедливости.

Замечание 2

Для литературы эпохи барокко характерна бурлящая фантазия, всеобъемлющая невообразимость. В результате всего этого получаются сложные вычурные образы, чрезмерно сложный язык, максимальное стремление к изображению красоты, эффектности.

Для языка барокко характерным является наличие высокопарных оборотов, сложных, непривычных выражений. В литературе происходит столкновение настоящего и воображаемого. Имеющий место в сюжете накал страстей приводит к тому, что разум становится отодвинутым на второй план, а в центре повествования стоят чувства и эмоции. Все эти чувства постепенно смешиваются, появляется ирония. Все эти грустный настроения позволили появляться таким явлениям как сарказм, гротеск, гипербола.

По мнению писателей, этого направления произведение должно обладать следующими характеристиками:

• оригинальность
• трудность восприятия
• вариативность в толкованиях

Для поэзии барокко одной из главной характеристики было остроумие, которое исходило из парадоксальности мыслей, сопоставлении противоположностей, игра на контрастах предметов, образов и явлений.

Парадоксы неотъемлемая часть литературы барокко. Особенно в этой сфере отличились два заметинах поэта из Испании — Луис де Гонгора – представитель аристократического барокко, и Франческо де Кеведо – представитель демократического барокко.

Стиль барокко можно поделить на две основные разновидности:

• высокое барокко
• низкое барокко

Высокое барокко несло в себе высокие, философские, общечеловеческие идеи, разбирало сложные извечные проблемы. Особенно отчетливо проявило себя в драматических жанрах и в творчестве таких поэтов как Кальдерон и Грифиус.

Низкое барокко говорит о современных бытовых вещах. Находит себя в сатирическом жанре. Следует традициям плутовского романа. Яркими представителями низкого барокко являются Шарль Сорель, Поль Скаррон.

Культизм

Культизм представляет собой одни из вариантов итальянского барокко. Ярким представителем этого направления был Л.де Гонгора, считавший, что понимание искусства доступно не многим, и лишь малая часть людей способна по достоинству его оценить. Его стихи были необыкновенно сложными, поэтому понимание их доходило лишь до узкого круга людей. Стиль этого поэта весьма своеобразный, в основном он сосредоточил свою поэзию вокруг описания неприятной суровой действительности. Его взгляд на мир весьма пессимистичен, его основное желание возвышение над этим угрюмым миром.

Творчество другого поэта барокко Ф.де Кеведо является полной противоположностью творчеству Гонгора. Его произведения наполнены сатирическими зарисовками. Он смело высмеивает политические и социальные явления. По его мнению, один из главных людских пороков — это жадность, он высмеивает власть денег.

Маньеризм

Маньеризм является еще одной разновидностью барокко. Это направление существовало в искусстве в 16-17 века. Основная мысль, которую продвигает это направление, заключается в отображении утраченной гармонии между человеком и природой, телом и душой. По мнению ряда ученых эта форма представляет собой фазу раннего барокко. Эти идеи впервые берут свое начало еще в эпоху Возрождения. Ученые расходятся во мнениях, некоторые считают это направление проявлением позднего возрождения, другие же видят в нем начинающийся кризис эпохи возрождения.

Для этого направления характерно отыскивание новых выразительных средств языка. Характерными языковыми отличиями являются тонкая манера поэтического творчества, это являлось новым отношением к искусству.

В поэзии главным становится индивидуальность поэта, его стремление к творчеству. Идейное содержание произведений сводится к следующему:

• идея относительности и быстротечности бытия
• скептицизм
• мистицизм

В основном это направление характерно для дворянской культуры. По мнению ряда ученых маньеризм является переходным этапом от позднего Возрождения к собственно барокко. Это направление имеет прямую взаимосвязь с другими направлениями в искусстве, например, с гонгоризмом и консептизмом, которые господствовали в Испании, маринизмом из Италии, эвфуизмом, который был в Англии, французской проциезной литературой.

что это за стиль и где найти его примеры в Петербурге

Приход к власти Елизаветы Петровны ознаменовали эпоху возвращения страны к петровским традициям и культурного подъёма. Младшая дочь Петра I отлично справлялась с войнами, просвещением империи и освоением Сибири. При ней строились огромные пышные дворцы как символ авторитета государственной власти. Архитектура середины XVIII века активно прославляла на весь мир могущество Российской империи.

Стиль елизаветинского барокко отказался от строгих фасадов и западноевропейских форм. Императрице были ближе пышные формы, золотая отделка, яркие детали. В эту эпоху в архитектуру вернулись и древнерусские черты – крестово-купольная схема и луковичные пятиглавия.

Читайте также:

Готика в Петербурге: топ-10 зданий с элементами средневекового стиля

Главным творцом при дворе и любимцем императрицы стал архитектор Бартоломео Растрелли. Он умело использовал на фасадах колонны, украшал окна и проёмы полукруглыми навершиями с богатым декором. Внутренне пространство у Растрелли насыщенно окнами и зеркалами, которые придают помещению ещё больший масштаб.

Растрелли оказался и выдающимся инженером, применив в большинстве своих построек каменные платформы – ростверки на сваях. Они уходили глубоко в землю и равномерно распределяли нагрузку, что позволяло строить все эти огромные здания на болотистых петербургских почвах.

Большой петергофский дворец

 

Изначально на этом месте стояли небольшие палаты, построенные при Петре I. Растрелли в 1745-1752 годах увеличил их на один этаж и сделал частью центрального корпуса дворца, созданного по мотивам Версаля. Вместо скромных флигелей была построена церковь с пятью куполами. В обработке фасадов архитектор оставил мотивы оригинальных петровских палат: пилястры, русты, кованные решетки. Новый рисунок появился на капителях, картушах и рельефном орнаменте деталей. Общая длина фасада достигла 268 метров.

Интерьеры большого дворца везде были украшены золочённой деревянной резьбой. При этом в декоре была использована живопись. В залах и кабинетах большую роль играли зеркала и наборные паркеты. Полностью отделка была завершена в 1755 году.

Среди самых эффектных и роскошных помещений выделяется парадная лестница. В её отделке Растрелли применил едва ли не все возможные средства декорирования: масляная живопись плафона, темперная роспись стен, резьба по дереву, кованый металл и лепнина. Стоит также обратить внимание на танцевальный зал. Он имеет фальшивые зеркальные окна-обманки, их изобилие создаёт эффект многократно умноженного пространства.

Архитектор: Франческо Растрелли

Год постройки: 1755 год

Фото: Instagram / @andrei_mikhailov

 

Екатерининский дворец в Пушкине

 

В марте 1752 года Растрелли приступил к реконструкции дворца, существовавшего со времён Екатерины I в Царском селе. Елизавета Петровна сочла его слишком старомодным и маленьким для официальной императорской летней резиденции. Хотя небольшой дворец уже несколько раз расширяли, но каждый раз этого было недостаточно.

Растрелли оправдал ожидания императрицы и воздвиг огромное здание. На одну только отделку фасада длинной 325 метров ушло более ста килограммов золота. Официальное открытие состоялось 30 июля 1756 года, гости были абсолютно поражены размерами дворца.

Внешне дворец покрасили в классические цвета барокко: белый и небесно-голубой. На фасаде появились колонны, лепнина и фигуры атлантов. В северной части здания возвышается церковь с пятью золотыми куполами.

Внутри размах Растрелли стал ещё больше, один только Тронный зал во всю ширину здания вызывает полный восторг. Зал площадью 860 кв. метров выполнен единым пространством без дополнительных опор. Самым известным помещением дворца стала Янтарная комната, изготовленная в начале XVIII века в Пруссии. Её подарил король Фридрих Вильгельм I в 1716 году Петру I.

Во время Великой Отечественной войны Царское село было оккупировано: дворец практически полностью разрушен, 80% интерьеров утрачены, а Янтарная комната бесследно исчезла. Восстановление Большого дворца продолжается и сейчас, на данный момент завершена реконструкция 32 помещений из 58.

Архитектор: Франческо Растрелли

Год постройки: 1756 год

Фото: Instagram / @andrei_mikhailov, @golovdinov

 

Зимний дворец

 

Главной работой Растрелли стало здание официальной зимней императорской резиденции. Это был уже пятый по счёту Зимний дворец в Петербурге, он же стал последним. Его строительство было закончено уже после смерти Елизаветы Петровны. Принимал работу 6 апреля 1762 года Пётр III, но внутренняя отделка на тот момент ещё не была завершена.

Растрелли проработал в России почти полвека, он занимался возведением трёх из пяти императорских резиденций: Зимнего дворца для Анны Иоанновны в 1735 году, временного здания на Невском в 1755 году и нынешнего для Елизаветы Петровны. Последний стал на долгое время самым высоким зданием Петербурга и включал в себя 1,5 тыс. комнат. Общая площадь дворца была около 60 тыс. кв. метров.

Это был настоящий город в городе: внутри Зимнего были жилые зоны, парадные залы, церкви, театр и музей. Для обслуживания здесь размещались аптека с лабораторией, квартиры служащих, кухни и кладовые, конюшни и манеж. По особому указу Елизаветы Петровны, в 1745 году ко двору выслали котов. Они получили статус «охранников картинных галерей» и с тех пор так и живут в здании Зимнего дворца.

С приходом к власти Екатерины II Растрелли был отстранён от дальнейшей работы над дворцом. Роскошное барокко уже устарело и уступило место сдержанному классицизму. Внутреннюю отделку дворца проводили архитекторы Юрий Фельтен, Жан Батист Валлен-Деламот и Антонио Ринальди. Новая императрица сама распределяла назначение залов и приказала обустроить для себя библиотеку, кабинет, будуар, две спальни и уборную.

В 1764 году Екатерине II подарили 317 картин из Берлина. Их разместили в уединённых апартаментах дворца, получивших французское название «Эрмитаж». Именно эта коллекция положила начало собранию одного из самых больших музеев мира.

Архитектор: Франческо Растрелли

Год постройки: 1762 год

Фото: Instagram / @andrei_mikhailov

 

Никольский морской собор

 

Площадь, на которой был построен собор, изначально была плацом моряков русского флота. Территория вокруг неё была застроена одноэтажными казармами. В 1743 году в центре была построена небольшая деревянная церковь, освящённая в честь Николая Чудотворца, который традиционно считается покровителем плавающих и путешествующих. Греческие купцы передали в дар храму византийскую икону святителя Николая.

В июле 1752 года Елизавета Петровна подписала указ о возведении нового каменного собора на месте обветшалого здания. Об этом императрицу просил лично князь Михаил Голицын. Проект был поручен архитектору Адмиралтейств-коллегии Савве Чевакинскому.

Массивный двухэтажный храм представляет в плане равноконечный крест. У собора пять глав с золотыми куполами. Фасад раскрашен в ярко-голубой цвет. Рядом с церковью в 1755-1758 годах была построена изящная четырехъярусная колокольня. Три её нижних яруса украшены колоннами, а верхний венчает купол с тонким шпилем.

К 1756 году начались работы по отделке храма. Фасады украсили коринфскими колоннами, пилястрами, лепными наличниками и скульптурой. Красоты зданию добавляют балконы с узорными коваными решётками. Все работы были завершены в 1762 году и 20 июля уже в присутствии Екатерины II был освящён престол верхней церкви. Грандиозное здание вмещает в себя почти 5 тыс. человек. Главная святыня собора – икона святителя Николая с частицей мощей по сей день находится в нижнем храме.

Архитектор: Савва Чевакинский

Год постройки: 1762 год

Фото: Instagram / @liliya_belaya_photo, @golovdinov

 

Смольный собор

 

На месте Смольного собора при Петре I располагались дворы, поставлявшие смолу для строительства кораблей. Рядом был выстроен дворец, в котором росла Елизавета Петровна. Когда она взошла на трон, то хотела в старости постричься в монахини и в тишине и покое завершить свои дни. Для возведения монастыря было выбрано место, где императрица провела своё детство.

Проект традиционно был поручен Растрелли, в комплекс монастыря должны были войти храм с церквями и колокольней, а также институт для девушек из дворянских семей. Торжественная церемония закладки состоялась 30 октября 1748 года в присутствии императрицы. К 1751 году были закончены подготовительные работы и заложены фундаменты. Благодаря щедрому финансированию строительство велось с большим размахом. Но с началом семилетней войны всё сильно замедлилось, а после смерти Елизаветы Петровны и совсем прекратилось.

После отъезда Растрелли из России в 1762 году дальнейшей работой занимался Юрий Фельтен. Из-за нехватки средств отказались от строительства колокольни и внутренней отделки собора. Он стоял недостроенным почти 70 лет, пока Николай I не приказал закончить дело, иначе храм бы просто развалился. Проект был завершён Василием Стасовым за три года. Общее время строительства собора составило 87 лет.

Стены оштукатурили и окрасили, колонны и цоколи пилонов облицевали белым искусственным мрамором. Фасад нижней части собора по стилю больше напоминает дворец, нежели храм. Собор создаёт необычную иллюзию его размеров: по мере приближения он визуально уменьшается, при этом не теряя величественности.

Архитектор: Франческо Растрелли

Год постройки: 1835 год

Фото: Instagram / @alexsandrkonovodov, @paveldemichev

Эстетика барокко — Шпаралки по культурологии, этике, эстетике

Нужна помощь в написании работы?

Эстетика Нового времени представлена стилями барокко и классицизма, отражающими мироощущение того периода, а также новыми мировоззренческими принципами и эпохи Просвещения в эстетике и искусстве.
Барокко — буквально: причудливый, странный, один из главенствующих стилей в европейской архитектуре и искусстве конца XVI — середины XVIII в. Впервые термин был использован лишь в середине XVIII в. как критика вычурного и экстравагантного стиля архитектуры. Со временем он утратил негативность и стал использоваться применительно к скульптуре, живописи, музыке и литературе.
Причины возникновения барокко кроются в кризисе Возрождения, в «болезни католической церкви». Возникшая в Реформацию протестантская церковь была весьма нетребовательна к внешней зрелищной стороне культа. Барокко — это искусство католической религии. Стиль возникает в качестве «приманки», чтобы вернуть паство в лоно католицизма.
Эстетика барокко отказалась от присущих классической ренессансной культуре представлений о гармонии и строгой закономерности бытия, о безграничных возможностях человека, его воли и разума и стала строиться на коллизии
• человека и мира;
• идеального и чувственного начал;
• разума и власти иррациональных сил.
Человек в искусстве барокко предстает многоплановой личностью со сложным внутренним миром, вовлеченным в круговорот и конфликты среды.
Основные принципы барокко:
1. Необходимость удивления. Названный  принцип считался общим для всех видов искусства. Следование ему привело к синтезу искусств, благодаря ему родилась опера.
2. Сведение  противоположностей.  Этот  принцип  принадлежит Маттео Перегрини (XV в.). Созидательная сила — остроумие (умение сводить
несхожее). Рождается особое отношение к метафоре, иносказанию, символам более изящным, чем в средневековье. Фантастическое подается реальным, веселое оборачивается трагичным, камень превращается в тончайшую драпировку, архитектура становится застывшей музыкой.
3. Основанность искусства на гениальности, а не на науке и задачах познания, не на законах логического мышления. Художественный дар дается Богом, теория и наука не помогут его обрести.
4. Потеря мировоззрением цельности и гармоничности, постижение внутренней противоречивости бытия.
5. Особая роль индивидуальности эстетического переживания,
как необходимый элемент социальной жизни.
Для искусства барокко характерны:
• грандиозность;
• пышность и динамика;
• возвеличивающий патетизм;
• интенсивность чувств;
• пристрастие к эффектным зрелищам;
• совмещение иллюзорного и реального;
• сильные контрасты материалов и фактур, света и тени.
Наиболее известным и значительным представителем итальянского барокко  был  Джованни  Лоренца  Бернини   (1598-1680),  архитектор и скульптор. Он прославил католическое искусство и расширил возможности пространственных видов искусства.
Музыка барокко представлена такими именами как А. Вивальди, Т. Альбинони, Г. Гендель, Л. Боккерини.
Особое место среди живописцев барокко занимает Питер Пауэл Рубенс (1577-1640), фламандский художник. В его произведениях («Снятие с креста», «Война и мир», «Союз Земли и Воды») ярко выражен реализм и драматизм, страстное жизнелюбие и героический накал, яркие цветовые контрасты барокко.

Поможем написать любую работу на аналогичную тему

Получить выполненную работу или консультацию специалиста по вашему учебному проекту

Узнать стоимость Поделись с друзьями

Краткое знакомство с оперой в стиле барокко

Краткое знакомство с оперой в стиле барокко

История оперы в стиле барокко — это история роскошного великолепия, экзотики и зрелищности, чудесности, певцов-суперзвезд с эгоизмом и доходами суперзвезд, интриг и изворотливых деловых отношений и … одной из самых возвышенных музыкальных произведений, когда-либо написанных .

Он начинается как история эпохи Возрождения во Флоренции в начале 1570-х годов с группы дворян, ученых и художников, которые называли себя Камерата.Они проводили собрания, на которых размышляли о способах исполнения древнегреческой драмы и ее музыки. Неправильное прочтение источников означало, что они потерпели неудачу, но их эксперименты привели к созданию нового вида музыки, основанной на речевых ритмах. Названный речитативом, он вскоре был воспринят композиторами Камераты, среди которых были Джулио Каччини и Якопо Пери. Поначалу использовавшийся в зрелищных придворных празднествах, которые включали в себя развлечения, называемые промежуточными, вскоре был принят речитатив, который лег в основу драмы нового типа — оперы.Соответственно (и для историков удобно) рождение оперы пришло с наступлением нового века. В 1600 году появились две настройки текста (или либретто) Оттавио Ринуччини, другого члена камеры, в новом стиле на музыку Джулио Каччини и Якопо Пери. Вокруг этого знаменательного события много споров, но кажется, что выступление, данное в Палаццо Барди во Флоренции 6 октября, было составной версией, включающей музыку обоих композиторов. Сюжетом этих первых опер была басня Орфея, хотя название L’Euridice было названо в честь жены Орфео, которая, как известно, пыталась востребовать свое возвращение из преисподней.

Opera родилась, но для того, чтобы довести ее до зрелости, нужен был великий композитор. Ожидание было недолгим. В 1607 году опера Клаудио Монтеверди «Орфей» была представлена ​​при дворе Мантуи, где тогда работал ее композитор. Как следует из названия, темой снова стала история Орфея и Эвридики, но Орфей Монтеверди сильно отличается от ранних опер Каччини и Пери. Более гибкий и, критически, более драматичный, в дополнение к речитативу, который продвигает историю вперед, он включает отрывки лирического созерцания, развитие, которое все больше ведет к окончательному разделению этих черт.Но это впереди. А пока повествование приостанавливается, хотя в скобках можно отметить, что в 1608 году в Мантуе была поставлена ​​утерянная опера Монтеверди «Арианна». С этого момента опера быстро распространилась своими щупальцами по всей Италии, достигнув, среди прочего, Рима в 1620-х годах и Венеции в 1630-х годах.

Теперь история движется в Венецию. Репутация республики сделала его идеальным местом для оперы, чтобы сделать важный шаг вперед — превратиться из простого придворного зрелища в общественное развлечение.Этому способствовал ряд существующих небольших театров, принадлежащих семьям аристократов Венеции, в которых всегда популярные спектакли комедии дель арте давались для социально разнородной аудитории. Так в 1637 году была поставлена ​​первая публичная опера, ныне утерянная Андромеда ныне забытого Франческо Манелли. Шлюзы открылись. Театры были расширены, чтобы приспособить оперные нужды, или даже построены заново, чтобы приспособить их. Даже престарелый Монтеверди, который переехал в Венецию в качестве директора собора Святого Марка в 1613 году, был призван ставить оперы, сочиняя прощальные шедевры Il ritorno d’Ulisse in patria, поставленные в 1640 году, и L’incoronazione di Poppea (1643). вместе с потерянным Le nozze d’Enea в Лавинии.Поппея Монтеверди была первой крупной оперой, в которой сюжетом рассматривалась история, а не мифология, в то время как обе дошедшие до нас поздние оперы включали комические сцены в весьма серьезных произведениях, что стало характерной чертой венецианской оперы до конца века. .

Около двух десятилетий в Венеции была лихорадочная оперная деятельность. Импресарио появлялись и разорялись, постановки становились все более экстравагантными, дома открывались и закрывались, но даже в этих хаотических условиях было поставлено ошеломляющее количество опер.Главной фигурой в эти годы был Франческо Кавалли, ученик Монтеверди, который как импресарио и композитор поставил более 30 опер между 1640 и 1673 годами, в том числе такие знаменитые шедевры, как «Ксерсес» (1654). Последняя четверть века стала свидетелем похолодания оперного рвения в Венеции, что позволило нам перейти не только от «Серениссимы», но и за пределы Италии к рождению оперы во Франции — истории, в которой также присутствует Кавалли.

К середине 1650-х годов опера начала свое мировое завоевание.Во Франции, где роскошное зрелище было не новостью при дворе Людовика XIV, оно прибыло как импорт из Италии, особенно с постановкой «Ксерсеса» Кавалли в 1660 году и, в исключительных случаях, с великолепной постановкой «Эрколе аманте» того же композитора в Тюильри в 1662 году. это поразило всех в течение шестичасового выступления. Но Ercole amante более века доказывал, что это лебединая песня итальянской оперы во Франции. В соответствии с традициями французского двора, в его огромную длину входили балеты, в которых участвовал сам король.Основным композитором этих балетов был композитор инструментальной музыки Луи Жан-Батист Люлли. Именно Люлли суждено было стать основателем французской оперы, что парадоксально, учитывая, что он был флорентийцем по имени Джованни Баттиста Лулли. Но приемный француз Люлли приступил к поиску отличительного стиля, мало похожего на итальянскую оперу, его наблюдение за ритмами французского языка привело его к созданию новой формы лирического речитатива. Манипулятивный и беспринципный, Люлли занял влиятельное положение как при дворе, так и в недавно созданной Парижской Опере, что позволило ему доминировать в опере, исключая других композиторов.Между 1673 и 1686 годами Люлли сочинил 14 опер или музыкальных трагедий, в основном ставившихся как при дворе, так и в Парижской опере. К моменту его смерти в 1687 году господство Люлли во французской опере было настолько полным, что прошло 40 лет, прежде чем его гегемония была оспорена.

Но мы должны вернуться в Италию. Незадолго до конца века ученые и литераторы начали оспаривать то, что они считали фривольностью комических сцен в венецианской опере. Они отметили возвышенную серьезность французской оперы с использованием либретто таких выдающихся поэтов, как Кино и Корнель.В 1690 году в Риме образовалась Аркадская академия, объединение ученых и художников, которые стремились реформировать оперу, изгнав фривольную комедию и сосредоточившись на возвышенных мирах героических исторических фигур и идеализированных пасторальных темах. Поэт, который вывел итальянскую оперу в новом направлении, был Апостоло Зенон, за которым позже последовал один из величайших поэтов 18 века Пьетро Метастазио. Среди композиторов выдающейся фигурой в переходный период между Венецианской оперой 17 века и тем, что стало известно как dramma per musica или opera seria, был Алессандро Скарлатти, в операх которого мы также можем найти окончательное утверждение da capo aria, музыкальной формы, которая доминируют в итальянской опере на протяжении большей части следующего столетия.Постепенное отделение речитатива от более лирических частей непрерывной партитуры, наблюдаемое в операх Кавалли и его современников, таких как Чести, в конечном итоге привело к тому, что они стали отдельными сущностями. Большое количество опер Скарлатти, составленных между 1679 и 1721 годами, представляет собой идеальную платформу для изучения перехода от венецианской оперы 17 века к опере сериа. Скарлатти также знакомит нас с новым крупным центром итальянской оперы — Неаполем. На самом деле оперу давали в Неаполе, тогда крупнейшем городе Италии, с середины 1600-х годов, но именно Скарлатти установил то, что стало известно как «неаполитанский стиль», который доминировал в итальянской опере в первой половине следующего столетия.

Одним из композиторов, которому был полезен прямой контакт со Скарлатти, был молодой немец Георг Фредерик Гендель, который прибыл в Италию в конце 1706 года. 21-летний Гендель работал в Гамбурге, ведущем оперном центре Германии, где он был поставлен в театре Gänsemarkt, первом публичном оперном театре за пределами Венеции, с 1678 года. Опера в Германии на этом этапе была либо итальянской, либо гибридной, представившей популярную немецкую песню, что не было редкостью в операх Телемана и его гамбургских коллег. для использования обоих языков в одной опере.Пребывание Генделя в Италии, где он посетил Флоренцию, Венецию (где его Агриппина была подарена в 1709 году), Рим и Неаполь, оказало глубокое влияние на развитие его стиля. В конце 1710 года Гендель, ставший теперь практически полноценным итальянским оперным композитором, прибыл в Лондон, где общественный спрос на развлечения и финансовое вознаграждение, которое они могли обеспечить, стали уникальной привлекательностью для европейских артистов-исполнителей на протяжении всего столетия. Опера не смогла утвердиться в Англии, где преобладало предпочтение устной драмы, несмотря на движение гибридной формы, известной как « полуопера », особенно связанной с Генри Перселлом, роль которого в создании английской оперы, возможно, не ограничивалась. «Дидона» и «Эней» и такие полуоперы, как «Королева фей» и «Король Артур», если бы не его преждевременная смерть.Поскольку это было, теперь сцена была подготовлена ​​для Генделя — теперь британского гражданина — для установления господства итальянской оперы в Лондоне, где между 1711 и 1741 годами было поставлено около 40 его опер в дополнение к операм других ведущих итальянских композиторов, таких как Никола. Porpora.

Мы видели, как реформа итальянской оперы привела к исключению комических эпизодов, которые стали неотъемлемой частью венецианской оперы 17-го века. Точно так же, как основное внимание теперь переключается на Неаполь и его влияние, также происходит концентрация на сериях опер таких композиторов, как Леонардо Винчи, Порпора, Перголези и Хассе, таких как Гендель, итальянизированный немец.В Венеции, которая сама поддалась неаполитанскому стилю, среди настоящих венецианских композиторов только Антонио Вивальди может претендовать на известность сегодня, хотя важность Антонио Лотти и Леонардо Лео в этой области еще предстоит полностью раскрыть. Если драма per musica с ее щедрыми монархами, героическими принцами и обиженными, хотя часто и дерзкими героинями занимала возвышенные позиции великолепия и морального примера, комедия вот-вот нанесет ответный удар. Перед концом первого десятилетия нового века первые интермеццо, или короткие комические оперы, вставлялись в интервалы серьезных опер как в Неаполе, так и в Венеции.В отличие от сериала, в этих комических интермедиях был характерен повседневный характер, который публика находила на улице после выхода из театра, часто высмеивая свои слабости в общих диалогах, часто используя местный диалект. В Неаполе появление полнометражных комических опер произошло почти одновременно, создав основу для оперы-буффа, которой во второй половине века было суждено отомстить Opera seria, достигнув популярности, которая превзошла ее великое отношение. это завершится бессмертными комедиями Моцарта.

К середине 18 века европейское господство итальянской оперы было окончательно. За исключением одной страны. Во Франции наследие Люлли, итальянца, ставшего французом, продолжало господствовать до прибытия Жана-Филиппа Рамо, который в зрелом возрасте обратился к tragédie en musique, чтобы бросить вызов наследию Луллистов, которое жестоко разделило как ученых, так и общественность. мнение. Большая часть противоречий была результатом признания Рамо того, что его критики считали итальянскими влияниями.Позже обратное признание французских черт в итальянской опере сыграло значительную роль в так называемых «реформах» Глюка. Но это история другого дня…

Этот образовательный сайт почти полностью финансируется за счет пожертвований тех, кто ценит и ценит его содержание. Если вы можете помочь, сделав пожертвование, мы будем очень признательны за вашу щедрость. Если вы предпочитаете сделать пожертвование в долларах или евро, вы можете сделать это на домашней странице.

2021 Мужской комплект с короткими рукавами в стиле барокко, черный L с короткими рукавами Интернет-магазин.Лучшее на продажу

Печенье

Чтобы этот сайт работал должным образом, мы иногда размещаем на вашем устройстве небольшие файлы данных, называемые файлами cookie. Большинство крупных веб-сайтов тоже делают то же самое.

Что такое файлы cookie?

Файл cookie — это небольшой текстовый файл, который веб-сайт сохраняет на вашем компьютере или мобильном устройстве при посещении сайта. Это позволяет веб-сайту запоминать ваши действия и предпочтения (такие как логин, язык, размер шрифта и другие параметры отображения) в течение некоторого времени, поэтому вам не нужно повторно вводить их каждый раз, когда вы возвращаетесь на сайт или просматриваете с одной страницы на другую.

Как мы используем файлы cookie?

Файлы cookie, используемые на нашем веб-сайте, сгруппированы в следующие категории:

1. Основные — это файлы cookie, которые необходимы для нормальной работы наших веб-сайтов. Например, некоторые файлы cookie позволяют вам войти в свою учетную запись и добавить продукты в корзину и безопасно оформить заказ или выполнить обнаружение мошенничества и проверки безопасности (наряду с другими подобными вещами). Они необходимы для правильной работы веб-сайта.

2. Функциональные — эти файлы cookie позволят вам перемещаться по сайту и использовать его функции, такие как доступ к защищенным областям (например, к контенту для зарегистрированных пользователей). Эти файлы cookie также позволяют нам запоминать ваши пользовательские предпочтения, помогая вам персонализировать работу с нашим сайтом. Информация, полученная с помощью функциональных файлов cookie, является анонимной и не используется ни для каких других целей.

3. Средства повышения производительности — эти файлы cookie помогут нам понять, насколько эффективен наш контент, что интересует наших клиентов, а также улучшить работу нашего веб-сайта.Эта информация используется только для статистических целей и не используется для личной идентификации какого-либо пользователя.

4. Реклама — эти файлы cookie позволяют нам и нашим рекламным партнерам показывать рекламу и управлять нашей онлайн-рекламой

, когда вы посещаете наш сайт и сайты, на которых мы размещаем рекламу. Эти файлы cookie записывают ваше посещение нашего веб-сайта и контент, с которым вы взаимодействуете, а также могут использоваться для управления количеством раз, когда вы видите рекламу.

Кто устанавливает файлы cookie?

Помимо нас, разрешенные третьи стороны могут устанавливать файлы cookie при посещении сайта.К третьим сторонам относятся поисковые системы, поставщики услуг измерения и аналитики, социальные сети и рекламные компании. Третьи стороны используют файлы cookie в процессе доставки контента, в том числе рекламы, соответствующей вашим интересам, для измерения эффективности своей рекламы и предоставления услуг.

Как управлять файлами cookie

Вы можете контролировать и / или удалять файлы cookie по своему усмотрению — подробности см. На сайте aboutcookies.org. Вы можете удалить все файлы cookie, которые уже есть на вашем компьютере, и вы можете настроить большинство браузеров так, чтобы они не размещались.Однако, если вы это сделаете, вам, возможно, придется вручную настраивать некоторые предпочтения каждый раз, когда вы посещаете сайт, и некоторые службы и функции могут не работать.

Рубашка Oversize Baroque с коротким рукавом, синяя, желтая — 6 июня

ОПЛАТА

Карта (CB, Visa, Mastercard), Paypal или Банковский перевод

ДОСТАВКА

Заказы, оплаченные до 13 часов, отправляются в тот же день. (Только рабочих дней. Центральноевропейское время.)

Франция Стандарт	Бесплатно от 30 € при покупке Или 4,90 €	48ч
Франция Экспресс	9,90 €	круглосуточно
Германия, Бельгия, Люксембург, Нидерланды	Бесплатно от 30 € при покупке Sinon 9,90 €	3 дня
Австрия, Испания, Ирландия, Италия, Португалия, Великобритания	Бесплатно от 99 € при покупке Или 9,90 €	3-5 дней
Дания, Эстония, Венгрия, Латвия, Лихтенштейн, Литва, Польша, Румыния, Словакия, Словения, Швеция, Швейцария, Чешская Республика	Бесплатно от 150 € при покупке Или 9,90 €	4-7 дней
Беларусь, Босния и Герцеговина, Болгария, Кипр, Хорватия, Финляндия, Греция, Исландия, Северная Македония, Мальта, Норвегия, Сербия, Украина	Бесплатно от 199 € при покупке Или 9,90 €	4-7 дней

ВОЗВРАТ

• Вы можете отправить обратно товары любого типа в их первоначальном состоянии (без повреждений, стирки, изменений или износа).
• У вас есть 30 дней, чтобы отправить посылку (от приема до депозита).
• Наклейка с предоплаченной этикеткой упрощает возврат. (доступна в большинстве европейских стран). При его использовании из вашего возмещения вычитается фиксированная ставка:
  6,90 €: Франция
  9,90 €: Германия, Нидерланды, Бельгия, Великобритания, Ирландия, Австрия, Испания, Италия, Португалия
  15 €: другие страны
• Вернем деньги в течении 7 дней (без обмена).

Подробнее на нашем F.A.Q

No. 104: Барочная скрипка

Сегодня я хочу поговорить о мороженом, DC-3, и скрипки в стиле барокко. Университет Хьюстона Инженерный колледж представляет серию статей о машины, которые заставляют нашу цивилизацию работать, и люди, чья изобретательность создала их.

Я недавно ходил послушать великий скрипач эпохи барокко Рейнхард Гебель играет музыка Генриха Бибера.Окрашено внутри крышки аккомпанирующий клавесин был самым странным девизом: Scientia non habet inimicum nisi ignorantiam — У знания нет другого врага, кроме незнания — Загадочная мысль для концерта.

Скрипки в стиле барокко не особо отличаются от современные. Прекрасные Аматис и Страдс все имели эта форма примерно до 1800 года.Тогда их шеи были удлинился. Их кишки были заменены на металл. Их мосты были подняты. И они были играл с другим луком. Они были превращены в мощный современный инструмент, который мы все знаем. По-прежнему, это технология их использования изменила наиболее.

Настоящая разница между двумя инструментами заключается в как они играют.Звучит современная скрипка сильный и декламационный по сравнению с его предок барокко. Игра на скрипке в стиле барокко более мягкий тон без какого-либо вибрато. Комплекс нюансы поклона придают ему своего рода отек-исчезновение звук. Он очень плавный и выразительный.

Некоторые новые технологии улучшают старую. Некоторый заменяет его по другим причинам.Всю свою жизнь я пытался воспроизвести домашнее мороженое, которое я двоюродная бабушка подарила мне на своей ферме в Иллинойсе. Каждый, кто делает мороженое, рекламирует домашний вкус, но никто его не дублирует. Ты просто не могу с искусственным мороженым. Изготовленное мороженое не улучшает мою технология двоюродной бабушки. Он просто заменяет его на более доступное мороженое.

Так много технологий. 50-летний Самолет DC-3 не был усовершенствован более поздними самолетами. Люди, которым нужны небольшие транспортные самолеты и из коротких взлетно-посадочных полос и делать короткие прыжки по-прежнему покупайте DC-3, если они могут их достать. Сегодняшний самолетам нечасто приходится обслуживать тех функции; но когда они это сделают, DC-3 по-прежнему Лучший.

Никто не будет утверждать, что более поздние постройки улучшились. Шартрский собор — или то, что улучшили пароходы клиперы. Эти замены были сделаны для по многим причинам, но не всегда по высшему технология.

Странная надпись на клавесине. в другую ночь! «Единственный враг знания — это невежество.«Нежная выразительная скрипка барокко, мороженое моей двоюродной бабушки, а функционально идеальный DC-3, все представляют знания — технологии — способный противостоять любому рациональному вызову. В единственная атака, которая может навредить им, — это невежество — они можно забыть.

Я Джон Линхард из Хьюстонского университета, где нас интересуют изобретательные умы Работа.

(Музыкальная тема)

Wiggle | Женское джерси с коротким рукавом Altura

5360079440 Просмотр в 360 ° 360 ° Проиграть видео

Этот стильный трикотаж с короткими рукавами от Altura отлично смотрится в дороге или тропе.Это быстро впитывающаяся, быстросохнущая ткань со светоотражающей отделкой и отличной посадкой, что делает ее отличным универсальным джерси для любых ситуаций.

---

Этот стильный трикотаж с короткими рукавами от Altura отлично смотрится в дороге или тропе. Это быстро впитывающаяся, быстросохнущая ткань со светоотражающей отделкой и отличной посадкой, что делает ее отличным универсальным джерси для любых ситуаций.

Основные характеристики:

• Стильное трикотажное изделие с короткими рукавами и техническими характеристиками.Отлично смотрится в дороге, тропе или в кафе.
• Быстросохнущая ткань с высоким влагоотводящим действием
• Светоотражающая планка
• Performance подходит

Неверная или отсутствующая информация о продукте? Сообщите нам

Выберите выпуск

В чем проблема? Неточная информация Отсутствующая информация Плохой перевод Другое

Пожалуйста, не вводите личную информацию.Если у вас возникнут вопросы, посетите страницу Служба поддержки клиентов

Представлять на рассмотрение

Ваш отзыв получен! Спасибо, что помогли улучшить наш сайт.

Взаимодействие с другими людьми

Altura Трикотажные изделия и куртки
		Великобритания 8	Великобритания 10	Великобритания 12	Великобритания 14	Великобритания 16	Великобритания 18
А.Сундук	см	84см	86см	91см	96см	99см	101см
Б.Рукав	см	71см	73см	75см	77см	78см	81см

Трикотажные изделия и куртки Altura
		Великобритания 8	Великобритания 10	Великобритания 12	Великобритания 14	Великобритания 16	Великобритания 18
А.Сундук	дюймов	33 ″	34 ″	36 ″	38 ″	39 ″	40 ″
Б.Рукав	дюймов	28 ″	29 ″	29 1 ⁄ 2 ″	30 ″	31 ″	32 ″

Мы с радостью вернем деньги за любой товар, приобретенный на Wiggle, если он будет возвращен нам в течение 365 дней; за исключением подарочных сертификатов Wiggle, продуктов питания и продуктов, изготовленных по индивидуальному заказу, за исключением неисправных.

Обратите внимание: велосипеды и другие громоздкие предметы не могут быть возвращены через нашу местную службу возврата (если применимо). Свяжитесь с нами, и мы сможем забрать их у вас по сниженным тарифам курьерской службы. Плата взимается за все коллекции, кроме бракованной.

Возвращенные товары должны быть неиспользованными и поставляться в оригинальной упаковке, если товар не является дефектным. Wiggle оплачивает обратные почтовые расходы за любые неисправные товары.
Подробнее о правилах возврата Wiggle

Краткая история смычков в стиле барокко — скрипки Вермонта

Оригинальные смычки в стиле барокко были легче и короче современных смычков.Выпуклость была почти выпуклой, и волосы попадали внутрь лягушки через открытое горло. Головы были удлиненными и похожими на лебединых. Самые ранние луки были построены до того, как в Европу было завезено благородное дерево, используемое в современных луках, Pernambuco, поэтому вместо этого они часто делались из прочного дерева, называемого «Snakewood», которое, хотя и менее прочное, чем Pernambuco, предлагало плотность, позволяющую свету кланяется, чтобы добиться сильного тона.

Луки были построены в соответствии с «правилом опускания лука», которое использовалось в образцах поклонов в эпоху барокко.Поклон создает более мощную атаку, чем удар вверх (в основном благодаря гравитации), поэтому сила лука в стиле барокко направлена ​​на лягушку. Музыка барокко имела тенденцию к танцевальному стилю с короткими нотами, к которым хорошо подходил смычок в стиле барокко. Но по мере того, как игроки переходили к легато (длинному луку), луки в стиле барокко перестали подходить, и такие производители, как Франсуа Турте, начали вводить новшества, используя новые конструкции и материалы. Луки Tourte прошли через переходный период экспериментов, прежде чем остановились на современном стиле изготовления луков с сильным обратным изгибом, короткой прочной головкой и даже толщиной, разработанной для обеспечения силы как при расклоне вверх, так и вниз, а также вблизи и вдали от лягушки. .

Но хотя современный дизайн в значительной степени вытеснил изготовление лука, существует сильное следование оригинальному дизайну в стиле барокко.

No related posts.