Фламандское барокко. Фламандское барокко
Барокко — парадное и торжественное искусство. Как оно зародилось во Фландрии и какие уникальные черты приобрело — узнаем в этой части.
Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве с крупнейшими российскими экспертами.
Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus
посмотреть все уроки
Автор урока
Алина Аксёнова
Историк искусства, автор книг «Искусство ХХ века. Ключи к пониманию» и «История искусства. Просто о важном», более 9 лет проводила лекции и экскурсии в ГМИИ им. Пушкина.
1. Антонис ван Дейк. Сусанна и старцы, 1622
2. Рубенс. Пейзаж с радугой, 1636–1638
3. Якоб Йорданс. Детство Зевса, 1640
4.
Франс Снейдерс. Охотничий натюрморт, 1640–1650
Начнем с экскурса в историю. Что происходило с Фландрией в 17 веке? Там говорили на том же языке, что и в Голландии, но язык искусства сильно изменился.
И вот почему:
🤜 Фландрия осталась под властью Испании, когда северные провинции Нижних земель добились независимости. В начале 17 века началось восстановление страны после войн.
✝️ Здесь сохранилось католичество. Искусство католической Италии напрямую влияло на характер фламандской живописи: она намного ярче, чем в протестантской Голландии.
⚓️ Центром искусства стал Антверпен — крупный торговый порт. Здесь находилась резиденция двора, жило много образованных людей. Они хотели окружать себя предметами искусства и могли себе это позволить.
💰 Основные заказчики — церковь, государство и аристократия. Они много платят: поэтому художники пишут не для маленьких домов, а для храмов, замков и государственных учреждений.
Телеграм-канал
Level One
Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков
подписаться
2. Франс Снейдерс. Церера с двумя нимфами, 1620–1628
3. Якоб Йорданс. Апостол, 1623–1625
4. Антонис ван Дейк. Портрет маркизы Елены Гримальди, супруги маркиза Николо Каттанео, 1623
5. Корнелис де Вос. Портрет семьи художника, 1630–1635
Барокко в переводе с португальского — «жемчужина неправильной формы». Это пышный и вычурный стиль, в котором всего в избытке.
Вот его основные черты:
🔴 Сочетает динамику, эмоциональность и контрасты.
🔸 Динамика достигается за счет диагональной композиции и ощущения движения: драпировки на картинах всегда колышутся.
🔸 Эмоциональность барокко — это выразительные лица, сложные позы, напряженные мышцы.
Герои картины вот-вот шагнут из рамы в наш мир.
🔸 Контрасты — еще один излюбленный прием: контрастируют цвета, свет и тень, живое и мертвое.
⛪️ Служит церкви. Барокко изображает святых, сцены из Ветхого и Нового заветов так живо и убедительно, чтобы зритель чувствовал себя участником событий.
👑 Прославляет светскую власть. Парадный портрет — важнейший жанр барокко, подчеркивающий достоинство сильных мира сего.
🍇
1. Антонис ван Дейк. Портрет Филиппа ле Роя, 1630
2. Рубенс. Пейзаж с бурей, 1625
3. Франс Снейдерс. Натюрморт с фруктами, 1630–1639
В этом уроке мы разберем разные жанры фламандского барокко, но пока мы не погрузились глубже, давайте сверим первые впечатления.
Поразмышляйте, какие ощущения вызывают эти картины? Чем они отличаются от голландских портретов, пейзажей и натюрмортов? Подумайте, есть ли какое-то общее ощущение от фламандского барокко?
курс Level One
Как получать удовольствие от искусства
Курс лекций о том, как устроены картины.
Любое полотно — это выбор холста и типа краски, отчаянный поиск идеального цвета и композиции, работа с символами и архетипическими образами. Научимся наслаждаться картинами от первого эскиза и мазка краски до музейной рамы.
Сегодня можно купить со скидкой 50%
3900₽
1950₽
подробнее о курсе
Страница не существует Ошибка 404
Неправильно набран адрес, или такой страницы на сайте больше не существует. Перейдите на главную или воспользуйтесь поиском
- Марки (по странам)
- Австралия и Океания
- Азия
- Америка
- Африка
- Европа
- Несуществующие страны
- Марки (по темам)
- Быт
- Геральдика
- Города и регионы
- Дети и семья
- Искусство и архитект.
- История
- Космос
- Личности
- Наука и техника
- Праздники
- Природа
- Разное
- Религия
- Собственная марка
- Спорт
- Транспорт
- Фауна
- Флора
- Europa CEPT
- Стандарты
- Гашеные марки
- Филателистическая продукция
- Буклеты
- Картмаксимумы
- Каталоги
- Сувенирные товары
- Конверты
- Конверты первого дня
- Конверты с оригинальной маркой
- Художественные маркированные
- Спецгашение
- Почтовые карточки
10 знаменитых художников барокко, основоположников стиля
В 17 веке Европу покорил новый стиль искусства.
Эта эпоха, известная как период барокко, подчеркивала щедрость и драматизм. И хотя было много художников, составлявших это культурное движение, некоторые из них выделялись среди остальных.
Здесь мы рассмотрим известных художников эпохи барокко , которые оставили свой след в этом стиле. Караваджо, например, первым применил драматический подход к живописи, в котором используются интенсивные контрасты и уникальные источники света. Точно так же Джан Лоренцо Бернини единолично воплотил идеалы барокко в новаторские и динамичные скульптуры, основанные на сильных эмоциях.
Прокрутите вниз, чтобы узнать о 10 знаменитых художниках эпохи барокко, основоположниках этого стиля.
Откройте для себя 10 знаменитых художников барокко, основоположников стиля
Аннибале Карраччи (1560–1609)
Аннибале Карраччи, «Автопортрет», ок. 1580 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Хотя его искусство со временем уступило место творчеству Караваджо, Аннибале Карраччи (1560–1609) считался одним из ведущих художников эпохи барокко.
Его стиль несколько напоминал идеализм стилей Ренессанса и маньеризма, но он создавал драму в стиле барокко с помощью монументальных фигур и динамичных композиций. Кроме того, творчество Карраччи было невероятно разнообразным и включало в себя пейзажи, жанровые сцены и портреты.
Известные произведения искусства: Domine, quo vadis? (1602), Оплакивание Христа (ок. 1604)
Караваджо (1571–1610)
Оттавио Леони, «Портрет Караваджо», ок. 1621 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Итальянский художник Микеланджело Меризи, более известный как Караваджо (1571–1610), был выдающимся живописцем XVII века, чей драматический стиль оказал глубокое влияние на живопись барокко. Он использовал интенсивный контраст светлого и темного, динамичные позы и фигуры, основанные на реальных людях, для создания мощных картин с напряженной психологической атмосферой.
Известные произведения искусства: Призвание святого Матфея (ок. 1599–1600), Распятие святого Петра (1600), Давид с головой Голиафа (1610),
Питер Пауль Рубенс (1577–1640)
«Портрет художника», панель, масло, 1623 г. (Фото: Public Domain, Wikimedia Commons.)
Сэр Питер Пауль Рубенс (1577–1640) был выдающимся фламандским художником эпохи барокко, жившим во времена Золотого века Голландии. В отличие от Караваджо, он не полагался на свет и тень для создания драмы, а вместо этого использовал яркую цветовую палитру и динамичное движение. Известный своими чувственными женщинами, роскошными цветами и динамичными композициями, Рубенс зарекомендовал себя как выдающийся придворный художник испанских Габсбургов, завоевав международную репутацию художника и дипломата.
Известные произведения искусства: Похищение дочерей Левкиппа (1618), Цикл Марии Медичи (1622–1624)
Жорж де Ла Тур (1593–1652)
Жорж де Латур, «Плотник Иосиф», ок.
1640 (Фото: Лувр, общественное достояние)
Со студией, расположенной в герцогстве Лотарингия, художник Жорж де ла Тур (1593–1652) был известен как «художник короля» и другой французской знати. Его особый стиль отличался резко освещенными картинами с сильным контрастом и часто освещенными свечами. Хотя он, вероятно, был вдохновлен Караваджо, он отличался своим подходом, изображая упрощенные фигуры и менее динамичные композиции.
Известные произведения искусства: Карточный шулер с бубновым тузом s (ок. 1620-е гг.), Кающаяся Магдалина (1625–1650 гг.), Иосиф Плотник (1642)
Артемизия Джентилески (1593–1656) №
«Автопортрет в образе мученицы», ок. 1615 (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)
Родился в артистической семье, Артемизия Джентилески (1593–1656) таланты были признаны в молодом возрасте.
В эпоху, когда женщины-художницы боролись с экстремальными трудностями, она не позволяла своему полу удерживать ее от изображения драматических и часто жестоких сюжетов. Она рисовала масштабные библейские и мифологические картины, как и ее коллеги-мужчины, и была первой женщиной, принятой в престижную Академию изящных искусств во Флоренции.
Ее наследие иногда затмевается ее биографией с ее кровавым изображением Юдифи, убивающей Олоферна часто интерпретируют через призму изнасилования, совершенного другим художником. Тем не менее, ее талант неоспорим, и она по-прежнему известна своим реалистичным изображением женских форм, глубиной цветов и поразительным использованием света и тени.
Известные произведения искусства: Юдифь, убивающая Олоферна (1614–1620)
Николя Пуссен (1594–1665)
Николя Пуссен, «Автопортрет», 1650 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Французский художник Николя Пуссен (1594–1665) культивировал стиль барокко, основанный на ярких цветах, ясности и четкости линий.
Он передал драму в своих картинах, организовав многочисленные фигуры в активных позах внутри четко определенного пространства. В результате многие его работы имеют сценический вид. Что касается сюжета, то он тяготел к классическим и мифологическим сценам.
Известные произведения искусства: Похищение сабинянок (1643)
Джан Лоренцо Бернини (1598–1680)
Джан Лоренцо Бернини, «Автопортрет», ок. 1635 (Фото: Уффици, Wikimedia Commons, общественное достояние)
Джан Лоренцо Бернини (1598–1680) был выдающимся итальянским скульптором, художником и архитектором, которому приписывают развитие стиля барокко в скульптуре. Родом из Неаполя, он считался вундеркиндом. Его отец, скульптор-маньерист, помог развить его таланты, и пара вместе работала над несколькими ранними заказами.
Когда Бернини переехал в Рим, он привлек внимание папы Павла V, который был впечатлен талантами молодого художника.
Достаточно скоро он нашел покровительство у кардинала Сципионе, страстного коллекционера произведений искусства и покровителя Караваджо. Эти отношения помогли финансировать некоторые из самых узнаваемых скульптурных работ Бернини. Помимо освоения мрамора, он также был опытным художником и успешным архитектором.
Известные произведения искусства: Похищение Прозерпины (1621–1622), Аполлон и Дафна (1622–1625), Давид (1623–1624)
Франсиско де Сурбаран (1598–1664)
Франсиско де Сурбаран, Фрагмент возможного автопортрета в картине «Святой Лука как художник перед распятием Христа», 1635–1640 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Франсиско де Сурбаран (1598–1664) был ведущим художником эпохи барокко, известным как «испанский Караваджо». Используя драматический стиль, пропитанный интенсивными контрастами света и тьмы, его работа была сосредоточена в основном на религиозных изображениях монахов, монахинь и мучеников.
Кроме того, он основывал свои реалистичные фигуры на живых моделях, наполняя свои картины дополнительным чувством натурализма.
Известные произведения искусства: Мученичество преподобного Серапиона (1628)
Диего Веласкес (1599–1660)
Диего Веласкес, «Автопортрет», ок. 1640 (Фото: Викисклад, общественное достояние)
Диего Веласкес (1599–1660) был выдающимся испанским художником эпохи барокко и крупной фигурой Золотого века Испании — периода художественного возрождения в Испании. Родом из Севильи, он с юных лет проявлял талант к искусству и учился у местного художника в городе. В 1622 году любимый придворный художник короля Филиппа IV умер, и Веласкесу, который уже был хорошо известен, было приказано выступить вперед и представить портрет. Позже, в 1624 году, молодой художник переехал в Мадрид и стал официальным придворным художником, что стало первой вехой в долгой карьере королевской семьи Габсбургов и многих других влиятельных лиц.
Известные произведения искусства: Портрет Инновента X (1650), Las Meninas (1656)
Рембрандт (1606–1669)
Рембрандт, «Автопортрет в возрасте 34 лет», 1640 г. (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons, общественное достояние)
Рембрандт Хармесзон ван Рейн (1606–1669) был художником из Голландской республики (современные Нидерланды) и одним из самых выдающихся деятелей Золотого века Голландии. В эту эпоху такие художники, как Рембрандт и Вермеер, черпали вдохновение в живописных техниках Северного Возрождения.
Достигнув первоначального успеха в качестве художника-портретиста, Рембрандт расширил свою практику, включив в нее широкий спектр стилей и предметов. Он документировал свою жизнь многочисленными автопортретами, создавал пейзажи, жанровые сцены, аллегорические и исторические сцены, картины с библейским и мифологическим подтекстом.
Известные произведения искусства: Урок анатомии доктора Николаса Тулпа (1632), Ночной дозор (1642), Автопортреты
Часто задаваемые вопросы
Кто 3 известных художника эпохи барокко?
Караваджо, Бернини и Веласкес — три знаменитых художника эпохи барокко.
Что определяет искусство барокко?
Искусство барокко определяется акцентом на драматизме, движении и щедрости с целью вызвать благоговение у зрителя.
Кто величайший скульптор эпохи барокко?
Итальянский художник и архитектор Джан Лоренцо Бернини стал пионером стиля барокко в скульптуре и считается самой влиятельной фигурой в этой области.
Статьи по теме:
Откройте для себя 20 знаменитых картин, находящихся в культовом парижском Лувре
Монументальные шедевры: 10 самых известных крупномасштабных картин в истории искусства
11 великих латиноамериканских художников, сформировавших западную культуру
Как светотень появился из темноты и стал одним из самых знаковых стилей живописи
Джованни Ланфранко Один художник, который был катализатором в этом
изменение в стиле барокко было Джованни
Ланфранко (1582-1647). Он был в Неаполе с 1632 года, работая в
Капелла дель Тесоро, в церкви СС Апостоли, в церкви Сан Мартино и на куполе
Gesu Nuovo, создавая поразительный пространственный иллюзионизм (см. также
ниже), которую он уже написал в С. Андреа делла Валле, Рим. В
в то же время неаполитанские художники посещали Рим, где они могли учиться
украшение Палаццо Барберини, ризница церкви Нуова
и работа Пьетро
да Кортона (1596-1669). Работы Кортона и Гверчино
(1591-1666) уже прибыли в Неаполь, оба в частных коллекциях
и в церквях. Можно было бы ожидать, что в результате этих контактов
Неаполитанское барокко было бы параллельно развитию Рима. Но
изучение картины, созданной в Неаполе 1635-1650 гг. Раннее присутствие работ Гверчино
и Пьетро да Кортона прошли почти совершенно незамеченными в Неаполе и покровительстве
определялось вкусами местных религиозных организаций (в частности театинцев
и иезуиты), на которых повлиял их выбор христианской
искусство по директивам Контрреформации. Картины Ланфранко
местные жители понимали, что это не примеры прилива барокко,
а скорее последние ответвления течения классицизма, происходящего от
Аннибале Карраччи
(1560-1609 гг. Неовенецианский Тенденции живописи Влияние, оказываемое различными главными героями
венецианских алтарей и венецианских
Однако портретная живопись преуспела в создании большого разнообразия
тенденций в неаполитанском искусстве, даже если они не произвели особого
стиль барокко. Что касается художников с опытом работы в жанре натурализма,
их внимание к некоторым аспектам рубенсовской и вандыкской живописи
произвел необычайное усовершенствование первоначальных качеств их
работа с точки зрения как цвета, так и света, а также смягчения и большей интимности
в их выразительных возможностях. Это достигло своего апогея в религиозной
картины Каваллино, такие как его С. Сесилия в экстазе (1645,
Палаццо Веккьо, Флоренция), но Рибера толкнул его еще дальше между
1646 и 1652 гг., которые создали произведения волнующей живописной красоты и
истинность выражения, не поддаваясь классическим решениям или изученным
академизм. Влияние Классицизм Среди последователей Станционе события развивались
иначе. Хотя они разделяли общее стремление к живописи
стиле, их идеологические представления заставляли их обращаться к классицизму
Гвидо Рени (1575-1642)
и Доменикино (1581-1641).
Следовательно, они предпочитали изучать неовенецианцев, которые объединили
драгоценный колорит со сбалансированными композициями и утонченной элегантностью
формы такие художники, как Андреа Сакки (1599-1661), Пуссен конца 1630-х гг.
и Чарльз Меллин (1597-1649) во время его работы в Сан Луиджи деи
Франчези и Монтекассино, где его врожденный классицизм сочетался с
культурная чувствительность выражения. (Смотри также: Тициан
и венецианской цветной живописи.) Учитывая эти строгости, мало или ничего
можно было бы уступить новому стилю барокко. На самом деле, Станционе
поздние произведения, с их монументальностью композиции, торжественным содержанием и аргументированностью
артикуляция с точки зрения структуры картины достигнутых решений
которые совершенно расходились с подавляющим иллюзорным изобилием
живописи барокко. В общих чертах это была ситуация в неаполитанской живописи с середины 1630-х годов до печальных дней чумы в 1656 году. Только Каваллино, кажется, пытается сделать что-то другое в своем небольшом масштабе. композиции после С. Сесилии 1645 года. Он следовал своему собственному поэтическому идеал высокоутонченных образов и хрупких чувств, который очень отличался от от выдержанной придворной элегантности Станционе. Религиозная идеология в Неаполе и Риме Таким образом, можно утверждать, что для всех тех
зараженный новой живописностью в 1630-х годах, было мало
вперед по сравнению с прогрессом, достигнутым в тот же период в Риме.
«Кризис живописности», имевший столь богатые последствия для живописцев
в Риме, не удалось отменить местную натуралистическую или классицистическую
тенденции в Неаполе. Только после 1656 г., благодаря работам Прети и
Джордано, эта неаполитанская картина маслом
соответствовала современным тенденциям, развившимся в Риме в
климат барокко. Причина, по которой неаполитанские художники разработали самостоятельно может быть разыскана по целому ряду причин, включая местные политическая, экономическая и социальная ситуация, местные культурные традиции и Неаполитанские религиозные взгляды. В этом контексте необходимо напомнить влияние, оказанное в Неаполе монашескими орденами, связанными с Терезианской и алькантарская реформа в течение длительного периода и квиетизмом, который нашли благодатную почву на юге Италии. Это движение способствовало формированию мистической преданности с высоким эмоциональным содержанием и 903:20 он ожил и распространенные религиозные практики, которые поощряли более прямую связь между верующий и божественный . Эти идеологические тенденции были существенно
отличается от римской церкви, особенно от иезуитов, которые
превозносил ценность всеобщего над частным, привилегированным религиозным
практики, которые обещали возможность преодоления ограничений, наложенных
на состояние человека и подтвердил роль церковного института
как единственного действительного посредника между верующими и божеством. Понятно, что такая двойственность также находить отражение во всем религиозном искусстве, особенно живопись, учитывая ее функцию как одного из главных инструментов религиозной пропаганды и как материальная форма выражения религиозной абстракции. Не лишено значения, что импульсы и уверенность триумфальной римской церкви в начале seicento были лучшими выражается в оптимистичных и ошеломляющих барочных представлениях о неограниченном пространство (реализованное, например, через драматические ди сотто ин су потолочные украшения и другие формы тромпы l’oeil painting), в то время как в Неаполе тип религиозности благоприятствовал алькантаринцев, терезианцев и квиетистов проявили себя в предпочтение тем, которые затрагивали и даже превозносили боль и страдания человеческого существования. Политические льготы искусства барокко При объяснении сравнительного безразличия
барокко в Неаполе, мы не должны забывать, что политическое, экономическое
и социальное положение Неаполя сильно отличалось от римского. Но в Неаполе были глубокие трещины в общество. Растущая политическая и административная слабость, из-под контроля правительства Мадрида с вице-королем в качестве единственного гарант, попытки капризной знати отстоять свою древнюю привилегии и существование церковного и монашеского сословия, был могуч как по численности, так и по имуществу, служил для связывания функции изображений почти исключительно для индивидуальных или фракционных нужд. Работы искусство интерпретировало консервативные тенденции господствующих классов. Это только после восстания 1647–1648 гг. и чумы 1656 г. политики поняли, как можно использовать картины в качестве эффективного орудием идеологического утверждения и стал постигать великое потенциал барокко, как это было использовано в Риме. Фреска в Риме
живопись была открыта для смелых экспериментов барочного иллюзионизма. К середине XVII в. в Неаполе были признаки художественного истощения. Помимо Риберы и Каваллино, неаполитанские художники, например Франческо Фраканцано и Антонио де Беллис, создавали произведения, которые были легкими и неспособными дать жизнь новым формам искусства. В окружении Станционе, несмотря на некоторые стремясь превзойти местный опыт, Vaccaro и Pacecco de Rosa эволюционировали стили контролируемой элегантности со все более очевидным академическим уменьшением. | |
| Лука Джордано Все эти черты должны были быть очевидны
молодому Луке Джордано, когда
он поступил в мастерскую Риберы около 1650 года. В частности, он изучал искусство
1630-е годы в переходный период от натурализма к живописности.
молодой художник, еще не достигший 20 лет, вполне понял богатство и
плодородия того момента и осознал ценность того, как он
открыл неаполитанское искусство для влияния европейской живописи в целом,
и спасла Неаполь от зарождавшегося культурного провинциализма, к которому
его живопись, казалось, дрейфовала в начале 1650-х годов. Но это было прежде всего его путешествие, чтобы учиться
в Риме, Парме и Венеции около 1653 года, что повлияло на направление его
искусство. Путешествие приобрело символическое значение, так как это было путешествие в прошлое.
время, чтобы изучить то, что казалось ему наиболее важными источниками для развития
современного искусства. В Риме учился не только Микеланджело
(1475-1564) и Рафаэль (1483-1520),
как это было принято, но и Ланфранко, Пьетро да Кортона и неовенецианцев
работы, особенно работы Рубенса в Chiesa Nuova. Позже он изучал
Источники Рубенса: Корреджо
(1489 г.-1534) в Парме и, наконец, в Венеции Фетти, Либери, Строцци и,
самое главное, картины Тициана
(ок. Решительный разрыв Джордано с Неаполитаном
традиции и его принятие стиля барокко были вызваны
прибытие в Неаполь с его «насыщенным громоподобным, реалистическим и апокалиптическим
барокко» (Лонги). Кратковременное, но плодотворное пребывание Прети в Неаполе (1656-1660)
был исключительно важен не только для развития Джордано, но и
за качество картины, которую он там написал. В этот период как раз
после его пребывания в Модене и до того, как он пошел работать на рыцарей
Мальте он выполнил несколько фресок, а также панно
картины и обширные полотна для церковных сводов и особняков.
Прети удалось показать то, что Джордано уже почувствовал: этот неаполитанский
живопись могла быть оживлена и поднята над чисто провинциальной через
примирение натуралистической традиции и полноценной эстетики
барокко. Картины Маттиа Прети Ранняя неаполитанская работа Маттиа
Прети (1613-99), который до сих пор перекликается с Ланфранко, также приближается к Баттистелло.
и Рибера, но темная, густая краска прерывается вспышками раскаленных
свет. Он уже впитал влияние Караваджо во время своего
обучение в Риме; другой художник, имеющий фундаментальное значение для его искусства,
как по широте композиции, так и по цвету,
был Паоло Веронезе. Это особенно очевидно в более поздних неаполитанских работах Прети.
картины — праздничные застолья, напоминающие Веронезе и полотна
которые украшают потолок Сан Пьетро в Майелле в венецианской манере
что Джордано должен был оценить. Эти работы показывают современную жизнь Прети.
чувство огромного, расширенного пространства и его транспозиция караваджизма
в терминах барокко. Его техника широка и плавна, его картины окутаны
в теплом сиянии, расширяющем пространство композиций и
усиливает витиеватые формы и окраску, полученные от Veronese. Он избегал легкомысленного модного иллюзионизма; в его творчестве стиль барокко, быть может, впервые сообщен явно аутентичные ощущения и эмоции, сохраняющие нетронутым образ «настоящей» человечности, способной на глубокие и настоящие чувства и, как следствие, эффект был тем более искренне «героическим» и монументальным. Пример Preti ускорил тенденции
которые уже присутствовали в искусстве Джордано. Эти два итальянца
Художники эпохи барокко работали на равных. От ассимиляции Джордано
неовенецианцев, Рубенса и мастеров венецианского чинквеченто ,
Прети был побужден вернуться к своим ранним исследованиям солнечной, грандиозной музыки Веронезе.
композиции. Взамен Прети назначил Джордано «действительным и стимулирующим
пример умственного отношения, которое считало искусство настоящим и
прошлое как чистое поле, не внушающее благоговения или «академических» норм,
но был свободно доступен для новых впечатлений». 1660-е годы: Стиль барокко Джордано Когда Прети уехал на Мальту, Джордано возобновил свою полемику с традицией со свежей энергией, как будто он своего рода крестовый поход, порученный ему, и вернулся к изучению Венецианцы чинквеченто и до Рубенса. Он все же прошел мимо отсылки к Рибере, поздние работы Аннибале Карраччи, молодой Пуссен и, в частности, Пьетро да Кортона. В средней фазе он переосмыслил Флорентийские работы Пьетро да Кортона, корреджские качества Ланфранко. живопись и классицизм Маратты, но, прежде всего, его искусство контактами с искусством Гаулли с его отголосками Корреджо и Бернини (1598-1680). Получившийся стиль определенно был барокко.
На этом этапе Джордано вышел за рамки подражания, дав волю своему
сердце, а не разум, и он перевел в цветную фантазию
сильные эмоции, порожденные бесконечным зрелищем света, формы и
цвета, в котором естественная и сверхъестественная реальность предстала перед его
беспокойный, мечтательный ум. Его запрестольные образы и светские произведения были
необычайной живописной интенсивности, и он нарисовал огромные, волнующие
циклы фресок во Флоренции, Неаполе, Мадриде, Эскориале и Толедо. Его
последняя работа, значительно написанная в начале восемнадцатого века,
был украшением небольшого купола Сокровищницы Сан-Мартино. Эти
Истории Юдифи и других героинь Ветхого Завета — самые
лучезарное знакомство с новым изысканным стилем европейского рококо
движение, источник всего искусства от Себастьяно Риччи (1659-1734)
Джамбаттиста Тьеполо
(1696-1770) и от Коррадо Джакинто (1703-66) до Жана-Оноре Фрагонара
(1732-1806). Они представляли собой страстную мольбу стареющего Джордано.
будущим художникам освободить творческую фантазию от ограничений реального
и мирское. Итак, после колебаний и трудностей в начале века стиль барокко, наконец, полностью сформировался с Прети. и классицистические тенденции Франческо Солимены в начале восемнадцатого века. Джованни Баттиста Бейнаски Искусство Джованни Баттиста Бейнаски
(16361688) менее новаторский, чем у Джордано, но имеет признаки
современности, никогда не встречавшейся у Де Марии или Фарелли. Он родился в Пьемонте
и долгое время действовал в Неаполе; он работал в ярко выраженном неоланфранкском стиле.
жила, близкая по стилю Джачинто Бранди (1621-91) в Риме. Его огромные фрески
и полотна в Санта-Мария-дельи-Анджели в Пиццофальконе, Санта-Мария-делле
Грацие в Капонаполи и СС Апостоли демонстрируют успешную интеграцию
протобарочные черты Корреджо, присутствующие в Ланфранко.
работу и продемонстрировал свою значимость как художника и источника барокко
стиль и чувственность, которые не отказались, как Джордано, от необходимости
для формальной ясности. Восхищение Бейнаски Ланфранко не лишь отражало стремление к стилистической преемственности, но и совпадало с энтузиазм для Джордано. Интернационализм в Неаполе Но пока Джордано был самым важный художник в Неаполе во второй половине Seicento , по крайней мере, до зрелости Франческо Солимены неаполитанская живопись была не полностью во власти искусства барокко. Несмотря на огромное количество престижных комиссий, Джордано получил от церквей и дворцов в Неаполе, он принял отношение почти показной независимости от местной среды, предпочитая его искусство следует рассматривать в европейском контексте. Это было лишь в редких случаях что местные покровители могли предоставить ему возможности, предлагаемые Палаццо Медичи-Риккарди во Флоренции, монастырь Сан-Лоренцо в Эскориале, Буэн-Ретиро Дворец в Мадриде или собор Толедо. Итак, пока Джордано рисовал свою воздушную
Барочные видения и привнесение в неаполитанскую живопись новой жизни,
было жизненно важно для последующих событий, местный энтузиазм
живопись более традиционного характера. Прочие неаполитанские Художники барокко Франческо Ди Мария (1623–1690) и
Джакомо Фарелли (1629-1706) сопротивлялся нововведениям Джордано и поддерживал
классические ценности, поддерживая в традиционной моде, что форма была более
важнее живописных качеств. Однако они не полностью игнорировали
недавние улучшения; на самом деле, Ди Мария часто пытался пересадить Прети
более тонкое моделирование его классического стиля, и Фарелли позаимствовал у обоих
Прети и Джордано. Но отношение Ди Марии и Фарелли представляло
художественная философия, возрожденная аркадским движением, позже
предыстория переоценки его живописи, которая уже имела
значительное влияние на работу Прети в Модене, Неаполе и Мальте и даже
на Джордано. Франческо Солимена Классицизм С Франческо
Солимена, который после Джордано был величайшим художником Неаполя.
во второй половине Seicento , различные тенденции, которые
появился в живописи на протяжении более 50 лет, из Ланфранко
Прети и Джордано, достигли точки наибольшего визуального воздействия. Его
работа вплоть до начала восемнадцатого века, хотя и показывая
осведомленность о неаполитанской натуралистической традиции, а также о Ланфранко,
Пьетро да Кортона, Джордано и Прети и даже сдержанного классицизма Маратты,
характеризуется чувством компромисса между старым и новым, между традицией
и современность, что отличает его от творчества Ди Марии и Фарелли. В отличие от Джордано того же периода, Солимены, со времени его ранней зрелости и все чаще вокруг поворота века, наделил свое искусство этическим и изысканным эстетическая ценность. Это был метод представления, который, хотя и появлялся прямой, на самом деле скрывал сложный культурный фон и представлял собой синтез художественных тенденций всего века в своем стремлении стиля, а не формулы. Стиль, способный удовлетворить потребности это вышло за рамки намерений барочной живописи и встречи с требования неаполитанской религиозности с ее контрреформационными импульсами и квиетизм, а также рационалистические тенденции некоторых наиболее прогрессивные слои южного общества. В этом Солимена была близка и, возможно,
под влиянием Паоло де Маттеиса (1662-1728), который после периода пребывания в Риме
в кругу Карло Маратта
(1625-1713), занимавшийся своего рода компромиссом между классицизмом и барокко. Итак, пока урок Джордано, теперь закаленный влиянием живописи генуэзского позднего барокко, иссякшего в декоративное, тонкое рококо и светская работа Доменико Антонио Ваккаро (1678-1745) и Джакомо дель По (16541726), Солимена — уже один из главных героев новой живописи в Европе и единственный художник в Неаполе с положительным чувством непрерывной преемственности идей, даже больше, чем стиля — балансировал между тенденциями великой традиции семнадцатого века и нового направления век, который только начался.
|
.jpg)
1650-1700)
, делает очевидным
что наследие венецианской живописи,
живописность Рубенса и Ван Дейка, работы Кастильоне
(1609-64) и даже работы Николя
Пуссен (1594-1665) до своего окончательного поворота к классицизму не произвел
те же результаты в Неаполе, что и в Риме. До середины века,
позиция неаполитанцев была, если не решительной оппозиции
к тенденциям барокко либо равнодушие, либо почти полное непонимание.
).
В
В эти годы в Риме господствовало великолепие папского двора,
стремился подтвердить свою прошлую роль великой светской державы и
как универсальный проводник христианского мира всеми доступными средствами.
Были вовлечены как религиозные ордена, так и великие патрицианские семьи.
в монументальных художественных проектах, чтобы отпраздновать престиж, который они получили
из назначенных им должностей в рамках новой организации папского
состояние. В обществе, управляемом точными и строгими иерархическими законами,
изобразительное искусство стало инструментом
продвигать политику консенсуса среди всех социальных классов. И барокко,
в котором каждый элемент, иконографическая деталь и используемые материалы были
построены в единое целое, представляя собой образ бесконечной вселенной
направляемый Божественным Провидением, был наиболее подходящим стилем, с которым
передать принцип иерархии. (См.
: барокко
архитектура, а также архитекторы эпохи барокко
и квадратуристов ).
и квадратура с момента
конец 1620-х годов, в Неаполе, за исключением Ланфранко и Доменикино,
он оставался исключительной прерогативой художников, либо связанных с поздним маньеризмом,
традиции (например, Белисарио Коренцио, Луиджи Родригес) или зависит от
классическая традиция и Доменикино (например, Массимо Станционе).
Его работа до кануна
чума 1656 года отражала его желание проследить последние 15 лет правления Риберы.
деятельности, со времени живописного кризиса 1633–1634 гг.
работа после 1646 года. Он также был впечатлен зрелой работой Станционе
и Франческо Фраканцано, Аньелло Фальконе и Ваккаро, но влияние
Риберы и Мастера Благовещения, а также его изучение караваджизма,
ясно показывает, какие аспекты новейшей истории неаполитанской живописи
показался не по годам развитой чувствительности юного Джордано достойным
рассмотрение.
В этом
отношении, его версии более ранних композиций Риберы, его первый, робкий
подражания работам Ланфранко и Пьетро да Кортона в Неаполе и его
раннее присоединение к идеалам, поощряемым Академия дельи Инвестиганти все дали плодотворные результаты.
1485/8-1576), Паоло Веронезе
(1528-88), Тинторетто (1518-94)
и Якопо Бассано (1515-92),
который он признавал источником всего хорошего в современном
рисование.
Он рисовал с чувством разнообразия и
необъятность Природы и Вселенной, воплощая ту барочную идею
неограниченное, непрерывное пространство в образы, написанные в его собственном современном стиле.
Кроме тех, кто принадлежал к
старшее поколение, такое как Андреа Ваккаро или Джузеппе Марулло (ок. 1526–1585),
или чьи работы были скромными по качеству, как Джакомо ди Кастро (ок. 1597-1687),
мы должны упомянуть некоторых художников, которые обучались почти в то же время
как Джордано и который намеревался конкурировать с ним.
Влияние Ланфранко должно было стать решающим для Франческо.
Развитие Солимены около 1665-70 гг., После его натуралистических начал.
со своим отцом Анджело и его ранним интересом к Джордано.
около 1690 года. Этот этап его творчества оказал влияние на различных художников, которые начинали
в манере рококо, например, Франческо де Мура (1696-1782) и Феделе
Фишетти (1734-89). Творчество Солимены, в частности на рубеже
settecento, превзошел даже блестящую реинтерпретацию де Маттеиса.
Maratta с точки зрения света и цвета.
