Барокко в истории это: Нарышкинское барокко – HiSoUR История культуры — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Нарышкинское барокко – HiSoUR История культуры

Барочное Нарышкин, также называемое московским барокко или москвичским барокко, – это имя, придаваемое определенному стилю барочной архитектуры и декора, который был модным в Москве с рубежа 17-го по начало XVIII века.

Нарышкинское или московское барокко – условное название специфического стиля в русской архитектуре в конце XVII – начале XVIII века, начальном этапе развития архитектуры русского барокко. По его названию архитектурная тенденция связана с молодой, бояринской семьей Нарышкиных, ориентированной на Западную Европу, в которой московские и московские поместья были построены с элементами нового стиля барокко для России того времени.

Главное значение стиля Нарышкина заключается в том, что он стал связующим звеном между архитектурой старой патриархальной Москвы и новым стилем (барочным Петром), построенным в западноевропейском духе Санкт-Петербурга. Стиль Голицына, который был ближе к западноевропейскому барокко, был построен одновременно с Нарышкинским стилем (возведенные в нем здания иногда считаются нарышкинским стилем или используют обобщенное понятие «московское барокко») эпизод в истории русского барокко и не мог играть такой важной роли в истории русской архитектуры.

имя
Название «Нарышкинский» придерживалось стиля после тщательного изучения в 1920-х годах. Церковь Покрова, построенная в конце XVII века. Нарышкин Фили. С тех пор архитектуру Нарышкина иногда называют «Нарышкин», и, учитывая основную область распространения этого явления, «московское барокко». Тем не менее, существует определенная трудность в сопоставлении этого архитектурного направления с западноевропейскими стилями, и это связано с тем, что, стадийно соответствующий раннему возрождению, стиль Нарышкина со стороны формы не поддается определению в Категории, сформированные на западноевропейском материале, включают в себя такие функции, как барокко, так и ренессанс и маньеризм. В этой связи предпочтительнее использовать термин «стиль Нарышкина», который имеет давнюю традицию использования в научной литературе.

Предпосылки для появления
В XVII веке. в русском искусстве и культуре появилось новое явление – их секуляризация, выраженная в распространении светских научных знаний, отход от религиозных канонов, в частности, в архитектуре. Примерно со второй трети XVII века. начинается формирование и развитие новой светской культуры.

В архитектуре секуляризм выражался прежде всего в постепенном отходе от средневековой простоты и строгости в погоне за внешней живописностью и элегантностью. Все чаще клиенты церковного строительства стали торговцами и горожанами. Это сыграло важную роль в характере возведенных зданий. Был построен ряд новых элегантных церквей, которые, однако, не нашли поддержки в кругах церковных иерархов, которые сопротивлялись секуляризации церковной архитектуры и проникновению в нее секуляризма. Патриарх Никон в 1650-х годах запретил строительство палаточных церквей, выдвинув традиционную пятиглавую церковь, что способствовало возникновению многоуровневых церквей.

Однако влияние светской культуры на российскую архитектуру продолжало расти, а также некоторые западноевропейские элементы проникли в нее фрагментарно. После заключения Россией «Вечного мира с Содружеством» в 1686 году это явление приобрело более масштабные масштабы: установившиеся контакты способствовали широкомасштабному проникновению польской культуры в страну. Это явление не было однородным, потому что тогда восточные окраины Содружества были заселены православными культурами, близкими по культуре, и часть культуры, включая чисто национальные элементы, была заимствована у них. Сочетание особенностей разных стилей и культур, а также определенное «переосмысление» их русских мастеров и определение специфики нового появляющегося архитектурного направления – стиля Нарышкина.

Стиль
Нарышкинское барокко – это, по сути, слияние традиционной русской архитектуры с элементами барокко, импортируемыми из Центральной Европы. Это в отличие от более радикального подхода петровского барокко, примером которого является Собор Св. Петра и Павла в Санкт-Петербурге и башни Меньшикова в Москве.

Особенности
«Нарышкинский стиль» тесно связан с узором, но это в какой-то мере его дальнейшая стадия, в которой проходят трансформированные формы западноевропейской архитектуры – приказы и их элементы, декоративные мотивы, несомненно, из барочного происхождения.

От архитектуры XVI века. он отличается пронизывающей вертикальной энергией, скользящей по сторонам стен, и выбрасывает пышные волны узоров.

Для зданий типа «Нарышкин» характерны смесь противоречивых тенденций и тенденций, внутреннего напряжения, неоднородности структуры и декоративной отделки. Они характеризуются особенностями европейского барокко и маньеризма, отголосками готики, ренессанса, романтизма, слились с традициями русского деревянного зодчества и древнерусской каменной архитектуры. Характерен двойной масштаб – один гигантский, вертикально стремящийся, а другой – миниатюрный-подробный. Эта особенность была воплощена во многих архитектурных проектах в Москве в течение всей первой половины XVIII века. Многие традиции стиля Нарышкина можно найти в проектах IP Зарудный (Меньшиковская башня), Баженов и Казаков.

Элементы внешнего оформления типичного стиля маринистов используются не для расчленения и украшения стен, а для формирования проемов и украшения ребер, как это было принято в традиционной русской деревянной архитектуре. Противоположный эффект создается элементами внутренней отделки. Традиционный русский цветочный узор приобретает барочное великолепие.

Характерный для европейского барокко непрерывного движения, динамика перехода лестницы из космоса в интерьер, в стиле Нарышкина, не получил такого очевидного воплощения. Лестницы скорее спускаются, чем поднимаются, изолируя внутреннее пространство зданий снаружи. В них видны черты традиционной народной деревянной архитектуры.

Стиль Нарышкина также характеризуется двухцветной комбинацией красного кирпича и белого камня, использованием полихромной плитки, позолотой резьбы по дереву в интерьере в соответствии с традициями «русская узорочья» и «травяной орнамент». Сочетание красных кирпичных стен, обрезанных белым камнем или гипсом, было типичным для зданий Нидерландов, Англии и Северной Германии.

Здания, построенные в стиле Нарышкина, нельзя назвать поистине барочными в западноевропейском смысле. Нарышкинский стиль в своей основе – архитектурная композиция – оставался русским, и только отдельные, часто едва заметные элементы декора были заимствованы из западноевропейского искусства. Таким образом, состав ряда возведенных церквей противоположен барочному – отдельные тома не сливаются в одно целое, пластически переходя друг в друга, но помещаются один над другим и строго ограничены, что соответствует принципу типичного для древнерусской архитектуры. Иностранцы, как и многие русские, знакомые с западноевропейскими барочными узорами, стиль Нарышкина воспринимались как поистине русское архитектурное явление.

Здания
Некоторые из первых зданий в новом стиле появились в московском и московском имениях боярской семьи Нарышкиных (из клана матери Петра I, Наталии Нарышкиной), в которой изящные многоуровневые церкви красного кирпича с (яркие примеры: Церковь Покрова в Фили (1690-1693), Троицкая церковь в Троице-Лыковском (1698-1704), которые характеризуются симметрией композиции, консистенцией масс и расположение пышного белокаменного декора, в котором свободно интерпретируемый ордер, заимствованный из западноевропейской архитектуры, служит средством визуальной увязки многогранного объема строительства.

Церковь Покрова в Фили построена в соответствии с принципами формирования, типичными для русской архитектуры XVII века, представляющими пятиглавый многоуровневый храм, в котором строго ограниченные объемы колокольни и церкви расположены на одном и том же вертикальной оси, так называемого восьмиугольника на четырехугольник. Четверик, окруженный полукругами апсид, на самом деле является самой церковью Покрова, а выше, на следующем ярусе, восьмиугольником является Церковь во имя Спасителя, не созданного руками, покрытого восьмью тонированная арка. На нем поднимается звенящий ярус, выполненный в виде восьмиугольного барабана и увенчанный тонкой позолоченной граненной луковой головой, в то время как остальные четыре главы завершают апсиды церкви. У основания церкви есть гульбиши, вокруг церкви – просторные открытые галереи. В настоящее время стены храма окрашены в розовый цвет, подчеркивая белоснежные декоративные элементы здания.

Подобные черты – полностью белоснежная церковь Троицы, расположенная в другой усадьбе Нарышкина, Тринити-Лыково и построенная Яков Бухвостовым. С именем этого крепостного по происхождению архитектора связаны и многие другие здания в стиле Нарышкина. Примечательно, что в зданиях Бухвостова есть элементы преднамеренно введенного западноевропейского ордера (соответствующая терминология используется в контрактной документации), однако использование элементов заказа отличается от того, что принято в европейской традиции: основной опорный элемент, как и в древнерусской архитектурной традиции, сохранились стены, которые почти исчезли. Среди множества элементов декора.

Еще одним выдающимся зданием в стиле Нарышкина был архитектор крепости Петр Потапов, построенный для купца Ивана Матвеевича Сверчкова, тринадцатиголовой Успенской церкви на Покровке (1696-1699 гг.), Которую восхищал Бартоломео Растрелли, а Василий Баженов поставил его наравне со св. Собор Василия Блаженного. Церковь была настолько живописна, что даже Наполеон, который приказал взорвать Кремль, поставил рядом с ней особую охрану, так что она не была поражена огнем, который начался в Москве. На сегодняшний день церковь не дошла, потому что она была демонтирована в 1935-1936 годах под предлогом расширения тротуара.

В традициях стиля Нарышкина было восстановлено много церквей и монастырей, что отразилось, в частности, в ансамблях Новодевичий и Донских монастырей, Крутицкой подмосковье в Москве. В 2004 году комплекс Новодевичий монастырь был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, в том числе в качестве «выдающегося примера так называемого« московского барокко »(критерий I) и как« выдающийся пример исключительно хорошо сохранившегося монастырского комплекса , подробно отражающий «московское барокко», архитектурный стиль конца XVII века. »(Критерий IV). В монастыре сохранились стены и ряд церквей, построенных или перестроенных в стиле Нарышкина.

В архитектуре Санкт-Петербурга в начале XVIII века. Стиль Нарышкина не получил дальнейшего развития. Однако между архитектурой Нарышкина и петровским барокко Петербурга в первой четверти XVIII века. существует определенная преемственность, типичными примерами которой являются здания, обслуживающие светские потребности Сухаревской башни (1692-1701 гг.) и церковь Архангела Гавриила или Меньшиковская башня (1701-1707) в Москве. Основа композиции Меньшиковской башни, построенной архитектором Иваном Зарудным на Чистых Прудах в Москве для ближайшего соратника Петра Великого князя Александра Меньшикова, основана на традиционной схеме, заимствованной из украинского деревянного зодчества – несколько снижающейся вверх

Важность для российской архитектуры
Стиль Нарышкина сильнее всего повлиял на внешний вид Москвы, но также оказал большое влияние на развитие всей архитектуры России в XVIII веке, являясь связующим звеном между архитектурой Москвы и Санкт-Петербурга в процессе строительства. Во многом благодаря Нарышкинскому стилю был сформирован оригинальный образ русского барокко, что особенно ярко проявилось в его позднем елизаветинском периоде: в шедеврах Бартоломео Растрелли-младшего. Особенности московского барокко сочетаются с элементами итальянской архитектурной моды того времени, в экстерьерном оформлении таких московских барочных зданий, как церковь Св. Климента (1762-69, архитектор Пьетро Антони Трезини или Алексей Евлашев), Красные ворота (1742, архитектор Дмитрий Ухтомский) также имеют архитектуру Нарышкина, особенно ее характерное сочетание красных и белых цветов в оформлении стен.

Позже, в конце XIX века. Архитектура Нарышкина, которая широко воспринималась к тому времени как типичное российское явление, оказала определенное влияние на формирование так называемого псевдорусского стиля.

Московский барокко – HiSoUR История культуры

Московское барокко является условным названием стиля русской архитектуры в последние десятилетия XVII – начала XVIII века, основной особенностью которого является широкое использование элементов архитектурного заказа и использование центрических композиций в архитектуре храма. Первый этап развития русского барокко. Устаревшее название – барокко Нарышкина.

происхождения
Во второй половине XVII века. в русской культуре, поворот к гражданским началам общественной жизни, обращение к человеческой личности, как основной элемент бытия стали ощущаться. Это явление было названо «рождение до рождения» (Д.С. Лихачев). В архитектуре был отход от условности средневековой архитектуры для рациональных форм заказов. Эти процессы были похожи на начало эпохи Возрождения в Западной Европе.

Однако раньше, в конце XIX – начале. XX век., Историки искусства определили архитектурный стиль, связанный с традициями западноевропейского ордера. Игнорируя культурные предпосылки для его появления и используя только хронологическую переписку с искусством Западной Европы в конце XVII века, эта тенденция называлась «барокко». Более того, учитывая сложившееся в то время мнение, что все прогрессивное в русской культуре в конце XVII века связано исключительно с Петром I и его ближайшими соратниками, эта русская версия барокко называлась «Нарышкин», после родственников Петра Я по линии матери Нарышкина, предположительно, первым начал возводить здания, которые отличались по своей архитектуре от традиционной стилистики зданий Древней Руси. Первые здания в стиле «Нарышкинское барокко» назывались Церковью Покрова в Фили и Собором Первосвященского монастыря.

Позже, в 1960-х годах, в результате исследования было установлено, что в начале XVI века был построен ключевой памятник «Нарышкинское барокко» – собор Высокогопетровского монастыря. Кроме того, памятники были воздвигнуты перед церковью Покрова в Фили, но с той же стилистикой. Среди этих зданий были здания Новодевичьего монастыря и, особенно, церковь Параскевы Пятницы в Охотном ряду, построенная по приказу князя В. В. Голицына, государственного канцлера и ближайшего соратника княгини Софии. Таким образом, название «Нарышкинское барокко» утратило свою актуальность.

Некоторые исследователи (М. А. Ильин) обратили внимание на то, что начальная фаза «московского барокко» тесно связана с возобновлением строительства Воскресенского собора Ново-Иерусалимского монастыря и что и декор декора, и центральность планировочного решения, характерного для церковных зданий московского барокко, может быть заимствована капитальными мастерами из этого здания. Воскресенский собор был оставлен после осуждения и изгнания Патриарха Никона (1666 г.). Царь Федор Алексеевич добился прощения и возвращения Никона (1681 г.), согласно его приказу, строительные работы в Воскресенском соборе продолжались после более чем десятилетнего перерыва. С прощением Никона архитектура Воскресенского собора привлекла внимание просвещенных кругов Москвы: элементы пространственно-пространственного решения и дизайн собора были взяты за исходные образцы для создания нового стиля в архитектуре.

Все эти исследования показали связь с архитектурой раннего Возрождения, а не с барокко, но с учетом преобладающей терминологии было принято решение оставить название «барокко» (с территориальной нотацией «Москва»), хотя современные ученые признают, что это «… барокко, несущее функцию Возрождения».

Хронологические рамки стиля
Основным периодом развития архитектуры московского барокко можно считать период с начала 1680-х годов до первых лет 1700-х годов. в Москве. В регионах России пространственные решения и характерная система проектирования (но в несколько упрощенной форме) можно проследить до конца XVIII века. Постепенное ослабление мегаполисов «Московское барокко» можно объяснить постепенным переходом городской жизни в Петербурге и сосредоточиться на западноевропейской архитектуре и ее мастерах, открыто провозглашенных Петром I.

Потоковые потоки
Московское барокко в классическом варианте является стилистически довольно однородным явлением. Независимо от географического положения художественные элементы оформления – ордер, рамки оконных и дверных проемов – следуют стандартной модели и поэтому легко узнаваемы.

Тем не менее, существует несколько групп зданий, которые имеют существенные отличия от основного направления, но не выходят за рамки стиля. Направления связаны с их внешностью, в основном, вкусами конкретных клиентов.

Строгановский стиль
Во-первых, это относится к зданиям, построенным по заказу крупного промышленника Строганова на Урале. Здания этой группы характеризуются их относительной местностью. С точки зрения архитектуры архитектура строгановских зданий более насыщена декоративными украшениями, чем московские памятники, элементы порядка иногда имеют еще более классический вид, чем в Москве, что позволяет отличить эту тенденцию как «Строганов» стиль. ”

Стиль Нарышкина
Нарышкинское или московское барокко – условное название специфического стиля в русской архитектуре в конце XVII – начале XVIII века, начальном этапе развития архитектуры русского барокко. По его названию архитектурная тенденция связана с молодой, бояринской семьей Нарышкиных, ориентированной на Западную Европу, в которой московские и московские поместья были построены с элементами нового стиля барокко для России того времени.

Главное значение стиля Нарышкина в том, что оно стало связующим звеном между архитектурой старой патриархальной Москвы и новым стилем (Петровским барокко), построенным в западноевропейском духе Санкт-Петербурга. Стиль Голицына, который был ближе к западноевропейскому барокко, был построен одновременно с Нарышкинским стилем (возведенные в нем здания иногда ссылались на стиль Нарышкина или использовали для них обобщенное понятие «московское барокко») эпизод в истории русского барокко и не мог играть такой важной роли в истории русской архитектуры.

заглавие
Успенская церковь в Покровке, Москва

Название «Нарышкинский» придерживалось стиля после тщательного изучения в 1920-х годах. Церковь Покрова, построенная в конце XVII века. Нарышкин Фили. С тех пор архитектуру Нарышкина иногда называют «Нарышкин», и, учитывая основную область распространения этого явления, «московское барокко». Тем не менее, существует определенная трудность в сопоставлении этого архитектурного направления с западноевропейскими стилями, и это связано с тем, что, стадийно соответствующий раннему возрождению, стиль Нарышкина со стороны формы не поддается определению в Категории, сформированные на западноевропейском материале, включают в себя такие функции, как барокко, так и ренессанс и маньеризм. В этой связи предпочтительнее использовать термин «стиль Нарышкина», который имеет давнюю традицию использования в научной литературе.

Предпосылки возникновения
В XVII веке. в русском искусстве и культуре появилось новое явление – их секуляризация, выраженная в распространении светских научных знаний, отход от религиозных канонов, в частности, в архитектуре. Примерно со второй трети XVII века. начинается формирование и развитие новой светской культуры.

В архитектуре секуляризм выражался прежде всего в постепенном отходе от средневековой простоты и строгости в погоне за внешней живописностью и элегантностью. Традиционно заказчиками церковного строительства стали торговцы и горожане, которые играли важную роль в природе возведенных зданий. Был построен ряд светских элегантных церквей, которые, однако, не нашли поддержки в кругах церковных иерархов, которые сопротивлялись секуляризации церковной архитектуры и проникновению в нее секуляризма. Патриарх Никон в 1650-х годах запретил строительство палаточных церквей, выдвинув традиционную пятиглавую церковь, что способствовало возникновению многоуровневых церквей.

Однако влияние светской культуры на российскую архитектуру продолжало расти, а некоторые западноевропейские элементы также фрагментировались. Однако после того, как Россия завершила Вечный мир с польско-литовским Содружеством в 1686 году, это явление приобрело более масштабный характер: установившиеся контакты способствовали широкомасштабному проникновению польской культуры в страну. Это явление не было однородным, потому что тогда восточные окраины Содружества были заселены православными культурами, близкими по культуре, и часть культуры, включая чисто национальные элементы, была заимствована у них. Сочетание особенностей разных стилей и культур, а также определенное «переосмысление» их русских мастеров и определение специфики нового появляющегося архитектурного направления – стиля Нарышкина.

Особенности
Церковь Покрова в Фили

Церковь Бориса и Глеба в Зюзине, Москва

«Нарышкинский стиль» тесно связан с узором, но это в какой-то мере его дальнейшая стадия, в которой проходят трансформированные формы западноевропейской архитектуры – приказы и их элементы, декоративные мотивы, несомненно, из барочного происхождения.

Лучшими примерами стиля Нарышкина являются центрированные многоуровневые храмы, хотя параллельно с этой инновационной линией много традиционных, бесстольпных, перекрытых закрытым сводом и увенчанных пятью главами церквей, обогащенных новыми архитектурными и декоративными формами – сначала из заимствованных из элементов западноевропейской архитектуры ордера, обозначающего тенденцию перехода от средневековой безордерной к последовательному порядку архитектуры. Стиль Нарышкина также характеризуется двухцветной комбинацией красного кирпича и белого камня, использованием полихромной плитки, позолотой резки по дереву в интерьере в соответствии с традициями «русской узорочьи» и «травяного орнамента». Сочетание красных кирпичных стен, обрезанных белым камнем или гипсом, было типичным для зданий Нидерландов, Англии и Северной Германии.

здания
Некоторые из первых зданий в новом стиле появились в Московском и Московском поместьях боярской семьи Нарышкин (из клана, который был матерью Петра I, Натальей Нарышкиной), в которой была построена многоуровневая многоуровневая церковь (1690-1693), Троицкой церкви в Троице-Лыковской (1698-1704), которые характеризуются симметрией композиции, консистенцией масс и расположение пышного белокаменного декора, который свободно интерпретируется в соответствии с порядком, заимствованным из западной архитектуры, обеспечивает средство визуального связывания многопланового объема строительства.

«Церковь Покрова в Фили … – светлая кружевная сказка … чисто московская, а не европейская красота … Вот почему стиль московского барокко так мало похож на барокко Западной Европы , потому что он настолько неразрывно переплетается со всем искусством, прямо к нему на Москву предшествует, и поэтому для каждого иностранца барочные черты настолько неуловимы … Покрова в Фили или Успение на Маросейке, которые кажутся ему совершенно одинаковыми россиянами как Василий Блаженный ».

Игорь Грабарь, российский искусствовед

Церковь Покрова в Фили построена в соответствии с принципами формирования, типичными для русской архитектуры XVII века, представляющими пятиглавый многоуровневый храм, в котором строго ограниченные объемы колокольни и церкви расположены на одном и том же вертикальной оси, так называемого восьмиугольника на четырехугольник. Четверик, окруженный полукругами апсид, на самом деле является самой церковью Покрова, а выше, на следующем уровне, восьмиугольник – это церковь во имя Спасителя, не сделанного руками, покрытого восьмью тонированная арка. На нем поднимается звенящий ярус, выполненный в виде восьмиугольного барабана и увенчанный тонкой позолоченной граненной луковой головой, в то время как остальные четыре главы завершают апсиды церкви. У основания церкви есть гульбиши, вокруг церкви – просторные открытые галереи. В настоящее время стены храма окрашены в розовый цвет, подчеркивая белоснежные декоративные элементы здания.

Подобные черты – полностью белоснежная церковь Троицы, расположенная в другой усадьбе Нарышкина, Тринити-Лыково и построенная Яков Бухвостовым. Многие другие здания в стиле Нарышкина ассоциируются с именем этого крепостного по происхождению архитектора. Примечательно, что в зданиях Бухвостова есть элементы преднамеренно введенного западноевропейского ордера (соответствующая терминология используется в контрактной документации), однако использование элементов заказа отличается от того, что принято в европейской традиции: основной опорный элемент, как и в древнерусской архитектурной традиции, сохранились стены, которые почти исчезли. Среди множества элементов декора.

Еще одно известное здание в баре Нарышкина был построен крепостным архитектором Петром Потаповым для купца Виноградова Сверчкова тринадцатиглавской Успенской церкви в Покровке (1696-1699), которой восхищаются Бартоломео Растрелли и Василий Баженов, поставил его наравне с Собором Василия Блаженного. Церковь была настолько живописна, что даже Наполеон приказал взорвать Кремль, поставить рядом с ней особую защиту, чтобы она не пострадала от пожара, который начался в Москве. На сегодняшний день церковь не дошла, потому что она была демонтирована в 1935-1936 годах под предлогом расширения тротуара.

Церковь Иоанна Воина на Якиманке (1706-1713) описывает переход от башкина Нарышкина к петровскому.

В традициях стиля Нарышкина многие церкви и монастыри были перестроены, что отразилось, в частности, в ансамблях Новодевичьих и Донских монастырей, Крутицкой подмосковье в Москве. В 2004 году комплекс Новодевичий монастырь был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, в том числе в качестве «выдающегося примера так называемого« московского барокко »(критерий I) и как« выдающийся пример исключительно хорошо сохранившегося монастырского комплекса , подробно отражающий «московское барокко», архитектурный стиль конца XVII века. »(Критерий IV). В монастыре сохранились стены и ряд церквей, построенных или перестроенных в стиле Нарышкина.

В архитектуре Санкт-Петербурга в начале XVIII века. Стиль Нарышкина не получил дальнейшего развития. Однако между архитектурой Нарышкина и петровским барокко Санкт-Петербурга в первой четверти XVIII века существует определенная преемственность, типичными примерами которой являются здания, обслуживающие светские потребности Сухаревской башни (1692-1701 гг.) И церковь Архангела Гавриила или Меньшиковская башня (1701-1707) в Москве. Основа композиции Меньшиковской башни, построенной архитектором Иваном Зарудным на Чистых прудах в Москве для ближайшего соратника Петра I князя Александра Меньшикова, основана на традиционной схеме, заимствованной из украинской деревянной архитектуры – многоярусных октаэдров, которые слегка уменьшаются вверху.

Следует отметить, что при создании архитектуры барокко Нарышкина, в отличие от петровского, в основном отмечались русские мастера, что, несомненно, определяло специфику построенных зданий – они были в значительной степени древнерусским характером здание с деталями, заимствованными из западноевропейской архитектуры, как правило, носило чисто декоративный характер.

Значение для российской архитектуры
Стиль Нарышкина сильнее всего повлиял на внешний вид Москвы, но также оказал большое влияние на развитие всей архитектуры России в XVIII веке, являясь связующим звеном между архитектурой Москвы и Санкт-Петербурга в процессе строительства. Во многом благодаря Нарышкинскому стилю был сформирован оригинальный образ русского барокко, что особенно ярко проявилось в его позднем елизаветинском периоде: в шедеврах Бартоломео Растрелли-младшего. Особенности московского барокко сочетаются с элементами итальянской архитектурной моды того времени, в экстерьерном оформлении таких московских барочных зданий, как церковь Св. Климента (1762-69, архитектор Пьетро Антони Трезини или Алексей Евлашев), Красные ворота (1742, архитектор Дмитрий Ухтомский) также имеют архитектуру Нарышкина, особенно ее характерное сочетание красных и белых цветов в оформлении стен.

Значительные архитекторы
Яков Бухвостов
Иван Зарудный
Петр Потапов
Осип Старцев
Михаил Чоглоков

Стиль Голицына
Очень небольшая группа состоит из двух церквей, заказанных князьями П.А. и Б.А. Голицыным. Большое участие в строительстве и оформлении заняли итальянские мастера, поэтому появление этих зданий сильно отличается от классических образцов «московского барокко». Однако нет необходимости говорить о отдельном стиле (только два здания), а о «памятниках Голицынского круга».

Прозоровский стиль
связанных с семьей князей Прозоровых (см. статью В. П. Перцова в «ссылках»). Это небольшая группа церквей, тесно связанных с первой церковью восьмиугольного типа на четырехугольнике – не сохранившейся Успенской Церковью в Петровско-Дальнем. Несмотря на то, что проект ее проекта был связан с именем князя В. В. Голицына (это заметил ГК Вагнер), однако лаконичный внешний облик церкви, необычный для московского барокко, во многом отражал вкусы клиента – П. И. Прозоровский.

Довольно устойчивая стилистическая линия, несмотря на небольшое количество зданий, имеет довольно обширное хронологическое и географическое развитие, в каждом из последующих зданий этого направления видна связь с оригинальным прототипом.

Лаконичная архитектура Прозоровского нашла своих поклонников – можно назвать церковь в деревне Страхов (Заокский район Тульской области) и Троицкую церковь в Троицке (Теплый стан, ныне поселение Мосрангген в Московской области).

Основные здания

Религиозные здания
Ранние здания
Церковь Иоасафа, князя Индии в Измайлово (1678-79, 1685-87, не сохранилась)
Трапезная палата Симоновского монастыря (1679-85, архитектор О.Д. Старцев)
Церковь в деревне Петровское-Дальнее (1684-88 гг. Не сохранилась)
Церковь Св. Параскевы в пятницу в Охотном ряду (1684-87 гг., Не сохранилась).
Церковь Воскресения Христова в Кадаши (1687-1695, архитектор Сергей Турчанинов).
Создайте расцвет, см. Статьи: Нарышкинское барокко, восьмиугольник на четырехугольник.

Региональные памятники
Основные региональные памятники московского барокко расположены в Московской области и крупнейших городах России в то время:

Рязань – Успенский собор (1697-99, архитектор Ю.Г. Бухвостов), под городом – Солочинский монастырь с оригинальными барочными решениями
Тобольск – здания Тобольского кремля, некоторые из которых были построены по проекту Семена Ремезова. На базе «Московского барокко» в Сибири сложилось оригинальное «сибирское барокко».
Астрахань – Успенский собор (1699-1710, архитектор Дорофей Мякишев)
Казань – Петропавловский собор (1723-26 гг.) – один из лучших региональных проектов, по пропорциям и дизайну относится к вершинам стиля.

Жилые дома
Дворец князя В. В. Голицына в Охотном ряду (1687)
Воробьевский дворец (1687)
Тройкуровская палата в Охотном Ряде (1696 г.)
Лефортский дворец в немецкой Слободе (1698-99, архитектор Д. В. Аксамитов, многие элементы позволяют приписать это здание переходной фазе стиля)
Дворец князя Гагарина на Большой Лубянке (1699 г.)

Региональные памятники
Палаты Коробова в Калуге (1690)
Дом Михалева в Казани
Воеводский дом в Коломне

Общественные здания
Монетный двор на Красной площади (1697)
Корпус славяно-греко-латинской академии (1687, перестроен)
Здание Земского ордена (на Красной площади) (1700 г.)
Сретенские ворота Земного Города, известные как Сухаревская башня (1692-95, расширены 1698-1701 гг., Архитектор М.Чоголков)

Инженерное дело и укрепление
Большой каменный мост (1687-92 гг., Не сохранился, архитектор – старший Филарет (по атрибуции Б. Н. Надежин))
Стены и башни Нового Иерусалимского монастыря Воскресения (1690-94, архитектор Я. Г. Бухвостов)

Барокко | Homy

Барокко (итал. barocco — “склонный к излишествам”) — стиль в европейской культуре XVII—XVIII веков, центром которой была Италия.

Общая характеристика стиля Барокко

Барокко – дворцовый стиль. Вечная молодость стиля обьясняется просто, во все времена пользовались спросом элементы, подчеркивающие изобилие и роскошь.

Стиль Барокко стал воплощением своей эпохи. Барокко впервые в истории искусства соединил два понятия – стиля и образа жизни. Чувственно-телесная радость бытия, трагические конфликты составляют основу прекрасного и источник вдохновения стиля. В дизайне интерьера Барокко стремится к величию, пышности, пространственному размаху. Чрезмерно пышный и изобилующий богатством отделки, разнообразием используемых материалов и сложным в исполнении декором стиль.

Стиль Барокко, фото

Основные элементы стиля Барокко, так же, как и Ренессанса, восходят к Античности; главное же, что отличает Барокко, – это повышенная динамичность форм, беспокойный ритм кривых линий.

История стиля Барокко

Стиль Барокко появился в Италии в конце XVI – начале XVII века, как папский стиль. Но вскоре Барокко стал популярным за пределами Рима и Ватикана. Наиболее яркие образцы архитектуры этого стиля были созданы в Италии, Испании, Португалии, Южной Германии, Чехии, Польше, Литве, испанских и португальских колониях в Латинской Америке. Он использовался для оформления дворцов знатных семей. Во всех этих странах католическая церковь имела очень большое влияние и, таким образом, барокко стал стилем, который она взяла на вооружение.

Во Франции во времена Людовика XIV, Барокко получил особенное распространение. Но уже к концу XVII века гораздо большее внимание при отделке стали уделять комфорту и функциональности.

Происхождение термина “барокко” неясно. Самая распространенная версия – термин “барокко” происходит от испанского слова “barruecco”, которое означает жемчужину неправильной формы. Некоторые исследователи находят примеры популярного, народного, применения термина “barocco” в итальянской сатирической литературе XVI века в смысле “грубый”, “фальшивый”. На жаргоне французских художников слово “baroque” означало смягчать, растворять контур. Примечательно то, что все эти признаки и свойственны стилю Барокко.

XVII век называют эпохой Барокко. Патетика скульптурных и живописных композиций, множество украшений, переизбыток декора отвечали пышной Барочной архитектуре.

Особенности стиля Барокко

Стиль Барокко невозможно перепутать ни с каким-либо любым другим стилем. Барокко – это воплощение той эпохи, в которой он появился. В Барокко объединены два понятия, а именно: стиль и образ жизни.

Стиль Барокко, фото

Отличительными чертами стиля Барокко являются пространственный размах, пышность, великолепие и роскошь. Следует отметить, что изменчивость и игру образов этого стиля можно сравнить с морской раковиной, в честь которой и был назван этот стиль. Изысканная роскошь, великолепие и превосходство вновь возвращается в убранство домов после простоты и минимализма в декоре помещений. Барокко – это пластичность раз форм используемых при декорировании украшений, причудливые витиеватые орнаменты и узоры, а также возвышенность, объемность и превосходство. Кроме того, доминирующим элементом декора в стиле интерьера барокко является фресковая роспись. Такой росписью обильно декорировались потолки и стены. А также для убранства и украшения стен в этом стиле интерьера используются тканые ковры, спускающиеся по стене от потолка до самого пола.

Стиль Барокко, фото

Центральным и главным элементом всего декора являются зеркала, отличающиеся большими размерами, которые украшаются лепниной и позолотой. В орнаменте барокко используются витиеватые растительные мотивы, а именно: ветви деревьев, большие листья, а также крупные цветы.

Стиль Барокко, фото

В интерьере повсеместно получает распространение инкрустация драгоценными металлами – золотом, серебром. Активно используются медь, мрамор, кость, мозаика, которые можно увидеть на самых разнообразных предметах обстановки. Очень популярны зеркала, скульптура и живописные полотна, на которых изображаются полуобнаженные тела в сильном движении, в физическом усилии, напряжении борьбы. Востребованы также пейзажи – разнообразные природные мотивы, на фоне которых часто появляются сцены из крестьянской жизни.

Стиль Барокко, фото

В отделке мебели применяются богатые ткани, бахрома, тканью драпируются также и стены, повсеместно используется лепнина.

Мода на изогнутые линии переносится и в сферу изготовления мебели. Ножки приобретают затейливо изогнутые формы. Широкое распространение получают комоды с выдвижными ящиками, бронзовые напольные часы, постаменты для скульптур.

Спинки кресел и диванов представляют собой волнистую линию. Диваны похожи на конструкции из собранных вместе кресел. Столы снабжаются достаточно мощной столешницей, зачастую круглой формы, декорированной цветным мрамором, мозаикой, перламутром.

Стиль Барокко, фото

Кровать в эпоху Барокко становится похожей на шатер с большим количеством занавесей, драпировок, бахромы.

Драматизм бытия был для приверженцев стиля Барокко естественной формой существования природы и человека. Поэтому Барокко – это стиль патетический.

Стиль Барокко, фото

Заключение

Интерьеру с тиле Барокко присущи яркие краски, богатая игра света и тени, сложные изогнутые очертания элементов интерьера. Барокко открывает совершенно новые возможности стены. Стена как бы лишается самой главной своей черты – надежности и монументальности, приобретает небывалую прежде пластику и динамику. В интерьере появляется изысканная усложненность: изогнутые линии, красивые камины, красочная инкрустация, динамичные по формам стулья, кресла, диваны, кровати-шатры с балдахинами и большие, опускающиеся до самого пола, зеркала – все это придает интерьеру роскошность и помпезность богатых аристократических дворцов. На фасаде и в интерьере можно видеть очень много таких декоративных элементов, как барельефы, скульптурные группы, вазы, картуш и т.п.

История стиля барокко

Стиль барокко

Определение 1

Барокко (в переводе с итальянского – «странный», «причудливый») – это стиль в европейской культуре XVII – XVIII веков.

Архитектурный стиль барокко появился в период Позднего Возрождения (в конце XVI – начале XVII веков) в Риме и впоследствии распространился во многие европейские государства. В этой связи барокко часто интерпретируют в качестве начала триумфального шествия европейской культуры, вслед за теорией О. Шпенглера.

Рисунок 1. Стиль барокко в архитектуре. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ

Основными факторами, определившими триумф западной цивилизации можно назвать:

существенные и кардинальные изменения в естественно-научных и географических представлениях о мире;
усложнение закономерности развития архитектурной ордерной системы;
движение контрреформации и католической церкви.

Новой идеологии в обязательном порядке должны были соответствовать новые формы в искусстве. Стиль барокко можно охарактеризовать как стиль, противостоявший классицизму и рационализму (они появились позднее). Примечательно, что стиль также имеет ряд модификаций, поскольку ордерная система, применяемая в период архитектуры Возрождения, начинает все больше усложняться.

Замечание 1

Следует заметить, что классическое римское барокко не было распространено в городах с иными историческими традициями (например, в области Венето, Тоскане, в Пизе и Флоренции).

В искусстве Франции также сформировался «Большой стиль» эпохи Людовика XIV. Его можно охарактеризовать, как «более классицистический» и с небольшими барочными элементами. Не было распространено барокко в классическом понимании и в Англии. Однако, более интенсивное развитие барочных традиций наблюдалось в Испании и некоторых странах Латинской Америки (впоследствии стиль был назван ультрабарокко).

История возникновения

Как уже отмечалось выше, стиль барокко пришел на смену Высокому Возрождению в архитектуре. Следует заметить, что произошло это на территории Италии, собственно, на родине самого Ренессанса. В эти времена Италию можно было охарактеризовать как весьма истощенное государство, ослабленное внутренними войнами.

В указанный период здесь хозяйничают иностранцы, но несмотря на это именно Италия остается культурным центром Европы. Для того, чтобы доказать всему миру право на привилегированное положение необходим был стиль, который бы подчеркивал мощь, богатство и роскошь. Но в то же время средств на строительство новых дворцов катастрофически не хватало. Именно в эти времена появляется новый стиль барокко, который допускает, что иллюзию богатства и могущества можно создать приемами живописи, а не натуральными дорогостоящими материалами.

Рисунок 2. Стиль барокко. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ

Возведение шикарных палаццо было не по карману знати и некоторым представителям церковной власти, однако, все они нуждались в подтверждении собственной состоятельности. Высшие сословия обращались за помощью к искусству и архитектуре: появившийся стиль барокко возвышал их и за счет этого набирал всё большую популярность.

Черты стиля

Архитектуре барокко свойственен размах и слитность форм. Они весьма текучи, сложны и криволинейны. Часто встречаются масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и во внутреннем оформлении зданий, волюты, раскреповки и лучевые фасады. Купола зданий приобретают весьма сложные формы, часто они имеют несколько ярусов (например, как у собора Св. Петра в Риме). Характерными деталями для стиля барокко можно назвать:

скульптуры атлантов;
кариатиды;
маскароны.

От архитектуры Высокого Возрождения стиль барокко унаследовал влечение к необычному и удивительному. Преобладающими цветами в стиле были пастельные тона (розовый, голубой, белый и пр. ). Нередко сочетались контрастные цвета, образовывая богатые цветовые палитры.

Для архитектуры барокко характерно усложнение формы планов в сравнении с ренессансными планами. Интерьеры барокко отличаются пышностью и неожиданными пространственными и световыми эффектами, обилием кривых и пластично изгибающихся линий. Ясность классических форм противопоставляется здесь изощренности в формообразовании. В архитектуре широко используется скульптура, живопись и окрашенные стеновые поверхности.

Архитектурные формы барокко получились из ренессансных форм, но значительно превосходили его по сложности, живописности и многообразию. Сильно раскрепованные фасады обладали профилированными карнизами, колоссальными колоннами, проходящими через весь фасад, полуколоннами и пилястрами. Ни одна деталь в этом архитектурном стиле не является самостоятельной, как это было в архитектуре Ренессанса. Каждый элемент здесь является частью чего-то общего и большого. Все подчиняется общей архитектурной концепции, к которой относят как украшения интерьеров, так и садово-парковые ансамбли.

Самыми крупными архитектурными ансамблями в стиле барокко можно назвать:

Версаль в Франции;
Петергоф в России;
Аранхуэс в Испании;
Цвингер в Германии.

Замечание 2

Для барокко в интерьере наиболее характерна показная, чаще всего утрированная роскошь. Это заметно даже невооруженным глазом, при всем этом барокко сохранил в себе одну из важных черт классических направлений — симметрию.

Роспись во внутреннем декорировании барокко является доминирующей деталью. Потолки украшаются богатыми фресками, стены отделываются расписанным мрамором и позолотой – это наиболее частые приемы в интерьерах барокко. Абсолютно все поверхности в барокко должны быть богато декорированы, в этой связи наблюдается почти повсеместное применение золота и позолоты.

Что касается мебели, то именно в этот период она становится настоящим произведением искусства. Ее вычурность и богатство направлено больше на украшение интерьера, чем на практические функции. Мебельная обивка выполняется из дорогих и богато украшенных тканей.

Архитектурный стиль: Нарышкинское барокко

Храм Воскресения Христова в Филях

Нарышкинское барокко – плод заимствования западного стиля барокко в архитектуре, начавшегося в нашей стране накануне петровских преобразований. В основном этот стиль существовал в московском регионе с 1680-х по 1710-ые и чуть дольше – на периферии России. Своим названием он обязан боярскому роду Нарышкиных, на территориях имений которых в Филях, Кунцево, Свиблово, Троице-Лыково и др. и сегодня можно найти образцы храмов, заказанных ими в этом стиле. Они узнаваемы по традиционной старорусской конструкции и при этом нарядным цветам и обильному, чаще белокаменному наружному декору.

Развитие стиля нарышкинского барокко

Есть некоторая ирония истории в том, что первыми, кто стал заказывать барочные храмы на Руси, были бояре Милославские (так, София начала строить Новодевичий монастырь), которых Нарышкины одолели в соперничестве за власть. Упрочняя свое положение, они развернули «просвещенное» строительство, показывающее их власть, богатство, и также — открытость новым веяниям.Так их именем стал называться самый заметный вариант московского барокко (наряду с менее самобытным голицынским барокко и редкими следами петровского барокко за пределами имперской столицы).

Исторический смысл нарышкинского барокко состоял в проникновении западного духа и архитектуры, однако получившиеся на этом пути шедевры удивительно раскрыли глубоко русскую эстетику. Собственно сегодня искусствоведы предпочитают использовать название «нарышкинский стиль», потому что барокко в своем раннем русском варианте приобрело особую форму. Если Петр I требовал полного заимствования нового художественного языка, то создатели нарышкинского стиля бережней пересаживали западную архитектуру на родную почву. По свидетельству Игоря Грабаря, иностранцами нарышкинский стиль и вовсе воспринимался как исконно русское архитектурное явление.

Храм Воскресения Христова в Кадашах

Итак, русские мастера заимствовали не всю целостность барочного стиля. В своих зрелых образцах барокко – это активное формирование пространства, моделирование динамических объемов, линии с энергией столкновения, противоречия, соединение возвышенных образов Ренессанса – с земной весомостью, горизонтальные членения, тяжеловесность и обильный декор. Заимствуя же формы позднего ренессанса, барокко, маньеризма, используя новые формы фасадного декора из него: фронтоны, раковины, балюстрады с вазами, маскароны, колонны и барельефы – зодчие тем не менее не нарушали привычного ясного членения пространства и сложившихся канонов русского формосложения. Фактически, у них и не было такой возможности – патриарх Никон издал особый указ по унификации формы храмов (т.н. «освященного пятиглавия»), закрепив каноны строительства. Поэтому именно разнообразное варьирование декора стало главным в нарышкинском стиле, хотя роль этого богатства для конструкции зданий оставалась символической, знаковой. Функционально излишние надстройки, фальшивые фронтоны, чрезмерная пышность украшений указывали на европейский вкус заказчика, служили выражением культурных интересов, но не могли выражать собственно перехода к архитектуре Нового времени.

Фасадный декор в нарышкинском стиле и стал переходным звеном от древнерусского канона к общеевропейской архитектуре «обмирщения».

Значение нарышкинского стиля для архитектуры

Нарышкинский стиль является переходным не только потому, что отражает частичное заимствование нового языка, но потому, что пришелся на слом исторических эпох, перемешав разные мировоззрения. В этом причина того, что о мастерах, создавших его, известно меньше, чем о заказчиках. Название так и закрепилось за последними, а большинство мастеров остались средневековыми анонимами, главами соответствующих артелей. Удалось восстановить лишь несколько имен зодчих того периода, среди которых Яков Бухвостов, Сергей Турчанинов, Петр Потапов. Известно однако, что многие из рядовых строителей этого стиля – выходцы с территории Речи Посполитой, после заключения вечного мира с которой в 1686 году обращение к Западу и его культуре развернулось свободно. Исследователи усматривают родство нарышкинского барокко с украинским, с польскими образцами и находят в нем корни белорусской народной декоративной культуры.

Храм Покрова в Новодевичьем монастыре

Большинство привычных нам нарышкинских памятников – красные с белокаменным декором, но с уверенностью судить об их изначальном цвете нельзя (так, выяснилось, что в церкви Воскресения в Кадашах (см. иллюстрацию) первый красочный слой был желто-голубым), также с использованием изразцов малороссийского типа. Другой аспект нарышкинского стиля кроме наружного декора – это центрическая ярусная композиция в храмовом зодчестве. Примерно в этот период кирпич входит в более широкий оборот, давая новые возможности строительства. Праздничная декоративность, радостный и «мирской» характер храмовой архитектуры по сравнению с традиционно строгим русским зодчеством – тоже бросающаяся в глаза примета стиля.

Образцы нарышкинского барокко

Основные образцы нарышкинского барокко сосредоточены в Москве. Это, прежде всего, Церковь Покрова Пресвятой Богородицы в Филях (1690-1694): ярусный пятиглавый храм, в котором жёстко разграниченный объёмы колокольни и церкви расположены на одной вертикальной оси, так называемый восьмерик на четверике. В Новодевичьем монастыре, внесенном в реестр архитектурных памятников Юнеско, сохранились прекрасные образцы московского барокко: это ныне действующий Успенский храм (1685-1687) и надвратная церковь Покрова Богородицы (1683-1688). Другое здание периода расцвета стиля – упоминавшийся Храм Воскресения Христова в Кадашах (1687), имя архитектора которого история сохранила – это Сергей Турчанинов. Уже на излете стиля, при его переходе в более «чистое западное» петровское барокко Иваном Зарудным было построено другое известное московское здание – Меньшикова башня (1705-1707). Вскоре Петр запретил каменное строительство за пределами Петербурга, и облик новой столицы уже в меньшей степени отразил древнерусскую традицию, оставив нарышкинское барокко создавать ностальгический образ старомодной провинциальной Москвы. Вторую жизнь этот тип зодчества получил уже в 20 веке, воодушевив архитекторов модерна на псевдорусский стиль.

Использованы материалы сайтов: http://ru.wikipedia.org/, http://www.temples.ru/n_style.php http://www.projectclassica.ru/school/12_2004/school2004_12_01a.htm, http://commons.wikimedia.org/

Дата публикации: 06.05.2013

Барокко в архитектуре, предпосылки возникнтовения

Историческая справка

Барокко начал свое триумфальное шествие по миру в XVII-XVIII веках прямиком из Италии. Остановить его были не в силах ни дипломатические отношения, ни предрассудки.

Предназначался стиль для церковной архитектуры, чтобы производить особенное впечатление на верующих, показывать величие Бога и ничтожность человека по сравнению с небом.

Наибольшего расцвета стиль достиг при дворе Людовика XIV, Короля-Солнца, того самого, кто изрек «Государство – это я» и увековечил себя в каждом учебнике истории.

Карлскирхе в Вене на фото выше – выдающийся пример венского барокко. Поверхность фасада слоится, все время прерывается выступами и пилястрами.

Площадь перед собором Святого Петра в Риме, архитектор П.Бернини (1663).

Пример русского барокко – Екатерининский дворец, архитектор Б. Ф. Растрелли. Посмотрите, сколько на фасаде колонн, лепнины и статуй. Взгляд все время перескакивает с детали на деталь.

Барокко в архитектуре – это, прежде всего, размах, простор и динамика. Этот стиль подобен сложносочиненному предложению. Для которого характерно изобилие декора фасадов скульптурами, барельефами, колоннами и пилястрами. Купола зачастую многоярусные, как у собора Св. Петра в Риме на фото ниже.

Собор Святого Петра в Риме. Изучите фасад: окна, портик, скульптуры, пилястры, арки, лепнина. Взгляду всегда есть, на чем остановиться.

Детали

Изобилие и пышность интерьера в стиле барокко. Азамкирхе — интерьер церкви в Мюнхене, арх. братья Азам (1733—1746 гг.). Кругом фрески, лепнина, золотые лучи, позолоченные элементы, благородные камни, витые колонны, сглаженные формы (любимая форма барокко – овал, острые углы практически отсутствуют)

Когда оказываешься внутри барочных построек, внешняя отделка уже не так впечатляет, как настоящее буйство роскоши, позолоты, красок, фресок со всех сторон. Чтобы стиль барокко проявил себя в полной мере нужно, как вы видите, очень много квадратных метров и, пожалуй, еще больше декора.

Интерьер Екатерининского дворца тоже в стиле барокко: зеркала, сусальное золото, скульптуры, овалы, арки, завитки, наборный художественный паркет – на стене и потолке нет свободного места.

Интерьер кафедрального собора Святого Стефана (Пассау, 1668—1693) немного скромнее предыдущих примеров, потому что лепнина, колонны, пилястры былого цвета. Яркие пятна – только фрески на потолке.

Потолок в монастыре Этталь – одного из крупнейших памятников барокко – на юге Германии. Просто изучите детали.

Жемчужина неправильной формы и Король-Солнце

С итальянского языка barocco — «причудливый», «странный». А с португальского и вовсе «жемчужина неправильной формы».

Но в интерьере и архитектуре это не значит – асимметричная. Для стиля барокко, такого фактурного и чрезмерного, все же характерна симметрия, как и для любого классического стиля (с другими можно познакомиться в этой статье).

Иллюстрация из книги по истории мебели, от самого раннего до настоящего времени, показывает, как выглядит мебель в стиле барокко – это ножки кабриоль (изогнутые и резные), обилие декоративных элементов, плавные формы.

Плавные линии и изгибы характерны для всего в барокко – от фасадов зданий до рам зеркал и изгородей.

Самыми яркими представителями в архитектуре барокко были итальянцы. Но пышные барочные интерьеры ярче всего расцвели во Франции и Германии.

В XVII веке во Франции идеалом мужчины был Людовик XIV, Король-Солнце, искусный наездник, стрелок и законодатель мод. Это было время абсолютизма и безграничных возможностей короля. Это находило свое отражение во всем. Поэтому можно встретить много примеров символики Короля-Солнца.

Судя по отношению французов к жизни, праздникам и архитектуре, Людовик все еще их герой.

Пожалуй, искусство барокко – самое бурно обсуждаемое направление в искусстве. Его можно либо любить, либо ненавидеть, но оставаться равнодушным нельзя. Барокко критикуют за излишнюю театральность и им восхищаются за богатство, роскошь фактур и динамику. Как говорит искусствовед Анастасия Постригай, “барокко набрасывается на тебя”.

Нам нравится идея того, что искусство вызывает эмоцию. Нам кажется, что интерьеры – это тоже искусство и они тоже должны транслировать эмоцию. Пусть барочные интерьеры показывают это немного более явно, чем многим хотелось бы. Но то, что они не оставляют равнодушными, вдохновляют и откладываются в памяти – огромная заслуга стиля. Барокко научил нас тому, что “так тоже можно”.

Стиль Барокко — Все об эпохе искусства

На закате эпохи Возрождения, в конце XVI века появился новый стиль – барокко. Именно о нем пойдет речь в данной статье.

Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — дословно «жемчужина с пороком») – это стиль в искусстве вообще и архитектуре в частности.

Родиной этого стиля принято считать некоторые итальянские города: Рим, Венецию и Флоренцию. Сразу нужно подчеркнуть, что эпоха барокко с самого начала резко противопоставила себя классицизму и рационализму.

Эпоха барокко

Условно считается (как и все исторические периоды), что эпоха барокко продолжалась в течение XVI-XVIII вв. Интересно, что все началось с Италии, которая к 16 веку стала заметно ослабевать на международной арене в экономическом и политическом плане.

Французы и испанцы активно проводили свою политику в Европе, хотя Италия по-прежнему оставалась культурным центром европейского общества. А силу культуры, как известно, определяет ее умение приспосабливаться к новым реалиям истории.

Вот и итальянская знать, не имея денег на постройку богатых дворцов, демонстрирующих их мощь и величие, обратилась к искусству, чтобы с его помощью создать видимость богатства, силы и процветания.

Именно так наступила эпоха барокко, ставшая важным этапом в развитии мирового искусства.

Важно подчеркнуть, что жизнь людей в это время начала основательно меняться. Для эпохи барокко характерно много свободного времени. Горожане предпочитают рыцарским турнирам (см. интересные факты о рыцарях) прогулки на лошадях («карусели») и игру в карты, паломничествам – гуляние в парке, мистериям – театры.

Старые традиции, основанные на суевериях и предрассудках, отпадают. Выдающийся математик и философ Рене Декарт (см. интересные факты о Декарте) выводит формулу: «Я мыслю, следовательно, существую». То есть общество перестраивается на другое мышление, где здраво не то, что сказал какой-то авторитет, а то, что можно математически точно объяснить любому разумному существу.

Интересен факт, что в профессиональной среде вокруг самого слова «барокко» происходит больше споров, чем об эпохе, как таковой. С испанского языка barroco переводится, как жемчужина неправильной формы, а вот с итальянского – baroco обозначает ложный логический вывод.

Этот второй вариант выглядит наиболее правдоподобным вариантом происхождения спорного слова, так как именно в эпоху барокко в искусстве наблюдалась какая-то гениальная нелепость, и даже причудливость, поражающая воображение своей напыщенностью и величием.

Стиль барокко

Для стиля барокко характерны контрастность, динамичность и напряженность, а также отчетливое стремление к пышности и внешнему величию.

Интересно, что представители данного направления чрезвычайно органично объединяли разные стили искусства. Одним словом, Реформация и учение Коперника (см. интересные факты о Копернике) сыграли ключевую роль в закладке фундамента стиля барокко.

Если для эпохи Возрождения свойственно было воспринимать человека, как меру всех вещей и разумнейшее из существ, то уже Блез Паскаль иначе осознает себя: «чем-то средним между всем и ничем».

Искусство барокко

Искусство барокко отличается, прежде всего, необыкновенной пышностью форм, оригинальностью сюжетов и динамизмом. В художестве преобладает броская цветистость. В живописи наиболее выдающимися представителями этого стиля были Рубенс и Караваджо.

Глядя на некоторые картины Караваджо, невольно поражаешься динамичности его сюжетов. Игра света и тени невероятно тонко подчеркивает различные эмоции и переживания героев. Интересен факт, что влияние этого художника на искусство было столь большим, что появился новый стиль – караваджизм.

Некоторые последователи сумели перенять от своего учителя натурализм в передаче на холст людей и событий. Питер Рубенс, обучаясь в Италии, стал последователем Караваджо и Каррачи, освоив их технику и переняв стиль.

Видным представителем искусства барокко были также фламандский живописец Ван Дейк и голландец Рембрандт. В Испании этому стилю следовал выдающийся художник Диего Веласкес, а во Франции — Никола Пуссен.

К слову сказать, именно Пуссен начал закладывать основы нового стиля в искусстве – классицизма.

Барокко в архитектуре

Архитектура, выполненная в стиле барокко, отличается пространственным размахом и сложными, криволинейными формами. Множественные скульптуры на фасадах и в интерьерах, различные колоннады и масса раскреповок создают пышность и величественный вид.

Архитектурный ансамбль «Цвингер» в Дрездене

Купола приобретают сложные формы, и нередко имеют несколько ярусов. Пример может служить купол в соборе Святого Петра в Риме, архитектором которого был Микеланджело Буонарроти.

Наиболее значимыми произведениями барокко в архитектуре считаются Версальский дворец и здание Французской Академии в Париже. К крупнейшим в мире ансамблям барокко относят Версаль, Петергоф, Цвингер, Аранхуэс и Шёнбрунн.

Вообще надо сказать, что архитектура этого стиля распространилась во многих европейских странах, в том числе и в России, под влиянием Петра Великого.

Стиль «Петровское Барокко»

Музыка барокко

Говоря об эпохе барокко, невозможно обойти стороной музыку, так как она в этот период также претерпевала значительные изменения. Композиторы объединяли масштабные музыкальные формы, одновременно пытаясь противопоставлять хоровое и сольное пение, голоса и инструменты.

Возникают различные инструментальные жанры. Наиболее видными представителями музыки барокко являются Бах, Гендель и Вивальди.

Подводя итог можно с уверенностью сказать, что эта эпоха породила гениев мирового значения, которые навсегда вписали свое имя в историю. Творчеством многих из них до сих пор украшены лучшие музеи разных стран.

Если Вы любите интересные факты обо всем на свете — рекомендуем подписаться на InteresnyeFakty.org. С нами всегда интересно!

Понравился пост? Нажми любую кнопку:

Интересные факты:

Барокко: История барокко — USEUM

Барокко — это художественное направление, возникшее в Италии, в Риме, в 17 веке как реакция на маньеризм, доминировавший в конце итальянского Возрождения. Это движение поощрялось католической церковью, которая стремилась вернуться к традициям и духовности, которые Церковь продвигала с помощью Контрреформации. Для этого католическая церковь решила, что искусство должно передавать религиозные темы в ответ на протестантскую Реформацию.Богатство, внимание к деталям, изобилие и театральность стиля барокко с его обилием драматических эффектов использовались католической церковью для стимулирования благочестия и преданности и создания впечатления божественного великолепия. В результате многие художники эпохи барокко начали изображать религиозные сюжеты и подчеркивать их содержание игрой света и тени.

Помимо католической церкви, европейские монархии способствовали распространению этого нового художественного стиля, и большое количество архитектурных проектов, картин и скульптур было заказано королевскими дворами Италии, Испании, Франции и других стран.Основная цель этих абсолютных монархий Европы заключалась в прославлении своего собственного божественного величия и в процессе укрепления своего политического положения. Следовательно, аристократия видела драматический и яркий стиль барокко как средство произвести впечатление на людей и выразить их богатство, власть и власть.

После идеализма Возрождения и принудительного характера маньеризма искусство барокко предназначалось для отражения религиозной напряженности того времени, однако в протестантских странах, таких как Нидерланды, движение развивалось иначе.В некоторых картинах Рембрандта и Рубенса можно увидеть желание заменить религиозные сюжеты более натуралистическими и реалистичными темами. В рамках этих различных направлений барокко развивалось по всей Европе в 17 веке, пока его не сменил другой стиль, рококо, в 18 веке.

Текст Кристины Мотта

фактов, заданий, истории и влияния эпохи барокко для детей

Не готовы приобрести подписку? Щелкните, чтобы загрузить бесплатную версию образца Загрузить образец

Загрузить этот образец

Этот образец предназначен исключительно для участников KidsKonnect!
Чтобы загрузить этот рабочий лист, нажмите кнопку ниже, чтобы зарегистрироваться бесплатно (это займет всего минуту), и вы вернетесь на эту страницу, чтобы начать загрузку!

Зарегистрируйтесь

Уже зарегистрировались? Авторизуйтесь, чтобы скачать.

Эпоха барокко относится к периоду европейской истории, характеризующемуся экстравагантным архитектурным стилем, искусством и музыкой, который возник с 17 века до конца 18 века. Это эпоха между стилями Возрождения и неоклассицизма, на которую в значительной степени повлияла католическая церковь.

См. Файл фактов ниже для получения дополнительной информации о барокко или, в качестве альтернативы, вы можете загрузить наш 24-страничный пакет рабочих листов в стиле барокко для использования в классе или в домашней обстановке.

Ключевые факты и информация

Этимология слова

Ученые считают, что термин «барокко» произошел от португальского слова barocco, что означает жемчуг неправильной формы. Это было в 1531 году, когда слово «барокко» было использовано для описания сокровищ Карла V.
В 1734 году этот термин впервые был использован для описания бессвязной мелодии музыки в опере. «Барокко» также использовалось Жан-Жаком Руссо, композитором и философом, для описания запутанной гармонии музыки, наполненной модуляциями и диссонансами.
В 1855 году швейцарский историк искусства Якоб Буркхардт использовал слово «барокко» для критики художественного стиля эпохи Возрождения. Однако только в 1878 году термин «барокко» официально вошел в словарь французской Академии.

Искусство барокко: архитектура и дизайн

Период раннего барокко в архитектуре возник примерно в первой четверти 1600-х годов в Италии и продолжался до эпохи позднего барокко или рококо во Франции.
Одним из первых образцов архитектуры барокко был фасад базилики Святого Петра в Ватикане.Базилика изначально была спроектирована Микеланджело, известным художником эпохи Возрождения, и Карло Мадерно, который спроектировал пристройку фасада в стиле барокко.
Элементы стиля барокко, такие как двойные колонны, многослойные колонны, колоссальные колонны и ломаные фронтоны, присутствуют в работах Мадерно.
Такие архитектурные элементы процветали в период позднего Возрождения, и их часто называют маньеристической архитектурой.
Также в соборе Святого Петра находятся работы художников высокого барокко Джан Лоренцо Бернини и Франческо Борромини.Бернини работал над четырехэтажным балдахином или внутренним балдахином, таким как алтарь или трон, в то время как Борромини проектировал церковь Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане. Последний был известен как мастер архитектуры криволинейных стен.
Архитектура позднего барокко процветала во Франции в последней четверти 17 века. Двускатная мансардная крыша — один из самых ярких элементов французского барокко. Примером этого являются замки или величественные загородные резиденции, такие как Версальский дворец, построенный во время правления короля Людовика XIV.
С 1680 по 1750 год во Франции возникло рококо-барокко, для которого характерны изгибы, сложные орнаменты, асимметричные украшения и использование белых и пастельных тонов. Стиль рокайль процветал в Баварии, Австрии, Германии и России, оказывая влияние на живопись, скульптуру, музыку и другие виды искусства.
Номера в стиле рококо обычно украшены элегантной мебелью, небольшими скульптурами, изящными гобеленами и декоративными зеркалами.
Многие церкви в Австрии и Южной Германии построены в архитектурном стиле рококо.

Искусство барокко: скульптура и живопись

Живопись барокко была продуктом религиозной пропаганды. Католическая церковь использовала искусство, в частности живопись, в католической Реформации, которая была противодействием протестантской Реформации под руководством Мартина Лютера. Совет Трента решил, что искусство должно передавать религиозные темы, делая новый стиль впечатляющим.
Стиль барокко назывался стилем иезуитов, он был более драматичным, эмоциональным и полным жизни.Картины отличаются техникой светотени, в которой игра света и тьмы создает более драматичную атмосферу.
Среди известных художников — Рембрандт, Рубенс и Караваджо.
Знаменитый триптих Возвышение Креста, созданный для церкви Святого Вальпургиса в Антверпене, с 1815 года экспонируется в соборе Богоматери, также в Антверпене.
Католическое барокко прослеживается в огромных картинах, фресках и хранилищах потолки церквей Европы.Объекты демонстрируются с чрезмерно растянутыми движениями, огромной драматичностью, глубокими эмоциями и театральным преувеличением для создания эффекта погружения.
Образец фрески в стиле барокко изображен на потолке церкви Святого Игнатия в Риме. Многие фигуры святых изображают движение и драму со святым Игнатием в центре.
Скульптуры в эпоху барокко обычно делались из бронзы, красочного мрамора и иногда позолочены. Архитектура украшалась гипсовыми скульптурами.Иногда вместо колонн использовались статуи.
Они могут быть кариатидами, вертикальными стойками в женской форме, теламонами или мужскими. Такое использование восходит к классической греческой архитектуре и скульптуре.
Среди известных скульпторов и их шедевров: Джан Лоренцо Бернини с Энеем, Анхисом и Асканием; Николя Кусту с его аллегорией, намекающей на выздоровление короля; и Мартин Дежарден с La Paix de Nimѐgue.

Искусство барокко: музыка и симфония

Именно в период барокко появились новые музыкальные жанры, такие как концерт, соната, кантата, оратория и опера.Когда католическая церковь начала терять свой политический контроль, нерелигиозная музыка процветала.
Композиторы, такие как Антонио Вивальди, Иоганн Себастьян Бах, Генри Перселл, Арканджело Корелли и Джордж Фредерик Гендель, были среди музыкальных гениев, которые разработали сложные способы и аранжировки, которые могут повлиять на эмоции слушателя.
Среди композиторов выделялся Иоганн Себастьян Бах. Его музыкальные сложности и стилистические новшества сделали его одним из самых выдающихся западных композиторов всех времен. Среди его основных сочинений — Токката и Фуга ре минор, Месса си минор, Бранденбургские концерты и Хорошо темперированный клавир.

Одежда в стиле барокко: мода и стиль

Помимо различных форм искусства, для барокко минимально характерны мода и стиль. На мужскую одежду сильно повлияли Гражданская война в Англии и Тридцатилетняя война. Женщины носили орнаментированные платья с кружевными воротниками и рукавами вираго, что отражало богатство и статус почти так же, как и во времена Возрождения.Одежда была нарядной и пышной, как у монархов и знати, которые заметно отличались от низших классов.

Рабочие листы эпохи барокко

Это фантастический набор, который включает все, что вам нужно знать об эпохе барокко, на 24 страницах с подробным описанием. Это готовых к использованию рабочих листов эпохи барокко, которые идеально подходят для обучения студентов эпохе барокко, которая относится к периоду европейской истории, характеризующемуся экстравагантным архитектурным стилем, искусством и музыкой, которые возникли с 17 века до конца 18 века. .Это эпоха между стилями Возрождения и неоклассицизма, на которую в значительной степени повлияла католическая церковь.

Полный список включенных рабочих листов

Факты об эпохе барокко
Известные художники барокко
История искусства
Стиль барокко
B&B: здание в стиле барокко
Смешивание музыки
Буквы барокко
Крест к Cross
Термины, которые следует запомнить
Факты и цифры
Веб-картография в стиле барокко

Ссылка / цитирование этой страницы

Если вы ссылаетесь на какой-либо контент на этой странице на своем собственном веб-сайте, используйте приведенный ниже код для цитирования этой страницы как первоисточник.

Факты и рабочие листы эпохи барокко: https://kidskonnect.

com — KidsKonnect, 13 июля 2018 г.

Появится ссылка в качестве фактов и рабочих листов эпохи барокко: https://kidskonnect.com — KidsKonnect, 13 июля 2018 г.

Использование с любой учебной программой

Эти рабочие листы были специально разработаны для использования с любой международной учебной программой. Вы можете использовать эти рабочие листы как есть или редактировать их с помощью Google Slides, чтобы сделать их более конкретными в соответствии с вашими уровнями способностей учащихся и стандартами учебной программы.

Барокко — Возрождение и Реформация

Gage 2014 предоставляет широкий, но полезный исторический обзор искусства и архитектуры барокко. Тем не менее, вопросы, касающиеся ценности «барокко» как метки стиля и того, как квалифицировать его хронологические, географические и стилистические параметры, отражены в многочисленных общих обзорах искусства и архитектуры барокко. Riegl 2010 согласен с идеей Вельфлина о преемственности между эпохой Возрождения и барокко. Он опровергает прежнее представление о барокко как о декадентском стиле, уступающем ренессансу, находя его истоки в Риме XVI века и произведениях Микеланджело.Held and Posner 1971 определяет период барокко между концом 16 и концом 18 века, как и Базен 1985. Harbison 2000, с другой стороны, рассматривает барокко как повторяющееся явление, выходящее за рамки даже самых либеральных хронологических и географических параметров. расширив его обсуждение до 20-го века и таких стран, как Россия и Турция. Слово «барокко» нечасто встречается в Harris 2005, поскольку автор утверждает, что ярлыки стиля мешают нашему пониманию искусства любого данного периода.Мартин 1977 находит слово «барокко» полезным и использует этот термин в контексте преобладающих художественных тенденций — натурализма, психологии, визионерского опыта — и выразительного манипулирования пространством, светом и движением в искусстве 17-го века. Минор 1999 также рассматривает «барокко» как ценный и функциональный термин для размышлений и писаний об эпохах в истории искусства. «Миллон 1999» представляет новаторскую выставку архитектуры барокко в Европе, на которой представлены различные проявления стиля барокко в широком спектре построек, выполняющих различные функции.

Базен, Жермен. Барокко и рококо . Лондон: Темза и Гудзон, 1985.

Графики Стиль барокко, начавшийся в конце 16 века в Италии до примерно 1800 года в Латинской Америке. Эта книга, разделенная на две части — 17-го и 18-го веков, — а затем разделенных на главы по географическим регионам, является основным обзором искусства и архитектуры 17-го и 18-го веков.

Гейдж, Фрэнсис. «Искусство и архитектура барокко в Италии.В Оксфордских библиографиях в эпоху Возрождения и Реформации. Нью-Йорк: Oxford University Press, 2014.

Предоставляет полезный и широкий исторический обзор искусства и архитектуры барокко.

Харбисон, Роберт. Размышления о барокко . Чикаго и Лондон: University of Chicago Press, 2000.

Применяет широкое определение барокко, выходящее за рамки традиционных географических и хронологических параметров. Изучает стиль барокко не только в искусстве, но также в литературе и музыке.Рассматривает стиль барокко как в формальном, так и в тематическом плане и распространяет эти тенденции на 20 век.

Харрис, Энн Сазерленд. Искусство и архитектура семнадцатого века . Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Пирсон Прентис-Холл, 2005.

Хорошо организованный и подробный обзор искусства и архитектуры 17-го века в Италии, Фландрии, Испании, Франции, Голландской Республике и Англии. Особенно силен в рассмотрении искусства в историческом контексте.

Held, Юлиус С., и Дональд Познер. Искусство XVII и XVIII веков: живопись, скульптура и архитектура в стиле барокко . Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, 1971.

Обширный и общий обзор европейского искусства 17-18 веков. Несмотря на название, половина книги посвящена искусству, которое сегодня принято считать стилистическим ярлыком «рококо».

Мартин, Джон Руперт. Барокко . Лондон: Аллен-Лейн, 1977.

Чрезвычайно полезное введение в искусство барокко, в котором этот стиль рассматривается как общеевропейское явление.Решает проблему стиля и определения барокко, роли натурализма, чувственного опыта, аллегорических традиций и выразительных формальных качеств пространства, времени и света.

Миллон, Генри А., изд. Триумф барокко: архитектура в Европе, 1600–1750 . Нью-Йорк: Rizzoli International, 1999.

Каталог важной выставки архитектуры барокко в Европе, созданный Генри А. Миллоном (Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, 21 мая — 9 октября 2000 г.).Исследует стиль барокко в европейской архитектуре с 1600 по 1750 год с помощью архитектурных моделей, рисунков, картин, медалей и скульптурных макетов. Исследует церкви и часовни в стиле барокко, гражданскую архитектуру, коммерческую архитектуру, военную архитектуру, частные резиденции и королевские дворцы.

Минор, Вернон Хайд. Барокко и рококо: искусство и культура . Нью-Йорк: Prentice-Hall, 1999.

Обзор искусства барокко и рококо в Европе с 1600 по 1760 год. Организованный тематически, он исследует искусство через социальные, политические, культурные и художественные контексты, функции, место, формальные качества, пространство и т. Д. и жанры.

Ригль, Алоис. Истоки искусства барокко в Риме: тексты и документы . Отредактировано и переведено Эндрю Хопкинсом и Арнольдом Витте. Лос-Анджелес: Исследовательский институт Гетти, 2010.

Английский перевод Die Entstehung der Barockkunst в Rom , впервые опубликованный в 1908 году. Основная работа Ригля, в которой он предполагает не только возникновение стиля барокко в Риме, но и то, что он уходит своими корнями в 16 век, особенно с работами Микеланджело.Включает три новых эссе о Ригле, его идеях и тексте, а также оценку критического отклика на книгу Ригля.

Краткая история музыки барокко в Европе

ИТАЛИЯ

Папство вернулось в Рим в 1377 году, а после середины 15 века город стал центром культуры Возрождения. Массовое папское покровительство искусства стало обогащать Рим. Во время папства (1447-1455) Николая V были отремонтированы оборонительные стены, построены дворцы и отреставрированы церкви.Крупные художники и архитекторы теперь работали в Риме, и к концу века он вытеснил Флоренцию как главный центр Возрождения. Разграбление города в 1527 году наемниками Габсбургов было временной неудачей. В течение 16 века Микеланджело, Донато Браманте, Рафаэль и другие художники работали на пап, и строительство новой базилики Святого Петра продолжалось. Однако только во время правления (1585-1590) Папы Сикста V плотный, запутанный средневековый городской образец начал модернизироваться.Три главные улицы были проложены так, чтобы расходиться от площади Пьяцца дель Пополо к центру города. Сикст также построил площади и фонтаны и восстановил акведук Acqua Felice. Кроме того, были отремонтированы старые церкви и достроен купол Святого Петра.

Неудивительно, что музыка тоже процветает на этом богатом визуальном фоне. Типичным музыкантом эпохи барокко, работавшим в Риме, был композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653-1713), чей стиль игры стал основой скрипичной техники XVIII и XIX веков, а композиции камерной музыки оказали огромное влияние. .Он родился в Фузиньяно, учился в соседней Болонье, а после 1675 года жил в Риме. Его покровителями были королева Швеции Кристина и, после 1690 года, кардинал Пьетро Оттобони (1667-1740), либреттист и важный музыкальный покровитель, который в качестве вице-канцлера церкви проживал в Палаццо делла Канчеллерия, где проходили Поэтико-музыкальные академии. исполняются оперы и оратории. Наиболее широко издаваемый и переизданный композитор до австрийского Йозефа Гайдна, Корелли был первым композитором, получившим международную репутацию исключительно на основе своей инструментальной музыки. Многие элементы его стиля стали обычным явлением в 18 веке, и его работы являются ранними примерами недавно разработанной системы мажорной и минорной тональности. Как выдающийся скрипач-виртуоз того времени, он обучал многих ведущих композиторов-скрипачей 18 века, в том числе итальянца Франческо Джеминиани.

Многие выдающиеся композиторы периода барокко, особенно Гендель, например, жили в Риме, и влияние Корелли должно было распространиться по всей Европе. Рим, конечно, также был представлен в Гранд-туре, которым в 1700-х годах все больше и больше наслаждались богатые люди Европы и особенно Англии.

Соперничая с Римом в его музыкальном влиянии, если не в его архитектурном и художественном великолепии, Неаполь обязан своим выдающимся положением в музыке неисчислимому количеству талантливых музыкантов, родившихся в городе, а также своим музыкальным консерваториям, которые их воспитывали и служили. Что ж. Действительно, Неаполь удачно называют консерваторией музыки 18-го века, и он действительно может похвастаться четырьмя консерваториями высочайшего музыкального уровня.

Вряд ли великий композитор первой половины сеттеченто не испытал влияния неаполитанской музыки.Действительно, самые великие музыкальные деятели того времени посещали Неаполь или оставались там и работали какое-то время. Блестящий Никола Порпора (родился 19 августа 1686 года в Неаполе; умер там в феврале 1767 года), например, не только обучал Йозефа Гайдна, но и близко знал таких всемирно известных личностей, как Бонончини, Фаринелли, Гендель и Хассе. В 1733 году он отправился в Лондон, присоединившись сначала к Хассе, а затем к Бонончини, чтобы соревноваться с гигантом Генделем. Некоторые говорят, что влияние Порпоры модернизировало поздний оперный стиль композиции Генделя или, по крайней мере, сохраняло эту тенденцию вплоть до отъезда Порпоры из Англии в Италию в 1737 году.

Общепризнанным мастером неаполитанской музыки барокко был Алессандро Скарлатти (род. 2 мая 1660 г. в Палермо; ум. 24 октября 1725 г. в Неаполе). Почти в мгновение ока он произвел революцию в провинциальной музыкальной атмосфере, царившей в Неаполе, прежде чем он прибыл в феврале 1684 года в качестве нового маэстро ди капелла в часовню вице-королевства. Прямой наследник великих итальянских традиций оперы, оратории, кантаты и инструментальной композиции, полученных от Пьетро Франческо Кавалли (1602-1676), Джакомо Кариссими (1605-1674), Алессандро Страделла (1642-1682) и Джованни Легренци (1626- 1690), Скарлатти был хорошо оборудован, чтобы произвести революцию в неаполитанской музыкальной жизни.Внезапная отставка старой неаполитанской гвардии — Франческо Провенцале (ок. 1627–1704) и шестерых его коллег, разочарованных тем, что Провенцале уступили место Скарлатти после смерти Пьетро Андреа Зиани (ок. 1630–1684). расчистил путь для глотка свежего воздуха Скарлатти. Опера и кантаты Скарлатти, его серенаты и оратории, и особенно его инструментальные произведения, вскоре принесли новую жизнь неаполитанской музыке. Ему предстояло написать более ста опер, 600 кантат и ряд ораторий.Представители европейской знати часто поручали ему сочинять сонаты для духовых и струнных инструментов, а также пьес для сембало и гроссовых концертов.

Доменико Скарлатти (род. 26 октября 1685 г. в Неаполе; ум. 23 июля 1757 г. в Мадриде) был шестым сыном Алессандро Скарлатти. Отец, несомненно, подверг Доменико лучшему обучению в Неаполе, взяв его примерно в 1708 году в Венецию, чтобы учиться у Франческо Гаспарини (1668-1727), который сам был учеником Арканджело Корелли (1653-1713).Из Венеции Скарлатти-младший отправился в Рим с Генделем, согласно отчету, где оба выступали перед кардиналом Пьетро Оттобони. Около 1720 года он переехал в Лиссабон, а через десять лет — в Мадрид. Сегодня он, пожалуй, наиболее известен своими клавишными сонатами, в которых он щедро позаимствовал из латиноамериканских народных мелодий и ритмов, создав уникальную смесь, которую можно было бы назвать «иберийским барокко».

Франческо Дуранте (род. 31 марта 1684 г., во Фратта-Маджоре; ум. 13 августа 1755 г. в Неаполе) был самым занятым из неаполитанских учителей, занимал должности в консерваториях Сант-Онофрио и Санта-Мария-ди-Лорето и преподавал играет и сочиняет где-нибудь еще.Его карьера развивалась в наилучшее возможное время для максимального использования новой глубины и богатства, новой музыкальной беглости, которую Алессандро Скарлатти создал для Неаполя. Дуранте настолько извлек выгоду из этих удачных обстоятельств, что Руссо был поощрен назвать его «величайшим гармонистом Италии, то есть мира».

Но из-за неизменно высокого вдохновения немногие композиторы того времени, неаполитанские или иные, могут сравниться с Джованни Батистой Перголези (род. 4 января 1710 г., в Йези; ум.16 марта 1736 г. в Поццуоли). Его карьера также совпала с наиболее плодотворным периодом в истории неаполитанской музыки. Судьба Перголези заключалась в том, чтобы воспользоваться (в течение двух с половиной десятилетий трагически укороченной жизни) грандиозной возможностью для совершенно новой музыкальной формулировки, которую предоставили работы Скарлатти. Практически в одиночку Перголези выковал новый драматический стиль, используя для своих целей скромную оперную буффа и привнося в сцену и концертный зал все тонкости психологического, идиоматического и мотивационного развития, а также всю драматическую гибкость, столь важную для искусства игры. музыкальная характеристика, которую Моцарт должен был довести до совершенства.

Венеция, великий независимый торговый город на воде на севере, также была местом огромного богатства, архитектурных шедевров и музыкального влияния, самым известным из ее музыкальных сыновей был Антонио Вивальди. Венеция также участвовала в «Гранд-турне» европейской знати. Однако, оглядываясь назад, мы, возможно, можем с грустью отметить, что экономическая мощь и богатство Венеции уже находились в упадке, и к концу жизни Вивальди наступил экономический спад, из которого Венеция так и не оправилась.

Глубокое, всепроникающее и вдохновляющее влияние на итальянскую музыку барокко оказали скрипичные мастера, главным образом в Кремоне — семья Амати в 16 и 17 веках, семьи Гварнери и Страдивари в 17 и 18 веках. Можно предположить, что подобным же образом великие строители органов Германии, Арп Шнитгер на севере и Готфрид Зильберман на юге, вдохновляли и бросали вызов таким композиторам, как Букстехуде и И.С. Бах, на создание сочинений для органа, которые в полной мере использовали бы разнообразное и величественное звучание этих выдающихся инструментов.

ИЗ ИТАЛИИ В ГЕРМАНИЮ

Иоганн Георг Пизендель (родился в 1687 году, умер в Дрездене в 1755 году) был не только одним из выдающихся немецких скрипачей 18 века, но и музыкальной личностью с мировым именем. В возрасте десяти лет он отправился в Ансбах, где его учителем стал Джузеппи Торелли. В 25 лет он поступил в Дрезденский придворный оркестр, а в 1728 году был назначен его руководителем, с отличием занимая этот пост до самой своей смерти. Во многом именно благодаря его творчеству Дрезденский придворный оркестр получил известность во всей Европе.Иоганн Фридрих Райхардт писал в 1774 году: «Несмотря на то, что Берлинский оркестр всегда был хорош, люди, способные судить и знакомые с обоими, всегда предпочитали дрезденский оркестр под руководством известного концертмейстера Пизенделя». С разрешения двора Пизендель отправился во Францию в 1714 году и в Италию в 1716/17 году. Он учился у Вивальди в Венеции, а также познакомился с другими выдающимися итальянскими мастерами того времени, а по возвращении в Дрезден представил новейшие итальянские скрипичные сочинения.

Мы знаем, что Пизендель исполнил концерт Торелли для Лейпцигского Collegium Musicum, а Дрезден в то время был центром немецкого культа Вивальди, под влиянием которого И.С. Бах сочиняет органные концерты. Политические и культурные связи между Саксонией и Италией стали еще сильнее после коронации Марии Амалии Саксонской королевой Неаполя. Королевские резиденции в Мюнхене, Штутгарте и Ганновере также позволили себе роскошь итальянских музыкальных заведений, и многие из меньших княжеских дворов, где музыку направляли немцы, заказали последние партитуры из Италии.

Значение и статус Пизенделя как оригинального композитора долгое время недооценивались. Хотя он не был плодовитым писателем, те его произведения, которые сохранились, имеют высокое качество и демонстрируют индивидуальную творческую цель. Соната для скрипки соло — очень сложное произведение как с музыкальной, так и со скрипичной точки зрения, и оно имеет тенденцию подтверждать теорию о том, что игра и стиль Пизенделя, возможно, привели к сочинению сольных сонат Баха. Действительно, было высказано предположение, что Шесть сонат / партит Баха для скрипки соло были составлены именно как вызов Пизенделю во время визита Баха в Котенский двор, где Бах тогда находился на службе.

Точно так же капельмейстер Готы Готфрид Генрих Штольцель (1690-1749) отправился в Италию в 1713 году, чтобы установить личный контакт с выдающимися музыкантами того времени и не упустить ни одной возможности «там, где что-нибудь должно быть услышано». . Он встретил Алессандро Скарлатти в Риме, а в Венеции — Вивальди, Марчелло и своего земляка Иоганна Давида Хайнихена. Его путешествие проходило через Флоренцию, Пизу и Ливорно, а обратно через Болонью, Венецию и Триест в Инсбрук, затем через Линц и Будвейс в Прагу.

Например, «Concerto a quattro chori»

Штользеля стал ярким событием в придворной музыке того времени. Само озвучивание этого произведения с его двумя группами труб, группой деревянных духовых и разделенных струнных, создает атмосферу праздничного великолепия, характерного для периода позднего барокко, с его чистой радостью от создания музыки. J.S. Бах знал и, вероятно, ценил эту великолепно звучащую работу своего коллеги в Готе; он использовал фугальную тему из Финала этого Концерта в своем G minor Bourrée из «Clavierbûchlein» для Вильгельма Фридемана Баха, в котором «Partia di Signore Stelzeln» в нескольких частях занимает почетное место.

ГЕРМАНИЯ

Германия, хотя и находилась под сильным влиянием развития Италии, на самом деле прививала эти формы и стили в свои местные традиции.

Реформация, возглавляемая Мартином Лютером и официально начавшаяся в 1517 году, принесла религию в массы, как через перевод Лютера библейских текстов на немецкий язык, так и за счет широкого использования хорала в качестве основного текстового / музыкального сопровождения церковной службы. Из традиционных хоровых мелодий большая часть немецкой музыки барокко должна была расти и развиваться.Кантаты и страсти часто основывались на хорале, а если и не были, то были просто продолжением хоральной традиции. Органисты тоже разрабатывали хорал на неделю, либо добавляя вставки между стихами, либо составляя целые наборы вариаций на основе определенной мелодии хора.

К этой традиции следует добавить инстинктивную немецкую любовь к порядку, проявляющуюся до сих пор во многих аспектах немецкой жизни. Таким образом, немецкие композиторы были привлечены к фуге, канону и пассакалии как к своей основе фундаментальной формы, образца и единства.

Одним из нескольких композиторов раннего барокко, внесших значительный вклад в объединение хорала и контрапункта, был ДИТРИХ БУКСТЕХУД. Датчанин по происхождению и родился в Олдесло, Гольштейн (тогдашнее владение Дании), в 1637 году, он умер в Любеке в 1707 году в возрасте шестидесяти девяти или семидесяти лет. В дополнение к его композиционным вкладам, его артистизм на органе был легендарным. Его исполнение духовной музыки, инструментальной и вокальной, сделало Любек местом паломничества музыкантов, стремящихся продвинуться в своем искусстве, а сам молодой Себастьян Бах преодолел двести миль, чтобы услышать их и сесть у ног Мастера.В кантатах и страстях Баха, а также в его многочисленных хоральных прелюдиях и вариациях развитие хорала достигло пика, который впоследствии никогда не превышался.

Хорал продолжился и продолжает занимать фундаментальное место в жизни Германии, как протестантской, так и католической. Хоралы постоянно звучат как в домах, так и в церквях. На протяжении веков церковные хоры были обычным явлением прогуливаться по улицам в течение недели, распевая их перед домами.Даже в 1880-х годах Штайнерт, бостонский торговец пианино, повторно посетивший свой родной баварский городок после сорокалетнего отсутствия, обнаружил, что ночной сторож на улице все еще отмечает часы, распевая свои стихи из гимна на свою старую хоральную мелодию. делает в другом баварском городке в Мастерсингерах Вагнера. Хорал действительно пронизывает немецкую религиозную, общинную и домашнюю жизнь. Частный путешественник в Германии сегодня может быть удивлен, узнав, сколько из тех, кого он или она встречает, являются постоянными и полными энтузиазма участниками церковных хоров, что еще раз свидетельствует об их глубокой любви к хоровой музыке.

АНГЛИЯ

1600-е годы оказались веком политических потрясений и перемен в Англии — перехода от автократической к парламентской монархии. В начале века Британией правил очень авторитарный монарх, который не имел ничего общего с молодым и амбициозным парламентом. Разборка произошла с судом в парламенте и последующей казнью короля Карла I в 1649 году. За этим последовала попытка республики при Кромвеле, которая оказалась хаотичной и катастрофической.Восстановленные монархи — Карл II и Яков II — все еще несколько неохотно соглашались с верховенством парламента, пока сам парламент не призвал дочь Джеймса Мэри и ее голландского мужа Вильгельма Оранского спасти страну от политической нестабильности. Они сделали это в 1689 году, после чего вместе правили как Вильгельм III и Мария. Эта краткая история объяснит, почему после культурного вакуума и хаоса революции, республики и ее последующих лет музыка снова стала процветать к концу века.

Генри Перселл родился в 1659 году, и хотя ему предстояло прожить очень короткую жизнь (он умер в 1695 году), он смог насладиться и полностью использовать возобновившийся расцвет музыки.

Он посвятил много своего таланта написанию опер или, скорее, музыкальных драм и случайной сценической музыки; но он также писал камерную музыку в форме сюит для клавесина и трио-сонат, а также участвовал в растущей лондонской публичной концертной сцене. Для молодого Лондонского Музыкального Общества он создал Оды, посвященные Дню Святой Сесилии (покровительницы музыки), который любой меломан может отметить 22 ноября.

Пёрселл, сын придворного музыканта, певца в Королевской часовне и продолжавший занимать королевские должности до самой смерти, более двадцати пяти лет работал исключительно в Вестминстере у трёх разных королей, а также факты о деятельности Перселла при дворе довольно хорошо документированы. Среди других произведений, написанных для двора, он написал оды на королевские дни рождения, в том числе живую и мелодичную «Приходите, сыны искусства».

Смерть королевы Марии нанесла сокрушительный удар по стране.Мэри была очень любимым монархом, и публика требовала похорон, что отражало ее преданность. Никаких расходов не пожалели. Сэр Кристофер Рен позаботился о том, чтобы дорога в Вестминстер была обнесена черными перилами. Триста мрачных женщин возглавили свиту в черных плащах с парнями, несущими свои поезда. Перселла также попросили вознести оду в память о смерти своей (и страны) любимой королевы Марии. Как прекрасно повод для запоминающейся и горько-сладкой музыки Перселла.В ноябре того же года Вестминстерское аббатство также станет местом собственных похорон Перселла, на которых объединенные хоры аббатства и Королевской часовни будут отмечать преждевременную кончину «английского Орфея».

В течение последних десятилетий 1600-х годов Англия многое узнала об итальянских и французских музыкальных стилях от Перселя и войдет в новый век, горячо восприимчивая к континентальной моде.

В музыкальной жизни Англии в первой половине 1700-х годов доминировала фигура гигантского Генделя, поселившегося в Лондоне в 1712 году; И здесь королевская семья снова сыграла свою влиятельную роль.

После раннего обучения в Германии Гендель отправился в Италию, где провел более трех лет во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции. В Риме он учился у Корелли и, возможно, встретил Вивальди в Венеции по возвращении.

Гендель покинул Италию в начале 1710 года и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером курфюрста Джорджа Луи. Королевские дома Великобритании и Европы всегда были тесно связаны между собой, и в соответствии с Актом об урегулировании в 1701 году, закрепившим за протестантами правопреемство короны, мать Джорджа стала наследницей престола Великобритании.В 1705 году Джордж был натурализован парламентским актом, а в августе 1714 года смерть королевы Анны сделала его королем. Гендель, который уже побывал в Лондоне и, очевидно, находил это по душе, должен был последовать примеру курфюрста в принятии британского гражданства, и действительно, часть успеха Генделя в Лондоне была обусловлена королевским покровительством курфюрста Ганновера, ныне короля Георга I.

Влияние Генделя как на культурную среду его времени, так и на его более молодых английских современников трудно переоценить.Это было начало эпохи «Гранд-тура», когда образованные и состоятельные граждане отправились в «Гранд-тур» в Италию, Францию, Германию и Нидерланды. Часто они возвращались домой, полные энтузиазма по поводу академий, театров, оперных театров и концертной жизни, с которыми они столкнулись в Европе. Короче говоря, Англия стала гостеприимным хозяином для иностранных виртуозов, импресарио, певцов и композиторов. Как заметил гамбургский теоретик, критик и композитор Иоганн Маттезон в 1713 году (Das Neu-Erôffnete Orchester): «Тот, кто в настоящее время хочет получать прибыль от музыки, отправляется в Англию.”

В Англии, как и в Германии, главным образцом инструментальной музыки был Корелли, чьи сочинения впервые стали известны в Лондоне к концу семнадцатого века. В 1715 году Джон Уолш старший — он и его сын вскоре стали издателями Генделя — выпустили «12 Concerti Grossi Op. 6, с которого они были исполнены, адаптированы и, судя по всему, повсеместно полюбились. Английский историк музыки сэр Джон Хокинс упоминает случай в 1724 году, когда группа энтузиастов-любителей, только что усвоившая сочинение Корелли. 6 у книготорговца, «отыграли все 12 концертов, не вставая со своих мест» ( История науки и практики музыки , 1776). Концерты современника Корелли Торелли и современные модные венецианские концерты Вивальди также были опубликованы и стали популярными в Англии.

Одним из первых композиторов, напечатавших концерты в Англии, был Франческо Джеминиани. Близнецы родился в Лукке и учился игре на скрипке у Корелли в Риме.Также возможно, что он изучал композицию у Алессандро Скарлатти в Неаполе. В 1707 году Джеминиани вернулся в свой родной город Лукку, где он три года играл в городском оркестре, прежде чем занять должность в Неаполе в 1711 году в качестве руководителя оперного оркестра. В 1714 году он приехал в Англию, где его игра быстро завоевала поддержку ведущих фигур при дворе и среди аристократии. Джеминиани уехал из Лондона в Дублин в 1733 году, где заработал прекрасную репутацию учителя, исполнителя, организатора концертов и теоретика.В том же году он открыл Концертный зал в Дублине, очевидно, используя помещения наверху для музыки, а комнаты внизу для торговли картинами.

ФРАНЦИЯ

Вклад Франции в музыку барокко, особенно в ее ранний период, 1650-1700 гг., Был сравнительно невелик. Это было полностью связано с влиянием некоего Джованни Баттиста Лулли (1632–1687), итальянца благородного происхождения, который в молодости отправился во Францию и в 1653 году начал службу при дворе Людовика XIV. Здесь он использовал свое влияние на короля в сочетании с агрессивным бизнесом, чтобы создать для себя виртуальную монополию на французскую музыку, которая продержалась и после его смерти и до начала 1700-х годов, и только с Рамо и Купереном Франция снова начал находить себя в музыкальном плане.Мертвую хватку Люлли (если использовать его более позднее французское правописание) над французской музыкой в то время трудно было переоценить. Серия строго ограничивающих королевских патентов дала ему полную монополию на использование музыки на французской сцене. Агрессивный и проницательный в бизнесе, Люлли скупил ведущие театральные площадки и, чтобы укрепить свое положение, даже убедил короля издать постановление, ограничивающее количество певцов и инструменталистов, которые могли выступать с другими парижскими театральными труппами.

Основное влияние, которое Франция оказала на эпоху барокко, было влиянием придворной роскоши.В 1669 году Людовик XIV (1638-1715) решил превратить старый охотничий домик в Версале во дворец невиданной красоты. Он был завершен в 1682 году, а двор переехал в 1683 году. В Европе не было ни королевского, ни княжеского двора, который мог бы сравниться с Версалем по богатству золоченых интерьеров, зеркал и люстр с соответствующей яркостью придворной церемонии и в Европе не было королевского или княжеского двора, который открыто или тайно не стремился бы соответствовать этой модели.

Люлли (ныне натурализовавшийся француз как Жан-Батист Люлли с буквой «у») отразил этот идеал в великолепии своих опер и оперных декораций, поставленных с помощью всевозможных машин, с помощью которых солнца и ангелы могли летать, а корабли могли летать. кататься по диким бурным морям. Его оперные тексты восхваляли короля и на каждом шагу отражали новейшие королевские мысли, что, конечно же, укрепляло его положение. В то же время необходимо подчеркнуть, что его выступления нельзя было пропустить.Его оперы и священные произведения демонстрируют богатство и величие (Ouverture во французском стиле — один из его вкладов), что вызовет восхищение публики и приезжих музыкантов из Италии и Германии.

Хотя большая часть королевской семьи Европы должна была совершить паломничество в Версаль, никто не должен был знать, что Людовик и его страна были перегружены долгами, которые наложил на них дорогой Версаль. Вдобавок Франция в последние годы 1600-х годов пережила два голода и серию катастрофических военных поражений.Великолепие Версаля постепенно угасло вместе с энергией короля, и его смерть в 1715 году ознаменовала как конец Версаля (хотя позже он возродится), так и возрождение (нелуллийской) музыки в Париже с бумом нот. уроки книгопечатания и музыки для буржуазии. Музыкальная свобода и жизненная сила возродились в Париже и будут продолжать процветать даже после того, как Людовик XV вернул свой двор в Версаль.

ИСПАНИЯ

Мавританское присутствие (примерно 800-1500) придало испанской музыке большую часть ее отличительного колорита, оставив в наследство сложные арабские ритмы, микротонические гаммы и непреходящую любовь к щипковым инструментам, виуэле и гитаре.Позже странствующие цыгане добавили региональное разнообразие в ритм и мелодию. Именно эту богатую и разнообразную народную смесь Доменико Скарлатти позже изучал и использовал с таким пылом и энтузиазмом.

Когда император Карл V объединил Нидерланды, Бургундию, Неаполь и Испанию под одной короной, Испания открылась для всего европейского музыкального мира. В период правления Карла и его сына Филиппа II, вместе взятых в период с 1516 по 1598 год, испанская музыка достигла своего апогея. В этот период процветало и органное строительство; Строители органов стали предприимчивыми и изобретательными, когда процветание Испании распространилось на церкви.Сам Филипп II подарил орган в соборе Гранады — он до сих пор используется регулярно. Слепой композитор-органист Антонио де Кабесон (1510–1566) был одним из первых в мире композиторов для клавишных, его сочинения отличались довольно развитым стилем.

Однако значительные музыкальные события в период барокко произошли и в других частях Европы. Глядя на имена испанских композиторов 1650-1750 годов, мы не находим ни одного особенного примечания. Однако в 21 веке нам нужно время от времени напоминать себе, что с 1650 по 1750 год политическая карта мира была совсем другой.Большая часть южной Италии (с центром в Неаполе, включая Сицилию и Сардинию) была «испанскими» колониями испанской части Дома Габсбургов (ведущей державы в Европе). Испания была ведущей европейской державой в Средиземноморье, и в ее культуре было гораздо больше, чем иберийский пенис.

Главной фигурой испанского барокко был Доменико Скарлатти, который родился и получил музыкальное образование не в Испании, а в Италии. В примерно 500 сонатах Скарлатти мы находим все богатство и волнение, мелодическое и ритмическое разнообразие традиционной Испании..

Хронология музыки барокко и композиторы

Слово «барокко» происходит от итальянского слова «барокко», что означает странный. Это слово впервые было использовано для описания стиля архитектуры в Италии в 17-18 веках. Позже слово барокко использовалось для описания музыкальных стилей с 1600-х по 1700-е годы.

Композиторы эпохи

Среди композиторов того времени были Иоганн Себастьян Бах, Джордж Фридрих Гендель, Антонио Вивальди и другие.В этот период развивается оперная и инструментальная музыка.

Этот стиль музыки следует сразу за ренессансным стилем музыки и является предшественником классического стиля музыки.

Инструменты барокко

Обычно в песне присутствует группа bassocontino , состоящая из инструменталистов, играющих на аккордах, таких как клавесин или лютня, и инструментов басового типа, несущих басовую линию, таких как виолончель или контрабас.

Характерной формой барокко была танцевальная сюита.В то время как пьесы в танцевальной сюите были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были разработаны для прослушивания, а не для сопровождения танцоров.

Хронология музыки барокко

Период барокко был временем, когда композиторы экспериментировали с формой, стилями и инструментами. В то время скрипка также считалась важным музыкальным инструментом.

Значимые годы	Известные музыканты	Описание
1573	Якопо Пери и Клаудио Монтеверди (Флорентийская камерата)	Первая известная встреча флорентийской камерыта, группы музыкантов, которые собрались вместе, чтобы обсудить различные темы, включая искусство. Говорят, что участники были заинтересованы в возрождении греческого драматического стиля. И монодии, и Считается, что опера возникла в результате их дискуссий и экспериментов.
1597	Джулио Каччини, Пери и Монтеверди	Это период ранней оперы, который длится до 1650 года. Опера обычно определяется как сценическое представление или произведение, сочетающее музыку, костюмы и декорации для передачи истории. Большинство опер поются без разговорных строк.Вовремя эпохи барокко, оперы были производными от древнегреческой трагедии, и часто увертюра в начале, с сольной партией и обеими оркестр и хор. Некоторыми примерами ранних опер являются два исполнения «Эвридики» Якопо Пери и второе исполнение Джулио Каччини. Другой популярной оперой были «Орфей» и «Коронация Поппеи» Клаудио Монтеверди.
1600	Каччини	Начало монодии, которая продлится до 1700-х годов.Monody — это сольная музыка в сопровождении. Примеры ранней монодии можно найти в книге Джулио Каччини «Le Nuove Musiche». Книга представляет собой сборник песен для фигурного баса и сольного голоса, в него также вошли мадригалы. «Le Nuove Musiche» считается одним из самых важных произведений Каччини.
1650	Луиджи Росси, Джакомо Кариссими и Франческо Кавалли	В эпоху среднего барокко музыканты много импровизировали. Бассо континуо или фигурный бас — это музыка, созданная путем объединения клавишных и одного или нескольких басовых инструментов.Период с 1650 по 1750 год известен как эпоха инструментальной музыки, когда развивались другие формы музыки, включая сюиту, кантату, ораторию и сонату. Самыми важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в первую очередь композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианец Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором.
1700	Арканджело Корелли, Иоганн Себастьян Бах и Джордж Фридрих Гендель	До 1750 года это было известно как период высокого барокко. Итальянская опера стала более выразительной и обширной. Композитор и скрипач Арканджело Корелли стал известен, и музыка для клавесина также получила большое значение. Бах и Генделя известны как деятели музыки позднего барокко. Другие формы музыки, такие как каноны и фуги развились в это время.

Свейн, Джозеф П .: 9780810878242: Amazon.com: Книги

Как давний учитель и постановщик старинной музыки, Суэйн, несомненно, знает свой предмет. Более 400 кратких статей в этом словаре, от одного предложения до двух страниц, охватывают эпоху европейского барокко, 1600-1750 гг.Примерно половина из них посвящена историческим личностям, в первую очередь композиторам, а еще пятая часть посвящена таким жанрам композиции, как кантаты. Около 50 записей определяют термины периода, хотя автор предполагает, что читатели будут иметь базовые музыкальные знания. Остальные записи представляют собой смесь учреждений, работ, мест и инструментов. Многочисленные перекрестные ссылки выделены жирным шрифтом, а некоторые см. Также ссылки, добавленные к записям. Кроме того, Свейн включает хронологию барокко для периода с 1526 по 1920 год, обзорное эссе на 19 страницах и неаннотированную вторичную библиографию на 44 страницах.Возможно, единственный недостаток этого хорошо выполненного тома — нехватка иллюстраций. Хотя большинство определений и биографий здесь можно найти в сочетании общих справочных работ, начиная с Оксфордского музыкального словаря под редакцией Т. Резерфорда-Джонсона, М. Кеннеди и Дж. Кеннеди (6-е изд., 2012 г.) к Гарвардскому музыкальному словарю под редакцией Д.М. Рэндела — однотомный сборник Свейна удобен для студентов той эпохи. Подведение итогов: рекомендуется. Все обширные академические музыкальные коллекции для аспирантов и выше., CHOICE

Джозеф Суэйн, органист и преподаватель истории музыки в университете Колгейт, является автором своего второго исторического словаря. Этот словарь предоставляет основную информацию о традициях, людях, композициях, местах, терминологии и институтах музыки барокко — музыки, которая доминировала в Западной Европе примерно с 1600 по 1750 год. Почти половина статей — биографические, в основном композиторы, но автор также описывает теоретиков , критики и поэты. . . Еще пятая часть произведений — это жанры эпохи барокко — концерт, кантата, опера сериа и другие.Другие затронутые области включают техники (например, фигурный бас, двойные точки), теоретические термины (например, инверсия, контрапункт, континуо, высота звука в стиле барокко), инструменты (например, клавесин, фагот, теорбо) и места (например, Венеция, Вена, Лондон, Париж). Суэйн дает названия сочинений в современной английской форме; например «Искусство фуги» и «Рождественская оратория». Он представляет подробные списки Бранденбургских концертов И. С. Баха; некоторые произведения известны по своим номерам, например Opus 3, набор из 12 концертов Антонио Вивальди, и Opus 6, 12 концертов Grossi Арканджело Корелли.Суэйн перечисляет драматические произведения нескольких композиторов, в том числе Джорджа Фридриха Генделя, Франческо Кавалли, Клаудио Монтеверди и Жана Батиста Люлли. Такие трактаты, как Gradus ad Parnassum (Johann Joseph Fux) и Traite de l ‘Harmonie (Jean Philippe Ramaeu), даются на языках оригинала. Свейн также приводит примеры в нотной записи. Большинство записей являются достаточным, но кратким первоисточником для пользователей. См. Ссылки многочисленны и выделены жирным шрифтом. Хронология событий вне рождений (стр.XV-XXIX). Библиография обширна, хорошо организована и подробно представлена. Исторический словарь музыки барокко служит качественным готовым справочным источником с указанием ресурсов для тех, кто ищет более подробную информацию., American Reference Books Annual

Переименование барокко: альтернативный курс истории искусства

Весной 2017 года я попросил студентов, изучающих искусство барокко в Государственном университете Фрамингема, переименовать барокко. Я стремился создать задание, которое функционировало бы как альтернатива традиционной курсовой работе по истории искусства, проверяло бы понимание студентами характеристик искусства 17 ^{-х годов} века и предлагало бы им мыслить творчески. Когда я преподаю курсы эпохи Возрождения и Барокко, я регулярно начинаю с обсуждения названия, которое использовалось для описания того периода. Я включаю не только объяснение того, что означает «Возрождение» или «Барокко» и как это определение относится к периоду, но и призываю студентов задуматься над уместностью этого названия. Например, я прошу своих учеников рассмотреть влияние использования слова с некоторыми негативными ассоциациями («барокко» как термин, происходящий от португальского слова, обозначающего жемчужину неправильной формы.) Читая эту лекцию, я часто делал небрежный комментарий типа «но никто не придумал лучшего термина». Мне пришло в голову, что я могу поставить эту задачу своим ученикам.

Затем я заменил традиционную курсовую работу в моем курсе в стиле барокко на «Переименование в барокко», признав, что это новое задание могло проверить понимание студентом визуальных характеристик и тем искусства в той же степени, что и традиционное задание. Класс представлял собой лекционный курс из 300 уровней с 18 студентами; большинство из них были студентами или специалистами по истории искусств и прошли вводный курс истории искусств.Я представил это задание не только как проверку стилей и тем периода и способности студентов к визуальному анализу, но и как возможность для творчества, чтобы, возможно, повлиять на то, как историки искусства думают об искусстве 17 ^{-х годов} века, и чтобы подчеркнуть Моим студентам произвольный характер разделительных линий, которые ученые наложили, создав исторические периоды. Я назначил статью Хасока Чанга «Плюрализм против периодизации» [1] как дополнительное прочтение. Я задумал это чтение, в котором критикуется использование технологических достижений как метода описания эпох в истории науки, чтобы стимулировать размышления студентов о научной проблеме разделения истории.Я выбрал эту статью из-за ее краткой критики устоявшегося подхода к периодизации в смежной дисциплине, но любая стипендия, посвященная вопросу периодизации, будет работать. Например, используя это задание в курсе Возрождения, я назначаю первые страницы книги Кеннета Бартлетта «Краткая история итальянского Возрождения », в которой рассматриваются традиционные определения эпохи Возрождения и историографическое наследие Якоба Буркхардта [2].

Караваджо. Призвание святого Матфея (1599–1600).Часовня Контарелли, Сан-Луиджи-деи-Франчези, Рим

В целом бумаги были достаточно солидными. Хотя предложенные имена в целом были более или менее такими, как я ожидал («Театральный век», «Эра света и тьмы» и т. Д.) [3] или не соответствовали действительности («The Neo Outré Renaissance», «17 ^-е века Искусство классического и эллинистического возрождения »), в классе ученики писали убедительно. Лишь несколько студентов выбрали имена, которые принципиально не отражали период.Я оценивал, прежде всего, степень, в которой студент привел убедительные примеры в поддержку своего имени; поэтому, даже когда студенты не выбирали убедительное название, многие все же демонстрировали твердое понимание визуальных характеристик и функций произведений, охватываемых курсом, посредством описания тематических и визуальных тенденций и в отобранных примерах.

Моя оценка была сосредоточена на демонстрации учащимися навыков визуального анализа, на выявлении закономерностей в разных странах во внешнем виде и на критическом мышлении, чтобы оправдать новое имя с помощью убедительных аргументов, подкрепленных соответствующими примерами.Моя оценка заключалась в следующем: 25% — создание убедительного нового имени, 50% — демонстрация знания старинного стиля и 25% — грамматика и синтаксис. Большинство студентов получили отличную оценку по своей работе, что выше, чем на предыдущих курсах с традиционной курсовой работой. Остальные оценки были либо четверками, либо ниже из-за проблем с письмом или опоздания. То, что оценки учащихся в целом были выше, чем обычно, свидетельствует о том, что учащиеся чувствовали себя более заинтересованными и писали с большей убежденностью и / или прикладывали больше усилий к письму.

Задание успешно оценило, насколько хорошо студенты усваивают материал курса. Даже когда выбранное название не было идеальным, студенты продемонстрировали свое понимание визуальных характеристик того периода, таких как «использование света и тьмы [для] создания драмы» и «неумолимое внимание к натурализму», а также предполагаемую функцию многие работы, в частности эмоциональное воздействие католической контрреформации, описанные одним студентом как искусство, «призваны шокировать и внушать страх зрителям.Большинство студентов продемонстрировали эти идеи, сославшись на соответствующие примеры, выявив, например, тенебризм в произведении Караваджо « Зов святого Матфея» или попытку вызвать доступные эмоциональные реакции в таких произведениях, как « Экстаз святой Терезы» Бернини.

Франческо Борромини. Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане (Сан-Карлино). Освящен 1646.

Читатели, знакомые с барокко, заметят, что студенческие работы тяготели к Италии, что отражало основную проблему в них.Хотя в задании студентам предлагалось придумать название, подходящее для работ как из южной, так и из северной Европы, многие студенческие работы не относятся к Северу. Этот недостаток был очевиден в отсутствии примеров, взятых из Англии, Фландрии и Голландской республики, но тем более в названиях, многие из которых не отражали визуальные характеристики искусства этих стран. Возьмем, к примеру, предложенное название «Период Святых Видений»; студент сосредоточился на библейском вдохновении искусства того периода, игнорируя растущую популярность пейзажа и жанровых сцен в Голландии.Некоторые студенты, однако, успешно определили связи между различными странами, охваченными учебной программой. Один студент связал театральные элементы в творчестве Веласкеса и Рубенса с искусством и архитектурой контрреформационной Италии в поддержку предложенного названия «драматургический период». Другой студент, отстаивая «век инноваций», указал на «эксперименты с новыми жанрами в Голландии». Возможно, следовало ожидать предвзятого отношения к итальянскому языку, учитывая, что статья должна была быть сдана примерно на четверть курса, а это означало, что студенты сдали ее раньше, чем мы полностью охватили Голландскую республику.Если бы эта работа была назначена в конце семестра, ответы могли бы быть другими.

Студенческие работы отражают проблемный характер периодизации и важность языка. Многие студенты обрамляли свои работы вступительными абзацами, в которых объяснялось, почему «барокко» было неподходящим, либо потому, что его первоначальное значение предполагало «нестандартный стиль, который не вписывается ни в что вполне подходящее [и] может считаться периодом« плохого искусства »» или потому, что он «не отражает всех различных стилей периода барокко; он суммирует итальянский и испанский стиль, но, похоже, не соответствует стилям Англии, Франции и Голландии.Другой утверждал, что его имя «Период великих деталей» было усовершенствованием «Барокко», потому что его было легче понять. В целом я был удивлен степенью, в которой студенты приняли критическое упражнение, лежащее в основе задания, и я был рад видеть готовность студентов принять дух задания, бросая вызов устоявшейся парадигме и уверенно предлагая свою собственную интерпретацию.

Оценки учащихся были самым удивительным аспектом введения этого задания.Студенты в целом отметили, что получили удовольствие от задания; оценки описали его как «более интересный, чем« обычный документ по анализу живописи, который есть в большинстве курсов по истории искусства », и тот, который« бросил мне вызов в плане анализа и критического мышления, которого я раньше не испытывал ». Один студент заметил, что это заставило его или ее «задуматься о периоде в целом». Не менее трех студентов использовали слово «критический» при оценке задания, отметив, например, что «хотя работа была для меня проблемой, она помогла мне доказать, что я учусь в классе, и заставила меня критически относиться к работам.«Я был в восторге от того, насколько студенты определили, как задание позволило им продемонстрировать визуальный анализ и критическое мышление, которые они развили в классе.

Нарышкинское барокко – HiSoUR История культуры

Московский барокко – HiSoUR История культуры

Барокко | Homy

Общая характеристика стиля Барокко

История стиля Барокко

Особенности стиля Барокко

Заключение

Похожие материалы:

История стиля барокко

Стиль барокко

История возникновения

Черты стиля

Архитектурный стиль: Нарышкинское барокко

Развитие стиля нарышкинского барокко

Значение нарышкинского стиля для архитектуры

Образцы нарышкинского барокко

Барокко в архитектуре, предпосылки возникнтовения

Историческая справка

Детали

Жемчужина неправильной формы и Король-Солнце

Стиль Барокко — Все об эпохе искусства

Эпоха барокко

Стиль барокко

Искусство барокко

Барокко в архитектуре

Музыка барокко

Интересные факты:

Барокко: История барокко — USEUM

фактов, заданий, истории и влияния эпохи барокко для детей

Загрузить этот образец

Ключевые факты и информация

Этимология слова

Искусство барокко: архитектура и дизайн

Искусство барокко: скульптура и живопись

Искусство барокко: музыка и симфония

Одежда в стиле барокко: мода и стиль

Рабочие листы эпохи барокко

Полный список включенных рабочих листов

Ссылка / цитирование этой страницы

Барокко — Возрождение и Реформация

Краткая история музыки барокко в Европе

Хронология музыки барокко и композиторы

Композиторы эпохи

Инструменты барокко

Хронология музыки барокко

Свейн, Джозеф П .: 9780810878242: Amazon.com: Книги

Переименование барокко: альтернативный курс истории искусства

Добавить комментарий Отменить ответ