Барокко живопись особенности: Baroque Art — History, Artists, Artworks

Испанское барокко в живописи Западной Европы

Барокко в Испании совпало с периодом абсолютной монархии и “золотым веком” (80-е гг. XVI — 80-е г.г.XVII столетия) в искусстве, которое испытывало влияние позднего маньеризма, который привнёс в художественное творчество декоративность, капризность, изощренность форм. Одновременно с этим в первой половине XVII века испанская живопись вступает на путь реалистических завоеваний. Начало этому процессу было положено целым поколением живописцев, работавших в местных художественных центрах, вдали от придворного искусства, главным образом в Севилье и Валенсии. Реалистический метод достиг своего расцвета в творчестве Риберы и Сурбарана, а несколько позже — у великого Веласкеса.

В целом для испанского искусства было характерно существование традиций не классических, а средневековых, готических. У художников было два основных заказчика: двор, богатые испанские гранды, аристократия, а также церковь.

Религиозные идеи, которыми, по сути, освящено все искусство Испании, воспринимаются очень конкретно в образах реальной действительности. Чувственный мир удивительно уживается с религиозным идеализмом, а в мистический сюжет врывается народная, национальная стихия. В испанском искусстве идеал национального героя выражен, прежде всего, в образе святых.

Эту эру испанского господства в Старом и Новом Свете, называют «Золотым веком» испанского искусства. «Золотой век» испанской живописи представлен именами Хосе де Риберы, Франсиско Сурбарана, Бартоломе Эстебан Мурильо и Диего де Веласкеса. Назовите основные характерные черты испанского барокко.

Хусепе де Рибера (1591 -1652) во многом унаследовал художественные приемы Рибальты, : своеобразное соединение тщательного рисунка, детализирующей живописной манеры с монументальной передачей трехмерных тел при помощи контрастной светотени. Детальность рисунка и моделировки — это был один из основных принципов валенсийской школы, хотя никто до Риберы не мог развить его до такого совершенства и виртуозности.

Наиболее близким Рибере оказалось также и реалистическое направление в его караваджистском варианте. В середине второго десятилетия XVII века в Риме было уже мало реалистов, являвшихся последователями и учениками Караваджо, который незадолго до приезда Риберы бунтарски выступил против маньеризма и академизма и выразил взгляды, вкусы и запросы по отношению к искусству широких общественных кругов.

В своём творчестве Рибера стремился перевести религиозную сценку в план высокой человеческой драмы. Его картины нередко написаны уже с контрастной светотенью и темным фоном, в чём заметно влияние Кароваджо. Но тени еще сравнительно легки, холодного коричневато-серого тона и не поглощают насыщенных, но достаточно сдержанных красок.

Начиная со второй половины 1620-х годов Рибера, насколько можно судить по его сохранившимся произведениям, все более обращается к живописи (до этого периода времени он больше был увлечён графикой).

Уже в 1626 году он был избран членом римской Академии св. Луки, о чем свидетельствует указание в подписях на картинах звания academico romano (например, на эрмитажном «Св.Себастьяне и Ирине», а также и на написанном в 1626 году «Пьяном Силене» из Национального музея в Неаполе). Одной из наиболее ранних датированных и подписанных картин Риберы является картина «Св. Иероним слышит звук небесной трубы» (Государственный Эрмитаж). Картина повторяет ту же тему, к которой Рибера обратился в графике уже в 1621 году. Сцена изображена в темном пространстве, вероятно, в пещере, куда падает слева яркий луч света. Он вырывает из мрака фигуры Иеронима и ангела. Смысловые акценты композиции выделяются концентрированным светом. Такие второстепенные детали, как голова льва, стол, череп, погружены в глубокую тень.

Глубина пространства в картине совсем исчезает в непроницаемой, тяжелой, невоздушной темноте. Эта темнота густыми черными тенями наползает на тела, находящиеся в пространстве, поглощая или обволакивая те части их, на которые не падает луч света.

Рибера использует типичное караваджистское «погребное» освещение для выделения светом главного в композиции и объединения объемных тел с вмещающей их пространственной средой. Погружая во мрак все лишнее, он делает композицию необычайно скупой и лаконичной. Чернота фона и борьба яркого света с почти непроницаемыми тенями усиливают напряженность, тревожность, драматичность эмоционального воздействия картины.

Центральное место в творчестве Франсиско Сурбарана (1598—1664), занимают монументальные циклы на сюжеты из жизни святых, которые мастер писал в основном по заказам монастырей во второй половине 1630-х гг. Один из них — украшение монастыря Ла Картуха в Херес-де-ла-Фронтера (

Прил. Рис.4) , для которого художник написал картины в различных жанрах. Тут были и портреты исторических лиц — деятелей картезианского ордена, и изображения святых («Св. Лаврентий»), и эпизоды из монастырских легенд. Особого внимания заслуживают также алтарные картины — многофигурные композиции на евангельские темы.

Сурбаран — мастер монументальной композиции — отразил характерные черты ведущей для Испании XVII века темы «монастырской жизни». Циклы его картин создавались по заказам монашеских орденов. Произведения художника кажутся подчас для своего времени архаичными, упрощенными, фигуры застывшими, мало связанными друг с другом, изображение пространства нередко условно. Простая и уравновешенная композиция строится на сопоставлении геометрически четких плоскостей и крупных, достигающих почти стереоскопического эффекта плоскостных объемов. Все, что происходит в сфере потустороннего, приобретает черты реальности и сдержанной духовности.

Преодолевая воздействие караваджизма, Сурбаран постепенно создал свою, насыщенную цветом мощную живописую манеру. Его искания отразились в цикле картин из жизни Сан Педро Ноласко («Видение св. Педро Ноласко небесного Иерусалима» и «Видение св. Педро Ноласко распятого апостола Петра

»). С библейской тематикой были связаны также работы «Благовещение«, «Поклонение волхвов«, «Рождество Христово» и др. В этом цикле портретов и картин Сурбаран использует пейзажные фоны и добивается впечатления живописного единства пространства путем высветления заднего плана.

Славу живописца составили и его прекрасные женские образы. Первая подписная работа Сурбарана — «Непорочное зачатие». Этот тип испанской картины, популярный в XVI — XVIII веках, основывался на католическом догмате о непорочном зачатии самой Марии в браке ее родителей и возносимой на небо в окружении облаков и символических атрибутов. В 1630-е—1640-е гг. Сурбаран нередко обращается к изображению женщин-святых («

Св. Маргарита»). В поздний период творчества живопись Сурбарана становится более интимной и задушевной («Отрочество Богоматери», «Распятие со св. Лукой», «Отдых на пути в Египет»).

Особый аспект творчества Сурбарана — портретный жанр. Практически в большинстве его композиций есть элементы портрета. Если же взять одиночные изображения святых, пророков, основателей орденов или монахов — то перед нами настоящие натурные изображения, когда за чужими именами скрываются подчас друзья и родные художника.

Творчество Диего Родригеса де Сильвы Веласкеса (1599—1660) представляет высшую точку реализма в барочной живописи. Художнику удалось добиться равновесия между формальной схемой композиции и непосредственным процессом изображения картины, сохранив при этом все требования придворного этикета. Веласкес превосходил современных ему испанских художников не только творческим диапазоном, но и смелостью и новизной художественных решений. Он писал картины на жанровые, мифологические, исторические, религиозные сюжеты, портреты, пейзажи. Человек высокого нравственного благородства, Веласкес был назван современниками «

художником Истины». В середине 1623 г. он переезжает в Мадрид и становится королевским живописцем. Художник пишет портреты королевских особ и придворных; знакомится с королевской коллекцией живописи — картинами Рафаэля, Леонардо да Винчи, Тициана, Веронезе и других прославленных мастеров.

В Риме Веласкес написал мастерский портрет папы Иннокентия. Благодаря этой работе его в 1650 г. принимают в Академию Св. Луки. В Италии же (или вскоре после возвращения в Мадрид) художник исполняет композицию «Венера перед зеркалом». ), в которой необычный композиционный прием (лицо Венеры видно только в зеркале). Женщина лежит на подушках к нам спиной и лица её не видно. Она больше походит не на богиню, а на обычную, земную женщину.Единственное, что указывает на то, что перед нами Венера, это Купидон (по мифу, сын богини), держащий зеркало. Крылья Купидона ярко контрастируют с цветом его кожи.Отражение лица женщины смутное, размытое, да и лицо выглядит не так, как его ожидаем увидеть. Оно кажется старее, чем дышащее юностью, грациозностью тело. По другой теории, зеркало являет собой границу между миром реальным (отражение) и миром фантазии (красота).

Веласкес обладал тайной, при помощи самых простых средств и приемов, воссоздавать жизнь во всей ее правде, простоте и вместе с тем обаянии. Следует отметить, что в портретах Веласкеса обычно отсутствуют аксессуары, жест, движение. Серо-коричневый фон кажется воздушным, обладающим глубиной, свободно положенные мазки образуют тончайший слой, сквозь который просвечивает холст. Каждая картина Веласкеса возникает из неких глубинных предпосылок, таящихся в душе художника.

В последние годы жизни Диего Веласкес написал две самые знаменитую свою картину “Менины” (“Фрейлины”). Здесь представлен частный эпизод придворного быта. На первом плане — инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов. Рядом изображён сам художник, а в зеркале отражена королевская чета. Живописное многообразие реальности воплотились здесь в серо-жемчужном колорите картины с нанесенными свободными «ударами» кисти разноцветных прозрачными мазками.

В ином, более мажорном колористическом ключе написаны “Пряхи. Сцена в королевской мастерской ковров с фигурами прях на первом плане и ярко освещенным солнечным светом помещением в глубине композиции, где придворные дамы осматривают готовый ковер, изображающий миф об Арахне — ткачихе, превзошедшей в своем мастерстве богиню Афину. Контрасты освещения, “двуслойное” пространственное построение композиции, своего рода золотая пыль, окутывающая фигуры прях, создают в картине особую атмосферу общего для всех персонажей чувства, объединяющую в себе все их движения, жесты, душевные импульсы.

В поздних произведениях Веласкеса с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода: глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений, целостность ее образно-пластического воплощения, единство всех элементов.

Живопись барокко. Плафонная живопись. Взаимодействие тенденций барокко и реализма. | Презентация к уроку по МХК (11 класс):

Слайд 1

Живопись барокко. Плафонная живопись. Взаимодействие тенденций барокко и реализма. Выполнила: Мартакова Вера Сергеевна Учитель ИЗО и МХК ГБОУ школа №58 Приморского района г. Санкт-Петербурга

Слайд 2

Особенности живописи барокко К главным особенностям стиля следует отнести его торжественность, величественность, способность выразить наслаждение жизнью и ее полноту. Отличается барокко в живописи и своей выразительностью, контрастностью, необычайной фантазийностью . Для барокко характерна выраженная игра света и тени, цвета и оттенка. Чем же еще отличается эта прекрасная, яркая живопись? Художники, пишущие в стиле барокко, стремились к созданию произведений монументальных. Их творения полны динамизма, а богатство тщательно выписанных декораций поражает воображение даже посвященных ценителей живописи. Барокко в живописи имеет чаще всего тематику мифологическую или религиозную. Но часто можно встретить портреты представителей аристократии, удивительно красивые и пышные. —

Слайд 3

Искусство Голландии и Фландрии Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (1606—1669) — голландский художник, гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.

Слайд 4

«Аллегория музыки» 1626 года — пример ластмановского влияния на юного Рембрандта «Христос во время шторма на море Галилейском » (1633).

Слайд 5

Рембрандт и Саския на картине «Блудный сын в таверне» (1635) «Даная» (1636/1643)

Слайд 6

«Ночной дозор» (1642)

Слайд 7

Пи́тер Па́уль Ру́бенс Пи́тер Па́уль Ру́бенс ( 28 июня 1577 — 30 мая 1640) — нидерландский (фламандский) живописец, один из основоположников искусства барокко, дипломат, коллекционер. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Рубенс специализировался на религиозной живописи (в том числе алтарных образах), писал картины на мифологические и аллегорические сюжеты, портреты (от этого жанра он отказался в последние годы жизни), пейзажи и исторические полотна, делал также эскизы для шпалер и книжных иллюстраций. В технике масляной живописи Рубенс был одним из последних художников, использовавших деревянные панели для станковых работ, даже очень больших по размеру.

Слайд 8

Мадонна делла Валичелла . 1608 Святая Домицилла , поддерживаемая святым Нереем и святым Ахиллесом Римским. 1608

Слайд 9

В жимолостной беседке, 1609 Портрет Клары Серены Рубенс

Слайд 10

Искусство Италии Карраччи, семья итальянских живописцев из Болоньи начала XVII, основоположников академизма в европейской живописи. На рубеже XVI — XVII веков в Италии как реакция на маньеризм складывалось академическое направление в живописи. Основные его принципы были заложены братьями Карраччи — Лодовико (1555—1619), Агостино (1557— 1602) и Аннибале (1560—1609). Они стремились к широкому использованию ренессансного наследия, призывая наряду с этим к изучению натуры.

Слайд 12

Микела́нджело Меризи да Карава́джо Микела́нджело Меризи да Карава́джо (29 сентября 1571 — 18 июля 1610) — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма « кьяроскуро » — резкое противопоставление света и тени. Не обнаружено ни одного рисунка или эскиза, художник свои сложные композиции сразу реализовывал на холсте.

Слайд 13

«Шулеры» (1594) «Корзина с фруктами» (1596) «Отдых на пути в Египет» (1597) «Призвание апостола Матфея» (1600)

Слайд 14

«Вакх» (1596)

Слайд 15

Искусство Испании Дие́го Родри́гес де Си́льва-и-Вела́скес (6 июня 1599 — 6 августа 1660) — испанский художник, крупнейший представитель мадридской школы времён золотого века испанской живописи, придворный живописец короля Филиппа IV. Среди его учеников — Эстебан Мурильо и Хуан де Пареха . Единственное высказывание художника, которое сохранилось — «Предпочитаю быть лучшим в изображении уродства, а не вторым в изображении красоты».

Слайд 16

Портрет поэта Луиса де Гонгора-и-Арготе , 1622 «Водонос из Севильи»

Слайд 17

«Портрет папы Иннокентия X», 1650 « Менины » 1656

Барокко — Вики | Золотой

Искусство и архитектура барокко, изобразительное искусство и проектирование и строительство зданий относятся к эпохе в истории западного искусства, примерно совпадающей с 17 веком. Самые ранние проявления, произошедшие в Италии, относятся к последним десятилетиям 16 века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, определенные кульминационные достижения барокко не происходили до 18 века.

Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложное, даже противоречивое. Однако в целом в основе его проявлений лежит стремление вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональное изобилие и тенденция стирать различия между различными искусствами.

Ключевые идеи и достижения

1) Барокко вернуло общественное внимание изображениям религиозного культа после того, как было запрещено за прославление неземного и идеального. Лидеры движения заявляли, что искусство должно быть легко понятным и сильно ощущаемым простыми людьми, что должно способствовать благочестию и благоговению перед церковью.

2) Церкви в стиле барокко стали основным примером активизации акцента на славу католицизма благодаря их проектам, которые включали большое центральное пространство с куполом или куполом наверху, позволяющим свету освещать пространство внизу. Купол был одним из центральных символических элементов архитектуры барокко, иллюстрирующим союз между небом и землей. Чрезвычайно замысловатые интерьеры, изобилующие орнаментом, создавали ощущение полного погружения в возвышенное и священное пространство.

3) Определяющими характеристиками стиля барокко были: реальное или подразумеваемое движение, попытка изобразить бесконечность, акцент на свете и его эффектах, акцент на театральности. Художники эпохи барокко представили или получили дальнейшее развитие ряд техник для достижения этих эффектов, включая quadro riportato (фрески, создающие иллюзию того, что они состоят из серии картин в рамах), квадратуры (роспись потолка) и техники trompe l’oeil. . Это позволило стереть границы между живописью, скульптурой и архитектурой, что было характерно для движения.

4) Барокко открыло новую эру в европейской скульптуре, во многом благодаря работам Джан Лоренцо Бернини, которые подчеркивали чувственное богатство, драматический реализм, сильные эмоции и движение. В скульптуре в стиле барокко фигуры приобрели новое значение, часто спирально раскручиваясь из центрального вихря, достигая окружающего пространства, чтобы их можно было рассматривать кругом с разных точек зрения.

Величайшие представители включают скульптора и архитектора Бернини в Риме; а в Северной Европе — сэр Питер Пауль Рубенс, чьи потолочные украшения, заказанные Карлом I (Стюартом) для Банкетного зала в Лондоне, все еще на месте. Великий ученик Рубенса сэр Энтони Ван Дайк также работал в стиле барокко в Великобритании и был придворным художником Карла с 1632 года до своей смерти в 1641 году. и потолочные украшения, такие как Антонио Веррио и сэр Джеймс Торнхилл.

Архитектура, живопись и скульптура

Искусство периода барокко отличается необычайным разнообразием, главным образом потому, что течения натурализма и классицизма сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко. Действительно, Аннибале Карраччи и Караваджо, два итальянских художника, которые решительно порвали с маньеризмом в 1590-х годах и, таким образом, помогли ввести стиль барокко, рисовали, соответственно, в классическом и реалистическом стилях. Среди своих многочисленных нововведений Караваджо известен популяризацией тенебризма, использованием предельного контраста светлого и темного. Его самая известная ученица, Артемизия Джентилески, с большим эффектом использовала эту технику в своих исторических картинах, что является необычной темой для современных женщин-художников.

Особый стиль барокко в живописи возник в Риме в 1620-х годах и достиг своей кульминации в монументальных расписных потолках и других церковных украшениях Пьетро да Кортона, Гвидо Рени, Иль Гверчино, Доменикино и бесчисленного множества более мелких художников. Величайшим из барочных скульпторов-архитекторов был Джан Лоренцо Бернини, который спроектировал как балдахин со спиральными колоннами над алтарем Святого Петра в Риме, так и обширную колоннаду перед этой церковью. В архитектуре барокко, разработанной Бернини, Карло Мадерно, Франческо Борромини и Гуарино Гуарини, подчеркивались массивность и монументальность, движение, драматические пространственные и световые последовательности, а также богатое внутреннее убранство с использованием контрастных текстур поверхности, ярких цветов и роскошных материалов для усиления физической формы здания. непосредственность и вызывают чувственное наслаждение.

Барокко и рококо

Период барокко, начавшийся в Риме, в конечном итоге превратился в так называемый период рококо, который начался примерно с 1702 по 1780 год во Франции. Период рококо был временем, когда искусство изображало ощущение легкости, в отличие от более темных изображений, которые мы видим в период барокко. Оба художественных движения разделяли драматическое чутье в их произведениях искусства и использование богато украшенных украшений, которые можно увидеть в картинах, скульптуре и архитектуре.

Барокко продолжает жить в будущем, многие художники периода барокко оказали влияние на других художников периода рококо, а также на последующие художественные течения, такие как романтизм, импрессионизм и постимпрессионизм. Современные художники и архитекторы, такие как И. М. Пей и Фрэнк Гери, также черпали вдохновение в постройках Бернини.

Художественный стиль барокко: вечное вдохновение

Художественный стиль барокко без сомнения является одним из самых популярных, и в этой статье я поделюсь с вами яркими концепциями, которые сделали его таким особенным и запоминающимся.

Источник

1- История стиля барокко

Искусство барокко стиль зародился в Европе в 17 веке и просуществовал до середины 18 века. Он характеризуется своими драматическими, эмоциональными и декоративными качествами, которые отражены в его архитектуре и искусстве. Стиль барокко возник в ответ на религиозные и политические потрясения того времени и известен использованием преувеличенных форм, динамичных композиций и театрального освещения.

Что делает стиль барокко особенным?

• Одной из наиболее характерных черт художественного стиля барокко является использование эффектного освещения . Художники эпохи барокко были известны своим умелым использованием техники, известной как светотень, которая включает в себя использование сильных контрастов между светлыми и темными областями для создания ощущения драматизма и эмоциональной напряженности. Художники эпохи барокко часто использовали один источник света для освещения своих предметов, создавая драматический и театральный эффект.

Давид с головой Голиафа (Караваджо, Рим)

• Еще одной отличительной чертой искусства барокко является его витиеватый и замысловатый стиль. Художники эпохи барокко были известны использованием декоративных элементов, таких как замысловатые узоры, орнаментальные мотивы и сложные рамки. Этот богато украшенный стиль часто использовался для передачи богатства и власти покровителей, заказавших работы, а также для создания ощущения величия и богатства.

Картина Вероники Уинтерс

• Искусство в стиле барокко также отличается сильным ощущением движения и динамизма. Художники эпохи барокко умели создавать динамичные и драматичные композиции, часто используя диагональные линии и закрученные формы для создания ощущения движения и энергии. Это чувство движения часто использовалось для передачи чувства эмоций или драмы, например, в работах скульптора эпохи барокко Джан Лоренцо Бернини, который был известен своими динамичными и эмоциональными скульптурами.

Аполлон и Дафна

Потолок Сикстинской капеллы в Риме барокко?

Да! Одним из самых известных образцов искусства барокко является потолок Сикстинской капеллы в Риме , расписанный Микеланджело . Потолок представляет собой шедевр искусства барокко, на котором изображен ряд драматических сцен из Библии, в том числе «Сотворение Адама» и «Страшный суд». Потолок примечателен драматическим освещением, динамичной композицией и декоративным декором.

Источник

Популярные художники стиля барокко

1. Джан Лоренцо Бернини : Бернини был скульптором, художником и архитектором, одним из самых выдающихся художников эпохи барокко. Его динамичные и эмоциональные скульптуры, такие как «Экстаз святой Терезы» и «Аполлон и Дафна», считаются одними из величайших произведений того периода.
2. Питер Пауль Рубенс : Рубенс был фламандским художником, известным своими крупномасштабными работами, которые часто изображали мифологические и исторические сцены. Его использование ярких цветов, динамичных композиций и драматического освещения сделало его одним из самых влиятельных художников эпохи барокко.
3. Rembrandt van Rijn : Рембрандт был голландским художником, известным своими реалистичными и эмоциональными портретами, а также историческими и библейскими сценами. Его использование светотени и его способность улавливать человеческие эмоции сделали его одним из самых важных художников периода барокко.
4. Караваджо : итальянский художник, известный своим драматическим использованием света и тени, а также реалистическими изображениями обычных людей. Его произведения, такие как «Призвание святого Матфея» и «Обращение святого Павла», считаются одними из самых важных произведений периода барокко.

Барокко в моде

Источник

Мода в период барокко характеризовалась роскошью, экстравагантностью и любовью к украшениям. Период охватывал период с 17 века до середины 18 века и был отмечен религиозными и политическими потрясениями, которые оказали значительное влияние на моду того времени. Вот некоторые из ключевых особенностей моды в стиле барокко:

1. Богатые ткани : Мода в стиле барокко характеризовалась использованием роскошных тканей, таких как шелк, бархат и парча. Эти ткани часто украшали вышивкой, кружевом и драгоценными камнями, чтобы создать ощущение богатства и величия.
2. Продуманные детали : В моде барокко все внимание уделялось деталям. Одежда часто украшалась витиеватой вышивкой, кружевом, жемчугом и другими драгоценными камнями. Такие аксессуары, как шляпы, перчатки и обувь, также были богато украшены лентами, перьями и драгоценностями.
3. Силуэты с высокой талией: В период барокко в женской моде были силуэты с высокой талией, которые достигались за счет ношения корсета или корсета, которые приподнимали бюст и подчеркивали талию. Юбки были пышными и объемными, часто с многослойными нижними юбками для создания драматического эффекта.
4. Оборки и оборки : Оборки и оборки были обычным явлением в моде барокко, особенно в женской одежде. Платья, блузки и рукава часто украшались рюшами и оборками, добавляющими ощущение роскоши и экстравагантности.
5. Парики : Парики были популярным аксессуаром в эпоху барокко, особенно среди мужчин. Парики часто были сложными и богато украшенными, с завитками, косами и другими декоративными элементами.

Архитектура в стиле барокко и дизайн интерьера

Архитектура в стиле барокко известна своими грандиозными и драматическими проектами, представляющими собой большие, внушительные строения с замысловатым декором и декоративными деталями. Ключевые особенности архитектуры барокко включают в себя:

1. Использование кривых: Архитектура барокко характеризуется множеством кривых, включая изогнутые стены, арки и купола. Это создает ощущение движения и текучести в дизайне.
2. Изысканное украшение: Архитектура в стиле барокко богато украшена декоративными элементами, такими как скульптуры, рельефы и замысловатая лепнина. Эти элементы часто позолочены сусальным золотом или окрашены в яркие цвета, создавая ощущение роскоши и величия.
3. Драматическое освещение: Архитектура в стиле барокко использует драматическое освещение, чтобы усилить ощущение драмы и театральности. Это достигается за счет использования больших окон, мансардных окон и стратегического размещения искусственного освещения.

Источник

Дизайн интерьера в стиле барокко столь же великолепен и богато украшен, с акцентом на создание ощущения богатства и роскоши. Ключевые особенности дизайна интерьера в стиле барокко включают:

1. Изысканная мебель : Дизайн интерьера в стиле барокко включает богато украшенную мебель с замысловатой резьбой, позолотой и роскошными тканями, такими как шелк и бархат.
2. Смелые цветовые схемы : Интерьеры в стиле барокко часто отличаются смелыми цветовыми схемами с богатыми оттенками драгоценных камней, такими как красный, фиолетовый и золотой.
3. Преувеличенный масштаб : Дизайн интерьера в стиле барокко включает в себя мебель и декоративные элементы, которые часто имеют большие размеры и преувеличены в масштабе. Это создает ощущение величия и роскоши в дизайне.

   No related posts.