Барокко живопись во франции: Французский барокко — HiSoUR История культуры

Французский барокко — HiSoUR История культуры

Французское искусство XVII века обычно называют барокко, но с середины до конца 17 века стиль французского искусства демонстрирует классическую приверженность определенным правилам пропорции и трезвости, нехарактерным для барокко, как это практикуется в Южной и Восточной Европе в течение того же периода.

Название Grand Siècle (Grand Century) обозначает во Франции семнадцатый век, который является одним из самых богатых периодов в истории этой страны. Впервые используется для описания царствования Людовика XIV (1661-1715), историография теперь применяет его к более длительному периоду, охватывающему весь семнадцатый век и исходивший от царствования Генриха IV — который видит восстановление королевской власти и конец войн религии — до смерти Людовика XIV, то есть с 1589 по 1715 год. В этот период, отмеченный монархическим абсолютизмом, царство Франции доминирует или, в противном случае, долгое время отмечает Европу благодаря своей военной экспансии и ее вечной войне, усиливая культурное влияние.

Во второй половине века суды Европы в поисках радиации, княжеские или королевские, берут за образец «Короля Солнца» и его атрибуты. Язык, искусство, мода и французская литература распространяются по всей Европе. Очень влиятельное влияние Франции, которое также будет означать весь восемнадцатый век.

Стиль Людовика XIII
В начале 17-го века в суде Мари Медичи и Людовика XIII продолжали процветать тенденции позднего манерства и раннего барокко. Искусство из этого периода показывает влияние как с севера Европы (голландская и фламандская школы), так и с римских художников Контрреформации. Художники во Франции часто обсуждали достоинства между Питером Паулем Рубеном (фламандским барокко, сладострастными линиями и цветами) и Николасом Пуссеном (рациональный контроль, пропорция, римский классицизм).

В то время была также сильная школа Караваджо, представленная в этот период картинами Жоржа де ла Тур. Жалкие и бедные были представлены почти голландской манерой в картинах трех братьев Ле-Нэйн. В картинах Филиппа де Шампейна есть как пропагандистские портреты министра Людовика XIII кардинала Ришелье, так и другие более созерцательные портреты людей в секте Янсениста.

Жилая архитектура
Тем не менее, при Людовике XIV барокко, как это практикуется в Италии, не было во французском вкусе (знаменитое предложение Бернини о перепроектировании Лувра было отвергнуто Людовиком XIV.) Благодаря пропаганде, войнам и великим архитектурным работам Людовик XIV запустил обширную программу, разработанную для прославления Франции и его имени. Версальский дворец, первоначально крошечный охотничий домик, построенный его отцом, был преобразован Людовиком XIV в чудесный дворец для праздников и вечеринок. Архитектор Луи Ле Вау, художник и дизайнер Чарльз Ле Брун и ландшафтный архитектор Андре Ле Нотр создали чудеса: фонтаны танцевали; блуждающие гуляки обнаружили скрытые гроты в садах.

Первоначальный импульс для этой трансформации Версаля, как правило, связан с частным замком Во-ле-Виком, построенным для министра финансов Людовика XIV Николаса Фуке.

Предлагая щедрый праздник для короля в недавно законченной резиденции в 1661 году (Ле Брун, Ле Вау, Ле Нотр, поэт Ла Фонтен, драматург Мольер были под патронажем Фуке), министра обвинили в незаконном присвоении средств и приговорен к пожизненному заключению. Архитекторы и художники под его покровительством были поставлены на работу в Версале.

Суд Людовика XIV
В этот период министр Луи Жан-Батист Кольбер установил королевский контроль над кустарным произведением во Франции; отныне Франция больше не будет покупать предметы роскоши из-за рубежа, но сама установила бы стандарт качества. Этот контроль был также замечен в создании академии живописи и скульптуры, в которой сохранялась иерархия жанров в живописи («самая благородная», согласно Андре Фелибиену в 1667 году, являющаяся историей живописи), сильное использование живописной риторики и строгое чувство приличия в предмете.

Обстановка и дизайн интерьера от этого периода называют стилем Людовика XIV; стиль характеризуется весомой парчой красного и золотого оттенков, толстоочищенным гипсокартоном, большими скульптурными буфетами и тяжелым мрамором.

В 1682 году Версаль был преобразован в официальную резиденцию короля; в конце концов был построен Зал Зеркал; другие мелкие замки, такие как Большой Трианон, были построены на территории, и был создан огромный канал с гондолами и гондольерами из Венеции.

Благодаря его войнам и славе Версаля Луи стал в известной степени арбитром вкуса и силы в Европе, и оба его замка и этикета в Версале были скопированы другими европейскими судами. Тем не менее сложные войны в конце его долгого правления и религиозные проблемы, возникшие в результате отзыва Этника Нанта, сделали его последние годы темными.

искусства
Именно в этот период искусство процветало во Франции во всех областях, в контексте мира, найденного после войн религии конца XVI века и утверждения абсолютной власти короля. Если итальянское барокко влияет на французских художников, семнадцатый век видит рождение французского художественного словаря, заимствованного из классицизма и ссылок на древний стиль, который постепенно будет влиять на европейский масштаб. Со второй половины семнадцатого века Париж заменил Рим как художественную столицу Европы, роль которой не уйдет до двадцатого века. Французские модели распространяются по всей Северной Европе в конце века, например, особняк между внутренним двором и садом, который действительно развивается из Парижа на протяжении всего столетия, французские сады, установленные для Андре Ле Нотр, мебель стиля Людовика XIV или великие королевские резиденции европейских судов, построенные по образцу Версальского дворца.

Купол Инвалидов в Париже, пример классической французской архитектуры.
На протяжении века искусство во Франции воплощено великими деятелями во всех областях искусства. Политический контекст благоприятствует этому подражанию: художественный контроль очень живой, будь то королевский, церковный или частный. Коллекция произведений искусства, ранее неразвитых, распространяется в аристократических кругах, королевские коллекции значительно обогащаются, особенно при Людовике XIV. Суверены проводят крупные кампании по планированию городов, особенно в Париже, которые должны быть в состоянии конкурировать с Римом и другими крупными европейскими столицами, такими как Мадрид и Лондон.

Создаются дворцы, создаются большие королевские площади, строятся мосты и больницы. Лувр и Тюильри значительно расширены под Генрихом IV, Людовиком XIII и Людовиком XIV.

Тридентская контрреформация и последующее возрождение благочестия после разделения войн религии привели к строительству или реконструкции церквей в стиле барокко или классики. Их наборы являются неисчерпаемыми источниками работ для художников и скульпторов. В семнадцатом веке они будут часто формироваться в Риме, который является тогда художественной столицей Европы, прежде чем вернуться во Францию, где они импортируют последние стилистические новинки. Это случай Симона Вуэ, возвращение которого в Рим в 1627 году является важной датой эволюции живописи во Франции. Французская школа Каравагеске родилась в Риме в 1610-х годах, а также Вуэ, замечательная фигура Валентина де Булонь. Два величайших художника века Николас Пуссен и Клод Лоррен выполняют почти всю свою карьеру в Риме, но оказывают значительное влияние на французскую живопись за всю свою жизнь.

Во Франции Париж становится художественной столицей, привлекающей художников со всей страны, но несколько провинциальных фокусов отличаются своей живостью, как Тулуза, Лион и Лотарингия, где Жорж де Ла Тур, один из самых оригинальных представителей Караваджо. В Париже художники, столь же разнообразные, как братья Ле-Нэйн, Филипп де Шампейн, Эустаче Ле Сьюр, Чарльз Ле Брун, великий декоратор дворцов Людовика XIV, Пьер Мигнар и Гиацинт Риго, самый востребованный портретист в конце, работают , века.

Стиль Людовика XIII
В начале 17 века конец маньеризма и начало барокко во дворе Марии де Медичи и Луиса XIII совпали. Искусство этого периода показало влияние с севера Европы как с голландской, так и фламандской школ, а также с римскими живописцами контрреформации. Среди художников были дискуссии между сторонниками Рубенса (цвет, свобода, спонтанность, барокко) и сторонниками Николаса Пуссена (рисунок, рациональный контроль, пропорция, римский классицизм). В начале века каравагизм также выделялся, живописная тенденция под влиянием Караваджо и которая имела самый большой экспонат во Франции с Жоржем де ла Тур с его картинами, освещенными свечами.

Подобно тому, как тенебризм был успешным в провинциальной Франции, классицизм укоренился во дворе и в Париже, между аудиторией аристократов и высшей буржуазией. В французском классицизме времен Людовика XIII доминировали фигуры двух художников, которые работали в Риме: Николас Пуссен и Клаудио Лорена, и в свою очередь были в значительной степени подвержены влиянию классицизма Аннибале Карраччи и его последователей. Из последних особенно выделяются ландшафты, которые влияют на романтизм. И Пуссен, и Лорена удовлетворили все вкусы французских коллекционеров, особенно Ришелье и Мазарино, которые приобрели свои работы.

Другой художник, который также развивал свою карьеру в Риме, но чьи работы были приобретены во Франции, был Гаспард Дугет. В Париже работали Лоран де Лай и Жак Стелла.

Во французском дворе портрет также культивировался, особенно в этот момент работа Филиппа де Шампейна, культивировавшего как простой, интимный портрет большого психологического проникновения, так и придворного, в котором они представили себя королям и великим деятелям с все их великолепие. Обычно вырезанный портрет стоит с такими принадлежностями, как колонны или шторы. В картинах Ф. Де Шампейна есть два портрета Людовика XIII, тройной портрет кардинала Ришелье и портреты членов янсенистов, группа, к которой он принадлежал с 1645 года.

красивый слог
В середине века господство было аттика, стиль отличался своеобразными изысканностями. Представляют эту тенденцию: Эустаче Ле Сьюр, Себастьян Бурдон, Николя Шаперон и Николас Лойр.

Это ток, который произошел в основном в Париже. Они писали от имени покровителей, как церкви, так и мирян.

Актики предпочитали представлять темы классической древности, рассматривая их драгоценным образом. Композиции просты, но в них включены сложные коды и символы, которые утонченные комиссары знали, как расшифровать.

Персонажи появляются в спокойном, расслабленном, статическом отношении. Они были одеты элегантно, с одеждой, которая складывалась и волнилась в классической манере. Жесты были нежными, выражения холодными.

Преобладает рисунок на цвет, являющийся этой мягкой тональностью, как серый или розовый. Единственный цвет с определенной интенсивностью — синий.

Они наклеены на склеенные ткани непосредственно на французской доске.

Суд Людовика XIV
Хотя с некоторым предшественником Николас Пуссен стал художником суда. Большая часть его жизни была проведена в Риме. Кардинал Ришелье приказал ему вернуться во Францию, чтобы удерживать эту должность около года, умирая в 1665 году. Пуссен является автором трактата «Выражение страстей».

Во время правления Людовика XIV классицизм отождествлялся с «великим вкусом», самым влиятельным человеком был Чарльз Ле Брун, аттик в юности, который обозначал официальный стиль того времени. Хотя инициатором считается Саймон Вуэ, бывший tenebrist, несомненно, Le Brun академическая фигура par excellence, и кто лучше знал, как защитить художественный идеал Короля Солнца. Он был назначен Первым живописцем короля в 1664 году и руководил работой Версаля.

Создание в 1648 году Королевской академии изящных искусств под эгидой кардинала Мазарини сыграло важную роль в создании официальных художественных линий на службе монархии.

Благодаря Академии и орденами короля Людовика XIV для украшения Версальского дворца классицизм сделает эту тенденцию официальным движением Франции и окажет большое влияние на поколение французских живописцев и остальной Европы.

Пьер Мигнар, преемник Ле Бруна, следовал той же тенденции, но с большей щедростью.

Академия установила иерархию жанров в живописи, занимая последнее место пейзажа и являясь самым благородным из жанров в истории живописи. Это использовало очень яркую живописную риторику и строгий смысл того, что считалось достойным.

В 1672 году Ле Брун выступает за линию (Пуссен) в ущерб цвету (Рубенс). Таким образом, он дает характер и нормализует классический стиль, работа Пуссена символизирует достоинства ясности, логики и порядка, принципы академизма.

На портрете суда были показаны Гиацинт Риго и Николас де Ларгильер. Этот, и Жан Жувенет олицетворяют последние моменты этого течения.

Стиль
Как и в других дисциплинах, классицизм в живописи стремится к идеалу совершенства и красоты, вдохновленному тем, что считается тогда добродетелями древности.

Изготовлены фресковые композиции, особенно для украшения куполов, а масла на холсте меньше обычного размера барочной живописи.

Картина выбирает благородные темы и предпочтительно вдохновлена ​​античностью или греко-римской мифологией. Тем не менее, религиозные картины также были частыми. Портрет также культивируется, начиная с царского, в щедрых аранжировках и следования за дворянами и буржуа, которые хотели, чтобы их изображали.

Наконец, пейзаж приобретает большое значение, рассматривается как «итальянский стиль», то есть взгляды со зданиями в перспективе и придающие большое значение свету. Художники записали естественный, но затем воссоздали эти пейзажи в своих исследованиях, используя их в качестве украшения для мифологических сцен.

Композиция и рисунок должны иметь приоритет над цветом и концепцией соблазнения чувств. Композиции закрыты, стремясь к схеме пирамиды, с центрированными фигурами; он не представлен реализмом, а скорее идеализированы персонажи. Они позируют, спокойно, избегая принудительных или преувеличенных поз, столь характерных для барокко.

В скульптуре фигуры Жака Саразина, Франсуа Ангиера появляются в первой половине века. Под Людовиком XIV выделяются Пьер Пьюджет, который также является художником и архитектором, а Франсуа Жирардон и Антуан Койсевокс, которые работают над великими орденами короля в Версале и Париже вместе с Мартином Дежардином, голландского происхождения. В архитектуре Саломон де Броссе, Жак Лемерсье и Франсуа Мансар развивают словарь классической французской архитектуры, найденный в замках и особняках, которые они строят для короля и аристократии. Под Людовиком XIV любимыми архитекторами короля являются Жюль Хардуин-Мансар и Луи Ле Вау.

Французское влияние также проявляется и в других искусствах: дизайнер садов Андре Ле Нотр создает каноническую формулу французского сада, который быстро распространяется по всей Европе. Французская мебель становится образцом, благодаря творчеству краснодеревщика Андре-Чарльза Буля. Известные граверы, такие как Жак Калло и Абрахам Боссе, а также известные ювелиры со всей Европы, сделали Grande Argenterie от Louis XIV, к сожалению, всего через несколько лет после его создания, чтобы покрыть военные расходы. Король.

Искусство гобелена снова разразилось во Франции в семнадцатом веке благодаря созданию Королевской мануфактуры гобеленов. Королевская академия живописи и скульптуры была основана в 1648 году и позволила централизовать художественное творчество в королевстве, санкционируя эволюцию статуса живописцев и скульпторов, воспринимаемых уже не как простые мастера, а как настоящие практики либеральных искусств, как люди из писем или ученых. Во второй половине века Париж заменил Рим как сердце европейских художественных дебатов, а в архитектуре модель дворца Версаля и французская частная особняк, особенно для внутреннего декора, имеют длительное влияние в Европе.

Некоторые из самых известных архитектурных достижений Grand Siècle — это Версальский дворец, замок Во-ле-Виком, комплекс Инвалидов, площадь Вогезов, площадь Вандом, квадратный двор и колоннада Лувра, а также как Pont Neuf в Париже. Военная архитектура воплощена в нововведениях Вобана, который укрепляет побережье и границы страны через сеть цитадели и фортов, спроектированных рационально в клетчатом узоре.

Декоративное искусство

Стиль Людовика XIII
Стиль Людовика XIII отражает многочисленные испанские, фламандские и итальянские влияния, лишенные «национального» характера, которые позднее утверждал «Луис XIV», или французский французский («французский вкус»), характерный для прошлого века (стиль «Renacimento»).

Он характеризовался прямыми линиями, которые придают ему суровый вид, иногда закаленный декоративным богатством. Ноги обычно находятся в форме колонны, они поднимаются из квадрата châssis à boules, хотя большинство из сохранившихся примеров имеют фронтон в балюстрадах или à décor tourné, с энтузиазмом («скобкой») в форме H, с передними ногами, соединенными наверху декоративной арматурной перекладиной. Среди другой мебели шкафы в эбеновом стиле выделяются, с простыми линиями, квадратной и массивной структурой. Украшение выгравированных листьев и цветов сопровождает сцены религиозных или мифологических тем, с небольшим заметным облегчением. Декоративное изобилие обозначает происхождение фламенко, которое воспроизводится местными ремесленниками. Ввоз итальянской продукции кардиналом Маццарино привел к подражанию роскоши среди дворянских дворян, которые привлекали иностранных мастеров. Знаменитый голландский краснодеревщик Пьер Голле и итальянцы Доменико Куччи и Филипп Каффери работали в Лувре. Француз Жан Масе де Блуа, прошедший подготовку в Нидерландах, работал в Короне и создал французскую школу маркетри, в которой впоследствии выступил Андре Чарльз Боул.

Стиль Людовика XIV
Стиль Людовика XIV характеризовался все более роскошной мебелью, но вопреки прежним стилям не был вдохновлен архитектурой. Дискета («прибор»), богато украшенная штукатуркой и инкрустациями, была пронизана архитектурой. дерева и буржуазного («буржуазного»), в массивном лесу, симметрия была абсолютной и показной. Источники мотивов были итальянскими и старыми (Rome victorieuse, gracieuse, Jules César и т. Д.). Панно обладал характерным стилем: их можно было отливать в четырех углах, в верхних и нижних углах, или даже в цитресах. ноги были сделаны в балясинах или консолях. Антресоты пошли от формы в H к форме в X. Маркетри знала важное развитие с маркетоном Буль (Андре-Чарльз Боул).

Сочетание барочной (триумфальной и величественной) и классической эстетики (торжественной и героической) стиль Людовика XIV считался особенно подходящим для выражения абсолютизма Бурбонов. Он достиг своего зрелости между 1685 и 1690 годами под руководством Чарльза Ле Бруна, который руководит оформлением галерейных гл. («Зеркальной галереи») Версаля и Кольберта, который в 1662 году купил для короны производство Гобеленов, где организует под названием «Производство Royale des Meubles de la Couronne» производство мебели, предназначенной для королевских резиденций, идеальный пример реального производства «колбертиста».

Работа Boulle свидетельствует о превосходстве, достигнутом мастерством и изготовлением шкафов времени. Приняв идеальный стиль Ле Бруна, с классическим репертуаром, он создал мебель, в которой выражалось величие («величие»), которое предназначалось. Его техника, крещенная его именем, обозначает тип маркетри, состоящий из écaille de tortue («черепаха») из латуни, эмали и слоновой кости. Характерна вибрация света на поверхности, а также большое разнообразие гальветов и комнат мебели и богатства материалов.

На рубеже веков композиции Буля были пронизаны стилем великого декоратора Джин Берена, который вместе с Пьером Лепоре привнес новый оттенок декоративного искусства, освободив их от торжественного классицизма, которого требовал Ле Брун, и развиваясь в направлении стиль Регентства (теперь в период рококо).

Наиболее характерной мебелью стиля Людовика XIV была фаутуй («кресло»), а также кровати, консоли (с двумя или тремя рядами ящиков, модель, созданная в 1690-е годы), столы, зеркала, гауридоны (круглые доски с штативы) из мелколесной и позолоченной древесины, также называемой факерами) и большими шкафами (прямоугольный план, выступ и сложное литье). Бюро — это эволюция кабинета с одним из лучших примеров в бюро Мазарини.

Садоводство и озеленение
Французский сад или «à la française» (jardin à la française), 18 из которых сады Версаля, Vaux-le-Vicomte и Chantilly (все от André Le Nôtre) являются яркими примерами, были моделью садоводства, напротив английских сад.

шантильи
Большим успехом был трактат Антуана Джозефа Дезальера д’Аргенвиля, «La Téorie et la pratique du jardinage», «О любви» и «Приключения 1709, 1713 и 1732 гг.».

Музыка
Его не следует путать с музыкальным классицизмом, хронология которого позже (конец восемнадцатого и начала девятнадцатого).

Литература и философия
Французская литература исключительно жива на протяжении всего семнадцатого века. В частности, театр, который был слаборазвитым в эпоху Возрождения, находится в полном разгаре с трагедиями Пьера Корнеля и Жана Расина, комедий Мольера и создания Комеди-Франсезы. Поэзия процветала особенно в первой половине века с Агриппой д’Обинье, Тоофилем де Виау и Франсуа де Малхербе. Роман является большим успехом у La Princesse de Cleves г-жи де ла Фейет, но также и комических произведений Пола Жорье д’Арре и Л’Астри и Пола Скаррона. Царство Людовика XIV отмечено авторами, чьи самые знаменитые писания с тех пор считались в каждом жанре классиками французского языка и литературы: «Фонтан» и его «Басни», «Боссет» и его похороны, Николя Буало и его поэтическое искусство, определяет классический идеал века, Расин, который приносит классическую трагедию до наивысшей степени совершенства, Мольера для комедии и Чарльза Перро с его рассказами, которые фиксируют французскую устную традицию. Среди мемориалистов, которые поставили портрет времени, — кардинал де Рец, мадам де Севин и Сен-Симон. Самые известные моралисты — Ла Бруйер со своими персонажами и Ла Рошфуко с его Максимами. Французская философия занимает видное место в Европе благодаря возрождению картезианской мысли. В дополнение к Декарту, это время Паскаля, Мерсенна, Гассенди и Пьера Бейля.

Версаль, модель для Европы
Во второй половине века Людовик XIV установил суд за пределами Парижа в районе, созданном его отцом недалеко от столицы Версаля. Он постепенно расширил первоначальный замок и создал огромные сады с нуля, чтобы стать крупнейшим королевским дворцом в Европе, символом монархического абсолютизма и французской власти. Влияние Версальской модели заметно с конца XVII века и на протяжении всего восемнадцатого века: тип большого дворца, погруженного в парк на окраине столицы, воспроизводится всеми европейскими государями: дворец Казерта для короля Неаполя, Сан-Суси в Потсдаме для короля Пруссии, Петергофа для царя России и т. Д. Влияние не только архитектурное: образ жизни и французский лейбл тоже имитируются.

Если французское культурное влияние имеет решающее значение в Европе в восемнадцатом веке во всех областях, подкрепленное духом Просвещения и непрекращающейся жизненной силой искусства, Франция постепенно конкурирует на политическом и военном уровнях, так что термин «Великий Siècle» не применяется Для него. Семнадцатый век и царство Людовика XIV были воздвигнуты как образец времен Людовика XV и считались золотым веком, временем, когда Франция добровольно заявляет о себе на всех уровнях, культурных как политических и военных.

Поделиться ссылкой:

• Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
• Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

ЖИВОПИСЬ ФРАНЦИИ. История искусства XVII века

ЖИВОПИСЬ ФРАНЦИИ

Особое место среди передовых в области художественного творчества стран Европы занимала в XVII веке Франция. В разделении труда среди национальных школ европейской живописи при решении жанровых, тематических, духовных и формальных задач на долю Франции выпало создание нового стиля – классицизма. Это не только вывело ее живопись со второстепенных позиций, которые она занимала ранее, но и обеспечило ей в Европе ведущее место, которое французская школа сохранила вплоть до начала ХХ века.

В начале XVII столетия окончательно завершилось формирование единого французского государства, французской нации. Прекратились разрушительные междоусобицы и кровавые религиозные конфликты. Итоги победоносной для Франции Тридцатилетней войны также способствовали превращению ее в самое могущественное государство Европы. Абсолютная монархия, заинтересованная в преодолении феодальной раздробленности и объединении страны, играла в то время прогрессивную историческую роль.

Практицизм, развитие естественных наук, вера в силу человеческого разума оплодотворяли всю культуру Франции. Декарт, Паскаль, Гассенди – в науке и философии, Корнель, Расин, Мольер, Лафонтен – в литературе и театре, Перро, Мансар, Пуссен, Лоррен – в архитектуре и живописи – таким было XVII столетие во Франции.

Шарль Лебрён (1619-1690) был одним из наиболее характерных представителей французского классицизма.

Лебрён работал главным образом в области исторической живописи. Получив звание первого живописца короля, он участвовал во всех официальных проектах того времени, прежде всего в оформлении Большого дворца в Версале. Его росписи прославляли мощь французской монархии и божественное величие Людовика XIV – Короля-Солнца. Конечно, нельзя отказать художнику в довольно высоком уровне техники, но это только сильнее подчёркивает надуманность замысла, который сводится к заурядной придворной лести.

С 1662 г. Лебрён контролировал все художественные заказы двора. Так, он лично расписывал залы Аполлоновой галереи в Лувре, интерьеры замка Сен-Жермен и Версаля (Военный Зал и Зал Мира). В то же время он много лет руководил королевской «Мануфактурой гобеленов», изготовлявшей ковры, мебель, ювелирные изделия (все в едином стиле) для строящихся дворцовых ансамблей. За свою жизнь Лебрён создал и множество портретов. Его заказчиками были в основном высшие чиновники и придворная аристократия. Живописец во всём потакал их примитивным вкусам, зачастую превращая свои картины в стандартное парадное театрализованное действо. Таково, например, изображение канцлера Франции Пьера Сегье. Этот политический деятель недаром получил свое прозвище «Собака в большом ошейнике». Но в его портрете не ощущается даже намёка на жестокость характера данного вельможи – с благородной осанкой и улыбкой на приятном лице, исполненный мудрого достоинства, он чинно восседает на коне в окружении свиты (прил., рис. 28).

Написанная по заказу короля серия полотен из жизни Александра Македонского («История Александра», 1662-1668) принесла Лебрёну дворянство и титул «Первого королевского живописца», а также пожизненную пенсию. Разумеется, в этих картинах живописец проводит понятную всем окружающим параллель между деяниями прославленного полководца древности и нынешнего французского монарха.

Благодаря его кипучей энергии и организаторскому дару была основана французская Королевская академия живописи и скульптуры (1648). В качестве руководителя и педагога академии Лебрен проявил себя подлинным диктатором, настаивая прежде всего на тщательном обучении молодых живописцев рисунку и пренебрегая колоритом. Догмы Академии приводили к господству штампа, нивелированию творческой индивидуальности, способствовали унификации искусства и поставили его (а вместе с тем и теорию классицизма) на службу абсолютизму.

Многолетняя разносторонняя и напряженная деятельность, а также придворные интриги подорвали здоровье стареющего художника, и он умер, не успев завершить росписи Версаля, одним из создателей ансамбля которого он был.

Никола Пуссен (1594-1665). Ведущим стилем художественной культуры Франции XVII века стал классицизм. Величайшим французским художником этого столетия и главой классицистической живописи был Никола Пуссен. В его высказываниях и содержатся основные теоретические положения классицизма.

Фундаментом и сутью теории классицизма стал рационализм.

Разум, мысль провозглашались главными критериями художественной правды и красоты. Требования разума обязывали искусство к логичности, ясности, композиционной стройности. Свой этический и эстетический идеал французский классицизм видел в культуре античности и итальянского Возрождения. Все эти постулаты классицизма нашли яркое и своеобразное воплощение в творчестве самого Пуссена. В его произведениях наглядно отразились и главные противоречия, и основная тематика классицизма – человек и общественная жизнь, человек и природа.

Сын нормандского крестьянина, Никола с юности жил в Париже и был уже довольно известен как живописец, когда в 1623 г. решил посетить Италию. Там он изучает античное искусство и творчество великих мастеров Ренессанса. Вернувшись затем в Париж по личному требованию короля, Пуссен не выдерживает тягостной придворной обстановки с ее вечными интригами и вскоре снова возвращается в Италию, где и проходит большая часть его жизни. Тем не менее при этом Пуссен остается истинно французским художником, решающим задачи, стоящие именно перед французским искусством.

Темы для своих полотен он находил в мифологии, в исторических преданиях и книгах Священного писания. В них художник искал образцы сильных характеров, величественных поступков и страстей, торжества разума и справедливости, выбирая сюжеты, которые давали бы уму пищу для размышлений, воспитывали в человеке добродетель и учили его мудрости, – именно в этом видел художник общественное назначение искусства. Но особенно важно, что при этом он сумел сохранить подлинную эмоциональность, глубокое личное чувство, огонь истинного вдохновения Изображению «героических и необычайных действий» посвящены многие его композиции конца 1620-х-1630-х годов: «Смерть Германика»(1627), «Взятие Иерусалима» (1628), «Похищение сабинянок» (1633). Но, обращаясь к сюжетам древности, Пуссен говорит о них как француз XVII века, для которого все предопределено прежде всего государственной необходимостью и общественным долгом.

Другая ведущая тема в его искусстве этого периода – единство человека и природы. В тот период Пуссену было близко чувство счастливой гармонии и безоблачной радости бытия, которыми исполнены легенды античности («Воспитание Юпитера», «Триумф Флоры», обе – начало 1630-х).

В своих картинах Пуссен стремился к уравновешенности и разумности композиции, выверял расположение фигур на холсте, подобно тому, как геометр рассчитывает чертежи. Но его произведения не превращались в рассудочные схемы благодаря радостным, светлым краскам, четкости и изяществу рисунка, богатству мыслей и чувств. Усвоив уроки венецианской живописи, Пуссен обогащает свою палитру, насыщает свои строго построенные картины светом и цветом, «язык тела» (как называл пластическую композицию фигур сам мастер) полон у него одухотворенности («Венера и пастухи», конец 1620-х; «Ринальдо и Армида», 1625-1627).

Большинство сюжетов его картин имеет под собой литературную основу. Например, картина «Танкред и Эрминия» (1630-е – прил. , рис. 30) написана по мотивам поэмы итальянского поэта эпохи Возрождения Торквато Тассо «Освобождённый Иерусалим», повествующей о походах рыцарей-крестоносцев в Палестину. Но художника интересовали не военные, а лирические эпизоды, в частности, история любви дочери сарацинского царя Эрминии к рыцарю Танкреду.

На холсте запечатлена сцена того, как после ранения Танкреда в бою Эрминия мечом отрезает себе волосы, чтобы перевязать ими его раны. На полотне господствуют гармония и свет. Фигуры Танкреда и склонённой над ним Эрминии образуют некое подобие круга, что сразу вносит в композицию равновесие и покой. Колорит картины построен на гармоничном сочетании чистых красок – синей, красной, жёлтой и оранжевой. Действие сосредоточено в глубине пространства, первый план остаётся пустым, благодаря чему возникает ощущение простора. Эпически монументальное, возвышенное, это произведение показывает любовь главных героев, принадлежавших к враждующим сторонам, как величайшую ценность, которая важнее всех войн и религиозных конфликтов на земле.

Во второй половине жизни Пуссена вера в способность человека совершить любой подвиг уступают место волевому напряжению, стоицизму, необходимости отстаивать свои идеалы. Торжествующий оптимизм, прямая демонстрация этических и гражданственных идеалов сменяются в его сюжетных композициях раздумьями, исполненными грусти. Эти свои мысли живописец старается предельно ясно выразить на полотне.

Примером может послужить картина «Аркадские пастухи», (1650-1655 – прил., рис. 29). Изображенные на ней счастливые люди, окруженные дивным пейзажем, вдруг оказываются перед гробницей с надписью: «И я жил в Аркадии». Это сама Смерть обращается к персонажам, разрушает их безмятежное настроение, заставляя задуматься о неизбежных грядущих страданиях. Но, несмотря на трагическое содержание, художник повествует о столкновении жизни и смерти сдержанно. Композиция картины проста и логична: персонажи сгруппированы возле надгробия и связаны движениями рук. Одна из женщин кладёт руку на плечо своего соседа, словно пытаясь помочь ему примириться с мыслью о неизбежном конце. Фигуры, чем-то напоминающие античные скульптуры, написаны с помощью мягкой и выразительной светотени.

Возможно, именно разочарование в окружающей действительности побудило Пуссена в последние годы жизни обратиться к пейзажу. Он создает впечатляющую серию пейзажей «Четыре времени года» с библейскими сценами, символизирующими историю мира и человечества: «Весна», «Лето», «Осень», «Зима» (все – 1660-е). Пуссену, как никому из его современников, удалось передать в своих пейзажах всю грандиозность мироздания. Правда, и здесь он остался верен своим принципам. Величественная, гармоничная природа, подчеркивал он, должна рождать гармоничные же мысли, поэтому горы, рощи и водные потоки в его пейзажах группируются, как человеческие фигуры в аллегорических композициях. В картинах Пуссена пространственные планы чётко отделены: первый план – равнина, второй – гигантские деревья, третий – горы, небо или морская гладь. Чередование планов подчеркивалось полосами света и тени, иллюзия простора и глубины придавала им эпическую мощь и величие.

Разделение на планы подчёркивалось и цветом. Так появилась система, названная позже «пейзажной трёхцветкой»: в живописи первого плана преобладают жёлтый и коричневый цвета, на втором – тёплые и зелёный, на третьем – холодные, и прежде всего – голубой. Но художник был убеждён, что цвет нужен лишь для создания объёма и глубокого пространства и не должен отвлекать глаз зрителя от ювелирно точного рисунка и гармонично организованной композиции. В результате рождался образ идеального мира, устроенного согласно высшим законам разума.

По масштабу дарования, по глубине содержания и широте проблематики, наконец, по тематическому диапазону творчества никто из соотечественников не мог сравниться с Пуссеном, этим подвижником в искусстве, по признанию Делакруа, не знавшим себе равных, как «пристальный и в то же время проникнутый поэзией изобразитель истории и движений человеческого сердца».

Клод Лоррен (1600-1682). Клод Желле, более известный в истории искусства как Клод Лоррен, был наиболее интересной фигурой в живописи французского классицизма после Пуссена.

Родом из провинции Лотарингия (которая именовалась по-французски «Лоррень», что и дало ему это прозвище), он ещё ребёнком попал в Италию, где и начал обучение живописи. Большую часть своей жизни мастер провел в Риме, откуда лишь иногда ненадолго возвращался на родину. Лоррен посвятил своё творчество пейзажу, что для Франции того времени было редкостью. И если пейзажи Пуссена иногда называют героическими, то творчество Лоррена представляет другую, лирическую линию в классическом пейзаже. Его полотна воплощают те же идеи и композиционные принципы, что и пейзажи Пуссена, но отличаются большей тонкостью колорита и виртуозно построенной перспективой. Лоррена интересовали игра тонов, изображение воздуха и света на холсте («Сельский праздник» – прил., рис. 31). В итальянской природе искал он воплощение своего идеала. Но мотивы реальной природы Италии служили ему лишь поводом, отправной точкой для создания собственного идеального, глубоко лирического образа.

Строгость композиции, рассчитанное расположение масс на холсте, четкое разграничение пространства на планы, спокойствие роднят мастера с Пуссеном и позволяют отнести его творчество к классицистическому направлению. Но Лоррена гораздо больше, чем его великого современника, интересовало состояние природы в разное время дня, в частности, эффекты утреннего или вечернего освещения, вибрация воздуха («Полдень», 1657; «Ночь», 1672; «Пейзаж с Персеем и Медузой», 1674). В его работах захватывает ощущение простора, наполненного воздухом и светом, благодаря которым все элементы картины естественно связаны друг с другом, а композиция получает живописное единство. Причем люди в его пейзажах оставались только стаффажем, поэтому он нередко поручал вписывать человеческие фигуры своим коллегам.

В отличие от Пуссена Лоррен воспринимает античность в лирическом, даже идиллическом ключе – для него это прежде всего «золотой век» человеческой истории («Пейзаж с Кефалом и Прокридой», 1645; «Аполлон, охраняющий стада Адмета», 1654). И открывающиеся при этом поэтические возможности занимают живописца гораздо больше, нежели историческая достоверность его картин («Утро», 1666).

Освещение в его работах всегда дается художником в мягких переходах – он избегает контрастов света и тени, чтобы не внести в картину эмоционального напряжения. Поэтому в его пейзажах всегда царит лето, а природа не знает увядания и непогоды, все в ней дышит безмятежностью, все исполнено величавого спокойствия («Ацис и Галатея», 1657; «Очарованный замок», 1664).

Лоррен наблюдает природу восторженными и чуткими глазами, но при этом он всегда остается приверженцем классицизма, для которого важнее всего стройная система мироздания: безграничность природы он заключает в стройные композиционные рамки, а волшебное многообразие ее облика подчиняет устойчивым и рациональным закономерностям.

Тонкая эмоциональность, блестящее живописное мастерство сделали произведения живописца из Лотарингии необычайно популярными, его работы многие десятилетия оставались образцом для европейских пейзажистов.

Несмотря на огромное влияние Клода Лоррена, и особенно Накола Пуссена, было бы ошибочным представлять себе весь XVII век во Франции как безраздельное господство классицизма. Здесь работали и придворные мастера, использовавшие для прославления королевского двора приемы барокко, и последователи Караваджо, велик во Франции был и авторитет Рубенса. Особое место занимала группа так называемых живописцев реальности.

Луи Ленен (1593-1648) был наиболее талантливым из «реалистов». Наравне с голландскими и фламандскими жанристами он первым ввел в европейскую живопись изображения людей из народа с обыденностью их жизни.

Персонажи картин Ленена – простые крестьяне, повседневную жизнь которых живописец хорошо знал, так как сам был родом из небольшого городка в Нормандии. Его герои непримечательны внешне, но исполнены благородства, достоинства и внутреннего покоя. Спокойные, немногословные, сдержанные в своих чувствах, они живут в гармонии с Богом, окружающим миром и собой, проводя свои дни в смиренном, напряженном и кропотливом труде («Возвращение с сенокоса», 1641).

Художник подчеркивает в крестьянской жизни прежде всего ее нравственную основу, ее высокий этический смысл («Посещение бабушки», 1640-е). Отсюда и специфика полотен Ленена: в них нет ни события, ни рассказа. В его картинах отсутствуют сцены, непосредственно изображающие крестьянский труд; не содержат они и отпечатка шумности и жизнерадостности, присущих произведениям фламандских мастеров. Работы Ленена лишены каких-либо черт занимательности или сельской «экзотики», их сдержанность подчеркивают и рассчитанно простая композиция, и пластически четкие формы («Крестьянская трапеза», 1640-е). В то же время каждое такое полотно является типичным эпизодом крестьянского быта, раскрывающим его характерные, устойчивые черты и мельчайшие детали.

В его картинах бытовая атмосфера возвышенна; его герои нередко как бы застывают в величавом покое; их жесты всегда неспешны. Например, низкий горизонт, отображенный на картине «Семейство молочницы» (1641 – прил., рис. 32), укрупняет фигуры крестьян, когда они выстраиваются в ряд, как на античном рельефе. Такая строгость композиции, четкость контура и удивительное чувство достоинства персонажей позволяют ощутить и в этих скромных жанровых сценах дыхание классицизма.

Своеобразие стиля Ленена также в сочетании неприкрашенности изображения персонажей и возвышенного художественного строя. Многие его работы отличаются большой поэтичностью. Так, в «Остановке всадника» (1640-е) крестьяне, запечатленные на фоне великолепного воздушного пейзажа, воспринимаются как прекрасные и простодушные дети природы. А одну из них – стройную девушку, чья фигура исполнена одновременно силы и грации, а улыбка пленяет наивной радостью, – даже сравнивают с древнегреческой кариатидой. Лирическая тема в произведениях мастера связана и с его многочисленными детскими образами.

Ленен мастерски умел с помощью разнообразной техники – от эмалевого сплава красочного слоя до свободных движений – отобразить воздух и землю, грубую ткань и дерево, объединить всю живописную поверхность холста чистым серебристым тоном («Крестьянское семейство», 1645-1648).

В своем стремлении найти гармонию в жизни «простых поселян» Луи Ленен во многом предвосхитил идеи философа эпохи Просвещения Жана-Жака Руссо. А в XIX веке его творчество нашло продолжателя в лице Жана-Франсуа Милле, прозванного современниками «художником-крестьянином».

Таким образом, во второй половине XVII в. живопись во Франции становится все более официальной, придворной и академичной. Творческие методы превратились в жёсткую систему правил, а процесс работы над картиной – в откровенное подражательство. Талант придворных живописцев растрачивался на помпезные композиции и парадные портреты, мастерство художников классицизма начало падать. В итоге к концу этого столетия живопись во Франции, как и во всей Европе, переживала глубокий упадок.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Классицизм в живописи Франции 17 века

В то время как в других странах Западной Европы господствовало барокко, во Франции большую роль играл классицизм — направление, представители которого обратились к искусству античности и Возрождения.

В начале XVII в. Франция, истощенная гражданскими войнами, вступила в эпоху укрепления абсолютизма. Абсолютная монархия, достигшая своего расцвета при Людовике XIV, стала решающей силой в борьбе с феодализмом и главным двигателем торговли и промышленности. В середине XVII в. Франция являлась едва ли не самой крупной торговой державой.

Относительная стабильность на политической арене и развитие экономики сопровождались подъемом в культурной жизни страны. Значительный шаг на пути прогресса сделала французская наука, в частности физика, математика и философия. Большой успех имело учение Декарта, утверждавшего, что разум — главное средство познания истины. Отсюда идет свойственный французской литературе и изобразительному искусству рационализм, особенно характерный для классицизма.

В первой четверти XVII в. самыми крупными мастерами во Франции были иностранцы (главным образом фламандцы).
Лишь в начале второй четверти XVII столетия Франция выдвинула собственных замечательных представителей изобразительного искусства.

Главой придворного искусства и ведущим представителем французского барокко в первой половине XVII в. был Симон Вуэ. Живописному мастерству Вуэ учился в Италии, поэтому в его живописи прослеживается влияние Караваджо и болонских мастеров. Вернувшись из Италии на родину, Вуэ стал придворным художником. Для своих нарядных и эффектных полотен он использовал мифологические и библейские сюжеты («Геракл среди богов Олимпа», «Мучение св. Евстафия»). Картинам свойственны излишняя усложненность композиции, чрезмерная яркость колорита, идеализированность образов. Полотна и декоративные росписи Вуэ пользовались в то время огромной популярностью. Живописцу подражали многие французские художники, его учениками были такие известные в дальнейшем мастера, как П. Миньяр, Ш. Лебрен и Э. Лесюер.

Наряду с барочным искусством, процветавшим в столице, французские провинции выдвинули художников, главным методом которых был реализм. Одним из крупнейших реалистов первой половины XVII в. стал Жак Калло, прославившийся как талантливый рисовальщик и гравер. Хотя у него много произведений с религиозной тематикой, основное место в творчестве мастера занимают картины на бытовые сюжеты. Таковы его графические серии «Каприччи», «Горбуны», «Нищие».

Многие французские художники первой половины XVII в. обратились к караваджизму. Среди них Жан Валантен, Жорж де Латур.

Большую роль в развитии реализма в первой половине XVII в. сыграли братья Ленен — Антуан, Луи и Матье. Центральное место в их творчестве занимала жанровая тематика. Старший Антуан писал главным образом групповые портреты и сцены из жизни мелких буржуа и крестьян. Младший Матье начал свой творческий путь с картин, изображающих быт крестьянства. Надолго переживший своих братьев Матье Ленен позднее стал одним из самых популярных портретистов.

Средний брат, Луи Ленен, по праву входит в число самых знаменитых французских живописцев XVII в. Именно он стал основоположником крестьянского жанра во французском искусстве.

Луи Ленен

Родился Луи Ленен в 1593 г. в городе Лане (Пикардия) в семье мелкого буржуа. Вместе с братьями Луи переехал в Париж. Здесь Луи, Антуан и Матье открыли собственную мастерскую. Вероятно, вместе с Матье Луи Ленен посетил Италию. В его ранних работах заметны черты караваджизма. К 1640 г. художник выработал свой собственный, неповторимый стиль.

Многие французские художники XVII в. обращались к крестьянской тематике, но только у Луи Ленена она получает совершенно новую трактовку. Просто и правдиво изображает художник жизнь народа. Его герои, скромные и простые, но полные внутреннего достоинства люди, вызывают чувство глубокого уважения.

Самые лучшие работы Луи Ленена выполнены в 1640-е гг. При первом взгляде персонажи его полотен кажутся не связанными между собой действием. Но на самом деле это далеко не так: их объединяет созвучный душевный настрой и общее восприятие жизни. Невидимые нити связывают членов бедной крестьянской семьи, слушающей играющего на скрипке мальчика на картине «Крестьянская трапеза». Поэтическим чувством отмечена сдержанная и простая «Молитва перед обедом», лишенная сентиментальности, но в то же время трогательная композиция «Посещение бабушки».

К 1640-м гг. относится замечательная картина Луи Ленена «Семейство молочницы». С чувством большой симпатии художник изобразил рано постаревшую от забот молочницу, ее задумавшегося мужа-крестьянина, крепкого, толстощекого сына и хрупкую, болезненную дочь. С замечательным мастерством исполнен пейзаж, на фоне которого представлены фигуры и предметы крестьянского быта. Кажутся удивительно реальными медный бидон за спиной молочницы, деревянная бочка и бадья, стоящие у ног ослика.

Луи Ленен. Семейство молочницы. 1640-е гг.

Шедевром Луи Ленена стала написанная в это же время «Кузница». Если раньше художник изображал крестьян во время отдыха или трапезы, то теперь он обратился к сценам человеческого труда. Картина представляет кузнеца, окруженного членами семьи, за работой. Ощущение движения и яркая выразительность образов создаются быстрым, энергичным мазком, контрастами света и тени.

Умер Луи Ленен в 1648 г. Его реалистичная живопись, лишенная театральности и эффектности барокко, почти на сто лет опередила свою эпоху. Во многом именно благодаря Луи Ленену мировую известность получили и его братья.

Черты реалистического искусства в первой половине XVII в. нашли отражение и в портретной живописи, ярким представителем которой был Филипп де Шампень, фламандец по происхождению. Создатель религиозных композиций и декоративных росписей, Шампень тем не менее прославился как талантливый портретист, создавший реалистичные и строгие портреты кардинала Ришелье и Арно д’Андильи.

Зародившийся в начале XVII в. классицизм становится ведущим направлением уже во второй четверти этого столетия. Художникам-классицистам так же, как и реалистам, близки передовые идеи этой эпохи. В их живописи отразилось ясное мировосприятие и представление о человеке как личности, достойной уважения и восхищения. В то же время классицисты не стремились передать в своих картинах окружающую их реальную действительность. Жизнь представала в их картинах облагороженной, а люди — идеальными и героизированными. Главными темами произведений художников-классицистов стали эпизоды из античной истории, мифологии, а также библейские сюжеты. Большинство живописных приемов заимствовалось из античного искусства. Не приветствовалось все индивидуальное и обыденное: живописцы стремились к созданию обобщенных и типичных образов. Классицизм первой половины XVII в. выражал стремления наиболее просвещенных слоев французского общества, считающих разум высшим критерием всего прекрасного в реальной жизни и в искусстве.

Крупнейшим мастером классицизма в живописи стал Никола Пуссен.

Николя Пуссен

Николя Пуссен родился в 1594 г. в Нормандии в семье военного, выходца из небогатого дворянского рода. Первые уроки живописи Пуссен получил у провинциального мастера Кантена Варена. Обстановка маленького нормандского городка не способствовала развитию способностей начинающего художника, и в начале 1610-х гг. Пуссен тайно от родителей уехал в Париж.

В столице художник получил возможность близко познакомиться с искусством известных итальянских мастеров. Большое впечатление произвели на него работы Рафаэля. В Париже Пуссен познакомился с популярным в то время итальянским поэтом Дж. Марино и исполнил иллюстрации к его поэме «Адонис».

В 1624 г. живописец покинул Францию и уехал в Италию, где поселился в Риме. Здесь Пуссен неустанно трудился: зарисовывал античные статуи, занимался литературой и наукой, изучал труды Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера.

Хотя в работах Пуссена, выполненных в 1620-х гг., уже появились черты классицизма, многие его произведения этого периода выходят за рамки данного направления. Сниженность образов и излишний драматизм в таких полотнах, как «Мученичество св. Эразма» и «Избиение младенцев», сближают живопись Пуссена с караваджизмом и искусством барокко. Даже в более поздней картине «Снятие с креста» (ок. 1630) еще заметна острая экспрессивность в изображении человеческой скорби.

Значительную роль в живописи Пуссена-классициста играет рациональное начало, поэтому в его полотнах видны ясная логика и четкая идея. Эти качества свойственны его картине «Смерть Германика» (1626-1627). Черты классицизма выразились уже в выборе главного персонажа — мужественного и смелого полководца, отравленного подлым и завистливым римским императором Тиберием.

Во второй половине 1620-х гг. Пуссен увлекся творчеством Тициана, чье искусство оказало большое влияние на французского мастера и помогло его дарованию раскрыться в полной мере.

В этот период Пуссен создает картину «Ринальдо и Армида» (1625-1627), навеянную поэмой Т. Тассо «Освобожденный Иерусалим». Средневековую легенду о рыцаре-крестоносце Ринальдо, увезенном волшебницей Армидой в свои чудесные сады, живописец представил как сюжет из античного мифа: кони Армиды, везущие колесницу, напоминают коней греческого бога солнца Гелиоса. Позднее этот мотив не раз будет встречаться в произведениях Пуссена.

Следуя идеалам классицизма, Пуссен показывает героев, живущих в полном согласии с природой. Таковы его сатиры, амуры и нимфы, чья веселая и счастливая жизнь протекает в полной гармонии с величественной и прекрасной природой («Аполлон и Дафна», «Вакханалия», «Царство Флоры» — все 1620-1630-е).

Одной из самых лучших работ живописца стала картина «Спящая Венера». Как и в произведениях великих мастеров итальянского Возрождения, Венера Пуссена, окруженная восхитительной природой, полна юной силы. Кажется, что эта стройная богиня, погруженная в безмятежный сон, — просто прекрасная девушка, как видно выхваченная мастером из обыденной жизни.

Из поэмы Тассо взят сюжет картины «Танкред и Эрминия».

Пуссен изобразил раненого Танкреда, распростертого на бесплодной каменистой земле. Героя поддерживает его друг Вафрин.

Эрминия, сошедшая с коня, устремляется к возлюбленному, что- бы перевязать ему раны прядью своих длинных волос, отсеченной острым мечом. Эмоциональную приподнятость картине придает звучный колорит картины, особенно цветовые контрасты серо-стальных и насыщенных синих оттенков одежды Эрминии; драматизм ситуации подчеркивает пейзаж, озаренный ярким отблеском уходящего солнца.

Со временем произведения Пуссена становятся менее эмоциональными и драматичными, чувство и разум в них
уравновешиваются. Примером могут служить два варианта картины «Аркадские пастухи». В первом, исполненном между 1632 и 1635 гг., художник запечатлел пастухов, жителей счастливой страны Аркадии, внезапно обнаруживших среди густых зарослей гробницу, на которой можно разобрать надпись : «И я был в Аркадии». Эта надпись на могильной плите повергла пастухов в глубокое смятение и заставила задуматься о неотвратимости смерти.

Николя Пуссен. Царство Флоры. Ок. 1635 г.

Николя Пуссен. Танкред и Эрминия. 1630-е гг.

Менее эмоционален и драматичен второй вариант «Аркадских пастухов», написанный в начале 1650-х гг. Лица пастухов также омрачены печалью, но они более спокойны. Воспринимать смерть по-философски, как неизбежную закономерность, призывает их прекрасная женщина, олицетворяющая стоическую мудрость.

В конце 1630-х гг. слава Пуссена выходит за пределы Италии и достигает Парижа. Художника приглашают во Францию, но он пытается отложить поездку. И лишь личное письмо Людовика XIII заставляет его собраться в дорогу.

Осенью 1640 г. Пуссен вернулся в Париж, но эта поездка не принесла ему радости. Придворные художники во главе с С. Вуэ оказали Пуссену неласковый прием. «Эти животные», как называл их художник в своих письмах, окружили его сетью своих интриг. Задыхаясь в душной атмосфере придворной жизни, Пуссен вынашивает план бегства. В 1642 г. под предлогом болезни жены художник возвращается в Италию.

Парижская живопись Пуссена носит явные барочные черты. Работы этого периода отличаются холодной официальностью и театральной эффектностью («Время спасает Истину от Зависти и Раздора», 1642; «Чудо св. Франциска Ксаверия», 1642). И в более поздних своих работах Пуссен уже не поднялся до прежней выразительности и жизненности образов. В этих произведениях рационализм и отвлеченная идея взяли верх над чувством («Великодушие Сципиона», 1643).

В конце 1640-х гг. Пуссен пишет главным образом пейзажи. Теперь его привлекает не человек, а природа, в которой он видит воплощение истинной гармонии жизни. Художник внимательно изучает ландшафты в окрестностях Рима и делает зарисовки с натуры. Позднее по этим живым и свежим рисункам он пишет т. н. героические пейзажи, получившие широкое распространение в живописи XVII в. Скалистые громады, большие деревья с пыш¬ыми кронами, прозрачные озера и ручьи, протекающие среди камней, — все в этих ландшафтах Пуссена подчеркивает торжественное величие и совершенную красоту природы («Пейзаж с Геркулесом и Какусом», 1649; «Пейзаж с Полифемом», 1649).

В последние годы жизни в произведениях Пуссена все громче начинают звучать трагические ноты. Это особенно заметно в его картине «Зима» из цикла «Четыре времени года» (1660-1664). Другое название полотна — «Потоп». Художник изобразил страшную картину гибели всего живого: вода заливает землю, не оставляя человечеству шансов на спасение; в черном небе сверкают молнии; весь мир кажется застывшим и неподвижным, как будто погруженным в глубокое отчаяние.

«Зима» стала последней картиной Пуссена. В ноябре 1665 г. художник умер. К искусству замечательного французского мастера не раз обращались живописцы XVIII, XIX и XX вв.

Крупнейшим художником-классицистом, наряду с Пуссеном, был Клод Лоррен, работавший в пейзажном жанре.

Клод Лоррен

Клод Желле родился в 1600 г. в Лотарингии в семье крестьянина. Свое прозвище — Лоррен — он получил по месту рождения (Лотарингия по-французски Lorraine). Рано оставшийся без родителей, мальчик уехал в Италию, где работал слугой у художника А. Тасси. Вскоре Лоррен стал его учеником.

В начале 1630-х гг. Лоррен — довольно известный живописец. Он выполняет заказные работы, пишет картины для Папы Урбана VIII и кардинала Бентивольо. Почти всю свою жизнь художник провел в Риме, но был знаменит не только в Италии, но и на своей родине — во Франции.

Лоррен стал основоположником классицистического пейзажа. Хотя в Италии пейзажи появлялись в творчестве таких художников, как Доменикино и Аннибале Карраччи, именно Лоррен сделал пейзаж самостоятельным жанром.

Очаровательные итальянские ландшафты в произведениях Лоррена превращались в идеальный, классический образ природы. В отличие от героических пуссеновских пейзажей, картины Лоррена глубоко лиричны и пронизаны чувством личного переживания автора. Излюбленными мотивами его живописи были морские гавани, далекие горизонты, озаренные рассветом или погруженные в сумерки, бурные водопады, таинственные ущелья и мрачные башни на высоких скалистых берегах.

Ранние пейзажи Лоррена выполнены в коричневатой цветовой гамме, они несколько перегружены архитектурными элементами («Кампо Ваччино», 1635) .

Самые лучшие произведения Лоррена, уже зрелого художника, созданы в 1650-е гг. В 1655 г. живописец исполнил свою замечательную картину «Похищение Европы», изображающую чудесный морской залив, на берегу которого растут деревья. Ощущение тишины и покоя пронизывает природу, и даже мифологические образы девушки Европы и Зевса, превратившегося в быка, не выпадают из общего настроя картины. Человеческие фигуры в пейзажах Лоррена не играют большой роли, художник не писал их сам, поручая эту работу другим мастерам. Но люди в его картинах не выглядят лишними, они кажутся маленькой частичкой прекрасного мира. Это свойственно и известному полотну «Ацис и Галатея» (1657).

Со временем пейзажи Лоррена становятся более эмоциональными и выразительными. Художника привлекают изменчивые состояния природы, он пишет ландшафты в различное время суток. Главными изобразительными средствами в его живописи становятся цвет и свет. В 1660-х гг. Лоррен создает удивительно поэтичные полотна «Утро», «Полдень», «Вечер» и «Ночь».

Лоррен известен и как талантливый рисовальщик и гравер. Замечательны его рисунки, выполненные с натуры, — в этих свежих и живых набросках чувствуется тонкая наблюдательность художника и его умение с помощью простых средств передать красоту окружающего мира. С большим мастерством исполнены офорты Лоррена, в которых так же, как и в живописных работах, художник стремится передать эффекты света.

Клод Лоррен. Похищение Европы. 1655 г.

Лоррен прожил долгую жизнь — он умер в 1682 г. в возрасте 82 лет. Его искусство вплоть до XIX в. оставалось образцом для подражания в кругу итальянских и французских пейзажистов.

Восемнадцатый век стал последним этапом эпохи перехода от феодализма к капитализму. Хотя в большинстве западноевропейских стран сохранялся старый порядок, в Англии постепенно зарождалась машинная индустрия, а во Франции бурное развитие экономических и классовых противоречий подготавливало почву для буржуазной революции. Несмотря на неравномерное развитие экономической и культурной жизни в разных странах Европы, это столетие стало эпохой разума и просвещения, веком философов, экономистов, социологов.

Художественные школы некоторых западноевропейских стран переживают небывалый расцвет. Ведущее место в этом столетии принадлежит искусству Франции и Англии. В то же время Голландия и Фландрия, пережившие необыкновенный подъем художественной культуры в XVII в., отодвигаются на задний план. Испанское искусство также охвачено кризисными явлениями, его возрождение начнется лишь в конце XVIII в.

французская живопись 18 века: стиль рококо, живописцы, представители

Восемнадцатый век стал последним этапом эпохи перехода от феодализма к капитализму. Хотя в большинстве западноевропейских стран сохранялся старый порядок, в Англии постепенно зарождалась машинная индустрия, а во Франции бурное развитие экономических и классовых противоречий подготавливало почву для буржуазной революции. Несмотря на неравномерное развитие экономической и культурной жизни в разных странах Европы, это столетие стало эпохой разума и просвещения, веком философов, экономистов, социологов.

Художественные школы некоторых западноевропейских стран переживают небывалый расцвет. Ведущее место в этом столетии принадлежит искусству Франции и Англии. В то же время Голландия и Фландрия, пережившие необыкновенный подъем художественной культуры в XVII в., отодвигаются на задний план. Испанское искусство также охвачено кризисными явлениями, его возрождение начнется лишь в конце XVIII в.

Французское рококо

В истории культуры Франции эпоху, наступившую в начале правления Людовика XV (1715) и завершившуюся в год революции (1789), называют веком Просвещения. Это время дало миру великих писателей, философов и ученых, в числе которых — Вольтер, Д. Дидро, Ж. Ж. Руссо, Ш. Л. Монтескьё, К. А. Гельвеций, П. А. Гольбах.

В 1720-е гг. при королевском дворе появляется стиль рококо, просуществовавший почти пятьдесят лет. Этот стиль родился из барокко, но был более легким, причудливым и изящным. Слово «рококо» произошло от французского rocaille — «рокайль» — так назывались модные садовые украшения из раковин и мелких камешков.

В живописи рококо были популярны светлые оттенки — розовые, голубые. Наряду с масляными красками, применялась пастель. Обращаясь к библейским и мифологическим сюжетам, художники создавали нарядные полотна, призванные услаждать аристократическую публику. Большим успехом пользовались картины, изображавшие пастухов и пастушек, которые походили не на крестьян, а на переодетых в театральные костюмы дам и кавалеров.

Одним из самых значительных художников Франции XVIII в. был Антуан Ватто, фламандец по происхождению.

Антуан Ватто

Антуан Ватто родился в 1684 г. в Валенсьене в семье кровельщика. Проучившись несколько лет у местного художника, Ватто отправился в Париж. Не имея денег, весь долгий путь он проделал пешком. В столице долго бедствовал: работая в мастерской художника, писавшего религиозные композиции, Ватто едва сводил концы с концами. Позднее он стал брать уроки у живописца Клода Жилло, а затем — у гравера Клода Одрана. Одран занимал должность хранителя картинной галереи Люксембургского дворца, в котором находились картины, написанные Рубенсом для королевы Марии Медичи. Эти творения великого фламандца произвели на Ватто неизгладимое впечатление. Влияние Рубенса и мастеров фламандской школы заметно в ранних жанровых работах молодого художника («Савояр», ок. 1709).

В 1710 г. Ватто знакомится с Лесажем, известным писателем-сатириком, и коллекционером Крозом, который вводит его в круг парижских меценатов и ценителей искусства, оказавших покровительство молодому художнику. В этот период Ватто начинает писать любовные сцены, увеселения аристократов и театрализованные маскарады, изображая радости жизни, которых он сам был лишен, страдая тяжелым заболеванием легких. Эта болезнь и стала причиной ранней смерти живописца.

Хотя тематика живописи Ватто была близка и понятна аристократической публике, эмоциональная глубина образов в произведениях художника не была оценена его современниками. В 1717 г. Ватто приняли в Академию, но не как мастера исторической живописи, а как художника «галантных празднеств». Подобного жанра не существовало до этого времени, он появился лишь в связи со вступлением Ватто в Академию.

Антуан Ватто. Савояр. Ок. 1709 г.

Ватто представил в Академию одну из лучших своих картин — «Паломничество на остров Киферу» (1717). На полотне изображены дамы и кавалеры, садящиеся в ладью, отплывающую к острову, на котором, согласно греческому мифу, родилась богиня любви Афродита. В отличие от манерной живописи многих современников Ватто, «Паломничество на остров Киферу» поражает своей эмоциональностью и поэтичным очарованием. Картина пронизана вибрирующим светом, который, сочетаясь с золотистыми, нежно-зелеными и бледно-розовыми тонами, делает изображение трепетным и подвижным.

Многие произведения Ватто отражают интерес их автора к театру. Самые значительные работы, посвященные театральной жизни, выполнены художником в последние годы жизни. Одна из лучших картин этого цикла — «Итальянские комедианты» — создана, вероятно, после 1716 г. (именно в это время во Францию вновь приехали итальянские актеры, выдворенные из страны в XVII в. за сатирические спектакли, направленные против французского правительства).

Шедевром театральной серии Ватто стала картина «Жиль» (1720). Странная и загадочная композиция этого произведения до настоящего времени вызывает множество толкований. Художник вывел на передний план актера в белой одежде. Его фигура неподвижна, глаза из-под полуопущенных век пристально смотрят на зрителя. А за спиной Жиля, под пригорком, расположилась группа оживленных комедиантов, тянущих за веревку осла, на котором восседает Скапен. До сих пор неясно, что же хотел сказать художник, изобразив на своем полотне не связанных между собой действием застывшего, как монумент, одинокого и печального Жиля и суетящихся за ним веселых актеров. Существует предположение, что эта картина была задумана как афиша для одного из сезонов Итальянской комедии — похожие вывески сопровождали ярмарочные театры той эпохи.

Антуан Ватто. Вывеска для антикварной лавки Жерсена (правая часть). Ок. 1721 г.

Последней картиной Ватто стала вывеска для антикварной лавки Жерсена, написанная в 1721 г. после поездки живописца в Лондон, где практиковал знаменитый английский врач. Надежды на излечение не оправдались, и умирающий художник вернулся в Париж.

Всего за несколько дней Ватто, остановившийся в доме Жерсена, написал полотно, изображавшее помещение антикварного магазина, продавцов и посетителей, разглядывающих картины, слуг, осторожно укладывающих в ящик проданный портрет. Это произведение, в котором проявилась тонкая наблюдательность автора, не укладывается в рамки «галантных празднеств». Реалистично и живо повествующая о XVIII в. и людях, живших в эту эпоху, картина предвосхитила появление реалистического искусства во Франции. Провисев над входом в лавку всего пятнадцать дней, «Вывеска Жерсена» привлекла множество зрителей. В настоящее время она находится в зале Государственных музеев в Берлине.

Смерть оборвала творческие искания мастера в 1721 г. Традиции его искусства были подхвачены Н. Ланкре и Ж. Б. Патером, но их живописи не хватало поэтичности и эмоциональности. Немного позднее к искусству Ватто обратились Ф. Буше, Ж. Б. Шарден и художники-реалисты.

Франсуа Буше

Ведущий живописец рококо Франсуа Буше родился в 1703 г. в Париже. Первые уроки рисования он получил у своего отца, затем занимался иллюстрацией и рисунком в мастерской Ф. Лемуана.

В 1723 г. Буше стал обладателем первой премии на конкурсе Академии. Спустя два года вместе с художником Карлом Ванлоо он отправился в Рим. В Италии Буше не привлекло искусство старых мастеров, гораздо больше его интересовала живопись современников.

Вернувшись на родину в 1731 г., художник стал членом Королевской академии живописи и скульптуры. В 1734 г. за композицию «Ринальдо и Армида» Буше получил звание академика. Карьера художника продвигалась успешно, в 1737 г. он стал профессором Академии, а через некоторое время — ее директором. Художнику покровительствовала маркиза де Помпадур: она содействовала получению Буше крупных заказов (декоративные работы для дворцов Фонтенбло, Бельвю и Креси), а в 1752 г. помогла ему поселиться в Лувре. В 1755 г. Буше возглавил Королевскую мануфактуру гобеленов, а в 1765 г. получил должность первого живописца при дворе Людовика XV.

Свой творческий путь художник начал с гравирования картин А. Ватто, последователем которого он себя считал. Но декоративные произведения Буше значительно отличаются от глубоко эмоционального и одухотворенного искусства А. Ватто. Гравюры Буше делали жанровые сцены, взятые из произведений А. Ватто, похожими на орнаментальные узоры, которые позднее стали обязательным элементом книжной иллюстрации рококо. В таком стиле вместе с художниками Ж. Б. Патером, Н. Ланкре и Ш. Эйзеном Буше выполнил гравюры к сказкам Ж. де Лафонтена.

Хотя рисункам Буше не хватает глубины и искренности, они по-своему выразительны и изящны. Особенно эмоциональны и лиричны его пейзажи («Мельница», 1752). Наряду с рисунками, гравюрами, эскизами для гобеленов и фарфора, театральными декорациями (оформление оперы-балета «Галантная Индия», 1735), художник создавал и станковые картины, отличающиеся той же декоративностью. Главный создатель пасторального жанра, Буше изображал в своих композициях сентиментальных пастушков и пастушек или чувственных красавиц из античной мифологии («Триумф Венеры», 1740; «Купание Дианы», 1742; «Уснувшая пастушка», 1745). Искусство Буше должно было вызывать у зрителей приятные и волнующие чувства, но не тревожить и не пугать.

Франсуа Буше. Купание Дианы. 1742 г.

Кроме мифологических картин и пасторалей, Буше писал жанровые сцены, религиозные композиции («Отдых на пути в Египет», 1757) и портреты. Им создано несколько портретов маркизы де Помпадур и множество изображений представителей аристократического общества Франции.

Палитра Буше соответствует требованиям моды искусства рококо — краски на его картинах кажутся нам неестественными, не соответствующими природным оттенкам. В эту эпоху художники стремились найти изысканные, редкие оттенки, которые получали удивительные названия: «цвет потерянного времени», «голубиная шейка», «цвет бедра взволнованной нимфы», «веселая вдова», «резвая пастушка». Буше считал, что природа недостаточно красива и совершенна, к тому же плохо освещена, поэтому свою живопись он делал пестрой и светлой, стараясь использовать голубые и розовые оттенки.

В последние годы жизни Буше интерес к его творчеству со стороны публики значительно упал. Но слепнущий художник, чье искусство осуждалось современниками (особенно Дени Дидро) за манерность и бездумную легкость, продолжал писать картины («Поклонение волхвов», 1764), создавать рисунки и театральные декорации («Тесей», 1765), представляя зрителю безмятежный и радостный мир своего искусства. Умер Буше в 1770 г.

Рядом с далеким от действительности искусством рококо, призванным услаждать изнеженную аристократическую публику, во французской живописи развивается реалистическое направление. Одним из самых крупных представителей этого течения стал Ж. Б. Шарден.

Жан Батист Симеон Шарден

Жан Батист Симеон Шарден родился в 1699 г. в Париже в семье столяра. Учился у художников-академистов Жана Батиста Ванлоо, Пьера Жака Каза, Ноэля Никола Куапеля. В мастерской Каза Шарден вместе с другими учениками долго копировал картины своего учителя, дожидаясь позволения приступить к изображению живой натуры. Этот метод обучения не устроил молодого художника, и вскоре он порвал с академистами.

Шарден начал творческий путь с натюрмортов. В 1728 г. на т. н. Выставке молодежи, которая устраивалась под открытым небом на площади Дофина, Шарден показал две работы — «Скат» и «Буфет». Натюрморты были восторженно встречены публикой, и, окрыленный успехом, художник представил свои картины в Академию, получив за них звание академика. В отличие от современников, которые писали декоративные натюрморты, Шарден создавал лишенные внешних эффектов, непритязательные и скромные картины, изображавшие простую кухонную посуду, бутылки, кувшины, овощи, фрукты, рыбу и битую дичь. Но удивительная гармония красок и мастерство исполнения позволили Шардену показать материальную сущность предметов, сделать их осязаемо реальными.

Большой успех Шардену принесли жанровые работы, написанные в 1730-1740-х гг. Художник изображал быт третьего сословия Франции — мелкой буржуазии и трудового народа. Выросший в семье ремесленника, он прекрасно знал жизнь простых людей. Произведения Шардена лишены манерности Буше, в них нет повествовательности и драматизма. Здесь изображены простые и спокойные сцены жизни семьи: стирающая белье прачка, ребенок которой забавляется мыльными пузырями («Прачка», ок. 1737), мать, читающая вместе с маленькими дочерьми молитву возле накрытого к обеду стола («Молитва перед обедом», 1744). Несмотря на свою простоту, эти картины полны поэзии, которую художник сумел уловить, наблюдая жизнь, но в них отсутствуют назидательность и сентиментальность, свойственные многим его современникам, например Ж. Б. Грёзу. Реалистичная и правдивая жанровая живопись Шардена раскрывает перед зрителем мир искренних человеческих чувств, связывающих героев его картин. Эти полотна, как и натюрморты, написаны в мягкой, приглушенной колористической гамме, построенной на тонких цветовых градациях.

Шарден с его искренней и поэтичной живописью оставался чужд морализаторству, которое в 1750-1760-х гг. появилось в работах многих французских художников, прославляющих буржуазную добродетель. В этот период мастер не создал уже ничего нового в области жанровой живописи.

Жан Батист Шарден. Прачка. Ок. 1737 г.

Замечательное мастерство Шардена, уже немолодого художника, проявилось в его портретных работах. В 1770-е г. он
написал пастелью чудесный портрет своей жены и «Автопортрет с зеленым козырьком».

Жанровая живопись Шардена оказала большое влияние на многих французских художников. Последователями талантливого живописца стали Ф. Кано, П. Л. Дюмениль Младший, Э. Жора. С его картин делали гравюры такие мастера, как Л. Кар, Ж. Ж. Флипар, И. Г. Вилль, Ж. Ф. Леба. Современники свидетельствуют, что гравюры с произведений Шардена пользовались популярностью и быстро раскупались ценителями искусства.

Умер Шарден в 1779 г.

Жан Батист Шарден. Кухарка. 1738 г.

Сентиментально-морализующее направление во французской живописи второй половины XVIII столетия возглавил Ж. Б. Грёз.

Жан Батист Грёз

Жан Батист Грёз родился в 1725 г. в Турню. Учился сначала у незначительного живописца Ш. Грандона в Лионе, затем — в Королевской академии живописи и скульптуры в Париже.

Впервые о художнике заговорили после создания им картины «Отец семейства, читающий Библию». В 1750-х гг. Грёз посетил Италию, но эта поездка мало что дала ему. В написанных там работах, помимо сюжета, нет ничего итальянского. Тем не менее живопись Грёза привлекла внимание ценителей искусства из самых разных кругов французского общества. Маркиз Мариньи, руководитель королевских строений, заказал художнику несколько аллегорических полотен для маркизы де Помпадур. Ценили Грёза просветители, считавшие, что искусство — великая воспитательная сила. Д. Дидро писал об этом мастере третьего сословия: «Вот поистине мой художник — это Грёз».

В Салоне 1761 г. живописец выставил свою картину «Деревенская невеста», которая, изображая одно из главных событий сельской семьи — свадьбу, восхваляла добродетельные нравы представителей третьего сословия. Композиция этого произведения напоминает театральную сцену, на которой расставлены фигуры актеров: отца новобрачной, передающего жениху приданое, и членов семьи. В расположении персонажей, в их жестах и мимике чувствуется стремление художника оказать воспитывающее воздействие на публику. Например, две сестры невесты изображены
так, чтобы зритель сразу увидел любовь и нежность одной девушки и жгучую зависть другой.

Вместе с «Деревенской невестой» в Салоне были представлены рисунки к картине «Паралитик». Один из них — акварель «Бабушка», изображающая бедное жилище старой больной женщины, вокруг которой стоят дети. Реалистичность и убедительность образов говорят о том, что эта работа, как и многие другие рисунки, выполнена Грёзом с натуры. Перед созданием каждой картины живописец делал множество натурных зарисовок, изображая бедных
ремесленников, крестьян, торговок, нищих. В «Паралитике» (1763) жизненность натурных рисунков отсутствует. Члены семьи паралитика кажутся актерами, играющими в благородство пред постелью больного. Даже детали
обстановки призваны подчеркнуть добродетель персонажей.

Например, тряпка, висящая на перилах лестницы в «Бабушке», превращается в «Паралитике» в изысканную драпировку.

Большинство работ Грёза представляют одни и те же образы: порочный сын, не уважающий своих родителей; добродетельный отец семейства, обиженный детьми; злая и жестокая мачеха. Таковы персонажи в картине «Отцовское проклятие» и в исторической композиции «Север и Каракалла», где римский император Каракалла представлен не только плохим сыном, но и отвратительным правителем.

Кроме жанровых сцен, Грёз писал и портреты, в основном изображавшие хорошеньких девушек. Эти сентиментальные и манерные картины, т. н. «головки», пользовались у современников большим успехом. Умер Грёз в 1805 г., оставив множество последователей.

Жан Батист Грёз. Портрет Софи Арну. Ок. 1786 г.

Значительное место во французской живописи 18 столетия занимает портрет. Одним из самых известных мастеров этого жанра был Морис Кантен Латур, создавший целую галерею портретов своих современников (маркизы де Помпадур, Ж. Ж. Руссо, королевского секретаря Д. де л’Эпине). Талантливым портретистом был Жан Батист Перронно, работы которого отличаются богатым колоритом.

Идеи просветительства, противопоставлявшие испорченным нравам светского общества чистоту сельской жизни на лоне природы, отразившиеся в сочинениях Ж. Ж. Руссо, способствовали развитию французского жанра пейзажа.

Крупнейший пейзажист этой эпохи — Клод Жозеф Верне, излюбленными мотивами которого были море и парковые виды («Утро в Кастелламаре», 1747; «Вилла Памфили», 1749; «Скалы у берега моря», 1753). Его картины представляли поэтичные ландшафты Франции, полные воздуха и света. Со временем известный художник, выполняя многочисленные заказы, начинает переписывать одни и те же работы, не создавая ничего нового.

Молодыми современниками Верне были Луи Габриэль Моро Старший, писавший изысканные по колориту виды Парижа и его окрестностей («Холмы в Медоне»), и Гюбер Робер, побывавший в Италии, любивший писать античные руины и соединявший в одной композиции несколько разных памятников. Вернувшись на родину, во Францию, он стал необыкновенно популярен. Не только французские, но и русские вельможи стремились заказать у Робера картины для украшения своих дворцов (в частности, князь Юсупов, для усадьбы которого художник исполнил несколько пейзажей).

Одним из крупнейших мастеров французской живописи второй половины XVIII в. был Оноре Фрагонар, работавший во многих жанрах. Он испытал заметное влияние итальянских мастеров XVII-XVIII вв. Хотя художник писал в стиле рококо, в его творчестве сильны реалистические тенденции. Фрагонар создавал тонкие и лиричные пейзажи («Берег моря близ Генуи», 1773), одухотворенные и искренние портреты («Мадам Фрагонар», «Маргарита Жерар»), свежие по колориту жанровые сцены («Прачки», «Поцелуй украдкой», 1780-е) и реалистичные и немного ироничные мифологические композиции («Похищение рубашки Амуром», ок. 1767) .

Последняя четверть XVIII в. ознаменована расцветом классицизма во французской живописи. Некоторые художники обращаются в своем творчестве к античному наследию, к поискам новых, четких и простых художественных решений (Ж.-М. Вьен). Черты классицизма прослеживаются в творчестве Ж. Б. Грёза. Ярким представителем этого направления в искусстве Франции был Ж. Л . Давид.

Жак Луи Давид

Жак Луи Давид — французский живописец, художник просветительского классицизма и ампира, а также один из основоположников нового искусства — родился в 1748 г. в семье состоятельного парижского коммерсанта. В юном возрасте поступил в Академию художеств, где с 1766 по 1774 г. учился у Ж.-М. Вьена, синтезировавшего в своем творчестве два стиля: классицизм и рококо. Конкурсная работа молодого художника на Римскую премию — «Бой Марса с Минервой», написанная в 1771 г., хотя и пришлась по нраву академическим кругам (она была исполнена в академической манере), полагающейся награды Давиду так и не принесла. Поэтому его поездка в Италию была отложена до 1775 г., когда он отправился туда вместе со своим учителем в качестве стипендиата.

В Риме на протяжении пяти лет (1775-1780) Давид изучал античное искусство, а также творчество мастеров эпохи Возрождения (Рафаэля и художников болонской школы) и барокко. По возвращении на родину им была выставлена картина «Велизарий, просящий подаяние» (1781). Ее сюжет — драматическая повесть о том, как знаменитый византийский полководец, подозреваемый в заговоре против императора, был лишен всех благ, ослеп и впал в нищету. Давид изобразил его сидящим у городских ворот Константинополя и просящим подаяние. Показательно то, что композиция представляет собой не мифологический сюжет, а исторический, хотя и носящий легендарный характер. Это произведение кардинально отличается от ранней работы художника, причем отличие заключено в простоте и строгости, скульптурности в трактовке форм, композиционной уравновешенности. Лаконизм, с которым написано полотно, прямо указывает на его тягу к монументальности и говорит о появлении индивидуального стиля.

В это же время появилась еще одна картина Давида — портрет графа Потоцкого (1781), который был написан благодаря одному эпизоду из жизни мастера. Будучи в Неаполе, молодой художник стал свидетелем того, как Потоцкий усмирил необъезженного коня. И хотя на картине приветствующий жест графа выглядит несколько театрально, это с лихвой компенсируется тем, как точно и детально Давид передает внешний облик героя: налицо нарочитая небрежность в одежде, спокойная уверенность в своей силе и т. д. Все это говорит о том, что начинающему живописцу вовсе не чужда передача реальной действительности в живой конкретности.

С этого времени творчество Давида идет как бы двумя путями: с одной стороны, он пишет исторические полотна на античные сюжеты, где с помощью отвлеченных образов стремится донести до зрителя идеалы, волнующие предреволюционную Францию, а с другой — создает портреты, утверждающие образ реального человека, причем эти две грани его творчества не смещиваются вплоть до самой революции.

Так, одна из наиболее знаменитых его картин, «Клятва Горациев» (1784), сюжет которой был взят из трагедии Корнеля, посвященной трем молодым римлянам, готовым расстаться с жизнью во исполнение долга, воспринимается как революционный призыв. Фон создают три полуциркульные арки, опорой для которых служат колонны. Они несколько ограничивают глубину картины, придвигаясь близко к переднему краю композиции и симметрично разделяя ее на три равные части, тем самым образуя ритмическую основу построения. В каждую из этих арок вписана одна из трех групп, резко противопоставленных друг другу: на первом плане изображены три сына, дающие отцу клятву победить или умереть, а на втором — поникшие в горе женщины. В то время как позы мужчин резки и напряжены, позы женщин, наоборот, выражают покорность судьбе. Гражданская доблесть одних вырисовывается на фоне переживаний других.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев. 1784 г.

В данной картине один смысловой и композиционный центр — это руки отца, сжимающего мечи, и тянущиеся к ним руки братьев. От этого узла симметрично в обе стороны спускаются по линиям рук, ног и по складкам одежды основные направляющие линии, образующие равнобедренный треугольник. Такая математическая схема построения, заимствованная у мастеров Возрождения, у Давида объясняет стремление к логической ясности и архитектонической уравновешенности. В целом композиция отличается простотой и лаконизмом, скульптурной трактовкой форм, монохромностью цветовой гаммы и схематичной обрисовкой образов.

Отсутствие индивидуального конкретного момента, характерного для исторических композиций, Давид компенсирует созданием портретов г-на Пекуль и г-жи Пекуль. Если в «Клятве Горациев» представлены идеализированные, несколько абстрагированные образы, то в вышеназванных портретах он, наоборот, утверждает материальную сторону мира без какой бы то ни было идеализации. Художник не скрывает от зрителя некрасивые руки персонажей с толстыми короткими пальцами, а в женском портрете — оплывшую шею, кожа которой нависает над жемчужным ожерельем. На портретах изображено то, что живописец наблюдает в действительности. Он создает образы людей, довольных своей жизнью и богатством, которое они охотно выставляют напоказ.

А вот портрет «Лавуазье с женой» (1788) написан несколько в иной манере. Здесь все (красота линейных контуров, изящество жестов, грациозность, элегантность и утонченность образов) нацелено на то, чтобы передать обаяние ученого и его жены.

В дальнейшем Давид продолжает работать с материалами античной истории. В этом отношении наиболее значительно его полотно под названием «Брут, первый консул, по возвращении домой после того, как осудил двух своих сыновей, которые присоединились к Тарквинию и были в заговоре против римской свободы; ликторы приносят их тела для погребения» (1789). Нужно заметить, что эта картина, выставленная в Салоне в том же году, приковала к себе всеобщее внимание тем, как был представлен герой: для него гражданский долг оказался превыше всего, в том числе и отцовских чувств.

Сам Давид лично принимал активное участие в революционных событиях, благодаря чему был избран в депутаты Конвента, стал членом клуба якобинцев, приблизился к Робеспьеру. Заняв ответственный пост, Давид во многом повлиял на художественную жизнь страны: по его проекту ликвидируется Королевская академия, реорганизуется система художественного образования, а Лувр становится первым в Европе государственным музеем, открытым для массового зрителя.

Помимо занятий политикой, Давид вел большую педагогическую деятельность: руководил крупнейшей мастерской в Школе изящных искусств, занимался вместе с учениками оформлением массовых празднеств революционного характера, моделировал костюмы должностных лиц и обмундирования войск, причем делал все это в духе римской классики. Общественная жизнь того периода была отражена Давидом в композиции «Клятва в зале для игры в мяч» (1789), которая, несмотря на огромный собранный материал, так и осталась незаконченной по той причине, что стре-
мительное развитие революционных событий смело со сцены многих лиц, без которых она не могла считаться законченной.

Среди материала к «Клятве…» были десятки портретных рисунков, характеризующихся достоверностью и правдивостью, среди которых, например, рисунок головы Лепелетье де Сен-Фаржо, убитого монархистами. Позже Давидом была написана картина, прославляющая этого героя революции. К сожалению, она не сохранилась, но до настоящего времени дошла гравюра Тардье, исполненная по этому рисунку. На ней Лепелетье изображен на траурном ложе, полуобнаженным, с зияющей раной, так, как он был представлен в действительности во время всенародного прощания. При взгляде на изображение возникает впечатление, что в саркофаге лежит не обычный человек, а слепленная с него скульптура. Этот эффект был достигнут при помощи линий красиво откинутой назад головы и пластично вылепленных форм тела, что присуще принципам классицизма. Своей работой Давид не столько хотел запечатлеть убитого, сколько создать образ патриота своей родины и напомнить о той опасности, которой подвергается молодая республика. Этой же цели служит созданный им контраст: пластическая красота и кровавая рана, а над телом — меч, символизирующий угрозу, нависшую над революцией.

А вот к образу убитого Марата художник подошел несколько иначе («Смерть Марата», 1793). Хотя задача, которую он себе ставил, осталась прежней — воздействовать на чувства зрителей и преподать им очередной урок патриотизма, в этой картине Давид стремится к конкретизации характера, свойственной большинству его портретов. Поэтому он решил изобразить убитого лидера таким, каким представлял его себе в момент смерти. В одной руке Марат еще держит перо, а другая непроизвольно сжимает письмо Шарлотты Корде.

Жак Луи Давид. Смерть Марата.

Если в картине «Убитый Лепелетье» художник скрыл некрасивость профиля героя, запрокинув его голову, то в новом произведении изображенного мог узнать любой. Марат написан в домашней обстановке, сидящим в лечебной ванне, однако мастерство Давида смогло подняться над обыденностью, в результате чего получилось произведение возвышенное и с героическим пафосом. Во многом такой эффект был достигнут благодаря лаконизму, обобщенности и большим планам. Живописец смело подчеркнул пластичность тела, выдвинув его на передний план на фоне темной стены, занимающей больше места, нежели сама сцена, а куски материи превратил в монументальные складки.

В революционные годы мастер продолжает усердно работать в портретном жанре, причем его моделями становятся не только патриоты и революционные деятели, но и люди простого звания. Характерной особенностью этих произведений является точная детализация индивидуальных черт портретируемых. Все чаще и чаще Давид изображает людей на гладком фоне, который не отвлекает внимания на посторонние, не столь существенные моменты. Художника в большей мере интересует передача посредством живописи самых разных психологических состояний. К числу лучших его работ этого периода относятся «Автопортрет с палитрой» (1794), портреты супругов Серизиа (1795). С этого времени в мастерской Давида начинает складываться то классическое направление в искусстве, которое позднее будет названо ампиром (что означает «стиль империи»).

Революционный переворот, произошедший 9 термидора 1794 г., настиг художника и революционного деятеля столь внезапно, что он не успел ничего предпринять и в результате был арестован и препровожден в Люксембургский дворец, в котором пробыл весьма недолго. Уже в скором времени он предстал перед судом, отрекся от М. Робеспьера и был освобожден. За время нахождения в тюрьме Давид успел написать уголок Люксембургского сада (1794), наполненный спокойствием и умиротворением, и автопортрет (1794), оставшийся незаконченным, в котором царит совершенно противоположное чувство.

Примерно в это же время Давидом было написано одно из самых значительных полотен эпохи — «Зеленщица» (1795). Существует мнение, что данное произведение не принадлежит его кисти, однако это предположение ничем не подтверждено, а значит, нет оснований не принимать эту работу во внимание, тем более что она очень близка творчеству Давида. На картине изображена женщина из народа, по-прежнему верная идеям революции. Она настороженно и внимательно за кем-то наблюдает, а с губ может вот-вот сорваться гневное слово протеста. По сути, этот образ можно рассматривать и как образ самой революции, недаром между синим фартуком и белой повязкой ярко пламенеет красная косынка (три цвета революционного знамени).

В 1795 г. Давид задумал полотно «Сабинянки останавливают битву между римлянами и сабинянами» (реализация данного замысла произошла только в 1799 г.). В этой работе художник намеревался показать возможность примирения враждующих партий. Однако сам живописец не верил в такой исход, а потому картина получилась излишне холодной и академической. В результате в творчестве Давида вновь наблюдается расхождение между портретом и картиной на историческую тему, что было свойственно ему в дореволюционный период. Можно сказать, что это был своеобразный шаг назад. Но нельзя также забывать и о том, что данное обстоятельство было присуще не всем его работам — некоторые портреты конца века были созданы в новой манере. В этом отношении наиболее характерен портрет молодого Энгра (1800) , необычайно мягкий и живописный. В нем отсутствует ярко выраженная объемность и линейность, и хотя наблюдаются четкие границы освещенных и затемненных мест в трактовке лица, контраст создан не для моделирования объема. Свет, падающий с одной стороны, введен для усиления выразительности и одухотворенности образа.

Так же как и в портретах многих других живописцев, в работах Давида всегда можно с большой точностью определить отношение автора к изображаемому герою. Особенно ярко это проявилось в таких работах, как «Госпожа Рекамье» (1800), «Бонапарт на перевале Сен-Бернар» (1800) и др.

На первом портрете изображена грациозная молодая женщина, расположившаяся на ложе, выполненном в античном стиле
мебельщиком Жакобом; рядом с ней стоит античный подсвечник. Модный в то время греческий хитон изящно драпирует
стройную фигуру, а прическа «а la grecqua» обрамляет красивое лицо с большими умными глазами. И хотя художник с большой симпатией рисует линии ее нежного лица и грациозной фигуры, все же у зрителя не возникает ощущения внутренней связи живописца с моделью, он понимает, что мастер только любуется ею. С этого времени обращение к античности — лишь предлог для того, чтобы сотворить особый мир, далекий от современности, мир чисто эстетического любования.

Что касается портрета «Бонапарт на привале Сен-Бернар», то до него живописцем в 1797 г. был начат другой портрет, отличающийся большей жизненностью и драматической выразительностью (портрет остался незаконченным). Незавершенную работу отличает отсутствие заранее заданной идеи и оформленности композиции — качеств, свойственных художественной манере Давида. Здесь рядом с неожиданно неровными мазками краски, которой предполагалось закрасить мундир, лицо с напряженно-волевым, огненным взглядом кажется особенно пластичным, четко вылепленным. Вместе с тем картина сохраняет ощущение наброска, как бы выполненного с натуры (портрет должен был войти в большую, так и не написанную композицию). Совсем в ином плане написан конный портрет знаменитого полководца на привале Сен-Бернар. В это время Давид видел в Наполеоне только героя-победителя и принял заказ изобразить его спокойным на вздыбленном коне. Однако позировать Бонапарт отказался, мотивируя это тем, что мало кого интересует реальное сходство, достаточно выразить суть гения. Живописец выполнил пожелание и
создал произведение, похожее в большей степени на памятник, а не на портрет полководца.

Жак Луи Давид. Автопортрет. 1794 г.

В 1804 г. Наполеон Бонапарт стал императором, а Давид получил звание первого живописца императора. Наполеон выразил желание, чтобы в произведении искусства было прежде всего отражено восхваление империи, и тогда Давид по его заказам написал две крупные композиции: «Коронование императора и императрицы» (1806-1807) и «Присяга армии Наполеону после раздачи орлов на Марсовом поле в декабре 1804 г.» (1810). На первом полотне художник стремился представить коронацию так, как она происходила в действительности, с максимальной объективностью. Каждое лицо изображено с большей экспрессией и психологичностью; идеализированы только образы Наполеона и Жозефины, выделенные светом. «Коронование…» характеризуется новой, более яркой цветовой гаммой (здесь присутствуют черные, белые, зеленые, красные и золотистые тона), в которой угадывается стремление живописца передать краски такими, какие они есть на самом деле, и несоответствием между реалистическим портретом и театрально напыщенной и вялой композицией.

Все работы последующего периода, выполненные в жанре портрета, отличаются высоким мастерством, чего нельзя сказать об исторических и аллегорических композициях, которые утрачивают революционный пафос и становятся холодными и академическими. В некоторых полотнах наблюдается замена строгого стиля претенциозной изысканностью и красивостью («Сафо и Фаон», 1809).

В последние годы существования империи, в то время, когда над Францией нависла угроза вторжения, мастер выставил картину «Леонид в Фермопилах» (1799-1814). Данный поступок можно рассматривать как призыв художника к защите отечества. Однако все попытки подобного рода заранее были обречены на неудачу, так как события термидора и империя основательно подорвали патриотизм и гражданскую доблесть республиканцев. Да и сама композиция получилась чересчур безжизненной и академической, что также не могло вызвать того энтузиазма, которым были встречены работы Давида времен Республики, повествующие о республиканских добродетелях и гражданской доблести древних греков и римлян.

В 1814 г. власть перешла к Бурбонам, и художник, голосовавший в Конвенте за казнь Людовика XVI и принимавший активное участие в революционных действиях, был изгнан из Франции и нашел пристанище в Брюсселе, где и прожил до конца своих дней.

Нужно отметить, что все большое и значимое в творчестве Давида предреволюционного периода оказалось уничтожено в годы реакции, и только его портреты (в большинстве случаев безымянные) по-прежнему остаются достойными внимания. Лучшей портретной работой, созданной живописцем в годы изгнания, принято считать «Портрет старика», написанный в 1815 г.

Умер живописец в 1825 г.

Французский художник стиля барокко — Eustache Lesueur (1616

Эсташ Лесюэр ( Лесюёр; фр. Eustache Lesueur или Le Sueur; 1616 года, Париж —  1655 года, там же) — французский художник стиля барокко, писавший картины на религиозно-исторические темы и прозванный «французским Рафаэлем». Один из старейшин французской Академии живописи и скульптуры. 

Portrait of a Young Man. 1640. Eustache Lesueur (1616 — 1655) Eustache Le Sueur — The Abduction of Ganymede by Jupiter, 1644

Стиль Лесюэра отличается  рафинированностью и элегантностью. В его живописи преобладает линейное начало, причем линии рисунка в картинах Лесюэра текучие, плавно круглящиеся, а композиционное решение часто стремится к изысканному арабеску. Художник предпочитает гладкую, иногда почти лощеную фактуру, в колорите преобладают яркие, холодные оттенки, особенно белые, интенсивно-голубые и голубовато-фиолетовые. Он часто прибегает к цветовым контрастам, противопоставляя, например, голубой желтому.

Eustache Le Sueur — The Birth of Cupid Eustache Le Sueur — The Sacrifice of Manoah, 1640-1650

Дарование Э.Лесюэра было многосторонним. Он писал не только мифологические картины и декоративные панно,но и выразительные портреты, он был также незаурядным мастером религиозной живописи. Картины Лесюэра на религиозные сюжеты принадлежат к лучшему из того, что было создано французскими художниками 17 века в этом жанре. 

Eustache Le Sueur — The Virgin and Child, with St John the Baptist (1640) Eustache Le Sueur — The Muses — Clio, Euterpe and Thalia

Женские образы ранних мифологических картин Лесюэра полны чувственной прелести. Он любит пышные, хотя не лишенные изысканности формы. В одной из самых известных картин Лесюэра «Спящая Венера и амур» («Сан-Франциско, Музей изобразительных искусств) и поза Венеры, и пропорции фигуры, и стилизованный характер рисунка поразительно напоминают одалисок Энгра, созданных на два столетия позже. Лицо богини любви на картине Лесюэра погружено в тень, а фигура, напротив, ярко освещена, что придает композиции особую эффектность. Недаром Энгр в 19 веке так искренне восхищался живописью Лесюэра.

Eustache Le Sueur — Sleeping Venus, 1638-1639 An Allegory of Poetry by Eustache Le Sueur, oil on canvas

К числу наиболее выразительных портретов Лесюэра принадлежит так называемая «Встреча друзей» (Париж, Лувр) — групповой портрет, на котором изображены друзья художника, в том числе знаменитый парижский музыкант лютнист Дени Готье. Портрет вводит нас в непринужденную атмосферу дружеского сообщества художников, музыкантов и артистов, которых, говоря современным языком, мы бы назвали художественной богемой.

Eustache Le Sueur — A Gathering of Friends Eustache Le Sueur — The Muse Terpsichore

Эсташ Лесюэр сформировался в мастерской С.Вуэ, у которого учились многие художники этого поколения. Однако истинным учителем Лесюэра можно по праву назвать великого мастера итальянского Возрождения Рафаэля. Для большинства французских художников эпохи классицизма именно Рафаэль воплощал идеал классической гармонии и ясности, к которому они стремились. Для того чтобы лучше изучить произведения Рафаэля и других живописцев Высокого Возрождения, французские мастера, по традиции, совершали путешествие в Италию. Лесюэр составляет исключение из правила: он никогда не выезжал за пределы Франции и произведения Рафаэля были знакомы ему прежде всего по гравюрам, а также по тем картинам Рафаэля и его школы, которые были представлены во французских собраниях. Однако из всех художников этого поколения, пожалуй, именно Ле-сюэру удалось наиболее глубоко постичь самый дух искусства Рафаэля. Недаром современники называли его «французским Рафаэлем».

Второй художник, оказавший значительное влияние на живопись Лесюэра, — Никола Пуссен.

art-100.ru

commons.wikimedia.org

Искусство Франции XVII века — презентация онлайн

1. Искусство Франции XVII века

2. XVII век — время формирования единого французского государства, французской нации. Во второй половине столетия Франция — самая

могущественная
абсолютистская держава в Западной Европе.
Это и время сложения французской национальной школы в
изобразительном искусстве,
формирования направления классицизм, родиной которого
по праву считается Франция.
Основой теории классицизма был рационализм, предметом
искусства классицизма провозглашалось только прекрасное и
возвышенное, этическим и эстетическим идеалом служила
античность.

3. Идея триумфа централизованного государства находит выражение в монументальных образах архитектуры, которая впервые в невиданном

масштабе решает проблему
архитектурного ансамбля.
Новые художественные особенности французской архитектуры
проявляются
в применении ордерной системы античности,
в целостном построении объемов и композиций зданий,
в утверждении строгой закономерности, порядка и
симметрии,
сочетающихся с тягой к огромным пространственным
решениям, включающим парадные парковые ансамбли.
Первым крупным ансамблем такого типа был
дворец Во ле Виконт, создатели которого —
архитектор Луи Лево (1612—1670) и
садовод-планировщик Андре Ленотр (1613—1700).
Луи Лево Усадьба-дворец Во-ле-Виконт
1658-1661, Мелен
Андре Ленотр.
Парк в усадьбе Во-ле-Виконт
Вершиной развития классицизма во французской архитектуре
XVII в. стал Версальский дворцово-парковый ансамбль —
грандиозная парадная резиденция французских королей,
возведенная недалеко от Парижа.
В его строительстве и украшении принимали участие
многочисленные архитекторы, скульпторы, художники, мастера
прикладного и садово-паркового искусства.
Выстроенный еще в 1620-х годах архитектором Лемерсье как
небольшой охотничий замок Людовика XIII, Версаль
неоднократно достраивался и изменялся.
Идея Версаля как централизованного ансамбля, состоящего из
правильно распланированного города, дворца и регулярного
парка, соединенных дорогами со всей страной, по всей
вероятности, принадлежала Луи Лево и Андре Ленотру.
Строительство дворца завершил Жюль Ардуэн-Мансар (1646—
1708) — он придал дворцу строгий импозантный характер.
Дворцово-парковый ансамбль Версаля. Арх. Л. Лево, Ж. Ардуэн-Мансар, А. Ленотр .
1661—89. Большой дворец
Дворцово-парковый ансамбль Версаля. Арх. Л. Лево, Ж. Ардуэн-Мансар, А. Ленотр .
1661—89. Зеркальная галерея (живописная декорация – Шарль Лебрен)
Дворцово-парковый ансамбль Версаля. Арх. Л. Лево, Ж. Ардуэн-Мансар, А.
Ленотр . 1661—89. Фонтан Аполлона
Дворцово-парковый ансамбль Версаля. Арх. Л. Лево, Ж. Ардуэн-Мансар, А. Ленотр .
1661—89. Партер

10. В живописи и графике первой половины века присутствуют влияния маньеризма, фламандского и итальянского барокко, кавараджизма, а

также реалистического искусства Голландии.

11. Творил практически во всех жанрах: создавал исторические и религиозные композиции, портреты, пейзажи, жанровые сцены, зачастую

Жак Калло (1592/1593—1635) — французский
гравер и рисовальщик, крупный мастер офорта,
работавший в стиле маньеризм. Наиболее яркий и
самобытный художник Франции XVII в.
Творил практически во всех жанрах:
создавал исторические и религиозные композиции,
портреты,
пейзажи,
жанровые сцены,
зачастую прибегая к гротеску и сатире.
Изобретатель техники повторного травления в офорте, которое
позволило ему добиться гибкости и четкости линий, мягкости
тональных переходов..
Два комедианта (Два Панталоне)
1616. Британский музей, Лондон
Вид Сены
1610-е, музей Майер ван дер Берг, Антверпен

14. На творчестве живописцев братьев Ленен, особенно Луи Ленена, прослеживается влияние голландского искусства. Луи Ленен

Луи Ленен (около 1593-1648) — французский
живописец, мастер групповых сцен из жизни
крестьян.
Братья Ленен (Луи, Антуан и Матье) работали в сходной манере.
Более известен Луи, ему приписывают преобладающую часть
картин из крестьянской жизни.
На творчестве живописцев братьев Ленен, особенно Луи
Ленена, прослеживается влияние голландского искусства.
Луи Ленен изображает крестьян без пасторальности, без
сельской экзотики, не впадая в слащавость и умиление,
его герои полны внутреннего достоинства и благородства.
В композиционном построении каждому участнику сцены
отведено свое, строго определенное место. Все они находятся
на одном уровне, подобно героям античных рельефов, отчего
сцена приобретает величественность и торжественность. Это
сближает творчество братьев Ленен с классицизмом.
Семейство молочницы
1641. 51 X 59 см. Эрмитаж, Санкт-Петербург
Крестьянская трапеза
1642. 97 х 122 см. Лувр, Париж

17. Испытал влияние Караваджо и нидерландских караваджистов. Создавал жанровые сцены, а также религиозные композиции, отмеченные

Жорж де Латур (1593—1652) — французский
живописец.
Испытал влияние Караваджо и нидерландских караваджистов.
Создавал жанровые сцены, а также религиозные композиции,
отмеченные лирической созерцательностью,
сдержанным колоритом,
выдержанным в теплых, красновато-коричневых тонах.
Огромное символическое значение в произведениях Латура
имеет свет (обычно это свет свечи или факела), придающий его
композициям оттенок таинственного, неземного.
Художественный язык Латура — предвестие классицизма:
строгость, конструктивная ясность, четкость композиции,
равновесие обобщенных форм, цельность силуэта, статика.
Шулер
1630—40-е гг. Холст, масло. 106 x 146 см Лувр, Париж
Иосиф-плотник
1645. 137 x 101 см Лувр, Париж
Воспитание Богоматери
Ок. 1650 собрание Генри Фрика, Нью-Йорк

20. Большую часть жизни провел в Риме. В своем творчестве отдавал предпочтение античной тематике. Писал поэтические картины на

Никола Пуссен (1594—1665) — французский
живописец и рисовальщик. Крупнейший и наиболее
последовательный представитель классицизма в
искусстве XVII в. .
Большую часть жизни провел в Риме. В своем творчестве
отдавал предпочтение античной тематике.
Писал поэтические картины на мифологические и литературные
сюжеты.
Создавал исторические и религиозные композиции, выбирая
для своих картин сюжеты, в которых проявлялись сильные
характеры и величественные поступки.
Создавал идеальные пейзажи, представляя природу
воплощением совершенства и целесообразности.
В портретном жанре практически не работал, считая его
недостойным внимания (в порядке исключения написал два
автопортрета).

21. Пуссен разработал собственную теорию модусов для живописи, взяв за основу систему музыкальных ладов Аристотеля: — Строгий

«дорийский лад» применялся им для воплощения
темы нравственного подвига и, как писал сам Пуссен, «для
изображения сюжетов важных, строгих и полных мудрости».
— Печальный »лидийский лад» использовался при реализации
темы идиллии, тронутой печалью.
— Нежный «эолийский лад» передавал тему нежности,
мягкости, легкости, «наполнявшую души зрителей радостью».
— Радостный «ионийский лад» воплощал тему безудержного
веселья и бурных эмоции.
— Бурный «фригийский лад» отражал тему драматического
характера, являясь «мощным неистовым, приводящим люден в
изумление».
Автопортрет
1650, 98х74, Лувр, Париж
Царство Флоры
Около 1631—32 Холст, масло. 131 x 182 Картинная галерея, Дрезден

24. Одно из лучших произведений Пуссена на античную тему. Художник собрал здесь персонажей эпоса Овидия «Метаморфозы», которые

после смерти превратились в цветы.
Перед гермой бога природы стоит АЯКС; когда доспехи Ахилла достались не
ему, а Одиссею, он бросился от гнева на свой меч. Там, где на землю
пролилась его кровь, выросла ГВОЗДИКА. (По другой версии вырос
ГИАЦИНТ).
НАРЦИСС любуется на свое отражение в вазе с водой, которую держит нимфа
ЭХО.
За ними КЛИТИЯ, ревнивая возлюбленная АПОЛЛОНА, ставшая
ГЕЛИОТРОПОМ.
Справа, на переднем плане, полулежат КРОКОН И СМИЛА, любовная пара,
превратившиеся в КРОКУС и, обвивающий его ВЬЮНОК.
За ними АДОНИС, любовник ВЕНЕРЫ, смертельно раненный диким кабаном;
из его крови выросли КРАСНЫЕ РОЗЫ.
Позади него, слева, стоит ГИАЦИНТ, любимец Аполлона, которого бог
случайно убил диском. Струящаяся из головы ГИАЦИНТА кровь превращается
в опадающие лепестки чудесных синих цветов гиацинтов.
В верхней части картины бог солнца ГЕЛИОС, правит своей колесницей.
Аркадские пастухи
Около 1650 Холст, масло. 185 x 121 Лувр, Париж

26. Пуссен увлекался учением античных философов-стоиков, призывавших к мужеству и сохранению достоинства перед лицом смерти.

Размышления о смерти занимали важное место в его
творчестве, с ними связан сюжет картины «Аркадские пастухи».
Жители Аркадии, где царят радость и покой, обнаруживают
надгробие с надписью: «И я был в Аркадии». Это сама Смерть
обращается к героям и разрушает их безмятежное настроение,
заставляя задуматься о неизбежных грядущих страданиях. Одна
из женщин кладёт руку на плечо своего соседа, она словно
пытается помочь ему примириться с мыслью о неизбежном
конце. Однако, несмотря на трагическое содержание, художник
повествует о столкновении жизни и смерти спокойно.
Композиция картины проста и логична: персонажи
сгруппированы возле надгробия и связаны движениями рук.
Фигуры написаны с помощью мягкой и выразительной
светотени, они чем-то напоминают античные скульптуры.
Танкред и Эрминия
1630-е гг. Холст, масло. 98,5 x 146,4 Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

28. Танкред и Эрминия — герои поэмы Т. Тассо «Освобожденный Иерусалим», повествующей о первом Крестовом походе. Танкред —

христианский рыцарь — был тяжело ранен во время
штурма Иерусалима.
Эрминия, дочь бывшего царя сарацинов Антиоха, влюбленная в
Танкреда, была приведена на место боя оруженосцем рыцаря
Вафрином.
Обезумевшая от горя девушка с помощью Вафрина снимает с
Танкреда доспехи и, отрезав мечом свои прекрасные волосы,
перевязывает ими раны возлюбленного.
На заднем плане лежит тело убитого врага (египетского
посланника Арганта).
Лето
1660—64 Холст, масло. 118 x 160 Лувр, Париж

30. Лоррен большую часть жизни провел в Риме, вдохновляясь впечатлениями от итальянской природы. Создал своеобразную схему

Клод Лоррен (1600—1682) — французский
живописец, рисовальщик и гравер. Крупнейший
пейзажист эпохи классицизма.
Лоррен большую часть жизни провел в Риме, вдохновляясь
впечатлениями от итальянской природы.
Создал своеобразную схему классицистического пейзажа:
идиллический вид с бесконечной далью и кулисами, роль
которых играли деревья, архитектура, корабли и т.п.
В картинах Лоррена библейские, мифологические или
пасторальные сюжетные мотивы полностью подчинены
изображению прекрасной, величественной природы.
Для Лоррена природа была образцом совершенного
мироздания, в котором царят покой и ясная соразмерность.
Морской порт на закате
1639. Холст, масло, 103х137 см. Лувр, Парих
Пейзаж с жертвоприношением Аполлону
1662, частная коллекция
Пейзаж с танцующими фигурами
1669 Холст, масло. 102 х 134 Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

6.4 Искусство Франции XYIII в. | Искуству.ру

Два течения в французском искусстве 18 века:
1. Официальное (стиль рококо)
2. Бытовое, реалистическое направление

К середине 18 века при Людовике XV барокко истончилось в рококо. В стиле рококо отразился в кризис абсолютизма и дворянской культуры. Это декоротивное, рафинированное искусство, преимущественно камерный стиль с акцентом на отделке интерьеров и декоративно-прикладном искусстве.

Архитектура

В архитектуре рококо ведущая роль принадлежит интерьерам и их декору.
Основным элементом декоротивного украшения рококо является ожурный, растительный орнамент, так называемый рокайль.
Ведущий мастер стиля Ж. Боффран, отель «Субиз».

Живопись рококо

Особое развитие получает бытовой жанр: «талантливые праздненства», «пасторали», реальные сцены современной жизни. Для живописи рококо характерно занимательность сюжета, изысканность форм, утонченность цветового решения.
А. Ватто (1684 — 1721)
Галантные сцены: «Общество в парке», «паломничество на остров Киферу», «Капризница»

Реалистические тенденции творчества: «Вывеска Жерсена».
Глава живописи рококо — Ф. Буше (1703 — 1770).
«Триумф Венеры»

Ж. О. Фрагонар (1732 — 1806)
«Качели»

Реалистическое направление в живописи

Ж. Б. Шарден (1699 — 1779)
Отражение быта и этических идеалов третьего сословия: «Прачка», «Карточный домик», «Молитва перед обедом», «Автопортрет с зелёным козырьком», натюрморты.

В последней четверти 18 века в связи с политическими событиями зародилось новое направление в живописи — революционный классицизм.

«Революционный классицизм» выразил гражданские идеалы буржуазного Просвещения и буржуазно-революционные устремления.
Художником французской революции называют Жака Луи Давида (1748 — 1825). Его предельно лаконичный и драматичный художественный язык с равным успехом служил пропаганде идеалов Французской революции («Смерть Марата») и Первой империи («Посвящение императора Наполеона I»).

Клятва Горациев. 1784.

стиль Людовика XIV | Britannica

Стиль Людовика XIV , изобразительное искусство, созданное во Франции во время правления Людовика XIV (1638–1715). Самым влиятельным человеком во французской живописи того периода был Николя Пуссен. Хотя сам Пуссен большую часть своей взрослой жизни прожил в Италии, его парижские друзья заказывали работы, благодаря которым его классицизм стал известен французским художникам. В 1648 году художник Шарль Лебрен с помощью короля основал Королевскую академию живописи и скульптуры — организацию, которая до такой степени диктовала стиль, что фактически контролировала состояния всех французских художников до конца своего правления.Французская скульптура достигла нового зенита в это время после посредственности первой половины века. Франсуа Жирардон был фаворитом короля и создал несколько его портретных скульптур, а также гробницу кардинала де Ришелье. Антуан Койсевокс также получил королевские заказы, в том числе гробницу кардинала Мазарини, в то время как Пьер Пюже, чьи работы проявили сильное влияние итальянского барокко, не пользовался большим успехом при дворе.

На фабрике Gobelins, основанной Людовиком для производства meubles de luxe и мебели для королевских дворцов и общественных зданий, развился национальный декоративный стиль, который вскоре распространился на соседние страны.Мебель, например, была облицована панцирем черепах или иностранным деревом, инкрустирована медью, оловом и слоновой костью или полностью позолочена; тяжелые оправы из позолоченной бронзы защищали углы и другие детали от трения и грубого обращения и служили дополнительным украшением. Имя Андре-Шарля Буля особенно ассоциируется с этим стилем оформления мебели. Общие декоративные мотивы этого периода включают ракушки, сатиры, херувимы, фестоны и гирлянды, мифологические сюжеты, картуши (орнаментальные рамки), лиственные свитки и дельфинов.

Британская викторина

Лучшая викторина по искусству

От символизма до скульптуры — эта викторина познакомит вас с вашей художественной стороной.

Способность короля формировать сильный «национальный» стиль особенно ярко проявлялась в области архитектуры. 1665 год стал решающим для истории французского искусства, поскольку именно в этом году Джан Лоренцо Бернини прибыл в Париж, чтобы спроектировать новый фасад Лувра.Однако было решено, что стиль итальянского барокко несовместим с французским темпераментом, и Лувр был построен в соответствии с новыми принципами французского классицизма.

Лувр был проектом министра Луи Кольбера; Король интересовался Верейлом, где в 1660-х годах он начал реконструкцию старинного охотничьего домика, и построенный в результате дворец поразил мир. Никогда прежде ни один человек не пытался создать архитектурный план в таком большом масштабе. В результате получился шедевр формального величия, и, поскольку все искусства находились под жестким контролем государства, каждый элемент в Версале контролировался и проектировался так, чтобы соответствовать целому.Версаль, хотя французы обычно считают его классическим, можно считать окончательной композицией барокко, в которой движение всегда присутствует, но всегда содержится.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Не менее важным элементом Версаля был ландшафтный дизайн. Андре Ленотр, величайший художник в истории европейской ландшафтной архитектуры, работал с королем, создавая пейзажи, фонтаны и многие другие мероприятия на открытом воздухе.Версаль оказал огромное влияние на остальную Европу, как в художественном, так и в психологическом плане, но весь комплекс был настолько большим, что даже чрезвычайно долгая жизнь Людовика XIV не длилась достаточно лет, чтобы его завершить.

От барокко до шика: как Франция стала королем высокого стиля | Искусство и дизайн

После эпохи Возрождения и до диктаторов пролегает длинный отрезок европейской истории, не затронутый национальной учебной программой. Исследование рынка, проведенное Музеем Виктории и Альберта, показало, что большинство людей мало знают об этом периоде, его личностях и даже событиях, за исключением Французской революции.

Тем не менее, XVI, XVII и XVIII века вряд ли прошли в Европе без событий. Континент пережил головокружительное кровопролитие, Реформацию и Контрреформацию, религиозные войны, инквизиции, помешательство на ведьмах, чуму и голод, расцвет и падение династий, материализацию национальных государств, взрыв мировой торговли, колониализм, научную революцию, Просвещение, появление производственных мощностей, установление цикла моды и расцвет потребительских обществ.А Европа не была монолитным образованием. Он простирался от Ирландии до Урала, от Исландии до Азорских островов, от Шотландии до османских земель.

Мне приятно не думать о золоте в моей казне, а потратить его

Мадам де Помпадур

Недавно обновленные галереи V&A Европа 1600-1815 стремятся уловить аромат этого разнообразия и изменений в более чем тысячи высотах. -конструировать объекты. К тому времени, когда посетители покинут музей, как обещает ведущий куратор Лесли Миллер, они «встретят изображения мадам де Монтеспан, мадам де Помпадур, Марии Антуанетты, Петра Великого и Жан-Поля Марата, работы художников и дизайнеров. в Дрездене, Лиссабоне, Париже, Риме и Санкт-Петербурге — основные стили той эпохи и крупные конфликты, изменившие конфигурацию Европы.”

Интеллектуальный план преследует три цели. Во-первых, чтобы продемонстрировать рост Франции как международного лидера в сфере предметов роскоши. Во-вторых, раскрыть корни узнаваемого современного образа жизни, от сезонной моды и сравнительной демократизации роскоши до идеалов домашнего комфорта и интимности, структуры блюд и новых ритуалов, таких как употребление чая, кофе и шоколада. И, в-третьих, выявить степень, в которой Европа была переплетена с остальным миром, систематически эксплуатируя ресурсы с колонизированных континентов, а также замыслы далеких империй.

Всеобъемлющее повествование — это упадок Италии как ведущего производителя предметов роскоши и подъем и господство Франции как европейской сверхдержавы и лидера моды. Французское превосходство в изысканной мануфактуре 17 и 18 веков неоспоримо, поэтому аргументы галереи не вызывают сомнений; По счастливой случайности большая часть европейской коллекции V&A — французская. Фонды музея отражают крупное пожертвование викторианского коллекционера Джона Джонса (который заработал свои деньги портным на Крымской войне), а также исторические приоритеты приобретения.Французская мебель особенно ценилась знатоками XIX — начала XX веков.

‘La Nature’ Луи-Симона Буазо, 1794

Посетители также могут сбиться с пути повествования и задержаться в иммерсивных галереях, в кабинете диковинок, на венецианском маскараде, в спокойной деревянной конструкции, напоминающей о Просвещении, или послушать отрывки из мемуаров Казановы или Золушка Шарля Перро.

Начиная с чистого листа, можно сопоставить историю культуры и дизайна Европы с большим количеством испанских, португальских, бельгийских, голландских, шведских, русских, османских и британских товаров, а также включить азиатский импорт, научные инструменты и природные диковинки, а также предметы роскоши.Однако смысл существования основных галерей Виктории и Альберта состоит в том, чтобы продемонстрировать авуары, а не ссуды, и музей не занимается копированием того, что можно увидеть в другом месте — через дорогу в Музее науки и Музее естественной истории или в других выставках Виктории и Альберта, таких как британские или южноазиатские галереи.

Историки искусства могут поспорить с использованием стилистических терминов, которые не использовались в то время, таких как барокко, рококо и неоклассика, но они являются жизненно важными строительными блоками для непосвященных.Дизайн галерей нацелен на то, чтобы сориентировать посетителя, поэтому наша прогулка открывается роскошным фиолетовым залом с католической Италией и барокко, затем переходят в синий бурбонский цвет для французского превосходства, более светлый яблочно-зеленый для игривого рококо и более прохладный серый для классическое возрождение.

Лидерство в моде и господство над территорией не обязательно идут рука об руку. Хотя в 1600 году Рим контрреформации, возможно, был лидером вкуса, именно Испания, Франция и Исламская Османская империя боролись за европейское господство.Испания была первой мировой сверхдержавой, но в 17 веке ее европейские территории были истощены голландским восстанием (1568-1648) и тридцатилетней войной (1618-48), когда ее некогда непобедимые армии были разбиты голландскими и шведскими военными методами. и его казна истощена из-за сокращения доходов от южноамериканских шахт. Севилья проиграла шумным портам и торговым флотам севера. Амстердам вытеснил Антверпен как глобальный перевалочный пункт Европы. Британия захватила контроль над волнами у голландцев в 18 веке, но в 17 веке появилась одна доминирующая военная, экономическая и культурная держава: Франция.

Картина маслом Марии-Антуанетты Франсуа Юбера Друэ (1773)

С начала 1660-х годов Людовик XIV мобилизовал огромные резервы богатства и людей Франции — с 12 миллионами человек Франция была самым густонаселенным государством в Европе; У Англии было всего 5 миллионов — за счет большой и сверхэффективной армии и программы территориального расширения, вдохновленной самоуверенным и агрессивным римским католицизмом. Абсолютная монархия, воплощенная Королем-Солнцем, считалась самой современной формой правления и образцом на всем континенте.Как позднее заметил Фридрих Великий из Пруссии о европейской королевской семье: «Нет ни одного из них, вплоть до младшего сына … который не прихорашивался бы некоторым сходством с Людовиком XIV: он строит свой Версаль; у него есть любовницы; он поддерживает свои постоянные армии ». Габсбурги построили дворец Шенбрунн, Фридрих — его Сан-Суси, а Екатерина Великая — ее летний дворец, Царское Село.

Величие Луи было основано на меркантилистской экономической политике и целенаправленной кампании по созданию конкурентоспособных производств.«Торговые компании — это армии короля, — хвастался его главный министр Жан-Батист Кольбер, — а мануфактура Франции — его резерв». Государственные инициативы, освобождение крупных торговцев тканями от правил гильдии и несколько сотен мануфактур Ройалес сделали Париж столицей европейского производства предметов роскоши. Обладая огромной вместимостью для придворных, Версаль был отличной витриной французского внутреннего убранства, изобразительного искусства, ландшафта, дизайна, одежды, манер и манер, которые установили эталон для других европейских дворов и богатой элиты.«Сегодня мы хотим, чтобы все было по-французски. Французская одежда, французская посуда, французская мебель », — писал немецкий юрист и философ Кристиан Томазиус в 1683 году.

Правление Короля-Солнца было апогеем« французского века », но на рубеже 18 века солнце уже зашло. потомок. Французская военная машина была изношена в серии войн объединенными финансами Амстердама и Лондона, превосходством британского и голландского флотов и изнуряющими армиями протестантских немецких князей.Между тем, начали сказываться растущие производственные мощности и коммерческий охват Les Rosbifs .

Париж считался центром красок, пудры и шелка, но он задавал тенденции во всей Европе.

Тем не менее, художественное превосходство, установленное Людовиком XIV, сохранилось. «Французское стекло приобрело великолепие и красоту, которые никогда не были превзойдены в другом месте, — отмечал Вольтер, -… ковры Турции и Персии были превосходны в Савоннери. Гобелены Фландрии уступили гобеленам Les Gobelins.«Париж оставался бесспорным эпицентром европейской моды. И мода нетривиальна. «Мода для Франции — это то же самое, что золотые прииски Перу для Испании», — считал суровый Кольбер.

Несмотря на то, что на протяжении XVIII века они почти постоянно находились в состоянии войны с Францией, британцы все еще вздыхали после изощренных изощрений врага. Париж, возможно, считался центром притворства, изнеженности и тщеславия — «или краски, заплаток, пудры, шелка, бриллиантов и флирта», как заметил в 1763 году фабрикант Мэтью Бултон в Тюильри, — но французская торговля предметами роскоши все еще существовала. тенденции для всех других европейских народов, протестантских, католических и православных.

Яркое потребление и яркий вкус оставались показателями благородства на всем континенте. «Мне нравится не созерцать золото в моей казне, а тратить его», — восклицала королевская хозяйка мадам де Помпадур в 1748 году. Особенно роскошным примером явной роскоши является столовый фонтан из мейсенского фарфора, принадлежащий графу Брюлю, назначенному премьер-министром Саксонии. в 1746 году. Он заливал розовой водой, ошеломив британского посла: «Я подумал, что это самое чудесное, что я когда-либо видел.Мне показалось, что я либо в саду, либо в опере ».

Камин, сделанный на Российском Императорском оружейном заводе, Тула, c1805

Тем не менее, Франция — это не Европа. Дальше о традициях местного дизайна свидетельствуют великолепные предметы в галереях. Один из самых великолепных на самом деле сделан из недрагоценных металлов — мерцающий камин, созданный в Туле в России из шведской стали. Продолжающийся художественный охват католической церкви, особенно в ее глобальном облике, распространенном иезуитами, отражен в резьбе из слоновой кости Христа как Доброго Пастыря из Гоа.Протестантская Европа несколько затоплена блеском, хотя скромно красивый льняной шкаф гудит от гордости голландской домашней прислуги, а скандинавская и немецкая резьба по дереву свидетельствует о народных ремесленных традициях.

Европейская экспроприация мировых ресурсов подразумевается в материалах, из которых изготавливались предметы роскоши — тропическом тюльпановом дереве и красном дереве, мексиканском серебре, а также слоновой кости, перламутре и панцире черепахи из Африки и Азии. Здесь и там освещается атлантическая работорговля.Роль африканских детей как «человеческой роскоши» очевидна в династических портретах, а в высшей степени самодовольное украшение из севрского фарфора 1794 года увековечивает память о кампаниях против рабства: «La Nature» — европейская женщина с шестью грудями кормит двух младенцев, одного европейца. , другой африканец.

Мужское чванство на первом плане, процветающее звание, удовольствие от технических новшеств в войне и оружии, а также в превосходном личном убранстве. Женщины выглядят как домохозяйки, хозяйки, королевы и части собственности, как розничные торговцы, потребители и, в меньшей степени, ремесленницы, хотя я заметил один престижный объект, созданный женщиной-мастером — голландский натюрморт с цветочными брызгами Рэйчел Рюйш, Цветочная живопись была одним из немногих, не угрожающих жанрам, в которых женщины-художницы были умеренно поощрены.

В конечном итоге искусство и дизайн по-прежнему следовали за деньгами и властью. Один затаивший дыхание мастер сказал Наполеону Бонапарту в 1804 году: «Уже в пути художники только ждут приказа от своего государя выступить и служить ему в качестве эскорта на пути к славе и передать его славу грядущим векам». Галерея заканчивается, когда французские имперские амбиции встретили свое Ватерлоо.

Аманда Викери — профессор современной истории в Лондонском университете королевы Марии. Галереи Европы 1600-1815 открываются 9 декабря в лондонском V&A, SW7.vam.ac.uk.

Французская живопись в стиле барокко

Французская живопись в стиле барокко Art Web | Арт Главная | Художественные курсы | Арт 110 | АРТ 110 Назначения | Вперед | Назад | Контакт АРТ 110 ЖИВОПИСЬ ФРАНЦУЗСКОГО БАРОККО: ЖОРЖ ДЕ ЛА ТУР И НИКОЛАЙ ПОУСИН СПИСОК СЛАЙДОВ 17

Жорж де ла Тур (1593-1652) Сен-Себастьян Траур св.Ирэн, гр. 1630	Караваджо, Погребение, ок. 1604.
la Tour, Христос в столярной мастерской с Джозеф, ок. 1645.	Ла Тур, Воспитание Богородицы, ок. 1640.
Николай Пуссен (1593 / 94-1665), Мученичество Св.Эразм, 1628.	Пуссен, Святое Семейство на ступеньках, 1648.
Рафаэль, Мадонна с Младенцем и Святой Иоанн Крестителя, 1506.
Рафаэль, Афинская школа, 1510-11.
Пуссен, Изнасилование сабинянок, ок.1636-37.	Рубенс, Изнасилование сабинянок. вероятно 1635-1640
	Лаокоон и его сыновья, греки, эллинисты, 1 в. ДО Н.Э.
Пуссен, Пейзаж с похоронами Фокион, 1638.	Рубенс, Le Chateau de Steen, c.1636.
	Пейзаж с похоронами Фокиона.

Версаль

QTVR Панорама садовой части Версаля, 1669-85.

Версаль: строительство, начатое Луи Ле Вау и продолженное Жюлем Ардуэном-Мансаром. Сады, спроектированные Андре Ленотром.

Вопросы для обзора

Пуссен, Святое Семейство на ступеньках, 1648 год.	Рафаэль, Афинская школа, 1510-11.

Пуссен считается главным представителем классицизма. в семнадцатом веке. Определите принципы классицизма на основе этого сравнения.

Пуссен, Пейзаж с похоронами Phocion, 1648.	Рубенс, Le Chateau de Steen, c.1636.

Говорят, что работы Пуссена обращаются к разуму. и рассудок, в то время как произведения Рубенса апеллируют к чувствам и интуиция. Обсудите это различие в связи с этим сравнением. Определите их различное отношение к природе.

Art Web | Арт Главная | Художественные курсы | Арт 110 | АРТ 110 Назначения | Вперед | Назад | Контакт

Искусство барокко и абсолютизм во Франции и Испании — Искусство 109 От Возрождения до Модерна

Консолидация крупных и могущественных национальных государств в Европе в 17 веке привела к возвышению Абсолютной монархии, где могущественные монархи требовали абсолютной власти, исходящей непосредственно от бога.Поскольку светская власть сменила центральное положение, которое когда-то занимала церковь, европейские монархи полагались на художников, чтобы продвигать свой авторитет. Создание «ауры» Абсолютной монархии в значительной степени зависело от костюмов и постановки, а яркий стиль барокко хорошо подходил для изображения монархов, претендовавших на божественное право на власть.

Питер Пауль Рубенс, Прибытие Марии Медичи в Марсель, 1622-25

Эта картина входит в серию из 24 картин Рубенса, выполненных для Марии Медичи, королевы Франции.В этой сцене будущая королева прибывает на корабль с гербом Медичи. Ангелы трубят о ее прибытии, в то время как ее приветствует аллегорическая фигура Франции (обратите внимание на французский fleur-de-lis на ее плаще). Повсюду развевающаяся драпировка, создающая драматизм и волнение, как если бы ее прибытие было действительно чудом, посланным Богом! Внизу речные боги и нимфы корчатся от волнения. Рубенс использовал все свое мастерство, чтобы простая смертная женщина казалась живой богиней!

Рубенс, Презентация портрета Марии Медичи (Ханская академия)
https: // www.khanacademy.org/humanities/monarchy-enlightenment/baroque-art1/flanders-1/v/rubens-marie

Прибытие (или высадка) Рубенсом Марии Медичи в Марселе (Ханская академия)
https://www.khanacademy.org/humanities/monarchy-enlightenment/baroque-art1/flanders-1/v/rubens-arrival -или-высадка-мари-де-медичи-в-марселе-1621-25

Искусство барокко: Испания (1600-е / 17 ^-е век)

Диего Веласкес, Филипп IV, 1623–1627
Музей Метрополитен

Диего Веласкес был придворным художником испанского короля Филиппа IV.Работа Веласкеса заключалась в том, чтобы наделить королевскую семью торжественным величием и достоинством, присущими Абсолютному монарху — но это была нелегкая задача, учитывая материал, с которым ему приходилось работать! На этом портрете Филиппа IV изображена знаменитая «губа Габсбургов» — физическое уродство, возникшее в результате многолетнего инбридинга. Но работа художника заключалась в том, чтобы монарх казался величественным и достойным — живым воплощением абсолютизма.

Просто для удовольствия!
Посмотрите это видео от Improv Everywhere о двойнике Филиппа IV, который появился в Метрополитен-музее, чтобы раздавать автографы !!!!!!

Король Филипп IV (Improv Everywhere)
https: // www.youtube.com/watch?v=TvBbVA36y1U

Веласкес, Лас Менинас, 1656
Прадо

Самая известная картина Веласкеса Лас Менинас . Он уникален как королевский портрет, потому что ему не хватает помпезности и помпезности, характерных для той эпохи; это больше похоже на снимок повседневной жизни при дворе. Слева художник работает над большим холстом, размер которого примерно равен размеру картины, на которую мы смотрим. На переднем плане — La Infanta , которую сопровождают ее горничные ( менин названия).Их сопровождают семейный гном, собака и другие члены королевского двора. Все взгляды, кажется, обращены на нас, когда мы входим в комнату — но «нам» никогда не разрешили бы такую ​​интимную компанию с королевской семьей (представьте себе визит к Мишель Обаме и ее дочерям!). Но картина не была написана для широкой публики; вместо этого он был написан для Короля и Королевы, которых мы видим отражением в зеркале на задней стене. Возможно, это объясняет, почему все так внимательны!

Это длинное видео из Национальной галереи; но рекомендую посмотреть первые 2 минуты:

Диего Веласкес (Национальная галерея)
https: // www.youtube.com/watch?v=USIq6Yqw_nE

Статус художника
Во многом эта картина свидетельствует о повышении статуса художника. Веласкес показывает себя как часть внутреннего круга королевской семьи с желанным символом статуса на груди — эмблемой Ордена Сантьяго, что означает его рыцарское звание. Король удостоил его этой чести вскоре после завершения росписи, поэтому знак отличия был добавлен позже. По легенде, расписал его сам король.

Техника Веласкеса
Живописная техника Веласкеса уникальна; он не обрисовывал каждую мелочь, как это делали Караваджо или фламандские художники. Вместо этого он рисовал свободной техникой «капля и мазок», которая вызывает ускользающие эффекты света и способствует спонтанному качеству изображения. Как мы увидим, эта техника повлияет на импрессионистов 19 века.

Las Meninas Веласкеса, Smarthistory

Искусство барокко: Франция (1600-е / 17 ^-е век)

Гиацинт Риго, Людовик XIV, 1701

Самым могущественным монархом в Европе 17 ^-го годов был французский Людовик XIV, который принял титул «Король-солнце», чтобы символизировать его статус центра вселенной.На этом портрете стареющего короля Риго усиливает рост короля, окружая его вздымающейся драпировкой и «облагораживающей» архитектурой, а его поза предполагает высокомерное превосходство, когда он смотрит на зрителя:

«Прежде всего, изображение Короля-Солнца, созданное Риго, было задумано как выражение абсолютной власти, достигнутой посредством прославления монархии. Портрет представляет собой пышный и пышный портрет, на котором французский король окружен церемониальными предметами правления.В то же время небрежное обращение с этими предметами придает изображению неформальный вид, который не только предполагает джентльменское поведение короля, но также подразумевает врожденную его авторитетность ».
Людовик XIV, Искусство сквозь время: взгляд со всего мира (Annenberg Learner)

Щелкните здесь для более подробного анализа изображения: http://www.learner.org/courses/globalart/work/12/index.html

Versailles
Одним из величайших проектов Людовика XIV было превращение старого охотничьего домика в Версале в роскошный дворец, достойный его статуса.Основная функция дворца заключалась в том, чтобы держать аристократию под своим контролем (здесь проживало около 3000 человек) и развлекать их. Людовик XIV был центром дизайна, так же как солнце является центром вселенной: три дороги, ведущие ко дворцу, пересекаются в спальне Людовика XIV, и спальня была выровнена с утренним солнцем — поэтому, когда солнце вставало в утро король солнца тоже сделал свое утро дамба !

Французская слава: Версальский дворец и парк (ЮНЕСКО / NHK)

Galerie des Glace (Зеркальный зал), Версальский дворец, ок.1680

Самым красивым залом дворца была Galerie des Glaces — длинный коридор с окнами вдоль одной стены и дорогими венецианскими зеркалами вдоль другой. Он был украшен хрустальными люстрами и мебелью из серебра и золота. Роскошная и грандиозная, Galerie de Glaces предоставила подходящие условия для постановки Absolute Power.

Посмотреть в 3D: http://www.panoramas.dk/fullscreen7/f30-versailles.html

Не менее впечатляющими были сады, спроектированные Андре Ле Нотром.Любой, у кого есть задний двор, знает, что природа имеет обыкновение разгуляться с растениями, деревьями и сорняками, распространяющимися повсюду, но это было неприемлемо для такого помешанного на контроле, как Людовик XIV. Сады Le Notre превратили природу в безупречно ухоженные узоры, символизирующие мастерство короля в беспорядке природы.

Версаль, от Людовика XIII до Французской революции

Версаль, от садов до дворцов Трианона

Эта работа находится под лицензией Creative Commons Attribution-NonCommercial 3.0 Непортированная лицензия.

Нравится:

Нравится Загрузка …

Архитектура французского барокко: характеристики и примеры

Характеристики французской архитектуры барокко

Как и большинство художественных и архитектурных движений в истории, барокко было напрямую связано с социальным и экономическим контекстом того времени. В течение XVII и XVIII веков во Франции абсолютистская монархия достигла своего апогея. Царь видел себя центром вселенной, правителем, назначенным Богом, и вся власть находилась в его руках; это было особенно верно во время правления Людовика XIV.Король имел полную власть решать, что делать с деньгами государства, поэтому ни один проект не был слишком дорогим или амбициозным для сдачи в эксплуатацию. Таким образом, церковь перестала быть главным объектом; это была светская архитектура , ориентированная на жилища короля и его двора.

Идея каждого нового дворца заключалась в том, чтобы подчеркнуть могущество монарха, поэтому здания были очень роскошными. Архитекторы спроектировали каждую комнату как можно более выдающейся, каждый уголок был заполнен картинами, скульптурами и архитектурными орнаментами.Архитектура барокко была задумана так, чтобы произвести на посетителей ошеломляющее впечатление. то, что мы обычно называем в архитектуре «вау-лицом», и спустя более 300 лет этот эффект все еще сохраняется. Это была архитектура великолепия, мощи и богатства.

С точки зрения того, как строились здания, есть некоторые общие характеристики, которые мы видим во французских постройках в стиле барокко. Симметрия продолжает оставаться правилом для всех композиций, с общим расположением трех крыльев, в котором больше иерархии отводится тому, что находится посередине, а второстепенная роль — тем, которые находятся на каждой стороне.

В композиции экстерьеров очень четко видно использование классических порядков . Фасады очень ритмичные, часто используются колонны, иногда просто в качестве украшения. Здания имеют четко определенный базовый уровень, благородный этаж и более приватный верхний этаж. Много окон, позволяющих не только обеспечить естественное освещение в интерьере, но и усилить ритмичность фасада. Изогнутые линии используются как в экстерьере, так и в интерьере, чтобы придать ощущение движения, динамизма и создать интересные перспективы.

Именно во внутренних помещениях мы видим множество произведений искусства. Внутреннее убранство было очень декоративным, с множеством архитектурных элементов, таких как лепные украшения на стенах и потолках, резьба по дереву, латунные аппликации и зеркала. Эти галереи также были местом, где другие художники создавали многочисленные произведения, такие как фрески на стенах и потолках, скульптуры и гобелены, свисающие со стен. Мебель и внутреннее убранство стали ключевыми элементами архитектурной композиции.

Проработанные интерьеры Версальского дворца

Наконец, ландшафтная архитектура становится важной частью, поскольку здание активно взаимодействует с окружающей средой.Ухоженные сады открывают живописный вид и делают местность еще более великолепной. Это еще одно проявление власти, показывающее членам двора и посетителям, что король владел землей настолько, насколько мог видеть глаз, и что он имел власть преобразовывать ее и контролировать ее.

Сады Версальского дворца

Основные образцы французской архитектуры барокко

Дворец Во-ле-Виконт (1661)

Внешний фасад дворца Во-ле-Виконт

Этот дворец ясно показывает использование классических порядков в экстерьере и важность, придаваемую садам.Эти два элемента стали правилом для архитектуры французского барокко. Это здание дало имя французскому архитектору Луи Ле Вау, и его можно считать предшественником Версаля, когда Людовик XIV назвал Ле Вау королевским архитектором.

Дом инвалидов (1676)

Церковь Дома Инвалидов, Париж

Это одно из самых ритмичных и динамичных произведений французского архитектора Жюля Ардуэна Мансара.Здание имеет четко выраженную планировку греческого креста с четырьмя круглыми часовнями, в которые можно попасть только через отверстия, выходящие на концы креста. Наибольшая иерархия отдана центральному пространству. Внешний фасад также подчеркивает центральное пространство, выделяя вход в здание.

Версальский дворец (1703)

Садовый фасад Версальского дворца

Как только Людовик XIV взошел на престол, он принял этот дворец как символ французской монархии.Первоначально это был небольшой замок, но король приказал преобразовать его сначала в место для проведения своих вечеринок, затем в свое жилище и, наконец, в столицу Франции. Ле Вау начал ремонт, а Мансар завершил его после смерти первого архитектора. Дворец имеет огромную пристройку с сотнями комнат и построен на участке площадью почти 2000 акров. Здание имеет четкое основание, благородный пол и венец. Экстерьер очень сдержанный, пышный и гармоничный. Интерьеры богато декорированы, в каждой комнате представлены прекрасные произведения искусства, в том числе в знаменитом зеркальном зале.Версаль — одно из лучших воплощений французской архитектуры барокко.

Зеркальный зал Версальского дворца

Краткое содержание урока

Архитектура барокко развивалась во Франции в течение XVII и начала XVIII веков, и наиболее значимые образцы были построены в конце XVII века, во время правления Людовика XIV. Среди основных характеристик мы находим, что это была светская архитектура, сосредоточенная в основном на дворцах.Здания были спроектированы так, чтобы демонстрировать мощь, поэтому они были очень величественными и роскошными. Архитектурная планировка продолжает оставаться симметричной, широко используются классические порядки, а изогнутые линии добавляют конструкциям ощущение движения. Хотя экстерьеры были сдержанными, интерьеры были сильно украшены множеством скульптур, картин, гобеленов и орнаментов, таких как лепнина, резьба по дереву и латунные аппликации. Через большие окна проникало много естественного света, а из окон открывался вид на окружающие сады.Лучшими образцами архитектуры французского барокко являются дворец Vaux-Le-Vicomte , церковь Дома инвалидов и Версальский дворец .

В чем был архитектурный смысл Версаля во Франции? — MVOrganizing

Каков архитектурный смысл Версаля во Франции?

До того, как стать резиденцией королей Людовика XIV, Людовика XV и Людовика XVI, Версаль был охотничьим павильоном, построенным по приказу Людовика XIII Николя Уау.Также был построен замок с французским садом, где королевский двор проводил время.

Какое влияние Версаль оказал на архитектуру?

Какое влияние Версаль оказал на архитектуру? Это было определяющее утверждение, безусловно, французской архитектуры 17 века. Это было визуальное подтверждение силы и амбиций Людовика XIV. Версаль оказал влияние на последующие поколения аристократов как во Франции, так и по всей Европе.

Кто был главным архитектором Версаля?

Ле Вау

Что делает Версальский дворец архитектурой барокко?

Версальский дворец выполнен в стиле французского барокко, отличающимся большими изогнутыми формами, витыми колоннами, высокими куполами и сложными формами.Архитектором дворца был Луи Ле Вау, декоратором интерьера — Шарль Ле Брун, ландшафтным дизайнером — Андре Ле Нотр.

В каком стиле архитектуры Версальский дворец?

Архитектура французского барокко

Что было характерно для искусства барокко?

Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Какая религия положила начало движению барокко?

Католическая церковь

Почему это называется барокко?

Слово «барокко» происходит от португальского слова barroco, означающего деформированную жемчужину, что является отрицательным описанием богато украшенной и богато украшенной музыки этого периода. Позже это название стало применяться и к архитектуре того же периода.

Каковы пять основных характеристик искусства барокко?

Каковы пять основных характеристик искусства барокко? Движение, Пространство, Время, Драматическое использование света и страстная театральность.

Когда был период барокко в искусстве?

Барокко (Великобритания: / bəˈrɒk /, США: / bəˈroʊk /; французский: [baʁɔk]) — стиль архитектуры, музыки, танца, живописи, скульптуры и других видов искусства, который процветал в Европе с начала 17 века до 1740-х годов. .

Какие элементы архитектуры барокко?

Другие характерные качества включают величие, драматизм и контраст (особенно в освещении), округлость и часто головокружительный набор богатых обработок поверхностей, скручивающих элементов и позолоченных скульптур.Архитекторы беззастенчиво применили яркие цвета и иллюзорно-ярко раскрашенные потолки.

Что такое барокко?

Барокко произошло в английском языке от французского слова, означающего «неправильной формы». Сначала это слово во французском языке использовалось в основном для обозначения жемчуга. В конце концов, это привело к описанию экстравагантного стиля искусства, характеризующегося изогнутыми линиями, позолотой и золотом.

Как еще называют барокко?

Синонимы барокко — WordHippo Thesaurus… .Что другое слово для обозначения барокко?

эффектный	сложные
показное	богато украшенный
декорирован	фантазия
рококо	яркий
флорид	орнамент

Какого цвета барокко?

В период барокко художники любили использовать богатые и яркие цвета для своей цветовой палитры.Художники использовали в живописи Караваджо в основном темно-красный, зеленый и синий, а также глубокие и светлые землистые тона. Богатый цвет использовался, чтобы показать текстуру и поверхность объекта, например, золото, шелк и бархат.

Чем известна архитектура барокко?

Архитектура барокко — очень декоративный и театральный стиль, возникший в Италии в начале 17 века и постепенно распространившийся по Европе. Архитекторы в стиле барокко взяли основные элементы архитектуры эпохи Возрождения, включая купола и колоннады, и сделали их выше, грандиознее, более украшенными и драматичными.

Чего стремилась достичь архитектура барокко?

Таким образом, архитектура барокко — это театральный стиль строительства, зародившийся в Италии в 17 веке. Структуры в стиле барокко были преимущественно церквями, особняками и дворцами и предназначались для демонстрации богатства, власти и стремления к красоте.

Как вы определяете архитектуру барокко?

Обычно дом в стиле барокко можно узнать по центральному пролету фасада, где находится дверь или ворота.Дизайн этого пролета обычно более сложен, чем остальная часть фасада. Многие дома, монастыри и богадельни Антверпена тогда и сейчас имеют такой типичный поразительный вход.

Какой образец архитектуры барокко?

Одними из лучших примеров архитектуры барокко в Вене являются церковь Св. Карла, дворец Шенбрунн, дворец Бельведер, Старая венская ратуша, Императорские конюшни и многие другие. Его спроектировал австрийский архитектор Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах.

Кто принес стиль барокко на Филиппины?

Испанский

Что такое архитектура английского барокко?

Английское барокко — термин, который иногда используется для обозначения форм английской архитектуры, которая шла параллельно с архитектурой барокко в континентальной Европе в период между Великим лондонским пожаром (1666 г.) и грузинской эпохой, когда яркие и драматические качества искусства барокко постепенно были заменены чище, более…

Какого цвета барокко?

Какие цвета были популярны в эпоху Возрождения?

В цветовой палитре эпохи Возрождения также присутствовал реальгар, а среди голубых — азурит, ультрамарин и индиго.Зелень представляла собой зеленый цвет, зеленую землю и малахит; желтые были желтыми неаполитанскими, орпиментными и свинцово-оловянными. Коричневые цвета эпохи Возрождения получали из умбры.

Какого цвета рококо?

Цветовая гамма рококо характеризуется лазурно-синим, нежно-розовым, белым, слоновой кости, кремом и золотом, и все они дополняют друг друга, будучи мягкими, воздушными и женственными.

Что такое фотография в стиле барокко?

Искусство барокко отличается богатством, драматизмом, глубоким цветом и интенсивной игрой светлых и темных теней.Как вы понимаете, свет сыграл особенно важную роль в сериале Собральски, поскольку она стремилась преодолеть разрыв между живописью и фотографией.

Какой самый популярный предмет в стиле барокко?

Хотя тематика и даже стиль могут варьироваться между картинами в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта: драма. В работах таких известных художников, как Караваджо и Рембрандт, интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.

Кто был первым художником эпохи барокко?

Караваджо (1571–1610), родившийся и обучавшийся в Милане, является одним из самых оригинальных и влиятельных авторов европейской живописи конца 16 — начала 17 веков. Он был известен тем, что рисовал фигуры, даже на классические или религиозные темы, в современной одежде или как обычные мужчины и женщины.

Что вы можете сказать о знаменитых художниках эпохи барокко?

Ответ: Искусство барокко должно было вызывать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения.Среди величайших художников периода барокко — Веласкес, Караваджо, Рембрандт, Рубенс, Пуссен и Вермеер.

Почему Римско-католическая церковь поощряет стиль барокко?

Стиль барокко процветал благодаря покровительству Римско-католической церкви. В стиле барокко наряду с музыкой и поэзией использовались живопись, скульптура, архитектура и декоративное искусство, которые обращались ко всем чувствам. …

Кто наиболее влиятельные художники в период барокко?

Самые знаковые художники барокко, от Караваджо до Рембрандта

• Диего Веласкес.Автопортрет, ок.
• Джан Лоренцо Бернини.
• Микеланджело Меризи да Караваджо.
• Артемизия Джентилески.
• Хосе де Рибера (Jusepe de Ribera, lo Spagnoletto)
• Диего Веласкес.
• Питер Пауль Рубенс.
• Николя Пуссен.

Кто был первым итальянским художником эпохи барокко?

Микеланджело Меризи да Караваджо

Список художников французского барокко

Заинтересованы в списке художников французского барокко? На этой странице мы собрали для вас ссылки, по которым вы получите самую необходимую информацию о Списке художников французского барокко.

Художники французского барокко — Художественная энциклопедия

http://www.visual-arts-cork.com/history-of-art/french-baroque-artists.htm

Список французских художников в стиле барокко Среди многих мастеров живописи, скульптуры и других изобразительных искусств в стиле барокко во Франции 17 века это были: Адам, Ламберт-Сигизберт (1700-1759), скульптор (Нанси), Адам, Николя-Себастьен (1705-1778), скульптор (Нанси)

10 самых известных художников барокко — Chart Attack

https: // www.chartattack.com/most-famous-baroque-painters/

18 мая 2020 г. · Николя Пуссен был художником, основавшим французскую классическую традицию, который также придерживался стиля барокко, имел характеристики и черты, которые были полной противоположностью художников такие как Караваджо или Рубенс. Его картин больше…

Список художников поп-барокко — Википедия

https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_baroque_pop_artists

Это список художников, которые были описаны как основные поставщики барочной поп-музыки, жанра, который можно идентифицировать по присвоению композиционных стилей барокко (контрапунктовые мелодии и функциональные мелодии). паттерны гармонии) и драматические или меланхолические жесты.Заметное место занимают клавесины, также распространены гобои, валторны и струнные квартеты. Возникли в середине 1960-х как художники …

Список художников — Интернет-галерея искусств

https://www.wga.hu/cgi-bin/artist.cgi?letter=l

Барокко: французский художник: LA PERDRIX, Michel de (активный 1641-1681) Барокко: французский скульптор (Париж) LA THANGUE, Генри Герберт (1859-1929) Импрессионизм: английский художник: LA TOUR, Georges de (1593-1652) Барокко: французский художник: LA TOUR, Морис Квентин де (1704-1788) Барокко: французский художник: LA VALLÉE, Jean de (1620-1696) Барокко: французское…

Барокко и классицизм — французское искусство XVII и XVIII веков …

https://about-france.com/art/baroque-to-rococo.htm

Среди французских художников первой половины 17 века тот, с произведениями которого довольно легко ассоциируется слово барокко, был Николя Пуссен родился в Нормандии в 1593 году, Пуссен молодым художником приехал в Париж, где он работал несколько лет, а затем переехал в Рим в 1624 году и оставался там большую часть своей жизни.

Хронологический список французских композиторов-классиков — Википедия

https://en.wikipedia.org/wiki/Chronological_list_of_French_classical_composers

Хронологический список французских композиторов-классиков. … Ниже приводится хронологический список композиторов классической музыки, которые жили, работали или были гражданами средневековой Франции. Леонин (ок. 1150–1201) Перотин (1160–1230) Адам де ла Галль (1240–1287) Гийом де Машо (ок. 1300–1377) Возрождение… Барокко. Пьер Гедрон …

Список художников — Интернет-галерея искусств

https://www.wga.hu/cgi-bin/artist.cgi?Profession=any&School=any&Period=any&Time-line=any&from=50&max=50&Sort=Name&letter=p

Барокко: французский художник (Париж) PARROCEL , Жозеф (1646-1704) Барокко: французский художник: ПАРРОСЕЛЬ, Пьер (1670-1739) Барокко: французский художник: ПАРС, Уильям (1742-1782) Рококо: английский художник: ПАШ, Лоренц Младший (1733-1805) Рококо: Шведский художник: ПАСИНЕЛЛИ, Лоренцо (1629-1700). Барокко: итальянский художник (Болонья) ПАСКВАЛИНО ВЕНЕТО…

История искусства: 9 известных французских художников, которых вы должны знать

https://mymodernmet.com/famous-french-painters/

8 февраля 2018 г. · От художников-импрессионистов, таких как Клод Моне и Камиль Писсарро, до ведущих стилей постимпрессионистов, таких как Анри Руссо и Поль Сезанн , вот наш список известных французских художников, которых вы должны знать .. Художники-импрессионисты. Движение импрессионистов, возникшее во Франции в XIX веке, было основано на спонтанной практике рисования на открытом воздухе (на пленэре).

Старые мастера: величайшие европейские художники — Художественная энциклопедия

http://www.visual-arts-cork.com/old-masters.htm

Успешный испанский художник в стиле барокко, религиозный художник, жанрово-сценарный. Шарль Лебрен (1619-90) Французский художник, авторитарный директор Французской академии гобеленов. Карло Маратта (Маратти) (1625-1713) Ведущий итальянский художник-брок, работавший в католическом искусстве контрреформации…

Архитектура французского барокко: характеристики и примеры…

https://study.com/academy/lesson/french-baroque-architecture-characteristics-examples.html

Архитектура французского барокко. Многие из нас видели образы Версаля и других великолепных французских дворцов с украшенными интерьерами, повсюду художественными деталями и замысловатыми садами.

9 известных произведений в стиле барокко, которые стоит послушать

https://www.chosic.com/7-famous-baroque-music-works/

25 июля 2019 г. · Изначально канон был записан для трех скрипок и бассо континуо.Его сочинил один из лучших композиторов эпохи барокко Иоганн Пахельбель (1653–1706). Он стал очень популярным в 1970-х годах, когда французский дирижер Жан-Франсуа Пайяр сделал запись. С тех пор эта музыка эпохи барокко записывалась сотни раз.

Художники барокко — Список Diigo

https://www.diigo.com/list/kekoaiki/Baroque-Artists

Список Кекоаики: художники барокко — Составлен список известных художников периода барокко.Перейдите на каждый веб-сайт художников и перечислите известные картины каждого художника и местонахождение этих картин сегодня. Кроме того, определите вдохновение для каждого художника и посмотрите, есть ли тенденция для этого периода.

30 цитат старых мастеров о творчестве Бесценный предмет

https://www.invaluable.com/blog/creativity-quotes/

23 января 2018 г. · «Старые мастера» обычно относятся к европейским художникам, жившим между 13 и 18 веками. единый стиль, а скорее несколько художественных движений, включая ренессанс, маньеризм, барокко, неоклассицизм и романтизм.Эти движения выделяются влиятельными фигурами, которые создавали знаковые произведения искусства, но временами пытались это сделать.

Художники по направлению: барокко — WikiArt.org

https://www.wikiart.org/en/Artists-by-Art-Movement/baroque

Архитектура была доминирующим выражением французского барокко. Названный во Франции классицизмом, он отказался от витиеватости в пользу геометрических пропорций и менее сложных фасадов. В живописи французские художники также придерживались более классической сдержанности.Клод Лоррен и Николя Пуссен были самыми выдающимися французскими художниками, хотя оба работали …

Живопись эпохи барокко Безграничная история искусства

https://courses.lumenlearning.com/boundless-arthistory/chapter/painting-of-the-baroque-period/

Живопись фламандского барокко примечательна тем, что была разделена на разные тематические категории истории , портрет, жанр, пейзаж, натюрморт. Питер Пауль Рубенс был выдающимся художником стиля фламандского барокко; он был доминирующим художником исторической живописи и черпал влияние итальянской живописи.

Мы надеемся, что вы нашли всю необходимую информацию о Списке художников французского барокко, перейдя по ссылкам выше.

.

No related posts.