Абстрактный экспрессионизм: эмоциональная подборка картин.
Абстрактный экспрессионизм
Абстрактный экспрессионизм – довольно необычное для восприятия непогруженного человека направление в живописи. Возможно, вы уже слышали ранее имена: Джексон Поллок, Марк Ротко, Вильям де Кунинг. Даже если не слышали, наш куратор, искусствовед и представитель этого направления в живописи Мария Горбунова, расскажет в чем же суть, и поделится своей подборкой художников абстрактного экспрессионизма и их яркими работами. Начнем!
На фото: художник Горбунова Мария
«Есть логика в том, что я начинаю с хаоса, и это наиболее естественное начало».
П. Клее
Абстрактный экспрессионизм в живописи достаточно мало освещается в русскоязычных изданиях и довольно сложно воспринимается отечественным зрителем в силу своей внутренней закрытости. Для того чтобы читать такие работы необходим контекст, как и в восприятии любого другого предмета культуры и искусства.
Течение зародилось в г. Нью-Йорке в 1940-1950 г.г. Живописное полотно стало восприниматься, как некое поле для действия. Живопись действия, сам процесс, в который включается и зритель, является ключевым в творчестве Джексона Поллока и Вильяма де Куннинга, ярких представителей американского абстрактного экспрессионизма.
Jackson Pollock, Number 1A, 1948
Идея свободы волновала многих в послевоенные годы. Действие носило метафизическую природу, плотно прилегая к философии и этике. Художник стремится общаться со зрителем не посредством готового посыла (знака, символа, изображении некой религиозной, либо литературной фабулы), скорее стремится изобразить некий живописный процесс и втянуть зрителя в этот процесс создания, процесс написания работы.
Как рефлексирующий зритель, вы можете в этом увидеть не статичное полотно в готовом виде (форме), полотно, пульсирующее в своей внутренней динамике цвета, фактуры, линиях, которые стремятся преобразиться в нечто, порождаемое уже вашим сознанием, для каждого «смотрящего» в свою форму.
Термин Action переводится, как влияние, воздействие, эффект. Отсюда и имеем новое определение «живопись воздействия» — абстрактный экспрессионизм.
Считаю нужным еще сказать пару слов о минимализме в творчестве Марка Ротко и других представителей живописи цветового поля в рамках направления абстрактного экспрессионизма.
Mark Rothko, Orange and Yellow, 1956
Я часто слышу, что минимализм лишен характера, некоторые утверждают, что он беден. И наконец мой нелюбимый аргумент: «Я и сам мог сотворить нечто подобное».
Принципы минимализма можно отыскать не только в живописи, но и в музыке, архитектуре, дизайне. Сокращая избыточное, мы видим только то, что имеет самое важное значение. У Ротко это цвет. Цвет – эмоция, ничего более. Вы просто проваливаетесь в этот цветовой портал, а на другой стороне вы сами с вашими внутренними переживаниями и мыслями по поводу. Учитесь созерцать, друзья мои, учитесь проникать внутрь объекта. Рефлексия – это то, что мы теряем, заменяя на шаблонное восприятие, реакции, которые вырабатываются автоматически, не идут изнутри.
Мы не будем углубляться в историю, расскажу вам о современных художниках, работающих в этом направлении и представленных в нашей галерее. Желаю вам приятного просмотра и понимания себя и мира вокруг себя!
Абстрактный экспрессионизм: художники галереи SMART
Познакомимся поближе с современными представителями абстрактного экспрессионизма и попробуем совершить погружение в их работы. Попросили художников прокомментировать особенности направления и их собственного творческого процесса, чтобы вы могли почувствовать их эмоции.
Игорь МихайленкоФормула искусства абстрактного экспрессионизма: «Освобождение от правил, освобождение от формализма, от господства линейки и циркуля, но в первую очередь — освобождение свободно струящегося цвета от доктринерских законов формы» (Карл Рурберг).
«Абстрактное искусство ближе к музыке, в нем нет сюжета, узнаваемых предметов и героев, присутствует только внутренний драматизм, эмоциональный посыл.
Я во власти потока: сначала действие, потом осмысление. Приступая к работе, я лишь на два-три шага вперед знаю, что произойдет на холсте, потом меня втягивает в действие, и я теряю свое эгоцентрическое «я». Я двигаюсь к встрече с красотой. Краска в какой-то момент начинает так ложиться, как ей самой нужно, и я ощущаю себя проводником. Все это напоминает шаманский ритуал. Кажущаяся простота абстрактного искусства не должна никого обманывать. Я имею багаж работы с предметным изобразительным искусством, но абстракционизм — это чудесное поле моих личных открытий. У тебя может не получаться раз за разом, но, когда получилось — это восторг» — делится своими ощущениями художник Игорь Михайленко.
Работы художника Игоря Михайленко, «Landscape» и «Black. Red»
Дария Афанасьева«Наряду с абстракционизмом, минимализмом, поп-артом и экспрессионизмом, абстрактный экспрессионизм является одним из основных стилей в моем творчестве.
Импульсом к созданию работ может послужить абсолютно любая вещь: от старой фотографии до стоп-кадра из фильма, трещины на асфальте или облупившаяся штукатурка, линии проводов в небе или ржавое пятно. Текстуры, фактуры, потёртости и морская галька. Главное – успеть воплотить это быстро на холсте, пока есть это состояние и пока «горит» внутри» — рассказывает художник Дария Афанасьева.
Работы художника Дарии Афанасьевой, «
Константин Инал-Ипа является ярким представителем абстрактного экспрессионизма. Художник сознательно отказывается от любых намеков на фигуративность. Его работы отличаются особой глубиной, высокой концентрацией разнообразных эмоциональных состояний. Константин относится к художникам, которые очень тонко работают с цветом и придают не малое значение качеству живописной поверхности, ее фактуре.
Необходимо отметить мастерскую работу художника с цветовой тональностью в работе над холстом.
Работы художника Константина Инал-Ипа «Пейзаж» и «Белая ночь»
Андрей СкрипкаВ целом стилистика работ Андрея Скрипки отсылает к стилистике живописных полотен известного американского художника-абстракциониста Сая Твомбли. Работы отличаются особой экспрессивной манерой нанесения красочного слоя.
В работе Состояние #49 мы можем отметить сочетания пятен и линий (линии иногда — это подтеки) + художник использует пастельные мелки, компоновка элементов построена по принципу сгущение-разряжение.
Работы художника Андрея Скрипка «Состояние #49» и «SITUATION #46»
«Конечно, это абстрактная живопись, абстрактный экспрессионизм, но часто я специально оставляю в изображении намек на еще не сложившийся или просто возможный предмет или пейзаж или натюрморт. В движении пятен и линий — упорядоченный мной хаос, именно движение форм в картине привлекает меня, но все эти движения не случайны, и возможно, стремятся сложиться в конкретный мотив.
Немного расскажу и о себе. У меня есть серия живописных работ, которые отражали состояния и были психологическими портретами близких людей. Люблю экспрессионизм — за его эмоциональную насыщенность хода. Порыв здесь играет очень большую роль. Ты творишь не в спокойном равновесном состоянии, а подбираешься к пику, к острию, на котором что-то и создается. К тому же важно было выплеснуть отношение к человеку, показать эмоциональную изнанку, трагизм ситуации. Надо сказать, что и люди мне попадаются непростые — скажем так, с трагическим изъяном. Их нельзя назвать удачливыми, успешными. Они пережили нечто очень сильное и обладают духовным опытом, который позволяет им видеть мир не так, как большинство. Работа над впечатлением о таком человеке как раз и подразумевает создание не внешней картинки, а внутреннего ландшафта.
Исходя из того же внутреннего настроенческого ощущения, я делала серию абстракций в пейзаже. Но композиция и язык, которыми я пользовалась, были больше связаны с самой с природой. Форма и цвет — средства языка, который отражает настроение. Туда же включается фактура, ширина мазка. Величина холста, что немаловажно.
Работы художника Марии Горбуновой «Nest monotype» и «Подсознание. Серия «Адаптация»
Абстрактный экспрессионизм: картины в интерьереВ рамках нашего погружения в искусство абстрактного экспрессионизма хочу также показать вам, как такие картины могут выглядеть в интерьере – страстно, ярко, индивидуально и отражать именно вас, потому что художник оставляет вам достаточную долю свободы, чтобы сделать его работу лично вашей, связать ее с вашей персоной и тем, что именно у вас внутри.
Картина художника Марии Горбуновой в интерьере прихожей
Картина художника Андрея Скрипка в интерьере столовой
Экспрессионизм и Мост /еxpressionismе and die Brücke
от expressio /лат.
/ — выражение, выразительность (1905-1920)
от Die Brücke /нем./ — мост (1905—1913)
Течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора. Он представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, архитектуру, музыку, танец и первое художественное течение, в полной мере проявившее себя в кинематографе.
В 1905 году немецкий экспрессионизм оформился в группу «Мост», которая бунтовала против поверхностного правдоподобия импрессионистов, стремясь вернуть немецкому искусству утраченные духовное измерение и разнообразие смыслов. В программе «Моста» было много общего с французским фовизмом. Группа «Мост» — объединение немецких художников, созданное студентами архитектурного отделения Высшего технического училища и Школы искусств в Дрездене.
7 июня 1905 года считается днём основания одной из самых известных художественных групп Германии. В этот день четыре молодых студента, уже давно знавшие друг друга, решили объединить свои усилия по созданию новой живописи. Это были Фриц Блейль, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуф. Название объединения они нашли в сочинениях своего кумира философа Ф. Ницше «Так говорил Заратустра». Они не принимали современной живописи, их отталкивал и академический натурализм, и поверхностный югендштиль. Художники увлекались наивным искусством примитивов, народных мастеров, детскими рисунками и произведениями душевнобольных, находя там искренность и непосредственность выражения. Более того, они пытались достигнуть своего идеала не только в искусстве, но и в жизни. «Молодые художники открыли на лесных озерах Морицбурга саксонскую Аркадию. Они поселились в прибрежных камышах со своими натурщицами, ходили обнаженными под летним солнцем, купались, отдавали дань Эроту, живя in unio mystica с природой.
Они изображали себя и своих натурщиц в самых дерзких ракурсах, добиваясь острых ритмов, деформировали тела с поразительной самоуверенностью. Манифест, выпущенный ими в 1905 г., гласил: «С верой в развитие, в новое поколение творцов и ценителей искусства мы взываем ко всей молодежи. И как молодежь, несущая в себе будущее, мы хотим добиться свободы жить и творить вопреки закоснелым старым силам. Каждый, кто свободно и искренне выражает то, что его вынуждает к творчеству, должен быть с нами»! Молодые немецкие художники не задумывались над способом, стилем и техническими приемами изображения, но в их манифесте уже прозвучало ключевое слово «выражение» (нем. Ausdruck — экспрессионизм).
Однако если французские импрессионисты ради «выражения» обращались к природе, то немецкие экспрессионисты, напротив, замкнулись в себе и стали искать, пользуясь определением Ницше, «религиозную чувственность искусства». Картины, рисунки и гравюры художников группы «Мост» подчеркнуто грубы, архаичны, они демонстрируют пренебрежение красотой формы ради непосредственности выражения.
В творчестве «мостовцев» радикально изменялось отношение к пространству, лишенному отныне границ. Предметный мир теперь воплощали предельно обобщенные и почти зашифрованные предметы — «знаки», окружающие человека. Полностью потеряли свое значение свет и светотень, так как их функцию перенял цвет, ставший духовным компонентом изображения — светящиеся, «сытые» краски, нанесённые широкой кистью плоскими мазками и часто обведённые жёсткой линией контура. Художники группы «Мост» не находили признания у зрителей. В 1910 г. М. Пехштайн, Э. Л. Кирхнер, Э. Хеккель и К. Шмидт-Роттлуфф вошли в «Новый Сецессион». Всего же к моменту распада группы в ней официально насчитывалось 75 членов, подавляющее большинство из которых принимали в работе группы лишь финансовое участие. В 1913 году Л. Кирхнер пишет «Хронику ГХ Мост», которая приводит к разрыву между художниками. М. Пехштейн со скандалом выходит из группы, а Хеккель, Шмидт-Ротлуф и Мюллер публично обвинили Кирхнера в самовосхвалении, одностороннем выпячивании своей значительности в деятельности группы.
27 мая 1913 года группа «Мост» разослала своим «пассивным» членам извещение о том, что группа прекращает своё существование.
Когда в Веймарской республике после 1924 года установилась относительная стабильность, невнятность идеалов экспрессионистов, их усложнённый язык, индивидуализм художественных манер, неспособность к конструктивной социальной критике привели к закату этого течения. С приходом к власти Гитлера в 1933 году экспрессионизм был объявлен «дегенеративным искусством», а его представители потеряли возможность выставлять свои работы или публиковаться. Тем не менее отдельные художники продолжали работать в рамках экспрессионизма на протяжении многих десятилетий. Пастозные, резкие, нервные мазки и дисгармоничные, изломанные линии отличают работы крупнейших экспрессионистов Австрии — О. Кокошки и Э. Шиле. В поисках наивысшей эмоциональной выразительности французские художники Жорж Руо и Хаим Сутин резко деформируют фигуры изображаемых. Макс Бекман преподносит сцены богемной жизни в сатирическом ключе с налётом цинизма.
Из числа крупных представителей течения только Кокошка (1886—1980) застал возрождение всеобщего интереса к экспрессионизму в конце 1970-х гг.
В Берлине создан отдельный музей художественной группы «Мост» — Brücke-Museum.
Художники: Эрнст Людвиг Кирхнер (Ernst Ludwig Kirchner), Фриц Блейль (Fritz Bleyl), Карл Шмидт-Ротлуфф (Karl Schmidt-Rottluff), Эрих Хеккель (Erich Heckel), Макс Пехштейн (Max Pechstein), Эмиль Нольде (Emil Nolde), Отто Мюллер (Otto Mueller), Оскар Кокошка (Oskar Kokoschka), Эгон Шиле (Egon Schiele), Август Маке (August Macke), Аксели Галлен-Каллела (Akseli Gallen-Kallela), Кеес ван Донген (Kees van Dongen), Богумил Кубишта (Bohumil Kubišta), Куно Амье (Cuno Amiet), Жорж Руо (Georges Henri Rouault), Хаим Сутин (Chaim Soutine), Макс Бекман (Max Beckmann).
Выставка: 1906, «Выставка группы «Мост», Дрезден, завод Зайферт. 1912, Кельн, Зондербунд, выставка «Немецкие экспрессионисты».
Тексты: Э.Л. Кирхнер «Мост.
Хроники», 1913; П.Фехтер «Экспрессионизм», 1914; Х.Вальден «Экспрессионизм. Художественное направление», 1918.
См. также статьи: Постимпрессионизм, Примитивизм, Сецессион, Фовизм, «Синий всадник», Новая вещественность.
Описание некоторых произведений:
Эмиль Нольде «Пляска вокруг золотого тельца», 1910. Холст, масло. Мюнхен, Новая Пинакотека. Картина вдохновлена сюжетом из Ветхого Завета. Она входит в цикл произведений на религиозную тему, который открывает «Тайная вечеря» 1909 года. Упоение и неистовство танца передает колорит, в нем преобладает контраст дополнительных цветов: желтого и голубого. Приглашенный учавствовать в «Мосте» именно благодаря своим необыкновенным «колористическим бурям», Нольде пишет, пастозно, сгущающимися или протяженными мазками, нередко, по свидетельству очевидцев, использует не только кисть, но и пальцы, тряпье и кусочки картона. Художник работает по воображению, без эскизов и даже первоначального проекта.
Он пишет: «Я стараюсь избегать предварительных размышлений о картине. Мне достаточно самой общей идеи относительно света и цвета. Дальше работа развивается уже у меня под руками».
Экспрессионизм в западноевропейской живописи (Контрольная работа)
Федеральное агентство по образованию Российской Федерации ГОУ ВПО «Красноярский Государственный Педагогический Университет им. В.П. Астафьева»
Индивидуальное задание
Зарубежная культура конца XIX – начала ХХ вв.
Экспрессионизм в западноевропейской живописи
Выполнила:
Крупина Мария
Студентка 34 группы
Красноярск 2011
Введение
экспрессионизм западноевропейский живопись
Экспрессионизм
является, на мой взгляд, одним из самых
ярких течений двадцатого века.
Течение
экспрессионизма охватывало собой
живопись, скульптуру, архитектуру,
музыку и конечно же литературу. В своей
работе я подробно рассмотрю как было
представлено течение экспрессионизма
в западноевропейской культуре, для
этого мною сначала будет рассмотрен
сам термин «экспрессионизм», а потом
наиболее яркие представители этого
течения в западноевропейской живописи.
Экспрессионизм в западноевропейской живописи
Рассмотрим термин «экспрессионизм».
Экспрессионизм (от лат. expressio — выражение), направление,
развивавшееся в европейском искусстве
и литературе с 1905 по 1920-е гг. Экспрессиониз
возник как отклик на острейший социальный
кризис 1-й четверти 20 в. (включая 1-ю
мировую войну и последовавшие революционные
потрясения) и стал выражением протеста
против уродств современной буржуазной
цивилизации. Социально-критический
пафос отличает многие произведения
экспрессионизма от искусства
авангардистских течений, развивавшихся
параллельно с ним или сразу после него
(кубизма, сюрреализма).
Протестуя против
мировой войны и социальных контрастов,
против засилья вещей и подавленности
личности социальным механизмом, а иногда
обращаясь и к теме революционного
героизма, мастера экспрессинизма
совмещали протест с выражением
мистического ужаса перед хаосом бытия.
Кризис современной цивилизации представал
в произведениях экспрессионизма одним
из звеньев апокалиптической катастрофы,
надвигающейся на природу и человечество.
Термин экспрессионизм впервые употребил
в печати в 1911 Вальден — основатель
экспрессионистского журнала «Штурм».
Принцип всеохватывающей
субъективной интерпретации действительности,
возобладавший в экспрессионизме над
миром первичных чувственных ощущений
(составлявших первооснову художественного
образа в импрессионизме), обусловил
тяготение к иррациональности, обостренной
эмоциональности и фантастическому
гротеску, нередко — к полному или
частичному уничтожению границ между
персонажами и окружающей их естественной
(или городской) пейзажной средой.
Ярче
всего принципы экспрессионизма выявились
в искусстве Германии и Австрии.
В изобразительных искусствах среди предшественников экспрессионизма художники: француз Поль Гоген, голландец Винсент Ван Гог, норвежец Эдвард Мунк, бельгиец Дж. Энсор, швейцарец Ф. Ходлер и другие мастера, в разной степени близкие к символизму. Наиболее последовательно принципы экспрессионизма были воплощены в творчестве художников объединения «Мост» (Э. Л. Кирхнер, М. Пехштейн, Э. Хеккель, К. Шмидт-Ротлуф; к ним примыкал Э. Нольде). Они противопоставляли засилью вещей и подавленности личности социальным механизмом пафос «первозданно» свободного восприятия мира; их творческие искания, устремленные к обострённому самовыражению («экспрессии»), к субъективной интерпретации реальности, неизбежно принимали оттенок анархического бунтарства.
Более созерцательны по образному
строю произведения представителей
общества -«Синий всадник» (В. В.
Кандинский, Ф. Марк и др.), чья эстетическая
программа была во многом близка
мистическим идеалам немецких романтиков;
здесь возникли одни из наиболее ранних
образцов абстрактного искусства.
Вне
этих объединений работали живописец,
график и писатель О. Кокошка, скульптор,
график и писатель Э. Бардах, живописец
и график М. Бекман, скульптор В. Лембрук.
У ряда художников благодаря росту
антивоенных настроений и влиянию
массового революционного движения
экспрессиониз получил антивоенную и
антиимпериалистическую окраску (Барлах,
Ж. Грос, О. Дикс, Л. Мейднер, О. Нагель и
др.). Наряду с живописью и скульптурой
— чаще всего «яростно»-эмоциональными
по манере, тяготеющими к острым цветовым
контрастам или резким пространств,
смещениям, — важное значение обрела
станковая и книжная графика экспрессионизма,
достигшая значительных результатов
благодаря смелым сочетаниям гротеска
и гиперболы, предельно концентрированным
контрастам света и тени.
Теперь более подробно рассмотрим жизнь и деятельность некоторых экспрессионистов, таких как Кете Кольвиц, Оскар Кокошка, Кирхнер Эрнест Людвиг, Отто Дикс и Джорж Грост.
Кете Кольвиц — немецкая художница, экспрессионист.
График и скульптор. Родилась в Кёнигсберге.
Выросла в семье, причастной к рабочему
движению и идеям социализма. Училась у
К. Штауффер-Берна в Берлине (1885-1886 гг.) и
у Л. Хертериха в Мюнхене (1888-1889 гг.). В
1890 г. начала заниматься гравюрой –
офортом, а позже литографией и ксилографией.
В 1919-1933 гг. профессор берлинской AX,
изгнана оттуда фашистами. В 1927 г. посетила
СССР. Уже в ранних офортах и литографиях,
созданных под влиянием графики М.
Клингера, обнаруживаются характерные
для Кольвиц драматическая напряжённость
и психологическая насыщенность образов,
динамичная композиция, светотеневые
контрасты. Серии «Восстание ткачей»
(1897-1898 гг.) и «Крестьянская война»
(1903-1908 гг.) представляют собой развёрнутое
повествование о восстании и его разгроме.
В этих сериях с медленным нарастанием
событий, героической кульминацией и
скорбным, драматическим финалом, особенно
во втором, более обобщённом и экспрессивном
цикле, Кольвиц поднимается до высокого
трагизма и революционного пафоса. Первая
мировая война 1914-1918 гг. была воспринята
Кольвиц, потерявшей сына, сквозь призму
личной трагедии, что окрасило её
творчество в мрачные, жертвенные тона
(цикл гравюр на дереве «Война»,
1922-1923 гг.; «Родители» — памятник
немецким солдатам во Владело, Бельгия,
гранит, 1924-1932 гг.). В остро эмоциональном
восприятии ужасов войны и трагедий
рабочих семей в городских трущобах
(цикл литографий «Голод», 1924 г; цикл
гравюр на дереве «Пролетариат»,
1925 г.) Кольвиц сближается с экспрессионизмом;
при этом ведущую роль в её творчестве
играют гуманистические общественные
идеи, протест против гнёта, насилия и
войны, призыв к единению («Памяти К.
Либкнехта», гравюра на дереве, 1919-1920
гг.; плакаты, созданные в 1920-е гг.;
литографии «Демонстрация», 1931 г,
«Мы защищаем Советский Союз»,
1931-1932 гг.). Последние годы жизни Кольвиц
работала как скульптор, в 1942 создала в
литографии героический образ матери,
защищающей детей от гибели на полях
войны. До 1943 г. жила в Берлине. Умерла
Кете Кольвиц в замке Морицберг близ
Дрездена 22 апреля 1945 г. В Берлине открыт
музей К. Кольвиц.
Оскар Кокошка родился в 1886 г. в Пёхларне-на-Дунае. В 1905-1909 гг. учился в Вене в Школе прикладного искусства и работал в качестве графика в «Венской мастерской» — объединении мастеров прикладного искусства.
Обратиться к живописи художника убедил архитектор А. Лоос. Кокошка увлекся портретным жанром. В своих ранних портретах он стремился проникнуть в глубину внутреннего мира модели. Его произведения, выполненные с помощью неровных линий и мерцающих красок, очень эмоциональны («Адольф Лоос», 1909; «Ганс Титце и Эрика Титце-Конрат», 1909). В 1909 г. Кокошка приехал в Берлин, где в журнале «Дер Штурм» были опубликованы его графические работы и драма «Убийца, надежда женщин».
В 1911 г. художник возвращается в Вену. Здесь он создает картины на религиозные сюжеты. Среди них — «Бегство в Египет» (1911-1912) , «Благовещение» (1911) . Традиционные для европейской живописи образы Кокошка трактует по-своему, внося в них элементы современной ему действительности и собственное мироощущение. Живописная фактура его полотен становится более плотной и весомой. В такой манере художник пишет не только евангельские композиции, но и портреты, и картины с символическим содержанием («Автопортрет с Альмой Малер», 1912-1913; «Буря, или Невеста ветра», 1914).
В 1914 г. художник отправляется на фронт, где вскоре получает тяжелое ранение. Физические и моральные страдания (разрыв с любимой женщиной) влияют на его живопись, в которой появляются печальные ноты. Темным становится колорит картин, плотной и густой — их фактура. Работы этого периода, написанные мазкими, напоминающими петли, жгуты, спирали, создают мрачное и трагическое ощущение («Эмигранты», 1916-1917; «Влюбленные с кошкой», 1917). С 1917 г. Кокошка живет в Дрездене. В 1919-1924 гг. Он профессор дрезденской Академии художеств.
С 1924 по 1933 г. художник путешествует по странам Европы, Малой Азии и Северной Африки. В этот период он пишет главным образом пейзажи: виды городов и их окрестностей, порты («Венеция, лодки на таможне», 1924; «Побережье близ Довера», 1926; «Прага, Карлов мост», 1934). Своей воздушностью и трепетностью его ландшафты напоминают живопись художников-импрессионистов.
В 1933 г. Кокошка вернулся на родину — в Вену, а в 1934 г. поселился в Праге. В 1937 г. написана его знаменитая картина «Портрет «художника-вырожденца» — своеобразный вызов нацистам, развернувшим травлю мастеров «дегенеративного» искусства. В 1938 г. живописцу пришлось эмигрировать в Лондон. В английской столице Кокошка вместе с представителями прогрессивной интеллигенции выступил против милитаризма.
После окончания Второй мировой войны художник вновь отправился в путешествие по Европе. Впечатления, полученные во время поездок по европейским странам, отразились в полных света и воздуха пейзажах («Вид Зальцбурга», 1950). Не оставил Кокошка и портретный жанр. Он создал отмеченные тонким психологизмом образы своих современников («Теодор Хейс», 1950). В 1950-е гг. живописец обратился к античной тематике и написал два монументальных триптиха («Сага о Прометее», 1950; «Фермопилы», 1954). Кокошка занимался и преподавательской деятельностью. В Зальцбурге он работал в летней Академии художеств. С 1953 г. художник жил на Женевском озере в Вильнёве. Здесь он и скончался в 1980 г.
Кирхнер Эрнест Людвиг (1880–1938), немецкий художник, один из лидеров экспрессионизма.
Родился в Ашаффенбурге 6 мая 1880 в семье инженера-химика. В 1901–1905 занимался на факультете архитектуры Высшей технической школы в Дрездене, посещал также Учебно-экспериментальную мастерскую свободного и прикладного искусства в Мюнхене. По возвращении в Дрезден образовал в 1905 (вместе с Э.Хеккелем и К.Шмидт-Ротлуфом) группу «Мост», ставшую эпицентром экспрессионистского движения. Переехав в Берлин (1911), в 1912 издал Хронику «Моста», но вскоре рассорился с членами группы и с той поры работал обособленно.
В его зрелых вещах доминируют темы большого города, жанры и пейзажи, воплощенные в нервных, изломанных формах и драматическом, напряженно-контрастном колорите (Прогулка, 1911–1912, Художественный музей графства, Лос-Анджелес; Мост через Рейн, 1912–1914, Галерея современного искусства, Берлин). Попутно проявил себя и как замечательный мастер рисунка и гравюры. В начале войны служил артиллеристом под Галле, но уже через год (1915) был комиссован; итогом военных переживаний, тяжело сказавшихся на психике художника, явился саркастический Автопортрет в солдатской форме (1915, Алленовский мемориальный музей, Оберлин, США). Значительной разрядкой для мастера, пристрастившегося к алкоголю и морфию, явился переезд в Швейцарию. Живя во Фрауэнкирхе под Давосом (с 1915) – поначалу в санатории, который украсил своими фресками, – создавал по-прежнему напряженно-динамичные по ритму и колориту, но в целом более мажорные картины и графику по альпийским мотивам (Восход луны в Альпах, 1917, частное собрание, Давос; Прогулка в санях, 1922, частное собрание, Франкфурт-на-Майне; Лесорубы, около 1930, Кунстхалле, Гамбург). Создал в технике ксилографии ряд иллюстративных циклов – к Истории Петера Шлемиля А.фон Шамиссо (1916) и др. Выразил свое творческое кредо (идею искусства как сочетания «иероглифов», передающих внутренний духовный смысл видимого мира) в критических заметках о собственных работах, опубликованных под псевдонимом «Луи де Марсаль».
На протяжении 1920-х годов все ближе подходил к абстракции, делая свои образы действительно все более «иероглифическими», полуабстрактными. Причисленный нацистами к представителям «дегенеративного искусства» (или «искусства вырождения»), оказался в вынужденной творческой изоляции, хотя, как житель нейтральной Швейцарии, находился в относительной безопасности. Тем не менее трагические события в Германии толкнули его к самоубийству.
Отто Дикс (1891–1969), немецкий художник и график. Родился 2 декабря 1891 в местечке Унтерхаус близ города Гера в Саксонии. Учился живописи в дрезденской Академии художеств у Рихарда Мюллера. Во время Первой мировой войны служил добровольцем в действующей армии. Вернувшись с фронта, примкнул к дадаистам и испытал влияние Георга Гроса.
Основная тема графических листов Дикса – война и ее полная и абсолютная враждебность жизни. Ряд офортов из серии Война (1824) – эпизоды трагедии войны: Засыпанные, Застреленные, Раненый солдат, Мертвый часовой, заброшенные окопы с трупами солдат, раненные с развороченными внутренностями – таковы образы, которые представляет художник. Работы Отто Дикса, выполненные до 1924, имеют много общих черт с рисунками последнего. Примером работы Дикса в стиле реализма может служить Портрет доктора Майера-Херманна (1926, Нью-Йорк, Музей современного искусства). В 1927–1933 Дикс преподавал в дрезденской Академии художеств. В начале Второй мировой войны он жил с семьей в окрестностях озера Констанс. К этому времени на смену произведениям, созданным в жесткой реалистической стилистике, проникнутым социально-критическим пафосом, приходят яркие экспрессионистические работы с гротескными и изломанными формами. В 1945 он был призван в народное ополчение и попал в плен к французам, откуда вернулся в 1946. В поздний период творчества художник все чаще обращался к религиозным сюжетам. Умер Дикс в Зингене 25 июля 1969.
Джорж Грост (1893–1959), также Гросс (Gross) немецкий и американский художник и график, родился в Берлине 26 июля 1893. Его настоящее имя – Георг Эренфрид (George Ehrenfried). С 15 лет рисовал карикатуры. В 1909 поступил в Королевскую Академию художеств в Дрездене; позднее учился в берлинской Художественно-промышленной школе и в Париже. Начав профессионально заниматься живописью, Грос поселился в Берлине и жил там до 1932, затем эмигрировал в США, а в 1938 принял американское гражданство.
В Германии художник был видным деятелем авангарда. В 1917–1920 он принимал активное участие в жизни берлинских дадаистов. Для его творчества этого периода типичен Портрет Д.Хартфилда, где есть определенное искажение форм и использован коллаж. В конце 1920-х годов Гросс присоединился к направлению, получившему название «новая вещественность», или «веризм». Портрет доктора Нейссе (1927) – характерный пример использования подчеркнуто реалистических деталей для экспрессионистических целей, в манере, культивировавшейся веристами. Произведения Гросса, созданные до его отъезда в Америку, можно охарактеризовать как резкие обличения политического и общественного зла, открытые и прямые, исключающие всякий юмор. В годы фашизма его работы были изъяты из музеев. По приезде в США в стиле и общей направленности творчества художника произошли изменения. Он по-прежнему прекрасно владел профессиональными навыками, однако в поздних работах чувствуется возрастающий интерес к чисто живописным и техническим проблемам. Его обличительный пафос сменился проявлением гуманистического философского мировоззрения. В 1954 Гросс был избран членом Национального института искусства и литературы. В течение 20 лет он преподавал в нью-йоркской Лиге изучающих искусство. Умер Гросс в Берлине 6 июля 1959.
Вывод
Таким образом, мы видим, что художники-экспрессионисты имели большое значение на рубеже XIX-XX вв. в западноевропейской культуре. Экспрессионизм возникает как протестом на ужасы войны и социальных контрастов, против засилья вещей и подавленности личности социальным механизмом. Течение экспрессионизма было широко развито в Западной Европе, что подтверждается великими представителями этого течения в разных странах.
Абстрактный экспрессионизм – «живопись жеста» — Про.Искусство
Дать чёткое определение такому интересному направлению в живописи, как абстрактный экспрессионизм едва ли представляется возможным. Однако, изучая произведения искусства, написанные в этом жанре, можно проследить, что объединяет их творцов. Спонтанное выражение своего внутреннего мира в хаотических формах, не организованных логическим мышлением – вот общий творческий принцип художников, работающих в этом направлении. Радость, гнев, страсть, тревога, страдание они в самом прямом смысле слова выплёскивают потоками красок на полотно. Можно по-разному относиться к их творчеству, но сам жанр, бесспорно, достоин внимания и изучения.
Предполагается, что сам термин «экспрессионизм» был введён чешским историком искусств Антонином Матейчеком в 1910 году в противоположность термину «импрессионизм». Объясняет он его таким образом: «Экспрессионист желает, превыше всего, выразить себя. Экспрессионист отрицает мгновенное впечатление и строит более сложные психические структуры. Впечатления и умственные образы проходят через человеческую душу как через фильтр, который освобождает их от всего наносного, чтобы открыть их чистую сущность, и объединяются, сгущаются в более общие формы, типы, которые автор переписывает через простые формулы и символы».
Словосочетание «абстрактный экспрессионизм» впервые появилось в 1919 году на страницах берлинского журнала “Der Sturm” в статье немецкого искусствоведа Э. фон Зюдова. Применялось оно для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. В 1929 году Альфред Барр впервые применил этот термин для характеристики ранних работ Кандинского, который и считается прямым родоначальником данного направления в живописи. И, наконец, 30 марта 1946 года в “New Yorker” Роберт Коатс в статье о выставке в галерее Мортимера Брандта закрепил термин «абстрактный экспрессионизм» за работами конкретной группы художников, написав о художнике Гансе Гофмане: «Он, несомненно, – один из самых бескомпромиссных представителей того, что некоторые люди называют каляко-маляковой школой живописи, а я более почтительно окрестил абстрактным экспрессионизмом».
Это направление впоследствии продолжило начатое Кандинским и сюрреалистами «освобождение» искусства от контроля разума и каких-либо логических законов, от традиционных законов цветовых отношений. Девизом абстрактных экспрессионистов стала формула, сформированная Карлом Рурбергом: «Освобождение от правил, освобождение от формализма, от господства линейки и циркуля, но в первую очередь – освобождение свободно струящегося цвета от доктринерских законов формы».
Само течение возникло в сороковых годах XX века под влиянием идей Андре Бретона. Изначально оно носило название «абстрактный сюрреализм». Главными центрами его зарождения были Париж и США.
В США абстрактный экспрессионизм возник благодаря европейским художникам, поэтам и писателям, нашедшим там убежище от нацизма во время Второй мировой войны. Среди художников, прибывших в Нью-Йорк были Марсель Дюшан, Андре Бретон, Андре Массон, Марк Шагал, Фернан Леже и Пит Мондриан. В их круг сразу вошла целая группа американских художников, заимствовавших у европейских коллег философию творчества, идеи, технику. Например, американский художник Аршиль Горки после знакомства с французским сюрреалистом Андре Бретоном и изучения живописи Хоана Миро увлёкся идеями автоматизма и примитивной символикой Миро. Он стал населять свои полотна абстрагированными фигурами, плавающими в отвлечённом живописном пространстве. Бретон называл их «гибриды».
В послевоенный период США стали претендовать на роль всемирного центра культуры, а Нью-Йорк – мировой столицы искусства. Ставилась задача установления доминирующей роли американского искусства на европейском рынке с целью утверждения мысли о превосходстве американского образа жизни. И в качестве составной его части на европейский художественный рынок продвигали работы американских абстрактных экспрессионистов. Однако нельзя сказать, что усилия США в этом вопросе увенчались полным успехом. Пальма первенства в изобразительном искусстве так и осталась у Франции.
После окончания Второй мировой войны европейское искусство переживает своё возрождение. Вернулись домой многие художники, бежавшие в военные годы от нацизма. Наряду с уже существующими направлениями – такими, как кубизм, сюрреализм и дадаизм, начинают развиваться совершенно новые – Art Brut, лирический абстракционизм и европейский эквивалент абстрактного экспрессионизма – ташизм. Появляется много новых знаменитых имён – Серж Поляков, Жорж Матье, Пьер Сулаж, Жан Дюбюффе, Виейра да Силва, Ив Кляйн. Во многом они не только не уступают американским мастерам абстрактного экспрессионизма, но и во многом превосходят их с художественной точки зрения.
Тем не менее, нельзя отрицать и роли США в развитии и распространении этого направления в живописи. Именно там работали Марк Ротко, Джексон Поллок, Франц Клайн, Филип Гастон и другие. И именно американский художник Джексон Поллок в 1947 году отказался от подрамников и, расстилая холст на полу, беспорядочно набрызгивал на него краску из тюбиков или банок. Такая техника называлась дриппинг, что в переводе с английского означало «капающий». Дриппинг стал одним из методов так называемой «живописи действия», или «живописи жеста». Термин этот был придуман американским критиком Гарольдом Розенбергом в 1952 году.
Живопись действия отрицала традиционно окрашенную поверхность картины – краска накладывалась на бумагу или полотно, как след свободного жеста, произвольного движения руки. Считалось, что бессознательное действие – это отражение характера художника, запечатлённое и выложенное на холст. Этот стиль был широко распространён до начала 60-х годов XX века.
В 50-е годы движение абстрактного экспрессионизма приобрело невиданный размах. Во главе его тогда встали художники Марк Ротко, Джексон Поллок и Виллем де Кунинг. В эти годы абстрактный экспрессионизм становится своего рода международным движением в искусстве, захватывая практически все континенты. Не обошёл он и Советский Союз.
Для молодых советских художников, воспитанных в традициях академической системы и материалистического видения мира, открытие абстракции означало возможность изображения личных переживаний. В своё время американские исследователи позиционировали активное продвижение абстрактного импрессионизма, как «жест освобождения от ценности политической, эстетической, моральной». Молодые живописцы СССР вместе с осмыслением нового для них искусства строили собственные формы сосуществования с властями или противостояния им. Рождался андеграунд, и среди художников-неформалов было широко распространённым обращение к абстрактному искусству.
Первым неформальным художественным объединением периода «оттепели», развившим принципы абстрактного искусства, стала студия «Новая реальность», собравшаяся вокруг Элия Михайловича Белютина. Изначально студия функционировала как курсы повышения квалификации при Горкоме художников-графиков.
На протяжении почти тридцати лет – с конца 1950-х по 1988 год – собственный стиль абстрактного творчества разрабатывал художник Евгений Михнов-Войтенко, уникальный мастер по диапазону использованных методов. Он известен потрясающими экспериментами в области живописи и декоративно-прикладного искусства. Наследие художника включает графику, картины, выполненные в смешанной технике, маслом, пастелью, соусом, нитроэмалью, гуашью, пастерой, а также произведения из дерева, стекла, металла, пенопласта.
1990-е годы подтвердили особенный «русский путь» беспредметного искусства. С точки зрения развития мировой культуры абстракционизм как стилевое направление завершился раньше, но в постперестроечном российском обществе только теперь возникла потребность в более глубоком знакомстве с абстрактным искусством, появилось желание увидеть не бессмысленные пятна, а красоту пластической игры.
ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 12. Экспрессионизм.
«Искусство не является придатком к канонам красоты,оно скорее результат того, что инстинкт и мозг
могут зародить нечто вопреки всем канонам.»
Пабло Пикассо
Пришел ХХ век, с его войнами и революциями, надеждами и разочарованиями, бурными страстями и экзальтацией. На смену «созерцательному» умиротворенному импрессионизму и «сущностному» неспокойному постимпрессионизму, внесшим новое понимание в восприятие натуры, большой вклад в создание новых техник письма, в новое отношение к передаче цвета и света, пришло еще более яркое, но, на мой взгляд, более грубое и «необузданное» художественное направление – экспрессионизм (от лат. Expressio — «выражение»).
Предвестниками, предтечами этого направления называют Ван Гога и Мунка, которого уже часто напрямую причисляют к представителям этого стиля. Но в полной мере экспрессионизм был порождением «сумрачного германского гения», расцветшего вдруг яркими красками, ломаными линиями, странными композициями, заглянувшего в душу зрителя, ужаснувшегося ее темным глубинам и вывернувшего их наизнанку. Я уже писала о нем раньше, а в прошлый раз мы закончили нашу тему разговором об одном из первых экспрессионистов, об Эдварде Мунке,
оказавшим огромное влияние на современное искусство, продолжим тему кратким обзором тех изменений в портретной живописи, которые принес экспрессионизм. Фотография в ту пору уже исполняла функции документации и сохранения точного отображения персонажа, поэтому художественный портрет становится средством решения чисто художественных задач, отражает личный пристрастный взгляд художника на изображаемого человека, стремится эмоционально передать его внутренний мир, часто даже пренебрегая внешним сходством. Наступает эпоха таких художников, как Амедео Модильяни (1884-1920), итальянский художник и скульптор еврейского происхождения, страстно желавший признания, не получивший его при жизни, но ставший одним из самых дорогих художников в наше время.
Мы безошибочно узнаем его работы по скульптурным линиям, длинным шеям, плоским лицам и часто закрашенным в глазах зрачкам. Его прозвище в среде художников «Моди» (от фр. maudit — проклятый) точно соответствовало его образу жизни, как будто на нем и вправду лежало проклятье: несмотря на то, что он родился в благополучной в прошлом семье, к моменту его рождения отец полностью обанкротился, мальчик родился слабеньким и много болел, а уже в 16 лет у него обнаружили туберкулез.
После переезда в Париж юный Амадео обучался живописи, познакомился с художественным бомондом, начал пить пристрастился к наркотикам. Все в нем было «слишком»: «Слишком нищий даже для перебивающихся с хлеба на абсент собратьев по кисти, слишком пьющий даже для далеких от трезвости, слишком скандальный и буйный даже для нарушителей правил и попирателей ценностей, слишком беспутный — даже для пишущих проституток художников!» (https://artchive.ru/artists/227~Amedeo_Modiljani)
Женщины его обожали, мало кто из натурщиц не заканчивал сеанс в его постели. Мы знаем о его отношениях с Ахматовой:
«В черноватом Парижа тумане,
И наверно, опять Модильяни
Незаметно бродил за мной.
У него печальное свойство
Даже в сон мой вносить беспокойство
И быть многих бедствий виной.»
Но главной женщиной его жизни, родившей от него ребенка и покончившей жизнь самоубийством после его смерти, будучи на девятом месяце беременности вторым ребенком, была художница Жанна Эбюртен.
Умер Модильяни от туберкулезного менингита в больнице для бедных, хоронил его весь художественный Париж, а цены на его картины взлетели уже в день похорон… Покоится Амадео Модильяни на еврейском участке кладбища Пер-Лашез, в самой бедной его части.
Испанский и французский художник, скульптор, график, дизайнер, основоположник кубизма Пабло Пикассо (1881-1973, имя которого состоит из 15 имен (Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис),
интересен нам в нашей теме в основном «голубым» и «розовым» периодами творчества, в которых еще сильно сказывается влияние импрессионизма и постимпрессионизма. В «голубом» и «розовом» периодах люди, изображаемые на его портретах часто были грустными, а любимыми героями его картин были арлекины, тореадоры, музыканты.
Биография художника хорошо известна, о нем много написано, снято несколько документальных и художественных фильмов (например: «Прожить жизнь с Пикассо» с Энтони Хопкинсом в главной роли). Я хочу еще сказать пару слов о кубистическом периоде его творчества, основоположником которого он считается, к которому он постоянно возвращался, хотя я не являюсь поклонницей этого направления. Превращение форм лица и тела в геометрические блоки, произвольное рассекание и «изламывание» фигур, отсутствие перспективы, монохромность палитры, невозможность узнавания изображенного человека – особенности, присущие кубизму — меня они не привлекают, но… смотрите сами.
Мы продолжим разговор о Пикассо в следующей части, когда будем говорить о сюрреализме.
А сейчас поговорим о немецких художниках, в творчестве которых наиболее полно и ярко проявилось отрицание форм, ценностей и вкусов, господствовавших в искусстве, срывание всех и всяческих масок, преобладание содержания над формой. «Пафос экспрессионизма исключал гармонию, соразмерность, композиционную, ритмическую или цветовую уравновешенность; произведение должно было не радовать глаз и слух, а будоражить, возбуждать и — еще лучше – потрясать.» (https://expressionism.academic.ru/473/Немецкий_экспрессионизм)
В 1905 году в Дрездене немецкий экспрессионизм заявил о себе впервые в объединении «Мост» («Die Brücke»), просуществовавшем 8 лет, о котором мы уже говорили в прошлом, (я писала о нем тут: (http://vanatik05.livejournal.com/tag/%D0%96%D0%B8%D0%B2%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C.%20%D0%A4%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D0%B7%D0%BC), поэтому сейчас затронем только нашу тему портрета, упомянув некоторых ведущих художников группы.
Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938), художник, график, скульптор, идеолог и автор программы группы, в которой отрицался реализм, импрессионизм и даже модерн.
Пережив тяжелое потрясение от увиденного всего за два месяца своего участия в Первой мировой войне, пристрастившись к алкоголю и морфию, Кирхнер вынужден был провести некоторое время в психиатрической лечебнице. Основным жанром, в котором работал Кирхнер, был городской пейзаж, но и в портретах проявляются главные особенности его творчества — плоскостное изображение, сопровождаемое искажением формы и цветовой гаммы.
Он считал, что картины это «самостоятельные существа из линий и красок, которые похожи на свои прототипы ровно настолько, сколько требуется, чтобы сохранялся ключ к пониманию изображённого». Судьба была некоторое время благосклонна к художнику: легкие, которые беспокоили его еще со времен войны, были подлечены, у него проходят выставки в Германии и Швейцарии он даже становится членом Прусской академии искусств.
Но приход к власти нацистов положил конец благополучию многих людей искусства, творчество которых было объявлено «дегенеративным», 639 работ Кирхнера было уничтожено. В 1938 году его физическое и душевное здоровье резко ухудшилось, он опять вернулся к наркотикам, сломленный болезнью и обстоятельствами, художник покончил жизнь самоубийством.
В 1906 году к группе «Мост» присоединился уже известный к тому времени акварелист, предпочитавший до этого считаться художником-одиночкой, Эмиль Нольде (Ханс Эмиль Хансен, 1867-1956),
взявший себе в качестве псевдонима название деревни, где он родился. Он почти не писал портретов, так как избегал конкретики, главными его интересами была природа и библейские сюжеты, «изображения человека у него символичны, они находятся, как говорил художник, «по ту сторону понимания и знания» и «вне времен». (Статья Екатерины Деготь из книги «Художественный календарь 100 памятных дат», М., 1992 г.)
Несмотря на то, что Нольде разделял идеи национал-социализма, поддерживал Гитлера и даже был членом НСДАП, это не спасло его от причисления к представителям «дегенеративного» искусства, его творчество было охарактеризовано как «искусство распада», и 1052 картины изъяты из музеев, он был изгнан из Прусской академии художеств, а в 1941 году фактически получил запрет на какую-либо творческую деятельность.
Но даже все это не разочаровало его в национал-социализме. А после войны, несмотря на членство в нацистской партии, ему даже удалось, благодаря этим гонениям, избежать денацификации.
В 1906 году к группе «Мост» присоединяется один из лидеров немецкого экспрессионизма, единственный из членов группы, получивший классическое художественное образование, к тому времени уже лауреат Саксонской государственной премии Макс Пехштейн (1881-1955).
Несмотря на то, что к 1933 году он уже был членом Прусской художественной академии, входил в состав ее выставочной комиссии и был лауреатом Прусской государственной премии, ему запретили работать и выставляться, а в 1937 году исключили из Академии, 326 его работ были изъяты из музеев, а во время войны его дом был полностью разрушен в результате бомбежки и большая часть картин уничтожена.
После войны Макс Пехштейн жил в Западном Берлине, был профессором в Высшей школе изобразительного искусства.
Осенью 1911 года в Мюнхене появилось новое объединение художников-экспрессионистов «Синий всадник» («Der Blaue Reiter»), просуществовавшее всего 3 года, но оставившее важный след в истории искусства. (Я писала об этой группе тут: https://vanatik05.livejournal.com/tag/%22%D0%A1%D0%B8%D0%BD%D0%B8%D0%B9%20%D0%B2%D1%81%D0%B0%D0%B4%D0%BD%D0%B8%D0%BA%22)
Ведущим организатором и теоретиком объединения, считавшим, что художник имеет право на субъективное восприятие реальности, даже полный отказ от фигуративности и переход к абстракции, был Василий Кандинский (1866-1944), представитель экспрессионизма, ставший впоследствии одним из основоположников абстракционизма.
После окончания юридического факультета Московского университета и работы доцентом на этом факультете, потрясенный выставкой французских импрессионистов в Москве в 1895 году, Кандинский решает посвятить себя живописи и в 1896 отправляется в Мюнхен, считавшийся тогда одним из центров европейского искусства. И именно мюнхенский период, годы обучения, первые работы, создание «Нового объединения художников, Мюнхен», а затем и «Синего всадника» важны нам в нашей теме.
Работая над этой темой, я наткнулась на интересную статью Sergey Kanivets, в которой он, рассматривая вот эту картину,
приходит к выводу о том, что это абстракционистский автопортрет, на котором с большим трудом можно распознать в левой части изображение лица автора. Не знаю, не берусь судить, я вообще не решаюсь говорить на тему абстракционизма, поэтому о дельнейших исканиях Кандинского, о «биоморфных элементах, которые непринужденно чувствуют себя в пространстве картины, словно плавая по всей поверхности холста» у меня нет права рассуждать. Приведу лучше слова самого художника: «Абстрактное искусство создает рядом с «реальным» новый мир, с виду ничего общего не имеющий с «действительностью». Я этого пока не понимаю.
Другом Кандинского и соучредителем объединения «Синий всадник» был немецкий художник Франц (Мориц Вильгельм) Марк (1880-1916).
Всю свою жизнь он писал в основном животных, особенно лошадей, ланей и собак, он считал их высшими существами, старался смотреть на мир с их точки зрения. Он почти не писал портретов, но не сказать о нем пару слов нельзя.
Уж больно трагически рано оборвалась его судьба — Марк погиб под Верденом за несколько дней до того, как приказ об освобождении с фронтов Первой мировой войны важных для страны художников поступил в часть. Так в возрасте 36 лет погиб талантливый художник, который считал, что «Искусство – ни что иное, как выражение мечты».
Еще один участник объединения «Синий всадник» немецкий художник Август Роберт Людвиг Маке (1887-1914) был еще теоретиком и пропагандистом экспрессионизма.
Маке был крупным, здоровым и жизнерадостным молодым человеком, в юности он был потрясен работами французских импрессионистов, изучал искусство Ренессанса, путешествовал по Италии, учился у Коринта. Сначала он с сомнением относился к творчеству экспрессионистов, но после посещения выставки Франца Марка заинтересовался этим направлением.
«Он использовал в своих композициях принципы построения, позаимствованные у кубистов и художников «Всадника», но всегда оставался самостоятельным мастером.» (Ришар Л. Энциклопедия экспрессионизма.)
К сожалению, многих своих замыслов и идей ему не удалось осуществить, как и у Марка, в его судьбу вмешалась война: в августе 1914 года он ушел добровольцем на фронт, 20 сентября получил Железный крест, а уже 26 сентября, в возрасте 27 лет, погиб в бою, останки его не были обнаружены.
Еще один участник объединения «Синий всадник» немецко-швейцарский художник Пауль Клее (1879-1940)
в отличие от многих художников того времени Клее был образцом поведения: никогда не злился, всегда был спокоен, был образцовым мужем и отцом, верным другом и обожаемым преподавателем.
Родившись в семье музыкантов и получив музыкальное образование, он в молодости, уже став художником, продолжает подрабатывать в муниципальном оркестре Берна. Он был теоретиком авангардного искусства, утверждал, что рисунки детей и сумасшедших являются настоящим искусством.
Скажу честно, работы Пауля Клее не производят на меня впечатления, я не получаю от их созерцания ни потрясения, ни удовольствия, но в таких случаях я говорю себе: «Значит ты еще не доросла до понимания этого
искусства».
А вот его страшная болезнь (склеродермия) и мученическая смерть вызывают мое сочувствие, а его огромное творческое наследие (около 9000 работ) и гонения на его искусство в годы фашизма – уважение.
Австрийский художник, великолепный мастер портретов, особенно автопортретов, Эгон Шиле (1890-1918),
уже с юности мало чем интересовался, кроме рисования. Он плохо учился, был нелюдим, ни с кем не дружил, только очень любил отца, сошедшего с ума из-за заражения сифилисом и рано умершего.
Уже в возрасте 16 лет юный Шиле был принят в Академию изобразительного искусства, а несколькими годами позже поразил своим рано проявившимся талантом Густава Климта. На первой крупной выставке, организованной Климтом в 1909 году в Венской галерее, его картины висят рядом с работами самого Климта, Ван Гога и Мунка! Счет его женщинам потерян, он даже был арестован в одном маленьком городке за совращение малолетней, отделавшись тремя днями тюрьмы, но в его жизни были две любимые женщины, одна из них 17-летняя Валери Нойцель, бывшая модель Климта.
Вторая стала его женой, но их семейная жизнь была прервана уже через несколько дней после свадьбы войной, а после нее им было суждено прожить только несколько месяцев – они умерли один за другим от эпидемии «испанки», когда художнику было всего 28 лет.
О его жизни написаны романы, сняты фильмы, после него осталось около 300 картин и тысячи рисунков, его выставки проходят во многих ведущих музеях мира. Есть что-то завораживающее, пронзительное в его портретах, как будто люди, изображенные на них, заглядывают тебе в душу, они производят на меня почти такое же сильное впечатление, что и портреты работы Ван Гога.
Пора поговорить немного и о французском экспрессионизме, одним из ярких представителей которого был Жорж Руо (1871-1958), родившийся в бедной семье в год Парижской коммуны, под грохот пушечных выстрелов наступавших прусских войск.
Руо был одним из основателей Осеннего Салона в 1903 году, ему было близко творчество Ван Гога и Матисса, картины в начале творческого пути были часто на религиозные темы, но его интересовала жизнь людей, он ее
изображает иногда в карикатурном виде, пишет портреты клоунов, проституток, простых людей…
Часто он беспощаден к своим героям, и не пишет того, что должно понравиться публике, его интересует реальность, человек без маски, часто не только с голым телом, но и с обнаженной душой.
Те, кого интересует творчество Руо, могут прочитать его подробную биографию тут: http://modernartconsulting.ru/2011/09/rouault-george/, у художника была долгая творческая жизнь успех и международное признание.
Об одном из самых знаменитых русско-французских художников еврейского происхождения, прожившего почти 100 лет, начинавшего с наивного искусства и оставившего свой след практически во всех направлениях живописи 20 века и выработавшего свой собственный, всегда узнаваемый стиль, я не буду подробно говорить, все знают его биографию, он и сам описал ее в книге «Моя жизнь» – это Марк Шагал (1887-1985).
Напомню только о главной особенности его творчества, как он сам ее определял: «Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником».
Основные темы его творчества связаны с родным Витебском, любовью к родине и своему народу, со «взлетами» души и тела, религиозностью, а любимые цвета –зеленый (цвет жизни и обновления природы) и красный (цвет тревоги и беды).
В его картинах на первый взгляд много мистики, но на самом деле это жизнь, увиденная глазами Марка Шагала.
Еще один выходец из России еврейского происхождения, бывший десятым ребенком в бедной семье портного, живший и творивший во Франции, но считавший себя русским художником, ставший известным на родине благодаря Илье Эренбургу, первым написавшим о нем, был Хаим Сутин (1893-1943).
Внешне он выглядел непривлекательно: худой, болезненный, нескладный, толстогубый и патлатый, всегда напряженный и отрешенный, а когда он рисовал, казалось, что рассудок покинул его – он не воспринимал внешний мир и не реагировал на него. Ничто, кроме живописи его не интересовало: жизнь впроголодь (1 франк в день от друга Модильяни), ночная работа грузчиком для оплаты учебы, случайные женщины, пьянство – ничто не могло быть для него важнее живописи, она была способом и смыслом его существования.
«Хаим Сутин мог показаться кому-то дикарем, тронутым, неряхой и пьяницей, но в живописи он был аристократом и гением, человеком вольным, гордым и независимым. Его кисть вызвала к жизни картины, исполненные в суровом стиле. Он действовал как хирург, патологоанатом, лишенный сантиментов. Действовал убежденно и деловито.» (Г.Анисимов. «Жил-был художник Хаим Сутин»)
В какой-то мере пониманию его живописи поможет знание о том, что любимым писателем его был Бальзак, «до крови в глазах» разглядывавший мрак и нечистоты в душе человеческой, а любимым поэтом – Пушкин, с его стихами, взмывающими к вершинам духа. Умер Сутин от перитонита в оккупированном немцами Париже, провожал его в последний путь один только Пикассо. А двумя годами раньше в его родных Смиловичах погибли в гетто его родители. Хорошую статью о Хаиме Сутине, написанную Гр.Анисимовым, влюбленным в художника, можно прочитать тут: https://lechaim.ru/ARHIV/116/anis.htm.
И последним из экспрессионистов, которого мы тут упомянем, был австрийский художник чешского происхождения, родом из известной семьи ювелиров, один из учеников Густава Климта Оскар Кокошка (1886-1980).
Можно сказать, что в начале его творческой жизни ему сопутствовала удача – ему все давалось легко, несмотря на то, что его исключают из Художественной школы за непристойные картины и он остается без заработка, ему удается случайно познакомиться с богатым архитектором, А.Лоосом, который рекомендует его своим знакомым как портретиста. И ему действительно удавалось передать внутреннюю сущность изображаемых людей, как будто он видел насквозь и умел читать души.
В одном из сражений Первой мировой войны он был тяжело ранен в голову и грудь, попадает в плен, теряет память, скитается, считается умершим, но выживает и выздоравливает, хотя и признается психически неуравновешенным, возвращается в Вену, становится профессором Дрезденской академии. С приходом Гитлера к власти и объявления многих художников представителями «дегенеративного искусства» Кокошка уезжает в Англию, а после войны живет постоянно в Швейцарии на берегу Женевского озера, выезжая иногда в Австрию для преподавания или участия в выставках.
Интересно и просто написана биография Кокошки в статье Марии Микулиной «Безумный художник: история скандальной жизни Оскара Кокошки!» (http://www.maximonline.ru/longreads/get-smart/_article/kokoshka/), правда, почти без анализа его творчества.
Завершая разговор по теме, скажу, что список художников-экспрессионистов насчитывает в общем около 180 имен, я выбрала 14 наиболее известных, творчество которых отражает основные черты экспрессионизма в живописи: субъективное видение картины мира, предпочтение эмоций и чувств рассудку, и как следствие отражение в творчестве своего эмоционального и чувственного мира, частое использование тем страха и боли, отторжения и одиночества. Эти чувства передавались на полотне с помощью резких смазанных линий , грубых мазках, несовместимых, казалось бы, цветовых сочетаний. «Можно сказать, что экспрессионизм — это новый виток в революции искусства, когда художники от просто копирования действительности всё больше уходили в авангардные техники, которые позволяют ярче выразить ощущения, эмоции, абстрактные чувства, переживания.» (http://art-assorty.ru/7859-ekspressionizm-v-zhivopisi.html).
Как всегда, желающие могут посмотреть музыкальный видеоклип, в котором около 120 репродукций художников, упомянутых выше. Музыкальное сопровождение: А.Шенберг, Струнный квартет №4 Comodo, время просмотра – 8 минут.
Ссылки: 1. http://expressionists.ru/
2. https://artchive.ru/artists
3. https://www.kunst-zeiten.de/Expressionismus-Allgemein
4. http://www.kunstkurs-online.de/kunst-blog-msa/kunst-kunstler/maler-und-gemaelde-des-expressionismus/
5. https://www.wikiart.org/ru
Экспрессионизм в западноевропейской живописи
Экспрессионизм в западноевропейской живописи
Федеральное агентство по образованию Российской Федерации ГОУ ВПО «Красноярский Государственный Педагогический Университет им. В.П. Астафьева»
Индивидуальное задание
Зарубежная культура конца XIX — начала ХХ вв.
Экспрессионизм в западноевропейской живописи
Выполнила:
Крупина Мария
Студентка 34 группы
Красноярск 2011
Введение
экспрессионизм западноевропейский живопись
Экспрессионизм является, на мой взгляд, одним из самых ярких течений двадцатого века. Течение экспрессионизма охватывало собой живопись, скульптуру, архитектуру, музыку и конечно же литературу. В своей работе я подробно рассмотрю как было представлено течение экспрессионизма в западноевропейской культуре, для этого мною сначала будет рассмотрен сам термин «экспрессионизм», а потом наиболее яркие представители этого течения в западноевропейской живописи.
Экспрессионизм в западноевропейской живописи
Рассмотрим термин «экспрессионизм».
Экспрессионизм (от лат. expressio — выражение), направление, развивавшееся в европейском искусстве и литературе с 1905 по 1920-е гг. Экспрессиониз возник как отклик на острейший социальный кризис 1-й четверти 20 в. (включая 1-ю мировую войну и последовавшие революционные потрясения) и стал выражением протеста против уродств современной буржуазной цивилизации. Социально-критический пафос отличает многие произведения экспрессионизма от искусства авангардистских течений, развивавшихся параллельно с ним или сразу после него (кубизма, сюрреализма). Протестуя против мировой войны и социальных контрастов, против засилья вещей и подавленности личности социальным механизмом, а иногда обращаясь и к теме революционного героизма, мастера экспрессинизма совмещали протест с выражением мистического ужаса перед хаосом бытия. Кризис современной цивилизации представал в произведениях экспрессионизма одним из звеньев апокалиптической катастрофы, надвигающейся на природу и человечество. Термин экспрессионизм впервые употребил в печати в 1911 Вальден — основатель экспрессионистского журнала «Штурм».
Принцип всеохватывающей субъективной интерпретации действительности, возобладавший в экспрессионизме над миром первичных чувственных ощущений (составлявших первооснову художественного образа в импрессионизме), обусловил тяготение к иррациональности, обостренной эмоциональности и фантастическому гротеску, нередко — к полному или частичному уничтожению границ между персонажами и окружающей их естественной (или городской) пейзажной средой. Ярче всего принципы экспрессионизма выявились в искусстве Германии и Австрии.
В изобразительных искусствах среди предшественников экспрессионизма художники: француз Поль Гоген, голландец Винсент Ван Гог, норвежец Эдвард Мунк, бельгиец Дж. Энсор, швейцарец Ф. Ходлер и другие мастера, в разной степени близкие к символизму. Наиболее последовательно принципы экспрессионизма были воплощены в творчестве художников объединения «Мост» (Э. Л. Кирхнер, М. Пехштейн, Э. Хеккель, К. Шмидт-Ротлуф; к ним примыкал Э. Нольде). Они противопоставляли засилью вещей и подавленности личности социальным механизмом пафос «первозданно» свободного восприятия мира; их творческие искания, устремленные к обострённому самовыражению («экспрессии»), к субъективной интерпретации реальности, неизбежно принимали оттенок анархического бунтарства.
Более созерцательны по образному строю произведения представителей общества -«Синий всадник» (В. В. Кандинский, Ф. Марк и др.), чья эстетическая программа была во многом близка мистическим идеалам немецких романтиков; здесь возникли одни из наиболее ранних образцов абстрактного искусства. Вне этих объединений работали живописец, график и писатель О. Кокошка, скульптор, график и писатель Э. Бардах, живописец и график М. Бекман, скульптор В. Лембрук. У ряда художников благодаря росту антивоенных настроений и влиянию массового революционного движения экспрессиониз получил антивоенную и антиимпериалистическую окраску (Барлах, Ж. Грос, О. Дикс, Л. Мейднер, О. Нагель и др.). Наряду с живописью и скульптурой — чаще всего «яростно»-эмоциональными по манере, тяготеющими к острым цветовым контрастам или резким пространств, смещениям, — важное значение обрела станковая и книжная графика экспрессионизма, достигшая значительных результатов благодаря смелым сочетаниям гротеска и гиперболы, предельно концентрированным контрастам света и тени.
Теперь более подробно рассмотрим жизнь и деятельность некоторых экспрессионистов, таких как Кете Кольвиц, Оскар Кокошка, Кирхнер Эрнест Людвиг, Отто Дикс и Джорж Грост.
Кете Кольвиц — немецкая художница, экспрессионист. График и скульптор. Родилась в Кёнигсберге. Выросла в семье, причастной к рабочему движению и идеям социализма. Училась у К. Штауффер-Берна в Берлине (1885-1886 гг.) и у Л. Хертериха в Мюнхене (1888-1889 гг.). В 1890 г. начала заниматься гравюрой — офортом, а позже литографией и ксилографией. В 1919-1933 гг. профессор берлинской AX, изгнана оттуда фашистами. В 1927 г. посетила СССР. Уже в ранних офортах и литографиях, созданных под влиянием графики М. Клингера, обнаруживаются характерные для Кольвиц драматическая напряжённость и психологическая насыщенность образов, динамичная композиция, светотеневые контрасты. Серии «Восстание ткачей» (1897-1898 гг.) и «Крестьянская война» (1903-1908 гг.) представляют собой развёрнутое повествование о восстании и его разгроме. В этих сериях с медленным нарастанием событий, героической кульминацией и скорбным, драматическим финалом, особенно во втором, более обобщённом и экспрессивном цикле, Кольвиц поднимается до высокого трагизма и революционного пафоса. Первая мировая война 1914-1918 гг. была воспринята Кольвиц, потерявшей сына, сквозь призму личной трагедии, что окрасило её творчество в мрачные, жертвенные тона (цикл гравюр на дереве «Война», 1922-1923 гг.; «Родители» — памятник немецким солдатам во Владело, Бельгия, гранит, 1924-1932 гг.). В остро эмоциональном восприятии ужасов войны и трагедий рабочих семей в городских трущобах (цикл литографий «Голод», 1924 г; цикл гравюр на дереве «Пролетариат», 1925 г.) Кольвиц сближается с экспрессионизмом; при этом ведущую роль в её творчестве играют гуманистические общественные идеи, протест против гнёта, насилия и войны, призыв к единению («Памяти К. Либкнехта», гравюра на дереве, 1919-1920 гг.; плакаты, созданные в 1920-е гг.; литографии «Демонстрация», 1931 г, «Мы защищаем Советский Союз», 1931-1932 гг.). Последние годы жизни Кольвиц работала как скульптор, в 1942 создала в литографии героический образ матери, защищающей детей от гибели на полях войны. До 1943 г. жила в Берлине. Умерла Кете Кольвиц в замке Морицберг близ Дрездена 22 апреля 1945 г. В Берлине открыт музей К. Кольвиц.
Оскар Кокошка родился в 1886 г. в Пёхларне-на-Дунае. В 1905-1909 гг. учился в Вене в Школе прикладного искусства и работал в качестве графика в «Венской мастерской» — объединении мастеров прикладного искусства.
Обратиться к живописи художника убедил архитектор А. Лоос. Кокошка увлекся портретным жанром. В своих ранних портретах он стремился проникнуть в глубину внутреннего мира модели. Его произведения, выполненные с помощью неровных линий и мерцающих красок, очень эмоциональны («Адольф Лоос», 1909; «Ганс Титце и Эрика Титце-Конрат», 1909). В 1909 г. Кокошка приехал в Берлин, где в журнале «Дер Штурм» были опубликованы его графические работы и драма «Убийца, надежда женщин».
В 1911 г. художник возвращается в Вену. Здесь он создает картины на религиозные сюжеты. Среди них — «Бегство в Египет» (1911-1912) , «Благовещение» (1911) . Традиционные для европейской живописи образы Кокошка трактует по-своему, внося в них элементы современной ему действительности и собственное мироощущение. Живописная фактура его полотен становится более плотной и весомой. В такой манере художник пишет не только евангельские композиции, но и портреты, и картины с символическим содержанием («Автопортрет с Альмой Малер», 1912-1913; «Буря, или Невеста ветра», 1914).
В 1914 г. художник отправляется на фронт, где вскоре получает тяжелое ранение. Физические и моральные страдания (разрыв с любимой женщиной) влияют на его живопись, в которой появляются печальные ноты. Темным становится колорит картин, плотной и густой — их фактура. Работы этого периода, написанные мазкими, напоминающими петли, жгуты, спирали, создают мрачное и трагическое ощущение («Эмигранты», 1916-1917; «Влюбленные с кошкой», 1917). С 1917 г. Кокошка живет в Дрездене. В 1919-1924 гг. Он профессор дрезденской Академии художеств.
С 1924 по 1933 г. художник путешествует по странам Европы, Малой Азии и Северной Африки. В этот период он пишет главным образом пейзажи: виды городов и их окрестностей, порты («Венеция, лодки на таможне», 1924; «Побережье близ Довера», 1926; «Прага, Карлов мост», 1934). Своей воздушностью и трепетностью его ландшафты напоминают живопись художников-импрессионистов.
В 1933 г. Кокошка вернулся на родину — в Вену, а в 1934 г. поселился в Праге. В 1937 г. написана его знаменитая картина «Портрет «художника-вырожденца» — своеобразный вызов нацистам, развернувшим травлю мастеров «дегенеративного» искусства. В 1938 г. живописцу пришлось эмигрировать в Лондон. В английской столице Кокошка вместе с представителями прогрессивной интеллигенции выступил против милитаризма.
После окончания Второй мировой войны художник вновь отправился в путешествие по Европе. Впечатления, полученные во время поездок по европейским странам, отразились в полных света и воздуха пейзажах («Вид Зальцбурга», 1950). Не оставил Кокошка и портретный жанр. Он создал отмеченные тонким психологизмом образы своих современников («Теодор Хейс», 1950). В 1950-е гг. живописец обратился к античной тематике и написал два монументальных триптиха («Сага о Прометее», 1950; «Фермопилы», 1954). Кокошка занимался и преподавательской деятельностью. В Зальцбурге он работал в летней Академии художеств. С 1953 г. художник жил на Женевском озере в Вильнёве. Здесь он и скончался в 1980 г.
Кирхнер Эрнест Людвиг (1880-1938), немецкий художник, один из лидеров экспрессионизма.
Родился в Ашаффенбурге 6 мая 1880 в семье инженера-химика. В 1901-1905 занимался на факультете архитектуры Высшей технической школы в Дрездене, посещал также Учебно-экспериментальную мастерскую свободного и прикладного искусства в Мюнхене. По возвращении в Дрезден образовал в 1905 (вместе с Э.Хеккелем и К.Шмидт-Ротлуфом) группу «Мост», ставшую эпицентром экспрессионистского движения. Переехав в Берлин (1911), в 1912 издал Хронику «Моста», но вскоре рассорился с членами группы и с той поры работал обособленно.
В его зрелых вещах доминируют темы большого города, жанры и пейзажи, воплощенные в нервных, изломанных формах и драматическом, напряженно-контрастном колорите (Прогулка, 1911-1912, Художественный музей графства, Лос-Анджелес; Мост через Рейн, 1912-1914, Галерея современного искусства, Берлин). Попутно проявил себя и как замечательный мастер рисунка и гравюры. В начале войны служил артиллеристом под Галле, но уже через год (1915) был комиссован; итогом военных переживаний, тяжело сказавшихся на психике художника, явился саркастический Автопортрет в солдатской форме (1915, Алленовский мемориальный музей, Оберлин, США). Значительной разрядкой для мастера, пристрастившегося к алкоголю и морфию, явился переезд в Швейцарию. Живя во Фрауэнкирхе под Давосом (с 1915) — поначалу в санатории, который украсил своими фресками, — создавал по-прежнему напряженно-динамичные по ритму и колориту, но в целом более мажорные картины и графику по альпийским мотивам (Восход луны в Альпах, 1917, частное собрание, Давос; Прогулка в санях, 1922, частное собрание, Франкфурт-на-Майне; Лесорубы, около 1930, Кунстхалле, Гамбург). Создал в технике ксилографии ряд иллюстративных циклов — к Истории Петера Шлемиля А.фон Шамиссо (1916) и др. Выразил свое творческое кредо (идею искусства как сочетания «иероглифов», передающих внутренний духовный смысл видимого мира) в критических заметках о собственных работах, опубликованных под псевдонимом «Луи де Марсаль».
На протяжении 1920-х годов все ближе подходил к абстракции, делая свои образы действительно все более «иероглифическими», полуабстрактными. Причисленный нацистами к представителям «дегенеративного искусства» (или «искусства вырождения»), оказался в вынужденной творческой изоляции, хотя, как житель нейтральной Швейцарии, находился в относительной безопасности. Тем не менее трагические события в Германии толкнули его к самоубийству.
Отто Дикс (1891-1969), немецкий художник и график. Родился 2 декабря 1891 в местечке Унтерхаус близ города Гера в Саксонии. Учился живописи в дрезденской Академии художеств у Рихарда Мюллера. Во время Первой мировой войны служил добровольцем в действующей армии. Вернувшись с фронта, примкнул к дадаистам и испытал влияние Георга Гроса.
Основная тема графических листов Дикса — война и ее полная и абсолютная враждебность жизни. Ряд офортов из серии Война (1824) — эпизоды трагедии войны: Засыпанные, Застреленные, Раненый солдат, Мертвый часовой, заброшенные окопы с трупами солдат, раненные с развороченными внутренностями — таковы образы, которые представляет художник. Работы Отто Дикса, выполненные до 1924, имеют много общих черт с рисунками последнего. Примером работы Дикса в стиле реализма может служить Портрет доктора Майера-Херманна (1926, Нью-Йорк, Музей современного искусства). В 1927-1933 Дикс преподавал в дрезденской Академии художеств. В начале Второй мировой войны он жил с семьей в окрестностях озера Констанс. К этому времени на смену произведениям, созданным в жесткой реалистической стилистике, проникнутым социально-критическим пафосом, приходят яркие экспрессионистические работы с гротескными и изломанными формами. В 1945 он был призван в народное ополчение и попал в плен к французам, откуда вернулся в 1946. В поздний период творчества художник все чаще обращался к религиозным сюжетам. Умер Дикс в Зингене 25 июля 1969.
Джорж Грост (1893-1959), также Гросс (Gross) немецкий и американский художник и график, родился в Берлине 26 июля 1893. Его настоящее имя — Георг Эренфрид (George Ehrenfried). С 15 лет рисовал карикатуры. В 1909 поступил в Королевскую Академию художеств в Дрездене; позднее учился в берлинской Художественно-промышленной школе и в Париже. Начав профессионально заниматься живописью, Грос поселился в Берлине и жил там до 1932, затем эмигрировал в США, а в 1938 принял американское гражданство.
В Германии художник был видным деятелем авангарда. В 1917-1920 он принимал активное участие в жизни берлинских дадаистов. Для его творчества этого периода типичен Портрет Д.Хартфилда, где есть определенное искажение форм и использован коллаж. В конце 1920-х годов Гросс присоединился к направлению, получившему название «новая вещественность», или «веризм». Портрет доктора Нейссе (1927) — характерный пример использования подчеркнуто реалистических деталей для экспрессионистических целей, в манере, культивировавшейся веристами. Произведения Гросса, созданные до его отъезда в Америку, можно охарактеризовать как резкие обличения политического и общественного зла, открытые и прямые, исключающие всякий юмор. В годы фашизма его работы были изъяты из музеев. По приезде в США в стиле и общей направленности творчества художника произошли изменения. Он по-прежнему прекрасно владел профессиональными навыками, однако в поздних работах чувствуется возрастающий интерес к чисто живописным и техническим проблемам. Его обличительный пафос сменился проявлением гуманистического философского мировоззрения. В 1954 Гросс был избран членом Национального института искусства и литературы. В течение 20 лет он преподавал в нью-йоркской Лиге изучающих искусство. Умер Гросс в Берлине 6 июля 1959.
Вывод
Таким образом, мы видим, что художники-экспрессионисты имели большое значение на рубеже XIX-XX вв. в западноевропейской культуре. Экспрессионизм возникает как протестом на ужасы войны и социальных контрастов, против засилья вещей и подавленности личности социальным механизмом. Течение экспрессионизма было широко развито в Западной Европе, что подтверждается великими представителями этого течения в разных странах.
Экспрессионизм: что такое экспрессионизм? — USEUM
Экспрессионизм был авангардным движением, развившимся в Германии в начале 20 века. Как реакция на импрессионизм и академическое искусство, экспрессионизм относится к искусству, в котором представление реальности не является объективным, а искажается, чтобы выразить внутренние чувства художника. Художники-экспрессионисты хотели представить мир с субъективной точки зрения и изобразить эмоциональные переживания, которые вызывают в них предметы и события.
Термин экспрессионизм был придуман Антонином Матейчеком, чешским историком искусства, в 1910 году как противоположность импрессионизму и указывает на одно из основных направлений искусства, которое выражает в высшей степени субъективное, личное, спонтанное самовыражение, типичное для широкого круга современных художников. художники. Искажение, преувеличение, примитивизм и фантазия — все это характеристики экспрессионизма.
Экспрессионизм развился в ответ на индустриализацию и рост городов.Неизбежность мировой войны, новая мощь капитализма и рост индустриализации оказали огромное влияние на умы людей в начале века, особенно в Германии. В отличие от импрессионизма, его цель заключалась не в том, чтобы воспроизвести впечатление, создаваемое окружающим миром, а в том, чтобы сильно навязать собственную чувствительность художника изображению мира. Художники-экспрессионисты заменяют реальность визуального объекта своим собственным изображением этого объекта, которое они воспринимают как точное представление его реального значения.
Как международное движение, экспрессионизм находился под влиянием определенных средневековых форм искусства, а также Сезанна, Гогена, Ван Гога и движения фовизма. Движение Матисса и Дерена, в частности, вдохновляло художников-экспрессионистов, поощряя искажение формы и использование ярких цветов для передачи разнообразных тревог и чувств. Классическая фаза экспрессионистского движения длилась примерно с 1905 по 1920 год и распространилась по всей Европе.Его принципы позже вдохновили абстрактный экспрессионизм, и его влияние будет ощущаться на протяжении оставшейся части века в немецком искусстве. Узнайте больше об экспрессионизме в истории экспрессионизма, Die Brücke, Der Blaue Reiter и абстрактном экспрессионизме.
Текст Кристины Мотта
Экспрессионизм — История искусств — Оксфордские библиографии
Введение
Как и во многих обозначениях периода и движения, экспрессионизму не хватает последовательного набора критериев.Однако в отличие от таких терминов, как импрессионизм, кубизм или фовизм, он был изобретен не для уничижительного употребления критиками, а, скорее, для обозначения новых достижений в искусстве, особенно в немецкоязычных районах Центральной и Северной Европы, начиная с 1910 года. в концепции выражения он подчеркивает в высшей степени субъективную художественную предрасположенность, зависящую от эмоциональной реакции отдельного художника на внешнюю среду и жизненный опыт и их визуализацию. «Экспрессионизм» продолжает использоваться в этой аморфной манере, особенно в художественной критике.Для целей истории искусства более полезным является отождествление экспрессионизма с немецким экспрессионизмом. Как географически, так и ограниченно во времени, это определяет главную тенденцию не только в прогрессивном изобразительном искусстве, архитектуре, литературе и музыке, но также в сценическом дизайне и кино в период 1905–1924 годов в поздней Германской империи и Австро-Венгерской империи и в ранней Веймарской республике и Австрийской республике. В изобразительном искусстве две основные группы художников составляют парадигматических представителей экспрессионизма.Эрих Хекель, Эрнст Людвиг Кирхнер, Макс Пехштейн и Карл Шмидт-Ротлуф основали Künstlergruppe Brücke (Мост группы художников) в Дрездене в 1905 году; группа распалась в Берлине в 1913 году. В Мюнхене в 1911 году Василием (Василием) Кандинским, Францем Марком и Габриэле Мюнтер основали выставочное общество Der Blaue Reiter («Синий всадник»); с началом Первой мировой войны группа разошлась. Не связанные напрямую с этими группами, изолированные художники в Берлине, особенно Людвиг Мейднер и Лионель Файнингер, а также Оскар Кокошка и Эгон Шиле в Вене, как правило, признаны экспрессионистами.Другие художники, связанные с ними через выставки или галереи, также были идентифицированы как экспрессионисты. Недавно молодые художники, работавшие во время и после Первой мировой войны, также были определены как «второе поколение» экспрессионистов (см. Стефани Бэррон, изд., Немецкий экспрессионизм, 1915–1925: Второе поколение [Лос-Анджелес: Мюнхен: Prestel , 1988]). Еще в 1950-х годах экспрессионизм был глубоко втянут в современные политические и идеологические конфликты; Следовательно, исследования и выставки экспрессионистского искусства часто были отмечены как идеологическими проблемами, так и историческими или эстетическими.Только в конце 1950-х гг. Исследования экспрессионизма утратили политическую направленность и заменили его архивными исследованиями и исследованиями стилистического развития. С 1970-х годов внимание к стилю и формальным ценностям уменьшилось, поскольку патронаж, тематика, мотивы, практика и выставочные стратегии экспрессионизма, а также его критический прием стали подвергаться тщательному анализу, и по мере того, как дополнительные художники были включены в сферу экспрессионизма. . В этой статье основное внимание уделяется экспрессионизму как движению, поэтому монографии для отдельных художников не перечислены.
Манифесты художников и другие произведения
Манифесты пронизывают историю экспрессионизма, начиная с основополагающего манифеста Künstlergruppe «Brücke», который рассматривается в Kirchner 1905. Большинство из них доступно в Антологиях. Здесь перечислены отдельно опубликованные или целые книги. Хотя и не полностью оторванные от него, эти тексты устанавливают не столько теорию художественного производства, которая отдельно рассматривается в разделе «Теория и критика», сколько изложение позиций по отношению к художественному истеблишменту, предыдущим художественным движениям или современному обществу и его ценностям. Katalog zur Ausstellung der K. G. «Brücke» 1910 г. (Arnold 1988) точно воспроизводит каталог последней выставки Брюке в Дрездене в 1910 году, первоначально состоящий из гравюр на дереве и текстов художников. Виннен 1911 осуждает недавние события в немецком искусстве в коллекции текстов, которые сегодня часто интерпретируются как прообраз нацистских аргументов 1930-х годов. Im Kampf um die Kunst: Die Antwort auf den «Protest deutscher Künstler» отвечает на трактат Виннена текстами, написанными художниками-экспрессионистами, директорами музеев и критиками, включая Вильгельма Воррингера.Изначально «Кандинский и Марк 2005» был опубликован одновременно с первой выставкой Блауэ Райтера в Мюнхене в 1912 году, и в своем сборнике он отражает стремление экспрессионизма продвигать синтез всех видов искусства. An all Künstler! (Беккер и др., 1919) доминируют утопические надежды немецких художников на искусство, художественное образование и общество после Первой мировой войны.
Арнольд, Галерея (Дрезден). «Katalog zur Ausstellung der K. G.‘ Brücke ’1910». В Kataloge epochenmachender Kunstausstellungen in Deutschland, 1910–1962 .Под редакцией Эберхарда Ротерса. Кёльн: Вальтер Кёниг, 1988.
Факсимиле каталога гравюр с предисловием к последней выставке Брюке в Дрездене, предлагающее краткую субъективную историю группы.
Беккер, Роберт Б., Макс Пехштейн, Сезар Кляйн и др. An all Künstler! Berlin: Kunstanstalt Willi Simon, 1919.
Коллекция утопических манифестов и программных заявлений художников и писателей-экспрессионистов, призывающих к революционному преобразованию общества через искусство после ноябрьской революции 1918 года в Германии.Среди авторов были поэт Йоханнес Р. Бехер, драматург Вальтер Хазенклевер, писатель и радикальный политик Курт Эйснер, а также художники Лионель Фейнингер, Сезар Кляйн, Людвиг Мейднер, Макс Пехштейн, Ганс Рихтер-Берлин, Милли Штегер и Георг Тапперт. Манифесты Эйснера, Мейднера и Пехштейна включены в Washton Long 1992 (цитируется в Антологиях).
Im Kampf um die Kunst: Die Antwort auf den «Protest deutscher Künstler». Мюнхен: Р.Piper, 1911.
«Ответ» на трактат Виннена 1911 года против французского влияния, с заявлениями сорока восьми художников и двадцати семи коллекционеров, критиков и директоров музеев, составленных Альфредом Вальтером Хеймелем и Францем Марком.
Кандинский, Василий (Василий) и Франц Марк, ред. Альманах Блауэ Рейтера . Документы современного искусства. Бостон: Музей изящных искусств, 2005.
«Новое документальное издание» Клауса Ланкейта из Альманаха (Мюнхен, 1965), переведенное здесь, добавляет историю и связанные с ним документы, а также библиографию Бернарда Карпеля (также опубликованную в 1974 [Нью-Йорк: Викинг]).Включает иллюстрации современного и средневекового европейского искусства, немецкого и русского народного искусства, а также детские рисунки и произведения искусства незападных стран. Включает фундаментальные эссе Василия (Василия) Кандинского, Августа Макке, Франца Марка и Арнольда Шенберга, а также пьесу Кандинского «« Желтый звук »» и музыку Арнольда Шенберга, Антона фон Веберна и Альбана Берга.
Кирхнер, Эрнст Людвиг. Künstlergruppe Brücke . Дрезден, Германия: Художник, 1905.
Виннен, Карл, изд. Протест deutscher Künstler . Йена, Германия: E. Diederich, 1911.
Печально известный шовинистический сборник заявлений 120 немецких художников и критиков, возражавших против влияния на немецких художников современного негерманского, особенно французского, искусства и его притока в немецкие музеи.
Пользователи без подписки не могут видеть полный контент на эта страница. Пожалуйста, подпишитесь или войдите.
10 шедевров позднего неоэкспрессионизма Художественное движение
Когда мы смотрим на художественную сцену 20-го века, мы видим, что некоторые из величайших авангардных движений ожили в результате полного восстания против какого-то другого движения. . Концептуальное искусство родилось как реакция на формализм, минимализм стремился быть полной противоположностью абстрактного экспрессионизма, а затем был Neo — экспрессионизм , который стремился к вернуться к объективности в живописи и скульптуре , изображению узнаваемые объекты, а не просто концепции, идеи и видения.Возникнув в конце 1970-х годов, он часто назывался Neue Wilden — Новые дикие, из-за своего происхождения в Западной Германии , и он представлял собой возвращение к Экспрессионизму , иногда слегка абстрактно. С момента своего зарождения до конца 1980-х годов он распространился по всему миру, оставив самые сильные следы в Италии и Соединенных Штатах. Обладая сильным чувством художественной силы, художники-неоэкспрессионисты рисовали и рисовали на самые разные темы, такие как мифология, история, культура и даже эротика.
Неоэкспрессионизм — идеи, концепции, стиль
То, что характеризует произведения неоэкспрессионизма, — это немедленное возвращение к живописи как основной, почти органической части искусства — это прекрасно отражается в часто крупномасштабных произведениях , покрытых толстыми слоями краски и грубыми мазками кисти. насыщенные цвета . Речь шла больше о форме, способе создания произведения искусства, а не о том, что через него представлено. Художники практически объявили войну повествованию и восприняли иконографию, примитивизм, природу, мифологию и историю, иногда в провокационной манере.Такой подход был хорошо принят в начале и середине 1980-х годов, и многие классифицируют его как тенденцию, а не как собственное движение.
В Германии, Италии и США
Первые признаки неоэкспрессионизма были отмечены в 1963 году, когда Георг Базелиц открыл шокирующую выставку в Западном Берлине. Его спектакль был демонтирован вскоре после постановки из-за «непристойности» — на одних картинах была изображена мастурбация, на других — мужские фигуры с эрекцией.В следующее десятилетие Базелиц стал самой выдающейся фигурой неоэкспрессионистской фигуративной живописи в Германии вместе с такими художниками, как Ансельм Кифер , A.R. Penck , Eugen Schonebeck и Markus Lupertz . Группа создавала произведения, вдохновленные Мунком, де Кунингом и даже покойным Пикассо, посвященные беспокойной послевоенной истории своей страны и наследию нацистов. Южнее европейского континента Италия представила свою собственную версию тенденции под названием Trans-Avantgarde , предложенную критиком Ахилле Бонито Олива в ответ на другого влиятельного итальянского авангарда, Arte Povera .Обладая сильным чувством пародии, их стиль был довольно похож на немецкий, что можно было увидеть в работах Сандро Чиа , Франческо Клементе и Энцо Кукки . Однако по ту сторону океана Соединенные Штаты тепло приветствовали возвращение этого выражения в начале 1980-х годов. Имея базу в Нью-Йорке, американские креативщики, такие как Julian Schnabel , Eric Fischl и даже Jean-Michel Basquiat , оспаривали контент, который демонстрировался в галереях, создавая личные, деликатные произведения искусства.
на рынке
Движение оказало огромное влияние на арт-рынок Европы и США за относительно короткий период своего существования. Его популярность в коммерческом мире галерей достигла больших высот в середине 1980-х годов, когда картины неоэкспрессионистов стали самым популярным предметом покупки и продажи. Многие критиковали художников из-за этого, обвиняя их в создании искусства с единственной целью получения прибыли, и многие до сих пор считают это главной причиной его окончательного упадка.К концу десятилетия его перепроизводство привело к краху рынка. Сегодня его определяют как своего рода мост между искусством позднего модерна и раннего постмодерна, и его художники по-прежнему занимают значительное место на аукционах — хотя это связано с их собственной популярностью. Его наследие очень важно, и здесь мы рассмотрим шедевры его позднего периода.
Прокрутите вниз, чтобы увидеть самые важные работы позднего неоэкспрессионизма.
Георг Базелиц — Зибен мал Паула, 1987/88
Спорный, новаторский и бесстрашный Георг Базелиц представляет собой символ немецкого неоэкспрессионизма, а также движения в глобальном масштабе.Его крупномасштабные картины, почти утяжеленные из-за чрезмерного использования красок, поражающие своим ярким или глубоким цветом и перевернутые знаковые персонажи, являются каждой частью движения, как мы можем себе представить. Одним из таких примеров является его Sieben mal Paula , или «Семикратная Паула», в котором Георг Базелиц спрашивает нас: кто настоящая Паула? Все они разные, но одинаковые, и это только одна из вещей, которые нас озадачивают в этом изысканном произведении искусства.
Показанное изображение: Георг Базелиц — Зибен мал Паула, 1987/88.Холст, масло.195 х 172 см. Предоставлено Музеем Фридера Бурда, Баден-Баден
Энцо Кукки — Sparire I, 1988
Представитель итальянского ответа на неоэкспрессионизм — Трансавангардия — Энцо Кукки, как и многие другие художники этого движения, получил известность в начале 1980-х годов. Его часто темные картины напоминают картины, найденные в пещерах, и поэтому они также часто содержат символы, такие как примитивные инструменты, огонь и домашний скот. Вызывая более высокий уровень драматизма по сравнению с неоэкспрессионистскими произведениями искусства в других странах, работы Энцо Кукки обычно крупномасштабны, и одним из таких примеров является Sparire 1988 года («Исчезающий»), одна из двух работ в описываемой серии. по горизонтали, панорамному формату глубина черного и коричневого.
Показанное изображение: Enzo Cucchi — Sparire I, 1988. Офорт, акватинта на медной пластине и шелкография, 5 цветов, бумага Fabriano, 78 x 300 см. Предоставлено Deweer Gallery Otegem
Ансельм Кифер — Беренис, 1989
Ансельм Кифер — один из немецких художников-неоэкспрессионистов, который был свидетелем борьбы послевоенной Германии и часто изображал ее в своем творчестве. В своей работе 1989 года под названием Berenice он затронул эту и другую тему, характерную для его движения, — мифологию и легенды.Скульптура из свинца, стекла, фотографий и волос отсылает к истории, относящейся к III веку до нашей эры, когда Береника, принцесса Кирены (ныне Ливия) пожертвовала прядью своих волос, чтобы обеспечить безопасное возвращение мужа. Скульптура также представляет собой крыло самолета, а использование свинца Ансельмом Кифером указывает на горечь, оставшуюся после Второй мировой войны.
Показанное изображение: Ансельм Кифер — Беренис, 1989. Свинец, стекло, фотографии и волосы, 120 x 390 x 320 см. Предоставлено Гуггенхаймом Бильбао, фото Эрики Барахона-Эде
Франк Ауэрбах — Екатерина, 1989
Если бы мы описали работы Франка Ауэрбаха двумя словами, это были бы гротескная подкладка.Родившийся в Германии, но выросший в Великобритании из-за нацизма, художник часто рисовал или рисовал модели, и обычно одни и те же, так как ему нравилось поддерживать знакомство. Его живописные работы можно отнести к абстрактному искусству, где его предметы возникают из неопределенного фона, в то время как его офорты имеют более четкое видение лица, построенного серией линий. В его серии рисунков конца 1980-х годов было много моделей, снятых под разными углами и нарисованных с разной интенсивностью линий и штриховок. Модель Catherine 1989 года представляет собой одну из ярких черт серии, абстракцию, основанную на реализме.
Изображение: Франк Ауэрбах — Екатерина, 1989. Офорт, 26 x 21,5 см. Предоставлено Marlborough Fine Art
.Марлен Дюма — Хороший совет, 1991
Живое масло и акварель Марлен Дюма стало культовым в изобразительном искусстве, но также оставило глубокий след в неоэкспрессионизме как одном из представителей за пределами Европы и США. Ее работы в конце 1980-х — начале 1990-х годов были посвящены беременности и младенцам, а ее предметы оживали в оттенках синего, серого и глубокого черного.В рамках этого движения Марлен Дюма родила целый собственный художественный стиль, включающий портреты необычного воздействия и в разных пейзажах, иногда эротичных, а иногда сбивающих с толку. Ее картины часто играют с восприятием и соразмерностью человеческого тела.
Показанное изображение: Марлен Дюма — Хороший совет, 1991. Холст, масло, 50 x 40 см. Предоставлено Galerie Isabella Czarnowska
Эрик Фишль — Скакалка, 1992
Эрик Фишль, являющийся частью неоэкспрессионизма в Америке, получил признание в 1980-х годах за свои образные картины, посвященные подростковой сексуальности и вуайеризму.Его портреты обычно связаны с социальными ситуациями, часто кажется, что они были засвидетельствованы в секрете из-за их явных тем. Выразительные мазки и доминирующая монохроматическая атмосфера — вот что также характеризует его работу Jump-rope , в которой мы видим обнаженную женщину в повествовании, полностью открытом для интерпретации. Многие из картин Эрика Фишля основаны на примерно 2000 его фотографических работ, которые он переделывает в цифровом виде, прежде чем использовать снова.
Показанное изображение: Эрик Фишль — Скакалка, 1992.Уникальный цвет глубокой печати TP, 43,8 x 38,1 см. Предоставлено BCB Art
.Элизабет Мюррей — Wiggle Manhattan, 1992
То, что неоэкспрессионизм может быть абстрактным, показывает этот эстамп 1992 года Элизабет Мюррей под названием Wiggle Manhattan . Художница, которая на протяжении всей своей карьеры вдохновлялась многими другими движениями, такими как экшн-живопись, минимализм и даже кубизм, взяла карту Манхэттена, чтобы нарисовать на ней сильные линии красного цвета, что, кажется, является анализом его множества. улицы и проспекты.С оттенком сюрреализма Элизабет Мюррей вставляет в свои работы фигуры, похожие на призраков, а также некоторые собачьи кости и другие символические элементы. Благодаря использованию ярких цветов и композиций, похожих на коллаж, художник вносит уникальный вид абстракции в неоэкспрессионистское движение.
Показанное изображение: Элизабет Мюррей — Wiggle Manhattan, 1992. Литография в 15 цветах, выпуск 47. 149,2 x 73,7 см. Предоставлено Universal Limited Art Editions, Нью-Йорк,
Джулиан Шнабель — Факирес (Факиррак), 1993
Один из художников, определивших неоэкспрессионизм в концептуально насыщенной американской арт-сцене, Джулиана Шнабеля особенно вдохновили Испания и Барселона, особенно после своего визита в 1970-е годы.Его насыщенные цвета и живость вдохновили на создание его фирменных картин на тарелках, полных текстур и культовых образов. В конце 1980-х Джулиан Шнабель писал картины, посвященные письменному слову, и делал лингвистические ссылки. Частью этого является произведение Fakires , где буквы становятся изобразительными элементами, погруженными в выразительные потоки более богатой цветовой палитры и мазков, подчеркнутых интенсивной черной подкладкой.
Обязательно посмотрите работы Джулиана Шнабеля на нашей торговой площадке!
Показанное изображение: Джулиан Шнабель — Факирес (Факиррак), 1993.Масло, смола и картон на хлопковой ткани, 275 х 214 см. Предоставлено Гуггенхаймом Бильбао
Леон Голуб — Танцующие мужчины, 1993
Другой американский неоэкспрессионист, увлеченный культовыми и мифологическими фигурами, Леон Голуб в 1993 году создал модель Dancing Men , в которую вошли его фирменные классические греческие персонажи. Часто сравнивают с картиной Анри Матисса «Танец » Анри Матисса, однако на гравюре нет этих фигур в круге, а на бежевой пустоте во всем их красочном великолепии.Призрачный облик мужчин Леона Голуба подчеркивается использованием ярких цветов и текстур в их контурах, а их поза, кажется, подразумевает множество возможных сценариев и эмоций — страх, соблазнение, насилие, любовь и, конечно же, танцы.
Показанное изображение: Леон Голуб — Танцующие люди, 1993. Цветная литография, 62,9 x 55,9 см. Выпуск 100. Предоставлено ICA Philadelphia
Франческо Клементе — Автопортрет без названия, 1993
Франческо Клементе родился в Италии, всю свою жизнь провел между Индией и США, но он по-прежнему остается одним из самых влиятельных неоэкспрессионистов своей родной страны.Фактически, он считается одним из самых выдающихся художников этого движения с его очень выразительным возвращением к человеческому телу и состоянию. Таков его отпечаток Untitled Self Portrait 1993 года, где мы видим сильное присутствие красного как цвета любви, но также ярости и, возможно, в данном случае, грусти. Красный представляет собой продолжение тела художника, и среди завихрения мы видим его борющееся лицо в состоянии дискомфорта и безнадежности.
Показанное изображение: Франческо Клементе — Автопортрет без названия, 1993.Цветная цифровая струйная печать на бумаге ручной работы, 26,7 x 40,6 см. Издание 250. Предоставлено галереей Роберта Фонтейна Майами
Было ли современное искусство оружием ЦРУ?
Было ли современное искусство оружием ЦРУ?
(Изображение предоставлено Центральным разведывательным управлением)
Абстрактные экспрессионисты вышли из безвестности в конце 1940-х, чтобы сделать Нью-Йорк центром мира искусства, но некоторые говорят, что они стали пешками американских шпионов в холодной войне. Аластер Сук расследует.
I
Сразу после Второй мировой войны в мире искусства Нью-Йорка произошло нечто захватывающее. Странная, но непреодолимая энергия захлестнула город, когда художники, которые годами боролись в бедности и безвестности, внезапно обрели уверенность в себе и успех. Вместе они сформировали движение, которое со временем стало известно как абстрактный экспрессионизм. В настоящее время он является предметом крупной выставки, на которой представлены 164 работы 30 художников (включая Виллема де Кунинга, Джексона Поллока и Марка Ротко) в Королевской академии искусств в Лондоне.
Одной из самых замечательных черт абстрактного экспрессионизма была скорость, с которой он завоевал международное признание. Хотя художникам, связанным с ним, потребовалось много времени, чтобы найти свой фирменный стиль, как только движение кристаллизовалось, к концу 40-х годов, оно быстро приобрело сначала известность, а затем уважение. К 50-м годам было общепризнано, что самые захватывающие достижения в живописи и скульптуре происходили в Нью-Йорке, а не в Париже. В 1957 году, через год после гибели Поллока в автокатастрофе, Метрополитен-музей заплатил 30 000 долларов за его «Осенний ритм» — беспрецедентную сумму для картины современного художника того времени.
Метрополитен-музей в Нью-Йорке приобрел «Осенний ритм Джексона Поллока» за беспрецедентную сумму в 1957 году, через год после смерти художника (Источник: Метрополитен-музей)
В следующем году «Новая американская живопись», влиятельная выставка, организованная Нью-Йоркским музеем. Музей современного искусства начал годичный тур по европейским городам, включая Базель, Берлин, Брюссель, Милан, Париж и Лондон. Триумф абстрактного экспрессионизма был полным.
Невольные помощники?
Однако вскоре началась обратная реакция.Сначала пришел поп-арт, отвлекший внимание от абстрактного экспрессионизма в начале 60-х. Затем пришли распространители слухов, нашептывающие, что стремительный успех абстрактного экспрессионизма был чем-то подозрительным.
Поллок был сильно пьющим, который вел затворническую жизнь, прерванную автомобильной аварией в возрасте 44 лет (Источник: Getty Images)
В 1973 году в статье в журнале Artforum художественный критик Макс Козлофф исследовал пост- война Американская живопись в контексте холодной войны.Он утверждал, что реагирует на «самовосхваление» недавних публикаций, таких как «Триумф американской живописи» Ирвинга Сэндлера (1970), первая история абстрактного экспрессионизма. Козлофф продолжал утверждать, что абстрактный экспрессионизм был «формой доброжелательной пропаганды», согласованной с послевоенной политической идеологией американского правительства.
Во многих отношениях эта идея казалась абсурдной. В конце концов, большинство абстрактных экспрессионистов были непостоянными аутсайдерами. Поллок однажды сказал, что все в его средней школе в Лос-Анджелесе думали, что он «тухлый бунтарь из России».По словам Дэвида Анфама, сокуратора выставки Королевской академии, «Ротко сказал, что он анархист. Барнетт Ньюман был объявленным анархистом — он написал введение к книге Кропоткина об анархизме. Итак, здесь у вас была связка художников-нонконформистов, которые были полностью отчуждены от американской культуры. Они были противоположностью «воинов холодной войны».
Несмотря на это, идеи Козлова прижились. За несколько лет до их публикации, в 1967 году, New York Times сообщила, что либеральный антикоммунистический журнал Encounter косвенно финансировался ЦРУ.В результате люди стали подозрительными. Может быть, ЦРУ тоже приложило руку к продвижению абстрактного экспрессионизма на мировой арене? Был ли Поллок, сознательно или нет, пропагандистом правительства США?
Мягкая сила
Ряд эссе, статей и книг последовал за статьей Козлова, и все они утверждали, что ЦРУ каким-то образом манипулировало абстрактным экспрессионизмом. В 1999 году британский журналист и историк Фрэнсис Стонор Сондерс опубликовала книгу о ЦРУ и «культурной холодной войне», в которой заявила: «Абстрактный экспрессионизм использовался как оружие холодной войны.Обобщение ее аргументов доступно в Интернете в статье, которую она написала для газеты Independent в 1995 году. «В манере принца эпохи Возрождения — за исключением того, что действовало тайно — ЦРУ поощряло и продвигало американскую абстрактную экспрессионистскую живопись по всему миру. более 20 лет », — написала она.
Номер Ротко «15 темно-зеленых на синем с зеленой полосой» датируется 1957 годом (Фото: Кейт Ротко Призель и Кристофер Ротко, штат Нью-Йорк и DACS, Лондон)
Суть ее дела выглядит примерно так.Мы знаем, что ЦРУ финансировало культурные инициативы в рамках своей пропагандистской войны против Советского Союза. Это было сделано косвенно, на так называемом «длинном поводке», через такие организации, как Конгресс за свободу культуры (CCF), антикоммунистическую группу защиты, действующую в 35 странах, которую ЦРУ помогло создать и финансировать. Например, CCF спонсировал запуск журнала Encounter в 1953 году. Он также оплатил поездку Бостонского симфонического оркестра в Париж для участия в фестивале современной музыки.
По словам Сондерса, CCF профинансировал несколько громких выставок абстрактного экспрессионизма в 50-х годах, в том числе «Новую американскую живопись», которая гастролировала по Европе с 1958 по 1959 год. Предположительно, Галерея Тейт не могла позволить себе провести выставку в Лондон — поэтому американский миллионер по имени Джулиус Флейшманн вмешался, скупив деньги, чтобы они могли поехать в Великобританию. Флейшманн был президентом организации под названием Farfield Foundation, которую финансировало ЦРУ.Таким образом, можно утверждать, что видные британские художники-абстракционисты, такие как Джон Хойланд, на которых глубоко повлияла выставка Тейт в 59-м, были сформированы американскими шпионами.
Нельсон Рокфеллер был президентом MoMA в 1940-х и 1950-х годах и имел тесные связи с представителями американской разведки (Источник: Getty Images)
Сондерс также отметил связи между ЦРУ и Нью-Йоркским музеем современного искусства (MoMA), которые сыграл важную роль в продвижении абстрактного экспрессионизма.Нельсон Рокфеллер, президент MoMA в 40-50-е годы, имел тесные связи с разведывательным сообществом США. Так же поступал и Томас Брэйден, руководивший культурной деятельностью ЦРУ: до прихода в «Компанию» он был исполнительным секретарем MoMA.
«Проницательный и циничный»
Однако даже сегодня история причастности ЦРУ к абстрактному экспрессионизму остается спорной. По словам Ирвинга Сэндлера, которому сейчас 91 год, это абсолютно неверно. Разговаривая со мной по телефону из своей квартиры в Гринвич-Виллидж в Нью-Йорке, он сказал: «Никакого правительственного агентства не было абсолютно никакого.Я не видел ни одного факта, указывающего на сговор такого рода. Конечно, к настоящему времени что-нибудь — что угодно — могло бы появиться. И разве не интересно, что федеральное правительство в то время считало абстрактный экспрессионизм коммунистическим заговором с целью подорвать американское общество? »
Дэвид Анфам более осмотрителен. Он говорит, что это «хорошо задокументированный факт», что ЦРУ использовало абстрактный экспрессионизм в своей пропагандистской войне против России. «Даже выставка« Новая американская живопись »финансировалась ЦРУ», — говорит он.Согласно Anfam, легко понять, почему ЦРУ хотело продвигать абстрактный экспрессионизм. «Это очень хитрая и циничная стратегия, — объясняет он, — потому что она показала, что в Америке можно делать все, что угодно». К 50-м годам абстрактный экспрессионизм был связан с концепцией индивидуальной свободы: его полотна воспринимались как выражение субъективной внутренней жизни художников, которые их рисовали.
Работы Франца Клайна более строгие и менее спонтанные, чем у других абстрактных экспрессионистов (Фото: Музей современного искусства Чикаго) .«Америка была страной свободных, в то время как Россия была заперта с культурной точки зрения», — говорит Анфам, характеризуя восприятие, которое ЦРУ желало развить во время холодной войны.
Это, конечно, не означает, что художники сами были замешаны в ЦРУ или даже знали, что оно финансировало выставки абстрактных экспрессионистов. Тем не менее, независимо от степени финансового участия ЦРУ в абстрактном экспрессионизме, Anfam считает, что это было «лучшее, за что организация когда-либо платила».Он улыбается. «Я бы предпочел, чтобы они потратили деньги на абстрактный экспрессионизм, чем на свержение левых диктаторов».
Алистер Сук — искусствовед The Daily Telegraph.
Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-нибудь еще, что вы видели на BBC Culture, перейдите на нашу страницу Facebook или напишите нам на Twitter .
И если вам понравилась эта история, подпишитесь на еженедельник BBC.com предлагает информационный бюллетень под названием «Если вы прочитаете только 6 статей на этой неделе». Тщательно подобранная подборка историй из BBC Future, Earth, Culture, Capital, Travel и Autos, которые доставляются вам на почту каждую пятницу.
Международная энциклопедия Первой мировой войны (WW1)
Введение ↑
Экспрессионизм, собственно говоря, это модернистское направление в искусстве, зародившееся в Германии перед Первой мировой войной. Его основная цель состояла в том, чтобы представить реальность с личной точки зрения, подвергая ее радикальным искажениям для «выразительного» эффекта, чтобы вызвать эмоциональные состояния или идеи. .Художники-экспрессионисты стремились «выразить» психологические переживания, а не физические факты. Он оставался популярным во время послевоенной Веймарской республики, распространившись на архитектуру, литературу, театр, танцы, кино и музыку. Его основными представителями были художники Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938), Фриц Блейл (1880-1966), Эрих Хекель (1883-1970) и Карл Шмидт-Ротлуф (1884-1976), сгруппированные вокруг Die Brücke ; Василий Кандинский (1866-1944), Франц Марк (1880-1916), Пауль Клее (1879-1940) и Август Макке (1887-1914) сгруппировались вокруг Der Blaue Reiter ; и Макс Бекманн (1884-1950), Джордж Гросс (1893-1959) и Отто Дикс (1891-1969), которые склонялись к Neue Sachlichkeit .
Истоки ↑
Существует несколько гипотез о происхождении термина «экспрессионизм». Возможно, впервые он был использован Полем Кассирером (1871–1926) в 1910 году при обсуждении работы Макса Пехштейна (1881–1955). Или, возможно, это впервые было упомянуто чешским историком искусства Антонином Матейчеком (1889-1950) в 1910 году, противопоставляя его импрессионизму: «Экспрессионист, прежде всего, хочет выразить себя … [Он отвергает] непосредственное восприятие и строится на более сложных психических структурах…ассимилированный и сжатый в более общие формы, в типы, которые он транскрибирует с помощью простых сокращенных формул и символов ». [1] Дополнительное исследование Армина Арнольда показало, что это слово уже использовалось в 1850 году в журнале Tait’s Edinburgh Magazine; и, действительно, понятие «экспрессионизм» было очень модным в школе Гюстава Моро (1826-1898) Ecole des Beaux Arts между 1891 и 1898 годами, где он поощрял индивидуальное и спонтанное «самовыражение» у своих учеников. одним из которых был Анри Матисс (1869–1954).Между 1900 и 1901 годами Матисс делил мастерскую с несколькими молодыми художниками со схожими склонностями к выразительности, в том числе Андре Дереном (1880-1954). Следующие несколько лет завершились крупной фовской выставкой 1905 года в Париже; его круг теперь расширился и включил Жоржа Брака (1882-1963), Отона Фриеса (1879-1949), Киса Ван Донгена (1877-1968) и Мориса де Вламинка (1876-1958). Большинство участников фовской выставки в конце концов стали считать себя «экспрессионистами». [2]
Немецкий экспрессионизм ↑
Следуя тому же освободительному духу выставки Fauve, четыре немецких художника, Эрнст Людвиг Кирхнер, Фриц Блейль, Эрих Хекель и Карл Шмидт-Ротлуф собрались в Дрездене, чтобы сформировать Die Brücke , возможно, основу немецкого экспрессионизма, хотя и не использовал сам термин.В отличие от своего французского коллеги, члены Brücke имели специфические германские влияния, такие как Джеймс Энсор (1860-1949) и Эдвард Мунк (1863-1944), среди других. Несколько лет спустя, в 1911 году, группа молодых художников-единомышленников сформировала Der Blaue Reiter в Мюнхене. Среди их участников были Василий Кандинский, Франц Марк, Пауль Клее и Август Макке. Первоначально термин «экспрессионисты» использовался для обозначения в первую очередь французских художников, но со временем эта классификация стала общепринятой и охватывала как французских, так и немецких художников схожего стиля.
немецких художников, объединенных в эту рубрику, продемонстрировали явное недовольство простой «репрезентацией» действительности вкупе с желанием отойти от традиций. Однако применительно к немецким художникам термин «экспрессионизм» поляризовал то, что уже было душевным состоянием. Действительно, это было неотделимо от чувства кризиса. Экспрессионизм был не только эстетическим стилем, но и тенденцией, тесно связанной с историей Германии между 1910 и 1925 годами, когда страна страдала от быстрой индустриализации, которая привела к коллапсу ценностей и хрупким человеческим отношениям, неистовым городским ритмам и вынужденной зависимости. .Расцвет антагонизма против властей; некоторых художников привлекал анархизм; другие к ницшеанской философии. Для немцев экспрессионизм, казалось, предлагал возможность эмоционального освобождения от мучительного недовольства, подпитывая духовное, хотя иногда почти языческое, стремление к свободно выраженным эмоциям. Это также включало примитивный образ жизни, который стремился к освобождению от запретов, наложенных национальной знатью и буржуазией.
Влияние Die Brücke и Der Blaue Reiter распространялось на период между двумя европейскими войнами.В начале Первой мировой войны в сентябре 1914 года многие экспрессионисты считали, что конфликт может стать апокалиптическим событием, которое, наконец, свергнет самодовольный материализм истеблишмента, против которого они боролись. Многие художники записались на действительную службу: Киршнер, Макке и Марк, и это лишь некоторые из них. Вскоре им предстояло пережить ужасные испытания на фронте. Киршнера выписали вскоре после зачисления в армию и поместили в санаторий после психического срыва. Маке погиб в бою при Шампани в 1914 году, а Марк был мгновенно убит осколком снаряда в Вердене в 1916 году.Другие экспрессионисты избегали линии фронта, добровольно работая в медицинском корпусе, как это было в случае с Максом Бекманном. Это не помешало этим художникам испытать столь же сильное разочарование войной. Например, стиль Бекманна претерпел драматические изменения сразу после военных действий. Наглядным примером деморализующего воздействия войны является картина Киршнера «Автопортрет в образе солдата», на которой художник в своей мастерской изображен в униформе с ампутированной рукой.Неразрешенный конфликт между одеждой художника и обстановкой в студии подчеркивает внезапную утрату его былого идеализма. Другие уцелевшие художники показали подобное отражение фронта войны, бурно реагируя на его политические причины. Их регенеративный импульс привел к положительным результатам в искусстве и культуре, которые в конечном итоге нашли свою центральную базу в Берлине.
После Первой мировой войны ↑
Период между двумя великими войнами, с 1919 по 1939 год, характеризовался, особенно в Германии, грубым и сатирическим типом экспрессионизма, который имел целью послать социально-политический сигнал.Именно тогда появился новый стиль под названием Neue Sachlichkeit . Его регенеративная цель состояла в том, чтобы исправить драматические обстоятельства, в которых страна была затоплена, только что проиграв войну. Во время последующей Веймарской республики, которая распространилась с 1919 по 1933 год, художники этого нового течения с иронией и резкостью отреагировали на социально-политическую ситуацию в послевоенной Германии, отмеченную катастрофой Первой мировой войны, сопутствующим экономическим кризисом и угрозой экономического кризиса. Национал-социализм.Подобно тому, как более ранние Die Brücke года интуитивно предугадывали трагедию первого крупного европейского конфликта с его драматическим и уютным экспрессионизмом, Neue Sachlichkeit проявит себя в интеллектуальных и разрушительных карикатурах, предназначенных для обвинения страны, ложно руководствующейся притворством сила и мощь, и вместо этого их подтолкнули ко второму серьезному противостоянию. Помимо Макса Бекмана, в число этих новых экспрессионистов входили Джордж Гросс и Отто Дикс. Их работы свидетельствуют о явной реакции на предыдущий экспрессионизм, противопоставляя реализм и классицизм прежней интровертной эмоциональности.
Энрике Маллен, Государственный университет Сэма Хьюстона и Университет Генриха Гейне, Дюссельдорф
Редактор раздела: Эммануэль Кронье
100 Анализ и биография известных картин
Джексон Поллок был влиятельным американским художником и руководящей силой абстрактного экспрессионистского движения в мире искусства.При жизни Поллок пользовался значительной славой и дурной славой. Джексона Поллока Величие заключается в развитии одного из самых радикальных абстрактных стилей в истории современного искусства, отделении линии от цвета, переопределении категорий рисунка и живописи и поиске новых средств для описания живописного пространства.
Джексон Поллок родился в Коди, штат Вайоминг, в 1912 году. Его отец, Лерой Поллок, был фермером, а затем землемером в правительстве.Джексон Поллок вырос в Аризоне и Чико, Калифорния. В молодости Поллок испытал Культура коренных американцев во время обзорных поездок со своим отцом. Хотя он никогда не признавал намеренного подражания или следования искусству коренных американцев, Джексон Поллок признал, что любые сходства, вероятно, были результатом его творчества. «ранние воспоминания и энтузиазм».
В 1929 году Джексон Поллок учился в Студенческой лиге в Нью-Йорке у художника-регионалиста Томаса Харта Бентона.В начале 1930-х годов он работал в стиле регионализма, а также находился под влиянием Мексиканский художник-монументалист, такой как Диего Ривера, а также некоторые аспекты сюрреализма — литературного и художественного движения 20-го века, которое пытается выразить работу подсознание фантастическими образами и несоответствием предмета.
В ноябре 1939 г., Музей современного искусства в Нью-Йорке открыл важную выставку Пикассо под названием: Пикассо: 40 лет его искусства , на которой были представлены 344 работы Пабло Пикассо. и его знаменитая антивоенная фреска «Герника».Выставка подтолкнула Поллока к признанию выразительной силы европейского модернизма, которую он ранее отверг в пользу Американское искусство. Он начал выковывать новый стиль полуабстрактных тотемных композиций, усовершенствованный путем навязчивой переработки.
В последующие десятилетия после Второй мировой войны появился новый художественный авангард, особенно в Нью-Йорке, который представил радикально новые направления в искусстве.Война и ее последствия лежали в основе движения, которое стало известный как абстрактный экспрессионизм. Джексон Поллок, среди других абстрактных экспрессионистов, с тревогой осознавая человеческую иррациональность и уязвимость, выразил свои опасения в абстрактном искусстве, отражающем пыл и нужды современной жизни. К середине 1940-х годов Джексон Поллок представил свои знаменитые «капельные картины», которые представляют собой одно из самых оригинальных произведений века и навсегда изменили курс американского искусства.Временами новые формы искусства могли предполагают жизненную силу в самой природе, в других случаях они могут вызвать ловушку человека — в теле, в тревожном уме и в новом пугающем современном мире. Для создания «боевиков» Джексона Поллока большинство его полотен были либо установлены на полу, либо у стены, а не прикреплены к мольберту. Оттуда Джексон Поллок использовал стиль, в котором он позволял краске капать из банки с краской.Вместо использования традиционных кистью, он добавлял глубины своим изображениям, используя ножи, мастерки или палки. Эта форма живописи имела аналогичные связи с сюрреалистическим движением, поскольку имела прямое отношение к эмоциям, выражению и настроению художника. и продемонстрировали свои ощущения от созданных ими изделий.
Картина живет собственной жизнью. Я стараюсь позволить этому проявиться »- Джексон Поллок
В дополнение к стилю «капля и брызги», метод рисования All-over также связан с Джексоном Поллоком и многими его произведениями искусства.Этот вид искусства избегает каких-либо четких и отчетливых моментов акцент или любые идентифицируемые части холста, используемые для создания произведения. Рисунки и изображения, созданные с использованием этого стиля живописи, действительно не имели отношения к размеру холста. работал над; Отсутствие размеров и игнорирование размеров рисунков были некоторыми уникальными особенностями, которые запечатлел этот вид искусства. Многие произведения, созданные Джексоном Поллоком в этом стиле, требовали от него обрежьте или обрежьте холст, чтобы изображение поместилось в него и работало с общими элементами искусства.
Радикальные методы Поллока и растущая репутация быстро привлекли внимание средств массовой информации. В августе 1949 года журнал Life опубликовал очерк, в котором задавался вопрос: «Джексон Поллок: является ли он величайшим из ныне живущих художников? Соединенные Штаты? »Текст был то насмешливым, то уважительным. В 1951 году, на пике карьеры художника, журнал Vogue опубликовал модные фотографии Сесила Битона моделей, позирующих перед капельницей Поллока. картины.Хотя это коммерческое признание сигнализировало об общественном признании — и было симптомом неизбежной экспроприации авангарда массовой культурой — Поллок постоянно подвергал сомнению направление и восприятие своего творчества. Изобразительное искусство. На пике своей славы Поллок резко отказался от капельного стиля. Работы Поллока после 1951 года были более темными по цвету, в том числе коллекция, окрашенная в черный цвет на незагрунтованных холстах. Эти картины были названы его «Черные заливки», и когда он выставил их в галерее Бетти Парсонс в Нью-Йорке, ни одна из них не была продана.Но позже Поллок перешел в более коммерческую галерею, вернувшись к использованию цвета и образных элементов. В 1960-х Джексон Поллок считался одной из самых важных фигур в мире искусства и одним из новаторов авангардных стилей, которые только начинали появляться. Как и многие другие известные деятели, проблемы от чего Джексон Поллок страдал в своей личной жизни, например, из-за своей борьбы с алкоголизмом, добавил к его статусу «суперзвезды».И его преждевременная смерть, которая произошла, когда он погиб в автокатастрофе, также добавила к легендарный статус, которым он все еще известен в мире искусства.
По сей день Джексон Поллок известен как лидер наиболее важных американских художественных движений 20-го века. Риски и творческие подходы, которые он принимал, побуждали будущих художников творить с энтузиазмом, а не пытаться следовать установить границы или руководящие принципы. Вдобавок радикальные картины и драматический образ Поллока помогли привлечь внимание к более широкой группе абстрактных экспрессионистов, включая Виллема де Кунинга, Аршил Горки, Роберт Мазервелл, Барнетт Ньюман и Марк Ротко.
Живопись — это открытие самого себя. Каждый хороший художник рисует то, что он есть ».
— Джексон Поллок
Так же, как Винсент Ван Гог об импрессионизме, Джексон Поллок оказал огромное влияние на движение американских абстрактных экспрессионистов. Джексон Поллок позволил американской живописи конкурировать с европейским модернизмом, применив логику модернизма к новой проблеме.Он создал новую шкалу, новое определение поверхности и прикосновения, новый синтаксис отношения между пространством, пигментом, краем и рисунком, вытесняя иерархии беспрецедентной, мощной и сказочно сложной самогенерирующейся структурой. Хотя на протяжении всей жизни активно занимался серьезным диалог с историей мирового искусства, от палеолита и индийского искусства до мастеров искусства эпохи Возрождения Микеланджело, Леонардо да Винчи; от мексиканских художников-монументалистов до сюрреалистов Сальвадора Дали, Хуана Миро и Макс Эрнст — Поллок всегда оставался смелым и даже шовинистическим стремлением к этому континенту.Дерзкий отказ Поллока оставаться в традиционных рамках, насилие, раздражительность и резкость — все это было парадигматически Новым Светом. В то время — и в таком обличье, которого никто не ожидал — это были маловероятные характеристики, которые наконец соединились, чтобы произвести американский Прометей.
Что такое абстрактный экспрессионизм? — Определение, особенности и произведения
Льва Толстого можно назвать отцом абстрактного экспрессионизма и экспрессионистских движений 19, -го, -го и 20-го, -го, веков.Его «Теория экспрессии» основана на идее, что искусство вызывает эмоции у зрителя. Толстой считал, что роль художника заключалась в том, чтобы дать зрителю нечто, что могло бы выявить эти эффекты. Абстрактный экспрессионизм достигает этого, позволяя среде и композиции общаться между собой. Такие художники, как Поллок, считали, что именно зритель (а не художник) определяет и интерпретирует значение абстрактного экспрессионистского произведения искусства, поэтому нет никакого отношения к тому, что художник думает или передает во время создания работы.Итак, что такое абстрактный экспрессионизм?
Что такое абстрактный экспрессионизм?Абстрактный экспрессионизм — это художественное движение середины 20-го века, включающее различные стили и техники и особенно подчеркивающее свободу художника выражать взгляды и эмоции нетрадиционными и обычно не репрезентативными средствами.
Согласно MOMA — абстрактный экспрессионизм — это термин, применяемый к движению в американской живописи, которое процветало в Нью-Йорке после Второй мировой войны, иногда его называют нью-йоркской школой или, более узко, живописью действия.
Номер 1 (Лавандовый туман) иллюстрирует жестовую абстракцию внутреннего разума художника.Группа художников «Нью-Йоркская школа», включая Джексона Поллока, Ли Краснера и Виллема де Кунинга, нашла движение, основанное на ценности спонтанного движения. и выражение. Каждый из них был талантлив и сведущ в традиционном и классическом стилях исполнения. Конвергенция — одно из начальных произведений абстрактного экспрессионизма и считается одним из самых смелых боевиков, созданных Поллоком.
Знаменитые картины Джексона Поллока
Абстрактный экспрессионизмАбстрактное экспрессионистское выражение ценности выше совершенства, жизненность важнее финиша, колебания над покоем, неизвестное выше известного, завуалированное над ясным, личность над обществом и внутреннее над внешним
— Уильям К. Зейтц, американский художник и историк искусства
Основные участники этого движения условно делятся на две группы: жестовая абстракция и цветовое поле.
а) Жестовая абстракция
Жестовая абстракция четко прослеживается в работах Поллока и де Кунинга, которые характеризуются энергичным и спонтанным движением через, казалось бы, хаотические знаки. Работы созданы намеренно, но эффект носит случайный импульс. Поллок позволил своему настроению определять цвет, направление и расположение краски, которую он разбрызгал на холсте на земле. Может показаться, что он просто отступил и бросил краску на холст, но каждое движение банки или кисти было сделано целенаправленно.
Виллем де Кунинг — Дверь в рекуб) Цветовое поле
Художники цветного поля, такие как Марк Ротко и Клиффорд Стилл, буквально рисовали цветные поля на холсте. Опять же, хотя эффект кажется простым, цвета в этих работах, наблюдаемые проницательной аудиторией, состоят из нескольких оттенков, которые придают им глубину и искренность.
Начало абстрактного экспрессионизмаКонец Второй мировой войны имел различные последствия для психики американской публики.Годы перед войной были чреваты экономической депрессией. Солдаты, возвращающиеся домой с войны, видели ужасные разрушения, геноцид и зверства, которые они не могли вынести, чтобы обсуждать или размышлять. Женщины, которые раньше работали и стали независимыми и самодостаточными, снова облачились в мантию домашнего хозяйства. Страна делала храброе лицо, в то время как в частном порядке переживала скрытый кризис идентичности.
В таких интегрированных культурных областях, как Нью-Йорк, где всегда процветали свобода мысли и интеллектуализм, художники, поэты и другие вольнодумцы становились параноиками.Правительство становилось все более антикоммунистическим, а общество — более однородным. Художникам нужна была отдушина — творческая отдушина для свободного самовыражения!
Абстрактный экспрессионизм ценит человеческие эмоцииАбстрактный экспрессионизм предоставил художникам всех типов возможность выражать свои чувства и идеи, не беспокоясь о том, что эти мысли будут изучены общественностью. Конечно, общественность неохотно воспринимала их работы как искусство, но это не препятствовало свободе выражения мнения движения.
Дальновидное мышление и влиятельные коллекционеры, такие как Пегги Гуггенхайм, дали движению более широкую аудиторию и легитимность, чтобы движение могло расти и развиваться в том виде, в каком оно есть сегодня.Благодаря тщательному обучению и уважению к художникам-основателям движения, мы все еще можем наслаждаться этими работами.
Особенности абстрактного экспрессионизмаКрупномасштабные работы
Картины, как правило, большие, за исключением героических фигур 18 -го и 19 -го Абстрактный экспрессионизм и обычно завершаются на очень больших холстах или включают нескольких полотен, предназначенных для одной работы.
Взгляд художника
Движение не характеризуется каким-либо конкретным стилем, но сильные послания и эмоции имеют первостепенное значение для изображения.В любом произведении абстрактного экспрессионизма в центре внимания находится либо чувство художника, либо зрителя, а не само изображение.
Вдохновленный сюрреализмом
Абстрактный экспрессионизм заимствует у сюрреализма и воплощает идею о том, что искусство должно создаваться спонтанным и подсознательным творчеством. Вместо того, чтобы планировать, рисовать и визуализировать произведение, художник следует потоку чувств и открытости своего разума для творчества.
Мотивация
Эпоха зарождения движения оказала давление на общество, особенно на свободных мыслителей, которое подавляло и ограничивало.Абстрактный экспрессионизм дал художникам выход для сдерживаемых мыслей и чувств.
Разнообразие цветов
Поскольку в абстрактном экспрессионизме не было намерения передать изображение чего-то осязаемого, эксперименты с цветом взяли на себя мозговой элемент. Художников стало интересовать, как цвет влияет на настроение и мысли.
ЗаключениеНезависимо от точки зрения критика на этот предмет, независимо от рациональных определений искусства, абстрактные экспрессионисты достигли идеала Толстого и вышли за его пределы до такой степени, что помогли зрителям исследовать заставляющие задуматься идеи о религии , время, пространство, популярная культура и многое другое.
