Экспрессионизм в живописи 20 века: «Экспрессиони́зм» — происхождение и значение слова

Американское искусство 20 века. Абстрактный экспрессионизм

В конце 1940-х в американской живописи появился абстрактный экспрессионизм, который постепенно стал доминирующим течением западного искусства 50-х годов. Познакомимся с самим направлением и его главными представителями.

Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве с крупнейшими российскими экспертами.

Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus

посмотреть все уроки

Автор урока

Ольга Алешина

Искусствовед, преподаватель истории и истории искусств

🔝 Самые яркие представители абстрактного экспрессионизма: Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Франц Клайн и Марк Ротко. Большинство художников этого направления жили, работали и выставлялись в Нью-Йорке.

↔️ Движение включает много разных техник и отличающихся стилей, каждый из которых был присущ лишь одному или нескольким художникам.

🔄 Можно выделить несколько общих черт, присущих всем стилям направления:
➖ абстрактность образов;
➖ свободная техника исполнения;
➖ интуитивное использование материалов;
➖ попытки выразить творческое бессознательное;
➖ отказ от композиции;
➖ огромные размеры.

🇺🇸 Абстрактный экспрессионизм — первое чисто американское авангардное движение. Уникальность течения в развитии художниками собственного стиля. До них американские художники повторяли и вдохновлялись европейским опытом.

🗯 На течение большое влияние оказал сюрреализм.

Нестабильная политическая ситуация в Европе привела в США (и особенно в Нью-Йорк) многих ведущих художников-сюрреалистов. Сюрреалисты вызвали у абстрактных экспрессионистов интерес к мифам и архетипам и помогли сформировать отношение к живописи в целом, как к борьбе между самовыражением и хаосом бессознательного.

📍 По мнению многих критиков и искусствоведов, именно абстрактный экспрессионизм стал причиной того, что Нью-Йорк в конце концов стал центром мира западного искусства.

1. Джексон Поллок

2, 3. Поллок за работой
4. Фреска, 1943
5. №5, 1948
6. №8, 1949
7. Осенний ритм (№30), 1950
8. Глубина, 1953

Телеграм-канал
Level One

Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков

подписаться

Картины Джексона Поллока стали образцом американского искусства. Давайте посмотрим на его технику.

↪️ Благодаря творчеству Поллока произошел перенос с ценности с объекта на момент его создания. Такой подход имеет корни в шаманских практиках коренных индейских народов.

▪️ Поллок соединяет альтернативные духовные практики, культуру доколумбовых племен, интерес к авангардным течениям (сюрреализм и его техника автоматического письма), психоанализ Фрейда и Юнга.

🌌 Поллок изобрел технику дриппинга — разбрасывания краски без прикосновения щетины к плоскости. Такие картины пишут на полу синтетическими красками.

▪️ Для достижения нужного эффекта необходима быстросохнущая краска, поэтому чаще всего для таких работ используется нитроэмаль — краска, для покрытия автомобилей.

🎨 Расстилая холст на полу, художник обретал полную свободу передвижения

и способность наносить краску на полотно из любой точки.

▪️ Однажды для того, чтобы натянуть холст нужного размера, Поллоку пришлось разрушить стену между двумя комнатами.

🗣 «Когда холст на полу, я чувствую больше свободы. Я чувствую себя ближе, становясь частью картины, я могу ходить вокруг нее, работать со всех четырех сторон и буквально находиться внутри картины».

🧟‍♂️ Журналисты дали Поллоку прозвище Jack The Dripper — Джек-разбрызгиватель по аналогии с Джеком-потрошителем Jack The Ripper.

🔢 Поллок часто не давал названий своим полотнам, только номера, а размеры холстов могли достигать 6 метров.

1. Клифорд Стилл
2. 1957-D №1, 1957
3–6. Работы без названий

1. Барнетт Ньюман
2. Масштаб полотен Ньюмана
3. Фрагмент полотна крупным планом
4. Единство I, 1948
5. Дионисий, 1949
6. Созвучие, 1949
7. Ахиллес, 1952
8. Голос огня, 1967

Важной частью абстрактного экспрессионизма стали художники, выбравшие в качестве способа самовыражения так называемую «живопись цветового поля». Давайте познакомимся с ними поближе.

3️⃣ Основными участниками группы считаются Марк Ротко, Барнетт Ньюман и Клиффорд Стилл.

В своей работе они опирались на религию и мифологию, создавая простые композиции с большими областями, заполненными одним цветом. Так они старались вызвать у зрителя созерцательное, медитативное настроение.

1️⃣ Клифорд Стилл создавал композиции, напоминающие всполохи, в отличие от двух других художников, располагавших цветовые плоскости простым лаконичным образом. В работах Стилла один слой цвета будто прорывается сквозь другой, обнажая подложку.

☝️ Стилл использовал технику импасто — наносил краску толстыми слоями при помощи шпателя.

↕️ Работы Стилла монументальны, именно у него Ротко позаимствовал идею использования огромных холстов и отсутствия рам. «Недопустимо останавливаться на краю рамы».

🔢 Стилла раздражали попытки ассоциативных трактовок его картин, поэтому он отказался от конкретных названий и ограничивался нумерацией.

🌪 Стилл верил, что его картины могут изменить мир. «Один-единственный мазок на холсте, за которым стоит работа и разум, осознающий свои возможности и значения, способен вернуть свободу, утраченную за двадцать веков разнообразных форм порабощения».

2️⃣ Другой представитель направления, Барнетт Ньюман предпочитал использовать линии разной длинны и масштаба, перекрывающие поток цвета.

™️ Работы Ньюмана нельзя смотреть в репродукциях. Для достижения нужного эффекта он использует цвет повышенной интенсивности, который влияет на восприятие на физическом уровне. Сам Барнетт Ньюман настаивал, что его полотна необходимо рассматривать исключительно с близкого расстояния, чтобы погрузиться в мир красочных полей.

⬇️ Ньюман изобрел живописное новшество, которое назвал «застежкой-молнией»: вертикальная линия, пересекающая холст от края до края. Впервые она появилась на полотне «Единство I» и стала отличительным знаком большинства его последующих работ.

1. Марк Ротко
2. Работы Ротко в зале
3. Работы Ротко в капелле в Хьюстоне
4, 5. Работы без названий

Марк Ротко открыл очень важный аспект в искусстве, показав, что искусство не обязано ничего выражать и доказывать.

☝️ Ротко считал, что искусство не имеет никакого отношения к эстетике. Это особая форма переживания жизни, которая возникает в момент проживания зрителем самого произведения.

🥺 По словам Ротко, его работы должны провоцировать почти религиозные переживания и даже вызывать слезы.

«Я не заинтересован в соотношении цвета, формы и чего-то еще. Меня интересует выражение базовых человеческих эмоций — трагедии, экстаза, рока и так далее». Выражением этих эмоций у Ротко становится цвет.

↕️ Во всей живописи цветового поля существенную роль играл размер полотен. Ротко объяснял это так: «Я рисую большое, чтобы быть ближе».

🧐 Ротко требовал выставлять свои работы не так, как другие. Для достижения нужного эффекта важно было особое приглушенное освещение, специальная развеска и особые пространства.

▪️ Одной из главных идей было размещение громадных полотен в выставочном пространстве так, чтобы они окружали зрителя со всех сторон, погружая в цветовые плоскости.

⛪️ Идеальным местом для экспонирования своих работ Ротко считал капеллы, в которых зритель мог бы медитировать, глядя на его работы. Таким примером может служить Капелла в Хьюстоне в Техасе.

▪️ В капеллах нет центрального алтаря, а значит, нет центрального места, что находило отражение и в работах Ротко. Он смещает фокус с произведения на зрителя, что, по его мнению, возможно только в цветовой палитре, у которой нет центра.

💭 Ротко порождает экзистенциальный уровень переживания жизни. «Нет больше никакой точки, на которой можно было бы сосредоточить взгляд» (Гете).

курс Level One

Как получать удовольствие от искусства

Курс лекций о том, как устроены картины. Любое полотно — это выбор холста и типа краски, отчаянный поиск идеального цвета и композиции, работа с символами и архетипическими образами. Научимся наслаждаться картинами от первого эскиза и мазка краски до музейной рамы.

Сегодня можно купить со скидкой 50%
3900₽ 1950₽

подробнее о курсе

ТО «Мир искусства», авангардизм, экспрессионизм, футуризм, сюрреализм, супрематизм, конструктивизм

Главная » Блог » Живопись » Русская живопись 20 века: авангардизм и другие направления в искусстве

Говорить о русской живописи ХХ века, рассматривая ее без связи с тем культурным наследием, которое было оставлено нам выдающимися мастерами прошлых веков, так же бессмысленно, как начинать с последних страниц впервые читать «Войну и мир» или «Евгения Онегина». Русская живопись 20 века – это то самое наследие выдающихся художников, являющееся связующим звеном между поколениями сегодняшним и давно ушедшим в глубь веков.

Ренессанс живописи в России пришелся на конец XIX – начало ХХ века. В это время появилась целая плеяда выдающихся мастеров кисти – Илья Репин, Константин Коровин, Кузьма Петров-Водкин, Михаил Врубель, Борис Кустодиев, Казимир Малевич и другие.

В своих произведениях, порой спорных, не всегда понятных обывателю, они отражали лучшие художественные достижения той эпохи. В живописи появляются новые стили – авангардизм, соцреализм, супрематизм, начал пробивать себе дорогу абстракционизм.

Contents

• 1 История развития русской живописи в XX веке
  • • 1.0.1 Творческое объединение «Мир искусства»
    • 1.0.2 Авангардизм и его представители
    • 1.0.3 Экспрессионизм и его представители
    • 1.0.4 Футуризм
    • 1.0.5 Сюрреализм
    • 1.0.6 Соцреализм
  • 1.1 Заключение
  • 1. 2 Видео: Самая быстрая история русского искусства XX века

Конец XIX – начало XX века. Этот период, который по праву называют ренессансом русской живописи 20 века, вошел в историю под названием «Серебряный век».

Главным бенефициантом этого периода выступило художественное объединение «Мир искусства», организованное в 1898 году. Несколько позднее, в начале ХХ века был организован «Союз русских художников».

Фотография представителей «Союза русских художников»

Художники, вошедшие в это объединение, считали себя преемниками пейзажной русской живописи XIX – ХХ веков. В русской живописи начала ХХ века начали пробивать себе дороги новые направления:

1. Авангардизм;
2. Экспрессионизм;
3. Футуризм;
4. Сюрреализм;
5. Супрематизм;
6. Конструктивизм.

Творческое объединение «Мир искусства»

Образованное в 1898 году творческое объединение, просуществовало (с некоторыми перерывами) до 1924 года. Одними из основателей объединения были Алесандр Бенуа, Лейб Бакст, Мстислав Добужинский, Евгений Лансере, Иван Билибин, составившие впоследствии ядро объединения.

Обложка журнала «Мир искусства» 1901 года

Затем к «Миру искусства» присоединились Константин Коровин, Николай Рерих, Борис Кустодиев и другие. Члены объединения своим творчеством противопоставляли свою деятельность как передвижникам, так и Академии художеств.

Не порывая с реализмом в живописи ХХ века, художники объединения были сторонниками «чистого искусства», активно сопротивлялись возрастающему влиянию декадентства и формализма. В творчестве художников объединения преобладали тенденции к ретроспективе, обращение к культурным источникам XVII – XVIII веков.

Наиболее значительными сторонами в профессиональной деятельности членов объединения были работы по созданию книжной графики и театральных декораций. Художники объединения продолжили реформу, которую начали воплощать в жизнь театральные декораторы русского мецената Саввы Мамонтова.

Групповой портрет художников объединения «Мир искусства»

Декорационные работы художников объединения отличала высочайшая культура, они стремились обогатить театр самыми последними достижениями, работая в разных направлениях живописи ХХ века. Они привносили изумительную целостность исполнения декораций и их органичного слияния с таинством сценического действа.

Художники объединения оформляли практически все спектакли, которые Сергей Дягилев организовывал за границей. Сам С. П. Дягилев входил в состав руководства объединения и был его идейным вдохновителем. На рубеже веков в Санкт-Петербурге он издавал журнал «Мир искусства».

Авангардизм и его представители

Для русского авангарда в живописи ХХ века, как и для представителей авангардизма в живописи ХХ века во всем мире, на первый план выходит эксперимент в художественном творчестве. Зачастую этот эксперимент представляет собой вызов классической эстетике.

Художники-авангардисты используют необычные средства самовыражения, порой излишне гипертрофированный символизм художественных образов. Они стремятся коренным образом обновить художественную практику.

Разрывая устоявшиеся традиции, они ищут новые средства выражения, новые формы, новые взаимоотношения. Бесспорно, на творчество многих русских авангардистов оказали влияние не только произведения близких им по духу импрессионистов, но и многие другие мимолетно увиденные сюжеты, услышанные мелодии, слова, картины.

Автопортрет художника-авангардиста Эль Лисицкого

Именно набор таких совпадений привел юриста Василия Кандинского к мольберту, и он навеки остался в истории русской живописи ХХ века как основоположник русского абстракционизма. Казимир Малевич, отказавшись от буквального восприятия реальности, напрочь рассорился с коллегами, но это не помешало его произведениям концептуально стать идолом мирового авангардизма.

Его «Черный квадрат» стал некоей формацией, которая позволила найти выход «из круга вещей». Вместе с Малевичем работал Эль Лисицкий, благодаря которому в СССР появился новый вид творчества – дизайн.

Лисицкий вошел в историю как создатель горизонтальных небоскребов. В СССР его проект забраковали, а в Китае, Германии, Нидерландах похожие конструкции были построены.

В настоящее время идеи Лисицкого легли в основу проектов «Сколково». Нельзя не вспомнить Александра Родченко – родоначальника рекламы в СССР и теоретика конструктивизма, его жену и соавтора Варвару Степанову, академика Владимира Шухова, автора знаменитой телевышки, чьи идеи легли в основу авангардной архитектуры.

Экспрессионизм и его представители

Представители экспрессионизма в живописи ХХ века менее всего стремились к точному воспроизведению действительности. Их кредо – выражение своего эмоционального состояния.

На выставке картин русской живописи ХХ века в Русском музее представлены работы экспрессионистов. На первый взгляд это может показаться отталкивающей, грубой мазней.

Картина Юрия Щукина «Водный праздник» относящаяся к экспрессионизму

Экспрессионистские картины, написанные под впечатлением мира ужасов, резко контрастируют с картинами мастеров, воспевающих красоту и гармонию. На многих вернисажах представлены русские художники-экспрессионисты и их картины:

• Борис Григорьев – «Портрет Максима Горького»;
• Василий Чекрыгин – «Воскрешение из мертвых»;
• Юрий Щукин – «Водный праздник»;
• Юрий Пименов – «Инвалиды войны».

Футуризм

Футуризм в живописи ХХ века – одно из направлений авангарда – существовал в русской живописи начала ХХ века очень короткое время – до начала двадцатых годов. Отдельным целостным художественным направлением он не стал.

Михаил Ларионов как один из художников направления футуризм

В понятие «футуризм» включали множественные ответвления русского авангардизма – лучизм, кубофутуризм, дадаизм, неопримитивизм и др. Наиболее яркие представители русского футуризма:

1. Давид и Николай Бурлюки;
2. Михаил Ларионов;
3. Наталья Гончарова;
4. Михаил Матюшин;
5. Николай Кульбин и др.

Сюрреализм

В живописи России начала ХХ века, как и во всем мире, возникали и исчезали всевозможные новомодные течения. Примером такого течения может служить сюрреализм, пришедший в живопись России ХХ века из Франции.

Просуществовав до 1969 года, это направление официально прекратило свое существование. Необычные картины, представленные художниками-сюрреалистами, были настолько пугающе фантастичными, что их порой относили к плодам воспаленного воображения душевнобольных людей.

Выставка картин Алексея Ежова относящихся к направлению сюрреализм

В России живописцев-сюрреалистов можно было пересчитать по пальцам:

• Алексей Ежов – картины выполнены в стиле, напоминающим манеру голландских мастеров;
• Юрий Лаптев – писал картины в нехарактерной для жанра акварельной технике;
• Борис Индриков – писал картины на грани смешения стилей сюрреализма и фантастического реализма;
• Владимир Куш – манерой исполнения напоминает Сальвадора Дали.

Соцреализм

Начиная с 1934 года и практически до конца ХХ века в русской живописи, как и во всех произведениях советской культуры, существовало направление, получившее с легкой руки Максима Горького название «социалистический реализм». Подразумевалось, что это направление призвано отражать революционные устремления народных масс в будущее, всепобеждающее переустройство мира в коммунистическое общество.

Автопортрет художника Александра Дайнека который занимался направлением соцреализм

Этому направлению были присущи нарочитая пафосность, народность, дружба всех народов. Наиболее яркими представителями этого направления были Кукрыниксы, Дмитрий Налбандян, Александр Дейнека, Петр Кончаловский и др.

Заключение

Все рассмотренные направления можно объединить в одно емкое понятие – модернизм в живописи ХХ века. Модернизм вобрал в себя множество течений, которые кардинально отличаются от классического стиля, но каждое из них имеет право на жизнь, находит своих приверженцев и почитателей.

Видео: Самая быстрая история русского искусства XX века

Искусство начала ХХ века: экспрессионизм

Двадцатый век Немецкий экспрессионизм Экспрессионизм был широко популярной формой искусства начала ХХ века. Картины экспрессионистов стремились отражают эмоции художников, а не реальные цвета реальности. Экспрессионизм появились в Германии и Скандинавии. Из-за этого экспрессионизм был очень видное место в немецком искусстве. В Германии было две разные, отличные друг от друга группы художников-экспрессионистов. Первой из этих групп была Die Brucke. Секунда Немецкая экспрессионистская группа называлась Der Blaue Reiter. Эти две группы имели очень разные философии, которые привели к очень разным картинам.             у художников Die Brucke была интересная философия относительно цели и смысл искусства. Лидером Die Brucke был Эрнст Людвиг Кирхнер. В 1905 г. этот человек и группа других художников собрались в Германии, чтобы исследовать стиль экспрессионизма. Эти художники познакомились в начале ХХ века с определенной целью. Художники хотели взять искусство прошлое и настоящее, и соединить их вместе, чтобы создать искусство будущего. За по этой причине группа называлась Die Brucke, что буквально переводится как The Мост. Искусство Die Brucke характеризовалось картинами, наполненными красками, смелый дизайн и графические изображения. Эта философия искусства сформировала картины сделано художниками Die Brucke.              философия Der Blaue Reiter сильно отличалась от философии Die Brucke. Художники Василий Кандинский и Франц Марк инициировали Der Blaue Reiter в 1911 году. Формирование этой группы началось после того, как картину Кандинского « Страшный суд » отказали в показе на выставке. Имя группа переводится как «Синий всадник». В отличие от названия Die Brucke, название Der Blaue Reiter не имел отношения к цели группы. Скорее, это было выбран только потому, что Кандинский и Марк любили лошадей и синий цвет. Картины, написанные художниками Der Blaue Reiter, пытались создать связь между изобразительное искусство и музыка. Они также пытались создать сильное, несколько духовное Связь между картиной и зрителем. Художники Der Blaue Reiter создали большие картины с сильными, символическими цветами. Эта философия искусства вызвала Дер Blaue Reiter иметь свой собственный стиль.             Как результате различных философий этих групп, каждая из которых произвела очень картины разные по внешнему виду и смыслу. Одна картина, выполненная в стиль Die Brucke — Street Dresden (Рис. 1, 1908 г. н.э., датировано 1907 г.). Эта картина создана Эрнстом Людвигом Кирхнером. изображает улицу, заполненную множеством разных людей. Столкновение цветов, таких как розовый, оранжевый, зеленый и синий встречаются на всей картине. В центре внимания картина на двух женщинах с правой стороны картины. Две женщины поразительны и суровы. Они выглядят почти как призраки и выглядят гротескно. В На картине очень крутая перспектива, создающая сильную и конфронтационный образ. Киршнер нарисовал это изображение, чтобы попытаться передать ощущение отчаяние и изоляция. Киршнер преуспел в этой попытке, потому что окраска, перспектива и общая композиция изображения создают сцену, наполненную безысходность и отчаяние. Это изображение выполнено в экспрессионистском стиле Die Brucke. сильно отличается от картин, выполненных в стиле Der Blaue Rieter. Ан Примером такого произведения является картина Франца Марка «9».0013 Судьба животных (рис. 2, 1913 г. н.э.). На первый взгляд сложно определить тему и цель этой картины. Однако при ближайшем рассмотрении видно, что на этой картине изображен ряд животных в лесу. Это кажется, что этим животным угрожает какая-то разрушительная, смертоносная сила. это трудно понять, что происходит, потому что Марк исказил перспективу сцены и разделить ее на неровные фрагменты. Расставание Эта сцена добавляет жестокости и серьезности картине. Кроме того, в В живописи Марк исключил яркие цвета и вместо этого придерживался таких цветов, как фиолетовый, малиновый и темно-красный, зеленый и синий. Эти цвета добавляют серьезности изображение. Эта жестокая сцена еще более пронзительна, учитывая тот факт, что Первая мировая война началась всего через несколько лет после завершения картины. Марк написал что Судьба животных «похожа на предчувствие этой войны». В 1916 году Марк погиб в результате боевых действий в Первой мировой войне; однако эта картина живет, чтобы показать крайнюю жестокость и жестокость те времена. Итак, при сравнении видно, что картины, выполненные в стиль Die Brucke и Der Blaue Rieter отличается своим цветом, перспективы и смысла.             Экспрессионизм был основным стилем начала 20 -го -го века. Этот художественный стиль был особенно заметен в Германии, стране происхождения экспрессионизма. В Германия, две разные группы, написанные в стиле экспрессионизма. Эти группы были Die Brucke и Der Blaue Rieter. Эти две группы отличались философии. В результате обе группы создавали произведения искусства, которые были очень разные по внешнему виду и смыслу. Хотя и разные, обе группы художников создавали картины. которые вдохновляли более поздних художников и отдельных людей. Библиография Гарднер, Хелен, Фред С. Клейнер и Кристин Джой. Мамия. Искусство Гарднера через Века / Фред С. Кляйнер, Кристин Дж. Мамия. Белмон, Калифорния: Томсон Уодсворт, 2005. Печать. Гарроу, Кит. «Синий всадник». Абстракционизм . Веб. 08 мая 2012 г. . «Улица, Дрезден». MoMA.org . Веб. 08 мая 2012. .

Изображения, упомянутые в тексте: Рисунок 1: Рисунок 2: Информация о цитировании: HUBER, MATTHET T. ». » Искусство сквозь века . н.п., н.д. Веб. 1 июня 2013 г. .

Изучение эмоций в экспрессионистской портретной живописи · Коллекции и выставки изображений WUSTL Digital Gateway

Экспрессионистское движение в начале 20 ^-го -го века в Европе отразило изменение мышления художников; напряжение, вызванное политическими и социальными событиями того времени, вызвало переход от жесткости академических установок к свободе, проявляющейся в абстракции и субъективности. Германия и Франция, две страны, особенно сильно изменившиеся под влиянием мировых войн, дали убежище художникам, которые стремились передать атмосферу того времени через живопись. Хотя это традиционный жанр, портретная живопись особенно актуальна при изучении влияния культурных изменений на современное искусство, поскольку отчетливое изображение выражения лица и языка тела дает более явное представление об эмоциях художника. В сочетании с экспрессионизмом, стилем, характерным для отдельных художников с присущей ему субъективностью, жанр портретной живописи подчеркивает влияние конфликта на личность. Эрнст Людвиг Кирхнер Женщина в зеленой блузке (1913), Король Макса Бекмана (1937) и Шинуа Жоржа Руо (1939) — все они иллюстрируют мощь экспрессионизма в передаче цинизма и уныния через различные подходы художников к абстрактной портретной живописи.

Все трое художников испытали на себе влияние довоенного и послевоенного европейского общества 1900-х годов, что определило траекторию их творческой карьеры. Киршнер нарисовала Женщина в зеленой блузке прямо перед Первой мировой войной, после роспуска группы художников-экспрессионистов «Мост» (Die Brücke), соучредителем которой он был в 1905 году. Картина отражает не только тревогу художника по поводу значительного события в его жизни, но и о нагрузке на общество, вызванной надвигающейся войной. Огорчение, сообщаемое зрителю позицией и выражением лица женщины, составленное короткими отрывистыми мазками, подчеркивает присутствие эмоций Киршнера в картине. И Киршнер, и Бекманн стали жертвами нацистского движения «Дегенеративное искусство», которое серьезно ограничило их возможности добиться успеха в качестве художников в Германии.

Отказ от работы Бекмана нацистским правительством в 1930-х годах представлен в преобразованиях, которые он внес в Король в течение четырех лет; картина представляет собой автопортрет, на котором изображены художник и его жена, а преобладание черной краски в композиции подчеркивает темные тени, выражающие уныние Бекмана по поводу своего изгнания. Произведение Руо также затрагивает тему негатива: его болезнь в начале 1900-х годов в сочетании с его опытом аутсайдера в обществе привели к новому восприятию человеческого состояния, и его картины после этого выражали беспокойство по поводу страданий, вызванных социальными трансформациями. . Chinois свидетельствует о мрачных аспектах 1930-х годов, приближающихся к началу Второй мировой войны, поскольку он состоит из толстых, тяжелых мазков мрачных цветов, а неспособность зрителя полностью видеть глаза фигуры создает ощущение зловещей тайна.

Хотя их стили и техники значительно различаются, Киршнер, Бекманн и Руо тематически связаны в своем подходе к своим портретным картинам. Три европейских художника, несомненно, являются воплощениями экспрессионизма благодаря их выбору цвета, который кажется инстинктивным, а не подражательным для передачи эмоций, а также разной степени абстрагирования лиц, фигур и предметов. Их методы изображения человеческой фигуры в контексте источают различные элементы пессимизма, от меланхолии и тоски до негодования и недовольства.