Экспрессионизм в живописи что это: суть, история, развитие, отличительные черты экспрессионизма. Известные художники-экспрессионисты — Мунк, Кирхнер, Макке, Модильяни, Шиле

Разное 

Содержание

Экспрессионизм в живописи —

Почти одновременно с фовизмом в начале XX в. появился экспрессионизм. Название этого направления восходит к французскому слову expression — выразительность, выражение. Особенно ярко это течение проявилось в искусстве Германии и Австрии.

Возникновение и развитие экспрессионизма связано с деятельностью таких немецких художников, как Э. Нольде, М. Пехштейн, О. Дикс, К. Кольвиц.

Хотя экспрессионисты, как и фовисты, стремились к выразительности, их творчество отличалось повествовательностью и отсутствием интереса к изображению внешней красоты. Своими работами представители этого направления надеялись привлечь внимание публики к сложным проблемам современности. Стремление обнажить перед зрителем пороки общества, показать зло во всех его обличьях привело к появлению в произведениях многих экспрессионистов настроения разочарования и пессимизма. Для выражения своих чувств и эмоций художники использовали яркие, кричащие краски или темные оттенки, делающие картины мрачными и пугающими. Живописи большинства экспрессионистов свойственны резкие, неровные мазки и искаженные формы.

Как направление экспрессионизм завершил свое существование в 1933 г., когда к власти в Германии пришли нацисты. Гитлер заявил, что модернизм — «дегенеративное искусство», которое должно быть уничтожено.

Крупнейшим представителем немецкого экспрессионизма был Э. Нольде.

Эмиль Нольде

Эмиль Нольде (настоящая фамилия — Ханзен), немецкий живописец и график, родился в 1867 г. в местечке Нольде в Северном Шлезвиге.

В 1884-1888 гг. он обучался в Школе художественной резьбы во Фленсбурге. В 1898 г. поступил в мюнхенскую художественную школу Ф. Фера, а в 1899 г. стал учиться в академии Жюлиана в Париже. В 1900-х гг. художник посетил Швейцарию, Италию, Данию.

Большое влияние на становление Нольде как художника оказало искусство Тициана, Рембрандта, Ф. Гойи, Ж. Ф. Милле, О. Домье, А. Бёклина, а также творчество В. Ван Гога, П. Гогена, Э. Мунка. И конечно же, значительную роль в формировании его индивидуального стиля сыграла суровая природа севера Германии, где Нольде родился и вырос. Родители художника были очень бедны, и, чтобы заработать деньги на обучение, Нольде написал серию открыток, на которых изобразил величественные вершины гор в виде сказочных исполинов.

Из-за своего мрачного и нелюдимого характера Нольде, входивший в различные группировки художников, не задерживался в них надолго. Покинул он и объединения «Мост» и «Синий всадник». До конца жизни немецкий мастер оставался художником-одиночкой. Хотя его полные драматизма и эмоциональной напряженности работы являют собой яркий пример живописи экспрессионизма, сам Нольде никогда не считал себя экспрессионистом.

Значительное место в творчестве Нольде занимают графические работы. Большинству его гравюр присущи такие качества, как резкая цветовая и светотеневая контрастность, скульптурная выразительность форм. Все это делает графические образы Нольде мрачными и трагическими («Пророк», 1912).

Очень часто при написании произведений Нольде обращается к христианским сюжетам, которые позволяют создавать глубоко драматичные и полные экспрессии композиции («Тайная вечеря», 1909; «Троица», 1909). Мрачный мистицизм и удивительная реалистичность этих работ сближают их с произведениями мастеров немецкого Средневековья.

Основное средство для выражения эмоций и чувств у Нольде — это цвет. Хотя колорит многих его пейзажей ярок, он не создает ощущения радости и не делает изображение декоративным. С помощью цвета Нольде передает сущность предметов и явлений, внутреннее состояние человеческой души. Очень эмоциональны и лиричны ранние пейзажи Нольде — «Сад у Бурхарда» (1907), «Сад цветов» (1908).

Центральное место во многих пейзажах художник отводит изображению неба. Оно почти всегда грозное и суровое, покрытое тяжелыми облаками. В ландшафтах Нольде, пустынных и печальных, нет места человеку. Присутствие людей можно ощутить только по таким предметам, как одиноко стоящие мельницы, дома, лодки.

Множество работ Нольде посвящено большому городу. Образы в этих картинах намеренно снижены автором. Подобный прием часто используют и другие художники-экспрессионисты. Но, несмотря на некоторую натуралистичность, город Нольде кажется загадочным и таинственным («В ночном кафе», 1911; «За столом с вином», 1911).

В поисках ярких впечатлений в 1913-1914 гг. Нольде совершил путешествие в Новую Гвинею. Его маршрут проходил через Россию, Японию, Корею, Китай. Своеобразный облик чужих стран проявился в натюрмортах и
пейзажах с человеческими фигурами («Тропическое солнце», 1914; «Семья», 1914; «Натюрморт», 1915).

Нольде не писал портреты своих современников, его интересовали отвлеченные образы — такие, как в картинах «Дьявол и ученый», «Брат и сестра».

Самое главное для художника — это человеческая душа, именно ее он и стремился отразить в своих произведениях.

Э. Нольде. В лимонном саду. 1923 г.

В 1916 г. Нольде поселился в простом крестьянском доме в Северном Шлезвиге, недалеко от деревни, в которой он родился. В 1927 г. по его собственному проекту здесь был построен дом Зебюлль. Отсюда Нольде совершал поездки в Италию, Испанию, Швейцарию, Францию и Англию.

После прихода к власти в Германии нацистов 1106 работ художника было конфисковано. Часть из них фашисты сожгли. Нольде запретили заниматься творчеством. Он работал тайно, создавая главным образом акварельные натюрморты с цветами, пейзажи и загадочные композиции с человеческими фигурами («Море и красное солнце», «Мужчины и женщины»).

После смерти Нольде в 1956 г. согласно завещанию художника в Зебюлле был открыт музей — Фонд Ады и Эмиля Нольде.

Большую роль в развитии экспрессионизма сыграл австрийский живописец и график О. Кокошка.

Оскар Кокошка

Оскар Кокошка родился в 1886 г. в Пёхларне-на-Дунае. В 1905-1909 гг. учился в Вене в Школе прикладного искусства и работал в качестве графика в «Венской мастерской» — объединении мастеров прикладного искусства.

Обратиться к живописи художника убедил архитектор А. Лоос. Кокошка увлекся портретным жанром. В своих ранних портретах он стремился проникнуть в глубину внутреннего мира модели. Его произведения, выполненные с помощью неровных линий и мерцающих красок, очень эмоциональны («Адольф Лоос», 1909; «Ганс Титце и Эрика Титце-Конрат», 1909).

В 1909 г. Кокошка приехал в Берлин, где в журнале «Дер Штурм» были опубликованы его графические работы и драма
«Убийца, надежда женщин».

В 1911 г. художник возвращается в Вену. Здесь он создает картины на религиозные сюжеты. Среди них — «Бегство в Египет» (1911-1912), «Благовещение» (1911). Традиционные для европейской живописи образы Кокошка трактует по-своему, внося в них элементы современной ему действительности и собственное мироощущение. Живописная фактура его полотен становится более плотной и весомой. В такой манере художник пишет не только евангельские композиции, но и портреты, и картины с символическим содержанием («Автопортрет с Альмой Малер», 1912-1913;
«Буря, или Невеста ветра», 1914).

В 1914 г. художник отправляется на фронт, где вскоре получает тяжелое ранение. Физические и моральные страдания (разрыв с любимой женщиной) влияют на его живопись, в которой появляются печальные ноты. Темным становится колорит картин, плотной и густой — их фактура. Работы этого периода, написанные мазкими, напоминающими петли, жгуты, спирали, создают мрачное и трагическое ощущение («Эмигранты», 1916-1917;
«Влюбленные с кошкой», 1917).

С 1917 г. Кокошка живет в Дрездене. В 1919-1924 гг. Он профессор дрезденской Академии художеств.

С 1924 по 1933 г. художник путешествует по странам Европы, Малой Азии и Северной Африки. В этот период он пишет главным образом пейзажи: виды городов и их окрестностей, порты («Венеция, лодки на таможне», 1924; «Побережье близ Довера», 1926; «Прага, Карлов мост», 1934). Своей воздушностью и трепетностью его ландшафты напоминают живопись художников-импрессионистов.

В 1933 г. Кокошка вернулся на родину — в Вену, а в 1934 г. поселился в Праге. В 1937 г. написана его знаменитая картина «Портрет «художника-вырожденца» — своеобразный вызов нацистам, развернувшим травлю мастеров «дегенеративного» искусства. В 1938 г. живописцу пришлось эмигрировать в Лондон. В английской столице Кокошка вместе с представителями прогрессивной интеллигенции выступил против милитаризма.

О. Кокошка. Прага, Карлов мост. 1934 г.

После окончания Второй мировой войны художник вновь отправился в путешествие по Европе. Впечатления, полученные во время поездок по европейским странам, отразились в полных света и воздуха пейзажах («Вид Зальцбурга», 1950). Не оставил Кокошка и портретный жанр. Он создал отмеченные тонким психологизмом образы своих современников («Теодор Хейс», 1950). В 1950-е гг. живописец обратился к античной тематике и написал два монументальных триптиха («Сага о Прометее», 1950; «Фермопилы», 1954).

Кокошка занимался и преподавательской деятельностью. В Зальцбурге он работал в летней Академии художеств. С 1953 г. художник жил на Женевском озере в Вильнёве. Здесь он и скончался в 1980 г.

Экспрессионизм

Cтилистическое направление, сопротивляющееся жёсткой временной и географической локации. С одной стороны, право на термин закреплено за определённым авангардным движением в немецкой живописи начала ХХ века. Экспрессионистами, безусловно, считаются художники, входящие в группу «Мост» (1905–1913), и с существенными оговорками – входящие в объединение «Синий всадник» (1911–1914): именно они сформировали своего рода словарь новой живописной выразительности, враждебной по отношению к классическим канонам. С другой же стороны, присутствие элементов данного словаря позволяет обнаружить точечные проявления экспрессионизма практически в любой культуре, от Древнего Египта эпохи Эхнатона до европейского трансавангарда 1980-х — но эти частные случаи всякий раз определяются в качестве экспрессионистских по тем признакам, которые так или иначе восходят к экспрессионизму «легитимному», немецкому.

Признаки тогда сложившегося экспрессионистского языка: рваный ритм, изломанные, гротескные конфигурации, болезненно-тревожные вспышки цвета, смещённые диагонали композиций, взрыхлённая активность и избыточная спутанность живописной поверхности. И в целом деформация видимой натуры, которая уже и не вполне натура: она переиначена и как бы «фрустрирована» чувством художника, его эмоциональным неприятием современной жизни, мира, «лежащего во зле», и чреватого катастрофами. Социальные страхи начала ХХ века – вполне оправданные – провоцируют дисгармонию колорита и пластики, диктуют радикальный отказ от привычных категорий красоты.

У разных авторов эта базовая матрица выглядит по-разному (поскольку стилистика предполагает акцентирование именно субъективных ощущений), однако общее – драматическое переживание действительности в интонационном диапазоне от безнадёжности до протеста.

Б.А.Голополосов. Борьба за знамя. (Сражающиеся революционеры). 1927–1928. Холст, масло. 144х153. ГТГ

Н.И.Витинг. Интервенция. Из цикла «Революция». 1929. Холст, масло. 53×69. ГТГ

Ю.П.Щукин. На толкучке. Бывшие. 1932. Холст, масло. ГМИ РК

0 / 0

В 1924 и 1926 годах в Москве прошли две выставки (Первая всеобщая германская выставка и Выставка революционного искусства Запада), где были представлены работы немецких экспрессионистов. Они произвели впечатление на многих, а на кого-то повлияли впрямую (так «Инвалиды войны» Юрия Пименова (1926, ГРМ) кажутся прямой отсылкой к антивоенным картинам Отто Дикса или Георга Гросса). Однако российским художникам было от чего оттолкнуться и на отечественной почве.

Если воспринимать экспрессионизм расширенно, как искусство, тяготеющее к гротескному заострению формы и ярким эмоциональным акцентам, то он окажется не чужд многим авангардистам 1910-х – и Ларионову, и Шагалу, и Филонову с учениками (среди которых особенно следует упомянуть Николая Евграфова и Павла Зальцмана). И собственно, драматическое ощущение жизни, которое главным образом характеризует экспрессионизм, могло проявляться по-разному. Не только в напряжённом нагнетании красочной массы, в кричащей интенсивности колористических решений, в динамической эскизности композиций и примитивизации рисунка, когда форма как бы не успевает окончательно «отвердеть» под напором захлестывающих эмоций, – но и при гладкой фактуре и жёсткой линейности. Так, например, Анатолий Гусятинский в своих портретах пытался соединить экспрессионизм с неоклассической традицией, идущей от Василия Шухаева и Александра Яковлева. Натюрморты и религиозные композиции ученика Петрова-Водкина Леонида Чупятова, в которых он следовал пластической системе учителя, были насыщены драматизмом не меньше, чем его же сугубо экспрессионистское «Самосожжение народоволки» (1928, ГТГ) – одна из самых жутких по строю картин 1920-х.

Использование приёмов экспрессионистской выразительности в творчестве советских художников порой впрямую провоцировалось сюжетом. Могла срабатывать традиция изображения того или иного сюжета – в частности, ресторанные мотивы, которые не слишком часто, но все же встречались в 1920-х, порождали экспрессионистскую лексику даже у авторов, в целом исповедовавших «иную веру» – например, у Вячеслава Пакулина из общества «Круг художников» («Стойло Пегаса», 1920-е, ГРМ; «Матросы [В кабачке]», 1928). Экспрессия естественно возникала в образах катастрофы – у Василия Чекрыгина в рисунках из циклов «Расстрел» (1920), «Сумасшедшие» (1921), «Голод в Поволжье» (1922) и «Воскрешение мёртвых» (1921–1922). Чекрыгин входил в группу «Маковец»; другие её участники (Лев Жегин, Вера Пестель) тоже склонялись к этому языку интерпретации – возможно, оттого, что даже в камерных жанрах вдохновлялись не сугубо конкретным, но вечным, и воспринимали современность в перспективе происходящей всегда и теперь бытийной трагедии.

Но подобные сюжеты постепенно выпадали из дозволенного тематического поля. Ещё до окончательного сложения программы социалистического реализма, которое произойдёт ближе к середине 1930-х, в советском искусстве поощряются оптимизм и мажорность строя, прославительные интонации по отношению к лучезарному «сегодня». К тому же оно всё больше ориентируется на изобразительное правдоподобие – против каких бы то ни было формальных приёмов и манифестаций художественного языка.

Среди них – Александр Голованов, Николай Витинг, Борис Голополосов, Аркадий Ставровский, Иван Ивановский, отчасти – Александр Глускин, Роман Семашкевич, Герта Неменова, Валентина Маркова. Трудно назвать всех, поскольку экспрессионизм не образует ни единой линии, ни даже внятного пунктира – следующие этой манере (или разделяющие это мироощущение) далеко не всегда были связаны друг с другом и друг о друге знали. И стилистика тоже не определяется отчётливо, а являет себя в симбиозах – то фовистский цвет возникает в мчащемся по бездорожью «Авто» Романа Семашкевича (1930, ГТГ), то нечто сюрреальное происходит в картинах Александра Голованова («Город. Лунная ночь», 1930, ГТГ; «Голованов на том свете, или Именины автора», 1930, не сохранилась).

Общество «Цех живописцев» было организовано Александром Шевченко и его учениками по Вхутемасу. С 1926 по 1930 годы состоялись три его выставки, которые неизменно вызывали раздражение критики и художественных властей: осуждалось «стремление к чисто живописной выразительности, в жертву которой “цехисты”, без больших раздумий и колебаний, приносят социальную насыщенность и тематическую направленность своих работ» (Лобанов В.М. Художественные группировки за последние 25 лет. М., 1930. С.144–145.). В письме в Главискусство, составленном Борисом Голополосовым и Екатериной Классон в 1930 году с целью спасти «Цех» от неминуемого закрытия, авторы пытаются объяснить коллективную стилистику приемлемым для начальства образом («члены общества различными путями всё более становятся на путь живописного экспрессионистского реализма») – однако их усилия тщетны.

Две его работы последних лет перед «переменой участи», «Человек бьётся головой об стену» (1937) и «Тупик» (1938) – своего рода образцы трагического экспрессионистского видения, формулы тоски и безнадёжности. Тусклый «землистый» колорит и пластические деформации соответствуют депрессивным сюжетам – и подобного рода «несвоевременные» сюжеты встречались у Голополосова и прежде («Одиночество. Убийца», 1923; «Сумасшедший», 1924, ГТГ). Однако и в «революционных» его картинах, экспонировавшихся на выставках «Цеха» («Ленин – вождь пролетариата», 1929, ГТГ; «Борьба за знамя», 1928, ГТГ) сгустки багровых и фиолетовых оттенков в колорите и изломанность фигур порождают общее настроение тревоги и опасности. Точно так же в литографии Николая Витинга «У гроба вождя» (1924) голова мёртвого Ленина среди скорбящих лиц, похожих на маски, выглядит ещё одной, самой страшной и угрожающей маской.

Экспрессионизм в советском искусстве мог «прорастать» в неожиданных зонах. Не только там, где к таким решениям взывала сама тематика – например, у Аркадия Ставровского (Брюшной тиф», 1932; «В анатомическом театре» – все Государственный музей искусств им. И.В.Савицкого, Нукус). И не только там, где внятной оказывалась отсылка к традиции, в той или иной мере практикующей экспрессивные акценты: у того же Ставровского в натюрморте «Гитара и Маски» (1937, Нукус) – к Джеймсу Энсору, у Ивана Ивановского в «Прачках» (1928–1929) – к Оноре Домье, у Бориса Земенкова в картине «Фары» – к немецкому экспрессионистскому кинематографу. Но странным образом язык гротескных преувеличений и примитивистских упрощений порой возникал в изображениях массовых сцен с заведомо жизнеутверждающей сюжетной программой – в «Энтузиастках» Романа Семашкевича (1931), в «Демонстрации» Николая Евграфова (1936) с чёрной толпой под знаменами, похожими на окровавленные косы, в картинах Александра Глускина «Праздник в местечке» и «На демонстрацию» (1931, 1932, обе – частные собрания). И трудно с определённостью сказать, насколько авторы осознавали опасный крен выбранной стилистики, её открытость непредусмотренным трактовкам.

Зато у критиков, как правило, не было сомнений в трактовках. Сказанное про Израиля Лизака – «не понял и не ощутил в окружающей его жизни крепнущих сил социализма» – в тех или иных выражениях говорилось про многих художников, чей пластический язык не отвечал предписанному натуроподобию. В известном смысле можно сказать, что практически любое стилистическое отступление от крепнущего канона в данной исторической ситуации выглядело своего рода «экспрессионизмом без берегов» – эстетикой несогласия, и вызывало соответствующую цензурную реакцию. На судьбах авторов это сказалось самым прискорбным образом. Кто-то был арестован и погиб (Александр Древин, Роман Семашкевич), кто-то надолго исчез из поля художественной видимости, пробиваясь случайными работами (Борис Голополосов, Аркадий Ставровский), а кто-то и вовсе ушёл из профессии (Екатерина Классон). Только через много лет случилось «возвращение имён» – благодаря двум людям. Игорю Витальевичу Савицкому, который сумел составить из вещей забытых художников коллекцию музея в Нукусе, и Ольги Осиповны Ройтенберг, чьи многолетние поиски завершились изданием книги «Неужели кто-то вспомнил, что мы были…»: в этой книге открыт целый пласт утраченного искусства (более восьмисот имён).

Чему можно научиться у экспрессионистов

Экспрессионизм зародился в Германии в начале 20 века. Это движение трудно определить, поскольку оно, кажется, пересекается со многими другими движениями (кубизм, сюрреализм, постимпрессионизм, символизм). Неудивительно, что история искусства может так запутать стороннего наблюдателя огромным количеством «измов».

Как следует из названия, экспрессионизм характеризуется использованием красок для изображения и преувеличения эмоций и чувств. До этого художники были больше сосредоточены на том, чтобы запечатлеть то, что находится перед нами физически, а не то, что происходит у нас в голове.

В этой статье я суммирую ключевые аспекты движения и то, что вы можете из него извлечь.

• Определяющие характеристики экспрессионизма
• Начало экспрессионизма
• Развитие немецкого экспрессионизма
• Чему можно научиться у экспрессионизма
• Ключевые художники-экспрессионисты
• Лучшие цитаты экспрессионистов
• Полезные ресурсы
• Хотите узнать больше?
• Спасибо за прочтение!

Определяющие характеристики экспрессионизма

• Ориентирован на передачу эмоций и чувств, а не на то, как на самом деле выглядит объект.
• Яркие цвета и смелые штрихи часто использовались для преувеличения этих эмоций и чувств.
• Проявлено влияние постимпрессионизма, фовизма и символизма.

Начало экспрессионизма

Движение в искусстве экспрессионизма восходит к таким художникам, как Винсент Ван Гог, Эдвард Мунк и Анри Матисс, каждый из которых начал проявлять признаки отхода от реалистического изображения в пользу фиксации субъективных мыслей и взглядов. Экспрессионизм поднял его на новый уровень и сделал эти субъективные мысли определяющей чертой движения.

На картине Винсента Ван Гога ниже обратите внимание на то, как яркие цвета и смелая манера письма преувеличивают человека в состоянии меланхолии. Слабые оранжевые цвета лица субъекта заставляют его выглядеть слабым и побежденным, особенно на контрасте с яркими синими и красными оттенками в остальной части картины.

Эдвард Мунк был частью движения символизма и оказал большое влияние на экспрессионистов. Его самая известная картина — «Крик». Как видите, реалистическому изображению предмета и пейзажа уделялось очень мало внимания. Закрученные линии и резкие контрасты цвета использовались, чтобы передать глубокую боль омерзительного субъекта.

Анри Матисс, член фовистского движения, хорошо известен своими исследованиями цвета для передачи смысла, а не реальности. Он часто использовал крайне неточные цвета, слабо скрепляемые структурой значений. Эти изменения в цвете, по-видимому, повлияли на экспрессионистов.

Развитие немецкого экспрессионизма

Экспрессионизм, кажется, имеет слабое начало. Фактический термин «экспрессионизм» редко, если вообще когда-либо, использовался самими художниками-экспрессионистами. Но этот термин часто использовался для описания характеристик других движений, таких как постимпрессионизм и фовизм.

Истоки экспрессионизма часто связывают с двумя немецкими группами художников, известными как Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник) .

Die Brücke была основана в 1905 году в Дрездене под руководством Эрнста Людвига Кирхнера. Среди других художников группы были Карл Шмидт-Ротлуф, Эрих Хеккель и Фриц Блейл. Группа часто называлась «Мост», потому что они считали себя мостиком между старым миром и новым.

Киршнер и другие члены группы были особенно обеспокоены появлением индустриализации и ее влиянием на общество. Они считали, что сообщества становятся более разделенными и разъединенными в связи с появлением промышленности и корпоративного капитализма. Работы группы часто изображали городские уличные сцены и городскую жизнь, чтобы передать их чувства по поводу меняющегося общества.

В картине Киршнер ниже вы можете увидеть влияние направленной кисти Ван Гога и авантюрного использования цвета Матиссом. Выражение лица намекает на чувство одиночества и отчаяния. Кисть Киршнера позже эволюционировала, в ней стало меньше пастозности и больше плоских цветовых плоскостей.

Ниже представлена ​​еще одна картина Киршнера, представляющая как эстетический стиль, так и тему, излюбленную экспрессионистами. Сцена изображает оживленный и беспокойный характер навигации по улицам Дрездена в начале 20 века.

Для меня картина неприятная, с искаженной перспективой и неестественными цветами. Я предполагаю, что идея заключалась в том, чтобы изобразить тревоги городской жизни. Кажется, что ни один из субъектов в сцене не взаимодействует. Также обратите внимание на цвета, использованные для лиц объектов — ярко-красные и тускло-желтые. Далеко не реалистично, но это, конечно, замысел картины.

Вторая группа, связанная с экспрессионизмом, Der Blaue Reiter (Синий всадник), образованная в Мюнхене в 1911 году художниками Василием Кандинским и Францем Марком. Это имя было выбрано из-за интереса основателей к лошадям и синему цвету. Кандинский считал, что всадник символизирует связь между физическим и духовным мирами, и стремился сделать то же самое в своих работах.

Кандинский был одним из первых художников движения, экспериментировавших с полной абстракцией, как на его картине ниже. В своей публикации «О духовном в искусстве» он рассказал о том, как он стремился поощрять духовность через свое искусство. Он считал, что это приведет к просвещенному и освобожденному обществу.

Партнер Кандинского в Der Blaue Reiter, Франц Марк не был оптимистом в отношении дальнейшего развития человечества. Он стремился создать новую систему присвоения цвета эмоциям и идеям. Например, Марк считал, что синий представляет мужские качества, а желтый – женские.

На многих его работах изображены животные, так как он считал их чище людей. Его картина ниже изображает многочисленных животных в визуально фрагментированной композиции, наполненной яркими красками и острыми угловатыми формами. После начала Первой мировой войны Марк писал жене, что именно эта картина «похожа на предчувствие этой войны — ужасной и сокрушительной».

Из Германии экспрессионистское движение распространилось по всей Европе, но начало терять популярность после Первой мировой войны. Однако оно проложило путь более поздним течениям абстрактного экспрессионизма и неоэкспрессионизма.

Чему вас может научить экспрессионизм

• Работа кистью может стать отличительной чертой вашего искусства. Используйте смелые штрихи, чтобы направлять людей через вашу картину и усиливать форму предмета.
• Все мы придаем значение разным цветам. Красный указывает на теплоту огня, а синий — на прохладу снега. Вы можете использовать это в своих картинах. Но имейте в виду, что то, как мы воспринимаем цвет и значения, которые мы придаем, субъективны по своей природе. Например, если вы ассоциируете зеленый цвет с природой, это не значит, что все остальные тоже.
• Вы можете передать чувства и эмоции через картину, а не только то, что есть физически.

Ключевые художники-экспрессионисты

• Василий Кандинский
• Франц Марк
• Эрнст Людвиг Кирхнер
• Карл Шмидт-Ротлуф
• Эрих Хеккель
• Фриц Блейл
• Пауль Клее
• Огюст Макке
• Эгон Шиле

Верх Цитаты экспрессионистов

«Немецкий художник творит из своего воображения, внутреннего видения, формы видимой природы для него только символ». Эрнст Людвиг Кирхнер

«С верой в прогресс и в новое поколение творцов и зрителей мы созываем всю молодежь. Будучи молодежью, мы несем будущее и хотим создать для себя свободу жизни и движения против укоренившихся старых сил. Каждый, кто прямо и достоверно воспроизводит то, что побуждает его к творчеству, принадлежит нам». Эрнст Людвиг Кирхнер

«Настоящим мотивом выбора моих сюжетов почти исключительно из жизни рабочих было то, что только такие сюжеты простым и безоговорочным образом давали мне то, что я считала прекрасным…» Кете Кольвиц

«Искусство — это не что иное, как выражение нашей мечты; чем больше мы подчиняемся ему, тем ближе мы подходим к внутренней истине вещей, нашей жизни-мечте, истинной жизни, которая презирает вопросы и не видит их». Франц Марк

«Настоящие сны и видения должны быть так же видны художнику, как явления объектива». Оскар Кокошка

«Непостижимые идеи выражают себя непостижимыми формами… Форма для нас загадка, поскольку она является выражением таинственных сил… Наши чувства — это наш мост между непостижимым и постижимым». Август Маке

Полезные ресурсы

Книги:

Экспрессионизм Норберта Вольфа

Экспрессионизм в Германии и Франции: от Ван Гога до Кандинского Тимоти Бенсона

Веб-сайт s:

История искусства – Экспрессионизм – Подробная информация о Экспрессионизм.

Wiki Art – Expressionism – содержит множество картин художников-экспрессионистов.

Википедия – Экспрессионизм – Общая информация о движении.

Раскрытие партнерской информации: в этом сообщении могут быть партнерские ссылки на рекомендуемые продукты. Если вы покупаете по любой партнерской ссылке, я получу небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас. Эти средства используются для развития этого веб-сайта и распространения художественного образования среди людей во всем мире. Спасибо!

Хотите узнать больше?

Возможно, вас заинтересует мой курс Академии живописи. Я познакомлю вас с проверенными временем основами живописи. Он идеально подходит для начинающих художников среднего уровня.

Спасибо за прочтение!

Я ценю, что вы нашли время, чтобы прочитать этот пост, и я надеюсь, что вы нашли его полезным. Не стесняйтесь поделиться им с друзьями.

Приятного рисования!

Дэн Скотт

Draw Paint Academy

О компании | Список поставок | Избранные сообщения | Продукты

Понравился этот пост? Присоединяйтесь к более 123 000 художников , которые подписываются на информационный бюллетень Draw Paint Academy.

Альма Томас и экспрессионизм | Коллекция Филлипса

Материалы

• Копии:
  • Экспрессионизм Art Detective Рабочий лист
  • Что такое экспрессионизм? Руководство
  • Путеводитель по экспрессионистскому искусству Альмы Томас
• Печатная или цифровая версия книги Томаса В студии
• Стикеры Post-it (10 на учащегося)
• Диаграммная бумага
• Бумага
• Краски, фломастеры, мелки, цветные карандаши, акварель
• Вода
• Чашки
• Карандаши

Обзор урока

Альма Томас была чернокожей художницей и учительницей из Вашингтона, округ Колумбия. Томас был сложным художником, черпая вдохновение из многих пересекающихся творческих пространств в своей жизни: дизайн интерьера, кукольное искусство, театральное представление и изобразительное искусство. Независимо от творческого пространства, которое она занимала в любой момент времени, Томас стремился к одному: поиску красоты. И она нашла его в природе, человеческой изобретательности и окружающем мире. На этом уроке студенты будут:

• Узнайте о некоторых характеристиках экспрессионистского искусства
• Понять вклад Альмы Томас в экспрессионистское искусство
• Создайте собственное экспрессионистское искусство

Чтобы расширить знания учащихся о других типах художественных стилей, используемых Алмой Томас, предложите им пройти урок «От репрезентативного к абстрактному: искусство Альмы Томас».

Часть 1: Пристальный взгляд на искусство Алмы Томас

ИДЕНТИФИКАЦИЯ:

• Предложите учащимся посмотреть на картину Альмы Томас В студии . Пока не давайте им никакой справочной информации; просто покажи им картину.
• Существительные и прилагательные
  • Раздайте каждому учащемуся по 10 стикеров. На 5 заметках они должны написать 10 существительных для описания картины и 5 прилагательных на остальных 5 заметках.
  • В группах или всем классом размещайте записи на доске или стене в классе. Предложите учащимся вместе сгруппировать слова, похожие друг на друга.
  • Спросите учащихся:
    • Где мы видим сходство в существительных и прилагательных, которые мы придумали для этой картины?
    • Где мы видим различия в существительных и прилагательных, которые мы придумали для этой картины?
    • Что вы почувствовали, глядя на эту картину?
• Расскажите учащимся, что сегодня они узнают об Альме Томас, чернокожей художнице и учительнице из Вашингтона, округ Колумбия. В частности, они узнают больше о ее работе художника-экспрессиониста.

Часть 2.

Исследовать:

• Предложите учащимся заполнить рабочий лист экспрессионизма.
• Обсудите всем классом ответы на вопросы, особенно на следующий вопрос:
  • Как вы думаете, какими характеристиками экспрессионистского искусства можно основываясь на том, что вы изучали на картинах?
• Запишите ответы учащихся на листе бумаги. Вы вернетесь к этому позже в уроке.

Более глубокое погружение:

• Предложите учащимся посмотреть этот короткий видеоролик об экспрессионизме. Во время просмотра они должны ответить на вопросы о том, что такое экспрессионизм? гид.
  • СИНТЕЗ: Учителя должны рассмотреть несколько моментов в видео до/после просмотра:
    • Мультфильм начинается с того, что Поллок курит сигарету. Курение было обычным явлением в 1950-х годах, но сегодня мы знаем, что курение вызывает серьезные долгосрочные проблемы со здоровьем.
    • Это видео имеет особое определение искусства. В Что такое экспрессионизм? , у каждого учащегося будет возможность подумать, согласны ли они с определением, и объяснить почему.
    • В этом видео не обсуждается вклад женщин в экспрессионистское движение. Вы можете поделиться этой выставкой и видео, чтобы дать учащимся больше информации о том, почему женщины часто не включены в общепринятое понимание абстрактного экспрессионизма и почему это проблематично.
      • Спросите учащихся, могут ли они вспомнить другие примеры сегодня или в истории, когда женщины не учитывались в общепринятом понимании, даже когда они внесли значительный вклад?
      • Примечание. Возможно, вам потребуется определить основное направление — предполагаемые доминирующие тенденции, идеи и отношения.
• Предложите учащимся поделиться ответами на вопросы Что такое экспрессионизм? как часть обсуждения всего класса.
  • Спросите учащихся, как это видео повлияло, изменило или поддержало особенности экспрессионистского искусства, которые они определили ранее (обратитесь к ответам, написанным на диаграмме ).
• В партнерской программе учащиеся более внимательно изучат абстрактное искусство Альмы Томас, изучая работы в Руководстве по экспрессионистскому искусству Альмы Томас и отвечая на вопросы.
• Всем классом обсудите ответы на вопросы из руководства Альмы Томас по искусству экспрессионизма. Кроме того, обсудите:
  • Как работа Альмы Томас способствует вашему пониманию экспрессионистского искусства?
  • Что делает ее искусство уникальным?

Часть 3: Рисуйте как экспрессионист

ЭКСПРЕСС:

• Попросите учащихся написать на листах бумаги 5 эмоций, которые они испытали сегодня. Попросите их сложить листы пополам, а затем выбрать один наугад.
• Выбрав эмоцию, учащиеся должны рассмотреть:
  • Какие цвета лучше всего передают эту эмоцию?
  • Какие линии лучше всего выражают эту эмоцию?
  • Как вы хотите провести кистью (или маркером, или мелком) по бумаге, чтобы выразить эту эмоцию?
  • На какой риск вы хотите пойти?
• Предложите учащимся проявить себя!

СИНТЕЗ:

• Создайте прогулку по галерее.
• Когда каждый учащийся будет смотреть на каждое произведение искусства, попросите их написать одно существительное или прилагательное, которое, по их мнению, соответствует произведению, и поместить его перед произведением искусства.
• После прогулки по галерее попросите художника выбрать одно существительное и одно прилагательное, которые, по их мнению, лучше всего отражают то, что они пытались передать. Это станет названием их произведения искусства!

Альма Томас
Три волхва
1966
Холст, акрил
36 1/2 × 23 1/2 дюйма
Фонд искусств Хармона и Харриет Келли

Альма Томас, Три мудреца , 1966

Альма Томас
Они положили Его в гробницу
1958
Холст, масло
32 1⁄4 × 40 1⁄4 дюйма
Паола Луптак

Альма Томас часто говорил об использовании своего искусства, чтобы запечатлеть красоту в мир. Как и многие экспрессионисты, она передала в своем искусстве глубокие эмоции. В этой картине Томас улавливает сложность эмоций, создавая мрачные, темные, медленно плавные линии и одновременно некоторые всплески цвета, сигнализирующие о том, что, хотя человека хоронят, есть красота в сообществе, собравшемся вместе, чтобы возложить человек, чтобы отдохнуть.

Альма Томас, Они положили Его в гробницу , 1958

Alma Thomas
В студии
1956
Нефть на холсте
40 x 30 дюйма
Частная коллекция

Искусство Томаса развивалось в течение ее карьеры, переходя от репрезентативного искусства к выраженному искусству. Томас, как и многие экспрессионисты, перешла от представления того, что она видела, к выражению эмоций, которые она испытывала, когда смотрела на мир. Объекты стали окном в сердце и разум художника. На этой картине мы видим то, что напоминает студию художника, но выбор цвета и линии больше говорит о том, что Томас чувствовал в тот момент, когда она рисовала свою студию. Более темные цвета и широкие быстрые мазки создают ощущение творческого хаоса.

Альма Томас, В студии , 1956

Дополнительный контекст

Контекст урока

Альма Томас была чернокожей художницей и учительницей из Вашингтона, округ Колумбия. Томас был сложным художником, черпая вдохновение из многих пересекающихся творческих пространств в своей жизни: дизайн интерьера, кукольное искусство, театральное представление и изобразительное искусство. Независимо от творческого пространства, которое она занимала в любой момент времени, Томас стремился к одному: поиску красоты. И она нашла его в природе, человеческой изобретательности и окружающем мире.

Томас часто ассоциируется с Вашингтонской школой цвета, художественным движением 1950-1970-х годов, возникшим в ответ на абстрактный экспрессионизм; художники использовали смелые цвета для создания простых плоских форм, полос и цветовых полей, а не сосредотачивались на эмоциях, жестах и ​​движениях. Томас отличался от многих других художников Вашингтонской школы цвета, чьи работы не ссылались ни на какие объекты из реальной жизни; вместо этого в ее работах сочетались смелые цвета и формы Вашингтонской школы цвета с эмоциями и динамизмом абстрактных экспрессионистов.

Ключевые термины

Экспрессионизм: Экспрессионизм — художественное движение, возникшее в начале 1900-х годов в Германии. Это движение выдвинуло идею о том, что искусство может быть выражением внутреннего или эмоционального состояния художника, а не представлением реального мира.

Репрезентативное искусство: Художественное произведение, четко изображающее реальные предметы.