Поэзия серебряного века кратко 🤓 [Есть ответ]
Временные рамки поэзии Серебряного века охватывают конец 19 – начало 20 века (примерно 20-30-е годы).
На стыке веков русская поэзия пережила второе рождение. Возникло множество литературных течений, главным из которых считался символизм. Он являлся ответом на кризис, бытовавший в европейской культуре. Реализм постепенно терял свои позиции, уступая дорогу молодому поколению литераторов.
Некоторые литературоведы считают, что эпоха Серебряного века началась в 1897 году, когда публицист В. С. Соловьев опубликовал произведение “Оправдания добра”. В нем содержались те философские догмы, которые были основой для поэтов Серебряного века.
Основные течения Серебряного века были разноплановыми и обладали своими уникальными особенностями.
Символизм. Главным инструментом исследования окружающего мира является символ. Он указывает на то, что находится за границами понимания человека. Символисты концентрировались на подсознательно-интуитивном восприятии окружающей действительности.
Акмеизм. Возник на основе символизма примерно в 1911 году, когда Н. С. Гумилев организовал поэтическое объединение “Цех поэтов”. Произведения акмеистов были более понятны читателю. Они не были наделены каким-то глубоким смыслом, который трудно постичь. Акмеисты не отрицали духовную сторону жизни, но предпочитали писать о земных вещах. Конец эпохи акмеизма припадает на 1914 год. Представители: М. А. Зенкевич, А. А. Ахматова.
Футуризм. Главная цель – эпатировать публику как формой стиха, так и его содержанием. Футуристы больше ориентировались не на музыку (как это делали символисты), а на живопись. Они призывали покончить с традиционным искусством и забыть о Золотом веке русской литературы. Большее внимание футуристы уделяли не смыслу, а самому слову. Они пытались его всячески изменить, чтобы выдумать новую стихотворную форму.
Имажинизм. Упор на образности поэзии, отсутствии клише и эпатажности. Главным художественным средством становится метафора. В поэзии имажинистов не было единой темы или настроения. Были и пессимистические произведения, и стихи, наполненные патриотизмом. Течение распалось в 1925 году. Представители: А. Б. Мариенгоф, С. А. Есенин.
На смену Серебряному веку пришла литература советского периода.
Оценка: 4.1 (23 голоса)
Поэзия Серебряного века. 11 класс. В помощь школьнику
Ольга Разумихина — выпускница Литературного института им. А. М. Горького, книжный обозреватель и корректор, а также репетитор по русскому языку и литературе. Каждую неделю она комментирует произведения, которые проходят учащиеся 9—11 классов.
Колонка «В помощь школьнику» будет полезна и тем, кто хочет просто освежить в памяти сюжет той или иной книги, и тем, кто смотрит глубже.
В материалах О. Разумихиной найдутся исторические справки, отсылки к трудам литературоведов, а также указания на любопытные детали и «пасхалки» в текстах писателей XVIII—XX вв.
Текст: Ольга Разумихина
Серебряный век поэзии
Конец XIX и начало ХХ века в России принято называть «Серебряным веком русской литературы». Почему Серебряным, спросите вы? Потому что «Золотым веком» называют другую эпоху — время, когда творили А. С. Пушкин, М. Ю. Лермонтов, Н. В. Гоголь. Первоначально этот термин, придуманный критиком М. А. Антоновичем, относился лишь к первой половине XIX века, но затем «захватил» и И. С. Тургенева, и Ф. М. Достоевского, и А. А. Фета с Ф. И. Тютчевым.
Правда, в те времена поэты и писатели в большинстве своём не становились основоположниками литературных направлений, не составляли манифесты. Да, раннюю поэзию Пушкина и Лермонтова можно отнести к романтизму, но он появился на Западе ещё до того, как будущие гении взялись за перо; затем восторжествовал реализм, а некоторые критики, такие как Ф.
В. Булгарин, презрительно называли созданные в русле этого направления работы «натуралистическими», указывая, что писатели, по их мнению, слишком увлеклись бытописанием «грязных» сцен из бытовой жизни. А вот поэты Серебряного века формировали направления более чем осознанно — и у каждого из них была своя идеология и художественные принципы.
Символизм
Самое раннее из литературных направлений Серебряного века — символизм — тоже, строго говоря, не было изобретено отечественными авторами: этот термин родился среди французских поэтов. Однако в России он был переосмыслен и получил новое развитие. Более того, направление стало настолько популярно, что работавшие в его рамках авторы разделились на «поколения» старших и младших символистов.
К старшим символистам принято относить таких поэтов, как К. Д. Бальмонт, В. Я. Брюсов, Д. С. Мережковский и З. Н. Гиппиус, — их лирические герои решительно отвергали реальность и предпочитали жить в абстрактном мире идей, свободных фантазий и вдохновения.
Младшие символисты — это такие знаменитые поэты, как А. А. Блок и Андрей Белый, — также утверждали, что действительность далека от идеала, но стремились к более конкретному идеалу: миру, где царит Вечная Женственность, та сила, которая торжествует в Раю, описанном ещё средневековым поэтом Данте в «Божественной комедии». Добравшись до самого высокого из Небес, Данте встречает Беатриче — женщину, в которой слилось земное и божественное начала:
О, что за трепет душу мне объял,
Когда я обернулся к Беатриче
И ничего не видел, хоть стоял
Вблизи нее и в мире всех величий!
Особенно много подобных женских образов встречается в лирике А. А. Блока, автора статьи «О современном состоянии русского символизма» (1910). Лирические герои его стихотворений тоскуют о «Прекрасной даме» или «Незнакомке». Именно так называется одно из самых знаменитых стихотворений этого автора: в нём рассказывается о таинственной даме, которая, как прекрасное видение, оказывается в трактире среди «пьяниц с глазами кроликов».
Герой не понимает, действительно ли он видит женщину или она только мерещится ему — как отражение мечты о божественной любви:
И каждый вечер в час назначенный
(Иль это только снится мне?)
Девичий стан, шелками схваченный,
В туманном движется окне.
<…>
И веют древними поверьями
Ее упругие шелка,
И шляпа с траурными перьями,
И в кольцах узкая рука. (1906)
Как и следует из названия направления, его авторы использовали множество символов. Символ отличается от образа тем, что он обладает сразу множеством значений. Например, роза может быть как символом любви, так и знаком раздора и даже вражды (вспомним Войну Алой и Белой розы), а также скорби. Впрочем, некоторые критики считали, что символисты порой слишком уж «воспаряли» над земным миром — настолько, что это становилось смешным.
Так, В. С. Соловьёв даже написал стихотворный цикл «Пародии на русских символистов», где есть следующие строки:
На небесах горят паникадила,
А снизу — тьма.
Ходила ты к нему иль не ходила?
Скажи сама!
<…>
И не зови сову благоразумья
Ты в эту ночь!
Ослы терпенья и слоны раздумья
Бежали прочь. (1895)
Акмеизм
Другое литературное направление Серебряного века — акмеизм — можно назвать почти полной противоположностью символизма. Поэты, принадлежавшие к этому лагерю, проповедовали «прекрасную ясность» и вместо символов использовали вполне конкретные детали, пришедшие из «грубого», но всё равно прекрасного, по их мнению, мира. А. А. Ахматова подытожила опыт поэтов-акмеистов в стихотворении «Мне ни к чему одические рати.
..», написанном уже в 1940 году. «Одические» здесь — производное от слова «ода», то есть возвышенное классицистическое произведение, написанное в честь какого-либо человека или события. В этом стихотворении читаем:
Когда б вы знали, из какого сора
Растут стихи, не ведая стыда,
Как желтый одуванчик у забора,
Как лопухи и лебеда.
Сердитый окрик, дегтя запах свежий,
Таинственная плесень на стене…
И стих уже звучит, задорен, нежен,
На радость вам и мне. (1940)
У акмеистов внутренние противоречия в душах лирических героев отражаются через неловкость движений, эмоциональные всплески. В одном из самых известных стихотворений той же Ахматовой — «Песня последней встречи» — девушка, переживая из-за разрыва с возлюбленным, «...на правую руку надела / Перчатку с левой руки».
Это произведение так понравилось поклонникам (а в особенности — поклонницам) современной поэзии, что они стали «штамповать» собственные творения с практически дословными цитатами. Так, в литературной гостиной Н. С. Гумилёва одна дама вдохновенно читала о том, как она «…туфлю с левой ноги / На правую ногу надела». Таких поэтесс Гумилёв саркастически называл «подахматовками».
Акмеисты иногда также называли себя «адамистами», отсылая слушателей к фигуре Адама — первого человека на Земле, который, согласно преданию, дал названия всем животным, растениям и предметам. Слово же «акмеизм» происходит от греческого «акме», которое обозначает «пик, наивысшую точку чего-либо». В рядах акмеистов, помимо Ахматовой, состояли О. Э. Мандельштам — автор статьи «Утро акмеизма» (1912) — и, конечно, сам Н. С. Гумилёв.
Футуризм
Футуристы (от латинского слова futurum — «будущее») не пытались сбежать от мира в «башню из слоновой кости»: они мечтали этот мир изменить.
Представители этого направления прославились наиболее эпатажными заявлениями и выходками. Так, в 1912 году они издали манифест под названием «Пощёчина общественному вкусу», в котором утверждали: «Прошлое тесно. <…> Пушкин непонятнее иероглифов. Бросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч. и проч. с Парохода Современности». Далее они перечислили писателей и поэтов, которым, по их мнению, «нужна лишь дача на реке»: в этот список вошёл символист А. А. Блок, а также — ни много ни мало — Максим Горький. В манифесте утверждались следующие права поэтов:
- На увеличение словаря в его объёме произвольными и производными словами (Слово-новшество).
- На непреодолимую ненависть к существовавшему до них языку.
- С ужасом отстранять от гордого чела своего из банных веников сделанный вами Венок грошовой славы.
- Стоять на глыбе слова «мы» среди моря свиста и негодования.
Футуристы призывали к свершению Мировой революции и зачастую пропагандировали свои идеи, шокируя общественность.
Они наносили на лица грим, а В. В. Маяковский однажды явился на публике в женской жёлтой кофте. Впрочем, все эти выходки были всего лишь средствами для достижения цели: найти как можно больше единомышленников и пригласить их в свой «лагерь».
Оставаясь верными принципам, отражённым в манифесте, футуристы ломали нормы русского литературного языка. Маяковский, как многим известно, выработал свой способ графического написания стихов — «лесенкой»:
Сливеют
губы
с холода,
но губы
шепчут в лад:
«Через четыре
года
здесь
будет
город-сад!»
В. Хлебников же сконцентрировался на придумывании новых слов. В «Словаре неологизмов Велимира Хлебникова», изданном уже в 1995 году, набралось аж 560 страниц.
Стихотворение, приведённое ниже, — один из самых знаменитых экспериментов поэта-новатора:
КУЗНЕЧИК
Крылышкуя золотописьмом
Тончайших жил,
Кузнечик в кузов пуза уложил
Прибрежных много трав и вер.
«Пинь, пинь, пинь!» — тарарахнул зинзивер.
О, лебедиво!
О, озари!
Имажинизм
Меньше всего по времени, пожалуй, в Серебряном веке «продержалось» такое направление, как имажинизм, — направление, представители которого видели первостепенную задачу в создании системы образов, способных потрясти воображение читателя, заставить его как бы увидеть у себя перед глазами яркую картину. «Орден имажинистов» в 1918 году основал А. Б. Мариенгоф, автор «Романа без вранья» и «Циников». Самым прославленным участником объединения был С. А. Есенин. Поэт, наиболее всего известный по стихотворениям «Отговорила роща золотая», «Письмо женщине» и «Мы теперь уходим понемногу», в бытность свою имажинистом написал теоретическую работу «Ключи Марии» (1918), которая начиналась так:
Орнамент — это музыка.
Ряды его линий в чудеснейших и весьма тонких распределениях похожи на мелодию какой-то одной вечной песни перед мирозданием. Его образы и фигуры какое-то одно непрерывное богослужение живущих во всякий час и на всяком месте. Но никто так прекрасно не слился с ним, <…> как наша древняя Русь, где почти каждая вещь через каждый свой звук говорит нам знаками о том, что здесь мы только в пути, <…> что где-то вдали, подо льдом наших мускульных ощущений, поет нам райская сирена и что за шквалом наших земных событий недалек уже берег.
В этой статье (где слово «Мария» означает «душа») Есенин попытался объяснить важность орнамента для русской и мировой культуры вообще, а также разработать уникальную классификацию образов, где самой ценной находкой был образ «ангелический». Однако получилось не вполне понятно. Так что, учитывая весьма спорную идеологическую составляющую направления, неудивительно, что имажинизм не стал таким прославленным направлением, как символизм или акмеизм.
Впрочем, в сокровищницу русской классики он всё равно принёс немало шедевров. Чего стоят только строчки Есенина из незавершённого стихотворения «Хорошо им стоять и смотреть»:
Оттого-то в сентябрьскую склень
На сухой и холодный суглинок,
Головой размозжась о плетень,
Облилась кровью ягод рябина.
ОБЭРИУНаконец, ещё одним заслуживающим внимания литературным направлением Серебряного века стало ОБЭРИУ — «Объединение реального искусства». Аббревиатура ассоциируется у литературоведов в первую очередь с иманами Д. И. Хармса и А. И. Введенского. Эти поэты создавали абсурдистские, порой смешные, а порой и очень печальные стихотворные тексты. Вы наверняка слышали вот это стихотворение Хармса:
Из дома вышел человек
С дубинкой и мешком
И в дальний путь,
И в дальний путь
Отправился пешком.
Он шел все прямо и вперед
И все вперед глядел.
Не спал, не пил,
Не пил, не спал,
Не спал, не пил, не ел.
И вот однажды на заре
Вошел он в темный лес.
И с той поры,
И с той поры,
И с той поры исчез.
Но если как-нибудь его
Случится встретить вам,
Тогда скорей,
Тогда скорей,
Скорей скажите нам. (1937)
Помимо стихов, Хармс писал в высшей степени остроумную прозу и небольшие пьесы.
Русский авангард • Arzamas
Как Малевич, Кандинский, Родченко, Татлин, Ларионов и «бубновые валеты» создали радикально новое искусство XX века
Автор Галина Ельшевская
В марте 1915 года коллекционер Сергей Щукин, по слухам, купил с выставки «Трамвай В» работу Владимира Татлина, сколоченную из деревянных плашек.
Термин «авангард» для нас совершенно привычен, но в 1910-е годы он не был в ходу. Тогда чаще употреблялись слова, которые подчеркивали либо оппозиционность искусства — «левые художники», либо новизну искусства, его временной вектор — «будущники», «будетляне», «футуристы». Слово «футуристы» было главным, потому что оно интернациональное: были, например, и итальянские футуристы, их лидер Маринетти приезжал в Россию. А после революции термин «футуризм» стал распространяться на всех левых художников, и, например, критик Абрам Эфрос писал: «Футуризм стал официальным искусством новой России», имея в виду весь авангард.
Примерно понятно, когда авангард появляется и заявляет о себе — в 1910-е; известны и его главные имена. Но довольно трудно это понятное в нескольких словах сформулировать. Вот, например, в авангардной живописи множество беспредметных версий, от экспрессивной абстракции Кандинского до супрематизма Малевича. Но целиком он никак не сводится к абстракции. Скажем, Ларионов, Гончарова, Филонов, и не только они, почти или совсем не отступали от изображения предметного мира. А что касается художественной условности, то ее мера не поддается простым подсчетам — так, чтоб сказать, что вот с этого места уже авангард, а раньше еще нет. Авангард — это разнообразие языков и концепций: и индивидуальных, и коллективных. Чья-то индивидуальная стилистика очень часто становится групповой, у крупных фигур есть адепты, ученики. И всё вместе это среда. И как раз через среду, через принятые в ней нормы поведения авангард можно попробовать охарактеризовать.
1 / 2
Наталья Гончарова. Попугаи. 1910 годГосударственная Третьяковская галерея
2 / 2
Павел Филонов. Мужчина и женщина. 1912–1913 годыWikimedia Commons, Государственный Русский музей
Это совершенно новый тип поведения — вызывающий, нарочито грубый. Своего рода поэтика хамства, «маяковская» интонация — оскаленное «вам» и «нате». Конечно, в первую очередь принято эпатировать буржуа, чей вкус, чье отношение к искусству и вообще жизненные принципы заслуживают лишь пощечин. Скажем, в кафе «Бродячая собака» посетителей с деньгами, за счет которых заведение существует, пренебрежительно именуют «фармацевтами» и всячески третируют. Но не церемонятся и со «своими». Глава итальянских футуристов Маринетти говорил, что художнику необходим враг — манифесты итальянского футуризма и выдержаны в терминах войны. Историю русского авангарда тоже можно представить как историю ссор и взаимных подозрений. Владимир Татлин даже днем плотно занавешивает окна своей мастерской, потому что ему кажется, что Малевич подглядывает и крадет идеи.
Wikimedia CommonsНо прежде и история искусства не протекала с такой скоростью. Течения в ней как-то плавно сменяли друг друга, и если даже не плавно, то с понятной траекторией, — а теперь она помчалась галопом. Что-то только что казавшееся новым резко объявляется отсталым: ведь авангарду, чтобы быть, нужен арьергард. Как писал Маяковский, «наш бог бег». Движение происходит в режиме постоянных открытий, и поэтому важно заявить свое первенство — «это мое, это я придумал», — чтобы инновацию не присвоили конкуренты. Заявить манифестным образом.
Авангард — время манифестов и деклараций. Художники пишут их, пытаясь объяснить свое искусство и обосновать свое главенство и в конечном счете свою власть. Слово — бойцовское орудие, иногда булава, иногда кувалда. Но при этом редкий художник умеет писать ясно. Часто это, если воспользоваться выражением Хлебникова, «самовитое слово»: шаманское, доходящее порой до полной глоссолалии 
. А раз тексты манифестов загадочны, как заклинания, то смысл их во многом зависит от интерпретации тех, кто их читает.
Это тоже увязывается с общим состоянием дел в мире: ведь вся жизнь теряет определенность, устойчивость, разумность. В ней уже не работают законы классической механики, где действие равно противодействию. Теперь параллельные прямые непонятным образом сходятся. От человека теперь можно ждать всего, поскольку скрытое в его душевных безднах бессознательное способно заглушить голос сознания. Вышедшие в начале XX века книги Зигмунда Фрейда «Толкование сновидений» и «Психопатология обыденной жизни» даже в безоблачном детстве заставили прозревать подавленный сексуальный кошмар, и Первая мировая война, подтверждая это новое знание о человеке, окончательно обесценила ключевые понятия традиционного гуманизма. В 1915 году Альберт Эйнштейн публикует свою общую теорию относительности, с которой начинается эра тотального релятивизма; теперь ничто уже не является окончательно достоверным и безусловно истинным.
Сама живопись, которая прежде удовлетворялась традиционным понятием о картине как окне в мир, теперь ограничиться им не может. Потому что в этом окне ничего стабильного уже не обнаруживается — там пустоты, провалы и черные дыры, текучий мир непонятных энергий. Вещи сорвались с мест, распались на части, и есть соблазн собрать их заново совершенно иначе. Новое искусство пытается освоить этот мир непосредственно, нарушив понятие границы. Поверхность картины вспучивается, на ней появляются коллажные наклейки, в живопись вторгаются реальные предметы — собственно, жизнь и вторгается. Потом это назовут словом «ассамбляж», а пока что называют «живописной скульптурой». И у таких попыток соединить искусство с реальностью — большое будущее, они пройдут через весь XX век. Одна из самых радикальных — реди-мейды, готовые предметы, выставленные в качестве произведений, вроде писсуара «Фонтан» Марселя Дюшана.
Но на русской почве такого не случится. Возможно, потому, что планетарные амбиции как раз такому шагу препятствуют. В отечественном авангарде силен метафизический привкус — и он не про вещи.
Несмотря на многообразие концепций, в авангарде можно выделить два главных вектора, которые не столько отрицают, сколько дополняют друг друга. Например, вектор Малевича — мироустроительный: речь идет уже не о преобразовании искусства, но о преобразовании мира через форму и цвет. Малевич — безусловный харизматик и великий стратег, он подходит к своей деятельности как человек демиургической воли — с намерением изменить все. А рядом существуют разные формы органического авангарда — ненасильственного, призывающего не менять природу, а прислушаться к ней: у Матюшина, Филонова, отчасти у Татлина. Татлин, считающийся родоначальником русского конструктивизма, вслушивается в голос материала, дорожит им. Его контррельефы — объемные композиции из деревянных, металлических и даже стеклянных частей, прикрепленных к доске, — крайне радикальны в расставании с традиционной картинной плоскостью, и одновременно они обладают и качеством почти даосско-буддистского смирения перед природной данностью дерева или железа.
Существует легенда о том, как Татлин выбил стул, на котором сидел Малевич, предложив ему посидеть на абстрактных категориях формы и цвета.
Первые авангардные открытия были сделаны не в России, а на Западе. Например, французский фовизм Анри Матисса, Андре Дерена и других и ранний кубизм Пикассо и Брака выходят на арену почти одновременно — в 1905–1906 годах; тогда же оформилось первое объединение немецких экспрессионистов — группа «Мост». Фовистский период потом будет у Ларионова с Гончаровой и у Малевича, хотя в целом фовизм на русском искусстве сказался не очень сильно. Кубизм, наоборот, повлиял очень значительно — и на многих, но соединился с влиянием итальянского футуризма, который сформировался к 1909 году — тогда был опубликован первый футуристический манифест Маринетти. Кубофутуризм — русское слово и русское явление. А экспрессионизм, чью стилистику можно иногда заметить у Ларионова и Давида Бурлюка, важен для России, потому что в его становлении существенную роль сыграл Василий Кандинский, художник настолько же русский, насколько и немецкий.
Именно он в 1911 году вместе с Францем Марком организовал в Мюнхене экспрессионистскую группу «Синий всадник».
О Кандинском стоит сказать отдельно. Он — пионер беспредметности: первой абстрактной картиной считается его «Картина с кругом» 1911 года. Свои абстракции он делит на импрессии, импровизации и композиции; первые вдохновлены впечатлениями от реальности, во вторых выплескивается бессознательное, а композиции — это вещи продуманные, срежиссированные. В деятельности Кандинского сильна символистская подоснова — и в картинах, и в трактате «О духовном в искусстве», где он пытается описать воздействие тех или иных цветов на сознание. «Цвет, — пишет он, — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу». Примерно в том же направлении исследовал природу цвета Михаил Матюшин.
1 / 3
Василий Кандинский. Арабы (Кладбище). 1909 годWikimedia Commons / Hamburger Kunsthalle
2 / 3
Василий Кандинский. Спальня на Антмиллерштрассе. 1909 годWikimedia Commons / Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau
3 / 3
Василий Кандинский. Дома в Мюнхене. 1908 годWikimedia Commons / Von der Heydt-Museum
С Матюшина, по сути, начинается русский авангард. Именно он организовал петербургский «Союз молодежи», зарегистрированный в феврале 1910 года (знаменитая выставка «Бубновый валет» откроется только в декабре того же года). Матюшин много старше всех своих товарищей, но он и его рано умершая жена Елена Гуро — важные фигуры в этом движении. Матюшина считают скорее теоретиком и организатором, чем практиком, поэтому он остается в стороне от ревнивых разборок по поводу главенства. С ним, например, дружен Малевич, и мистические обертоны матюшинских поисков принимаются им вполне сочувственно.
А мистики там много: органическая концепция Матюшина связана с верой в то, что искусство может стать способом выхода в четвертое измерение. Для этого требуется приобрести навыки расширенного смотрения — научиться видеть не только глазами, но всем телом. Так, его ученики пишут, например, пруд под Сестрорецком — расположившись к нему спинами: такая реализация метафоры про «глаза на затылке». Матюшин исследует природу зрения одновременно как символист и как биолог-систематик. Итогом этих исследований станет «Справочник по цвету», который выйдет в 1932 году — в совсем уже неподходящее для этого время.
1 / 2
Михаил Матюшин. Портрет Елены Гуро. 1910 годavangardism.ru
2 / 2
Михаил Матюшин. Стог. Лахта. 1921 годWikimedia Commons / Государственный Русский музей
Матюшин явился инициатором еще одного важного авангардистского предприятия — постановки оперы «Победа над Солнцем», осуществленной в 1913 году. Сам он, музыкант по основному образованию, написал музыку, поэт-футурист Алексей Кручёных — либретто на заумном языке, а Малевич сделал декорации, где впервые появился мотив черного квадрата.
По сюжету будетляне завоевывают Солнце — и как раз черным квадратом оно и оказывается побеждено. Позднее, в 1920 году, оперу попытается поставить в Витебске последователь Малевича Эль Лисицкий. В его постановке главный сюжет оперы о победе машинного над природным будет подан совсем прямо: вместо актеров там будут действовать механизмы — так называемые фигурины, приводимые в движение электричеством.
1 / 2
Казимир Малевич. Эскиз декорации к опере «Победа над Солнцем» Михаила Матюшина и Алексея Кручёных. 1913 годСанкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства
2 / 2
Обложка программки оперы «Победа над Солнцем». Художники Казимир Малевич и Давид Бурлюк. 1913 годWikimedia Commons
Как уже говорилось, «Союз молодежи», организованный Матюшиным, — первое авангардное объединение, пусть и с подвижным составом. Но в это время конкретные выставки важнее объединений: выставка — это эффективный манифест, который видят и о котором говорят.
Первая такая выставка — «Бубновый валет» 1910 года. Название, придуманное Михаилом Ларионовым, отсылало к целому набору низовых ассоциаций: и к карточному шулерству, и к уголовной эмблематике. «Валетов» — Илью Машкова, Аристарха Лентулова, Петра Кончаловского и других — это вполне устраивало: они и хотели шокировать публику.
Абсолютно шокирующей и провокативной была представленная на выставке огромная картина Машкова, где он изобразил себя и своего друга Кончаловского в виде полуголых борцов или гиревиков-атлетов. Но этим атлетам не чуждо прекрасное: на картине есть скрипка, рояль, ноты, — вот таков теперь образ художника, в нем есть всё. Лубочные картинки на стене — важный знак бубнововалетской ориентации на городской фольклор и народную эстетику: на вывески, расписные подносы, ярмарочные тантамарески. А альбом Сезанна на полке — еще один знак: «валеты» поклоняются Сезанну. При этом сезаннизм понимается ими как упрощенная геометризация мира — и через уже известный опыт французского кубизма.
Вообще упрощение формы — это хорошо, правильно: не погрязать в мелочах, а увидеть вещи в целом и свежо, как впервые. Это захватывает, в этом есть игра.
Игра — тоже важное слово для этой коллективной программы. Атмосфера веселого балагана — и художники упоенно примеряют карнавальные личины. Машков пишет автопортрет в роли заводчика в роскошной шубе на фоне парохода, художник Георгий Якулов на портрете работы Кончаловского оказывается восточным человеком, а Лентулов пишет себя в роли краснолицего ярмарочного зазывалы. Тот же Лентулов пишет кубофутуристическую Москву: соборы срываются с места и буквально пускаются в пляс. Лентулов первым начинает использовать коллаж: клеит на холсты серебряную и цветную фольгу, фантики, даже кору; включает в изображение надписи — как рисованные, так и в виде обрывков плакатов и газет. То есть сама картина уже выходит за свои пределы — то в рельеф, то в беспредметность.
1 / 3
Петр Кончаловский. Портрет Жоржа Якулова. 1910 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея
2 / 3
Аристарх Лентулов. Автопортрет «Le Grand Peintre». 1915 годГосударственная Третьяковская галерея
3 / 3
Аристарх Лентулов. Василий Блаженный. 1913 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея
Бубнововалетский эпатаж спорит с искусством прошлого, которое им кажется не искусством, а литературой или философией. А для них искусство должно быть самим собой, игрой и радостью от потека краски. Оно теперь ни к чему за своими границами не отсылает, и кроме него, кажется, ничего на свете нет. Это отношение останется в русском авангарде.
Если «валеты» продолжают работать в своем стиле и после первого выступления, то Михаил Ларионов, давший им имя, наоборот, стилистику меняет от выставки к выставке.
Следующая выставка после «валетов» — «Ослиный хвост» 1912 года; название отсылает к недавнему скандалу в Париже, когда группа эпатажных художников выставила картину, якобы написанную хвостом осла.
На своей выставке Ларионов представил программу неопримитивизма. Неопримитивизм — это система, обращенная к архаике, к искусству древнему и безличному. Собственно, художники уже к таким пластам обращались: например, Павел Кузнецов, один из главных людей в объединении «Голубая роза», в 1910-х писал свою «Киргизскую сюиту» — жизнь степняков, не потревоженную цивилизацией и не меняющуюся из века в век. Но там эта неизменность поэтизировалась, а у Ларионова и у других художников, переживающих свой примитивистский период, она увидена как нечто хтоническое и, пожалуй, жутковатое. И на «Ослином хвосте» выставляются вещи из солдатского и турецкого циклов самого Ларионова, серия «Евангелисты» Гончаровой, которая была снята цензурой, ее же «крестьянские» работы, живопись из крестьянского цикла Малевича и многое другое. А на следующей выставке, «Мишень», Ларионов представит картины на клеенке только что открытого Нико Пиросмани.
1 / 5
Михаил Ларионов. Солдаты.
1909 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»
2 / 5
Казимир Малевич. Сбор урожая. 1911 годWikimedia Commons / Stedelijk Museum
3 / 5
Наталья Гончарова. Крестьяне, собирающие яблоки. 1911 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея
4 / 5
Наталья Гончарова. Евангелисты. 1911 годФотография Михаила Кулешова / РИА «Новости»; Государственный Русский музей
5 / 5
Павел Кузнецов. Спящая в кошаре. 1911 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея
Выставку «Мишень» 1913 года сопровождает манифест «Лучисты и будущники». Лучизм — это ларионовская версия беспредметного искусства — и первая для России, поскольку Кандинский свою беспредметность придумал в Германии. И здесь неожиданно Ларионов оказывается близок Матюшину в мистико-биологических рассуждениях о природе зрения. Человек глядит на предмет, и от предмета в его глаз идут некие лучи; вот эти лучи, а не сам предмет следует писать.
При этом предметом может оказаться чужая картина — и отсюда следует еще один тезис манифеста: всёчество. Все стили искусства годятся для современного художника, все могут быть им присвоены и переформатированы. Художник обязан меняться, потому что сам мир меняется с огромной скоростью — и надо откликаться на эти изменения. На выставке «Мишень» представлено все сразу — и лучистские абстракции, в которых еще слегка угадывается предметный мотив (например, птичьи головы в картине «Петух и курица»), и примитивистские работы — и среди них самая радикальная в этой стилистике серия «Времена года», вдохновленная одновременно лубком и детским рисунком. Следуя концепции всёчества, Ларионов не только совмещает примитивистские работы с лучистскими, но еще и оказывается изобретателем новых практик. Например, футуристического грима, а также футуристической кухни и футуристической моды. Правда, из всего этого воплощение получил только грим — абстрактная раскраска лиц, вдохновленная лучизмом.
1 / 2
Михаил Ларионов.
Петух. 1912 годФотография Павла Балабанова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея
2 / 2
Михаил Ларионов. Лучистый пейзаж. 1913 годGetty Images / Государственный Русский музей
Путь Малевича к супрематизму — это довольно интенсивное чередование этапов. Малевич начинает с импрессионизма — как тот же Ларионов и отчасти Кандинский; затем обращается к неопримитивизму, а вслед за ним начинается кубофутуризм и алогизм. На алогичной картине «Англичанин в Москве» зеленого гостя столицы в цилиндре окружают сабля, свечка, селедка, лестница, а также фразы «частичное затмение» и «скаковое общество». Это поэтика абсурда, живописная заумь, коллажное совмещение в картине несовместимых предметов и текстов. Малевич избавляется от причинно-следственного порядка — и это делает его алогичные картины пусть неполным, но все же аналогом того, что будет в западном искусстве, но не в российском, — дадаизма.
Казимир Малевич.
Англичанин в Москве. 1914 год Wikimedia Commons / Stedelijk Museum Для Малевича алогизмы только этап перед финальной фазой — супрематизмом. Стиль сложился в 1915 году и был представлен в декабре на выставке «0,10». В названии выставки ноль — это конец искусства, объявленный супрематизмом «нуль форм», символом которого стал «Черный квадрат», а десять — количество предполагаемых участников, на самом деле их было больше.
Супрематизм — это геометрическая абстракция; геометрия для Малевича — это метафора тотальности. Весь мир сведен к геометрическим знакам — и больше в нем ничего нет. В 1919-м Малевич устраивает свою персональную выставку — итоговую: от самых ранних вещей, еще импрессионистических, до последних — супрематических, а несохранившиеся работы пишет заново. И завершает выставку рядом пустых холстов на подрамниках. То есть живопись завершена. Супрематизм есть ее высшая точка, которая отменяет все дальнейшее.
1 / 2
Секция супрематических работ Казимира Малевича на выставке «0,10».
1915 годWikimedia Commons
2 / 2
Рекламный плакат выставки «0,10». 1915 годWikimedia Commons / Частная коллекция
Тем не менее супрематизм с самого начала предлагается к освоению и действительно осваивается другими художниками — в отличие, например, от экспрессивных абстракций Кандинского, которые не станут объектом ничьих дальнейших рефлексий. В 1920 году в Витебске Малевич создает общество Уновис, где все адепты пишут так же, как их гуру, и на их выставках под супрематическими картинами нет имен — предполагается, что это творчество анонимное и коллективное. Нет места индивидуальному художественному волеизъявлению, есть только утверждение системы, которая претендует на всеобщность, на то, чтобы быть окончательным переучетом всего в мире и последним словом о нем. Потому что «Супремус» — это «высший». Это последнее слово и, можно сказать, высшая мера.
При этом этот универсальный язык годится для проектов будущего.
И Малевич, и его ученики — Чашник, Суетин, Хидекель — придумывают архитектуру, основанную на супрематических формах. Они делают из гипса архитектоны и чертят планиты — модели жилищ для землянитов, людей грядущего космоса. Архитектоны беспредметны, лишены оконных и дверных проемов, их внутреннее пространство не проработано вовсе; Малевича интересовала не функция, а чистая форма — утопический модуль нового ордерного строя. И его посуда, созданная в начале двадцатых, в пору сотрудничества с Ломоносовским фарфоровым заводом, тоже не располагает к тому, чтобы ею пользовались, — из супрематического чайника трудно налить чай, а из получашки неудобно пить. Это манифестация формы, и форма самодостаточна.
1 / 3
Казимир Малевич. Макет архитектонов. 1920-е годыPedro Menéndez / CC BY-NC-ND 2.0
2 / 3
Николай Суетин, Казимир Малевич, Илья Чашник. Петроград. 1923 годWikimedia Commons
3 / 3
Казимир Малевич. Супрематический чайный сервиз.
Разработан в 1918 годуMuseum of Fine Arts, Houston / Bridgeman Images / Fotodom
Вообще, идея производственного, промышленного искусства в 20-е годы сделается оправданием авангардного формотворчества — и о ней мы вскоре поговорим. Но как раз у главных художников дореволюционного авангарда с ней все обстояло довольно сложно. Даже у тех, кто искренне был готов целиком уйти в изготовление функциональных вещей «для жизни». Скажем, у Татлина. С посудой и так называемой нормаль-одеждой все было нормально, а вот «великие проекты» оставались утопией. Невероятный махолет «Летатлин» — не летал. Башня — памятник Третьего интернационала — так и не была построена; да и трудно было предположить, что этот грандиозный замысел многоэтажной вращающейся конструкции мог воплотиться. Татлин не любил слово «конструктивизм», он вообще старался держаться подальше от любых «измов», но его считали отцом этого движения, потому что он первым стал не изображать предметы, а делать их. На фотографии Георга Гросса и Джона Хартфилда два немецких авангардиста держат плакат с надписью «Искусство умерло — да здравствует машинное искусство Татлина».
Но на самом деле идеи «правильного» машинного конструктивизма декларировали и практически осуществляли другие люди. Например, Александр Родченко.
1 / 2
Владимир Татлин (справа) у памятника III Коммунистического интернационала. 1919 годGetty Images
2 / 2
Владимир Татлин. «Летатлин» — безмоторный индивидуальный летательный аппарат. 1929–1932 годыФотография Виталия Карпова / РИА «Новости»; Центральный музей Военно-воздушных сил Российской Федерации
Родченко — из самых продуктивных авангардистов второго поколения и из самых последовательных «производственников». Расцвет его деятельности приходится на послереволюционные годы. И сначала он как бы хочет сделать следующий шаг на поле, освоенном старшими, — шаг в сторону большего лаконизма и, значит, большей радикальности. Скажем, у Малевича — геометрические формы, плотные, а у Родченко — легкие линии (это у него называется линиизм, по поводу возможностей линии им даже манифест написан).
У Татлина контррельеф связан со стеной, а у Родченко мобили свободно висят в воздухе. Ничем метафизическим его опыты не отягощены, поэтому всему найденному легко будет чуть позже стать азбукой дизайна разных утилитарных вещей. Родченко с равным успехом будет работать в книжной графике, плакате и сценографии, оформлять интерьеры, делать мебель, заниматься фотографией — и здесь его фотомонтажи и особенно приемы ракурсной съемки сделаются визуальным знаком времени. И не случайно именно он окажется инициатором изгнания Кандинского из Инхука: это было столкновение нового материалистического подхода к искусству со старым, отвлеченным.
Московский Инхук, как и ленинградский Гинхук, институты художественной культуры, были призваны выработать универсальные методы обращения с формами. В послереволюционные годы было принято искать универсальное, и вообще после революции авангардные художники активно участвовали в работе просветительских учреждений, которых стало много.
Внедряли свою веру, так сказать. Вера Кандинского — это синтез искусств с опорой на биологию, на телесность, на синестезию. Три искусства, по его плану, должны этот синтез обеспечить — живопись, музыка и танец; это и предложено к изучению. А для молодых художников во главе с Родченко все это как раз лишнее, не соответствующее историческому моменту. Какой танец, когда не налажено производство необходимого — вот в чем должна состоять задача художника. Естественно, группа Родченко побеждает в этом споре. Но эта победа — ненадолго: совсем скоро необходимое будет производиться совсем не в конструктивистском духе. О том, кто победит конструктивистов, пойдет речь в следующей лекции.
Что еще почитать про русский авангард:
Бобринская Е. Русский авангард: границы искусства. М., 2006.
Тильберг М. Цветная вселенная: Михаил Матюшин об искусстве и зрении. М., 2008.
Авангард и остальное: сборник статей к 75-летию Александра Ефимовича Парниса.
М., 2013.
Русский футуризм. Теория. Практика. Критика. Воспоминания. М., 1999.
Энциклопедия русского авангарда. В 4 т. М., 2013–2014.
Ликбез № 1
Русское искусство XX века
Ликбез № 1
Русское искусство XX века
Облако в штанах
Первоначально поэма называлась «Тринадцатый апостол» (по строкам из третьей части: «Я, воспевающий машину и Англию, / может быть, просто, / в самом обыкновенном евангелии / тринадцатый апостол»). Цензура не могла пропустить книгу с таким названием, и Маяковский был вынужден его изменить. В 1930 году на закрытии выставки
«20 лет работы»
Юбилейная выставка Маяковского, на которой были представлены его книги, плакаты, журнальные и газетные вырезки, рисунки. Идея выставки принадлежала самому Маяковскому. Она открылась 1 февраля 1930 года, за два с половиной месяца до смерти поэта.
Маяковский вспоминал: «Оно [«Облако»] сначала называлось «Тринадцатый апостол». Когда я пришёл с этим произведением в цензуру, то меня спросили: «Что вы, на каторгу захотели?» Я сказал, что ни в каком случае, что это ни в коем случае меня не устраивает. Тогда мне вычеркнули шесть страниц, в том числе и заглавие. Это — вопрос о том, откуда взялось заглавие. Меня спросили, как я могу соединить лирику и большую грубость. Тогда я сказал: «Хорошо, я буду, если хотите, как бешеный, если хотите, буду самым нежным, не мужчина, а облако в .
Замена названия отразилась на восприятии произведения. Название «Тринадцатый апостол» неотделимо от образа поэта-пророка, нового спасителя человечества, «голгофника», распятого на кресте. Отказ от этого названия означал и утрату смысловой связи с подзаголовком поэмы — «тетраптих»: Маяковский уподоблял четыре части поэмы складню из четырёх икон.
Впрочем, «Облако в штанах» было одним из рабочих вариантов названия ещё до представления поэмы в цензуру; более того, по признанию Маяковского, оно появилось раньше замысла самой поэмы.
В статье «Как делать стихи» он вспоминал: «Году в тринадцатом, возвращаясь из Саратова в Москву, я, в целях доказательства какой-то вагонной спутнице своей полной лояльности, сказал ей, что я не «мужчина, а облако в штанах». Сказав, я сейчас же сообразил, что это может пригодиться для стиха, а вдруг это разойдётся изустно и будет разбазарено зря? Страшно обеспокоенный, я полчаса допрашивал девушку наводящими вопросами и успокоился, только убедившись, что мои слова уже вылетели у неё из следующего уха. Через два года «облако в штанах» понадобилось мне для названия целой .
Когда я пришел с этим произведением в цензуру, то меня спросили: «Что вы, на каторгу захотели?»
Владимир Маяковский
Заглавие «Облако в штанах» появилось ещё при первой публикации в альманахе «Стрелец» задолго до выхода поэмы отдельной . Вполне возможно, что, остановившись в итоге на этом варианте названия, Маяковский руководствовался общей футуристической практикой эпатажа: именно такого провокационного названия публика и ожидала от поэта-футуриста.
Творческое поведение
будетлян
Объединение кубофутуристов: «люди, которые будут». Название придумал поэт Велимир Хлебников. Сборник-манифест группы под названием «Садок судей» вышел в 1910 году, Филиппо Маринетти выпустил первый манифест футуризма буквально за год до этого. Будетляне считали привычное искусство изношенным, морально устаревшим и противопоставляли ему словотворчество, провокацию, поэтику революции и разрушения. К будетлянам причисляют Велимира Хлебникова, Владимира Маяковского, Давида Бурлюка, Алексея Кручёных.
было нацелено на скандал, шок, вызов, и название «Облако в штанах» вполне соответствовало задачам футуристов: бросить вызов буржуазному обществу, смутить читателей, которые привыкли к изящной поэзии. Об этом говорят и названия футуристических манифестов («Пощёчина общественному вкусу», «Идите к чёрту!» и другие).
Образ «облака в штанах» появляется уже в прологе поэмы:
Хотите —
буду от мяса бешеный
— и, как небо, меняя тона —
хотите —
буду безукоризненно нежный,
не мужчина, а — облако в штанах!
Маяковский противопоставляет «нежности» публики нарочитую грубость, антиэстетизм своей поэзии.
В первой же строфе пролога поэмы он обозначает свою главную задачу:
Вашу мысль,
мечтающую на размягчённом мозгу,
как выжиревший лакей на засаленной кушетке
буду дразнить об окровавленный сердца лоскут;
досыта изъиздеваюсь, нахальный и едкий.
Филолог Михаил Вайскопф писал о возможных источниках метафоры «облако в штанах»: «Вообще же ироническое снижение неба (облака, ветра, души и т. д.) до «штанов» было уже привычным мотивом, вероятно заданным Гейне («Сердитый ветер надел штаны»), хотя Маяковский сумел придать этой травестии драматическое . Об интерпретации названия «Облако в штанах» подробно говорил филолог Леонид Кацис, акцентируя внимание на цитате из выступления Маяковского в марте 1930 года: «Люди почти не покупали её, потому что главные потребители стихов были барышни и барыни, а они не могли покупать из-за заглавия. Если спрашивали «Облако», у них спрашивали: «В штанах»?» При этом они бежали, потому что нехорошее . Кацис предположил, что для Маяковского выбор подобного названия был продолжением авангардной игры: «Сделать «плохое название» как можно более «плохим». Таким, чтобы самому глупому было . Расчёт Маяковского оправдался: название «Облако в штанах» высмеяли журналисты, и книга получила дополнительную рекламу в прессе.
Велимир Хлебников – биография, фото, личная жизнь, новости, стихи
Биография
Звезда футуризма и русского авангардизма, ярчайший реформатор поэтического языка, смелый экспериментатор словотворчества, один из немногих поэтов-соотечественников использовавший в сочинительстве морфологическую заумь, «председатель земного шара».
Поэт Велимир ХлебниковИ это все о нем, Велимире Хлебникове, который стоит особняком даже в ряду таких неординарных, талантливейших поэтов, как Анна Ахматова, Александр Блок, Николай Гумилев и Осип Мандельштам.
Крупнейший лингвист ХХ века, российско-американский литературовед Роман Якобсон назвал Хлебникова «наибольшим мировым поэтом нынешнего века».
Детство и юность
Родился будущий поэт поздней осенью 1885 года в калмыцком селе Малые Дербеты, в то время административном центре Малодербетовского улуса Астраханской губернии. Сам Виктор Владимирович Хлебников называл место, в котором прошло детство, «станом монгольских исповедующих Будду кочевников» и говорил, что родился «в степи – высохшем дне исчезающего Каспийского моря».
Велимир Хлебников с семьейРодители – образованные люди с богатой родословной, обедневшие аристократы. Отец – видный ботаник и орнитолог, основатель первого государственного заповедника в устье Волги. Дед Велимира Хлебникова был почетным гражданином Астрахани и купцом. По отцовской линии в жилах поэта смешалась русская и армянская кровь.
Мама – урожденная Екатерина Вербицкая – получила образование в Смольном институте, историк. Происходила из состоятельной семьи, чьи корни уходили в запорожское казачество. Благодаря ей пятеро отпрысков (Велимир – третий ребенок) разбирались в литературе, истории и живописи.
Велимир Хлебников в детствеВ 4 года будущий поэт-футурист читал на русском и французском языках, а его рисунки говорили о таланте художника. Сестра поэта – Вера Хлебникова – стала художницей-авангардисткой.
Из-за отцовской службы семья часто меняла место жительства. Когда Виктору исполнилось 6 лет, Хлебниковы переехали в Волынскую губернию, а спустя 4 года – в 1895-м – в Симбирскую. 10-летний мальчик отправился в гимназию. Проучился 3 года и снова перемены: главу семейства направили в Казань.
Велимир Хлебников в молодостиВ 1903 году Виктор Хлебников стал студентом Казанского университета, где выбрал физико-математический факультет. На математическом отделении студент проучился до ноября и на месяц угодил в тюрьму за участие в демонстрации. Продолжать учебу на математическом отделении юноша не хотел, поэтому летом перевелся на естественное отделение того же факультета.
Профессора похвально отзывались о способном студенте и прочили карьеру блестящего натуралиста. Разброс интересов и талантов Хлебникова был огромен: он изучал математику, физику, делал успехи в химии, биологии и философии. Самостоятельно изучал японский язык и санскрит.
Велимир ХлебниковЛитературным дебютом будущего футуриста называют сочинение в прозе – пьесу «Елена Гордячкина», которую Хлебников отправил в санкт-петербургское издательство «Знание», но Максим Горький не одобрил публикацию.
С 1904 года начинающий литератор участвовал в орнитологических экспедициях по Дагестану и северу Урала. В 1906-м его приняли в университетское общество естествоиспытателей: в экспедиции Хлебников нашел новый вид кукушек. Но на этом научные изыскания в области орнитологии закончились – молодой человек сосредоточился на литературе.
Литература
Творческая биография Велимира Хлебникова получила новый толчок в Петербурге, куда молодой человек прибыл в 1908 году. Он снова влился в университетское братство, по инерции выбрав естественный факультет, который вскоре, сблизившись с поэтами-символистами, сменил на историко-филологический.
Посещая поэтические «среды» Вячеслава Иванова, он познакомился с акмеистами и получил творческий псевдоним Велимир.
Любовь Сидорова читает стихотворения Велимира ХлебниковаХлебникову выпало жить в эпоху перемен, слома старой государственной системы. Он остро чувствовал и тяжело переживал поражение России в войне с Японией, Первую русскую революцию. Массовая гибель соотечественников подтолкнула молодого ученого и литератора к поиску числовых законов времени, которые влияют на судьбы человечества.
В 1908-м Велимир Хлебников опубликовал первое стихотворение, названное «Искушение грешника». В то же время познакомился с Давидом Бурлюком и поэтами группы «Гилея», к которым вскоре примкнул Владимир Маяковский. Вскоре «гилеяне» назвали Хлебникова главным теоретиком футуризма, основателем его ответвления – «будетлянства» (от слова «будет»).
Сборники стихов Велимира ХлебниковаВ 2010 году произведения поэта вошли в сборник «Садок судей», которым футуристы громко заявили о рождении поэтического движения.
В нашумевший сборник футуристов «Пощечина общественному вкусу», вышедший в 1912 году, вошли стихи Велимира Хлебникова «Кузнечик» и «Бобэоби пелись губы». На последней странице сборника напечатали изобретенную поэтом таблицу исчисления законов времени, в которой Хлебников математическим путем предсказал падение государства в 1917 году.
Вениамин Смехов читает стихотворение Велимира Хлебникова «Бобэоби пелись губы»Поэтико-лингвистические исследования ученого легли в основу зауми, заумного языка, который Хлебников разработал в тандеме с другом и коллегой Алексеем Крученых. Вдвоем, используя заумь, сочинили поэму «Игра в аду».
Начавшаяся Первая мировая война подтолкнула Хлебникова к продолжению изучения прошлых войн в цифровом измерении. Результатом изысканий стали 3 книги. В 1916-м Велимира Хлебникова призвали в армию. Позже он написал, что, оказавшись в Царицынском запасном полку,
«прошел весь ад перевоплощения поэта в лишенное разума животное».
Знакомый врач помог поэту освободиться от службы, используя как причину психическое нездоровье Хлебникова. Поэт непрерывно странствует по России и мечтает создать общество «Председателей земного шара», членом которого мог бы стать каждый, кому «болит» судьба человечества.
Велимир Хлебников в военной формеОктябрьские события 1917-го Велимир Хлебников наблюдал воочию в Петрограде, описав впечатления в стихах и поэмах. Побывал в Астрахани, Украине, где увидел разгром деникинской армии, на Кавказе и Северном Иране. Прошел по Каспийским степям.
В 1920 году сочинил поэму «Ладомир», в которой вывел образ объединенного с природой человечества, противостоящего войне. В последние годы жизни это и были основные темы творчества Хлебникова.
Виктор Персик читает стихотворение Велимира Хлебникова «Еще раз, еще раз…»Особенностями творчества авангардиста было использование в одном, даже коротком стихотворении разных размеров. «Пляску размеров» он допускал намеренно, но особенно любил верлибр. Прибегая к таким редким приемам, как палиндром (называл его «перевертнем») и язык зауми, Велимир Хлебников приобретал как поклонников, так и яростных критиков.
Личная жизнь
Хлебников не женился, но женщины в его жизни присутствовали. Он, как и многие поэты, был влюбчив. В ряд вдохновлявших Хлебникова муз ставят Анну Ахматову, в которую Велимир был безответно влюблен. Она же называла поэта «безумным, но изумительным».
Портрет Велимира ХлебниковаНежные чувства футурист испытывал к харьковским коллегам – сестрам Синяковым, к Вере Будберг и Ксане Богуславской. О любви его стихи «Люди, когда они любят», «Тело кружева изнанка…», «Опыт жеманного».
Женщины, которая бы полюбила Хлебникова – бездомного, неустроенного и нищего, не нашлось. Его лирикой восхищались, называли гением и чудаком, но связывать с ним жизнь не решались.
Смерть
Смерть Велимир Хлебников напророчил сам. Он как-то обронил, что «люди моей задачи» часто уходят в 37 лет.
Дом-музей Велимира Хлебникова в АстраханиТак и случилось. Об уставшем, с подорванным скитаниями и нищетой поэте позаботился Петр Митурич, муж сестры Веры. Хлебников мечтал добраться до родных в Астрахань, но денег и сил на длинную дорогу не было. Митурич отвез Велимира в Санталово, деревеньку под Новгородом, чтобы он восстановил здоровье, а затем отправился в Астрахань.
Рисунки Велимира ХлебниковаВ Санталово поэт внезапно слег – отнялись ноги. Подводой его доставили в деревенскую больницу, но там развели руками и отправили умирать. Скончался Хлебников летом 1922 года. Причиной смерти стал парез.
Его похоронили на кладбище соседней деревеньки Ручьи, но в 1960 году перезахоронили на Новодевичьем кладбище. Могила поэта находится рядом с местами упокоения матери и сестры. В 1975 году на могиле было установлено необычное надгробие – «каменная баба» – память о месте его рождения, его истоках.
Могила Велимира ХлебниковаНезадолго до смерти Велимир Хлебников словно «предупредил» своих критиков в стихотворении «Еще раз, еще раз», что горе тем, кто взял «неверный угол сердца» к нему:
«Вы разобьетесь о камни,
И камни будут надсмехаться
Над вами,
Как вы надсмехались
Надо мной».
Интересные факты
- Из-за того, что поэт часто перемещался с одной жилплощади на другую, многие рукописи во время переезда терялись. О рассеянности и небрежности говорили друзья деятеля, вспоминая один случай из жизни: во время очередной экспедиции Велимиру пришлось разжечь огонь в степи холодной ночью, где не было ни одного дерева или кустика. Чтобы не замерзнуть, писатель хладнокровно начал сжигать свои работы.
- Благодаря отцу Виктор увлекся естественными науками, вместе с ним часами пропадал в лесах и степях, наблюдая птиц, посещал стойбища калмыков-кочевников. На всю жизнь его впечатлили калмыцкие астрологи зухарчи, предсказывающие будущее по «зухарчин моди» (доскам судьбы). Одно из самых загадочных его произведений называется «Доски судьбы». В нем поэт говорит о том, что в нашем мире все подчиняется определенным числовым закономерностям. По хлебниковской теории времени все события, происходящие в мире, кратны числу 317.
- В письме, датированном концом 1916 года, Виктор Владимирович писал: «Это только 1,5 года, пока внешняя война не перейдет в мертвую зыбь внутренней войны». Все так и произошло. Первая мировая война, которая потрясла мир, была предсказана Хлебниковым еще в 1908 году. В своем воззвании славянским студентам он писал: «В 1915 году люди пойдут войной и будут свидетелями крушения государства».
- В 1920 году поэму-утопию «Ладомир» Хлебников начал следующими словами: «И замки мирового торга, где бедности сияют цепи, С лицом злорадства и восторга Ты обратишь однажды в пепел». В 2001 году, когда в Нью-Йорке террористами были разрушены башни Всемирного торгового центра, эти слова Хлебникова вспоминались особенно часто.
- В произведении «Лебедия будущего» (1918) он довольно точно описывает Интернет и «Живой Журнал» под именем «тенекниг», где появляются «новинки Земного Шара, дела Соединенных Станов Азии, этого великого союза трудовых общин, стихи, внезапное вдохновение своих членов, научные новинки, извещения родных своих родственников, приказы советов. Некоторые, вдохновленные надписями тенекниг, удалялись на время, записывали свое вдохновение, и через полчаса, брошенное световым стеклом, оно, теневыми глаголами, показывалось на стене».
- Все то, что пишет Хлебников осенью 1921 в работе «Радио будущего», очевидно, предсказывает появление Интернета. Угадано даже слово «паутина». «Вообразим себе главный стан Радио: в воздухе паутина путей, туча молний, то погасающих, то зажигающихся вновь, переносящихся с одного конца здания на другой. Синий шар круглой молнии, висящий в воздухе точно пугливая птица, косо протянутые снасти. Из этой точки земного шара ежесуточно, похожие на весенний пролет птиц, разносятся стаи вестей из жизни духа».
Библиография (прижизненные издания)
- 1912 – «Учитель и ученик»
- 1914 – «Хлебников, Велимир. Творения»
- 1922 – «Зангези»
Новаторство лирики Маяковского | Свободный обмен школьными сочинениями 5-11 класс
Новаторство в творчестве Маяковского критики неизменно связывают с принадлежностью поэта к русскому футуризму. При этом из всех будетлян (так называли себя представители данного направления в литературе) Маяковский прославился больше всех. В декабре 1912 года в России увидел свет первый манифест кубофутуристов «Пощечина общественному вкусу». Авторами декларации русских футуристов стали Д. Бурлюк, А. Крученых, В. Маяковский и В. Хлебников. В ней молодые бунтари призывали «сбросить с парохода современности» Пушкина, Толстого и Достоевского, провозглашали «непреодолимую ненависть к существующему до них языку», требовали «увеличения словаря в его объеме произвольными и непроизвольными словами». По их мнению, нельзя создать «искусство будущего», опираясь на классику. Футуристы мечтали создать новую культуру «индустрии и большого города». Они отрицали мораль, искусство, культуру – все, что не футуризм. Представители новаторской поэзии пропагандировали новый образ жизни, высмеивали все, по их мнению, старое. Они издевались над шаблонами и идеалами прошлого, довольно часто выходя за рамки приличий. Эпатаж публики, скандалы во время выступлений стали своеобразным подвигом в среде русских футуристов. Маяковский, с его высоким ростом и громким басом, был признанным вожаком будетлян. Футуризм привлекал начинающего поэта невиданной ранее свободой выражения мыслей, театральностью, что было характерным для всего авангардного искусства.
Отказавшись от «старой» культуры, футуристам нужно было предложить что-то новое. Так возникла тенденция к придумыванию новых слов, необычных сочетаний и иногда шокирующих образов. Уже первое опубликованное в 1912 году стихотворение Маяковского «Ночь» поражало новизной:
Багровый и белый отброшен и скомкан,
В зеленый бросали горстями дукаты,
А черным ладоням сбежавшихся окон
Раздали горящие желтые карты.
Талант Маяковского проявился ярко и сразу. Необычная метафоричность образа начинающегося вечера. Свет зари меркнет, а на улице в зеленой листве деревьев вспыхивают золотые «дукаты» – фонари. Неожиданные сопоставления «окна – ладони – желтые карты», оригинальное видение мира говорили о незаурядности поэтического дарования молодого поэта. У Маяковского были способности к рисованию. Это сказалось и на его поэтическом творчестве, он воспринимал мир как художник. Зрительные образы у него всегда в движении, метафоры создают картины происходящего:
Толпа – пестрошерстая быстрая кошка —
Плыла, изгибаясь, дверями влекома…
Часто поэт неожиданно сближает разнородные понятия, одушевляет их, проводит параллель с реакциями человека. Это четко прослеживается в стихотворениях «Утро», «Угрюмый дождь скосил глаза», «Порт»:
В ушах оглохших пароходов
Горели серьги якорей.
В стихотворении «А вы могли бы?» поэт пытается заставить читателя мыслить по-другому:
А вы
Ноктюрн сыграть
Могли бы
На флейте водосточных труб?
Автор показывает пейзажные детали города: вывеска с жестяной рыбой, водосточные трубы. Все это скомпоновано как натюрморт: стакан с краской, карта, блюдо студня. Обычные вещи обогащаются музыкальными образами: ноктюрн, флейта. В стихотворении поэт преобразовывает действительность. Своим мастерством художника он превращает серые будни в праздник, оживляет металлическую рыбу на вывеске, а в студне видит волны океана. Поэт может представить, как старые водосточные трубы становятся флейтами с чудесным звучанием, на которых можно сыграть ноктюрн.
Идеи футуризма оказали большое влияние на раннее творчество В. Маяковского. Поэт, используя традиционные способы образования слов, создает свои, новые формы: «изъиздеваюсь», «декабрый вечер», «любеночек», «наслезненные глаза», «дождь обрыдал» и другие. Маяковский, как и все футуристы, прославлял научно-технический прогресс, видел будущее в развитии техники, воспевал город и противопоставлял его деревне. Ему нравились улицы с гудящими машинами, яркими фонарями, он готов был расцеловать «умную морду трамвая». Картины природы, напротив, лишены жизни: «дряблая луна», «никому не нужная».
Несмотря на приверженность идеям футуризма, Маяковский в своем творчестве не отходил от правды жизни, показывал окружающее реалистически. Так, он видел уродливость города, страшную скученность людей в нем. Он пишет: «гроба домов», «кривая площадь», «лысый фонарь», «провалившаяся улица, как нос сифилитика». Постоянный туман Петербурга предстает как каннибал, кровожадный хищник, жующий «невкусных людей». В стихотворении «Адище города» старика сбивает дьявол-автомобиль, старушку топчет дикая толпа, замученный городом музыкант вешается на люстре. В городе «все плачут», «мама больная», «всем страшно», «лиф души расстегнули», страдает беззащитное сердце человека.
Маяковский прежде всего новатор, первооткрыватель в поэзии. Он с пафосом говорил о старом мире новыми словами, которые сам создавал. В поэзии у него были свои законы, свои образы, своя рифма, ритм и размер, его стихи построены на контрастах. Маяковский не боялся ломать привычные формы стиха, вводить в поэзию вульгарную и низкую лексику. С вызовом общественному мнению он предлагал молодым поэтам поступать так:
Берутся классики,
свертываются в трубку
и пропускаются через мясорубку.
Маяковский создавал новые методы рифмовки, близкие к ораторскому слову. Самое характерное слово он ставил в конец строки и подбирал к нему рифму. Поэт бесстрашно нарушал силлабо-тонический принцип XVIII века и создал тоническое стихосложение. Маяковский использовал лестничное строение стиха, где каждое слово – «ступенька». У него каждое из слов имеет логическое ударение и смысловую нагрузку. В произведениях Маяковского в большом количестве содержатся метафоры, различные сравнения, неологизмы, гиперболы, иногда – повторы: «Слава, Слава, Слава героям!!!» Употребляя на первый взгляд обычные слова, Маяковский сумел создать ошеломляющие метафоры: «грудь испешеходили», то есть истоптали, исходили вдоль и поперек. Часто такая метафора разворачивается во всю строфу. В стихотворении «Ко всему», обращаясь к потомкам, поэт говорит:
Вот – я,
весь
боль и ушиб.
Вам завещаю я сад фруктовый моей великой души.
Посмотрите эти сочинения
- Громада-любовь и Громада-ненависть в лирике Маяковского В. Маяковского принято считать поэтом политическим. Он ставил перед собой одну цель поэзии: содействовать поэтическим словом революционному переустройству жизни. «Я хочу, чтоб к штыку приравняли перо», — писал поэт. Но он никогда не чуждался лирической темы любви. Для произведений дореволюционного периода Маяковского характерно трагическое звучание этой темы. В поэме «Человек» — страдания человека, пережившего неразделённую любовь. «И толькоболь мояострей —стою,огнём обвит,на несгорающем костренемыслимой […]
- Сатирические образы лирике Маяковского В дореволюционном творчестве Маяковский отвергает мир буржуазии и созданное ею лживое общество. Он буквально врывается в литературу, отказавшись от подражаний и избитых шаблонов. Его ранние произведения кардинально отличаются от общепринятого представления о поэзии. Первые стихи Маяковского опубликованы в альманахе «Пощечина общественному вкусу» (1912). В предисловии к первому изданию поэмы «Облако в штанах» поэт в свойственной ему манере определил смысл своего произведения: «Долой вашу любовь!», «Долой ваше […]
- Тема назначения поэта и поэзии в творчестве Маяковского Владимир Маяковский всегда очень серьезно относился к своему поэтическому труду. Он написал две статьи «Как делать стихи?» и «Два Чехова», которые имели программно-манифестный характер. В этих статьях Маяковский указывает на новые черты в современной поэзии. Поэтическое новаторство Маяковского было связано поначалу с его принадлежностью к русскому футуризму. В первом манифесте этого направления «Пощечина общественному вкусу», созданном Маяковским в 1912 году вместе с Д. Бурлюком, А. Крученых и В. Хлебниковым, […]
- Дух бунтарства и эпатажа в ранней лирике Маяковского Поэтическое бунтарство Маяковского было связано с его принадлежностью к русскому футуризму рубежа XIX–XX веков. В России в декабре 1912 года был опубликован первый манифест кубофутуристов «Пощечина общественному вкусу», подписанный Д. Бурлюком, А. Крученых, В. Маяковским и В. Хлебниковым. В нем они призывали «сбросить с парохода современности» не только Пушкина, но и Толстого, Достоевского. Они объявляли «непреодолимую ненависть к существующему до них языку», требовали «увеличение словаря в его объеме […]
- Особенности любовной лирики Маяковского (сочинение) В то время, когда Владимир Маяковский начинал свою творческую деятельность, в литературе разгорелась дискуссия, должны ли писатели обращаться к теме любви. Маяковский пишет и посвящает Лиле Брик поэму «Люблю». В ней чувство любви отражается поэтом не так, как в классической поэзии XIX в. У Маяковского любовь – это глубоко личные переживания, не имеющие ничего общего с мнением обывателей о любви. Первую часть произведения поэт назвал «Обыкновенно так», чтобы противопоставить обыденному восприятию чувства любви […]
- «Облако в штанах» (анализ) Владимира Маяковского часто называют «поэтом-трибуном». Однако неверно сводить поэзию Маяковского только к агитационно-ораторским стихам, так как в ней присутствуют и интимные любовные признания, трагизм, чувство грусти и философские раздумья о любви. За внешней грубостью лирического героя Маяковского скрывается ранимое и нежное сердце. С самых первых стихотворений («От усталости», цикл «Я» и другие) у Маяковского звучит мотив трагического одиночества человека в мире: Земля! Дай исцелую твою лысеющую […]
- Дуэль Базарова и Павла Петровича Кирсанова в романе Тургенева «Отцы и дети» Испытание дуэлью. Пожалуй, нет более спорной и интересной сцены в романе И.С.Тургенева «Отцы и дети», чем дуэль между нигилистом Базаровым и англоманом (фактически английским денди) Павлом Кирсановым. Сам факт дуэли между этими двумя мужчинами — явление одиозно, которого быть не может, потому что не может быть никогда! Ведь дуэль, это борьба двух равных по происхождению. Базаров и Кирсанов люди разных сословий. Они никак не относятся к одному, общему слою. И если Базарову откровенно наплевать на все эти […]
- Фамусов и его окружение (сочинение) При виде богатого дома, радушного хозяина, нарядных гостей невольно любуешься ими. Хочется знать, каковы эти люди, о чем говорят, чем увлекаются, что им близко, что — чуждо. Затем чувствуешь, как первое впечатление сменяется недоумением, потом— презрением как к хозяину дома, одному из московских «тузов» Фамусову, так и к его окружению. Есть другие дворянские семьи, из них вышли герои войны 1812 года, декабристы, великие мастера культуры (а если великие люди вышли из таких домов, какой мы видим в комедии, то не […]
- Интересные герои в романе-эпопее Л.Н.Толстого «Война и мир» Главным героем в романе — эпопее Л.Н.Толстого «Войны и мира» является народ. Толстой показывает его простоту и доброту. Народ это не только мужики и солдаты, которые действуют в романе, но и дворяне, обладающие народным взглядом на мир и на духовные ценности. Таким образом, народ — это люди, объединённые одной историей, языком, культурой, живущие на одной территории. Но есть среди них интересные герои. Одним из них является князь Болконский. В начале романа он презирает людей высшего света, несчастлив в браке […]
- Хлестаков и «хлестаковщина» в комедии Гоголя «Ревизор» Огромное художественное достоинство комедии Н. В. Гоголя «Ревизор» заключается в типичности ее образов. Он сам высказал мысль, что «оригиналы» большинства персонажей его комедии «всегда почти находятся перед глазами». А о Хлестакове писатель говорит, что это «тип многого разбросанного в разных русских характерах… Всякий хоть на минуту … делался или делается Хлестаковым. И ловкий гвардейский офицер окажется иногда Хлестаковым, и государственный муж окажется иногда Хлестаковым, и наш брат грешный, литератор, […]
- Пари Печорина с Вуличем Роман М. Ю. Лермонтова создан в эпоху правительственной реакции, которая вызвала к жизни целую галерею «лишних людей». Григорий Александрович Печорин, с которым русское общество познакомилось в 1839–1840 г., принадлежал именно к этому типу. Это человек, который даже не знал, зачем он жил и для какой цели родился. «Фаталист» – это одна из самых сюжетно напряженных и в то же время идейно насыщенных глав романа. Она состоит из трех эпизодов, своеобразных экспериментов, которые то подтверждают, то отрицают […]
- Прогулка по средневековому городу (сочинение) Наверное, каждый человек хочет прогуляться по средневековому городу. Жалко, что сейчас строят только современные дома, поэтому в средневековый город или замок можно попасть только на экскурсию. Из них сделали музеи, в которых уже не почувствуешь настоящей атмосферы того времени. А как бы хотелось пройти среди узких улочек, закупиться продуктами у бойких торговок на базаре, а вечером пойти на бал! А ещё лучше — проехаться в карете, как Золушка! Только совсем не хочется, чтобы роскошный наряд после полуночи […]
- Зачем розе нужны шипы (сочинение) Когда-то давно-давно произошла такая история. Жил-был добрый человек. И был у него прекрасный сад. Хозяин любил все растения, относился к ним, как к собственным детям, тщательно ухаживал и заботился о них. Здесь находились и фиалки, и гладиолусы, и тюльпаны, и множество других цветов. Но самой красивой была роза: роскошные нежные лепестки, зеленый гладкий стебель. Днем она распускалась и излучала дивный яркий аромат, а ночью закрывала бутон и отдыхала. Человек знал, что цветок прекрасен, поэтому оградил розу […]
- Сочинение на тему: «Бал в доме Фамусова» В произведении Грибоедва «Горе от ума» эпизод «Бал в доме Фамусова» является главной частью комедии, ведь именно в этой сцене главный герой Чацкий показывает истинное лицо Фамусова и его общества. Чацкий — свободный и вольнодумный персонаж, ему противны все нравы, которым Фамусов старался как можно больше соответствовать. Он не боится высказывать свою точку зрения, отличающейся от Павла Афанасьевича. К тому же, сам Александр Андреевич был без чинов и небогат, а это значит, что он был не только плохой партией […]
- История государства Российского в баснях Крылов Великий русский баснописец Иван Андреевич Крылов многие свои басни написал по следам конкретных исторических событий. Горячий отклик нашла в его творчестве Отечественная война 1812 года. Несколько басен были посвящены ее важнейшим событиям. Сами участники войны высоко ценили творчество баснописца. Так, московский ополченец С. Н. Глинка отмечал: «В необычайный наш год и под пером баснописца нашего Крылова живые басни превращались в живую историю. Популярность басен И. А. Крылова в действующей армии подтверждал К. […]
- Понимание добра и правды в пьесе «На дне» Что есть правда и что есть ложь? Этим вопросом человечество задается на протяжении многих сотен лет. Правда и ложь, добро и зло всегда стоят рядом, одно без другого просто не существует. Столкновение этих понятий является основой многих всемирно известных литературных произведений. Среди них и социально-философская пьеса М. Горького “На дне”. Суть ее — в столкновении жизненных позиций и взглядов разных людей. Автор задается характерным для русской литературы вопросом о двух видах гуманизма и его связи с […]
- Сочинения с планом по рассказу Толстого «После бала» 1. Почему рассказ называется «После бала»? План 1.Проблемы, которые поднимает автор в рассказе. 2. Бал у губернского предводителя. а) Счастливый влюбленный. б) Танец Вареньки с отцом. 3. Прогулка на рассвете. а) Наказание беглого татарина. б) Встреча с отцом возлюбленной. в) Ужас и переживания героя. 4. Выбор молодого человека. Рассказ «После бала» относится к поздним произведениям Л.Н. Толстого. Он основан на реальных событиях, которые произошли с братом писателя. Известно, что […]
- Зачем нужна литература человеку в 21 веке (сочинение) Вечная истина, говорящая о том, что человек перестает мыслить, когда перестает читать, по-моему, является актуальной и в наш такой динамичный и неспокойный ХХІ век. Конечно же, это касается, прежде всего, настоящей классической литературы, проверенной если не веками, то хотя бы десятилетиями. А не широко разрекламированного «чтива», которое и книгой язык не поворачивается назвать. Нет никаких сомнений относительно того, что нынешний век требует интеллектуально развитых, грамотных людей. Причем, приобретенные […]
- Вечность и современность в стихах Пастернака Тема творчества является одной из основных в поэзии Б. Л. Пастернака. Она возникает в самых ранних стихотворениях поэта и проходит через все его творчество. Будучи символистом, футуристом или просто поэтом, Пастернак все время обращается к этой теме, определяя свое отношение к проблемам творчества, поэта и поэзии. Тему творчества в поэзии Пастернака необходимо рассматривать в связи с этапами творческого пути поэта и изменениями его поэтических идеалов. Вступление Пастернака в литературу связано с его участием […]
- Чиновники города NN в поэме Гоголя «Мертвые души» Французский путешественник, автор знаменитой книги «Россия в 1839 г.» маркиз де Кестин писал: «Россией управляет класс чиновников, прямо со школьной скамьи занимающих административные должности…каждый из этих господ становится дворянином, получив крестик в петлицу…Выскочки в кругу власть имущих, они и пользуются своей властью, как подобает выскочкам». Сам царь с недоумением признавался, что не он, самодержец всероссийский, управляет своей империей, но им же поставленный столоначальник. Губернский город […]
урок литературы «Владимир Маяковский и футуризм. Поэтическое новаторство»
Тема урока
«Владимир Маяковский и футуризм. Поэтическое новаторство»
Цель урока: дать представление о раннем творчестве В.Маяковского, его новаторском характере.
Задачи:
развивать навык выразительного чтения;
развивать умение анализировать лирическое стихотворение с точки зрения содержания и формы;
развивать навык связной речи.
воспитывать интерес к поэзии;
воспитывать чувство гуманизма и сострадания;
воспитывать чувство уважения к поэту.
Оборудование: сборник стихотворений В. Маяковского, портрет В. Маяковского, видеопроектор, презентации.
Тип урока: урок-лекция с элементами беседы.
Ход урока:
Организационный момент:
АУДИОЗАПИСЬ: «Во весь голос!»
СЛАЙД 1-2 — Тема нашего урока «В. Маяковский и футуризм. Поэтическое новаторство». Сегодня мы начинаем знакомство с ранним творчеством В. Маяковского.
(НА ДОСКЕ): Цель нашего урока – рассмотреть творчество Маяковского на основе течения «футуризм», увидеть, в чем поэтическое новаторство Маяковского и раскрыть образ лирического героя в ранних стихотворениях поэта.
Начнем наш урок с подготовленной презентации о жизни и творчестве Маяковского.
Слово учителя:
Творчество Маяковского всегда было предметом острых споров. Споры эти носят не только узколитературный характер – речь идет о взаимоотношениях искусства и действительности, о месте поэта в жизни. Маяковский прожил сложную жизнь, никогда от жизни не бегал, с юности эту жизнь творил и переделывал. Умея идти напролом, обладая ясными и осознанными целями, Маяковский был человеком легкоранимым, подчеркнутой грубоватостью прикрывал душевную незащищенность. Это был человек страстный лирик, «грубый гунн», несомненно, очень талантливый человек, одно из ярчайших имен в литературе 20 века.
Слово учителя:
— Что вы помните о футуризме, его эстетической программе?
Итак, футуристы провозгласили себя творцами нового искусства, сформировали концепцию нового языка, отражающую динамику новой жизни, выступали против мещан, пугали жирного буржуа народным бунтом. Главным в творчестве считали форму, стремились освободить искусство от идейности. Вынесли искусство в народ, на улицу, сами претендовали на то, чтобы быть выразителями улицы. Искусство должно будить и будоражить! В нашу поэзию ворвался вихрь. Появление футуристов на поэтической арене сопровождал скандал. Их безудержное своеволие претило вкусам одних и вызывало сочувствие других. Пресса была единодушна: их называли только ругательно: табор дикарей, шайка хулиганов. Лишь самые проницательные смогли увидеть среди них истинно талантливых. Так был выделен Маяковский. Горький тогда сказал о нем: «Зря разоряется по пустякам. Такой талантливый! Грубый? Это от застенчивости. Знаю по себе».
(СООБЩЕНИЕ): Страдающим и одиноким пришел В.Маяковский в русскую поэзию. А ему с первого же появления в печати и на эстраде навязали амплуа литературного хулигана. И он, чтобы не кануть в безвестность, поддерживал эту репутацию дерзкими выходками на вечерах. Он, например, всегда ходил в желтой кофте. Это, конечно, вызов благонамеренной публике, но она появилась от бедности.
Начало было скандальным. Он вызывал на себя потоки брани и ругательств. В стихах молодого Маяковского поражало необычное содержание и ошеломляющая поэтическая новизна – то, что отпугивало современную ему критику, неспособную ее объяснить.
Повторение изученного:
— Найдите и зачитайте из тетради основные принципы футуризма.
Анархическое бунтарство.
Свобода творчества.
Отказ от литературных и языковых норм.
Устремленность в будущее.
Неприятие буржуазной морали.
Эпатаж как средство выразительности.
Работа со стендовым материалом:
Итак, давайте обобщим пройденный материал (включая живопись и архитектуру)
СЛАЙД 3: Беседа с классом
— Нам предстоит говорить о лирическом герое.
— Кто же лирический герой В. Маяковского?
— В чем заключается своеобразие данного образа?
Чтобы ответить на этот вопрос, необходимо проанализировать стихотворения. Одним из первых было стихотворение
«А вы могли бы?» (Выразительное чтение наизусть заранее подготовленным учеником).
Я сразу смазал карту будня,
плеснувши краску из стакана;
я показал на блюде студня
косые скулы океана.
На чешуе жестяной рыбы
прочел я зовы новых губ.
А вы
ноктюрн сыграть
могли бы
на флейте водосточных труб?
РАБОТА ПО КАРТОЧКАМ: Анализ стихотворения «А вы могли бы?»
— заполните таблицу строками, которые соответствуют содержанию стихотворения
А вы могли бы?
Я сразу смазал карту будня,
Плеснувши краску из стакана;
Я показал на блюде студня
Косые скулы океана.
На чешуе жестяной рыбы
Прочел я зовы новых губ.
А вы
Ноктюрн сыграть
Могли бы
На флейте водосточных труб?
1913 г.
— Противопоставление себя окружающему миру;
— Неприятие серенького, обывательского мирка;
— Одиночество лирического героя, противопоставившего себя миру;
— Романтика, свободолюбие, стремление изменить окружающий мир;
— Устремленность в будущее;
— Цель жизни – создать новое искусство, найти новые изобразительные средства, которые соответствовали новому времени
Противопоставление себя окружающему миру;
Неприятие серенького, обывательского мирка;
Одиночество лирического героя, противопоставившего себя миру;
Романтика, свободолюбие, стремление изменить окружающий мир;
Устремленность в будущее;
Цель жизни – создать новое искусство, найти новые изобразительные средства, которые соответствовали новому времени
— Итак, какие же черты присущи лирическому герою Маяковского?
— Как вы понимаете смысл названия?
— Какие средства выразительности использует поэт?
СООБЩЕНИЕ: Лирический герой этого стихотворения одинок, он страдает от непонимания окружающих его людей, тоскует по другой живой человеческой душе, его удручает однообразие, обыденность мысли. Обычный человек, глядя на водосточную трубу, видит в ней всего лишь уродливо изогнутую конструкцию из металла, имеющую утилитарное назначение. Но лишь поэту в любой вещи, в любой житейской мелочи видится необычное: водосток кажется похожим на флейту, мир – на старую жестяную рыбу или на студень. В отличие от очень многих, поэт воспринимает простую водосточную трубу как изысканный музыкальный инструмент, он слышит «зовы новых губ», то есть новые идеи, новых людей. «И только в великой тоске, будучи лишенным не только океана и любимых уст, но и других, более необходимых вещей, можно заменить океан – для себя и читателей – видом дрожащего студня…», – писал А. Платонов. Платонову с его постоянными мучительными поисками смысла жизни, «вещества существования», с его мечтой о человечности и душевности это стихотворение Маяковского оказалось особенно близким.
СЛАЙД 4 — Рассмотрим еще одно стихотворение раннего творчества Маяковского «Ночь». (Выразительное чтение учителем)
Багровый и белый отброшен и скомкан,
в зеленый бросали горстями дукаты,
а черным ладоням сбежавшихся окон
раздали горящие желтые карты.
Бульварам и площади было не странно
увидеть на зданиях синие тоги.
И раньше бегущим, как желтые раны,
огни обручали браслетами ноги.
Толпа — пестрошерстая быстрая кошка —
плыла, изгибаясь, дверями влекома;
каждый хотел протащить хоть немножко
громаду из смеха отлитого кома.
Я, чувствуя платья зовущие лапы,
в глаза им улыбку протиснул; пугая
ударами в жесть, хохотали арапы,
над лбом расцветивши крыло попугая.
Каково содержание стихотворения? Все ли понятно?
Что обозначают слова «багровый и белый отброшен и скомкан»? И почему «скомкан»?
Как вы понимаете выражение « черным ладоням сбежавшихся окон раздали горящие желтые карты»?
Что такое «синие тоги», «громада из смеха отлитого кома» и кто такие арапы?
Как вы думаете, что Маяковского интересует больше: содержание или форма выражения своих мыслей?
— Давайте сделаем вывод. Содержание стихотворения достаточно просто: день закончился, наступает ночь, в окнах зажигается свет, веселой толпой движется народ; зазывалы – арапы распахивают перед людьми двери казино, ресторанов…
Но какая форма! Сплошные метафоры! С первого чтения ничего не поймешь. Когда Маяковского упрекали в том, что его стихи непонятны читателям, он говорил: «Читайте пять раз!» Перед нами стоит непростая задача – раскодировать информацию, перевести ее с языка метафор на язык простых понятий. Для этого надо напрячь и ум, и воображение.
СЛАЙД 5 Слово учителя
Несовершенство мироустройства, несоответствие мечты и действительности порождали недоуменные вопросы. В полном разладе с этим миром появилось стихотворение «Нате!», которое Маяковский прочел 19 октября 1913 года на открытии кабаре «Розовый фонарь» в присутствии весьма благопристойной публики. Двадцатилетний Маяковский, автор двух Десятов стихотворений, вышел на эстраду уже в конце вечера, остановился, расставив ноги, хмуровато исподлобья вгляделся в зал, выдержал паузу, и в пространстве зала прозвучал дрожащий от напряжения необыкновенного тембра бас:
— Выразительное чтение учителем стихотворения «Нате!»
Через час отсюда в чистый переулок
вытечет по человеку ваш обрюзгший жир,
а я вам открыл столько стихов шкатулок,
я — бесценных слов мот и транжир.
Вот вы, мужчина, у вас в усах капуста
Где-то недокушанных, недоеденных щей;
вот вы, женщина, на вас белила густо,
вы смотрите устрицей из раковин вещей.
Все вы на бабочку поэтиного сердца
взгромоздитесь, грязные, в калошах и без калош.
Толпа озвереет, будет тереться,
ощетинит ножки стоглавая вошь.
А если сегодня мне, грубому гунну,
кривляться перед вами не захочется — и вот
я захохочу и радостно плюну,
плюну в лицо вам
я — бесценных слов транжир и мот.
За столиками воцарилась тишина, затем в зале зашикали, кто-то неуверенно свистнул. Зал вдруг взорвался, послышались оглушительные свистки, истерический крик «Долой!».
СООБЩЕНИЕ: Монолог творца очень эмоционален, каждое слово в нем бичует публику, состоящую из пошлых обывателей:
Через час отсюда в чистый переулок
вытечет по человеку ваш обрюзгший жир,
а я вам открыл столько стихов шкатулок,
я – бесценных слов мот и транжир.
Первая строфа произведения представляет нам окружение лирического героя в общем. Людей поэт изображает в виде одного сплошного жира, к тому же «обрюзгшего» (эпитет). Эта метафора свидетельствует как раз об их излишней сытости, перешедшей в самодовольство и тупость. Поэт противопоставляет себя всему такому обществу, потому что суть творца – отнюдь не скопидомство, а душевная щедрость. Герой называет свои слова «бесценными» (эпитет) не из тщеславия. Просто искусство, поэзия – самое дорогое, что есть у него. Стихи являются «самоцветами» сердца поэта, и хранятся они, видимо, поэтому в «шкатулках». Герой не прячет эти «драгоценности», он готов открыть тайники своей души всем и каждому. Но беда в том, что его поэзия не нужна обществу, как, впрочем, и культура вообще. С отвращением герой описывает представителей этого мира:
Вот вы, мужчина, у вас в усах капуста
где-то недокушанных, недоеденных щей;
вот вы, женщина, на вас белила густо,
вы смотрите устрицей из раковин вещей.
Поэт оскорбляет этих людей не просто так. Он хочет быть услышанным, пытается всколыхнуть обывательское «болото», пробудить души этих людей, заплывшие жиром. Больше всего во второй строфе мне нравится метафора «раковина вещей». На мой взгляд, она очень точно отражает полное погружение человека в быт, убивающий личность, превращающий людей в каких-то «моллюсков», лишенных внутренней формы и безропотно принимающих любое обличье, даже самое жуткое. Окинув своим пророческим взглядом это гнусное общество, поэт понимает одно: впереди его ждет множество страданий:
Все вы на бабочку поэтиного сердца
Взгромоздитесь, грязные, в калошах и без
калош,
Толпа озвереет, будет тереться,
ощетинит ножки стоглавая вошь.
Эта строфа так же, как и первая, основана на противопоставлении хрупкой, трепетной «бабочки поэтиного сердца», такой ранимой, нуждающейся в бережном отношении, мерзкой «стоглавой вши», олицетворяющей толпу обывателей. Не люди, а «паразиты» окружают творца и отравляют его существование. Образ бабочки свидетельствует о чистой душе поэта. Конечно, злые завистники попытаются испачкать ее, даже уничтожить. Поэтому творец должен быть сильным, уметь себя защитить, не дать в обиду. Я думаю, отсюда эта показная грубость и циничность лирического героя:
А если сегодня мне, грубому гунну,
кривляться перед вами не захочется — и вот
я захохочу и радостно плюну,
плюну в лицо вам
я – бесценных слов транжир и мот.
Эпатажная выходка лирического героя вызвана опять-таки стремлением обратить на себя внимание и быть услышанным во что бы то ни стало. Так «грубым гунном» врывается Маяковский в поэзию ХХ века, чтобы показать мир сытых, изнанку настоящей жизни. Несовершенство миропорядка, резкое несоответствие мечты и действительности, удручающая бездуховность и пошлость порождали в душе поэта гневный протест. А оружие у него было одно – слово. Стихотворения Маяковского всегда будут современны. Они устремлены в будущее, потому что призывают человека совершенствоваться. Поэт ненавязчиво воспитывает нас. Так, в сатирическом произведении «Нате» он утверждает: духовная смерть гораздо страшнее физической. Мы должны это помнить и быть бдительными.
Беседа с классом
— Каким вы увидели и ощутили здесь поэта? ( Страдающим от того, что не понят и одинок. Ужас от того, что нужен только себе. Он ищет человека-друга. Как важно иметь его рядом. Поэт любит людей, устремляется к ним, но вместо людей перед ним какие-то загадочные существа, безликие, бессердечные. Цинизм – оборотная сторона его протестующего и воинствующего одиночества).
— Как строятся отношения поэта и публики, пришедшей на вечер поэзии?
-В чем смысл противопоставления лирического героя и толпы?
— Почему лирический герой называет себя «грубым гунном», есть ли для этого основания в стихотворении?
-А оправдана ли «грубость» поэта?
-Как вы понимаете строки: «Все вы на бабочку поэтиного сердца| взгромоздились, грязные, в калошах и без калош»?
— Каким видит себя лирический герой, только ли «грубым гунном»?
— Чем можно объяснить противоречия в самохарактеристике лирического героя?
— В чем, по вашему мнению, заключается своеобразие лирического героя данного стихотворения?
СЛАЙД 6 Слово учителя:
— Так же в разладе с действительностью и в мечтах о будущем родились строчки, к которым надо прислушиваться, чтобы понять жизнь и творчество Маяковского. Они обращены к нам:
Грядущие люди! Кто вы?
Вот – я, весь боль и ушиб.
Вам завещаю я сад фруктовый
Моей великой души.
— Обратите внимание на то, какой контраст терзает его душу. Он весь – боль и ушиб, выращивает фруктовый сад для грядущих людей.
Кажется, облик горлана, главаря не допускает и мысли о душевной слабости. Поэт не любит выносить на люди душевную смуту, но его душа выдает себя: она радуется и ликует, негодует и болит. В этих словах идея жертвенности, служения. Слом старого мира со всем, что накоплено в материальном и духовном плане, для Маяковского – условие обновления жизни. Так вырисовывалась цель искусства, определялось назначение поэта.
Маяковский пришел в русскую поэзию под флагом футуризма, не одухотворенного высокой идеей, но рожденного на русской почве. Преодолевая условности футуризма, он вмешивается в ход жизни, разрушая представления о поэте как небожителе, затворнике, в тоске ожидающем вдохновения. В среде футуристов, где он нашел единомышленников, Маяковский не мог удовлетвориться ролью ниспровергателя авторитетов в искусстве прошлого, ролью экспериментатора, героя литературных скандалов. Он ощущал в себе мощь трибуна, чье слово обращено к массам. Футуризм Маяковского не ограничен созданием форм. Он включает в себя и атеизм, и интернационализм, и антибуржуазность, и революционность. В ранних статьях поэта многократно сказано о самоценности слова, но там же заявлено: «Нам слово нужно для жизни. Мы не признаем бесполезного искусства». Футуризм Маяковского – опыт не столько самоценного творчества, сколько факт жизнетворчества».
Итоги урока – РАБОТА СО СТЕНДОМ (творчество Маяковского)
— Давайте подведем итоги. Что было характерно течению «футуризм»? Каков лирический герой раннего Маяковского?
Домашнее задание.
— На следующем уроке мы продолжаем знакомство с Владимиром Маяковским. Записываем домашнее задание.
Подготовить выразительное чтение стихотворений «Лиличка!», «Письмо Татьяне Яковлевой», «Письмо товарищу Кострову…»
Сделать анализ стихотворений с точки зрения содержания и формы.
Сравнить образ лирического героя во всех трех стихотворениях.
Подготовить презентацию* на тему «Любовь в жизни В. Маяковского» (задание индивидуальное для одного – двух учеников)
Оценивание знаний.
Неделя 9/27 марта: итальянский футуризм и русский конструктивизм
Джакомо Балла (итальянец, 1871-1958), Скорость автомобиля (также Автомобильная сборочная линия ), 1913 год, картон, масло, тушь, 74 x 104 см. Частная коллекция
Как только кубизм был введен в словарь современного искусства, его эффект был незамедлительным, поскольку он повлиял на многие динамические эксперименты в абстрактном искусстве. На этой неделе вы прочитаете о художниках, связанных с итальянским футуризмом, одним из движений, возникших в результате кубизма.
Это художественное экспериментирование было прервано с началом Первой мировой войны, которая началась в 1914 году, втягивая Европу в катастрофический конфликт, в котором достижения современной индустриальной эпохи сразу же показали разрушительные последствия.
Из-за экономических потерь и человеческих жертв в результате войны в России произошла революция, свергнувшая монархию и положившая начало коммунизму как государственной системе. Художников, связанных с этим, называют русскими конструктивистами.
ФУТУРИЗМ
Итальянский футуризм развивается одновременно с аналитическим кубизмом в период 1907-1911 годов, но с другими целями. В то время как кубизм занимался концептуальными идеями о форме и восприятии в современном мире, а затем переводил эти идеи в формальный визуальный словарь, итальянский футуризм был политически и культурно вовлечен в модернизацию Италии.
Итальянские футуристы превозносили важность мужественности и технологий в ускоренной кубистской вариации, основанной на граненых формах, коротких зубчатых мазках и диагональных линиях, отражающих ощущение скорости.Их основатель Филиппо Томмазо Маринетти, разделивший свои ранние годы между Парижем и Миланом, часто публиковал манифесты в ведущих газетах, которые пытались агрессивно и решительно втянуть его собратьев-итальянцев в современную эпоху.
В «Манифесте футуризма», опубликованном на первой полосе французской газеты Le Figaro в 1909 году, Маринетти призвал к сносу музеев и восхвалял красоту индустриальной скорости, описывая ревущий автомобиль как более красивый, чем Victory. Самофракии , одна из самых известных скульптур Древней Греции, представленная в Лувре.
ЧТЕНИЯ и ВИДЕО:
В Khan Academy вы изучите большую часть материала раздела «Футуризм и Великая война».
Постоянно делайте заметки об основных идеях, характеристиках и целях футуристов, а также о том, как различные произведения искусства визуально выражают эти цели и идеи.
- Начните с введения в футуризм:
ССЫЛКА: https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/wwI-dada/art-great-war/a/italian-futurism-an-introduction
Внизу этого эссе щелкните две ссылки на отдельные работы в разделе дополнительных ресурсов и прочтите их краткие описания.Это:
- Boccioni, Уникальные формы в непрерывности пространства скульптура (первая ссылка)
- Boccioni, Materia живопись (четвертая ссылка)
Для каждого произведения искусства запишите краткое объяснение того, как каждое из этих произведений искусства отражает главную цель или идею футуризма в произведении искусства.
Прочтите следующие два очерка и посмотрите одно видео из меню слева:
- Карло Карра, Похороны анархиста Галли
ССЫЛКА: https: // www.khanacademy.org/humanities/art-1010/wwI-dada/art-great-war/a/carlo-carr-funeral-of-the-anarchist-galli
- Умберто Боччони, Уникальные формы в непрерывности пространства
ССЫЛКА: https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/wwI-dada/art-great-war/a/umberto-boccioni-unique-forms-of-continuity-in-space
Внизу этого эссе щелкните ссылку на это произведение искусства в Met (вы уже должны были прочитать страницу MoMA об этом произведении искусства).
- Обновите свое письменное объяснение этого произведения искусства, добавив или убедившись, что вы использовали лучшие термины и наиболее информативные выражения из каждого из двух кратких описаний (MoMA и Met), чтобы сформировать свое объяснение того, какая основная цель или идея футуризма это произведение искусства отражает.
- Boccioni, Динамизм футболиста
ССЫЛКА: https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/wwI-dada/art-great-war/v/dynamism-soccer-player-boccioni
- Подумайте и запишите некоторые из наиболее убедительных слов и терминов, используемых при обсуждении этой картины, если их еще нет в ваших заметках.
- Прочтите эссе Метрополитена о художнике Умберто Боччони: ССЫЛКА: http://www.metmuseum.org/toah/hd/umbo/hd_umbo.htm
РОССИЙСКИЙ КОНСТРУКТИВИЗМ И СУПРЕМАТИЗМ
Супрематизм связан с творчеством одного русского художника по имени Казимир Малевич, на которого кубизм повлиял и развил то, что он называл супрематизмом.
Русский конструктивизм развился сразу после Первой мировой войны в России, когда страна пережила полную революцию, в результате которой коммунизм заменил правление королем или королевой.
Каждый из них основан на различных философиях и политических идеологиях, которые были актуальны в начале 20-го -х годов -го века, и оба стиля имели место в Советском Союзе.
Казимир Малевич и супрематизм
Прочтите обзор художника Казимира Малевича на сайте artstory.org, затем нажмите на секцию «Художественные произведения Казимира Малевича в фокусе» в синем текстовом поле, чтобы прочитать о первых 5 произведениях до картины Белое на белом . ССЫЛКА: http: // www.theartstory.org/artist-malevich-kasimir.htm
Прочтите этот комикс (ссылка ниже) и следующий за ним короткий текст, в котором сравниваются философские взгляды Казимира Малевича и Владимира Татлина, связанного с русскими конструктивистами. ССЫЛКА:
https://medium.com/who-needs-art/sculptor-vs-painter-19886b1ce8
Александра Родченко, Выкрикивайте: Книги , Рекламный плакат ГИБ.
Русский конструктивизм
События Первой мировой войны привели к полному экономическому и социальному коллапсу в России, когда пролетариат или рабочий класс возглавили революцию в 1917 году.Монархия отменяется, и впервые в мировой истории вводится новая система правления, называемая коммунизмом, основанная на теориях экономиста Карла Маркса. Группа русских художников, называемая конструктивистами, ответила тем, что использовала искусство на службе нового развивающегося общества коммунистической России.
Прочтите два обзора русской революции:
- «Краткая история русской революции» — ССЫЛКА: https://www.marx-memorial-library.org/history-of-1917
- «Русская революция» в Википедии (прочтите первые 5 абзацев до синего поля с оглавлением) — ССЫЛКА: https: // en.wikipedia.org/wiki/Russian_Revolution
Прочтите эссе о русском конструктивизме (когда вы дойдете до «концепций и стилей», щелкните стрелку вниз, чтобы открыть остальную часть эссе — прочтите все это!): ССЫЛКА: http://www.theartstory.org/ движение-constructivism.htm
На Ханской академии в разделе «Искусство между войнами» прочтите очерк о русских конструктивистах и книгу Варвары Степановой Итоги первой пятилетки , фотомонтаж, сделанный в 1932 году:
ССЫЛКА: https: // www.khanacademy.org/humanities/art-1010/art-between-wars/intl-avant-garde/a/stepanova-the-results-of-the-first-five-year-plan
Ответьте на этот вопрос в своих записях несколькими предложениями (Вопрос 1) :
Что касается русского конструктивизма, то подумайте, как это искусство было политически, культурно и социально связано с идеями, актуальными для их страны в то время. Как русские конструктивисты характеризовали роль художника в их обществе? Какова была их общая цель и для чего они надеялись использовать свое искусство?
НАПИСАНИЕ НА СЛЕДУЮЩИЙ КЛАСС :
Просмотрите все свои записи на предмет основных идей и целей футуристов и конструктивистов и запишите лучшие словарные слова и термины, которые выражают различные идеи каждой группы.
А теперь напишите объявление «о вакансии» или «нужна помощь» с точки зрения , либо итальянских футуристов, либо русских конструктивистов, призывающих других людей присоединиться к ним. Подумайте о том, что они ценили и что одобряли. Ваше объявление о вакансии должно включать в себя наилучший выбор слов и терминов, которые говорят о футуристах или конструктивистах, а также текст и изображения, которые передают их идеи о том, что они будут искать в других людях, которые присоединятся к их группе.
Это шанс немного повеселиться. Если вы хотите добавить изображения или нарисовать рекламу от руки, это прекрасно. Если вам нужен только текст, ничего страшного. Подумайте о том, как каждое слово и каждое изображение должны работать вместе, чтобы выразить идеи группы в последовательной визуальной и / или письменной форме и показать характеристики, которые были важны для футуристов или конструктивистов и которые видны в их произведениях.
Мы рассмотрим эти объявления о вакансиях или объявления о предоставлении помощи на нашем следующем занятии, чтобы обсудить, как и что делает каждое из них успешным с точки зрения донесения до читателя основных целей и идей, связанных с футуристами.Принесите свою в класс для экспертной оценки в классе.
Для занятий на следующей неделе — краткое изложение 2 необходимых дел :
- Читайте и делайте заметки о футуризме и русском конструктивизме, а также в своих заметках отслеживайте соответствующие словарные слова и термины и отвечайте на любые короткие вопросы, заданные выше.
- Выполните задание «Размещение вакансий» на футуристах или конструктивистах. Принесите его в класс для экспертной оценки в классе.
Футуризм: основы художественного стиля
Я открыл для себя футуризм в таких музеях, как Центр Помпиду в Париже, и мне это нравится.Мне нравится, как футуристы верили в развитие человечества, промышленности и инноваций; он определенно всегда динамичен. Хорошо, и это все, что я хочу сказать обо всех этих модных словах: динамика, прогресс, инновации. Что все это значит? И каким вы видите это в футуристическом искусстве? Я расскажу вам об основах художественного стиля, чтобы в следующий раз, когда вы откроете для себя футуризм в следующей поездке в музей, вы узнаете его и насладитесь им лучше!
Подсказка Spotify при чтении этого сообщения:
Футуризм: самые основы
Мы находим корни футуризма в колыбели истории искусства: в Италии.А сейчас десятилетие 1910-х годов. После того, как художники увидели изобретение автомобилей, самолетов и всевозможных разновидностей промышленных машин, они подумали, что все возможно. Люди достигли более высоких скоростей, чем когда-либо прежде. Они пролетели над океаном. Побежденные болезни и элитная монополия на роскошь. T-Ford приблизил мотор к массам. Короче говоря, футуристы видели захватывающее будущее в бурно развивающейся индустрии.
Зная это, неудивительно, что футуризм стремился показать это: движение машин, дикое вращение тандвилена, шум и суета городской жизни.На футуристическое искусство часто нужно смотреть. Хотя это не всегда так безумно, в футуристической работе всегда есть движение. Художники экспериментировали с движением людей, с их походкой, с тем, как наши глаза улавливают движение. Один из примеров, который мне больше всего нравится, — это скульптура в Kröller Müller:
.(Умберто Боччони)
Футуристические работы
Кстати о Крёллер Мюллер. В этом голландском музее посреди леса собрана самая полная футуристическая коллекция.Если вы хотите узнать больше о стиле, это то место, куда можно пойти. Какой контракт с безмятежными окрестностями природного парка!
Кстати о неуместном футуризме: как удивительно, что этот стиль родился в Италии. Не многие художники-футуристы перенимали этот стиль за пределами Италии. Самое смешное, что Италия была не совсем центром промышленности, как Англия и Франция. Если кто-то знает, почему футуризм был изобретен и остался в Италии, поделитесь своими знаниями в комментариях ниже!
Футуризм в истории искусства: от кубизма к ар-деко
История футуризма похожа на многие другие стили: художники ненавидят преобладающий стиль и пытаются создать противоположное.При этом они отрицают, какое влияние на них в первую очередь оказал ненавистный стиль. Поэтому футуристы ненавидели кубизм, но никогда не доходили до его противоположности. На самом деле это немного похоже на кубизм по скорости. Как будто Пикассо, король кубизма, рисовал будущее за рулем Ford-T. Сверхбыстрая скорость в то время. И футуристам, и кубистам нравилась идея новаторства и прогресса. Они оба пытались найти новые способы изображения реальности.
В свою очередь, футуризм оказал некоторое влияние на более поздние стили, такие как ар-деко, сюрреализм и дадаизм.Как вы это видите? Что ж, ар-деко принял промышленные формы, высокие контрасты и декоративные образы футуризма. Сюрреалисты тоже любили воображать будущее. И дадаизм придерживался этого движения в произведениях искусства.
Лучшие художники-футуристы
А эти итальянцы, кто они такие? Самыми известными были художники с такими красивыми именами, как Джакомо Балла, Умберто Боччони и Джино Северини.
Последние межзвездные сообщения могут получить отклик у внеземных цивилизаций через 25 лет
Reaching Out
Они говорят, что ключом к хорошим отношениям является общение, убеждение, которое члены некоммерческой организации Messaging Extraterrestrial Intelligence (METI) International, расположенной в Сан-Франциско, по-видимому, придерживались. поддержать, когда они отправили свои последние межзвездные сообщения по радио в ближайшую звездную систему.
Новый проект нацелен на систему GJ 273 (также известную как звезда Лейтена), всего в 12,36 световых годах от Земли. Этот проект, получивший название «Sónar Calling GJ 273b», является партнерством с Институтом космических исследований Каталонии в Испании и Барселонским фестивалем музыки, творчества и технологий, известным как Sónar. GJ 273b — одна из двух известных планет вокруг звезды Лейтена, и считается, что на ней может быть жизнь.
Помимо надежды получить ответ от обитателей GJ 273, проект может заложить основы для потенциально нового подхода к поиску внеземной жизни в космосе.«Это прототип того, что, я думаю, нам, скорее всего, потребуется сделать 100 раз, или 1000 раз, или 1 миллион раз», — пояснил Space.com президент METI Дуглас Вакоч.
Сайт EISCAT в Тромсё, опубликовавший сообщения. (Изображение предоставлено Научной ассоциацией EISCAT)Межзвездные сообщения, которые включают научное и математическое руководство и 33 короткие музыкальные композиции от художников Sónar, были отправлены в двоичном коде с использованием двух разных радиочастот 16, 17 и 18 октября.Сигналы передавались с помощью радиоантенны шириной 32 метра (105 футов) Европейской ассоциации ученых по некогерентному рассеянию (EISCAT) в Тромсё, Норвегия. Учитывая, что GJ 273 относительно близок, по крайней мере, в универсальном смысле, мы потенциально могли бы увидеть ответ от любых жителей в течение нашей жизни; время прохождения любого сообщения электромагнитных волн между нашими планетами будет немногим более двенадцати лет.
«Для меня большой успех проекта будет достигнут, если через 25 лет найдется кто-то, кто не забудет поискать [ответ].Если бы мы смогли этого добиться, это было бы радикальным изменением точки зрения », — добавил Вакоч.
Кто-нибудь там?
Названный «активным поиском внеземного разума (SETI)», подход METI к попыткам контакта с инопланетной жизнью не просто включает в себя обычную настройку и прослушивание сигналов, потенциально чужеродных по природе, что является «традиционным» SETI делает.
Более активный подход METI вызвал споры. Физик-теоретик и космолог Стивен Хокинг предупредил, что их стратегия может подвергнуть Землю менее дружественной сверхпродвинутой инопланетной цивилизации.Хокинг сказал, что первый контакт с E.T. может привести к ситуации, подобной той, когда коренные американцы впервые столкнулись с исследователями 15 века, что для первых «не так уж и хорошо».
Вакоч, однако, сказал, что беспокоиться не о чем, тем более что теле- и радиосигналы уходят с Земли уже более 50 лет. На данный момент, похоже, эти сигналы еще не были уловлены какой-либо инопланетной цивилизацией, враждебной или какой-либо иной.
«Трудно представить сценарий, при котором цивилизация вокруг звезды Лейтена могла бы иметь возможность прийти на Землю и угрожать нам, и все же они не смогли бы уловить нашу утечку радиации», — сказал он Space.com, отметив близость звезды Лейтена к Земле. Вакоч также ранее сказал футуризму, что идеи Хокинга об инопланетной жизни несколько ошибочны.
«Если вы действительно думаете, что есть возможность убить 7 миллиардов человек, потому что инопланетяне возмущены, услышав« Я люблю Люси », и отправят сюда свои межзвездные боевые фургоны, чтобы уничтожить нас, просто в припадке досады… Если вы действительно думаете Тогда вам лучше выключить все радары — не на выходные, не на этот год, лучше выключите их навсегда », — добавил Сет Шостак, старший астроном Института SETI, в интервью GeekWir e.
На сегодняшний день человечество отправило в космос 11 радиосообщений, из которых сообщение Sónar стало двенадцатым. Самым популярным среди них, пожалуй, является послание Аресибо, отправленное в 1974 году, которое включало формулы химических веществ и соединений, составляющих ДНК. METI также планирует отправить еще одно сообщение в 2018 году, на этот раз к другой близлежащей экзопланете, вращающейся вокруг Проксимы Центавра.
Как читатель футуризма, мы приглашаем вас присоединиться к Singularity Global Community, форуму нашей материнской компании, чтобы обсудить футуристическую науку и технологии с единомышленниками со всего мира.Присоединяйтесь бесплатно, зарегистрируйтесь сейчас!
Nikola допускает, что прототип полуприцепа покатился с горы в рамках промо-акции
В 2016 году участник Telsa, компания Nikola Motors, представила электрический грузовик Nikola One. На сцене основатель Тревор Милтон представил это как полноценный автомобиль, готовый отправиться в путь по шоссе Америки.
«Эта штука полностью функционирует и работает, и это действительно невероятно», — сказал он аудитории на открытии компании — серьезный момент, когда оглядывается назад.
Два года спустя компания продемонстрировала свои успехи в видео, на котором огромный грузовик скользит по живописной пустынной дороге. «Вот, 1000-сильный полугрузовик Nikola One с нулевым уровнем выбросов в движении», — гласила подпись к видео.
Но это могло быть огромным преувеличением, согласно мнению инвестиционной компании Hindenburg Research, занимающейся короткими продажами. В потрясающем отчете, опубликованном в этом месяце, компания заявила, что «Никола — это запутанное мошенничество, основанное на десятках лжи на протяжении карьеры ее основателя и исполнительного председателя Тревора Милтона.
Напомним, что короткие продажи — это заимствование ценных бумаг и их продажа на открытом рынке с намерением выкупить их позже за меньшие деньги. Другими словами, короткие продавцы делают ставку против компаний и получают прибыль от любых падений цены.
Милтон — не единственный генеральный директор компании по производству электромобилей, которому приходилось иметь дело с короткими продажами. Генеральный директор Tesla Илон Маск долгое время боролся с ними.
Но в случае Николы короткие продавцы, возможно, обнаружили некоторые реальные проблемы.К отчету, по словам компании, были приложены «телефонные звонки, текстовые сообщения, личные электронные письма и закулисные фотографии, на которых подробно описаны десятки ложных заявлений основателя компании Nikola Тревора Милтона».
В отчете текстовый разговор 2017 года с неназванным сотрудником Николы показал, что грузовик, показанный на видео, вообще не функционировал, как заметил Ars Technica . Согласно отчету, грузовик просто катился с холма, а камера была наклонена в сторону, чтобы казалось, будто он мчится по пустынной дороге.
В июне Bloomberg сообщил, что на транспортном средстве на видео не было шестеренок, двигателей или водородных топливных элементов.
«В грузовике не было топливного элемента», — сказал Милтон тогда Bloomberg . «Мы никогда не утверждали, что это было».
Рано утром Никола Моторс перешла в режим полного устранения повреждений, вероятно, это попытка успокоить разгневанных инвесторов.
В подробном пресс-релизе компания заявила, что коробка передач, аккумуляторы, инверторы, а также другие системы, включая тормоза и подвеску, «полностью исправны.Таким образом, «эти обвинения продавца коротких позиций являются ложными и вводящими в заблуждение и предназначены для манипулирования рынком с целью получения прибыли от искусственного падения курса акций Николы».
Особенно странно у него скатывание грузовика с холма.
«Никола никогда не заявлял, что его грузовик двигался за счет собственной силовой установки в видео, хотя грузовик был спроектирован именно для этого», — говорится в сообщении.
Согласно заявлению, компания планирует в следующем году испытать «предсерийный полуприцеп Nikola Two, водородно-электрический полуприцеп для средних и дальних перевозок».
Странные события могут помочь объяснить, почему Никола на прошлой неделе заключил сделку с General Motors. Согласно Ars , GM будет эксклюзивным поставщиком водородных топливных элементов для грузовиков класса 7 и 8 по всему миру, за исключением Европы.
ПОДРОБНЕЕ: Никола признает, что прототип катился под гору в рекламном видео [ Ars Technica ]
Подробнее о Никола: General Motors объединяется с конкурентом Tesla Никола
Как футуризм Читатель, мы приглашаем вас присоединиться к Singularity Global Community, форуму нашей материнской компании, чтобы обсудить футуристическую науку и технологии с единомышленниками со всего мира.Присоединяйтесь бесплатно, зарегистрируйтесь сейчас!
Послание Casa Chiesi в бутылке: Фортунато Деперо и влияние футуризма на повседневную жизнь
Иногда в наших повседневных жестах мы не осознаем, что в полной бессознательности мы используем маленькие кусочки истории. 20-й век с эстетической революцией, навязанной промышленным дизайном и внутренней идеей доступной и широко распространенной красоты, приучил нас к использованию предметов, которые на самом деле представляют собой огромные изменения, произошедшие в прошлом веке.
Когда мы сидим в баре и заказываем Camparisoda , официант вместе с обычным и ценным напитком приносит нам объект огромной исторической значимости: бутылку с усеченным конусом, разработанную Fortunato Depero .
Camparisoda родился в 1932 году. Его безошибочная бутылка до сих пор остается иконой итальянского аперитива. Первая связь с искусством и творчеством началась в 1932 году, когда Davide Campari попросил Fortunato Depero разработать бутылку для первого аперитива на одну порцию.
В выходные мы провели с Traverse19 в Trento , Casachiesi воспользовались возможностью посетить Depero Futurist Art House , единственный музей, основанный футуристом — самим Depero , в 1957 году в Rovereto .
Футуристическое наследие, очень важное для истории итальянского искусства, поскольку, возможно, оно представляет собой единственное оригинальное историческое авангардное движение, зародившееся в нашей стране, часто погружалось в воду, потому что его отождествляли с фашизмом, но даже несмотря на его мрачное происхождение, оно даже переполняется жизнью. сегодня, как мы видели, в нашей повседневной жизни.
Фортунато Деперо родился в Фондо в провинции Тренто в 1892 году. Очень скоро он вместе с семьей переехал в Роверето и провел там свою раннюю юность.
В 1913 году он переехал в Rome с Rosetta Amadori , спутником, который будет рядом с ним на протяжении всей его жизни. Там он вскоре познакомился с Балла и Маринетти , а в 1915 году он подписал Манифест о футуристической реконструкции Вселенной с Джакомо Балла .В те годы он работал на Сергей Дягилев (директор Русских балетов), создавая декорации для балета « Le chant di Rossignol » Игоря Стравинского . В тот же период он познакомился с Cocteau , Picasso , Clavel и другими.
В 1919 году художник вернулся вместе с женой в Rovereto , где открыл «Дом футуристического искусства Depero », своего рода мастерскую по производству тканевых инкрустаций, коллажей и предметов прикладного искусства.
В 1923 году он участвовал в « I Международной выставке декоративного искусства » Монца .
Фундаментальная концепция футуризма заключалась в том, чтобы преобразовать общество, ниспровергнуть этический застой академий, изобрести новый язык, новую эстетику, новый образ жизни. Взволнованные невероятными технологическими преобразованиями своего времени, художники Futurist ненавидели прошлое, традиции, ностальгию, заплесневелую культуру и все романтические воспоминания девятнадцатого века.
Маринетти пишет: «Те, кто жил около Depero , в его House of Art в Rovereto , следуя его вдохновенной энергичной, часто неистовой жестикуляции, живописным снимкам его мускулистого и стройного тела, все пульсирующим от энтузиазма. , найдет квалификатор настоящего мага, которым я его характеризую.
Если у художников-импрессионистов , , была идея растворения материи в свете, то футуристы все еще сеют в этом движении нерешительный и туманный характер, который они хотели заменить массивным и твердым видением реальности.
В своем видении они стремились создавать определенные формы, без царапин, света и затвердевших теней, например, сразу же предлагая деревянную или металлическую тяжелую конструкцию, физически сильную и присутствующую.
Визуальные ссылки — это авиация, рев двигателей, автомобили, прогресс, электричество, город и его безудержная скорость: одним словом, современность.
В эти годы агрессивного оптимизма они создали новые пластические ценности, которые характеризуют всю эстетику 20 века.
В 1927 году издательство « Depero » опубликовало знаменитую книгу « Depero-Dinamo Azari », ставшую первым образцом футуристической книги.
Depero Futurista (официальное название книги с болтовым креплением) — одна из первых современных книг о художниках и веха в истории графического дизайна, которая выполняла двойную функцию документирования его работ на пике его успеха в Италия и продвижение бренда Depero в New York , куда художник переехал в 1928 году.
Закрепленная книга Depero продемонстрировала, что ему удалось воплотить в жизнь идеи, которые он выразил в Balla в манифесте 1915 года. Футуристическая реконструкция Вселенной : полное искусство, охватывающее все аспекты жизни. Фактически, в книге воспроизводятся не только живопись и скульптура, но и гобелены, жилеты, игрушки, рекламные щиты, подушки, архитектура и многое другое.
Сама книга объединяет механику с фантастикой, агрессивность с игривостью, что немного напоминает футуризм Depero via: удар в живот с улыбкой на лице. Depero назвал его «опасным объектом» и хотел вспомнить, что, вставленный между полками книжного шкафа, он повреждает другие тома своими металлическими выступами. В то же время, связанный винтами и болтами, он напоминает роботизированные игрушки Depero .
В 1928 году он уехал в Нью-Йорк со своей женой Розетта , привлеченный тем, что, по мнению футуристов , представляло собой символ трансформации, современный город, который всегда воссоздает себя, преодолевая ношу собственной истории.
В Нью-Йорк Depero провел несколько выставок в частных галереях, но, прежде всего, он работал дизайнером интерьеров, сценографом и художником по костюмам, рекламодателем и иллюстратором. Но Великая депрессия сломала мечту и в 1930 году он был вынужден вернуться в Италии .
Жизнь Деперо была полна приключений и, прежде всего, как мы уже упоминали, его сговор с Фашизм осложнил его профессиональную жизнь после окончания Второй мировой войны года .Тем не менее, ценность его работ и его вклад в изобразительное искусство были широко признаны, и мы полностью разделяем усилия, приложенные городом Роверето , чтобы посвятить подходящий музей его работам, в котором выставлено более 3000 произведений, оставленных Depero сам для этого.
Fortunato Depero был отличным рекламодателем, и он внес огромный вклад в успех компаний, в которых работал: он практически предвосхитил отношения между отраслями и творческой работой на десятилетия.Музей дает посетителю возможность полностью погрузиться в видение существования, провозглашенное художником.
Depero , истинный пионер современного дизайна, лично позаботился о каждой детали: мозаике, мебели, окрашенных панелях. Он умер в 1960 году, вскоре после открытия. 17 января 2009 года, по случаю столетия Futurism , Mart ( Музей современного искусства в Rovereto , для которого мы скоро напишем статью об этом впечатляющем месте) дал вторую жизнь до Casa Depero и восстановили музей таким, каким мы его видим сегодня.
Я не могу не упомянуть, однако, по крайней мере еще раз его жену Rosetta , с которой, как видно из большой и никогда не публиковавшейся переписки из-за ее сильного содержания, Depero были очень глубокими и плотскими отношениями. Его жена была рядом с ним всю жизнь, поддерживая его и, вероятно, финансируя его в трудные времена; она была физическим создателем знаменитых инкрустированных гобеленов, куратором экономических отношений с клиентом, короче говоря, его правой рукой.
На номер Rosetta и всех женщин, которые проложили путь для своего самого знаменитого мужа, я посылаю особую мысль, надеясь, что однажды мы не услышим фразу «за великим мужчиной всегда стоит великая женщина».
Но это уже другая история.
Бетти
Использование будущего: искусство Умберто Боччони
«Давайте не оскорбим Боччони похоронным панегириком». Маринетти, лидер футуристического движения, начал свое знакомство с ретроспективной выставкой, посвященной смерти художника Умберто Боччони (1882–1916).Как известно, итальянский авангард предпочитал живых мертвым, и Маринетти осознавал трагическую иронию ситуации. Его основополагающий манифест призывал к тому, чтобы его артисты были выброшены в мусорную корзину в возрасте 40 лет. Боччони умер всего в 33 года. Его жизнь оборвалась во время Первой мировой войны; его потеря стала воплощением футуристической идеологии прославления войны и постоянной художественной революции, но лишила движение его самого уважаемого художника и эстетического теоретика. Столетия обычно увековечивают рождение, но мифология Боччони во многом обязана его ранней смерти.
Боччони был не единственным художником, пострадавшим на войне — его коллега-футурист Антонио Сант’Элия, а также коллеги-модернисты Анри Годье-Бжеска и Франц Марк погибли на фронте. После службы в батальоне добровольцев-велосипедистов, когда Италия впервые вступила в войну, в июле 1916 года Боччони присоединился к полевой артиллерии. Предложив освобождение, он решил остаться солдатом и активно искал место на фронте, хотя начальство сказало ему «не навязывать свою судьбу». Обстоятельства судьбы Боччони менее футуристичны, чем можно представить.Во время кавалерийских учений 16 августа его лошадь была напугана грузовиком и заперта. Боччони упал, и его тащила лошадь, он получил тяжелые травмы и умер только на следующий день. На протяжении всей своей карьеры Боччони рисовал лошадей, и это жестокая ирония в том, что, назвав своего коня Вермиглией в честь пылающего красного зверя в центре The City Rises (1910), его падение имитировало сцену того, что стало его самым большим. известная картина.
Уникальные формы непрерывности в космосе (1913), Умберто Боччони.Museo del Novecento, Милан
The City Rises представляет собой нечто большее, чем трагический конец жизни Боччони. Он воплощает желание художника изобразить метаморфозу Милана в современность, выраженную в «Манифесте художников-футуристов» (1910), и его формулу для этого, описанную в том же году в «Техническом манифесте футуристической живописи». Растворение «непрозрачности тел» в свете и цвете сливается с деконструкцией пространства, чтобы «поместить зрителя в центр картины», а динамические кривые и прямые линии передают универсальный динамизм как «динамическое ощущение».Иллюстрация на картине футуристических теорий — одна из многих причин, по которым она и карьера Боччони в целом стали доминировать в истории футуризма, представленной в музеях, академической истории искусства и не только.
Тем не менее, это полотно также показывает, как легко ранняя кончина Боччони могла привести к его потере истории. The City Rises томился на складе Национальной галереи современного искусства в Риме в 1940-х годах. Итальянское государство решило не покупать его, посчитав картину «малоинтересной для истории движения».Вместо этого Музей современного искусства в Нью-Йорке приобрел его в 1951 году, дав картине и Боччони видное место в модернистском каноне. Такие приобретения сыграли решающую роль в формировании посмертной репутации Боччони в сочетании с ослаблением ассоциации с фашизмом и меланхоличной биографией, подобающей художнику-авангардисту, — оба результата его преждевременной смерти.
Жизнь Боччони не хотела драмы и романтики, даже до того, как художник стал приверженцем авангарда.Его ранние годы характеризовались кочевничеством, от детства, проведенного после его родителей по недавно объединенной Италии, до юношеских поисков художественного вдохновения. Боччони родился в 1882 году в Реджо-ди-Калабрии в семье из Романьи на севере Италии. Юный Боччони переехал в Форли, Геную, а затем в Падую. Он учился в техническом колледже в Катании и переехал в Рим, чтобы учиться на художника в 1899 году, поступив в мастерскую Джакомо Балла в 1902 году. После четырехлетнего обучения он сначала отправился в Париж, затем провел некоторое время в России, где предположительно стал отцом. внебрачный сын — вернулся через Варшаву и Вену, а затем перебрался в Падую, а затем в Венецию.Его странствующие годы закончились в августе 1907 года, когда он переехал в Милан, где жили многие коллеги Баллы по дивизиону и, конечно же, поэт Ф. Маринетти.
Автопортрет (1909), Умберто Боччони. Civico Gabinetto dei Disegno del Castello Sforzesco, Милан
В отсутствие автобиографии его неопубликованные сочинения этих ранних лет дают представление о внутренней жизни художника, чьи великие амбиции соответствовали только его неуверенности в себе. В своем дневнике 1907 года Боччони записал свою творческую борьбу и неуверенность: «Я должен признаться, что ищу, ищу, ищу — и ничего не нахожу.Смогу ли я когда-нибудь? Вчера я устал от большого города, сегодня я всем сердцем его желаю. Что я хочу завтра? »Его склонность к самоанализу визуально воплощается в его автопортретах. В примере из 1909 года его задумчивое выражение оживляется легчайшими мазками розовой пастели на его губах, но остается равнодушным к каплям темпера на его левом глазу.
В 1910 году Боччони познакомился с Маринетти и, усугубленный недостатком внимания со стороны молодых художников в Италии, присоединился к своему зарождающемуся футуристическому движению вместе с художниками Карло Карра и Луиджи Руссоло.В течение следующих шести лет Боччони развивал искусство футуризма в живописи, скульптуре и теории, проводил выставки по всей Европе и участвовал в постановках футуристов. Он также написал вместе со своими сотрудниками и независимо друг от друга многочисленные манифесты и статьи, а в 1914 году свою теоретическую книгу «Футуристическая живописная скульптура (пластический динамизм) ». Остальные действия обнаруживают вспыльчивый нрав. Когда футуристы отправились во Флоренцию в 1911 году, чтобы отчитать критика и художника Арденго Соффичи за его рецензию на их выставку, Боччони нанес удар.Его страсти были не только артистическими, но и политическими; В сентябре 1914 года Боччони был арестован вместе с Маринетти за то, что они разорвали австрийский флаг в миланском театре Даль Верме, что символизировало интервенционизм движения и желание встать на сторону союзников. Воспоминания Маринетти о Боччони также отражаются его «божественной веселостью». В 1913 году он импровизировал лекцию на французском языке для собравшихся парижских авангардистов на своей выставке скульптур; он не говорил по-французски.
Мечта (1908-09), Умберто Боччони.Частная коллекция
Боччони также широко известен как чувствительная душа из-за бесчисленных изображений его матери, сделанных на протяжении всей его жизни. Такие работы, в первую очередь впечатляющая Materia (1912–13), а также психологическая драма его личных сочинений, вызвали психологический, а также историко-художественный анализ. Его привязанность к матери и сестре никогда не могла сравниться с романтическими отношениями. Его последний роман с принцессой Витторией Колонной (дальней родственницей одноименного друга Микеланджело) был прерван его смертью.Он умер с письмом от нее в кармане и написал ей до аварии. Огорченный тем, что не получил от нее вестей, он написал: «У меня даже нет сил оставаться на лошади».
Образ, созданный такими биографическими анекдотами, размышляющими автопортретами Боччони, а также художественными и личными тревогами его дневников и писем, приправленных суицидальными мыслями, подобает образу беспокойного и недолговечного художника-авангардиста, который от Винсента Ван Гога и Амедео Модильяни до абстрактных экспрессионистов, стали преобладающими в историографии искусства 20-го века.
После смерти Боччони биография, авторство и связь между его искусством и произведениями оставались центральными для восприятия Боччони, как видно из трех публикаций, посвященных этому событию. Новая биография художника Джино Агнесе — третья за 20 лет. Новое издание каталога raisonné , составленного ветеранами итальянского искусствоведа Маурицио Кальвези и Альберто Дамбруозо, добавит ряд работ к творчеству художника . И, наконец, первый перевод на английский язык его теоретического текста Futurist Painting Sculpture (Plastic Dynamism) , с введением Марии Елены Версари, которая перевела текст вместе с Ричардом Шейном Агином, позволит охватить масштаб и глубину теоретической мысли Боччони сочинения, помимо хорошо известных манифестов, чтобы получить международное признание.
Страница из Атласа изображений Умберто Боччони (1895–1909). Biblioteca Civica, Fondo Callegari-Boccioni, Верона
Столетняя ретроспектива в миланском Палаццо Реале (до 10 июля) — редкая возможность увидеть выдающиеся собрания городских работ на бумаге с многочисленными кредитами — пытается поместить Боччони среди его влияний и современников, почти до точки растворения. Разделив его карьеру на две части, секция дофутуризма сосредоточена на недавно открытом альбоме с примерно 200 изображениями, которые молодой Боччони вырезал из книг и собрал в виде открыток примерно с 1895 по 1909 год.Названный кураторами «Атласом памяти» (в честь Эби Варбурга), он раскрывает разнообразие интересов молодого художника от Альбрехта Дюрера до Андерса Цорна. В своих дневниках Боччони опасается, что его художественные герои затмевают его, но здесь его ранние картины символистов, такие как «Сон » (1908–09), не уступают более крупным полотнам его предшественников-дивизионистов Джованни Сегантини и Гаэтано Превиати.
Несмотря на четкую формальную связь между изображениями лошадей этими художниками и The City Rises (заметное отсутствие на выставке), выставка отделяет это формирование от времен футуризма.Несмотря на иконоборческую риторику футуризма, Боччони проводил параллели со своими предшественниками на протяжении всей своей карьеры и даже обозначил место футуризма как зенита истории искусства в своей книге Futurist Painting Sculpture (Plastic Dynamism) . Присутствие в последнем разделе работ авангардных коллег и конкурентов Боччони — например, противостояние Antigraceful (1913) и Madame Noblet Медардо Россо (1897) — не говорит о Боччони как о производном художнике. , но как того, кто продолжал подчинять чужие подходы своему собственному стилю, когда ему это было удобно.
Antigraceful (1913 г., отливка 1950 г.). Умберто Боччони. Метрополитен-музей Нью-Йорка.
Последние картины на выставке, сделанные в 1916 году, показывают его растущий интерес к Полю Сезанну по мере развития его целей. Впечатляющий портрет Ферруччо Бузони, написанный в Палланце за несколько месяцев до его прихода в полевую артиллерию, обязан больше твердости и застою французского постимпрессиониста, чем неистовым водоворотам его картин в предыдущие годы. Это, пожалуй, наиболее очевидно в Интерьер с двумя женскими фигурами (1916), редко изучаемой работе карандашом, тушью, акварелью и темперой, которая, кажется, отдает дань уважения как портретам Сезанна его жены, так и его акварелям.Эти более поздние работы по-прежнему исследуют отношения между фигурой и окружающей средой, столь важные для футуристической живописи, скульптуры и письма Боччони, но с акцентом на динамизм, смещенный в сторону застоя.
Конечно, на момент создания это были не поздние работы Боччони. Они потенциально были началом новой фазы зрелого творчества художника, которая могла бы привести к тому, что он, как Северини и Карра, еще дальше отошел от догмы футуристического динамизма в сторону более классического стиля.Тем не менее, было мало предположений о том, куда бы его завела эта метаморфоза. Смерть Боччони позволила ему навсегда остаться замороженным как герой раннего футуризма, никогда не запятнанный кистью фашизма.
Прекращение деятельности Северини и Карры в области футуризма, наряду со смертью Боччони и Сант’Элии, привело к тому, что 1916 год стал концом футуристического искусства. Теперь хорошо известно, что Маринетти продолжил движение, вместе с Баллой и множеством новобранцев, создав «Второй футуризм».Поступление Маринетти в Фашистскую Академию позволило ему обеспечить выживание своего движения при режиме. Он также стремился сохранить репутацию Боччони через ретроспективы в Милане в 1924 году, в рамках Римской биеннале в 1925 году и крупной выставки в Кастелло Сфорцеско в 1933 году, а также издание его произведений в 1927 году. Был приобретен ряд ключевых работ Боччони. возле Национальной галереи современного искусства в Риме и Подеста ди Милано. Последний отказался платить за ядро работ Боччони, принадлежащее недавно скончавшемуся авиатору-футуристу Феделе Азари, поэтому вместо этого оно было подарено Аусонио Канавезе, туринским коллекционером, который надеялся получить украшение для подарка.
Интерьер с двумя женскими фигурами (1916), Умберто Боччони. Civico Gabinetto dei Designi, Castello Sforesco, Милан
После Второй мировой войны и падения фашизма футуризм пострадал от damnatio memoriae , а в Италии репутация Боччони пошла на убыль. В Соединенных Штатах, однако, Боччони считался художником-футуристом, незапятнанным негативными ассоциациями своих коллег. Он был, безусловно, самым представленным художником на выставке «Итальянское искусство двадцатого века» в Музее современного искусства в 1949 году, и музей продолжил собирать важную часть его картин футуризма и отводить им видное место в их канонической истории современного искусства. Изобразительное искусство.Суждение Марианны Мартин, вынесенное в 1958 году, свидетельствует об отношении американцев в послевоенный период: «Именно Боччони в большей степени, чем другие члены, характеризует положительные достижения футуризма».
Мартин писал для каталога рисунков и гравюр Боччони из коллекции Гарри и Лидии Уинстон — коллекционеров из Детройта, которые вместе с МоМА сыграли важную роль в американской славе Боччони. Они регулярно выставляли свою коллекцию из почти 200 работ на бумаге, в основном приобретенных непосредственно у сестры художника, три посмертных бронзовых слепка сохранившихся гипсовых скульптур Боччони и две картины в Соединенных Штатах, а в 1989 году Лидия Уинстон Малбин пожертвовала большую часть своей коллекции. в Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Однако именно скульптура Уникальные формы непрерывности в космосе (1913 г.) наиболее ясно показывает, как смерть Боччони привела к падению и восходу его звезды. Это одна из немногих скульптур Боччони, которые уцелели после того, как большинство из них было намеренно уничтожено в 1927 году. Пьеро да Верона, скульптор, который хранил около 10 непроданных гипсовых и смешанных работ в своей мастерской или на складе, имел свои помощник уничтожьте и выбросьте их. Марко Бизи, сын троюродного брата Боччони, художника Адрианы Бизи Фаббри, услышал об этом разрушении и сумел восстановить и собрать части красной версии «Развитие бутылки в космосе » (1913 г.).Первая публично выставленная скульптура-натюрморт, Boccioni’s Bottle , стала важной вехой в более позднем развитии использования предметов в скульптуре. Тем не менее, Unique Forms стал символом Боччони и футуризма в целом, отчасти из-за большого количества репродукций.
В течение следующих десятилетий было заказано восемь посмертных изданий Уникальных форм , такое распространение было бы маловероятным, если бы художник выжил (Боччони возражал против использования бронзы в своем манифесте по скульптуре).Пластыри Unique Forms и Bottle были приобретены бразильским промышленником Франсиско Матараццо Собринью и сегодня находятся в Музее современного искусства Университета Сан-Паулу. Бронзы, некоторые из гипса, другие или , получили еще более широкое распространение благодаря всемирным выставкам и музейным экспозициям. От MoMA до Метрополитена, галереи Тейт Модерн и музея Креллер-Мюллер, от Художественного фонда Hilti в Лихтенштейне до музея под открытым небом Хаконе в Японии, Unique Forms стал повсеместным примером поиска Боччони динамических форм.Скульптура была присвоена современными художниками, включая Барри Икс Болла, Питера Коффина и Франческо Веццоли, и даже найдена на итальянском монетном дворе 20-центовой монеты. Unique Forms — более подходящее свидетельство художника, чья динамичная жизнь неоднократно переделывалась в его отсутствие на протяжении 100 лет, чем любое похоронное панегирик.
История афро-футуризма — культурное разрушение
Афрофутуризм выступает прямым вызовом этому повествованию, активно переплетая истории и будущее.Вомак говорит нам, что афрофутуризм, «утверждая, что черные в будущем», также служит напоминанием о том, что «черные тоже были в прошлом». То, что Африка — это страна без истории, место, которое никак не повлияло на мировую траекторию, — это миф. Вомак говорит нам, что афрофутуризм всегда вносил свой вклад в «области знания, связанные с наукой, и есть, и космос, и у него были идеи о том, как двигаться вперед». Идея чернокожих как инопланетян не осталась без внимания, особенно ранние провидцы, считающиеся частью афрофутуристского канона.И Сун Ра, и Ли «Скретч» Перри, джазовые музыканты 1950-х годов, которых ученые-афрофутуристы считают первыми настоящими художниками-афрофутуристами, приняли образ пришельцев из других миров, взяв метафорическое чувство отчуждения и превратив его в эстетику.
Исторические и социальные условия того времени, кажется, указывают на то, что выбор в пользу эстетики, более четко идентифицируемой как научная фантастика, был сделан сознательно в ответ на растущую космическую эру и послужил требованием, чтобы чернокожие были включены в нее и бросили вызов представление о том, что Чернота противоположна прогрессу.Однако использование научной фантастики в качестве средства для разговоров о расовой динамике и истории далеко не ново.
Пространство — это место
Научная фантастика является одним из «фирменных языков современности» и долгое время оставалась уникальным пространством для комментариев о расах. Возможно, это связано с тем, что опыт отчуждения и отчуждения, переживаемый афродиаспорическими людьми, не только составляет большую часть основы концепции нашего общества о «чужом другом», но также потому, что отчуждение сейчас широко переживается в результате позднего капитализма и позднего периода. Можно сказать, что современность напоминает то же отчуждение, которое испытывают рабы и их потомки.
Несмотря на это, раса явно отсутствует и вездесуща в основных повествованиях о будущем. Во время нашего интервью Вомак сказал, что, несмотря на множество точек зрения, которые чернокожие разделяют как часть нашей культуры, они не всегда видят себя или свою культуру «отраженными в рассказах о будущем». Когда будущее не полностью освещается в СМИ в результате кастинга, редко появляются какие-либо признаки наследия расизма, существующего в наших современных повествованиях о будущем.Возможно, этот неявный нарратив способствует формированию расизма как индивидуальной моральной и интеллектуальной неудачи, противоречащей прогрессу в западном обществе, в отличие от ключевого компонента и часто двигателя прогресса. Считается почти само собой разумеющимся, что по мере развития общества в технологическом плане расизм естественным образом устареет. Вомак усложняет это повествование, указывая на то, что «технология не всегда является символом прогресса» в отрыве от гуманизма.
В качестве альтернативы, хотя иногда это просто кодирование, комментарии к расовым отношениям, колониализму, угнетению и связанным темам составляют основу многих выдающихся научно-фантастических произведений, причем произведения в этом жанре ломают многие двери.Этот образ должен быть узнаваем для всех, кто видел такие фильмы, как Avatar или Fern Gully, или любое бесконечное количество серий Star Trek или Doctor Who . (На мета-уровне первый межрасовый поцелуй на телевидении произошел в Star Trek: The Original Series и был между капитаном USS Enterprise Джеймсом Т. Кирком и офицером по связям с общественностью Нийотой Ухурой). На символическом уровне она объясняет, что в научной фантастике буквальный инопланетный другой часто служит аллегорией для чернокожего или коренного населения.Частота появления этих тем в научной фантастике может быть отнесена к одной из центральных тем жанра: человечество.
Вомак говорит нам, что «опыт людей африканского происхождения в Северной и Южной Америке» определяется их «переговорами о том, чтобы иметь полный человеческий опыт». Следовательно, по словам Вомака, целью афрофутуризма является «создание таким образом, чтобы ценить человечество». В то время как разговоры о природе человечества сейчас обсуждаются в научной фантастике и в некоторых сегментах научного сообщества, поскольку они имеют отношение к высокоразвитому искусственному интеллекту и инопланетным видам, легко забыть, что эти разговоры начались в отношении чернокожих.Однако работы, в которых главный герой находится в футуристическом сеттинге, не могут считаться афрофутуристами по своей природе. Этому жанру присуща цель переконфигурировать нашу концепцию истории чернокожих путем взаимодействия с возможными вариантами будущего черных, поэтому раса должна играть явную роль в этом разговоре. Кроме того, хотя мы знакомы с реальностью расы как социальной конструкции, Вомак просит нас сделать еще один шаг вперед, занимаясь афрофутуризмом и концептуализируя расу как технологию.
Центральное место в понимании афрофутуризма занимает понимание того, что, независимо от среды, он стремится усложнить и разрушить давние мифы, которые лежали в основе создания этой технологии расы. Чтобы понять это, Вомак просит нас принять новое представление о расе, в противоположность биологической реальности, которая является «технологическим» творением. Как и в случае со всеми технологиями, он был изобретен для выполнения определенной задачи, и эта задача заключалась в том, чтобы «оправдать трансатлантическую работорговлю» и способствовать «классовой системе, основанной на цвете кожи и площади суши.Это позволяет сделать акцент на его утилитарном и решительном характере. Изобретение расы как системы не произошло случайно. Напротив, это произошло в результате попытки оправдать и облегчить «классовую систему». По иронии судьбы, когда будущее, охватившее доминирующую культуру, стало темнее, наступило ренессанс светлого будущего, которое представляют афродиаспоры.
Innervisions
Womack говорит нам, что возрождение афрофутуризма можно объяснить двумя причинами.Во-первых, это овеществляющий эффект термина, объясняет она, что «по мере того, как люди изучают термин, он помогает им формулировать свои идеи и опираться на то, над чем люди работали долгое время». Точно так же она утверждает, что «сегодня кажется будущим», по крайней мере, на первый взгляд, и что для многих «Барак Обама представляет собой переход в будущее». Вместе с этим сдвигом появилась новая надежда на то, что это будущее может повлечь за собой для чернокожих. Вомак напоминает нам, что «афрофутуризм охватывает как континент, так и диаспору», и что работа афрофутуристов, напоминая нам, что раса — это технология, также напоминает нам, что «технологии можно разрушить.
Хотя будущее может показаться мрачным, будущее афрофутуризма выглядит более светлым. В некотором смысле продолжающееся принятие культурной эстетики, а также ее распространение в новые сферы социальной жизни является свидетельством той силы, которую наименование феномена может оказать на его распространение. С тех пор, как он был назван примерно четверть века назад, этот жанр стал свидетелем всплеска среди тех, кто пытается его перенять. Также интересна дихотомия между теми, кто теперь сознательно принимает тропы, эстетику и критику, присутствующую в афрофутуризме, со своими предками, которые были задним числом включены в канон.Джанель Монэ, пожалуй, одно из самых заметных дополнений к жанру афрофутуризма, сознательно принявшая этот жанр в своих последних двух альбомах и во многих своих музыкальных клипах. Дойдя до того, что перенял некоторые образы инопланетян, которые когда-то активно использовались Сунь Ра. Возрождение афрофутуристического движения, как и его истоки, можно отнести к текущим социальным условиям чернокожих.
