Художники — Музей русского импрессионизма
КоллекцияКак непредсказуема жизнь! Знал ли юный Александр Герасимов, ученик Константина Коровина, что наступит тот час, когда он отречется от своего учителя и станет ярым противником импрессионизма: «Советской живописи не нужны «французские духи»!»
Но в студенческие годы Александр Герасимов смело заимствует у педагогов по Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества и свободный мазок, и широкую манеру письма, проявляет большой интерес к французскому импрессионизму. Константин Коровин хвалит своего ученика. А чтобы продлить его курс обучения в своей мастерской, даже рекомендует Герасимову поступить еще и на архитектурную специальность. И художник прислушивается к совету.
Александр Герасимов родился в полукрестьянской-полукупеческой семье. Его отец занимался торговлей лошадьми. Но дела шли не очень хорошо. Мать воспитывала сына в старых традициях. В семилетнем возрасте мальчика отдали учиться в церковноприходскую школу.
А спустя три года он экстерном сдал экзамены в Козловское уездное училище. В 1903 году Александр Герасимов отправляется в Москву и поступает в Училище живописи, ваяния и зодчества.
Жизнь в большом городе открывает перед юношей множество возможностей. Он усердно занимается, читает, знакомится с интересными людьми. Другом Герасимова становится известный писатель и журналист Владимир Гиляровский. Едва Герасимов оканчивает обучение, как его тут же призывают в армию.
1915 год, в разгаре Первая мировая. Художник служит нестроевым солдатом в санитарном поезде на южном фронте. После революции и демобилизации он возвращается в родной Козлов и устраивается в местный драматический театр. Как и его учитель, Константин Коровин, Герасимов занимается оформлением спектаклей. После семи лет на малой родине Герасимова снова тянет в Москву. Он навсегда покидает Козлов. Картины, отражающие подвиги командиров Красной Армии, портреты Владимира Ленина, Иосифа Сталина, Ивана Мичурина превращают Герасимова в главного деятеля Академии Художеств.
Заграничные поездки, персональные выставки, звание народного художника СССР и, наконец, пост президента Академии – Гарасимов стремительно идет вверх по карьерной лестнице, становится «воинствующим художником-реалистом», который берет курс на борьбу с «вольнодумством» и «эстетствующими формалистами», теми, что преклоняются перед «загнивающим» искусством буржуазного Запада.
Хрущевская оттепель оборачивается для Герасимова настоящей трагедией, он теряет руководящий пост в Академии художеств, а вместе с ним и свое привилегированное положение.
Покинутый всеми, стареющий живописец только и может, что горестно восклицать:
«Все клянут меня. Редко кто заходит… А сколько я сделал добра художникам! Еще вспомнят они Александра Герасимова!»
Художник-импрессионист Эжен Гальен-Лалу (1854-1941 гг.). Экскурс в историю живописи и Парижа конца XIX – начала ХХ века
Эжен Гальен-Лалу (фотография 1920 года)
Эжен Гальен-Лалу (франц. Eugène Galien-Laloue) выдающийся французский художник-импрессионист конца XIX – начала ХХ века.
Его творчество было признано всеми художественными салонами Парижа, и уже в двадцать два года он выставлял первые работы на суд критикам и на обозрение почитателям. Популярный мастер живописи периода Бель-Эпок (от франц. «Belle Epoque» – «Прекрасная эпоха») и несправедливо забытый современниками ХХI века. Уникальный и талантливый художник, который по праву заслуживает внимания и в настоящее время.
Работы Гальена-Лалу пользовались спросом на стадии рисования кистью, международные коллекционеры записывались в очередь, чтобы заполучить заветные предметы искусства. Слава, успех, богатство пришли к художнику в самом начале творческого пути. Произведения Гальена востребованы и сейчас, его картины продаются на различных аукционах мира, но о нем как о человеке и великом художнике практически нет информации. Его пейзажами восхищались тогда и продолжают восхищаться теперь, но до наших дней о личности художника дошло очень мало сведений. О яркой карьере и ошеломляющем успехе не осталось ни фотографий, ни записей.
Эжен Гальен писал картины на протяжении всей жизни и до конца своих дней создавал шедевры в стиле импрессионизм.
Импрессионизм («impressionnisme», от французского слова «impression» – «впечатление») – направление в искусстве, возникшее во Франции в конце XIX – начала XX века и получившее распространение по всему миру. Импрессионисты ставили своей задачею изобразить повседневную жизнь, которая окружала людей, показать ее реальные проявления и настоящие моменты. По мнению импрессионистов для этого не нужно рисовать днями и ночами, достаточно лишь набросать впечатление, поймать момент. Импрессионисты показывали жизнь, которая происходила вокруг, запечатлевали обыденные события точно на фотоснимках. Характерная черта импрессионизма – солнечный свет, главный жанр – пейзаж. Импрессионисты рисовали при дневном свете, на природе, на свежем воздухе. Они призывали художников писать картины «в полях», – на пленэре.
Пленэр (от франц. «en plein air» – «на открытом воздухе») – техника живописи, отображающая в картинах все многообразие и великолепие цветовых оттенков изменяющихся под воздействием естественного света в естественных условиях среды рисования.
Техника «пленэр» пользовалась популярностью у импрессионистов и художников барбизонской школы, благодаря чему она приобрела большую известность в мире искусства. Движению «пленэр» также способствовал технический прогресс и дальнейшее производство красок в тубах. До середины XIX века мастера художественной живописи изготавливали краски самостоятельно в своих мастерских, и выйти с масляными заготовками на улицу было проблематично. Приходилось хранить краски в мешочках из свиных мочевых пузырей. Для выдавливания содержимого на палитру стенки мешка многократно прокалывались и заделывались, пока в конечном итоге краски не засыхали под воздействием воздуха.
В этот же временной период на смену громоздким мольбертам приходят этюдники, складные переносные мольберты и грунтованные холсты, а этюдные зарисовки, выполненные на пленэре, получают статус полноценных картин. Художники-импрессионисты передавали собственное видение окружающего мира через мазки красок под воздействием естественного света от отражающих поверхностей.
Они писали непосредственно с природы, с натуры, стараясь передать личное впечатление от световоздушного пространства. Импрессионисты воспринимали природу живописной – «живо написанной», наполненной жизнью, не стремясь при этом к излишней точности и детальному воспроизведению. Импрессионисты создавали не сам пейзаж, а впечатление, которое вызывал пейзаж.
Излюбленной темой пленэра Эжена Гальена-Лалу был Париж.
Городской пейзаж Парижа менялся на глазах день ото дня, год от года. Все началось с 1830-х годов, когда парижане стали жаловаться на состояние города, который к тому времени был значительно перенаселен. Улицы с открытой канализацией были узкими и темными. Париж становился опасной и нездоровой средой для проживания, в связи, с чем люди выказывали недовольство правительством. В воздухе витал дух революции. Решение проблемы не находилось и в 1853 году Наполеон III (1808-1873 гг.) и его министр внутренних дел назначили Жоржа Эжена Османа (1809-1891 гг.) префектом департамента Сены для наблюдения за восстановлением города.
Получив неограниченные полномочия от монарха, Осман перекроил всю уличную сеть Парижа, разрушив большую часть старого города при возведении новых дорог. Трущобы снесли, а узкие улицы превратились в широкие проспекты и бульвары, были созданы большие парки и небольшие деревни в окрестностях города. Для прогулок парижан обустроили Булонский лес (Le bois de Boulogne) и несколько парков, таких как Монсури – государственный парк четырнадцатого округа Парижа, созданный в 1869 году на левом берегу Сены в стиле английского парка и Бют-Шомон – городской парк девятнадцатого округа Парижа. Новые виды города демонстрировали общественности художники «Belle Epoque», такие как Эжен Гальен-Лалу.
Художники «Прекрасной эпохи» с воодушевлением показывали реальность отреставрированной и украшенной столицы, где в большом количестве появлялись кафе, парки, новые архитектурные сооружения. Обновленный город притягивал к себе как местных жителей, так и туристов. Посетители из Великобритании и Соединенных Штатов чаще других приезжали в Париж, чтобы принять участие в «Гран-туре» (от франц.
«Grand Tour» – «большое путешествие»).
Термин «Гран-тур» обозначал экскурсионные, оздоровительные или коллекционные туры богатых туристов или образовательные поездки детей европейских аристократов. Обучающие путешествия могли длиться годами и, как правило, проходили через Италию, Францию и Центральную Европу.
Для гостей столицы у Гальена-Лалу всегда были заготовлены этюдные зарисовки Парижа. Данные картины являлись заветными памятными вещами, которые американские туристы мечтали приобрести для своих коллекций. Так многие городские пейзажи Гальена-Лалу через Атлантику оказались в частных коллекциях богатых американцев из Нью-Йорка, Бостона и Чикаго.
Одним из любимых предметов изображения архитектуры у Гальена-Лалу была Церковь Святой Марии Магдалины (L’église Sainte-Marie-Madeleine), более известная под сокращённым названием Церковь Мадлен (La Madeleine). Эта римско-католическая церковь, похожая на храм, расположенная на одноименной площади Мадлен в восьмом округе Парижа, изначально задуманная как храм во славу императорской Великой армии Наполеона.
Гальен-Лалу изображал здание, окруженное цветочными торговыми точками осенью и с засыпанными снегом тротуарами зимой. На фоне Церкви Мадлен непременно толпились туристы и горожане.
Figures at the Madeleine, Paris
gouache on paper 32.2 x 40.3 cm
Почитателям творчества Эжена Гальена-Лалу пришлись по нраву его «маленькие гуаши и акварели», посвященные Парижу. Трогательные сюжеты, памятная архитектура, проработанные детали и небольшие форматы быстро нашли своих поклонников. Гальен работал в необычной технике и манере. Чаще всего основу он рисовал акварелью и, поверх наносил гуашь, а для четкой контурной проработки использовал грифельные карандаши и уголь. Европейские коллекционеры относят Эжена Гальен-Лалу к ведущим художникам Бель-Эпок.
Периодом «Прекрасной эпохи» («La Belle Époque») во Франции называли время с конца XIX века с 1871 года, ознаменованное окончанием франко-прусской войны и до начала Первой мировой войны 1914 года. В этот период Европа приходила в себя от разгромных последствий войны.
Разрушения, человеческие потери, кровопролитные сражения Парижской Коммуны остались позади. Период правления Наполеона III подошел к концу и была провозглашена Третья Французская республика. Для Франции наступил сорокалетний период свободный от войн. Это время расцвета искусства, науки и экономики. Люди были счастливы жить в эпоху мира и спокойствия, создавая новую историю Парижа.
История великого художника началась в середине XIX века в Париже. 29 декабря 1853 года в городской ратуше Батиньоль сочетались законными узами брака Чарльз Лалу и Эндокси Ламберте.
Ровно через год 11 декабря 1854 года в семье родился первенец Эжен Гальен-Лалу. Мальчик появился на свет в прекрасном и живописном месте в районе Монмартр на севере Парижа во Франции. 11 января следующего года ребенка крестили в церковном приходе Сен-Пьер-де-Монмартр. Всего у Чарльза и Эндокси родилось девять детей, восемь из которых мальчики. Большая и дружная семья жила на улице Леони на Монмартре в восемнадцатом округе Парижа.
В то время Монмартр считался районом сосредоточения творческих людей и вольнодумных художников. Семья жила очень бедно, денег едва хватало на продукты и приходилось еле-еле сводить концы с концами, выживая в финансовом плане.
Отец многочисленного семейства Чарльз Лалу работал художником и театральным декоратором, в то время эта должность называлась сценограф. С самого рождения Эжен был окружен предметами искусства и рос в творческой среде.
Будучи ребенком Эжен демонстрировал художественные способности, наблюдая за отцом, который очень любил рисовать, а будучи сценографом, делал он это великолепно. Эжен перенимал опыт и мастерство отца, наблюдая за его техникой и манерой.
В 1870 году, когда Эжену исполнилось шестнадцать лет, у него умер отец и Эжен стал самым старшим мужчиной в семье, в которой помимо него росло еще семь младших братьев и сестра. Юноше пришлось резко повзрослеть и бросить обучение в школе, чтобы справиться с возложенными на него новыми обязанностями и хоть как-то прокормить семью.
Благодаря матери Эжену удалось устроиться на работу помощником к частному нотариусу. Жалование было мизерным даже по меркам Монмартра, но выбирать не приходилось. Иногда семье приходилось в буквальном смысле голодать.
В тот же период ухудшалась ситуация в стране, на политической арене назревал вооруженный конфликт между Францией и Пруссией. Пруссия стремилась объединить германские земли, а Французская империя этому всячески препятствовала. На стороне Пруссии к тому времени была целая коалиция Северогерманского союза и южно-германских государств. Приближалась франко-прусская война 1870 – 1871 годов.
Предпосылками к войне явилась убедительная победа Пруссии в австро-прусской войне в 1866 году и последующее создание Северогерманского союза под контролем прусского короля Вильгельма I (1797-1888 гг.). Южно-германские государства (королевство Бавария, герцогство Баден, королевство Вюртемберг и ландграфство Гессен-Дармштадт) все еще не входили в созданный Пруссией союз, и соответственно объединение германского государства не было доведено до логического конца.
В то время, начиная с 1852 года, во Франции была провозглашена Вторая империя под предводительством Шарля Луи Наполеона Бонапарта – императора Наполеона III. На пути к окончательному объединению Германии стояло правительство Франции во главе с императором, которое опасалось создания единого мощного немецкого государства в центральной Европе, так как это несло угрозу гегемонии Франции на континенте.
Коллекция Phillips представляет картину «Итальянский импрессионист в Париже: Джузеппе Де Ниттис»
6 сентября 2022 г.
Первая выставка в США, посвященная художнику, является крупным международным
сотрудничеством с пинакотекой Джузеппе Де Ниттиса города Барлетта, Италия
и регионом Апулия с Fondazione Pino Pascali
ВАШИНГТОН, округ Колумбия— The Phillips Коллекция рада представить первую в США выставку, посвященную творчеству Джузеппе Де Ниттиса (1846–1884), итальянского художника, чья карьера процветала в импрессионистском Париже 1870-х и 1880-х годов.
Выставка организована The Phillips Collection под патронажем Министерства культуры Италии в сотрудничестве с Пинакотекой Джузеппе де Ниттис, городом Барлетта, Италия, и регионом Апулия с Fondazione Pino Pascali. Он объединяет 73 работы из ведущих учреждений и частных коллекций США, Франции и Италии, 32 из которых предоставлены Пинакотекой Де Ниттис. Итальянский импрессионист в Париже: Джузеппе де Ниттис
«Джузеппе де Ниттис был крупной фигурой в период импрессионизма, но не был известен в то, как мы думаем о Дега и Мане», — говорит Враденбург, директор и главный исполнительный директор Дороти Косински . «Наша выставка проливает свет на его влиятельную роль в искусстве импрессионистов, которая продолжает привлекать и восхищать публику».
Де Ниттис был центральной фигурой в эстетических и институциональных потрясениях Парижа 1870-х годов вскоре после того, как он прибыл во французскую столицу из Неаполя в 1867 году в возрасте 21 года.
«Джузеппе Де Ниттис, которого почти не замечали, был крупной фигурой в истории модернизма и европейского искусства XIX века», — говорит 
Эта выставка, созданная для того, чтобы заново открыть для себя художника и связи между ним и его французскими коллегами, исследует его близкую дружбу с Дега, Мане и Кайботтом и прочно закрепляет за Де Ниттисом недостающую и важную часть понимания импрессионизма».
В 1870-х годах Де Ниттис был пионером-хроникером стойкости и восстановления Парижа после франко-прусской войны, сосредоточив внимание на улицах, бульварах, площадях и парках, которые были не только домом для высокой буржуазии города, но и символами. французской национальной гордости. Его городские сцены Парижа изображают новаторские аранжировки и предметы пленэра, написанные с детальным реализмом, изображающим сложный и экономически процветающий город — выбор, уникальный для работ Де Ниттиса. Де Ниттис также провел время в Лондоне, начиная с 1873 года, что позволило ему еще больше исследовать свой пожизненный интерес к атмосфере и ритмам городской жизни в столь же новаторских композициях, характерных для британского мегаполиса.
«Выставка De Nittis в коллекции Phillips — это особенно значимая инициатива, имеющая очень высокую художественную, историческую и культурную ценность», — говорит H.E. Мариангела Дзаппиа, посол Италии в США , «что также признано патронажем, предоставленным Министерством культуры Италии. Коллекция Филлипса — первый в Америке музей современного искусства — решила провести первую в этой стране презентацию, посвященную этому итальянскому художнику-импрессионисту, в год, когда исполняется столетие с момента его учреждения/создания/открытия для публики. Я считаю, что эта инициатива является прекрасным свидетельством давней дружбы между Италией и Соединенными Штатами и неустанной работы обеих стран по укреплению нашей связи посредством искусства и культуры».
ПАРТНЕРЫ ВЫСТАВКИ
Итальянский импрессионист в Париже: Джузеппе Де Ниттис организован The Phillips Collection под патронажем Министерства культуры Италии в сотрудничестве с Пинакотекой Джузеппе де Ниттис, городом Барлетта, Италия и Регион Апулия с Fondazione Pino Pascali; дополнительную поддержку оказывают Посольство Италии в Вашингтоне, округ Колумбия, и Итальянский институт культуры, Вашингтон, округ Колумбия.
ПОДДЕРЖКА ВЫСТАВОК
При щедрой поддержке Фонда Эдны Рут и Марты Джонстон и Роберта Кунрод
Это стало возможным благодаря Благотворительному фонду выставок The Phillips Collection, щедро поддерживаемому Фондом Шермана Фэйрчайлда, Мишель и Гленн Энгельманн, Робертом и Деброй Драмхеллер и Марион Благотворительный фонд Ф. Голдина
Куратор выставки: профессор Ренато Миракко, независимый куратор и куратор Пинакотека Джузеппе де Ниттис (Барлетта, Италия), с доктором Сьюзен Берендс Франк, куратором коллекции Phillips.
КАТАЛОГ ВЫСТАВКИ
250-страничный каталог, изданный The Phillips Collection при поддержке Посольства Италии в Вашингтоне, округ Колумбия, и Итальянского института культуры в Вашингтоне, округ Колумбия, сопровождает выставку эссе куратора выставки Ренато Миракко, независимого куратор Марина Ферретти Боквиллон и профессор Роберт Дженсен (Университет Кентукки). В издание включена хронология жизни художника.
Это первая публикация о художнике на английском языке.
ГАЛЕРЕЯ ИЗОБРАЖЕНИЙ
Пресс-изображения с высоким разрешением предоставляются по запросу. Пожалуйста, обращайтесь: [email protected]
ИЗОБРАЖЕНИЕ: Джузеппе Де Ниттис, Завтрак в саду , 1884 г., холст, масло, 81 x 117 см, Пинакотека Джузеппе Де Ниттис, Барлетта, Италия.
О КОЛЛЕКЦИИ PHILLIPS
Коллекция Phillips, первый музей современного искусства в Америке, была основана в 1921 году. В музее хранится одна из самых известных в мире коллекций импрессионистов и американского современного искусства, и эта коллекция продолжает пополняться важными современными голосами. . Его уникальное здание сочетает в себе обширные новые галереи с бывшим домом его основателя Дункана Филлипса. Влияние Phillips распространяется на национальном и международном уровнях благодаря разнообразным и экспериментальным специальным выставкам и мероприятиям, в том числе отмеченным наградами образовательным программам для преподавателей, студентов и взрослых; известная музыкальная серия Phillips; и динамическое искусство и велнес и Филлипс после 5 мероприятий.
О ПИНАКОТЕКЕ ДЖУЗЕППЕ ДЕ НИТТИС
В 1913 году Леонтина Грувель де Ниттис, вдова художника, завещала городу Барлетта около двухсот картин и рисунков де Ниттиса, а также более ста пятидесяти книг и архивных документов. , родной город художника на берегу Адриатического моря на юго-востоке Италии в регионе Апулия. Ее завещание было беспрецедентным в итальянском и европейском контексте того времени. Когда коллекция Де Ниттис прибыла в Барлетту в 1914, он временно размещался до 2006 года. Наконец, в 2007 году он нашел подходящее и постоянное место жительства в престижном Палаццо делла Марра, элегантном и теперь отреставрированном дворце в стиле барокко.
О FONDAZIONE Pino Pascali
Фонд Pino Pascali посвящен наследию своего тезки, известного послевоенного художника. Паскали (1935-1968) родился в Бари, столице региона Апулия. Он связан с постминимализмом и был пионером итальянского движения Arte Povera в 1960-х годах. В 1998 году, через тридцать лет после его случайной смерти в возрасте тридцати двух лет, семья художника основала Музей Пино Паскали с работами и памятными вещами художника. В 2010 году музей был преобразован в Фонд Пино Паскали, который принадлежит региону Апулия и муниципалитету Полиньяно-а-Маре, городу, расположенному на берегу Адриатического моря между Бари и Бриндизи, двумя главными городами Апулии.
О РЕГИОНЕ АПУЛИЯ
Территория Апулии представляет собой длинный узкий полуостров, который является пяткой сапога Италии. Этот южно-итальянский регион омывается Ионическим и Адриатическим морями и обладает одним из наиболее важных и исторически стратифицированных культурных наследий, которые в целом являются европейскими, а не итальянскими. В регионе существует множество доисторических археологических памятников, некоторым из которых 250 000 лет. Первоначально населенный иллирийским населением, этот регион всегда был стратегическим районом для средиземноморских народов и с давних времен был колонизирован греками, а затем римлянами в 4 веке. Это земля, где древние народы и череда завоевателей оставили свои следы в бесчисленных памятниках по всей территории.
Сегодня можно найти не только замки и города, такие как Лечче с его великолепием в стиле барокко, но и богатые кулинарные традиции и важные музеи, такие как Пинакотека Джузеппе Де Ниттис и современный Фонд Пино Паскали. За сохранение всего этого отвечает Управление культуры региона Апулия.
# # #
Винсент Ван Гог на самом деле не был художником-импрессионистом
Категория / Творческая жизнь
Автор: / Палитра Пино — Бриктаун
Дата публикации / 17.02.2017
| Доля | Категория / Творческая жизнь Автор: / Палитра Пино — Бриктаун Дата публикации / 17.02.2017 |
Для большинства людей, которые не изучали историю искусства (и даже для некоторых людей, которые изучали), одним из первых художников, которых мы связываем с «движением импрессионистов», является Винсент Ван Гог — голландский художник, известный своей картиной «Звездная ночь». и печально известен тем, что отрезал себе ухо, чтобы подарить женщине. Однако большинство людей не знают, что Винсент Ван Гог на самом деле вовсе не был импрессионистом! Смотрите, «импрессионистское движение» было художественным движением в 18 веке, целью которого было создание картин, которые на первый взгляд кажутся очень реалистичными, но становятся более абстрактными, когда зрители присматриваются повнимательнее. Это было достигнуто за счет очень реалистичного изображения света и его движения, без изображения твердых и определенных форм. Поскольку цвет и свет идут рука об руку, это означало, что импрессионистам приходилось создавать очень реалистичные цветовые палитры при рисовании, чтобы имитировать то, как свет появляется в реальном мире.
Большинство из нас уже знают, что изначально импрессионизм не был хорошо принят. Несмотря на впечатляющее использование цвета для создания плавных и изменяющихся форм, импрессионистское искусство рассматривалось свысока как кажущееся юношеским и слишком нетрадиционным, чтобы его можно было оценить как «настоящее» искусство. На самом деле это движение стало называться «импрессионизмом», когда искусствовед по имени Луи Леруа использовал это слово для критики художника по имени Клод Моне и его картины «Впечатление восхода солнца», которую сегодня часто называют одной из самых самые важные произведения в истории для создания огромного прецедента в мире художников, создающих «нетрадиционные» произведения искусства.
Что приводит нас к Винсенту Ван Гогу.
Сегодня Винсент Ван Гог — один из самых популярных художников всех времен, как среди художников, так и среди «среднего Джо». Работы Ван Гога, которые в то время были даже менее популярны, чем работы Моне, на самом деле были частью движения под названием «постимпрессионизм», которое началось вскоре после того, как движение импрессионистов начало набирать обороты.
В то время как импрессионисты гордились реалистичным и тщательным использованием цвета, постимпрессионисты увидели возможность использовать цвет гораздо более выразительно и символически. Они сохранили многие из тех же живописных мазков и техник художников-импрессионистов, но ценили цветовые палитры, которые были смелыми, яркими и не такими естественными, как те, которые использовали импрессионисты. Они считали, что это смелое использование цвета может быть использовано для более эффективной передачи чувства настроения и атмосферы, чем реалистичное или естественное.
Короче говоря: импрессионисты, такие как Клод Моне, использовали выразительные приемы и реалистичные цвета, чтобы создать реалистичное впечатление от того, что видит глаз в реальном мире. Однако постимпрессионисты, такие как Винсент Ван Гог, использовали выразительные приемы живописи и яркие, драматические цвета, чтобы создать впечатление того, что чувствует сердце.
В истории искусства оба движения невероятно важны.
Они раздвинули границы того, что могли сделать художники, и того, что публика воспринимала как интересное и впечатляющее произведение искусства. Этот вызов традиционным художественным практикам привел к эффекту домино быстро меняющихся художественных движений, которые привели нас в современный мир, наполненный множеством разных художников, свободно выражающих свое творческое видение через множество стилей и практик.
Если вы хотите лично познакомиться с живописью постимпрессионистов, выразить признательность Винсенту Ван Гофу или просто весело провести вечер с друзьями, вы можете записаться на наш урок «Просто звездная ночь» 9 марта — где мы научим вас рисовать собственную версию знаменитой картины Ван Гога «Звездная ночь».
И для протокола: история о Ван Гоге, отрезавшем себе ухо, тоже может быть не совсем правдой. Существует много разных версий того, что именно произошло с ухом Ван Гога, и, по словам журналистки Кристель Кухарц из ABCNews, Ван Гоф и еще один художник, Поль Гоген, заключили совместный договор, что никогда не будут раскрывать, что именно стало с ухом.
