Художники 20 века абстракционисты: Абстракционисты — 10 самых известных художников и их картины

Абстракционисты — 10 самых известных художников и их картины

Самые известные художники абстракционисты и их картины. Василий Кандинский, Джексон Поллок, Пит Мондриан, Франтишек Купка и другие.

Содержание

1. Введение
2. Василий Кандинский
3. Марк Ротко
4. Джексон Поллок
5. Пит Мондриан
6. Виллем де Кунинг
7. Бриджит Райли
8. Герхардт Рихтер
9. Хелен Франкенталер
10. Хуан Миро
11. Франтишек Купка

Введение

Абстракционизм – это стиль в живописи, в котором художники уходят от реалистичного изображения предметов, выдвигая на первый план форму и цвет. Основная цель этого направления – передать эмоции художника через картину и вызвать эмоциональный отклик у зрителя.

Многим картины абстракционистов могут показаться детскими рисунками, но если начать изучать историю этого стиля, историю художников, творивших абстрактно, то картины уже не будут казаться такими простыми. Наоборот, вы увидите все те знаки и символы, и когда «расшифруете» абстракцию, испытаете приятное чувство удовлетворения, от понимания живописи великих творцов.

Художники-абстракционисты ставили перед собой задачу показать мир беспредметно. Они хотели, чтобы их картины не анализировали, а чувствовали.

В этой статье я хочу познакомить вас с наиболее великими представителями абстракционизма, рассказать, кто стоит за той или иной абстрактной картиной, как создавались геометрические абстракции и многое другое.

Василий Кандинский

Российская империя

Годы жизни: 16 декабря 1866 – 13 декабря 1944 (77 лет)

Василий Кандинский – один из самых главных представителей абстракционизма, художник, теоретик, основатель творческой группы «Синий всадник».

Проведя детство, путешествуя по России и Европе, семья юного гения осела в Одессе. Там мальчик окончил художественную школу, но поступать поехал в Москву на юриста.

Кандинский стал увлекаться живописью только в 30 лет. В 1896 году будущий художник уезжает в Мюнхен учиться. Занимаясь в Академии художеств, Кандинский путешествует по Европе.

Позже, он создает собственную школу при объединении «Фаланга», где преподает живопись. Участвует в выставках, начинает писать первые абстракции.

В 1921 году переезжает в Берлин, где преподает живопись в знаменитой школе «Баухаус».

В 1933 году эмигрирует во Францию, где проводит остаток своей жизни.

Наиболее известные работы живописца, такие картины, как «Синий всадник» (1903), «Осень в Мурнау» (1908), «Гора» (1909), «Композиция VII» (1913), «Последовательность» (1935). Помимо этого, Кандинский является автором нескольких литературных сочинений: «О духовном искусстве» (1910), «Ступени: Текст художника» (1918) и других.

Композиция VII, 1913 годПоследовательность, 1935 год

Марк Ротко

США, Российская империя

Годы жизни: 25 сентября 1903 – 25 февраля 1970 (66 лет)

Американский художник, родившийся в семье русских евреев. Ротко считается основоположником живописи цветового поля.

Как и многие другие, Ротко начинал с более традиционной живописи, постепенно перейдя на другой стиль. Попав под влияние сюрреалистов, начал увлекаться абстракцией.

Отказавшись от предметности, сосредоточил свое внимание на цвете и его возможностях повлиять на зрителя и вызвать эмоции.

Фирменный стиль Ротко довольно хорошо узнаваем – прямоугольные формы на цветном поле.

Работы художника до сих пор остаются одними из самых востребованных и дорогих картин в мире.

Оранжевое, красное, желтое, 1961 годБез названия, 1953 год

Джексон Поллок

США

Годы жизни: 28 января 1912 – 11 августа 1956 (44 года)

Еще один известный художник-абстракционист из числа современных, который оказал значительное влияние на этот стиль – Джексон Поллок.

Обладая тяжелым характером и страдая от алкоголизма, художник в 1930 году остался жить в Нью-Йорке, где познакомился с самыми разными представителями арт-индустрии, в том числе и со знаменитой коллекционеркой, Пегги Гуггенхайм, которая помогла ему, сделав его своим протеже.

Свою технику он называл «капельной», или как ее еще называют, техника «разбрызгивания».

Джексон Поллок раскладывал холст на полу, и, двигаясь вокруг него, разбрызгивал краску на холст прямо из банок, с помощью кистей или подручных средств.

Номер 5, 1948 годОсенний ритм, 1950

Пит Мондриан

Нидерланды

Годы жизни: 7 марта 1972 – 1 февраля 1944 (71 год)

Будущий художник родился в набожной семье учителя в Нидерландах, в небольшом городке Амерсфорт.

После школы уехал в Амстердам и поступил в Академию художеств.

Чтобы заработать на жизнь, днем Мондриан писал на заказ портреты, либо копии известных картин, а вечером проходил обучение в Академии. Также художник любил уходить на природу и писать этюды.

В начале своего творческого пути, Мондриан стал преподавать живопись в детской художественной школе, что давало ему стабильный, пусть и небольшой доход. Тогда он писал в стиле импрессионистов.

В 1911 году Мондриан посещает выставку кубистов, его очень сильно впечатляют работы Пикассо, он начинает интересоваться этим стилем. Затем художник переезжает в Париж, посещает выставки и продолжает писать, увлекаясь кубистами.

Далее, он путешествует по Европе, чтобы познакомиться с местными и узнать больше о живописи.

Уже в начале XX века Мондриан ищет тот самый свой стиль, его живопись все больше склоняется к цвету и уходит от предметности.

Во время Первой мировой войны, художник живет в родных Нидерландах, пишет картины.

Своей живописью он призывает отказываться от естественных форм, считая, что именно абстракция может передать мысли и чувства художника.

Продолжая экспериментировать с формой, цветом и содержанием, художник создает абстрактные работы с геометрическими формами, например, «Серый ромб с четырьмя линиями»:

Спустя два года художник создает свой знаменитый «Неопластицизм», работу, в которой он делит цвета на первостепенные – синий, красный, желтый, и не-цвета – черный, серый белый. Также он выделил такое понятие, как «оппозиция горизонтали и вертикали».

Картина I, 1921 годКомпозиция с красным, желтым и синим, 1930 годКомпозиция с желтыми линиями, 1933 год

Во время Второй мировой войны, художник переезжает в США и продолжает творить в плоть до своей смерти от воспаления легких.

Виллем де Кунинг

Нидерланды, США

Годы жизни: 24 апреля 1904 – 19 марта 1997 (92 года)

Один из основателей абстрактного экспрессионизма, родившийся в Нидерландах и творивший в США.

Де Кунинг стал известным и добился признания еще при жизни, участвовал во множестве выставок, сейчас его картины одни из самых дорогих в мире.

Изучая самые разные техники, он также работал и с гравюрами, муралами, любил эксперименты.

Будущий художник получил образование в Роттердамской академии изобразительных искусств и техник, а после, в 22 года, нелегально эмигрировал в США.

Десятилетие он писал еще в стиле реализм, а потом перешел в абстракцию, в частности в экспрессионизм.

В 1960-х года де Кунинг пишет много работ с изображениями женщин, которые, к слову, принесли ему известность и критику, а также пишет природу.

С 1970 по 1990 годы начинается тот самый период истинной абстракции и экспрессии, которой принято отличать художника, его стиль.

Используя минимум цветов, накладывая характерные мазки кистью, художник писал на больших холстах, порой даже огромных.

Раскопки, 1950 годЖенщина, 1948 год

Бриджит Райли

Великобритания

Годы жизни: 24 апреля 1931 (91 год)

Англичанка, одна из представительниц стиля оп-арт. Закончила Королевский колледж искусств в Лондоне. Еще тогда, в колледже, ей нравились монохромные работы.

Работала иллюстратором, параллельно создавая картины в технике, близкой пуантилистам.

В 1960-х стала работать над монохромными картинами с геометрическими узорами, имитирующими движение. Также Бриджит была преподавателем по живописи и дизайну.

Известность ей принесли ее черно-белые картины, но она также стала изучать цвет и его эффекты.

В 1980-х, после поездки в Африку, художница придумала свою «египетскую палитру», чтобы показать свои впечатления и раскрыть дух тех мест, которые ей довелось увидеть.

Райли также создала несколько муралов, в том числе и для галереи Тейт и Национальной галереи Лондона.

Движение в квадратах, 1961 годЗеленая картина, 2014 годБез названия, 1965 годОкончание, 1982 год

Герхардт Рихтер

Германия

Годы жизни: 9 февраля 1932 год (90 лет)

Как пишут многие СМИ, Рихтер – один из величайших ныне живущих художников.

Его искусство нельзя отнести к какому-то определенному жанру, у него очень большой спектр работ.

В 1977 году художник написал первую картину – Абстрактное изображение:

Мать его работала в книжном магазине, а отец – учителем в сельской школе. Будущего художника с детства привлекали к себе гуманитарные науки. Закончив 10 класс, Рихтер получил специальность художника декораций и стал работать подмастерьем у мастера-оформителя, а позже, со второго раза, поступил в Дрезденскую академию изящных искусств.

В конце 1950-х у Рихтера начинается творческая карьера. Под влиянием абстракциониста Карла Отто Геца и других художников, он начинает писать картины в новом стиле.

Художник создает так называемые имитации фотографий. Суть его метода заключалась в том, чтобы совместись живопись и фотоснимок. Он проецировал на холст фотоизображение, а потом размывал их кистью или шваброй.

Также он создавал монохромные и цветные серии видом природы, а затем создал цикл портретов известных личностей.

В 1980-х Рихтер продолжал работать в абстрактном стиле, параллельно создавая реалистичные портреты своей семьи. Работал над витражом римско-католического собора.

Рихтер был три раза женат, последняя его жена помогает ему в творчестве, занимаясь организацией выставок.

В поздние годы Рихтер не отказался от творчества, продолжая работать. А несколько лет назад был консультантом на съемках фильма о нем – «Работа без авторства».

Абстрактное полотно (809-1), 1994 годТигр, 1965 годБэтти, 1977 год

Хелен Франкенталер

Годы жизни: 12 декабря 1928 – 27 декабря 2011 (83 года)

Американская художница еврейского происхождения.

Родилась в семье судьи, изучала живопись в 1945-50х годах в художественных школах Нью-Йорка.

На ее стиль очень большое влияние оказали работы Джексона Поллока, с которым они вместе участвовали в «Движении за абстрактное искусство».

Хелен также раскладывала холсты на полу своей мастерской, разбрызгивая краску. Но несмотря на влияние Поллока, художница выработала свою манеру письма: холст она использовала без грунтовки, а краску разводила до такой степени, что она сразу впитывалась в холст. Также она использовала губку, чтобы втирать краску в холст.

В 1960-е Хелен работала над огромными полотнами до 3 метров высотой, также без грунтовки, сочетая различные цвета. Она работала в стиле цветового поля, который представлял собой разновидность абстрактной живописи.

Художники цветового поля использовали огромные плоскости, заполняя их однородными цветами, близких по тональности. Своей живописью Хелен Франкенталер оказала влияние на молодых художников современности.

Mauve district 1966Acres 1959FREE WHEELING

Хуан Миро

Испания

Годы жизни: 20 апреля 1893 – 25 декабря 1983 (90 лет)

Испанский художник и скульптор, работавший в стиле абстракционизма и сюрреализма.

Он считал, что реализм – это «убийца живописи», поэтому творил в своей особенной экспрессивной манере.

Родился будущий художник в Барселоне, в семье ювелира. Когда Хуан подрос, он не пошел по стопам отца, а поступил в школу искусств.

В 1918 году Миро представил свои первые работы на персональной выставке. Картины были отражением его вдохновения такими художниками, как Винсент Ван Гог и Поль Сезанн. Но, как это часто бывает, критики не приняли горячо его картины.

Художник не бросил живопись, а через несколько уже в Париже открыл еще одну выставку, которая как раз таки имела большой успех.

В 1924 году Миро присоединяется к сюрреалистам, работает над коллажами.

В 1959 году представляет Испанию вместе с Сальвадором Дали на выставке «Посвящение сюрреализму». Там он представляет свои скульптуры.

Для Центра международной торговли в Нью-Йорке он создал совместно с другим художником гобелен, который был утерян после событий 11 сентября 2001 года.

Самой известной его абстрактной работой считается Триптих Голубой I, II, III который состоит из трех полотен размером 355х270 см.

Картины представляют собой простые линии и фигуры на характерном голубом фоне.

Триптих Голубой, 1961 годЖенщина в ночи, 1973 годКомпозиция, 1927 годЖенщина и птица, 1983 год,
Барселона, высота скульптуры 22 метра

Франтишек Купка

Чехия

Годы жизни: 23 сентября 1871 – 24 июня 1957 (85 лет)

Чешский график и живописец. Купка учился в Академии художеств в Праге и в Вене, а также в Академии изящных искусств в Париже.

Его стиль эволюционировал от модерна к абстракции. Был представителем орфизма. Создавал иллюстрации и сатирические рисунки.

Помимо орфистов, Купка в то или иное время присоединялся к символистам, кубистам, но долго нигде не задерживался, предпочитая оставаться в стороне и работая над собственным стилем.

В 1936 году его работы участвовали в выставке «Кубизм и абстрактное искусство» в Нью-Йорке.

В начале 1950-х годов, то есть относительно незадолго до своей смерти, Купка получает широкое признание и продолжает выставлять свои работы.

Желтые вертикали, 1913 год, стиль модернИндусский мотив, 1919 год, стиль модернПервый шаг, 1909 год, стиль абстракционизм

Таким образом, мы прошлись по творчеству абстракционистов, посмотрели картины известных художников этого стиля. Расскажите в комментариях, чьи работы вам больше всего понравились из них!

Русские художники-абстракционисты начала xx века

МИНОБРНАУКИ РОССИИ

ГОСУДАРСТВЕННОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО  ОБРАЗОВАНИЯ

БАШКИРСКИЙ  ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ 

ИМ. М. АКМУЛЛЫ

 

 

Художественно-графический  факультет

Кафедра изобразительного искусства

Специальность «Изобразительное искусство»

Очная форма обучения

Курс V, 51 гр.

 

 

ЧИЛЯЕВА ЕВГЕНИЯ ИГОРЕВНА

РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ-АБСТРАКЦИОНИСТЫ  начала XX века

                       КУРСОВАЯ РАБОТА ПО ИСТОРИИ  ИСКУССТВА

 

 

 

 

Научный руководитель:

к. иск., доцент Масленникова Т. А.

 

 

 

Дата защиты «_____»____________2012 г.

Оценка: _______ (____________________)

Подпись научного руководителя: _______

 

 

УФА 2012

 

    Содержание:

Введение.

1.Глава. Абстракционизм в русском  искусстве.

   1.1.Историческая  обстановка. Предпосылки.

   1.2.Особеости русского абстракционизма.

2.Глава. Русские художники-абстракционисты.

   2.1. Авангардные работы М. Ларионова и Н. Гончаровой.

   2.2.Абстрактные работы  В. Кандинского и К. Малевича.

Заключение.

Список использованной литературы.

Приложение.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

          

 

 

          ВВЕДЕНИЕ

 

Актуальность  темы исследования. Абстрактное искусство — историческое художественное явление, сохраняющее заметное место в творческом поиске многих мастеров современного искусства, работающих в различных техниках и видах искусства, включая компьютерную графику. Художественные приемы, созданные мастерами абстрактной живописи, оказались чрезвычайно интересными и плодотворными для современной художественной культуры. Сегодня эти методы активно используются в декоративно-прикладном искусстве, дизайне, фотографии.

В целом же можно сказать, что абстрактное искусство явилось одним из явлений, наиболее открытых важнейшим для нашего времени процессам художественного мышления — универсализации и интеграции.

Таким образом, актуальность исследования определяется необходимостью целостного научного, искусствоведческого осмысления абстрактного искусства.

История изучения. Свои исследования в области русского авангарда вёл видный искусствовед Г.Г Поспелов. В своих трудах он разбирал Историю возникновения и философию Авангардистской группы «Бубновый валет», описал подробнейшую историю их появления, вплоть до истории возникновения названия «Бубновый валет», и их вклад в развитие авангарда в общем в России в начале 20 века.

Также он провёл сравнительный анализ творчества М.Ларионова и П. Пикассо, влияние работ Пикассо на работы Ларионова.

В.С.Турчин  в своей  книге «По лабиринтам авангарда» описывает общую историю авангарда, начиная от зарождения данного направления , разбирает феномен авангардистского искусства, предпосылки появления,  обозначает основные тенденции, группировки и отдельных художников и тенденции развития в наше время и в ближайшем будущем.

 Основные исследования Д.В.Сарабьянова .посвящены истории русского изобразительного искусства XIX—XX вв., занимался также различными аспектами истории зарубежного искусства конца XIX — начала XX вв., взаимовлияния живописи и литературы, взаимодействия русского искусства с западноевропейским. Д.В.Сарабьянов является крупным специалистом в области проблем внутренней традиции в русском искусстве, своеобразия стиля модерн и русского авангарда. В некоторых работах рассматриваются теоретические проблемы искусствоведения (в том числе на примере творчества современных художников).

Также стоит заметить публикации Г.Ю.Стернина, а именно «Русская художественная культура второй половины Х1Х – начала ХХ века» (Исследования. Очерки) , «Русский модерн» (в соавторстве с Е.А.Борисовой) и «От модерна до авангарда», где автор чётко проводит линию развития авангардного искусства, особенно подробно описывая исторические предпосылки его появления.

 

 

Цель исследования. Историко-художественное осмысление абстрактного искусства как одной из центральных художественных идей и творческого метода в русском искусстве начала XX века.

Задачи:

1. Изучить искусствоведческую  литературу по теме исследования;
2. Изучить значение и роль абстракционизма в общей картине развития русского искусства начала XX века;
3. Определение концепций художников-авангардистов и анализ их работ.

          Объект исследования. Русское абстрактное искусство XX века

Предмет исследования. Абстрактный метод как феномен художественной культуры XX века

           Методы исследования. Анализ, синтез, систематизация, метод образно-стилистического анализа произведений изобразительного искусства с целью выявления и теоретического обоснования основных тенденций в абстрактном искусстве XX века и сравнительный метод, позволяющий метод выявляющий и анализирующий основные модификации развития абстрактного искусства XX века.

Структура работы: обусловлена целью и задачами исследования.

Работа состоит из введения, двух глав, заключения, списка использованной литературы и приложения.

 

   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1.Глава. Абстракционизм  в русском искусстве.

 

1.1.Историческая обстановка. Предпосылки.

 

         В первую очередь необходимо сказать, что все кризисные явления начала XX столетия берут свое начало в недовольстве народных масс, которые стремились к новой жизни и выступали за преобразования в стране. Необходимость реформирования понимали и политические деятели. Россия остро нуждалась в преобразовании, но не получила удовлетворения своих нужд своевременно. Николаю II идеи реформирования не были близки и он не спешил претворять их в жизнь, не замечая напряженной обстановки в стране и тем самым еще больше накаляя ее. Первая русская революция, ставшая ярким показателем необходимости реформ, так и не стала для императора той ступенью, которая могла бы направить страну на путь преобразования и развития.

          Период Первой мировой войны еще более усугубил и без того сложную остановку в России. Вступление императора на должность главнокомандующего в условиях войны было бесполезным шагом, так как Николай не обладал даром командования войсками, и этот шаг был простой формальностью, которая, тем не менее, не принесла никаких положительных результатов. Проведенная военная реформа безусловно улучшила положение России, но не была единственным условием готовности к войне и победы в ней. Император, вступая в войну, не смог понять главного — Россия была не готова к этой войне. Во внутренней политике Николай II приостанавливает проведение реформ, так как считает что реформирование страны в условиях военного времени — это безумие. Ситуация внутри страны продолжает накаляться и вместе с тяжелым положением во внешней политике ставит Россию в положение тяжелейшего кризиса, который остается без должного внимания императора.

       Данная революционная ситуация оказала большое влияние на развитие авангардного искусства в России.   В силу своей бунтарской природы авангардизм оказался созвучен социальному взрыву. Художники — авангардисты предложили новой власти свое искусство. Это время характеризуется поиском художественного стиля эпохи, нового языка и новых форм. С другой стороны, в результате кровопролитных войн и революций, общая духовная атмосфера первой половины 20 века носила апокалипсический характер. Отсюда использование приемов алогизма, иронии, карнавальности, абсурда в творчестве. Эта тенденция нашла свое проявление в сюрреализме, дадаизме, экспрессионизме.

         Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном. В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса.

Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

Также, предпосылками  возникновения авангардистских течений в искусстве можно считать всеобщую тенденцию к переосмыслению общеевропейских культурных ценностей. Последняя треть XIX века охарактеризовалась появлением новых философских работ, переосмысляющих моральные и культурные аспекты цивилизации.

Кроме того, развитие научно-технического прогресса только подтолкнуло человечество к смене восприятия ценностей цивилизации, места человека в природе и обществе, эстетических и морально-этических ценностей.

       Многие  новые явления в эстетическом  мироощущении общества свидетельствовали  о нарастающей оппозиции машинизированной  цивилизации. Эта тенденция связана  с утверждением  самоценности и самодостаточности эстетических переживаний, приоритета чувственного отражения над способностью рационального познания. Это привело к возникновению имеющих общую основу течений, таких как фовизм, психологический абстракционизм, экспрессионизм, орфизм и др. Цвет начинает безраздельно господствовать в живописи, выражая самые тонкие нюансы человеческой души, неуловимые реалистическими средствами. Новые формы искусства, виды социальных практик, способы философского самовыражения, научные теории, нравственные каноны, правила общественной морали – все области в жизни человека затронуло новое особое ощущение – ощущение абсурда. Человек увидел, как пространство мира распадается. Мир не поддавался напору разума, уходил из-под ног, и человек понял, что его мысли о могуществе – это иллюзия.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2.2.Особенности  русского абстракционизма.

          К середине 1910-х роль авангарда в искусстве переходит к России. С этого времени все самое смелое, новаторское создается в России или выходцами из России. Еще за несколько лет до этого ничто в русском искусстве не предвещало столь резкого поворота: в конце 19 – начале 20 вв. русская официальная живопись оставалась в академических рамках. Вероятно, поэтому творчество традиционных по западным меркам художников – Борисова-Мусатова, Серова, Коровина – рассматривается как новаторское. Первым шагом к эмансипации русского зрителя было знакомство с техническим мастерством, виртуозностью (качество, не характерное для русского искусства) таких художников, как А.Цорн и М.Фортуни.

       При этом заслуживают внимания два момента: первый – это то, что образ простого человека (народ), к этому времени на Западе приобретающий все больше черты просто человека, становится абсолютным смысловым центром русского искусства и литературы и тема эта достигает здесь такого накала, какого никогда не знал Запад; второй – это обостряющийся до предела интерес к инновациям в западном искусстве.

       Общим для русского авангарда был радикальный отказ от культурного наследия, полное отрицание преемственности в художественном творчестве и сочетание деструктивного и созидательного начал: духа нигилизма и революционной агрессии с творческой энергией, направленной на создание принципиально нового в искусстве и в иных сферах жизни.

       На разных этапах эти новаторские явления в русском искусстве обозначались терминами «модернизм», «новое искусство», «футуризм», «кубофутуризм», «левое искусство» и др.

       Культурно-исторические рамки русского авангарда отмечены завершением предшествующего и появлением нового направления: его становление совпадает с концом эпохи «последнего Большого стиля» – стиля модерн (во Франции – ар-нуво, в Германии – югендстиль, в Австрии – сецессион и т.д.), завершение – с утверждением в нашей стране «единственно правильной концепции искусства» – социалистического реализма. Однако, если взглянуть на это явление в широком контексте истории европейской художественной культуры, то можно увидеть, что перемены, начавшиеся здесь на рубеже XIX–XX вв., определяют все дальнейшее развитие искусства вплоть до современных форм художественного творчества.

         Г.Розенберг, считал, что термины абстрактный экспрессионизм и action painting являются синонимами и могут на равных использоваться для характеристики нового направления. Но, как представляется, это не совсем так: action painting –– лишь одна из ветвей абстрактного экспрессионизма. Существует и другая ветвь, которую называют живописью внутренней необходимости. Одним из её главных представителей был Василий Кандинский.

Живопись внутренней необходимости и живопись-действие существенно отличаются друг от друга. Объединяют их два момента: 1) абстрактность изображения; 2) ссылка на бессознательное как на источник живописных образов. Отличия же более существенны. В живописи внутренней необходимости огромную роль играли поиски духовного начала. По крайней мере, таким было кредо ее основателя В.Кандинского. «Живопись –– это язык, который формами, лишь ему одному свойственными, говорит нашей душе о ее хлебе насущном…» –– писал Кандинский. Основной принцип своей живописи –– принцип внутренней необходимости –– сам Кандинский характеризовал как «принцип целесообразного прикосновения к человеческой душе». Представители живописи-действия о таких поисках не упоминали.

Между медиумами: художники-абстракционисты ХХ века

В дополнение к известным художникам, таким как Виллем де Кунинг и Хелен Франкенталер, распродажа Christie’s «От послевоенного до настоящего времени» проливает свет на малоизвестных художников-абстракционистов 20-го века.

В своем эссе «Модернистское искусство » 1961 года критик Клемент Гринберг утверждает, что живопись должна быть «чистой» деятельностью, что ее смысл должен исходить из границ холста, отвергая эмоциональное выражение, иллюзионизм и «любое пространство, в котором могут обитать узнаваемые объекты.» Модернистская, или абстрактная, живопись 20-го века должна была, по его словам, отделиться от других сред и методов, обнажая себя до самой сути: краски на холсте, материальности и текстуры.

29 сентября на аукционе Christie’s «После войны до настоящего времени» будут представлены символические художники-абстракционисты 20-го века — от таких художников, как Виллем де Кунинг и Хелен Франкенталер, которые, будучи частью плодотворного поколения, создавшего мир в рамках холста , широко выставлялись по всему миру для таких художников, как Стэнли Уитни, Фрэнк Боулинг и Линда Бенглис, чей ключевой вклад в развитие жанра недавно снова оказался в центре внимания и теперь получает более широкое признание.

Виллем де Кунинг (1904-1997), Без названия (Серия Монтаук) , 1969. Бумага, наложенная на холст, масло и малярный скотч. 30 ¾ x 22 ⅜ дюйма (78,1 x 56,8 см). Эстимейт: $150 000–200 000. Предлагается в послевоенное время для презентации 29 сентября на Christie’s в Нью-Йорке.

Уитни родился в Филадельфии в 1946 году, переехал в Нью-Йорк в 1968 году и начал оттачивать свой абстрактный визуальный язык. Его склонность к истинной абстракции и его ранние эксперименты с блокировкой цвета отличали его работы от других более политических и теоретических художников в городе, которые больше интересовались темами расовой и культурной идентичности.

Стиль, который он использует в Midnight Hour , обязан высокой оценке художников цветового поля и минимализма, но на самом деле он был разработан в 1990-х годах после того, как он провел время в Италии и Египте. Как он сказал в интервью Грегуару Любино в 2018 году: «Когда я поехал в Египет, я понял, что могу собрать все цвета вместе и не потерять воздух: я понял, что пространство было в цвете. Именно тогда я начал делать свои зрелые картины. 1993, 1994. Я был там и такой: «Понял!» Плотность была последней частью головоломки».

Эта плотность не просто заполняла пространство. Речь шла о том, чтобы оценить вес, воздушность цвета как такового и увидеть, как это изменило поток воздуха по всему произведению. «Как можно создать пространство в цвете на сетке?» — спросила Уитни, когда ее спросили о происхождении этого стиля. «Как я мог положить два цвета так близко друг к другу и не заманить их в ловушку, а позволить холсту дышать?» 60 ⅛ x 60 ⅛ дюйма (152,7 x 152,7 см). Эстимейт: 400 000–600 000 долларов. Предложено в послевоенное время представить 29Сентябрь на Christie’s в Нью-Йорке

Он поделится с другими художниками своей любовью к альтернативному восприятию цвета. Уитни в своих «зрелых картинах», как он их называет, больше всего интересовался этим взаимодействием между плотностью и потоком воздуха — «пространство в цвете, а не цвет в пространстве». Государства использовали геометрические, сетчатые композиции по-другому. Вместо того, чтобы изучать их массу, он исследовал, как они напрямую взаимодействуют на холсте.

Студент, а затем преподаватель Баухауза, Альберс был вынужден покинуть Германию после того, как давление со стороны нацистской партии потребовало закрытия школы в 1933 году. Он нашел должность преподавателя в Соединенных Штатах, в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине. , что дало ему свободу продолжать свою работу и донести свою художественную философию до новой группы студентов.

Когда он начал преподавать в Йельском университете в 1950 году, он начал работать над серией картин, которые поглотят следующие 26 лет его жизни: Посвящение площади . На протяжении сотен итераций, в которых художник вкладывал три или четыре квадрата, он исследовал цвет и его возможности для передачи субъективного опыта в рамках жестких геометрических ограничений. Три работы, представленные на этой распродаже — «Бутонизация», «Весна » и «Возвращение домой » — были созданы между 1958 и 1962 годами, когда он хорошо изучал форму.

Он сказал о серии в 1965 году: «Все они разной палитры, а значит, так сказать, разного климата. Выбор используемых цветов, а также их порядок направлены на взаимодействие — влияние и изменение друг друга вперед и назад».

В своей геометрической абстракции Альберс нашел свободу исследовать эмоциональную жизнь цветов через ряд ограничений. Разделив свой холст на ряд квадратов, он мог лучше всего понять и раскрыть их отношения друг к другу. Более поздние художники подходили к этому по-другому, рассматривая форму и текстуру как необходимый путь исследования в тандеме с цветом.

Работая в основном в скульптуре, Линда Бенглис использовала пчелиный воск, прежде чем перейти к латексу, полиуретану, сусальному золоту и алюминию в 1970-е годы. Ее драматический выход на сцену Нью-Йорка был отмечен физической природой ее среды и тем, как она использовала ее, чтобы противостоять идеям репрезентации в мире искусства.

Линда Бенглис (р. 1941), Без названия , 1969-70. Пенополиуретан пигментированный. 2 ¼ x 46 x 29 дюймов (5,7 x 116,8 x 73,7 см). Эстимейт: $80 000–120 000. Предлагается в послевоенное время для презентации 29 сентября на Christie’s в Нью-Йорке.

Ее работы с использованием фосфоресцентного пигмента, мелкоячеистой сетки и эффектов краски в стиле Поллока были очень многообещающими и открытыми, что резко контрастировало с минимализмом той эпохи, в котором доминировали мужчины. Например, Untitled 1970 года, многоцветная пенополиуретановая заливка, одновременно карамельная и экскрементальная. Его композиция напрямую отражает творческий процесс Бенглис: используя бумажные ведра, наполненные полиуретановой пеной, она пожертвовала чувством контроля, позволив среде действовать по собственной воле, а не пытаясь приручить ее.

Работой Бенглиса долгое время пренебрегали, многие считали ее слишком заряженной или отвергали из-за ее чувственного подтекста. Однако с 2009 года началось возрождение ее творчества: музеи по всему миру — совсем недавно Центр скульптуры Нашера в Далласе, штат Техас, в 2022 году — искали ее работы для ретроспективных выставок.

Работая непосредственно с границами самого холста, американский художник Сэм Гиллиам начал работать над серией «драп» в 1970-х годах. Эти раскрашенные полотна без подрамников были подвешены к стенам или потолкам галерей, что придавало более тактильное ощущение обычно двумерной среде.

Сэм Гиллиам (1933-2022), Идиллии I , 1970. Акрил, краска металлик, мелок и синтетический трос на ненатянутом холсте. Установочные размеры варьируются: 76 x 61 дюйм (193 х 154,9 см). Эстимейт: $600 000–800 000. Предлагается в послевоенное время для презентации 29 сентября на Christie’s в Нью-Йорке.

Сделанные афроамериканским художником, работавшим в столице страны в разгар движения за гражданские права, эксперименты Гиллиама были больше, чем эстетическим предложением или критикой: его «драпировки» были способом переопределить роль искусства в обществе. претерпевает кардинальные изменения.

Гиллиам был вдохновлен джазовыми музыкантами, такими как Джон Колтрейн. Он сказал The Art Newspaper в 2018 году, «композиция всегда присутствует, но нужно отпустить ситуацию, быть открытым для импровизации, спонтанности, того, что происходит в пространстве, пока ты работаешь». проявляет интерес к художникам цветового поля, а также к лирической абстракции конца 1960-х.

В то время как Гиллиам продолжал развивать свою практику, гайано-британский художник Фрэнк Боулинг завоевывает признание в Нью-Йорке. Он приехал в город в конце 60-х после завершения обучения в Королевском колледже искусств в Лондоне, где по окончании учебы получил серебряную медаль — золото досталось его однокурснику Дэвиду Хокни.

На его персональной выставке в Уитни в 1971 году, а также на его выступлении на биеннале Уитни в 1972 году критики отметили различия между ним и другими британскими художниками в Штатах, которые преимущественно занимались поп-артом. Напротив, Боулинг использовал двойной подход к фигуративной живописи в стиле Бэкона, которой он глубоко восхищался, и к абстракции, акцентированной личными эмоциями. В Нью-Йорке он познакомился с Клементом Гринбергом, который стал близким другом и вдохновил его на дальнейшее изучение абстрактного искусства.

Фрэнк Боулинг (р. 1934), Barnica Flats VII , 1979. Холст, акрил, коллаж. 26 ⅝ x 70 ⅝ дюйма (67,6 x 177,8 см). Эстимейт: 200 000–300 000 долларов. Предлагается в послевоенное время для презентации 29 сентября на Christie’s в Нью-Йорке.

Barnica Flats VII , названный в честь прибрежного города Гайаны, где он родился, является одной из более поздних картин Боулинга. В отличие от некоторых заливных картин, которые он начал рисовать примерно в 1973 году, эта не была сделана путем заливки слоев предварительно смешанной контрастной краски. Вместо этого он больше работает с поверхностью, используя краски схожих оттенков и нанося их с помощью различных техник, таких как заливка, капание и разбрызгивание. В соответствии с теорией абстракции Гринберга, Боулинг делает акцент на визуальных аспектах произведения искусства, а не на его повествовательном содержании, но он также демонстрирует абсолютный контроль над кажущейся случайностью, которой поддается его процесс — процесс, который он изучал на протяжении 19 века. 70-е годы. Эта картина показывает его утонченный процесс через способность уравновешивать преднамеренные композиционные подходы со случайными жестами, вызванными движением краски.

Боулинг был непосредственно вдохновлен Гринбергом, но историческое развитие абстракции в 20-м веке лишь иногда соответствовало этой теории искусства. Чаще всего художники, искренне стремящиеся узнать о своем собственном процессе, шли дальше, чем просто изучение внутренней и внешней части холста. Самые радикальные подходы исходили от художников, которые стирали или даже растворяли границы между медиумами, таких как Линда Бенглис и Сэм Гиллиам.

Зарегистрируйтесь сегодня

Онлайн-журнал Christie’s еженедельно доставляет вам наши лучшие статьи, видео и новости аукционов на ваш почтовый ящик

Подписаться

Когда мы думаем об абстракции, часто наше внимание приводит нас к устоявшимся названиям жанра. Такие художники, как де Кунинг, Джексон Поллок и Марк Ротко, знатоки цвета и формы, вдохновляли последующие поколения художников. Они служили источником вдохновения для своих сверстников, тех, кто участвовал в выставках Девятой улицы и был ключевыми участниками сцены Гринвич-Виллидж в середине 20-го века. Неотделимые от истории американского искусства и сыгравшие важную роль в развитии модернистской абстракции, другие художники, такие как Боулинг, Гиллиам и Бенглис, по-прежнему могут рассказать свою историю.

американских художников-абстракционистов (AAA) | Тейт

Художественный термин

American Abstract Artists (AAA) — организация, основанная в 1936 году для популяризации абстрактного искусства в США.

Йозеф Альберс
Круг (1933)
Тейт

© 2023 Фонд Джозефа и Анни Альберс/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк/DACS, Лондон

ААА провела свою первую ежегодную выставку в апреле 1937 года.