Художники абстракционисты: Известные русские художники-абстракционисты и их картины — «Лермонтов»

Известные русские художники-абстракционисты и их картины — «Лермонтов»

Самые известные русские художники-абстракционисты
Самые дорогие картины известных русских художников в стиле абстракционизма
Самые известные абстрактные картины русских художников

Так как всяческие каноны и нормы сдерживают развитие живописи, рано или поздно появляются смельчаки, идущие против них. Одними из таких решительных художников стали абстракционисты. Им было непросто шокировать публику кубическими формами, цветовыми пятнами или полным отсутствием формы и цвета. Они вынуждены были скрываться и переезжать на новые места, когда начались преследования за так называемое дегенеративное искусство, но остановить новый способ выражения себя в живописи уже было невозможно. В этой статье мы рассмотрим самых известных русских художников-абстракционистов и их знаменитые картины с точки зрения популярности и продаж на аукционах.

Самые известные русские художники-абстракционисты

У истоков русского абстракционизма стоит Василий Кандинский.

Как и большинство русских художников, он находился в постоянном поиске себя, изучал труды иностранных мастеров и увлекался новыми стилями. В этом бесконечном поиске он хотел найти ответ на вопрос, как можно в живописи уйти от формы. И внезапно он нашел этот ответ в собственной мастерской. Погрузившись в очередные размышления, он вдруг заметил какую-то странную картину, на которой ничего не было понятно, но ее красочность вызвала у него глубокие переживания. Тут художник понял, что смотрит на собственное полотно, повернутое на бок. Это озарение и легло в дальнейшем в его три формы абстракции: композицию, импровизацию и импрессию.

В 1910 году в Германии он создал свою первую абстрактную картину, которая под таким названием и известна. В дальнейшем аналогичные работы художник называл композициями с разными номерами.

В. Кандинский. Первая абстрактная картина (акварель). 1910 г.

В. Кандинский. «Композиция VI». 1913 г.

К пионерам русского абстракционизма относится и известный художник Казимир Малевич, который удивил мир своим черным квадратом.

Живописец пробовал себя в разных стилях, не хотел мириться с навязываемыми канонами и в конечном итоге в 1915 году пришел к теории супрематизма. Эта теория стала центральной для русского авангарда и выражалась в комбинировании простых геометрических фигур. Внешне казалось, что это обычные фигуры на плоскости, например квадраты, круги, прямоугольники. Они изображались по отдельности или собирались в композицию. Однако при детальном рассмотрении картин зритель мог наблюдать сложный переход одного тона в другой в каждой фигуре. Малевич использовал собственные приемы наложения одних тонов на другие, по которым его работы легко отличить от подделок. С помощью этих тонов создавалось впечатление движения внутри фигур, что уводило зрителя от необходимости традиционно оценивать картину.

К. Малевич. «Супрематизм». 1915-1916 гг.

У Казимира Малевича было много учеников, которые прониклись идеями супрематизма и развивали его в дальнейшем. Это Николай Суетин, Илья Чашник, Любовь Попова, Лев Юдин и многие другие.

Одним из самых преданных его учеников был Илья Чашник. Молодой художник прожил всего 26 лет, но за эти годы успел создать множество прикладных проектов, благодаря которым супрематические картины стали появляться на фарфоре, тканях, обложках книг и других практичных вещах. Он же активно развивал космический супрематизм и динамизм. Первый из них выражался в том, что геометрические фигуры наделялись космическим смыслом (вертикальный прямоугольник обозначал движение в космос, горизонтальный — Землю).

И.Г. Чашник. Композиция с красной полосой

Ученица Малевича Любовь Попова использовала свое видение — она заполняла полотна разнообразными фигурами и таким образом создала серию работ из цикла «Живописная архитектоника».

Л.С. Попова. Живописная архитектоника в оранжевом

В одном ряду с Кандинским и Малевичем стоит и Марк Ротко — художник, который возглавляет рейтинг самых дорогих русских живописцев за последние двадцать лет. Ротко из всех геометрических фигур выбрал только одну — прямоугольник, называемый им цветовым полем.

Такие цветовые поля изображались по размерам больше человеческого роста, чтобы оказать наибольшее влияние на зрителя. При создании цветовых полей Ротко использовал уникальный стиль: наносил десятки слоев самодельных красок, особенным образом оформляя края. В выставочных залах картины ставились без рам и использовалось специальное освещение, чтобы ничто не отвлекало зрителя от эмоций. Именно сильные эмоции самого художника и зрителя были той целью, ради которой он писал картины. И ему это сполна удавалось, так как зрители могли засмеяться или даже заплакать при созерцании его работ.

М. Ротко. «№10». 1958 г.

Идеи абстракционистов повлияли на Михаила Ларионова и Наталью Гончарову, которые также интересовались созданием новых форм. В 1912 году Ларионов пришел к идее лучизма, согласно которому формы получались путем пересечения лучей, отраженных от разных поверхностей. Идеей вдохновилась и его супруга Наталья Гончарова, которая не просто создала ряд картин в стиле лучизма, но оставалась приверженцем русского быта, русского народа.

Проникнувшись теорией Ларионова под названием всёчество (любой стиль признавался подходящим для творчества художника), она использовала самые разные стили, но неизменно выражала это через любовь к русскому народу.

Н. Гончарова. Портрет М. Ларионова. 1913 г.

Не менее известен художник Никола де Сталь, в творчестве которого наблюдались периоды чистой абстракции и так называемой предметной абстракции. Если вначале художник изображал полотна, в которых невозможно определить какой-то сюжет, то постепенно абстракции стали опредмечиваться, то есть в них можно узнать конкретные предметы. Например, это работы «Крыши Парижа», «Цветы» или «Футбольный матч». В последней работе легко различить фигуры бегущих по полю футболистов, но в то же время картина остается абстрактной — состоит из отдельных фигур и модулей, соединить которые в знакомый сюжет помогает лишь название картины и наше воображение.

Никола де Сталь. «Футбольный матч».

Если многие абстракционисты отказывались от размышлений над картиной и рисовали интуитивно, то Павел Филонов, напротив, считал необходимым тщательное размышление в процессе создания каждой картины. Такой подход он назвал аналитическим искусством и провозгласил так называемую сделанность, то есть максимальную работу художника над каждой ячейкой картины. В некоторых его картинах холст заполнен настолько, что не остается ни одного свободного кусочка.

П.Н. Филонов. «Формула весны». 1928-1929 гг.

Эффект максимального заполнения картины цветовыми ячейками встречается и у Евгения Чубарова. В своих работах он концентрировался на энергии, исходящей из полотна. Заметим, что прославился художник именно благодаря своим абстрактным работам, которые сегодня высоко ценятся на аукционах.

Е.И. Чубаров. Холст без названия. 1994 г.

Если Малевич использовал в качестве базовых элементов картины простые геометрические фигуры вроде круга и квадрата, то у Антуана Певзнера был целый алфавит из цилиндров и конусов. Он собирал их в причудливые группы, что рождало на свет новые необычные картины. Позже Певзнер изобрел кинетическое искусство, смысл которого заключался в том, что любая композиция должна жить (вращаться, двигаться).

Это привело к появлению разнообразных объемных конструкций, которые с помощью разных механизмов закручивались, сворачивались, вращались или двигались как-то иначе.

А. Певзнер. «Два конуса в одной плоскости». 1936 г.

Самые дорогие картины известных русских художников в стиле абстракционизма

Посмотрим, насколько высоко оценивается сегодня беспредметное искусство русских художников на международных аукционах. Для этого рассмотрим несколько самых дорогих продаж за период с 2000 по 2020 годы.

Хотя далеко не каждый человек воспринимает абстрактную картину как нечто ценное в искусстве, тройку лидеров по продажам заняли именно работы абстракционистов. Самой дорогой картиной русских художников, ушедшей с торгов за последние двадцать лет, стала работа Марка Ротко «Оранжевый, красный, желтый». Это холст внушительных размеров более двух метров в высоту и ширину, созданный мастером в 1961 году. Картины этой серии художник писал с целью пережить глубокие эмоции при их создании и вызвать такие же переживания у зрителей.

Надо сказать, что своей цели он достигал сполна, возможно, поэтому его полотна сегодня столь высоко ценятся. Работа была представлена в торговом доме Christieʼs в 2012 году и ушла с молотка за 87 миллионов долларов.

М. Ротко. «Оранжевый, красный, желтый». 236×206. 1961 г.

Второй по стоимости ухода является «Супрематическая композиция» Казимира Малевича. Интересно, что мы могли никогда не увидеть эту работу, так как общество не всегда готово принимать такие вещи. Автор возил ее на выставку в Германию, где картина застряла и могла быть уничтожена представителями нацистского режима. Как известно, последние абстракционизм не признавали и отнесли его к так называемому дегенеративному искусству. Тем не менее, картину удалось спасти в музее, а позже она попала в руки наследников и за последние десятилетия уже дважды появлялась на аукционах. В 2008 году она ушла с торгов на Sothebyʼs за 60 млн долларов, еще через десять лет ее выставили на торгах Christieʼs и продали за 85,8 млн долларов.

К. Малевич. Супрематическая композиция. 1916 г.

Замыкает тройку еще одна абстрактная работа — «Картина с белыми линиями» Василия Кандинского. Эту картину художник создал в Мюнхене в 1913 году, который стал фактически революционным в искусстве. Именно в этом году в Нью-Йорке прошла Арсенальная выставка, организованная с целью преодоления косных требований традиционной школы. На выставке были в том числе представлены абстрактные работы, вызвавшие большой общественный резонанс. Именно в этом году Кандинский написал свою известную серию абстрактных полотен, признанных одной из самых значительных в искусстве ХХ века. Наиболее важной работой этой серии является «Картина с белыми линиями». Вполне ожидаемо, что при попадании такой масштабной работы на аукцион, она имела большой успех и была продана на Sotheby’s в 2017 году за 41,8 млн долларов.

В. Кандинский. «Картина с белыми линиями». 1913 г.

Из других уходов известных абстракционистов отметим такие. Картина «Стадион “Парк де Пренс”» Никола де Сталя продана за 22 млн долларов, картина «Цветы» Натальи Гончаровой ушла за 10,9 млн долларов, а работу Spherical suprematism Ивана Клюна продали за 6,2 млн долларов. Это примеры самых крупных продаж, помимо которых есть множество уходов по меньшим ценам.

Самые известные абстрактные картины русских художников

Начнем с культовой работы, о которой наслышан каждый. Это картина «Черный квадрат» Казимира Малевича, созданная автором в 1915 году. Это произведение произвело настоящий переворот в сознании художников и зрителей, поэтому его называют и нулевой точкой живописи, и образцом новой формы живописи, и символом всей живописи в целом. Политики полагали, что черным квадратом живописец отрекается от буржуазного строя России и называли его народным художником, а противники высмеивали и называли невеждой, который просто не умеет рисовать (Малевича дважды не приняли в Московское училище живописи). Так или иначе, но автор «Черного квадрата» сегодня входит с список самых дорогих русских художников, картины которых уходят с аукционов за десятки миллионов долларов.

К. Малевич. «Чёрный супрематический квадрат». 1915 г.

Следующее известное творение принадлежит Кандинскому. Как мы писали выше, 1913 год стал революционным в плане рождения нового искусства. Именно в этом году Кандинский создал картину, которая считается вершиной его творчества. Это «Композиция VII», созданная после работы «Композиция VI». Скептики считают, что такую картину можно нарисовать за двадцать минут, не особенно стараясь. Однако в картине не просто был филигранно вырисован каждый ее участок, автор создал три десятка эскизов, прежде чем приступил к воплощению своего видения и ощущений на холсте. По словам самого Кандинского, картина имеет самую сложную структуру, которую ему когда-либо приходилось создавать.

Работу он написал в библейском ключе. Если «Композиция VI» была посвящена Всемирному потопу, то в следующей версии к этой тематике добавились другие. Так, автор рассуждал на тему райского сада, Судного дня и других религиозных понятий, пытаясь объединить эти темы в одной картине. Он неспроста выбрал цветовые пятна и линии вместо знакомых образов, так как именно они наилучшим образом демонстрировали стихию жизни. Душа находится в некоем круговороте, который словно воронка затягивает в себя любые формы, разбегающиеся по всему полотну многочисленными метаморфозами. При столкновении последние объединяются или разбиваются друг от друга, создавая новое движение.

В. Кандинский. «Композиция VII». 1913 г.

Недоумевать зрителей заставляет не только «Черный квадрат» Малевича, но и картины Марка Ротко, расположенные в часовне Rothko Chapel. Основатели часовни поручили Ротко создать своеобразный центр медитации, для чего мастер написал 14 картин. Но когда посетители заходят в часовню, они неизменно задают один и тот же вопрос: «А где картины?». Все дело в том, что все четырнадцать полотен выполнены разными оттенками черного цвета, с разными текстурами, что никак не соответствует ожиданиям зрителей. Однако часовня Ротко действительно стала центром медитации, центром международных собраний и святым местом, доступным человеку любой религии.

Черные картины Марка Ротко в Часовне Ротко

У каждого из названных мастеров есть и другие широко известные работы. Так, у Малевича это «Красная конница», «Белое на белом», «Красный квадрат», «Черный круг» и другие. Интересно, что в США картина «Белое на белом» больше известна, чем «Черный квадрат», так как ее оригинал доступен американской публике.

К. Малевич, А. Лепорская, К. Рождественский, Н. Суетин. «Чёрный круг». 1923 г.

У Кандинского это такие работы, как «Квадраты с концентрическими кругами», «Импровизация 10», «Первая абстрактная акварель», «Импровизация 31 (Морской бой)» и другие. Кандинского не зря считают отцом абстракционизма, так как благодаря своему нестандартному видению искусства и социальной активности он быстро собирал вокруг себя единомышленников и способствовал расцвету в России этого направления.

В. Кандинский. «Импровизация 31 (Морской бой)». 1913 г.

У Ротко помимо названных ранее картин это работы «Белый центр», №61 («Ржавый и синий»), «Чёрное на тёмно-бордовом», «Четыре темные отметины на красном» и другие. Популярность некоторых из них возросла после определенных событий. Так, в 2012 году во время просмотра картины вандал сделал надпись на холсте «Чёрное на тёмно-бордовом», пытаясь привлечь внимание к своему художественному течению. Незадачливый художник был уверен, что с его подписью шедевр будет стоить еще дороже. Однако его выходку не оценили: реставрация заняла полтора года, так как краска пропитала холст насквозь, а самому автору подписи дали два года тюрьмы.

М. Ротко. «Чёрное на тёмно-бордовом»

Известные картины русских абстракционистов можно перечислять еще долго, так как многие из художников смело шли против устоев общества и выражали себя так, как чувствовали. В результате этого мы имеем большое наследие абстракций, в которых каждый найдет для себя что-то удивительное и волнительное.

Абстракционизм, картины абстракции, современные художники абстракционисты

КАРТИНЫ — АБСТРАКЦИОНИЗМ

Кандинское настроение

2007, холст, масло, 60×43 см

Юрий Лытнев

Продано

Волшебный цветок

2006, холст, масло, 62×62 см

Юрий Лытнев

Продано

Огни аэропорта

2014, холст, масло, 65×70 см

Владимир Солдаткин

Продано

Коса баварской девушки

2000, холст, масло, 55×45 см

Владимир Галатенко

Продано

Черный веер

1996, холст, масло, 102×76 см

Ольга Булгакова

Весна

2015, холст, масло, 20×40 см

Владимир Солдаткин

Продано

Весенний калейдоскоп

2015, холст, масло, 65×70 см

Владимир Солдаткин

Цена по запросу

Букет у камина

2013, холст, масло, 70×70 см

Владимир Солдаткин

Продано

Встреча в Шереметьево

2013, холст, масло, 60×130 см

Владимир Солдаткин

Цена по запросу

Питерский скорый

2015, холст, масло, 60×130 см

Владимир Солдаткин

Цена по запросу

Красивый день на даче

2014, холст, масло, 65×70 см

Владимир Солдаткин

Продано

Поздняя электричка

2014, холст, масло, 70×65 см

Владимир Солдаткин

Цена по запросу

Осенний автобус

2014, холст, масло, 65×70 см

Владимир Солдаткин

Цена по запросу

Поздний сентябрь

2014, холст, масло, 45×65 см

Владимир Солдаткин

Цена по запросу

Желтый ветер

2014, холст, масло, 65×70 см

Владимир Солдаткин

Продано

Дорога времени

2006, холст, масло, 60×120 см

Владимир Солдаткин

Цена по запросу

Натура

1995, холст, масло, 60×90 см

Александр Янушкевич

Продано

Структура

1995, 60×90 см

Александр Янушкевич

Продано

• 1
• 2
• 3
• 4
• 5
• 6
• >
• >>>

АБСТРАКЦИОНИЗМ — ШЕДЕВРЫ

Синий гребень

1917, картон, масло, 133×104 см

Василий Кандинский

Государственный Русский музей

Всадник. Георгий Победоносец. Эскиз

1915, картон, масло, 64×91 см

Василий Кандинский

Государственная Третьяковская галерея (ГТГ)

Красный квадрат

1915, холст, масло, 53×53 см

Каземир Малевич

Государственный Русский музей

Черный супрематический квадрат

1915, холст, масло, 79.5×79.5 см

Каземир Малевич

Государственная Третьяковская галерея

Художники абстракционисты известные и их картины. Живопись современных художников: Абстракционизм. Известные представители абстракционизма

Возникновение Абстракционизма :

Абстракционизм, как направление, возник в начале 20 в. одновременно в нескольких европейских странах. Признанными основоположниками и вдохновителями этого движения считаются художники Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан, Франтишек Купка и Робер Делоне, изложившие основные положения Абстракционизма в своих теоретических трудах и программных заявлениях. Разные по целям и задачам, их учения были едины в одном: Абстракционизм как высшая ступень развития изобразительного творчества создает формы, присущие только искусству. «Освобожденный» от копирования действительности, он превращается в средство передачи различными изобразительными образами непостижимого духовного начала мироздания, вечных «духовных сущностей», «космических сил».

Как художественное явление Абстракционизм оказал огромное влияние на становление и развитие современного архитектурного стиля, дизайна, промышленного, прикладного и декоративного искусства.

Особенности Абстракционизма:

Абстракционизм (от лат. Abstractus – отвлеченный) – одно из главных художественных направлений в искусстве 20 века, в котором структура произведения основывается исключительно на формальных элементах – линии, цветовом пятне, отвлеченной конфигурации. Произведения Абстракционизма отрешены от форм самой жизни: беспредметные композиции воплощают субъективные впечатления и фантазии художника, поток его сознания, они порождают свободные ассоциации, движение мысли и эмоциональные сопереживания.

С момента появления Абстракционизма в нем наметились две основные линии:

• Первая – геометрическая , или логическая абстракция , создающая пространство путем сочетания геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий. Она находит воплощение в супрематизме К.Малевича, неопластицизме П.Мондриана, орфизме Р.Делоне, в творчестве мастеров постживописной абстракции и оп-арта;
• Вторая — лирико-эмоциональная абстракция , в которой композиции организуются из свободно текущих форм и ритмов, представлена творчеством В.Кандинского, работами мастеров абстрактного экспрессионизма, ташизма, информального искусства.

Мастера Абстракционизма:

Василий Кандинский, Казимир Малевич, Франтишек Купка, Пауль Клее, Пит Мондриан, Тео Ван Дусбург, Роббер Делоне, Михаил Ларионов, Любовь Попова, Джексон Полок, Йозеф Альберс и другие.

Картины художников:

Динамичная и в меру примитивная композиция Казимира Малевича — просто круг. Черный круг на белом квадрате. Но не в центре. И это дает гипнотический эффект, пространственную иллюзию.

Многие известные картины известны в нескольких вариантах. Это, с нашей точки зрения, намного лучше, чем «разработка темы» в сотнях однотипных полотен — тем не менее, настоящие гиганты живописи были способны написать тысячи картин, морей и гор — или портретов. А у Мунка в «Крике» все есть — и человек, зажавший уши, и горы и воды. И этого достаточно — ну разве что четырежды повторено в масле и в пастели. Для закрепления материала. Какие-то бесчувственные фигуры прогуливаются вдоль берега. Но единственный услышавший тяжелую гремящую ноту, взятую природой — заходится в уже своём крике.

сочинения по картинам известных художников на сайт

Интереснейшая многоцветная композиция из прямоугольников и трапеция авторства Казимира Малевича не столь проста, как квадраты и круги, но не менее абстрактна и является отличным примером супрематической живописи.

сочинения по картинам известных художников на сайт

Обыкновенные среднерусские сосны , выступающие фоном, черной стеной, задником на традиционных полотнах, в картине Анатолия Зверева демонстрируют расхристанность и силу души — не духа — автора.

сочинения по картинам известных художников на сайт

«Красный квадрат», он же Визуальный двумерный реализм пейзанки , является еще одним произведением Казимежа Малевича, кое автору заметок сложно отнести к какому-либо жанру, кроме стебного. Да, вот такое современное слово.

сочинения по картинам известных художников на сайт

Черный квадрат Казимира Малевича содержит в хитрых пропорциях дешевый эпатаж и философское прозрение в суть творческого акта. Интересно было бы собрать воедино все четыре авторских варианта, да сравнить — иначе в нем, в квадрате, смысла нет, распечатай на принтере да приколи на стену — и у тебя шедевр.

Так уж сложилось, что зачастую зритель, видя на холсте что-то непонятное, необъяснимое и неподвластное логике, смело заявляет: “Абстракция. Определенно”. В чем-то конечно он прав. Дело в том, что это направление в искусстве отошло от существующей действительности изображения форм и в приоритете ставит гармонизацию цвета, формы и композиции в целом. Основы мироздания за гранью привычного восприятия, нечто более глубокое и философское. Что примечательно, число любителей абстрактной живописи растёт с каждым годом, а картины, написанные в этом стиле, занимают топовые позиции в ведущих аукционных домах мира.

Первое абстрактное произведение искусства находится в Национальном музее Грузии и принадлежит кисти Василия Кандинского. Именно этого художника считают основателем абстракционизма в живописи.

Василий Кандинский “Картина с кругом”, холст, масло, 100.0 × 150.0 см,

Тбилиси. Грузинский национальный музей

Самые известные и успешные абстракционисты – это Василий Кандинский, Казимир Малевич и Пит Мондриан. Каждый – легендарная личность в искусстве XX века.

Василий Кандинский – русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма

Казимир Малевич – российский и советский художник-авангардист, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — одного из наиболее ранних проявлений абстрактного искусства.

Пит Мондриан – нидерландский художник, один из основоположников абстрактной живописи

Именно абстракционизм дал старт для развития таких направлений в искусстве как кубизм, экспрессионизм, оп-арт и другие.
Кстати, самая дорогая картина в мире написана в стиле абстрактного экспрессионизма. Масштабное полотно американского художника Джексона Поллока “Номер 5” было продано на закрытых торгах аукциона Сотбис за 140 млн $.

Джексон Поллкок, №5, 1948 г., древесноволокнистая плита, масло, 243,8 × 121,9 см, частная коллекция, Нью-Йорк

Интересно звучание абстрактной картины в интерьере. В офис она привносит строгость и лаконичность, а дома добавит энергию и яркость красок. Подобная живопись отлично впишется в любой дизайн помещения, достаточно грамотно подобрать цветовое решение, подчеркнув общий стиль. Пожалуй, один нюанс все же есть – размещать картину лучше на однотонной стене пастельных цветов.

Среди молодых современных авторов, работающих в этом направлении, обязательно стоит отметить , и . В картинах художников мы видим ноты лирического абстракционизма, где так органична связь эмоциональных переживаний, плавных течений и цветовых фантазий творца.

Владимир Эхин “Летние воспоминания”, оргалит, акрил, масло, 60 см х 80 см

Полина Орлова, “Утро”, холст, масло, акрил, 60 см х 50 см, 2014 г.

Данила Березовский “2”, холст,масло, 55 см х 45 см, 2015 г.

Илья Петрусенко, “Закат”, холст,масло, 40 см х 50 см, 2015 г.

Мы предлагаем прогуляться по нашей и насладится . Купить понравившуюся картину крымских художников можно смело нажав на кнопку “Купить в один клик» и наши менеджеры свяжутся с вами в течение суток для .

Любите искусство и пусть в вашем доме всегда будет уют и благополучие!

Человеку свойственно всё разложить по полочкам, всему найти место и дать название. Это бывает особенно трудно сделать в искусстве, где талант — такая категория, что не позволяет втиснуть личность или целое направление в ячейку общего упорядоченного каталога. Абстракционизм — это именно такое понятие. О нём спорят уже больше века.

Abstractio — отвлечение, отделение

Выразительные средства живописи — это линия, форма, цвет. Если отделить их от лишних значений, ссылок и ассоциаций, они станут идеальными, абсолютными. Еще Платон говорил об истинной, правильной красоте прямых линий и геометрических фигур. Отсутствие аналогии изображаемого с реальными предметами открывает путь влиянию на зрителя чего-то ещё непознанного, недоступного обычному сознанию. Художественное значение самой картины должно быть выше важности того, что она изображает, ведь талантливая живопись рождает новый чувственный мир.

Так рассуждали художники-реформаторы. Для них абстракционизм — это способ поиска методов, обладающих невиданной ранее мощью.

Новый век — новое искусство

Искусствоведы спорят о том, что такое абстракционизм. Историки искусства с жаром отстаивают свою точку зрения, заполняя белые пятна в истории абстрактной живописи. Но большинство согласилось со временем его рождения: в 1910 году в Мюнхене Василий Кандинский (1866-1944) выставил свою работу «Без названия. (Первая абстрактная акварель)».

Вскоре Кандинский в книге «О духовном в искусстве» провозгласил философию нового течения.

Главное — впечатление

Не надо думать, что абстракционизм в живописи возник на пустом месте. Импрессионисты показали новое значение цвета и света в живописи. При этом стала меньше роль линейной перспективы, точного соблюдения пропорций и т.д. Под влияние этого стиля попали все ведущие мастера того времени.

Пейзажи Джеймса Уистлера (1834-1903), его «ноктюрны» и «симфонии», удивительно напоминают шедевры абстрактных художников-экспрессионистов. Кстати, Уистлер и Кандинский обладали синестезией — способностью наделять цвета звуком определенного свойства. И краски на их работах звучат как музыка.

В творениях Поля Сезанна (1839-1906), особенно в поздний период его творчества, видоизменяется форма предмета, обретая выразительность особого рода. Недаром Сезанна называют предтечей кубизма.

Общее движение вперед

Абстракционизм в искусстве оформился в единое течение в ходе общего прогресса цивилизации. Среду интеллектуалов будоражили новые теории в философии и психологии, художники искали связи духовного мира и материального, личности и космоса. Так, Кандинский в своих обоснованиях теории абстракции опирается на идеи, высказанные в теософских книгах Елены Блаватской (1831-1891).

Фундаментальные открытия в физике, химии, биологии меняли представления о мире, о силе воздействия человека на природу. Технический прогресс уменьшал земные масштабы, масштабы Вселенной.

С бурным развитием фотографии многие художники решили отдать ей документирующую функцию. Они утверждали: дело живописи не копировать, а создавать новую реальность.

Абстракционизм — это революция. И талантливые люди с чувствительными душевными настройками чувствовали: наступает время социальных перемен. Они не ошибались. Двадцатый век начался и продолжился невиданными потрясениями в жизни всей цивилизации.

Отцы — основатели

Наряду с Кандинским, у истоков нового течения стояли Казимир Малевич (1879-1935) и голландец Пит Мондриан (1872-1944).

Кто не знает «Черный квадрат» Малевича? Со времени его появления в 1915 году он будоражит и профессионалов, и обывателей. Одни видят в нем тупик, другие — простой эпатаж. Но всё творчество мастера говорит об открытии новых горизонтов в искусстве, о движении вперед.

Теория супрематизма (лат. supremus — наивысший), разработанная Малевичем, утверждала главенство цвета среди других средств живописи, уподобляла процесс написания картины акту Творения, «чистому искусству» в высшем понимании. Глубинные и внешние признаки супрематизма можно встретить в работах и современных художников, архитекторов и дизайнеров.

Такое же влияние оказало на последующие поколения творчество Мондриана. Его неопластицизм основан на обобщении формы и тщательном использовании открытого, неискаженного цвета. Прямые черные горизонтали и вертикали на белом фоне образуют сетку с ячейками разной величины, а клетки заполняются локальными цветами. Выразительность полотен мастера побуждала художников то к их творческому осмыслению, то к слепому копированию. Абстракционизм художники и дизайнеры используют при созданиий вполне реальных объектов. Особенно часто мондриановские мотивы встречаются в архитектурных проектах.

Русский авангард — поэзия терминов

Русские художники оказались особенно восприимчивы к идеям своих соотечественников — Кандинского и Малевича. Особенно органично эти идеи вписались в бурную эпоху рождения и становления нового общественного строя. Теория супрематизма была преобразована Любовью Поповой (1889-1924) и (1891-1956) в практику конструктивизма, оказавшего особенное влияние на новую архитектуру. Объекты, построенные в ту эпоху, до сих пор изучаются зодчими всего мира.

Михаил Ларионов (1881-1964) и Наталья Гончарова (1881-1962) стали основателями лучизма или районизма. Они старались отобразить причудливое переплетение лучей и световых плоскостей, испускаемых всем, что наполняет окружающий мир.

В движении кубофутуристов, занимавшихся и поэзией, в разное время участвовали Александра Эстер (1882-1949), (1882-1967), Ольга Розанова (1886-1918), Надежда Удальцова (1886-1961).

Абстракционизм в живописи всегда был выразителем крайних идей. Эти идеи раздражали власти тоталитарного государства. В СССР, а позже и в фашистской Германии идеологи быстро определили, какое искусство будет понятно и необходимо народу, и к началу 40-х годов двадцатого века центр развития абстракционизма переместился в Америку.

Русла одного потока

Абстракционизм — это довольно расплывчатое определение. Везде, где объект творчества не имеет конкретной аналогии в окружающем мире, говорят об абстракции. В поэзии, в музыке, в балете, в архитектуре. В изобразительном искусстве формы и виды этого направления особенно многообразны.

Можно выделить следующие типы абстрактного искусства в живописи:

Цветовые композиции: в пространстве полотна цвет — главное, и объект растворяется в игре красок (Кандинский, Франк Купка (1881-1957), орфист (1885-1941), Марк Ротко (1903-1970), Барнет Ньюман (1905-1970)).

Геометрический абстракционизм — более интеллектуальный, аналитический вид авангардной живописи. Он отвергает линейную перспективу и иллюзию глубины, решая вопрос взаимоотношений геометрических форм (Малевич, Мондриан, элементарист Тео ван Дусбург (1883-1931), Йозеф Альберс (1888-1976), последователь оп-арта (1906-1997)).

Экспрессивный абстракционизм — здесь особенно важен процесс создания картины, иногда сам способ нанесения краски, как, например, у ташистов (от tache — пятно) (Джексон Поллок (1912-1956), ташист Жорж Матьё (1921-2012), Виллем де Кунинг (1904-1997), Роберт Мотеруэлл (1912-1956)).

Минимализм — возврат к истокам художественного авангарда. Изображения полностью лишены внешних ссылок и ассоциаций (г. р.1936), Шон Скалли (г.р.1945), Эллсворт Келли (г.р.1923)).

Абстракционизм — далеко в прошлом?

Итак, что такое абстракционизм теперь? Сейчас можно прочитать в сети, что абстрактная живопись — дело прошлое. Русский авангард, черный квадрат — кому это нужно? Сейчас время скорости и четкой информации.

Информация: одно из самых дорогих живописных полотен в 2006 году продано за более чем 140 млн. долларов. Оно называется «№5.1948», автор — Джексон Поллок, экспрессивный абстракционист.

Абстракционизм (лат. abstractio – удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство – направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

История

Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) – художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича.

В. Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

20 век и современность

После 1-й мировой войны 1914-18 годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись в отдельных произведениях представителей дадаизма и сюрреализма; вместе с тем определилось стремление найти применение неизобразительным формам в архитектуре, декороративном искусстве, дизайне (эксперименты группы Стиль» и «Баухауза»). Несколько групп абстрактного искусства («Конкретное искусство», 1930; «Круг и квадрат», 1930; «Абстракция и творчество», 1931), объединивших художников различных национальностей и направлений, возникло в начале 30-х гг., главным образом во Франции. Однако широкого распространения абстрактное искусство в то время не получило, и к середине 30-х гг. группы распались. В годы 2-й мировой войны 1939–45 в США возникла школа так называемого абстрактного экспрессионизма (живописцы Дж. Поллок, М. Тоби и др.), развивавшегося после войны во многих странах (под названием ташизма или «бесформенного искусства») и провозгласившего своим методом «чистый психический автоматизм» и субъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых и фактурных сочетаний.

Во второй половине 50-х годов в США зародилось искусство инсталляции, поп-арта, несколько позднее прославившее Энди Уорхола с его бесконечным тиражированием портретов Мэрилин Монро и банок собачьего корма – коллажный абстракционизм. В изобразительном искусстве 60-х стала популярна наименее агрессивная, статичная форма абстракции – минимализм. Тогда же Барнет Ньюмен , основоположник американского геометрического абстракционизма вместе с А.Либерманом, А.Хельдом и К.Ноландом успешно занимались дальнейшим развитием идей голландского неопластицизма и русского супрематизма.

Еще одно течение американской живописи получило название «хроматического» или «постживописного» абстракционизма. Представители его в какой-то мере отталкивалось от фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступали место живописи созерцательного меланхолического склада. В 70-е – 80- е годы американская живопись вернулась к фигуративности. Более того, широчайшее распространение получило такое крайнее ее проявление, как фотореализм. Большинство искусствоведов сходятся на том, что 70-е – это момент истины для американского искусства, поскольку в этот период оно наконец-то освободилось от европейского влияния и стало чисто американским. Впрочем, несмотря на возвращение традиционных форм и жанров, от портрета до исторической живописи, не исчез и абстракционизм.

Картины, произведения «неизобразительного» искусства создавались по прежнему, так как возвращением к реализму в США был преодолен не абстракционизм как таковой, но его канонизация, запрет на фигуративное искусство, которое отождествлялось прежде всего с нашим соцреализмом, а значит, не могло не считаться одиозным в «свободном демократическом» обществе, запрет на «низкие» жанры, на социальные функции искусства. При этом стилистика абстрактной живописи приобрела некую мягкость, которой ей не доставало прежде, – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие цветовые решения (Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверс, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброд ).

Все эти тенденции заложили основу для развития современного абстракционизма. В творчестве не может быть ничего застывшего, окончательного, так как это было бы смертью для него. Но какими бы путями ни шел абстракционизм, каким бы ни подвергался трансформациям, сущность его всегда остается неизменной. Она в том, что абстракционизм в изобразительном искусстве – это наиболее доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, самой, что ни на есть адекватной – подобно факсимильному оттиску. Вместе с тем, абстракционизм – это прямая реализация свободы.

Направления

В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.

Кубизм

Авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Районизм (Лучизм)

Направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».

Неопластицизм

Обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917–1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Орфизм

Направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Супрематизм

Направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Ташизм

Течение в западноевропейском абстракционизме 1950–60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Абстрактный экспрессионизм

Движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

Абстракионизм в интерьере

В последнее время абстракционизм начал переходить с полотен художников в уютный интерьер дома, выгодно обновляя его. Минималистический стиль с использованием четких форм, порой достаточно необычных, делает помещение необычным и интересным. Но переборщить с цветом очень просто. Рассмотрим сочетание оранжевого цвета в такой стилистике интерьера.

Белый лучше всего разбавляет насыщенный оранжевый, и как бы остужает его. Цвет апельсина заставляет комнату стать жарче, поэтому немного; не помешает. Акцент должен быть на мебели или оформлении ее, например, оранжевое покрывало. В таком случае белые стены заглушат яркость цвета, но оставят комнату красочной. Прекрасным дополнением в таком случае послужат картины той же гаммы — главное не переборщить, иначе будут проблемы со сном.

Сочетание оранжевого и голубого цветов пагубно для любой комнаты, если это не касается детской. Если подобрать не яркие оттенки, то они будут удачно гармонировать друг с другом, добавят настроения, и не будут пагубно влиять даже на гиперактивных детей.

Оранжевый отлично сочетается с зеленым, создавая эффект мандаринового дерева и шоколадным оттенком. Коричневый — цвет, который варьируется от теплого к холодному, поэтому идеально нормализует общую температуру комнаты. Кроме того, такое сочетание цветов подойдет для кухни и гостиной, где нужно создать атмосферу, но не перегрузить интерьер. Оформив стены в белый и шоколадный цвета, можно спокойно поставить оранжевое кресло или повесить яркую картину с насыщенным мандариновым цветом. Пока вы в такой комнате, у вас будет прекрасное настроение и желание сделать как можно больше дел.

Картины известных художников-абстракционистов

Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.

Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия – делиться этими идеалами с миром, на благо общества.

Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.

Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.

Казимир Малевич

Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве. Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.

«Черный квадрат» (1915)

Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».

На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата – она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.

Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый – пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.

Пит Мондриан

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах. В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру – к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.

«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.

Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий. Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.

Робер Делоне

Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм. Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.

К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне – знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка. Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.

Франтишек Купка

Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций. Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)

Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов. В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.

Современные абстракционисты

С начала двадцатого века художники, в том числе Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Каземир Малевич, Василий Кандинский — экспериментируют с формами предметов и их восприятием, а также ставят под сомнение существующие в искусстве каноны. Мы подготовили подборку самих известных современных художников-абстрационистов, решивших раздвинуть свои границы познания и создать свою собственную реальность.

Немецкий художник Дэвид Шнел (David Schnell) любит бродить по местам, в которых раньше царила природа, а сейчас они нагромождены постройками людей — от игровых площадок до заводов и фабрик. Воспоминания об этих прогулках и рождают его яркие абстрактные пейзажи. Давая волю своему воображению и памяти, а не фотографиям и видеозаписям, Дэвид Шнел создает картины, которые напоминают компьютерную виртуальную реальность или иллюстрации к книгами по фантастике.

Создавая свои крупномасштабные абстрактные картины, американская художница Кристин Бэйкер (Kristin Baker) черпает вдохновение из истории искусств и гонок Наскар и Формулы 1. Снала она придает своим работам объем, накладывая несколько слоев акриловой краски и обклеивая силуэты скотчем. Затем Кристин аккуратно сдирает его, что позволяет увидеть нижние слои краски и делает поверхность её картин похожими на многослойный разноцветный коллаж. На самом последнем этапе работы она соскабливает все неровности, делая свои картины похожими по ощущениям на рентгеновский снимок.

В своих работах художница греческого происхождения из Бруклина, Нью-Йорк, Елеанна Анагнос (Eleanna Anagnos) исследует аспекты повседневной жизни, которые часто ускользают от взгляда людей. В ходе её «диалога с холстом» обычные понятия обретают новые смыслы и грани: негативное пространство становится позитивным и малые формы увеличиваются в размерах. Пытаясь таким образом вдохнуть «жизнь в свои картины», Елеанна старается пробудить человеческий разум, который перестал задавать вопросы и быть открытым к чему-то новому.

Рождая на холсте яркие брызги и подтеки краски, американская художница Сара Спитлер (Sarah Spitler) стремится отобразить в своем творчестве хаос, катастрофы, дисбаланс и беспорядок. Её привлекают эти понятия, так как они не поддаются контролю со стороны человека. Поэтому их разрушающая сила делает абстрактные работы Сары Спитлер мощными, энергичными и захватывающими. Кроме того. получившийся на холсте образ из чернил, акриловых красок, графитовых карандашей и эмали подчеркивает эфимерность и относительность происходящего вокруг.

Черпающий вдохновение из области архитектуры, художник из Ванкувера, Канада, Джефф Дэпнер (Jeff Depner) создает многослойные абстрактные картины, состоящие из геометрических фигур. В созданном им художественном «хаосе» Джефф ищет гармонию в цвете, форме и композиции. Каждый из элементов в его картинах связан друг с другом и ведет к последующему: «Мои работы исследуют композиционную структуру [картины] через взаимоотношения цветов в выбранной палитре…». По мнению художника, его картины – это «абстрактные знаки», которые должны перенести зрителей на новый, бессознательный уровень.

Художник современный известный. 50 самых дорогих ныне живущих российских художников

Содержание

1. Художник современный известный. 50 самых дорогих ныне живущих российских художников
2. Современные художники абстракционисты. Живопись современных художников: Абстракционизм
3. Современные художники 2019. 9 современных стрит-арт художников, за которыми надо следить
4. Необычные картины современных художников. Необычные техники рисования современных художников

Художник современный известный. 50 самых дорогих ныне живущих российских художников

The Art Newspaper Russia представляет рейтинг: самые дорогие художники России из ныне живущих. Если вы до сих пор уверены, что российских художников в западной обойме не было и нет, мы готовы с этим поспорить. Языком цифр.

Условия были просты: каждый из живущих художников мог быть представлен только одной, самой дорогой своей работой. При составлении рейтинга принимались во внимание не только результаты публичных аукционных торгов, но и наиболее громкие частные продажи. Авторы рейтинга руководствовались принципом «если что-то громко продается, значит это кому-нибудь нужно», а потому оценили труд маркетологов и пресс-менеджеров художников, вынесших рекордные частные продажи на суд общественности. Важное замечание: рейтинг составлен исключительно по финансовым показателям; если бы он основывался на выставочной активности художников, то выглядел бы несколько иначе. Внешними источниками для аналитики послужили ресурсы Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.com и Artinvestment.ru .

Валютой мирового рейтинга был выбран доллар США, в качестве эквивалента продажам российских художников взят британский фунт стерлингов (поскольку 90% отечественных продаж состоялось в Лондоне именно в этой валюте). Был осуществлен пересчет оставшихся 10% работ, проданных в долларах США и евро, по курсу на момент совершения сделки, вследствие чего некоторые позиции поменяли места. Кроме фактической стоимости работы, были собраны данные об общей капитализации художников (количеству топ-работ, проданных на торгах за все годы), о месте современного художника в рейтинге художников всех времен, о месте самой дорогой работы участника среди всех проданных произведений других авторов, а также о национальности и стране проживания. Немаловажную информацию содержит и статистика повторных продаж каждого художника как объективный показатель инвестиционнойпривлекательности.

Прошлый, 2013 год существенно изменил позиции современных художников в международном рейтинге продаж. Из топ-50 самых дорогих произведений искусства в минувшем сезоне было продано 16 современных — рекордное число (для сравнения, 17 работ ушло с 2010 по 2012 год, на ХХ век приходится всего одна продажа). Спрос на живых художников тождественен отчасти спросу на все современное искусство, отчасти циничному пониманию, что капитализация активов после их смерти неизменно возрастет.

Среди российских участников самыми почтенными оказались братья Сергей и Алексей Ткачевы (р. 1922 и 1925), самым юным — Анатолий Осмоловский (р. 1969). Вопрос, кто станет новым Жан-Мишелем Баскиа , пока открыт. В продажах наших художников видны четкие классы покупателей: лидеров покупают зарубежные коллекционеры и российские олигархи, места с 10-го по 30-е обеспечивают коллекционеры-эмигранты, а условный низ топ-50 — это наше будущее, вышедшие на рынок молодые собиратели с «новыми» деньгами.

Современные художники абстракционисты. Живопись современных художников: Абстракционизм

Так уж сложилось, что зачастую зритель, видя на холсте что-то непонятное, необъяснимое и неподвластное логике, смело заявляет: “Абстракция. Определенно”. В чем-то конечно он прав. Дело в том, что это направление в искусстве отошло от существующей действительности изображения форм и в приоритете ставит гармонизацию цвета, формы и композиции в целом. Основы мироздания за гранью привычного восприятия, нечто более глубокое и философское. Что примечательно, число любителей абстрактной живописи растёт с каждым годом, а картины, написанные в этом стиле, занимают топовые позиции в ведущих аукционных домах мира.

Первое абстрактное произведение искусства находится в Национальном музее Грузии и принадлежит кисти Василия Кандинского. Именно этого художника считают основателем абстракционизма в живописи.

Василий Кандинский “Картина с кругом”, холст, масло, 100.0 × 150.0 см,

 Тбилиси. Грузинский национальный музей

Самые известные и успешные абстракционисты – это Василий Кандинский, Казимир Малевич и Пит Мондриан. Каждый  – легендарная личность в искусстве XX века.

Василий Кандинский – русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма

Казимир Малевич – российский и советский художник-авангардист,  теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — одного из наиболее ранних проявлений абстрактного искусства.

Пит Мондриан – нидерландский художник, один из основоположников  абстрактной живописи

Именно абстракционизм дал старт для развития таких направлений в искусстве как кубизм, экспрессионизм, оп-арт и другие.
Кстати, самая дорогая картина в мире написана в стиле абстрактного экспрессионизма. Масштабное полотно американского художника Джексона Поллока “Номер 5” было продано на закрытых торгах аукциона Сотбис за 140 млн $.

Джексон Поллкок, №5, 1948 г. , древесноволокнистая плита, масло, 243,8 × 121,9 см, частная коллекция, Нью-Йорк

Интересно звучание абстрактной картины в интерьере. В офис она привносит строгость и лаконичность, а дома добавит энергию и яркость красок. Подобная живопись отлично впишется в любой дизайн помещения, достаточно грамотно подобрать цветовое решение, подчеркнув общий стиль. Пожалуй, один нюанс все же есть – размещать картину лучше на однотонной стене пастельных цветов.

Среди молодых современных авторов, работающих в этом направлении, обязательно стоит отметить Владимира Эхина , Полину Орлову , Данила Березовского и Илью Петрусенко . В картинах художников мы видим ноты лирического абстракционизма, где так органична связь эмоциональных переживаний, плавных течений и цветовых фантазий творца.

Владимир Эхин “Летние воспоминания”, оргалит, акрил, масло,  60 см х 80 см

Полина Орлова, “Утро”, холст, масло, акрил, 60 см х 50 см,  2014 г.

Данила Березовский “2”, холст,масло, 55 см х 45 см, 2015 г.

Илья Петрусенко, “Закат”, холст,масло, 40 см х 50 см, 2015 г.

Мы предлагаем прогуляться по нашей онлайн-галерее LukasGallery и насладится коллекцией молодого абстрактного искусства Крыма . Купить понравившуюся картину крымских художников можно смело нажав на кнопку “Купить в один клик» и  наши менеджеры свяжутся с вами в течение суток для уточнения заказа и удобной формы доставки .

Любите искусство и пусть в вашем доме всегда будет уют и благополучие!

Современные художники 2019. 9 современных стрит-арт художников, за которыми надо следить

Назвать кого-то «вторым Бэнкси» уже давно звучит как сомнительный комплимент – кроме Бэнкси есть десятки актуальных художников, упаковывающих социальные или чисто эстетические высказывания в разноцветные (или черно-белые) уличные картинки. Вместе с лимитированной арт-серией Hennessy Very Special, воплотившей своенравный и независимый дух стрит-арта, рассказываем о современных уличных (и не только) художниках, за которыми надо следить, а также о городах, куда стоит поехать, чтобы посмотреть на их работы.

Felipe Pantone

Фелипе Пантоне родился в Буэнос-Айресе, в 10 лет переехал Испанию, а в 12 – начал рисовать граффити. Впрочем, официальное образование в области изящных искусств он тоже получил – в Валенсии, где и находится его студия. Пантоне – это псевдоним. Когда художник начинал заниматься стрит-артом, его ник был Paint One, но в процессе это все слилось в одно слово. А вот если ты встретишь Фелипе где-то на улице, ты его не узнаешь – художник принципиально не фотографируется. Стиль Фелипе напомнит тебе о каллиграфии, винтажной типографике и, художественном течении второй половины XX века, которое использовало оптические иллюзии и геометрические абстракции, дающие зрителю впечатление движущихся узоров. Художник много путешествует, поэтому темы динамичности, трансформации, современных технологий и их связи с искусством тоже важны в его творчестве: он даже пишет об этом в своем манифесте, который так и называется –.

Сейчас Фелипе продолжает рисовать на улицах, устраивает собственные выставки и сотрудничает с разными компаниями. Например, Пантоне стал, сделавшим фильтры специально для Instagram, а в этом году стал автором этикетки лимитированной серии Hennessy Very Special Limited Edition и арт-объекта — инсталляции, состоящей из ста пронумерованных элементов, каждый из которых можно купить и персонализировать. Это продолжение одного из проектов художника –. Он считает, что в мире, где все подвержено кастомизации – от телефона до кроссовок –из предложенных Пантоне паттернов, глитчей и элементов компьютерной графики. Configurable Art — это взаимодействие технологий, интернета и искусства. Принципу динамичности и тут нашлось место: художественные элементы, которые можно использовать для создания рисунка, обновляются.

Ближайшее произведение Фелипе – монументальное граффити на боковой стене торгового центра «Атриум» в Москве и 24-метровaя инсталляциявнутри. Работы Пантоне также можно увидеть в арт-квартале Винвуд в Майами, Риме, Гонконге и других городах – из последних творений нас больше всего впечатлила трехмерная инсталляция в (Бангкок, Таиланд).

Если не собираешься никуда ехать, можешь не сходя с места заценить его мурал в виде QR-кода (самый большой в мире, как утверждает сам художник) высотой 25 метров и шириной 30. Оригинал находится в бельгийском Хасселте, но отсканировать можно.

Vhils

Вилс родился в Лиссабоне и рос там в то время, когда атмосфера в Португалии была весьма терпима к граффити, а рисовать на улице было безопасно и намного интереснее, чем сидеть у телевизора. Так что Вилс начал ставить теги на пути в школу, потом переключился на поезда – он жил возле пригородной железнодорожной линии, потом стал выбираться в другие города Португалии и Европы, присоединяться к арт-группам и участвовать в выставках. В конце концов добрался и до Лондона, где закончил престижный колледж искусств и дизайна, а в 2008-м Бэнкси (ну да, какая статья про стрит-арт без Бэнкси!) пригласил его поучаствовать в фестивале стрит-арта в Лондоне. Дальше были другие фестивали, выставки и биеннале современного искусства, работы по всему миру – в галереях и на улицах.

Это тот самый автор, работы которого ты узнаешь в любом городе мира из-за специфической фактуры и техники: это портреты людей, созданные с помощью абразивных инструментов и жидкостей, разрушения штукатурки стен, скретчинга и даже контролируемых взрывов. Часть работы всегда остается незаконченной – дальше в дело вступает окружающая среда, под воздействием которой произведение продолжает меняться. Вилс напоминает, что стрит-арт – это не только краска, а еще и дрель, молоток и зубило, и в его случае уличное искусство больше похоже на археологические работы, открывающие то, что лежит под поверхностью. Создание некоторых его произведений занимает не меньше месяца. Среди героев портретов – и реальные герои, узнаваемые жителями города, и неизвестные люди, превращенные в иконы, например, жители трущоб в Рио-де-Жанейро, чьи лица появились на стенах, оставшихся после сноса домов.

Много масштабных творений Вилса ты встретишь на улицах Лиссабона и других городов Португалии ( чекай карту ). Не пропусти крутую коллаборацию с Шепардом Фейри, которая сочетает фирменные яркие краски Шепарда с фирменным грубым многослойным стилем Вилса. Если до Лиссабона ехать далеко, можешь сгонять в Киев. Там на улице Михайловской – портрет Сергея Нигояна , первого погибшего во время Евромайдана, а в Москве – портрет Маяковского , практически выгравированный на многослойной штукатурке.

Необычные картины современных художников. Необычные техники рисования современных художников

Есть такие художники, которым для рисования просто кисти и краски не нужны и в своих экспериментах с материалами они шагают дальше. Я собрала подборку интересных авторов, которые рисуют не совсем привычными материалами и способами. Надеюсь она вдохновит вас на новые идеи!

Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai)

В своем творчестве Элизабета использует исключительно белые, красные и розовые вина, не придавая особого значения их букету или крепости. Единственный другой инструмент, который применяется Элизабеттой при создании картин, это уголь — им она делает наброски. Особенность ее работ в том, что цвет красок на полотне со временем меняется, так как вино стареет и приобретает новые оттенки. В результате получаются полотна, каждое из которых совершенно неповторимо.

Таринан фон Анхальт (Jet Art)

Американская художница свои абстрактные картины создает при помощи потоков воздуха от реактивного двигателя самолета. Клиенты Таринан платят огромные деньги за возможность увидеть, как художница творит, ведь сам по себе этот процесс представляет собой небольшое шоу с риском для жизни. За создание одной абстрактной картины ценителю креатива придется выложить не меньше 50 тысяч долларов. Свою технику Jet Art использует также для декорирования одежды, которую демонстрирует на различных фэшн-шоу.
Это весьма необычное направление живописи изобрёл Австрийский принц Юрген фон Анхальт ещё в 1982 году. Он назвал его «jet art» («реактивная живопись»). После его смерти его дело продолжила его жена Таринан (настоящая принцесса). Она стала первой женщиной, которая создаёт свои художественные полотна с помощью такой физически тяжёлой техники рисования. Перед просмотром

Подводные картины украинских художников

Украинские дайверы создают свои работы на глубинах от 2 до 20 метров в водах Черного и Красного моря. Художников настолько вдохновляет красота подводного мира, что они придумали необычный способ запечатлеть ее с помощью обычной краски и холста с нанесением водонепроницаемого клея. Под каждой картиной, помимо названия, указано море, соль которого определенная работа впитала и глубина, на которую пришлось погрузиться художнику. Выглядят картины действительно необычно.

Натали Айриш (Natalie Irish)

Художница рисует поцелуями, а в качестве материала использует обычную губную помаду. В среднем на одну картину уходит около пяти тюбиков помады. Первой работой художницы был портрет Мерлин Монро – именно с этой актрисой у Натали ассоциируется красная помада. Художница призналась, что создание ее картин – непростой труд, ведь ей необходимо методично по определенной схеме оставлять поцелуи на холсте, постоянно меняя фокусировку глаз. На одну картину уходит минимум 3 часа.

Отман Тома

Багдадский художник при создании своих работ вместо привычных красок использует мороженое. Его работы похожи на акварельные рисунки и имеют широкую гамму. Художник всегда фотографирует свои работы с остатками мороженого и кистями на холсте, тем самым показывая небольшую часть процесса. Выглядит реально как акварель!

О нас

Президент Союза Абстракционистов России

 

«Абстракция. Жизнь внутри холста». С. Куприянов

Если бы 100 лет назад не придумали абстракционизм,
то его бы придумал Я……

Сергей Куприянов

Абстракция

Идя навстречу многочисленным пожеланиям друзей, любителей современного искусства, знакомых, коллег по творческому цеху – искусству, а именно, абстракции, я начинаю писать эту книгу. Неудивительно, что эта мысль зародилась в думах многих искусствоведов и художников – написать книгу об абстрактном искусстве в современной России.

Сначала я хотел целенаправленно осветить все искусство с периода 1900 года до наших дней. Но потом понял, что есть уже не мало статей, книг этого художественного направления и я взял период с 2000 года по наши дни. Когда появились ежегодные выставки абстрактного искусства, когда образовалась секция абстрактного искусства ТСХР.

Мне показалось, что самое новое, самое свежее, интересно для публики. Ни в коем случае не забывая предшественников в области искусства абстракции – их видение, опыт, суждения, выводы.

Как я стал художником? О, это удивительное событие, мой читатель. Это чудо. Это Божественное веление. Я, который никогда не занимался живописью, не знал, что это такое. Никогда не рисовал, интересовался живописью не более как зритель. Хотя в детстве я собирал из газет картинки Кукрыниксов, клеил их в тетради, с наслаждением показывал их друзьям и сам иногда дорисовывал фрагменты их картин.

В юношеском возрасте хотел поступать в Ленинградскую Художественную Академию. С 15 до 19 лет ежедневно ходил в библиотеку и изучал творчество великих художников Тогда и понял, что я буду  писать картины, но боялся даже об этом думать. Увлечение искусством прошло незаметно.

Дальше моя жизнь была подчинена бизнесу и еще раз бизнесу. Но вот однажды произошло удивительное событие. Первые сутки не могу ни есть, ни спать, вторые сутки не могу есть. Неделю – не ем, не сплю. Я подумал, что я заболел. Но чувствовал себя прекрасно, несмотря, что не спал, не ел. И, вдруг, тихий внутренний голос: «Бери кисть, краски, холсты и начинай писать картины!» Я был ошарашен, как это я, который никогда в жизни даже не рисовал (кроме школьных уроков рисования), буду писать картины на холстах. Да нет, это бред. Не может быть…Но все же….. На следующий день я поехал в магазин «Художник» на Крымский вал. Захожу, смотрю, спрашиваю, что надо, чтобы написать картину на холсте. Мне все объяснили. Я набрал кучу холстов, краски, кисти, лаки и т.д. Принес все домой. Поставил перед собой холст, выдавил краски на палитру. Взял кисть…..и, о! удивительно! Рука сама стала писать какие то формы, пятна, линии. Необъяснимым образом цвет дополнил эту какофонию на холсте – точки, кругляшки, какие то необыкновенные формы…Я за какие то три дня написал сразу 10 больших холстов.

И полилась песня красок и форм. Удивительно, я одновременно легко написал сразу несколько натюрмортов, пейзажей. Они мне показались настолько простыми….На самом деле я выбрал самые сложные работы Ван Гога, Коровина, Левитана, Моне и т.д. Но это было уже под руководством прекрасного педагога живописи Николаевой Евгении Николаевны. Вот такие забавные и удивительные события произошли со мной в 21 веке.

Процесс создания произведений абстрактного искусства состоит в отвлечении от действительности, мысленном отбрасывании житейских проблем, освобождении и внутренней свободы.

Художник начинает работать мысленными образами на белом холсте, концентрируя свои чувства в виде линий, пятен, форм и т.п. Можно ли это назвать спонтанностью в живописи? – отчасти.

Все равно процесс обдумывания присутствует, присутствует замысел, но тоже в отвлеченной степени. Художник – абстракционист в отличии от простого художника, думает во много раз больше. Абстракция  — это движение мысли, рой мыслей и эмоций, имеющих свой алгоритм и динамику неопознанного.

Художник, пишущий абстракцию, чист как ребенок.

Когда я впервые увидел картины Пабло Пикассо, я очень испугался и боялся смотреть на них. С годами я понял, что Пабло Пикассо писал картины как пишут, как делают это дети. Вот попробуйте сравнить детские работы и работы Пабло Пикассо и вы удивитесь, как они похожи.

Понаблюдайте как много абстракции в природе, в разрезе камня до облаков на небе, а когда вы смотрите на воду в реке и видите водоросли – вот где многообразие абстракции, замерзшие льдинки на стекле, снег, дождь, капли и т. п. – лучший художник на земле и на небе – это Бог. Мы лишь подобие Божье. Вот прищурьте глаза и все превратиться в абстракцию.

Познавательный эффект абстракции вызывает многообразие ассоциативных образов, фантазий, исследований. Зритель ищет в каждой абстракции что то свое, независимое от других.

Вкладывая смысл в слово «Абстракция», большинство людей воспринимают это как отвлеченность, расплывчатость, многозначность, взрыв человеческой фантазии, всплеск человеческий эмоций и т.д.

Абстракция (от лат. abstractio — отвлечение) – по сути это обратная сторона Луны, которую человечество не видит, а видит реальную картину Луны с ее абстрактными рельефами, тенями и т.д. Как близка абстракция с реальностью! В нашем самосознании, в нашей логике восприятия действительности. И грань между ними необъяснимо тонка и многообразна.

Наблюдая на наших выставках «Абстрактного искусства» за реакцией зрителя, я невольно задавал себе вопрос, что зритель чувствует, ощущает, что он и как воспринимает, нравятся ему работы абстракции и почему.

Почему зритель приходит и смотрит на абстракции, что им движет, что они хотят. На часть моих вопросов отвечают картины великих мастеров: Кандинского, Малевича, Полока, Горки, Клее и т.д. Точнее, зритель воспринимает мастеров абстракционизма, давая ту или иную характеристику творчества выше перечисленных художников. Неподготовленный зритель не ходит на выставки абстрактного искусства, ему это не интересно.

Зритель любопытный, современный, стремящийся обогатить свою палитру восприятия и эмоций – это наш зритель.
Ему мы поем гимн абстракции.
Ему мы радуемся и его мы любим.

Абстракцию сравнивают с джазовой импровизацией. Она звучит в каждой профессиональной работе абстракциониста, в каждом мазке, линии, пятне….. Уходя от основной темы (мелодии), превращаясь в какофонию звуков на холсте.

В свое время В. Кандинский – великий экспериментатор написал свою собственную оперу «Желтый звук», которую создал как образец воплощения абстрактного искусства в музыке.

Задаю себе новый вопрос. Не манипулирую ли я своими абстрактными работами зрителя, не увожу ли я его из реальности в область фантазии  и креатива, в область чувственных восприятий. В область эмоциональных потрясений? И надо ли это делать? Может супер реальные картины нужнее зрителю? Может это необходимо ему? Ну почему же люди ходят на выставки Абстракционизма?

Значит это интересно им.Значит многообразие в искусстве влечет их, как и разнообразие в природе: солнце, земля, вода, огонь, воздух, небо и т.д. – стихии и абстрактность и конкретность.

Когда я начал изучать теорию абстракционизма, я вывел себе четыре правила, что и как зритель воспринимает, глядя на абстракцию.

 

Виды абстракции в живописи

• Абстракция сравнения и отождествления носит в себе сравнительные характеристики форм, линий, пятен, цвета предметов. Зритель ищет в абстракции что-то близкое. Знакомое.
• Абстракция неопознанного. Зритель ищет необычное и незнакомое, приобретая новые знания, новые ассоциации восприятия, новые эмоции, расширяя границы своего самопознания.
• Абстракция конструктивизма. Художник – абстракционист, как изобретатель, когда творит на холсте неожиданные конструкции, порой нарушающие всю мыслимую и немыслимую геометрию пространства, формы и цвета.
• Абстракция цветовых ощущений в виде цветовых пятен, полос, контрастности, несовместимости цвета и наоборот, совместимости цветов.

Специалисты по изучению абстрактного искусства выявили несколько течений абстракционизма:

• Кубизм
• Лучизм
• Неопластицизм
• Орфизм
• Супрематизм
• Систематизм
• Ташизм
• Абстрактный экспрессионизм
• Геометрическая абстракция

Абстракционизм легко вошел в современное прикладное искусство, мебель, ткани, одежду, оформление интерьеров, дизайн. Понаблюдайте сами, и вы удивитесь, как много предметов имеет свойство абстракции. Если даже взять классические произведения живописи, все равно на холсте есть элементы абстракции.

Наблюдая на выставках абстрактного искусства за детьми, которые приходят с родителями. Дети, в отличие от взрослых, не задают вопрос, что здесь изображено. Дети сразу видели и понимали, что изображено. Удивительно! Но это так. Вот приведите ребенка на выставку абстракционизма и вы откроете для себя многое. Вы увидите, как обогатится ваша палитра восприятий живописи цвета, линий, формы и т.д.

Не случайно Марк Ротко (Марк Роткович – русский художник, создатель нового направления «Живопись цветового поля») умышленно имитировал рисунки детей, наслаждаясь чистотой детского сознания.

 

Абстракция на крыльях бабочки

Осознание процесса написания абстракции сокрыт «в коконе бабочки», еще не ведом художнику, начинающему работу над произведением. Но вот первый мазок на белое полотно и полилась мелодия в виде пятен, линий, форм, точек  и т.д. неутомимой энергией нового и неоткрытого, словно полет бабочки.

Бесчувственных абстракций не бывает. Но как же художник выразит на холсте гнев, радость, смятение, доброту, лиричность, жестокость и т.д.? И выражает ли художник на самом деле свои чувства? Думаю — да, но не всегда. В большей степени здесь присутствует категория неосознанности. Кто-то говорит – необходимо включить логику. Какая логика в абстракции?!!!. Большое сомнение. Вот – антилогика, ДА!! Чем антилогична написанная абстракция, тем она привлекательней.
Интуиция. Интуиция, пожалуй, близка к творчеству в абстрактном искусстве, да и то не всегда.

Что же в большей степени характерно для абстрактного искусства? В первую очередь – это внутреннее состояние художника, его культура, его течение мыслей, образов. Второе – неосознанность. Художник до конца не осознает что произведет на этом холсте. Третье – креативность, фантазия. Четвертое – исполнительское мастерство. Давайте, все — таки более детально рассмотрим выше сказанное.

Современное абстрактное искусство можно виртуально представить как четыре стороны черного квадрата Малевича:

• Абстракция — Качество свободы
• Абстракция — Качество креатива
• Абстракция — Качество исполнения
• Абстракция — Качество времени

Абстракция —  Качество свободы.
Абстракция — Качество свободы подразумевает ту раскрепощенность в живописи, которая не имеет границ, форм, цветовой палитры. Именно на холсте, а не в жизни художника. Здесь абстракционизм несет в себе эмоциональное, духовное созерцание личности художника, его внутренний диалог. С холстом, с воображением, с внутренним видением, а, порой, и сновидениями. Абстракционизм, как качество свободы совмещено с мыслительным процессом художника, драматургией написания картин, а порой и нарушением всех канонов живописи и открытиями нового в форме, цвете, содержании.
Давайте рассмотрим на нескольких примерах. (Пример № 1)

Абстракция  — Качество креатива.
Начало 21 века считается 100-летем абстракционизма.  Наследники  Кандинского, Малевича, современные русские абстракционисты поражают своей интересной фантазией, разнообразием и мастерством в области беспредметного искусства.
Нет, я не называю тех художников, которые подражают кому-то или частично что-то берут из уже созданного. Нет, и еще раз – нет. Художник, который придумал свой собственный стиль, свое направление в абстракции, он более интересен для зрителей, чем остальные.

Абстракция — Качество креатива можно определить 3-4 категориями. Первое, новизна. Новое всегда привлекает, завораживает, возмущает, отвергается или приживается.  Это было и будет всегда.

Второе, легкость восприятия зрителем работы художника. Целостность произведения меняется. Можно заново смотреть, изучать живопись художника – абстракциониста.

Третье, вызов положительных или отрицательных ассоциаций, эмоций, заставляет думать зрителя, анализировать, сопоставлять, выражать свои мысли о произведении.

Четвертое, зрительное ощущение цвета, форма, пятен, линий живописи и т.д.

Абстракция – Качество исполнения
Качество исполнения, а именно мастерство художника, неотъемлемая часть написания абстракции. Холст и что на нем будет написано – это творение художника. Посмотрите, как устроен наш мир. Ничего лишнего, все в гармонии и абстракции, каждый метр Земли насыщен многообразием и т.д. Исполнительское мастерство художника, его качество исполнения, приемы, технические средства. Материалы, предметы – это та повседневная необходимость для художника.
Каждый дециметр картины должен быть выполнен с предельной концентрацией качества исполнения. Мы должны исключить из абстракции:

1. Небрежность исполнения.
2. Леность исполнения.
3. Примитивность использования технических средств и материалов.

Абстракция – Качество времени
Искусство существует вне времени, я не буду рассматривать этот факт, но время с каждым днем сжимается. Современное неотемпоральное искусство должно нести в себе такое понятие как качество времени. Из чего же для художника – абстракциониста оно состоит? Это:То время, когда мы работаем на холсте.

• То время, когда мы обдумываем новое произведение.
• То время, когда мы говорим о своем искусстве.
• То время, когда идут выставки.
• То время, когда люди говорят и пишут о нас.
• То время, сколько будут существовать наши картины на Земле.

 

Анонимный диалог идеального зрителя

Часто публика, которая ходит на наши выставки, задает себе вопрос – а что изображено на этом холсте? Я невольно вспоминаю слова великого Федерико Феллини: «О чем этот фильм? – этот вопрос задавали мэтру и ответ: «Знал бы, о чем, написал бы роман».
Люди все по-разному интересуются абстракцией, редко, когда мнения совпадают. Осознание, понимание, сравнение, как основа интеллектуальных способностей зрителя уводят в мир непознанного, удивительного и прекрасного.

Вот краски сбились на холсте,
Палитра верх берет над формой,
Где синий цвет, где желтый, черный?…..

Вдруг ты ощутил себя в холсте, внутри холста.
Ты веришь, ты живешь и создаешь смиренно….
Сродни эффекту замирания.
Застыли пятна на стекле.

Как удивительно в сознании.
Поток нейронов в голове творит абстракцию в холсте…

Абстрактное произведение требует предварительного размышления. Западный зритель, в отличии от нашего, идя на выставку обязательно заглянет в Интернет, прочтет информацию о художественном стиле, информацию о художнике и т.д. Он хочет,  именно хочет, быть подготовленным, а не случайным посетителем.

Любопытство – не порок, а категория культуры человека, его образованности, его интеллекта.
Есть абстрактные картины, которые физически не переносит зритель, он сторонится их, не подходит к ним близко, ему это не нравится, он просто плюётся.

Да есть такие картины, которые несут отрицательные эмоции. Эмоции зла, не добра, эмоции опустошенности, безысходности. Такие художники переживают так остро ту действительность, которая их окружает, те эмоции, которые они выплескивают на холст. Какие картины, такая и душа, говорят художники. Может быть! Может быть?

Абстрактное искусство создает многомерность мыслительного процесса, многомерность ассоциаций, через многомерности форм, пластики, линий, пятен и т.д. Как бы подготавливая человека к будущему огромному потоку информации, событий, анализу, синтезу в дальнейшем.

 

Встреча с Давидом Ру

Встречи с Давидом Ру (как маленькие праздники) происходили в его мастерской, умело обставленной мебелью, картинами, висящими на стенах и стоящих на полу.

Большая комната для гостей, где стоят два дивана  и кресло, два стола для работы, где уютно расположились компьютеры. В углу – стереосистема, из которой постоянно на небольшой громкости лилась музыка в стиле джаз. Казалось бы, все обыденно, как должна  выглядеть мастерская, но то чувство, которое возникло у меня, когда я впервые переступил порог мастерской было незабываемо. Чувство восторга, творческой свободы, необычные картины классической живописи и в особенности — абстракционизм.

Вторая комната, где Давид работает была уставлена большими картинами. Картины были повсюду – в углах, вдоль стен (как он умудряется работать на таком маленьком пространстве – задал я сам себе вопрос). Одна стена была приспособлена для работы и была так забрызгана краской, что превратилась в отдельную абстракцию.

Третья комната сверху донизу была заполнена картинами разных размеров (меня распирало любопытство – хотя бы одним глазком взглянуть на картины). Давид умышленно, маленькими порциями показывал свои работы, хотя это было редко.

В мастерской почти всегда были люди, было много встреч, разговоров об искусстве, художниках, планах секции. Однажды, когда в мастерской было много художников, Давид сказал: «Вот мы – художники – абстракционисты. Но скоро придет художник, который возьмет лучшее от нас и создаст такие шедевры, которые затмят нас». Я чуть не вскочил с места и не закричал: «это же я, я!!! Неужели вы не узнаете меня! Это Я! Я возьму лучшее и создам шедевры!»

Но прошло всего как две недели после вступления меня в ТСХР, в секцию абстракции. Я, как молодой член секции, постеснялся это сделать. Но, что же у меня есть цель, есть план в голове – стать лучшим. Ура!!!! Вперед!!!!

Прошел год. Мой моно спектакль с Давидом Ру, т.е мои взаимоотношения с Давидом претерпели все фазы драматургии от хорошего к плохому, от плохого к хорошему и т.д. Мы осторожно приглядывались друг к другу, осознавали, мирились с нашими трудными характерами, я с ним, он со мной. Притирались. Много общались. Горячую кавказскую натуру Давид всегда сглаживал истинно русской добротой, доверчивостью и любовью не только ко мне, но и к другим членам секции абстрактного искусства. И в этом я ему признателен. Он, конечно, болезненно реагировал на наши выходки, членов секции, в том числе и мои, но благодаря мудрости, которая ему присуща, он прощал всем все и всегда. Для него важнее было, что человек пишет, какие произведения он создает, как он растет, как он зреет. Непостижимым образом, словно нюх у собаки, он находит талантливых художников – абстракционистов. Как это ему удается? Я по сей день не могу понять. Как он мог объединить таких разных художников, таких талантов и гениев абстракции?

Любой художник нашей секции легко пишет натюрморты, пейзажи и даже портреты. Не умея этого, нечего делать в абстракции (Давид Ру когда принимал нас в секцию абстрактного искусства, смотрел обязательно классику).

Я, как художник – абстракционист, постоянно пишу и пейзажи, и натюрморты, и портреты. Это необходимо, это дает постоянный рост в абстрактном искусстве. Я нахожу новое через классическое искусство и воплощаю это на холсте.

Абстрактное искусство очень увлекает, завораживает, дает колоссальную энергию жизни, веры, надежды, любви.

 

Геомагнитные поля картин Давида Ру

Геомагнитные поля картин Давида Ру завораживают своей палитрой, плавной передачей цвета, неудержимой энергией написанных произведений.

Необыкновенная работа «Предчувствие» как точно выражено это состояние предчувствия светлого, радостного, необычного. Давид нам не говорил названия, но мы сами почувствовали, что это именно «Предчувствие».

 

Первый человек был художником

Статья Ньюмена, написанная в 1947г. «Первый человек был художником» («The first man was an  artist») и в ряде других статей приводит узкое исследование о возникновении живописи древнего человека. Абстрактное мышление, заложенное в разум человека Всевышним, зримо отражено в наскальных рисунках.

Квинтэссенцией эссе Пита Мондриана (1920г.) «Природная реальность и абстрактная реальность» (Mondrian P. «Natural reality and abstract reality») является, что вся природа в своем микромире состоит из реальных абстракций.

Я специально поднял самые первые источники по исследованию абстракционизма 20 века, хотя эта тема была близка во времена Платона.

Здесь было бы уместно привести те слова, которые говорили великие художники – абстракционисты середины 20-го века. Которые сделали великолепный вклад в мировое искусство:

Сергей Шаршун (1988-1975г.г.)
Андрей Ланской (1902-1976г.г.)
Сергей Поляков (1900-1969г.г.)
Николай де Сталь (1914-1955г.г.)

Сергей Шаршун
«Мои полотна никогда не закончены, каждая моя картина проходит два периода – горячий и ремесленный. Я вижу рисунок с закрытыми глазами, как красочный фильм. Сначала вижу в красках очень ярких. Я делаю полосы телепатические на полотне. Это делается орнаментом. Очень декоративно. Вечером я подписываю картину. Утром вижу – совсем не то, и я снова начинаю работать».  
«Художник думает глазами».  
«Пикассо — самый проворный охотник за случайным».  
«Дали – непревосходимый виртуоз мертвого завитка».  
«Клавесинную музыку Куперсона и Баха воспринимаю как живопись Кандинского и Клее…….».

Андрей Ланской
«Я пишу беспредметное с натуры, или – вернее – с жизни и всегда в согласовании с жизнью».
«Чем ближе к абстрактному, тем больше выявляется ритм и живопись приближается к музыке».
«…….Живопись всегда была абстрактной, но этого не замечали… Время сделает свое дело, и, когда перестанут искать на картине яблоки, деревья или девушек, – это слово «абстрактное» исчезнет»

Сергей Поляков
«Я мог считать раньше, что абстрактная живопись это легко. Но мне понадобилось более 10 лет, что б найти мой стиль».
«Я долго ищу оттенки, каждая форма требует равновесия. Существенен именно оттенок, а не цвет. Ван Гог мог писать небо зеленым, хотя этот цвет не существует на небе. Но его картины были успешными, потому что оттенок был правильным»
«У всех настоящих художников материя живет, даже у Малевича. Я был просто потрясен, увидев его знаменитый «Белый квадрат на белом фоне». Там была вибрирующая материя. Тогда и мне открылась… главенствующая роль вибрации материи….»

Николай де Сталь
«Надо всегда и прежде всего делать хорошую традиционную живопись – натюрморты, пейзажи и т.д……»
«Иногда в абстракции я исхожу из чисто реального образа…»
«……Палитра – это тембр, звук, голос»

Неисчерпаемым источником Российского абстракционизма является и будет являться народное творчество всех национальностей, которые населяют Россию (игрушки, лубок, орнаменты, узоры, деревянная скульптура). Издревле, сказочные персонажи, легенд, мифы, былины, рассказы, сказки были и остаются нашим интеллектуальным богатством. Нет ни в одной западной сказке таких абстрактных слов, как «Иди туда, не знаю куда», «Найди то, не знаю что», т.е абстрактные действия, я уже не говорю о мышлении.

 

Микромир – абстракции

Меня с детства интересовали  живопись и наука. Сегодня. Когда есть Интернет, эта кладезь идей, замыслов, информации.
Ежедневно я стараюсь смотреть новости науки и каждый раз удивляюсь человеческому уму, изобретательности ума, творчества ума и т.д

В детстве на уроках ботаники мы при помощи микроскопа рассматривали структуру клеток луковицы, снимали пленку с луковицы, вот тогда то и открылся предо мной  микромир фантастических абстракций. Молекулы, атомы, клетки, вирусы, микроклетки, структура дерева, молекул молока, воды, земли и т.д.. все состоит из абстракции, которую создал Бог.

 

Девизы абстракции

1. Вся жизнь – абстракция. Куприянов Сергей 2. Все думают, что абстракция это просто, на самом деле это очень сложный творческий процесс. Куприянов Сергей 3. Абстракционисты – люди, ударенные звездой. Куприянов Сергей 4. Абстракционизм, как качество свободы несет в себе свободу индивидуальности, свободу творчества, свободу мысли. Куприянов Сергей 5. Абстракционизм и я – понятия совместимые. Куприянов Сергей 6. Абстракция, будь то простая линия на холсте, несет свою философию восприятия, свои ассоциативные ряды. Куприянов Сергей 7. Абстракция, как любовь, все время просит красок. Куприянов Сергей 8. Абстракционизм – это реальность, в которой живет весь русский народ. Куприянов Сергей 9. Написание абстракции – это как шахматная игра с тысячами вариантов творческих ходов. Куприянов Сергей 10. Абстракция и джаз близки друг другу. И таи и там царствует импровизация. Куприянов Сергей 11. Придумать и написать абстракцию также сложно, как покорить космос. Куприянов Сергей 12. Не ищи реальности в женской логике, все равно нарвешься…..на абстракцию. Куприянов Сергей 13. Прагматичный Запад никогда не поймет абстрактную душу русского. Куприянов Сергей 14. Все, что я не вижу – абстракция. Куприянов Сергей

 

Истории написания картин Сергея Куприянова

абстракционизм, оп-арт, поп -арт.. Обсуждение на LiveInternet

Считается, что фигуративное искусство изображает какие-то узнаваемые объекты, а абстрактное отказывается от репрезентативности.

Но что, если война изменила мир до неузнаваемости? Художники Лондонской школы вернули в послевоенное искусство фигуративную живопись, но их работы далеки от реалистической традиции. О том, как эволюционировала репрезентативность в искусстве середины XX века, рассказывают философы Лидия Чаковская, Виктория Васильева и искусствовед Илона Лебедева. T&P записали основное.

Лондонская школа: фигуративное искусство как новая абстракция

Дискуссия. 29 марта 2020, ГМИИ им. А.С. Пушкина.

В рамках цикла мероприятий к выставке «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа».
Организаторы: кураторское агентство Science.me и Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

Джон Сарджент (1856-1925 гг.)

Джон Сарджент. Автопортрет. 1892 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.

Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».

Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.

Читайте также:  Почему художники так любят рисовать обнаженную натуру? Объясняем вместе с Пушкинским музеем

Джон Сарджент. Мадам Х. 1878 г. Метрополитен музей, Нью-Йорк

Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.

Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.

К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.

Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».

Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.

Джон Сарджент. Гвоздика, лилия, лилия, роза. 1885-1886 гг. Галерея Тейт, Лондон

В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.

Джон Сарджент. Белые корабли. 1908 г. Бруклинский музей, США

Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.

Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.

«На грани экспрессионизма»

Илона Лебедева: Говоря о художниках ХХ века, важно не загнать живых, настоящих авторов в холодные искусствоведческие штампы и определения. К каждому из них нужно подходить с подобранным именно под него инструментарием и смотреть на каждую его работу, на его развитие в перспективе. Я предлагаю взглянуть на творчество художников Лондонской школы с пониманием, что они на самом деле очень разные: недаром художник Рон Б. Китай объединил их под одним «брендом» относительно недавно — в 1976 году. И степень фигуративности и абстракции у каждого художника в каждой картине тоже разная.

Рон Б. Китай

Американский живописец и график, работал в Лондоне. В 1976 году организовал выставку «Человеческая глина», в которой участвовали художники, объединившиеся в Лондонскую школу, — Леон Коссофф, Франк Ауэрбах, Майкл Эндрюс, Люсьен Фрейд, Фрэнсис Бэкон и др.
Лидия Чаковская: После Второй мировой войны Англия ощущала себя единственной хранительницей цивилизации, нацией Шекспира и Гейнсборо, нашедшей в себе силы противостоять фашистской бесчеловечности.

В военное время официальным художником армии был Джон Пайпер. Он писал английские города и фиксировал разрушения от бомбежек. Среди его работ — почти стертая с лица земли церковь Сент-Мэри-Редклифф в Бристоле:

Врата Девы Марии в Бристоле. Джон Пайпер. 1940 год

Читайте также:  ПОГОВОРИМ О ЖИВОПИСИ. ИЛЬЯ ГЛАЗУНОВ

Здесь уже видны характерные черты искусства войны — общие планы, цвет, который живет своей жизнью. Грэхем Вивиан Сазерленд тоже был военным художником и изображал разрушенный Лондон. В 1946 году, ориентируясь на Маттиаса Грюневальда, он написал «Распятие» — так, как в ХХ веке его не изображали:

Распятие. Грэхем Вивиан Сазерленд. 1946 год

Это смелая работа, обращение к страшному, которое потом подхватит Фрэнсис Бэкон. У Сазерленда также есть серия крестов, обтянутых колючей проволокой, и здесь тоже тонкая грань между фигуративным и нефигуративным искусством. Английские художники, отталкиваясь от реальности, могли заходить в любые пластические эксперименты. Порой они балансировали на грани экспрессионизма, переходящего в нефигуративность.

Роткович и его необычная техника

Когда речь заходит о самых известных художниках-абстракционистах, нельзя не упомянуть Маркуса Ротковича — еврейского эмигранта. Талантливый ученик Горки воздействовал на публику интенсивностью и глубиной красочных мембран: он накладывал два или три цветовых прямоугольных пространства одно над другим. И они словно затягивали человека внутрь, чтобы он испытал катарсис (очищение). Сам создатель необычных полотен рекомендовал рассматривать их на расстоянии не менее 45 сантиметров. Он говорил, что его работы — это путешествие в неизвестный мир, куда зритель вряд ли предпочтет самостоятельно отправиться.

Фигуративность

Илона Лебедева: Многие считают фигуративность и репрезентативность синонимичными понятиями, но это не так. Когда мы говорим, что живопись фигуративна, то подозреваем, что у нее есть определенная связь с образным строем реального мира. Когда мы называем ее репрезентативной, то в узком смысле мы подразумеваем искусство подражательное, а в более широком — тенденцию, когда художник выделяет из потока явлений наиболее важное, актуальное. Смысл этого термина перекликается с его использованием в биологии, когда по одному представителю можно судить обо всем виде.

В первой половине ХХ века искусство, а точнее авангардные «измы», отказывалось от репрезентативности. Во второй половине 1920-х годов существовало сообщество художников «Новая вещественность», включавшее в себя очень разных авторов. Некоторые из них, как, например, Георг Шримпф, апеллировали к классическому искусству и продолжали традицию фигуративной живописи:

Лежащая женщина с ребенком. Георг Шримпф. 1922 год

Георг Гросс работал с экспрессивными формами. У него есть карикатурные образы, но он изображал характерные явления своего времени, поэтому его живопись можно назвать репрезентативной с элементами фигуративной:

Уличная сценка в Берлине. Георг Гросс. 1930 год

То же можно сказать и про творчество Отто Дикса.

Родители. Отто Дикс. 1921 год

Так что в 1920–30-е годы тенденция фигуративности никуда не исчезла, а в 1940–50-е годы лишь стала расцветать по всему миру. Появились смежные понятия — например, в 1930–50-х годах внутри Бостонской школы зародилось направление так называемого фигуративного абстракционизма. Уже в самом его названии чувствуется, что критики того времени пытались что-то сделать с неподвижностью терминологии и найти более точное определение, соответствующее своему времени.

Найдите свою формулу, позволяющую понять абстракционизм

Существует ли универсальная формула, которая позволит зрителю воспринимать абстрактное искусство? Возможно, в этом случае каждому придется нащупать собственные ориентиры, основанные на личном опыте, внутренних ощущениях и огромном желании открыть для себя неизвестное. Если человек захочет обнаружить тайные послания авторов, он их обязательно найдет, ведь так заманчиво заглянуть за внешнюю оболочку и увидеть идею, являющуюся важной составляющей абстракционизма.

Трудно переоценить переворот в традиционном искусстве, который произвели известные художники-абстракционисты и их картины. Они заставили общество взглянуть на мир по-новому, увидеть в нем иные краски, оценить необычные формы и содержание.

Определение и смысл

Термин «абстрактное искусство», также называемый «необъективным искусством », «нефигуративным», «непрезентативным», «геометрической абстракцией» или «конкретным искусством », – это довольно смутный зонтичный термин для любой картины или скульптуры который не изображает узнаваемые объекты или сцены.

Читайте также:  Стилистические типажи внешности: Сложный Романтизм!

Однако, как мы увидим, нет четкого консенсуса в отношении определения, типов или эстетического значения абстрактного искусства. Пикассо считал, что такого не было, а некоторые искусствоведы считают, что все искусство абстрактно, потому что, например, ни одна картина не может надеяться стать чем-то большим, чем грубое обобщение (абстракция) того, что видит художник. Даже ведущие комментаторы иногда не соглашаются с тем, должен ли холст быть помечен как «экспрессионистский» или «абстрактный» – например, акварельный Корабль в огне (1830, Тейт) и масляная картина Снежная буря – пароход с устья гавани (1842, Тейт), оба Дж. М.У. Тернера (1775-1851). Аналогичным примером является Кувшинка (1916-20, Национальная галерея, Лондон) Клода Моне (1840-1926). Кроме того, существует скользящая шкала абстракции: от полуабстрактной до полностью абстрактной. Поэтому, хотя теория относительно ясна – абстрактное искусство оторвано от реальности – практическая задача отделения абстрактного от неабстрактного может быть гораздо более проблематичной.

Какая идея стоит за абстрактным искусством?

Основная предпосылка абстракции – между прочим, ключевой вопрос эстетики – заключается в том, что формальные качества картины (или скульптуры) столь же важны (если не более), чем ее репрезентативные качества.

Начнем с очень простой иллюстрации. Картина может содержать очень плохой рисунок человека, но если его цвета очень красивы, она, тем не менее, может показаться нам прекрасной картиной. Это показывает, как формальное качество (цвет) может переопределить представительное (рисунок).

С другой стороны, фотореалистичная картина дома с террасой может демонстрировать изящную репрезентацию, но предмет, цветовая схема и общая композиция могут быть совершенно скучными.

Философское обоснование оценки ценности формальных качеств произведения искусства вытекает из заявления Платона о том, что: «прямые и круги… не только красивы… но вечно и абсолютно прекрасны».

По сути, Платон обозначил, что не-натуралистические изображения (круги, квадраты, треугольники и т.д.) обладают абсолютной, неизменной красотой. Таким образом, картину можно оценить только за ее линию и цвет – ей не нужно изображать природный объект или сцену. Французский художник, литограф и теоретик искусства Морис Дени (1870–1943 гг.) имел в виду то же самое, когда писал: “Помните, что картина перед тем, как стать боевым конем или обнаженной женщиной, по сути является плоской поверхностью, покрытой цветами, собранными в определенном порядке.”

Абстракционизм

Илона Лебедева: Абстракционизм после 1940–50-х родов тоже не стоит на месте. В то время активно работают художники знаменитой Нью-Йоркской школы, создающие образцы абстрактного экспрессионизма. У каждого из них — собственный узнаваемый стиль: кто-то больше работает с цветом, кто-то с пятном, кто-то с линией.

Параллельно в Европе работают совершенно другие мастера — например, Пьер Сулаж демонстрирует одну из крайних форм абстрагирования, его живопись переходит в разряд метафизической. Сначала для него оказываются важны тонкие материи, светозарность полотна, а затем он начинает работать с черным цветом (и дематериализацией живописи), и это становится его фирменным стилем на многие десятилетия.

Триптих. Пьер Сулаж. 2009 год

У современника Сулажа Николя де Сталя можно найти легкие напоминания о реальности, но это не дает нам права в каждом пятне искать конкретную тень предмета из нашего мира:

Пейзажный этюд. Николя де Сталь. 1952 год

У Ричарда Дибенкорна, не вписывающегося ни в одну школу, другой подход к работе: он оставляет отдельные узнаваемые реальные предметы, но показывает их в предельной степени обобщения, и поэтому они постепенно перетекают в абстрактную форму:

Интерьер с книгой. Ричард Дибенкорн. 1922 год

В работах Виллема де Кунинга то, что кажется узнаваемым, на самом деле является фантазийным, архаичным или тотемическим образом, архетипом на тему сексуальной ритуальной энергетики, недаром его изображения напоминают скульптуры палеолитических Венер:

Женщина I. Виллем де Кунинг. 1950-52 год

Начиная с эпохи авангарда абстракция стала в сознании зрителя знаком передового искусства. До сих пор

многие художники проверяют свою профессиональную зрелость умением создавать абстрактную композицию.

По сей день публика считает, что если художник — абстракционист, то он актуальный, современный, модный и яркий. Поэтому важна относительность фигуративности Лондонской школы.

Лидия Чаковская: Применительно к Лондонской школе нужно говорить об абстрагировании как о попытке сделать шаг назад, чтобы увидеть явление. Мир в послевоенный период так сильно изменился, что нужно было заново называть вещи, и художники делали это по-своему.

История

Абстрактное искусство появилось около 70 000 лет назад – первые доисторические рисунки на стенах пещер в виде геометрического орнамента найдены в Южной Африке. Искусство периода позднего палеолита представляет широкий спектр абстрактных рисунков, связанных с первобытными религиозными верованиями. Орнаменты и символы встречаются во всех культурах мира.

Зарождение

До конца 19 столетия, известные живописцы следуют традиционным принципам классического реализма и академизма. Главный принцип – стремление передать объект максимально реалистично. В последней четверти 19 столетия ситуация изменилась. Импрессионизм продемонстрировал, что строгий академический стиль больше не основной. В период 1900-1930 годов формировались направления, ставшие течениями абстрактной живописи, художники вырабатывали новые методы и приемы работы.

Экспрессионизм как стиль в живописи

Начало развития стиля в Европе связывают с зарождением футуризма и супрематизма –экстремального направления абстракционизма, с деятельностью Кандинского и Малевича.

Первым продемонстрировал отказ от традиций академизма импрессионизм. Картины К.Моне называют первыми шагами в формировании абстракционизма как самостоятельного направления в живописи. На формирование «беспредметного искусства» оказывало сильное влияние движение арт-нуво конца 19 – начало 20 века.

Основатели

Абстракционизм в живописи основали русские художники К.Малевич и В.Кандинский, нидерландец П.Модриан, чех Ф.Купка.

Читайте также:  Кубизм — что это? Отвечаем на вопрос. Кубизм в искусстве. Представители направления и картины в стиле кубизм

Акцент на цвете и форме, а не на реалистичности изображения, имеет первостепенное значение в развитии абстрактного искусства. Немецкий экспрессионизм сделал это краеугольным камнем живописи. Известный абстракционист Василий Кандинский в 1911 году опубликовал книгу под названием «О духовном в искусстве», которая стала идейной основой стиля. Кандинский считал, что картину нельзя анализировать интеллектуально – необходимо эмоциональное восприятие, ощущение цвета. Художнику было свойственна сверхчувствительность к цвету – синестезия, поэтому оттенкам и их передаче он придавал наибольшее значение. Живописец отмечал, что чувственное восприятие абстрактной живописи не должно превратить картину в простую декорацию помещения. Философия абстракции, по мнению Кандинского, содержится в трудах Е.Блаватской и Р.Штейнера.

Концептуализм как стиль в живописи

До Второй мировой войны Париж был центром развития новых направлений современного искусства. После войны центр переместился в Нью — Йорк.

Телесность и спонтанность

Лидия Чаковская: Художники Лондонской школы и абстракционисты были близки в художественном методе. Бэкон, говоря о себе как о спонтанном художнике, много работал над образом. Авторы Лондонской школы всегда отталкивались от объекта, имея возможность в дальнейшем его искажать. Это особенная фигуративность и доступный и абстракционистам способ оптического воздействия силой материи, эстетикой цвета. Так, Леон Коссофф и Франк Ауэрбах работали с фактурой и количеством краски. Художники искали момент, когда картина перестанет распадаться на материю и пространство. Им нужно было не образно воздействовать на зрителя, а передать физическое, телесное ощущение от живописи.

Виктория Васильева: Действительно, художники Лондонской школы укоренены в современной им действительности даже не через фигуративность, а буквально «плотью и кровью». Это очень осязательная живопись, на некоторые картины просто физически некомфортно смотреть.

Илона Лебедева: Когда художники только исследовали и открывали направления абстракции, у одних было больше спонтанности, у других — системности. Во второй половине ХХ века многие делают ставку на спонтанный эффект и импульсивность как проявление индивидуальности художника. Авторам было важно, чтобы зритель интуитивно прочувствовал их произведения.

Лидия Чаковская: Спонтанность и искажение позволяют художникам говорить о том, о чем никто не решался. Люсьен Фрейд и другие художники изучали человека как натуралисты, и это изучение — чистая физиология, в которой нет чувственности. Это максимально абстрагированное переживание телесности.

В то же время эта живопись имеет связь с биографией художника. Фрейд известен огромным количеством любовниц и детей, для него писать картину и спать с женщиной — одно и то же. Но какой холодный результат мы получаем: его образы женщин не вызывают у нас никаких чувственных эмоций. Это трагическая ситуация, ведь Фрейд ждал чуда от живописи, но всякий раз, заканчивая картину, он приходил к выводу, что это всего лишь полотно. Каждый раз живопись — это попытка решить личную проблему, которая не может быть решена живописью. Для англичан открытое декларирование проблем сексуальности немыслимо. Бэкон и Фрейд закрыли эту проблему для английского общества.

Также их видят как воплощение мечты о хорошей жизни после войны, поскольку они вращались в высших кругах общества.

Сегодня представители Лондонской школы считаются у себя на родине отцами-основателями английского искусства. Многие художники говорят, что Люсьен Фрейд, Фрэнсис Бэкон и другие дали им голос, определили их видение послевоенного мира и манеру письма. Лондонская школа и проблема абстракции — самое характерное в искусстве Англии.

Виктория Васильева: Художники Лондонской школы остро переживали то, что было им современно. В послевоенной Европе накопилось недовольство миром, пережившим войны, появились протестные движения — причем не только социально-политического плана, но и касающиеся академической среды и сферы художественной культуры. Но в творчестве авторов Лондонской школы нет социального протеста. Здесь есть уровень телесного ощущения происходящего в мире. Их фигуративность — старый прием, использующийся для новых реалий. Разговор об абстракции как дистанции по отношению к предмету и средствам творчества также уместен и правомерен. Жесткой границы между фигуративной живописью и абстракцией в искусстве XX века нет.

Развитие в новых направлениях

В ходе развития абстракционизма появляются новые направления:

Лучизм

Направление основано в начале 20 века. Характерными чертами стала игра с цветовым спектром, специфическая светопередача. Художники за основу творчества взяли идею о том, что предметы, которые видит человек – продукт восприятия глазом лучей, идущих от источника света.

Супрематизм

В России абстрактное искусство развивалось в форме супрематизма в начале 20 столетия, основанного К.Малевичем. Направление связывают с работами Кандинского. В основе построения композиции – геометрические фигуры, яркие цвета, прямые линии, ассиметричность. Направление наиболее ярко демонстрирует особенности русского авангардного искусства в работах художников Л.Поповой, И.Пуни, О.Розановой, А.Родченко, А.Экстер.

Реализм как стиль в живописи

В русском супрематизме можно увидеть серьезное влияние византийского искусства, античности, религии. Кандинский стал отцом нового направления, которое связывают со школой Баухаус.

Неопластицизм

Голландское направление абстракционизма, основанное в 1917 – 1925 годах. Основными деталями изображения являются квадраты и прямоугольники различных цветов и размеров. Крупнейшим представителей стиля считается П.Модриан.

Орфизм

Французская версия абстрактной живописи начала 20 века. Художники-орфисты стремились связать живопись и музыку, использовали закономерности музыкальных ритмов для передачи оттенков и цветов. Характерны криволинейность, ассиметричность, использование контрастных оттенков.

Ташизм

Направление развивалось в Западной Европе и США в середине 20 века. Представители отказались от воссоздания образов реальности, при написании картин использовали яркие цветовые пятна, линии, бесформенные мазки. Ташизм воплощает спонтанность, работу без четкого плана.

Абстрактный экспрессионизм

Движение представлено во многих странах. Художники работали с пятнами, точками, кривыми и прямыми линиями, штрихами, отказавшись от четкой геометричности. Экспрессионизм призван передавать эмоции и мимолетные чувства, поэтому для написания картин используются только яркие цвета.

Дадаизм как стиль в живописи

Оп-арт

Одним из направлений авангарда и абстракции считают движение оп-арт или «оптическое искусство». Отличительной чертой является стремление создать сложные оптические иллюзии при помощи цвета, формы, монохромности, повторяющихся геометрических узоров. Ведущие художники, представители направления В.Вазарели, Б.Райли. Движение не стало популярным и трансформировалось в другие направления в начале 70-х годов 20 столетия.

С развитием постмодернизма в середине 60-х годов 20 века современное искусство имеет тенденцию распадаться на местные школы.

Литература

• Данто А. Мир искусства. — М.: Ад Маргинем Пресс, 2020.
• Каталог к выставке «Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа».
• Кошут, Дж. Искусство после философии / Пер. с англ. А.А. Курбановского // Искусствознание. — 2001. — № 1.
• О’Догерти Б. Внутри белого куба. — М.: Ад Маргинем Пресс. — 2015. — Т. 2020.
• Ортега-и-Гассет Х. Дегуманизация искусства. — М. Радуга. — 1991.
• Эко У. История красоты. — М.: Слово/Slovo. — 2005.
• Lippard L. R. (ed.). Six years: the dematerialization of the art object from 1966 to 1972. — Univ of California Press, 1997. — Т. 364.

Мы публикуем сокращенные записи лекций, вебинаров, подкастов — то есть устных выступлений. Мнение спикера может не совпадать с мнением редакции. Мы запрашиваем ссылки на первоисточники, но их предоставление остается на усмотрение спикера.

Где можно учиться по теме #искусство

Грант

Open-call для молодых художников Metropolis Gallery, Санкт-Петербург

В течение всего года

Курс

Магистратура «Музейное дело»

1 сентября 2020 — 31 августа 2021

Грант

Арт-резиденция Greywood Arts приглашает деятелей всех видов искусства

В течение всего года

Где можно учиться по теме #живопись

Курс

Современное искусство: менеджмент

По мере набора

Курс

Оценка культурных ценностей

По мере набора

Грант

Абстрактное искусство

Определение и значение

Термин «абстрактное искусство»

(иногда «беспредметное», «не нерепрезентативное») — это довольно расплывчатое определение для любой картины или скульптуры, изображающей не узнаваемые объекты и сцены. Тем не менее, четкого консенсуса касательно этой интерпретации нет. Например, Пабло Пикассо считал, что абстрактной живописи не существует, в то время как некоторые искусствоведы полагают, что ни одна картина не может быть больше чем сырая абстракция того, что видит художник. Даже знаменитые критики и ученые расходятся во мнениях, классифицируя некоторые холсты, пытаясь отличить «экспрессионизм» и «абстракцию». Ситуация осложняется тем, что есть выделяется как полностью абстрактная живопись и скульптура, так и полу-абстрактный стиль.

Виды абстрактного искусства

Как было упомянуто выше, некоторые картины направления основываются на простейших геометрических фигурах, но это не все виды абстрактных работ. Условно их можно разделить на шесть основных типов:

Геометрический. Ранней формой этого типа был аналитический кубизм , отвергающий линейную перспективу и иллюзию глубины картины. Иллюстрируется работами Пита Мондриана, Тео ван Дусбурга, Казимира Малевича и другими.

Криволинейный — характерный для кельтских и исламских мастеров, а также некоторыми ранними культурами. Включает в себя ряд мотивов, посвященных чересстрочным узорам и спиралям, а также «бесконечными» рисунками.

Цветовой и световой. Хорошо иллюстрируется работами Тернера и Моне, которые использовали цвет (или свет), чтобы отделить произведения искусства от реальности благодаря насыщенным краскам и пигментам.

Эмоциональный/интуитивный. Этот тип охватывает смесь стилей, чья общая тема посвящена натуралистическим идеям. В отличие от геометрической абстракции, интуитивная часто изображает природу, но менее репрезентативными способами. Один из самых известных представителей эмоциональной абстракции является Марк Ротко.

Жестикуляционный — форма абстрактного экспрессионизма, в которой процесс создания картины становится более важным, чем в других видах искусства.

Минималистский. Своего рода возврат к основам и концепциям авангардного искусства, лишенный всех возсожных ссылок и ассоциаций.

Некоторые из этих типов являются в разной степени абстрактными, но все они связанны идеями отделения предмета искусства от реальности.

Стоит отметить, что параллельно с развитием геометрического стиля, в 1920–1930 годы формировался и сюрреализм, чьи идеи перекликались с абстрактным искусством. Ведущими представителями которого были Хуан Миро , Жан Арп, Сальвадор Дали и другие.

Читайте также:  Сюрреализм как стиль в живописи

Гениальный Поллок

В конце 40-х годов прошлого века один из самых известных художников-абстракционистов Джексон Поллок изобрел новую технику разбрызгивания краски – капельную, которая стала настоящей сенсацией. Она поделила мир на два лагеря: тех, кто признавал картины автора гениальными, и тех, кто называл их мазней, недостойной называться искусством. Создатель уникальных творений никогда не натягивал полотна на холст, а располагал их на стене или полу. Он ходил с банкой красок, смешанных с песком, постепенно погружаясь в транс и приплясывая. Кажется, он случайно разливал разноцветную жидкость, однако каждое его движение было продумано и осмысленно: художник принимал в расчет силу гравитации и впитываемость краски холстом. Получалась абстрактная путаница, состоящая из клякс разных размеров и линий. За изобретенный стиль Поллока окрестили «Джеком-Разбрызгивателем».

Самый известный художник-абстракционист давал своим работам не названия, а номера, чтобы у зрителя имелась свобода воображения. «Полотно № 5», находившееся в частной коллекции, долгое время было скрыто от глаз публики. Вокруг окутанного завесой тайны шедевра начинается ажиотаж, и наконец-то он появляется на аукционе Sotheby’s, мгновенно становясь на то время самым дорогим шедевром (его стоимость – 140 миллионов долларов).

лучших художников-абстракционистов всех времен, включая Джексона Поллока.

Фотография: предоставлено поместьем Джоан Митчелл. столетие с тех пор, как абстракция стала основным (и какое-то время доминирующим) жанром в анналах 20-го века. Это остается важным аспектом современного искусства, и яркие примеры — как исторические, так и новые — можно найти в ведущих художественных музеях Нью-Йорка, включая МоМА, Метрополитен-музей, Гуггенхайм и Уитни. Корни абстракции уходят в 19XX века и появление искусства ради искусства, философия, отстаивавшая идею о том, что живопись и скульптура должны освободиться от натурализма и сконцентрироваться на сущности самого искусства — материале, фактуре, композиции, линии, тоне и цвете. Это также означало разрыв с той многовековой ролью, которую западное искусство играло в продвижении церкви и государства. Начиная с таких ранних сторонников, как Джеймс Эббот Макнил Уистлер ( славы «Мать Уистлера »), этот акцент на внутренних свойствах искусства становился все более и более жестким благодаря развитию стилей от импрессионизма и постимпрессионизма до кубизма и экспрессионизма. Окончательный разрыв с представительством произошел в начале XIX в.00-е и подростки, а также различные художники — Василий Кандинский, Казимир Малевич — считаются первыми, кто разработал чистую абстракцию. Но независимо от того, кто ее создал, абстракция коренным образом изменила историю искусства, в чем вы можете убедиться, изучив наш список лучших художников-абстракционистов всех времен.

Электронное письмо, которое вам действительно понравится

Подпишитесь на нашу рассылку. Откройте для себя лучшее из города, в первую очередь.

Вводя свой адрес электронной почты, вы соглашаетесь с нашими Условиями использования и Политикой конфиденциальности, а также соглашаетесь получать электронные письма от Time Out о новостях, событиях, предложениях и рекламных акциях партнеров.

🙌 Отлично, вы подписались!

Спасибо за подписку! Ждите скоро свой первый информационный бюллетень в своем почтовом ящике!

Фотография предоставлена ​​Фондом Соломона Р. Гуггенхайма/Кристофером Маккеем. чистая абстракция — или, как он выразился, «искусство, не зависящее от чьих-либо наблюдений за внешним миром». Особенно он считал, что цвет может отделиться от всех внешних ориентиров и стать предметом искусства. Его 1910 книга «О духовном в искусстве» изложила его теории и стала одним из основных текстов модернизма 20-го века. Flickr/Pat M2007

2.

 Пит Мондриан (1872–1944)

Наряду с Пикассо, Мондриан является синонимом современного искусства, и простое упоминание его имени сразу же вызывает в воображении одну из его культовых геометрических композиций, состоящих из квадратов основного цвета. жирными черными перпендикулярными линиями. Как и многие ранние модернисты, Мондриан начал работать в различных стилях под влиянием постимпрессионизма, с отголосками Сера и Ван Гога, отражающимися в его сценах голландской сельской местности. Однако его работа была мотивирована желание достичь своего рода духовного общения с божественным, которое к 1913 направил свою работу во все более абстрактные направления. Однако только в 1920–1921 годах он остановился на стиле, которым он наиболее известен.

Пит Мондриан, Broadway Boogie Woogie , 1942-43

Реклама

Фото предоставлено Музеем современного искусства

3. Казимир Малевич (1878–1935) отказался от репрезентативной живописи в 1915 году и создал первую из своих супрематических композиций (названных так из-за их акцента на «превосходство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве»).

Стиль, который он также назвал «новым живописным реализмом», представлены цветные геометрические фигуры, плавающие на белом фоне, и быстро достигли радикально упрощенной стадии с такими произведениями, как Черный квадрат (тоже 1915 г.) и Супрематическая композиция: Белое на белом (1918 г.). Однако с приходом Сталина к власти после смерти Ленина в 1924 году абстрактное искусство было названо формой буржуазного декаданса и привело к кампании официальных репрессий, которые в конечном итоге вынудили Малевича вернуться к фигуративному искусству.

Казимир Малевич, Супрематизм Композиция: Летящий самолет , 1915 

Фото предоставлено Музеем современного искусства

4. Любовь Попова (1889 г.)–1924)

Большевизм проповедовал гендерное равенство, поэтому неудивительно, что ряд женщин-художников пополнили ряды раннего советского авангарда, в том числе Любовь Попова. Последовательница Малевича, она также была дизайнером и ключевым членом конструктивистского движения, выступавшего за привязку искусства к улучшению общества. Заимствуя сильное архитектурное течение конструктивизма, она описала свои картины как «конструкции», построенные с помощью цвета и линий.

Любовь Попова, Painterly Architectonic , 1917

Advertising

Photograph: Justin Lane/EPA/REX/Shutterstock

5. Марк Ротко (1903-1966)

Родившийся в Латвии, Марк Ротко соперничает с Джексоном Поллокингом и Виллемом де Кунингом звание самого известного художника абстрактного экспрессионизма. Однако с точки зрения стиля, если не темперамента, работы Ротко отличались от Поллока и Де Кунинга тем, как он распылял краску по всему холсту, а не подвергал его жестовым атакам. Типичный Ротко устанавливает обширные пятна пигмента, сложенные друг на друга, на фоне нарисованных фонов, которые проявляются по краям композиции. Контрасты в цвете создают визуальные вибрации, которые заставляют формы Ротко парить в пространстве. Переводя настроение в краску, Ротко стремился вызвать у зрителя эмоциональный отклик.

Марк Ротко, Картина № 21 (красный, коричневый, черный и оранжевый) , 1951

Фотография предоставлена ​​MoMA/Pollock-Krasner Foundation/ARS

6. Джексон Поллок (1912–1956)

Лицо абстрактного экспрессионизма и первый крупный послевоенный художник Америки (и до сих пор один из величайших), Поллок ворвался на сцену в конце 1940-х — начале 1950-х годов со своими фирменными капельными картинами. Они были созданы в бурном творческом порыве в течение трех лет между 1947 и 1950 в его студии Спрингс, Нью-Йорк, в Хэмптоне. Его техника хорошо запечатлена Хансом Намутом, на фотографиях которого художник выплескивает коммерческую домашнюю краску из банки на незагрунтованное полотно, лежащее на полу. Абстрактные экспрессионисты. Появившись в журнале Life под заголовком «Является ли он величайшим из ныне живущих художников в Соединенных Штатах?», Поллок добился такого уровня славы, которого не было до появления Энди Уорхола в XIX веке.60-е годы. Окруженный личными демонами, в том числе алкоголизмом, Поллок трагически погиб в автокатастрофе в 1956 году. Агнес Мартин (1912–2004)

Родившуюся в Саскачеване Агнес Мартин часто называют пионером минимализма. Тем не менее, она считала себя абстрактным экспрессионистом, хотя вы могли бы задаться вопросом, как она могла бы так думать, учитывая ее тонкие композиции из сеток и полос, окрашенных в едва заметные цвета. Но были и другие художники, связанные с AbEx, которые также работали в единообразных стилях, такие как Барнетт Ньюман и Эд Рейнхардт. Неудивительно, что оба артиста продвигали и наставляли Мартина. Она разделяла акцент Ньюмана на том, чтобы вызвать у зрителя эмоциональную — даже эпифаническую — реакцию, а не идею запечатлеть эмоции художника в жесте. В случае Мартина это означало поиск состояния совершенства в своей работе.

Агнес Мартин, С моей спиной к миру , 1997

Фотография предоставлена ​​Джоан Митчелл

8. Джоан Митчелл (1925–1992)

абстрактных экспрессионистов, которые несколько смягчили экзистенциальную напыщенность основателей AbEx, взяв стиль в более лирическом, хотя и не менее эмоциональном направлении. Использование жестов оставалось ключевым компонентом в творчестве этих художников следующей волны, а в руках Митчелла они стали напоминать пейзажи и натюрморты. Находясь под влиянием Поля Сезанна, Клода Моне и Винсента Ван Гога, и действительно, Митчелл можно было бы почти назвать постимпрессионистом середины века, что неудивительно, учитывая, что, несмотря на ее связь с Нью-Йоркской школой, она провела большую часть своей карьеры, живя и работает во Франции.

Джоан Митчелл, Без названия , 1992

Реклама

Фотография предоставлена ​​Музеем современного искусства/Элсворт Келли

Эллсворт Келли начал показывать яркие, многопанельные, монохроматические полотна, стилистически и темпераментно противоположные живописным слэшерам вроде Поллока и Виллема Де Кунинга. Во многих отношениях он был чем-то вроде аутсайдера во время подъема нью-йоркской школы, как фигурально, так и буквально, поскольку он развивал свою эстетику, живя в Париже, куда он переехал в 1948.

Тем не менее работа Келли была встречена критиками. Его исследование отношений между формой и цветом отличалось от более ранних геометрических абстракционистов — и абстрактного экспрессионизма, если на то пошло, — потому что оно было чисто формальным по своей природе. Работы Келли задали тон для большей части последующего искусства, включая минимализм, жесткую живопись, цветовое поле и даже поп-арт.

Эллсворт Келли, Цвета для большой стены , 1951

Фотография: Айвор Брака, предоставлено художником и Дэвидом Цвирнером/Нью-Йорк/Лондон/Гонконг

10. Бриджит Райли (1931 г.р.)

Люди сообщали о том, что при просмотре работ британской художницы Бриджит Райли у них начиналась морская болезнь или головокружение, и легко понять, почему. В ее самых известных композициях представлены извилистые, чередующиеся линии черного и белого цветов, расположенные близко друг к другу, создавая узоры, которые движутся и вибрируют. Райли был лидером так называемого движения оп-арт, которое возникло в 1960-х годах и разделяло склонность к визуальному чутью с другим стилем того периода: поп-артом.

Бриджит Райли, Quiver 3 , 2014

Реклама

Фотография предоставлена ​​Музеем современного искусства

11. Сэм Гиллиам (род. 1933)

, Сэм Гиллиам был ключевой фигурой Вашингтонской школы цвета с конца 1950-х до конца 1960-х годов, которая превратила столицу страны в инкубатор для рисования цветового поля. В лирических композициях Гиллиама, вдохновленных абстракционистским экспрессионизмом, используются жестовые пассажи пигментов, разбавленных до акварельных мазков жизнерадостных оттенков. Начало в 19В 60-х годах он стал известен тем, что рисовал на ненатянутых лоскутах ткани, и хотя он использовал другие подходы, такие как коллаж и холсты жесткой формы, его «драпировки», как их называют, остаются его фирменными работами.

Сэм Гиллиам, 27.10.69 , 1969

Фотография предоставлена ​​MoMA/Brice Marden/ARS

приветствуется за воплощение минималистского духа того периода. Более того, ему удалось сделать это как художнику, который создавал картины в то время, когда медиум считался мертвым, учитывая изобилие новых, революционных жанров, таких как перформанс и видеоарт, которые обещали перевернуть художественный порядок.

Однако за свою карьеру Марден снова и снова менял свой подход, делая свой стиль слишком эклектичным, чтобы его можно было определить. Но он всегда был предан материалу и процессу, о чем свидетельствует его раннее предпочтение энкаустики, техники, в которой пигмент смешивается с горячим воском, который затем охлаждается и затвердевает после нанесения, как в его первоначальных монохромах, созданных в приглушенных цветах, встречающихся в природе. Но в то время как картины казались плоскими, энкаустика оставляла тонкие следы усилий художника по сглаживанию поверхности. За последние пару десятилетий Марден стал более известен благодаря наполнению больших композиций извилистыми зацикленными линиями, которые должны восприниматься как стилизованные отсылки к жестовым знакам абстрактного экспрессионизма.

Брайс Марден, Куплет IV , 1988-89

Реклама

Фото: Предоставлено художником и Люрингом Августином

13. Кристофер Вул (1955 г.

р.) 1980-х годов, и произвел фурор с помощью черно-белых эмалевых композиций, в которых были представлены узоры обоев, созданные с помощью текстурированных малярных валиков, используемых для украшения коридоров многоквартирных домов. Он также наносил на картины загадочные слова, такие как TRBL или FOOL, а также более узнаваемые фразы, такие как HELTER SKELTER, заимствованные из поп-культуры. Для Вула отношение было формой, если заимствовать критическое представление того времени, и что-то в нигилизме в его работах духовно соответствовало эксцессу эпохи Рейгана. Но он воспринимал свои картины как абстракции, или, точнее, образы абстракции, постмодернистское тщеславие, которое признавало, что жанр стал своего рода фигуративным благодаря бесконечным репродукциям в художественных книгах, журналах и музейных открытках. Эта идея стала более ясной в последующих работах Вула, построенных из элементов его предыдущих картин, некоторые из которых были нанесены шелкографией на холст в виде полутоновых фотографий, или испорчены следами, нанесенными баллончиком, или вытерты тряпками, пропитанными скипидаром. В целом, подход Вула демонстрирует отношение любви-ненависти к живописи и, в частности, к абстракции.

Christopher Wool, Untitled , 2007

Показать еще

Электронное письмо, которое вам действительно понравится

Подпишитесь на нашу рассылку. Откройте для себя лучшее из города, в первую очередь.

Вводя свой адрес электронной почты, вы соглашаетесь с нашими Условиями использования и Политикой конфиденциальности, а также соглашаетесь получать электронные письма от Time Out о новостях, событиях, предложениях и рекламных акциях партнеров.

🙌 Отлично, вы подписались!

Спасибо за подписку! Ждите скоро свой первый информационный бюллетень в своем почтовом ящике!

Рекомендуем

• [изображение]

  [название]

Реклама

Самые известные абстрактные произведения искусства за последние 100 лет

С момента своего возникновения в конце 19 века и до наших дней абстракция проявлялась на протяжении многих лет. Это невероятно универсальный жанр, который позволил ему пройти обширную эволюцию, и теперь его можно классифицировать сотнями различных способов, но все же его можно классифицировать как абстрактное искусство . Сюда входят такие жанры, как абстрактный экспрессионизм, лирическая абстракция, цветовое поле, пост-живописная абстракция и даже минимализм, и это лишь некоторые из них.

Сила абстракции проникла и в современное искусство, и сегодня она до сих пор занимает прочные позиции на рынке коммерческих галерей и аукционных домов. От быстрого подъема того, что известно как Abstraction-Création, группы, созданной для противодействия влиянию сюрреалистов, до выдающихся художников-абстракционистов, которые до сих пор практикуют в этом жанре, ясно, что этот жанр выживет еще много лет.

В этой статье мы собрали эти 15 произведений искусства, которые оказали и продолжают оказывать значительное влияние на жанр абстрактное искусство : 

 

Василий Кандинский,

Композиция X , 1939

Василий Кандинский, Композиция X, 1939. Изображение предоставлено сайтом wassilykandinsky.net

русский художник, но и теоретик искусства. Влияние, которое он спровоцировал и оставил на мир искусства и на абстракцию, было огромным, поскольку после этого он стал соучредителем художественной группы Phalanx и The New Group of Artists, организуя выставки для своих современников за годы работы художником. За свою карьеру он создал более 600 работ с 1913 картина достигла своей рекордной аукционной цены в 41,6 миллиона долларов в 2017 году. Этой работой он стремился завершить свое исследование чистоты формы и выражения последней в своей пожизненной серии «Композиций». До этого момента он экономно использовал черный цвет в своей практике, и его критиковали за то, что эта работа одновременно напоминает о космосе, а также о мрачном предзнаменовании приближения конца его жизни.

Коллекция произведений если вам нравится Василий Кандинский

 

Пит Мондриан,

Композиция II в красных, синих и желтых тонах предоставлено Google Arts & Culture.

«Композиция II в красных, синих и желтых тонах» стала поворотным моментом в практике Пита Мондриана. Стремясь достичь полной абстракции, Мондриан считал, что универсальная чистота может быть выражена через «неопластизм», также известный как пластические искусства. Он искал баланс в своих работах и ​​много писал о композиционной гармонии, он тщательно изучал расположение цветов, размер форм и качество поверхностей в своих работах, все в надежде достичь «неподвижности» в своих работах.

В какой-то момент своей жизни вы, вероятно, сталкивались с этой работой. Эта картина зарекомендовала себя как одна из культовых во второй половине 20-го века и сегодня пронизывает мотивы поп-культуры. По сути, Мондриан достиг определенного баланса. С яркими широкими линиями, контрастирующими с большим красным квадратом, крошечным желтым прямоугольником, выходящим из нижней части работы, красным и синим, становится ясно, что эти простые цветные формы представляют собой нечто большее, чем кажется на первый взгляд.

Коллекция произведений искусства, если вам нравится Пит Мондриан.

Несмотря на известность как художник-сюрреалист, «Peinture (Etoile Bleue)» Миро стал переходом между фигуративным и абстрактным искусством . В 2012 году картина «Peinture (Etoile Bleue)» возглавила вечернюю распродажу произведений импрессионистов и современного искусства Sotheby’s в Лондоне и принесла 23,5 миллиона фунтов стерлингов, установив рекорд для художника, а также заработав более чем в три раза больше, чем пять лет назад.

Эта картина известна как одна из самых важных картин в карьере Миро. Примечательно, что использованный палящий синий цвет можно увидеть в нескольких его будущих работах, и он даже зашел так далеко, что повлиял на таких художников, как Марк Ротко и Ив Кляйн.

Коллекция произведений искусства, если вам нравится Жоан Миро

 

Ben Nicholson OM,

1934 (рельеф) , 1934

Ben Nicholson OM Re, 1931 (любезно предоставлено Ben Nicholson OMRe, 4. 34)

Вдохновленный тем, как картины могут представлять пространство, Бен Николсон отказался от своих фигуративных и абстрактных работ, вдохновленных постимпрессионизмом и кубизмом, и начал экспериментировать и создавать свои абстрактные рельефы. Эти абстрактные геометрические скульптурные рельефы олицетворяли качество ручной работы, которое Николсон затем покрасил в белый цвет.

Важность «1934 (Рельеф)» обусловлена ​​влиянием Пита Мондриана и скульптора Барбары Хепуорт (в то время его любовницы). Быстрый переход от его предыдущих абстрактных картин к этим рельефам, вероятно, был связан со встречей с Мондрианом за год до того, как они были созданы, а также с сильным вдохновением от других абстракционистов, таких как Жоан Миро и Александр Колдер.

 

Джексон Поллок,

Конвергенция , 1952 

Джексон Поллок, Конвергенция, 1952. Изображение предоставлено jackson-pollock.org.

За короткие 44 года своей жизни Джексон Поллок написал впечатляющие 363 картины. Он наиболее известен своей техникой капельного рисования, и многие из этих динамических картин, которые он создал, оставили свой след в мире искусства и могут быть признаны выдающимися.

И все же «Конвергенция» оказалась на вершине списка. Он является примером важного и новаторского развития в истории живописи благодаря воплощению свободы слова и свободы самовыражения. Поллок через эту картину выразил мысли об угрозе коммунизма и холодной войне с Россией. Он был описан как «все, за что боролись американцы, завернуто в грязную, но глубокую упаковку» .

В 1964 году компания по производству пазлов выпустила «Конвергенцию» в виде головоломки из 340 элементов, продвигая ее как «самую сложную головоломку в мире». Тысячи американцев купили его, что еще больше обозначило влияние Поллока на страну.

Коллекция произведений искусства, если вам нравится Джексон Поллок

 

Хелен Франкенталер,

Горы и море , 1952

Хелен Франкенталер, Горы и море, 1952. Изображение предоставлено Гуггенхаймом в Бильбао.

На стыке абстрактного экспрессионизма и живописи цветового поля лежит картина Хелен Франкенталер «Горы и море». Франкенталер прославилась своей техникой «замачивания», поскольку это была первая работа, созданная с ее использованием. В этой технике Франкенталер разбавляла краску скипидаром или керосином, и полученная жидкость впитывалась через ее незагрунтованные холсты. Это пятно оставляло ауру, которая придавала ее работам ощущение вечного движения.

Франкенталер столкнулась с черно-белыми картинами Джексона Поллока в галерее в Нью-Йорке и после этого воплотила в своей практике более свободный процесс. Ее абстрактные работы , подвижные и почти прозрачные на ощупь, предлагают своим зрителям иллюзии. Ее легкие и плавные работы контрастировали с популярными в то время тяжелыми техниками импасто и, таким образом, оказали влияние на многих художников вокруг нее.

Коллекция произведений искусства, если вам нравится Хелен Франкенталер

 

Марк Ротко,

Белый центр (желтый, розовый и лавандовый на розовом) , 1950

Марк Ротко, Белый центр (желтый, розовый и лавандовый на розовом), 1950 г. Изображение предоставлено New York Times.

Известный в мире абстрактного искусства художник Марк Ротко создал множество работ, получивших признание. Его основная слава и известность пришли из «Белый центр (желтый, розовый и бледно-лиловый на розе) », когда он был продан в мае 2007 года Sotheby’s от имени Дэвида Рокфеллера королевской семье Катара за 72,84 миллиона долларов, установив рекорд. самое дорогое послевоенное произведение искусства, проданное с аукциона.

1950 год был годом, когда Ротко начал делить свои холсты на горизонтальные цветные полосы, в результате чего они выглядели так, как будто они парят перед цветовым полем, на котором они расположены. В этот период он успешно добивался с помощью тонких вариаций широкого спектра движений и настроений, с «Белый центр (желтый, розовый и лавандовый на розовом)» , иллюстрирующим эти амбиции.

Коллекция произведений искусства, если вам нравится Марк Ротко

 

Герхард Рихтер,

Абстрактная живопись 599 , 1986

Герхард Рихтер, Абстрактная живопись 599, 1986. Изображение предоставлено gerhard-richter.com.

Герхард Рихтер — многопрофильный художник, создавший не только абстрактное искусство , но и фотореалистичные картины, фотографии и изделия из стекла. Его работы, считающиеся одним из самых важных современных немецких художников нашего времени, также установили рекордные цены на аукционах.

Он начал создавать абстрактные картины в конце 70-х годов, называя их «фиктивными моделями, потому что они делают видимой реальность, которую мы не можем ни увидеть, ни описать, но существование которой мы можем постулировать». Хотя он написал много таких картин за свою карьеру, «Абстрактная живопись 599» примечательна тем, что является одной из любимых картин Рихтера. Позже она была продана анонимному покупателю за 46 миллионов долларов в 2015 году, что сделало ее самой дорогой картиной Рихтера на данный момент.

Коллекция произведений искусства, если вам нравится Герхард Рихтер

 

Роберт Мазервелл,

Элегия Испанской Республике , 1965-67

Роберт Мазервелл, Элегия Испанской Республике 108, 1965-67. Изображение предоставлено МоМА.

Хотя Роберту Мазервеллу был всего 21 год, когда разразилась Гражданская война в Испании, ее зверства сильно повлияли на него в последующие годы. В результате он создал серию из более чем 200 картин в ответ на это. Серия «Элегия Испанской республике» служит множеством воспоминаний о человеческих страданиях, а также «абстрактными, поэтическими символами неумолимого круговорота жизни и смерти».

О Элегиях Мазервелл заявил, что «После периода их рисования я обнаружил Блэка в качестве одного из моих предметов — и с черным, контрастным белым, чувством жизни и смерти, которое для меня вполне испанское. . По сути, это испанская чернота смерти, контрастирующая с ослеплением солнечного света в духе Матисса».

 

Сай Твомбли,

Леда и Лебедь , 1962

Сай Твомбли, Леда и Лебедь, 1962. Изображение предоставлено Christie’s.

Невиданная более 30 лет картина «Леда и лебедь» стала самой ожидаемой картиной сезона 2017 года и продана более чем за 52 миллиона долларов. Глубоко вдохновленный во время своего пребывания в Риме и в целом близок к событиям классической древности, Сай Твомбли создавал картины, связанные с римской мифологией.

Название этой работы указывает на римский миф, в котором Юпитер, превратившись в лебедя, пытается соблазнить Леду, которая впоследствии родит Елену Троянскую. Вместо того, чтобы изображать обычную женскую фигуру, запутавшуюся в лебеде (как это делали такие художники, как Леонардо и Микеланджело), ​​Твомбли вооружился арсеналом смешанной техники и начал метаться по холсту. Твомбли воплощает здесь Юпитера, а не изображает его, перенося свою практику на холст, чтобы создать эту полностью инкапсулирующую работу.

 

Известное абстрактное искусство в Азии 

Зао У-Ки, июль-октябрь 1985 , 1985

Зао У-Ки, июнь-октябрь 1985, 1985. Изображение предоставлено The National.

Один из немногих китайских художников, чья карьера достигла мирового уровня, в последние несколько десятилетий наблюдался всплеск популярности абстрактных работ Зао Ву-Ки. На вечерней распродаже современного искусства Sotheby’s 30 сентября 2018 года картина Zao ‘Juin-Octobre 1985’ была оценена в 45 миллионов долларов, а позже значительно превзошла эту цену, бросив цену в 65 миллионов долларов.

Этот монументальный триптих был чрезвычайно редким и был заказан знаменитым архитектором И. М. Пей для Raffles City в Сингапуре. И Зао, и Пей были близкими друзьями, и их дружба продлилась более 60 лет. В Raffles Place эта картина была выставлена ​​вместе с работами таких известных художников, как Эллсворт Келли и Кеннет Нолан.

 

Чу Дэ-Чунь,

Осень, 1 мая , 1978

Чу Дэ-Чунь, Осень, 1 мая 1978 года. Изображение предоставлено China Daily.

«Осень, 1 мая» Чу Тэх-Чуна классифицируется как основополагающая работа, поскольку она продемонстрировала полное движение художника в области абстракции. Блестяще уравновешивая контраст между тьмой и светом, именно в этой работе Чу наиболее заметно передал сильные элементы китайской эстетики.

Чу вместе с Зао Ву-Ки и Ву Гуаньчжуном был назван одним из «трех мушкетеров», которые успешно перенесли китайское искусство в современную эпоху, получив международное признание. Чу переехал в Париж в 1950-х, где он преобразовал свой стиль от фигурации к абстракции. Во время этого перехода он объединил классические штрихи китайской каллиграфии с западными цветовыми палитрами. Эта художественная эволюция принесла ему успех, сделав его первым этническим китайцем, приглашенным в Академию изящных искусств Франции.

 

Кристин Ай Тджо,

«Мухи и другие крылья» , 2013

Кристин Ай Тджо, «Мухи и другие крылья», 2013 г. Изображение предоставлено The Alternative Vision.

Кристин Ай Тджо категорически против своих индонезийских современников, таких как И Ньоман Масриади и Хандивирман Сапутра. «Маленькие мухи и другие крылья» был оценен в 154 120 долларов на вечерней распродаже Phillip’s 20th Century & Contemporary Art & Design в 2017 году. Затем он был реализован более чем на 700% от этой оценки с молотковой ценой в 1,25 миллиона долларов.

Работы одной из самых выдающихся художниц Индонезии Ай Тджо источают черты абстракции. Это ее внутренний мир мыслей, меланхолическая борьба, боль и счастье, которые проявляются в ее практике и на ее динамичных полотнах.

 

Томоо Гокита,

Презрение , 2011

Томоо Гокита, Презрение, 2011 г. Изображение предоставлено Japan Times.

Абстрактные работы Томоо Гокиты прекрасно сочетаются с фигуративностью. На его впечатляющей первой музейной персональной выставке в Мемориальном художественном музее DIC Кавамура в Тибе в 2014 году картина «Презрение» была отмечена многими как самая сильная картина выставки. Эта картина «идеально уравновешивает меланхолическую соблазнительность мягких градаций серого, напоминающую расфокусированную фотографию, с затемненным лицом (повторяющийся образ в его картинах)».

В другой совершенной абстрактной картине в шоу под названием «Воссоединение класса Кушияки» мы отмечаем, как он избегает общих выражений абстракции. Он даже доходит до того, что объясняет, как «простая абстракция может смущать». Присутствие Гокиты как художника-абстракциониста сегодня остается сильным на современном аукционном рынке.

 

---

 

Хильма Аф Клинт,

Алтарь №1-3 , 1915

Хильма Аф Клинт, Алтарь №1-3, 1915. Изображение предоставлено Гуггенхаймом.

Несмотря на то, что этот пост посвящен самым известным произведениям искусства за последние 100 лет, мы посчитали, что наш список будет неполным без упоминания этой серии  Хильмы Аф Клинт.

Родом из Швеции Хильма Аф Клинт никогда не осмеливалась показывать свои работы современникам и даже просила, чтобы они хранились в тайне не менее 20 лет после ее смерти. В результате она не была известна как художник-абстракционист в свое время, но она известна сейчас, и многие говорят о ней как о первопроходце наряду с такими современниками, как Василий Кандинский. За годы работы художником Аф Клинт создала более 1200 картин, а также 150 записных книжек со своими мыслями и исследованиями в области абстракции, духовных и философских идей.

Серия алтарей была произведена в качестве финальных частей для Картины храма . Эти работы, последовательно следующие темам духовности в ее практике, представляют собой почти диаграммы и абстракции от ее идей, представляющие интерпретации Аф Клинт невидимого мира и его невидимых сил. Давно назревшая ретроспектива Аф Клинт в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке с 2018 по 2019 год надлежащим образом выделила эту серию наряду с ее работами 19 века.06 to 1920. 

 

Хотя не каждый может владеть самыми известными абстрактными картинами века, у нас определенно есть лучших абстрактных работ от лучших современных художников именно для вас.

11 Новые художники переосмысливают абстрактную живопись

Искусство

Алина Коэн

6 января 2020 г. 18:00

Разделение между абстракцией и фигурацией — ложная, но полезная дихотомия. Художники, которые в первую очередь озабочены взаимодействием между цветом, линией и формой, также делают метки и формы, которые могут указывать на части тела, пейзажи и объекты, традиционно относимые к натюрмортам. Даже монохромные картины могут вызывать в воображении знакомые пейзажи: серый холст может вызывать ассоциации со скалой, а синий — с морем.

Этот принцип может действовать и по-другому. «В принципе я считаю себя фигуративным художником, — сказала мне художница Луиза Джованелли, — но у меня определенно есть расплывчатое представление о фигурации — обо всем, что предполагает форму, даже если это предположение слабое».

Новое поколение художников в возрасте 40 лет и моложе переосмысливает то, что мы могли бы назвать, за неимением лучшего термина, абстракцией. Для них ярлыки не важны. Их больше интересуют бесконечные способы применения краски для создания наводящих на размышления, соблазнительных и трансцендентных композиций. Они исследуют, что значит рисовать в эпоху цифровых технологий, и используют современные исследования для создания новых узоров и дизайнов. Несмотря на разнообразие практик этих художников, их всех объединяет почти мистическая преданность процессу создания и желание общаться с помощью символов и оттенков.

Б. 1993, Лондон. Живет и работает в Лондоне

Холсты Жаде Фадожутими наполнены энергичными мазками, впечатляющими формами и юношеской цветовой палитрой. Ее работы дают зрителям настоящий буфет линий, которым нужно следовать, и связей, которые нужно установить. «Я считаю, что мой процесс не более уникален, чем я», — сказал Фадожутими. Ее тип абстракции жестов действительно привлекает внимание к необычности ее собственного создания знаков.

В декабре ICA Miami объявила, что станет первым учреждением, которое приобретет работы Фадожутими. Своя штука, Точка бессмысленности (2019) с петлевидными шнуровидными линиями темно-синего цвета и календулы на фоне более густых и томных мазков размытого пурпурного, синего и желтого цветов. Оттенки напоминают чернила, используемые в процессе компьютерной печати.

Запутывания и ловушки Фадожутими еще больше наводят на размышления об отношениях между технологиями и искусством, учитывая, что значит создавать что-то столь же аналоговое, как картина, в эпоху цифровых технологий. «Я хочу изобразить неописуемое: моменты, которые восхищают и бросают мне вызов потоком вопросов, которые со временем продолжают накапливаться», — сказал Фадожутими. «К ним относятся чувства принадлежности, борьбы, удовольствия, конфликта — аспекты реальности, которые невозможно полностью выразить с помощью языка».

Б. 1983, Абердин, Великобритания. Живет и работает в Лондоне.

Реклама

Руаириад О’Коннелл ищет самые разные исследовательские интересы: от дизайна до современного танца; судебное разбирательство по делу об убийстве по влиянию болезни Паркинсона на мозг. Изучив эти предметы, О’Коннелл формулирует абстрактный эстетический ответ.

На его работу 2017 года «Профили в заключении» вдохновил отпечаток обуви Air Jordan, оставленный на месте убийства. На холстах с шевронной подкладкой — некоторые прямоугольные, некоторые — по форме напоминающие пару ботинок — он превращал компрометирующие знаки в неоднозначные элементы дизайна.

Абстракция сама по себе не движет О’Коннеллом. Вместо этого, по его словам, он стремится «сопоставить сложные идеи с материальными процессами, которые я открываю по пути, что приводит к качеству поверхности и глубине, которые меня волнуют».

Недавно О’Коннелл начала работать с Английским национальным балетом, чтобы выяснить, как танец может облегчить симптомы болезни Паркинсона. Полученные работы из смолы и джесмонита имеют яркие металлические оттенки поверх узоров, которые кажутся знакомыми, но их трудно разместить, что создает сверхъестественное впечатление от просмотра.

Б. 1986, Шаньдун, Китай. Живет и работает в Лос-Анджелесе.

Хан Бин не решается назвать свою работу абстрактной, поскольку черпает вдохновение в городских улицах и архитектурных фасадах. Эти городские элементы она называет «стихи неизвестных авторов».

Многослойные зубчатые формы Хана вызывают в воображении плакаты, сорванные и замененные до бесконечности на станциях метро Нью-Йорка; ее мягкие каракули в белом и ярко-желтом цветах напоминают граффити. На некоторых полотнах репрезентативная часть добавляет момент неожиданности. Глядя на Broome III (2016), например, взгляд перемещается по многослойным прямоугольникам с сеткой и рваным волнистым полосам краски, чтобы остановиться на том, что выглядит как блестящий сегмент жареного хот-дога. В наборе Silver Lining (2019) кажется, что два абстрактных лица соприкасаются, а центральная фиолетовая фигура в наборе QUASH (2019) может быть занавеской или парящей одеждой. Однако ничто в этих произведениях не сводится полностью к фигурации.

Описывая свои картины, Хан сказала, что «иногда они репрезентативны, но больше моментов недоумения, когда несколько пятен неожиданно встретились и создали динамику, которая имела смысл для меня в тот момент».

Б. 1985, Гаррисберг, Пенсильвания. Живет и работает в Нью-Йорке.

Для Альтеронсе Гамби абстракция дает ощущение свободы. Во время лондонской Frieze Week в 2019 году он представил сверкающую серию картин на Sunday Art Fair — отход от монохромных работ, которые он делал в последние годы. В новых работах представлены разноцветные осколки стекла бирюзового, василькового и персикового цветов, встроенные в черный фон. Когда зрители переходили от одной стороны инсталляции к другой, композиции на их глазах меняли цвета.

Гамби сдержанно рассказывал о своем процессе: «Я думаю, что у каждого хорошего художника есть свои приемы, и, как и фокусы, они должны оставаться в секрете», — сказал он. Новые работы упиваются собственными фантастическими обманами цвета и формы, одновременно намекая на космос и что-то сломанное здесь, на Земле. Гамби сказал, что лучшие художники-абстракционисты «используют некоторую форму логики или ссылаются на природу», оставляя при этом достаточно «места для двусмысленности и для того, чтобы зритель мог использовать свое собственное воображение и опыт, чтобы закончить работу».

Он вспомнил детские мечты о превращении палки в космический корабль, бейсбольную биту или винтовку. Абстракция допускает аналогичные творческие скачки. «Нет фиксированного повествования, — сказал Гамби. «Я могу изменить историю или то, кем я являюсь, в любой момент, и это нормально».

Б. 1989, Чикаго. Живет и работает в Нью-Йорке.

Новые картины Лии Гуаданьоли напоминают витражи. Работы лопаются и раздуваются от стены благодаря пене для обивки под полотном. Белое яйцо образует центры Song to the Siren (2019), вокруг которого струятся синие сегменты. Emerge from the Blush (2019) предлагает абстрактные стебли и лепестки, а также розовую форму, похожую на язык.

Гуаданьоли не верит, что картина может быть по-настоящему абстрактной, и это напряжение волнует ее. «Даже самые простые формы имеют смысл, особенно когда они превращены в изобразительное искусство», — сказала она. «Мы не можем не увидеть что-то, вставить личный смысл. Нельзя игнорировать историю абстракции, геометрии и узоров в целом, на протяжении веков и культур. Абстракция — это, прежде всего, общий язык, состоящий из множества диалектов».

Игривые палитры Гуаданьоли напоминают дизайн Мемфиса, в то время как ее урезанные формы и отсылки к женской анатомии могут связать ее с Джорджией О’Киф. Ее плюшевые трехмерные поверхности дразнят зрителей, маня их вжаться в пену, чтобы увидеть, как материал поддается.

Б. 1985, Ричмонд, Вирджиния. Живет и работает в Нью-Йорке.

Острые углы и танцующие разноцветные блоки на картинах Труди Бенсон предполагают, что ее наиболее важным ориентиром является сама сетка. «Для меня абстракция означает, что материал и процесс важны для схемы картины», — сказала она. «Я иллюстрирую наборы взаимосвязей между цветами, маркировкой и поверхностью».

Когда зрители замечают взаимодействие между формой, цветом и линией, они начинают оценивать логику, которая делает структуру картины целостной. Например, в Circling Back (2019) ряд линий пересекает квадраты, заполненные меньшими квадратами. Глядя на одно из полотен Бенсона, вы словно играете в оптическую игру: ищете маленькие моменты и мазки, которые глаз может уловить и проанализировать.

Для создания этих работ Бенсон применяет многоэтапный процесс, в результате которого появляются различные текстуры и глубины. Она наносит и наслаивает краску распылением, кистью и выдавливанием прямо из тюбика. Бенсон иногда использует «технику рисования с резкими краями», слегка маскируя определенные участки скотчем, чтобы ее краска растекалась под краем скотча. Результаты джазовые и радостные.

Б. 1984, Колумбия, Южная Каролина. Живет и работает в Нью-Йорке.

Простой, минималистичный вид композиций Осаму Кобаяши противоречит кропотливому процессу художника. Он рисует густые размашистые мазки широкой кистью. «То, что выглядит легким мазком, на самом деле представляет собой процесс маскирования целых областей, многократную загрузку и перезагрузку кисти, а также бесчисленное количество повторных мазков, чтобы получить тот, который я считаю наиболее успешным», — объяснил он. «Для меня важно запечатлеть что-то, что кажется невероятным, чтобы работа зависла между реальностью и иллюзией».

Названия Кобаяши предлагают зрителю простые и доступные отправные точки. Drip (2019) привлекает внимание к головокружительной розово-желтой подвеске, которая висит между ярко-фиолетовым объемом, занимающим большую часть холста. Тем не менее, ровные, изысканно текстурированные мазки на этом томе вскоре становятся центром внимания, поскольку они каскадом спускаются вниз по холсту и вокруг желтой капли, а затем скользят обратно вверх, прежде чем элегантно покинуть холст. Чем дольше смотришь, тем больше кажется почти театральной плоская, обманчиво прямолинейная композиция.

Б. 1984, Гейтерсберг, Мэриленд. Живет и работает в Нью-Йорке.

Песчаные поверхности картин Трейси Томасон, написанных маслом и мраморной пылью, напоминают оштукатуренный сайдинг и процарапанные поверхности керамических урн. «Я стремлюсь к глиняной поверхности, чтобы принимать шрамы и созвездия, вырезая что-то вроде сталактита или инициалов на стволе дерева», — сказал Томасон. Ее процесс может быть медленным или быстрым, поскольку она использует инструменты, которые описывает как «хирургические», для создания биоморфных форм на своих полотнах. Томасон отметил, что ее бабушка была художницей и практикующей буддисткой. «Без сомнения, я унаследовала от нее определенное терпение при изготовлении», — сказала она.

Сдержанная палитра Томасона передает ощущение сплоченности. С помощью палитры розовых, как мел, белых, лимонно-желтых и огненно-красных цветов, смешанных с мягкими женственными изгибами, она превращает свои холсты в места странных женских символов. Работы напоминают духовное общение Хильмы аф Клинт через живопись или абстрактное повествование Жоана Миро через повторяющиеся, переставленные формы.

Б. 1983, Нью-Брансуик, Нью-Джерси. Живет и работает в Нью-Йорке.

Джейсон Стопа создает картины-в-картинах, которые предполагают открытие нескольких браузеров на одном рабочем столе. Например, красный фон с желтыми полосами и ромбами может иметь два отдельных передних плана на двух вертикально ориентированных прямоугольниках одинакового размера, которые содержат больше цвета и узора. Такие композиции усложняют представления о переднем и заднем планах; поверхности и опоры.

Стопа сказал, что он в конечном счете считает, что в первую очередь живопись — это «цвет как свет и свет как пространство». Ему интересно переосмыслить живописное пространство и связать свои идеи с виртуальным, домашним, общественным и внутренним миром, в котором он и его зрители живут. Весь разрыв между абстракцией и фигурацией кажется ему ретроградным, «проблемой ХХ века». Он считает беспредметное искусство невозможным: мозг устроен так, чтобы устанавливать связи между эстетическими элементами, такими как цвет и линия, и идеями за пределами холста.

Б. 1985, Вашингтон, округ Колумбия. Живет и работает в Нью-Йорке.

Брызги алого, цвета морской волны, огненно-оранжевого и желтого несутся по полотнам Беатрис Модизетт, свидетельствуя о ее динамичном процессе. Она редко пользуется кистями, вместо этого предпочитая наливать краску на холсты. Художник поочередно блокирует разные сегменты своей работы, чтобы направить поток краски, создавая напряжение между контролем и случайностью на своих поверхностях. В своей студии Модизетт сказала, что борется с «ожиданием, потерей и физикой», позволяя своей краске растекаться веером или объединяться, смешиваться с другими оттенками или держаться отдельно.

Смелые цвета Модизетт усиливают драматизм, заложенный в ее процессе, и создают ассоциации у зрителя. «Мои картины ссылаются на земное и телесное: извержения, цунами, кровеносные сосуды и многое другое», — сказала она. «Эти ссылки разрушаются, когда я формирую образ, отфильтрованный моим собственным опытом как человека и художника».

Б. 1981, Сызрань, Россия. Живет и работает в Нью-Йорке.

Евгения Барас текстурирует свои картины, накладывая масло и бумажную массу на натянутый и ненатянутый холст. На шероховатых поверхностях попеременно изображены буквы, цифры, квадраты, круги, загогулины и множество наводящих на размышления форм. Посмотрите достаточно внимательно, и вы увидите замочную скважину, реку или часы. Чувство импровизации и игры объединяет ее разрозненные символики — возможно, оттенок фальшивой наивности или попытка получить доступ к некоему изначальному пониманию мира и систем вокруг нас.

Барас ценит эксперименты и изобретения, которые позволяет абстракция. «Мой процесс основан на моем чувстве к материалу и к преобразованию этих материалов», — сказала она. Хотя ее работы кажутся абстрактными, она отмечает, что в них «рассматривается тело» и предпринимаются попытки запечатлеть неземные эмоции с помощью конкретных элементов. Ее картины — это не идеи, а твердые, закрученные, явно трехмерные объекты.

AC

Алина Коэн

«Музеи не заметили этих художников»: воспеваем забытых женщин абстрактного искусства | Статья

В 1934 году художница-абстракционист Элис Трамбулл Мейсон написала своей сестре Маргарет Дженнингс письмо, в котором отметила, что очень хочет возобновить рисование, которое она временно прекратила, чтобы воспитывать детей.

«Мне не терпится вернуться к рисованию, и, конечно, до этого еще как минимум пара лет», — написал Мейсон. «Дети очаровательны и ужасно интересны. Я ничего не говорю против них, но… я не могу быть просто поглощен ими».

Возможно, поэтому неудивительно, что, когда Мейсон вернулась к рисованию через год после того, как она написала это письмо — раньше, чем она ожидала, — она не рисовала своих детей или сцены из жизни дома; скорее, она стала одним из основателей нью-йоркской организации American Abstract Artists, присоединившись к группе художников, экспериментирующих с формой искусства, более распространенной в Европе, но в значительной степени отвергнутой критиками и кураторами в США в то время, которые поддерживали реализм. (мужчины) художники, включая Томаса Харта Бентона и Джона Стюарта Карри.

Мейсон была одной из многих художниц, которые также столкнулись с дополнительным барьером, будучи женщиной в мире искусства, где доминируют мужчины. Но эти художники также сыграли важную, но исторически недооцененную роль в техническом и концептуальном развитии абстракции в США. на выставке, которая открылась в этом месяце в нью-йоркском Музее американского искусства Уитни. По словам куратора Сары Хамфревилл, старшего куратора, на выставке в течение марта представлено более 30 работ — в основном меньшего размера и на бумаге — 27 женщин-художников, которые нашли творческую, хотя и подрывную, свободу в экспериментах за пределами господствующего художественного истеблишмента. помощник куратора в музее.

Лабиринт закрытых форм Элис Трамбалл Мейсон (1945). Фотография: Роберт Герхардт и Денис Суспицын/Emily Mason & Alice Trumbull Mason Foundation/Лицензия VAGA на Artists Rights Society

Принимая абстракцию, женщины отвергали реализм, который доминировал в десятилетие, который часто усиливал «определенные темы, которые люди определяли как быть особенно женственным или подходящим для женщин», например, картины матерей и детей, сказал Хамфревилль.

«Работая в абстракции и, следовательно, во многих случаях не имея явного предмета, они действительно обошли все это затруднительное положение», — добавила она.

Художники работали с новыми формами гравюры и другими средствами, полагаясь на линии, формы и тени, чтобы организовать свои композиции, часто играя с перспективой в процессе, чтобы создать иллюзию глубины на бумаге. Под руководством художника и учителя Ганса Хофманна они также научились использовать негативное пространство и размещать перекрывающиеся и пересекающиеся формы — идеи, которые, по словам Хамфревилля, были «дикими» в США в то время.

Художники делились своими идеями в небольших группах, где женщины часто брали на себя лидирующие роли, как это сделали Мейсон и другие женщины, представленные на выставке, в том числе Розалинда Бенгельсдорф и Гертруда Грин, соучредители American Abstract Artists. «Внутри группы к женщинам относились как к равным; они служили офицерами, участвовали в комитетах, писали для публикаций и организовывали программы», — написала Хамфревилл об ААА в своем эссе, сопровождавшем выставку.

После того, как Уитни устроила 1935 выставка абстракции в США, в которую не вошли более молодые художники, а Музей современного искусства организовал в следующем году выставку кубизма и абстракционизма с участием только европейских художников, ААА, в состав которого также входили многие мужчины, организовал выставку американских художников. художников-абстракционистов в галереях Squibb Galleries в центре Манхэттена в апреле 1937 года. За две недели он привлек более 1500 человек.

Натюрморт Ли Краснера (1938). Фото: Роберт Герхардт и Денис Суспицын/Фонд Поллока-Краснера/Общество прав художников

Несмотря на то, что отзывы были в основном негативными — «рецензенты обвиняли художников в том, что они скучны, декоративны, производны и оторваны от реальности», — писал Хамфревилль, — художники-экспоненты получили редкую положительную оценку от Хармион фон Виганд, критика и самой художницы-абстракциониста ( у которого также есть рисунок на выставке Уитни).

Выполнение этих двойных ролей художника и критика означало, что фон Виганд был «одним из людей в США, которые, вероятно, с самого начала очень хорошо понимали современное искусство из первых рук», — сказал Хамфревилль. В своем обзоре 1937, фон Виганд «на самом деле приводил доводы в пользу абстракции и говорил, что для кого-то нет ничего аполитичного в том, чтобы выполнять работу и выражать себя таким образом», — добавил Хамфревилль.

ААА продолжало проводить выставки на протяжении 30-х годов, способствуя более широкому признанию американской абстракции среди критиков к началу 1940-х годов.

Примерно в то же время в Нью-Йорке сформировалась еще одна авангардная группа: Atelier 17, где 40% членов составляли женщины, включая членов ААА. По словам Хамфревилля, мастерская «поощряла технические и формальные изобретения», а художники специализировались на новых процессах печати и внедряли их. Норма Морган, чьи работы также представлены в «Лабиринте форм», была одной из двух чернокожих художниц, входивших в группу (второй была Эванджелин Сент-Клер).

Несмотря на творческую свободу, которую художники нашли, работая вместе и с новыми формами, отказ от художественного статус-кво – особенно в отношении женщин – имел свою цену: «У них есть этот двойной слой маргинализации – они создают искусство, которое не обязательно является самым популярен в США… и затем, если вы женщина вдобавок ко всему, это [дополнительный] слой», — сказал Хамфревилл.

Черный шар в комнате Джун Уэйн (1948). Фотография: Роберт Герхардт и Денис Суспицын/Джун Уэйн/Лицензировано VAGA в Обществе прав художников, Нью-Йорк

Быть женщиной-художницей стало еще более тяжелым бременем с рассветом абстрактного экспрессионизма, который к 1950 году стал «высоко мужским» движением, по словам Хамфревилля.

Пытаясь обойти гендерные барьеры, с которыми они столкнулись, некоторые женщины, представленные на выставке Уитни, в том числе Дорр Ботвелл и Ирэн Райс Перейра, которые стали одной из первых двух женщин, принявших ретроспективу в Уитни в 1953 году. — представили свои работы с измененными, менее явно женскими версиями своих официальных имен, чтобы иметь больше шансов на выставку: Ботвелл официально изменила свое имя с Дорис, а Перейра подписала свои работы как «Я Райс Перейра».

Критики также регулярно выражали свое удивление, когда узнавали истинные личности женщин-художников, как и Ганс Хофманн, художник и учитель, который обучал многих художников, представленных на выставке Уитни: в случае, много раз описанном художником-абстракционистом-экспрессионистом Ли. Краснер, Хофманн однажды якобы заметил, что рисунок, который она нарисовала, был «настолько хорош, что вы бы и не догадались, что его нарисовала женщина». (Его коллега по абстрактному экспрессионизму Элейн де Кунинг поделилась похожими воспоминаниями об оценке Хофманом ее собственных работ.) Это «свело [Краснера] с ума», — сказал Хамфревилль.

Вслед за работой искусствоведов-феминисток, начиная с 1970-х годов, музеи и ученые в последнее время начали критически пересматривать искусствоведческие отчеты о развитии американской абстракции, которые исключают вклад женщин и цветных людей, добавил Хамфревилл, указывая на выставка «Женщины абстрактного экспрессионизма» Денверского художественного музея в 2016 году и собственная ретроспектива Агнес Пелтон Уитни в прошлом году.

Но «Лабиринт форм» также имеет большое значение для своего дома, учитывая, что «Уитни на самом деле не собирала большую часть этого материала по мере его создания», — сказал Хамфревилл, добавив, что многие работы не были добавлены в музейную коллекцию. сбор до конца 1970-е годы.

Выставка, добавила она, представляет собой давно назревшее исправление — как для американской истории искусства, так и для самой Уитни: «Многие музеи в то время также упускали из виду этих художников… эта маргинализация уже начинает происходить при их жизни». , что делает так, что когда они вписываются в историю, она обязательно должна быть немного ревизионистской».

Лучшие молодые художники-абстракционисты, о которых вы должны знать

Представляем…

Потому что их смелая и яркая работа полностью преобразит ваш дом. Вы можете покрасить его, оклеить обоями, покрыть рамками или большой книжной полкой. Но, возможно, лучше всего использовать пустую стену для демонстрации действительно впечатляющего произведения искусства, которое мгновенно добавит индивидуальности вашему дому. И если вы нерешительны и растерялись в выборе стиля, можем ли мы предложить что-то минималистичное? Фигурные абстрактные картины всегда были верным выбором, чтобы заявить о себе на стенах, не перегружая пространство. Только взгляните на этого Роберта Мазервелла в столовой Холли Хант или на Эллсворта Келли, висящего над каминной полкой Марка Джейкобса. И хотя это совсем не новый стиль искусства, есть группа молодых художников, которые снова и снова делают его свежим и актуальным. Цвета перенасыщены, линии четкие и четкие, а формы странные и замечательные. Красота абстрактного искусства, помимо смелого заявления, которое оно делает, заключается в том, что оно никогда не выходит из моды, а формы и цвета дополняют любую схему дизайна; поэтому, если вы инвестируете в одну из этих работ, она, безусловно, может следовать за вами в каждый будущий дом или перемещаться из комнаты в комнату по мере необходимости. Лучше всего то, что они просто очень красивые, и мы не можем налюбоваться. Познакомьтесь с нашими любимыми молодыми художниками-абстракционистами:

Если вы находитесь в районе залива, посмотрите работы местной художницы Элизабет Рассел до 27 мая в галерее Interface в Окленде. Ее вертикально ориентированные формы на больших полотнах заставили бы любую стену мгновенно выглядеть выше и живее.

Фото Филиппа Мейзела

Мы впервые увидели работы уроженца Южной Калифорнии Маттеа Перротта в квартире Кая Авента-ДеЛеона и очень рады, что успокаивающая палитра и формы будут интерпретированы на коврах.

Органические формы и линии Джона Забавы можно увидеть повсюду с обложки Bon Appetit на полотенца от Slowdown Studio и стены хотспота El Rey Court. Но с момента его первой персональной выставки картин в январе мы с нетерпением ждем возможности увидеть гораздо больше рисунков Забавы в этой среде.

Работа Осаму Кобаяши не для слабонервных. Гиперпигментированные картины бруклинского художника одновременно поразительны и медитативны.

Если вы любите Block Shop Textiles так же сильно, как и мы, вам понравится искусство художницы Лили Стокман, которая вместе со своей сестрой Хопи основала компанию, живя в Джайпуре, Индия. Ее картины имеют похожие детали с закругленными краями, которые вы можете увидеть в настоящее время в галерее Чарльза Моффетта в Нижнем Ист-Сайде Нью-Йорка до 30 июня. 0003

Фотографии Джеффа Маклейна/Courtesy of Charles Moffett

Самые популярные

Уроженец Атланты Алекс Брюэр, также известный как Хенсе, получил заказ на покраску целых зданий, и даже его крутые работы на холсте такой же динамичный и привлекательный.

Художница-самоучка Эви О использует четкие формы в ярких основных цветах для своих игривых работ, многие из которых вдохновлены природой. Некоторые из ее произведений доступны онлайн в крутой австралийской галерее Saint Cloche.

Фото Николаса Ватта

Член-основатель креативного агентства Büro4 в Цюрихе Ивонн Робер по профессии графический дизайнер и иллюстратор. Но после того, как она использовала живопись как творческую отдушину и завоевала популярность благодаря своим успокаивающим формам и цветам, теперь у нее есть первая персональная выставка в июле в Kunstsalon Zürich.

Самые популярные

Художница из Торонто Кэтрин Макнотон имеет опыт работы в области графического дизайна и иллюстрации, который наилучшим образом проявляется в ее картинах. Ее интерес к цифровому дизайну и реальным формам, таким как женское тело и природа, делает работу абстрактной, но объемной и знакомой. Смотрите ее последние работы в Лондоне в Beers до 21 июля.

Когда мы увидели картины Закери Тайлера в Consort, мы знали, что скоро увидим их на стенах каждого поклонника стильного дизайна. В его аккаунте в Instagram представлены работы в его собственном прекрасно оформленном доме, поэтому вы можете увидеть, как это влияет на пространство.

Бельгийский художник Оливье Вранкен использует неожиданные сочетания цветов и делает их совершенно очаровательными.

Фото Joost Van Ash1

Картины австралийской художницы Кэролайн Уоллс в основном выполнены в черно-белых или нейтральных тонах. Но нет ничего нейтрального в ее работах, вдохновленных женскими формами.

Фото Лизы Рэй

Французский художник Бертран Фурнье — абсолютная история успеха в социальных сетях. Когда он занялся рисованием в качестве хобби (его основная работа была медсестрой), его привлекательные графические и линейные работы распространились в Instagram со скоростью лесного пожара. Теперь у него тысячи подписчиков и шоу в лондонском The Dot Project, помогающее превратить подработку в образ жизни.

Возможно, вы видели невероятные работы Джонни Абрахамса в галерее The Hole, но также ожидаете увидеть его притягательные работы в самых стильных домах.

Самые популярные

Лондонский художник Майкл Уолл часто вдохновляется геометрической абстракцией 80-х. В сочетании с мощной палитрой основных цветов его большие работы привлекают внимание.

Связанный: Вот как вы можете позволить себе оригинальные произведения искусства

Мои 20 любимых художников-абстракционистов

Как художник-абстракционист, я получаю много вдохновения и мотивации от других художников-абстракционистов и их работ. Поэтому я хотел отблагодарить это прекрасное сообщество, поделившись с вами список 20 моих любимых художников-абстракционистов, которых я люблю и обожаю . Они варьируются от всемирно известных художников эпохи абстрактного экспрессионизма до новых, начинающих художников с небольшим количеством подписчиков в социальных сетях.

Независимо от того, сколько людей их знает, я надеюсь, вам понравятся все художники и их прекрасные работы. Я сделаю все возможное, чтобы оставить ссылки на их страницы в социальных сетях, веб-сайт или магазины, если вы влюбитесь в кого-то из них сами. Пожалуйста, поддержите их и пошлите им много любви!

Итак, вот мои лучшие работы в произвольном порядке (по состоянию на июль 2018 г.)

---

Сай Твомбли

Сай Твомбли является мега-фаворитом среди многих любителей абстракции по уважительной причине: его работы были новаторскими. Они помогли тем, кто видел его работы, увидеть и почувствовать грубые эмоции его жестикуляционных «каракулей» на его работах на холсте: «каракули», которые были многослойными, глубокими и богатыми, иногда похожими на облака, иногда тонкими линиями, а иногда толстыми и черный, отражающий то, что можно ощутить как внутреннюю суматоху, с которой мы все сталкиваемся как человеческие существа.

На изображении ниже вы можете увидеть разницу в размерах некоторых его работ. Нанесение таких отметин требует силы от всего тела, и личное видение действительно дает более мощное переживание сложности внутреннего мира, нарисованного посредством репрезентации. (Однажды я обязательно увижу его картины лично)

---

Дженни Бросински

Я открыл для себя Дженни Бросински и ее прекрасные работы через Instagram и сразу влюбился. Она делает много больших работ на необработанном холсте, а там просто что-то такое освобождает о ее работах. Она использует масляные краски, аэрозольную краску, иногда уголь, иногда грязь и другие удивительные материалы. И это сочетание случайности и неожиданности придает ее картинам то уникальное качество, которое я люблю.

Я не могу точно определить это… но ее работы произвели на меня такое сильное впечатление:  добрая несовершенство  ее работ делает их такими прекрасными для меня. И видеть эту общую тему в ее работах — это то, что трогает мое сердце каждый раз, когда я натыкаюсь на ее посты в Instagram.

Посетите ее страницу в Instagram.
Посетите ее веб-сайт. Каждый раз, когда я вижу ее работы, пролистывая Instagram, я просто задыхаюсь и удивляюсь, как она вообще создает такие потрясающие шедевры.

Она делает свои «метки» лужами краски и воды (среди прочего), и они оставляют красивые, яркие отпечатки этой воды.

В каждой работе есть сила природы: эта текучесть воды, брызги и струи, которые мы мало можем контролировать, неожиданные детали, и все это с ее вниманием к цветам и композиции создает форму абстрактного искусства, которая заставляет меня чувствовать, как будто я прогуливаюсь по лесу или по садовой дорожке: все объединяется как один большой опыт, но каждая маленькая отметина сама по себе является формой жизни.

Посетите ее веб-сайт
Посмотрите ее процесс на ее канале Youtube
Найдите ее в Instagram здесь

---

Джессика Зуб

Джессика Зуб — прекрасный художник-абстракционист, рисующий маслом, который использует свои краски так, как я никогда раньше не видел. Ее картины уникальны для ее собственного художественного стиля, и мне трудно описать их словами, но ее работы просто великолепны и сложны.

Она черпает вдохновение из общения с природой и стремится вернуть эти чувства в студию.

Иногда ее картинам требуются годы, чтобы созреть и стать совершенными, но конечный результат только показывает уровень любви и преданности, которые она вкладывает в свои работы.

Посмотрите ее художественный процесс в этом видео на Youtube ниже . У нее есть больше на ее канале YouTube, поэтому обязательно ознакомьтесь с ними!

Ее веб-сайт
Канал Youtube
Instagram

---

Лейф Ричи

Лейф Ричи создает эти прекрасные абстрактные работы на холсте, которые кажутся такими неземными и потусторонними. Всякий раз, когда я вижу одну из его работ, я почти вспоминаю, как смотрю в окно, как если бы вы проезжали через пейзаж в машине, и размытие проплывающего времени, природы и красоты, но все это в режиме ожидания .

То, как он использует цвета, меня вдохновляет: его цвета нежные и добрые, но такие сильные и целеустремленные. Я люблю все это.

---

Линден Эллер

Я нашел Линден Эллер через ее страницу в Instagram. Она использует смешанную технику в виде сшитого коллажа для создания своих абстрактных работ. Они напоминают мне игривую невинность, воображение и все мягкое, доброе и загадочное. И эта смесь чувств, выраженная в ее работах, заставила меня влюбиться в ее художественную форму.

Это призрачное чувство, но очень успокаивающее и сострадательное. В ее работах я чувствую себя как дома:  Место, где живет мое сердце .

Посетите ее страницу в Instagram.
Посетите ее магазин здесь.
Посетите ее веб-сайт. Она создавала масштабные картины, двигая жидкой краской по холсту, накинутому на пол. Она является источником вдохновения для очень многих художников-абстракционистов с ее времен, и даже больше, как женщина-художник того времени в истории! Мне нравится, как ее картины (даже несмотря на испытание временем) действительно иллюстрируют  движение : Ей потребовалось все тело, чтобы переместить краску по этим огромным листам холста, и именно этот элемент придает ее картинам такие сильные чувства.

---

Инге Флинте

Инге Флинте – еще одна замечательная художница, которую я открыл для себя через Instagram: как только я увидел ее работы и ее ленту, я влюбился.

То, как она создает метки, напоминает мне о том, как другие передают свои мысли… по крайней мере, у меня такое чувство. Иногда ее следы несут в себе легкое и воздушное ощущение веселой, игривой беседы. В других случаях они несут вес каждой тяжелой вещи, которую мы носим в наших сердцах. их жизненный опыт разыгрывается в рассказе на бумаге , и это то, что я нахожу таким прекрасным в ее работах.

Посетите ее веб-сайт
Найдите ее в Instagram
Приобретите ее искусство здесь

---

Астрид Свангрен

Астрид Свангрен – художница, которая создает свои абстрактные работы с помощью текстиля (среди других материалов) в форме большого коллажа. Ее искусство действительно выводит многослойность на совершенно другой уровень. Прозрачность ее работ придает ее работам поистине уникальное ощущение, а использование композиции делает ее работы еще более глубокими.

Когда я вижу ее работы, это напоминает мне об открытии людей: смотришь на них с поверхностной точки зрения, но постепенно познаешь слои и точки зрения этого человека, чем больше ты остаешься с ним. Я нахожу ее искусство наиболее отражающим жизнь, и это то, что вдохновляет меня в моем собственном художественном процессе.

Посетите ее веб-сайт

---

Бенц Аматья Койперс

Бенз Аматья Койперс часто рисует со своими двумя маленькими мальчиками. Работая вместе, они создают одни из самых красивых картин! Там так много текстуры — вам действительно нужно увидеть некоторые из ее снимков крупным планом в ее Instagram, потому что вы точно будете поражены.

Смелость и свобода ее работ вдохновляют меня в моем собственном творческом процессе… Поскольку я думаю обо всем, ее работы действительно воплощают свободу: Свобода от всего внешнего.  В ее картинах ее любовь к своим детям и ее любовь к своему искусству – И нет ничего сильнее этого.

Посетите ее страницу в Instagram
Ее веб-сайт
Ее магазин

---

Луиза Тейт

Я открыл для себя Луизу Тейт совсем недавно через Instagram, но я сразу же влюбился в ее стиль рисования: преобразование физического мира в другое царство, которое так же утешительна и безмятежна, как и цветовая палитра, которую она использует. Она меняет мир и делает его своим  –

Использование композиции, воображения и цвета делает ее искусство таким уникальным в моих глазах – мне не терпится увидеть, как она будет расти как художник с годами . Обязательно посмотрите ее работы и поддержите ее!

Посетите ее Instagram здесь

---

Кирстен Джексон

Я наткнулся на страницу Кирстен Джексон Instagram и ничего себе! Я не могла поверить, насколько яркими и красочными были ее работы! Они содержат слои цвета, которые просто кричат ​​о счастье. И если присмотреться, краски делают интересные вещи: они наполнены текстурами и чем-то похожим на эффекты окрашивания, которые заставляют задуматься, как Кирстен вообще это делает. Они очень глубокие и великолепные и наполнят любое сердце чистой радостью, которую цвета каким-то образом могут нам подарить.

Посетите ее веб-сайт
Ее страницу в Instagram

---

Хироси Сугито

Работы Хироси Сугито такие мечтательные и детские. Они просты по сюжету/композиции, но то, как он использует цвета, сложно. Это только добавляет сказочности его работам. Они всегда дают мне ощущение, что я потерялся в другом месте, в окне за пределами реальности… И мне нравится это чувство, и поэтому я всегда возвращаюсь к его работам, чтобы держать свой разум на плаву в этом полушарии.

---

Аэлита Андре

Аэлита Андре — прекрасная душа, которая создает очаровательные абстрактные картины. Ее работы служат для представления миров волшебства и воображения, смелых и ярких, а процесс создания ее работ — это чистая свобода и воображение! Она была известна как следующий Джексон Поллок, и ее освещали все средства массовой информации по всему миру.

У Аэлиты есть канал на Youtube, где она демонстрирует творческий процесс нескольких своих произведений, а также свою предысторию того, как она стала всемирно известным художником-абстракционистом в таком юном возрасте. Ее видео на Youtube были тем, как я впервые открыл для себя ее — и как я действительно обнаружил свою любовь к абстрактному искусству. Ее творческий процесс на протяжении многих лет служил источником вдохновения для моего собственного творческого процесса, и я так рада, что однажды случайно наткнулась на ее видео… потому что после этого моя жизнь действительно изменилась. Спасибо Аэлита!

Ее веб-сайт
Ее канал на Youtube

---

Лола Донохью

Лола Донохью — художница-абстракционистка, которая использует масляные краски для создания поистине мечтательных, таинственных, но очень прекрасных произведений искусства! Ее картины кажутся мне воспоминаниями о мрачных местах, через которые мне нужно пройти, чтобы вспомнить яркость и силу того, откуда берутся эти воспоминания. Она рисует удивительными способами, которые действительно раскрывают ее уникальный талант художника, и мне нравится это в ее стиле работы.

Посетите ее страницу в Instagram. Ее картины — это излияние цвета: яркое, смелое и переливающееся. Ее капельные картины напоминают мне природу, дождь и густые леса; Тем не менее, он рисует пейзаж человеческих эмоций. Взгляните на ее работы, и я уверен, вы сможете увидеть радость, которую ее работы приносят в любое пространство.

Посетите ее веб-сайт
Ее страницу в Instagram

---

Линдси Кинг

Линдси Кинг — еще одна художница, которую я открыл для себя через Instagram, и мне очень нравится, насколько уникальны ее работы. Они вызывают у меня чувства, похожие на: капля воды, струящая рябь по поверхности пруда, первоначальное семя, которое прорастает, чувства, которые расцветают из простого, крошечного момента. В ее работах много внимания уделяется минимализму; Тем не менее, есть сила, чтобы быть чем-то большим. Есть деликатность и самоанализ, но также и самодисциплина. Ее картины заставляют меня чувствовать, что я нахожусь в медитативном состоянии, и мне нравится это в ее художественной форме.

Ее страница в Instagram
Ее веб-сайт

---

Дэвид Островски

Дэвид Островски — еще один удивительный художник-абстракционист, которого я люблю. Его работы кажутся мне очень полными, несмотря на то, что они кажутся такими минималистичными. Они несут излияние эмоций: страсти, боли и заботы среди прочего. Они хотят скрывать вещи, но показывать достаточно, чтобы передать самые важные части нас как людей. Что ж, это всего лишь моя интерпретация его работ, но нет никаких сомнений в том, что его искусство несет в себе гораздо больше, чем то, что кажется на первый взгляд.

Посетите его веб-сайт

---

Мэллори Пейдж

Мэллори Пейдж потрясающий! Я имею в виду, вы только посмотрите на ее картины! Она заполняет гигантские стены своими работами, и это почти как смотреть в окно, где мир сгущается в ничто, но все (если это имеет смысл). Можно легко заблудиться в ее работах, но видеть их все вместе действительно увеличивает ее работу как художника до большего значения.

No related posts.