Художники абстракционисты: Известные русские художники-абстракционисты и их картины — «Лермонтов» — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Известные русские художники-абстракционисты и их картины — «Лермонтов»

Самые известные русские художники-абстракционисты
Самые дорогие картины известных русских художников в стиле абстракционизма
Самые известные абстрактные картины русских художников

Так как всяческие каноны и нормы сдерживают развитие живописи, рано или поздно появляются смельчаки, идущие против них. Одними из таких решительных художников стали абстракционисты. Им было непросто шокировать публику кубическими формами, цветовыми пятнами или полным отсутствием формы и цвета. Они вынуждены были скрываться и переезжать на новые места, когда начались преследования за так называемое дегенеративное искусство, но остановить новый способ выражения себя в живописи уже было невозможно. В этой статье мы рассмотрим самых известных русских художников-абстракционистов и их знаменитые картины с точки зрения популярности и продаж на аукционах.

Самые известные русские художники-абстракционисты

У истоков русского абстракционизма стоит Василий Кандинский.

Как и большинство русских художников, он находился в постоянном поиске себя, изучал труды иностранных мастеров и увлекался новыми стилями. В этом бесконечном поиске он хотел найти ответ на вопрос, как можно в живописи уйти от формы. И внезапно он нашел этот ответ в собственной мастерской. Погрузившись в очередные размышления, он вдруг заметил какую-то странную картину, на которой ничего не было понятно, но ее красочность вызвала у него глубокие переживания. Тут художник понял, что смотрит на собственное полотно, повернутое на бок. Это озарение и легло в дальнейшем в его три формы абстракции: композицию, импровизацию и импрессию.

В 1910 году в Германии он создал свою первую абстрактную картину, которая под таким названием и известна. В дальнейшем аналогичные работы художник называл композициями с разными номерами.

В. Кандинский. Первая абстрактная картина (акварель). 1910 г.

В. Кандинский. «Композиция VI». 1913 г.

К пионерам русского абстракционизма относится и известный художник Казимир Малевич, который удивил мир своим черным квадратом. Живописец пробовал себя в разных стилях, не хотел мириться с навязываемыми канонами и в конечном итоге в 1915 году пришел к теории супрематизма. Эта теория стала центральной для русского авангарда и выражалась в комбинировании простых геометрических фигур. Внешне казалось, что это обычные фигуры на плоскости, например квадраты, круги, прямоугольники. Они изображались по отдельности или собирались в композицию. Однако при детальном рассмотрении картин зритель мог наблюдать сложный переход одного тона в другой в каждой фигуре. Малевич использовал собственные приемы наложения одних тонов на другие, по которым его работы легко отличить от подделок. С помощью этих тонов создавалось впечатление движения внутри фигур, что уводило зрителя от необходимости традиционно оценивать картину.

К. Малевич. «Супрематизм». 1915-1916 гг.

У Казимира Малевича было много учеников, которые прониклись идеями супрематизма и развивали его в дальнейшем. Это Николай Суетин, Илья Чашник, Любовь Попова, Лев Юдин и многие другие.

Одним из самых преданных его учеников был Илья Чашник. Молодой художник прожил всего 26 лет, но за эти годы успел создать множество прикладных проектов, благодаря которым супрематические картины стали появляться на фарфоре, тканях, обложках книг и других практичных вещах. Он же активно развивал космический супрематизм и динамизм. Первый из них выражался в том, что геометрические фигуры наделялись космическим смыслом (вертикальный прямоугольник обозначал движение в космос, горизонтальный — Землю).

И.Г. Чашник. Композиция с красной полосой

Ученица Малевича Любовь Попова использовала свое видение — она заполняла полотна разнообразными фигурами и таким образом создала серию работ из цикла «Живописная архитектоника».

Л.С. Попова. Живописная архитектоника в оранжевом

В одном ряду с Кандинским и Малевичем стоит и Марк Ротко — художник, который возглавляет рейтинг самых дорогих русских живописцев за последние двадцать лет. Ротко из всех геометрических фигур выбрал только одну — прямоугольник, называемый им цветовым полем.

Такие цветовые поля изображались по размерам больше человеческого роста, чтобы оказать наибольшее влияние на зрителя. При создании цветовых полей Ротко использовал уникальный стиль: наносил десятки слоев самодельных красок, особенным образом оформляя края. В выставочных залах картины ставились без рам и использовалось специальное освещение, чтобы ничто не отвлекало зрителя от эмоций. Именно сильные эмоции самого художника и зрителя были той целью, ради которой он писал картины. И ему это сполна удавалось, так как зрители могли засмеяться или даже заплакать при созерцании его работ.

М. Ротко. «№10». 1958 г.

Идеи абстракционистов повлияли на Михаила Ларионова и Наталью Гончарову, которые также интересовались созданием новых форм. В 1912 году Ларионов пришел к идее лучизма, согласно которому формы получались путем пересечения лучей, отраженных от разных поверхностей. Идеей вдохновилась и его супруга Наталья Гончарова, которая не просто создала ряд картин в стиле лучизма, но оставалась приверженцем русского быта, русского народа.

Проникнувшись теорией Ларионова под названием всёчество (любой стиль признавался подходящим для творчества художника), она использовала самые разные стили, но неизменно выражала это через любовь к русскому народу.

Н. Гончарова. Портрет М. Ларионова. 1913 г.

Не менее известен художник Никола де Сталь, в творчестве которого наблюдались периоды чистой абстракции и так называемой предметной абстракции. Если вначале художник изображал полотна, в которых невозможно определить какой-то сюжет, то постепенно абстракции стали опредмечиваться, то есть в них можно узнать конкретные предметы. Например, это работы «Крыши Парижа», «Цветы» или «Футбольный матч». В последней работе легко различить фигуры бегущих по полю футболистов, но в то же время картина остается абстрактной — состоит из отдельных фигур и модулей, соединить которые в знакомый сюжет помогает лишь название картины и наше воображение.

Никола де Сталь. «Футбольный матч».

Если многие абстракционисты отказывались от размышлений над картиной и рисовали интуитивно, то Павел Филонов, напротив, считал необходимым тщательное размышление в процессе создания каждой картины. Такой подход он назвал аналитическим искусством и провозгласил так называемую сделанность, то есть максимальную работу художника над каждой ячейкой картины. В некоторых его картинах холст заполнен настолько, что не остается ни одного свободного кусочка.

П.Н. Филонов. «Формула весны». 1928-1929 гг.

Эффект максимального заполнения картины цветовыми ячейками встречается и у Евгения Чубарова. В своих работах он концентрировался на энергии, исходящей из полотна. Заметим, что прославился художник именно благодаря своим абстрактным работам, которые сегодня высоко ценятся на аукционах.

Е.И. Чубаров. Холст без названия. 1994 г.

Если Малевич использовал в качестве базовых элементов картины простые геометрические фигуры вроде круга и квадрата, то у Антуана Певзнера был целый алфавит из цилиндров и конусов. Он собирал их в причудливые группы, что рождало на свет новые необычные картины. Позже Певзнер изобрел кинетическое искусство, смысл которого заключался в том, что любая композиция должна жить (вращаться, двигаться).

Это привело к появлению разнообразных объемных конструкций, которые с помощью разных механизмов закручивались, сворачивались, вращались или двигались как-то иначе.

А. Певзнер. «Два конуса в одной плоскости». 1936 г.

Самые дорогие картины известных русских художников в стиле абстракционизма

Посмотрим, насколько высоко оценивается сегодня беспредметное искусство русских художников на международных аукционах. Для этого рассмотрим несколько самых дорогих продаж за период с 2000 по 2020 годы.

Хотя далеко не каждый человек воспринимает абстрактную картину как нечто ценное в искусстве, тройку лидеров по продажам заняли именно работы абстракционистов. Самой дорогой картиной русских художников, ушедшей с торгов за последние двадцать лет, стала работа Марка Ротко «Оранжевый, красный, желтый». Это холст внушительных размеров более двух метров в высоту и ширину, созданный мастером в 1961 году. Картины этой серии художник писал с целью пережить глубокие эмоции при их создании и вызвать такие же переживания у зрителей.

Надо сказать, что своей цели он достигал сполна, возможно, поэтому его полотна сегодня столь высоко ценятся. Работа была представлена в торговом доме Christieʼs в 2012 году и ушла с молотка за 87 миллионов долларов.

М. Ротко. «Оранжевый, красный, желтый». 236×206. 1961 г.

Второй по стоимости ухода является «Супрематическая композиция» Казимира Малевича. Интересно, что мы могли никогда не увидеть эту работу, так как общество не всегда готово принимать такие вещи. Автор возил ее на выставку в Германию, где картина застряла и могла быть уничтожена представителями нацистского режима. Как известно, последние абстракционизм не признавали и отнесли его к так называемому дегенеративному искусству. Тем не менее, картину удалось спасти в музее, а позже она попала в руки наследников и за последние десятилетия уже дважды появлялась на аукционах. В 2008 году она ушла с торгов на Sothebyʼs за 60 млн долларов, еще через десять лет ее выставили на торгах Christieʼs и продали за 85,8 млн долларов.

К. Малевич. Супрематическая композиция. 1916 г.

Замыкает тройку еще одна абстрактная работа — «Картина с белыми линиями» Василия Кандинского. Эту картину художник создал в Мюнхене в 1913 году, который стал фактически революционным в искусстве. Именно в этом году в Нью-Йорке прошла Арсенальная выставка, организованная с целью преодоления косных требований традиционной школы. На выставке были в том числе представлены абстрактные работы, вызвавшие большой общественный резонанс. Именно в этом году Кандинский написал свою известную серию абстрактных полотен, признанных одной из самых значительных в искусстве ХХ века. Наиболее важной работой этой серии является «Картина с белыми линиями». Вполне ожидаемо, что при попадании такой масштабной работы на аукцион, она имела большой успех и была продана на Sotheby’s в 2017 году за 41,8 млн долларов.

В. Кандинский. «Картина с белыми линиями». 1913 г.

Из других уходов известных абстракционистов отметим такие. Картина «Стадион “Парк де Пренс”» Никола де Сталя продана за 22 млн долларов, картина «Цветы» Натальи Гончаровой ушла за 10,9 млн долларов, а работу Spherical suprematism Ивана Клюна продали за 6,2 млн долларов. Это примеры самых крупных продаж, помимо которых есть множество уходов по меньшим ценам.

Самые известные абстрактные картины русских художников

Начнем с культовой работы, о которой наслышан каждый. Это картина «Черный квадрат» Казимира Малевича, созданная автором в 1915 году. Это произведение произвело настоящий переворот в сознании художников и зрителей, поэтому его называют и нулевой точкой живописи, и образцом новой формы живописи, и символом всей живописи в целом. Политики полагали, что черным квадратом живописец отрекается от буржуазного строя России и называли его народным художником, а противники высмеивали и называли невеждой, который просто не умеет рисовать (Малевича дважды не приняли в Московское училище живописи). Так или иначе, но автор «Черного квадрата» сегодня входит с список самых дорогих русских художников, картины которых уходят с аукционов за десятки миллионов долларов.

К. Малевич. «Чёрный супрематический квадрат». 1915 г.

Следующее известное творение принадлежит Кандинскому. Как мы писали выше, 1913 год стал революционным в плане рождения нового искусства. Именно в этом году Кандинский создал картину, которая считается вершиной его творчества. Это «Композиция VII», созданная после работы «Композиция VI». Скептики считают, что такую картину можно нарисовать за двадцать минут, не особенно стараясь. Однако в картине не просто был филигранно вырисован каждый ее участок, автор создал три десятка эскизов, прежде чем приступил к воплощению своего видения и ощущений на холсте. По словам самого Кандинского, картина имеет самую сложную структуру, которую ему когда-либо приходилось создавать.

Работу он написал в библейском ключе. Если «Композиция VI» была посвящена Всемирному потопу, то в следующей версии к этой тематике добавились другие. Так, автор рассуждал на тему райского сада, Судного дня и других религиозных понятий, пытаясь объединить эти темы в одной картине. Он неспроста выбрал цветовые пятна и линии вместо знакомых образов, так как именно они наилучшим образом демонстрировали стихию жизни. Душа находится в некоем круговороте, который словно воронка затягивает в себя любые формы, разбегающиеся по всему полотну многочисленными метаморфозами. При столкновении последние объединяются или разбиваются друг от друга, создавая новое движение.

В. Кандинский. «Композиция VII». 1913 г.

Недоумевать зрителей заставляет не только «Черный квадрат» Малевича, но и картины Марка Ротко, расположенные в часовне Rothko Chapel. Основатели часовни поручили Ротко создать своеобразный центр медитации, для чего мастер написал 14 картин. Но когда посетители заходят в часовню, они неизменно задают один и тот же вопрос: «А где картины?». Все дело в том, что все четырнадцать полотен выполнены разными оттенками черного цвета, с разными текстурами, что никак не соответствует ожиданиям зрителей. Однако часовня Ротко действительно стала центром медитации, центром международных собраний и святым местом, доступным человеку любой религии.

Черные картины Марка Ротко в Часовне Ротко

У каждого из названных мастеров есть и другие широко известные работы. Так, у Малевича это «Красная конница», «Белое на белом», «Красный квадрат», «Черный круг» и другие. Интересно, что в США картина «Белое на белом» больше известна, чем «Черный квадрат», так как ее оригинал доступен американской публике.

К. Малевич, А. Лепорская, К. Рождественский, Н. Суетин. «Чёрный круг». 1923 г.

У Кандинского это такие работы, как «Квадраты с концентрическими кругами», «Импровизация 10», «Первая абстрактная акварель», «Импровизация 31 (Морской бой)» и другие. Кандинского не зря считают отцом абстракционизма, так как благодаря своему нестандартному видению искусства и социальной активности он быстро собирал вокруг себя единомышленников и способствовал расцвету в России этого направления.

В. Кандинский. «Импровизация 31 (Морской бой)». 1913 г.

У Ротко помимо названных ранее картин это работы «Белый центр», №61 («Ржавый и синий»), «Чёрное на тёмно-бордовом», «Четыре темные отметины на красном» и другие. Популярность некоторых из них возросла после определенных событий. Так, в 2012 году во время просмотра картины вандал сделал надпись на холсте «Чёрное на тёмно-бордовом», пытаясь привлечь внимание к своему художественному течению. Незадачливый художник был уверен, что с его подписью шедевр будет стоить еще дороже. Однако его выходку не оценили: реставрация заняла полтора года, так как краска пропитала холст насквозь, а самому автору подписи дали два года тюрьмы.

М. Ротко. «Чёрное на тёмно-бордовом»

Известные картины русских абстракционистов можно перечислять еще долго, так как многие из художников смело шли против устоев общества и выражали себя так, как чувствовали. В результате этого мы имеем большое наследие абстракций, в которых каждый найдет для себя что-то удивительное и волнительное.

Русские художники-абстракционисты начала xx века

МИНОБРНАУКИ РОССИИ

ГОСУДАРСТВЕННОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

БАШКИРСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ

ИМ. М. АКМУЛЛЫ

Художественно-графический факультет

Кафедра изобразительного искусства

Специальность «Изобразительное искусство»

Очная форма обучения

Курс V, 51 гр.

ЧИЛЯЕВА ЕВГЕНИЯ ИГОРЕВНА

РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ-АБСТРАКЦИОНИСТЫ начала XX века

КУРСОВАЯ РАБОТА ПО ИСТОРИИ ИСКУССТВА

Научный руководитель:

к. иск., доцент Масленникова Т. А.

Дата защиты «_____»____________2012 г.

Оценка: _______ (____________________)

Подпись научного руководителя: _______

УФА 2012

Содержание:

Введение.

1.Глава. Абстракционизм в русском искусстве.

1.1.Историческая обстановка. Предпосылки.

1.2.Особеости русского абстракционизма.

2.Глава. Русские художники-абстракционисты.

2.1. Авангардные работы М. Ларионова и Н. Гончаровой.

2.2.Абстрактные работы В. Кандинского и К. Малевича.

Заключение.

Список использованной литературы.

Приложение.

ВВЕДЕНИЕ

Актуальность темы исследования. Абстрактное искусство — историческое художественное явление, сохраняющее заметное место в творческом поиске многих мастеров современного искусства, работающих в различных техниках и видах искусства, включая компьютерную графику. Художественные приемы, созданные мастерами абстрактной живописи, оказались чрезвычайно интересными и плодотворными для современной художественной культуры. Сегодня эти методы активно используются в декоративно-прикладном искусстве, дизайне, фотографии.

В целом же можно сказать, что абстрактное искусство явилось одним из явлений, наиболее открытых важнейшим для нашего времени процессам художественного мышления — универсализации и интеграции. Таким образом, актуальность исследования определяется необходимостью целостного научного, искусствоведческого осмысления абстрактного искусства.

История изучения. Свои исследования в области русского авангарда вёл видный искусствовед Г.Г Поспелов. В своих трудах он разбирал Историю возникновения и философию Авангардистской группы «Бубновый валет», описал подробнейшую историю их появления, вплоть до истории возникновения названия «Бубновый валет», и их вклад в развитие авангарда в общем в России в начале 20 века.

Также он провёл сравнительный анализ творчества М.Ларионова и П. Пикассо, влияние работ Пикассо на работы Ларионова.

В.С.Турчин в своей книге «По лабиринтам авангарда» описывает общую историю авангарда, начиная от зарождения данного направления , разбирает феномен авангардистского искусства, предпосылки появления, обозначает основные тенденции, группировки и отдельных художников и тенденции развития в наше время и в ближайшем будущем.

Основные исследования Д.В.Сарабьянова .посвящены истории русского изобразительного искусства XIX—XX вв., занимался также различными аспектами истории зарубежного искусства конца XIX — начала XX вв., взаимовлияния живописи и литературы, взаимодействия русского искусства с западноевропейским. Д.В.Сарабьянов является крупным специалистом в области проблем внутренней традиции в русском искусстве, своеобразия стиля модерн и русского авангарда. В некоторых работах рассматриваются теоретические проблемы искусствоведения (в том числе на примере творчества современных художников).

Также стоит заметить публикации Г.Ю.Стернина, а именно «Русская художественная культура второй половины Х1Х – начала ХХ века» (Исследования. Очерки) , «Русский модерн» (в соавторстве с Е.А.Борисовой) и «От модерна до авангарда», где автор чётко проводит линию развития авангардного искусства, особенно подробно описывая исторические предпосылки его появления.

Цель исследования. Историко-художественное осмысление абстрактного искусства как одной из центральных художественных идей и творческого метода в русском искусстве начала XX века.

Задачи:

Изучить искусствоведческую литературу по теме исследования;
Изучить значение и роль абстракционизма в общей картине развития русского искусства начала XX века;
Определение концепций художников-авангардистов и анализ их работ.

Объект исследования. Русское абстрактное искусство XX века

Предмет исследования. Абстрактный метод как феномен художественной культуры XX века

Методы исследования. Анализ, синтез, систематизация, метод образно-стилистического анализа произведений изобразительного искусства с целью выявления и теоретического обоснования основных тенденций в абстрактном искусстве XX века и сравнительный метод, позволяющий метод выявляющий и анализирующий основные модификации развития абстрактного искусства XX века.

Структура работы: обусловлена целью и задачами исследования. Работа состоит из введения, двух глав, заключения, списка использованной литературы и приложения.

1.Глава. Абстракционизм в русском искусстве.

1.1.Историческая обстановка. Предпосылки.

В первую очередь необходимо сказать, что все кризисные явления начала XX столетия берут свое начало в недовольстве народных масс, которые стремились к новой жизни и выступали за преобразования в стране. Необходимость реформирования понимали и политические деятели. Россия остро нуждалась в преобразовании, но не получила удовлетворения своих нужд своевременно. Николаю II идеи реформирования не были близки и он не спешил претворять их в жизнь, не замечая напряженной обстановки в стране и тем самым еще больше накаляя ее. Первая русская революция, ставшая ярким показателем необходимости реформ, так и не стала для императора той ступенью, которая могла бы направить страну на путь преобразования и развития.

Период Первой мировой войны еще более усугубил и без того сложную остановку в России. Вступление императора на должность главнокомандующего в условиях войны было бесполезным шагом, так как Николай не обладал даром командования войсками, и этот шаг был простой формальностью, которая, тем не менее, не принесла никаких положительных результатов. Проведенная военная реформа безусловно улучшила положение России, но не была единственным условием готовности к войне и победы в ней. Император, вступая в войну, не смог понять главного — Россия была не готова к этой войне. Во внутренней политике Николай II приостанавливает проведение реформ, так как считает что реформирование страны в условиях военного времени — это безумие. Ситуация внутри страны продолжает накаляться и вместе с тяжелым положением во внешней политике ставит Россию в положение тяжелейшего кризиса, который остается без должного внимания императора.

Данная революционная ситуация оказала большое влияние на развитие авангардного искусства в России. В силу своей бунтарской природы авангардизм оказался созвучен социальному взрыву. Художники — авангардисты предложили новой власти свое искусство. Это время характеризуется поиском художественного стиля эпохи, нового языка и новых форм. С другой стороны, в результате кровопролитных войн и революций, общая духовная атмосфера первой половины 20 века носила апокалипсический характер. Отсюда использование приемов алогизма, иронии, карнавальности, абсурда в творчестве. Эта тенденция нашла свое проявление в сюрреализме, дадаизме, экспрессионизме.

Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном. В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

Также, предпосылками возникновения авангардистских течений в искусстве можно считать всеобщую тенденцию к переосмыслению общеевропейских культурных ценностей. Последняя треть XIX века охарактеризовалась появлением новых философских работ, переосмысляющих моральные и культурные аспекты цивилизации.

Кроме того, развитие научно-технического прогресса только подтолкнуло человечество к смене восприятия ценностей цивилизации, места человека в природе и обществе, эстетических и морально-этических ценностей.

Многие новые явления в эстетическом мироощущении общества свидетельствовали о нарастающей оппозиции машинизированной цивилизации. Эта тенденция связана с утверждением самоценности и самодостаточности эстетических переживаний, приоритета чувственного отражения над способностью рационального познания. Это привело к возникновению имеющих общую основу течений, таких как фовизм, психологический абстракционизм, экспрессионизм, орфизм и др. Цвет начинает безраздельно господствовать в живописи, выражая самые тонкие нюансы человеческой души, неуловимые реалистическими средствами. Новые формы искусства, виды социальных практик, способы философского самовыражения, научные теории, нравственные каноны, правила общественной морали – все области в жизни человека затронуло новое особое ощущение – ощущение абсурда. Человек увидел, как пространство мира распадается. Мир не поддавался напору разума, уходил из-под ног, и человек понял, что его мысли о могуществе – это иллюзия.

2.2.Особенности русского абстракционизма.

К середине 1910-х роль авангарда в искусстве переходит к России. С этого времени все самое смелое, новаторское создается в России или выходцами из России. Еще за несколько лет до этого ничто в русском искусстве не предвещало столь резкого поворота: в конце 19 – начале 20 вв. русская официальная живопись оставалась в академических рамках. Вероятно, поэтому творчество традиционных по западным меркам художников – Борисова-Мусатова, Серова, Коровина – рассматривается как новаторское. Первым шагом к эмансипации русского зрителя было знакомство с техническим мастерством, виртуозностью (качество, не характерное для русского искусства) таких художников, как А.Цорн и М.Фортуни.

При этом заслуживают внимания два момента: первый – это то, что образ простого человека (народ), к этому времени на Западе приобретающий все больше черты просто человека, становится абсолютным смысловым центром русского искусства и литературы и тема эта достигает здесь такого накала, какого никогда не знал Запад; второй – это обостряющийся до предела интерес к инновациям в западном искусстве.

Общим для русского авангарда был радикальный отказ от культурного наследия, полное отрицание преемственности в художественном творчестве и сочетание деструктивного и созидательного начал: духа нигилизма и революционной агрессии с творческой энергией, направленной на создание принципиально нового в искусстве и в иных сферах жизни.

На разных этапах эти новаторские явления в русском искусстве обозначались терминами «модернизм», «новое искусство», «футуризм», «кубофутуризм», «левое искусство» и др.

Культурно-исторические рамки русского авангарда отмечены завершением предшествующего и появлением нового направления: его становление совпадает с концом эпохи «последнего Большого стиля» – стиля модерн (во Франции – ар-нуво, в Германии – югендстиль, в Австрии – сецессион и т.д.), завершение – с утверждением в нашей стране «единственно правильной концепции искусства» – социалистического реализма. Однако, если взглянуть на это явление в широком контексте истории европейской художественной культуры, то можно увидеть, что перемены, начавшиеся здесь на рубеже XIX–XX вв., определяют все дальнейшее развитие искусства вплоть до современных форм художественного творчества.

Г.Розенберг, считал, что термины абстрактный экспрессионизм и action painting являются синонимами и могут на равных использоваться для характеристики нового направления. Но, как представляется, это не совсем так: action painting –– лишь одна из ветвей абстрактного экспрессионизма. Существует и другая ветвь, которую называют живописью внутренней необходимости. Одним из её главных представителей был Василий Кандинский.

Живопись внутренней необходимости и живопись-действие существенно отличаются друг от друга. Объединяют их два момента: 1) абстрактность изображения; 2) ссылка на бессознательное как на источник живописных образов. Отличия же более существенны. В живописи внутренней необходимости огромную роль играли поиски духовного начала. По крайней мере, таким было кредо ее основателя В.Кандинского. «Живопись –– это язык, который формами, лишь ему одному свойственными, говорит нашей душе о ее хлебе насущном…» –– писал Кандинский. Основной принцип своей живописи –– принцип внутренней необходимости –– сам Кандинский характеризовал как «принцип целесообразного прикосновения к человеческой душе». Представители живописи-действия о таких поисках не упоминали.

Сахалинские абстракционисты открыли выставку с не менее абстрактным названием — Новости Южно Сахалинска

Сахалинские художники-абстракционисты презентовали арт-календарь на 2019 год. Свою третью и долгожданную выставку абстракций служители искусства назвали «Зебрартставка полос».

Какими бы мудрёными ни были названия, цель организаторов, говорят они, доходчива. Присоединиться к неординарному сообществу приглашаются все художники: профи и новички. Не первый год «Арт Сахалин» привлекает к себе внимание и открывает новые имена.

– В этот раз представили около 70 работ. Сами были удивлены, насколько это получилось у нас продуктивно, я имею в виду группу авторов. У нас есть авторы, которые ежегодно участвуют в этой выставке, также очень много присоединившихся персон. Вы наверняка убедились, пройдя по залу, насколько хороши работы, – говорит художница, соавтор выставки Ольга Власова.

Художники отходят от классических канонов, экспериментируя с линиями, превращая пятна краски в образы и силуэты. Холст, акрил, жидкий акрил, штукатурка – эксперимент, достойный внимания. Поклонников у островных абстракционистов немало, за их творческим ростом следят и заслуженные мастера, отзыву которых стоит доверять. Заслуженный художник России Дю Мен Су уверяет, что остался впечатлен уровнем абстракционистов:

– Работы сделаны с таким, мастеровитым подходом, в отличие от предыдущих выставок. Я думаю, что за этими выставками, за этими творческими людьми большое будущее.

– Большие работы, яркие такие, знаете! Энергетику несут, очень красивые, очень насыщенные цвета. Я бы порекомендовала всем, кто хочет провести интересно вечер, день или даже утро, прийти сюда, на выставку, – поделилась эмоциями министр культуры и архивного дела Сахалинской области Нонна Лаврик.

Лучшие работы попадают на страницы арт-календаря – необычного и уникального. Он начинает год в мае 2019 года и завершает в апреле 2020-го. Издание представили гостям, а также иллюстраторам. На обложке работа художницы Марины Пузик «Сон старого забора о Марракеше». Традиционному холсту художница предпочла фанеру.

– Это идея, которую мы, сообщество «Арт Сахалин», несём в наш город. Мы занимаемся росписью фасадов. Мы стараемся сделать наш город ярче, светлее, красивее. Вот таким образом нам хочется, чтобы люди были счастливее в нём, – говорит художница.

Работа не профессионала, а любителя Марины Говердовой также вошла в дюжину лучших.

– На этой выставке моя работа попала в календарь под октябрём месяцем. Абстрактная живопись всегда воспринимается очень спорно, но мы стараемся её донести в массы, – говорит участница сообщества «Арт Сахалин».

Выставка продлится до конца июня.

Художественно-философская концепция абстракционизма

Ильина Наталья Владимировна
Южный Федеральный Университет
доцент кафедры Технологии и профессионально-педагогического образования

Ilina Natalya Vladimirovna
South Federal University
Ph. D., assistant professor of technology and vocational teacher education

Библиографическая ссылка на статью:
Ильина Н.В. Художественно-философская концепция абстракционизма // Гуманитарные научные исследования. 2016. № 12 [Электронный ресурс]. URL: https://human.snauka.ru/2016/12/18437 (дата обращения: 25.01.2022).

Абстракционизм как особое явление в искусстве возник в первой половине XX в. До сих пор он остается актуальным направлением в живописи. В настоящее время все чаще экспонируются работы известных художников-абстракционистов В. Кандинского, П. Мондриана, К. Малевича и др.

Абстракционизм – это, прежде всего, концептуальное искусство, поэтому философская идея является составляющей художественной концепции. Философским основанием дли изображения беспредметной реальности стали идеи французского философа А. Бергсона и немецкого В. Оствальда. Бергсон в своем учении о «жизненном порыве» утверждая, что суть жизни можно осознать только с помощью интуиции, поскольку жизнь воспринимается непосредственно, т. е. через свои переживания. Действительно, только так и можно воспринимать абстракционистские образы. Интеллект в данном случае бессилен, поскольку он оперирует с материальными, пространственными объектами.

В. Оствальд – основатель энергетической философии, считал, что энергия первична относительно материи. Такое мировоззрение сформировало представление о существовании духовной энергии космоса, которая рождает порядок из хаоса. Полотна абстракционистов практически пронизаны такой энергетикой и несут сильный эмоциональный посыл каждому зрителю. Эти философские идеи определили основной изобразительный мотив абстракционизма – пространство дематериализованных явлений, т.е. лишенных вещественного субстрата.

Основатель абстракционизма Кандинский одним ив первых написал о художественно-философских предпосылках формирования нонфигурального течения. Художник говорил, что первые абстракционистские образы появились уже в творчестве прерафаэлитов и западноевропейских символистов Г. Россетти, Д. Берн-Джонса, А. Беклина. Однако, все они облекали свои абстрактные образы в «сильно развитые материально-телесные формы. Эти художники являются искателями внутреннего содержания во внешних формах» [1; 33].

Еще дальше в разрушении материальной формы продвинулись импрессионисты, тем самым придав ей особое абстрактное звучание. А. Матисс изображая предметы, строил художественный образ на цветовых контрастах цвета, разрушая при этом конструкцию и форму изображаемого предмета. Матисс разрушил пространственную форму вежей и свел ее к абстрактной.

Подобные тенденции ярко выразились в творчестве кубистов, в частности, у Пикассо, который в отличие от Матисса, добивался выразительности образа через преувеличение или деформацию конструкции вещи, использовал рисуночные формы, а не краску, цвет. Известны его картины, написанные в коричнево – белых тонах.

Кандинский, анализируя художественное творчество Матисса и Пикассо, писал, что они «два великих указателя на великую цель» [1; 34]. В их творчестве «заложены зародыши стремления к нереалистическому, к абстрактному и к внутренней природе…» [1; 37].

Философия беспредметности в абстракционистской живописи определила художественные принципы и средства, необходимые художнику. Большое значение приобрели геометрические формы – круг, квадрат, треугольник, все они изображались без их носителя (предмета). Композиционные элементы приобрели специфическую для абстракционизма символику. Так, например треугольник символизировал троицу, квадрат – земную жизнь, круг – вечность Особое значение приобрел цвет, Кандинский отмечал, что цвет имеет физическое и психическое воздействие на человека. Кроме того, некоторые краски кажутся мягкими, другие – жесткими. Желтый художник описывал как цвет, который «можно рассматривать как красочное изображение сумасшествия… припадка бешенства, слепого безумия…» [1; 73]. Синий символизирует спокойствие и «нечеловеческую печаль» [1;73]. Черный цвет «…внутренне звучит… как мертвое Ничто после угасания солнца, как вечное безмолвие, без будущности и надежности» [1; 73].

В абстракционизме четко прослеживается зависимость формы от краски или, наоборот, цвета от формы. Эта взаимосвязь определила эмоциональный образ картин. Различные геометрические формы могут подчеркивать или притуплять действие цвета. Яркие краски сильнее звучат в остроконечных формах, например, желтый цвет в треугольнике. Спокойные цвета «…усиливают свое воздействие при круглых формах (например, синий цвет в круге)…» [2; 67].

В абстракционистских картинах гармоничное равновесие достигается с помощью умелого использования цвета и формы. Так, согласно Мондриану, нецветная область должна уравновешиваться малой цветной. Кандинский писал, что «…несколько предметов в картине подчиняются одной большой форме…» [1; 71]. Эти принципы хорошо продемонстрированы в картине X. Миро «Поэтесса». Образ построен на тонкой контрастной игре линий и пятен, причем контраст построен не только на величинах фигур, но и на одновременном существовании черных и цветных пятен. При этом среди них есть контраст теплых и холодных тонов.

В картине Кандинского «Несколько кругов» ярко показана философия абстракционизма. В композиции использован цветовой контраст цветных кругов в противоположность черному фону. Как известно, круг для этого художника был значением некого идеального мира, абсолюта, Дао. Поэтому круги в данном случае символизируют духовную энергию, которая управляет миром и космосом. Черный фон означает в данном случае хаос. Таким образом, простые геометрические фигуры приобрели глубокий содержательный смысл.

Использование графических и цветовых форм не носит спонтанного характера, поскольку они заимствуются от реальных объектов, свойства которых они передают. Поэтому художник-абстракционист как бы ослабляет связь между предметом и его свойствами, тем самым соединяя все вещи в некое гармоничное единство.

Обеспредмечивание живописи сформировало новую художественно-философскую концепцию – идеальная картина должна представлять собой беспредметную композицию, со сложной иерархией графических и цветовых элементов. Как концептуальное произведение абстракционистская живопись должна обладать внутренним напряжением, скрывать в себе духовную энергию.

Основное свойство картин художников-абстракционистов – отсутствие трехмерного пространства, поскольку оно является атрибутом материи. При таких условиях творчество абстракционистов максимально приближается к различным религиозным изображениям: исламским арабескам, буддийской мандале. Поэтому художники-абстракционисты приобщают зрителей к духовной сущности мира, дарят возможность почувствовать ее в реальности и в себе.

Рассуждая об основных принципах и идеях абстракционизма, необходимо понять, что не всякая абстрактная композиция может называться художественным произведением. В современном искусстве хватает невыразительной «мазни». Абстракционизм дошел до своей крайней степени в живописи Кандинского, Мондриана, Малевича и других великих абстракционистов. Возможно, сейчас искусство делает поворот назад, возвращается к предметности. Есть и картины, в которых краска вылита на холст прямо из банки, или по нему проезжает велосипед с краской на колесах, подобных примеров в живописи нашего времени достаточно. Как и любое художественное направление, абстракционизм переживает периоды спада и подъема. Он, безусловно, оказал огромное влияние на все современное искусство, породил огромное количество различных направлений. В настоящее время нет единого доминирующего стиля в искусстве, каждый художник самобытен. Становится ясно, что, обладая художественным мастерством, необходимо быть и философом, без этого невозможно концептуальное искусство. Поэтому современная живопись все чаще отходит от природных, жизненных форм и все чаще обращается к метафоре.

Библиографический список

Кандинский В. О духовном в искусстве / В. Кандинский. М., 1992.
Кандинский В. Точка и линия на плоскости / В. Кандинский. СПб., 2001.

Количество просмотров публикации: Please wait

Все статьи автора «Ильина Наталья Владимировна»

Один из самых дорогих абстракционистов планеты привез полотна в Русский музей

В Русском музее открылась выставка «Лицом на восток» американского художника ирландского происхождения Шона Скалли — одного из самых дорогих современных абстракционистов. Дважды номинированный на премию Тернера и принятый в Королевскую академию художеств, он является приверженцем идей беспредметности, следуя традициям русских авангардистов.

Сколько бы ни пытались зрители и искусствоведы усмотреть в его работах намеки на что-либо, Шон Скалли все отрицает.

«Когда в искусстве появляется политический аспект, — говорит он, — оно глупеет».

Над этим спорным заявлением размышляла Юлия Чеснокова, которая побывала на открытии.

Квадраты, параллелепипеды, волны. Абстрактный экспрессионизм, пропагандируемый в XX веке, не утратил своей актуальности и в веке XXI. Флагманом его в современной живописи по праву считают ирландца Шона Скалли. В этой технике он работает уже без малого полвека. Экспозиция в Мраморном дворце охватывает весь период творчества мастера.

«Я думаю, зрителю интересно будет сравнить мои самые ранние и самые поздние работы. Вы можете увидеть, как картины становились более человечными, более реальными и более романтичными. Мои работы основаны на очень сильном ритмическом чувстве структуры, повторениях и на глубоких эмоциях».

Абстракционизм Шона Скалли — с человеческим лицом. Он целиком зависит от эмоционального состояния художника. После гибели старшего сына в 1983 году работы мастера наполнили мрачные краски, но когда Шон вновь стал отцом, в его жизни опять началась яркая полоса. Неизменной на его холстах оставалась лишь геометрия.

«У него действительно много геометрии, а дальше начинается «антималевич» и антиклассичесская геометрия, потому это все живое и дышит. Это связано с какой-то большой тактильностью, с переживанием цвета абсолютно эмоционально. Это когда Ренуара спрашивали: почему у вас так хорошо получаются обнаженные женщины? Он поглаживая бедра, говорил: «Это надо любить, это надо гладить». Вот у него элемент тактильный, поглаживание цвета. Отсюда вибрации, отсюда глубина».

Эти широкие цветные полосы и хаотичные пересечения линий пользуются в мире огромной популярностью. Работы художника представлены в Музее Гуггенхайма, Национальной галерее Австралии, галерее Тейт в Лондоне, а сам Шон Скалли признан одним из самых дорогих художников-абстракционистов.

Мастер уверен: все дело в медитативности его работ, именно она способна объединять и примирять поклонников как восточного, так и западного искусства. И не случайно свою выставку «Лицом на восток» Скалли представляет именно в России — стране, которая всегда находилась на стыке двух цивилизаций.

Бельгийские художники-абстракционисты в брюссельской галерее «Patinoire Royale»

Одна из самых интересных брюссельских галерей, как по масштабу выставочного пространства, так и по его контенту, Patinoire Royale имеет подзаголовок Galerie Valerie Bach. Хозяйка Валери Бах – француженка до мозга костей, живущая в Брюсселе. 8 лет работы в известной парижской галерее – целая вечность для галерейного бизнеса – отразились на собственной галерее Валери – безупречным вкусом в интерьере, безошибочными колаборациями с лучшими дизайнерами и кураторами.

Как понятно из названия Patinoire Royale и его формы, здание галереи было построено как ледовый каток …. для высших кругов брюссельского общества в 1887 году. В 2015 году Валери доверила реставрацию одному из ведущих архитекторов Бельгии Jean-Paule Hermant и его бюро, которые блестяще справились с задачей. Галерея сохранила неоклассический look конца 19 века в той пропорции, что идеально вписывает его в фешенебельный квартал Брюсселя. И в то же время галерея содержит столько ультрасовременных инноваций, что вам стоит ее внимательно обойти, как шедевр современной архитектуры и дизайна. В кабинете Валери над ее рабочим столом – словно купол собора современного искусства.
Осенью 2019 года в Patinoire Royale (до 18 декабря) проходит выставка, которая покрывает наши лакуны в знаниях об абстрактном искусстве Бельгии. Тема непростая. Художники-абстракционисты, отказавшись от фигуративного искусства, словно теряют и собственные очертания, расстворяясь в геометрии или масляном хаосе. Если американцев мы еще поскребем по сусекам памяти и выдадим на гора пару имен, то бельгийцев – быть может, вспомним только Пьера Алешинского (его работа представлена в Patinoire Royale).

Выставка «Painting Belgium. Abstractions en Temps de Paix (1945-1975)» демонстрирует творчество более 30 художников-абстракционистов Бельгии послевоенного периода – более 200 работ. Абстрактное искусство в Бельгии непосредственно связано с арт-движением «La Jeune Peinture Belg», инициированном в 1945 году Robert Delevoy, создателем галереи Apollo в Брюсселе. Почетным президентом был никто иной как Джеймс Энсор. В ассоциацию вошли художники, творческие искания которых были направлены в абстрактную сторону. После трагедии Холокоста отображение реальности казалось более невозможным. Абстракционизм, казалось, соответствовал абсурду, пережитому Европой в 1940-е.
В Patinoire Royale представлены художники различных направлений внутри абстракционизма – геометризма, пиктографического письма, абстрактного экспрессионизма. Назовем главные имена Gaston Bertrand (1910-1994гг.), Louise Van Lint (1909-1986 гг.), Jean Milo (1906-1993 гг.), Berthe Dubail (1913-1994 гг.) и другие. Куратором выступил Serge Goyens de Heusch.

Сценографию , основанную на концепте “L’Art et le Vivent” (Искусство и Жизнь) выставки предложило “Art&Build Architect”, – включив в большом количестве живые растения, которые соединяют абстрактное искусство с жизнью…
Many thanks to Pick Keobandith for introducing my to Patinoire Royale and Valerie Bach.

Абстрактный художественный витраж

Первые художники-абстракционисты

Направление модернистского изобразительного искусства, получившее название «абстракционизм», выходит на сцену в самом начале ХХ века. В 1910 году Василий Кандинский пишет свою первую беспредметную картину «Первая абстрактная акварель» и далее продолжает начатую этой работой линию. В 1912 году голландский художник Пит Мондриан показывает в Париже свои первые геометрические картины, также полностью лишенные предметности. В том же году Франтишек Купка представил «Двухцветную фугу», а Роберт Делоне – «Синхронные (одновременно открытые) окна». В 1915 году беспредметность достигла своего апогея в форме одной из самых провокационных концептуальных работ в искусстве.

Казимир Малевич создал «Чёрный супрематический квадрат».

В послевоенные годы, в 1943–1950-х в Америке возникло движение, поначалу получившее название нью-йоркской школы. В историю искусства оно вошло как абстрактный экспрессионизм и считалось впервые полностью американским. Оно объединило таких художников, как Джексон Поллок, Ли Краснер, Франц Клайн, Элен Франкенталер, Джоан Митчелл, Сай Твомбли и другие.

Для их работ было характерно то, что сейчас и составляет основу понимания абстракционизма: стихийная живопись в динамичной технике, эмоциональность, экспрессия. Отказавшись от отображения реального мира, абстрактные экспрессионисты сосредоточились на работе с подсознанием и эмоциями.

Одной из разновидностей абстрактного экспрессионизма стала живопись цветового поля, в которой художники обращались к большим плоскостям цвета. Здесь мы ближе всего подходим к теме витражного абстрактного искусства и разовьем ниже.

Лишенная содержания, живопись цветового поля предназначалась исключительно для созерцания. Она предоставила зрителю полную свободу для его собственного воображения, рефлексии и размышлений. Яркие представители этого направления – Марк Ротко и Барнетт Ньюман.

Концептуальные основы абстракционизма

Обобщая, можно сделать вывод, что теоретическим обоснованием для абстрактного искусства служит идея дистанцирования от видимых свойств предметов и явлений ради раскрытия их истинной, глубинной сути.

Художники-абстракционисты стремятся воплотить в материальной форме то эмоциональное, неосязаемое ощущение и впечатление от объекта или явления, которое обычно ускользает при реалистичном его изображении. Видимость отвлекает, поэтому она выводится за скобки.

С точки зрения обывателя абстрактное искусство может показаться чем-то легким и несложным в создании. Именно поэтому оно столь часто подвергалось критике. Однако задача художника-абстракциониста намного сложнее. Во-первых, она требует интеллектуальных усилий. Нужно по-новому мыслить, подчеркивали теоретики этого художественного метода. Во-вторых, подлинно абстрактное искусство сродни поэзии. Оно воздействует на эмоциональную сферу человека. Именно сознательная установка на передачу эмоций и ощущений и отличает искусство ХХ века от обширного пласта произведений декоративно-прикладного искусства, созданных в предыдущие эпохи и близких к абстракционизму по форме.

К примеру, рассмотрим самые ранние из известных — витражи монастыря Святого Павла в Монквермаут-Джарроу, Англия (Monkwearmouth–Jarrow Abbey). Их создание относят к 686 году н.э. К сожалению, мы не знаем, как они выглядели изначально. Та мозаика из разноцветных кусочков, что предстает нашим глазам сейчас – реконструкция. Монастырь был разграблен викингами и в IХ веке и заброшен. В 1973 археолог Розмари Крамп нашла фрагменты этих окон во время раскопок и было принято решение собрать их в коллажи. Сейчас в Джарроу хранится самая большая в Европе коллекция цветного оконного стекла VII и VIII веков.

В рамках нашего конкурса витражного искусства мы не коснемся готических витражей, с их четко выраженными сюжетами и глубокой религиозной основой, в которых проводится параллель между свойствами материалов и миром горним. Так «отец готики» аббат Сугерий считал, что свет земной помогает душе вознестись к источ¬нику света небесного — ко Христу. Вскоре мы увидим, как эта концепция оказала влияние на одного из самых видных теоретиков искусства ХХ века — Джозефа Альберса.

В то же время, в разговоре об абстрактном витражном искусстве мы не сможем оторваться от религиозной темы. Ведь все самые крупные знаковые абстрактные витражи ХХ века были созданы для украшения все тех же христианских храмов. Нам будет очень интересно проследить, какое влияние на эти работы оказал абстракционизм.

Абстракционизм и витражное искусство

Абстрактное витражное искусство в ХХ–XXI веке в целом можно разделить на два больших направления – монументальное, относящееся преимущественно к храмовому зодчеству, и камерное — нашедшее свое место в частных интерьерах. Оба направления объединяет тот самый исходный посыл — освободить произведение от давления прямолинейного нарратива и обратиться напрямую к душе и эмоциям зрителя.

Именно к абстракции и тяготеет декор современных интерьеров. Это можно проследить по тому, какие решения в нем востребованы. В частном интерьере человек ищет отдых от обрушившейся на него каждый день лавины информации. Глазу и мозгу городского жителя XXI века легче восстановиться, созерцая что-то отвлеченное, лишенное четкого смысла и формы.

Первые шаги в этом направлении мы можем проследить уже в работах Луиса Комфорта Тиффани (1848–1933).

Среди декоративных работ легендарной компании Тиффани, стяжавшей невероятный коммерческий успех в начале ХХ века, особняком стоит витражное окно, украшавшее некогда роскошно оформленные личные апартаменты Тиффани на 26-й Восточной улице, 48 в Нью-Йорке. Окно, созданное около 1880-го года — самое раннее из подобных произведений дизайнера. Оно отмечает начало экспериментов с материалом. Благодаря насыщенным цветам и градиентам поверхность кажется практически трехмерной.

Абстрактную композицию из разноцветного стекла, словно бы нарисованную смелыми широкими мазками, художник использовал для рекламы своих возможностей. Даже на взгляд человека XXI века она выглядит ультрасовременно. Ведь привычные нам работы Тиффани полны сюжетов, орнаментов и намного более узнаваемых образов. В 2002 году окно Тиффани передано в дар музею Метрополитен Робертом Кохом (Robert Koch).

Окно Тиффани, Луис Комфорт Тиффани, 1880 г.

Практически одновременно с Тиффани к теме витражного остекления частных домов обращается и архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1867–1959). Окна с геометрическими абстракциями, в которых прозрачное стекло соединялось с цветным, составляли неотъемлемую часть его органического дизайна. Райт назвал их «световыми экранами». Эти «экраны» наполняли интерьеры его домов в стиле прерий мягким естественным светом.

На оконные конструкции Райта оказали влияние такие модернистские течения как орфизм и синхромизм. Как видим, абстракционизм очень сильно изменил привычный взгляд на витражное художественное стекло.

Райт активно обращался к этому приему между 1885 и 1923 годами. Самым известным примером использования витражного остекления можно назвать Роби-Хаус. Для него Райт спроектировал 175 дверей и окон, из которых 163 сохранились до наших дней.

Витраж в Роби-Хаус, архитектор Фрэнк Ллойд Райт

В тот момент, когда Райт отказывается от работы со стеклом, эстафету словно бы подхватывает Джозеф Альберс (1888–1976).

Джозеф (Йозеф) Альберс — художник, теоретик в области цветовосприятия, один из самых влиятельных педагогов ХХ века, воспитавший плеяду художников, скульпторов, архитекторов. В 1963 году он опубликовал итог своих многолетних экспериментов — мировой бестселлер «Взаимодействие цвета», посвященный изучению природы цвета и его свойствам.

Художественные интересы Альберса в искусстве охватывают несколько направлений, но более всего известен как абстракционист. В рамках нашего исследования следует перечислить работы, созданные им из стекла, проволоки и металла в начале 1920-х, когда он поступил на обучение в Баухаус, а потом стал там преподавателем.

Студенты Баухауса часто использовали в своей практике самый разный бросовый материал. Не стал исключением и Альберс. Свои первые коллажи он собирал из осколков найденного им битого стекла. Наиболее показательна в этом отношении Rheinische Legende (1921). Более поздние работы, такие как Gitterbild (около 1921) и особенно Park (1923 — 1924) выглядят значительно более структурными и упорядоченными. Park — наиболее значимая из витражных работ Альберса, выполненных им в Баухаусе. Он попросил нескольких производителей стекла предоставить ему образцы изделий, которые потом нарезал на квадраты, частично окрасил, поместил в найденную железную решетку и закрепил их проволочной сеткой. В итоге эта работа соединила в себе наследие живописи и декоративного витража.

Джозеф Альберс, Park, 1923-1924 г.

Будучи модернистом, Джозеф Альберс в своем восприятии стекла опирался на католическую традицию, наделявшую этот материал глубоким символическим значением.

Работая в стекольной мастерской, Альберс поощрял своих студентов изучать неотъемлемые качества материалов, в частности способность цветного стекла
пропускать сквозь себя окрашенный в разные цвета свет. Стеклянные панно Альберса были расставлены на подоконниках студий школы Баухаус, и на старых фотографиях видно, как дневной свет просвечивается сквозь их прозрачные формы.

После закрытия Баухауса и эмиграции в Америку Альберс отошел от работы с любимым им, но слишком хрупким материалом. В немалой степени этому способствовала и личная драма художника. Когда в ноябре 1933, через месяц после прибытия в США, он с супругой Анной отправился на таможню, чтобы принять свой груз, оказалось, что багаж бесцеремонно взломан, и десять из тридцати двух стеклянных картин разбиты или повреждены.

В частной истории Алберса как в капле воды отразилось крушение довоенной Европы и гуманистических устремлений. Война оказалась мощным рубежом, расколовшим мир на «до» и «после».

Последний знаковый довоенный художник, которого важно упомянуть в рамках нашей темы – Хоакин Торрес-Гарсия (1874–1949).

В историю витражного искусства Хоакин Торрес-Гарсия вошел как сподвижник Антонио Гауди. В 1903 по 1907 годы в сотрудничестве с архитектором он работал над реставрацией собора Пальма-де-Майорка.

Здесь он спроектировал четыре витража, используя метод, изобретенный Гауди. Трихрома, инновационная система Гауди представляла собой композицию из наложенных друг на друга стекол трех основных цветов (желтый, голубой, пурпурный) и четырех толщин. Четвертый слой — закрывающее прозрачное стекло. Изменение толщины стекла позволяло достигать желаемого тона и яркости витража.

Следующей их совместной работой стали витражи Саграда Фамилия — Храма Святого Семейства.

Отметим, что в 1980 по 2010 год над абстрактными витражами собора работал другой художник–стеклодув — Хуан Вила-Грау, директор Института стекла в Барселоне, лектор, видный специалист и автор ряда книг по истории витражей.

Витражи в Соборе Святого Семейства (Саграда Фамилия), Испания, Барселона

Как теоретик искусства и художник Хоакин Торрес-Гарсия внес большой вклад в развитие европейского и латиноамериканского модернизма. Его работы включают в себя элементы кубизма, конструктивизма и несут на себе глубокий след изучения художником доколумбовой культуры.

В рамках нашего исследования обратим внимание на «Конструктивистское стекло» — витражи 1948 года из семейного дома Торрес-Гарсиа в Монтевидео, Уругвай. Они выполнены из белого, синего, красного, черного и желтого стекла в предельно абстрактной манере с небольшой нотой нарратива. В геометрии витражей прячутся образы солнечного круга, звезды и рыбы — любимого художником символа.

Хоакин Торрес-Гарсиа, «Конструктивистское стекло»,1948 г.

Послевоенные годы

Мощный возврат к теме витражей начинается в 1950-е годы. И здесь абстракционизм раскрылся в новом масштабе.

Архитекторы ХХ-ХХI века выбирали для декора своих зданий абстрактные витражи не только следуя модернистской форме этих проектов, но и для работы с эмоциями зрителя. Масштабные плоскости цветного стекла – самодостаточны. Самое главное – они помогают произвести на человека именно то впечатление, которое в них заложено. Ошеломить, вдохновить, наполнить благоговением и радостью.

В общественных зданиях, таких как храмы и торговые центры, витражи располагают либо на стенах, либо на куполе. Перечислим несколько знаковых, впечатляющих проектов прошлого века в хронологическом порядке.

Собор святого Иосифа, Гавр, Франция (1951–1958 гг.)

Церковь построена в память о 5000 жителях, погибших во время Второй мировой войны. Архитектор — Огюст Перре.

Геометрические витражи колокольни собраны из 12 768 фрагментов разноцветного стекла семи основных цветов. Это белый, оранжевый, жёлтый, зелёный, фиолетовый, красный и синий в 50-ти оттенках. Символика витражей ориентирована по сторонам света. Сиреневые, розовые, золотые и зелёные цвета на восточном фасаде символизируют Рождество. Оранжевый, жёлтый и золотой на южной стороне — величие и славу Бога. Розовые и красные стёкла с запада — силу и власть. На севере преобладает синий — цвет небесного свода и Богородицы.

Собор Святого Иосифа, Гавр, Франция

Церковь Эль-Росарио Сан Сальвадор (1964–1971)

Проект архитектора и скульптора Рубена Мартинеса. Абстрактные витражи арочного потолка наполняют пространство цветным светом — церковь словно залита разноцветными праздничными огнями.

Церковь Эль-Росарио, Сан Сальвадор

Храм святого Дон Боско (Santuário Dom Bosco), Бразилиа (1963)

Самое известное здание бразильского архитектора Клаудио Навеса. Храм прославился своим абстрактным витражом в синих тонах. Он разработан архитектором проекта и создан бельгийским художником Хубертом ван Дорном.

Стеклянные квадраты в 12-ти оттенках синего заполняют остроконечные арочные окна. Их дополняют четыре прямоугольных окна-колонны ярко-фиолетового цвета по четырем углам. Вместе они создают поразительный эффект сияющей звездной ночи.

Храм святого Дон Боско, Бразилиа

Часовня на Площади Благодарения. Даллас, США (1976)

Спиралевидная белая часовня создана по проекту лауреата Притцкеровской архитектурной премии Филипа Джонсона. Здание символизирует древнюю спираль жизни и бесконечное стремление человеческого духа. Его верхнюю часть занимает потрясающий витраж «Окно славы», собранный из 73 панелей, который представляет собой один из крупнейших в мире витражей, установленных горизонтально.

Цвет витража меняется от синего в нижней части до сияющего желтого наверху. Его создателя — французского художника-витражиста Габриэля Луара вдохновил 19-й Псалом. Витраж, по его мысли, призван «выразить жизнь с ее трудностями, силами, радостями, мучениями и пугающими аспектами, которые при достижении вершины уступают свое место взрыву золота». Образ «Окна славы» играет важную роль в фильме Терренса Малика «Древо жизни» (2011).

Часовня на Площади Благодарения. Даллас, США

Кафедральный собор (Бразилиа) (1958–1970)

Витраж, украшающий собор, который построен по проекту архитектора Оскара Нимейера, занимает более 2000 квадратных метров. Он создан в 1990 художницей Марианной Перетти и представляет собой волны синего, зеленого, белого и коричневого стекла.

Кафедральный собор. Бразилиа

Абстрактный художественный витраж в ХХI веке

Что происходит в сфере работы с витражами по методу абстракционизма сегодня? История продолжается.

В 2011 году американский звукорежиссер Кристофер Дженни создал для Международного аэропорта Майами интерактивную звуко-световую инсталляцию с витражами. Работа под названием «Гармоническая конвергенция» представляет собой пешеходный тоннель, расцвеченный всеми цветами радуги.

Кристофер Дженни «Гармоническая конвергенция»

Усилилась экологическая тематика, тема осознанного потребления и устойчивого развития. В 2012 бруклинский художник Том Фруин создал из полностью переработанного или выброшенного оргстекла скульптуру «Водонапорная башня» или «Маяк света».

Том Фруин «Водонапорная башня»

Пройдя испытание временем, абстрактная витражная живопись не только остается востребованной в общественных и частных пространствах, но и раскрывает себя в новых формах и материалах.

Создавать витражи с абстракцией под силу любому. Приходите на курсы Художественных витражей в Русскую Академию Ремёсел. Мы берем учеников с любого уровня подготовки, а на выходе вы будете владеть 6ю техниками работы со стеклом, и сможете делать декоративные и прикладные предметы по собственным эскизам.

Специально для Русской Академии Ремесел подготовила материал Валерия Ефанова.
Июль 2021 год.

«Музеи упустили из виду этих художников»: прославление забытых женщин абстрактного искусства | Art

В 1934 году художница-абстракционистка Элис Трамбулл Мейсон написала своей сестре Маргарет Дженнингс письмо, в котором отметила, что ей не терпится возобновить рисование, которое она временно прекратила, чтобы воспитывать детей.

«Мне не терпится вернуться к рисованию, и, конечно, до этого еще как минимум пара лет», — написал Мейсон. «Дети очаровательны и ужасно интересны. Я ничего не говорю против них, но… я не могу быть просто поглощен ими.

Возможно, поэтому неудивительно, что, когда Мейсон вернулась к рисованию через год после того, как она написала это письмо — раньше, чем она ожидала, — она не рисовала своих детей или сцены из жизни дома; скорее, она стала одним из основателей нью-йоркской организации American Abstract Artists, присоединившись к группе художников, экспериментирующих с формой искусства, более распространенной в Европе, но в значительной степени отвергнутой критиками и кураторами в США в то время, которые поддерживали реализм. (мужчины) художники, включая Томаса Харта Бентона и Джона Стюарта Карри.

Мейсон была одной из многих художниц, которые также столкнулись с дополнительным барьером, будучи женщиной в мире искусства, где доминируют мужчины. Но эти художники также сыграли важную, но исторически недооцененную роль в техническом и концептуальном развитии абстракции в США. на выставке, которая открылась в этом месяце в нью-йоркском Музее американского искусства Уитни. По словам куратора Сары Хамфревилл, старшего куратора выставки, на выставке, которая продлится до марта, представлено более 30 работ — в основном меньшего размера и на бумаге — 27 художниц, которые нашли творческую, хотя и подрывную, свободу в экспериментах за пределами господствующего художественного истеблишмента. помощник куратора в музее.

Лабиринт закрытых форм Элис Трамбулл Мейсон (1945). Фотография: Роберт Герхардт и Денис Суспицын/Emily Mason & Alice Trumbull Mason Foundation/Лицензия VAGA на Artists Rights Society

Принимая абстракцию, женщины отвергали реализм, который доминировал в десятилетие, который часто усиливал «определенные темы, которые люди определяли как быть особенно женственным или подходящим для женщин», например, картины матерей и детей, сказал Хамфревилль.

«Работая в абстракции и, следовательно, во многих случаях не имея явного предмета, они действительно обошли все это затруднительное положение», — добавила она.

Художники работали с новыми формами гравюры и другими средствами, полагаясь на линии, формы и тени, чтобы организовать свои композиции, часто играя с перспективой в процессе, чтобы создать иллюзию глубины на бумаге. Под руководством художника и учителя Ганса Хофманна они также научились использовать негативное пространство и размещать перекрывающиеся и пересекающиеся формы — идеи, которые, по словам Хамфревилля, были «дикими» в США в то время.

Художники делились своими идеями в небольших группах, где женщины часто брали на себя лидирующие роли, как это сделали Мейсон и другие женщины, представленные на выставке, в том числе Розалинда Бенгельсдорф и Гертруда Грин, соучредители American Abstract Artists. «Внутри группы к женщинам относились как к равным; они служили офицерами, участвовали в комитетах, писали для публикаций и организовывали программы», — написала Хамфревилл об ААА в своем эссе, сопровождавшем выставку.

После того, как в 1935 году Уитни организовал выставку абстракции в США, в которую не вошли молодые художники, а Музей современного искусства организовал в следующем году выставку кубизма и абстрактного искусства с участием только европейских художников, ААА, в которую также вошли многие мужчины — организовал выставку американских художников-абстракционистов в галереях Squibb в центре Манхэттена в апреле 1937 года.За две недели он привлек более 1500 человек.

Натюрморт Ли Краснера (1938). Фотография: Роберт Герхардт и Денис Суспицын/Фонд Поллока-Краснера/Общество прав художников

. Хотя отзывы были в основном негативными – «рецензенты обвиняли художников в том, что они скучны, декоративны, производны и оторваны от реальности», – писал Хамфревилль, – художники-экспоненты получила редкий положительный отзыв от Хармион фон Виганд, критика и художницы-абстракциониста (у которой также есть рисунок, выставленный на выставке Уитни).

Выполнение этих двойных ролей художника и критика означало, что фон Виганд был «одним из людей в США, которые, вероятно, с самого начала очень хорошо понимали современное искусство из первых рук», — сказал Хамфревилль. В своем обзоре шоу 1937 года фон Виганд «на самом деле приводила аргументы в пользу абстракции и говорила, что для кого-то вполне политично выполнять работу и самовыражаться таким образом», — добавил Хамфревилл.

ААА продолжало проводить выставки на протяжении 30-х годов, способствуя более широкому признанию американской абстракции среди критиков к началу 1940-х годов.

Примерно в то же время в Нью-Йорке сформировалась еще одна авангардная группа: Atelier 17, где 40% членов составляли женщины, включая членов ААА. По словам Хамфревилля, мастерская «поощряла технические и формальные изобретения», а художники специализировались на новых процессах печати и внедряли их. Норма Морган, чьи работы также представлены в «Лабиринте форм», была одной из двух чернокожих художниц, входивших в группу (второй была Эванджелин Сент-Клер).

Несмотря на творческую свободу, которую художники нашли, работая вместе и с новыми формами, отказ от художественного статус-кво — особенно в отношении женщин — имел свою цену: «У них есть этот двойной слой маргинализации — они создают искусство, которое не обязательно является самым популярен в США… и затем, если вы женщина вдобавок ко всему, это [дополнительный] слой», — сказал Хамфревилл.

Черный шар в комнате Джун Уэйн (1948). Фотография: Роберт Герхардт и Денис Суспицын/Джун Уэйн/Лицензировано VAGA в Artists Rights Society, Нью-Йорк,

Быть художницей стало еще более тяжелым бременем с рассветом абстрактного экспрессионизма, который к 1950 году стал «высоко мужским» движением. согласно Хамфревиллю.

Пытаясь обойти гендерные барьеры, с которыми они столкнулись, некоторые женщины, представленные на выставке Уитни, в том числе Дорр Ботвелл и Ирен Райс Перейра, которые стали одной из первых двух женщин, принявших ретроспективу в Уитни в 1953 году. — представили свои работы с измененными, менее явно женскими версиями своих официальных имен, чтобы иметь больше шансов на выставку: Ботвелл официально изменила свое имя с Дорис, а Перейра подписала свои работы как «Я Райс Перейра».

Критики также регулярно выражали удивление, когда узнавали истинные личности женщин-художников, как и Ганс Хофманн, художник и учитель, который обучал многих художников, представленных на выставке Уитни: в инциденте, много раз описанном художником-абстрактным экспрессионистом Ли. Краснер, Хофманн однажды якобы заметил, что рисунок, который она нарисовала, был «настолько хорош, что вы бы и не догадались, что его нарисовала женщина». (Его коллега по абстрактному экспрессионизму Элейн де Кунинг поделилась похожими воспоминаниями об оценке Хофманом ее собственных работ. ) Это «свело [Краснера] с ума», — сказал Хамфревилль.

Вслед за работами искусствоведов-феминисток, начиная с 1970-х годов, музеи и ученые в последнее время начали критически пересматривать историко-художественные отчеты о развитии американской абстракции, которые исключают вклад женщин и цветных людей, добавил Хамфревилл, указывая на выставка «Женщины абстрактного экспрессионизма» Денверского художественного музея в 2016 году и собственная ретроспектива Агнес Пелтон Уитни в прошлом году.

Но «Лабиринт форм» также важен для своего дома, учитывая, что «Уитни на самом деле не собирала большую часть этого материала по мере его создания», — сказал Хамфревилл, добавив, что многие работы не были добавлены в музейную коллекцию. коллекция до конца 1970-х годов.

Выставка, добавила она, представляет собой давно назревшее исправление — как для американской истории искусства, так и для самой Уитни: «В то время многие музеи также упускали из виду этих художников… эта маргинализация уже начинает происходить при их жизни». , что делает так, что когда они вписываются в историю, она обязательно должна быть немного ревизионистской».

Много разных взглядов на абстрактное искусство художников прошлого и настоящего

Когда абстрактное искусство появилось в начале 20-го века, оно произвело революцию в мире искусства.Многие ведущие художники того времени выбрали этот стиль как бунтарский отход от фигуративного искусства. Они использовали визуальный язык формы, формы, цвета и линии для создания композиций с небольшим количеством отсылок к миру природы или без них. Отвергая ограничения реализма, художники-абстракционисты стремились исследовать миры своего воображения, свободу выражения и следовать своему желанию раскрыть спонтанность через выбранную ими среду. На протяжении многих лет многие художники, теоретики, историки и критики выражали самые разные взгляды на абстрактное искусство.

В этой статье вы найдете работы нескольких членов Manhattan Arts International, которые используют элементы абстрактного искусства. Вы найдете их разнообразные заявления и ссылки на их страницы, чтобы вы могли увидеть больше их работ.

Обратите внимание, что с тех пор, как эта статья была опубликована в марте 2019 года, мы добавили больше художников-абстракционистов в нашу онлайн-галерею.

Можно сказать, что почти все искусство — это абстрактное искусство, если учесть, что абстракция — это процесс черпания вдохновения из формы, цвета и текстуры объектов.Ведь художники «абстрагировались» от окружающего мира с доисторических времен. Художники, искусствоведы и историки на протяжении десятилетий участвовали во многих дискуссиях, спорах и противоречивых мнениях об абстрактном искусстве. Вот несколько…

«Абстрактного искусства не существует. Всегда нужно с чего-то начинать. После этого вы можете удалить все следы реальности». ~ Пабло Пикассо

«То, что происходит в абстрактном искусстве, есть провозглашение эстетических принципов… Это в наше время мы осознали чисто эстетические соображения. Искусство никогда не может быть подражанием».
~ Ганс Хофманн

«Абстракция — это не стиль. Я просто хочу, чтобы поверхность работала. Это просто использование пространства и формы: это амбивалентность форм и пространства. ~ Джоан Митчелл

«Мы все голодны и жаждем конкретных образов. Абстрактное искусство было бы хорошо для одного: восстановить его точную девственность для фигуративного искусства».
~ Сальвадор Дали

«Подобно тому, как чистое абстрактное искусство не догматично, оно не декоративно».
~ Пит Мондриан

«Объективная живопись не является хорошей живописью, если она не хороша в абстрактном смысле.Холм или дерево не могут стать хорошей картиной только потому, что это холм или дерево. Это линии и цвета, соединенные вместе, чтобы они могли что-то сказать». ~ Джорджия О’Киф

«Чем меньше есть на что смотреть, тем важнее, чтобы мы смотрели на это внимательно и внимательно. Это очень важно для абстрактного искусства. Небольшие различия решают все».
~ Кирк Варнедо, Картины из ничего: абстрактное искусство со времен Поллока

«Я не абстракционист. Меня не интересуют отношения цвета, формы или чего-то еще.Меня интересует только выражение основных человеческих эмоций: трагедия, экстаз, обреченность и так далее». ~ Марк Ротко

«Я не абстракционист; Я оставляю это другим. Для меня абстракционизм закончился «Черным квадратом» Казимира Малевича. Продолжать его бессмысленно». ~ Йонас Мекас

«Все знают, что абстрактное искусство может быть искусством, и большинство людей знают, что оно может им не нравиться, даже если они понимают, что у него есть другая цель». ~ Рой Лихтенштейн

Василий Кандинский, Эскиз I к картине с белой каймой, холст, масло, 39-3/8″ x 30-11/16″.Коллекция Филлипса (c) 2014 Василий Кандинский/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк/ADAGP, Париж.

«Сама форма, пусть даже совершенно абстрактная… имеет свой внутренний звук». ~ Василий Кандинский

Размышляя о покупке абстрактных произведений искусства, откройтесь своему внутреннему миру воображения и неограниченным возможностям опыта. Вместо того, чтобы сосредотачиваться на формальных элементах произведения искусства перед вами, позвольте себе поддаться ощущениям, которые они вызывают в вас.Какие чувства вызывает у вас искусство?

Вы можете думать об абстрактном искусстве, как это делал Василий Кандинский, своего рода музыкальной композиции, в которой художник использует линию, цвет, объем, композицию, баланс, ритм и субъективные аспекты, такие как чувства и идеи, которые он имеет и хочет передать. ты. Кандинский подбадривал нас: «Сама форма, даже если она совершенно абстрактна… имеет свое внутреннее звучание».

Художник, создающий абстрактное искусство, часто может входить в сферу трансцендентных, созерцательных, мечтательных и вневременных тем.И они берут нас с собой в свое путешествие, приглашая открыть для себя наши собственные интерпретации.

Линда С. Уотсон, Глядя вверх, спиртовые чернила на бумаге, 5″ x 7″. Посетите ее страницу

Отказ от всех правил
«Рисование абстрактного искусства дает мне свободу отбросить все правила. Абстракция позволяет мне использовать свои чувства, интуицию и изобретательность и работать более спонтанно. Мне нравится творческий процесс, в котором нет ничего «неправильного», а удовольствие приходит от игры с материалами, цветами и формами.

Когда Уотсон переехала на Гавайи, она нашла вдохновение в природных ресурсах. Вулканы и морские формы включены в ее абстракции. Подводное плавание предоставило изображения. Она объясняет: «Я открыла для себя безмолвный и волшебный мир, где яркие рыбки порхали, как бабочки. Морские растения и кораллы томно колыхались, а солнечные лучи создавали в воде сверкающие узоры. Я хотел запечатлеть это в своем творчестве».

Нэнси Рейнер, Серебряная гора, акрил и серебряная фольга на панели, 36″ x 48″.Посетите ее страницу.

Слияние абстракции с природой
Нэнси Рейнер создает неземные картины исключительной глубины и красоты. «Природа — мой руководящий принцип для изображения светящихся понятий воздуха, воды, земли и света. Создавая воображаемые новые миры, сливая буквальное и метафорическое, мои картины колеблются где-то между чистой абстракцией и реалистичным пейзажем».

Рейнер много писал о творческом процессе и методах и является автором нескольких книг.Она утверждает: «Способность мечтать и создавать новые миры, беря плоскую поверхность и трансформируя ее, — это дар, который художники могут принести миру. С этой концепцией манипулирования размерами художник может указать на то, что уже существует, но так искусно, что зритель увидит это совершенно по-новому». Она добавляет: «Таким образом, живопись может изменить восприятие зрителя, запустив его в исследование собственных мыслей и убеждений».

Джеймс Кэмпбелл, «По пути сюда», дерево, акрил, смешанная техника; 26″ х 34″ х 3″.Посетите его страницу.

Уравновешивание структуры и открытости
Большая часть последних работ Джеймса посвящена нашей склонности к разделению на части, к рассмотрению различных аспектов жизни как отдельных. Он утверждает: «Границы мыслительных процессов не четко ограничены, а простираются с неожиданными касательными и часто пересекаются. Наша жизнь формируется внутренними опорами, которые мы соткали. Наш контент развивается благодаря моментам, сотканным внутри. В моих картинах моменты активности и размышлений воспроизведены в брызгах, брызжущих и болтающих мазках спонтанности, населяющих жестовые структуры.Эта сложность нашей жизни отражена в моей работе благодаря этому балансу структуры и открытости».

Он добавляет: «Криволинейные формы моей работы активизируют свое окружение, становятся его частью и побуждают к пересмотру наших привычек восприятия».

Майкл Амроуз, Тезисы № 6.2, Без названия № 50, Цифровая фотография/печать, 25″ x 25″. Посетите его страницу.

Выход за пределы мысли

«Абстрактное искусство имеет силу, потому что оно проникает во внутреннюю психику зрителя, сводя к минимуму сознательные отвлекающие факторы и пробуждая бессознательные чувства. В результате абстрактная фотография предоставляет мне неограниченные возможности для исследования и передачи множества измерений человеческих эмоций и, в свою очередь, вызывает эмоциональные реакции у зрителя. Следовательно, я могу выразить себя с помощью уникального визуального языка, словарный запас которого имеет глубокие культурные и эмоциональные связи».

Он добавляет: «Я стремлюсь расширить границы фотографической среды за пределы традиционных подходов и способности среды воспроизводить реальность. Процесс играет неотъемлемую часть в фотоискусстве.Моя тема создана с учетом символического психологического и культурного воздействия на зрителя определенных цветов, форм и форм».

«Я заинтересован в процессе создания этих образов и в самом процессе творчества. Мои образы оригинальны и абстрактны, и они резонируют со мной на глубоком, бессознательном и эмоциональном уровне, как, я надеюсь, и для всех, кто их испытывает».

Вы также можете прочитать
Пройдите этот тест ~ Удивительные факты об известных художниках
Насколько хорошо вы знаете известных женщин-художников?

Посетите международную художественную онлайн-галерею Manhattan Arts, чтобы увидеть работы всех участников.

ПОЖАЛУЙСТА, ПОДЕЛИТЕСЬ

Абстрактный экспрессионист Нью-Йорк | MoMA

Прошло более шестидесяти лет с тех пор, как критик Роберт Коутс в статье для New Yorker в 1946 году впервые употребил термин «абстрактный экспрессионизм» для описания насыщенных красок полотен Ганса Хофмана. С годами это название стало обозначать картины и скульптуры таких разных художников, как Джексон Поллок и Барнетт Ньюман, Виллем де Кунинг и Марк Ротко, Ли Краснер и Дэвид Смит.Начиная с 1940-х годов под эгидой директора Альфреда Х. Барра-младшего произведения этих художников стали поступать в коллекцию Музея. Благодаря постоянной поддержке кураторов, попечителей и самих художников эти амбициозные приобретения продолжались на протяжении второй половины прошлого века и привели к созданию коллекции произведений абстрактного экспрессионизма непревзойденной широты и глубины.

Нарисованный полностью из обширных фондов Музея, Абстрактный экспрессионист Нью-Йорк подчеркивает достижения поколения, которое катапультировало Нью-Йорк в центр международного мира искусства в 1950-х годах и оставило в наследство некоторые из величайших шедевров двадцатого века. .В галереях на четвертом этаже представлены картины, скульптуры, гравюры, рисунки, фотографии, фильмы и архивные материалы в стиле абстрактного экспрессионизма на выставке под названием «Большая картина ». были посвящены одной теме. Выставка продолжается этажами ниже, где сфокусированные показы — «Камень, ножницы, бумага» в Галерее печатных изданий и иллюстрированных книг на втором этаже и «Идеи, а не теории» в Галерее рисунков на третьем этаже — раскрывают различные грани движения по мере того, как оно разработан в различных средах, дополняя исторический обзор эпохи и давая ощущение ее большой глубины и сложности.Обратите внимание, что эти две последние галереи закрываются 28 февраля 2011 г.

Организовано Энн Темкин, главным куратором отдела живописи и скульптуры Мари-Жозе и Генри Кравис.

13 австралийских художников-абстракционистов, которых вам нужно знать

Хотите поддержать некоторых австралийских художников-абстракционистов, развесив их работы у себя на стенах? Я рассказал вам в сегодняшнем посте. Я просто надеюсь, что вы готовы ко всему этому таланту.

Мальчик, я люблю абстрактное искусство.Я использую его во многих своих проектах по дизайну интерьера. Так легко и универсально работать со схемой, и это действительно создает фокус в пространстве. И еще лучше, когда вы знаете, что художник — местный житель, который действительно ценит вашу покупку, не так ли?

В прошлом я упоминал в блоге нескольких этих божественных австралийских художников. Вы знаете, что я полностью поддерживаю наш талант. Но, возможно, есть ряд австралийских художников-абстракционистов, которых вы никогда раньше не встречали.До сих пор! Я поднимаю крышку на 13 из моих фаворитов ниже. Я бы хотел, чтобы вы сообщили мне, есть ли австралийский художник, которого я пропустил в этом списке.

Искусство на главном изображении выше принадлежит суперталантливому Майклу Бонду, о котором я расскажу вам подробнее ниже. А пока давайте не будем терять ни минуты и познакомим вас со списком моих любимых австралийских художников-абстракционистов.

О, и если вам нужен совет о том, как выбрать предметы искусства для вашего дома, щелкните здесь, чтобы получить мои советы экспертов.

1.Пруденс Кэролайн

Приведенная выше работа — одна из многих, которые вы можете оценить у Пруденс, чьи работы насыщены цветом и интересом. Она описывает свою работу как неряшливую и бессистемную, но я бы назвал ее по-настоящему волшебной. Я бы продал своего первенца, чтобы обеспечить часть ее работы для моего дома. Ознакомьтесь с другими творениями Пруденс здесь.

2. Лия Варфоломей

На творчество Лии повлияло то, что она провела на природе, в Северном Новом Южном Уэльсе и на Золотом Берегу.Он удивительно оптимистичен и создан из рваных кусочков бумаги; собрать в стиле коллажа. Результаты говорят сами за себя и действительно бросаются в глаза. Вы можете изучить другие работы Лии, вдохновленные органикой, здесь.

3. Кэтрин Хиллер

Кэтрин — мой новый любимый художник. На самом деле я заказал у нее одну вещь для моего проекта дизайна интерьера Murrumbeena. Это будет привлекательный момент в гостиной. Кэтрин — очень эмоциональный художник, и мне нравится, что чем дольше вы смотрите на ее очаровательные работы, тем более интригующими они становятся.Посетите Кэтрин Хиллер онлайн здесь или посетите ее студию в Сент-Кильде.

4. Ровена Мартинич

Известная своим ярким использованием цвета, Ровена Мартинич — художница из Мельбурна, чьи работы были замечены во многих местах, от жилых помещений до коммерческих и даже на фасадах зданий. Она даже ездила в изолированные отдаленные районы, чтобы создавать там работы для местных жителей. Посмотрите ее удивительное искусство здесь.

5. Джесси Ригби

В последние годы вы видели ее работу над «Блоком», и с тех пор она определенно покорила местный рынок.Я такой большой поклонник абстрактного искусства Джесси Ригби, что заказал моему клиенту из Кэмберуэлла произведение, которое я покажу в коридоре. Работы Джесси вдохновлены викторианской сельской местностью и работают со смешанной техникой, включая акрил, масляную пастель, гуашь и металлические пигменты. Определенно австралийский художник-абстракционист, которого стоит отстать.

6. Ручи Рай Арт

Ручи Рай — художник-абстракционист из Сиднея. Она работает в основном акриловыми красками, смывками и иногда тушью, и ее работы действительно впечатляющие.Ручи любит создавать искусство для настоящих домов, чтобы каждое произведение могло резонировать и соединиться с домовладельцем, которому посчастливилось иметь его на своих стенах. Если вам нужны работы Ручи для вашего пространства, смотрите больше здесь.

7. Мэгги Макдональд

Vibrancy находится в авангарде того, чем занимается талантливая сиднейская художница Мэгги Макдональд, и результатом этой любви к цвету является удовольствие для чувств. Художник и дизайнер поверхностей по профессии, она доступна для комиссий и сотрудничества, а на ее веб-сайте есть множество потрясающих работ для продажи. Чтобы изучить их подробнее, просто нажмите здесь.

8. Джорджи Уилсон

Некоторые австралийские художники-абстракционисты используют цвета, бросающиеся в глаза, но Джорджи Уилсон, творец полуострова Морнингтон, предпочитает более приглушенный подход к оттенку. Тонкие тона в ее работах успокаивают и умиротворяют, а ее произведения украшают дома как здесь, так и за границей. Чтобы увидеть больше ее спокойных работ, нажмите здесь.

9. Саби Кляйн

Сабина Кляйн провела годы в корпоративном мире, прежде чем поняла, что ей нужно дать своим работам шанс по-настоящему расцвести.Прыжок окупился. Художница из Мельбурна снялась в The Block, и с тех пор ее работы выставлены за дверь. Как видите, Саби фокусируется на создании ярких, смелых и эффектных работ, больше которых вы можете увидеть здесь.

10. Майкл Бонд

Майкл — художник из Нусы. Полностью самоучка, он любит создавать произведения искусства для настоящих домов и постоянно развивает свой уникальный способ рисования наблюдателя, чтобы увидеть, что находится под холстом. Его работы смелые, яркие, глубокие и характерные.Вы бы видели их в столовой Bianca and Carla’s Block (вверху), среди других мест. Если вы хотите увидеть больше работ этого талантливого человека, нажмите здесь.

11. Чали Макрэ

Изображение выше взято из моего недавно завершенного проекта в Хэмптоне, и вы можете увидеть потрясающую работу Чали Макрей, украшающую стену в столовой. Разве это не самое захватывающее произведение искусства, которое вы когда-либо видели? Чали на несколько дней запирается в своей студии в Ярравиле, чтобы создавать свои великолепные абстрактные творения.Она работает с маслом и акрилом и тяготеет к палитре, вдохновленной природой. Такой успокаивающий, такой шикарный.

12. Папоротник Зиблера

Еще один удивительный австралийский художник-абстракционист, работы которого вы могли бы увидеть на Блоке в 2019 году, — это Ферн Зиблер. Творческий самоучка, Ферн, конечно, не боится цвета, используя свои таланты с оттенками для создания произведений искусства, вдохновленных текучестью и движением земных элементов; вода, воздух, огонь и дым.

13.Кэролайн О’Нил

Художница из Мельбурна Кэролин О’Нил рисует, лепит и создает коллажи в смешанной технике. Но ее настоящая любовь — живопись. Я уже брал интервью у этой интригующей креативщицы в блоге (подробнее здесь), и мне очень нравятся ее работы. Работы Кэролайн, бывшей медсестры, представлены галереями как в Виктории, так и в Квинсленде. Она действительно один из лучших австралийских художников-абстракционистов. Проверьте ее веб-сайт здесь.

Вам слово! Кто ваши любимые австралийские художники-абстракционисты? Есть ли что-то, что я упустил здесь? Не стесняйтесь; оставьте комментарий ниже и расскажите мне все о них, чтобы мы все могли их проверить.

30 самых популярных современных художников

На основе международного отчета Artprice за 2017 год о популярных художниках на рынке современного искусства мы составили список из 30 современных художников, увиденных через призму аукционных продаж. От абстрактных изображений лиц до уличного искусства эти популярные художники разработали уникальные способы отображения своего знаменитого современного искусства.

30. Синди Шерман (р. 1954)

Синди Шерман сделала себе имя благодаря своим «Кадрам из фильмов без названия» (1977–1980), серии автопортретов, на которых она изображает женские клише поп-культуры 20-го века.Ее работы исследуют роли женщин на протяжении всей истории и в современном обществе и могут быть связаны с другими современными художниками и их абстрактными изображениями лиц. Как и некоторые другие популярные художники сегодня, она оставляет свои работы открытыми для интерпретации. Однако обычно он воспринимается как феминистский символ.

Синди Шерман

29. Лю Сяодун (1963 г.р.)

Лю Сяодун, возможно, один из величайших художников всех времен, известен своей сильной манерой письма, насыщенными цветами и точными формами.Он начал с традиционной работы кистью для создания чрезвычайно реалистичных предметов, но позже изменил свой подход и начал работать с обрезанным кадрированием, необычным использованием перспективы и использованием цветов для усиления эмоций. Лю рисует свои предметы в их естественных условиях, запечатлевая обычных людей в сложных местах, таких как Израиль-Палестина, Тибет и сельский Китай. Его интимный, натурный подход и чуткое отношение к предметам — вот что делает его стиль живописи таким трогательным и мощным по сравнению с работами других современных художников.

Лю Сяодун

28. Сесили Браун (р. 1969)

Среди лучших современных художников лондонскую художницу Сесили Браун часто сравнивают с популярными современными художниками, такими как Виллем де Кунинг и Фрэнсис Бэкон. абстрактных экспрессионистов. Браун считается одним из главных факторов, повлиявших на возрождение живописи на рубеже тысячелетий.Ее картины наполнены эротичными фрагментарными телами среди ярких пульсирующих цветов. Критики восприняли ее современную живопись неоднозначно, но она, безусловно, занимает важное место среди современных художников и на арт-рынке, недавно побив свой аукционный рекорд, продав ее за 2,2 миллиона долларов.

Сесили Браун. Фото: Марк Хартман

27. Лю Вэй (1965 г.р.)

Уроженец Пекина Лю Вэй считается одним из самых талантливых современных художников Китая.В начале 90-х годов Лю Вэй и Фан Лицзюнь создали художественный стиль, известный как циничный реализм. Его работы противостоят скуке и бесцельности современного общества и выходят за пределы бинарности, такой как восточная/западная культура. Именно это разрушение границ, отсутствие привязки к какой-либо одной школе мысли создает его уникальный стиль и делает его и его знаменитое современное искусство такими любимыми во всем мире сегодня.

Лю Вэй

26. Микель Барсело (р. 1957)

Испанский художник Микель Барсело наиболее известен своей инсталляцией на потолке Зала прав человека и Альянса цивилизаций во Дворце Наций ООН в Женеве.Эти разноцветные сталактитовые формы символизируют море и пещеру, которые противостоят друг другу, но в то же время находятся в союзе. Его работы исследуют разложение, метаморфозы и течение времени и, среди прочего, принимают форму абстрактных изображений лиц. В 2004 году Барсело стал самым молодым художником, когда-либо выставлявшим свои работы в парижском Лувре.

Микель Барсело

25. Такаси Мураками (р. 1962)

Такаши Мураками, также известный как «Уорхол Японии», известен своим слиянием изобразительного искусства и популярной культуры, часто ссылаясь на красочные мультфильмы аниме и манги для создания абстрактных изображений лиц.По словам Мураками, «японцы согласны с тем, что искусство и коммерция будут смешаны». Это Запад навязывает такую строгую иерархию в отношении искусства. Несмотря на это, Мураками был полностью принят и в западном мире искусства, и его работы сегодня чрезвычайно востребованы в мире искусства.

Такаши Мураками

24. Гюнтер Фёрг (1952-2013)

Гюнтер Фёрг принадлежал к послевоенному поколению немецких популярных художников, выступивших против модернизма, и был одним из пионеров выставки междисциплинарных работ. Картины современного искусства Фёрга часто связаны с политическим климатом его эпохи в Германии и известны своими яркими насыщенными сплошными цветами. Он считался одним из самых интересных современных художников своего времени.

Гюнтер Форг

23. Луо Чжунли (р. 1948)

Ло Чжунли — один из ведущих современных художников-реалистов Китая. В отличие от абстрактных изображений лиц других художников, его мощные фотореалистичные портреты жителей сельской местности на юго-западе Китая глубоко тронули людей во всем мире; они как бы открывают окно в жизни и души этих людей.Чжунли наиболее известен своей современной картиной «Отец», на которой невероятно детально изображено лицо китайского крестьянина. Сегодня он является одним из самых популярных художников среди китайских коллекционеров произведений искусства.

Луо Чжунли

22. Нджидека Акуниили Кросби (1983 г.р.)

Вселенная нигерийско-американской Нджидека Акуниили Кросби, которую изображает в своей работе, — это, по ее словам, не Нигерия и не Америка, а какое-то другое пространство, пространство, которое занимает каждый иммигрант. Акуниили Кросби создает красочные картины-коллажи, которые переплетают интимные моменты с коммерческими изображениями из Нигерии и отсылают к истории Нигерии и постколониальному настоящему. Картины живут и дышат ее транс- и мультикультурным очарованием и самобытностью изобразительного искусства. Акуниили Кросби стала притчей во языцех в мире современного искусства, когда цены на ее работы резко взлетели. В прошлом году стоимость ее произведений выросла со 100 000 долларов до более чем 3 миллионов долларов, что ясно демонстрирует, что сегодня она является одним из самых популярных художников.

Нджидека Акуниили Кросби

21. Шон Скалли (р. 1945)

Ирландский художник Шон Скалли часто использует полосы, сетки и темные тона для создания характерных для него абстрактных работ. Между геометрией и мягкими краями всегда существует диалог, который сам Скалли описывает как «битву между системой и эмоциями». Родившийся в Дублине, выросший в Лондоне и проживающий в Соединенных Штатах с 70-х годов, Скалли несет с собой захватывающую коллекцию культурных влияний. Возможно, это одна из причин, почему он заявил, что его большая китайская ретроспектива в 2015 году была для него самой важной выставкой, потому что, как он сам сказал, «я всегда хотел, чтобы мое искусство было глобальным, а не локальным». И ему это, безусловно, удалось.

Шон Скалли

20. Чжоу Чуня (р. 1955)

Китайский художник Чжоу Чуня наиболее известен своей серией Green Dog , в которой он изобразил зеленую немецкую овчарку в различных позах и условиях.Его стиль часто описывают как гибрид западного модернизма, традиционной китайской живописи и социалистического реализма, что делает его искусство таким захватывающим. Чжоу считает себя прежде всего колористом и очарован значениями цветов, когда люди думают о них. Он стал самым молодым художником, возглавившим список Hurun Art List в 2013 году, в который на сегодняшний день входит 100 лучших китайских популярных художников по доходам от продаж на публичных аукционах.

Чжоу Чуня

19. Джордж Кондо (р. 1957)

В своих абстрактных картинах лиц и тел Джордж Кондо играет с человеческими формами. Уникальные среди современных художников, его картины украшены абсурдными, вырезанными, часто карнавальными персонажами. Хотя ссылки на таких художников, как Пикассо, Матисс, Сай Твомбли, Гойя и Веласкес очевидны в его вышеупомянутых абстрактных картинах лиц, нет никаких сомнений в том, что Кондо разработал свой собственный очень значительный стиль. По его собственным словам, он исследует «частные, внемоментальные или невидимые аспекты человечества.После первой победы в Европе Кондо позже вернулся в Нью-Йорк, где он начал свою карьеру в 80-х, и снова получил признание за свою современную живопись.

Джордж Кондо

18. Джон Каррин (р. 1962)

Джон Каррин, один из нескольких известных американских художников в этом списке, сфотографированный выше во время работы над портретом своей жены, известен своими соблазнительными, но в то же время отталкивающими картинами похотливых женщин. Он сочетает в себе красоту и гротеск, и в его часто эротически заряженных работах можно найти влияние, начиная от картин эпохи Возрождения и заканчивая журнальной рекламой 50-х годов.Возможно, именно его способность создавать современное искусство, бросающее вызов вкусу, заставляющее одновременно ненавидеть и любить, помогло Каррину стать одним из самых популярных художников современности и, возможно, одним из величайших художников всех времен.

Джон Каррин

17. Чжан Сяоган (р. 1958)

Чжан Сяоган, один из многих современных художников из Китая, завораживающие картины, связанные с понятием идентичности в рамках китайской культуры коллективизма. Его работа сосредоточена вокруг концепции семьи, черпая вдохновение из семейных фотографий периода культурной революции.Как будто по памяти Чжан создает чрезвычайно личную версию истории Китая.

Чжан Сяоган

16. Томас Шютте (р. 1954)

Томас Шютте, изучавший изобразительное искусство у Герарда Рихтера в 1970-х годах и с тех пор оставляющий след в мире искусства, исследует состояние человека через свое искусство. Как и другие современные художники, он предлагает критический взгляд на социальные, политические и культурные проблемы, бросая вызов зрителю своими вызывающими воспоминания фигурами и выражениями.В 2016 году он открыл свой собственный частный музей (присоединившись к элитной группе современных художников, включая Дэмиена Херста, которые создали частные музеи) в Хомброхе, Германия, посвященный исключительно его скульптурам.

15. Джефф Кунс (р. 1955)

Джефф Кунс — один из самых известных современных художников, который превращает банальные объекты в иконы изобразительного искусства, используя такие понятия, как знаменитости, СМИ и коммерция. Поступая так, он держит зеркало перед обществом и показывает его во всех его гротескных противоречиях.Его увлечение этими предметами также отражено в коммерческих материалах, которые он использует. Любите вы его или ненавидите, ему удалось штурмом захватить мир искусства и обеспечить себе постоянное место в качестве одного из самых популярных художников современности.

Портрет Джеффа Кунса Кунстхаус Брегенц.

14. Марк Брэдфорд (р. 1961)

Марк Брэдфорд сочетает в себе интерес к современной абстракции и городскому сообществу в своих фирменных коллажах из смешанной техники.Его знаменитое современное искусство, охватывающее широкий спектр коллажей, паблик-арта, инсталляций и видеоработ, исследует высокое искусство и популярную культуру. Он всегда ищет неудобные и неприятные темы в обществе. Брэдфорд создал один из самых обсуждаемых экспонатов за пределами павильона США на Венецианской биеннале в этом году, отсылая к плантации в Вирджинии, принадлежащей Томасу Джефферсону, и вдохновленный такими темами, как приход Трампа, насилие со стороны полиции и Black Lives Matter.

Студия Марка Брэдфорда в Лос-Анджелесе

13.Альберт Олен (р. 1954)

Немецкий художник Альберт Олен, который стал известен в 80-х годах как часть растущей арт-сцены Гамбурга. Оэлен использует импульсивность и эклектику в своей работе, часто начиная с набора правил или структурных ограничений и используя в качестве инструментов пальцы, кисти, коллажи и компьютеры. В последние годы спрос на его искусство в роскошной зоне арт-рынка вырос, что заставило некоторых задуматься, изменит ли это восприятие его знаменитого современного искусства.

Альберт Олен

12. Ансельм Кифер (р. 1945)

Ансельм Кифер, немецкий художник, который учился у таких популярных художников, как Йозеф Бойс, занимается мифами, памятью и коллективной историей. Он считает, что важно противостоять своему (коллективному) пути, чтобы иметь возможность идти в будущее. Следовательно, его скульптуры эпического масштаба и абстрактные изображения лиц отсылают, среди прочего, к национал-социалистической архитектуре, поэзии после Холокоста и политике холодной войны, и он использует такие материалы, как сожженные книги, пепел и колючие ветки… В 2011 году Christie’s установил мировой рекорд по продаже работ Кифера, когда он продал Неизвестному художнику (1983) за 3 доллара.6 миллионов.

Ансельм Кифер

11. Адриан Гени (1977 г.р.)

Адриан Гени — румынский художник из Клужской школы. Его работы наполнены богатыми фактурами и красками, выразительные образы балансируют между ясностью и увяданием. Его картины сплетают воедино личные и коллективные страхи, травмы и воспоминания, обращаясь к ужасам европейской истории 20 века. В наши дни цены на работы Гени, такие как его абстрактные изображения лиц, взлетели до небес, и у него длинный список частных покупателей.Эксперты связывают его огромную популярность на рынке современного искусства с высоким спросом на картины, его ограниченным выпуском, нехваткой шедевров для продажи, доступной ценой по сравнению с верхушкой рынка и богатыми азиатскими покупателями.

Адриан Гени

10. Дэмиен Херст (р. 1965)

Дэмиен Херст — самый выдающийся член группы современных художников «Молодые британские художники», которая доминировала на британской сцене современного искусства в 90-е годы. Херст — самый богатый из ныне живущих художников Великобритании, а также побил рекорд аукциона с одним художником в 2008 году, когда он продал всю выставку Beautiful Inside My Head Forever за 198 миллионов долларов. Он наиболее известен своей серией знаменитых произведений современного искусства, изображающих мертвых животных, консервированных в формальдегиде, и своим бриллиантовым черепом «Ради любви к Богу ».

Дэмиен Херст. Предоставлено художником

9. Цзэн Фаньчжи (1964 г.р.)

Цзэн Фаньчжи вырос в Китае во времена Культурной революции, и этот опыт сделал его художником.Его работа указывает на его озабоченность проблемной историей современности, а также изоляцией и нестабильностью современной жизни. Он добился признания в 90-х годах благодаря сериям современной живописи Больница и Мясо . Его работы можно узнать по его фирменному экспрессионистскому стилю, фигурам с большими головами и преувеличенными чертами лица, а иногда и абстрактным изображениям лиц. В 2013 году картина Фанжи «Тайная вечеря» была продана на аукционе Sotheby’s в Гонконге за рекордную сумму в 23,3 миллиона долларов, что сделало ее самой высокой ценой за произведение современных азиатских художников на аукционе.

Цзэн Фанжи

8. Кит Харинг (1958-1990)

Поп-арт и граффити Кита Харинга возникли из уличной культуры Нью-Йорка 80-х. Он оказался в процветающем сообществе альтернативного искусства за пределами галерей и музейных учреждений. Его современное искусство оживало на улицах, в метро и в клубах. Харинг хотел посвятить свою карьеру созданию действительно паблик-арта. На станциях метро, на неиспользуемых рекламных панелях он нашел свою среду для экспериментов и общения с более широкой аудиторией.Работы Харинга остаются чрезвычайно популярными и по сей день, продаваясь на аукционах примерно за 6 миллионов долларов.

Кейт Харинг

7. Ёситомо Нара (р. 1959)

Ёситомо Нара — одна из центральных фигур японского неопоп-движения, создающая картины, рисунки и скульптуры с детскими персонажами. Эти персонажи глубоко вдохновлены популярной культурой, такой как аниме, манга, Дисней и панк-рок. Это влияние приводит к милым, но в то же время тревожным и зловещим изображениям.Его современное изобразительное искусство связано с поиском идентичности в сегодняшнем быстро модернизирующемся, жестоком мире с его постоянным визуальным входом.

Ёситомо Нара

6. Ричард Принс (р. 1949)

Ричард Принс — один из современных художников, печально известных присвоением. Принц повторно использует образы из СМИ, чтобы подвергнуть сомнению и переопределить понятия авторства и права собственности. В своей серии «Ковбои» 1980-х годов он перефотографировал рекламу Marlboro, чтобы создать крупные планы этих мифических ковбоев.В 2005 году его фотография Untitled (Cowboy) стала первой перефотографией, проданной на аукционе более чем за 1 миллион долларов. Совсем недавно он занялся Instagram, крадя посты в Instagram у нескольких молодых женщин и продавая их за огромные суммы. Возникающие споры и судебные процессы в некотором смысле являются частью творчества Принса.

Ричард Принс

5. Марк Гротян (р. 1968)

Марк Гротян — американский художник, наиболее известный своими абстрактными изображениями лиц и геометрическими изображениями.Говорят, что его современный стиль живописи ведет сложный диалог с работами Казимира Малевича, Барнетта Ньюмана и Бриджит Райли. Гротьян часто исследует исчезающую точку перспективы и работает с яркими цветами. Спрос на работы Гротьяна в последние годы неуклонно рос.

Марк Гротян

4. Рудольф Стингель (р. 1956)

Рудольф Стингель — итальянский художник из Нью-Йорка. С 80-х годов современное искусство Стингеля связано с исследованием выбранного им средства живописи и ниспровержением представлений о подлинности, иерархии, значении и контексте.Ему интересно вовлечь зрителей в диалог об их восприятии современного искусства и включить их в процесс. После выставки 2007 года в Музее Уитни в Нью-Йорке цены на Стингеля взлетели до небес.

Рудольф Стингель

3. Кристофер Вул (р. 1955)

Кристофер Вул впервые сделал себе имя на сцене современного изобразительного искусства Нью-Йорка в 1980-х годах. Он наиболее известен своими современными художественными картинами со словами, его фирменными белыми холстами с большими черными буквами по трафарету.Работает как «Апокалипсис сегодня» («Продай дом, продай машину, продай детей») и If You («Если ты не понимаешь шуток, можешь убираться из моего дома») за 15-30 долларов. миллионов в аукционном доме Christie’s.

Кристофер Вул

2. Питер Дойг (р. 1959)

Питер Дойг — шотландский художник, который провел большую часть своего становления в Тринидаде и Канаде и изучал искусство в Англии. Его современное искусство описывается галереей Саатчи как содержащее темы магического реализма, «захватывающее вневременные моменты совершенного спокойствия, где память фотоальбома мелькает и исчезает из сна наяву. Дойг черпает вдохновение из фотографий, вырезок из газет, сцен из фильмов, обложек музыкальных альбомов и работ более ранних художников, таких как Эдвард Мунк. В 2002 году он снова поселился на Тринидаде, где открыл студию в Карибском центре современного искусства. В 2007 году его «Белое каноэ » было продано на Sotheby’s за 11,3 миллиона долларов, что на тот момент было рекордом для живого европейского художника и является одной из причин, по которой он включен в наш список популярных художников.

Питер Дойг. Предоставлено галереей Майкла Вернера

1.Жан-Мишель Баския (1960–1988)

Жан-Мишель Баския, один из самых известных современных художников и американских художников всех времен, появился на американской панк-сцене начала 80-х в Нью-Йорке и быстро получил признание в международном кругу художников за такие работы, как его абстрактные изображения лиц. . Его «наивное» искусство умело сочетало стили и традиции, создавая коллажные произведения современного искусства, которые часто ссылались на его городское и афро-карибское наследие. Картины современного искусства Баскии являются примером того, как контркультурная художественная практика может стать полностью признанной, принятой и прославленной формой искусства в коммерческих массах.Его абстрактные изображения лиц сегодня продаются по самым высоким ценам на арт-рынке.

Жан-Мишель Баския

Подробнее…

Если вы хотите получить представление о мире современного искусства и его ключевых игроках, изучите нашу серию статей, посвященных художникам, которые, каждый по-своему, раздвинули границы современного искусства, бросив вызов статус-кво и осваивая неизведанные художественные направления.

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше о направлениях и стилях в истории искусства здесь
Один раз, два раза, продано! Краткая история художественных аукционов

Пишите о своем абстрактном искусстве

Большинству художников, которых я знаю, очень трудно писать утверждения художника. Можно согласиться с тем, что художникам, работающим в стиле реализма, легче передать свое вдохновение, потому что они имеют дело с осязаемыми и естественными отсылками. Однако, если вы художник-абстракционист, задачи совсем другие. Как вы передаете другим, что вы чувствуете, выбирая свои цвета, формы, формы и техники? Мириады внутренних, неосязаемых сил может быть трудно сформулировать.

В этой статье давайте взглянем на нескольких разных художников-абстракционистов и на то, что я написал об их творчестве и их высказываниях.Я надеюсь, что эти примеры помогут вам в написании своего абстрактного искусства.

Я люблю писать об искусстве и художниках. Если вы хотите, чтобы я написал художественный обзор, в котором я пишу о сильных сторонах и уникальных качествах вашего искусства, посетите эту страницу.

Дебора Леви использует абстракцию для выражения человеческих эмоций

Переосмысление, смешанная техника, 36″ x 24″.

Дебора Леви deboralevyart. com сочетает реализм с абстракцией. Когда она попросила меня написать о ее творчестве, я предложил следующее: «Работы Деборы характеризуются новаторским и универсальным использованием образов, текстур и маркировки.Она обладает превосходным чувством композиции, дизайна и контраста и передает замечательное чувство баланса и гармонии. Спонтанность — ключевой фактор, сопровождающий ее творческое видение».

«В своей уникальной и убедительной коллекции «Изготовление меток» она запечатлела фрагменты своих наблюдений в мире природы. Человеческое лицо часто занимает центральное место в композиции, в которой повсюду появляются символы, пробуждающие универсальные чувства и стремления. Эти повествовательные произведения оказывают непосредственное интуитивное воздействие на зрителей и стимулируют внутренний диалог.Эти качества выделяют ее в мире современного изобразительного искусства».

Она написала: «Вместо того, чтобы изображать человечество таким, каким мы его видим в чистой реальности, я демонстрирую его внутренние эмоции, сложность и то, как это играет роль в повседневной жизни. Я использую абстракцию и образы, которые намекают на человеческие эмоции. В этих работах я подчеркиваю время, когда мы чувствовали врожденную потребность оставить свой индивидуальный след в этом мире».

Салли Шедлер создает ритмичные перекрывающиеся формы

Джаз 3, холст, акрил, 37″ x 48″.

Абстрактные картины Салли Шедлер на schaedlerart.com характеризуются ритмичным расположением абстрактных геометрических форм, прозрачными наложениями и разнообразными цветами. Она развивает гармонию, глубину и баланс, подобно идеальному музыкальному произведению. О своем искусстве она объясняет: «Текстура и глубина, пересекающиеся пространственные формы, а также любовь к деталям стали основой моей живописи».

Салли предоставляет зрителю неземной опыт поиска изображений и форм внутри и позади других форм и предоставляет зрителю «безопасный проход» через холст.Она связывает это с тем, «что мы все маневрируем по жизни и находим свой путь». Ее композиции предлагают зрителю сделать собственные выводы о том, что символизм может представлять. Она создает, казалось бы, бесконечные варианты контраста и яркого взаимодействия, рельефные и углубленные поверхности, а также глянцевые и матовые комбинированные покрытия.

Карен Джонстон пишет о мягких текстурах и ярких тонах

Карен Джонстон, Beyond Tomorrow, холст, акрил и смешанная техника, 24 x 30 дюймов.

Карен Джонстон, studiokarenjohnston.com, живет в Нэшвилле, штат Теннесси, и называет себя интуитивным художником-абстракционистом. Она получила награду за участие в программе «Избранный художник» на выставке «Исцеляющая сила искусства и художников» «Искусство, которое поднимает нам настроение». Мы попросили художников представить вместе с изображениями в формате JPEG заявление из 60 слов. Это требование ставит перед ними задачу: быть максимально ясным и кратким. Как вы можете себе представить, некоторые художники успешно справляются с этой задачей, и это отделяет художников, у которых есть четкое видение, от художников, которые этого не делают.

В своем отмеченном наградами представлении Карен написала: «Задерживать внутренние моменты и воплощать их в жизнь с помощью мягких жестов и ярких тонов — суть моей работы. Моя радость взращивания эмоций, пока они не поднимутся до высот надежды и света, исходящего от моих полотен. Причудливые штрихи, интуитивные знаки и цветовые пассажи лирически сочетаются в моих абстрактных повествованиях, чтобы поэтически вдохновлять дух».

Кари Бинерт обсуждает сочетание геометрии с интуицией

Кари Бинерт, «История», холст, масло, 35-1/2 дюйма x 78-3/4 дюйма.

Кари Бинерт, karibienert.com , давний член Manhattan Arts International, живет в Австралии. Как и многие художники, она сочетает в себе несколько абстрактных стилей. Ее подход сочетает в себе точность геометрии и плавность, возникающую из интуиции и автоматизма. Она также называет себя художником цветового поля.

Когда я писал о своем творчестве, я сказал: «Кари Бинерт превосходна в использовании цветовых конфигураций и искусстве преобразования геометрических форм.Она исследует безграничные возможности хроматических и тональных гамм, визуальных плоскостей и объемов в двухмерной структуре. Просмотр ее динамичных и ярких произведений искусства — это захватывающий кинетический опыт».

Кари написала: «Моя практика вдохновлена как магией органического мира на макро- и микроуровнях, так и влиянием технологий на то, как мы визуализируем и понимаем реальность. Черпая вдохновение изнутри, я погружаюсь в абстрактный мир, рассказывая о приключениях с помощью волнообразных цветов, форм и узоров.Этот процесс представляет собой баланс между физическими моторными навыками и умственной силой».

Франческа Марта Волчица создает поэзию в визуальной форме

Искусство Франчески Марты Волчитца, francescavolchitza.wixsite.com, можно описать как стилизованную смесь воодушевляющих визуальных повествований и поэзии в визуальной форме. Ее яркие символические картины пробуждают чувства чувственности, любви, единства, надежды, плодородия и вечности. В одной серии обнаженные мужские и женские фигуры обнимают друг друга, окутанные изящным и непрерывным волнообразным узором. На других картинах фигуры танцуют среди радостного ритмичного представления флоры и фауны и освещают нашу симбиотическую связь с природой.

Красиво организованные композиции Франчески усиливаются в широте и глубине благодаря ее универсальному использованию цветов, сочетанию контрастных тактильных поверхностей и острому пространственному восприятию. Стимулирующие элементы фантазии и реальности сочетаются в идеальной гармонии и равновесии.

Хотя на первый взгляд непринужденный лирический стиль Франчески может напоминать стиль символизма, она выражает свой собственный современный художественный словарь, наполненный жизнеутверждающими и запоминающимися образами.

Хотите, чтобы я написал обзор вашего искусства?

Я люблю писать об искусстве и художниках. Если вы хотите, чтобы я написал Art Review

, в котором я пишу о сильных сторонах и уникальных качествах вашего искусства, посетите эту страницу.

Другие статьи, которые помогут вам написать заявление художника

Как составить заявление художника
Искусство и высказывания художника – цитаты известных художников
Быстрые советы по написанию заявления художника
Напишите заявление художника не более чем в 60 словах
Следуйте пяти пунктам при написании заявления художника
Ошибки, которых следует избегать Написание заявления артиста
Забавные приемы, которые помогут вам написать заявление артиста

Электронная книга, которая поможет вам написать заявление художника

How to Write Your Artist’s Statement — это всеобъемлющая электронная книга, которую я написал, чтобы помочь художникам, работающим во всех стилях, средах и техниках.

Перейдите сюда для получения дополнительной информации о том, как получить эту электронную книгу.

ПОЖАЛУЙСТА, ПОДЕЛИТЕСЬ

от

Женщины американских художников-абстракционистов с 1936 г. по настоящее время — International Arts & Artists

Иерархия чистой формы, безупречных линий и чистого цвета почти стала мантрой современного искусства 1930-х годов, в частности искусства американских художников-абстракционистов (ААА), предмета новой выставки под названием « Размывание границ: женщины американского абстракционизма». Художники, 1936 – 90 074 настоящее время.С самого начала — как из-за их разного статуса художников-абстракционистов, так и из-за их пола — женщины американских художников-абстракционистов уже работали на периферии мира искусства. В отличие от других коллективов художников-абстракционистов того периода, где равноправие женщин было необычным, AAA предоставила убежище женщинам-художникам. В пятидесяти шести работах «Размывание границ » исследуется поразительный диапазон стилей художников, включая их индивидуальные подходы к руководящим принципам абстракции: цвету, пространству, свету, материалу и процессу.

Спустя более восьмидесяти лет после своего основания ААА продолжает развивать и поддерживать активное сообщество художников с разнообразной идентичностью и широким спектром подходов к абстракции. Отмечая эту традицию, книга «Размывание границ: женщины американских художников-абстракционистов» прослеживает выдающийся вклад женщин-художников в ААА, от основателей до сегодняшних практикующих членов. Включены работы исторических участников Perle Fine, Esphyr Slobodkina, Irene Rice Pereira, Alice Trumbull Mason, и Gertrude Greene , а также нынешних участников, таких как Ce Roser, Irene Rousseau, Judith Murray, Alice Adams, Merrill Wagner. и Катинка Манн .

Внушающее благоговейный трепет чествование этой группы художников, принадлежащих к разным поколениям, — одно целое и давно назревшее — Размывание границ подчеркивает неизгладимые способы, которыми женщины ААА на протяжении более восьмидесяти лет смещали и формировали границы мира.

Известные русские художники-абстракционисты и их картины — «Лермонтов»

Самые известные русские художники-абстракционисты

Самые дорогие картины известных русских художников в стиле абстракционизма

Самые известные абстрактные картины русских художников

Русские художники-абстракционисты начала xx века

Сахалинские абстракционисты открыли выставку с не менее абстрактным названием — Новости Южно Сахалинска

Художественно-философская концепция абстракционизма

Один из самых дорогих абстракционистов планеты привез полотна в Русский музей

Бельгийские художники-абстракционисты в брюссельской галерее «Patinoire Royale»

Абстрактный художественный витраж

Первые художники-абстракционисты

Концептуальные основы абстракционизма

Абстракционизм и витражное искусство

Послевоенные годы

Абстрактный художественный витраж в ХХI веке

«Музеи упустили из виду этих художников»: прославление забытых женщин абстрактного искусства | Art

Много разных взглядов на абстрактное искусство художников прошлого и настоящего

«Абстрактного искусства не существует. Всегда нужно с чего-то начинать. После этого вы можете удалить все следы реальности». ~ Пабло Пикассо

«Сама форма, пусть даже совершенно абстрактная… имеет свой внутренний звук». ~ Василий Кандинский

Линда С. Уотсон, Глядя вверх, спиртовые чернила на бумаге, 5″ x 7″. Посетите ее страницу

Нэнси Рейнер, Серебряная гора, акрил и серебряная фольга на панели, 36″ x 48″.Посетите ее страницу.

Джеймс Кэмпбелл, «По пути сюда», дерево, акрил, смешанная техника; 26″ х 34″ х 3″.Посетите его страницу.

Майкл Амроуз, Тезисы № 6.2, Без названия № 50, Цифровая фотография/печать, 25″ x 25″. Посетите его страницу.

Посетите международную художественную онлайн-галерею Manhattan Arts, чтобы увидеть работы всех участников.

Абстрактный экспрессионист Нью-Йорк | MoMA

13 австралийских художников-абстракционистов, которых вам нужно знать

1.Пруденс Кэролайн

2. Лия Варфоломей

3. Кэтрин Хиллер

4. Ровена Мартинич

5. Джесси Ригби

6. Ручи Рай Арт

7. Мэгги Макдональд

8. Джорджи Уилсон

9. Саби Кляйн

10. Майкл Бонд

11. Чали Макрэ

12. Папоротник Зиблера

13.Кэролайн О’Нил

30 самых популярных современных художников

Подробнее…

Пишите о своем абстрактном искусстве

Дебора Леви использует абстракцию для выражения человеческих эмоций

Салли Шедлер создает ритмичные перекрывающиеся формы

Карен Джонстон пишет о мягких текстурах и ярких тонах

Кари Бинерт обсуждает сочетание геометрии с интуицией

Франческа Марта Волчица создает поэзию в визуальной форме

Хотите, чтобы я написал обзор вашего искусства?

Я люблю писать об искусстве и художниках. Если вы хотите, чтобы я написал Art Review

Другие статьи, которые помогут вам написать заявление художника

Электронная книга, которая поможет вам написать заявление художника

Женщины американских художников-абстракционистов с 1936 г. по настоящее время — International Arts & Artists

Добавить комментарий Отменить ответ