Абстрактное искусство — это продолжение и развитие визуальных традиций — Владимир Мартынов для Лисица.Про
Художник
ВЛАДИМИР
МАРТЫНОВ
ЧИТАТЬ
Отправляя данные, вы соглашаетесь с политикой обработки данных
Владимир Мартынов — живописец, график, медиахудожник.Работает в различных областях искусства: абстрактная живопись, графика, фото-, видео-, аудиовизуальные инсталляции, цифровая печать, скульптура. Активно занимаясь художественной деятельностью, Владимир Мартынов преподает в Новосибирском государственном университете архитектуры дизайна и искусств в качестве профессора кафедры рисунка, живописи и скульптуры.
Работы художника находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина (Москва), Государственном центре современного искусства (Москва), Мультимедийном комплексе актуальных искусств (Москва), Государственном музее искусства народов Востока (Москва), Калининградской картинной галерее, Екатеринбургском музее изобразительных искусств, Новосибирском государственном художественном музее, Томском областном художественном музее, Красноярском культурно-историческом музейном комплексе, Музее Университета провинции Альберта, Галерее американского университета в Париже, Национальном музее Изящных искусств Тайваня, Музее современного искусства Уян Кенджу (Южная Корея), а также в частных коллекциях и собраниях.
Просто о сложном, понятно о непонятном, искусно об искусственном, реально об абстрактном. Именно так Владимир Мартынов решил рассказать о современном искусстве, которое многие пытаются понять, вместо того, чтобы просто принимать или не принимать его, общаться с ним и наслаждаться его обществом, когда это возможно, по словам самого художника. О неизвестных сторонах абстракционизма, идеях и об искусстве как о живом организме — в интервью для Lisitsa.Pro.
Мария Лисица
Интервьюер (М.Л.)
— Сейчас много разговоров о том, что раньше главным в изобразительном искусстве был объект, а сейчас по большей части — это идея. Так ли это, на ваш взгляд?
Если же рассматривать картины с точки зрения академического искусства и привычного обычным зрителям реалистического изображения, то нужно понять, что мы подразумеваем под академическим искусством.
С начала 20 века искусство можно условно разделить на фигуративное и нефигуративное, и это уже устоявшееся понятие. Так, фигуративное относится к объективной реальности, которую художник интерпретирует тем или иным способом.
Взять хотя бы Пикассо — он никогда не был абстракционистом, хотя говорят, сильно мечтал стать таковым, и всегда соотносил свои работы с реальным миром. Как бы он не трансформировал кувшин, гитару или девушку, всегда был изначальный посыл — конкретный субъект мира. А картины таких художников, как Малевич или Кандинский, не имеют никакого отношения к объективной реальности, они ее не срисовывают. Можно сказать, что они смотрят в окно совершенно другой реальности, которую никто никогда не видел и не представлял. Кто-то альтернативную реальность видит, а кто-то нет. Искусство играет с нами, прячется от нас, наказывает и манипулирует — это такая крайне сложная территория.
Достаточно большой срок, чтобы считать его серьезным направлением. Возникло оно, кстати, в России и пионерами были Малевич и Кандинский. Но уже в середине 1920-х годов его запретили в России, и художникам официально было дозволено быть представителями только соцреализма. И эти жесткие рамки на нашей территории существовали практически до конца 1980-х годов. Тогда как во всем мире в это время доминировало абстрактное искусство.К сегодняшнему моменту существует огромное количество имен художников, каждый из которых занимал определенную нишу в этом искусстве, разрабатывал ее, формировал свои художественные языковые системы. И все это произошло за 120 лет и продолжает развиваться, возникают новые имена.
Абстрактное искусство для меня — это расширение визуального опыта. В искусстве мне всегда интересен индивидуальный путь, феномен.
Сам же я практикую интуитивное искусство, больше полагаясь на предчувствие. Поэтому я работаю с сумрачными территориями, пограничными — можно сказать, между бытием и небытием.
Казимир Малевич. «Супрематическая композиция». Фото: Stedelijk Museum, Amsterdam. Источник
— Для художника-абстракциониста важно, чтобы зритель понял его картину?
— Думаю, что для любого художника это неважно. Он создал картину — и слава богу! Если она у него вообще получилась. А увидел ее кто-то или нет — это уже другая жизнь. Все равно художник и его произведения уходят, их жизнь коротка, даже после великих мастеров остаются крупицы. Вы считаете, что Джоконду кто-то понимает? Проходят толпы, делают миллиарды селфи, и вы думаете, они таким образом общаются с произведением искусства? О каком мы тогда говорим понимании вообще? Я считаю, что об этом можно не говорить в принципе.
С искусством нужно общаться, а не пытаться его понять. Неинтересно — прошел мимо. Если что-то остановило — постой, обменяйся. Это крайне непростой процесс — взаимодействовать с картиной, с художником. И не нужно это упрощать.
— Знаете, просто нас всех со школы часто пытаются научить понимать произведение, будь то литературное или изобразительное…
Но чем искусство и интересно, так это тем, что оно нами до конца остается непонято. И тем, что мы его не можем окончательно объяснить и раскодировать. Если же мы можем прочитать его как дважды два — четыре, то это уже не искусство, а что-то крайне банальное. Это муха может ошибочно сесть на картину, на которой нарисовано яблоко. Зритель в течение своей жизни сталкивается и с фигуративным искусством, и с нефигуративным.
Все искусство в целом для него как огромный океан, необъятная территория. Чтобы хоть немного изучить эту территорию, я всю жизнь «насматриваю» свой взгляд. И сколько бы я не пытался охватить все своим взглядом, знаю, что еще многое осталось вне моего внимания. Но мало видеть и понимать, нужно еще выстроить свое индивидуальное предпочтение, и желательно, чтобы оно не было совсем уж профанистическим. В истории изобразительного искусства много периодов и направлений. Существует целая иерархия.
— То есть получается, что вы довольно часто ходите по выставкам?
А виденье какой бы то ни было картины подразумевает определенное состояние и концентрацию внимания. Только тогда могут возникнуть вибрации, которые совпадут или не совпадут с вибрациями зрителя.Что касается работ современного искусства (contemporary art), то, как правило, российский зритель просто не готов с ними общаться. Очень часто он вообще напуган этим современным искусством, потому что оно выводит его из зоны комфорта. Ведь человеку комфортно там, где он уже обжил визуальную территорию, привык к окружающему пространству, оно для него знакомо, и потому он чувствует себя безопасно. Оказавшись на новой территории он, чувствует себя незащищенным — такова психология человека. Но как только проходит время, он обживается, происходит привыкание — и окружающее пространство становится его неотъемлемой частью, ему снова становится комфортно.
Я уже привык расширять свои визуальные границы. Новая визуальная культура каждый раз подпитывает меня энергией. Такое расширение меня интригует и мотивирует.
— В каком возрасте вы пришли к абстрактному искусству?
— Довольно рано. В студенчестве я серьезно увлекался гиперреализмом, сюрреализмом, рисовал большие картины аэрографией, основанные на фотографии. Но уже в конце 80-х годов определил свои интересы с абстрактным искусством, когда это совсем не приветствовалось. В Сибири его ярким представителем является Николай Демьянович Грицюк, который, несмотря ни на что, уже в 50–60-е годы позволял себе хулиганить с какими-то непонятными формами, совсем не соцреалистическими. Своим примером он показал свободу, обращая наши взоры в этом направлении.
Николай Демьянович Грицюк — живописец, график. Родился в 1922 году в Приморском крае, приехал в Новосибирск в 1952 году и прожил в нем до своей смерти в 1976 году. Посвятил этому городу серию акварельных работ. Подробнее про Грицюка в интервью с Виктором Бухаровым
Когда я был молодым и серьезные музеи со мной уже активно сотрудничали, меня категорически не хотели принимать в Союз художников почти 13 лет.
Я для них был непонятным абстракционистом.
Фото: Мария Лисица
— Меняется ли со временем ваше отношение к собственным картинам?
У меня есть разные работы: абстрактная живопись, рисунки, печатная графика. В последнее время много занимаюсь цифровым искусством, в котором тоже свои игры и движения. Но для меня при создании произведения всегда важна моя личная визуальная история, в которой будет моя собственная феноменология, некая структура. Поэтому сначала я работаю со своим визуальным пространством, а дальше трансформирую его при помощи цифровых технологий.
Например, традиционное статичное двухмерное изображение можно анимировать и создать мультимедийный проект или трехмерные объекты, скульптуры и инсталляции. Так в свое время у меня появился черно-белый альбом, потому что мне было интересно выполнить свои работы в старинных технологиях фотопечати. Я занимался бромсеребряной и платинопалладиевой печатью. Но черно-белое пространство для меня не прихоть, а достижение выразительного состояния в работе. Опыт оптимизации и минимализма. Помню, как мы еще в школе прибегали домой на переменке и быстренько творили алхимию в маленьких ванночках в ванной комнате или на кухне. Проявление изображения — своего рода загадочная и таинственная среда.
Теперь современные технологии позволяют печатать произведения в любом размере, будь то трехэтажный или даже шестнадцатиэтажный дом, а можно и вовсе запустить мультимедийную проекцию на огромной плазме. Можно напечатать на абсолютно разных и непохожих друг на друга материалах: металле, деревянных досках по левкасу или золоту, пленке, бумаге, ткани — и создавать инсталляции.
Как-то у меня была выставка, на которой я использовал одновременно все плоскости, включая пол и потолок, от чего терялась гравитация. С раннего детства люблю кинематограф и сейчас с большим удовольствием занимаюсь мультимедийными проектами. Поэтому современные технологии — это однозначно очень интересные возможности!
— Все ваши композиции для вас одинаково дороги?
— Для меня вообще визуальное пространство сакрально. Потому что я всю жизнь нахожусь в этом пространстве, оно для меня свято. Я говорю сейчас без сумасшедшего пафоса, но это совершенно определенная территория, которая не всегда похожа на солнечную лужайку с бабочками.
— Не все художники готовы так рьяно отстаивать интересы современного искусства. А искусствоведы охотнее будут рассказывать о произведениях искусства с длинной, богатой традициями историей.
— Современное искусство неоднородно, существуют разные направления и история. Но все современное искусство обязательно несет в себе традиции: как листочек или ветка не могли вырасти без дерева, которое не существует без развитой корневой системы.
У всего, даже самого радикального и продвинутого, есть корни, так называемые традиции. Мы же часто можем слышать, что абстракционисты разнесли искусство в пух и прах. И говорят об этом на полном серьезе порой очень уважаемые люди. Я с удивлением слышал, как Кончаловский по телевидению предавал анафеме работы Малевича. В то же время Заха Хадид, говорит, что если бы не было Малевича, то она не состоялась бы как архитектор. Две противоположные точки зрения на одно и то же явление, только один видит деструктивное начало, а другой — созидающее.
Заха Хадид — британский архитектор и дизайнер. Родилась в Багдаде. Окончив Архитектурную ассоциацию в Лондоне, основала собственную компанию. Стала первой женщиной-архитектором, получившей Притцкеровскую премию. Фото работ Захи Хадид
— При построении будущей композиции художник часто знает заранее, что готов изобразить. В абстрактной живописи так же?
— Когда человек только учится рисовать, то да, он, возможно, и продумывает свои композиции.
Но когда он научится рисовать, то должен отказаться от всего того, чему его учили — и творить от души! К этому можно относиться с иронией, но так устроено любое учение. Можно провести параллели с восточными боевыми искусствами. Также и у нас: сначала происходит обучение и воспитание виденья, а уже потом творчество. Виденье — крайне непростой термин, мы его можем достаточно легко и свободно трактовать и воспринимать, но кто из нас видит что-то на самом деле? Художнику нужно написать картину, создать художественное произведение, но ни в какой школе, ни в каком институте этому никогда не научат. И какой бы у тебя ни был гениальный преподаватель, он не научит создавать произведения искусства, он может просто подвести к этому миру. Может быть, ты очаруешься им и захочешь посвятить ему всю свою жизнь, а может, и нет.
— Когда вы поступали в университет, то планировали зарабатывать своей профессией или шли из личных предпочтений?
— Я просто люблю и любил изобразительное искусство.
Хотел заниматься и изучать его. Я никогда не жил с продажи своих картин. На днях слушал Гордона у Дудя, так вот он журналистикой занимается как хобби, зарабатывая на риелторских компаниях.
Однажды знакомый моего отца, когда того уже не стало, рассказывал мне, что отец переживал, как же я буду жить будучи художником. Потому что художнику прожить в Сибири и правда трудно.
В Сибири крайне свое пространство: потенциал есть, но не востребован. А если взять европейский мир, то там арт-ярмарки работают как швейцарские часы — искусство завозят грузовиками, и оно в течение недели распродается за миллионы. Искусство там живет в другом алгоритме. Но несмотря на то, что у нас разные миры, и здесь можно быть художником. Сейчас каждому доступны интернет и современные технологии, главное, чтобы был интерес и внутренняя потребность.Хоть я и сотрудничаю со всеми музеями в России, но они чаще всего берут мои картины в дар. Поэтому художнику прожить жизнь и позволить себе заниматься искусством — непростая стратегия. Мне в свое время помогла родительская поддержка, если бы они по-другому реагировали на все мои начинания, то я бы не состоялся как художник. Они мои поиски воспринимали очень тонко, многое, наверное, не понимая из того, чем я занимался. Но я всегда чувствовал их поддержку.
При этом для творческого человека существуют свои ловушки, например, когда он забудет, что такое творчество, и будет делать хороший товар.
— Но в истории есть примеры, когда хороший товар со временем становился предметом искусства.
— И такое бывало. Значит, это изначально было высокое искусство, а не товар. Просто художнику повезло, что рядом оказался меценат, который захотел с ним поделиться деньгами и вместе войти в мировую историю. Микеланджело повезло — он имел серьезных инвесторов. Любой большой художник — это серьезные инвестиции. Мы об этом не думаем. Для того чтобы Микеланджело просто расписал потолок Сикстинской капеллы, а это практически футбольное поле, его нужно для начала краской покрыть. Кто-то же тер эту краску мешками, возводил леса и делал многое другое невидимое для глаз непосвященного. Чтобы кусок мрамора из Каррара привезти во Флоренцию, тоже нужны огромные затраты. И Ван Гогу повезло — в него постоянно инвестировал младший брат. А так не было бы инвестора, то и Ван Гог не состоялся бы при всей своей одержимости.
Портрет Тео Ван Гога (возможно самого Винсента).
Париж, март 1887. Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Фото
— То есть если не найдется инвестор, то талант может пропасть — и о нем никто не узнает?
— Может пропасть, а может и не пропасть. Назло всем. Такая ситуация иногда человека воспитывает по принципу: одного сломает, а другого созидает. С тем, кого в парнике держат, не дышат на него, тоже может ничего не произойти.Жизнь в искусстве неоднозначна. Художники творят свои стратегии, все чаще создают нематериальные композиции, например скульптуру из огня, воды, воздуха или просто мусора. Они уходят от дорогостоящих материалов, но тем не менее создают яркое и самобытное искусство. Существуют мировые имена, создавшие свою совершенно новую концепцию.
Поэтому бывает так, что их жизнь давит-давит, а они раз — и в дамках! Дэмьен Херст взял и продал труп акулы за 12 млн долларов. Труп акулы! Это не профанация и не маркетинг. Это художник, который создал свое искусство! Мы пытаемся найти какую-то этикеточку и скорее прикрепить ее к чьему бы то ни было имени.
«Шулер!» — хотят все сказать сразу. — «Что это за искусство такое?»
Да, некоторые художники делают скульптуры из слоновьих экскрементов. Но прежде чем судить о них, нужно знать, в каком контексте они создавали свои произведения. Эпатаж и провокация сейчас уже старый инструментарий, да и про иерархию следует помнить. Пьеро Мандзони тоже свои экскременты в банке консервировал, а сейчас на аукционе «Сотбис» их продают. Здесь мы затрагиваем уже другую форму искусства — концептуальную. Чтобы полноценно ее обсуждать, нужно знать историю искусства 20 века и заниматься ей. В числе пионеров концептуального искусства можно назвать Марселя Дюшана, от которого все и пошло. Он первым во всеуслышание заявил, что в искусстве на первом месте стоит идея, и она должна быть самой яркой и желательно гениальной. И не смотря на то, что идея нематериальная, ее все равно можно продать, как тот труп акулы за 12 млн долларов.
«Физическая невозможность смерти в сознании живущего» — инсталляция с трупом акулы в формалине была представлена публике в 1991 году.. ПодробнееПьеро Мандзони — итальянский художник. Прославился своими провокационными работами. В 1961 году он законсервировал и успешно продал свои экскременты, сопроводив словами: «Этим буржуям всегда нравилось всякое дерьмо». Подробнее
Интересная статья о чучелах животных в искусстве
Марсель Дюшан впервые хотел представить перевернутый писсуар на выставке в 1917 году. Который впоследствии окажется первым предметом искусства реди-мэйд (готовое изделие). Подробнее
— Где та грань между современным искусством и профанацией? Как обычному человеку различить и не попасться на удочку обмана?
— Одним из достаточно серьезных критериев оценки искусства можно считать его цену. Высокая цена может быть для нас непонятной или неприятной, но она служит сигналом того, что это уже не какая-то ерунда. Под оспаривание этого мы можем привести множество своих категоричных контраргументов, но так оно есть.
Не нужно представлять весь западный мир как идиотов с мешками долларов, не знающих, куда бы им потратить деньги.
Можно сказать, что грань существует в первую очередь не между современным искусством и чем-нибудь еще, а между искусством и не искусством в принципе. Для этого нужно быть специалистом, чтобы различить эту грань.
Взять хотя бы того же Марселя Дюшана, идея писсуара которого живет вот уже больше века, прочно заняв свое место в человеческой культуре. Другое дело, что кто-то видит это место, а кто-то нет — вот и все. При этом никому не воспрещается создать свой манифест и заработать на этом свои миллионы, войдя в историю новым «Марселем Дюшаном».
Без концепции никогда не существовало ни одной формы искусства. Она была в творчестве у Рафаэля и Леонардо в эпоху Возрождения, она была при Моне и Ларионове, всегда. Невозможно отделить идею от искусства.
Споры о том, что искусство должно быть рукотворным тоже безосновательны.
Бернини свои скульптуры создавал из мрамора при помощи зубила, а современный художник программирует робота и вырезает фрезой. Изменились лишь концепции, технологии. Современный художник создает совершенно уникальную скульптуру, которой не было до этого, и она наделена своими мощными пластическими потенциалом и выразительностью. Она просто другая, но останется творением художника, с образом, воплощенным при помощи современных технологий. Если бы у Микеланджело были такие возможности, как у нас сейчас, то не думаю, что он от них отказался бы. Здесь очень хитро все замешано-перемешано, поэтому важно не сбрасывать все в одну кучу и не умалять значимости концептуального искусства, называя акулу или писсуары ерундой.
— Существуют опасения, что искусство со временем уйдет в digital и работы на холстах потеряют свою актуальность. Возможно ли это?
— Вовсе нет. Как и карандаш. Никому не запрещается взять карандаш и сделать рисунок столь же изящный и умопомрачительный, как это делали Боттичелли, Леонардо да Винчи или Рембрандт, этот список можно продолжать долго.
Мир искусства открыт для всех, если обращаться к нему с определенным пиететом. Может, конечно, и оттолкнуть, но только для того, чтобы проверить, для чего ты туда пришел. Помимо цифры в новейшем искусстве достаточно соблазнов, к примеру Sky-art, медиаинсталляции, световые инсталляции, Science-art и многое другое.Для меня digital — это плоть. Как художник создает на холсте, так и я создаю в цифровом формате. Но говорить, что digital вытесняет интерес к работе на холсте, неверно — цифра не бодается с холстом, между ними нет агрессивного взаимодействия. Такие разговоры происходят каждый раз, когда появляется какая-то новая техника или технология. Когда изобрели фотоаппарат, то все испугались, что больше не будет картин. Так было с кинематографом, телевидением, интернетом. Но возникло всего лишь новое искусство — фотография, со своей достаточно интересной и богатой историей. Сейчас у серьезных специалистов уже не возникнет вопроса: искусство ли фотография или нет.
Если говорить о новых технологиях, то они дают безграничные возможности. И художнику сложно, особенно начинающему, разобраться в них. Может возникнуть ощущение, что тебя бросили в океан без берегов. Поэтому важно определиться с границами, с чем ты будешь работать.
— Как рождаются ваши картины?
— Иногда картину можно моментально увидеть — и ее остается только зафиксировать, а можно к ней долго идти. Могут быть разные варианты. Нужно этим просто заниматься, и все произойдет само.
— Вам довелось встречать в жизни людей, которые своим творчеством опережали время? Может быть, своими прогрессивными взглядами на искусство.
— Конечно. Но на всякого мудреца довольно простоты. Вся эта прогрессивность и непрогрессивность зависят от личной восприимчивости. Не нужно внутри себя закрываться и терять любовь, нужно оставаться тонким человеком, способным воспринимать все новое. Когда мы только приходим в этот мир, мы таковыми и являемся.
Это уже потом нас может затирать социальная жизнь. Поэтому важно быть таким, каким и пришел в этот мир, оставаться самим собой. Вся жизнь — это бесконечный процесс развития. Не бывает так, что я поучился в школе, потом поучился в институте — и все, я научился, можно больше ничего не делать. Когда нет развития, то в человеке перестает функционировать какая-то его важная часть. Каждый из нас несет в себе достаточно мощный потенциал, который на протяжении своей жизни либо выдвигается на передний план, либо убирается в закрома. Все зависит от того, как этим потенциалом распорядиться.
Поделитесь своим мнением:
“Не пытайтесь выяснить, что хотел сказать художник”. Как понять абстрактное искусство
– Я уже никогда не спорю с этим высказыванием, но с удовольствием даю несколько советов, чтобы взглянуть на абстрактную живопись под другим углом.
Не пытайтесь выяснить, что хотел сказать художник. Да, перед полотнами Ротко, Поллока или Малевича мы чувствуем себя не так уверенно, как перед полотнами реалистов, ведь на них нет объекта, за который можно зацепиться взглядом.
В этом и есть главное отличие: художник-абстракционист вообще не стремится изобразить окружающий мир, у него нет такой цели.
К середине 19 века художники в совершенстве освоили перспективу, композицию, мастерство изображения достигло небывалой высоты, а наука продвинулась так далеко, что материалы стали доступными и разнообразными. Но парадокс в том, что мир к этому времени настолько усложнился, что не мог найти отражение в реалистичной живописи. Художники различных направлений решили, что контакт между автором и зрителем происходит не через визуальную схожесть, а через линии, пятна и мазки краски — так искусство освободилось от связи с предметами.
Многие абстракционисты имеют классическое образование, они могут создать академический рисунок, но почему-то не хотят. Они специально ориентируются на визуальный опыт, то есть художник облегчают задачу зрителю, помогают погрузиться сразу в эмоциональное переживание.
Скажу неожиданно — будьте рациональны и используйте формальный анализ.
Многие зрители перед картиной не испытывают ни вдохновения, ни наслаждения, но ощущают грусть и раздражение. Почему так происходит, что в музее появляется вопрос “Умеет ли вообще художник рисовать?” В такой ситуации анализируйте. Предлагаю простой алгоритм:
- Успокойтесь.
- Спросите себя, что перед вами? Картина, скульптура, графика или живопись?
- Какие материалы были использованы для создания?
- Как взаимодействуют между собой формы и линии произведения? Двигаются ли они или статичны?
- Какие элементы изображения находятся на первом плане, а какие на втором?
И, наверное, самое важное — прислушайтесь к себе, определитесь с вашими эмоциями. Всегда спрашивайте у себя, весело ли вам, тревожно ли, комфортно или же появляется чувство подавленности. Позвольте своему разуму свободно взаимодействовать с цветом и формой.
Есть приятное утверждение, что живопись — это визуализированная поэзия. Поэтому я советую развивать свою насмотренность.
Чем больше ваш глаз увидит, тем ему будет проще разбираться в абстракции.
С кого начать? Для себя я определила два пути. Первый — исторический, то есть пройти в своем изучении этап за этапом, обращая внимание на исторические события и их влияние на искусство. Этот путь смело начинайте в конце 19 века и двигайтесь к удивительной второй половине 20 века, где вас ждут философские и медитативные Марк Ротко, Агнесс Мартин, Барнетт Ньюман, Герхард Рихтер, Элен Франкенталер и многие другие.
Второй путь — смотрите то, что вам нравится. Если вы любите эксперименты начала 20 века, то погружайтесь в круг Василия Кандинского, Казимира Малевича, обязательно познакомьтесь с амазонками авангарда — Натальей Гончаровой, Ольгой Розановой, Александрой Экстер, чьё время наконец-то настало. Если вам ближе экспрессивное искусство, то добро пожаловать в мир американской живописи. Но, пожалуйста, не забывайте про контекст, старайтесь изучать авторов, когда знакомитесь с их искусством.
Это может показаться наивным, но я посоветую книгу Франсуазы Барб-Галль “Как говорить с детьми об искусстве”. Она построена в виде потенциальных вопросов детей разного возраста про произведения искусства 20 века и ответов. Ведь самое важное на пути изучения не прочитать ответ, а задать правильный вопрос. А что касается художников, назову шесть имён:
Агнес Мартин, The Islands, 1961 г.
Агнес Мартин — канадско-американский живописец. Творчество этой художницы часто относят к минимализму, сама Мартин считала себя абстрактным экспрессионистом. Её стиль характеризуется акцентом на линии, сетки, полями тонкого цвета.
Яёи Кусама, Fields in Spring, 1988 г.
Яёи Кусама — японская художница. Её живопись, коллажи, мягкие скульптуры, перформансы и инсталляции разделяют одержимость повтором, узорами, аккумуляцией. В её работах присутствуют черты феминизма, минимализма, сюрреализма, ар брют, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, наполнены автобиографическим, психологическим и сексуальным содержанием.
Абстрактное искусство: пять художников, за которыми стоит понаблюдать в 2022 году
Специалисты Анна Тузин и Изабель Миллар выбирают пять художников-абстракционистов, чья репутация растет. Все работы будут выставлены на аукцион Christie’s в рамках Дней послевоенного и современного искусства или первого открытия: Post -War and Contemporary Art Online
Уинстон Бранч (р. 1947)
В марте этого года Artsy опубликовал статью о восьми художниках, которые добились прорыва на недавних аукционах. Номером два в списке был Уинстон Бранч, британский художник, родившийся в Сент-Люсии и создававший смелые абстрактные полотна с облаками красного, желтого и синего цветов.
Несмотря на получение британской Римской премии в 1971 году и Мемориального товарищества Гуггенхайма в области живописи в 1978 году, а также впечатляющую карьеру преподавателя в Лондоне, в Slade, Chelsea Art School, Kingston School of Art и Goldsmiths — коммерческий успех ускользал от Бранча, пока ему не исполнилось семьдесят.
Уинстон Бранч (р. 1947), Untitled , 2005. Холст, акрил. 24⅝ х 49дюймов (62,6 x 124,6 см)
Ситуация начала меняться после того, как в 2018 году Тейт приобрела его работу 1982 года Zachary II . Затем музей сравнил Бранча с J.M.W. Тернера и Клода Моне в своем годовом отчете, а его работа теперь висит на выставке «Прогулка по британскому искусству» британской Тейт.
В январе 2020 года Christie’s продал работу April Morning (начало 1980-х) за 5000 фунтов стерлингов. В октябре 2021 года
Шесть месяцев спустя картина «Когда мне нужны глаза моего отца » (1998) появилась на аукционе Christie’s послевоенного и современного искусства, получив 126 000 фунтов стерлингов при низкой оценке в 40 000 фунтов стерлингов — переломный момент для репутации Бранча.
Уинстон Бранч (р. 1947), Без названия , 1996-97. Акрил на холсте. 71¾ x 48 дюймов (182,3 x 121,8 см). Продано за 75 600 фунтов стерлингов 1 июля 2022 года на аукционе Christie’s в Лондоне
.Брис Гильбер (1979 г.р.)
Брис Гильбер родилась в Монпелье на юге Франции и в настоящее время проживает в Брюсселе, Бельгия. Однако в возрасте от двух до 14 лет он жил в тени вулкана Питон-де-ла-Фурнез на острове Реюньон в Индийском океане.
Примерно с 2016 года Гилберт в основном делает полуабстрактные изображения извержений вулканов, созданные толстыми слоями самодельных светящихся масляных палочек. «Сами палочки изготавливаются с помощью тепловой машины в моей студии», — сказал он в недавнем интервью. «Таким образом, я работаю с огнем, чтобы добыть огонь».
Brice Guilbert (1979 г.
р.), Fournez , 2017. Бумага, масляная карандаш, в художественной раме. 39⅞ x 48 дюймов (101,3 x 122 см). Продано за 25 200 фунтов стерлингов 5 июля 2022 года на аукционе Christie’s Online 9.0003
Последние два года Гилберт привлекает внимание известных галерей. В 2020 году он был включен в шоу Mendes Wood DM на вилле Era, итальянском загородном доме 19 века между Миланом и Турином; а в следующем году он выставлялся в галерее Pace в Женеве, Siegfried Contemporary в Лондоне, Anat Ebgi в Лос-Анджелесе и ADZ в Лиссабоне.
На 2022 год у него уже есть восторженно рассмотренная выставка в галерее Polina Berlin в Нью-Йорке и работа в постоянной коллекции стильного X Museum в Пекине.
Предстоящая продажа Fournez (2017) (вверху) знаменует собой долгожданный аукционный дебют Гилберта.
Кара Тьюринг (р. 1972)
Бельгийская художница Кара Тьюринг создает абстрактные наборы мотивов, которые она описывает как «накопленный портрет моего окружения».
Тьюринг окончила Ноттингемский Трентский университет в 1995 году, но не принимала участие в регулярных выставках до 2006 года. К 2012 году она приобрела известность после участия в групповых выставках в двух самых влиятельных частных галереях Лондона — коллекции Заблудовича и галерее Саатчи. У нее также были персональные выставки в галерее Саймона Престона в Нью-Йорке и галерее Томаса Дейна в Лондоне.
Два года спустя Тьюринг провела свою первую персональную выставку в общественном месте: галерее Chisenhale в восточном Лондоне.
Caragh Thuring (1972 г.р.), 7 , 2010 г. Холст, масло, графит, тушь. 102⅜ x 71⅝ дюйма (260 x 181,9 см)
В 2017 году на аукционе произведений искусства из коллекции Марио Тестино появилась работа Тьюринга.
Картина, купленная в галерее Томаса Дейна, была продана за 17 500 фунтов стерлингов, что почти вдвое превышает ее эстимейт. В 2019 году еще одна работа в галерее Томаса Дейна была продана за 30 000 фунтов стерлингов, что в три раза превышает ее эстимейт.
Репутация Тьюринг продолжала расти, ее картины появлялись на выставках еще в двух крупных лондонских учреждениях — галерее Уайтчепел и галерее Хейворд. Примеры ее работ также можно найти в коллекциях Тейт, Художественного совета и правительства Великобритании.
Сабина Мориц (род. 1969)
Немецкая художница Сабина Мориц, работающая в своей мастерской, бывшей картонной фабрике в Кельне, создает большие, жестовые, абстрактные полотна, которые, по ее словам, исследуют воспоминания и то, как они формируются.
В 1988 году Мориц поступила в Оффенбахский университет искусств и дизайна, а через три года поступила в Академию художеств Дюссельдорфа, обучаясь у немецкого художника-абстракциониста и ее будущего мужа Герхарда Рихтера.
Аукционный рекорд Морица в настоящее время составляет 52 500 фунтов стерлингов, цена, достигнутая в 2015 году Aurora I (2006), которая была продана более чем в пять раз по минимальной цене.
Сабина Мориц (р. 1969), Веселый Сплин IV
Однако с тех пор она провела две персональные выставки в Мариан Гудман в Париже и четыре раза выставлялась на Art Basel в Гонконге и Майами-Бич вместе с Пилар Корриас. В 2019 году она организовала персональную музейную выставку в Кунстхалле в Ростоке, Германия. Наряду с этим в коллекции Тейт хранится не менее 28 ее работ.
Продажа Веселая Сплин IV (2022) (выше), которая была подарена художницей для сбора средств в фонд Art for Tropical Forests, знаменует собой ее первое появление на международном аукционном доме после такого шквала внимания.
Сьюзен Те Кахуранги Кинг (1951 г.р.)
Сьюзан Те Кахуранги Кинг — вторая семидесятилетняя женщина, попавшая в список, также получившая известность в конце своей карьеры.
Она родилась в Те Ароха, маленьком городке в сельской местности Новой Зеландии, и, отчасти из-за своего аутизма, перестала говорить примерно в возрасте четырех лет. Вместо этого ее богатым узором, яркими абстрактными и фигуративными произведениями искусства стали ее способом общения.
Кинг плодотворно рисовала до тридцати, когда она внезапно остановилась. Она начала снова только в 2008 году, после того как режиссер-документалист убедил ее вернуться к созданию искусства.
Сьюзан Те Кахуранги Кинг (р. 1951), Без названия , 2008-2016 гг. Фломастер и шариковая ручка на бумаге. 8½ x 16 дюймов (21,6 x 40,6 см). Продано за 5922 фунта стерлингов 1 июля 2022 года на аукционе Christie’s в Лондоне
.
В течение нескольких месяцев Кинг начал выставляться в небольших галереях Новой Зеландии и Австралии, и коллекционер и куратор искусства аутсайдеров Питер Фэй провозгласил его важным открытием.
В течение следующего десятилетия ее репутация распространилась по всему миру, особенно благодаря персональным выставкам в галерее Эндрю Эдлин в Нью-Йорке и Marlborough Contemporary в Лондоне. Ее работы также выставлялись на ярмарке Outsider Art Fair в Париже и Нью-Йорке, а также на Art Basel Miami Beach.
Зарегистрируйтесь сегодня
Онлайн-журнал Christie’s еженедельно доставляет вам наши лучшие статьи, видео и новости аукционов на ваш почтовый ящик
Подписаться
В 2016 году Американским музеем народного искусства была основана программа стипендий Сьюзан Те Кахуранги Кинг, где в настоящее время также выставлены ее работы, и она получила награду за свою первую персональную музейную выставку в Институте современного искусства в Майами.
Вскоре после этого Нью-Йоркский музей современного искусства приобрел три ее работы, что еще больше укрепило ее репутацию.
Untitled (вверху), абстрактный рисунок фломастером, выставленный на выставке Marlborough Contemporary, станет первой работой Кинга, когда-либо выставленной на аукцион.
Войти Сейчас
Краткая история абстрактного искусства с Тернером, Мондрианом и другими
Присмотрись
Совершите краткий экскурс в историю абстрактного искусства и познакомьтесь с некоторыми неожиданными пионерами на этом пути. концептуальный; нематериальный. Среди его многочисленных антонимов (или слов с противоположным значением) есть «простой». Слово «абстрактный» предполагает что-то расплывчатое, сложное, нелегкое для понимания.
Но абстрактное искусство не обязательно должно быть чем-то подобным. Наоборот, художник, работающий абстрактно, может захотеть сделать что-то яркое и красивое, уносящее нас от будничных реалий повседневности. Другими словами, они могут интересоваться искусством ради искусства, в чистом виде. Множество выставок показывают, что абстракция в ее различных формах — это далеко не сложное для описания движение, обособленное от мейнстрима, — одно из самых запоминающихся, влиятельных и любимых произведений искусства любой эпохи.
Василий Кандинский
Казаки (1910–191)
Тейт
Василия Кандинского часто называют пионером европейского абстрактного искусства. Кандинский утверждал, как оказалось, ошибочно, что первую абстрактную картину он создал в 1911: «тогда ни один художник не рисовал в абстрактном стиле».
Но мы могли бы возразить, что корни этого движения намного глубже (и на самом деле кажется, что неандертальцы были впереди игры в их превращении абстрактных линий в камень). Если мы посмотрим на некоторые из более поздних работ J.M.W. Тернера, например, некоторые из его пейзажей можно рассматривать как абстрактные. То, что могло бы быть традиционно узнаваемыми формами в руках другого художника, преображается возвышенными элементами и подавляющими предложениями света и масштаба Тернера.
Давайте перейдем к некоторым именам, которые чаще всего ассоциируются с абстрактным искусством. Пит Мондриан, один из самых известных ранних художников-абстракционистов, начал с более традиционного стиля. Он рисовал узнаваемые сцены и имел коммерческий успех у себя на родине в Голландии. Но когда он столкнулся с авангардом Парижа в 1911 году и кубизмом Пикассо, его творчество вскоре претерпело сначала эволюцию, а затем и радикальную трансформацию. Он начал использовать смелые основные цвета, квадраты и прямоугольники, чтобы создавать изображения, которые он считал чистыми.
Его угловатые работы с сеткой некоторые считают логическим завершением живописи, абстрактной или какой-либо другой. Мондриан назвал свой подход неопластицизмом. С помощью неопластицизма он стремился добиться «разрушения естественной видимости», находя вместо этого «пластическое выражение истинной реальности».
Казимир Малевич
Черный квадрат 1913
© Государственная Третьяковская галерея, Москва
У Мондриана был неопластицизм, русский художник Казимир Малевич предпочитал термин супрематизм для своих абстрактных работ. Термин относился к «превосходству чистого художественного чувства», которого он хотел достичь в своей работе. Хотя Мондриан и Малевич были разделены географически, они были поразительно похожи. В 1915 году Малевич создал свою светскую русскую икону «Черный четырехугольник 9».0014 1915 (более известный как Черный квадрат ). Позже, в своей книге Беспредметный мир (опубликованной в 1927 г.), Малевич сказал:
В 1913 году, отчаянно пытаясь освободить искусство от мертвого груза реального мира, я укрылся в форме квадрата.
Малевич, конечно, не рисовал исключительно в черном цвете, но с Черный четырехугольник он создал одну из самых знаковых абстрактных работ.
Давайте перейдем от смелого использования черного цвета Малевичем к опьяняющему использованию цвета Анри Матиссом. Коллаж Матисса Улитка 1953, кажется, отображает ключевые качества абстрактного искусства, как они были определены Малевичем и Мондрианом, предполагая, что Матисс был поздним сторонником этого движения. Мы видим смелые цвета, геометрические формы и отсутствие явной отсылки к реальному миру. Но, как и большинство работ Матисса, Улитка на самом деле вдохновлена природой. Геометрический рисунок напоминает раковину улитки, что противоречит идеям строгой абстракции Малевича и Мондриана. Улитка , возможно, не является радикально абстрактной, но техника, которую Матисс использовал для создания этой и подобных работ, является новаторской. Улитка — одна из фигур Матисса, сделанная из фигур, вырезанных из раскрашенной бумаги.
