Выставка Лики модерна Третьяковская галерея
Главная / Выставки / Выставки в 2022 году / Выставки в августе 2022 / Лики модерна.
admin 15.04.2022 Выставки в августе 2022, Выставки в апреле 2022, Выставки в июле 2022, Выставки в июне 2022, Выставки в мае 2022, Новости Leave a comment 927 Показы
Открыть доступ
С 15.04 до 14.08.2022 в Государственной Третьяковской галерее в Лаврушинском переулке – Инженерный корпус.
Новый выставочный проект Третьяковской галереи раскрывает грани искусства русского модерна, расцвет которого пришелся на рубеж XIX–XX веков. Экспозиция логически продолжает недавно завершившуюся выставку «Русский модерн: на пути к синтезу искусств», проходившую в зале Врубеля в Третьяковской галерее в Лаврушинском переулке.
Зрители смогут увидеть полюбившиеся произведения талантливых мастеров начала прошлого столетия:
А. Андреева, К.Ф. Богаевского, Ф.В. Боткина, И.И. Бродского, А.Я. Головина, А.С. Голубкиной, В.И. Денисова, О.Л. Делла-Вос-Кардовской, С.Т. Конёнкова, А.И. Савинова, Н.П. Ульянова.Расцвет русского модерна пришелся на период между 1896 и 1914 годами. В это время, по словам Андрея Белого, происходит «пересоздание жизни»: художники с увлечением творят мир вымысла, грез, объединяя реальность с собственными фантазиями, пересматривают эстетические ценности Античности, Ренессанса, классицизма, национального фольклора, наполняя их новым, современным содержанием.
Восприятие окружающего мира через исторические аллюзии прошлого пронизано восторгом и упоением перед природой, музыкой, поэзией, театром. Вслед за Александром Блоком, Валерием Брюсовым, Андреем Белым художники, создавая свои произведения, ориентируются на духовный опыт человечества в самом широком смысле и соотносят образы прежних веков с современностью.
Интернациональный стиль модерн явственнее всего проявился в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, в живописи — в особом жанре картины-панно, в скульптуре — в использовании новых материалов: дерева, гипса, терракоты, майолики.
Особенно ярко модерн отразился в графических искусствах — афише и рекламном плакате, в условных формах которых обнаруживаются самые характерные черты нового стиля: гибкость линий, тяготение к узорам и декоративности, широкое использование фольклорных и исторических мотивов.
Л.С. Бакст, И.Я. Билибин, Е.Е. Лансере, К.А. Сомов, С.Ю. Судейкин и многие другие крупные, именитые художники привнесли в художественный язык плаката приемы станковой живописи, графики и театрально-декорационного искусства.
Планомерное формирование массового вкуса осуществлялось через иллюстрации и приложения крупнейшего в России журнала «Нива», с которым сотрудничали И.С. Горюшкин-Сорокопудов, Д.Н. Кардовский, Е.П. Самокиш-Судковская и другие авторы. Афиши выставок, поэтических и музыкальных вечеров, театральных спектаклей и постановок кабаре сохраняют ауру насыщенной событиями и динамичной городской жизни «прекрасной эпохи».
Представленные на выставке произведения живописи, скульптуры, а также рекламные плакаты и афиши, как редко покидающие запасники Третьяковской галереи, так и хорошо известные публике в рамках постоянной экспозиции, продемонстрируют многоликость стиля модерн в России и откроют широкому зрителю новые имена.
Куратор: Надежда Мусянкова
Информация (на 15.04.2022):
Государственная Третьяковская Галерея в Лаврушинском переулке – Инженерный корпус.
Адрес: Лаврушинский переулок, 12.
Ближайшая станция метро – «Третьяковская».
Режим работы: вторник, среда, воскресенье – с 10:00 до 18:00, в четверг, пятницу и субботу – с 10:00 до 21:00, выходной день – понедельник.
Подробнее о порядке посещения галереи и стоимость билетов — https://www.tretyakovgallery.ru/for-visitors/museums/inzhenernyy-korpus/
Tags Александр Головин Василий Денисов Коненков Константин Богаевский Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
Пред. 15 апреля 1452 года родился Леонардо да Винчи.
Следующая Очарованный классикой. Офорты Ивана Фомина.
Check Also
С 10.06 до 28.08.2022 в Симферопольском художественном музее.
На этой неделе в музеях и галереях Москвы
Выставки наших партнеров
Произведения эпохи модерна из коллекции фарфора ГМЗ «Царское Село»
ПРОИЗВЕДЕНИЯ ЭПОХИ МОДЕРНА ИЗ КОЛЛЕКЦИИ ФАРФОРА ГМЗ «ЦАРСКОЕ СЕЛО»
Автор: старший научный сотрудник,
хранитель коллекций фарфора и стекла Е.
А. Еремеева
В собрании Государственного музея-заповедника «Царское Село» хранится небольшая, но разнообразная по художественному уровню исполнения коллекция фарфоровых и керамических произведений эпохи модерна, выполненных как на российских предприятиях, так и на европейских мануфактурах. Многие из предметов дают возможность отметить национальные особенности, проявившиеся в проработках форм изделий, характере их декоративного оформления, отражают основные направления развития нового стиля в русской керамике и фарфоре, знакомят с работами, как известных мастеров, так и художников, чье творческое наследие еще ждет пристального изучения.
Основная коллекция была сформирована в 1980-е годы, когда перед сотрудниками музея встала сложная задача возрождения в Александровском дворце музейной экспозиции, посвященной повседневной жизни семьи Николая II. Уникальные по художественной ценности и мемориальному значению предметы фарфора, в большом количестве украшавшие интерьеры последнего дома последнего императора России, частично погибли, а сохранившиеся до сих пор рассредоточены по многим музейным собраниям.
Существенную роль в поиске и приобретении аналогичных утраченным из исторической коллекции вещей сыграла Н.С. Григорович, проработавшая долгие годы хранителем предметов декоративно-прикладного искусства в ГМЗ «Царское Село» и, к сожалению, ушедшая из жизни в 2006 г.
К первому ряду произведений следует отнести предметы отечественного производства. В нашем собрании они представлены, в первую очередь, уникальными вазами с подглазурной росписью, созданными на Императорском Фарфоровом заводе (ИФЗ) в Петербурге в период между 1903 и 1913 годами. Вазы, выполненные в этой технике, продолжали оставаться основным видом художественной продукции Петербургской мануфактуры на протяжении всего интересующего нас периода, условно разделяясь на три группы: пейзажные композиции, цветочные и растительные мотивы, изображения птиц и животных. Большое влияние на развитие подглазурной живописи на ИФЗ оказал «копенгагенский метод», освоенный нашими мастерами под чутким руководством ведущих художников Датской Королевской мануфактуры К.
Ф. Лиисберга и К.Л. Мортенсена. Новый способ украшения фарфора, при котором краски «большого огня» теряли интенсивность цвета, становясь мягкими, нежными и приглушенными, а изобразительные мотивы, словно, исчезали в блеске глазури, как нельзя лучше отвечал требованиям «модернового облика» фарфоровых произведений. В процессе сложной и интересной работы художникам Императорского завода удалось создать свою школу подглазурной живописи на фарфоре, отличавшуюся от датской, как в композиционном, так и стилистическом решении. В первую очередь, это ощутимо в пейзажных работах. Подтверждением тому могут служить слова одного из первых исследователей фарфора этого периода Э.Ф. Голлербаха: «подглазурный пейзаж на фарфоре можно считать выражением русской национальной сущности. Ничего не значит, что эта манера зародилась в чужой стране: у нас она достигла пленительной красоты, приобрела оттенок глубоко национальный» [i]. Произведения петербургских живописцев, работавших в традициях русского реалистического пленэрного пейзажа 1870 – 1880-х годов, отличали широкий спектр теплых и холодных оттенков, тонкая передача изменчивых состояний природы, эмоциональная окрашенность сюжетов.
Характерным примером является именная ваза из царскосельской коллекции «Шхеры в Финляндии», исполненная в 1905 году одним из лучших мастеров подглазурной пейзажной живописи Г.Д. Зиминым.
Самостоятельный художественный образ на изделиях Императорского завода обретают растительные и цветочные мотивы. Художники модерна больше не заключают цветы в пышные букеты или гирлянды, а изображают единичный цветок, ветку или небольшую композицию, в которой каждое растение «играет» главную роль. Это дает возможность разглядеть красоту и неповторимость отдельного цветка, обвивающего тулово предмета. Как правило, растения имеют плоскостное изображение, представляются в силуэте и кажутся бесплотными, лишенными фактуры и природного цвета. Они повисают в воздухе, вырастают ниоткуда, или растворяются в дымке фона, источая ели уловимый аромат. Но все «портреты» цветов обладают «найденной для каждого индивидуальной палитрой, абрисом, ритмом линий…»[v]. Вазы «Липа» и «Орехи» [vi], имеющие одинаковую форму и схожую композицию рисунка, задуманы разными мастерами.
Автор вазы «Липа» Р.Ф. Вильде специализировался на создании эскизов для росписи фарфоровых ваз цветными эмалями. А.А. Зонне, не только придумавшая, но и воплотившая в жизнь проект вазы «Орехи», в основном работала в технике подглазурной живописи, рисуя цветы, птиц и животных. Скромные растения, изображенные на цилиндрических туловах сосудов, в первом случае превращаются в цветную тень, а во втором – растворяются в белизне фарфора. В, кажущейся на первый взгляд, монохромной росписи вазы «Георгины», исполненной Г.М. Горьковым [vii], ощущается индивидуальность каждого цветка, помещенного на шарообразной форме изделия. Чуть тронутые светотенью, белые «Водяные лилии» Н.Ф. Даладугина [viii] полупрозрачны и не вполне реальны. И, наоборот, живыми, трепещущими на ветру, предстают розовые маки на вазе, созданной И.М. Назаровым [ix].
Вазы с изображением животных и птиц в коллекции музея представленными двумя экспонатами. На первой вазе 1912 года создания автор разместил куликов у воды в гуще высокой болотной травы, на второй – изображены фигуры лосей на фоне живописного степного пейзажа.
Обе вазы обладают простой, нерасчлененной формой, покрытой панорамной композицией и отличаются высоким уровнем технического и художественного исполнения.
Стилистике нового искусства в фарфоре как нельзя лучше соответствовали изделия с цветными глазурями, привлекавшими внимание керамистов уже на раннем этапе развития модерна, благодаря неожиданным эффектам, возникающим под воздействием пламени. Технические приемы были почерпнуты в старом китайском фарфоре. В собрании Царского Села произведения ИФЗ с цветными глазурями представлены вазой с текучей глазурью бледно-серового цвета с темно-красными и черными переливами . Вытравленная на дне марка, не позволяет установить точную дату создания этого изделия. Но использованная в декоре вазы цинковая глазурь, теряющая способность кристаллизоваться при высокой температуре и стекающая по поверхности сосудов красочными потеками, дает возможность предположить, что она была изготовлена после экспериментов с кристаллическими глазурями, проводимых на заводе с 1902 года в под руководством К.
Клевера и Е. фан дер Беллена.
Особое место среди ваз, изготовленных на Петербургском фарфоровом предприятии в период модерна, занимает ваза «Отдыхающие», выполненная в 1910 году по рисунку заведующего технической частью завода А.К. Тимуса скульптором-формовщиком П.В. Шмаковым. Ваза украшена золоченым, опоясывающим тулово, рельефным декором в виде шести обнаженных юношей и девушек. Расположенные в различных позах, фигуры трактованы довольно реалистично и находят мало общего с «шаблонным типажом фигур и головок модерна» [x]. Интересен тот факт, что ваза была задумана Тимусом еще в 1904 году, но в тот год «не вышло ни одного хорошего экземпляра» [xi].
В 1900-х годах наряду с развитием общеевропейских стилевых черт модерна в отечественной керамике и фарфоре отчетливо просматривается интерес к наследию русского народного искусства. Художники активно используют в своих работах древнерусские орнаменты, мотивы резьбы по дереву, затейливые узоры вышивки, великолепно сочетая все это многообразие художественных заимствований с обтекаемыми, плавными формами нового стиля.
Ваза из музейного собрания, изготовленная в начале 1900-х годов на одном из крупнейших российских предприятиях – заводе Товарищества М.С. Кузнецова – служит неоспоримым тому доказательством. Форме конусовидного, расширяющегося в нижней части тулова, вторят тонкие, тесно прижатые ручки. Поверхность изделия с росписью, имитирующей потеки глазури, украшена рельефным поясом стилизованного растительного характера в «русском духе».
Среди существовавших в России на рубеже веков предприятий, рождавших новое искусство керамики, одна из ведущей ролей принадлежала гончарной мастерской в подмосковном имении С.И. Мамонтова Абрамцево, где в единичных экземплярах или небольшими сериями создавались предметы необычайных, зачастую, фантастических форм, декорированные глухими и восстановительными глазурями. Неповторимость и самобытность, выходящих из абрамцевских печей, изделий во многом были обусловлены стремлением художников, переосмыслив наследие прошлого, создавать новые образы, навеянные сказочными сюжетами русских былин.
Смело вылепленная руками гончаров глиняная ваза, хранящаяся в фондах музея-заповедника, вызывает ассоциации с морской стихией и обитающими в ней рыбами и морскими чудовищами; тонкая пленка восстановительной глазури с золотистыми отблесками и лиловыми переливами усиливает этот эффект.
Ко второй группе предметов стиля модерн из коллекции Царского Села относятся изделия, выполненные мастерами европейских фарфоровых мануфактур, в частности, Дании, Швеции и Австрии. В конце XIX–начале ХХ столетия фарфоровое производство в этих странах развивалось в общем русле господствовавшего стиля. Разработанные на Датской фарфоровой мануфактуре новые принципы декора в подглазурной технике росписи оказали влияние на творчество других европейских фарфоровых производств и, в первую очередь, соседней шведской фабрики в Рерстранде.
Небольшое количество предметов датского производства, хранящихся в музее, представлено скульптурными изображениями животных и людей. Достаточно подробная система маркировки изделий копенгагенского фарфора, включающая помимо основной марки, пометы с номерами моделей, выполненные в массе и подглазурной зеленой краской, а также подписи и монограммы художников, позволяет атрибутировать некоторые изделия довольно подробно.
Большой интерес представляет группа «Пустынные лисицы». Модель для нее была исполнена в 1901 г. на Королевской мануфактуре в Копенгагене ведущим скульптором Христианом Томсеном. Также следует отметить скульптуру «Морская рыба» (модель 1902 г.), автором которой является не менее известный мастер завода Эрик Нильсен, и фигурку «Лежащий медвежонок», по модели Кнюда Кина, которую выпускали на предприятии с 1906 г. В нашем собрании эта работа представлена в светло-серых тонах, известна также модель бурого цвета. По мнению исследователей датского фарфора, сегодня на антикварном рынке редко встречается миниатюрная фигурка «Мышка, сидящая на рыбьей голове». В нашей коллекции присутствует эта модель, выпущенная в 1903 г. Скорее всего, она выполнена Сорином Бергом. Среди изделий завода Бинга и Грендаля хотелось бы отметить фарфоровую фигурку мальчика в комбинезоне, сидящего на камне, исполненную скульптором Ингеборгом Плокросс-Ирмингером и расписанную Лотом Линдалом. Новые принципы моделирования фигурок в сочетании с подглазурной росписью давали поразительный эффект единства декоративности, реализма и поэтической образности.
Неразрывное единство пластического и живописного декора характеризует изделия шведской фарфоровой мануфактуры в Рерстранде. В музейном собрании находятся несколько интересных предметов, выполненных ведущими мастерами этого предприятия: Альфом Валландером и Карлом Линдстремом. Несколько лет назад через закупочную комиссию нашим музеем был приобретен чайно-кофейный сервиз на шесть персон. Все предметы комплекта имеют гладкую белую поверхность, украшенную несколькими рядами тонких желобков, а также рельефным изображением сиренево-розовых стрекоз. Эти хрупкие насекомые были одним из любимых декоративных элементом произведений эпохи модерна; их можно встретить и на изделиях скандинавского фарфора. Например, миниатюрные фигурки стрекоз великолепно украшают один из сервизов Датской королевской мануфактуры. В нашем случае художник завода Альф Валландер, создавший модель сервиза под названием «Trollslanda» – «Стрекоза», сумел найти свой оригинальный способ декора, превратив изогнутые тельца стрекоз в хваточки крышек, а также ручки чашек, чайников, сливочника и сахарницы.
Характерной особенностью украшения рерстрандских ваз являются, нарисованные в подглазурной технике, растения и цветы, плавно переходящие в рельефный декор наподобие венка, обвивающего горло или плечики сосудов. В таких произведениях граница между живописью и пластикой становится почти незаметной, что придает изделиям изысканность и лаконизм. В этом можно убедиться на примере вазы с изображением мака, созданной по модели Альгота Эриксона, и вазы с розовыми цветами и ветками ягод скульптора Карла Линдстрема.
Предметы австрийского производства периода сецессиона представлены в нашем собрании всего лишь двумя керамическими вазами, выполненными на частной мануфактуре «Амфора». Сочетание рельефной глазури с гладкими золочеными пластическими элементами в виде стилизованных листьев в первом случае и четырех фигурных кронштейнов, напоминающих крылья бабочек, во втором, демонстрирует любимую мастерами модерна игру фактур.
В музее-заповеднике «Царское Село» коллекция фарфора эпохи модерна продолжает пополняться интересными экспонатами, несмотря на тот факт, что сегодня вещи, созданные на рубеже веков встречаются гораздо реже.
В кругу нашего поиска и большого интереса находятся не только произведения ведущих европейских и отечественных заводов, но и изделия частных фабрик, дающие возможность познакомиться как с новыми именами, так и формами и способами украшения фарфоровых изделий.
[i] Голлербах Э.Ф. Сюжеты и характер живописи по фарфору // Русский художественный фарфор. Сб. статей о Государственном фарфоровом заводе / Под ред. Э.Ф. Голлербаха и М.В. Фармаковского. Л., 1924. С. 5.
[ii] РГИА. Ф. 503. Оп. 1 (525/2278). Д. 43. Л. 62.
[iii] Там же. Д. 420. Л. 36.
[iv] Там же. Оп. 2. Д. 499. Л. 4.
[v] Кудрявцева Т.В. Русский Императорский фарфор. СПб, 2003. С. 220.
[vi] РГИА. Ф. 503. Оп. 1 (545/2332). Д. 96. Л. 14.
[vii] Там же. Оп. 2. Д. 250. Л. 79.
[viii] Там же. Д. 38. Л. 83.
[ix]Там же. Д. 45. Л. 59.
[x] Кудрявцева Т.В. Русский императорский фарфор. СПб, 2003. С. 230.
[xi] РГИА. Ф. 503. Оп. 1 (507/2244). Д. 24. Л. 40 об.
Все исключительные права на изображение музейных объектов принадлежат Музею.
Авторские права на научные статьи и аннотации принадлежат их авторам. Запрещается воспроизведение изображений музейных объектов без согласия Музея. Научные статьи и аннотации могут быть использованы только с согласия их авторов.
Невоспетые художницы в стиле ар-нуво
Ар-нуво, движение, процветавшее между 1890 и 1910 годами, возникло на пике Belle Époque, периода, который поощрял современность и художественные прорывы больше, чем когда-либо, как реакцию на строгий академизм в искусства начала 19 века. Подобно движению «Искусства и ремесла», модерн стремился деконструировать традиционные представления об иерархии в искусстве и приравнять то, что считалось «изобразительным искусством» (живопись и скульптура), к «декоративному искусству» (изготовление мебели, ювелирные изделия, миниатюрная скульптура, гобелен, вышивка и др.). Движение также было вдохновлено свежестью и текучестью природы. Что мало известно о модерне, так это большой вклад женщин-художников в это движение.
Основными стилистическими характеристиками модерна являются замысловатые цветочные узоры, свежие геометрические мотивы с кривыми, а не строгими линиями, и, конечно же, идеализированные женские фигуры. Однако женщины, связанные с модерном, как и женщины, связанные с движением прерафаэлитов, служили не только музами, но и художниками.
Движение характеризуется энтузиазмом в отношении декоративно-прикладного искусства и графического дизайна. Это повысило уважение широкой публики к прикладному искусству, области, в которой традиционно преобладают женщины, и тем самым повысило женщин как художников. Поэтому важно узнать больше о женщинах-художницах, которые определили движение в стиле модерн, и прославить их.
Элис Рассел Гленни
Фотография Элис Рассел Гленни, Центр искусств Берчфилд Пенни, Нью-Йорк, США. Сайт арт-центра. Элис Рассел Гленни (1858–1924) — американская художница-график, наиболее известная своими плакатами в стиле ар-нуво. Она была выдающимся деятелем искусства в своем родном городе Буффало, штат Нью-Йорк.
Гленни была активным сторонником интересов американских женщин-художников. Она разработала культовую обложку для журнала Buffalo Courier: Women’s Edition 9.0018 . На ее работах изображена женщина с прической в японском стиле и суровым лицом, смотрящая в сторону от зрителя. Цветовая палитра женщины бледна и контрастирует с оливково-зеленым фоном. Это, наряду с тем, что ленты образуют форму колонны дорического ордера, создает ощущение классического возрождения. Черты ее лица женственны, как и прическа и одежда, но модель сохраняет свою твердую позицию в вопросе прав женщин.
Элис Рассел Гленни, Женское издание , 1895, Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США. Гленни сделал разные варианты этого плаката для разной аудитории. Эти разные версии еще раз доказывают намерение художника смешать высокое классическое искусство с современными устремлениями. Ссылка, которую Гленни делает на греческое искусство, более откровенна, а ее настойчивость в установлении прав для женщин-художников становится все более ясной.
Слава художника настигла город Буффало. Спустя почти 150 лет после ее рождения в томе «Американские женщины: Руководство Библиотеки Конгресса по изучению женской истории и культуры в Соединенных Штатах» Элис Рассел Гленни была названа выдающимся художником-графиком.
Маргарет Макдональд
Джеймс Крейг Аннан, Фотография художницы Маргарет Макдональд , ок. 1895 г., Национальные музеи Шотландии, Эдинбург, Великобритания.Маргарет Макдональд (1864–1819 гг.)33) был шотландским художником, чьи работы определили «стиль Глазго» в конце 19 века. Кроме того, ее изображения эфирных фигур оказали значительное влияние на движение в стиле модерн.
После завершения учебы в Школе искусств Глазго вместе со своей сестрой Фрэнсис дуэт открыл в Глазго студию сестер Макдональд. Их творчество во многом было вдохновлено кельтскими образами и фольклором.
Многие работы Маргарет включают в себя приглушенные тона, удлиненные обнаженные формы и взаимодействие геометрических и природных мотивов. Именно эти уникальные характеристики отличали ее от других художников ее времени.
Ее самая известная работа, Королева мая , представляет собой огромное панно, на котором изображена центральная женская фигура, обрамленная двумя женщинами слева и двумя справа от нее. Стиль напоминает модерн, но имеет некоторые уникальные элементы, например, чрезвычайно вытянутые фигуры и отсутствие насыщенных цветов.
Маргарет Макдональд, Таинственный сад , 1911, Шотландская национальная галерея современного искусства, Эдинбург, Великобритания. Ее работы, наряду с работами ее сестры-сотрудница, бросили вызов представлениям своих современников об искусстве. Таким образом, при жизни они достигли значительного успеха в европейских художественных кругах.
Маргарет Макдональд даже выставлялась на Венском Сецессионе 1900 года, и влияние, которое она оказала на Густава Климта, очевидно.
Фрэнсис Макдональд
Фрэнсис Макдональд (1873–1921), менее известная из двух сестер Макдональд, была художественной последовательницей стиля Глазго и училась в Школе искусств Глазго.
Фрэнсис Макдональд, Выбор , 1909 год. Wikimedia Commons (общественное достояние).В середине 1890-х сестры покинули Школу, чтобы основать свою независимую студию. Они сотрудничали в области графики, текстиля и иллюстраций. Стили Маргарет и Фрэнсис могут быть похожи, но они все же различимы. Фрэнсис, кажется, использует гораздо более смелые цвета, чем ее сестра, и ее фигуры выглядят более человечными и менее статичными, чем у Маргарет. Ее полотна полны действия и эмоционального проявления. Каждая из них рассказывает отдельную, сложную историю. Во многом стиль Фрэнсис напоминает стиль Марка Шагала.
Фрэнсис Макдональд, A Paradox , 1905 год.
Wikimedia Commons (общественное достояние).Ее работы Выбор и Парадокс являются образцом сложности историй, которые она решила рассказать. Ничто не очевидно, и мы, зрители, должны попытаться расшифровать содержание и смысл ее произведений.
Несмотря на то, что они работали вместе (но и по отдельности), Фрэнсис, к сожалению, гораздо менее известна, чем ее сестра. Это потому, что ее муж, Герберт Макнейр, уничтожил многие из ее работ после ее смерти. Однако оба художника изображали женщин таким образом, чтобы констатировать их собственную эмансипацию. Их женские образы всегда были главными героями их собственных историй, а не актерами второго плана.
Элизабет Сонрель
Элизабет Сонрель (1874–1953) была французской художницей и иллюстратором, на которую повлияла и находилась под влиянием эстетики ар-нуво. После учебы у своего отца-художника она официально обучалась в Школе изящных искусств в Париже.
Элизабет Сонрель, Портрет женщины эпохи Возрождения с розами , частная коллекция.
Артнет.В начале своей творческой карьеры она создавала плакаты и иллюстрации в стиле модерн, но позже ее стиль превратился в прерафаэлитов после поездки в Италию, где она влюбилась в стиль Сандро Боттичелли.
Элизабет Сонрель, Fleurs des Champs , частная коллекция. Артнет.Она изображала почти исключительно женские фигуры, а ее любимым сюжетом были романы о короле Артуре, библейские темы и мифологические сцены. Ее художественный стиль представляет собой заманчивое, уникальное сочетание стилей модерн и прерафаэлитов.
Элизабет Сонрель, Флора , 1899. Christie’s.Sonrel также участвовал во Всемирной выставке 1900 года, когда темой был модерн. Ее работа имела большой успех, получила награды и медали и была продана за 3000 франков. Художница оставалась очень плодовитой при жизни и продолжала работать примерно до 70 лет.0007
Клара Дрисколл
Клара Дрисколл в мастерской , 1901 год. Wikimedia Commons (общественное достояние). Клара Дрисколл (1861–1944) — американский дизайнер, возглавлявшая отдел женской резки стекла в Tiffany Studios в Нью-Йорке.
Говорят, что она была одной из самых высокооплачиваемых женщин своего времени, зарабатывая около 10 000 долларов в год.
За 20 лет работы в компании она разработала более тридцати культовых светильников Tiffany. Вдохновленный частично модерном и частично движением искусств и ремесел, ее первым дизайном был «Нарцисс». На ее лампах Тиффани были замысловатые природные мотивы цветов и насекомых. Со временем они стали символами американской традиции декоративно-прикладного искусства.
Однако на протяжении большей части 20-го века коллеги Дрисколла-мужчины получали признание за разработку и создание этих ламп. В 2006 году ученые Мартин Эйдельберг, Нина Грей и Маргарет Хофер обнаружили, что на самом деле именно Дрисколл и ее коллеги, «Девочки Тиффани», разработали и воплотили в жизнь шедевры, известные как «Лампы Тиффани».
Автор New York Times отметил в своем обзоре выставки «Девочки Тиффани», организованной Нью-Йоркским историческим обществом:
(…) во время монтажа выставки некоторые из этих маленьких металлических силуэтов использовались великолепный абажур из нарциссов все еще лежал в коробке на складском столе. Бессмысленные сами по себе, когда они приведены в порядок, они воплощают в жизнь изысканный объект, так же как само представление, теперь собранная головоломка, освещает талантливых женщин, которые долгое время стояли в тени знаменитого человека.
Джеффри Кастнер, Из тени Тиффани, женщина света , 2007, The New York Times.
Женщины-первопроходцы модерна
Все эти женщины-художницы были из разных стран, разных профессий. Несмотря на это, всем им удалось внести неоценимый вклад в стиль и движение ар-нуво. Элис Рассел Гленни, Маргарет и Фрэнсис Макдональды, Элизабет Сонрель и Клара Дрисколл были художницами в то время, когда женщине подобало позировать, а не творить.
Эти женщины, среди прочих, также являются доказательством того, что в стиле модерн есть нечто большее, чем Альфонс Муха.
Художники в стиле модерн: Густав Климт
Густав Климт — один из самых популярных и знаменитых художников в стиле модерн . Его работы мгновенно узнаваемы, а его золотых картины , такие как невероятно популярная Поцелуй , идеально подходят для наших красиво оформленных роскошных блокнотов и чехлов для iphone. Вот некоторая справочная информация о самом человеке, а также более подробный взгляд на Поцелуй .
Золотое происхождение
Отец Густава Климта был гравером по золоту и серебру , работа, которая, несомненно, оказала некоторое влияние на Климта, который позже украсил свои работы этими драгоценными металлами . Семья жила в пригороде Вены, и Климт получил формальное художественное образование в Венской школе декоративных искусств, , специализируясь на фресках .
Таланты Густава Климта были сразу замечены, и он получил заказы еще во время учебы в колледже. Он украсил два общественных здания в Вене: Бургтеатр и Художественно-исторический музей, работая в сотрудничестве со своим братом и другом. К 30 годам Климт был известным и успешный художник .
Художник-сецессионист
В Вене художники, которые стремились дистанцироваться от историзма и традиции, сформировали авангардную экспериментальную группу под названием «Сецессион», венскую интерпретацию стиля модерн . Австрийский художник Густав Климт руководил этой организацией с 1897 года до года 1905 года. Творчество Климта типично для глубоких исторических и идеологических изменений , происходивших в конце века, хотя его творчество было нетипичным по стилю и эффекту. У Климта было эстетической идеологии и понял, почему искусство должно глубоко исследовать эмоции и экзистенциализм и освободиться от всех современных условностей, чтобы сделать это.
Он добился этого, создав необычайно декоративных фресок и картин , часто щедро покрытых золотом. Самые экспериментальные работы Климта касались тем подсознательных импульсов и желаний , и они вызывали высокие чувства у публики и искусствоведов.
Поцелуй
Возможно, его самая известная работа , Поцелуй достигает баланса между эмоциями и украшением. Влюбленные заключены в объятия золотой ткани . Мужчина оформлен в холодных тонах и геометрических угловатых узорах , символизирующих мужественность; коленопреклоненная женщина представлена в теплых тонах завитками и кругами, символами женственности. Вместе они создают гармоничное
Необычайная творческая энергия Климта , выразительное использование линий и доминирующее использование орнамента уловили авангардный дух, который помог развить абстрактную эстетику , последовавшую за этим.
