Художники модернисты 19 века: Художники по направлению: Модернизм — WikiArt.org

Великие Модернисты

Великие Модернисты

Вечером 10 апреля мы посетили потрясающую мультимедийную выставку в центре дизайна ARTPLAY. Работы девяти великих модернистов «обработаны» с помощью современных технологий и проецируются на большие экраны. Все действие проходит под соответствующую музыку, что создает необычную атмосферу и настроение.
Понятие «модернизм» включает в себя разные направления живописи рубежа 19 – 20 веков, которые можно обобщить фразой – «другое искусство». Модернисты нарушали устоявшиеся каноны, свободно передавали свои эмоции и отношение к миру через произведения. Бурное развитие фотографии избавило живопись от необходимости строго документировать окружающий мир, что подтолкнуло творческих людей к поиску новых форм самовыражения.
Сначала вы попадаете в Аванзал – своеобразную зону «ликбеза», где можно заполнить пробелы в образовании (почитать биографию художников, чьи картины будут представлены, изучить эволюцию живописи конца 19 –сер.

20 века, вспомнить исторические события того времени). Желающие могут употреблять при этом любимые напитки, купленные тут же в мини-баре. Поэтому не стоит удивляться при виде леди, дефилирующей по залу с бокалом шампанского.

Поль Синьяк (Paul Signac)

11 ноября 1863, Париж — 15 августа 1935, Париж — французский художник-неоимпрессионист, представитель направления пуантилизма (манера письма отдельными мазками определенной формы). Уже при жизни был признан классиком.

Василий Васильевич Кандинский

4 (16) декабря 1866, Москва — 13 декабря 1944, Нёйи-сюр-Сен, Франция — выдающийся русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы «Синий всадник», преподавателем Баухауса.

Интересен факт, что свою художественную карьеру он начал только в 30 лет.

Казимир Северинович Малевич (Kazimierz Malewicz)

11 (23) февраля 1879, Киев — 15 мая 1935, Ленинград — российский и советский художник-авангардист польского происхождения, педагог, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — одного из наиболее ранних проявлений абстрактного искусства новейшего времени.

Амедео (Иедидия) Клементе Модильяни (Amedeo Clemente Modigliani)

12 июля 1884, Ливорно, Италия

— 24 января 1920, Париж, Франция — итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX — начала XX века, яркий представитель экспрессионизма.

Весь смысл мероприятия – дальше в зале мультимедиа. Заходите в темный зал, где непрерывно транслируются фильмы. Желательно найти местечко на больших пуфиках и устроиться поудобнее. Сначала слегка теряешься, в какую сторону смотреть: экраны везде и изображение разное. Но потом ракурс как-то сам собой выбирается. Некоторые посетители после просмотра всего цикла, разворачивают свои сидушки в другую сторону, и смотрят все снова.

«Крик» (в первом варианте картина называлась «Отчаяние») — самая известная работа Мунка. Охваченный ужасом человек с этой картины стал одним из самых узнаваемых образов в искусстве.

Картина существует в четырех экземплярах, один из которых находится в частной коллекции: он был продан 2 мая 2012 года на аукционе Sotheby’s почти за 120 миллионов долларов. На тот момент это было самое дорогое произведение искусства, когда-либо проданное на открытом аукционе.

Эдвард Мунк (Edvard Munch)

12 декабря 1863 — 23 января 1944 — норвежский живописец и график, театральный художник, теоретик искусства. Один из первых представителей экспрессионизма. Его творчество, с одной стороны, охвачено мотивами смерти и одиночества, а с другой — жаждой жизни.

Эжен Анри Поль Гоген (Eugène Henri Paul Gauguin)

7 июня 1848 — 8 мая 1903 — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель, с 1883 года — профессиональный художник. Свои лучшие работы написал во время жизни в Океании.

Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа

24 ноября 1864 — 9 сентября 1901 — французский художник-постимпрессионист из графского рода Тулуз-Лотреков, мастер графики и рекламного плаката.

Свой маленький рост (152 см) художник компенсировал потрясающим чувством юмора. Часто рисовал проституток и жизнь монмартрских кабаре, вёл соответствующий образ жизни. Умер от алкоголизма и сифилиса в возрасте 36 лет.

Густав Климт (Gustav Klimt)

14 июля 1862, Баумгартен, Австро-Венгрия — 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия — широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм..

Анри Жюльен Феликс Руссо (Henri Julien Félix Rousseau)

1844—1910 — французский живописец-самоучка, один из самых известных представителей наивного искусства, или примитивизма. Часто сюжетом его картин становятся джунгли, хотя художник там никогда не был.

Если вашим браузером не поддерживается video. Можно скачать тут

Эффект от изображения и звука потрясающий. Некоторые картины «в обработке» воспринимаются гораздо лучше, чем оригинал. Уходили с сожалением, но было уже поздно, выставка работает до 22 часов.
Если в московском ARTPLAY можно увидеть интересный временный проект, то питерская Эрарта радует любителей современного искусства круглый год. В настоящее время этот музей — на 1 месте в нашем личном рейтинге впечатления можно почитать здесь.

Картинки из клиники. Искусство и безумие Эгона Шиле и Гюнтера Бруса – журнал «Искусство» Искусство оказалось целиком охвачено безумием. Гюнтер Брус. «Тест на прочность» Сходство венского модернизма и венского же акционизма чуть ли не наиболее ярким образом выражается в их общей тяге к безумию, которая проявлялась как в художественных практиках обоих течений, так и в личностях самих художников. Речь идёт и о том, что художники использовали психиатрические исследования (и фотографии пациентов) в своих работах, и о том, что они верили — как в XIX веке, так и в 60‑е годы XX века, — что сам […]

Искусство оказалось целиком охвачено безумием.
Гюнтер Брус. «Тест на прочность»

Сходство венского модернизма и венского же акционизма чуть ли не наиболее ярким образом выражается в их общей тяге к безумию, которая проявлялась как в художественных практиках обоих течений, так и в личностях самих художников. Речь идёт и о том, что художники использовали психиатрические исследования (и фотографии пациентов) в своих работах, и о том, что они верили — как в XIX веке, так и в 60‑е годы XX века, — что сам тип творческой личности подразумевает определённые психические отклонения i или же обострённую чувствительность (по сути, это выливается в то, что художник выставляет себя

как безумца). И то и другое стало реакцией на то, что психические отклонения перестали восприниматься как болезнь. На эту депатологизацию повлияли три фактора, которые были общими и для начала ХХ века, и для 60‑х годов. Во-первых, целиком поменялась концепция личности, что отразилось в искусстве, философии, естественных и гуманитарных науках, а вслед за ней подверглись трансформации категории «психической нормы» и «отклонений». Во-вторых, популярность набирала идея «проклятого художника»

(artiste maudit), согласно которой психические болезни и иные страдания как раз и обуславливают превосходство художника над прочими людьми i . Третьим фактором стала этиология безумия, которая напрямую связала душевные заболевания с неблагоприятным влиянием среды, определив, что социальные условия оказывают куда большее негативное воздействие на личность, чем врождённые предрасположенности i .

Эгон Шиле. Автопортрет с опущенной головой, 1912

Холст, масло, 42,2 x 33,7 см

Из коллекции Музея Леопольда. (c) Leopold Museum, Vienna, Inv. 462

Гюнтер Брус. Самораскрашивание 1, 1964

Документация акции. Фотография, серебряно-желатиновый отпечаток, 40,4 x 30,4 см

(c) Günter Brus 2019. Из коллекции MOMA, США

Поль-Мари-Леон Ренард. Лечение истерии под гипнозом. Из «Фотографической иконографии больницы Сальпетриер» под редакцией Жана-Мартена Шарко, 1878

Париж. Фотогравюра, 10,5 x 6,8 см

(c) J. Paul Getty Trust

Эгон Шиле. Плакат к выставке Шиле в галерее Арно, 1915

Бумага, гуашь, тушь, 65 x 48,7 см

Из коллекции Музея Вены. Фотография: (c) Wien Museum

Все перечисленные аспекты позволяют нам на примере работ мастеров вроде Оскара Кокошки, Эгона Шиле или Гюнтера Бруса разобрать, что именно означало быть художником в тех конкретных исторических условиях. В частности, мы подробно проанализируем два аспекта: представление о превосходстве безумца над толпой и эстетизацию безумия в качестве художественной стратегии.

Гений и безумие

В современном сознании художник предстаёт […] образцом мученичества.
Сьюзен Зонтаг. «Художник как пример мученика»

И венский модернизм, и венский акционизм, как уже говорилось, разделяют представление о том, что безумие заложено в самой природе художника и подтверждает его исключительность. Можно даже утверждать, что культ безумия, извращений и жертвенности, который исповедовали венские акционисты, был прямой отсылкой к австрийскому искусству 1900‑х.

Другими словами, подражая Шиле и Кокошке, акционисты встраивали своё творчество в концептуальные рамки начала века, где душевные расстройства были непосредственно связаны с творческим потенциалом.

Представление, что психические отклонения обуславливают превосходство художника, восходит к мифу времён романтизма и затем модернизма, приводя к тому, что художник начинает сознательно представлять себя мучеником — например, изображая себя в образе страдающего Христа i , романтизируя туберкулез и сифилис или, как в нашем случае, душевные заболевания. Это лишь один из аспектов сложной концепции «проклятого художника», которая подразумевает, что «страдания […] воспринимаются как участь, уготованная лишь избранным, лишь творцам» i .

Художники использовали психиатрические исследования и фотографии пациентов в своих работах, они верили — как в XIX веке, так и в 60‑е годы XX века, — что сам тип творческой личности подразумевает определённые психические отклонения

В частности, Фридрих Ницше был убеждён, что гений предполагает сверхчеловеческое напряжение духовных сил, которое приводит к нервному перевозбуждению или даже безумию i . На вопрос «Кто такой поэт?» Сёрен Кьеркегор ответил так: «Несчастный человек, ­таящий в сердце тоску; уста его устроены так, что исходящие из них крики и стоны превращаются в дивную музыку» i . Или возьмём утверждение Адальберта Штифтера: «Я не могу позволить боли утихнуть — в таком случае мне придётся распрощаться и с божественным присутствием» i . В XIX веке столь суровых принципов придерживались, в частности, Якоб Михаэль Рейнхольд Ленц, чему есть свидетельство в повести Георга Бюхнера «Ленц», а также Винсент Ван Гог, у которого было много последователей, поскольку «страдание поднимает душу к тем головокружительным высотам, где и становится возможным пророческое творчество гения» i .

Если в романтизме страдания художника изображались в соответствии с христианской традицией, то в модернизме обычным стало противопоставление себя общественным нормам. «Существо, терзаемое снаружи и изнутри, ранимое из‑за своей обострённой чувствительности» всё чаще обвинялось в асоциальности, наделялось теми качествами, что отвергались обществом, — склонностью к извращениям или венерическими заболеваниями. Об этом свидетельствуют и изображения сифилитиков, созданные Кокошкой, и измученные тела в автопортретах Шиле, и перемазывание фекалиями в акциях Гюнтера Бруса i . В 60‑е акционизм актуализировал концепцию страдающего творца посредством акта самоистязания. Более того, декларируемая маргинальность художника вскоре стала вполне реальной. Например, после акции «Искусство и революция» 1968 года Брус был арестован и приговорён к полугодовому одиночному заключению за надругательство над национальными символами, институтом брака и частной собственностью. Пресса поливала его грязью, общественность пыталась лишить его родительских прав и заваливала письмами, полными брани и унизительных выпадов. Например, в анонимном письме: «[…] когда выйдешь из тюрьмы, мы тебя найдём и будем нещадно бить. Готов поспорить, после этого ты уже не покажешь своё вонючее голое тельце! […] такой грязный ублюдок не заслуживает права называться австрийцем. Хочешь, чтобы тебя всё‑таки уважали, сделай вот что: тихо-мирно удавись в своей камере. (Нагишом!) Правда, сначала перемажь верёвку в своих экскрементах! Вот такой смерти твоё драгоценное тело заслужило!» i

Всё это следует учитывать, анализируя работы и Шиле, и Бруса, где изображаются телесные проявления безумия.

Телесный язык безумия

Красота должна быть подобна судороге, иначе ей не выжить.
Андре Бретон. «Надя»

И в психологических портретах работы венских модернистов, и в перформансах венских акционистов психические отклонения изображались в качестве неотъемлемых качеств художника посредством языка тела. В обоих случаях грубая плоть изувеченного тела оказывалась главным способом выразить внутреннее состояние изображаемого. Это соответствие телесного и душевного отвечает господствовавшим в XIX веке представлениям, что психические заболевания не просто имеют те или иные физические предпосылки, но и могут быть диагностированы через анализ жестикуляции, мимики, моторики и других элементов языка тела. На практике это означало, что фотография, живопись и скульптура непрерывно использовались психиатрией, чтобы «зафиксировать душевное состояние через телесные проявления» i . Такие произведения собирались в каталоги и распространялись в качестве медицинских пособий.

Отчасти поэтому тело в модернизме так выразительно передаёт состояние человеческой психики — и этот мотив становится центральным в изобразительном искусстве. Искусствовед Гемма Блэкшоу писала о работах Кокошки так: «В его творчестве человеческое тело часто предстаёт ослабленным, разрушающимся, находящимся в состоянии физиологического увядания или нервного истощения» i . И далее: «Натурщики Кокошки — будь то сифилитики, прокажённые или покрытые язвами — воспринимались как выражение психической болезни своей эпохи» i .

Однако в то время как Кокошка, Герман Нитч, Рудольф Шварцкоглер и Отто Мюль в своих работах иллюстрировали фундаментальные принципы устройства человеческой психики, Шиле — а позже и Гюнтер Брус — выбрал основным предметом изображения своё тело, чтобы манифестировать методами художественного выражения собственную ненормальность. На примерах работ этих художников интересно разобрать сходства и различия в их интерпретации безумия.

Эгон Шиле

Именно с Шиле ведёт отсчёт та концепция искусства, которая в эстетизации сексуальных и патологических проявлений отказывается от противопоставления красоты и уродства, характерного для эстетики идеализма. […] Измождённое тело, болезненный надлом личности теперь тоже превозносились как искусство.
Клаус Альбрехт Шрёдер. «Эгон Шиле»

Неверно думать, что причиной повышенного внимания венской культуры рубежа веков к теме безумия стал только лишь открытый Фрейдом психоанализ. Как раз напротив, фрейдовский метод опирался на многочисленные работы об истерии, неврастении и раздвоении сознания, публиковавшиеся в этот период. В своих попытках понять, что есть личность, Жан-Мартен Шарко, Пьер Жане, Альфред Бине, Рихард фон Крафт-Эбинга и Теодюль Рибо комбинировали методы искусства, философии и различных гуманитарных наук.

Фотографии в медицинском каталоге, изображающие скорчившиеся тела и их части, повторяемые снова и снова, предоставили Шиле новый словарь тела, который тот мог использовать для укрепления собственной репутации художника-аутсайдера

Важным аргументом в этих дискуссиях служил выпущенный в 1876 году трёхтомник «Иконография Сальпетриер» — составленный Дезире-Маглуаром Бурневилем и Полем Реньяром каталог фотографий пациентов самой большой психиатрической лечебницы Франции, где располагался главный центр исследований истерии. Это издание было не просто знакомо венским художникам, но и стало важнейшим культурным памятником эпохи. Петра Лёффлер пишет:

Хотя язык тела всегда считался способом выражения эмоций, эта фотографическая энциклопедия жестов полностью перевернула устоявшиеся представления; она привлекла внимание к телесным выражениям психических заболеваний и — вместе со знаменитыми театрализованными «лекциями по вторникам» Шарко, где он демонстрировал пациенток, страдающих истерией, — способствовала популяризации этой проблемы во второй половине XIX века i .

Эгон Шиле. Автопортрет с рукой, поднятой над головой, 1910

Бумага, акварель, 45,1 x 31,7 см

Частная коллекция

Поль-Мари-Леон Ренард. Мозговая атрофия: частичная эпилепсия, односторонний правый паралич. Из «Фотографической иконографии больницы Сальпетриер» под редакцией Жана-Мартена Шарко, 1878

Париж. Фотогравюра, 10,5 x 6,8 см

(c) J. Paul Getty Trust

Эгон Шиле. Автопортрет с гримасой, 1910

Бумага, гуашь, 45,3 x 30,7 см

Из коллекции Музея Леопольда. (c) Leopold Museum, Vienna

Поль-Мари-Леон Ренард. Истерические зевки. Из «Новой иконографии больницы Сальпетриер, клиники заболеваний нервной системы»
под редакцией Жана-Мартена Шарко, 1890

К 1900‑м годам истерия стала источником вдохновения для художников, в числе которых был и Шиле. Совсем неслучайны многочисленные суждения, что его автопортреты были выполнены под сильнейшим влиянием фотоархива Сальпетриер. Например, Альбрехт Шрёдер пишет:

Психофизиологические состояния, ставшие предметом изображения в этой серии, взяты из разных источников. К их числу относятся и традиционные иконографические схемы вроде «мужа скорбей», и документальные медицинские фотографии душевнобольных i .

Гемма Блэкшоу и Лесли Топп также отмечают:

Фотографии в этом каталоге, изображающие скорчившиеся тела и их части крупным планом, с одержимостью повторяемые снова и снова, предоставили Шиле новый словарь тела, который тот мог использовать для укрепления собственной репутации художника-аутсайдера i .

Элементами этого словаря отклонений стали судорожные гримасы и спазмы (чаще всего рук), рассогласованность мимики и жестов, диспропорциональность конечностей и искривлённые черты лиц. На одной из самых важных работ из этого ряда — «Автопортрет в обнажённом виде. Гримаса» (1910) — тело Шиле изображено сведённым судорогой. Неестественно длинные конечности, в особенности пальцы рук, кажутся спазмированными; лицо (как и следует из названия) скривилось в гримасе. То же самое мы видим в работе «Автопортрет. Гримаса» (1910). Широко открытый рот с плохими зубами, брови-петли, ракурс изображения в пол-оборота, а также сам тип поясного портрета с большой точностью воспроизводит «Иконографию Сальпетриер». Ещё раз Шиле изображает себя с открытым ртом в «Автопортрете в белом одеянии» (1911). Пальцы здесь растопырены, как когти, и создаётся впечатление, что художник движется по направлению к зрителю, подобно дикому животному. Свободно свисающее облачение напоминает больничный халат. А вот «Автопортрет с вытянутыми руками» (1911), наоборот, вызывает ассоциацию с «позой распятия», которая описывалась как характерная для приступов истерии. Шрёдер упоминает и другие примечательные детали:

С фотографий истериков Шиле позаимствовал кулак, сжимающий большой палец, разворот, при котором голова кажется отделённой от тела, и несоответствие напряжённых рук и расслабленного выражения лица. Каталог патологических состояний […] породил совершенно новый визуальный язык i .

Если рассмотреть вопрос в более широком контексте истории истерии, мы заметим, что и сами фотографии, которые использовали художники, являлись перформативными цитатами — например, намеренными воспроизведениями страданий Христа — и были целиком рассчитаны на зрителя. Недаром исследователи, в числе которых Жорж Диди-Юберман, Кристина фон Браун и Элизабет Бронфен, говорят о перформативном характере истерии, в основе которой желание женщины, чтобы её осмотрел врач-мужчина. Тот же принцип «взаимного влияния образа и наблюдателя» i лежит в основе театрального искусства. Диди-Юберман говорит о театральной природе болезни, называя истерику «живым произведением искусства». Перенос её «поэтики истерических жестов и их комбинаций», этой «риторики одержимых тел», в перформативное искусство мы можем проиллюстрировать на примере творчества Бруса.

Гюнтер Брус

Это попытка обнажить скелет одутловатого тела драмы и настоять экстракт души и тела.
Гюнтер Брус. «Тест на прочность»

У Бруса можно найти множество отсылок к теме безумия, достаточно взглянуть на названия его акций: «Лимонно-жёлтый идиот» (1965), «Каталепсия» (1965), «Электрический разряд, пожалуйста, — я больше не могу!» (1967), «Чистое безумие» (1968), «Психодраматический этюд» (1970), «Господи, да вот же они» (1970). Все эти работы размывают рамки нормативного поведения, одновременно отсылая нас к понятию дионисийского экстаза i .

В числе ярких примеров — «Тест на прочность», последняя акция Бруса, осуществлённая 19 июня 1970 года в пространстве Aktionsraum I в Мюнхене. В «Тесте на прочность», с его многочисленными аллюзиями на поведение душевнобольных, присутствуют все основные элементы творчества Бруса — и концентрация на обнажённом теле, и дефекация перед зрителем, и самоистязание, равно как и эстетизация человеческого страдания в целом: «Художник направляет агрессию на самого себя и окружающие объекты, что выражается в нанесении себе ран, хрипении, как при недостатке воздуха, самобичевании, кататоническом состоянии» i . Во время акции художник проходит тест на прочность — не только потому, что режет себя бритвой, но и поскольку вся эта акция требует огромной выносливости. Вот впечатления Нитча, который наблюдал происходящее:

Все его действия были быстрыми, утрированными, неистовыми, вели нас к помрачению рассудка, к отчаянному безумию. Красота психического припадка, разбивающего оковы нормальности, приводила нас в исступление, от возбуждения нас охватывала дрожь. […] Он катался по полу в конвульсиях, кататоническое возбуждение внезапно переходило в ступор, а потом он опять начинал самозабвенно кричать в экстазе i .

В обоих описаниях, оставленных художниками, присутствуют явные отсылки к синдромам душевных заболеваний — «психический припадок», «каталептическое состояние», «кататоническое возбуждение», «экстатические выкрики».

Эгон Шиле. Сидящий обнажённый мужчина (Автопортрет), 1910

Холст, масло, матовое покрытие, 152,5 x 150 см

Из коллекции Музея Леопольда. Фотография: (c) Leopold Museum, Vienna/Manfred Thumberger

Гюнтер Брус. Раскрашивание — Самораскрашивание — Саморасчленение, 6 июля 1965 года

Документация акции. Фотография, 30,5 x 24 см

Из коллекции mumok. (c) Günter Brus, 2016. Фотография: (c) Ludwig Hoffenreich

Эгон Шиле. Лирик, 1911

Холст, масло, 80,5 x 80 см

Из коллекции Музея Леопольда. Фотография: (c) Leopold Museum, Vienna/Manfred Thumberger

Гюнтер Брус. Тест на прочность, 1970

Кадр из фильма Вернера Шульца. 16 мм плёнка, переписанная на DVD, звук, 15’9»

Из коллекции mumok. (c) Günter Brus 2019

Поль-Мари-Леон Ренард. Истерическая дуга. Из «Фотографической иконографии больницы Сальпетриер, клиники заболеваний нервной системы» под редакцией Жана-Мартена Шарко, 1890

Париж. Фотогравюра

(c) J. Paul Getty Trust

Гюнтер Брус (совместно с Герхардом Румом и Освальдом Винером). Господи, да вот же они, 1970

Документация акции. Ч/б фотографии Эрнста Отто Крёгера, картон, карандаш, 60 x 100 см

Из коллекции Dolezal. Изображение предоставлено пресс-службой mumok

В этом театрализованном безумии особенно важны два аспекта. Прежде всего, динамическая и звуковая драматургия акции, задача которой — посредством спазмов, ступора, криков и истерических судорог выразить «исступлённое безумие». Например, Брус на долгое время застывает в судорожной позе, которая напоминает позы душевнобольных из описаний истерии эпохи рубежа веков, а также положения тела, характерные для такого психомоторного расстройства, как кататоническая шизофрения. Как и в случае с Шиле, остаётся спорным, намеренно ли Брус обращался к иконографии психических отклонений, заимствуя оттуда семиотику кататонии. Если это так, мы имеем дело с уже двойным цитированием: непосредственно психиатрического канона и его же в цитатах художников более раннего периода, включая Шиле. Сам Брус проводил прямую аналогию между портретами Шиле и своими собственными телесными практиками:

Термины «разрушение» и «саморазрушение» в акционизме наделены негативным содержанием, поскольку акции совершаются живыми людьми и над живыми людьми. Но по сути мы смотрим на художественное достижение, которое обладает таким же положительным значением, как, например, […] изображение деформированных тел на полотнах Шиле и де Кунинга i .

Из этой аналогии следует, что телесные практики Бруса призваны воплотить живописные опыты Шиле в перформативной форме — и становятся физическим переживанием душевного кризиса. Лучший тому пример — одна из заключительных поз упомянутой акции, которая выглядит так: Брус «изгибается в дугу, касаясь пола только головой и ногами, и остаётся в этой позиции до полного изнеможения» i . Именно эта поза описана Шарко как «истерическая дуга», которая проявляется во второй фазе так называемой большой истерии. Тело пациента тут изогнуто так же, как и в «Тесте на прочность»: корпус выгнут в арку, и только голова и ноги касаются земли. К той же группе поз относится классическая поза распятия, равно как и коленопреклонённое положение с вытянутыми вперёд руками. Это не означает, что Брус намеренно воспроизводит симптомы истерики, в отличие от Шиле, для которого это с большей вероятностью именно так. Скорее, к 1960‑м годам эти визуальные образы — в том числе и благодаря их использованию в работах Шиле — стали элементами общей культурной памяти о том, как выглядит безумие.

Даже в своих самых радикальных перформансах Брус не переживает, а инсценирует безумие. В отличие от кровоточащих ран, полученных в процессе акции, его душевный недуг не настоящий — он показной, рассчитанный на аудиторию, несмотря на то что художник даёт и ей, и самому себе шанс пережить опыт безумия. Творчество Шиле построено по тем же самым театральным принципам

Наравне с цитированием этой иконографии намеренная бессвязность действа, построенного на резких сменах настроения перформера, дополнительно создавала ощущение полнейшего безумия. Акция постоянно прерывалась внезапными прыжками и выкриками; от традиционной идеи непрерывного действия ничего не оставалось, а её место заняла идея психического дисбаланса. События разворачивались таким образом:

Он спокойно говорит: «Мне ещё стаканчик». Он кричит: «Нет! Нет!» — и тут же начинает кататься по полу. Он наступает в маленький таз с водой, поскальзывается, переступает в следующий. Спокойно говорит: «Кто‑­нибудь, закройте окно», — не дожидавшись ответа, бросается на пол, хватает ремень и начинает стегать пол, воду, кричать, кататься туда-сюда, доводя себя до полного изнеможения i .

Рассуждая о запрограммированной непредсказуемости «Теста на прочность», которую более точно можно определить как «испытание нервной системы», Брус поясняет: «Для того чтобы проверить нервы на прочность, требуются резкие перемены действия — оно должно мгновенно обрываться» i . Эта эстетика парадокса также восходит своими корнями к истерии. Диди-Юберман писал об Августине, самой известной пациентке Шарко:

Её движения были непредсказуемыми: вдруг шея поворачивалась так резко, что подбородок доставал до плеча и лопатки; нога ни с того ни с сего деревенела […]; обе руки неожиданно сгибались за спиной несколько раз подряд, а затем застывали… её тело замирало в причудливых позах, повторяющихся, непредсказуемых и ничем не обусловленных i .

Резкая смена напряжённых и расслабленных поз, рассогласованные движения конечностей, которые мы наблюдали в работах Шиле, перешли теперь в жанр перформанса.

Точно так же, как «спектакль истерии» рассчитан на присутствие врача i , и Шиле, и Брусу, ставившим свои «спектакли в спектакле», зритель нужен обязательно — даже в своих самых радикальных перформансах Брус не переживает, а инсценирует безумие. В отличие от кровоточащих ран, полученных в процессе акции, его душевный недуг не настоящий — он показной, рассчитанный на аудиторию, несмотря на то что художник даёт и ей, и самому себе шанс пережить опыт безумия. Это подтверждают семь страниц партитуры «Теста на прочность», где все моменты изображённого художником буйства тщательно прописаны заранее. Цитата из статьи Альбрехта Шрёдера свидетельствует, что и творчество Шиле построено по тем же самым театральным принципам:

Искусство Шиле по существу глубоко метафорично и театрально. […] Осознание игрового характера этих инсценировок выявляет особую важность понятия роли и связанной с ней концепции театральности для интерпретации творчества Шиле. Образы существуют, пока их видят: это обстоятельство не в последнюю очередь определяло формально важный статус зрителя, воспринимающего эти композиции, организованные, по сути, через драматургию взглядов i .

Отсюда можно сделать вывод, что оба художника сознательно изображали безумие в театральной форме, рассчитывая на публику и воплощая его в образах кататонии и судорог. Такая ситуация является вариацией известного альянса врача и пациента, который, согласно давним идеям Франца Антона Месмера, демонстрирует всё новые симптомы специально для того, чтобы их наблюдал медик. В основе «картинок из клиники», выполненных художниками, как и в основе психиатрической практики, лежит диалог.

На этом фоне совершенно ясно, что биографические и психологические интерпретации творчества обоих художников — которые не просто крайне проблематичны сами по себе, но и легко становятся политическим инструментом, что подтверждает и последовательная дискредитация работ Шиле в качестве «дегенеративного искусства», и принудительная психиатрическая экспертиза, которую назначили Брусу после «Искусства и революции», — в любом случае оставляют за пределами рассмотрения куда более широкий контекст этих коннотаций i .

Перевод с английского Ольги Нетупской

Узнаем что отличает модернизм от реализма: сравнение двух направлений

В этой статье мы рассмотрим, что отличает модернизм от реализма. Чтобы отметить различия, ознакомимся с двумя направлениями отдельно.

Модернизм. Его характеристика

Модернизм – это направление, появившееся в искусстве в конце XIX – начале XX века. Оно характеризуется новыми, нетрадиционными началами, изменением художественных форм, схематичностью и отвлеченностью стиля. Это направление лидировало в первой половине XX века.

В разных сферах искусства модернизм проявил себя по-разному. В изобразительном он был похож на раннюю ступень авангардизма. Художники-модернисты создавали оригинальные произведения, которые отражали особый взгляд, внутреннюю свободу авторов, вносили в работы новые средства и даже эпатировали публику.

В русской литературе это направление заменило классический роман. Основными течениями были символизм, акмеизм, футуризм. Они имели свои особенности и отличались друг от друга. Все это можно заметить при ознакомлении с поэзией первой половины XX века.

Реализм. Его характеристика

Что отличает модернизм от реализма, так это объективность второго. В нем отображаются правдивая действительность, типичные, важные стороны жизни, конкретизируются приметы и особенности. Затрагиваются темы личности и общества. В литературе для этого могут использоваться различные мифы, символы, притчи.

Направление появилось в эпоху Просвещения, в XVIII веке. Оно имеет несколько разновидностей. Бывает просветительским, критическим и социалистическим.

В изобразительном искусстве картины, созданные в этом направлении, изображают повседневную жизнь людей. Среди русских художников-реалистов можно выделить И. Репина, В. Сурикова и В. Серова.

Что отличает модернизм от реализма?

Каждое направление имеет свои особенности, порой некоторые имеют общие черты и свойства. Однако это не касается рассматриваемых нами течений: они абсолютно противоположны.

Что отличает модернизм от реализма? В первую очередь, затрагивание разных тем. В модернизме авторы передают свои чувства, личный взгляд на жизнь. В реализме художники затрагивают важные жизненные темы. На первом месте у них не собственные чувства, а передача типичных ситуаций. Личность неразрывно связана с обществом. В модернизме же художник способен менять мир так, как ему вздумается. Независимо от того, какие общественные явления происходят вокруг.

Если рассматривать изобразительное искусство, то сравнение реализма и модернизма показывает, насколько они отличаются друг от друга. В более раннем направлении художники показывают жизнь, как она есть. В модернизме же не описывается виденное, а выражается взгляд автора. Действительность не копируется, словно фотография. Художники используют новые методы для рисования картин: различные фигуры, символы и прочее.

Спроси библиографа

Вопрос № 2467:

Добрый день! Помогите, пожалуйста, найти литературу по теме «Роджер Фрай и канон «модернизма» в истории английского искусства XIX века» (рус, англ). Заранее благодарю!
Категория: Тематические запросы
Статус: Готов

---

Ответ:

Добрый день!
Мы подготовили выборочный список публикаций по вашей теме. В тексте встречаются сокращения:
РГБИ – Российская государственная библиотека искусств
РГБ – Российская государственная библиотека
ВГБИЛ – Всероссийская государственная библиотека иностранной литературы
Книжные публикации:

• Голомшток, Игорь Наумович. Английское искусство от Ганса Гольбейна до Дэмиена Хёрста : апология / Игорь Голомшток ; Гос. центр совр. искусства. — Москва : Три квадрата, 2008. — 250 с., [18] л. цв. ил. : ил. (фонд РГБИ).
• Игумнова, Елена Владимировна. Художественная жизнь Лондона 1910 — 1914 гг. : диссертация … кандидата искусствоведения : 17.00.44. — Москва, 2006. — 173 с. (фонд РГБ).
• Якимович, Александр Клавдианович. Эпоха сокрушительных творений : из истории искусства и мысли XX века / Александр Якимович ; Рос. акад. художеств, НИИ истории и теории изобр. искусств РАХ. — Москва : Галарт, 2009. — 255 с., [16] л. цв. ил. : ил. (фонд РГБИ).
• Art made modern : Roger Fry’s vision of art / Ed. by Christopher Green. — London : Merrell Holberton, 1999. — 224 с. : цв. ил., портр. (фонд РГБ).
• Fry, Roger. Cézanne : A study of his development / Roger Fry ; With an introd. by Richard Shiff. — Chicago; London : Univ. of Chicago press, 1989. — XXX, 84 с., [27] л. ил. – То же. – URL: https://archive.org/details/cezannestudyofhi00fryr [регистрация https://archive.org/account/signup] (дата обращения 21.04.2021). (есть также в фонде РГБ).
• Fry, Roger. Reflection on British painting / Roger Fry. — London, Faber & Faber Limited, 1934.- 147, [1] p. – То же. – URL: https://archive. org/details/reflectionsonbri0000fryr [регистрация https://archive.org/account/signup] (дата обращения 21.04.2021).
• Fry,Roger. Transformations. Critical and speculative essays on art by Roger Fry. — Garden City (N.Y.) : Doubleday, 1956. — XII, 306 p. : ill., 24 l.ill. (фонд ВГБИЛ).
• Fry, Roger. Vision and design / Roger Eliot Fry. — London : Chatto & Windus, 1920. – 290 p. : ill. – То же. – URL: https://archive.org/details/visiondesign00fryr(дата обращения 21.04.2021).
• Hitchmough, Wendy. The Bloomsbury look / Wendy Hitchmough. — New Haven ; London : Yale University Press, 2020. — 183 p. : ill., col. ill., portr. (фонд РГБИ).
• Shone, Richard. The Art of Bloomsbury : Roger Fry, Vanessa Bell and Duncan Grant : [catalogue of the exhibition, London, 4 November, 1999 — 30 January, 2000] / Richard Shone ; with essays by James Beechey and Richard Morphet. — London : Tate Gallery Publishing, 1999. — 296 p. : ill. , col.ill., portr. (фонд РГБИ).
• Spalding, Frances. Roger Fry, art and life / Frances Spalding. — Berkeley : University of California Press, 1980. — XVI, 304 p. – То же.- URL: https://archive.org/details/rogerfryartlife0000spal [регистрация https://archive.org/account/signup] (дата обращения 21.04.2021). (есть также в фонде ВГБИЛ)
• Wilcox, Denys J. The London group, 1913 — 1939 : the artists and their works / Denys J. Wilcox. — [Repr. ed.]. — Aldershot : Scolar Press ; Brookfield : Ashgate, 1997. – 256 p. (фонд РГБИ).

Журнальные публикации:

• Балашова, Лада Сергеевна. В.В. Кандинский и английская художественная жизнь 1900 – 1910-х годов. Малоизвестные страницы творческой биографии мастера / Лада Балашова // Aesthetica Universalis. — 2018. — № 3 (3). — С. 121-141. — Библиогр.: с. 138-141. (фонд РГБИ).
  Знакомство английской художественной среды с картинами и идеями В. Кандинского в контексте увлечения английскими художниками проблемами, поднимаемыми Кандинским в книге «О духовном в искусстве». Роль коллекционеров М. Садлера, искусствоведов М. Садлейра, Р. Фрая, Ф. Раттера в пропаганде идей и творчества В.Кандинского.
• Гордон, Елена. Несостоявшийся модернизм : художники группы Блумсбери и мастерская Омега. 1910-1920 / Елена Гордон // Пинакотека. - 2004. — № 18/19. — С. 126-131 : 4 цв. ил., 2 ил. (фонд РГБИ).
• Дуглас, Шарлотта. Беспредметность и декоративность / Шарлотта Дуглас // Вопросы искусствознания. — 1993. — № 2/3. — С. 96-106. (фонд РГБИ).
  О влиянии увлечения художников 2-й половины 19 — начала 20 вв. дизайном тканей и декоративно-прикладным искусством на появление абстрактной живописи, связи абстрактного орнамента и абстрактной живописи. Об обращении профессиональных художников к дизайну тканей в середине 19 в. (У. Моррис и др.) и другим сферам декоративно-прикладного искусства с целью обновления художественного языка. О работах критика З. Венгеровой о декоративности этого периода. О влиянии дискуссий, связанных с новаторством в прикладном искусстве, на теорию живописи конца 19 — начала 20 вв. О соединении принципов теософии и принципов декоративности в работах Х. Арпа, С. Делоне и др. О появлении беспредметной живописи художников группы Блумсбери в результате их работы над дизайном тканей.О создании участниками «Блумсбери» критиком Р. Фраем и художниками В. Белл и Д. Грантом мастерской «Омега» для дизайна и производства вышивок.
• Дуглас, Шарлотта. Декоративность и модернизм: становление эстетики абстракционизма / Шарлотта Дуглас ; пер. с англ Д. Федосова // Вопросы искусствознания. — 1997. — № 2 (11). — С. 142-150. (фонд РГБИ).
  О появлении беспредметной живописи в начале 20 в. одновременно в разных странах. О предшествовавших этому концепциях дизайна и декоративного искусства, декларировавших отказ от повествовательности и обосновывавших реакцию зрителя на цвет, форму и т.п. О эстетической концепции Ш. Блана «Грамматика искусства дизайна» (1860-е гг.) и ее влиянии на творчество М. Дени. Об описании языка дизайна Д. Россом (Бостон). Об эстетической теории Р. Фрая, члена группы Блумсбери, отраженной в «Эссе об эстетике» (1912), развивающей идеи Д. Росса. О связях Р. Фрая с русскими художниками и их знакомстве с его теорией, в том числе об организации Р. Фраем 2-й выставки постимпрессионизма в Лондоне (1912), его отношениях с художниками Б.Анрепом, С.Котелянским, а также В. Кандинским. О связи многих представителей раннего абстрактного искусства с декоративным искусством.
• Котломанов, Александр Олегович. Гуманист? Модернист? Виталист? К вопросу о роли Генри Мура в истории современной скульптуры : часть II : «Величайший эклектик среди современных скульпторов» / А.О. Котломанов // Вестник Санкт-Петербургского университета. Серия 15, Искусствоведение. — 2012. — Вып. 4. — С. 187-197. — (Изобразительное искусство: наследие и современность). — Продолж. Начало: 2012, вып. 3. — Библиогр.: 19 назв. (фонд РГБИ).
  Рассматриваются идеи и концепции, оказавшие влияние на формирование взглядов скульптора Г. Мура: труды Р. Фрая и Г. Рида, абстрактное искусство, сюрреализм. Также о связи Г. Мура с модернистским движением, его роли в истории скульптуры 20 в.
• Рыков, Анатолий Владимирович. К вопросу о становлении модернистской парадигмы в искусстве XIX в. / А.В. Рыков // Вестник Санкт-Петербургского университета. Сер. 2. Вып. 3. – С. 123-132. – То же. – URL: https://cyberleninka.ru/article/n/k-voprosu-o-stanovlenii-modernistskoy-paradigmy-v-iskusstve-hih-v (дата обращения 21.04.2021).

Список составила: Галина Михайловна Чижова, главный библиограф Отдела научной информации РГБИ.
Ответ подготовлен 21.04.2021

Magisteria

MagisteriaАCreated using FigmaVectorCreated using FigmaПеремоткаCreated using FigmaКнигиCreated using FigmaСCreated using FigmaComponent 3Created using FigmaOkCreated using FigmaOkCreated using FigmaOkЗакрытьCreated using FigmaЗакрытьCreated using FigmaGroupCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using Figma��� �������Created using FigmaEye 2Created using FigmafacebookCreated using FigmaVectorCreated using FigmaRectangleCreated using FigmafacebookCreated using FigmaGroupCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaНа полный экранCreated using FigmagoogleCreated using FigmaИCreated using FigmaИдеяCreated using FigmaVectorCreated using FigmaСтрелкаCreated using FigmaGroupCreated using FigmaLoginCreated using Figmalogo_blackCreated using FigmaLogoutCreated using FigmaMail. ruCreated using FigmaМаркер юнитаCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaРазвернуть лекциюCreated using FigmaГромкость (выкл)Created using FigmaСтрелкаCreated using FigmaodnoklassnikiCreated using FigmaÐCreated using FigmaПаузаCreated using FigmaПаузаCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaПлейCreated using FigmaДоп эпизодыCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaСвернуть экранCreated using FigmaComponentCreated using FigmaСтрелкаCreated using FigmaШэрингCreated using FigmaГромкостьCreated using FigmaСкорость проигрыванияCreated using FigmatelegramCreated using FigmatwitterCreated using FigmaCreated using FigmaИCreated using FigmavkCreated using FigmavkCreated using FigmaЯCreated using FigmaЯндексCreated using FigmayoutubeCreated using FigmaXCreated using Figma

Классический модернизм.

Живопись Латвии в начале ХХ века

Название Латвия населенные латышами земли получили в конце XIX века, когда были разделены по трем губерниям царской России. Oдной из них была Витебская, в которую вошла часть Латгалии, где в Клястицах с 1887 по 1890 годы, в молодости, жил наш самый известный пейзажист Вильхелмс Пурвитис,2 будущий основатель Латвийской Академии художеств. До второй половины XIX века латышская культура была представлена этнографией и фольклором, а профессиональное искусство было уделом немецких, итальянских и голландских художников. Конец XIX века стал периодом стремительного роста национального самосознания и появления латышской интеллигенции. Дети крестьян стремились в Петербург, чтобы получить образование в Императорской Академии художеств. Вильхелмс Пурвитис принадлежал к первому поколению патриотически настроенных выпускников Академии, которые вернулись на родину и сумели своим искусством привлечь внимание как соотечественников, так и местного немецкого общества.

До Первой мировой войны латышская живопись развивается в рамках реализма, символизма, импрессионизма и стиля модерн. В 1909 и 1910 годах в Риге впервые было показано современное французское искусство, а также выставка петербургской группы «Союз молодежи», организованная латышским художником Валдемаром Матвеем, писавшим теоретические труды под псевдонимом Владимир Марков. В 1914 году именно на его мемориальной выставке в Риге молодой художник Язепс Гросвалдс, который обучался в парижских частных академиях, встретил рижских сверстников, учеников Рижской городской художественной школы Конрада Убана, Валдемара Тоне, Александра Древиня и Карлиса Йохансона. Гросвалдс, мечтавший создать колонию художников по западноевропейскому образу, зимой 1915 года на собраниях домашнего кружка «Зеленый цветок» дискутировал с друзьями о современном творчестве и будущем латышского искусства. Это время и эти споры и мечты, собственно, и стали началом нашего классического модернизма. Термин, позаимствованный от немецкого die Klassische Moderne, сейчас прочно вошел в нашу историю искусств. Лет 15 назад шведский искусствовед Фолке Лаландер посоветовал нам употреблять это слово вместо «авангарда», так как, по его мнению, искания латышских художников не достигают уровня западноевропейского или русского новаторства.

Творческие устремления молодых художников прервала Первая мировая война, принесшая народу тяжелые испытания. Когда в 1915 году территорию Латвии начали оккупировать немецкие войска, сотни тысяч беженцев рассеялись по всей России, а для защиты родины на Рижском фронте формировались полки латышских стрелков. Но и в этих условиях творческая деятельность не прекращалась, так как именно в это сложное время молодые художники увлеклись современной французской живописью. Убанс, Тоне, Йохансонс и также Екабс Казакс и Роман Сута продолжали учебу в Пензенском городском художественном училище. Несколько раз они посетили Москву, где их особенно увлекала галерея Сергея Щукина. Там юношей буквально потрясла смелая живопись Пабло Пикассо и Андре Дерена, известная им только по увлеченным рассказам Гросвалда. Сам он стал стрелковым офицером, и в марте 1916 года попал в родной город Марка Шагала, о чем рассказывал в письме другу Конраду Убану: «Я приехал в этот приятный город, чтобы переждать, пока меня зачислят в батальоны. И не думал, что этот еврейский городок будет таким чудесным. Он небольшой и не особенно чистый, но в живописном смысле напоминает почти Толедо. Глубоко внизу течет быстрая, коричневато-желтая Даугава, и на высоких берегах поднимаются маленькие, пестрые домики и очень миловидные барокальные церкви — типичные белые католические костелы с ядовито-зелеными куполами и довольно приятно наивно раскрашенными фасадами. Но что здесь особенно замечательно — вывески и надписи всех цветов и величин. Красивые двери табачной лавки с турецкими султанами и с мечтательными красавицами гарема, с парижскими модницами в туалетах 1890 года и розовыми щечками, не говоря уже о неописуемых усатых господах-парикмахерах и сахарных головах магазина колониальных товаров. Жители, как известно, почти все — от великого народа Иерусалима. Кое-где видны австрийские пленные, которые здесь довольно свободно гуляют в своих серых опереточных униформах. Жаль, что не могу добраться до рисования — в конце концов, в мирное время не надо будет ехать в Испанию — здесь, в России, столько превосходных мест. Если бы я Витебск знал раньше — я бы давно приехал сюда порисовать».3 В 1917 году к стрелкам присоединились также Убанс и Тоне, а Лудолфс Либертс, братья Ото и Уга Скулме воевали на фронтах Закавказья и Галиции. Жизнь не щадила молодых художников, но переживания придали сил их новаторскому творчеству.

В 1918 году Латвия стала независимым государством, и, несмотря на послевоенную разруху и тяжелое экономическое положение, в 1919 году в молодой стране была основана Латвийская Академия художеств, а в 1920-м — Государственный художественный музей Латвии, хотя с 1905 года уже существовал Рижский городской художественный музей. Сами художники, по образцу их собратьев в Германии и России, объединялись в разные группы. Самой прогрессивной стала Рижская группа художников, увлеченных исканиями синтеза формы. Сначала радикально настроенная молодежь — Гедертс Элиас, Екабс Казакс, Ото Скулме, Роман Сута, Никлавс Струнке, Валдемарс Тоне, Конрадс Убанс — называла себя экспрессионистами, но так как у них из-за недостатка информации не было ясного представления об этом направлении в немецком искусстве, то в 1920 году они переименовались в Рижскую группу художников.

Мощным стимулом в становлении латышского классического модернизма стала яркая личность Язепа Гросвалда,4 хотя в его почерке трудно выделить типичные приметы конкретных направлений. В ранних женских портретах он проявился как эстет, впитавший космополитический дух Ecole de Paris.5 Став офицером 6 Тукумского полка, Гросвалдс первым начал отображать драматизм судеб стрелков и беженцев. Его привлекала не документальность происходящего, а трагические переживания народа, выраженные в обобщенных образах. В искусстве Западной Европы военные события не получили столь эпического отображения, и Гросвалдс сам нашел тому подходящее объяснение. По его мнению, одной войной меньше или больше — ничто уже не может повлиять на столетние, давным-давно утвердившиеся основы традиций.

В Пензе, несмотря на суровые жизненные условия — голод и холод, развернулся талант Екаба Казака.6 Его творчество является самым оригинальным и ярким явлением в живописи латышского классического модернизма. Он прожил всего 25 лет, но за пять лет творчества успел создать поразительно много. На сюжеты его картин повлияло творчество Гросвалда, а на манеру — Aндре Дерен. В 1917 году Казакc написал монументальную композицию «Беженцы» (НХМЛ)7, которую характеризует невиданная для латышской живописи стилизация форм. Kaзакс обладал завидным свойством быстро схватывать новые впечатления, творчески перерабатывать их, подчиняя своему пониманию и выражая это с «синтезирующей простотой» — в ясной, лаконичной и цельной форме. Изображение одной крестьянской семьи он сделал символом судьбы своего народа. Работа «Дамы на взморье» (НХМЛ) создана в 1920 году, когда жизнь художника более или менее упорядочилась. О переменах настроения свидетельствует яркий, жизнерадостный колорит и иронический взгляд на женственность моделей.

Первая выставка Рижской группы художников открылась в марте 1920 года. В каталоге подчеркивалось, что последние годы потребовали от художников большой выдержки и сил, чтобы бороться с бедностью и равнодушием окружения. Они уверенно заявили о своем убеждении: «Мы хотим в своих работах показывать не объективную натуру, а свою индивидуальную натуру, свою духовную сущность».8 Выставка ознаменовала радикальный поворот в поисках средств выражения, но синтез формы, деформация колорита и природы, отказ от перспективы были приемлемы не для всех. Осенью 1920 года в Риге открылась выставка никому неизвестного художника Рейнхолда Каспарсона с профессионально слабыми подражаниями модернизму. Оказалось, что за этим скрывалась продуманная атака на молодых, которую вели два консервативных художника старшего поколения — Янис Робертс Тилбергс и Рихардс Зариньш. Они устроили специальное собрание с целью на глазах общества поиздеваться над «экспрессионистами» и признались, что выставку Каспарсона сделали вместе со своими учениками. Тилбергс в связи с этим вспоминал время, когда работал преподавателем в Витебском художественном училище и пытался углубиться в то «полоумие», которому, по его мнению, учил Марк Шагал. Оказалось, что и в Риге «тоже все инфицированы той же русской болезнью».9 Рижская группа сильно переживала скандал, а у Казака в результате стресса прогрессировал туберкулез, и через месяц его не стало. Последней работой Казака был государственный заказ на картину «Война» (1920), темой которой были бои за свободу и независимость. В 1951 году чиновники Министерства культуры и директора Рижских музеев из-за красно-бело-красного национального флага признали, что эта работа не профессиональна и картина подлежит уничтожению.10 К счастью, в музее города Тукумс сохранился эскиз картины, написанный гуашью.

Главную роль в творчестве Рижской группы художников сыграл кубизм. Английский искусствовед Кристофер Грин в монографии «Cubism and its Enemies: Modern Movements and Reaction in French Art: 1916-1928»11 анализирует период с 1916 — го по 1928 годы — именно тот, что повлиял на латышский кубизм. По мнению Грина, обычно думают, что кубизм с 1918 по 1925 годы является остатком довоенного стиля, но многие считали его все еще ведущей манифестацией Парижского авангарда. В 1925 году, когда латышские живописцы Роман Сута, Александра Бельцова и Эрастс Швейцс с кубистическими картинами участвовали в первой выставке беспредметного искусства «L’Art d’Aujourd’hui»12 в Париже, они еще успели прыгнуть в уходящий поезд. Идеи кубизма распространились в латышской живописи достаточно поздно, около 1918 года, и поэтому направление стало довольно кратковременным явлением с узким кругом сторонников. Но именно кубизм сыграл важную творческую роль в истории нашего искусства. Кубизм, созданный традициями латинской культуры, оказался несравненно ближе восприятию латышей, чем немецкий экспрессионизм.

Первую кубистическую работу на выставке в Риге — «Портрет Карлиса Страуберга» (частная коллекция, Рига), основателя Военного музея — показал Ото Скулме.13 По мнению современников, Страуберга даже можно было узнать. Пейзаж в «Композиции» (1920, НХМЛ) Скулме характеризует латышский вариант кубизма с синтезом главных принципов направления. Валдемарс Тоне14 был интеллектуальным живописцем и в 1919-1920 годах сознательно занялся кубизмом, чтобы использовать находки французов для развития латышского искусства. Для его ранних работ характерны угловатые контуры и некоторая статичность. Со временем усилились живописная экспрессия и выразительная красочность. В композиции «Вечером» (1920, НХМЛ) эмоциональное напряжение создает красная киноварь, а в «Эскизе портрета» (1920, НХМЛ) использованы сравнительно трудно сочетаемые соотношения синего и зеленого.

Янис Лиепиньш15 любил писать завсегдатаев и музыкантов окраинных кабачков в упрощенных, лаконичных формах. Образ трактирного скрипача вообще стал излюбленным в работах латышских живописцев 1920-х годов. Роман Сута16 был одним из самых активных сторонников модернизма. Для его натюрмортов характерны такие признаки кубизма, как текстура дерева и имитация коллажа обоев. В начале 1920-х годов его почерк становится более живописным. Можно подумать, что Сута расчетливо принял кубизм как новаторское явление, но интуитивно старался переступить через строгие рамки геометризации.

Своеобразный вариант кубизма можно наблюдать в творчестве Лудолфа Либерта,17 единственного кубиста вне Рижской группы. В 1921 году, после возвращения из немецкого плена он активно писал пейзажи и портреты то экспрессивные, то конструктивные. Его колорит перекликается с принципами русского кубофутуризма, с которым он познакомился, учась в художественных школах Москвы и Казани. От нашего традиционно умеренного колорита сильно отличаются яркие соотношения фиолетового и розового против холодного зеленого. Сута оценивал Либерта довольно критично: «Поверхностный, без внутренней мотивации, активно мужественный и манерно стилизующий по универсальному трафарету. Лучший способ, как выглядеть «модно». И кто же сегодня хотел бы выглядеть иначе!».18

Никлава Струнке19 характеризуют плоские, выразительные силуэты, как в «Автопортрете с куклой» (1921, НХМЛ). С максимализмом молодости он воинственно считал, что «искусство — самая революционная революция, свободнейшая свобода. Традиция — самый страшный враг для художника. У традиции такие же функции по отношению к искусству, как у бывшей жандармерии к революционерам».20 Правда, через несколько лет он станет сторонником итальянского проторенессанса.

В январе 1921 года Латвийская Республика была признана de jure, и у художников наконец появилась возможность податься в Париж и Берлин, где они смотрели выставки, галереи, учились в частных художественных школах, например, в академии Colarossi, а также завязывали связи с художниками и участвовали в выставках. Две статьи Романа Суты были опубликованы в журнале пуристов «L’Esprit Nouveau»,21 а в 1923 году в Германии вышла его книга «60 лет латышского искусства».22 В редакции «L’Esprit Nouveau» латыши лично познакомились с Шарлем Эдуаром Жаннере (Ле Корбюзье), Aмеде Озанфаном и Жаком Липшицем. Но самой важной личностью для них стал Пабло Пикассо. По мнению Уга Скулме, «сейчас никто не умеет конструировать картину так, как Пикассо. Художник своей живописью переубеждает так, что мы верим ему больше, чем материальности природы».23 До Парижа в нашей живописи можно было найти разные проявления кубизма, но после прямого знакомства эталоном стала синтетическая стадия кубизма. В натюрмортах 1923 года Романа Суты предметы более или менее конкретны, а фон построен из абстрактных плоскостей и доминирует пуристический порядок. Но если пуристы Жаннере и Озанфан работали с пластичными формами, то Сута — с угловатыми. В «Натюрморте с треугольником» (1924, НХМЛ) пространство стало более объемным, использована перспектива в фоне и в ящике стола. Похожий стол получил название столика Рижской группы художников, так как находился во всех мастерских членов группы и служил для постановок натюрмортов. В 1927 году Сута под влиянием французского живописца Луи Маркусси, выставку которого он видел в Берлине, занялся росписью по стеклу.

Живопись Яниса Лиепиньша стала еще более упрощенной и лаконичной, в ней чувствуется даже осознанный примитивизм. «Натюрморт с трубкой» (1927, НХМЛ) характерен для синтетической стадии испанского кубиста Хуана Гриса, влияние которого появилось в почерке Лиепиньша после путешествия в Париж.

Ото Скулме в 1923 году на короткое время вернулся к кубизму, но в «Портретной композиции» (1923, частная коллекция, Рига) с женой Мартой Скулме, первым латышским скульптором-женщиной, сидящей в парижском кафе, уже появляются объемность и светотени. Только фон и геометрическая декорация пола напоминают о кубизме. Александра Бельцова,24 единственная женщина-живописец среди модернистов, создавала свои кубистические композиции весьма убедительно, а в картине «Сукуб»25 (1922, НХМЛ) приближается даже к беспредметности.

Цельность почерка Никлава Струнке по сравнению с другими соотечественниками характеризует тектоническая стабильность и точное строение. В 1923 году Струнке жил в Берлине, а дальнейший путь увел его не в Париж, как остальных, а по приглашению галериста футуристов Руджьеро Вазари в Италию. В пейзажах Капри и Сорренто четко выражена архитектоника построения. По мнению Струнке, маленькие итальянские города являются мечтой кубиста. Оригинальная композиция «Человек, который входит в комнату» (1927, НХМЛ) изображает фигуру входящего и одновременно пустое помещение с одинокой лампочкой. Чувствуется влияние актуального для итальянской живописи метафизического направления, ориентированного на мир подсознания. Информируя в отечественной прессе об итальянском художественном журнале «NOI», Струнке упомянул как самого серьезного из молодых — Иво Паннаджи, который писал конструктивно футуристические картины. В 1924 году он написал кубистический портрет друга (НХМЛ). 1923 году ведущей в творчестве Уга Скулме26 стала синтетическая стадия кубизма. Но в Париже художник увидел и другого Пикассо, который писал сильно деформированные крупные женские фигуры. Скулме оригинально объединил два противоположных направления — еще не полностью освоенный кубизм и интригующий неоклассицизм Пикассо.

Для латышского кубизма в общей сложности характерно стилистическое многообразие. Хронологически запоздалая, по-крестьянски неотесанная и витальная живопись является проявлением способностей нашего народа, нашим локальным вариантом кубизма.

С Рижской группой связано громкое имя экспрессионизма, но вопрос о реальных явлениях вызывает дискуссии, так как латышским художникам негде было увидеть подлинные примеры немецкого направления. В Риге в начале ХХ столетия работали многие художники — прибалтийские немцы, но никто из них не увлекся новаторскими идеями своей этнической родины. В Западной Европе нередко термином экспрессионизм обозначали также и другие направления авангарда, отчасти поэтому отношение к терминологии наших художников было некритическим, а членов Рижской группы по инерции называли экспрессионистами даже в конце 1920-х годов. Единственным экспрессионистом можно считать Яниса Валтера,27 современника Пурвитиса, который с 1906 года жил в Германии.

В творчестве Гедерта Элиаса28 неоспоримо влияние фовизма, который он видел в Западной Европе и в Щукинской галерее. Так красочно, как Элиас, до 1920 года не писал никто из латышей. Именно он повлиял на последние полотна Казака с дамами на взморье. Рижская группа в России познакомилась также и с футуризмом, но особенного интереса к этому направлению никто не проявил, а сами художники считали, что этому препятствовали крестьянский дух народа и слабо развитая городская жизнь. Конрадс Убанс29 и ученик Ильи Машкова Лео Свемпс30 представляли более умеренное крыло Рижской группы. Они никак не смогли принять геометризацию кубизма и оперировали более живописными средствами выражения.

В середине 1920-х годов обозначилась тенденция к классицизирующему реализму, в Германии известному под названием Neue Sachlichkeit Новая вещественность . Новые веяния были замечены в Германии по дороге в Париж, но название в латышской прессе употреблялось редко в связи с послевоенным негативным отношением ко всему немецкому. Иногда трудно отличить, является ли данная работа образцом новой вещественности или современной разновидностью реализма. Так, «Натюрморт с манекеном» (1923, НХМЛ) Карлиса Миесниека,31 скорее всего, определим как реализм. Рисунок Марка Шагала «Голова еврея» (1914, ГТГ), который использован в фоне, был хорошо знаком и другим латышским художникам.

Самыми характерными представителями Новой вещественности стали бывшие кубисты Александра Бельцова и Уга Скулме. Александра Бельцова в картинах «Белая и черная» (1925, НХМЛ) и «Теннисистка» (1927, НХМЛ) показывает современный образ эмансипированной женщины 20-х годов. Зато «Автопортрет» (1926, НХМЛ) бывшего кубиста Уга Скулме отличается мужественным размахом. О его женском «Акте» (НХМЛ), созданном в 1928 году, критика писала, что он является результатом самой страстной влюбленности и упорной работы. Кстати, в 1918 году Скулме учился в Государственных свободных художественных мастерских у Kузьмы Петрова-Водкина, который в 1924 году посетил его в Риге по дороге в Париж. Некоторые считают, что Новая вещественность — не такое уж авангардное явление и его нельзя включать в рамки классического модернизма, но я придерживаюсь мнения немецких искусствоведов.

В латышской живописи конца 1920-х годов новаторские тенденции постепенно уступили место более реалистическому, но все равно достаточно творческому способу выражения. А сами художники, бывшие модернисты, в нашей истории искусства стали первыми, самыми яркими представителями творческого пыла и смелого новаторства.

Все отзывы о выставке «От Моне до Малевича. Великие модернисты» – Афиша-Выставки

На днях, в очередной раз побывала на любимой выставке «Великие модернисты: от Моне до Малевича» ждала ее, ибо еще в прошлом году эти прекрасные инсталляции запали мне в душу, и поэтому в этом я не переминула воспользоваться возможностью еще раз получить сей визуальный оргазм.

Выставка посвящена 100-летию со дня смерти Эдгара Дега и включает в себя работы шестнадцати самых значимых представителей эпохи модернизма – Пита Мондриана, Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера Огюста Ренуара, Поля Гогена, Поля Клее, Анри Руссо, Анри Тулуз-Лотрека, Густава Климта, Поля Синьяка, Амедео Модильяни, Винсента Ван Гога, Хуана Гриса, Франца Марка, Василия Кандинского и Казимира Малевича. Работы привезены на выставку более, чем из 20 музеев мира.

Размах впечатляет, благодаря цифровому «оживлению» картин очень хорошо прослеживается изменение живописи от светлых романтических пейзажей до ломаных и путаных абстрактных форм.

Поль Клее: «Чем ужасней мир, тем более абстрактно искусство»…

Мне очень понравилось, что также во время просмотра инсталляций можно было почитать про судьбы художников, у многих очень печальные. Например, Модильяни умер в 35 лет от туберкулеза, а на следующий день его беременная вторым ребенком жена, не выдержав горя, бросилась из окна и тоже погибла. У Тулуз-Лотрека из-за серьезного заболевания были очень короткие ноги (полметра всего), он из-за этого запил и «опустился», умер в 36 лет от сифилиса. Еще некоторые умерли молодыми и в нищете, несмотря на популярность среди современников.

Амадео Модильяни: «Когда я раскрою твою душу, я смогу нарисовать твои глаза»

Искусство неоспоримо прекрасно. При этом модернизм и авангард мне гораздо ближе классической живописи. Мне нравится разглядывать формы, додумывать в них образы и рассматривать каждый кусочек работы. Например, на мою любимую картину Кандинского я могу смотреть бесконечно долго. Также, как и вглядываться в квадрат Малевича… Когда искусство заканчивается, наступает Черный квадрат…

Каземир Малевич: «Квадрат — зародыш всех возможностей.»

Смотреть инсталляции модернистов хочется снова и снова, впитывать, представлять, особенно в абстрактных формах ВИДЕТЬ мысли и чувства художников и что-то свое сокровенное… И если выставку привезут через год — я снова на нее пойду, и, надеюсь, что снова в Артплей, который сам по себе достоин отдельного визита даже безотносительно выставок и мероприятий.

величайших современных картин: XIX век

Д

Оноре Домье (1808-79)
График, живописец, гравер, известный также как карикатурист. художественные и политические карикатуры.
• Вагон третьего класса (1863-4) Метрополитен-музей, Нью-Йорк Йорк.
• Прачка (1864) Лувр, Париж.
• Дон Кихот (1868) Новая пинакотека, Мюнхен.

Эдгар Дега (1834-1917)
Один из лучших жанровых художников 19 век; особенно известен своими балетными сценами.
• Семья Беллелли (1858-67)
• Раса Лошади перед трибунами (1866-8)
• Балет Класс (1871-4) Музей д’Орсе, Париж.
• Абсент (1876) Музей Орсе, Париж.
• Портреты на Бирже (1878-1879) Музее д’Орсе, Париж.
• Женское глажение (1884)
• Женщина, расчесывающая Ее волосы (1887-90)
• Голубые танцовщицы (1899) пастель рисунок на бумаге, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва.

Эжен Делакруа (1798-63)
Живописец, рисовальщик, лидер направления романтизма.См.: французский Картина.
• Смерть Сарданапал (1827 г.) Лувр, Париж.
• Свобода Ведущий народ (1830) Лувр, Париж.
• Алжирские женщины в своей квартире (1834 г. ) Лувр, Париж.

Vittore Grubicy De Dragon (1851-1920)
Ведущий автор итальянского Дивизионизм, известный своей пейзажной живописью.
• Море тумана (Mare di nebbia) (1885) Частная коллекция.

Наверх

E-F

Томас Икинс (1844-1916)
Величайший американский художник 19 века, наиболее известный своим портретом искусство светских деятелей.
• Макс Шмитт в одном черепе (1871) Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
• Клиника Гросса (1875 г.) Университет Пенсильвании.

Джеймс Энсор (1860-1949)
Бельгийский художник, ведущий деятель символизма движение.
• Вход Христа в Брюссель (1888 г.) Музей Гетти, Лос-Анджелес.

Мариано Фортуни и Карбо (1838-74)
Величайший каталонский художник 19 века, работавший в основном в Италии.
• La Vicaria (Испанская свадьба) (1870) Музей современного искусства, Барселона.

Каспар Давид Фридрих (1774-1840)
Лидер немецкого романтизма; известен своим изображением человека в природе.
• Зимний пейзаж (1811) Национальная галерея, Лондон.
• Странник над морем тумана (1818) Кунстхалле, Гамбург.
• Меловые скалы на Рюгене (1818 г.) Музей Оскара Рейнхарта, Швейцария.
• Ледяное море (1823–1824 гг.) Кунстхалле Гамбург.
• Мужчина и женщина, смотрящие на луну (1830-5) Национальная галерея, Берлин.

Уильям Фрит (1819-1909)
Чрезвычайно популярный викторианский живописец; фаворит королевы Виктории.
• День Дерби (1858 г.) Коллекция Тейт.
• Железнодорожный вокзал (1862 г.) Королевский колледж Холлоуэя, Университет Лондон.

Г

Поль Гоген (1848-1903)
Постимпрессионист, известный своим синтетизмом и яркий цвет его таитянского картины.
• Видение после проповеди, (1888) Национальная галерея Шотландии.
• Задумчивая женщина (1891) Художественный музей Вустера, Массачусетс.
• Откуда мы пришли, кто мы? Куда мы идем? (1897) МИД, Бостон.
• Nevermore (1897) Галереи Института Курто, Лондон.
• Девушка с веером (1902) Музей народного творчества, Эссен.
См. также: История экспрессионистской живописи (1880-1930)

Теодор Жерико (1791-1824)
Французский художник, литограф, один из первых представителей французского романтизма. Также известен своим 19 веком портретные картины предметов французского приюта.
• Плот Медузы (1819) Лувр, Париж.
• Портрет клептомана (1820) Музей изящных искусств, Гент.

Жан-Леон Жером (1824-1904)
Популярный французский академический художник, известный своим востоковедением. живопись и народнические картины.
• Молитва в мечети (1871 г.) Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
• Pollice Verso (1872 г.) Художественный музей Феникса.
• L’Eminence Grise (1873 г. ) Музей изящных искусств, Бостон.

Винсент Ван Гог (1853-1890)
Голландский гений, известный своими биографическими экспрессионистскими картинами и собой портреты.
• Подсолнухи (1888 г.) Национальная галерея, Лондон.
• Ночная терраса кафе, Арль (1888 г.) Художественная галерея Йельского университета.
• Звездная ночь (1889) Музей современного искусства, Нью-Йорк.
• Пшеничное поле с воронами (1890) Музей Ван Гога, Амстердам.
См. также: Величайший Картины экспрессионистов (с 1880 г.).

Франсиско Гойя (1746-1828)
Очень оригинальный и влиятельный испанский художник и гравер.
• Серия «Капризы» (офорты, 1799)
• Обнаженная Маха (Maja des Nuda) (1800) холст, масло, Музей Прадо, Мадрид.
• Портрет Карла IV и его семьи (1800) Прадо.
• Колосс (1810) холст, масло, Прадо.
• Серия «Бедствия войны» (акватинты, 1812-15)
• Третья часть Май 1808 (1814) холст, масло, Прадо.
• Серия «Черные картины» (14 росписей, 1820-23)
• Сатурн Пожирающий своего сына (1823) холст, масло, Прадо.

Антуан-Жан Гро (1771-1835)
Французский художник-романтик неоклассицизма.
• Бонапарт в гостях у больных чумой в Яффо (1804) Лувр, Париж.

Джеймс Гатри (1859-1930)
шотландский художник-натуралист, член Глазго Школа живописи.
• Дочь лани (1883) Национальная галерея Шотландии.

Наверх

Н

Вильгельм Хаммерсхой (1864-1916)
Датский художник-постимпрессионист, известный своими тихими интерьерами в приглушенных тонах. цвета.
• Интерьер с девушкой за клавиром (1901) Частная коллекция.

Генрих Хансен (1821-90)
Художник-романтик Золотого века Дании.
• Интерьер дворца Русенборг (1870-80-е гг.) Частная коллекция.

Чайлд Хассам (1859-1935)
Один из первых импрессионистов художников в Америке.
• Церковная процессия, Испанская лестница (1883 г.) Частная коллекция.
• Бостон Коммон в сумерках (1886 г.) Музей изящных искусств, Бостон.
• Парижская уличная сцена (1887) Частная коллекция.
• Пятая авеню зимой (1901) Музей искусств Карнеги.
• День союзников, май 1917 г. (1917 г.) Национальная художественная галерея, Вашингтон ОКРУГ КОЛУМБИЯ.

Натаниэль Хилл (1861-1934)
Ирландский художник, наиболее известный своими пейзажами и пейзажами.
• Саншайн, Бретань (1884 г.) Частная коллекция.

Утагава Хиросигэ (1797-1858)
Один из лучших художников-пейзажистов Японии 19 века.
• Ходогая: 4-я станция из 53 станций (серия Токайдо) (1834 г.) Токийский национальный музей.

Хокусай (1760-1849)
Возможно, величайшее японское укиё-э художник и гравер
• Большая волна у побережья Канагавы (1830-2) Митрополит Художественный музей, Нью-Йорк.

Уинслоу Гомер (1836-1910)
Американский художник, известный своими реалистическими жанровыми работами и морскими картинами.
• Щелкни кнутом (1872 г.) Батлеровский институт американского искусства, Огайо.
• Гольфстрим (1899 г.) Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Уильям Холман Хант (1827-1910)
Основатель прерафаэлитов Братство.
• Пробуждение совести (1853) Галерея Тейт, Лондон.

И-Ж

Peter Vilhelm Ilsted (1861-1933)
Датский художник, известный своими спокойными интерьерами; под влиянием голландских реалистов.
• Интерьер (1896 г.) Музей Орсе.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867)
Влиятельный художник-классик, известный своей изысканной академической живописью.
• Вальпинсон Купальщица (1808 г.) Лувр.
• Великая Одалиска (1814) Лувр.
• Портрет мсье Бертена (1832 г.) Лувр.
• Портрет Мадам Муатессье (1844-65) Национальная галерея, Лондон.
• Турецкая баня (1863 г.) Лувр.

Джордж Иннесс (1825-1894)
Американский художник-тоналист, ведущий представитель люминизма, известен своим обращением с уличным светом.
• Осеннее золото (1890 г.) Уодсворт Атенеум, Хартфорд, Коннектикут.
• В сумерках (1893) Частная коллекция.

К

Макс Клингер (1857-1920)
Немецкий художник-реалист, связанный с движением символизма.
• Смерть Цезаря (ок. 1890 г.) Музей изящных искусств, Лейпциг.

Фернан Кнопф (1858-1921)
Бельгийский художник-символист, художник-романтик-идеалист.
• Я запираю дверь за собой (1891) Новая пинакотека, Мюнхен.

Иван Крамской (1837-1887)
Русский живописец и искусствовед, известный своими живописи жизни, а также его портретной живописи.
• Портрет молодой женщины (1882) Третьяковская галерея, Москва.
• Букет цветов (1884) Третьяковская галерея, Москва.

П.С. Kroyer (1851-1900)
Норвежский художник, увлеченный эффектами света; лидер Скагенского художника группа.
• Летний вечер на Южном пляже (1893 г.) Музей Скагенса, Скаген.

Наверх

Модернизм в искусстве XIX и XX веков

Современный мир 19 и 20 века заставил общество увидеть мир в новом свете.Под влиянием индустриализации и машиностроения новые миры были колонизированы, а рабочий класс эксплуатировался капитализмом в качестве рабочей силы. Это меняющееся общество породило новую форму искусства, известную как модернизм. Модернизм вывел искусство на новый уровень, поскольку он использовал цвет по-разному. Модернист использовал формы и цветовые контрасты для художественного выражения. «Таким образом, модернизм подразумевает определенные заботы об искусстве и эстетике, которые являются внутренними для художественного производства, независимо от того, создает ли художник сцены из современной социальной жизни» (Кляйнер 654). Изучая современное искусство от начала до конца, можно понять его значение для истории и развивающегося индустриального мира.

Модернизм представляет собой важный период в истории искусства. Это связано с политическими и историческими событиями той эпохи. Что наиболее важно, он преобразовал искусство, перенаправив смысл искусства на само искусство. Он развивался в конце 19 ^-х века, 1870 года в Европе. Это было новое художественное выражение, порожденное новой эпохой. В это время в Европе происходила промышленная революция.Они жили в капиталистическом обществе, где индустриализация привела к росту экономики. Города становились все более городскими. Это стало влиять на искусство, его образы и формы. Кляйнер лучше всего объясняет это, когда заявляет: «модернизм использовал искусство, чтобы привлечь внимание к искусству» (654). В модернистских картинах искусство выражается в подчеркивании проблем искусства. Это видно в картине Ван Гога «Звездная ночь », которая нарушила традиционные формы. Нарисованная сцена показывает движение, рисуя ночь и звезды в завихрениях.Эпоху также стимулировали последствия Первой мировой войны. Художники критически относились к искусству как таковому, вызывая различные выражения и представления окружающего мира. Модернизм уступил место таким движениям, как реализм и импрессионизм, наблюдаемым в Париже. Жизнь в Париже преобразилась по-новому. Многие из них описываются как наброски из-за качества, которое представляет искусство. Цвет используется и выражается новыми и динамичными способами, чтобы получить настоящий цвет или белый свет. Тень также используется по-разному.Художником, признанным импрессионистом, был Клод Моне. Это видно на этой картине Руанский собор: портал (на солнце) , а также Впечатления от восхода солнца. В этих произведениях Моне использует одинаковые цвета по всему холсту и использует эти похожие оттенки, чтобы выделить сцену и тени. «Модернизм заключается в использовании характерных методов дисциплины для критики самой дисциплины — не для того, чтобы ниспровергнуть ее, а для того, чтобы прочнее закрепить ее в своей области компетенции» (Кляйнер 654). Дополнительные художники-модернисты включают Пикассо.

Модернизм остался в 20 ^-м веке. Он по-прежнему был признан за свою форму художественного выражения, «благодаря которой живопись становится все менее и менее репрезентативной и все больше связана с материалом краски на холсте» (Hatt & Klank 231). В то время как искусство 19 ^-го -го века было ограничено Европой, искусство 20 ^-го -го века распространилось на Америку. Впервые его увидели в 1940-х годах в Нью-Йорке. Позже он распространился на Индию и практиковался в Мексике и Дели.Многие из этих модернистских художников выражены в постколониальной теории. В нем описывается, как иностранные страны находятся под влиянием колониализма. Экспрессионизм, наблюдаемый в таких местах, как Мексика, подчеркивает культурные различия между туземцами и колонизаторами. Подобно тому, что наблюдается в модернизме 19 века, абстрактный экспрессионизм возник после Второй мировой войны. В разные эпохи он достиг кубизма и дадаизма, известного своими визуальными элементами (Кляйнер). Художник, такой как Диего Ривера, находился под влиянием импрессионизма и символизма европейского искусства.В 1920 году он создал расписные фрески в Мексике и США с латинской точки зрения сельскохозяйственного рабочего класса. На протяжении 1930-х годов Ривера рисовал такие произведения, как «Человек на перекрестке с надеждой и высоким видением выбора нового и лучшего будущего» и «Промышленность Детройта». В этих картинах много цветов, где каждое изображение определено. Эти произведения имеют механические темы с изображениями, показывающими прогресс и его отношения с человечеством. «Первое крупное авангардное движение в Америке… художники создавали абстрактные картины, которые выражали их душевное состояние, и они надеялись вызвать у зрителей эмоциональные отклики» (Kleiner 805).Это также было замечено у американского художника Джексона Поллока и Виллема де Кунинга. Они создали абстрактные изображения, чтобы побудить зрителя рассмотреть обычный предмет с новой точки зрения, используя цвет или форму.

Модернизм был художественным движением, которое можно было наблюдать во всем мире с конца 1800-х до середины 1900-х годов. Его можно увидеть как в Америке, так и в Европе, представляя движение, важное для времени и истории. Это включает индустриализацию и колониализм. Ранний современный художник создавал искусство, на которое повлиял меняющийся мир.Моне использовал завихрения, чтобы передать форму и цвет звездной ночи, в то время как Ривера создал искусство, чтобы показать промышленность и угнетение латинского народа. Модернизм заставил художника по-новому взглянуть на мир. Это было видно в абстрактном экспрессионизме, созданном де Кунингом, чтобы показать абстрактное движение через формы и контрастные цвета. Понимая искусство, можно лучше понять историю и чувства, наблюдаемые в меняющемся обществе.

 

Процитированные работы

Хатт, М. и Клонк. История искусства: критическое введение в ее методы . Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Издательство Манчестерского университета, 2006 г. Электронная книга.

Кляйнер, Ф.  Искусство Гарднера сквозь века. Западная перспектива, том II . 13. Бостон, Массачусетс: Wadsworth Cengage Learning, 2010. Печать.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Родственные

О России Робинзон

Я использую свои писательские таланты и навыки, которым научилась благодаря учебе и опыту, на благо общества. Проводя исследования, пишу статьи, эссе и веду блог, я даю информативную информацию по самым разным темам и проблемам, влияющим на общество. Я также пишу творческие произведения, такие как детские книги, рассказы, стихи и роман в процессе.Я получил степень бакалавра в области английского творческого письма и американской литературы в штате Сан-Франциско, а также закончил обучение техническому письму в Государственном университете Кеннесо. За свою карьеру в области образования и психического здоровья я провел более 10 лет, помогая молодым людям добиться успеха. Я сертифицированный преподаватель словесности, работаю в сфере образования, социальных услуг и психического здоровья. Заинтересованы в моих писательских услугах? Не стесняйтесь обращаться ко мне по электронной почте.

10 самых известных художников XIX века

Многие из великих художников 19-го века оседлали волну современного искусства, которая началась с реализма, а затем перешла к импрессионизму.

Франция конца 19 века была одним из самых захватывающих периодов в искусстве и считалась эпицентром мирового искусства того времени.

Многие картины 19-го века узнаваемы широкой публикой, а многие работы таких художников, как Моне, Ван Гог и Пикассо, известны всем.

Великие художники 19 века были одними из первых, кто начал рисовать почти исключительно на открытом воздухе. Съемка пейзажа и обычных людей, когда они ходили туда днем.

Художники XIX века

1.

Клод Моне

Оскар-Клод Моне был основоположником французского импрессионизма, который стал одним из самых известных художников того периода. Родившийся 4 ноября 1840 года художественная философия Моне заключалась в выражении его собственных впечатлений от природы.

Термин «импрессионизм» происходит от Моне «Впечатление, солнцее левант», произведения, в котором он изображает восход солнца. «Впечатление» Моне было показано публике в 1874 году на ранней независимой выставке, призванной противостоять Парижскому салону.

Моне часто рисовал одни и те же пейзажи несколько раз, чтобы уловить свои впечатления от смены дневного света, новых сезонов, естественного роста и других чередующихся впечатлений. Моне жил в Живерни с 1883 года и приобрел недвижимость. Это стало его базой, когда он работал над крупными ландшафтными проектами.

Этот период привел к некоторым из его самых известных работ, включая его знаменитые впечатления от местных прудов с лилиями. Моне провел следующие два десятилетия, создавая большие пейзажные картины.Умер 5 декабря 1926 года.

2.

Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог был голландским постимпрессионистом, который, в отличие от многих других известных художников, при жизни не добился ни критического, ни коммерческого успеха. Ван Гог родился 30 марта 1853 года и на протяжении всей своей короткой жизни боролся со своим психическим здоровьем.

Его работы известны смелыми цветами, мощными и неистовыми мазками и глубокими впечатлениями от человека и природы. Ван Гог создал более 2100 работ за десять лет, но большая часть его 860 картин написана маслом за последние два года его жизни.

После его смерти в результате явного самоубийства 29 июля 1890 года известность о жизни и творчестве Ван Гога возросла. Работы Ван Гога становились все более популярными на протяжении всего 20 века. Его картины непосредственно вдохновили движения немецкого экспрессионизма и фовизма.

В конце концов Ван Гог был признан в общественном мнении архетипическим «замученным художником», гением, которого в свое время неправильно поняли. Его картины сейчас считаются одними из самых важных в истории человечества.

3.

Пабло Пикассо

Пабло Пикассо — испанский художник, известный своими картинами, скульптурами, керамикой и театральными постановками. Родившийся 25 октября 1881 года, Пикассо большую часть своей жизни жил и работал во Франции. Он был одним из основателей кубизма, соавтором коллажа и изобретателем искусственной скульптуры.

Работы Пикассо также повлияли на многие другие художественные стили при его жизни. Среди его самых известных картин «Авиньонские девицы» и «Герника.”

Художественные таланты Пикассо были заметны в начале его карьеры, так как он начал в детстве. Его стиль претерпел радикальные изменения в начале 20 века, когда он экспериментировал с новыми методами и теориями.

В конце концов, Пикассо начал экспериментировать с радикальными стилями после разрыва с фовистом Анри Матиссом. Эти два соперника часто считались спорными лидерами художественных движений того времени.

Пикассо добился огромного критического и коммерческого успеха еще при жизни.Умер 8 апреля 1973 года.

4.

Анри Матисс

Анри Матисс был французским художником, прославившимся своей оригинальностью цветов и искусным, уникальным мастерством рисования. Он также был скульптором и гравером, хотя наиболее известен своими картинами.

Родившийся 31 декабря 1869 года, Матисс считался главным профессиональным соперником Пабло Пикассо и одним из самых революционных художников 20 века.

Его методы рисования и скульптуры, а также насыщенные цвета привлекли к нему внимание публики наряду с другими художниками-фовистами.

В стиле Матисса особое внимание уделялось декоративным узорам и плоским формам. В его более поздних работах отразилось влияние классической французской живописи в сочетании с новыми техниками.

За последние 20 лет его карьеры упрощения формы стали еще более смелыми и уникальными. Болезнь помешала ему продолжать рисовать в последние годы жизни, что привело его к созданию большого количества бумажных коллажей. Матисс умер 3 ноября 1954 года.

5.

Диего Ривера

Диего Ривера был мексиканским художником, чьи фрески помогли основать и развить мексиканское и международное движение настенной росписи.Родившийся 8 декабря 1886 года, Ривера был женат четыре раза и имел нескольких детей, в том числе одного сына, который умер в возрасте двух лет.

Самый известный брак Риверы был с его четвертой женой, мексиканской художницей Фридой Кало. У них были сложные отношения до смерти Кало в 1954 году, включая развод и повторный брак в 1940 году. Последний брак Риверы был со своим агентом Эммой Уртадо.

Работы Риверы включают фрески в Чапинго, Куэрнаваке, Мехико, Нью-Йорке, Детройте и Сан-Франциско.Его карьера иногда вызывала споры, например, когда Ривера демонстрировал свой личный атеизм на общественных работах.

Ривера стал еще более влиятельным после его смерти. Правительство Мексики объявило работы Риверы «историческими памятниками», которые заслуживают сохранения. Работы Риверы являются самыми продаваемыми среди всех латиноамериканских художников. Умер 24 ноября 1957 года.

6.

Поль Сезанн

Поль Сезанн был французским постимпрессионистом, чьи картины сыграли важную роль в эстетических и стилистических переходах в современном искусстве.Сезанн родился 19 января 1839 года. Начав свою работу в середине 19 века, он стал мостом для импрессионизма, который охватил новые художественные стили 20 века, особенно кубизм.

Пикассо и Матисс считали его отцом своих более современных движений. Работы Сезанна содержат заметные элементы повторяющихся мазков, которые легко идентифицировать. Меньшие мазки объединяются, чтобы создать сложные образы различных цветовых плоскостей.

Сезанн работал в основном в своей мастерской в ​​Эксе, часто развлекая посетителей.Хотя он был так важен для современного искусства, картины Сезанна часто отвергались современными критиками.

Молодое поколение художников считало Сезанна гением, несмотря на то, что его работы подвергались насмешкам со стороны старших авторитетов. Сезанн также сыграл важную роль в развитии экспрессионизма и фовизма, которые опирались на его постимпрессионистские методы. Умер 22 октября 1906 года.

7.

Эдгар Дега

Эдгар Дега — французский художник-импрессионист, прославившийся своими картинами маслом и пастелью.Он был плодовитым создателем гравюр, рисунков и бронзовых скульптур.

Родившийся 19 июля 1834 года, Дега приобрел навыки рисовальщика и сосредоточил свои усилия на изображении движения. В конечном итоге это привело к его ассоциации с танцем, и более половины его работ связаны с этой темой.

Дега обычно считают импрессионистом-основателем, несмотря на то, что он не любит этот термин. Дега называл себя художником-реалистом и не писал пейзажей, как большинство известных импрессионистов.

Дега рисовал балерин, купающихся обнаженных женщин, скаковых лошадей и жокеев, а также портреты. Его личные портреты часто отображают глубокие психологические темы, особенно одиночество и изоляцию.

Изначально Дега планировал стать историческим художником и тщательно изучал классические техники. Он сменил творческий путь, когда ему было за тридцать, но привнес классические влияния в свои изображения современных предметов. Дега умер 27 сентября 1917 года.

8.

Густав Климт

Густав Климт был австрийским символистом, который также был известен своими усилиями в движении Венского сецессиона.Родившийся 14 июля 1862 года, Климт сделал себе имя многочисленными картинами, эскизами, фресками и другими разнообразными работами. Климт сосредоточился на женском теле, и они откровенно включают эротические темы.

Его работы включали пейзажи, портреты и аллегорические произведения. На него сильно повлияли японские художественные приемы. Климт оказал влияние даже при жизни, особенно на своего коллегу-художника Эгона Шиле.

Климт добился первых успехов, расписывая архитектурные украшения в соответствии с господствующими стилями. Он разработал свой собственный стиль, кульминацией которого стали его противоречивые картины для потолка Большого зала Венского университета.

Картины были раскритикованы как изображающие порнографию, что побудило его отказаться от всех будущих публичных заказов. Он продолжал работать с сусальным золотом и добился большого успеха. Климт умер 6 февраля 1918 года.

9.

Эдуард Мане

Эдуард Мане — французский модернист, пионер изображения современной жизни в искусстве XIX века.Он сыграл важную роль в переходе реализма к импрессионизму, что оказало жизненно важное влияние на более поздних постимпрессионистов и другие важные художественные школы.

Родившийся 23 января 1832 года в политической семье высшего сословия, Мане с раннего возраста увлекся живописью. Несмотря на ожидания своей семьи, Мане занялся живописью и вскоре продемонстрировал сильное мастерство в своем искусстве.

Два его самых известных произведения, «Le déjeuner sur l’herbe» и «Olympia», были созданы в 1863 году. Их выставка вызвала критические споры, которые привели к слиянию художников-импрессионистов.

Многие считают эти работы началом самого современного искусства, на самом деле его можно считать одним из первых настоящих современных художников. Последние два десятилетия Мане позволили ему стать ближе к другим современным художникам, еще больше углубив его уникальный импрессионизм.

Эта работа позже будет считаться основополагающей для художественных движений 20-го века. Мане умер 30 апреля 1883 года.

10.

Джон Сингер Сарджент

Джон Сарджент был американским художником, чьи работы были посвящены роскоши, королевской власти и высшему обществу эдвардианской эпохи. Родившийся 12 января 1856 года в семье американцев, живших во Флоренции, Сарджент большую часть своей жизни прожил в Европе.

Он прошел формальное обучение в Париже и Лондоне. Сарджента часто называют самым важным художником-портретистом своей эпохи, написавшим более 900 картин маслом и 2000 акварелей. Он сделал множество набросков и рисунков углем.

Его ранняя карьера была омрачена скандалом после того, как он представил «Портрет мадам» в Парижский салон в 1880-х годах. Сразу после этого он провел время в Англии. Работы Сарджента демонстрируют высокое техническое мастерство, особенно в мазках.

Критики обращали внимание на эти качества и спорили о том, не являются ли они поверхностными. В своих личных работах он показал заметное влияние импрессионизма. Сарджент получил международное признание еще при жизни и путешествовал по всему миру.Умер 14 апреля 1925 года.

10 модернистских направлений в искусстве | Британика

Курирование этого контента осуществляется по усмотрению автора и не обязательно отражает точку зрения Encyclopaedia Britannica или ее редакции. Для получения наиболее точной и актуальной информации обращайтесь к отдельным статьям энциклопедии по темам.

© AbleStock.com/Jupiterimages

На рубеже 20-го века произошли перемены, главным образом в том, как люди начали воспринимать цивилизацию в целом и ее общую цель. Начало Первой мировой войны, или предполагаемой войны, которая положит конец всем войнам, и беспрецедентное опустошение, которое последовало за этим, бросили вызов основам систем верований многих культур, что привело к большому количеству экспериментов и исследований художников с моралью и определением того, что именно Искусство должно быть и должно быть для культуры.За этим последовал целый список художественных течений, стремившихся найти свое место в постоянно меняющемся мире.

---

• Постимпрессионизм

  Жорж Сёра: Воскресенье на Гранд-Жатт — 1884

  Воскресенье на Гранд-Жатт — 1884 , холст, масло Жорж Сёра, 1884–86; в Художественном институте Чикаго.

  Художественный институт Чикаго, Мемориальная коллекция Хелен Берч Бартлетт, каталожный номер. 1926.224 (CC0)

  Постимпрессионизм, который часто считают необходимым предшественником многочисленных художественных движений, сформировавшихся под эгидой модернизма, зародился в последние годы 19 века.Его прославили незабываемые работы Поля Сезанна, Жоржа Сёра, Винсента Ван Гога и других, поскольку они сосредоточились на расширении ограничений предшественника движения, импрессионизма, исследуя методы, которые позволили бы им получить более чистую форму выражения. , при этом в большинстве случаев сохраняя импрессионистское использование ярких и фантастических цветов, отображаемых короткими мазками. Постимпрессионисты, в отличие от многих представителей других художественных течений, в основном сочиняли свои произведения независимо от других, что позволяло им экспериментировать в разных направлениях, от усиленного импрессионизма, характерного для Ван Гога, до пуантилизма, как это видно в самой известной работе Сёра. Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт (1884–86).

• Фовизм

  Это известное авангардное движение считается одним из первых в своем роде, получивших процветание в начале 20-го века. Созданный Анри Матиссом, фовизм был в значительной степени обязан импрессионизму, поскольку он демонстрировал яркие цвета для захвата пейзажей и натюрмортов. Однако это стало самостоятельным движением, поскольку фовисты, такие как Матисс, привносили в свои картины повышенное чувство эмоциональности, часто используя грубые и вопиющие мазки и яркие цвета прямо из своих тюбиков, которые поначалу ужасали публику.Именно чрезмерная выразительность этих сырых и основных приемов побудила искусствоведа Луи Вокселя окрестить таких живописцев фовами («дикими зверями»). Среди других известных фовистов — Андре Дерен, Морис де Вламинк и Жорж Брак, последний эволюционировал от неприкрытой эмоциональности фовизма к созданию более структурированных и логических фокусов кубизма, который считается прямым потомком фовизма.

• Кубизм

  Возможно, самое известное направление в искусстве эпохи модернизма. Кубизм стал ассоциироваться с одним именем, в частности, с Пабло Пикассо.Однако следует должным образом отметить, что Жорж Брак также был лидером движения и что он и Пикассо так хорошо работали друг с другом, что в разгар господства кубизма их картины практически неотличимы друг от друга. Часто отмечается, что кубизм положил начало окончательному движению с открытием картины Пикассо Les Demoiselles d’Avignon (1907), которая показывает обнаженных женщин в изломанной перспективе и демонстрирует значительное африканское влияние.Тем не менее, это движение не получило своего названия до 1908 года, когда искусствовед Луи Воксель (снова!) изобразил дом Брака в L’Estaque как построенный из кубов. Главные цели кубистов заключались в том, чтобы отказаться от условностей прошлого, чтобы просто имитировать природу, и начать в новом ключе, чтобы подчеркнуть плоскую размерность холста. Этот эффект был достигнут за счет использования различных противоречивых точек обзора для рисования обычных объектов, таких как музыкальные инструменты, кувшины, бутылки и человеческая фигура. По мере того, как они продвигались в своей работе, Брак и Пикассо использовали монохроматическую шкалу, чтобы подчеркнуть свое внимание к внутренней структуре своих работ. Хотя кубизм обычно ассоциируется с живописью, он оказал длительное влияние на многих скульпторов и архитекторов того времени.

• Футуризм

  Умберто Боччони: Уникальные формы непрерывности в пространстве

  Уникальные формы непрерывности в пространстве , бронзовая скульптура Умберто Боччони, 1913 г.; в Метрополитен-музее, Нью-Йорк.

  The Metropolitan Museum of Art, New York, Bequest of Lydia Winston Malbin, 1989, 1990.38.3, www.metmuseum.org

  Возможно, одним из самых противоречивых движений модернистской эпохи был футуризм, который при беглом взгляде , сравнил людей с машинами и наоборот, чтобы принять изменения, скорость и инновации в обществе, отказавшись от художественных и культурных форм и традиций прошлого. Однако в центре футуристической платформы стояло одобрение войны и женоненавистничества. Футуризм, придуманный в манифесте 1909 года Филиппо Маринетти, не ограничивался только одной формой искусства, а фактически был принят скульпторами, архитекторами, художниками и писателями. На картинах обычно изображались автомобили, поезда, животные, танцоры и большие толпы людей; а художники заимствовали фрагментированные и пересекающиеся плоскости у кубизма в сочетании с яркими и выразительными красками фовизма, чтобы прославить достоинства скорости и динамичного движения. Писатели сосредоточились на том, чтобы избавить свою поэзию от того, что они считали ненужными элементами, такими как прилагательные и наречия, чтобы акцент мог делаться на действии инфинитивных глаголов.Эта техника в сочетании с интеграцией математических символов позволила им делать более декларативные заявления с большим чувством смелости. Хотя первоначально футуристы были ярыми в своем утверждении достоинств войны, они потеряли пар, когда стали очевидными разрушения Первой мировой войны.

• Вортицизм

  Второе издание Blast (1915 г. ), опубликованное Wyndham Lewis.

  Public Domain

  Специфически английское художественное движение, поскольку его рупором был знаменитый лондонский журнал Blast . достоинства динамических изменений, которые должны были последовать.Он был основан прямо перед началом Первой мировой войны знаменитым художником Уиндемом Льюисом и вездесущим поэтом эпохи модернизма Эзрой Паундом. Однако в то время как футуристы зародились во Франции и Италии, а затем распространились по континенту в Россию, вортицизм оставался локальным в Лондоне. Вортицисты гордились своей независимостью от подобных движений. В своей литературе они использовали голую лексику, которая находила отклик в сходстве с механическими формами, найденными на английских верфях и фабриках, и в своих произведениях, а также в своих картинах вортицисты поддерживали абстракцию как единственный способ разорвать связи с доминирующим и душит викторианское прошлое, чтобы они могли перейти в новую эру.Однако вортицизм, как и футуризм, изо всех сил пытался справиться с непостижимыми разрушениями во время Первой мировой войны, которые были результатом новых машин, которые они так высоко ценили. Когда Первая мировая война подошла к концу и ценились вортицисты, а именно Т.Е. Хьюм и Годлер-Бжеска погибли в бою, к началу 1920-х годов вортицизм сократился до небольшого числа.

• Конструктивизм

  «Памятник Третьему Интернационалу» модель

  «Памятник Третьему Интернационалу», модель В. Татлина, 1920 г., реконструкция Ю.Линде и П.О. Ультведт завершен в 1968 г. А. Холмом, Э. Нандорфом и Х. Остбергом; в Современном музее, Стокгольм, в Национальном шведском художественном музее.

  © Татлин; фотография © Moderna Museet, Stockholm

  Когда кубизм и футуризм распространились на запад, в Россию в конце 1910-х годов, они были поглощены утопическим духом Октябрьской революции, создав таким образом новое художественное движение, известное как конструктивизм, которое охватило теорию о том, что искусство должны быть «построены» из современных промышленных материалов, таких как пластик, сталь и стекло, чтобы служить общественной цели, а не просто делать абстрактное заявление. Часто приписывают толчок для движения Владимиру Татлину, который в 1913 году, во время учебы в Париже, находился под сильным влиянием геометрических построений Пикассо. Вернувшись в Россию, он вместе с Антуаном Певзнером и Наумом Габо опубликовал в 1920 году Манифест реалистов , в котором, подобно футуристам и вортицистам, заявлялось о восхищении машинами и технологиями, а также их функционализмом. Одним из самых знаковых произведений этого движения является «Памятник Третьему Интернационалу (1919–1920)» Татлина , сооружение странной спиралевидной формы, которое должно было служить правительственным зданием.Большинство конструктивистов, таких как Татлин, считали живопись «мертвым» видом искусства, если только она не должна служить чертежом чего-то, что должно быть построено физически. Поэтому они работали в основном с керамикой, дизайном одежды, графикой и архитектурой. По мере усиления советской оппозиции их движению многие конструктивисты бежали из России и вдохновляли движение в западных странах, таких как Германия, Франция и Англия, где они приобрели большое значение.

• Супрематизм

  Другим уникальным русским модернистским движением был супрематизм, зародившийся совместно с конструктивизмом, хотя и с более сильным акцентом и принятием абстракции, которую можно было рисовать на холсте.Это обозначено как первое движение, использующее чистую геометрическую абстракцию в живописи. Казимир Малевич считается его основателем, так как он, наряду со многими своими современниками, является автором супрематического манифеста. Название движения произошло от цитаты Малевича, в которой он заявил, что движение будет вдохновлять «превосходство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве». Его главная цель состояла в том, чтобы сломать искусство до его голых костей, часто используя основные формы, такие как квадраты, треугольники и круги, а также основные и нейтральные цвета.По мере того, как он продвигался в своей работе, Малевич включал больше цветов и форм, но он олицетворял движение в своих картинах «Белое на белом», на которых едва виден слабо очерченный квадрат. Супрематизм часто был пропитан духовно-мистическим подтекстом, что добавляло ему абстракции, и, как и в случае с конструктивизмом, движение, по сути, полностью прекратилось с усилением советского гнета.

• De Stijl

  «Игроки в карты», картина маслом художника De Stijl Тео ван Дусбурга, 1917 год; в коллекции Haags Gemeentemuseum, Гаага

  Предоставлено Haags Gemeentemuseum, Гаага

  достичь этой цели: с помощью простого, прямого подхода.Основанный группой голландских художников в Амстердаме, в которую входили Тео ван Дусбург (который основал периодическое издание группы De Stijl ), Пит Мондриан и Якобус Йоханнес Питер Оуд, De Stijl был пропитан большим количеством мистицизма, проистекающим, прежде всего, из преданности Мондриана. к теософии. Движение также имело большое влияние парижского кубизма, хотя члены De Stijl считали, что Пикассо и Брак не смогли зайти достаточно далеко в царство чистой абстракции. Они, как и супрематисты, работали в основном в абстрактном стиле и с неприукрашенными формами, такими как прямые линии, пересекающиеся плоские поверхности и основные геометрические фигуры, а также с основными цветами и нейтральными. С помощью этих методов они стремились исследовать законы равновесия, проявляющиеся как в жизни, так и в искусстве. Хотя в движение входили художники, скульпторы, типографы, поэты, представители декоративно-прикладного искусства, именно архитекторы, в первую очередь Ауд с его рабочим жилым комплексом в Хук-ван-Холланде (1924–1927 гг.), гармонические сущности движения.

• Дадаизм

  Возможно, лучше всего подытоживая знаменитого поэта-дадаиста Хьюго Болла, дадаистская цель искусства заключалась не в том, чтобы искусство было «самоцелью, а [было] возможностью для истинного восприятия и критики времена, в которые мы живем.И наверняка времена дадаизма были наполнены горем, разрушением и хаосом, поскольку они стали свидетелями безудержного массового опустошения Первой мировой войны. Движение представляло собой разрозненную международную сеть, которая была видна в Цюрихе, Швейцария; Нью-Йорк; Берлин, Кельн и Ганновер, Германия; и Париж. Дадаистов не связывали их стили, средства или техники. Вместо этого они были связаны своими единообразными обычаями и верованиями. Они считали себя борцами против рационального мышления, которое они считали ответственным за упадок социальных структур, рост коррумпированной и националистической политики, а также распространение насилия и войны.Они бросали вызов и высмеивали определение искусства и его элитарность с такими работами, как Марсель Дюшан Фонтан (1917), который представлял собой фарфоровый писсуар, и они использовали фотомонтаж, а также множество других художественных средств на своих публичных собраниях, чтобы протест против зарождающейся нацистской партии в Германии. Дадаисты по всему миру решительно боролись против таких репрессивных социальных институтов, хотя некоторые списывали их как просто абсурдных и несущественных из-за их многочисленных выходок и разрозненной сети.

• Сюрреализм

  Будучи одним из самых известных художественных направлений эпохи модернизма, главным образом благодаря неизгладимой работе Сальвадора Дали «Постоянство памяти » (1931), сюрреализм запомнился своим созданием висцеральных , привлекательные и эстетичные изображения. Отталкиваясь от абсурдистских наклонностей дадаистов и психоаналитических сочинений Зигмунда Фрейда, Андре Бретон, известный поэт и критик своего времени, опубликовал в 1924 году «Манифест сюрреализма», в котором заявил о намерении группы объединить сознание с бессознательным, чтобы царства сна и фантазии могли слиться с повседневной реальностью в «абсолютную реальность, сюрреальность.Хотя их лучше всего помнят за работы их художников, таких как Жан Арп, Макс Эрнст и Андре Массон, сюрреалисты работали с различными средами, включая поэзию, литературу, скульптуру и тогда еще новое средство кино. Поскольку Бретон был воинственным в соблюдении его манифеста членами движения, многие участники откололись от новых форм искусства, хотя все еще включали приемы и мотивы сюрреализма.

Пришло время раскошелиться на доступное искусство 19-го века – европейский генеральный директор

Искусство 19-го века не возглавляет чарты продаж, но оно красиво и исторически значимо с точки зрения механизмов, которые оно вдохновило

Автор:

Эрик Вейдер, основатель, Gallery 19C

8 декабря 2016 г.

На протяжении большей части прошлого века искусство 19-го века находилось в забвении.В то время как мир искусства зациклился на импрессионизме и современном искусстве, художники 19-го века, вдохновившие эти движения, остаются малоизвестными и недооцененными. И все же этот период остается одним из самых творчески значимых в истории. От подчеркнутого реализма Курбе до поэтических пейзажей Коро эпоха определяется своим разнообразием — различными школами, предметами и новаторскими техниками живописи.

Картины того периода идеально передают размышления о современной жизни, затрагивая захватывающие темы, такие как ориентализм, революция и гламурная Belle Époque.Охватывая традиционный жанр и ранний модернизм, XIX век является мостом от старых мастеров к импрессионистам и современному искусству. Первопроходческие произведения искусства 19-го века, которые на протяжении десятилетий считались неактуальными, теперь представляют собой зрелую инвестиционную возможность для частных коллекционеров, поскольку многие качественные произведения доступны по разумным ценам. Галерея 19C из Беверли-Хиллз, специализирующаяся исключительно на картинах той эпохи, надеется познакомить страстных коллекционеров с богатым и разнообразным миром произведений искусства 19 века.Европейский генеральный директор поговорил с основателем Gallery 19C Эриком Вейдером об уникальном видении компании.

Почему вы вообще нашли Галерею 19С?
Будучи давним коллекционером европейской живописи 19-го века, я часто поражался разнообразию и качеству, которые можно купить по разумным ценам. Картины старых мастеров, импрессионистов или современных мастеров музейного качества обойдутся коллекционерам во многие миллионы долларов. Однако высококачественные картины 19 века иногда можно найти всего за 100 000 долларов.XIX век, пожалуй, самый недооцененный период в истории искусства, дающий коллекционерам уникальную возможность приобрести смелые, дальновидные произведения искусства по невероятной цене. Мы считаем, что эта ситуация не будет длиться вечно, и ближайшее десятилетие или два могут стать последним шансом для частных коллекционеров приобрести самые лучшие картины XIX века по разумным ценам. В галерее 19C мы понимаем потребность коллекционеров в качестве и ценности и хотим разделить нашу страсть к этому богатому и влиятельному периоду.

Мир искусства все больше увлекается современным и авангардным искусством, а это означает, что о более ранних художниках почти забыли

Что может привлечь коллекционеров к той эпохе?
Художники-предимпрессионисты 19 века представляют одни из самых творчески важных мастеров в пантеоне истории искусства. Современное искусство, каким мы его знаем, стало возможным благодаря художникам 19 века, которые стремились развивать свое индивидуальное художественное выражение в рамках довольно жесткой, самоусиливающейся системы.В процессе освобождения художники 19 века также освобождали художников, которые следовали за ними. В то время как художники 19-го века оказали влияние на многих знаменитых импрессионистов и научили их, такие художники, как Делакруа, Курбе, Добиньи и Руссо, все еще не так известны, как те, кто следовал их новаторским работам и адаптировался к ним. Клода Моне неофициально обучали на пляжах Нормандии Буден и Йонгкинд, и он черпал вдохновение у Коро. Ван Гог находился под сильным влиянием Милле и скопировал многие его картины, а Пикассо создал более 15 картин, вдохновленных «Женщиной Алжира» Делакруа .

Хотя эти ученики остаются более известными, чем их учителя, мы постепенно начинаем видеть больше признания художников 19-го века. Только за последние несколько лет состоялись крупные международные выставки Курбе, Жерома, Добиньи и многих других. Галерея 19C надеется развить это растущее признание своих работ.

Почему произведения искусства XIX века так недооценены?
С начала 20-го века мир искусства все больше увлекается современным и авангардным искусством, а это означает, что более ранние художники были в значительной степени забыты и считались несколько неуместными.Когда кто-то слышит «19 век», он склонен думать «старый». На самом деле многие из этих художников 19 века были невероятно современными, смелыми и дальновидными. Аукционные цены показывают, что с 2000 года средняя картина Моне продавалась более чем в 100 раз дороже, чем у Йонгкинда, одного из его самых влиятельных людей. Действительно, сам Моне однажды сказал о Йонгкинде: «Он был моим истинным учителем, и именно ему я обязан последним образованием моего глаза». В свете такой горячей похвалы кажется невероятным, что качественный Джонгкинд можно купить по цене от 50 000 до 100 000 долларов, в то время как картины его ученика обычно продаются за несколько миллионов долларов.Я не утверждаю, что предшественники когда-либо достигнут цен импрессионистов, но разумно думать, что некоторое повышение цен на их лучшие работы, безусловно, оправдано.

Прогнозируете ли вы рост интереса?
На протяжении многих десятилетий музеи снимали со стен многие картины XIX века и помещали их на хранение, чтобы освободить место для более современных произведений. Но с начала 70-х, и особенно в последние два десятилетия, все больше музеев и ученых переоценивают этих художников и их значение в эволюции искусства. Например, в Музее Ван Гога в настоящее время проходит выставка «Добиньи, Моне, Ван Гог: впечатления от пейзажа», в которой исследуется влиятельная роль Добиньи в вдохновении таких художников, как Моне и Ван Гог. В галерее 19C мы прославляем искусство художников-новаторов, таких как Добиньи, и призываем частных коллекционеров исследовать богатый мир искусства 19-го века.

Как вы отбираете работы для добавления в коллекцию галереи?
У нас в галерее есть разнообразная коллекция чрезвычайно высококачественных картин по цене от 20 000 до более 1 миллиона долларов.Стремясь расширить эту коллекцию, мы ищем лучшие образцы творчества художника, уделяя особое внимание художникам, которые каким-то образом повлияли на историю искусства 19 века. Мы стремимся покупать предметы, которые считаются лучшими 20 процентами продукции художника или которые могут быть важны для понимания их и того, как они развивали свое мастерство с течением времени.

Мы ищем лучшие образцы работ художников, уделяя особое внимание художникам, которые каким-то образом повлияли на историю искусства XIX века

Есть три основные причины купить европейскую картину XIX века. Первая причина просто потому, что вы любите его — 19 век невероятно разнообразен, и поэтому, если вы не тот, кто любит только абстрактное искусство, то вы найдете что-то, что вам нравится в этот период. Во-вторых, неоспоримое историческое значение искусства XIX века. Например, коллекционер картин импрессионистов поступил бы очень правильно, если бы включил в свою коллекцию некоторые произведения своих более ранних влиятельных лиц, чтобы добавить некоторую глубину и исторический контекст к работам, которые у них уже есть.Наконец, кого-то может привлечь искусство 19-го века из-за экономической ценности, которую оно представляет. В галерее 19C мы считаем, что картины 19-го века готовы к давно назревшей переоценке, а это означает, что их цены могут значительно вырасти в течение следующих нескольких десятилетий.

Какие планы на будущее у Галереи 19С?
Мы откроем нашу физическую галерею в Беверли-Хиллз, штат Калифорния, в апреле 2017 года. После запуска галереи мы проведем ряд лекций профессионалов отрасли, а также планируем ряд интересных выставок. Наша первая выставка будет посвящена парижскому населению в период с 1870-х по 1890-е годы, рассматривая весь спектр парижан — от самых низов до самой верхушки общества. Помимо нашей работы в галерее, мы также надеемся организовать общества благодарности 19 веку в разных городах мира, чтобы помочь людям показать свои коллекции и встретиться с теми, кто разделяет их интерес к этому периоду. Мы собираемся весело провести время, внося свой вклад в заслуженное признание европейского искусства 19 века.

Почтовая навигация

Самые известные художники 19 и 20 века

art-Dali.com Сальвадор Доминго Фелипе Хасинто Дали-и-Доменек, 1-й маркиз де Дали де Пуболь (11 мая 1904 — 23 января 1989), известный как Сальвадор Дали , был выдающимся испанским каталонским художником-сюрреалистом, родившимся в Фигерасе, Испания. Дали был искусным рисовальщиком, наиболее известным своими яркими и причудливыми образами в своих сюрреалистических работах. Его живописные способности часто приписывают влиянию мастеров эпохи Возрождения. Его самая известная работа «Постоянство памяти» была завершена в августе 1931 года. Обширный художественный репертуар Дали включал фильмы, скульптуру и фотографию в сотрудничестве с рядом художников в различных средствах массовой информации. Дали был очень изобретательным, а также любил предаваться необычному и грандиозному поведению. Его эксцентричная манера и привлекающие внимание публичные действия иногда привлекали больше внимания, чем его работы, к ужасу тех, кто высоко ценил его работы, и к раздражению его критиков. art-Dali.com	Открытие Америки Христофором Колумбом 1959
art-Picasso.com Художественный гений Пабло Пикассо (1881–1973) оказал беспрецедентное влияние на развитие современного искусства. Его плодотворная работа включает более 20 000 картин, гравюр, рисунков, скульптур, керамики, театральных декораций и костюмов, которые передают множество интеллектуальных, политических, социальных и любовных посланий. Его творческие стили выходят за рамки реализма и абстракции, кубизма, неоклассицизма, сюрреализма и экспрессионизма. Пикассо родился в Малаге, Испания, в 1881 году. Некоторое время изучал искусство в Мадриде в 1897 году, а затем в Барселоне в 1899 году, где он стал тесно связан с группой модернистских поэтов, писателей и художников, которые собирались в кафе Els Quatre Gats. Четыре кота), в том числе каталонца Карлоса Касагемаса (1880–1901). art-Picasso.com	Любитель абсента 1901-1902
арт-ВанГог.ком Ван Гог (Ван Гог) Винсент (Vincent Willem) (30.03.1853, Грот-Зундерт, Нидерланды — 29.07.1890, Овер-сюр-Уаз, Франция), нидерландский живописец. Сын пастора. В 1869-76 служил комиссионным торгово-художественным обществом в Гааге, Брюсселе, Лондоне и Париже, в 1876 — учителем в Англии. Изучая богословие, в 1878-79 годах был проповедником в Боринаже (Бельгия), где познал трудную жизнь горняков; защита своих интересов привела Ван Гога к конфликту с церковными властями. В 1880-х гг. Ван Гог относится к искусству: визиты художников в Брюссель (1880-81) и в Антверпен (1885-86), по совету А. Мауве в Гааге. Ван Гог с пристрастием рисует обездоленных людей — горняков Боринаге, а позже — крестьян, ремесленников, рыбаков, за жизнью которых он наблюдал в Нидерландах в 1881—85 годах. В 30 лет Ван Гог начинает рисовать и создает обширную серию картин и зарисовок, выполненных в темных, мрачных тонах и пропитанных теплым сочувствием к простому народу. арт-ВанГог.ком	Ваза «Натюрморт с пятнадцатью подсолнухами» 1889
art-Monet.com Оскар-Клод Моне 14 ноября 1840 — 5 декабря 1926 был основателем французской импрессионистской живописи и наиболее последовательным и плодовитым практиком философии движения выражения своего восприятия перед природой, особенно применительно к пленэрной пейзажной живописи. Термин «импрессионизм» происходит от названия его картины Impression, soleil levant («Впечатление, восход солнца»), которая была выставлена ​​в 1874 году на первой из независимых выставок, организованных Моне и его соратниками в качестве альтернативы Парижскому салону. Стремление Моне запечатлеть французскую сельскую местность привело его к тому, что он много раз рисовал одну и ту же сцену, чтобы запечатлеть смену света и смену времен года. С 1883 года Моне жил в Живерни, где он купил дом и имущество и начал масштабный проект по благоустройству, в том числе пруды с лилиями, которые впоследствии станут сюжетами его самых известных работ. В 1899 году он начал рисовать водяные лилии, сначала в вертикальных видах с японским мостом в качестве центрального элемента, а затем в серии крупномасштабных картин, которые должны были постоянно занимать его в течение следующих 20 лет его жизни. арт-Моне .ком	Женщины в саду 1866
art-Klimt.com Густав Климт родился 150 лет назад, 14 июля 1862 года, в мещанской семье в пригороде Вены Баумгартен и был вторым из семи детей. Его детство и юность совпали с зенитом Gründerzeit, периодом в Германии и Австрии девятнадцатого века, отмеченным экономическим процветанием и крупномасштабным строительством. Великий проект монументального здания на Рингштрассе только вступал в завершающую фазу. Несмотря на тяжелое финансовое положение, у Климтов была гармоничная семейная жизнь, и братья и сестры оставались близкими на протяжении всей своей жизни. С большими жертвами со стороны семьи талантливый молодой Густав был отправлен в Венскую школу искусств и ремесел (Kunstgewerbeschule), которая позже стала Университетом прикладных искусств. Вскоре он оказался среди группы художников, работавших над украшением новых зданий на Рингштрассе. art-Klimt.com	Портрет Адели Блох-Бауэр 1912
art-Matisse.com Анри-Эмиль-Бенуа Матисс (1869–1954) был французским художником, известным своим использованием цвета, плавным и оригинальным рисунком. Он был рисовальщиком, гравером и скульптором, но известен прежде всего как живописец. Матисса обычно считают, наряду с Пабло Пикассо и Марселем Дюшаном, одним из трех художников, которые помогли определить революционные изменения в пластическом искусстве в первые десятилетия двадцатого века, ответственные за значительное развитие живописи и скульптуры. Хотя изначально его называли фовистом (диким зверем), к 1920-м годам его все чаще провозглашали сторонником классической традиции французской живописи. Его мастерство выразительного языка цвета и рисунка, представленное в работах, охватывающих более полувека, принесло ему признание как ведущей фигуре в современном искусстве. art-Matisse.com	Портрет жены художника 1913
арт-Гоген.ком Гоген (Gauguin) Эжен Анри Поль (06.07.1848, Париж — 05.08.1903, пос. Атуона, Маркизские острова), французский живописец. В молодости служил матросом, с 1871 — биржевым маклером в Париже. В 1870-х гг. в одиночку занялся живописью. В 1883 году бросил Биржу и полностью посвятил себя искусству, что привело Гогена к бедности, разрыву с семьей, скитаниям. В 1886 жил в Пон-Авене (Бретань), в 1887 — в Панаме и на острове Мартиника, в 1888 работал два месяца (у В.Ван Гог) в Арле, в 1889—91 — преимущественно в Ле Пульдю (Бретань). Ранние годы были связаны с импрессионизмом. В дальнейшем неприятие буржуазной цивилизации пробуждает интерес к народному творчеству с его наивным мировосприятием, искусству архаической Греции, Средневековья, Древнего Востока. art-Gauguin.com	Автопортрет с палитрой 1894
art-Degas.com Дега (Дега) Илер Жермен Эдгар (19.07.1834, Париж — 27.09.1917, там же), французский живописец, график и скульптор. В 1855-56 учился в Школе изящных искусств в Париже. В 1854-59 жил в Италии; изучал искусство итальянского кватроченто. Находился под влиянием Ж.А.Д. Энгра, усилившего пристрастие Дега к линейной основе живописной формы. Начал со строгих композиций исторических картин и портретов («Семья Белелли», ок. 1858-60, Музей импрессионизма, Париж). Изложена у Дега в конце 1860-х гг. принцип острого и динамичного восприятия окружающей среды и быта человека сблизил художника 1870-х гг. с импрессионизмом. Увлеченный разнообразием и подвижностью городской жизни, он писал современный Париж (уличные театры, кафе, скачки) в постоянно меняющихся измерениях, воссоздавая атмосферу капиталистического города («Конкорд», около 1875 г., «Абсент», 1876 г.). , Музей импрессионизма). art-Degas.com	Любитель абсента 1876
art-Renoir.com Огюст Ренуар (25 февраля 1841 — 3 декабря 1919) был французским художником, который был ведущим художником в развитии стиля импрессионизма.Как прославляющий красоту и особенно женскую чувственность, было сказано, что «Ренуар — последний представитель традиции, которая восходит непосредственно от Рубенса к Ватто». Ренуар был одним из ведущих художников группы импрессионистов. Он разработал технику ломаных мазков и использовал смелые комбинации чистых дополнительных цветов, чтобы запечатлеть свет и движение своих пейзажей и фигур. После визита в Италию в 1881 году его стиль изменился, став более линейным и классическим. Ренуар родился в Лиможе на юго-западе Франции, где начал работать художником по фарфору. Он переехал в Париж, присоединившись к мастерской модного художника Шарля Глейра примерно в 1861 году. Курбе оказал влияние на молодого Ренуара. В Париже он познакомился с другими художниками, в частности с Моне и Сислеем, которые впоследствии стали импрессионистами. В 1869 году он и Моне вместе работали над эскизами Сены, и Ренуар начал использовать более светлые цвета. art-Renoir.com	Холмы вокруг залива Мулен Юэ, Гернси 1883
импрессионист-АРТ.ком Импрессионизм и постимпрессионизм. В 1880-х годах Жорж Сёра был в авангарде борьбы с импрессионизмом благодаря своему уникальному анализу, основанному на тогдашних представлениях об оптической теории и теории цвета. Сёра считал, что, помещая крошечные мазки чистых цветов рядом друг с другом, глаз зрителя компенсирует визуальное несоответствие между ними, «смешивая» основные цвета для моделирования составного оттенка. В этюде «Воскресенье на Гранд-Жатт» воплощен экспериментальный стиль Сёра, получивший название неоимпрессионизма.Эта картина, последний набросок окончательной картины, дебютировавшей в 1886 году на восьмой и последней выставке импрессионистов (сегодня в Художественном институте Чикаго), изображает пейзажную сцену, населенную неторопливыми фигурами, знакомую импрессионистам тему. Но обновленный стиль Сера оживляет обычный в остальном сюжет виртуозным применением цвета и пигмента. В Circus Sideshow он использует эту технику, чтобы нарисовать редкую ночную сцену, освещенную искусственным светом. импрессионист-АРТ.ком	Воскресенье, полдень на острове Гранд-Жатт 1886 Жорж Сёра
art-Cezanne. com Поль Сезанн (19.01.1839 – 22.10.1906) – французский художник и художник-постимпрессионист, творчество которого заложило основы перехода от концепции художественного творчества XIX века к новому и радикально иному миру искусства ХХ века. век. Часто повторяющиеся исследовательские мазки Сезанна очень характерны и легко узнаваемы.Он использовал цветовые плоскости и маленькие мазки, которые образовывали сложные поля. Картины передают интенсивное изучение Сезанна своих предметов. Говорят, что Сезанн сформировал мост между импрессионизмом конца 19-го века и новым направлением художественных изысканий начала 20-го века, кубизмом. Говорят, что и Матисс, и Пикассо отмечали, что Сезанн «является отцом всех нас». art-Cezanne.com	Игроки в карты 1892
арт-Токарь.ком Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851) — английский художник-пейзажист-романтик. В конце 1780-х годов Тернер разработал свой пейзажный стиль на основе стиля Ричарда Уилсона. В первые годы девятнадцатого века он подражал двум великим мастерам пейзажа семнадцатого века, Пуссену и Клоду, а к 1830-м годам, когда он выставил свои первые картины маслом Венеции, он расширил круг прославленных мастеров, чтобы бросить им вызов в своих работах. Наша работа. В 1831 году он претендовал на наследство Ватто в своем «Этюде Ватто по правилам Фреснуа» (галерея Тейт Британия, Лондон), а в 1833 году вместе с Ван Гойеном встал в русло великой голландской морской традиции в поисках предмета (Коллекция Фрика, Нью-Йорк).В том же 1833 году он выставил свои первые два венецианских предмета. С Мостом Вздохов, Герцогским дворцом (теперь утраченным) и Таможней в Венеции: картиной Каналетти (Тейт Британия, Лондон) он сразу же и сознательно утвердил свое положение потомка своего великого венецианского предшественника. art-Turner.com	«Боевой темимер» отбуксировал к своему последнему причалу, чтобы был разбит 1839

Мы всегда рядом с тем, где были

---

Эдуард Мане,  Бар в Фоли-Бержер , холст, масло, 1882 (Галерея Курто, Лондон)

---

Др. Парме Джунтини / 08.08.2015
Адъюнкт-профессор истории искусств
Колледж искусств и дизайна Отис

---

Люди используют термин «современный» по-разному, часто очень расплывчато, с множеством подразумеваемых ассоциаций нового, современного, современного и технологического. Мы знаем разницу между современной страной и страной третьего мира, и обычно это связано не столько с искусством, сколько с технологиями и промышленным прогрессом, такими вещами, как водопровод, легкий доступ к потребительским товарам, свобода выражения мнений и право голоса. .Однако в 19 веке современность и ее связь с искусством имели определенные специфические ассоциации, которые люди начали распознавать и использовать в качестве барометров, чтобы отличить себя и свою культуру от способов и взглядов более раннего девятнадцатого века.

Хронологически модернизм относится к периоду с 1850 по 1960 год. Он начинается с реалистического движения и заканчивается абстрактным экспрессионизмом. Это чуть больше ста лет. В этот период западный мир претерпел некоторые значительные изменения, которые превратили Европу и Соединенные Штаты из традиционных обществ, основанных на сельском хозяйстве, в современные общества с городами, фабриками и общественным транспортом.

Вот некоторые важные черты, общие для всех современных обществ.

Капитализм

Капитализм заменил земельные состояния и стал экономической системой современности, в которой люди обменивали труд на фиксированную заработную плату и использовали свою заработную плату для покупки все большего количества потребительских товаров, а не для их производства сами. Эти экономические изменения резко повлияли на классовые отношения, потому что они открыли возможности для большого богатства за счет индивидуальной инициативы, индустриализации и технологий — в чем-то вроде технологий и точек.ком взрыв конца 20-го и начала 21-го века. Промышленная революция, начавшаяся в Англии в конце 18 века и быстро прокатившаяся по Европе (поразившая США сразу после Гражданской войны), изменила экономические и социальные отношения, предложила все больше и больше более дешевых потребительских товаров и изменила представления об образовании. Кому нужна была классика, когда коммерческое/техническое образование было ключом к финансовому успеху? Промышленная революция также породила чувство конкуренции и прогресса, которое продолжает влиять на нас и сегодня.

Городская культура

Клод Моне, Le Boulevard des Capucines , 1873-74, холст, масло, 80,3 x 60,3 см (Музей искусств Нельсона-Аткинса)

Городская культура заменила аграрную по мере индустриализации и роста городов. Города были местами нового богатства и возможностей с их фабриками и производственным потенциалом. Люди, переезжающие из небольших ферм и поселков в крупные города, способствовали разрушению традиционной культуры и ценностей. Были также новые осложнения, такие как растущая городская преступность, проституция, отчуждение и обезличивание.

В маленьком городке вы, вероятно, знали сапожника, который шил вам обувь, и такие личные отношения часто перерастали в повседневную экономику — вы могли бы обменять еду или рабочую силу на новую пару обуви или отсрочить платежи. Эти приспособления, которые составляли основу аграрной жизни, были сметены урбанизацией. Горожане покупали обувь, которая производилась, перевозилась по железной дороге, выставлялась в витринах и покупалась только за наличные. Сборочные конвейеры, анонимный труд и реклама создали больше потребительских товаров, но также усилили чувство обезличивания.Разрыв между «имущими» и «неимущими» увеличился и стал более заметен в городе.

Технология

«Омнибус — конный экипаж, который подбирал и перевозил людей по установленному маршруту — был введен в Лондон 4 июля 1829 года и быстро стал популярным видом транспорта» (Тейт). Уильям Моу Эгли, Омнибусная жизнь в Лондоне , 1859 г., холст, масло, 44,8 x 41,9 см (Тейт, Лондон)

Технологические достижения, такие как индустриализация, железные дороги, газовое освещение, трамваи, фабричные системы, внутренняя сантехника, бытовая техника и научные достижения, были быстро достигнуты, и эти изменения резко повлияли на то, как люди жили и думали о себе. Одним из следствий этого было то, что люди в промышленно развитых районах считали себя прогрессивными и современными, а неразвитые культуры в неразвитых странах считали примитивными и отсталыми.

Секуляризм

Современность характеризуется растущим секуляризмом и уменьшением религиозного авторитета. Люди не отказались от религии, но уделяли ей меньше внимания. Организованные религии были все менее способны диктовать стандарты, ценности и предмет.Изобразительное искусство перешло от представления человеческого опыта и его отношения к творению Бога к сосредоточению внимания на личных эмоциях и индивидуальных духовных переживаниях, которые не были основаны на какой-либо организованной и институционализированной религии.

Оптимизм

Джозеф Стелла, Бруклинский мост: вариация на старую тему , 1939, холст, масло, 70 × 42 дюйма / 177,8 × 106,7 см (Музей американского искусства Уитни)

Современный мир был крайне оптимистичен — люди восприняли эти перемены как положительные. Они приветствовали инновации и выступали за прогресс. Перемены стали символом современности. Все, что было традиционным и статичным, сигнализировало об устаревшем, старомодном, консервативном, и новой современной публике следовало избегать. Современная Европа и США усвоили эти позиции и использовали современность как способ определения и подтверждения своего превосходства. Девятнадцатый век был также периодом огромного колониального роста и экспансии во имя прогресса и социальной выгоды, и вся эта деятельность была инициирована новыми промышленно развитыми западными странами.

Многие художники тесно отождествляли себя с современностью и восприняли новые техники и инновации, дух прогресса, изобретательства, открытий, творчества и перемен. Они хотели участвовать в создании современного мира и стремились опробовать новые идеи, а не следовать более консервативным принципам академического искусства. Это не означает, что эти художники середины девятнадцатого века были первыми, кто бросил вызов старшему поколению или набору идей. Многие академические художники спорили по формальным вопросам, стилям и предметам, но это было очень похоже на добродушное соглашение внутри клуба; все в группе согласились не согласиться.

Аудитория среднего класса

Уинслоу Хомер,  Сцена крокета , 1866 г., холст, масло, 40,3 x 66,2 см (Художественный институт Чикаго)

К середине 1850-х вежливые академические разногласия были вынесены из Академии на улицу. Художники все чаще обращались за покровительством к частному сектору, подключаясь к этой растущей группе коллекционеров из буржуазии или среднего класса, у которых были деньги, которые можно было потратить, и дома, которые можно было заполнить картинами.Эта новая аудитория из среднего класса, которая зарабатывала деньги на индустриализации и производстве, имела большой «располагаемый доход», и им нужны были изображения, которые они могли понять, на которые было легко смотреть, которые вписывались в их дома, затрагивали темы, которые им нравились. Не для них исторические циклы богов, святых и героев с их сложными интеллектуальными ассоциациями и отсылками; вместо этого они хотели пейзажи, жанровые сцены и натюрморты. Они были не менее образованны, чем предыдущие покупатели, но образованы с другой направленностью и набором приоритетов.Реальность была здесь и сейчас, прогресс был неизбежен, и новым героем современной жизни стал современный человек.

Таким образом, современность представляет собой совокупность контекстов: времени, пространства и отношения. То, что делает место или объект «современным», зависит от этих условий.

Авангард

На протяжении 19-го века были художники, которые создавали картины, которые мы не называем «современным искусством», в основном потому, что техники или сюжеты были связаны с консервативными академическими стилями, техниками и подходами.С другой стороны, современных художников часто называли «авангардом». Первоначально это был военный термин, который описывал стрелкового (первого солдата) — того, кто брал на себя наибольший риск. Французский социалист Анри де Сен-Симон впервые употребил этот термин в начале 1820-х гг. для обозначения художника, чье творчество служило бы нуждам народа, социалистического общества, а не господствующих классов.

Казимир Малевич,  Супрематизм Композиция: Белое на белом , 1918, холст, масло, 31 1/4 x 31 1/4 дюйма / 79.4 х 79,4 см (Музей современного искусства). Малевич «рассматривал русскую революцию как проложившую путь к новому обществу, в котором материализм в конечном итоге приведет к духовной свободе». МоМА

Авангард также используется для обозначения художников, чьи сюжеты и техники рисования были радикальными, что отличало их от более традиционных или академических стилей, но не имело в виду какую-либо конкретную политическую идеологию. Авангард стал своего рода общим термином для ряда художественных течений, в основе которых лежала идея художественной автономии и независимости.В некоторых случаях авангард был тесно связан с политической активностью, особенно с социалистическими или коммунистическими движениями; в других случаях авангард демонстративно удалялся от политики и ориентировался прежде всего на эстетику.

No related posts.