Ахмерова Э.Р. Портретное искусство стиля модерн в России и Европе
Страница 1 из 2
Э.Р. Ахмерова (МГУ имени М.В. Ломоносова, ГТГ)
Портретное искусство стиля модерн в России и Европе
Стиль модерн на рубеже XIX-XX веков охватил всю Европу. В рамках этого стиля искусство в каждой стране имело свои особенности, и портрет обрёл местные, национальные черты, однако основополагающие принципы формообразования и иконографические мотивы модерна остались общими для всех стран1. Д.В. Сарабьянов утверждает: «Наиболее последовательно иконография, присущая стилю модерн, выявилась в живописи и графике… именно применительно к живописи и графике мы можем совершенно законно, без натяжек говорить об определённых общностях сюжетов и мотивов»2. Под иконографией в данном случае мы понимаем некий условный набор образов, сюжетов, мотивов и художественных приёмов, свойственный искусству модерна.
Задача — рассмотреть и проследить, как иконография модерна проникает в портрет и влияет на него, а также определить особенности национального варианта портрета в стиле модерн, сравнивая, насколько это возможно, картины русских и зарубежных мастеров.
На стиль модерн в Европе и в России влияет академическое и салонное искусство. В поисках «большого» стиля мастера модерна стремились создавать подлинно монументальные парадные портреты. Тема парадного портрета является общей для стран, охваченных стилем модерн. Среди отечественных художников наибольший вклад в разработку парадного портрета внёс В.А. Серов. Его портрет княгини З.Н. Юсуповой мы попробуем сравнить с портретом Миссис Лайонел Филлипс итальянского художника Джованни Болдини, который был одним из самых востребованных портретистов своего времени. В своей живописи, в целом салонной, он использовал элементы модерна. Сопоставляя эти произведения мы наблюдаем ряд схожих черт, например, в построении композиции с размещением сидящей на диване фигуры в центре холста, с интересом к прямым вертикальным и волнообразным горизонтальным линиям, которые одновременно и членят и собирают в целое композицию.
Гораздо ярче отражают стилистику модерна не парадные портреты, а портреты представителей интеллектуальной и творческой элиты своего времени. И в Европе, и в России появляется новый тип человека: интеллектуального, делового и успешного, идущего в ногу со временем и интересующегося современной культурой. Именно такими предстают на портретах Серова и Болдини такие характерные личности конца века как В.О. Гиршман и Р. де Монтескью. Владимир Осипович Гиршман был русским купцом и меценатом, собирателем живописи и антиквариата, благотворителем Московского художественного театра. Граф Робер де Монтескью — французский писатель, денди, коллекционер, библиофил и покровитель искусств. В портретном искусстве стиль модерн ищет нестандартных решений, и на этих портретах каждая фигура показана в необычном динамичном повороте, с прямой спиной и гордо поднятой головой. Мужчины выглядят уверенными в себе, просвещенными, успешными и склонными к щегольству. В портрете Гиршмана у Серова это не очень очевидно, а вот в облике де Монтескью это свойство личности наглядно продемонстрировано: Болдини пишет блестящие, уложенные волнами волосы, лихо закрученные усы, модный костюм и белоснежные перчатки.
Эпоха конца XIX – начала XX века заново открывает и активно реализует в искусстве образ женщины-соблазнительницы, или женщины-вамп. На рубеже веков в Европе поднимаются и обсуждаются вопросы предоставления женщинам равноправия в общественной, трудовой и семейной жизни, в том числе права женщины на образование, на участие в выборах, право на труд и т.п. Женщины начинают чувствовать себя свободнее, увереннее, и это, конечно, отражается в искусстве. Пожалуй, ярче всего образ роковой женщины в портретной живописи стиля модерн воплотился в творчестве Густава Климта
Прямую аналогию в живописи стиля модерн в России и в Европе дают нам два парных портрета — «Автопортрет с сестрой» кисти В.Э. Борисова-Мусатова и портрет Марты и Мориса Дени (который также имеет названия «Автопортрет с женой» и «Десерт в саду») кисти Мориса Дени. По мнению Д.В. Сарабьянова, «они близки не только по задаче и времени происхождения, но и по одинаковым принципам построения парного портрета на основе внутренней близости персонажей»
Э. Борисова-Мусатова.В портретном искусстве модерн стремится перенести человека из реального мира в мир фантастический, мир мечты. Для воплощения такой задачи художник может, во-первых, трансформировать саму фигуру изображенного человека, во-вторых, трансформировать пространство, в котором находится модель, и, в-третьих, он может трансформировать и то, и другое одновременно.
Я. Головина «Портрет М.А. Кузмина» и у Анри де Тулуз-Лотрека в «Портрете Анри Самари». При построении пространства в этих портретах художники используют точку зрения «сверху» и высокую линию горизонта. Доски, выстилающие пол, на портрете М.А. Кузмина уходят рядами диагонально влево, устремляя взгляд зрителя к фигуре и лицу, фокусируя на них внимание. В портрете Анри Самари пространство трудно идентифицировать: мы видим и дощатый пол, и ковёр на нём, и изображение деревьев, веток, цветов. Это пространство не имеет определённой глубины, оно трактовано как несколько разнофактурных и разнонаправленных плоскостей. Известно, что портрет М.А. Кузмина был написан в мастерской художника
Деформацию объемной формы и пространства можно отметить в портретах крупнейших мастеров стиля модерн, например у М.А. Врубеля и Г. Климта. У Врубеля в «Портрете Н.И. Забелы-Врубель в кресле на фоне обоев» и у Климта в его «Портрете Адели Блох-Бауэр I» мы наблюдаем характерный для модерна приём сочетания фигуры с орнаментальным фоном. Оба портрета выдержаны в тёплой золотистой гамме и представляют дам сидящими в креслах. Их фигуры смещены вправо от центральной оси, и весь фон покрыт орнаментом. Орнамент модерна очень разнообразен. У Густава Климта мы видим: горох, полоски, волны, спирали, завитки, квадраты, расположенные в шахматном порядке, орнаменты с цветочными мотивами, а также экзотические орнаменты — египетские глаза в треугольниках-пирамидках. Поток орнамента уплощает фигуру, растворяет объём. Даже причёска модели, трактованная плоскостно, превращается в орнаментальный мотив. У М.А. Врубеля этого не происходит: чувствуются формы тела модели и мягкие локоны причёски. Пространство интерьера в работе Густава Климта совершенно упраздняется.
Из помещения, наполненного предметами, оно превращается в абстрактный фон для фигуры, которая сразу притягивает к себе взгляд зрителя. Фигура Адели Блох-Бауэр кажется проявляющейся из фантастического, ирреального пространства. У М.А. Врубеля ощущение интерьера тоже упраздняется, правда орнамент не придумывается специально, а вводится в изображение как бы исподволь, в виде цветочного принта на обоях. Фигура Н.И. Забелы-Врубель получает неестественный S-образный изгиб, но всё же сохраняет объёмность. Удивительно сходными в этих портретах оказываются жесты. Кисть левой руки у Н.И. Забелы-Врубель и кисть правой руки у Адели Блох-Бауэр согнуты под прямым углом. Этот характерный «излом» формы, особенно в контрасте с расслабленной правой рукой модели, сообщает образам напряжённость и словно бы маньеристическую грацию, свойственную людям эпохи Серебряного века.В творчестве русских художников рубежа XIX-XX вв. находится немало параллелей творчеству Густава Климта8. Например, приём сочетания фигуры и орнаментального фона мы встречаем у А.
И. Савинова в работе «Арфистка. Портрет Т.С. Барцевой» и в «Портрете Адели Блох-Бауэр II» Густава Климта. Фигура женщины на этих парадных портретах изображена в центре. Орнаментальный фон состоит из плоскостей с разным орнаментом, будто это несколько отрезов разноцветных тканей, сшитых вместе. Сочетание профильного изображения лица с орнаментальным фоном становится визитной карточкой стиля Альфонса Муха («Лавр» и «Плющ»), но и в русской живописи можно встретить такой приём, например у И.С. Горюшкина-Сорокопудова в работе «Листопад. Портрет В.В. Иссинской».
Мотив танца и тема танца очень востребованы в искусстве модерна. Через танец художники выражают динамику, характер, порыв души. В стихии танца раскрывается скрытая сущность человека. Танцовщики и танцовщицы были любимыми моделями как русских, так и европейских художников. Это и Анна Павлова, и Тамара Карсавина, и Ида Рубинштейн, и, конечно, Лои Фуллер со своим знаменитым «серпантинным танцем». В этом же ряду стоят темпераментная Каролина Отеро с холста М.
А. Врубеля, французская певица и танцовщица испанского происхождения, звезда и символ «la Belle Époque», и испанская танцовщица Анита де ла Фери с портрета работы Джованни Болдини.Стиль модерн придавал большое значение символике цвета в живописи. Выбор цвета платья модели в портретном искусстве модерна нельзя считать случайностью. Для эпохи, которая мыслила символами, это невозможно. И М.А. Врубель, и В.Э. Борисов-Мусатов тщательно продумывали, во что будут одеты их модели и часто сами создавали для них эскизы туалетов. Густав Климт, крупнейший представитель европейского модерна, характеристику пространства, фигуры и выбор цвета и дизайна одежд модели возвёл в художественный принцип. Через всё искусство модерна в Европе и России проходит образ женщины в белом платье. Белый цвет всегда ассоциировался с молодостью, нравственной чистотой, непорочностью, возвышенными стремлениями. В ряду европейских дам в белом совершенно органично выглядит Н.Ю. Станюкович, запечатлённая В.Э. Борисовым-Мусатовым.
Дама в чёрном становится своеобразным лейтмотивом модерна. В облегающее блестящее чёрное платье одета климтовская Роза фон Росторн-Фридман, в чёрном платье-амазонке предстаёт перед нами грациозная О.М. Нестерова и величественная М.Н. Ермолова. Излюбленная гамма модерна — голубой, фиолетовый, лиловый — также проникает в портретное искусство. Эта гамма помогает художнику передать то самое потустороннее, мистическое, фантастическое, что ищет модерн в каждом предмете, явлении, природе и человеке. Лиловый цвет выбирает Климт для портрета Марии Хеннеберг и Муха для портрета своей сестры. Похожи на видения и фантастические миражи дамы в лиловом с холстов Врубеля и Борисова-Мусатова.Подведем некоторые итоги. В произведениях М.А. Врубеля, А.Я. Головина, В.А. Серова, В.Э. Борисова-Мусатова и других русских художников эпохи модерн имеется ряд аналогий с европейской живописью. Это интерес к символике цвета, монументальным формам, а также целый ряд конкретных художественных приёмов, например, сочетание фигуры и орнамента, приём «искажения» пространства или фигуры модели и др.
При сопоставлении с произведениями европейской живописи лучшими качествами русского портретного искусства остаются вдумчивый психологизм, особое внимание к «личному» и второстепенное значение «доличного», романтическая мечтательность и поэтизация образа.- Вперед
2.84 Цветовые системы. История вопроса (часть 28)
Тема лекции: Европа на рубеже 19-20 веков. Стиль Модерн.
Источник — Википедия
Модерн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.
Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — нем. Jugendstil, по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль «Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Голландии, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.
Общая характеристика
В 1860-1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей.
В 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приёмы. Уильям Моррис (1834-1896) создавал предметы интерьера, вдохновлённые растительными орнаментами, а Артур Макмёрдо (1851-1942) использовал элегантные, волнистые узоры в книжной графике.
Заметное влияние на стиль модерна оказало искусство Японии, ставшее более доступным на Западе с началом эпохи Мэйдзи. Художники модерна также черпали вдохновение из искусства Древнего Египта и других древних цивилизаций.
Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий.
Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. «Визитной карточкой» этого стиля стала вышивка Германа Обриста «Удар бича».
Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. Вследствие этого в этот период возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.
В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.
Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства.
Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. После 1910 значение модерна стало угасать.
Архитектура модерна
Статья из Википедии
Архитектура модерна — архитектурный стиль, получивший распространение в Европе в 1890-1910 годы в рамках художественного направления модерн. Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло).
Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.
История развития архитектуры модерна
Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта.
В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — все тщательно проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.
Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антонио Гауди. Здания, сооруженные им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.
Впервые появившись в Бельгии, этот стиль в Германии получил название югендстиля (правильнее югендштиль, нем. jugendstil), в Австрии он назывался сецессион, во Франции — ар нуво и т. д. Термин «сецессион» происходит от названия объединений художников и архитекторов, появившихся в Европе в конце XIX века, сецессий.
В переводе — «раскол». Первая такая сецессия возникла в Мюнхене в 1892 г., по инициативе Франца фон Штука, Вильгельма Трюднера и Фрица фон Юде. В 1893 была создана Берлинская сецессия, и в 1894 — Венская, самая знаменитая.
Архитектура модерна разнообразна. Стиль этот вобрал в себя элементы всех предшествующих стилей. Здания в стиле модерн могут напоминать и мавританские дворцы, и замки, и заводские корпуса. Однако, в отличие от предшествовавшего модерну эклектизма, его авторы отказались от прямого копирования форм ренессанса и барокко. В конце XIX в. Луис Салливен в Чикаго, Генрик Петрус Берлаге в Амстердаме, Анри ван де Вельде в Бельгии и Отто Вагнер в Вене одновременно выдвинули свои требования, протестуя против подражания, и их протест против историзма не остался без внимания.
Стиль развивался, и с течением времени выделилось несколько направлений:
1.
Неоромантизм, где используются элементы романского стиля, готики, ренессанса и др. стилей. Пример — Католический собор французского посольства в Санкт-Петербурге (Л. Н. Бенуа и М. М. Перетяткович), здание с элементами романского стиля. Внутри неоромантизма выделяют готизм, византизм и еще ряд традиций.
2. Неоклассицизм, пример — Музей им. А С. Пушкина в Москве, Театр на Елисейских полях в Париже (О. Перре), Отель «Пиккадили» в Лондоне (Н.Шоу), Азовско-Донской банк на Большой Морской ул. в Петербурге и др.
3. Рационализм, направление с преобладанием более простых форм. Следует заметить, что в России термин рационализм (архитектура) обычно применяют не к модерну, а к более позднему авангарду.
4. Иррационализм, пример — магазин «Самаритен» в Париже (Ф.
Журден).
5. Так называемый кирпичный стиль, когда архитекторы отказались от штукатурки, и все декоративные детали здания делались из кирпича (его основоположник в России — В. А. Шрётер).
6. В отдельных крупных городах и регионах модерн имел свои отличительные черты. Так появились термины: модерн венский, берлинский, парижский, в России, — московский, петербургский, рижский, провинциальный и т. д. В Скандинавии сложилось архитектурное направление, называемое там «национальный романтизм». В России этот стиль известен под названием северный модерн, или финский, и дома в этом стиле можно увидеть в небольшом городке Выборге.
Необходимо заметить, что в то время как одни архитекторы и историки архитектуры считают перечисленные выше направления разновидностями модерна, другие полагают, что это самостоятельные стили (см.
статьи Неоклассицизм, Северный модерн).
Возникновение стиля модерн соответствует эпохе империализма, когда возникла потребность строить не только замки, ратуши и церкви, но и заводы, вокзалы, аэродромы, выставочные залы, магистрали. Поэтому возникает потребность в использовании новых материалов. Такие материалы появляются: железо(сталь), бетон, стекло. Они дополняют использование камня, кирпича и дерева.
Период архитектуры конца XIX — начала XX века оценивался по разному. Некоторые вообще вычеркивают его из истории архитектуры, другие рассматривают как период упадка, третьи видят в ней подготовительный период в развитии дальнейшей архитектуры. Однако стиль модерн свое место в мире занял.
Идея применения стального каркаса как несущей конструкции впервые появилась в Чикаго (Чикагская школа, Луис Салливен, Франк Ллойд Райт). Наиболее яркий пример — Гаранти Траст Билдинг в Буффало.
Здание как бы устремляется ввысь, подчеркнуто вертикальное членение. Проемы окон делаются более широкими для более полного освещения помещений. Кроме того, в работах Салливена уже появляется принцип «органичной архитектуры», то есть стремление привязать строение к окружающему пейзажу, вытекание внешнего облика здания из его внутреннего содержания.
В архитектуре модерна есть ряд характерных черт, например, отказ от обязательных симметричных форм. В нем появляются новые формы, как, например, «магазинские окна», то есть широкие, предназначенные играть роль витрин. В этот период окончательно складывается тип жилого доходного дома. Получает развитие многоэтажное строительство. Бывали и такие случаи, когда наряду с удачными работами, например, подлинного югендстиля (ван де Вельде), в руках подражателей в угоду моде и из коммерческих соображений работа превращалась в пустое украшательство.
Другие архитекторы, напротив, мало опирались на наследие прошлого, щеголяли свободой творчества и, в поисках новых решений, часто вступали на путь изобретательства.
Живопись стиля модерн
Источник
Для живописи модерна характерны сочетание «ковровых» орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или тонко нюансированной монохромии. Динамикой и текучестью форм отличается скульптура модерна, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов – графика. Значительная часть художественных открытий и достижений модерна принадлежит искусству 20 в. В конце 19 в. с зарождающимся стилем были в той или иной мере связаны архитектор Антонио Гауди в Испании, бельгийский архитектор В. Орта, живописцы и графики А.де Тулуз-Лотрек, П. Гоген, художники группы «Наби» во Франции, Э. Мунк в Норвегии, О.
Бёрдсли в Великобритании, Ф. Валлоттон в Швейцарии.
Символизм (франц. symbolisme, от греч. symbolon — знак, символ), направление в художественной культуре Европы и США конца 19 — начала 20 вв. В символизме, эстетические принципы которого восходили к идеям романтизма, к философии А. Шопегауэра, Э. Гартмана, Ф. Ницше, к творчеству композитора Р. Вагнера, универсальным инструментом познания тайн бытия и сознания полагался символ, порожденный поэтическим прозрением и выражающий эзотерический, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Не обладая собственной ярко выраженной стилистикой, символизм стал своего рода «идейным» движением, привлекавшим самых разных по манере мастеров. Воссоздание и толкование основных символических мотивов, таких как: «любовь», «смерть», «страдание», «ожидание» и т.п., с различных стилистических позиций воплощались в произведениях П.
Пюви де Шаванна, Г. Моро, О. Редона во Франции, Ф. Ходлера и А. Бёклина в Швейцарии, Дж. Энсора и Ф. Ропса в Бельгии, Э. Мунка в Норвегии, М. Клингера и Ф. фон Штука в Германии; близко к символизму творчество П. Гогена и мастеров группы «Наби» во Франции, графика О. Бёрдсли в Великобритании, работы многих мастеров стиля модерн.
Модернистические течения 20 века. Значительное распространение в первое десятилетие 20 в. получил ряд направлений, связанных с отходом буржуазной культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности, которая все более вызывала у многих художников страх и ненависть. Многочисленные калейдоскопически сменявшиеся течения объединяются понятиями «модернизм», «модернистические направления». Выступления художников-модернистов принимали форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов искусства.
Однако в действительности в их лихорадочных исканиях чаще преобладали ошеломляющие зрителя узкоформальные «открытия», приводившие к всевластию субъективного, случайного или отвлечённо-рационалистического начала. По существу, деятельность этих художников представляла собой уход от основного реалистического и гуманистического пути развития мирового искусства. В этом была суть дела, а не в том временном конфликте с буржуазным потребителем искусства, который некоторые представители прогрессивной интеллигенции принимали за проявление революционности. Однако творчество таких больших мастеров, как, например, Матисс , Пикассо, Марке и другие, по существу, выходило за пределы программы этих направлений, иногда, как в случае с Марке, порывало с модернизмом. Стремление найти связь с жизнью, решить большие социальные проблемы порождало в их творчестве мучительные противоречия. Элементы реализма то в скрытом, то в более явном виде пробивались в их искусстве сквозь различные деформирующие приемы передачи действительности.
Фовизм. Первым художественным течением в 20 в., начавшим отход от принципов реализма, был фовизм (от французского слова «fauves», обозначающего зверей хищной породы. Это слово неточно было переведено термином «дикие», который привился в нашей литературе). Название «фовисты» дано художникам, выступившим в 1905 г. против живописных методов и приемов импрессионизма, против ограниченности мещанских вкусов и натуралистического правдоподобия салонного искусства. Однако эти живописцы критиковали натурализм не с реалистических, а с формалистических позиций. Фовисты не имели общей эстетической программы, их объединяли декоративный характер живописных исканий, утверждение права художника на субъективное видение мира (исключение составляет Марке), уход от решения общественных проблем. Протест художников выразился в нарочитой остроте композиционных решений, в примитивизме форм, их пластической деформации, в отрицании линейной перспективы и иллюзорности, в цветовой экспрессии.
В группу входили различные по своему творческому лицу художники: исполненный вечной мечты о гармонии мира Матисс, последовательный реалист поэт природы Марке, ставший после распада группы холодным рационалистом Дерен, отличающиеся повышенно экспрессивным восприятием мира Вламинк, острой гротескностью и трагизмом образов Руо. Фовизм лишь краткое время объединял художников. Каждый из участников группы пошел собственным путем, изменив творческие принципы и приемы.
Кубизм. Следующим этапом в формировании формалистической живописи был кубизм, возникший почти одновременно с фовизмом. Он зародился в 1907 г. в Париже и был первым открыто формалистическим течением. Основоположники кубизма — Пабло Пикассо и Жорж Брак. Как уже упоминалось, художники-кубисты исходили из положения Сезанна о том, что в основе натуры лежат простые геометрические объемы — шар, цилиндр, конус, хотя сам Сезанн никогда не обнажал геометрической структуры предметов, лишь подразумевая ее при построении объемов.
В картинах кубистов вещи разлагаются на составные части, на простейшие геометрические формы, образующие не предметы реальности, а произвольные схемы, «новую реальность», созданную «свободным воображением художника». Реальный мир с его многообразием форм поглощается геометрическими формами, удручающими тяжелой напряженностью, ритмическими диссонансами, острыми сдвигами плоскостей. Объемы изображаются с различных точек зрения и превращаются в механическую комбинацию отдельных частей. Действительность предстает в картине изломанной, распадающейся. Главными критериями оценки произведения провозглашались конструктивность, геометрическое совершенство, а не его идейное эстетическое содержание. Отказ от передачи качественного своеобразия предметов реальной жизни привел художников к уходу в мир «чистых форм», где действует закон равновесия хаотических объемов, цветовых пятен и линейного ритма. Реальный мир обесцвечивается. Колористическое решение в ранний период кубизма ограничивалось условными, почти монохромными тонами — тяжело-коричневыми, серо-стальными, желто-зелеными, охристыми и белыми.
В поисках так называемых «первоэлементов» вещей кубисты по существу отказывались от образа человека как объекта искусства вообще, от изучения его зримого облика, красоты его тела, как и от передачи чувств, идей и постижения общественного содержания жизни. Идеал «прекрасного человека», как и весь окружающий мир, разрушается из-за деформаций и дроблений форм. В кубизме нашло отражение антигуманистическое направление буржуазной культуры 20 в. Влияние кубизма на дальнейшее развитие формалистической живописи было велико.
Футуризм. Формой, откровенно далекой от реализма, был также возникший в 1909 г. футуризм (от слова «футурум» — «будущее»), существовавший до 1930-х гг., эволюционируя частично к абстракционизму. В футуризме искажение и деформация образа реального мира носили характер субъективного произвола. Группировка художников-футуристов, выступивших в 1910 г.
, провозгласила своей целью разрушение старой культуры и воплощение в современном искусстве динамизма индустриальной эпохи и современных капиталистических больших городов. Футуристы фетишизировали машинную технику, противопоставляли машину человеку. Они стремились передать в живописи внутреннюю динамику предмета и перенасыщенность сознания современного человека множеством теснящих друг друга впечатлений. Главным фактором выражения современности они провозгласили время (четвертое измерение), ощущение которого пытались передать в картине с помощью раздробления и искажения зрительного образа реального мира в хаотической динамике ритмов, путем многократной фиксации повторных этапов движения тел в пространстве. Футуристы предвещали крах современного искусства, видели новое не в социальном переустройстве жизни общества, а в торжестве современного техницизма, подавляющего человека. Наиболее яркое выражение футуризм нашел в Италии в творчестве У.
Боччони, Д. Северини, Д. Балла, К. Карра — авторов беспокойно-хаотичных композиций.
Художественная ковка модерна
Источник
Новый стиль отражает в основном изящные, живые, одухотворенные кривые и динамичные линии в плоскости. Все движения спокойные, легкие. В формах подчеркнута четкая асимметрия. Художники-модернисты стремятся к преодолению прежних растительных и звериных тематик в исторических стилях. Источником вдохновения являются листья, цветочки, стебли, формы и изгибы человеческого или животного тел. Языком Модерна считаются абстрактные формы, живые, растущие и дышащие. С особым интересом художники этого стиля рисуют кривые, вогнутой и выпуклой форм. Они уходят от копирования и стремятся к оригинальной стилизации и абстракции форм разнообразных. Модерн во всем стремится к распространению легкого и мягкого, в отличие от прежних времен. Наступление Модерна охватило и живопись, и скульптуру, и декоративное искусство, и архитектуру, даже прикладное искусство, графику.
Теперь границы между отдельными видами искусства исчезают, и интерьер рассматривается как единое целое вместе со всеми отдельными деталями. Линейность проникла также и в архитектуру. Основу этому придали металлоконструкции, с помощью которых можно создать линейную конструкцию в плоскости. Однако изделие рассматривается, прежде всего, как декор и не выполняет функции по прямому назначению.
Модерн скрывает вид материала и использует его, опираясь на некоторую пластическую массу, например, дерево должно быть материалом, способным к различным преобразованиям. Аналогично и металл превращается в податливый материал, из которого легко создается лист, цветок или ствол более вольных и свободных форм. Чем более неопределенная форма темы природы, тем ближе она по духу художнику-модернисту. Идеалом, например, могла бы быть медуза в движении. Наиболее любимые образы животного мира — лебедь и павлин, а наиболее часто используемые образы растительного мира — бессмертник, кувшинка, полевой мак или камыш.
Распространению модерна помогло широкое сближение изобразительного искусства с литературой и журналистикой. Кроме того развитию нового стиля способствовали музеи художественных ремесел, выставки и школы. Искусство модерна предоставило неплохой шанс и кузнечному искусству, которое возникло не в Англии, которую принято считать колыбелью модерна, а в Испании. Создателем этого искусства был сын кузнеца из Реуса и одни из знаменитых гениев архитектуры Антонио Гауди и Коронето.
Если мы назовем имена только наиболее крупных художников, которые вносили своими работами вклад в формирование стиля модерн в художественной ковке, то во главе их будет стоять архитектор Виктор Орта, который прославился проектом здания Maison Tassel. Оно было построено в 1892 г. и является первой работой в стиле модерн. Там главная лестница выполнена в виде художественного ансамбля, который вырастает из единого мотива. В здании Отель Сольвей в Брюсселе, главным образом, преобладает металл выдающегося художника Орта.
Этот автор позволяет металлу свободно звенеть и создает из него главный элемент орнаментов, часто повторяющихся в стекле, усиленном мраморе и дереве. Единомышленником Орта во Франции был Эктор Гимар, который реализовал себя большей частью в литье. Его работы предназначались прежде всего для широких потребностей Франции, нельзя в связи с этим не рассказать о его удивительном творчестве. Среди важных произведений это автора наиболее известны уличные фонари, перила и порталы станций метро. Они способствовали развитию произведений искусства модерна, усилению значения абстракции. В Германии во времена Модерна работал Генри Ван де Вельде. Он являлся идеальным художником и работал во всех областях творческих ремесел, а так же создавал многообразные эскизы фонарей, ювелирных изделий, посуды, тканевых орнаментов, мебельные проекты, книжные иллюстрации, архитектурные проекты и эскизы кованых изделий. Творчество чешского мастера Мухи занимает основную роль в искусстве Модерна и знаменуется разносторонним, начиная с афиш.
Это и мебель, ювелирные и кованые произведения, посуда, сервизы, кружева. Его работы легки и изобретательны. Еще одним великим деятелем чешского модерна, является Франтишек Билек. Он в своем творческом пути занимался созданием эскизов мебели, дверей и кованых изделий. Главная тема этого автора — хлебные поля, которые пронизывают все работы, начиная от отдельных деталей интерьера и заканчивая коваными изделиями. Кузнечное дело в период Модерна приобрело определенную пользу. Возрос интерес к ручной работе и мастерству, точности обработки кованых изделий, к воспроизведению элементов природного характера. В этот период выросло уважение к огню и кувалде. Это касается как кованых деталей, решеток в интерьере или экстерьере. В кузнечных работах вошло вместе с нагреванием и отделочная чеканка на листе, в отличие от прежних периодов, когда было распространено литье. Появляются многочисленные новые мастерские, например, Халлера, Коутника.
Эти мастера работают по заказам частных лиц и выполняют общественные работы более крупного масштаба.
На новом этапе развития кованого искусства активно развивается обучение молодых. Для будущего развития кузнечного дела имеет важное значение школа кузнечного искусства в Градце Краловем. В кузнечное дело вновь приходят традиционные способы обработки: сварка, клепка, пайка и продевание. А материал, используемый в комбинациях (медь, латунь или бронза) всех профилей обрабатывается исключительно в нагретом состоянии. Модерн в поздние годы сначала отвергался, а потом снова становился предметом идеалов. Ярким примером Модерна может служить любой особняк даже нашего времени, имеющий разнообразные кованые изделия, выполненные в одном ключе, начиная от решетки ограды и оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды, тканей, лестниц, и заканчивая светильниками. Направления и разновидности стиля Модерн очень разнообразны: обширный растительный стиль, строгий геометрический модерн, исторический модерн с идеями искусства Египта, античности, готики, русский стиль.
В истории найдено огромное многообразие различных художественных решений в ковке и идей этого стиля. Кузнечные технологии обогатились количеством новых приемов, востребуемых новыми линиями модерна. Черты и формы модерна вполне актуальны и сегодня. В последние годы, в связи с интересом к искусству и красоте растет увлечение модерном, особенно в кованом искусстве. Множество архитекторов и дизайнеров оформляют фасады и интерьеры зданий и частных домиков именно в этом стиле, учитывая вкусы заказчиков.
Стиль модерн интересен современным мастерам, привлекает внимание творческих личностей, уставших от жестких прямых линий, углов и унылого образа современного окружения. Глядя на живые, волнистые, изящные, ассиметричные и красивые формы в стиле модерна, можно отдыхать.
Мода стиля модерн
Подробно почитать с картинками по ссылке
Цветовая гамма одежды: белая, бледно-серая, болотная, грязновато-зеленая, бледно-желтая, розовая.
10 самых известных художников в стиле модерн
Движение в стиле модерн начало развиваться в конце 19 века как средство преобразования мира искусства в нетрадиционной, но естественной манере.
Многие художники, которые считаются частью стиля модерн, работали в самых разных областях, таких как архитектура, скульптура, живопись и даже декоративно-прикладное искусство.
Историки и ученые сегодня указывают на движение в стиле модерн как на предшественника того, что мы теперь знаем как модернизм. Период ар-нуво объединил многочисленных художников со всего мира в единое движение, в которое вошли отдельные художники из самых разных стилей, включая как изобразительное, так и прикладное искусство.
Мы составили этот список из 10 самых известных художников в стиле модерн, чтобы объяснить некоторые мотивы и исторический контекст этих великих художников и их работ.
1.
Альфонс Муха Альфонс Муха был одним из самых выдающихся представителей движения модерн.
Он известен своими проектами, которые в основном относились к плакатам и рекламе театральных представлений. Многие современные постеры к фильмам черпают элементы дизайна и вдохновение от таких работ, как Муха.
Родился в Богемии и считается одним из самых известных художников Чехии. Муха провел большую часть своей молодой жизни в таких местах, как Париж, Франция и Мюнхен, Германия, которые имеют богатую историю искусства и культуру.
Позднее Муха вернулся на родину и сосредоточил свои усилия на создании произведений, относящихся к чешской культуре.
Самые известные работы Мухи — это в основном картины и литографии, которые он создавал для рекламы театральных представлений по всей Европе. В его работах в основном фигурировали женские формы, и он стремился изображать женщин в новой манере, которая прославляла более социально влиятельную женскую фигуру.
2.
Густав Климт Густав Климт — один из самых уважаемых художников эпохи модерна. Он родился в Австрии и провел большую часть своих 55 лет в стране, лишь изредка выезжая в близлежащие страны, такие как Италия, в последние годы своей жизни.
Он уже был широко известным художником до того, как в конце 19 века начало формироваться движение модерн, а Климт был известен своими декоративными картинами, на которых в основном были изображены женщины.
Многие художники утверждали, что Австрия застряла в классической художественной структуре и культуре на протяжении большей части 1800-х годов, в то время как другие регионы Европы добились больших успехов в новых и захватывающих художественных течениях.
Именно Климт и несколько других художников основали Венский сецессион, стремившийся вывести Австрию на сцену современного европейского искусства.
Большинство картин Климта известны своим изысканным реализмом, а также уникальными элементами, которые он использовал во многих своих работах.
Климт прошел фазу, которую искусствоведы и критики называют золотой фазой художника, в последующие годы, когда он написал ряд работ, в том числе блестящие золотые одежды и прославлял женские формы.
3.
Чарльз Ренни Макинтош Чарльз Ренни Макинтош считается самой известной фигурой среди британского направления ар-нуво. Родившийся в Шотландии в 1868 году, Макинтош вырос в скромной семье и с самого раннего возраста проявлял особую склонность к искусству и архитектуре.
Он начал свою карьеру архитектором, но также увлекался живописью и был хорошо известен среди многих британских и шотландских художников конца 1800-х годов.
Он женился на Маргарет Макдональд, которая сама по себе была известной художницей, и пара объединилась с другим мужем и женой, чтобы сформировать совместную работу, известную как «Четверо». Говорят, что Макинтош был одним из самых дальновидных архитекторов и экспертов по дизайну раннего движения в стиле модерн.
В дополнение к созданию больших, раскидистых структур и известных домов, Макинтош стремился спроектировать другие вещи, такие как концертные и выставочные залы, а также различные музеи и даже железнодорожный вокзал.
Позже в своей жизни он полностью отказался от своей работы архитектором и посвятил себя исключительно акварельной живописи в последние несколько лет, живя на юге Франции.
4.
Анри де Тулуз-ЛотрекАнри де Тулуз-Лотрек приписывают слияние элементов и величия изобразительного искусства с рекламой, что дало начало знаменитым театральным плакатам и другим произведениям, которые использовались для привлечения зрителей. или посетители ночных клубов и других заведений.
В юности он создавал уникальные плакаты, которые продавал различным компаниям по всему Парижу за солидную сумму денег.
Тулуз-Лотрек имел репутацию блестящего художника, но он страдал от странного и изнурительного заболевания, которое коренилось в врожденных проблемах со здоровьем, вызванных инбридингом, поскольку его родители были двоюродными братьями и сестрами.
Будучи подростком, Тулуз-Лотрек сломал обе ноги в разных несчастных случаях, что привело к задержке роста его ног, что сделало его необычно низким ростом, несмотря на большой торс.
Произведения Тулуз-Лотрека были одними из самых заметных произведений стиля модерн. Он был невероятно талантливым художником и смог создать одни из самых очаровательных плакатов, которые теперь стали культовыми изображениями Европы конца 19-го и начала 20-го веков.
5.
Гектор ГимарБыло несколько выдающихся архитекторов, которые процветали во времена модерна, но не более, чем Гектор Гимар.
Родившийся во Франции в 1867 году, Гимар добился известности в раннем возрасте после того, как спроектировал Castel Beranger, известный многоквартирный дом в Париже, который был создан таким образом, что он действительно выделялся различными элементами дизайна в стиле модерн.
Читайте также: Ар-деко против ар-нуво
Гимара помнят как одного из самых известных архитекторов того времени, поскольку он спроектировал более 50 зданий и других сооружений в Париже и его окрестностях.
Он был провозглашен одним из самых одаренных художников своего времени и был известен дизайном других вещей, таких как мебель и другие предметы.
Некоторые из его самых выдающихся построек до сих пор стоят в Париже, но многие из лучших работ Гимара были снесены по мере того, как Париж менялся и рос в начале-середине 20-го века.
6.
Обри БердслейОбри Бердслей известен как один из самых известных художников в стиле ар-нуво, и он широко известен как один из самых плодовитых художников-иллюстраторов современности.
Бердслей родился в Англии в 1872 году и был одним из самых многообещающих молодых художников к началу движения в стиле модерн, которое началось в 1890 году. способ изготовления гравюры на дереве.
Бердслей был еще одним очень успешным и талантливым художником, создавшим некоторые из наиболее знаковых плакатов, которые использовались для театральных представлений и различных предприятий по всей Британии.
Многообещающая молодая карьера Бердслея трагически оборвалась, когда он заболел туберкулезом в возрасте двадцати с небольшим лет, а затем умер, когда ему было всего 25 лет. отражение.
7.
Жюль Шере В то время как различные художники раннего модерна приписывают большое влияние на современный стиль плакатного искусства, Жюля Шере называют «отцом современного стиля плаката».
родился в Париже в 1836 году в семье бедных художников и начал изучать искусство создания литографии, когда ему было всего 13 лет.
В ранние годы его жизни существовала поразительная разница между стилем плакатного искусства, существовавшим во Франции, и стилем, существовавшим в Великобритании.
Несмотря на то, что он родился во Франции, Шере отправился в Лондон, Англия, где он обучался методу литографии и принял свой собственный уникальный стиль, на который, как говорят, сильно повлиял британский стиль плакатного искусства.
Шере создал один из самых ярких и культовых плакатов эпохи модерна и последующих эпох.
8.
Луи МажорельМногие художники восприняли слияние декоративно-прикладного и изобразительного искусства в эпоху модерна, но Луи Мажореля помнят как одного из величайших мастеров дизайна в отношении мебели и другой декор.
Читайте также: Художники в стиле ар-деко
Мажорель был французским художником и экспертом по дизайну, родившимся в 1859 году.
самые востребованные модели того времени.
Многие из его самых выдающихся творений были мебелью с красивыми деревянными вставками, которые он объединил с элегантными тканями, которые в сочетании образовали некоторые из наиболее знаковых произведений движения ар-нуво.
Он производил кровати, стулья, кушетки и другие предметы, используя различные виды ценных, труднодоступных пород дерева, таких как красное дерево, остролист, вяз и другие.
Его предметы мебели отличались особой формой и дизайном, что отличало их от других выдающихся дизайнеров той эпохи.
9.
Эхо ЧерникЭхо Черник считается одним из наиболее выдающихся художников модерна в стиле модерн. Ее отмеченные наградами работы описываются как яркие и электрические, поскольку в них присутствуют женские формы и другие естественные и сюрреалистические элементы.
Черник — американский художник, создавший различные плакаты, обложки книг и другие иллюстрации, которые считаются одними из самых знаковых и увлекательных произведений искусства современности.
В настоящее время она работает художником-графиком и создает одни из самых широко известных книжных обложек, плакатов и произведений графического дизайна, которые являются динамичными и запоминающимися творениями любого художника с самого начала движения в стиле модерн.
10.
Герда ВегенерГерда Вегенер — одна из самых известных художниц в стиле модерн начала 20 века. Ее работы часто описываются как обладающие отчетливо эротическими качествами, которые вдохновили на создание совершенно нового жанра, относящегося к эротической природе.
Родившийся в Дании в 1886 году, Вегенер был дочерью лидера лютеранской церкви и вырос в особенно консервативном воспитании.
Ей приписывают создание некоторых из самых знаменитых картин и иллюстраций в стиле позднего модерна. Многие из ее творений уникальны тем, что изображают женскую фигуру очень сексуально вызывающей или соблазнительной.
Некоторые из ее наиболее противоречивых работ изображают женщин, занимающихся сексом, которые считались слишком яркими и откровенными для 1920-х и 1930-х годов.
Вегенер работал над изменением того, как женщины воспринимаются в произведениях искусства, а также над созданием изображений мужчин, которые сильно отличались от того, как их изображали с самых ранних времен художественного самовыражения.
Модерн
|
