Встреча куратора и художника — Новости
К выставке Элизии мы приурочили публичный образовательный проект «Элизии». Открыт наш цикл был встречей куратора Данило Эккера и самого Валерия Кошлякова, котрая прошла 10 сентября.
Представляем расшифровку беседы.
Ведущий — А сейчас я приглашаю на нашу сцену нашего куратора этого проекта, Данило Эккера и нашего художника Валерия Николаевича Кошлякова. Меня зовут Лилиана Маррэ, я специалист нашего выставочного отдела и по совместительству организатор этого мероприятия. Сейчас мы начнем нашу творческую встречу, наш диалог. Данило Эккер и Валерий Николаевич расскажут о том, как вообще все это начиналось, как в нашему музее, таком футуристичном и одновременно таком консервативном появилась такая выставка. Предлагаю начать и первое слово передаю куратору проекта Данило Эккеру.
Данило Эккер (Д.Э.) — Добрый вечер, уважаемые господа, кто вчера был на вечерней презентации, тот слышал, как я сказал: «Простите меня, что я не говорю на русском языке, но я обещаю, что я его выучу, поэтому пока вы меня будете слушать в переводе». Я хотел бы вам сейчас рассказать, даже пояснить — как и почему родилась эта выставка с этим уважаемым господином, замечательным художником Валерием Кошляковым. Но до этого я бы хотел сделать преамбулу, потому что не все точно понимают, что должен делать куратор выставки до того, как приступить к ее организации. В последние десятилетия некоторые молодые люди, которые приходят в эту область, им кажется, что быть куратором выставки это все равно, что быть каким-то, скажем так, помощником по хозяйству у какого-то великого артиста. Куратор — это не тот человек, который оказывает некие услуги и который наблюдает за работой художника. Сделать выставку и курировать выставку — это значит сыграть партию в теннис на высоте. И с одной стороны сетки стоит художник, а с другой — куратор. И они могут играть даже без теннисного мячика, то есть они вступают в сражение между собой. И никто не говорит о том, что куратор и художник должны иметь одно общее мнение, более того, очень часто между художником и куратором все рождается на контрастах и даже на конфликтах. И не все идеи господина Кошлякова для меня являются убедительными, и не со всеми ними я согласен, и вот именно из этого начинает зарождаться идея выставки. Замечательная выставка может родиться из замечательной идеи. И очень необходимо иметь отправную точку, откуда можно начинать разворачивать эти противостояния и даже некую схватку. И уже много лет, как я и господин Кошляков имеем эту точку начала наших схваток, наших баталий вокруг выставочного пространства господина Кошлякова. Я расскажу вам интересную вещь, много лет назад, в Сан Паулу, в Рио-де-Жанейро, я первый раз познакомился с Валерием Кошляковым. И меня действительно захватила и поразила та тема, которую он выстроил — противостояние и воссоединение между современностью и наследием античности. И за все эти годы у нас было много различных взаимоотношений, и не всегда наши начальные и конечные точки зрения, к которым мы приходили, совпадали. И вот почему одна из основных задач куратора заключается в том, чтобы собственное мнение и мнение художника совпали. Каждая выставка — это в первую очередь мысль, идея. Уже потом рождается физическое воплощение, ее инсталляция, но прежде всего зарождается мысль. И на такой сложной, многогранной, многоплановой выставке, нам нужно было воссоединить две разные точки зрения: мою и художника Валерия Кошлякова. С точки зрения языка живописи была необходимость воспроизвести исторический язык, с точки зрения современности нужно было воспроизвести язык современности. И самый главный элемент — это не только эти две точки зрения, это как два полярных элемента, между которых зарождается эта выставка. Это взаимоотношение с историей, вот отсюда зарождается именно повествование, этот рассказ взаимодействия Валерия Кошлякова с историей, его способность считывания и воспроизведения как очень крупных исторических событий, так и очень мелких, но важных событий, которые остаются в памяти каждого из нас. И с точки зрения языкового воспроизведения, самая сложная вещь — как ему удается воспроизвести на современном языке современность исторического наследия. И с точки зрения воспроизведения выставки как удается Валерию Кошлякову между собой собрать воедино все эти элементы, как и элементы пророка, и элементы Помпеи и соединение их с современностью. И одновременно, собирание воедино и увязывание с вышесказанным тех небольших элементов, которые относятся к каждому человеку и дороги ему — это маленькие эпизоды из жизни, какие-то предметы — и каким-то образом он увязывает это все воедино. И вот эта выставка, в которой вы находитесь, это же огромная мечта, и видение, и какие-то элементы памяти, которые относятся к вам и к художнику Кошлякову. И самое сложное здесь было это как передать важность этого искусства в экспозиции. Валерий Кошляков верно замечает, что у искусства сегодня очень сложные условия. Его смелость выйти навстречу тем трудностям, которые есть — вот его вхождение в живопись. Если на какой-то выставке вы можете более свободно собирать некие объекты, то в художественном творчестве не может быть ошибок, здесь недопустимы небольшие неточности, здесь очень сложные, четкие и жесткие условия, в которые мы поставлены. Построить этот мир — это вызов современности, потому что художественное творчество играет с прозрачностью, играет с формами, оно играет с цветами. Это те точки наших контрастных мнений с Валерием Кошляковым и вы, возможно, услышите, что он скажет все наоборот, в отличие от того, что говорю сейчас я. Он говорит: «Сегодня я классический художник», а я говорю: «Нет, он современный художник». Он говорит: «Я российский художник», а я говорю: «Нет, ты художник международного плана». И вот эта игра создает ту изюминку в нашей совместной работе. То есть он настаивает на том, что он российский и классический художник. А я создаю выставки таким образом, на которых я вам показываю, что Василий Кошляков международный современный художник. А потом вы сможете мне сказать, кто из нас двоих будет прав. Спасибо.
Валерий Кошляков (В.К.) — Я не знаю, что говорить.
Д.Э. — Поспорь со мной.
В.К. — Значит тут такая проблема, что мне было принципиально важно вот сейчас, в самое трудное время, в самое тяжелое, можно сказать, безвыходное, для такой отрасли, как живопись, чтобы мен здесь представил представить величайшей нации, от которой родилась вся культура. Это больше всего вдохновляло, что вот есть эта культура, которая из-за нашего провинцианализма, я вышел, собственно, из русской глубинки, и откуда он определил угол зрения: что весь мир, вся мировая культура смотрится через облака, тучи в степи. Что где-то там центр, а я вот постигал культуру через репродукции, плохие репродукции 60-70х годов, и вот эта культура, которая была репродуцирована, она была чудовищного качества по современным меркам в печати, и вот она рождала потрясающие образы домысливания: что же это такое? Был потертый Рубенс, потом Караваджо я помню. Безусловно, это все рождает дистанцию: где-то есть центр. Это была пирамида, куда нужно было идти. Это бы посыл такой, мне кажется, любого русского человека, рожденного где-то на периферии. И конечно же, возвращаясь к сегодняшнему дню, вот эта мысль, что художник как человек складывается достаточно рано, по его мироощущению к искусству. Безусловно, как мастер он может сложиться позже, а в душе он уже сложился, у него уже есть некая интуиция, взгляд на мировую культуру. Она, безусловно, его манит постоянно. Это был важный момент, когда встретил Данило, и подумал тогда: «Ну вот сейчас мы начнем с ним, сделаем самый, если можно так сказать, сокровенный, выстраданный проект, удар по этому модернизму, по этим ценностям, которые обдирают художника, которые отобрали у художника сцену, природу, они отобрали любовь к прекрасному, и вот мы сейчас с ним начнем, потому что он-то знает, он жил и рос с этим искусством с самого детства. Но у итальянцев современных своеобразный, другой взгляд на свое наследие, по-разному, безусловно. И вот итальянец, который представляет заманчивую, красивую, отдаленную культуру, к которой я стал последнее время ощущать, через предметный мир или фактурный (я раньше делал картоны), и вот сузил ее в рамки плоскости: вот холст и древнее средство темпера. Это апеллирует, безусловно, к фреске. Фреска — это тоже знак мощной исчезнувшей культуры, не только архитектуры, которую я исследовал и применял в качестве символа культуры. А вот саму живопись, ту, которая ее сформировала, ту, которая раскрыла человеку глаза на то, что он может все: что он может нарисовать пейзаж, и человека похоже, и натюрморт. Вот эту идею фреска и раскрыла, сформировала саму незыблемую идею живописи, вот что человек читает. Это, конечно, сложнее до всего двадцатого века. Итальянец должен был мне помочь представить это. На выставке есть несколько панно, где все это проиллюстрировано в легкой, прозрачной манере. Есть натюрморты-отголоски, уже потерявшие свое мясо, наслаждение: груша уже не груша, яблоко не яблоко. Мы помним, что это память о натюрморте. И так все, и многофигурные композиции. Живопись сейчас для меня стала предметом интереса, но, безусловно, в процессе своего становления я ушел от картины достаточно давно, и по законам contemporary art я ее разбил, моя картина разрушила раму, вышла в предметный мир, предметы отделились от холста, от плоскости. Но как оказалось вернуть все обратно, запихать достаточно сложно. И вот такое задание вернуть плоскостную и самодостаточную картину стало моей сверхзадачей, и я медленно и вокруг подхожу к какой-то картине, хочу подойти. Потому что в принципе современная вся культура уже начиная с Сезанна. можно сказать, занимается этюдом, акцией. Что такое этюд? Это впечатление. Ты можешь, конечно, его переписать много раз, но все равно это не будет картиной. Я имею ввиду, что картина — это постадийное, долгое вынашивание идеи. Например, изготовление картины в XVII веке это расстояние между просушками. Современному художнику это вообще непостижимо. Он пишет а-ля прима, вот сразу. Нужно все сразу. Вот завтра пришел, увидел, что не получается и начинает переделывать. А многие даже не переделывают. Но он не видит картину в промежутке времени. А вы представьте — Рембрандт наложил один слой, он просох, потом второй слой наложил, и ему не надоело, потому что он видит что-то большее, видит дальше, чем то, что он делает. Он как бы держит картину в голове. И вот та картина, которая была, отразилась в русском искусстве через Брюллова, через многофигурные, многосложные композиции, изготовленные постадийно, или конечно, это Иванов, «Явление Христа народу». Это картина в русском понимании, он ее писал полжизни. Есть разные версии, конечно, что он просто хотел находиться в Италии, потому что там комфортно жить и солнце ему подходило. А другая версия — его христианский подход. Ему нужно было исследовать типажи, их взгляды, их психологию. Картина строится вот так, долго. У все по-разному, безусловно. Делакруа писал некоторые вещи очень быстро, но это величайшие картины. Сегодня картины нет. Ее нет. Она исчезла как понимание, как подход. Есть разные вещи, которые называются «картины по инерции» нарисовано что-то краской, и то, что я делал, безусловно, тоже этюд — некоторые вещи я делал очень быстро. И если возвращать картину, то у меня есть несколько вариантов: либо ты находишься в состоянии достижения модернизма — это значит свобода, там есть эффектные находки у абстракционистов, очень много у импрессионизма. Либо ты находишься в состоянии полного консерватизма и отрицания всех достижений XX века. Это означает, что если прокрутить время назад, то получается, что искусство остановилось в понимании картины до сезанновского времени. Это необязательно исчерпывающий и тупиковый академизм, не обязательно. Дальше уже начинается личный проект: Сезанн, Матисс, Пикассо. Это уже не картины. И старая живопись, безусловно, для современного человека должна нести все достижения сразу. То есть нужно любить все, что создано живописью. Удивительно и парадоксально, но ясно, что можно применять цвет, как в экспрессионизме, и рисунок, как у Тициана. Это такая консервативная вещь, она не рождает ничего нового. А новое — это отдельная большая песня, большой разговор. Нового в живописи ничего быть не может. Но сама жизнь внутри живописи настолько самодостаточна, что она не требует никаких экспериментов. Которые приняты в contemporary как принцип и символ. Символ сегодняшнего искусства — это эксперимент. Он достался нам по наследству от XX века. Это огромная язва, болезнь, которую нужно изжить изнутри. И когда человек очищается, он успокаивается. В этом покое, когда тебе становится ясно что делать, жили художники две тысячи лет, две тысячи лет они развивали и толкали эту знакомую нам живопись, развиваясь мелкими шажками, друг от друга, не делая гигантских шагов, не делая никаких открытий, только им позволено достигать таких высот, которые мы знаем и видим в музеях. А они пользовались единой мифологией, единым общественным пониманием, это связано с религиозным искусством, и с другой стороны, с мифологией, они ее не меняли. Допустим, они поклонялись античности. Ну ладно, это была условность. Пуссен не задавался вопросом, почему надо это писать. Вот я пишу и пишу это «Великодушие Сципиона», ну и пишу. И оно его сильно не волновало, как сейчас, допустим, волнует сюжет современного художника. Но при этом развивается форма. Они шлифуют себя в форме. И поэтому у них было больше возможностей развивать живопись. Сегодня при полной свободе — делай что хочешь, выбирай любое — все стоит, я не вижу никаких наработок, они полностью прекратились. Нет интереса. Комфортная частная жизнь в искусстве гораздо ценней игры в новизну эксперимента. Художнику она гораздо больше дает и гораздо более комфортна. Свобода художника уже сводится к такой тихой жизни, в которой не нужны институции ни музеев, ни галерей. Конечно, вы спросите: «а как же жить?», но живопись за всю историю наработала огромный опыт выживания. Поэтому, прежде всего, хоронить ее рано, когда сцена вся зомбирована и все в один голос кричат: «Все, смерть живописи!», это не верно. Чем больше свобод, чем больше разрушений, тем больше живопись, на мой взгляд, упирается, сопротивляется через каких-то художников. Наше исследование с Владимиром Сычовым, когда мы поехали в Помпеи, оно показательно тем, что найденная там римлянами живопись показывает свое развитие. По сути, ничего другого не придумали до XX века. Как мне сказал один архитектор, который поехал в Помпеи: «Ты знаешь, в архитектуре и градостроении не придумали ничего нового». И то же самое произошло в живописи. Она развивалась неравномерно, в средневековье был перерыв, не понимали ее, не признавали по идеологическим, по религиозным вопросам. А потом она возродилась и ее увидели, Помпеи открыли — и еще одна мода на классицизм, потом еще одна волна была, и живопись в каком-то плане статична и самодостаточна. Классическая музыка очень похожа по состоянию на живопись. Ей не нужно задавать вопрос, что ты повторяешь и воспроизводишь Моцарта, это чистое исполнительское наслаждение. Вот что я хотел сказать про живопись. Парируйте, сэр.
Д.Э. — Я сейчас хотел парировать и сказать пару слов по поводу того, что вы, Валерий, говорили, потому что по ряду вещей я не совсем с вами согласен. Когда ушел из жизни Микеланджело, он оставил в наследие с материальной точки зрения очень огромные деньги, и я хочу сказать, что не только с точки зрения искусства, но и с точки зрения заработка, он был одним из самых богатых художников во всей истории. А вот Караваджо был убийцей, и еще игроком, мошенником и жуликом, и если бы у него не было близкого друга и покровителя, кардинала Колонна, скорее всего, он закончил бы свои дни в пожизненном заточении в тюрьме. Рафаэль ушел из жизни в 27 лет, он был очень богатым и избалованным Папой Римским. Фидий, один из самых великих греческих скульпторов, был одним из самых богатых людей того времени и античности. У Пикассо было огромное количество женщин, огромное количество денег, и он покупал себе виллу за виллой. Мы знаем, что Ван Гог ушел из жизни бедным, но у него был очень богатый старший брат, который был банкиром. Ван Гог родился в богатой голландской семье, и брат его всю жизнь содержал и платил каждый месяц условное содержание. И мы знаем, что один из самых богемных художников, Амадео Модильяни, умер в бедноте. Он был сыном очень богатого предпринимателя, а его брат был депутатом итальянского парламента. Я это говорю к тому, что это не совсем так, что все художники жили в неком политическом пространстве, художники всегда взаимодействовали с властями, они всегда поддерживались финансово, и когда у них появлялась возможность, они также занимались пропагандой. И некая отвлеченная от жизни романтическая идея, что, якобы, художники живут в политическом пространстве — это ошибочная идея. Валерий, а то, что в чем я с вами согласен, это что в XX веке все повернулись на том, что должны были появиться инновации и новые идеи. До второй половины XVIII века с точки зрения романтической философии эстетика создала миф об авангардном искусстве и этот миф, который взорвался в конце XIX века действительно начал истреблять настоящее искусство. И потом в течение целого века все художники занялись поисками новых идей: найти что-то новое, вместо того, чтобы думать об идее произведения искусства. И вот именно это в большей части и подорвало современное искусство как искусство начиная с прошлого века и до современных дней. Именно поэтому сейчас нам, всем присутствующим, очень сложно понять азиатское искусство, потому что в его истории не было авангардного периода. И вот что я нахожу очень важным преимуществом в творчестве Валерия Кошлякова, так это то он не занимается поисками чего-то неуловимого, якобы нового, а именно базируется на классических приемах живописи, вот в чем достоинство его творчества. Ему не так интересно что-то открыть, что-то подыскать, якобы новое, кого-то удивить, завлечь. Валерий Кошляков работает над произведением искусства, и его работа над работой, он разворачивает сюжет, идею, наполняет деталями, и вот это создает элемент классического искусства. И вот почему Валерий Кошляков, когда находит детали, он их очень красиво, очень деликатно интегрирует на свои полотна, он их наполняет смыслом, вот в чем заключается интеграция современного искусства в классическую основу живописи.
В.К. — Продолжайте, так хорошо.
Д.Э. — Ну ты понимаешь, что я еще могу сказать какие-то вещи, которые тебе не очень понравятся?
В.К. — Да.
Д.Э. — Возможно, мы поработаем немного интерактивно с залом, и кто-то скажет свое мнение или задаст вопрос.
В.К. — Я хочу уточнить, что в ситуации с русским искусством, здесь, начиная с 60-х годов, здесь тотальный андеграунд. Как мы были андеграундом, так и остались. Поэтому никакие аналоги, никакие сравнения с историей — это вес выпадает. Русское искусство и русский художник в своей биографии ничем друг от друга не отличаются, все идет как всегда, это традиционная ситуация. И мы с этим смирились. Нам не нужно ни денег, ничего. У нас говорят, что иконописцы ничего не получали, что в советское время художники на одной зарплате сидели, это все не очень расстраивает русскую душу. А насчет другого, что за счет мировой ситуации и то, что произошло в 90-е годы, как мы развивались, пытаясь достичь западный уровень — мы находимся одинаково, что запад, что русские, в том, что мы потеряли зрителя. Тотально потеряли. Между нам пропасть. И если Караваджо точно знал, куда продать, церкви, или какому-нибудь кардиналу, он точно знал адрес, сейчас адреса нет. Художник либо ориентируется на институцию современную, где есть вершина: музей, биеннале, либо он полностью исключен. Но я не беру тех художников, которые работают на салон, пейзажи рисуют или еще что-то, это немного другое, это как промыслы народные. А общая реальная ситуация, я считаю, вот такая. Мы достигли такого состояния, что рисуем сами для себя, надо признать такой ужас. И никакой Модильяни, и никакой Ван Гог, пусть даже он был одинок, они не могут сравниться с той ситуацией, которая происходит сейчас. Они тогда даже не задумывались, что придут времена, когда художнику придется оправдываться за живопись, что он вообще рисует красками, что он обязан все рассказать, почему он это делает. Поэтому уникальность и трагичность ситуации состоит именно в этом — куда загнали рисовальщиков, которые не хотят высказываться в медиа-арт, им приходится оставаться в рамках, они оказались отброшены в зону сильно маргинальную, которая вообще не обсуждается никем. Прекратились дискуссии, прекратилось обсуждение, художник стал как никогда в истории, одинок. Один на один с собой. И с искусством.
Из зала — Но вы же живете в наше время, вы используете современные технологии, современные методы письма. Но история вашего письма основывается на глубине вашего познания, воспитания, на нашей глубокой истории, и это все видно, это раз. История античности показана отрывками, которые не всем известны. Ведь наша история гораздо глубже и интереснее, то есть она трагична. Вы используете вот эти технологии, и они заметны, это все читается. Тут Russia с этой гостиницей «Москва», потом мосты, это все трогает, и, я думаю, вы замечательный художник, потому что вы отражаете реальную действительность. Вы как будто патриот, да и не как будто, вы действительно патриот России, и я вижу грусть у человека, потому что я переживаю то же самое что и вы, глядя на солдат, Интерактивность заключается в инсталляциях, ты находишься в пространстве, которое действительно интересно, это современно. И ты говоришь: «Не дайте его убить кошельком, известностью, он и так известен».
В.К. — Кошелек меня не убьет. В общем-то все правильно, я делаю вывод, что в принципе выход есть у искусства, это пропаганда. Одна из брошюр, которую мы сделали за счет музея, это цикл книжек маленьких, ликбез такой, называется «Послание в живописи». Каждый художник может оставить свои комментарии. Но приходящему студенту и начинающим людям им нужно объяснить азы. И вот к вашему разговору. Мне кажется, нужно идти навстречу зрителю, сейчас нужно объяснять, просто и тупо объяснять, что такое основы живописи. Потому что люди, расшатанные модернизмом, они уже не имеют никаких критериев, они не виноваты в этом. Они сюда приходят, а здесь что-то мелькает. Тут сапог висит, здесь еще что-то, а увязать это все в одной голове, в одной жизни, невозможно. У них на это нет времени. Безусловно, скажут, иди читай книжки побольше, самообразовывайся, но все это ни к чему не приводит. Все равно читать нет времени. Искусство нужно объяснять с самого начала, а потом уже станет ясно, примите ли вы живопись с порезом, или нет. Это один из вопросов был. Задал мне один журналист: «Вот сейчас такое время, слишком часто употребляется слово «русское» и вообще это ориентация на русских художников из Третьяковки. Это же ужас, да?» Меня хотели втянуть в эту дискуссию. Я же не вижу в этом ничего страшного. Если говорить о ситуации, в которую попала наша страна в 90-е, то все знают, что население выживало, люди занимались своими делами, им не до культуры, художники сами развивались, не было никакого контакта, не было связи. В подтверждение этому, можно сказать, что вот это разрушение государства, которое произошло, и смена на другое, где от всех одинаково потребовали что-то создать. Строить, а на чем? Вот проблема выбора. Общество расколото чудовищно. По моим друзьям прошла берлинская стена: одни вот такие, другие такие. Почему так случилось? Кого выбрать? Буржуа или же ее подружку Мухину? Это принципиальный стал вопрос. Мне буржуа не нравится, она нравится миллионам западных ценителей, а в России ее нет. Их мало, единицы, кто ее знает. И вообще Россия не прошла ни абстракцию, ничего, это специфическая страна, особая страна, ей нужен особый подход. Нам нужно пройти этот этап, он тяжелый, вот что мы построим, какую культуру, на основе чего? Вот зачем ругать Серова, когда он хороший художник. Он же хороший этюдист, потрясающий. Всему есть свое место. Вот Айвазовский. Пошло ходить на его выставки, шутят мои коллеги. Да почему? Это же русский хороший художник. Хороший, понимаете? Другое дело, что он использовал приемы, которые были направлены на понимание средними и малыми классами, это уже немного другое. А как художник по уровню мастерства это величайший художник. Здесь напрашивается вопрос — как идти к зрителю, вот как пропагандировать это искусство? Это конечно дилемма, непостижимость, и одному художнику это вообще невозможно поднять. Целая программа нужна поддержки. И исходя из этого можно сказать, что вся эта драма должна отражаться и в искусстве. Я всегда считался художником каким-то салонным. Это я вам привожу из разговора с новым нашим искусствоведом. Я — Салон. Просто я всегда был в этой осажденной Трое, я всегда был в позиции защиты, всегда нужно защищаться. Почему мне надо постоянно оправдываться? Можете себе представить? Ван Гог понятно, он за какую-то форму бился там, это я к словам о Ван Гоге. Но в принципе никогда художник себя так не чувствовал, как сегодня. Я должен оправдываться перед кураторами, и в конце концов это все надоедает, и художник уходит в себя. Никакого контакта ни с властью, вот к словам Данилы, никакого контакта ни с кем не существует, понимаете? Есть какой-то случайный коллекционер, который поддерживает твою жизнь, это ситуация реальность. Совершенно случайный, и то, непонятно, каким критерием он покупает, это нам вообще не ведомо. И вот эта ситуация, когда художник не знает, что делать, но он обязан творить, потому что жизнь проходит, все равно ты должен выставляться, как-то отчитываться. Артист обязан выступать. И на западе — я жил на западе — я вижу ту же самую картину: мир победившего модернизма, в руках которого находится вся индустрия, журнальная, музейная, и так далее и так далее. И масса андеграунда, где все аутсайдеры, огромное количество, просто армия аутсайдеров. В той же Америке, в той же Франции, которая ничего не может сделать, потому что на сцене десять человек. Это такая ситуация. Так же они искусствоведы строят и историю искусства. «Посмотрите, жестокая плеть двигала художника к свободе», вот импрессионизм, за ним постимпрессионизм, потом фовисты, потом кубисты. Они строят искусство по «измам», для них нет промежуточных художников. А вот всплывают на аукционах какие-то художники, или на выставках — вот, например, французы ценят промежуточных художников, которые соотносятся и с русским передвижничеством, и еще с нашим академизмом советского времени. И вот эти художники они про между прочим. А ведь мясо искусства, его тело состоит из этой разницы. А вот история искусства строится по внятным кодам, которые пишет какой-нибудь дядя или тетя, это неправда. Безусловно, Пикассо — величайший художник, я не спорю, но тем не менее, культура состоит из вот этого мяса. Двадцать, тридцать человек идут к какой-то идее, и один ее обобщает. Из целой школы одного запоминают. Так было в Италии, где в каждой деревне были сотни художников своих, сотни скульпторов. Один из них подытоживает находки десятка людей. Так развивалось искусство. А не так, чтобы один человек придумал что-то, а другой обязан придумать что-то свое. Это сверхидиотское задание, оно просто противоречит живому человеку. Таким способом невозможно придумать ничего нового. А потом это новое, которое легко воспроизводилось десять тысяч раз, оно перестает вообще работать, оно никому не нужно. И оно с годами — вот ушел Бойс, величайший художник Германии, мне все уши прожужжали, когда он приехал в 90-х годах. Да, я вижу человека, который несет в себе потрясающую харизму, вот он рот открывает, и все уже зачарованно слушают, потому что они ждали этого человека, они были подготовлены к артисту, который ничего не делает руками, а вот только скажет слово, или, скажем, повернет ногу наоборот, и уже все хлопают. Это определенная штука временная, которая возникает вследствие чего-то такого неуловимого. Вот оно прошло и все, а следующее поколение не может понять, заходит в комнату, а там гигантские куски сала, какие-то еще вещи… Это нужно много читать, чтобы понять это. Все искусство настолько утончилось и усложнилось, что все превращается в личный проект, который невозможно фиксировать в музее, у них нет уже места. В Помпиду 400 тысяч экземпляров в хранении, как музей сможет это показать когда-либо, и еще объяснить контекст, в котором это все родилось? И это всего лишь за двадцать-тридцать лет. Понимаете весь ужас этого накопления? У нас все жестче: у нас это все погибает, у нас все естественнее, правдивее и честнее. Поэтому, возвращаясь к этому разговору, почему живопись для меня является более универсальным и наглядным искусством? В живописи ничего нельзя скрыть, как в опере. Идешь в Большой театр, открыл рот — и всем все ясно. Это не скрыть, это понятно всем, что бы ты ни изображал. Я пришел и меня судить может каждый. А вот о пистолетах могут судить только особые люди. Я не понимаю пистолет, честное слово. Я хочу услышать настоящего итальянца, который выстрадал итальянскую культуру, он может объяснить лучше меня.
Из зала — Валер, рад тебя видеть. Слушай, скажи, мне кажется ты сидишь и оправдываешься перед нами, а мы в общем-то тебя и не пытаем. И вот почему, ты же хороший художник, почему у тебя есть сомнения, судя по всему они внутренние какие-то, что тебя так терзает, что ты оправдываешься так сегодня? Ты должен почивать на лаврах, а ты оправдываешься. Ну странно.
В.К. — А ничего не откроется. Давайте говорить о деньгах, об успехе, это же вранье все, понимаешь? Истина ― это боль, и она должна быть оголена. Я вижу эту проблему сегодня, и ты видишь эту проблему в России. И она не только русская, она международная. Я живу там, и я это вижу со стороны. Есть проблема, и можно о ней не говорить, сделали выставку и слава богу, кто-то увидел там тысячу людей — и слава богу. Это все хорошо. Я эту выставку посвящал русскому человеку, для русского зрителя. Но мне помог итальянец, сильно модернист, он работал с массой мировых художников в лучших музеях. И вдруг в середине своей жизни он чувствует, что что-то не то. Зачем я ему нужен? Есть десятки, сотни художников, которые суются с проектами. А он увидел, что есть вещь, которая в итальянском обществе, в итальянской культуре тоже назрела. Что там есть школы рисовальные, но они не могут ничего делать, они делают подделки, им китайцы заказывают подделки Караваджо. Они не могут ничего применить на сцене, ничего не происходит. Абстракция, минимализм, дизайн — все. Это ярлык, который приклеили итальянскому искусству.
Из зала — Мое мнение, что вы говорите все правильно и спасибо вам большое.
В.К. — Самое важное, что никогда в прессе я не видел никаких проблем, поднятых настоящими людьми, которые могут говорить, потому что я говорить не умею, я писать не могу, ничего. Но я говорю в узком кругу, кто задает мне вопросы. А у критиков нет таких проблем, я может мало знаком с работами, но в принципе этой проблемы нет. Коллекции меняют свои оформления. Это продолжается, я уже сколько наблюдаю за этой сценой, с 93 года, до сих пор. Фотографию сменило видео, видео сменило цифровое искусство, но это все идет как область таких открытий, открытий легких, они не касаются проблем. Ну где-то проскакивают фотографии беженцев, но как репортаж. Но в принципе трагических вопросов в искусстве они не касаются. И рынок рождает новых живописцев, которые очень дорого стоят. Безусловно, я, может неправ: один, два, три живописца очень хорошего качества, может, и выползают, то немец, то американец, то англичанин. Но год-два и их нет больше. Канули, людей нет больше. Потому что сама система постоянных обновлений такова: даже звезды перфоманса живут год-два-три и все. Это сцена. Нужно ли играть в эту сцену, как-то с ней контактировать и строить такое же общество у нас? Contemporary art сдох здесь.
Д.Э. — Валерий, вы сейчас сказали, что не умеете говорить, но я хочу сказать, вы так очаровательно говорили.
В.К. — Я псих просто.
Д.Э. — Валерий Кошляков сейчас затронул очень много важных тем и все эти темы глубокие и многоплановые. Я бы сейчас хотел ответить на несколько вопросов, которые мне касаются сегодняшней выставки. Самая важная тема, которую вы затронули — это русская культура. Мы сейчас говорим о том, что, если бы российская культура очень отличалась от европейской культуры. И когда я сам учился в школе, учился в университете, я читал и книги русских авторов, и слушал музыку русских авторов, и для меня лично все русское является и моей личной культурой. Как я могу говорить о поэзии, если я не читал стихов Маяковского? Или как бы я мог вести разговор об искусстве, если бы я не был знаком с работами Малевича? Когда мы говорим о российско-европейской культуре, я бы сказал, что это мы, европейцы, потеряли часть своей культуры, это все равно что потерять руку. И нам теперь нужно работать в том направлении, чтобы обратно обрести эту руку, каким-то образом пришить ее к телу и заставить ее действовать. Творчество Валерия Кошлякова однозначно передает нам дух России, передает насыщенность русской души и именно в этом его ценность. Но в этой культуре и в ваших произведениях искусства я узнаю те же ценности моей европейской культуры. И как я сейчас являюсь носителем моей итальянской культуры, я носитель культуры и средневековья, и барокко, и эпохи Возрождения, и когда мы говорим о Микеланджело, он не только моя культура, он общая культура. И да, мы говорим, что Караваджо родился недалеко от Милана, он родился в маленькой деревне, но Караваджо принадлежит всем нам, он принадлежит искусству общему. Я вам сейчас приведу пример. Пятнадцать лет назад я оказался в Москве, и я пошел на прогулку на Красную Площадь, и там я увидел яркие алые звезды. А сейчас я пришел и увидел, что там осталось всего две или три звезды. Я не хочу говорить как критик об истории, о звездах и так далее, но я хочу сказать, что те кремлевские звезды — это мировая культура, и они относятся и к моей личной культуре. И уважение к культуре, если говорить об этом, мы говорим, что да, в истории могли быть какие-то ошибки и так далее, но это не значит, что мы можем без уважения относиться к произведениям искусства каждой эпохи, даже если она была ошибочной. И вот почему я считаю, что необходимо помогать. Поддерживать всю российскую культуру, для того, чтобы она снова возродилась и обрела былую силу. Ту работу, которую делает музей, ту работу, которую делаете вы, то, что делает выставка Валерия Кошлякова эта та работа, чтобы заново внести российскую культуру в европейское пространство. И еще следующая вещь, которую я бы хотел пояснить, потому что я хочу, чтобы между нами с самого начала было полное понимание — сначала я говорил о художниках, которые имели некие взаимоотношения с деньгами, имели поддержку политиков, властей — это чтобы вы не считали, что есть некий романтический миф о бедном герое. Мы не можем художников из истории сравнивать с актуальной действительностью. Но, тем не менее, мы можем сейчас сделать замечание, какую важную роль имело искусство в истории. Великие народы, великие цивилизации, они приходят к сегодняшнему дню через произведения искусства. Что мы делаем сегодня, чтобы защитить искусство и культуру? Вот тот крик, который мы должны услышать, крик Валерия Кошлякова, то что мы должны защитить произведения искусства. На некоторых точках зрения мы, конечно, с Валерием Кошляковым можем находиться на разных полюсах, но мы с ним полностью согласны, когда говорим, что необходимо защищать искусство, придать ему прежний высокий статус, вот здесь я полностью согласен с Валерием Кошляковым.
Из зала — Добрый день, вот вы сами разделили искусство живописи на репортажное (эскизы) и более глубокую в культурном плане живопись. Сейчас мы живем в такую эпоху, когда все, что касается репортажа — техникой снабжен практически каждый житель Земли, все эти айфоны, сейчас триллионы фотографий. И в отличие от музыки или в отличие от скульптуры, фактически получается, что каждый обладает такой штукой. Для искусства более, наверное, важно иметь взгляд, понимание, что ты хочешь выразить, но также важна и техника. И вот сейчас видимо всех снабдят этой техникой. Как вы видите это развитие? Я вот просто не понимаю что делать с этим потоком цифрового контента и как это может взаимодействовать с настоящим искусством, живописью.
Д.Э. — Я считаю, что любая технология — это помощь, которую может иметь каждый человек. Многие художники сейчас думают, что, возможно, интернет, фотография, цифровое искусство, они являются частью искусства. Это примерно как изобретение темперы по отношению к масляным краскам: темпера быстрее сохнет. Да, конечно, эти инструментарии они помогают в скорости и технологии создания, но это не значит, что они изменяют искусство. В середине 80-х годов мы уже получили персональные компьютеры. Тридцать лет прошло, и мы видим. Что новое поколение молодежи выросло на компьютерах. И во всех академиях живописи всегда есть компьютер. Но я не знаю ни одного великого художника, который бы работал через компьютер. Проблема проявляется несколько в другом — это переход от настоящего искусства к транслированию искусства. Например, мы сейчас поговорим о таком художнике, как Маурицио Каттелан. Он очень известен, и, я полагаю, и в России его знают. Что он делает: искусство или коммуникацию? И вот именно та грань между искусством и коммуникацией постепенно стирается, после того, как появились эти высокие технологии. Даже публика на сегодняшний момент не может понять, в чем же различие между искусством как таковым и коммуникацией. И в чем разница между видеофильмом и великого режиссера и неким рекламным фильмом? Это и граница между ними, это и некая сложность, и именно то, что будет отличать искусство современности от того. Что можно просто создать на цифровых устройствах.
В.К. — Всех вооружили, так сказать. А на Веласкеса стоят тысячи людей, чтобы посмотреть как это сделано. А там сюжет, который мы уже не можем считывать: какие-то Себастьяны, святые, нам уже это не интересно. Вот ответ. Живопись — это отдельный мир, закрытый, совершенный, он недостижим по уровню мастерства. А коммуникации сами себя аннулируют. Поэтому возможности, удобство это одно, а искусство — это другое. Кажется, нужно просто объяснить и все.
Из зала — Валерий Николаевич, спасибо большое, что во времена концептуализма, модернизма, ты все-таки продолжаешь заниматься красотой, за то, что возвращаешь людей из онлайна в оффлайн, потому что нужно приходить и смотреть твои картины в реальности, это очень здорово. И вопрос. В Праге Авдей Степанович Тер-Оганьян организует новый союз советских художников. Во главу угла ставит реализм и даже соцреализм. Что ты об этом думаешь?
В.К. — Вырос я с этим человеком, созрел, и я родственников не могу обсуждать. Одно скажу, что по характеру авангард — он авангардист — он требует эпатажа. Это первое. Но за этим есть большая почва. Как долгий мигрант он мне понятен, потому что это чудовищная, разрушительная ностальгия человека, который не может приехать. Не может дотронуться до дома, в котором он вырос. Это ужасная трагедия личная. Вот, это первое, что подстегивает. И второе, конечно, и это касается не только Тер-Оганьяна, это коснулось всех художников, которых я наблюдал через книги, журналы, когда люди начинали с кубизма, а заканчивали реализмом. И концептуалисты наши, которые сейчас приезжают, бегают домой, показывают картиночки, это все о том, о живописи, что нельзя это просто так выбросить. Это не проект, господа. Живопись — это не проект, придуманный двумя-тремя людьми. Это некая субстанция выше нас. Вот дана она, и мы должны ее сохранить. Я это знаю и чувствую на кончиках собственной ладони, как говорил Малевич. Отвечая на этот вопрос про реализм, он просто как каждый человек, живущий долго на западе, видит, что умирает самая главная вещь, которая питала и Сезанна, и Матисса — это натура, это работа с натурой. Какую бы абракадабру ты бы ни нарисовал, все равно, все равно, тот же Матисс, сто сеансов делал с девчонки, чтобы нарисовать кривую ногу. Только натура, только природа, только естество может подсказать художнику какой-то ход, потому что ни один проект не сравнится с богатством божественной природы. Все так лежит. Это талдонили наши передвижники, еще кто-то, в этом есть суть. Это Ренессанс, это греки, это так далее и так далее. Поэтому, оправдывая своего друга, я вижу в нем несколько эпатажное название, но в общем-то суть верна. Вернуть человеку природу. Стакан, воду. Женскую красоту. Наливную грушу. Почувствовать ее, перенести на холст. Это вещи, которые нельзя отменить, никакими проектами, никакими словами умными ни одного теоретика. Не обманешь человека. Родится через пятьдесят, сто лет человек, который пойдет в магазин и купит краски. Кому-то не откроется, он привык уже к компьютеру, там тысяча цветов, а этому откроется. И вот он будет с ума сходить. Вот.
В омском Музее Кондратия Белова открылась выставка художника-импрессиониста
Свой вернисаж Расхат НУРИЕВ приурочил не только к собственному юбилею.
Выставка «На пути вдохновения и творчества» знакомит зрителей с индивидуальным творческим взглядом художника Расхата НУРИЕВА. Впрочем, завсегдатаям Музея Кондратия Белова представлять автора не нужно. Его выставки (часто совместно с друзьями-коллегами Владимиром СИДОРОВЫМ и Владимиром БЕЛОУСОВЫМ) проходят здесь регулярно.
Один из самых заметных пастелистов Омска, НУРИЕВ работает самобытно, а главное – разнообразно. Начинал с плаката и монотипии, постепенно пришел к пастели, где тоже постоянно ищет, играя с цветом бумаги, жанрами и техниками.
Сегодняшняя выставка посвящена 70-летию художника, но – не только. Автор посвятил ее также своему учителю – заслуженному деятелю искусств РСФСР Станиславу Кондратьевичу БЕЛОВУ: 24 мая исполнился 81 год со дня его рождения. Открытие выставки совпало с прозвеневшими в школах последними звонками, напомнив о том, что НУРИЕВ еще и педагог. Он часто ведет мастер-классы, преподает на отделении театрально-декорационной живописи Омского областного колледжа культуры и искусств.
– Для меня Расхат Вагизович – это человек, который постоянно раскрывается в чем-то новом, – говорит директор колледжа Ирина ЛАХТИНА. – Он очень скромный, абсолютно немеркантильный. И к студентам у него не то что особое терпение, а какое-то отцовское отношение. Расхат Вагизович удивляет меня и тем, как он смотрит на мир, в любом предмете может увидеть какую-то поэзию, что-то такое, на чем хочется остановить взгляд. Выбор места для выставки тоже кажется закономерным. Музей Кондратия Белова – он такой же, как юбиляр: очень скромен, очень прост, но тем, наверное, и притягателен. Потому что это близко, тепло, это – как семья.
Экспозицию составили 45 работ. Здесь и пейзаж, и натюрморт, и портретные композиции. Все работы очень личностные – в каждой запечатлен индивидуальный взгляд художника, внимательный, остроумный, подмечающий какие-то моменты.
Вот «Соавторы» – Пушкин и няня. Он с котиком на руках, она с вязанием, а за их спинами уже плывут строки: «У Лукоморья дуб зеленый». В работе «Художник Сорокин рисует поэта Сорокина» две ипостаси Антона СОРОКИНА изображены в виде символических сиамских близнецов. А «Достоевский в Омске. Теория относительности» – ну-ка, если здесь копнуть суть?
– С одной стороны ДОСТОЕВСКИЙ сидит в остроге, с другой – пишет знаменитое произведение, – улыбается НУРИЕВ.
Названия его натюрмортов и пейзажей очень лиричны: «Серебряные кружева», «Фиолетовый букет», «Сумерки в холодном». НУРИЕВА называют художником впечатления, то есть импрессионистом, и это неслучайно. Он мастерски умеет передать впечатления об увиденном (именно этот эмоциональный подтекст), и заразить им зрителей. Простые вещи часто становятся героями его работ. В натюрмортах художник уделяет внимание не букетам, а вазам, кувшинам, напоминающим ему женские фигуры. И, конечно же, всех «зацепил» в нынешней экспозиции «Трехлитровый натюрморт». Казалось бы, обыкновенная стеклотара…
– НУРИЕВ – мастер в передаче материальности предметов. Он настолько хорошо изображает вещный мир – это то, что немногие художники умеют делать, – отмечает искусствовед Людмила ОЛЕЩЕНКО.
Вернисаж действительно получился теплым и семейным, потому что на нем виновник торжества впервые представил своего старшего брата, на которого всегда равнялся в плане мастеровитости. Присутствовали и две дочери художника (третья, к сожалению, не смогла приехать). Марина ВЕРБА преподает вместе с ним в колледже культуры и искусств. Елена НУРИЕВА – автор и исполнитель удивительных песен, в каком-то психоделическом зерне напоминающих работы отца.
Большим сюрпризом для всех стало появление одноклассницы художника Алевтины ВЕРЕЖКОВОЙ, с которой они вместе учились с пятого класса.
– Хулиганом Расхат не был, – поделилась она. – Напротив, был прилежным учеником. Приехал из деревни, где учился в татарской школе, быстро освоил русский язык. Конечно, были у него не одни пятерки, но учился нормально. А еще они с другом прекрасно рисовали. И когда мы выпускались, я, помню, написала ему: «Надеюсь побывать у тебя на выставке». И вот – это уже во второй раз. Конечно, люблю и горжусь.
Напоминая о том, что скоро очередной пачинский пленэр (его музей уже несколько лет проводит на родине Кондратия БЕЛОВА), директор музея Владимир БЕЛОВ подарил Расхату НУРИЕВУ персональную футболку «Пача-2021». Теперь остается ждать новых впечатлений, которыми художник поделится с нами, переложив их на бумагу в свойственной ему импрессионистской манере.
Выставка будет работать до середины июня.
Фото © Алексей ОЗЕРОВ
| Пожалуй, только искусствоведы и сами художники знают имя этого человека, благодаря которому до нас дошли шедевры Клода Моне, Огюста Ренуара, Эдгара Дега и многих других #импрессионистов. Именно он, Поль Дюран-Рюэль, владея магазином товаров для художников, стал арт-дилером, который чуть больше 40 лет настойчиво продвигал импрессионизм. Он считал эту живопись революционной, свежей, новаторской. Его восхищало ее особое видение окружающего мира. Именно поэтому он сам не раз оказывался на опасной грани банкротства, спонсируя #импрессионистов и скупая их произведения.
И об этом человеке на днях я посмотрела фильм Фила Грабски «Импрессионисты». Каждая его лента о художниках настоящий подарок для любителей живописи, поскольку охватывает сразу всё: и личную жизнь героев фильма, их творческую судьбу, их произведения, и эпоху, в которую они жили. Поэтому истории получаются многогранными, интересными, захватывающими. Фил Грабски излишне не углубляется в детали и техническую сторону живописи. Он рассказывает о ней с позиции конкретного художника — с позиции его жизни, позволяя взглянуть на очередную историю глазами не великого новатора в искусстве, а простого человека. Поэтому его фильмы смотрятся с удовольствием и большим вниманием. Не стали исключением и его «Импрессионисты»! #Импрессионистов считали сумасшедшими. Старая Европа не воспринимала их манеру письма — грубые мазки, расплывчатость образов, резкие контрасты и сочные краски. Не нравилось и то, что они игнорировали общепринятые каноны в живописи, изображая вместо библейских сцен простых людей и не эпические пейзажи. Их яростно критиковали и откровенно оскорбляли в арт-салонах и газетах. Их живопись «обозвали» импрессионизмом по названию картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression). А малоизвестный журналист Луи Леруа в очередном своем пасквиле пренебрежительно назвал художников «импрессионисты». И вот в таких условиях Поль Дюран-Рюэль пробивал дорогу новому течению. Причем, ему самому доставалось больше всех: его считали более сумасшедшим, чем #импрессионистов, за то, что он покупал их картины.
Через его галерею прошло почти 12 тысяч произведений Ренуара, Моне, Дега, Писсарро, и многих других отвергнутых. Он проводил для них выставки, приобретал их полотна по более высокой цене, чем это делали другие, а продавал коллекционерам часто ниже себестоимости и после длительных уговоров. Но выставка в 1886 году в Нью-Йорке всё перевернула: публика нового света приняла #импрессионистов, сделав их живопись востребованной во всем мире. И вот почти 100 лет спустя после смерти Поля Дюрана-Рюэля Фил Грабски и эксперты лондонской Национальной Галереи, Люксембургского музея в Париже и филадельфийского Художественного музея (США) совместно создали фильм-выставку и одновременно фильм-посвящение «Импрессионисты». Перед ними стояла нелегкая задача: нужно было объяснить почему человек, который мечтал о карьере военного, не был ни художником, ни искусствоведом, сумел разглядеть революционную живопись и в убыток своему кошельку и в ущерб своей репутации убедить в ее гениальности весь остальной мир.
Но фильм не забывает и о самих #импрессионистах, рассказывая о художниках и демонстрируя их легендарные полотна, которые когда-то в прямом смысле оплёвывались. И вот, по прошествии почти 100 лет со смерти Поля Дюрана-Рюэля невольно задумываешься, а что было бы, если бы упорство этого человека оказалось надломлено? И на этот вопрос фильм Фила Грабски тоже дает ответ: современный мир лишился бы полотен Ренуара, Писсарро, Моне, Сислея, Дега, Мане и остальных, а импрессионизм не стал бы отправной точкой для поиска новых течений в искусстве. Автор: Василиса Смелова |
Художники Импрессионисты Список
10 художников импрессионистов, которых нужно знать
Моне стоял у самых истоков импрессионизма. Абсолютно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма.
Такую, чтобы мельчайшие детали видно было. Дега сравнил известность Мане, завоеванную посредством «Олимпии» и мужество, с которым он принял критику, с историей жизни Гарибальди. Там они встречали Коро и других художников Барбизонской школы. В наибольшей мере эти качества ощущаются в известном портрете Ренуара «Девушка с веером» (ок.
Больной и измученный Сислей просил его позаботиться о жене и детях. Энгра.
Это произведение, радостное, шумное, пронизанное солнечным светом, наполненное любовью и беззаботным смехом, – шедевр художника, – изображает излюбленное место развлечения парижан. Дега всегда привлекала фигура человека, он часто изображал певиц, танцоров, прачек, стремясь изобразить человеческое тело в различных положениях, например, на полотнах «Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем». Камиль ПиссарроПиссарро был единственным художником, который принимал участие во всех восьми выставках импрессионистов с 1874 по 1886 гг. Восходящее солнце»), Альфреда Сислея («Сельская аллея», «Мороз в Лувесьене», «Мост в Аржантее», «Ранний снег в Лувесьенне», «Лужайки весной»), Пьера Огюста Ренуара («Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно»), Камиля Писарро («Бульвар Монмартр ночью», «Жатва в Эраньи», «Жницы отдыхают», «Сад в Понтуазе», «Въезд в деревню Вуазен»), Эдгара Дега («Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем», «Любители абсента»), Жорж Сера («Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы») и других. Выполнена она пастелью на бумажном листе размером 65х65 см и принадлежит к позднему периоду творчества художника (1897 г. ). Поощрялось рисование исторических персонажей или событий, религиозных сюжетов.
Краски они накладывали отдельными мазками, часто сочетая контрастные цвета. Удачно женился и завел двух детей. Моне с точностью улавливает и передает игру цветовых рефлексов на скатерти и полупрозрачность легкого женского платья. В основу техники исполнения легло сочетание света и цвета, в стиле раздельного мазка.
Русский импрессионизм: 5 выдающихся художников
Сирень». Импрессионизм существовал не только во Франции. Такому эффекту способствовала детально разработанная колористическая система. Получив накануне орден Почетного легиона. И это помогало ему в течение всей его жизни.
Некоторое время он учился в мастерской у Глейра и даже в Школе изящных искусств. Четверо художников в 90-х годах 19 века создают новое направление в искусстве на основе импрессионизма и называют себя постимпрессионистами (Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Анри де Тулуз-Лотрек). Ее основной принцип — нахождение наиболее выразительных ракурсов в самой действительности.
Они расширили пространство процесса рисования – вышли из тесной студии обратно в мир. Писсаро любил писать фруктовые сады, поля, удивительно передавая изменения природы. 1872 «Жокеи перед трибунами», ок. Очень заметно влияние мастеров прошлого – Рубенса Буше и др.
Таковы более поздние его произведения «Мисс Лала в цирке Фернандо» (1879) и «Танцовщицы в фойе» (1879), где в пределах одного мотива дан тонкий анализ смены разнохарактерных движений. Так и французский импрессионизм в Российской империи и Советском Союзе вобрал в себя черты русского мировоззрения, национального характера и быта. Молодые художники (Клод Моне, Альфред Сислей, Пьер-Огюст Ренуар, Фредерик Базиль) объединились и стали рисовать вместе, а также искать возможности для совместного представления своих работ. Как только я начала в принципе интересоваться (конечно же, как самый доморощенный некомпетентный юзер. ) живописью, моё внимание привлекли художники-импрессионисты. Уменьшения версия картины входит в десятку самых дорогих проданных произведений искусства. Темы для картин художники брали из окружающей их повседневной жизни.
Впервые термин импрессионизм использовал критик Луи Леруа, который написал пренебрежительный отзыв в журнале «Le Charivari» о выставке художников. «Купальщицы» только отдалили художника от свойственного ему ранее непосредственного и свежего восприятия жизни.
Восходящее солнце» (Impression, soleil levant), ныне в Музее Мармоттен, Париж, написанный в 1872году дал рождение термину «импрессионизм»: малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье в журнале «Le Charivari» для выражения своего пренебрежения обозвал группу «импрессионистами». Уделите особое внимание таким полотнам Ренуара, как «Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно». Эдгар ДегаВ истории искусства Эдгар Дега остался как художник-импрессионист, хотя сам он отрицал этот ярлык, предпочитая называть себя скорее независимым художником. Так, например, жест левой рукой джорджоневской Венеры в «Олимпии» приобретает почти вульгарный в своем безразличии оттенок.
Его искусство свободно от мимолетных впечатлений – все в нем более основательно. Художники и раньше писали подобные картины, однако Дега идет несколько иным путем. Энгра, заменяется здесь более острой и непосредственной характеристикой. Детали костюма, чувства на лицах. Или художники маринисты, например, Кармайкл или Шиляев. Импрессионизм (Impressionism, франц.
При этом художники наиболее точно старались передать реальность увиденного. Она же – Камилла Донсье – стала его женой и родила ему двух сыновей. Огюст Ренуар отдавал предпочтение изображению людей на фоне природы или в интерьере.
Уже в России Репин написал вторую работу в этой технике – «На дерновой скамье». Позицию бесстрастного наблюдателя он сохраняет даже в этюдах обнаженной натуры. В его семье было несколько банкиров и Дэга прочили карьеру юриста.
Стиль поведения перед лицом произведения искусства. Последняя крупная работа Мане и просто величайшее произведение искусства.
Лучшие картины импрессионистов с названиями и фото
Именно оно точно воспроизводило неодобрительное отношение буржуазной публики и критику к художникам (импрессионистам), которое господствовало годами. Однако более легкая и светлая цветовая гамма, присущая только Ренуару, отличает этого мастера от предшественников («Харчевня матушки Антони», 1866). Краски, положенные рядом, взаимодействуют, вибрируют. Все это во многом объясняет тот факт, что начиная с 1890-х гг. Импрессионизм одно из самых известных направлений в живописи.
Само слово «импрессионизм» прочно вошло в обиход после демонстрации картины Клода Моне «Впечатление. В качестве основы для термина он взял картину Клода Моне «Впечатление. Была ещё одна статья (автор Эмиль Кардон) и ещё одно название— «Выставка мятежников», совершенно неодобрительное и осуждающее. Благодаря этому знакомству творчество уже состоявшегося художника Серова приобрело черты легкого, светлого и стремительного импрессионизма, которые мы видим в одной из его ранних работ – «Открытое окно. Постепенно термин прижился в среде живописцев и приобрел другой оттенок.
В этом направлении творили художники Германии (Макс Либерман, Ловис Коринт), Испании (Хоакин Соролья), России (К. А. В Лондоне Моне встретился с Писсарро, который также бежал из Франции. Таким образом, дорога импрессионизму была официально открыта.
А после – несчастный случай и выстрел из пистолета. Одновременно он открыл там собственную галерею.
В 1874 году группа художников совершила прорыв: организовала свою собственную выставку. Однако окончил Парижскую академию Сюиса с твердым намерением стать художником. Как он действует на меня. «Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. Однако даже несмотря на то что Дебюсси испытывал сильное влияние со стороны импрессионистской живописной эстетики, он не предпринимал попыток создать точный аналог их живописи в музыке Музыка Дебюсси вообще отличалась большим разнообразием, чем живописный импрессионизм (особенно в последних его сочинениях), так что строго импрессионистскими в ней может быть названо лишь большинство музыкальных произведений, сочиненных им в период примерно с 1892 по 1903 год и некоторые более поздние произведения, схожие по стилю.
impression – впечатление), направление в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х гг. Восходящее солнце (Impression, soleil levant) – именно он дал название группе импрессионистов и целому художественному направлению. Рядом с ней сидит человек, который выглядит как алкоголик. Позднее подлинной страстью Сезанна стала внутренняя структура пейзажа.
Англичанин по происхождению, он родился в Париже и жил там до восемнадцати лет. Тема танцовщиц была близка Дега. Но только это живопись для живописи. Это поведение может быть названо импрессионистическим.
10 импрессионистов, которых нужно знать
Творчеству Дега присущи неподдельный интерес к характерам людей, к своеобразным особенностям их поведения, а также удачно выстроенная динамическая композиция, пришедшая на смену традиционной. Тогда как старые мастера делали акцент на поэтической красоте нагого тела, музыкальности и гармонии его ритмов, Мане сосредоточивается на передаче мотивов жизненной характерности, напрочь отходя от поэтической идеализации, присущей предшественникам. Однако спустя некоторое время от живописи приходится отказаться совсем. Первоначально в его живописной манере не было новаторских устремлений, характерных для ранних работ Моне и Ренуара.
Еще в годы обучения в лицее он стал увлекаться живописью. Молодые художники того периода все более тяготели именно к абстракции в живописи. К тому же война, конфискации и Комунна лишили буржуа возможности покупать картины.
Художник обладал удивительной способностью видеть многое и улавливать то, чего не замечали другие. Чтобы увидеть предметы при естественном освещении, передать изменения, происходящие в природе в различное время суток, художники-импрессионисты оставили мастерские и отправились на открытый воздух (пленэр). Но столь же чужды были ему приемы и красочная палитра импрессионистов.
5 художников-импрессионистов, которых должен знать каждый
Художника обвинили в аморальности, вульгарности. и во многом определившее развитие искусства 19 века. Салон стал еще более реакционным.
Художник достоверно показывает естественную бледность тела современной женщины, боящейся солнечных лучей. Кроме того, с 1884 по 1887 г. Ренуар работает над созданием серии вариантов большой картины «Купальщицы». Данный принцип художник использовал уже в ранней работе «Контора по приему хлопка в Новом Орлеане» (1873), вызвавшей восхищение Э. Гонкура искренностью и реалистичностью.
Картину вполне можно рассматривать как изображение завтрака двух художников на лоне природы в окружении девушек-натурщиц (на самом деле для картины позировал брат художника Эжен Мане, Ф. Ленкоф и одна женщина-натурщица — Викторина Меран, к чьим услугам Мане прибегал довольно часто). Она была необычайно талантлива. Короткие мазки точно найденного цветового тона, крестообразно нанесенные параллельными диагоналями, могут создавать впечатление глубины и передавать ритм.
Импрессионизм (impressionnisme) – стиль живописи, который появился в конце XIX века во Франции и затем распространился по всему миру. Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника. Впервые она выставила там свои работы в 1864 году, когда ей было 23 года.
Стиль импрессионизм: картины известных художников
В конце 1880 — начале 1890-х гг. Немного позже он знакомится с И. Ионкиндом, увлекшим его работой над натурными этюдами.
Для работы художник снимал комнаты на улице Сен-Лазар, Больших Бульварах и т. п. Все увиденное он переносил на свои полотна («Итальянский бульвар утром, освещенный солнцем», 1897 «Площадь Французского театра в Париже, весна», 1898 «Оперный проезд в Париже»). К наиболее известным художникам-импрессионистам относят Эдуарда Мане («Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей»), Клода Моне («Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», ««Бульвар Капуцинок», серия работ «Водяные лилии», «Впечатление. Полное непонимание и нежелание семьи пойти навстречу привело к тому, что вконец отчаявшийся юноша бежал в Венесуэлу (1853).
Интерес к выразительному движению и его точному копированию на полотне наблюдается и в многочисленных эскизных статуэтках танцовщиц (нельзя забывать о том, что Дега был и скульптором), создаваемых мастером с целью как можно более точно уловить суть движения, его логику. Восход солнца. Полотно Дега «Музыканты оркестра» (1872) построено на резком контрасте, который создается в результате сопоставления голов музыкантов (написанных крупным планом) и маленькой фигурки танцовщицы, кланяющейся зрителям. Технически эти характеристики зачастую являются результатом статичного использования гармонии, тональной двусмысленности, ограниченного присутствия в музыке острых формальных контрастов и поступательного ритмического напора и стирания различия между мелодией и аккомпанементом. Для русского импрессионизма характерна нагруженность смыслом и меньшая динамичность изображаемого, что делает его несколько «деревенским».
Так, например, глядя из одного и того же окна, он написал 30 произведений с изображением Монмартра («Бульвар Монмартр в Париже», 1897). Его интерес лежал далеко за пределами прилавка. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико, Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков.
Родиной импрессионизма была Франция конца 1860-х годов. Одна из них – это «Розовое платье», написанная в 1864 г. По всем признакам полотно можно отнести к раннему импрессионизму: колористические контрасты, внимание к цвету, солнечное освещение и остановленное мгновенье, то самое, что назвали «впечатлением». Ещё одной специфической особенностью произведений импрессионистов является некая поверхностная будничность, которая однако содержит в себе неимоверную глубину.
Восходящее солнце». Пейзажистом был и Альфред Сислей. В настоящее время картина принадлежит Музею Орсе в Париже. Особое место в творчестве Писсарро занимают полотна, посвященные городу, показанному как живой организм, постоянно меняющийся в зависимости от освещенности и времени года.
Вместе с помощником Гино он создает несколько поражающих воображение скульптур, отличающихся красотой и гармонией силуэтов, радостью и жизнеутверждающей силой («Венера», 1913 «Большая прачка», 1917 «Материнство», 1916). Ещё меньше ясности с некоторыми художниками, которые формально не входили в круг первых импрессионистов, хотя их технические приёмы и средства полностью «импрессионистические», — Уистлер, Эдуард Мане, Эжен Буден ит. д. Не стиль искусства, а стиль восприятия искусства пытался он определить. Сопоставление мгновенно схваченных острых контрастов способствует разрушению уравновешенной композиционной гармонии старых мастеров. Возвратившись на родину, Дега обратился к исторической теме, однако придал ей нехарактерную для того времени трактовку. В 1870-1880 гг.
Но в 1871 году был арестован Курбе. Буден таким образом, приобщил Моне к работе на открытом воздухе (пленэре) и помог ему почувствовать особенности и нюансы солнечного освещения, его взаимодействие с водной поверхностью. Его картины разрушают привычные академические каноны. Она неоднократно повторялась в его творчестве. Он упрощает мотивы, приводя в равновесие декоративное и реальное, создает обобщенное представление о виденном: чистое, лишенное отвлекающих подробностей впечатление, выражение радости ощущения («На берегу моря», 1873).
Например, Аверьянов. Столб фонаря и линия горизонта как бы делят картину на четыре квадранта.
Лишь один человек был ему действительно близок – американская художница Мери Кассат. Стоит отметить, что художники конца XIX века во Франции придумали новую стилистику не на пустом месте.
Художники импрессионисты Франции
Хотя от темных цветов он по-прежнему не отказывается, да и пейзажам предпочитает живопись в бытовом жанре – это можно проследить в работах живописца «Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей» и других. Клод МонеИмя этого французского художника, пожалуй, хотя бы раз в жизни слышал каждый. Особенно это заметно в произведениях, посвященных скачкам («Молодой жокей», 1866-1868 «Скачки в провинции. 1881). В дальнейшем ощущение горечи и одиночества проникает в такие полотна, как «Абсент» (1876), «Певица из кафе» (1878), «Гладильщицы белья» (1884) и многие др.
Данное произведение считается программным в творчестве художника, т. к. в нем представлены элементы всех его излюбленных тем и жанров: портрет, натюрморт, различные световые эффекты, движение толпы. Как это нередко бывает, картины художника начинают ценить лишь после его смерти. Картина изображает типичный воскресный день в Мулен де ла Галетт на Монмартре. Одновременно и душа оказывается прямым производным от всеобщего цветения. Большое внимание Писсарро уделяет цвету, способному передать не только форму, но и материальную сущность предмета.
До конца своих дней Сезанн плодотворно работал. В январе 1899 года у него был Моне. К произведениям в данном направлении относят скульптуры знаменитого французского скульптора Огюста Родена («Поцелуй», «Мыслитель», «Поэт и муза», «Ромео и Джульетта», «Вечная весна») итальянского художника и скульптора Медардо Россо (фигуры из глины и гипса залитые для достижения уникального светового эффекта воском: «Привратница и Сводня», «Золотой век», «Материнство»), русского гениального самородка Павла Трубецкого (бронзовый бюст Льва Толстого, памятник Александру III в Петербурге).
impression – впечатление), направление в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х гг. Сама идея импрессионизма заключается в его названии: impression – впечатление. Так, в композиции «Спартанские девушки вызывают на состязание юношей» (1860) мастер игнорируя условную идеализацию античного сюжета, стремится воплотить ее такой, какой она могла быть в действительности. Дега постоянно подчеркивал свою неприязнь к детям, собакам, цветам.
Художник щедро отдает это свое чувство зрителю», – пишет в 1973 году художник и исследователь Игорь Долгополов. Аукцион, устроенный при содействии Моне в Море близ Фонтенбло имел полный успех.
Те же качества присущи и пастели Дега «Балерина на сцене» (1876-1878), которая не принадлежит к числу его шедевров. Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе. Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников. Р. Джонгкинда изображавших стремительность изменений моря и неба при помощи разнообразных как в цветовом, так и в текстурном отношении методов наложения красок.
Картины французских импрессионистов
Коровин, И. Э. В последние годы жизни у Писсарро заметно испортилось зрение. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Одним из основоположников импрессионизма является Клод Оскар Моне. Лишь за несколько месяцев до гибели художнику удалось продать только одно свое творение. Вот таким образом рисованию можно было посвящать все свободное время, не заботясь особо о заработке.
В том же году в Париже Моне обрел новых друзей – Ренуара, Сислея и Базиля. Потребовались годы жесточайшей борьбы, прежде чем члены маленькой группы смогли убедить публику не только в своей искренности, но и в своем таланте. Однако известность пришла к мастеру уже посмертно. В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору. Дега работал как одержимый.
После путешествия по Италии Валентин Серов возвращается в Абрамцево, где и создает свое самое известное и действительно «отрадное» произведение «Девочка с персиками», на котором изображена старшая дочь Саввы Мамонтова Вера. А затем стал терять зрение. Из этой поездки юноша вернулся с ворохом приличных рисунков, что убедило отца в необходимости специального образования. Не смотря на то, что манера живописи здесь достаточно плотна, цвет весом и художник еще не обратился к пленэру, данное полотно в большей степени, чем все остальные, предвосхищает зрелый период творчества Мане. Получая многократные отказы импрессионисты не могли больше ждать одобрения Салона. Работа на открытом воздухе была для него столь неприемлема, что он резко выступал против пленэристов. Мир внешний – прямое отражение внутреннего.
В «Абсенте» при слабом освещении уголка почти безлюдного кафе Дега показал две одинокие и безразличные друг к другу и ко всему миру фигуры мужчины и женщины. Он вышел из группы импрессионистов и уединенно жил в Лувесьенне. Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Впечатленный (не в лучшем смысле) работой Моне, название которой на оригинальном языке звучит как «Impression, soleil levant», журналист Луи Леруа впервые ввел в оборот термин «импрессионизм», обозначив им новое направление в живописи.
Однако его картины были не совсем понятны большинству и доходов практически не приносили. В середине 1870-х гг. К тому же он во многих моментах не совпадает с классическим французским импрессионизмом. За основу они взяли техники живописцев прошлого, в том числе художников Эпохи Возрождения.
Самые известные художники в направлении импрессионизма
Однако это было совсем не то, о чем мечтал молодой человек. Система предусматривала разложение сложных тонов на отдельные чистые цвета светового спектра. Таковым является нежно поэтичный портрет Берты Моризо с веером (1872) и изящное пастельное изображение Джорджа Мура (1879). Но Дега всегда оставался индивидуалистом. Основой стала работа Клод Моне «Впечатление.
Ему повезло родиться в богатой семье. Вскоре к ним присоединились Камиль Писсарро и Поль Сезанн. Полотно, с которого следует начинать разговор про лучшие картины импрессионистов.
Шквальный огонь критики не миновал и Берту Моризо, но она восприняла его стоически. Он никогда не был женат. В 1865 г. Моне задумал написать большое полотно «в духе Мане, но на пленэре». Действительно, он питал определенный интерес к реализму, что отличало художника от других импрессионистов, но одновременно с этим использовал в своем творчестве множество импрессионистских техник, в частности, точно так же «играл» со светом и увлекался изображением сцен из городской жизни.
Неискореним миф о Красоте, Любви, Счастье, о земном рае. Большую роль художник отводит ритмическим повторам (полукружие веера — полукруглая спинка красного кресла — покатые девичьи плечи).
История русского импрессионизма началась с картины «Портрет хористки» Константина Коровина, а также с непонимания и осуждения публики. К тому же технические средства импрессионистов были известны задолго до XIX века и их (частично, ограниченно) использовали ещё Тициан и Веласкес, не порывая с господствующими идеями своей эпохи. Писсарро был в это время в Англии. Вы можете заглянуть в гостиную и столовую, подняться наверх в спальню художника, хранящую атмосферу его последних дней: инвалидное кресло, мольберт и кисти. Изначально данный стиль подвергся сильной критике.
Лучшей и последней работой считается картина «Купальщицы», написанная в 1918г. Импрессионизм – это приятное впечатление, радость от жизни, красота каждого мгновения, наслаждение, чистота искренность. Художники-импрессионисты Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Пьер Огюст Ренуар выработали последовательную систему пленэра, создавали в своих картинах ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, растворения форм в вибрации света и воздуха. Хорошими друзьями мастера были и другие известные французские импрессионисты: Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, а также художник-импрессионист со схожей фамилией, которая ставит в тупик новичков в мире живописи, – Клод Моне.
Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Например, «Суд Париса», «Купальщица вытирающая ногу». Берта Моризо была красивой, образованной и интеллигентной молодой женщиной, которая вошла в круг импрессионистов благодаря дружбе с Мане. Именно здесь начинающий художник почувствовал отвращение к академическим и салонным штампам в искусстве, которые не могут в полной мере отразить то, что подвластно только настоящему мастеру с его индивидуальной манерой письма.
Картины импрессионистов — впечатляющие творения
Это видно. Они называли себя «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов». Стиль импрессионизм зародился во французской живописи в конце 1860-х годов. Необходимо отметить, что в композиционном отношении пейзаж «Тропинка в лугах» очень близок «Макам» (1873) К. Моне, однако живописная фактура полотен Ренуара отличается большей плотностью и материальностью.
В «Проездке скаковых лошадей» (1870-е) анализ профессиональной стороны дела дан почти с репортерской точностью. Существенным является еще один немаловажным момент: супруги изображены на природе (в саду), но у Ренуара пока еще отсутствует опыт изображения человеческих фигур на открытом воздухе. Маслом по холсту написаны не все перечисленные в статье известные картины импрессионистов. Этим импрессионисты напоминали фотографов. Суть понятия сама по себе не имеет конкретного смысла или содержания.
Мир глазами импрессионистов, картины известных художников
Другое отличие, касающееся композиционного решения, — небо.
Много времени начинающий художник уделяет работе на пленэре. Он говорил Писсарро: Вы ищете жизнь естественную, я – мнимую. Подобно Мане, он был выходцем из верхних слоев среднего класса. ИМПРЕССИОНИЗМ (Impressionism) (образованно от французского — Impressionnisme), одно из самых крупных направлений в живописи конца 19 начала 20-го веков.
Он писал сюжеты, которые появились в Париже лишь на первой выставке импрессионистов. Однако по сравнению с «Харчевней», фигуры в «Портрете Альфреда Сислея с женой» кажутся более непринужденными и живыми. Сислею удавалось убедительно и точно передавать состояния природы и эффекты, порожденные бурей, снегопадом, туманом или наводнением и при этом донести поэтическое настроение мгновения. Она понимала его замкнутость и сложность натуры. Он начал с того, что расписывал цветами фарфоровую посуду. Если сравнить это полотно с картиной Т. Жерико «Скачки в Эпсоме», то сразу становится понятно, что из-за своей явной аналитичности произведение Дега сильно проигрывает эмоциональной композиции Т. Жерико.
«Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника. А также его общеизвестным символом. Он не желал, как Дега и Базиль, служить в армии.
ИмпрессионизмТворчество художников-импрессионистов
Объективная правдоподобность приносилась в жертву законам зрительного восприятия. Его, как и других импрессионистов интересует жизнь природы в движении. При взгляде на картины Дега рождается чувство, что ты невзначай подсмотрел чужую жизнь. Это был «Завтрак на траве» (1866) — его первая наиболее значительная работа изображающая нарядно одетых парижан, выехавших за город и рассевшихся в тени дерева вокруг постеленной на земле скатерти.
В своеобразном, пантеистическом варианте проступает у Шлафа импрессионистическое взаимопроникновение внешнего и внутреннего миров. Был он саркастичен, недоверчив, часто недружественен к своим товарищам. Мане становится ведущим живописцем своего времени.
Импрессионизм, – картины современных художников и шедевры прошлых веков
И хотя об этом не очень известно и в России у импрессионизма были последователи, которые творили под влиянием творчества французских художников. Сначала она училась у Коро, затем, познакомившись с Мане, примкнула к импрессионистам. Ренуар родился в Лиможе в семье портного и четырех лет попал в Париж. Но это художественное направление вышло за пределы этой страны. Их наиболее известные произведения: Поля Гогена («Озорная шутка», «La Оrana Maria», «Борьба Иакова с ангелом», «Желтый Христос»), Поля Сезанна («Пьеро и Арлекин», «Большие купальщицы», «Дама в голубом»), Винсента Ван Гога (Звездная ночь», «Подсолнухи», «Ирисы»), Анри де Тулуз-Лотрека («Прачка», «Туалет», «Обучение танцу в Мулен-Руж»).
В живописи Мане изображение предметов стало лишь способом для художественной композиции областей с ровным цветом, а перспективная глубина была сведена к минимуму, с тем чтобы зритель мог скорее взглянуть на поверхностное моделирование и связи картины, нежели в иллюзорный трехмерный мир, созданный ими. «Олимпия» — вовсе не поэтически переосмысленный образ женской красоты, а выразительный, мастерски исполненный портрет, точно и, можно даже сказать, несколько холодно передающий сходство с Викториной Меран, постоянной натурщицей Мане. Начинается т. н. «перламутровый период» известный нам по таким произведениям, как «Девушки за фортепиано» (1892), «Заснувшая купальщица» (1897), а также портретам сыновей — Пьера, Жана и Клода — «Габриель и Жан» (1895), «Коко» (1901). Ренуар был воистину стойким оптимистом, которого вряд ли что могло заставить сдаться.
картины художников импрессионистов в высоком качестве
Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное. Обратите внимание, как часты в его картинах сюжеты из сельской жизни. Импрессионизм – это мир чувств, эмоций и мимолётных впечатлений. Да и жизнь его особым драматизмом не отличалась. 1879 и др. ). Импрессионизму присущ демократизм. Он стремился изобразить модель так, словно увидел ее в замочную скважину.
В это время он начинает работать над одним из самых значительных полотен — «Бар в Фоли-Бержер» (1881-1882 гг. ), в котором он подошел к новому уровню, к новому этапу развития своего искусства, прерванному смертью (как известно, во время работы Мане был тяжело болен). Такая техника создавала удивительно живую, трепетно свежую живопись. По словам самого художника, его детство было мрачным, холодным и пустым.
Художник прославился своей экстравагантностью, отрезав себе мочку уха. Отрицал он и разного рода социальные реформы. Знаменитые французские художники-импрессионистыНеудивительно, что одним из самых известных направлений изобразительного искусства стал именно импрессионизм в живописи: художники, работавшие в этом стиле, оставили после себя удивительные по своей красоте полотна, легкие, как глоток свежего воздуха, полные света и красок.
Поначалу критиков шокировала атмосфера деградации и упадничества, царящая на полотне. Живопись мне нравится. Беспристрастным, фиксирующим глазом видит Дега мучительный и напряженный труд балерин. Название «импрессионизм» — достаточно бессодержательное, в отличие от названия «Барбизонская школа», где хотя бы есть указание на географическое расположение художественной группы.
Это отличает творчество Дега от искусства других импрессионистов (в частности, К. Моне, А. Сислея и, отчасти, О. Ренуара) с их созерцательным подходом к окружающему миру. В 1859 г. Писсарро впервые выставил свои картины в Салоне.
Талант юного Ренуара быт замечен родителями довольно рано и в 1854 г. они определили его в мастерскую по росписи фарфора. И все же, несмотря на бедность и непризнание, они продолжали работать. Что касается «Балкона», то он скорее ближе к «Олимпии», нежели к работам 1870-х гг.
Французские художники-импрессионисты
Администрация была вынуждена поставить охранников вокруг нее. Ренуар пишет такие работы, как пронизанным солнцем пейзаж «Тропинка в лугах» (1875), наполненный легким живым движением и неуловимой игрой ярких световых бликов «Мулен де ла Галетт» (1876), а также «Зонты» (1883), «Ложа» (1874) и «Конец завтрака» (1879). Клод Моне написал его в 1872 году с натуры в старом порту французского Гавра.
В результате его палитра приобретает особую светозарность. Что касается русских людей идеи импрессионизма им были близки всегда.
Люди изображались в естественных ситуациях – за разговором, в танце, на прогулке. Их надежды на продажу картин лопнули, как мыльный пузырь. Эти прекрасные полотна были созданы несмотря на то, что художнику приходилось работать в непростой обстановке, так как после скандальной выставки импрессионистов (1874) творчество Ренуара (как и творчество его единомышленников) было подвержено острым нападкам со стороны так называемых ценителей искусства.
Знаменитые французские художники-импрессионисты
Был одним из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма. В качестве примера можно привести полотно под названием «Урок танцев» (ок. Уничтожив некоторые из своих работ, которые художник посчитал «засушенными», он начинает изучать творчество Н. Пуссена, обращается к рисунку Ж. О. Д. Если в полотнах начала 1880-х, посвященных обнаженной натуре («Женщина, выходящая из ванной», 1883), в большей степени наблюдается интерес к яркой выразительности движения, то к концу десятилетия интерес художника заметно смещается в сторону изображения женской красоты.
1874), выполненное в холодной голубоватой гамме. Смело, сочно пишет. В детстве он прекрасно пел и вполне мог бы стать выдающимся музыкантом. Знаменитый шедевр импрессионизма историки живописи нередко характеризуют как «самое красивое художественное полотно 19 века». Женщина повернута лицом к залу, в котором как бы находится и сам зритель. Многие критики считают, что по гармонии цвета и композиции «Голубых танцовщиц» можно считать лучшей работой художника на данную тему. В 1857 г. Мане посетил великого маэстро и попросил разрешения снять несколько копий с его «Барки Данте», которые сохранились до настоящего времени в Музее Метрополитен в Лионе.
Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития. Прекрасно. В тот период творчества, когда создавалась «Олимпия», Мане был увлечен японским искусством и вот таким образом намеренно отказался от проработки нюансов темного и светлого. Пейзажи города.
Современный художник-импрессионист
Импрессионисты выдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. К сожалению, художнику судьбой был уготован короткий жизненный путь. Экипаж на скачках», ок. После смерти художника в его мастерской осталось множество картин.
Камиль Писсарро, французский художник и график, родился в 1830 г. на о. Сент-Томас (Антильские о-ва) в семье торговца. Многие из этих прекрасных произведений написаны следующими мастерами импрессионизма, которых знает каждый уважающий себя ценитель мировой живописи. Эдуард МанеНесмотря на то, что целиком творчество Эдуарда Мане нельзя поместить лишь в рамки импрессионизма, художник во многом повлиял на возникновение данного течения, а другие французские художники, работающие в этом стиле, считали его основоположником импрессионизма и своим идейным вдохновителем. А это было уже совсем иное направление. Они помогли художнику раздобыть небольшую сумму денег и снять мастерскую.
Влияние импрессионистов на другие виды искусства
Эдуард Мане, так же как и многие другие импрессионисты, в частности Клод Моне и Камиль Писсарро, отказывается от устаревшей системы живописи, сложившейся в XVII в. (подмалевок, прописи, лессировки). Хотя и Мане тоже был одним из основателей жанра. Тем не менее, даже сидя в инвалидном кресле, Ренуар продолжал творить до последнего дня. Тут и пригодилось новое знакомство. Бытовая живопись слилась с портретным жанром. Суть их водилась к отходу от реализма.
Для него это была идеальная обстановка для творчества. На это Моне ответил отказом и был лишен всякой материальной помощи. А скончался Моне от рака легких. Импрессионизм (Impressionism, франц.
- Импрессионисты Главная» Блог» Любимые пейзажи» Импрессионисты
- Импрессионизм как стиль в живописи
- Импрессионизм в живописи Франции
- ИМПРЕССИОНИЗМ КАРТИНЫ СОВРЕМЕННЫХ ИМПРЕССИОНИСТОВ – КУПИТЬ КАРТИНУ ИМПРЕССИОНИСТА ГАЛЕРЕИ
Эмоции и впечатления – это моё всё. Однако его, пусть и немногочисленные, полотна по праву включают в список «Лучшие картины импрессионистов». Импрессионисты чаще творили с натуры, не пользуясь предварительными набросками и эскизами.
Да-да, это два разных художника.
- Современный импрессионизм в живописи
- В каждой картине – тайна, судьба, послание
- Огюст Ренуар: «Большие купальщицы»
- Эдгар Дега: «Голубые танцовщицы»
- Фредерик Базиль: «Розовое платье»
А скончался в 67 лет от пневмонии, оставив около 800 невероятных полотен. В 1873 г. умер отец, оставив немалые долги.
Автором термина «импрессионизм» считается французский критик и журналист Луи Леруа, который под впечатлением посещения выставки группы молодых художников «Салон отверженных» в 1874 году в Париже, называет их в своем фельетоне импрессионистами, своеобразными «впечатленцами», причем данное высказывание носит несколько пренебрежительный и ироничный характер. От своих коллег он отличался мастерством передачи движения. Когда началась франко-прусская война, Моне переселился с семьей в Лондон. Композиционная расстановка фигур частично воспроизводит известную ренессансную гравюру Маркантонио Раймонди с картины Рафаэля.
- Альфред Сислей: «Лужайки весной»
- Философия импрессионизма в живописи
- Представители французского импрессионизма
- Представители русского импрессионизма
- Известные картины жудожников импрессионизма
- Современные композиторы классической музыки
- Что написать на открытке посткроссинг
- Эдуард Мане и революция в живописи
Был сдержан и застенчив. Современные импрессионисты продолжают развивать стиль. Реакция на это новшество со стороны посетителей и критиков была далеко не дружественной. Восходящее солнце». Предпочитал писать пейзажи в окрестностях Парижа.
Но хороший старт не стал залогом успешного будущего. Он погиб в 28 лет на фронте во время франко-прусской войны. В эти поздние годы и возникли знаменитые во всем мире изображения обнаженной натуры. Реакция на это новшество со стороны посетителей и критиков была далеко не дружественной.
- Леди импрессионизма: Мэри Кассат и Берта Моризо
- Поиск по рефератам и авторским статьям
- Современный французский импрессионизм в живописи
- Современный американский импрессионизм в живописи
И вот сейчас пришла пора поделиться некоторыми своими впечатлениями на этот счет. Вопреки канонам стремительного импрессионизма, Серов писал картину ежедневно около трех месяцев, чем, по его собственным словам, «измучил двенадцатилетнюю Верочку».
Теперь он во многом зависел от продажи своих картин. И даже женился и завел восемь детей, двое из которых пошли по стопам отца. Умер он в страшной агонии после ампутации ноги. Однако в это трудное время Ренуар ощущал поддержку двух близких ему людей: брата Эдмона (издателя журнала «Ла ви модерн») и Жоржа Шарпантье (владельца еженедельника). Тогда мастер обращается к скульптуре.
Впервые эти настроения были зафиксированы в небольшом полотне «Танцовщица перед фотографом» (1870-е), на котором художник написал одинокую фигурку танцовщицы, застывшую в хмурой и мрачноватой обстановке в заученной позе перед громоздким фотографическим аппаратом. В 1872 г. был создан пейзаж Впечатление. Изучая импрессионизм в живописи, не пропустите такие работы Моне, как «Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», «Бульвар Капуцинок», а также серию работ «Водяные лилии». Пьер Огюст РенуарЭтот художник-импрессионист имел уникальное видение красоты, что сделало Ренуара одним из самых известных представителей данного направления.
С 1872 по 1877 год Сезанн находился под сильным влиянием Писсарро. Сегодня его усадьба, в тени оливково-апельсиновой рощи, открыта для посетителей. В шестидесятые годы его пейзажи, милые, отнюдь не бунтарские, были приняты в Салон.
Дом Писсарро в Лувесьенне был захвачен пруссаками, превращен в бойню, а его картины служили фартуками или настилом по грязи в саду. Как ни пародаксально, но его родители не возражали против желания сына стать художником. Первый еще во Франции под влиянием работ Моне и последователей создал картину «Парижское кафе», которую можно назвать первым русским импрессионистским полотном. Так называемый импрессионизм Мане, по сути, более близок искусству японских мастеров. Пытаясь передать немедленное визуальное впечатление, точно запечатленное сетчаткой импрессионисты отказались от использования серого и черного цветов при изображении теней, как не передающих все визуальные нюансы и перешли к использованию дополнительных цветов. Он заставлял, например, зрителя смотреть на изображенную сцену с непривычной точки зрения.
Для достижения этой цели использовались фрагменты целостных композиций, несимметричность, отображение непривычных ракурсов и т. д. Главными темами картин стали сценки городской жизни. Клод Моне был одним из основоположников импрессионизма и именно его картина «Впечатление: Восходящее солнце» дала название этому движению. «Осенний пейзаж», «Пристань в Гурзуфе», «Лунная ночь» – картины, от которых невозможно оторваться.
Обе выставки имели успех. «Бал в Мулен де ла Галетт» — искусный групповой портрет, натюрморт и пейзаж одновременно.
Посещая мастерскую, Ренуар одновременно учился в школе рисунка и прикладного искусства, а в 1862 г., скопив деньги (зарабатывая росписью гербов, штор и вееров), молодой художник поступил в Школу изящных искусств. К тому же, они стремились завершить картину за один сеанс. Сторонникам направления (не всем, конечно) понравилось новое название, как отвечающее творческому методу, которому они следовали: передача впечатления, фиксирование ускользающих моментов текущей жизни.
Родился в буржуазной семье, учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса в Париже. А. С. Пушкина в Москве. Сам Константин Алексеевич начал писать свои полотна в импрессионистической манере еще в студенческие годы, будучи не знакомым с картинами Сезанна, Моне и Ренуара, за долго до своего путешествия во Францию.
А в 1874 г. принял участие в первой выставке импрессионистов (всего их было восемь), где был раскритикован. За десять лет до смерти перестал писать. До этого и портреты и пейзажи обычно рисовались внутри помещений, а импрессионисты открыли, что они могут поймать мгновенный эффект от света, если будут снова рисовать на пленере (an plein air – на открытом воздухе). Следующая выставка в стиле ню вызвала непонимание, а из-за Олимпии (1865) разгорелся нешуточный скандал.
Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю – в 1886 году. С этого времени полотна начинают писаться техникой, получившей название «а-ля прима», отличающейся большей непосредственностью, эмоциональностью, близкой к этюдам и эскизам. Заслуживает упоминания и работы Валентина Серова, в его период увлечения стилем, особенно «Девочка с персиками» – эталон русского портретного импрессионизма.
Имя Ван Гога известно даже тем, кто абсолютно далек от мира живописи. Восходящее солнце (1872 г. в 1985 г. украдена из музея Мармоттан в Париже и сегодня числится в списках Интерпола). В них ему удается достичь четкой композиционной завершенности. В это время Писсарро взял под свое покровительство молодого живописца Поля Сезанна. Вмести с Моне он писал на пленэре лондонские пейзажи. Никто ничего не знает о личной жизни художника. Это полотно как бы полемически утверждает два взаимосвязанных друг с другом положения.
В тот период такое сочетание несло в себе известное противоречие. Общался со множеством известных художников. Любил наблюдать за людьми в театре или помещении при искусственном освещении. В появившемся на следующий день газетном отзыве на выставку критик Л. Леруа всячески издевался над отсутствием сделанности формы в картинах иронически склоняя на все лады слово впечатление (impression), будто бы заменяющее в работах молодых художников подлинное искусство. Портреты часто писались в саду или на фоне открытого окна, что добавляло жизни и динамики в произведения импрессионистов.
Часто бывал в Лувре изучая работы таких мастеров, как А. Ватто, Ф. Буше, О. Фрагонар. После выставки 1874 года он и Моне были практически изничтожены критикой и публикой. Базиль погиб на войне. Как известно, мотив сопоставления одетого мужского и обнаженного женского тела традиционен и восходит к картине Джорджоне «Сельский концерт», находящейся в Лувре. Присутствующий на выставке критик Луи Леруа довольно иронично отозвался о выставленных работах, особенно отметив работу К. Моне (1872 г. ) Впечатление.
Считается одним из самых прославленных произведений о городской жизни в 19 веке. Александр. Критики применяли это понятие для обозначения творчества представителей стиля. Термин «импрессионизм» изначально имел пренебрежительный оттенок. Для того времени, «независимые» выставки были немыслимы – показать свои работы можно было только официально – через Салон.
На полотне изображено знаменитое кабаре Парижа, которое часто посещал сам художник. В качестве модели выступала одна из кузин художника Тереза де Хорс. Отдельные цвета поэтапно накладывались на холст с расчетом на оптическое слияние в глазах зрителя. Фото выше позволяет понять, что представляет собой картина «Голубые танцовщицы».
В 1859 г. Моне уезжает в Париж с целью стать настоящим художником. и во многом определившее развитие искусства 19 века.
В результате картина становилась неким «запечатленным мгновением», маленьким «кадром» из вереницы событий в окружающем мире. Впервые понятие появилось в журнале «Le Charivari» — в фельетоне о «Салоне отверженных» «Выставка импрессионистов». Импрессионисты могли в зависимости от своего видения небо написать зеленым, а траву синей. Эта выставка стала судьбоносной для мира искусства.
Стир). Мастер страстно любил Париж, вот таким образом большинство полотен он посвятил именно ему. Не обязательно Айвазовский, хотя он тоже нравится. Именно вот таким образом Я столь безлико, может без труда принимать любые формы одного и того же весеннего состояния, включаться в хоровод красок, в игру ярких цветов, где легко и просто меняются наряды. Испанец, правда, с темпераментом».
Мрачен и задумчив бледный бородатый мужчина с одутловатым лицом. Особенно хорошо заметно это в картине «Купанье» (1886), где художник с большим мастерством передает очарование гибкого и грациозного тела молодой женщины, наклонившейся над тазом. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь— это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара, Мане и Клода Моне). Сюжет для них не имел почти никакого значения.
Произведение характеризуется традиционностью своей замкнутой и уравновешенной композиции. Переехав в Париж, завел знакомство с К. Моне и О. Ренуаром. В настоящее время картина хранится в Музее искусств им. Пленэру Дега предпочитал театр, оперу, кафе и кафешантаны. Грабарь) и других стран.
Вместо того они начали использовать легкие, более солнечные и сверкающие краски. Мане однажды сказал Берте Моризо: Ему не хватает естественности, он не способен любить женщину. Однако такой успех был омрачен переломом руки, артритом и параличом. Именно в живописном искусстве импрессионизм проявился особенно ярко. В «Портрете Альфреда Сислея с женой» (1868) Ренуар старается показать то чувство, которое связывает прогуливающуюся под руку супружескую чету: Сислей на мгновение приостановился и нежно наклонился к своей жене. В действительности, роли «униженных и оскорбленных» героев исполнили художник Марселен Дебутен и актриса Эллен Андре.
Нанесенные крестообразно, параллельными и диагональными линиями, они придают всему изображению удивительное ощущение глубины и ритмического звучания («Сена в Марли», 1871). Расположившись на берегу, друзья писали окрестности Буживаля. А на похороны великого творца собрался весь артистический Париж.
Но, несмотря на достаточно мрачную палитру, картина является эталонным импрессионистическим произведением, так как на ней Серову удалось запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. В письме невесте из Венеции Серов писал: В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Скончался Ренуар в 1919 г. в своем поместье, находящемся в Приморских Альпах. Весна души творит весенний пейзаж.
Однако русский импрессионизм имеет четко выраженную национальную специфику. Эти художники отказались от использования традиционной пейзажной цветовой палитры, состоявшей из безмолвных зеленых, коричневых и серых оттенков. Импрессионисты также переняли практику Будена писать картины практически целиком вне студии имея перед глазами натуру, вместо того чтобы завершать полотно в студии, основываясь на предварительных набросках, что в то время было обычной практикой. Его картины, такие как «Бал в Мулен де ла Галетт» и «Завтрак гребцов» (1881) похожи на яркие и восторженные воспоминания о лучших моментах жизни. У него была большая семья, признание и даже звание кавалера Ордена Почетного легиона.
В 1870 году прусская армия дошла до ворот Парижа. «Восход солнца», «Мост в Европу», «Впечатление» – это лишь малая толика уникальных произведений автора, поражающих своей насыщенностью и полнотой жизненности. Восходящее солнце».
.
Оскар Клод Моне. Импрессионист, который изменил все
Оскар Клод Моне стал основателем одного из первых протестных направлений искусства XIX века – импрессионизма. Что нового привнесли импрессионисты и каков в этом вклад Моне? Concepture разбирается в вопросе.
Отсутствие глубины
Художнику необходимо передавать посредством творчества внутренние переживания, эмоции, мысли, он стремится выплеснуть на холст то, что задевает его душу. Для этого необходима свобода, свобода в выражении творческого порыва. Этого не могла предоставить академическая живопись со свойственными ей строгими канонами.
В наступившем кризисе второй трети XIX века созревают те изменения, которые породили одно из самых значимых направлений в истории живописи – импрессионизм. Его отцом-основателем является ключевая фигура нашей статьи – Оскар Клод Моне. Родился он 14 ноября 1840 года и жил в народном квартале Монмартр. В 1845 году семья переезжает в Нормандию, в Гавр. Живописи учился в Париже. Умер 5 декабря 1926 года в Живерни, во Франции в возрасте 86 лет.
Творческая манера художника заставляет задуматься о его вкладе в искусство. Страсть к написанию пейзажей повлияла на создание им особой техники экспрессивных мазков: отсутствие глубины и описательных деталей. Такого рода приемы были крайне революционны для того времени. Моне разрушал привычные стереотипы и уводил публику в другой мир, мир, где царит сиюминутное состояние природы и вещей в ней. Он цеплялся за мгновения, чтобы запечатлеть их на своих полотнах.
Рисуя на пленэре, Моне старался ухватить настроение окружающей его атмосферы, чтобы заставить замереть навечно в картине. Свобода – вот главный принцип его творческого пути. Его живая, внутренняя энергия благоприятствовала появлению импрессионизма – термин придумали критики.
Сам Моне не написал ни одного трактата или манифеста. Также как и сложившаяся вместе с ним группа художников Моне (Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль и др.) не осознавал себя как импрессионист, он писал, лишь поддаваясь вдохновению и попытке вырастить в себе нечто стоящее. Импрессионизм стал самостоятельным и вполне признанным направлением по истечении многих лет. Сегодня он признается отправной точкой на пути к современному искусству. С него начинает меняться видение мира, переосмысление форм, и делается акцент на чувственном восприятии. Все это заслуга Оскара Клода Моне.
Зрительная революция
Каждый художник стремится выработать индивидуальную манеру письма, которая выделяла бы его полотна среди остальных. Уровень профессионализма влияет на уверенность владения той или иной техникой. Моне прославился тем, что создал свой способ. Давайте рассмотрим некоторые из его работ.
Картина, ставшая манифестом импрессионистов и подарившая название направлению – «Впечатление. Восход солнца», представленная на выставке Салона отверженных 15 апреля 1874 года. Как и многие картины этой выставки, она вызвала всевозможные отрицательные отзывы критиков. В ней не видели целостности и гармоничности форм, среди недостатков называли отсутствие глубины и описательных деталей. Ироничный комментарий критика Луи Леруа в журнале «Ле Шаривари» гласил: «Выставка импрессионистов». Таким образом, было положено начало этому движению. Моне среди них был ключевым звеном. Его техника напоминает раздвоенный экспрессивный мазок, автономный по своей природе, отвлеченный от фактуры и формы предмета.
После второй выставки импрессионистов, открывшейся в 1876 году в галерее Дюран-Рюэля и прошедшей более успешно в большей степени благодаря выступлениям именитых писателей.
Стефан Малларме высказал весьма тонкое наблюдение, относительно картины Моне «Портрет Камиллы в японской одежде»:
«Что касается отдельных деталей картины, ничего нельзя определить с точностью, потому что нужно чувствовать, что сияющий свет, озаряющий картину, и обволакивающая ее прозрачная тень схвачены в моменты их становления, точно в тот момент, когда зритель смотрит на изображение, и оно, составленное из гармонии отраженного и изменчивого света, не может быть всегда равным самому себе, но трепещет в движении, свете, жизни».
В этих словах можно почувствовать истинную поэзию произведений импрессионистов, среди которых своей силой и душевностью выделялись работы Моне.
В 1877 году тяга художника перемещается в индустриальную тематику, он начинает писать вокзал Сен-Лазар, который станет его излюбленным местом. Его привлекала новая черта измененного мира — строительное дело со своими прямолинейными железобетонными постройками, предвосхищающими будущее конструкциями мостов, железных дорог, со скорыми, пыхтящими поездами, изменившими ландшафт, сделав его чарующим и современным. Символическим пространством, которое прославляло технический прогресс, стал железнодорожный вокзал, настоящий «кафедральный собор» индустриальной эры.
Художник, снявший студию около нового вокзала Сен-Лазар, заинтересовался станцией как сюжетом для серии из двенадцати картин разных размеров, изображающих вокзал в различных ракурсах. Он внимательно обследовал всю территорию вокзала, помещал мольберт в зданиях, на рельсах, чтобы с близкого расстояния наблюдать за тяжелыми паровозами, прибывающими и отбывающими поездами. Художник нуждался в этом, чтобы более детально прописать чувственное восприятие от проникающего через пар света солнца.
Моне даже получил разрешение у директора железной дороги останавливать поезда по своему желанию в тот, момент, который казался ему наиболее удачным для своего цветового исполнения. Такой «активный» подход к изображаемому предмету, который можно менять и формировать в соответствии с образом и подобием идеи художника, будет свойственен Моне на протяжении всего его творчества.
Эмиль Золя дал такую характеристику художнику:
«Господин Клод Моне – самая яркая личность в группе. Он выставил в этом году изумительные интерьеры вокзалов. В них чувствуется скрежет прибывающих скорых поездов, видны клубы пара, описывающие круги под крышами ангаров».
На стадии эстетической и творческой вершины в своей «серийной» живописи Моне решает взяться за анализ световых и атмосферных эффектов на объекте архитектуры. Предметом живописных экспериментов явился западный фасад готического собора в Руане (Нормандия), который благодаря своему скульптурному и декоративному убранству, мог прекрасно воспроизводить оттенки света, поглощаемого пористой структурой камня.
С раннего утра Моне изучал изменение освещения и цветовые комбинации на фасаде здания, стараясь уловить их сиюминутное пребывание. Он менял холсты каждые полчаса, работая до вечера. Художник добивался изображения зрительного, воздушного и созерцательного впечатления от изменяющегося цветового облика собора на его собственное восприятие. Вследствие такого творческого усердия появилось около пятидесяти полотен.
Журналист и политик Жорж Клемансо писал об этой серии:
«Глаз Моне предшествует нашему и ведет нас в зрительную революцию, делающую наше восприятие мира более проникновенным и утонченным».
Видеть привычные вещи в разных цветовых вариациях позволяет расширять границы сознания и меняет характер восприятия мира. Камень собора тверд и прочен, он стоит неподвижен без изменений веками, но на картинах Моне, он будто оживает и воплощается в различных образах. Замечая повседневные изменения посредством солнечных лучей, погодных явлений, художник запечатлевает их на своих полотнах. Обращая всеобщее внимание на привычные, но часто остающиеся незамеченными вещи. Каменная архитектура оживает и в ее очертаниях, в ее уголках рождается жизнь, пропуская через себя солнечный прилив. Несомненно, эта серия отличается оригинальностью видения и чувствования. Здесь проявляется нематериальный, зрелищный эффект света при соприкосновении с воздухом.
Обобщая вышесказанное, можно сказать, что техника Моне была уникальной: сочетание экспрессивных мазков, отсутствие глубины и описательных деталей, манера писать на открытом воздухе, присутствовать здесь и сейчас, завершая картины на месте – все это вместе порождало удивительные и чарующие образы.
Снова, снова и снова
Жизненная и творческая энергия Моне в своем сочетании давали, несомненно, великие плоды. Его картины являются примером того, как усердие и любовь к цвету способствовали появлению поистине величайших полотен.
Вот, что Моне говорил о своей технике:
«Чтобы нарисовать море действительно хорошо, вы должны смотреть на него каждый час, каждый день в одном и том же месте, чтобы вы могли понять, как вы должны работать в этом конкретном месте, и именно поэтому я работаю над одними и теми же сюжетами снова и снова и снова, четыре или даже шесть раз».
Усидчивость и сосредоточенность, тяга к передачи своих впечатлений – вот те черты характера Моне, позволившие ему стать одним из великих живописцев в истории живописи.
Импрессионизм стал первым шагом на пути к изменениям восприятия мира. В век перед глобальными революционными переменами, это направление предвосхитило их и подготовило почву для будущих поколений художников, которые уже опирались на творческое наследие импрессионистов и шли по пути беспредметного искусства. Вклад Моне в развитие искусства неоценим – импрессионизм полностью поменял представления об искусстве и сделал его более свободным от канонов и регламентаций.
Презентация «Импрессионизм в музыке и живописи»
Франция
Лувр — один из самых
известных
художественных музеев
в мире.
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
I
Бато Дугаржапов
«Берёзовая аллея»
Архип Куинджи
«Восход солнца»
1 зал
2 зал
Гайдеров Михаил
«Берёзовая аллея»
Тема урока:
Импрессионизм
в живописи
и музыке.
Импрессионизм от французского – впечатление.
Импрессионизм
— это направление в искусстве, возникшее во Франции во второй половине 19 века.
— это передача автором своих мимолётных впечатлений от реального мира.
Французский композитор –
импрессионист
Морис Равель (1875–1937)
«Хабанера»
Медленный старинный испанский танец; песня моряков.
Клод Дебюсси 1862-1918
Французский композитор, пианист, дирижер, музыкальный критик.
Клод Дебюсси
Симфонический ноктюрн
«Празднества»
Празднества – 1.торжественный праздник, веселье, торжество, празднование в честь чего-нибудь; 2. пир, пиршество в честь кого-нибудь; 3. официально установленные дни отдыха по случаю таких торжеств; 4. счастливый, радостный день, ознаменованный каким-либо важным, приятным событием.
Эжен Гальен-Лалу «Большие бульвары»
Эжен Гальен-Лалу «Париж»
ПРИПЕВ: Здравствуй, мир, здравствуй, друг. Здравствуй, песен щедрый круг, Здравствуй, миг, здравствуй, век, Здравствуй, добрый человек! Здравствуй, дом, здравствуй, даль, Здравствуй, радость и печаль. Здравствуй, быль, здравствуй, новь, Здравствуй, светлая любовь!
Здравствуй, мир!
Мир проснулся как ребёнок, Солнце плещет в берега. Мчится резвый жеребёнок На зелёные луга, Грива стелется разливом, А во лбу горит звезда…. Мир, ты хочешь быть счастливым? Значит миром будь всегда!
ПРИПЕВ: Здравствуй, мир, здравствуй, друг. Здравствуй, песен щедрый круг, Здравствуй, миг, здравствуй, век, Здравствуй, добрый человек! Здравствуй, дом, здравствуй, даль, Здравствуй, радость и печаль. Здравствуй, быль, здравствуй, новь, Здравствуй, светлая любовь!
Если мир певуч и звонок И во сне и наяву, Научи нас, жеребёнок, Верить в солнце и траву. И ловить стихи и сказки В золотые невода… Мир, ты хочешь быть прекрасным? Значит миром будь всегда!
ПРИПЕВ: Здравствуй, мир, здравствуй, друг. Здравствуй, песен щедрый круг, Здравствуй, миг, здравствуй, век, Здравствуй, добрый человек! Здравствуй, дом, здравствуй, даль, Здравствуй, радость и печаль. Здравствуй, быль, здравствуй, новь, Здравствуй, светлая любовь!
Музыка
Тембры
Рисунок
Палитра
Линия
Портрет
Тона
Живопись
Гамма
Звуковая
Цветовая
Музыкальная
Живописная
Холодные и теплые
Ритмический
Мелодическая
Светлые и сумрачные
Музыкальный
Спасибо
за урок!
Хорошего настроения
на весь день!
Использованные ресурсы:
- http://content.mail.ru
- http://puzkarapuz.ru
- https://ru.wikipedia.org/wiki
- http://muzofon.com/search/импрессионизм
- http://www.superinf.ru/view_helpstud.php?id=303
- http://www.muzmarket.ru
- http://doc4web.ru/muzika/urok-muziki-v-klasse-impressionizm-v-muzike-i-zhivopisi.html
- http://www.belcanto.ru/ravel.html
- http://http://www.artwall.ru/products/poster
- http://mp3-pesnja.com/song/м
- http://world-of-art.narod.ru/masters/renoir/10.htm
- http://www.belcanto.ru/debussy.html
- http://musike.ru/index.php?id=97
- http://ru.wikipedia.org/wiki/Моне
- http://www.impressionist—paintings.com/russian/MANE/biograph_mane.shtml
- http://wiki.bks-tv.ru/wiki/Писсарро
- http://www.impressionism.ru/degas.html
- http://yandex.ru/images/search
- http://muzofon.com/dwl2.
Искусство для чайников. Как отличить реализм от импрессионизма на выставке белгородского худмузея
«Есть фраза, которую приписывают лидеру группы «Ленинград» Сергею Шнурову. Звучит она примерно так: «Чтобы в современную картинную галерею зайти, нужно человеку 45 минут лекцию читать, а потом уже только его заводить», – встречает у входа в Белгородский художественный музей сотрудник выставочного отдела Павел Кузнецов.
Сегодня Павел будет учить нас отличать реалистов от импрессионистов. Нам повезло: первые шаги в искусствоведении мы будем делать, препарируя выставку, которую привезли в Белгород из Третьяковской галереи.
Перед походом в музей я спросил у знакомых, слышали ли они о выставке. Выяснилось, что слышать‑то слышали, но посетили её единицы: то времени нет, то ещё какие‑нибудь причины находятся. Но даже если удаётся выбраться на экспозицию, обычно посетители галопом пробегают по выставочному залу, отмечают для себя пару-тройку работ, которые понравились, даже не задаваясь вопросом, почему они запомнились.
— Суждение на уровне «нравится – не нравится» – это первый и самый простой из условных уровней познания искусства, – философствует Павел. – А для того чтобы достичь следующего уровня «я понимаю и могу объяснить, почему мне что‑то нравится или не нравится», нужна уже помощь разбирающегося человека.
— То есть без экскурсовода нет смысла смотреть выставку? Даже если что‑то загуглить перед походом в музей?
— Скажем так: по своему личному опыту я бы советовал в первый раз всё же воспользоваться услугами экскурсовода. Если появился интерес, то во второй раз уже можно и даже нужно походить самому, обращая внимание на детали.
Павел Кузнецов.
Фото Владимира Юрченко
Перед тем как мы с головой окунёмся в мир русской живописи второй половины XIX века, Кузнецов охотно делится информацией о кухне музея:
— Картины перед отправкой оборачивают микалентной бумагой (она сделана из хлопковых волокон, поэтому прочнее обычной – прим. ред.), запаковывают в картонные коробки, а те в свою очередь – в специальные ящики, сохраняющие температуру. В общем, стараются уберечь картину от возможных повреждений в пути. Полотна, находящиеся под стеклом, дополнительно заклеивают специальным скотчем, который легко снять и не оставляет следов клейкого вещества. Привезённые на выставку картины на сутки оставляют в помещении (по крайней мере, зимой, чтобы не было большого температурного перепада), потом их распаковывают.
— Распаковали картины, а что дальше?
— А дальше полотна развешивают по залу согласно концепции. Именно поэтому важно внимательно читать название и аннотацию к выставке. Наша, например, называется «От реализма к импрессионизму». По этой логике и размещены картины в зале.
— Ну, к этим понятиям мы ещё вернёмся. Картины всегда развешивают по хронологии?
— Далеко не всегда: учитывается очень много факторов и идей, заложенных в концепцию. Бывает и так, что если просто развесить полотна по порядку написания, то получится визуально неприглядный картинный ряд, который будет плохо восприниматься зрителем. Универсальных правил нет: обычно исходят из концепции выставки и особенностей выставочного зала.
Реальные реалисты
Первое, что видишь, когда заходишь в выставочный зал, – хорошо знакомую ещё по школьным учебникам картину Василия Поленова «Московский дворик». Но, присмотревшись, понимаешь, что на ней чего‑то не хватает. Ещё несколько секунд, и в голове всплывает: «Стоп! А где же люди?»
Павел Кузнецов поясняет:
«Это действительно не тот «Московский дворик», который мы все хорошо знаем. Это первый вариант картины. Более известный «Московский дворик» Поленов написал год спустя, добавив на картине фигуры людей».
Экскурсию Павел начинает с «Летнего пейзажа с дубами» Алексея Саврасова.
«Летний пейзаж с дубами», Алексей Саврасов, середина 1850-х.
«Это ярчайший образец реализма, поэтому стартовать именно с этой картины вполне логично, – рассказывает Кузнецов. – Важно и то, что Саврасов был учителем многих русских реалистов. Он одним из первых стал писать пейзажи в России. Долгое время считалось, что пейзажи следует писать во Франции, Германии, Италии. А Саврасов этой модой пренебрёг, заложив традицию, которой позже последовали и Левитан, и Репин».
От Саврасова переходим к Ивану Шишкину. Его «Летний день» – ещё один пример реалистической живописи. Даже непрофессиональный взгляд сразу замечает черту, свойственную реализму: точно и чётко прописанные мелкие элементы изображения – веточки, листочки.
«Летний день», Иван Шишкин, 1891 г.
«Шишкин все растения, изображённые на своих полотнах, прописывал с поразительной точностью – такой, что их можно было бы использовать как иллюстрации в ботанических атласах. Ещё один интересный факт – на картинах Шишкина, даже если там нет людей, часто можно найти следы их присутствия: спиленное дерево, протоптанная тропинка, аккуратно сложенные дрова».
Если работы Шишкина можно было использовать в научных целях, то настоящим примером содружества художника и учёных стала картина «Эльбрус. Лунная ночь» Архипа Куинджи.
«Эльбрус. Лунная ночь», Архип Куинджи, 1890–1895 гг.
«Куинджи был лично знаком с Дмитрием Менделеевым и вместе с химиками ставил опыты по отражению света от различных материалов, поверхностей и цветов, – рассказывает экскурсовод. – На основе полученных данных он писал свои работы. На этом полотне возникает эффект свечения снежной шапки. На выставках, где работы Куинджи демонстрировалась впервые, посетители тщетно пытались найти под картиной источник света, будучи уверенными, что добиться такого эффекта с помощью одних красок невозможно».
На примере картины «Птицелов» Василия Перова можно увидеть ещё одну важную черту, свойственную реалистам: эффект того, что ты смотришь не на картину, а будто в окно или на фото, достигается за счёт тональной живописи.
Фрагмент картины «Птицелов», Василий Перов, 1870 г.
«Вот смотрите: художник берёт один цвет и, используя разные градации, различную насыщенность цвета, создаёт объём: глубокую тень он пишет, например, тёмно-коричневым, незатенённый участок – светло-коричневым. Это если говорить грубым, вульгарным языком, – подчёркивает начальник отдела развития и выставочной работы музея Алла Селютина, которая взялась помочь нам разобраться в сложных приёмах и терминах. – А вот у Николая Дубовского на полотне «Зима» уже совсем по‑другому передан цвет снега. Если бы это была тональная живопись, то он был бы написан просто белилами. Но здесь снег и зеленоватый, и голубоватый, местами даже розоватый – художник использовал множество цветов, чтобы написать белый снег. Чувствуете разницу? У реалистов цвет снега передавался бы тоном одного цвета, а здесь – уже разными цветами. Поэтому это хороший пример постепенного перехода от реализма к импрессионизму».
«Зима», Николай Дубовский, 1884 г.
Окей, так и запишем: тональная живопись – это один из признаков того, что перед тобой полотно реалиста.
Под впечатлением
«Элементы импрессионизма встречались и у реалистов, – рассказывает Павел перед полотнами Верещагина и Маковского. – Принято считать, что отличительная черта импрессионистов – большое количество света на картинах. Но света много и у реалистов – у того же Поленова в «Московском дворике». Другое дело, что у импрессионистов это стало одним из обязательных условий».
Импрессионисты много писали на природе. Как мы сегодня представляем художника? Сидит он где‑то в поле и пишет что‑то на этюднике. Но на самом деле до импрессионистов так почти никто не делал – почти все пейзажи создавались не на природе (на пленэре, как говорят художники), а в мастерских. Одним из факторов, повлиявших на ситуацию, стало изобретение в 1841 году тюбика, который первоначально придумали именно для хранения краски, а уже после приспособили для кремов, зубных паст, приправ и прочего. Теперь художник мог дальше отойти от мастерской и не переживать, что краски засохнут.
Останавливаемся у двух портретов. На том, что справа, написанном реалистическом стиле, – дочь Ильи Репина Вера.
Слева – «Лёля Дервиз», Валентин Серов, 1892 г. Справа «Осенний букет», Илья Репин, 1892 г.
«Пожалуй, это один из самых узнаваемых образов на этой выставке, потому что его часто печатают в буклетах Третьяковской галереи. На картине прописаны все мельчайшие детали – и пуговицы, и даже, если присмотреться, видны отдельные звенья на браслете, – обращает внимание Павел. – А теперь посмотри на вторую картину – «Лёлю Дервиз» кисти ученика Репина – Валентина Серова, того самого, который написал «Девочку с персиками». Здесь уже заметны отличия от учителя: чёткие, прорисованные мелкие детали отсутствуют, а форма передаётся не тонким лессировочным письмом, а широким пастозным мазком».
Алла Селютина поясняет:
«Письмо складывается из мазков. Если он берёт жидкую масляную краску и наносит её мягкой тонкой кистью, то она начинает сливаться со всем остальным. Так писали старые мастера. Цвет и объём они набирали за счёт того, что накладывали краску слой за слоем. Это и есть лессировочное письмо, и оно требовало времени. А художники-импрессионисты писали быстро, в один приём, не ожидая, когда высохнет слой краски. Поэтому пользовались приёмом широкого пастозного мазка».
Мотаем на ус: картины импрессионистов по сравнению с полотнами реалистов выглядят менее чёткими, потому что написаны широкими мазками.
— Выходит, что реалистам сложнее приходилось: пока всё прорисуешь… То ли дело импрессионисты: мазок – и готово!
— На экскурсии меня один раз прямо спросили: «Это всё потому, что импрессионисты не хотели заморачиваться?» Всё дело в том, что каждый из импрессионистов того времени мог и умел писать реалистически: все они были учениками реалистов. Но они сказали новое слово в искусстве, создали то, чего до них ещё не было, изменив подход к живописи.
По словам Кузнецова, одним из катализаторов появления импрессионизма стало изобретение фотографии в середине XIX века. К 1870–80 годам она получила широкое распространение, и художники решили, что уже не нужно воспроизводить на полотнах все детали (фотография справлялась с этим лучше), а надо искать новые приёмы, ставить и решать другие художественные задачи.
На взгляд неискушённого зрителя, художники стали небрежно писать картины, но это ощущение неверно. Вовсе не оттого, что они не умели лучше, а потому, что так они старались отобразить мимолётность момента жизни, уловить впечатление этого момента. От слова впечатление – impression по‑французски – и получило имя новое направление, по названию картины «Впечатление. Восход солнца», написанной Клодом Моне в 1873 году.
«Впечатление. Восход солнца», Клод Моне, 1873 г.
Иллюстрация из «Википедии»
«Константина Коровина называют наиболее последовательным русским импрессионистом. По моде того времени, вслед за первыми французскими импрессионистами, Коровин писал европейские пейзажи, – Павел подводит меня к полотну «На юге Франции». – На примере этой работы хорошо видны отличительные черты импрессионизма: мазки раздельные, короткие. Если подойти к полотну очень близко, то картина начинает распадаться на отдельные мазки. Кстати, создавать картины такими мазками тоже было наукой. Художники пользовались знаниями о восприятии человеческим глазом разных сочетаний цветов».
«На юге Франции», Константин Коровин, 1908 г.
Ещё одно отличие импрессионизма: отдельные мазки собираются в целостное изображение, лишь когда вы отойдёте от полотна.
Следующая картина не то что рассыпается, а некоторое время даже не собирается в единое целое. Лишь спустя несколько секунд начинаем различать силуэты людей на холсте.
«Любовники», Николай Милиоти, 1905 г.
«А это пуантилизм – одно из стилистических направлений импрессионизма, – с улыбкой поясняет Кузнецов, указывая на «Пастораль» Николая Милиоти. – Это приём, когда краску наносят не мазком кисти, а тычком. Он получил название от французского слова point – точка. Если современный человек посмотрит на работы основоположников направления – полотна того же Сёра, – то складывается мнение, будто картина состоит из мелких пикселей, словно на мониторе компьютера».
Запоминаем новое слово: пуантилизм – когда картина состоит из множества точек.
Некоторые импрессионисты утверждали, что они передают реальность гораздо лучше, чем реалисты. Они говорили, что мир не застыл на месте, а в арсенале именно импрессионистов есть приёмы, позволяющие передать динамику и живость окружающего мира. И с этим соглашаешься, взглянув на картину Филиппа Малявина «Вихрь».
«Вихрь», Филипп Малявин, 1905 г.
«Это эскиз – сама картина размером 2 x 4 метра, – рассказывает экскурсовод. – Зыбкость, нечёткость и широта мазков хорошо передают движение, делают картину более динамичной. В целом же если для реалистов было важно в том числе и что писать, то для импрессионистов важнее, как писать».
Ну что ж, отличать реалистов от импрессионистов мы на скорую руку научились. Теперь, чтобы закрепить полученные знания на практике, нужно успеть сходить на выставку (которая, напоминаем, будет открыта в Белгородском художественном музее до 12 марта) и проверить, как вы усвоили эти тонкости.
— А что нужно для того, чтобы постичь следующий уровень в понимании живописи? – интересуемся напоследок.
— А для этого чаще нужно посещать музеи и внимательно слушать экскурсоводов.
Определение импрессиониста Мерриам-Вебстер
im · press · sion · ist | \ im-ˈpre-sh (ə-) nist \ 1 часто пишется с заглавной буквы : лицо (например, художник), практикующее или придерживающееся теорий импрессионизма.Simple English Wikipedia, бесплатная энциклопедия
Клод Моне, Impression, Sunrise , (1872), холст, масло, Musée MarmottanИмпрессионизм — это стиль живописи, зародившийся во Франции в конце 19 века.Живопись импрессионистов показывает реалистичные предметы, нарисованные в широком, быстром стиле, с легко различимыми мазками и часто яркими цветами. Термин «импрессионизм» происходит от картины Клода Моне, которую он показал на выставке под названием Impression, soleil levant («Впечатление, восход солнца»). Художественный критик Луи Лерой увидел выставку и написал рецензию, в которой сказал, что все картины были просто «впечатлениями».
Художники-импрессионисты больше всего известны своей работой масляными красками на холсте.Некоторые художники-импрессионисты также писали акварели и гравюры. Также есть скульптура импрессионистов.
Коро, Итальянский пейзаж . Картины Коро оказали влияние на импрессионистовВ 19 веке большинство художников учились рисовать, посещая художественную школу или академию. Академии очень строго относились к тому, как молодые художники учились рисовать. Популярный стиль живописи получил название классицизм. Классические картины всегда делались в мастерской. Часто показывали сказки из мифологии.Художник готовился к картине, делая много рисунков. Картины были написаны очень плавно и аккуратно.
В то же время было несколько художников, которые любили писать французский пейзаж и деревенских людей в реалистической манере, отличной от классицизма. Они часто рисовали небольшие быстрые картины на открытом воздухе, а затем заканчивали их в студии. Среди этих художников — Гюстав Курбе и Жан-Батист Коро. Эдгар Дега писал в 1883 году: «Есть один мастер, Коро.Мы ничто в сравнении, ничто ». [1] Группа молодых художников, которые восхищались творчеством этих художников, подружились и начали рисовать вместе. Этими художниками были Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Фредерик Базиль, Камиль Писсарро, Поль Сезанн и Арман Гийомен.
Ежегодно академия в Париже проводила большую выставку (арт-шоу) под названием Salon de Paris . В 1863 году художник по имени Эдуард Мане представил картину под названием Lunch on the Grass («Le déjeuner sur l’herbe»).Судьи Салона отказались повесить эту работу в галерее, потому что на ней изображена обнаженная женщина, сидящая на траве, с двумя мужчинами в одежде. Если бы картина была о древнегреческой мифологии, это не было бы проблемой, но эти мужчины были одеты в обычные костюмы, а платье и шляпа женщины лежали на траве. Возможно, она была проституткой! Судьи назвали картину неприличной (очень грубой). [2] Картины Моне и его друзей тоже были отвергнуты. Они были разгневаны и встретились с Мане, чтобы обсудить это.Император Наполеон III дал разрешение на проведение другой выставки под названием « Salon des Refusés », на которой были представлены все картины, от которых «отказались». Многие люди пошли посмотреть эту выставку и вскоре обнаружили, что в искусстве возникло новое «движение», совершенно отличное от того стиля, к которому они привыкли.
Мане, Обед на траве («Le déjeuner sur l’herbe»)В 1872 году Моне и его друзья основали общество под названием «Кооперативное и анонимное объединение художников, скульпторов и граверов» .Они начали организовывать собственное художественное шоу. В 1874 г. состоялась первая выставка 30 художников. Критик Луи Лерой высмеял их работу и написал статью под названием Выставка импрессионистов . Публика, пришедшая на выставку, также стала использовать это имя. Вскоре сами художники стали использовать имя «импрессионисты», и с тех пор их называют этим именем. В период с 1874 по 1886 год у них было восемь выставок. Они платили дилеру по имени Пол Дюран-Рюэль за организацию выставок, и он устраивал выставки в Лондоне и Нью-Йорке.Постепенно их картины становились популярными. Некоторые импрессионисты, Моне и Ренуар, дожили до старости и славы, но другие умерли очень бедно. Основными художниками, которых называют «импрессионистами», являются Клод Моне, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Берта Моризо, Арман Гийомен, Мэри Кассат, Гюстав Кайботт и Фредерик Базиль.
Многие художники недолго работали с импрессионистами, но потом начали пробовать новые идеи. Все эти художники рисовали по-разному, но вместе их называют постимпрессионистами.Среди них Жорж Сёра, Поль Сезанн, Поль Гоген, Анри де Тулуз-Лотрек и Винсент Ван Гог.
В то время как французские художники-импрессионисты работали во Франции, художники из других стран также начали рисовать на открытом воздухе в более широком стиле. В конце концов стиль импрессионизма распространился во многие страны Европы, в Северную Америку и Австралию. Некоторые художники продолжали писать в стиле импрессионизма на протяжении всего ХХ века.
Дега, Женщина умывается в своей спальне .Импрессионисты рисовали повседневные предметы, часто так, как если бы они смотрели в камеру.Импрессионизм и фотография [изменить | изменить источник]
До импрессионистов многие художники писали портреты. До изобретения фотоаппарата рисованные портреты были основным способом запечатлеть «внешность» человека (то, как он выглядел). Но к тому времени, когда импрессионисты начали рисовать, было много фотографов, у которых были студии, куда люди могли пойти фотографироваться.По мере того, как камеры совершенствовались, фотографы начали делать «снимки» пейзажей и людей на природе.
Фотография оказала на художников два эффекта. Во-первых, это означало, что им было намного труднее жить портретами. Многие художники стали очень бедными. Во-вторых, изображение, сделанное камерой, часто имеет интересные ракурсы и точки обзора, которые обычно не рисуются художниками. Художники-импрессионисты учились по фотографиям. Многие картины импрессионистов заставляют зрителя чувствовать себя так, будто он находится здесь, глядя на сцену глазами художника.
Темы [изменить | изменить источник]
Художники-импрессионисты писали не своим воображением, литературой, историей или мифологией, как большинство других художников XIX века. Они рисовали то, что видели в окружающем мире: город, в котором они жили, пейзаж, в котором они отдыхали, свою семью, своих друзей, свои студии и вещи, которые были вокруг их дома. Иногда им «поручали» (давали задание) написать чей-то портрет.
Художники-импрессионисты любили рисовать «обычные» вещи, которые были частью повседневной жизни.Они нарисовали женщин, стирающих и гладящих, танцоров балета, делающих упражнения, лошадей, готовящихся к скачкам, и официантку со скучающим видом, обслуживающую клиентов. Никто до импрессионистов никогда не думал, что эти предметы достаточно интересны, чтобы рисовать.
Несмотря на то, что многие художники-импрессионисты рисовали людей, о них думают в основном как о пейзажах. Художники-импрессионисты не довольствовались тем, что рисовали или быстро рисовали эскизы на открытом воздухе, а затем создавали грандиозные картины в студии.Художники-импрессионисты не были довольны рисованием формы земли, зданий и деревьев. Они хотели запечатлеть свет и погоду.
Техника [изменение | изменить источник]
Художники-импрессионисты искали «технику» (способ что-то делать), чтобы писать пейзажи, показывающие свет и погоду. Свет и погода все время меняются. Свет солнца на ландшафте меняется каждую минуту по мере вращения Земли. Художники-импрессионисты смотрели на работы более ранних французских художников, таких как Камиль Коро и Гюстав Курбе.Курбе часто брал краски на улицу и быстро делал цветные наброски, которые затем использовал для создания больших картин в своей мастерской. Художников-импрессионистов больше интересовали эскизы, чем готовые картины.
Моне, Скалы в Поурвилле . Краски ярких цветов использовались без смешивания.Другой художник, Эжен Буден, обычно сидел на пляже в Довиле со своими масляными красками и быстро рисовал людей в отпуске. Иногда они покупали его картины в качестве сувениров.
Клод Моне встретил Будена и узнал, что единственный способ «запечатлеть» то, как пейзаж выглядит в определенное время, — это очень быстро рисовать маленькие картинки, не беспокоясь о смешивании красок, чтобы сделать приятные ровные цвета. Художники-импрессионисты использовали большие мазки разных ярких цветов и позволяли им смешиваться на холсте, вместо того, чтобы сначала тщательно смешивать их на палитре. Рисуя таким образом, не беспокоясь о деталях, художники-импрессионисты передают реалистичное «впечатление» мира, который они видели вокруг себя.
Некоторые из вещей, которые они нарисовали, были: снег, мягко падающий над городом, туман, поднимающийся над рекой в розовом утреннем свете, люди, идущие через пшеничное поле с ярко-красными маками, растущими на нем, солнечный свет, падающий сквозь листья на людей танцы, поезд, поднимающий клубы дыма на большой железнодорожной станции, и водяные лилии, плавающие в бассейне под поникшими ивами.
Большинство пейзажных картин импрессионистов имеют небольшие размеры, чтобы художник мог носить их на улице.Некоторые художники, особенно Клод Моне, брали несколько полотен, и по мере того, как день шел и свет менялся, он клал один и брал другой. Он снял комнату, из которой мог видеть Руанский собор, чтобы рисовать его из окна в разное время суток. Моне также создал серию картин Стог сена , показывая их стоящими в поле под разными углами и в любую погоду, при ярком солнце, утреннем морозе и снегу. Картины, написанные на открытом воздухе, называются «пленэрными».Художники-импрессионисты часто вместе выезжали в живописные поездки, поэтому есть много картин, которые можно сравнить.
Термин «импрессионизм» использовался для других форм искусства, таких как письмо и музыка. Октава Мирбо часто называют писателем-импрессионистом. В 1887 году музыкальные критики назвали произведения Клода Дебюсси импрессионистами. Позже другие композиторы также были описаны как импрессионисты, в том числе Морис Равель, Поль Дюкас, Эрик Сати и Альбер Руссель.
Галерея картин импрессионистов [изменить | изменить источник]
Нажмите на каждое изображение, чтобы увеличить его, чтобы увидеть, как каждый художник использовал мазки и цвет.Захват сцены [изменить | изменить источник]
Эжен Буден, Причал в Довиле , (1869)
Берта Моризо, День стирки , (1875)
Клод Моне, Снег в Ветёй , (1879)
Камиль Писсарро, Молотить зерно , (около 1880 г.)
Пьер Огюст Ренуар, Мечеть , (1882)
Как камера [изменить | изменить источник]
Эдуард Мане, Эмиль Золя (1868)
Эдгар Дега, Урок балета , (1875)
Эдгар Дега, Любители абсента , (1876)
Берта Моризо, Колыбель
Пьер Огюст Ренуар, На концерте , (1874)
Люди на улице [изменить | изменить источник]
Клод Моне, Женщины в саду , (1867)
Эдуард Мане, Железнодорожный вокзал Сен-Лазар , (1872)
Эдуард Мане, Моне Живопись в своей лодке , (1874)
Пьер Огюст Ренуар, Обед на лодке (1881)
Берта Моризо, Муж и дочь художника в саду , (1883)
Смена времен года в городе [изменить | изменить источник]
Камиль Писсарро, Лувесьен осенью
Камиль Писсарро, Бульвар Монтемартр ночью (1898)
Альфред Сислей, Лувесьен в снегу
Клод Моне. Париж осенью , (1873 г.)
Камиль Писсарро, Париж весной
Свет на воде [изменить | изменить источник]
Моне, Мост в Аржантёе
Пьер Огюст Ренуар, Дворец дожей, Венеция , (1881)
Альфред Сислей, Наводнение в порту Марли , (1876 г.)
Камиль Писсарро, Руан в дождливый день , (1896)
Клод Моне, Цветущие арки, Живерни , (1913)
Хронология: Жизни импрессионистов [изменить | изменить источник]
Импрессионисты
- ↑ «Il y a un seul maître, Коро.Nous ne sommes rien en compareison, rien «.
- ↑ Хелен Гарднер, Искусство сквозь века
- Хелен Гарднер, Искусство сквозь века , Harcourt, Brace and World, Inc. ISBN 0-15-503752-8
- Юрген Шульце, Искусство Европы девятнадцатого века , Абрамс, (1979) ISBN 0-8109-8017-7
- Натаниэль Харрис, Импрессионисты , Viscount Books, (1984) ISBN 0-600-35848-8
импрессионисты — определение и значение
По радио он кратко излагает свои наблюдения о болоте, импрессионистических эссе.
Прибрежный Нарушения
Это яркий образец стиля прозы Колетт, который был описан как импрессионистический в связи с его точным, чувственным стилем, экономичность которого также поражает читателя как эллиптическая.
Куртизанка Франции возвращается на серебряный экран
Я ничего не знаю о Марксе, и историки-марксисты критиковали меня за исторический подход, который они описали как импрессионистский и бессистемный.
Brother Dream
Врач с гладким лицом олицетворяет жизнерадостность, романтичность, то, что в медицинской профессии можно назвать импрессионистической .
Терпеливый наблюдатель и его друзья
Среди тех, кто отдает предпочтение так называемому импрессионистическому взгляду , есть Вейр, Твахтман и Робинсон [27], три художника-пейзажиста с неоспоримой силой.
Учебник истории живописи
Его назвали импрессионистическим ; Веласкес был провозглашен отцом импрессионизма, а Стендаль был провозглашен Золя литературным прародителем натурализма.
Променад импрессиониста
Ее стиль можно было бы назвать импрессионистическим , но у нее другой ярлык.
undefined
Это импрессионистские , что позволяет каждому, кто их видит, формировать собственную интерпретацию того, что говорят различные части окон.
Новости с сайта www.nptelegraph.com
Ее стиль можно было бы назвать импрессионистическим , но у нее другой ярлык.
undefined
Ее стиль можно было бы назвать импрессионистическим , но у нее другой ярлык.
undefined
Word Gallery: Импрессионизм | FAMSF
На протяжении всей истории искусства ученые создали специальный словарь, чтобы говорить об искусстве. Эти термины очень полезны, но не всегда говорят сами за себя. Войдите в художественную галерею слов по истории, где мы даем некоторые определения, обычно используемые для описания художественных стилей, техник или движений в искусстве.
Импрессионизм
Камиль Писсарро. Урожай яблок, 1888. Холст, масло. Художественный музей Далласа, Фонд Мангера, 1955.17.M
Импрессионизм, одно из самых популярных течений в истории искусства, относится к стилю живописи, который возник во Франции примерно в 1860–1900 годах, и, в частности, к работам конца 1860-х годов. к середине 1880-х гг. Импрессионизм возник как реакция на эстетическое предпочтение академического Салона реализму и исторической живописи, популярным в то время. Стиль импрессионизма является результатом слияния влияний и технологических достижений, включая японскую гравюру, изобретение фотографии и появление портативных масляных красок, упакованных в тюбики.
Наиболее известные деятели движения — среди них Клод Моне, Эдгар Дега, Пьер-Огюст Ренуар и Камиль Писсарро — рисовали пейзажи и сцены современной жизни, часто при непосредственном наблюдении на пленэре, или на открытом воздухе. Стилистически в работах импрессионистов использовались чистые, насыщенные цвета, чтобы проиллюстрировать мгновенные эффекты света. Используя видимые мазки, художники-импрессионисты сглаживали плоскость картины, резко отходя от традиционных изображений перспективного пространства.
В 1874 году группа провела свою первую выставку за пределами Салона. «Импрессионизм» сначала использовался как уничижительный ярлык для описания радикального, на первый взгляд незавершенного характера произведения искусства. Этот термин, быстро принятый как критиками, так и сторонниками, точно передал попытку группы представить опыт и ощущения — а не просто воспроизведение — современной жизни.
Камиль Писсарро (1830–1903), которого часто называют «деканом импрессионизма», стал центром выставки, открывающейся в Почетном легионе в эту субботу, 22 октября. «Люди Писсарро» подчеркивает мастерство художника в изображении человеческой фигуры. Импрессионист насквозь, Писсарро стал катализатором организации групповых выставок импрессионистов и был единственным художником, участвовавшим во всех восьми выставках.
Эдгар Дега Картины, биография, идеи
Краткое содержание Эдгара Дега
Эдгара Дега всегда помнили как импрессиониста, он был членом одной из основополагающих групп парижских художников, которые начали вместе выставляться в 1870-х годах.Он поделился многими из их новых техник, был заинтригован задачей запечатлеть световые эффекты и его привлекали сцены городского досуга. Но академическая подготовка Дега и его личное пристрастие к реализму отличали его от сверстников, и он отверг ярлык «импрессионист», предпочитая называть себя «независимым». Его унаследованное богатство давало ему возможность найти свой собственный путь, а позже это также позволило ему уйти от мира искусства Парижа и продавать картины по своему усмотрению.Его заинтриговала человеческая фигура, и в своих многочисленных изображениях женщин — танцовщиц, певиц и прачок — он стремился запечатлеть тело в необычных позах. В то время как критики импрессионистов сосредоточили свои атаки на их формальных нововведениях, именно предметы из низшего сословия Дега вызвали у него наибольшее неодобрение.
Достижения
- Неизменный интерес Дега к человеческой фигуре был сформирован его академическим образованием, но он подошел к этому новаторски. Он запечатлел странные позы с необычных углов при искусственном освещении.Он отверг академический идеал мифического или исторического предмета и вместо этого искал свои фигуры в современных ситуациях, например, в балете.
- Академическая подготовка Дега стимулировала сильную классическую тенденцию в его искусстве, которая противоречила подходу импрессионистов. Хотя он ценил линию как средство описания контуров и придания твердой композиционной структуры картине, они отдавали предпочтение цвету и большей концентрации на текстуре поверхности. Кроме того, он предпочитал работать по наброскам и памяти в традиционной академической манере, в то время как их больше интересовала живопись на открытом воздухе (на пленэре).
- Как и многие импрессионисты, Дега испытал значительное влияние японских гравюр укиё-э, которые предложили новые подходы к композиции. Гравюры имели смелый линейный дизайн и ощущение плоскостности, которое сильно отличалось от традиционной западной картины с ее перспективным взглядом на мир.
- Есть очень интересная и загадочная дихотомия в подходе Дега к своим женщинам. Есть много свидетельств того, что он был женоненавистником, а также много доказательств того, что он был очарован женской формой, которую он пытался представить в ее самом абсолютном состоянии посредством сотен кропотливых исследований.Как бы то ни было, его исследования и результаты способствовали исследованию фигуры и портрета во всех изобразительных искусствах.
Биография Эдгара Дега
Эдгар Дега был старшим из пяти детей Селестин Муссон де Гас, американки по рождению, и Огюста де Гаса, банкира. Позже Эдгар изменил свою фамилию на менее аристократичную «Дега» в 1870 году. Родившись в богатой франко-итальянской семье, его с раннего возраста поощряли заниматься искусством, хотя и не в качестве долгосрочной карьеры.После его окончания в 1853 году со степенью бакалавра литературы, восемнадцатилетний Дега зарегистрировался в Лувре в качестве переписчика, который, как он утверждал, позже в жизни является основой для любого настоящего художника.
Пробный вопрос: Почему искусство импрессионизма так популярно?
Представьте себе толпы людей, стоящих в очереди в течение нескольких часов, ожидая, чтобы их пустили в комнату, а когда они получили доступ, толкаются и толкают друг друга локтями, чтобы лучше рассмотреть. Поклонники на рок-концерте? Подумай еще раз.Это было сценой почти на каждой крупной музейной выставке импрессионистского искусства в течение нескольких десятилетий, от Мане в Метрополитен-музее до Моне в Чикагском художественном институте, до Ренуара и Писсарро в Бостонском музее изящных искусств.
Как импрессионизм стал популярным блокбастером в мире искусства?
Говорит Нэнси Локк, доцент кафедры истории искусств Пенсильванского университета: «Я думаю, что эти картины настолько популярны, потому что мы видим в них самих себя: мы видим суету современного города, подъем пригорода, очень современную модную тенденцию. .Однако в девятнадцатом веке картины, изображающие людей, пытающихся быть современными, были совершенно новым явлением. Раньше художники рисовали мифологические и исторические сюжеты, а не современные сюжеты ».
Импрессионисты часто изображали сцены досуга, такие как кафе, отели, пляжи, сады и общественные парки.
«Мы думаем, что эти предметы очень приятны, но на самом деле они были очень новыми для того времени, — объясняет Локк, — и стиль эскиза, который использовали художники, изначально был шокирующим.«
В середине девятнадцатого века художники во Франции «должны были выставляться в Салоне (огромной ежегодной или двухгодичной выставке, на которой жюри принимает участие горстка пожизненных членов французской академии), чтобы их заметили», — добавляет она.
«Импрессионисты перестали выставляться в Салоне и начали организовывать свои собственные независимые выставки. Это было бы похоже на то, как сегодня художники обходят галерею и вместо этого используют Интернет и социальные сети для создания подписчиков».
Многие, посетившие свою первую независимую выставку в 1874 году, считали новый стиль в лучшем случае дилетантским и незавершенным, а в худшем — скандальным и безумным.
«Поскольку сегодня мы так комфортно относимся к искусству импрессионизма, трудно понять, что нового и революционного в этом стиле живописи», — говорит Локк. «Однако использование современности как предмета было радикальным в 1870-х годах, и поскольку импрессионисты рисовали современность, они присоединялись к предшественникам в литературе и живописи, которые уже шокировали публику в предыдущие десятилетия или два».
В 1857 году, отмечает она, и «Мадам Бовари» Флобера, и «Les Fleurs du mal» Бодлера предстали перед судом за оскорбление общественной морали.В живописи Курбе и Мане рисовали обнаженную натуру, которая шокировала своими откровенными ссылками на проституцию. Это было время, когда публика ожидала, что картины расскажут историю, будут поучительными и воодушевляющими; напротив, импрессионисты бесстрастно рисовали современные предметы ».
В то время как сегодня люди обычно считают импрессионизм красивым и созерцательным стилем, «никто, глядя на картины импрессионистов 1870-х годов, не думал, что эти изображения были эскапистскими или красивыми», — поясняет Лок.«Большинство критиков утверждали, что картины были ужасно уродливыми, что люди на них выглядели больными и грязными, и что художники, должно быть, были совершенно неумелыми».
По мере того, как вкусы менялись, публика приняла более свободный стиль, более яркую палитру и более индивидуальную интерпретацию импрессионистского движения. Многие из главных фигур движения, такие как Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Эдгар Дега, добились успеха еще при жизни.
Согласно Локку, Клод Моне был, вероятно, самым влиятельным, прожил дольше всех (он умер в своем знаменитом доме в Живерни в возрасте 86 лет) и имел, пожалуй, самый большой коммерческий успех и успех у критиков.«Моне изобрела стиль импрессионизма почти случайно», — говорит она.
«Было обычным делом пытаться рисовать большие холсты, чтобы быть замеченным на ежегодных выставках Салона», — говорит она. «У него были проблемы с созданием более крупных картин, которые показывали концентрированные упрощения световых эффектов, которые его интересовали. Затем он решил, что некоторые из его эскизов имеют более свободный стиль рисования, который он может продолжать использовать, в основном на станковых картинах меньшего размера. Меньше мазков кистью и использовать более крупные штрихи, которые становятся более мозаичными на поверхности холста.
«Художники, такие как Альфред Сислей, Пьер-Огюст Ренуар и Фредерик Базиль, тяготели к сюжетам Моне и его интересу к временным световым эффектам. Камиль Писсарро начинал как пейзажист, больше похожий на Коро, а Берта Моризо как художник-фигурка оказала влияние Эдуарда Мане, но оба начали перенимать аспекты стиля Моне, так что будет справедливо сказать, что стиль Моне лучше всего представляет импрессионизм ».
Что могли подумать Моне или другие художники об огромной популярности их картин и связанных с ними товаров сегодня?
«Если вы искусствовед, то трудно не содрогнуться, когда вы увидите галстуки с подсолнухами Ван Гога и журнальные книги о собаках-импрессионистах — хотя у меня есть кукла Сезанна!» — со смехом отвечает Лок.
Хотя универмаг появился примерно в то же время, что и живопись импрессионистов, и во многих отношениях Париж девятнадцатого века породил современное общество потребления, масштабы мерчандайзинга импрессионистской живописи тогда еще были бы невообразимы.
Не то чтобы художники не адаптировались к рынку своего времени, — отмечает Лок. «Дега написал много мелких пастелей, потому что их было легче продать, а некоторые импрессионисты нарисовали дамских веерей для рынка.Портреты были опорой Ренуара, потому что ему был нужен доход. Несмотря на то, что импрессионисты в свое время были радикальны, они не прочь «заняться маркетингом», потому что пытались найти аудиторию ».
С толпами более полумиллиона человек на основные выставки импрессионистов, можно с уверенностью сказать, что они нашли одну.
Нэнси Локк — адъюнкт-профессор истории искусств Пенсильванского университета, с ней можно связаться по адресу [email protected].
Нэнси Локк, доцент кафедры истории искусств
Продолжительное впечатление французского импрессионизма –– Институт искусств Миннеаполиса
Узнайте, что сделало французский импрессионизм таким радикальным в конце 19 века и таким влиятельным в последующие времена.
Идея первая: штрихи гения
Присмотревшись к этой картине голландского художника Йохана Бартольда Йонгкинда, предшественника импрессионизма, зритель может увидеть каждый мазок кисти, особенно в облаках и воде. Импрессионисты часто использовали изображения воды в своих картинах из-за их способности показать мимолетный характер визуального опыта.
Импрессионизм стал, пожалуй, самым популярным движением в истории европейского искусства.Французские импрессионисты исследовали новые способы выражения мира, оставив неизгладимое впечатление в мире искусства.
Импрессионисты, включая Клода Моне, Камиля Писсарро, Пьера Огюста Ренуара и Берту Моризо, шокировали парижский мир искусства своим новым стилем живописи, который отвергал как традиционные художественные техники, так и религиозные, исторические или мифологические сюжеты, излюбленные в XIX веке. века Франция. Они также отклонили Салон, официальную художественную выставку Академии изящных искусств в Париже, предпочтя вместо этого провести восемь независимых выставок с 1874 по 1886 год.Вдохновленные недавно отстроенным и современным Парижем, открытиями в науке, растущим искусством фотографии и популярным интересом к японскому искусству, импрессионисты исследовали радикальные техники, запечатлевая цвета и моменты времени, различные точки зрения и современные темы.
Первоначально критики применяли термин «импрессионизм» как оскорбление к картинам, которые, по их мнению, были незаконченными или даже небрежными. Многие рецензенты критиковали использование новыми художниками смелых, заметных, «живописных» мазков.Импрессионисты считали, что традиционные техники гладких поверхностей и полностью развитые формы неадекватны для выражения энергии современного мира. Толстые мазки кисти (техника, называемая импасто), быстро наносимые на холст, помогли передать ощущение мира в движении. Некоторые импрессионисты вообще обходили палитру и смешивали краски прямо на холсте. Они подчеркивали мазки кисти, чтобы привлечь внимание к идее того, что делает картину «искусством».
Клод Моне был в авангарде импрессионизма.Японский мост четко показывает живописную манеру письма, где каждый крупный мазок раскрывает разные части сцены: мост, воду и деревья. Картина отражает то, что, по словам Моне, было «нестабильностью вселенной, трансформирующейся каждое мгновение на наших глазах.
голландцев, 1819–91.
Пейзаж от озера Леман до Ньона, 1875 год.
Холст, масло.
Дар Натана Каммингса.
Моне почувствовал влияние художника Эжена-Луи Будена, который специализировался на пляжных сценах.Этот ранний морской пейзаж Моне, написанный до того, как импрессионистское движение захватило власть, показывает начало стиля ажурной живописи, особенно в коротких ритмичных мазках воды.
, французский язык, 1840–1926 гг.
Берег моря в Сент-Адрессе, 1864 год.
Холст, масло.
Подарок мистера и миссис Теодор Беннетт.
Эта работа является примером непреходящего влияния импрессионистов. Написанная почти через 50 лет после выставок импрессионистов, она изображает семейство лосей, написанных с помощью фотографического реализма, материализовавшихся из импрессионистического пейзажа.
швед, 1860–1939 гг.
Семья лося на поляне, 1930.
Холст, масло.
Дар поместья Пола Апкрафта на его память.
Идея вторая: светитесь!
Клод МонеФранцузский, 1840–1926
Зерновой стог, Солнце в тумане, 1891
Холст, масло
Дар Рут и Брюса Дейтон,
Фонд Патнэма Даны Макмиллана,
Фонд Джона Р. Ван Дерлипа,
Уильям Худ Данвуди Фонд,
Фонд Этель Моррисон Ван Дерлип,
Альфред и Ингрид Ленц Харрисон,
и Мэри Джоанн и Джеймс Р.Jundt
Эскиз Венеции, Италия, Пьера Огюста Ренуара, является примером более светлой палитры, типичной для импрессионистов. Цвета радуги на этом грубом наброске яркие, относительно несмешанные и дополняющие друг друга.
В дополнение к живописной манере работы многие импрессионисты были известны тем, что использовали белые и более светлые цвета, называемые «более светлой палитрой». Они также интересовались новыми научными теориями о свете, оптике и цвете, такими как идея о том, что фактический цвет объекта изменяется в зависимости от интенсивности света, окружающего его, а также отражений и цветов рядом с ним.Эти художники изучали свет и уделяли особое внимание деталям, основываясь на своих прямых наблюдениях.
Эта картина Моне входит в серию из 25 полотен, написанных им с лета 1890 года до весны следующего года. Моне работал на пленэре (на открытом воздухе) на полях возле своего дома в Живерни, Франция. Он нарисовал стога зерна, чтобы показать, как меняется свет в разное время дня, в разных погодных условиях и в течение сезона. Каждый день Моне работал над разными полотнами в зависимости от времени суток и соответствующей смены света.За день он мог работать над 12 холстами, на каждом из которых был виден немного другой аспект света. Этот процесс будет повторяться в течение дней, недель и месяцев. Затем он настраивал картины в своей студии.
Идея неоднократно рисовать простую стогу с зерном, символ сельскохозяйственного богатства Франции, была революционной. Пятнадцать холстов были вместе выставлены в галерее в Париже в 1891 году. Стопки для зерна представляли эксперименты Моне по улавливанию эффектов света.
французов, 1867–1947 гг.
Столовая в деревне, 1913 год.
Холст, масло.
Фонд Джона Р. Ван Дерлипа © 2009 Общество прав художников (ARS),
Нью-Йорк / ADAGP, Париж.
французов, 1841–1919 гг.
Тамарис, Франция, ок.1885.
Холст, масло.
Завещание миссис Питер Фоллиотт.
Идея третья: Живопись на открытом воздухе
Камиль ПиссарроФранцузский, 1830–1903
Place du Théâtre Français, Париж: Дождь, 1898
Холст, масло
Фонд Уильяма Гуда Данвуди
Хотя Роберт Келер технически не был импрессионистом, в этой картине есть импрессионистские качества. с изображением Хеннепин-авеню в Миннеаполисе. Закрытые зонтики и сияющая улица запечатлевают природу сразу после дождя.Келер был первым директором того, что сейчас является Колледжем искусства и дизайна Миннеаполиса (MCAD).
Камиль Писсарро был самым старым из импрессионистов и единственным, кто участвовал во всех восьми выставках. Он твердо верил в свободу мысли и самовыражения и рассматривал импрессионизм как своего рода освобождение от традиций. Вместо того, чтобы создавать искусство для удовлетворения общественных вкусов, импрессионисты создавали искусство для собственного удовольствия.
На площади Французского театра, Париж: Дождь, Писсарро нарисовал городской пейзаж недавно отстроенного Парижа.Характерная для многих работ импрессионистов палитра светлая и яркая, а манера письма живописная. Писсарро выбрал нетрадиционный асимметричный вид сверху на улицу, создав четкую диагональ через картину к зданию на заднем плане. Речь идет не о городских зданиях, а о временном движении лошадей, багги и людей, пересекающих широкий бульвар. Тротуар блестит, и Париж кажется захватывающим даже в дождливый день. Эта картина является одним из девяти похожих видов Писсарро и частью серии из 32 видов Парижа.
Как и другие французские импрессионисты, Писсарро очень интересовался живописью на пленэре, чтобы запечатлеть непосредственность и постоянно меняющиеся эффекты света на сцене. Изобретение сжимаемой металлической трубки для краски для удержания и распределения пигментов заменило ранее использовавшийся пузырь свиньи, что облегчило малярам вынос своих материалов из студии для рисования на месте.
Поскольку у Писсарро был глазной недуг, когда он писал эту картину, он фактически работал из гостиничного номера, глядя в окно и наблюдая за этой сценой.
Дождливый вечер на проспекте Хеннепина,
c. 1902. Холст, масло.
Подарок по подписке в честь художника.
Серый свет сумерек запечатлен на этом «снимке» Люксембургского сада. Хотя Джон Сингер Сарджент технически не был импрессионистом, эта картина показывает влияние импрессионизма, поскольку она написана на пленэре.
американец, 1856–1925 гг.
Люксембургский сад в сумерках, 1879.
Холст, масло.
Подарок миссис К. С. Бови и миссис К. Д. Вели.
Импрессионист Альфред Сислей жил в Фонтенбло, недалеко от средневекового города Море. Художник нарисовал пленэр, чтобы передать ощущение свежего деревенского воздуха, вид пухлых облаков и атмосферу тихого речного городка.
, французский язык, 1839–1999 гг.
Le Pont de Moret, 1888.
Холст, масло.
Джон Р.Фонд Ван Дерлипа.
Идея четвертая: современность и повседневность
Берта МоризоФранцузский, 1841–95
Дочь художника, Жюли, со своей няней, ок. 1884
Холст, масло
Фонд Джона Р. Ван Дерлипа
Ренуар запечатлел тихий повседневный момент, когда молодая девушка прерывает трапезу, а старшая девочка закрепляет булавку детской шляпы.
Вместо того, чтобы рисовать сцены из мифологии, истории или Библии, импрессионисты предпочли изобразить современные предметы, которые они могли наблюдать воочию.Они считали искусство субъективным, и каждое произведение отражало уникальное восприятие мира художником. Писсарро нарисовал современный Париж. Моне рисовал стога для зерна. Берта Моризо написала семейный альбом повседневной жизни.
Поскольку Моризо была женщиной, ей запретили поступать в государственные художественные школы. Ее частными наставниками занимались художники-мужчины, в том числе Эдуоард Мане, который впоследствии стал ее зятем. Несмотря на то, что она была одним из основателей группы импрессионистов в 1874 году, ей не позволяли рисовать сцены, такие как жизнь в кафе, которые тогда считались неподходящими для женщины.Вместо этого она нарисовала множество автобиографических сцен из своей семейной жизни с участием членов семьи и друзей. Как писал поэт Поль Валери, Моризо «жила своей живописью и рисовала своей жизнью». (Энн Хигонне, «Образы женщин» Берты Моризо. Бостон: издательство Гарвардского университета, 1992, стр. 227).
На этой картине — одном из более чем 125 портретов ее дочери за 16 лет — Моризо запечатлела спокойную домашнюю сцену. Вместо традиционной композиции матери и ребенка, мать Моризо расположилась за пределами картины, наблюдая за своей дочерью, которая, в свою очередь, наблюдает за шитьем своей няни Паси.Вместо того, чтобы показывать интимную физическую связь между матерью и ребенком, Моризо выявляет психологическую связь и сосредотачивается на независимой жизни ребенка. На заднем плане изображены отец Жюли и муж Моризо, Эжен Мане.
Моризо и ее дочь часто создавали искусство бок о бок, Моризо — своими красками, а Джули — цветными карандашами, и, возможно, они вдохновляли друг друга. Моризо была более противоречивой, чем французские импрессионисты-мужчины, потому что ее энергичная и живописная манера письма была даже более схематичной, чем у них, предвосхищая совершенно свободную абстракцию живописи середины 20-го века.
французов, 1841–1919 гг.
Булавка для шляпы, 1898 год.
Цветная литография.
Дар Грейс Блисс Дейтон.
Эдгар Дега откровенно снял ребенка своего друга, который ест яблоко. Следуя идее повседневности, Дега нарисовал эту картину на куске матраса, потому что холста не было!
, французский язык, 1834–1917 гг.
Портрет мадемуазель. H
ortense Valpinçon, 1871 год.
Масло на тиках матрасов.
Фонд Джона Р. Ван Дерлипа.
Писсарро интересовался повседневной жизнью крестьян, как это видно на этом рисунке «Свекловичный урожай». Обратите внимание на сильную диагональную линию, образованную бороздами, напоминающую Place du Théâtre Français, Париж: Дождь.
, французский язык, 1830–1903 гг.
Свекловичный урожай, 1881 год.
Гуашь по графиту.
Завещание Мэри Янг Джейн.
Идея пятая: радикальные композиции
Джон Генри ТвахтманАмериканец, 1853–1902
Белый мост, ок.1895
Холст, масло
Дар мемориальной коллекции Мартина Б. Куна
Это образец японской гравюры, вдохновившей импрессионистов.
Утагава Хиросигэ, японец, 1797–1858 гг. Игра в футбол, XIX век, период Эдо. Цветная ксилография. Дар Луиса У. Хилла младшего
Именинник должен быть в центре картинки, но здесь он справа. Сарджент решил обрезать картину справа, обрезая сцену, как это делается на откровенной фотографии.
В дополнение к живописной манере живописи, интересу к свету и цвету, живописи на пленэре и выбору современных предметов, французские импрессионисты были известны своими радикальными композициями и интересом к подающемуся искусству фотографии, а также к технике и сюжетам японской гравюры. Американский импрессионист Джон Генри Твахтман был вдохновлен новыми техниками своих французских коллег, особенно радикальными композициями.
Фотография освободила живопись от ее традиционной роли реалистичного описания сцены.Теперь художники могли рисовать сцены такими, какими они их видели. Художники заимствовали фотографические техники, например кадрирование, для изменения композиции. Фотографии могли запечатлеть эффекты движения и света, которые были важны для импрессионистов.
японских гравюр также оказали влияние на французских импрессионистов. В японских гравюрах пространство сжато. Объекты внизу отпечатка находятся на переднем плане, те, что вверху, на заднем плане, и часто наблюдается сильная диагональ, как, например, на площади Французского театра Писсарро, Париж: Дождь.Сюжеты японских гравюр часто представляют собой небольшие моменты простого дня, а не грандиозное историческое событие.
Твахтман очень восхищался Моне и, как и Моне, предпочел жить в деревне и заниматься своим искусством на природе. Подобно Моне со своими местными зерновыми стогами, Твахтман изобразил белый мост через ручей Хорснек на своей территории в Коннектикуте по крайней мере на пяти картинах, используя разное время дня, свет и точку обзора.
Композиция этой картины с ее сильной диагональю и сжатым пространством вдохновлена японскими гравюрами.Дерево слева, вечнозеленое растение справа, тень на воде, мост и его отражение, а также затемненный фон складываются, чтобы сгладить изображение и подтолкнуть его к поверхности холста.
американец, 1856–1925 гг.
День рождения, 1887 год.
Холст, масло.
Фонд Этель Моррисон Ван Дерлип и Фонд Джона Р. Ван Дерлипа.
Эжен-Луи Буден был первым источником вдохновения для многих импрессионистов, особенно для Моне.Буден создал картину, чтобы подчеркнуть огромное небо, затмевая любителей пляжа на переднем плане. Это первая картина, приобретенная Институтом искусств Миннеаполиса после его открытия в 1915 году.
, французский язык, 1824–1898 гг. Отдыхающие на пляже в Трувиле, 1864 год.
Холст, масло.
Фонд Уильяма Гуда Данвуди.
Сопутствующие виды деятельности
Игла в стоге сена
Сюрреалисты наслаждались поэтическими эффектами случайных комбинаций в игре под названием Exquisite Corpse.Чтобы играть, сформируйте группу от четырех до шести человек. Разрежьте чистые листы бумаги пополам вдоль и раздайте каждому игроку по одной из половин. Каждый человек пишет несколько слов вверху и складывает бумагу вниз настолько, чтобы скрыть надпись. Листы передаются следующему человеку, который добавляет несколько слов, не видя того, что было раньше, и снова складывает лист. Когда листы разошлись по кругу и все написали что-то на каждой, откройте их все и прочтите получившиеся стихи.
На пленэре
Выйти на улицу рисовать! Попробуйте запечатлеть цвета и свет дня на холсте или бумаге. Что сделало ваше творчество на открытом воздухе самым приятным? Какие были самые большие проблемы, с которыми вы столкнулись?
Вблизи и лично
Посетите Институт искусств Миннеаполиса и приблизьтесь (но держитесь хотя бы в одном футе) к картинам французских импрессионистов и их последователей. Обратите внимание на манеру письма, цвета, использование тени и света.Ищите импрессионистические техники повсюду в музее. Затем, имея в виду, что, несмотря на отказ Парижского салона, искусство французских импрессионистов стало чрезвычайно популярным, просмотрите галереи программы выставок художников Миннесоты (MAEP) в галерее Mia. Как вы думаете, какое из этих произведений современного искусства станет следующим большим событием?
Семейный альбом
Берта Моризо создала семейный альбом картин, записывая повседневные дела, которые она наблюдала в своем доме.Понаблюдайте за своей семьей и запишите дневник повседневных дел, в которых вы живете в течение недели. Сосредоточьтесь на конкретных небольших событиях, таких как завтрак, прогулка до автобусной остановки или игра.
Фонари, Камеры
Узнайте больше о том, как французские импрессионисты создавали свои композиции. Используйте камеру, чтобы делать откровенные снимки под разными углами, сверху, снизу или сбоку. Используйте компьютерную программу, чтобы обрезать фотографии разными способами. Или вырежьте фотографии из журналов, а затем обрежьте их разными способами.
