Импрессионисты кто это такие: Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н. э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н. э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н. э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Кто такие импрессионисты?

   Клод Моне. Впечатление. Восходящее солнце, 1872 г.

   15 апреля 1874 г. парижане пришли к мастерской фотографа Надара на углу улицы Дому и бульвара Капуцинов. Здесь показали свои картины никому еще не известные художники Клод Моне, Сислей, Дега, Ренуар. Публика недоумевала. Кто эти выскочки, посмевшие высказаться независимо от официально признанного Салона?
   Парижские любители искусств увидели пейзажи, выполненные в непривычной тогда живописной манере. Они поражали глаз дерзким сочетанием контрастных выпуклых мазков.
   Реакция публики была самой неутешительной. По словам Ренуара, ее больше всего отталкивало в картинах отсутствие всего того, что привыкли видеть в музеях. Довольно суровой была и реакция критики. Одна из картин Клода Моне называлась «Впечатления. Восход солнца» (по-французски впечатление – импрессион). Тогда же молодых живописцев и прозвали «импрессионистами».

   Клод Моне. Стог сена в Живерни. 1889 г.

   Импрессионисты черпали темы из современной жизни, продолжая в этом многовековую традицию западноеворпейского искусства. Новое заключалось не в сюжете, а его трактовке. Импрессионисты создавали серии одних и тех же пейзажей, но изображали их в разное время года и суток. Каждый пейзаж запечатлевал единственное и неповторимое мгновение из жизни природы. Образ у импрессионистов был основан на цельности восприятия, они не разделяли предметы на главные и второстепенные. Специфической чертой их живописи была серийность. Наиболее знаменитые серии принадлежат кисти Клода Моне. Художник писал, что работая над серией пейзажей со стогами сена, он приходил в отчаяние от своей «медлительности», ибо солнце садилось так быстро, что он не мог поспеть за ним.

   Пьер Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1878 г.

   Импрессионисты обратились и последним достижениям – физической и физиологической наук, чтобы добиться точного воспроизведения света, цвета и движения такими, как их видит глаз. На их полотнах изображение как бы оживает, начинает двигаться. Пятна цвета расслаиваются, переходят одно в другое, лишая форму статичности.
   Искусство импрессионистов продемонстрировало решительный разрыв с традиционными правилами и приемами создания живописной композиции. Дав толчок для развития художественных течений XX в., оказавшись провозвестником искусства нашей эпохи, импрессионизм не превратился в художественное прошлое. Современные художники, развив импрессионистические приемы, изображают окружающий мир таким, каким он представляется взору внимательного и чуткого наблюдателя.

Импрессионизм | Belcanto.ru

Категории словаря

Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression — впечатление) — художественное течение, возникшее в 70-х гг. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре. Выдающиеся живописцы-импрессионисты (К. Моне, К. Писарро, А. Сислей, Э. Дега, О. Ренуар и др.) обогатили технику изображения живой природы во всей её чувственной прелести. Сущность их искусства — в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов. Музыкальный импрессионизм возник в конце 80 — начале 90-х гг. Своё классическое выражение он нашёл в творчестве К. Дебюсси.

Применение термина «импрессионизм» к музыке во многом условно: музыкальный импрессионизм не вполне аналогичен одноимённому течению в живописи. Главное в музыке композиторов-импрессионистов — передача настроений, приобретающих значение символов, фиксация едва уловимых психологических состояний, вызванных созерцанием внешнего мира. Это сближает музыкальный импрессионизм с искусством поэтов-символистов, для которого характерен культ «невыразимого». Термин «импрессионизм», применявшийся музыкальными критиками конца 19 в. в осуждающем или ироническом смысле, позднее стал общепринятым определением, охватывающим широкий круг музыкальных явлений рубежа 19-20 вв. как во Франции, так и в др. странах Европы.

Импрессионистские черты музыки К. Дебюсси, М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмита, Ж. Роже-Дюкаса и др. французских композиторов проявляются в тяготении к поэтически одухотворённому пейзажу («Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны», «Море» Дебюсси, «Игра воды», «Отражения», «Дафнис и Хлоя» Равеля и др.). Близость к природе, тонкие ощущения, возникающие при восприятии красоты моря, неба, леса, способны, по мысли Дебюсси, возбудить фантазию композитора, вызвать к жизни новые звуковые приёмы, свободные от академических условностей. Другая сфера музыкального импрессионизма — рафинированная фантастика, порождённая античной мифологией или средне-вековыми легендами, мир экзотики народов Востока. Новизна художественных средств нередко сочеталась у композиторов-импрессионистов с претворением изысканных образов старинного искусства (живописи стиля рококо, музыки французских клавесинистов).

Музыкальный импрессионизм унаследовал некоторые черты, присущие позднему романтизму и национальным школам 19 века: интерес к поэтизации старины и далёких стран к тембровой и гармонической красочности, воскрешению архаических ладовых систем. Поэтический миниатюризм Ф. Шопена и Р. Шумана, звукопись позднего Ф. Листа, колористические находки Э. Грига, Н. А. Римского-Корсакова, свобода голосоведения и стихийная импровизационность М. П. Мусоргского нашли оригинальное продолжение в творчестве Дебюсси и Равеля. Талантливо обобщив достижения предшественников, эти французские мастера в то же время резко восстали против академизации романтических традиций; патетическим преувеличениям и звуковой перенасыщенности музыкальных драм Р. Вагнера они противопоставляли искусство сдержанных эмоций и прозрачной скупой фактуры. В этом сказалось и стремление воскресить специфически французскую традицию ясности, экономии выразительных средств, противопоставив их тяжеловесности и глубокомысленности немецкого романтизма.

Во многих образцах музыкального импрессионизма проступает восторженно-гедонистическое отношение к жизни, что роднит их с живописью импрессионистов. Искусство для них — сфера наслаждения, любования красотой колорита, сверканием светлых безмятежных тонов. При этом избегаются острые конфликты, глубокие социальные противоречия.

В отличие от чёткого рельефа и сугубо материальной палитры Вагнера и его последователей, музыка импрессионистов часто характеризуется тонкостью, нежностью, беглой переменчивостью звуковых образов. «Слушая импрессионистов-композиторов, вы по преимуществу вращаетесь в кругу туманных переливчатых звучаний, нежных и хрупких до того, что вот-вот музыка вдруг дематериализуется… лишь в душе вашей надолго оставив отзвуки и отблески упоительных бесплотных видений» (В. Г. Каратыгин).

Эстетика импрессионизма воздействовала на все основные жанры музыки: вместо развитых многочастных симфоний стали культивироваться симфонические эскизы-зарисовки, сочетающие акварельную мягкость звукописи с символистской загадочностью настроений; в фортепианной музыке — столь же сжатые программные миниатюры, основанные на особой технике звукового «резонирования» и картинной пейзажности; на смену романтической песне пришла вокальная миниатюра с преобладанием сдержанной речитации, сочетающейся с красочной изобразительностью инструментального фона. В оперном театре импрессионизм привёл к созданию музыкальных драм полулегендарного содержания, отмеченных чарующей деликатностью звуковой атмосферы, скупостью и естественностью вокальной декламации. При некотором углублении психологической выразительности в них сказалась статика драматургии («Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси).

Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило палитру музыкально-выразительных средств. Это относится прежде всего к сфере гармонии с её техникой параллелизмов и прихотливым нанизыванием неразрешающихся красочных созвучий-пятен. Импрессионисты заметно расширили современную тональную систему, открыв путь многим гармоническим новшествам 20 в. (хотя и заметно ослабили чёткость функциональных связей). Усложнение и разбухание аккордовых комплексов (нонаккорды, ундецимаккорды, альтерированные и квартовые созвучия) сочетаются у них с упрощением, архаизацией ладового мышления (натуральные лады, пентатоника, целотонные комплексы). В оркестровке композиторов-импрессионистов преобладают чистые краски, капризные блики; часто применяются соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino. Типичны и чисто декоративные, равномерно текучие остинатные фоны. Ритмика подчас зыбка и неуловима. Для мелодики характерны не закруглённые построения, но короткие выразит. фразы-символы, напластования мотивов. При этом в музыке импрессионистов необычайно усилилось значение каждого звука, тембра, аккорда, раскрылись безграничные возможности расширения лада. Особую свежесть музыке импрессионистов придало частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, тонкое претворение ладовых, ритмических элементов, заимствованных в фольклоре народов Востока, Испании, в ранних формах негритянского джаза.

В начале 20 в. музыкальный импрессионизм распространился за пределами Франции, обретая у различных народов специфические национальные черты. В Испании М. де Фалья, в Италии О. Респиги, молодой А. Казелла и Дж. Ф. Малипьеро оригинально развивали творческие идеи французских композиторов-импрессионистов. Своеобразен английский музыкальный импрессионизм с его «северной» пейзажностью (Ф. Дилиус) или пряной экзотикой (С. Скотт). В Польше музыкальный импрессионизм представлял К. Шимановский (до 1920) с его ультрарафинированными образами античности и Др. Востока. Влияние французского импрессионизма испытали в начале 20 в. и некоторые русские композиторы (Н. Н. Черепнин, В. И. Ребиков, С. Н. Василенко в ранние годы его творчества). У А. Н. Скрябина самостоятельно сформировавшиеся черты импрессионизма сочетались с пламенной экстатичностью и бурными волевыми порывами. Слияние традиций музыки Н. А. Римского-Корсакова с самобытно претворёнными воздействиями французского импрессионизма заметны в ранних партитурах И. Ф. Стравинского («Жар-птица», «Петрушка», опера «Соловей»). Вместе с тем Стравинский и С. С. Прокофьев наряду с Б. Бартоком оказались зачинателями нового, «антиимпрессионистского» направления в европейской музыке кануна 1-й мировой войны.

И. В. Нестьев

---

Французский музыкальный импрессионизм

Творчество двух крупнейших французских композиторов Дебюсси и Равеля — самое значительное явление во французской музыке на рубеже XIX и XX столетий, яркая вспышка глубоко человечного и поэтичного искусства в один из самых сложных и противоречивых периодов в развитии французской культуры.

Художественная жизнь Франции последней четверти XIX столетия отличалась поразительной пестротой и контрастами. С одной стороны, появление гениальной «Кармен» — вершины реализма во французской опере, целого ряда глубоких по замыслу, художественно значительных симфонических и камерных произведений Франка, Сен-Санса, Форе и Дебюсси; с другой — утвердившееся господство в музыкальной жизни столицы Франции таких учреждений, как Парижская консерватория, Академия изящных искусств с их культом омертвелых «академических» традиций.

Не менее разительный контраст представляет собой распространение в самых широких слоях французского общества таких демократических форм музыкальной жизни, как массовые певческие общества, социально-острая по своему духу деятельность парижских шансонье, и наряду с этим — возникновение крайне субъективного направления во французском искусстве — символизма, которое отвечало преимущественно интересам эстетствующей верхушки буржуазного общества с их лозунгом «искусство для избранных».

В такой сложной обстановке родилось одно из самых интересных, ярких направлений во французском искусстве второй половины XIX века — импрессионизм, возникший сначала в живописи, затем в поэзии и музыке.

В изобразительном искусстве это новое направление объединило художников весьма своеобразного и индивидуального таланта — Э. Мане, К. Моне, О. Ренуара, Э. Дега, К. Писсарро и других. Относить безоговорочно всех перечисленных художников к импрессионизму было бы неверно, ибо у каждого из них была своя излюбленная сюжетная сфера, самобытная манера письма. Но объединяла их на первых порах ненависть к официальному «академическому» искусству, чуждому жизни современной Франции, лишенному настоящей человечности и непосредственного восприятия окружающего.

«Академисты» отличались исключительным пристрастием к эстетическим нормам античного искусства, к мифологическим и библейским сюжетам, а импрессионистам в значительно большей мере оказались близки тематика и образная сфера творчества таких художников предшествующей эпохи, как Камиль Коро и особенно Гюстав Курбе.

Основное, что наследовали импрессионисты у этих художников, заключалось в том, что они вышли из мастерских на открытый воздух и стали писать непосредственно с натуры. Это открыло им новые пути к постижению и отображению окружающего мира. К. Писсарро говорил: «Нельзя думать о том, чтобы написать действительно серьезную картину без натуры». Наиболее характерной чертой их творческого метода стала передача самых непосредственных впечатлений от того или иного явления. Это дало повод некоторым критикам либо причислять их к модному тогда натурализму с его поверхностным «фотографическим» восприятием мира, либо обвинять в том, что они подменяют отображение реальных явлений действительности своими сугубо субъективными ощущениями. Если упрек в субъективизме имел под собой почву в отношении ряда художников, то обвинение в натурализме было мало основательным, ибо у большинства из них (Моне, Ренуара, Дега, Ван-Гога) целый ряд картин хотя и кажутся моментальными зарисовками, как бы выхваченными «из жизни», на самом деле появились в результате долгих поисков и отбора характерного, типичного и глубокого обобщения жизненных наблюдений.

Большинство импрессионистов всегда подчеркивали значение выбора конкретной темы для своих картин. Самый старший из них, Эдуард Мане, говорил: «Цвет — это дело вкуса и чувствительности. Но нужно иметь, что сказать. А не то — до свидания!.. Нужно быть также взволнованным темой».

Основной темой их творчества стала Франция — ее природа, быт и люди: рыбацкие поселки и шумные парижские улицы, мост в Морэ и знаменитый собор в Руане, крестьяне и балерины, прачки и рыбаки.

Настоящим откровением в полотнах художников-импрессионистов явился пейзаж. Новаторские устремления их раскрылась здесь во всем своем разнообразия и богатстве оттенков и нюансов. На полотнах импрессионистов появились подлинные живые краски природы, ощущение прозрачности воздуха, тончайшая игра светотеней и т. д.

Новые сюжеты, постоянный огромный интерес к натуре потребовали от импрессионистов особого живописного языка, открытия стилевых закономерностей живописи, основанных на единстве формы и цвета. Им удалось установить, что цвет на картине может образовываться не обязательно путем смешивания красок ча палитре, а в результате рядом положенных «чистых» тонов, которые образуют более естественное оптическое смешение; что тени не только являются следствием малой освещенности предмета, но могут сами рождать новый цвет; что цвет, так же как и линия, может «слепить» предмет, придать ему четкую определенную форму и т. д.

Новизна тематики и особенно метода художников-импрессионистов вызвала резко отрицательное отношение со стороны официальных художественных кругов Парижа. Первую же выставку импрессионистов официальная пресса назвала «покушением на добрые художественные нравы», на уважение к мастерам классического французского искусства.

В обстановке непрекращающейся борьбы между традиционными и новыми направлениями в живописи и поэзии складывался музыкальный импрессионизм. Он возник также как прямая оппозиция по отношению к устаревшим, но цепко удерживающимся «академическим» традициям в музыкальном искусстве Франции конца прошлого столетия. Первым и наиболее выдающимся представителем этого направления был Клод Дебюсси. Композитором, во многом продолжившим творческие устремления Дебюсси, но в то же время нашедшим свой оригинальный самобытный путь развития, стал Морис Равель. Их первые творческие опыты встретили такое же недоброжелательное отношение со стороны руководства официальных учреждений — Парижской консерватории, Академии изящных искусств, как и картины художников-импрессионистов. Им пришлось пробивать себе дорогу в искусстве в одиночестве, ибо у них почти не было единомышленников и соратников. Весь жизненый и творческий путь Дебюсси и Равеля — путь мучительных поисков и счастливых находок новых тем и сюжетов, смелых экспериментов в области музыкальных жанров и средств музыкального языка.

При общности истоков их творчества, художественного окружения оба художника глубоко индивидуальны по своему творческому облику. Это проявилось и в выборе каждым из них определенных тем и сюжетов, и в их отношении к национальному фольклору, и в характере эволюции творческого пути каждого, и во многих важных особенностях стиля.

Музыкальный импрессионизм (как и живописный) вырос на почве национальных традиций французского искусства. Это проявилось у Дебюсси и Равеля в прочных, хотя и не всегда внешне заметных связях с народным французским искусством (где наиболее живым примером для них могло быть глубоко национальное по своей природе творчество Визе), в тесном общении с современной им литературой и живописью (что было всегда типично для французской музыки различных исторических периодов), в исключительной роли в их творчестве программной инструментальной музыки, в особом интересе к античной культуре. Но самыми близкими и непосредственно подготовившими музыкальный импрессионизм явлениями все же остаются современная французская поэзия (где в это время выдвинулась близкая по духу импрессионистам фигура поэта Поля Верлена) и, особенно, живописный импрессионизм. Если влияние поэзии (в основном символистской) обнаруживается преимущественно в ранних произведениях Дебюсси и Равеля, то влияние живописного импрессионизма на творчество Дебюсси (и в меньшей степени на Равеля) оказалось шире и плодотворнее.

В творчестве художников и композиторов — импрессионистов обнаруживается родственная тематика: колоритные жанровые сценки, портретные зарисовки, но исключительное место занимает пейзаж.

Есть общие черты и в художественном методе живописного и музыкального импрессионизма — стремление к передаче первого непосредственного впечатления от явления. Отсюда тяготение импрессионистов не к монументальным, а к миниатюрным формам (в живописи — не к фреске или крупной композиции, а к портрету, этюду; в музыке — не к симфонии, оратории, а к романсу, фортепианной или оркестровой миниатюре со свободно-импровизационной манерой изложения) (Это более характерно для Дебюсси, чем для Равеля. У Равеля в зрелом творчестве проявляется особый интерес к крупным инструментальным формам — сонате, концерту, а также к опере и балету.).

Больше всего живописный импрессионизм повлиял на музыку в области средств выразительности. Так же как и в живописи, поиски Дебюсси и Равеля были направлены на расширение круга выразительных средств, необходимых для воплощения новых образов, и в первую очередь на максимальное обогащение красочно-колористической стороны музыки. Эти поиски коснулись лада и гармонии, мелодии и метроритма, фактуры и инструментовки. Значение мелодии как основного выразительного элемента музыки ослабляется; в то же время необычайно возрастает роль ладогармонического языка и оркестрового стиля, в силу своих возможностей более склонных к передаче картинно-образного и колористического начал.

Новые выразительные средства у композиторов-импрессионистов, при всем своеобразии и специфике, имеют некоторые аналогии с живописным языком художников-импрессионистов. Частое обращение Дебюсси и Равеля к старинным народным ладам (пентатонике, дорийскому, фригийскому, миксолидийскому и другим), а также целотонному звукоряду в сочетании с натуральными мажором и минором аналогично огромному обогащению цветовой палитры у художников-импрессионистов; длительное «балансирование» между двумя отдаленными тональностями без явного предпочтения одной из них несколько напоминает тонкую игру светотеней на полотне; сопоставление нескольких тонических трезвучий или их обращений в отдаленных тональностях производит впечатление, аналогичное мелким мазкам «чистых» красок, расположенных рядом на холсте и образующих неожиданно новое цветовое сочетание и т. д.

На творчестве Дебюсси и Равеля (как и художников-импрессионистов) сказалась и определенная ограниченность импрессионистской эстетики. Она нашла выражение в сужении круга тем, художественно-образной сферы их творчества (особенно в сравнении с их великим предшественником Берлиозом, музыкой эпохи французской революции), в равнодушии к героико-исторической и социальной теме. Наоборот, явное предпочтение отдается музыкальному пейзажу, жанровой сценке, характерному портрету, реже мифу или сказке. Но в то же время Дебюсси и особенно Равель в ряде крупных сочинений преодолевают ограниченность импрессионистской эстетики и создают такие психологически углубленные сочинения, как Второй фортепианный концерт и «Гробница Куперена» (Равель), грандиозные по масштабам симфонического развития «Вальс» и «Болеро» (Равель), яркие колоритные картины народной жизни, как «Иберия» и «Празднества» (Дебюсси), «Испанская рапсодия» (Равель).

В отличие от многочисленных направлений модернистского искусства, распустившихся пышным цветом в начале XX века (экспрессионизм, конструктивизм, урбанизм и другие), творчество двух французских художников отличает полное отсутствие болезненной утонченности, смакования ужасного и уродливого, подмены эмоционального восприятия окружающего «конструированием» музыки. Искусство Дебюсси и Равеля, как и полотна художников-импрессионистов, воспевает мир естественных человеческих переживаний, иногда глубоко драматических, но чаще передает радостное ощущение жизни. Оно по-настоящему оптимистично.

Большинство их произведении как бы заново открывает перед слушателями прекрасный поэтичный мир природы, нарисованный тонкими, чарующими и пленительными красками богатой и оригинальной звуковой палитры.

Историческое значение наследия Дебюсси и Равеля метко и точно определил Ромен Роллан, сказав: «Я всегда смотрел на Равеля, как на величайшего художника французской музыки, вместе с Рамо и Дебюсси — одного из самых великих музыкантов всех времен».

Б. Ионин

---

Художественное течение конца 19 — начала 20 вв., в основе которого стремление передать мимолётные впечатления, субъективные ощущения и настроения художника. Первоначально возникло во французской живописи, затем распространилось на другие искусства и страны. В хореографии стремление к фиксации мгновения, свойственное импрессионизму, опиралось на импровизационность и противостояло созданию завершённой художественной формы. В балетном театре, основанном на сложной технике танца и развитых танцевальных формах, последовательный импрессионизм означал бы его самоликвидацию, и потому он не получил значительного распространения. Импрессионизм проявился главным образом в т. н. свободном танце. А. Дункан отстаивала идею «раскрепощения тела» и интуитивного истолкования музыки, без какаих-либо. танцевальных норм. Импрессионизм в танце получил распространение также в Германии. М. М. Фокин пытался сблизить импрессионизм с балетной сценой. Воссоздавая в спектаклях сцены из различных эпох («Павильон Армиды», «Шопениана», оба — 1907; «Египетские ночи», 1908, и др.), Фокин прибегал к стилизации. Позднее в его работах всё более размывалась структура танца. Завершённые формы (pas de deux, adagio, вариация и др.) отвергались и даже пародировались (напр., в балете «Синяя борода»). Вместе с тем черты импрессионизма в творчестве Фокина — лишь одна из его граней.

В дальнейшем на смену большому спектаклю всё чаще приходит миниатюра. Однако в погоне за верностью передачи мгновенного впечатления происходило измельчание тематики, пренебрежение сценарной драматургией. Импрессионизм быстро исчерпал свои возможности.

Балет. Энциклопедия, СЭ, 1981

Я рекомендую

Это интересно

Твитнуть

реклама

вам может быть интересно

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

 

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

О художнике читайте также в статье “Картины Эдуарда Мане, мастера с колумбовской кровью”.

2. Клод Моне  (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок”.

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

О самой знаковой картине мастера читайте в статье “Впечатление” Клода Моне. С чего начинался импрессионизм”.

3. Огюст Ренуар (1841—1919).

Андрей Аллахвердов. Пьер-Огюст Ренуар. 2018. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Импрессионизм — это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia Commons.

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com.

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье “Жанна Самари. 7 самых интересных фактов о картине”

4. Эдгар Дега (1834—1917).

Андрей Аллахвердов. Эдгар Дега. 2020. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879. Музей Шелбурн, Вермут, США

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

О других картинах мастера читайте в статье “7 выдающихся картин Эдгара Дега”.

5. Берта Моризо (1841—1895).

Андрей Аллахвердов. Берта Моризо. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Берта Моризо. Лето. 1880. Музей Фабре, Монпелье, Франция.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.

Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.

Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины — это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.

Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881. Национальный музей Уэльса, Кардифф.

Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

О картинах мастера читайте в статье “Берта Моризо. Жертва предрассудков или хозяйка своей судьбы?”

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903).

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869. Музей д’Орсе, Париж.

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873. Музей д’Орсе, Париж.

Самые известные его работы — виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

Камиль Писсарро. Бульвар Монмартр ночью. 1897. Национальная галерея, Лондон.

Ночной воздух на картине “Бульвар Монмартр ночью” плавится от горящих фонарей и витрин.

Пространство изображено планетарно. Улица не прямая, а как бы выгибающаяся дугой. Это делает вид обычного бульвара величественным.

О мастере также читайте в статье “Камиль Писсарро. Картина ценой в одно пирожное”.

7. Альфред Сислей (1839—1899).

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет Альфреда Сислея. 1868. Собрание фонда Эмиля Бюрле, Цюрих, Швейцария. Wikimedia Commons.

Альфред Сислей был человеком скромным и молчаливым. Такими же были и его пейзажи. Тихие, наполненные цветовым уютом. Сислей не любил внешних эффектов. Людей он тоже почти никогда не изображал.

Широкими мазками он писал подвижное небо и воду. Дома же выписывал более гладко. Это подчеркивало статичность материала. Как на его знаменитой картине “Наводнение в Порт-Марли”.

Альфред Сислей. Наводнение в Порт-Марли. 1877. Музей Д’Орсе, Париж.

Сислей особенно любил писать небо. С него он и начинал любую картину. Часто оно занимало бОльшую часть холста.

В изображении неба он также использовал разные мазки. Длинные помогали передать быстро движущееся предгрозовое небо. Лёгкие и тонкие передавали небо ясное и безоблачное.

Картины Альфреда Сислея. Слева: Вид на Сен-Мамес. 1880 г. Художественный музей Уолтерса. Балтимор, США. Справа: Мост в Море. Утро. 1891 г. Частная коллекция.

Сислей признания так и не дождался. Его пейзажи казались публике невыразительными. Оценили их после его смерти. Сейчас они стоят миллионы долларов.

О мастере читайте также в статье “7 самых красивых пейзажа Альфреда Сислея”.

PS.

Несколько десятилетий импрессионисты боролись за признание. Кто-то полжизни. Кто-то весь свой век. Почему же так долго?

Представьте себя человеком XIX века. Для вас картина – это аккуратно и гладко выписанные тела и предметы. Каждый мазок “спрятан”.

Поэтому любитель живописи делал простой вывод. Эти стараются. А вот эти (импрессионисты) халтурят. Раз мазки видно. И краски не смешивают. И не хотят точно передавать действительность.

Обывателю ещё сложно было осознать, что эти “пачкуны” не хотят копировать реальный мир с помощью традиционных методов. Они мечтают сотворить свои собственные!

Импрессинизм — это школа художественного рыцарства. Он учит быть свободным от канонов и традиций.

Крещение импрессионизмом прошли все великие художники следующих поколений. И Пикассо, и Мунк. И даже Малевич.

Слева: Эдвард Мунк “Улица Лафайет”, 1901 г. Национальная галерея Осло, Норвегия. Справа: Пабло Пикассо “Коррида”, 1901 г. Частная коллекция. Внизу: Казимир Малевич “Весна, яблоня в цвету”, 1904 г. Третьяковская галерея.

Неожиданно увидеть Пикассо-импрессиониста? А уж тем более Малевича, изображающего нежный цвет яблонь. И такого позитивного Мунка.

Все они прошли стадию импрессионизма. Без этого они не смогли бы сделать следующий шаг. В кубизм (Пикассо). В экспрессионизм (Мунк). И даже в супрематизм (Малевич).

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копёнкина

Перейти на главную страницу

Англоязычная версия

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

5. Импрессионизм из коллекции Пушкинского музея

Импрессионизм – это течение в искусстве, возникшее во Франции в последней трети ХIХ века.  В  60-70-е годы ХIХ столетия многие молодые французские художники, неудовлетворенные господством академической традиции начинают поиски путей обновления искусства. Они обращаются к темам и мотивам, взятым из реальной жизни: героями их произведений, становятся парижане, посетители театров, завсегдатаи кафе. Художники стремятся привнести в свои работы свежесть впечатления и непосредственность восприятия действительности.

Значительную роль в этом движении сыграл Эдуард Мане, которого принято рассматривать как предвестника импрессионизма, хотя сам мастер не считал себя приверженцем этого направления. Именно вокруг него объединились молодые живописцы: Клод Моне, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Огюст Ренуар.

История импрессионизма неотделима от творческой биографии Клода Моне. Даже сам термин импрессионизм (фр. impression – впечатление) своим происхождением обязан названию картины мастера «Впечатление. Восход солнца» («L’impression. Le soleil levant»). Главные открытия Моне совершил в жанре пейзажа, начав писать картины на пленэре. Изображение природы как изменчивой динамической среды стало основой творчества Камиля Писсарро и Альфреда Сислея.

Пьер-Огюст Ренуар воплотил новый идеал не только в пейзажном жанре, но и в многофигурных композициях, портретах, в изображении обнаженной натуры.

Особое положение занимает живопись Эдгара Дега. Используя технику пастели, Дега умело совмещал энергичный рисунок с выразительными возможностями цвета.

Последняя, восьмая выставка импрессионистов состоялась в Париже в 1886 году.

ГМИИ им. А.С.Пушкина обладает великолепными по  качеству  произведениями художников импрессионистов. Основу музейного собрания составляют коллекции Ивана Абрамовича Морозова и Сергея Ивановича Щукина. Представители богатых купеческих семей, они первыми стали собирать произведения современного им французского искусства, сумев за короткий срок создать коллекции, принадлежащие к числу наиболее знаменитых в мире.

 

Начало импрессионистского пейзажа

Обзор

В 1841 году американский художник изобрел разборные металлические тубы для масляных красок. Для импрессионистов, которые часто рисовали на открытом воздухе, это новое удобство было незаменимым. Примерно в то же время расширение железных дорог сделало сельскую местность более доступной: новые линии связали Париж с Нормандией и с городами на берегу Сены, которые стали домом и предметом для многих художников-импрессионистов.Наш самый сильный образ этих художников — это на улице, шляпы, затемняющие глаза, мольберты на берегу реки, когда они записывают мимолетные эффекты света и атмосферы на пейзаже.

К середине века живопись под открытым небом была устоявшейся традицией, хотя большинство художников сохраняли различие между набросками маслом, сделанными на открытом воздухе, и готовыми работами, написанными в студии. Более смелые стили живописи начали стирать эти различия, а реализм, подчеркивающий «истину», побудил многих художников рисовать природу с неприукрашенной прямотой вместо «усиления» грубых ощущений посредством представления мифа или аллегории.Художники-пейзажисты Коро и Буден оказали сильное влияние на молодых художников-импрессионистов. Коро сделал много набросков маслом с натуры, на открытом воздухе, но при его жизни они не находили сбыта. Картины, которые он выставлял и продавал, были написаны в мастерской. Буден, однако, начал писать свои пейзажи полностью на пленэре — на пленэре.

Примерно к 1870 году импрессионисты Писсарро, Сислей, Моне и Ренуар сделали пробный камень живописи под открытым небом. Отвечая на вопрос интервьюера о его студии, Моне распахнул руки перед Сеной и ее залитыми лютиками берегами, сказав: «Это моя студия.«Это видение импрессионизма было отчасти мифом — на самом деле, многие картины демонстрируют признаки студийной работы — но оно подчеркивает важность, которую эти художники придавали непосредственному наблюдению, скорости и спонтанности, когда они пытались запечатлеть меняющуюся погоду, времена года. , и время суток.

Жан-Батист-Камиль Коро , французский, 1796 — 1875, Вид рядом с Эперноном , 1850/1860, холст, масло, Коллекция Widener, 1942. 9.13

Когда импрессионизм был грязным словом (Образование в Гетти)

Академическая традиция
К 19 веку мир искусства во Франции более двух столетий находился под контролем могущественной национальной академии искусств — Королевской академии художеств.Истоки Королевской академии искусств во Франции (по-французски, École des Beaux-Arts ) уходят корнями в 1648 год, когда она была основана кардиналом Мазарини для короля Людовика XIV. Академия была создана для обучения самых талантливых студентов рисунку, живописи, скульптуре и архитектуре. Со временем она превратилась в мощную организацию, которая контролировала как то, чему учили, так и то, что выставлялось во Франции. Учебная программа требовала, чтобы студенты доказали свои навыки с основными задачами рисования, прежде чем переходить к рисованию и рисованию.Когда художники представляли свои работы на ежегодный Салон (спонсируемая школой выставка с участием жюри), было понятно, что самые высокие награды получают художники, изображающие исторические сюжеты, в то время как такие жанры, как пейзаж и натюрморт, рассматривались как менее важные предметы.

Барбизонская школа
Группа художников, ныне известных как художники Барбизон, названные в честь региона Франции, в котором они работали, начала все больше обращать внимание на пейзаж как предмет, живопись на открытом воздухе или на пленэре , прямо с натуры.Раньше произведения искусства обычно писали в мастерской художника. Художники, такие как Теодор Руссо и Камиль Коро, выбрали такие предметы, как лесные сцены, поля и деревни. Эти художники оказали влияние на многих молодых художников, которые позже стали известны как импрессионисты. Из-за того, что они выбирали сюжеты, художникам, таким как Руссо, было трудно представить свои работы в ежегодном Салоне. Участие в Салоне имело решающее значение для успеха художника, потому что оно укрепило его или ее репутацию в мире искусства.

Расцвет импрессионизма
К 1860-м годам разрыв между признанными в Салоне художниками и художниками, работающими в новых стилях пейзажной живописи, увеличился. Художники обвинили жюри ежегодного Салона в отклонении работ, которые не соответствовали академической модели. В 1863 году, в ответ на жалобы на количество отказов салона, французский император Наполеон III создал первую выставку Salon des Refusès , в которую вошли работы тех, кому было отказано жюри Салона.Здесь выставлялись многие работы тех, кто был связан с движением импрессионистов.

В 1874 году 30 художников собрались вместе, чтобы показать свои работы без разрешения правительства и без жюри. Они назвали себя Sociètè Anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs и т. Д. и устроили свою выставку в бывшей студии фотографа Надара (Gaspard Mix Tournachon) в Париже. В группу входили Поль Сезанн, Эдгар Дега, Клод Моне, Берта Моризо, Камиль Писсарро, Пьер-Огюст Ренуар и Альфред Сислей.Примерно в это же время название «импрессионист» придумал искусствовед, откликнувшись на одну из пейзажных картин Моне « Impression», «Восход солнца ». Первоначально это название было уничижительным, но вскоре художники приняли его, и к 1877 году они стали использовать его как идентификатор своего стиля и своих выставок.

В творчестве импрессионистов преобладают пейзажные сцены, но они также были известны сценами с городской тематикой и людьми в различных формах отдыха, включая катание на лодке и прогулки по рекам и по мостам.Художники также испытали влияние японской гравюры и начали использовать композиции, подчеркивающие асимметрию.

Французские импрессионисты открыли для себя заново: «Они не знали, что их работы будут шедеврами» | Арт.

«Проклятый Мане! Все, что он делает, он всегда выполняет сразу же, а я прилагаю бесконечные усилия и никогда не делаю это правильно ».

Это слова Эдгара Дега, начертанные на стене рядом с живой литографией, нарисованной цветным карандашом объектом его разочарования, коллегой-художником Эдуардом Мане.Картина называется «Расы»; в нем лошади скачут к зрителю, а неистовые линии захватывают энергию наблюдающей толпы.

На стене слева от него висят две яркие, но мрачные картины, на этот раз самого Дега, также посвященные скачкам. Они запечатлевают более спокойные моменты: сбор жокеев, возможно, непосредственно перед соревнованиями; женщина, кормящая грудью в карете, частично прикрытая зонтиком, пока ее семья наблюдает. Картины поражают своим качеством и откровенностью — эфемерные, личные моменты, навсегда запечатленные в нежном свете давних времен.Эти работы сопровождают еще несколько слов Дега: «Ни одно искусство не было менее спонтанным, чем мое».

Эдгар Дега, «Скаковые лошади в Лонгшане», 1871 г., возможно, переработанный в 1874 г. Фотография: Саравут Неу / Музей изящных искусств, Бостон.

Выставка «Зимние шедевры этого года в Национальной галерее Виктории», «Французский импрессионизм» из Музея изящных искусств, Бостон. , который открылся в пятницу, объединяет работы некоторых из самых известных и известных имен в истории искусства. Это имена, которые вы не можете не знать: Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Винсент Ван Гог.Это картины, которые вы видели в книгах, фильмах, на пазлах. И хотя возможность увидеть известные работы вблизи — изучить мазки мастеров с того же расстояния, на котором они сидели, когда рисовали их, — вполне вероятно, чтобы заслужить посещение для большинства, истинная радость шоу, подобного французскому импрессионизму, приближается к знаю людей, которые раньше были просто именами, запечатленными на вершине большой репутации. В деталях их истории и мелочах своей художественной практики они снова становятся личностями и людьми: людьми, которые были неуверенными и ревнивыми, оптимистичными и фаталистическими, людьми, которые творили на периферии художественного мира, не зная, насколько огромны их наследство было бы.

Ключевым элементом выставки является знакомство с производителями через их отношения, говорит Кэти Хэнсон, куратор Музея изящных искусств в Бостоне. «У нас есть доступ к письмам, записным книжкам и интервью в большем количестве, чем в предыдущие периоды. Так что действительно возможно узнать, что эти дамы и господа думали о себе и друг о друге ».

То, что импрессионисты делали в конце 1800-х, было революционным для своего времени. Они создавали работы быстро и свободно, отдавая предпочтение моменту, а не идеальной композиции.Импрессионисты были далеки от мейнстрима; их методы означали, что они отвернулись от более безопасного и часто более прибыльного формального пути салона, и их критиковали за демонстрацию «незаконченных» работ. В свое время эти художники были аутсайдерами.

Пьер Огюст Ренуар, Женщина с зонтиком и маленьким ребенком на залитом солнцем склоне холма c. 1874–76. Фотография: Саравут Неу / Музей изящных искусств, Бостон

«Они не знали… что их работы будут шедеврами — они рисовали их очень в местном контексте», — говорит Миранда Уоллес, старший куратор NGV.«У них были эти отношения друг с другом, человеческие отношения, подпитываемые сомнениями, а также большая дружба и общение».

В середине выставки есть комната, предназначенная для демонстрации сложности этих взаимоотношений. Почти всю дорогу вдоль него проходит диагональный барьер, разделяющий пространство на две треугольные половины. С одной стороны, это работы Ренуара, позволяющие взглянуть на его диапазон и готовность к экспериментам — то, что вызывало у него не только большую неуверенность в своих способностях, но и позволяло ему творчески развиваться на протяжении всей своей карьеры.

В одной части выставки диагональный барьер проходит почти на всем протяжении помещения, разделяя пространство на две треугольные половины. Фотография: Шон Феннесси / NGV International

Ренуар, как сообщается, считал себя художником меньшего уровня, имея плохое прошлое, не имея такого же образования, что и его современники. Комната отражает этот страх — он отделен барьером от своих коллег-художников Писсарро, Поля Сезанна, Ван Гога и Поля Гогена. Однако узкое окно также проходит по всей длине комнаты, позволяя вам смотреть с одной стороны на другую.Если вы проследите за искусством вокруг четырех стен, качество будет таким же; Ренуар ничем не уступает. Но барьер вызывает своего рода чувство тоски; он часть мира своих современников, но отдельный.

Эдуард Мане, уличный певец ок. 1862 г. Фотография: Саравут Неу / Музей изящных искусств, Бостон

Выставка о связях: работы наставников и подопечных объединены в пары; слова художников сопровождают чужие произведения. Тесная дружба Дега с американской художницей Мэри Кассат изображена как в его картинах, так и в гравюрах, где она изображена в качестве сюжета, а также в том, как их отдельные работы влияют друг на друга.Его история увлекательна, чтобы проследить всю выставку; разочарование и ненадежность его слов часто идут вразрез с его внешней уверенностью в своем выставочном выборе.

«С самого первого впечатления от показа в 1874 году [Дега] показал прекрасно законченные картины в салонном стиле рядом с едва начатыми эскизами», — говорит Тед Готт, также старший куратор NGV. «И это шокировало критиков».

Если посмотреть на эти работы поближе, можно получить понимание, которое невозможно увидеть на экране или в печати.Готт и Уоллес указывают на деталь на картине Ван Гога, где окно, которое сначала кажется белым, на самом деле является всего лишь частью холста, намеренно оставленным пустым — очевидным только по изменению текстуры.

Зная, какое наследие многие из этих художников оставят, легко забыть, что для большинства из них в то время их работа была риском — чтобы создавать искусство так, как они считали правильным, им нужно было идти на личные и финансовые жертвы. .

«Сначала над ними издевались, смеялись, и люди их не понимали», — говорит Готт.«Потребовалось 15 лет — с 1874 по 1890 год — чтобы Моне наконец достиг финансового успеха. Поэтому мы не должны думать, что они были автоматически успешными. Много борьбы, много боли, много трудностей ». Он добавляет, что, хотя некоторые импрессионисты были независимо богаты, «Ренуар, Писсарро, Моне, Сислей, они бедны — иногда они не могут платить за квартиру».

Это напоминание о том, что искусство и художники никогда не появляются полностью сформированными. «Они знали, что избрали гораздо более неуверенный курс», — говорит Уоллес.«Они шли в неизвестность — в надежде изменить представление людей о том, что такое искусство».

Зимние шедевры: французский импрессионизм из Музея изящных искусств в Бостоне демонстрируется в NGV International, Мельбурн, до 3 октября.

Направление искусства: импрессионизм | Artland Magazine

Определение импрессионизма: что такое импрессионизм?

По определению, импрессионизм — это авангардное художественное движение 19-го века, зародившееся во Франции как реакция на устоявшееся искусство Французской академии и спонсируемых правительством ежегодных выставок ( салонов) .Цель заключалась в том, чтобы точно передать визуальные впечатления, нарисовав сцены и предметы на месте, используя видимые мазки для записи меняющихся качеств света и движения. Сегодня импрессионизм, одно из самых любимых всеми художественных движений, продаваемый по самым высоким ценам, в свое время считался противоречивым и нарушающим границы, а художников, таких как Моне, Дега и Ренуар, избегал художественный истеблишмент, что вызвало настоящий переполох в их творчестве. радикально новый стиль живописи.

Основные даты: 1867–1886
Ключевые регионы: Франция, а затем Англия.
Ключевые слова: антиакадемия, живопись на пленэре , сцены природы, городская повседневность
Ключевые художники: Клод Моне, Эдгар Дега, Поль Сезанн, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей

истоки импрессионизма

Следуя примеру новаторского 1863 года Salon des Refusés , весной 1874 года группа непризнанных французских художников, которые в то время называли себя Le Societé Anonyme des Artistes, организовывали выставки, которые не контролировались действующим Парижским салоном организовал выставку в бывшей мастерской одного из своих друзей, небезызвестного фотографа Надара.На выставке были представлены работы Клода Моне, Пьера Огюста Ренуара, Эдгара Дега, Поля Сезанна, Камиля Писсарро, Альфреда Сислея и Берты Моризо. Было выставлено около 200 работ, которые посмотрели около 4000 человек. Как гласит известная история, искусствовед Луи Лерой дал бурный обзор выставки, насмешливо назвав группу импрессионистов , в честь картины Моне « Впечатление: восход », которую критики особенно высмеивали. «Впечатление — я был уверен в этом.Я как раз говорил себе, что, раз уж я был впечатлен, в нем должно быть какое-то впечатление… а какая свобода, какая легкость исполнения! Обои в зачаточном состоянии более закончены, чем этот морской пейзаж », — насмешливо сказал Лерой.

Художники, однако, переняли этот термин и с тех пор стали называться импрессионистами. Выставка вошла в историю. Это был первый раз, когда Париж стал свидетелем крупномасштабной независимой выставки авангардного искусства, прямой вызов салону, историческим предметам и методам академической традиции и официальному миру искусства.

В этой статье мы объясним, как и когда импрессионизм зародился и развился во времени.

В 1874 году, через одиннадцать лет после первого Салона отказов, импрессионизм впервые четко определился. Более тридцати молодых французских художников вместе выставили 165 работ в студии в Париже. Они сделали это в стратегически важное время, ровно за месяц до официального открытия ежегодного Салона. В выставке приняли участие Эжен Буден, Эдгар Дега, Камиль Писсарро, Пьер Огюст Ренуар и Альфред Сислей.Посетители первой выставки были шокированы их современными импрессионистскими картинами. В этой статье мы объясним, как и когда импрессионизм зародился и развился во времени и каковы наиболее важные характеристики этого типичного художественного стиля.

ИМПРЕССИОНИЗМ КАК ИННОВАЦИОННОЕ ДВИЖЕНИЕ

Импрессионизм был революционным движением в искусстве. Помимо прочего, он выступил против рисования в мастерской. Вопреки многовековой традиции импрессионисты предпочитали рисовать снаружи.В этом отношении барбизонскую школу можно считать предшественницей импрессионизма.

_{Барбизонская школа: Теодор Руссо, Лес Фонтенбло, ок. 1855, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid}

Более того, импрессионисты не писали исторические произведения, полные пропаганды националистического толка, или картины на религиозную или мифологическую тематику. Их сюжеты не изображают моральных проблем. Они не передавали основного сообщения.Вместо этого импрессионисты выбрали вдохновение из обычной, незамысловатой повседневной жизни. Они рисовали обычных горожан на террасе, записывали поездки на побережье и пляж, рисовали посетителей кафе, пешеходов на бульварах Парижа, буржуазных игр и повторяющихся балеток.

_{Пьер Огюст Ренуар «Обед на лодке» (1880–1881), типичная импрессионистическая работа}

Конечно, в этом списке предметов не должно быть недостатка в впечатлениях от природы.Импрессионисты рисовали пейзажи, виды деревень и городов, в которых центральное место занимали сезонная атмосфера, солнечный свет и состояние воздуха. Пейзажисты хотели передать правильный свет и атмосферу снимка. Они пытались записать, как что-то выглядело в определенное время дня в определенное время года.

_{Пример красочного импрессионистического пейзажа художника-импрессиониста Поля Синьяка, «Antibes Soir», 1903 г.}

Картина должна была быть сделана быстро, потому что изображение могло измениться по-другому из-за изменение положения солнца.Из-за большого интереса к свету и его особенностям импрессионисты также называли себя «иллюминаторами». Они использовали этот термин в период 1860-1874 годов, до того, как появился термин «экспрессионисты». Однако с 1874 года импрессионисты триумфально называли себя.

_{Клод Моне, Zuidertoren в Амстердаме, 1871}

ТИПИЧНЫЕ ХАРАКТЕРИСТИКИ ИМПРЕССИОНИЗМА

Импрессионизм был не только инновационным движением с точки зрения стилистического содержания.Когда импрессионисты появились на сцене мира искусства, широко применяемый стиль неоклассицизма все еще считался официально признанным стилем живописи. Поэтому этот стиль был высоко оценен консервативно настроенными салонными судьями, такими как Вильям-Адольф Бугро. Он был ярым противником импрессионизма, который полностью отличался от академического стиля.

Поскольку импрессионисты работали на природе, а не в студии с холодным нейтральным светом с севера, цвета на их картинах были заметно светлее, тени — более красочными, изображенные лица — пятнистыми из-за меняющегося солнечного света, а контуры фигур менее резкими.

Импрессионисты пытались использовать последние научные открытия в области теории цвета. Они использовали практические знания из физики. Они придумали способ применить эти знания на практике при рисовании. Они знали, что есть три основных цвета: красный, желтый и синий. Они знали, что смешивание этих трех цветов создает три вторичных цвета: зеленый, оранжевый и фиолетовый. Указанные вместе первичный и вторичный цвета образуют в точности цветовую гамму радуги. Основные и вторичные цвета не только видны в радуге, но и становятся видимыми в физическом эксперименте, в котором луч света преломляется призмой.Поскольку импрессионисты хотели максимально точно воспроизвести наблюдаемый ими естественный свет, они предпочли использовать комбинации шести цветов радуги. Они наносили чистые цвета плавными и слабо сопоставленными мазками кисти на холст. Если смотреть с некоторого расстояния, мазки кисти оптически переходят в новые цвета. Четко видимые штрихи краски на окончательной картине усиливают впечатление, что картины импрессионистов были созданы быстро.

_{Pierre-Auguste Renoir, La Grenouillére, 1869}

ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ И ДОСТУПНЫЕ РАБОТЫ ИМПРЕССИОНИСТОВ Les raboteurs de parquet from 1875 and Rue de Paris, temps de pluie from 1878), Поль Сезанн, Эмиль Клаус, Эдгар Дега, Арман Гиллоймин, Йохан Бартольд Йонгкинд, Эдуард Мане, Уиллард Меткалф, Клод Моне, Берта Моризо, Лилла Кэбот Перри, Камиль Писсарро, Пьер-Огюст Ренуар, Джулия душ Сантуш Баптист, Джон Сингер Сарджент, Жорж Сёра, Поль Синьяк, Альфред Сислей, Анри де Тулуз-Лотрек, Морис Утрилло и скульпторы Камиль Клодель, Аристид Майоль и Огюст Роден.Важные немецкие импрессионисты — Макс Либерманн, Макс Слефогт и Ловис Коринт. Американец Джеймс Эбботт Макнил Уистлер также некоторое время работал в своем стиле импрессионизма.

В Нидерландах хорошо известны амстердамские художники-импрессионисты, такие как Джордж Хендрик Брайтнер и Исаак Исраэльс. Интересно, какие работы импрессионистов доступны в нашей онлайн-коллекции на Gallerease? Пожалуйста, посмотрите здесь!

Вас интересует дополнительная информация об импрессионизме? Наслаждайтесь видео ниже!

Американский импрессионизм: Коллекционирование | Christie’s

Экспертное знакомство с механизмом и вкладом его ведущих деятелей, от Кассат до Хассама, от Брека до Бенсона — с работами, выставленными на Christie’s

Американский импрессионизм — дома и за рубежом

В конце 19 века, в период полного расцвета импрессионистского движения, горстка американских художников, включая Гая Роуза, Фредерика Фризеке, Теодора Эрла Батлера, Уилларда Меткалфа, Джейн Петерсон и Лилу Кэбот Перри, отправилась во Францию.Многие учились в престижной художественной школе Академии Жюлиана в Париже, а некоторые переехали в Живерни, чтобы присоединиться к колонии художников, основанной Моне.

С началом Первой мировой войны в 1914 году большинство американских художников в Живерни вернулись домой. Там многие продолжали рисовать в стиле импрессионистов, переводя методы, впервые изученные во Франции, в американские сцены.

Филип Лесли Хейл (1865-1931), Light and Shade (Mrs.Хейл в саду) . Масло на холсте. 27¼ x 35½ дюймов (69,2 x 90,2 см). Эстимейт: 70 000–100 000 долларов. Предлагается в American Art Online с 23 июля по 7 августа 2020 года, онлайн

Кого следует знать основным художникам?

Джон Лесли Брек широко известен тем, что познакомил американскую публику с импрессионизмом.После работы в Живерни, где он был ненадолго помолвлен с падчерицей Моне Бланш, он вернулся в свой родной Бостон, где провел персональную выставку в городском клубе St. Botolph в 1890 году. Он снова выставился в 1893 году, что побудило местного критика окрестить Брека « глава американских импрессионистов ».

Считается лидером Бостонской школы, Фрэнк Уэстон Бенсон известен своими картинами Новой Англии, написанными на пленэре . Эту технику также поддерживал Уильям Мерритт Чейз, художник и учитель, основавший то, что стало школой дизайна Парсонса.

Чайльд Хассам

Однако, пожалуй, самым известным американским импрессионистом является Чайльд Хассам. Хотя он учился в Академии Жюлиана, он обнаружил, что это «олицетворение рутины», вместо этого он искал вдохновения на шумных улицах города.

Чайльд Хассам (1859-1935), Беседа на авеню , 1892.Масло на холсте. 16 x 12 дюймов (41 x 32 см). Продан за 2412500 долларов 22 мая 2018 года на Christie’s в Нью-Йорке,

.

«Разговор на авеню», , написанная в 1892 году, включает в себя все отличительные черты знаменитых работ Хассама 1890-х годов, отражая его увлечение городской средой и людьми, с которыми он сталкивался, и демонстрирует его растущую изобретательность в технике импрессионизма.Здесь Hassam отдает дань уважения городу и передает уникальный, яркий дух Нью-Йорка конца века.

Чайльд Хассам (1859-1935), Красная мельница, Кос Коб , 1896.Масло на холсте. 16.4 x 24 дюйма (42,4 x 61 см). Эстимейт: 200-300 тысяч долларов. Предлагается в American Art Online с 23 июля по 7 августа 2020 года, онлайн

Картины Хассама, написанные летом, проведенным им на побережье Новой Англии, известны своими яркими изображениями причудливых курортных поселений, их посетителей, моря и флоры.Объединив все эти элементы в одну панорамную работу, The Red Mill, Cos Cob (1896) запечатлел один из самых вдохновляющих видов региона в ярком импрессионистском стиле, за который Хассам получил прозвище «Американский Моне».

Чайльд Хассам (1859-1935), , недалеко от авеню, пятьдесят третья улица, май 1916 года .Масло на холсте, 31¼ x 26½ дюйма (79,4 x 67,3 см). Продано 23 мая 2017 года за 2407 500 долларов на Christie’s в Нью-Йорке,

.

Его работы с изображением флагов Нью-Йорка во время Первой мировой войны являются одними из самых ярких и знаменитых картин американского импрессионизма.Его интерес к флагам восходит к тому времени, когда он провел в Париже с 1886 по 1889 год, и был вдохновлен флагами и знаменами, выставленными в День взятия Бастилии в районе, где он жил.

Пожалуй, самым сильным стимулом для создания таких картин, как по стилю, так и по содержанию, было знакомство художника с работами французских импрессионистов Клода Моне и Камиля Писсарро. Сохраняющееся влияние французского импрессионистского стиля проявляется в ломаной манере письма и ярких оттенках картины Just Off the Avenue, Fifty Third Street, May 1916, выше, первой работы в серии флагов, которую Хассам написал во время войны.

Мэри Кассат

Мэри Кассат (1844-1926) родилась в Аллегейни-Сити, штат Пенсильвания, но домом была Филадельфия, куда она переехала со своей семьей в возрасте пяти лет. Однако большую часть 1850-х годов семья жила за границей, в основном во Франции и Германии, что позволило юной Кассат впервые познакомиться с европейским искусством и культурой.

Мэри Кассат (1844-1926), Две маленькие сестры , около 1901-02.Масло на холсте. 13 x 16 дюймов (33 x 41,3 см). Эстимейт: 400-600 тысяч долларов. Предлагается в Американское искусство онлайн , 23 июля — 7 августа 2020 г., онлайн

В 1861 году она поступила в Академию изящных искусств Пенсильвании и быстро зарекомендовала себя как многообещающая студентка.Стремясь вернуться в Европу, она отправилась во Францию ​​в 1866 году в возрасте 22 лет и вскоре получила признание в парижских художественных кругах.

Воодушевленная своим первым публичным успехом в Салоне 1868 года, она решила остаться и продолжить карьеру за границей, поселившись в 1875 году в Париже. По мере развития более прогрессивной живописной техники ее работы привлекли внимание Эдгара Дега, который пригласил ее выставлять с импрессионистами.

Мэри Кассат (1844-1926), Девушка в чепце, завязанном большим розовым бантом .Масло на холсте. 26¾ x 22½ дюйма (68 x 57,2 см). Продан за 2 287 500 долларов 23 мая 2017 года на Christie’s в Нью-Йорке,

.

Девушка в чепце, завязанном большим розовым бантом (вверху), написанное в 1909 году, демонстрирует положение Кассат как одной из самых известных женщин-импрессионисток.Ее композиции все больше отражали принципы импрессионизма, поскольку она подчеркивала эффекты света и атмосферы, спонтанные и прерывистые мазки, более яркую палитру и акцент на современной повседневной жизни в своем искусстве. В частности, она сосредоточилась на рисовании женщин, увлекающихся активным отдыхом, таких как покупки и театр, или общающихся со своими детьми.

Джон Сингер Сарджент

Еще одним ведущим американским художником, экспериментировавшим с техниками импрессионизма, был Джон Сингер Сарджент, теперь имя нарицательное.Сарджент, прекрасно владевший французским языком, впервые встретился с Моне в 1876 году. Это было в 1885 году, когда он был в Живерни, когда он написал свою великую импрессионистскую работу «» Клод Моне «Картина по краю дерева ».

Джеймс Эббот Макнил Уистлер

Уистлер переехал в Париж, чтобы учиться в 1855 году, и нашел стиль, который стремился выйти за рамки работ импрессионистов из его круга, включая Моне, Мане и Дега.Хотя он не был в первую очередь озабочен исследованием эффектов света или захватом мимолетного момента, он разделял интерес импрессионистов к рисованию с натуры; атмосфера важнее деталей; и эффекты цвета — хотя его палитра была более приглушенной, чем у его французских современников.

По словам Тейта, который поставил Тернера Уистлера Моне в 2005 году, «Уистлер и Моне были друзьями и соавторами, которые разделяли глубокое восхищение творчеством Тернера. Их работа и цели внесли жизненно важный вклад в развитие импрессионизма…. и эволюция символистского пейзажа ».

Где рисовали американские импрессионисты?

Художники, связанные с американским импрессионизмом, работали в США, но некоторые области стали особенно связаны с этим движением, как Живерни во Франции.Хассам, Брек и Сарджент, например, все рисовали на Айронбунд-Айленде в штате Мэн, который принадлежал семье Блейни. Блейни смешались с видными кругами и вступили в контакт с рядом американских импрессионистов, которых они пригласили остаться в их доме на острове.

Школа Пенсильванского импрессионизма также возникла в районе города Нью-Хоуп. Среди его знаменитостей были Дэниел Гарбер, Роберт Спенсер и Эдвард Уиллис Редфилд, которые особенно прославились своими зимними сценами.

Морис Бразил Прендергаст (1859-1924), Понте Джанбаттиста-Галлючиоли , казнен около 1898-99.Бумага, акварель, карандаш. 15 x 11 дюймов (38,1 x 27,9 см). Эстимейт: 200-300 тысяч долларов. Предлагается в American Art Online с 23 июля по 7 августа 2020 года, онлайн

Чем различались американский и французский импрессионизм?

Как и их французские коллеги, американские импрессионисты имели свой собственный стиль и изображали самые разные предметы, от внутренних сцен до пейзажей.И во Франции, и в Америке появились классические импрессионистские сюжеты. Многие американские импрессионисты рисовали береговую линию Новой Англии, исследуя влияние света на воду, как это сделал Моне во Франции. Однако запечатленные ими взгляды — такие как « California » Чайльда Хассама — определенно относились к Новому Свету.

Джон Генри Твахтман (1853-1902), Мидлбрук Фарм , роспись около 1888 года.. Масло на холсте. 18 x 29 дюймов (45,7 x 73,7 см). Эстимейт: 60-80 тысяч долларов. Предлагается в American Art Online с 23 июля по 7 августа 2020 года, онлайн

Растет ли интерес к американскому импрессионизму?

В 2016 году Уильяма Мерритта Чейза отметили ретроспективой в коллекции Филлипса в Бостоне, а в Национальной портретной галерее Лондона прошла широко известная ретроспектива портретов Сарджента.Чайльд Хассам был предметом выставки в музее Пибоди Эссекс в Салеме, штат Массачусетс, под названием Isles of Shoals, , название которой произошло от группы небольших скалистых островов у залива Мэн, которые художник нарисовал. пленэр .

Веб-музей: импрессионизм

Веб-музей: импрессионизм

---

Для импрессионистической живописи характерны главным образом концентрация на общем впечатлении от сцены или объекта и использование несмешанных основных цветов и мелких штрихов для имитации реальный отраженный свет.

Импрессионизм, французский Импрессионизм , крупное движение, первое в живопись, а затем и музыка, которая развивалась главным образом во Франции в период конец 19 — начало 20 вв. Живопись импрессионистов включает работы, созданные между 1867 и 1886 годами группой художники, которые разделяли набор родственных подходов и техник. В наиболее заметной чертой импрессионизма была попытка точно и объективно записывать визуальную реальность с точки зрения кратковременных эффекты света и цвета.Основными художниками-импрессионистами были Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Арман Гийомен, и Фрдрик Базиль, которые работали вместе, влияли друг на друга и вместе выставлялись независимо. Эдгар Дега и Поль Сзанн также нарисован в Стиль импрессионизма на время начала 1870-х годов. Установленный художник Дуард Мане чья работа в 1860-х годах сильно повлияла на Моне и другие члены группы, сам усыновил импрессионистов. подход около 1873 г.

---

Tout l’impressionnisme est n de la contemplation и подражание впечатлениям claires du Japon.
— Изд. et J. de Goncourt, Journal , 19 avr. 1884 г.

En ralit l’Impressionnisme est multiple: le terme si critiqu est surtout mauvais parce qu’on l’emploie tantt dans un sens large, tantt dans un sens troit. Il y a l’impressionnisme de Мане qui peint clair. Il y a celui de Manet encore et de Дега qui spcule sur l’emploi d’une nouvelle перспектива.Il y a celui de Писсарро и де Ренуар Qui se fondent sur le plein air et l’emploi destons purs. Il y a enfin celui de Моне Qui Unit Un Conception Lyrique de la Vision avec une анализировать quasi-scientifique des sensations colores et qui заменить в классическом стиле нотацией ombres et des reflets. Toutes cestendances ont un caractre commun: elles se fondent sur предварительные соглашения о добавлении заместителей для анализа donnes pures des sens. Et c’est par l qu’elles mritent finalalement toutes, en commun, le nom d’Impressionnisme.
— П. Франкастель, Nouveau dessin, nouvelle peinture, III .

Слово « импрессионист » было напечатано впервые. время в Charivari 25 апреля 1874 г. Луи Лерой, после Пейзаж Клода Моне под названием Впечатления: soleil levant [ Впечатления ]. Это слово использовалось для вызова Выставка импрессионистов выставка в салонах фотограф Надара и организовал « Socit anonyme des peintres, sculpteurs et graveurs » [«Анонимное общество художников, скульпторов и граверов»], состоит из Писсарро, Моне, Сислей, Дега, Ренуар, Czanne, Гийлем и Берта Моризо.

Впечатление: soleil levant
Клод Моне

Основатели

Основатели этого общества были воодушевлены желанием сломать с официальным искусством. Официальная теория о том, что цвет должен быть отброшенным на холст вместо того, чтобы смешиваться с палитрой будут уважать лишь некоторые из них и только пару лет. Фактически Импрессионизм — это больше ум, чем техника; таким образом, художники, кроме художников, также был квалифицирован импрессионистов .Многие из этих художников игнорируют закон одновременного контраста как установлен Шеврёлем в 1823 году. Выражения « независимые » или « художники под открытым небом » могут быть более подходящими, чем « импрессионисты » квалифицировать художников, продолжающих традицию, унаследованную от Эжен Делакруа, кто думал, что рисунок и цвета были в целом, и английские художники-пейзажисты, Констебль, Бонингтон и особенно Уильям Тернер, чьим первым законом было наблюдение природы, как для художников-пейзажистов, работающих в Барбизоне и Лес Фонтенбло.

Эжен Буден, Станислас Лпайн и голландцы Jongkind были одними из предшественников движения. В 1858 году Эжен Буден познакомился в Онфлере с Клодом Моне, около 15 лет. годы. Он привел его к морю, дал ему цвета и научил ему, как наблюдать за изменяющимися огнями в устье Сены. В те годы Буден все еще оставался второстепенным художником Pardon de Sainte-Anne-la-Palud , но в процессе установки на побережье Нормандии, чтобы рисовать пляжи Трувиля и Гавра.На Cte de Grce , на ферме Сен-Симон, он привлекает многих художников, в том числе Курбе, Базиль, Моне, Сислей. Последние трое встретятся в Париже на бесплатном Глейре. мастерскую, а в 1863 году они откроют для себя художника по фарфору, Огюст Ренуар.

В то же время другие художники хотели обойти ограничения. прикреплены к Ecole des Beaux-Arts и работали quai des Orfvres Швейцарской академии; старейший, из Датской Вест-Индии был Камиль Писсарро; другие два были Поль Сзанн и Арман Гийомен.

Le Salon des Refuss

Эти люди были очень впечатлены работами Эдуард Мане, и возмутились, когда узнали, что ему отказали за Салон 1863 года. Возмущение художественных население, которое Наполеон III позволил открыть « Salon des Refuss », где Мане, Писсарро, Йонгкинд, Калс, Шинтрей, Фантен-Латур и др. Показали свои работы. Le Djeuner sur l’herbe спровоцировал большой энтузиазм молодых художников, увидевших представленные в живописи Мане их много волнует.Они начали встречаться вокруг него в кафе Guerbois, 9, проспект. де Клиши, создав таким образом l’cole des Batignolles .

Le Djeuner sur l’herbe
Эдуард Мане

В Салон 1866 г. были приняты работы некоторых из них: Дега, Базиля, Берта Моризо, Сислей; Моне выставил портрет Camille , Писсарро, les Bords de la Marne en hiver ; Мане, Сзанн, Ренуар получили отказ, а Эмиль Золя написал в l’Evenement обличительную речь, которая заставила его официальный сторонник тех новичков, несущих больше революционное отношение в концепции, чем в еще традиционная живопись.Главное отличие заключается в привлекательности за цвет и любовь к свету; но Берта Моризо осталась верен учению Мане; Дега смешал свое восхищение Ingres и итальянский Ренессанс художники; Чанн попытался к « ярмарке дю Пуссен на природе »; Сам Клод Моне, в la Terrasse au Havre и les Femmes au jardin (1866, Лувр, salles du Jeu de Paume), далек от того, чтобы заявить о своей будущей смелости.

Война 1870 года

Война 1870 года расколола этих новичков.Фрдрик Базиль был убит в Бон-ла-Роланде; Ренуар был мобилизован; Дега вызвался; Сзанн уехал в Прованс; Писсарро, Моне и Сислей переехали в Лондон, где они познакомились с Полем Дюран-Рюэлем. Это пребывание в Лондоне является важным шагом в эволюции импрессионизма, потому что эти молодые художники встретили там своего первого купца, и потому что они открыли картины Тернера, световой анализ которых отметьте их.

Вернувшись в Париж, большинство этих художников перешли на работу в Аржантёй. (Моне, Ренуар), Шату (Ренуар), Марли (Сислей) или на берегу реки Уаза (Писсарро, Гийемен, Чанна).Эдуард Мане нарисовал Сену с Клодом Моне и, под его влиянием перенял работу на открытом воздухе.

Мнение общественности

Дюран-Рюэль не смог продать работы будущих импрессионистов. и был вынужден прекратить покупать в 1873 г .; таким образом, в следующем году они решили выставлены в Надаре (15 апреля — 15 мая 1874 г.), где выставлены работы, от которых Салон отказался. Пригласили безуспешно Мане, но Лпайн, Буден, Бракемон гравер Astruc скульптор и художники Кальс, де Ниттис, Анри Руар и т. д.присоединился к ним. Многие художники стали осознавать публику и критиков. непонимание, но солидарность длилась недолго. Чанн не участвовал во второй выставке группы, галерея. Дюран-Рюэль, улица Ле Пелетье, 1876 г. работы Берты Моризо, Клода Моне, Огюста Ренуара, Писсарро, Сислей и Фрдрик Базиль. Они встретили некоторых сторонников, таких как Дюранти, Арман Сильвестр, Филипп Бурти, Эмиль Блмонд, Жорж Ривир, скоро с Тодором Дюре. Исчезновение Чанна, Ренуара, Сислея, Берты Моризо на выставке 1879 г. доказал, что группа распадается.Ренуар предпочел отправить в официальный Салон Mme Charpentier et ses enfants и Портрет Жанны Самари ; но мало кто восхищался его работами и работами его друзей, жизнь художников была непростой, если не сказать несчастной. Дега пытался вместе с Писсарро сохранить единство группы, но его попытка не удалась, так как Моне, Сислей и Ренуар пропали без вести для пятой выставки, открытой в апреле 1880 г .; однако работы из Гоген появился там впервые.В 1881 году некоторые импрессионисты вернулись к Надару: Писсарро, Дега, Гийомен, Берта Моризо. Седьмая выставка независимых художников » стал « Салоном независимых художников » два года спустя.

Только Моне и Сислей всегда углублялись в анализ света. изменения и их влияние на внешний вид. Дега, Ренуар и Чанн направился в противоположные стороны, тогда как Писсарро интересовались исследованиями Поля Гогена, Жорж Сёра, Поль Синьяк.Если бы на этом этапе импрессионисты становились оценены, их положение все еще было тяжелым; Салон по-прежнему был отказались от своих картин, и в 1894 г. 25 из 65 произведений подаренные Кайботтом Люксембургскому музею были отклонены.

Тем не менее, когда в 1903 году умер Камиль Писсарро, патриарх импрессионистов, все были согласны с тем, что это движение было главным в XIX веке. художественная революция, и что все ее участники были среди лучших художники. Влияние импрессионистов было велико за пределами Франции, особенно в Германии, с Либерманом, Коринфом и в Бельгии.