Цветы Импрессионизм Картины
Лучшие картины импрессионистов с названиями и фото
В картине «Поле маков» (1873) тот же Клод Моне показал красные маки на фоне ярко-зеленой травы. Возможно именно благодаря цветам, я и стал художником, – говорил о себе Клод Моне. Повесьте на стену в холле «Рябиновую осень». Моделью для всех трех женщин послужила 19-летняя Камилла Донсье, будущая жена Клода Моне.
Абсолютно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма. Предположительно, что для фигур дамы с ребенком на заднем плане также послужили моделями его жена и сын. Последняя крупная работа Мане и просто величайшее произведение искусства. История живописи знавала много направлений и стилей.
Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Одна из них – это «Розовое платье», написанная в 1864 г. По всем признакам полотно можно отнести к раннему импрессионизму: колористические контрасты, внимание к цвету, солнечное освещение и остановленное мгновенье, то самое, что назвали «впечатлением». То есть мне больше нравится детализация.
Современный импрессионизм в живописи
«Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. Сад стал для художника главным источником вдохновения. Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе. Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников. Фиолетовые маки, 1883 год.
Музей современного искусства, Страсбург. К наиболее известным художникам-импрессионистам относят Эдуарда Мане («Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей»), Клода Моне («Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», ««Бульвар Капуцинок», серия работ «Водяные лилии», «Впечатление. Цветы можно увидеть практически на любой работе Барбары.
К этому времени он уже стал известным художником и вполне обеспеченным человеком. Это видно. Столб фонаря и линия горизонта как бы делят картину на четыре квадранта. В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору. Для него это была идеальная обстановка для творчества. Многие критики считают, что по гармонии цвета и композиции «Голубых танцовщиц» можно считать лучшей работой художника на данную тему.
Клод Моне в своем саду, ок. Антонен Пруст не только отказался участвовать в этом начинании, но и выразил сомнение, стоит ли именно «Олимпия» почестей Лувра он дошел до того, что заявил в одном интервью, будто подписка не преследует никакой другой цели, кроме как «помочь вдове великого живописца». По-видимому, это были самые счастливые годы его жизни. Поле маков, около 1890 года. Испанец, правда, с темпераментом».
Цветочная картина маслом: Импрессионизм ЦВЕТЫ 275
В доме он оборудовал просторную мастерскую. У Моне живопись вообще светлая, но именно в Аржантее его полотна просто светятся радостью. Бытовая живопись слилась с портретным жанром. Он неоднократно возвращался к ним в своем творчестве. Портреты часто писались в саду или на фоне открытого окна, что добавляло жизни и динамики в произведения импрессионистов. Сирень». Он писал цветы на протяжении всей своей жизни, в разные периоды творчества. Его родина — Франция.
1885 года, частная коллекция. В Живерни Клод Моне проживет до конца своей жизни. Стир). Однако его, пусть и немногочисленные, полотна по праву включают в список «Лучшие картины импрессионистов».
Современный импрессионизм: прозрачные картины Бато Дугаржапова
«Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника. В погоне за неуловимой видимостью импрессионисты отбросили выработанную историей живописи систему валёров и тональной целостности.
1888 год, частная коллекция. В 1883 году семья Клода Моне переезжает в Живерни. К сожалению, художнику судьбой был уготован короткий жизненный путь. А. С. Пушкина в Москве. Моне еще ищет свой стиль, до официальной даты зарождения импрессионизма остается еще пять лет.
Весь акцент художник делает на игре света и тени, на листве деревьев и цветах. Она так и называется — «Впечатлениие. Еще в годы обучения в лицее он стал увлекаться живописью.
Одна из самых известных картина Клода Моне Поле маков (1873 год, музей Орсэ, Париж) была написана в Аржантее, неподалеку от дома художника. Переехав в Париж, завел знакомство с К. Моне и О. Ренуаром.
Клод Моне принял решение действовать сам: найти деньги и приобрести у вдовы Мане «Олимпию», а затем подарить ее государству. В качестве модели выступала одна из кузин художника Тереза де Хорс. К этой идее многие отнеслись скептически, даже ближайшие друзья покойного художника. На полотне изображено знаменитое кабаре Парижа, которое часто посещал сам художник.
Анемоны, ок. На картинах импрессионистов небо может быть зеленым, а трава голубой. Сегодня его усадьба, в тени оливково-апельсиновой рощи, открыта для посетителей. Тема танцовщиц была близка Дега.
Картины в стиле современный импрессионизм
Импрессионисты достигли небывалой звучности колорита, невиданного богатства оттенков.
В Аржантее у Моне был свой дом и свой первый сад. Но на картинах Клода Моне Алиса Гошеде, в отличие от Камиллы, встречается очень редко. Сам Моне принимал непосредственное участие в планировке сада. «Бал в Мулен де ла Галетт» — искусный групповой портрет, натюрморт и пейзаж одновременно. Клод Моне значительно расширил свой сад, устроил в нем пруд, вода в который поступала из специального водозаборного резервуара, построенного на реке Эпт. Для более реального и естественного отображения сюжета художники все больше писали на пленэре, не дорабатывая картины в студии.
Импрессионизм: уроки света и цвета
Восходящее солнце» и была показана в 1874на первой выставке импрессионизма. Писсаро любил писать фруктовые сады, поля, удивительно передавая изменения природы. Что касается русских людей идеи импрессионизма им были близки всегда.
Мне кажется, что именно в Аржантее были созданы лучшие картины Клода Моне. Его картины и этюды — это всегда праздник, всегда открытие. Стиль импрессионизм зародился во французской живописи в конце 1860-х годов. Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное.
Мир глазами импрессионистов, картины известных художников
Он действительно жил живописью, очень много изучал и технику рисования и окружающий мир. Местонахождение картины в настоящее время не известно. Но только это живопись для живописи. Моделями для полотен художника служили ее дочери, падчерицы Клода Моне.
и во многом определившее развитие искусства 19 века. Лучшей и последней работой считается картина «Купальщицы», написанная в 1918г. Художника обвинили в аморальности, вульгарности. Неискореним миф о Красоте, Любви, Счастье, о земном рае. Цветы были его страстью. История русского импрессионизма началась с картины «Портрет хористки» Константина Коровина, а также с непонимания и осуждения публики.
Модульные картины импрессионизм (2046)
Клод Моне в своем саду на фоне пруда с кувшинками, 1905 год. Хризантемы, 1878 год. Они живут вместе, впоследствии Алиса стала его второй женой. Это был самый светлый период его творчества.
Моне говорил, что больше всего в жизни он обожает две вещи: живопись и садоводство. Одна из ранних работ Клода Моне Женщины в саду, 1866-1867 гг., Музей Орсэ, Париж. Или художники маринисты, например, Кармайкл или Шиляев. Четверо художников в 90-х годах 19 века создают новое направление в искусстве на основе импрессионизма и называют себя постимпрессионистами (Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Анри де Тулуз-Лотрек).
Две вазы с хризантемами. Хризантемы 1882 год. Знаменитый шедевр импрессионизма историки живописи нередко характеризуют как «самое красивое художественное полотно 19 века». Художники широко применяли дополнительные тона (красные и зелёные, жёлтые и фиолетовые), контраст которых повышал интенсивность звучания цвета, особенно ярко это отразилось в постимпрессионизме. Смело, сочно пишет.
Чистые краски наносились на холст мелкими раздельными мазками: разноцветные «точки» лежали рядом, смешиваясь в красочное зрелище не на палитре и не на полотне, а в глазу зрителя. Живопись мне нравится. Это было дерзким отходом от заветов реализма 19 века.
Импрессионизм на модульных картинах станет особой нотой в дизайне вашего интерьера. франков. Именно этот сад стал главной любовью в последние годы жизни художника. Люди изображались в естественных ситуациях – за разговором, в танце, на прогулке. Поле красных маков близ Живерни, 1895 год. Очень заметно влияние мастеров прошлого – Рубенса Буше и др. «Сама красота зависит от правды в живописи» — этому убеждению он остался верным до конца.
Восходящее солнце (1872 г. в 1985 г. украдена из музея Мармоттан в Париже и сегодня числится в списках Интерпола). Букет из мальвы, 1880 год. impression – впечатление), направление в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х гг. Но Даниель Риджвей Найт нечто другое Он родился в Пенсильвании в 1839 году.
Более семи выставок художников импрессионистов было проведено между 1876 и 1886 г. по завершении последней только Моне продолжал строго следовать идеалам Импрессионизма. Дега сравнил известность Мане, завоеванную посредством «Олимпии» и мужество, с которым он принял критику, с историей жизни Гарибальди. Выполнена она пастелью на бумажном листе размером 65х65 см и принадлежит к позднему периоду творчества художника (1897 г. ).
Эмоции и впечатления — это моё всё. 1917 г. Фото: Etienne Clementel. Художники-импрессионисты Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Пьер Огюст Ренуар выработали последовательную систему пленэра, создавали в своих картинах ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, растворения форм в вибрации света и воздуха.
Русский импрессионизм: 5 выдающихся художников
Администрация была вынуждена поставить охранников вокруг нее. Название Импрессионизм возникло после выставки 1874 г. в Париже, на которой экспонировалась картина Моне Впечатление.
Полотно уподоблялось переливающейся драгоценными цветами мозаике. Весенние цветы, 1864 год. В саду Моне выращивал различные цветы, в пруду росли кувшинки, через пруд был перекинут знаменитый Японский мостик. Восходящее солнце».
Свет и цвет становятся главными «героями» картин художников-импрессионистов писали они почти исключительно на природе, на открытом воздухе, возведя пленэр в своего рода принцип, в значительной мере определивший специфику импрессионистской живописи. Сад художника в Ветёе, 1880 год. Рядом с ней сидит человек, который выглядит как алкоголик.
купить картины художников в стиле Импрессионизм – купить картины импрессионалистов
Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития. Автором термина «импрессионизм» считается французский критик и журналист Луи Леруа, который под впечатлением посещения выставки группы молодых художников «Салон отверженных» в 1874 году в Париже, называет их в своем фельетоне импрессионистами, своеобразными «впечатленцами», причем данное высказывание носит несколько пренебрежительный и ироничный характер. Фигуры женщин изображены на этом полотне очень стилизованно.
Его искусство свободно от мимолетных впечатлений – все в нем более основательно. Для художника-импрессиониста по большей части важно не «что», а «как» он изображает.
Ответ Эмиля Золя, объясняющего, почему он не считает возможным принять участие в подписке, по свидетельствам современников, «ошеломил Моне»: «Я глубоко опечален, но я раз и навсегда зарекся покупать картины — даже для Лувра Я достаточно защищал Мане своим пером, чтобы опасаться сегодня упрека, будто пытаюсь умалить его славу. Чем же так завораживают импрессионисты. Его работы настолько пропитаны цветом, что зачастую кажутся прозрачными, «дрожащими» на воздухе. Она неоднократно повторялась в его творчестве. Фото выше позволяет понять, что представляет собой картина «Голубые танцовщицы».
Маслом по холсту написаны не все перечисленные в статье известные картины импрессионистов. Поначалу критиков шокировала атмосфера деградации и упадничества, царящая на полотне. Маковое поле близ Ветея 1879 год. К произведениям в данном направлении относят скульптуры знаменитого французского скульптора Огюста Родена («Поцелуй», «Мыслитель», «Поэт и муза», «Ромео и Джульетта», «Вечная весна») итальянского художника и скульптора Медардо Россо (фигуры из глины и гипса залитые для достижения уникального светового эффекта воском: «Привратница и Сводня», «Золотой век», «Материнство»), русского гениального самородка Павла Трубецкого (бронзовый бюст Льва Толстого, памятник Александру III в Петербурге). Например, «Суд Париса», «Купальщица вытирающая ногу». Импрессионизм (от французского «impression» – впечатление) представляет собой направление в искусстве (литературе, живописи, архитектуре), появилось оно в конце ХIХ начале ХХ века во Франции и быстро получило широкое распространение и в других станах мира. Считается одним из самых прославленных произведений о городской жизни в 19 веке. Его пейзажи и живописные объекты как бы нематериальны и таинственны.
Обратите внимание, как часты в его картинах сюжеты из сельской жизни. Импрессионистов вначале называли «японцами» за схожие приемы обобщения силуэта, локального цветового пятна и уплощение изобразительного пространства. Восходящее солнце»), Альфреда Сислея («Сельская аллея», «Мороз в Лувесьене», «Мост в Аржантее», «Ранний снег в Лувесьенне», «Лужайки весной»), Пьера Огюста Ренуара («Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно»), Камиля Писарро («Бульвар Монмартр ночью», «Жатва в Эраньи», «Жницы отдыхают», «Сад в Понтуазе», «Въезд в деревню Вуазен»), Эдгара Дега («Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем», «Любители абсента»), Жорж Сера («Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы») и других.
О чем рассказывают картины импрессионистов
В нем он работал, его он и писал во всех видах, с разных точек, в разное время суток. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Лето. В настоящее время картина принадлежит Музею Орсе в Париже.
Создается ощущение, что маки выходят за пределы полотна. 1890-1891 гг. Прекрасно.
Работа над картиной непосредственно на открытом воздухе дала возможность воспроизводить природу во всей её трепетной реальной живости, тонко анализировать и запечатлевать её переходные состояния, улавливать малейшие изменения цвета, появляющиеся под воздействием вибрирующей и текучей световоздушной среды (органично объединяющей человека и природу), которая становится в Импрессионизме самостоятельным объектом изображения). Их наиболее известные произведения: Поля Гогена («Озорная шутка», «La Оrana Maria», «Борьба Иакова с ангелом», «Желтый Христос»), Поля Сезанна («Пьеро и Арлекин», «Большие купальщицы», «Дама в голубом»), Винсента Ван Гога (Звездная ночь», «Подсолнухи», «Ирисы»), Анри де Тулуз-Лотрека («Прачка», «Туалет», «Обучение танцу в Мулен-Руж»). Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Музей Орсэ, Париж.
На картинах Барбары Фелиски изображены пейзажи и сады с пышными неувядающими цветами.
Поле маков в Живерни. Картина изображает типичный воскресный день в Мулен де ла Галетт на Монмартре. Маковое поле, 1875 год, частная коллекция. Не обязательно Айвазовский, хотя он тоже нравится.
Художник выписывал журнал Revue horticole (Журнал садоводства), заказывал для своего сада растения и цветы из разных стран мира. В конце 1871 Клод Моне с семьей поселился в Аржантёе. Подсолнухи, 1881 год. Освоить художественные возможности чистых локальных тонов помогла французским художникам японская графика. Что-то вас будоражит, что-то успокаивает.
Музей изящных искусств Вирджинии, Ричмонд, США. Великий французский художник-импрессионист Клод Моне (Oscar-Claude Monet), (1840—1926 гг. ) очень любил рисовать цветы. Национальная галерея, Вашингтон. Поле маков в лощине близ Живерни, 1885 год. Клод Моне сходится с семьей Алисы Гошеде (Alice Hosched), с которыми уже был знаком несколько лет. Хотите взволнованно ждать приближение весны или подольше не расставаться с летом.
Особенности картин импрессионистов
Импрессионизм (Impressionism, франц. Сейчас Аржантёй входит в Большой Париж. Поля маков увлекали Моне. Овсяное поле с маками, 1890 год. И вот сейчас пришла пора поделиться некоторыми своими впечатлениями на этот счет.
Он погиб в 28 лет на фронте во время франко-прусской войны. Например, Аверьянов. Такую, чтобы мельчайшие детали видно было. После путешествия по Италии Валентин Серов возвращается в Абрамцево, где и создает свое самое известное и действительно «отрадное» произведение «Девочка с персиками», на котором изображена старшая дочь Саввы Мамонтова Вера. Безусловно, цветовые отношения —доминирующая функция его работ.
Из-за этого его современники не увидели объемности изображенной фигуры, посчитали ее плоской и грубой. С именем Константина Коровина граничит становление в русской живописи импрессионизма — течения, которое зародилось во Франции и широко распространилось в европейском искусстве в конце 19 века. В действительности, роли «униженных и оскорбленных» героев исполнили художник Марселен Дебутен и актриса Эллен Андре. В Ветёе семья Моне прожила до 1881 года. Конечно, в этом полотне еще трудно узнать будущего великого художника-импрессиониста.
Уменьшения версия картины входит в десятку самых дорогих проданных произведений искусства. Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Институт Искусств, Чикаго. На картине изображены жена Моне Камилла и его сын Жан.
Вопреки канонам стремительного импрессионизма, Серов писал картину ежедневно около трех месяцев, чем, по его собственным словам, «измучил двенадцатилетнюю Верочку». В Аржантёй вела железная дорога, добраться из Парижа туда можно было быстро и легко. А вообще я батальную живопись люблю.
В каждой картине – тайна, судьба, послание
В настоящее время картина хранится в Музее искусств им. Со своей студии он наблюдал за природными явлениями и зимой и лунными ночами. Чаще садовые и полевые цветы, реже – срезанные цветы в вазах.
Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника. Музей изящных искусств, Бостон.
Современный французский импрессионизм в живописи
Его привлекал контраст красных маков и зеленой травы. Современные импрессионисты продолжают развивать стиль.
Детали костюма, чувства на лицах. Александр. В пейзажах импрессионизма простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным солнечным светом, вносящим в картину ощущение праздничности.
Музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам, Нидерланды. Эти же цвета создают эффект последовательного контраста.
Как только я начала в принципе интересоваться (конечно же, как самый доморощенный некомпетентный юзер. ) живописью, моё внимание привлекли художники-импрессионисты. Посмотрите, как выразительно художник нарисовал алые маки и желтые лютики.
Картины импрессионистов
17 января 2013 Nasati Главная страница » Музыка цвета » живопись Просмотров: 6042John Yardly
Дорогие друзья блога «Музыка души»!
Предлагаю полюбоваться солнечной акварелью художника импрессиониста John Yardley. John Yardley – член королевского института акварелистов, один из самых известных мастеров — импрессионистов 20 века.
John Yardley
John Yardley родился в Великобритании в 1933 году. Он не получил художественного образования и утверждает, что этому очень рад, так как смог выработать свой собственный стиль, открыть свой талант и способности.
John Yardley.
Заинтересовался живописью еще в пятидесятых годах, но это было просто хобби. John Yardley работал в банке до 1986 года и не помышлял о карьере художника.
John Yardley.
Но однажды увидел, как его друг пишет акварель и заболел этой техникой. И сейчас говорит, что акварель – это его первая любовь, хоть рисует он как акварелью, так и маслом.
John Yardley.
Картины импрессионистов часто встречаются в моем блоге. Их отличает легкость, изящность. А акварели John Yardley еще можно назвать и солнечными акварелями.
John Yardley.
У художника есть великолепный сад, который он очень любит. Многие картины с цветами нарисованы именно там.
John Yardley.
John Yardley признается, что атмосфера сада вдохновляет его на новые цветовые и световые композиции.
John Yardley.
Ведь солнечный свет и блики – это составляющие его картин.
John Yardley.
Каждое утро John Yardley начинает с рисования.
John Yardley
Пишет то, что видит, не сосредотачиваясь на деталях, и стараясь изобразить все оттенки, которые его окружают.
John Yardley.
Обилие разных цветов его не пугает, ведь благодаря сочетанию красок акварели художника становятся живыми.
Картины импрессионистов. John Yardley.
Прозрачность картин в сочетании с легкостью исполнения создает изумительное настроение.
John Yardley.
На видео вы сможете увидеть приемы передачи солнечных бликов на холст. Современный мастер импрессионизма John Yardley делится с нами своими секретами. Ведь John Yardley славится своим умением буквально несколькими мазками кисти заставить картину жить.
Посмотрите. Это завораживает) Кстати, вы здесь увидите кусочек любимого сада художника)
Метки: картины художников
Клод Моне — Весенние цветы
Оригинальное название: Fleurs de printemps
Год создания: 1864
В письме Базилю от 26 августа 1864 года Моне писал: «Хочу сообщить, что я отправляю свою цветочную картину на выставку в Руан; сейчас там много красивых цветов, но, к сожалению, мне приходится много работать над уличными этюдами и я не смею приступить к работе с цветами.» Великолепный натюрморт «Весенние цветы» является наиболее важной цветочной композицией в раннем творчестве Моне, сохранившейся до наших дней. Она раскрывает увлечение Моне захватом временных эффектов, которые стали основным направлением его более поздних экспериментов в живописи. Написанный с почти научной точностью, этот натюрморт обладает свежестью и непосредственностью, частично вытекающей из его композиции. Изолированные на темном фоне, полностью зрелые пионы, горшечные гортензии и лиловая сирень располагаются внизу перед геранью. В то же время, энергичная кисть Моне передает искрящуюся игру света на листьях и лепестках. Отправной точкой вдохновения для Моне, без сомнения, послужили непринужденные натюрморты Будена, написанные примерно в то же время, например «Букет цветов», где цветы, собранные в саду, случайно разброшены на нейтральном темном фоне. Не следует отрицать и влияния Курбе. Изобилие цветов и богатое использование краски могли быть результатом натюрмортов Курбе, часто написанных с помощью мастахина. Тем не менее единственным цветочным натюрмортом того времени, равным Моне по свежести восприятия и исключительному живописному эффекту, является полотно Ренуара «Весенние цветы». Уже в этот ранний период Ренуар и Моне разделяли общую эстетику, которая искала новый вид красоты, полученный из обычных предметов. Согласно более позднему письму к Базилю, Моне был разочарован в других работах, выставленных в Руане, а также в размещении его картины. «Я никогда не видел коллекцию таких плохих работ …позорных работ… Что касается меня, то мне не повезло, мне было присвоено ужасное место с плохим освещением, где совершенно невозможно ничего разобрать.»
Натюрморт в творчестве импрессионистов
20.12.2014Натюрморт стал самостоятельным жанром в европейской живописи на рубеже 14-15 веков. Но уже в 19 веке Гюстав Курбе сформулировал новую концепцию натюрморта. Он стал первым крупным художником нового времени, создавшим собственную школу в натюрморте. Курбе вернул европейскому натюрморту сочность, жизненную силу и глубину. Дальнейшее развитие реалистического натюрморта связано с именем Эдуарда Мане. И пример Курбе сыграл в этом не последнюю роль. Обоих художников объединяло стремление максимально точно изобразить натуру. Но там, где Курбе пытался подчеркнуть проявление общих законов жизни, Мане стремился проникнуть в индивидуальный характер предмета. Возможно, поэтому натюрморты Мане выглядят менее солидными и основательными. Для него характерно упрощение композиции и уменьшение количества предметов.
В 1863 году Мане выставил картину «Завтрак на траве», которая стала переломной для его творчества. Хотя в Салоне отверженных ей досталось большое количество насмешек и критики, «Завтрак на траве» во многом предопределил дальнейшее творчество Мане. Человеческие фигуры на картине и натюрморт на первом плане очень реальны, серебристые и голубые оттенки переднего плана гармоничны, а лежащие на траве предметы полны пленэрной свежести, легкости и изящества. Особое внимание уделено натюрморту в последнем шедевре Мане «Бар в Фоли-Бержер» (1881). Главная героиня картины — продавщица, стоящая за стойкой бара, задумчива и печальна. В зеркале за ней отражается пространство бара, залитое светом. Стойка бара превращена художником в драгоценную оправу из натюрморта для прекрасной продавщицы, которую художник представил древнегреческой богиней. В свете люстр на поверхности бара стекло бутылок переливается зелеными и коричневыми тонами, золотыми искорками поблескивают их пробки. В хрустальной вазе золотистой горкой лежат фрукты. Перед девушкой стоят две розы, а их лепестки по нежности сравнимы только с кожей девушки.
В этой картине натюрморт и портрет гармонично соединены талантом Мане в единое целое. Эта работа стала блестящим завершением цветовой революции, которую художник развернул в своем творчестве, начиная с натюрмортов 1860 годов, «Олимпии», и «Выхода у Булонского порта». Мане взял за основу цветовую гармонию и пленэрные решения своих предшественников, но полностью удалил из своих картин черные тени и освободился от сухой академической моделировки. Примерно с 1875 года в натюрмортах Мане все больше становится импрессионизма. Многочисленная серия цветов, над которой он работал уже, будучи серьезно больным, демонстрирует взлет творчества Мане-натюрмориста. Картины этого периода удивляют чистотой и искренностью, особым чувством трепетной жизни цветка, как, например, в натюрморте «Ваза с цветами» (1882). Композиция этой картины проста — в небольшой вазе стоит скромный букет. Крупные цветы и зеленые листья небрежно переплелись между собой. Каждый лепесток отражает отблеск других листьев и цветов, отсвет солнечных лучей, голубизну небесной синевы. Отдельный предмет уже не обладает персональным цветом, а словно связан общим спектром с другими. Благодаря этому возникает новое ощущение целостности и многокрасочности мира.
В другом натюрморте «Белая сирень в стеклянной вазе»(1882) Мане легко и непринужденно создает пластику букета, вазы и глубину пространства скупыми и мазками, а окружающий воздух художник передает градацией и контрастами нежнейших оттенков зеленого и белого. Натюрморт максимально лаконичен, в нем только ветка сирени и луч солнца. Благодаря Эдуарду Мане в живописи появился новый метод, который обогатил ее, открыв целый мир, ранее ускользавший от художников. Картины его последователей отличаются свежестью восприятия, предельной искренностью и о трепетном чувстве природы. В похожей манере выполнены и натюрморты Эдгара Дега. Для раннего творчества Дега наиболее характерна работа над портретами. Особенно художник предпочитал бытовой портрет. Сочетание натюрморта и портрета можно увидеть в его картине «Дама с хризантемами» (1865).
Большую часть полотна занимает букет пестрых хризантем. Фигура женщины расположена несколько в стороне и дана гораздо скромнее в плане цвета, но благодаря оригинальному композиционному решению, между героиней и цветами устанавливается определенное эмоциональное равновесие, и они взаимно дополняют друг друга. Клод Моне наверно нарисовал все, что хотя бы немного притягивает его взгляд: поля, уголок сада, интерьер квартиры, вокзал, фрукты на столе. На его натюрморте «Яблоки и виноград» (1880) поражает гармоничность и лаконичность образа. И все это достигается благодаря простоте и очень точном взаимоотношении тонов: белоснежная скатерть играет голубыми отблесками, блестят упругие бока налитых яблок, гроздья винограда изящно лежат на плетеной тарелке. Пространство вокруг натюрморта наполнено светом и воздухом. В этом натюрморте художник старался одушевить предметы: в нем все живет скрытой напряженной жизнью. Картина выполнена настолько реалистично, что создается впечатление возможности взять эти привлекательные фрукты.
В творчестве другого французского импрессиониста Огюста Ренуара трудно найти натюрморты. Эти небольшие картины практически все находятся в частных собраниях. Любимая тема для натюрмортов Ренуара – это цветы. В ранних работах, которые сложно отнести к импрессионизму, главенствуют цветы и пастельные тона. Но есть и исключения, например натюрморт «Анемоны» (1898). Здесь нет пастельных тонов. А художник заостряет внимание не только на цветах и оттенках, но и на форму цветков: одни согнулись, другие стоят вертикально, третьи уже опустили свои венчики. Чувствуется, что Ренуар прочувствовал каждый цветок и проник в его сущность. В этом натюрморте есть главные признаки импрессионизма: свет и воздух. Другой знаковый натюрморт Ренуара – «Плоды в вазе в форме раковины» (1881). Фрукты, которые изобразил на полотне художник, словно живые. Когда Ренуар работал над этой картиной, он встречался с Полем Сезанном и смотрел его работы. И в «Плодах в вазе…» чувствуется влияние Сезанна. Но есть и существенные отличия от его стиля. Хотя бы то, что если Сезанн при создании композиции натюрмортов использовал несколько предметов, то у Ренуара их больше двадцати. Причем все они очень декоративны. Четко разделены темные и светлые стороны композиции. Темная расположена в левой верхней части холста, а светлая – на переднем плане и справа. Ярко-красные перцы образуют практически равносторонний треугольник, Их уравновешивают двумя пурпурными гранатами. Все это – влияние Сезанна.
Прекрасный натюрморт есть и жанровой картине Ренуара «Завтрак гребцов» (1881). Полотно отличается радостной палитрой. Свет чувствуется в любом уголке картины: жаркий летний день, зеленые заросли кустарника, и стол, заставленный посудой, бутылками и фруктами. Хотя предметов много, натюрморт не перегружен, он очень гармоничен. Как и все полотно, натюрморт очень обаятелен: гамма утонченная, эффекты уместные, впечатление отчетливо и едино, свет превосходно распределен. Натюрморт отличается большой искренностью, как и все картины импрессионистов. Безмятежность и ясность ощущается не только в людей, но и в предметах. Здесь царит задорное веселье летнего дня. Импрессионизму не удалось долгое время пробыть ведущим направлением в европейском натюрморте: кроме Клода Моне и Огюста Ренуара практически никто не занимался этим жанром. Однако этих художников ощущается даже в творчестве такого мастера натюрморта как Пьер Боннар.
Первой серьезным ответом импрессионисткой концепции натюрморта стали картины Сезанна. Натюрморт по важности занимал второе место после пейзажа в творчестве художника. Работы 1870-х годов еще отличаются от классических сезанновских работ, и в них присутствует какая-то теплота, которая напоминает картины Шардена. В этот период был создан «Натюрморт с черными часами» (1870). Обыденные вещи: часы, ваза, чашка, раковина, лимон – стали для художника мотивом для натюрморта, который оказался одним из самых удачных работ Сезанна. Хотя все эти предметы несут определенные символические ассоциации, они здесь вторичны. Сезанн сместил акцент в сторону конструктивного настроения: на натюрморте чувствуется пространство, но одновременно подчеркнута и плоскость картины. В определенный момент Сезанн пришел к выводу, что симметрия в картинах не более чем обман. Впервые ассиметрия встречается на натюрморте «Голубая ваза» (1885 — 1887 года), где художник намеренно избегает пропорциональности.
Натюрморт «Персики и груши» относится к концу 1880-х. Даже при беглом просмотре ощущается внутренняя напряженность картины. Работая над картиной, Сезанн подкладывал под фрукты мелкие монетки, чтобы у них был разный наклон. Обычный столик, который встречается в каждом втором натюрморте, здесь стал площадкой для особого действа. Предметы уже не являются символами чего-либо, как это было в ранних работах Сезанна. Красота и сила натюрморта в сопоставлении чистых цветов и простых форм. На картине смятая салфетка струится волнами салфетка и, словно сопротивляясь ее течению, лежат налитые груши, немного наклонено блюда с персиками, а белый фарфоровый молочник стоит прямо. Веером раскрывается окружающее пространство, одновременно обволакивая и обтекая все изображенные предметы, создавая единое напряженное поле. В натюрморте не соблюдаются правила классической перспективы, и совмещается несколько углов зрения – Сезанн первым использовал в живописи этот прием так откровенно.
В непродолжительный период увлечения импрессионизмом, Сезанн пытался исправить слабые места этого течения. Художник вернул цвету постоянный характер, и благодаря этому снова обрел в натюрморте материальный предмет. Хотя в поиске физических качеств Сезанн иногда немного перегибает палку. Пытаясь вернуть предмету форму, вес и объем, он старается утвердить неизменные, «изначальные» формы предметов, которые он видел в простейших фигурах стереометрии: цилиндре, шаре и пирамиде. Поэтому композиции его натюрмортов становятся устойчивыми и уравновешенными, но это приводит к их статичности и безжизненности. И импрессионистское восприятия предмета, как мимолетного момента беспрерывного движения, сменяется другой крайностью – запечатлением покоя вечности.
В натюрмортах последнего периода творчества Сезанн старается преодолеть этот недостаток и его композиции приобретают динамичность, и ощущение «жизни», подавляемое раньше, все чаще находит себе единственный выход. Натюрморт не стал важным аспектом творчества импрессионистов, за исключением Мане. Они создали собственную концепцию натюрморта словно заодно, работая над принципами пленэра для пейзажа. Импрессионисты считали в натюрморте главным свет и воздух, а предметы стали простым носителем световоздушных рефлексов. Из-за этого предмет в импрессионистском натюрморте теряет свои физические свойства: четкие контуры, объем, массу и даже устойчивость цвета. Дематереализация предмета в творчестве импрессионистов стала первым признаком упадка европейского натюрморта. Однако импрессионизму удалось привнести в этот жанр (вспомните голландские ванитас) светлые, радостные и оптимистические нотки.
импрессионизм как новый взгляд на привычный окружающий мир
Им было тесно в привычных рамках. Хотя некоторые приемы живописи присущие молодым французским бунтарям можно увидеть в работах Тициана и Веласкеса, которые между тем не отрекались от привычной всем техники письма «венецианской школы». Великий Рубенс, создавая свои знаменитые светотени, первый отказался от использования черной краски, что потом легло в основу философии импрессионизма, когда все цвета, подобно солнечному лучу собираются из трех.
Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 1872, музей Мармоттан-Моне, Париж.
Их не понимали современники. Название для их направления родилось из заголовка фельетона. «Выставка импрессионистов» – именно так назвал свою заметку о «Салоне Отверженных» критик журнала «Le Charivari», Луи Леруа. Он взял за основу название картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. Impression, soleil levant). Художники с вызовом приняли это пренебрежительное название, указывающее на соответствующее отношение к художникам, писавшим в новой, непривычной еще «небрежной» манере.
Бал в Мулен де ла Галетт, Ренуар, 1876, Музей Орсе, Париж
В дальнейшем термином импрессионизм обозначали одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX веков распространившееся по всему миру. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, но его идеи и философия воплотились в литературе и музыке, где импрессионизм выступал в определенном наборе методов и приемов. Авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений, чтобы наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, запечатлеть свои мимолетные впечатления.
Винсент Ван Гог «Ирисы»
Но вернемся к живописи. Импрессионизм — как направление живописи, возникло во Франции в середине XIX века, когда было привычно что художника работал над своими произведениями проводя долгие часы в своей студии и кропотливо выписывал каждую деталь. Темами картин чаще всего становились люди, пейзажи или исторические события.
Художники-импрессионисты вышли на улицы и писали то что видят. Одним из важнейших предметов их творчества стало отражение изменения тона и цвета объекта в изменяющейся среде. Они стали писать картины на повседневную, бытовую тематику, работать в реалистичном ключе.
Как и все в нашей жизни, зарождению импрессионизма способствовал научно-технический прогресс. Именно в то время была изобретена фотография, сформулирована теория «цветового круга» – о наличии трех базовых цветов – красном, желтом и синем а остальных цветах как результата смешения базовых. Не меньшую роль сыграло и изобретение тюбиков для красок, что позволило творцам покинуть мастерские взяв с собой все необходимое для создания шедевров глядя прямо на натуру, а не восстанавливая ее по памяти.
Валентин Серов «Заросший пруд. Домотканово»
Самые знаменитые художники импрессионисты и постимпрессионисты: Эдуард МАНЕ, Эдгар ДЕГА, Поль СЕЗАНН, Огюст РЕНУАР, Клод МОНЕ, Анри де ТУЛУЗ-ЛОТРЕК, Поль ГОГЕН, Винсент Ван ГОГ, Пьер БОННАР, Камиль ПИСАРРО, Гюстав КАЙБОТТ, Анри РУССО, Жорж СЁРА, Альфред СИСЛЕЙ. Среди русских художников к импрессионистам относят: Серова, Архипова, Коровина и Грабаря, Борисова-Мусатова.
Тысячи туристов съехались в итальянскую деревню, чтобы увидеть на цветущих лугах ожившие картины импрессионистов (ФОТО, ВИДЕО)
Corriere della Sera / YouTube
Множество туристов съезжаются в деревню Кастелуччо, которая расположена в коммуне Норча в Центральной Италии, чтобы посмотреть на красивое зрелище — цветущие луга. На полях видны синие, красные, желтые и белые полосы. Один из самых красивых в стране пейзажей создают маки, васильки, колокольчики, нарциссы, ромашки, горчица и чечевица. Цветение на этих полях называется Фьоритура.
Все поля в долине растут сами по себе, растения на них никто не высаживает. Первые цветы появляются в конце мая, а своего пика Фьоритура достигает в июле. Никто точно не знает, когда луга покроются синим, покраснеют или пожелтеют, отмечает сайт Beautiful Umbria.
Посмотреть на удивительные пейзажи приезжают тысячи туристов. Ежедневно они поднимаются на высоту 1,5 км над уровнем моря, чтобы запечатлеть виды. Природные дорожки позволяют им проходить, не нанося ущерб засеянным полям, сообщает портал Il Messagero со ссылкой на агентство ANSA.
«Многие туристы, выбравшие Кастелуччо в последние недели, вселяют надежду на будущее и дают нам силы и мужество после четырех лет после землетрясения и очень трудных месяцев, прошедших при чрезвычайной ситуации из-за COVID-19», — подчеркивает мэр Норчи Никола Алеманно и отмечает, что наплыв людей создает ежегодную проблему с парковочными местами в пострадавшем от землетрясения населенном пункте. Он надеется, что уже на следующий год совместное решение с Национальным парком Монти-Сибеллини будет найдено.
А местные фермы славятся тем, что выращивают вкуснейшую чечевицу. Она зреет среди полевых цветов. Ромашки, васильки и маки не только украшают поля, но и поддерживают тонкие стебли зернобобовой культуры. Чечевицу растят в этих местах с древних времен, передает телеканал NTD.
«Эти цветы дикорастущие. Их занесла сюда агротехника, которая работала на чечевичных и пшеничных полях в другой местности. Так они понемногу разрослись и цветут рядом с чечевицей», — объяснил происхождение удивительных полей местный фермер Антонио Баркароли.
Este milagro conocido como La Fiorita ocurre en Castelluccio di Norcia, provincia de Perugia entre mayo y julio. pic.twitter.com/N4vXwe88Cd
— Carmen.Roma (@CarmenqRoma) July 2, 2020
Every year thousands of tourists admire and photograph the flowering show in Castelluccio di Norcia, central Italy????????#CastelluccioDiNorcia
— Rosalba Gattari (@gattariro) July 2, 2020
(???? Taken by me ????) pic.twitter.com/muF9Uy0weD
Castelluccio di Norcia. pic.twitter.com/fCFM8Q1lWm
— Francesca. (@aacsecnarF) July 4, 2020
Cioè, dovevo sapere per caso da SkyTg24 l’esistenza della fioritura delle lenticchie di Castelluccio di Norcia? pic.twitter.com/5GCIBdJsKb
— Daniele #DicoQuelloCheVoglio (@Nozucchero) July 4, 2020
✅ Сад и цветы в произведениях импрессионистов. Картины импрессионистов — впечатляющие творения
Лучшие картины импрессионистов с названиями и фото
Одним из крупнейших течений в искусстве последних десятилетий девятнадцатого века и начала двадцатого является импрессионизм, распространившийся по всему миру из Франции. Его представители занимались разработкой таких методов и приемов живописи, которые позволили бы наиболее живо и естественно отразить реальный мир в динамике, передать мимолетные впечатления от него.
В стиле импрессионизма создавали свои полотна многие художники, однако основателями движения были Клод Моне, Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Фредерик Базиль, Камиль Писсаро. Невозможно назвать их самые лучшие работы, так как все они прекрасны, но есть наиболее известные, именно о них далее и пойдет речь.
Клод Моне: «Впечатление. Восходящее солнце»
Полотно, с которого следует начинать разговор про лучшие картины импрессионистов. Клод Моне написал его в 1872 году с натуры в старом порту французского Гавра. Спустя два года картина впервые была продемонстрирована публике в бывшей мастерской французского художника и карикатуриста Надара. Эта выставка стала судьбоносной для мира искусства. Впечатленный (не в лучшем смысле) работой Моне, название которой на оригинальном языке звучит как «Impression, soleil levant», журналист Луи Леруа впервые ввел в оборот термин «импрессионизм», обозначив им новое направление в живописи.
Картина была украдена в 1985 г. вместе с работами О. Ренуара и Б. Моризо. Обнаружили ее спустя пять лет. В настоящее время «Впечатление. Восходящее солнце» принадлежит музею Мармоттан-Моне в Париже.
Эдуард Моне: «Олимпия»
Картина «Олимпия», созданная французским импрессионистом Эдуардом Мане в 1863 г., является одним из шедевров современной живописи. Она была впервые представлена на Парижском салоне в 1865 г. Художники-импрессионисты и их картины нередко оказывались в центре громких скандалов. Однако «Олимпия» стала причиной самого крупного из них за всю историю искусства.
На полотне мы видим обнаженную женщину, лицом и телом обращенную к зрителям. Второй персонаж – это темнокожая служанка, в руках которой завернутый в бумагу роскошный букет. У изножья кровати присутствует черный котенок в характерной позе с выгнутой спиной. Об истории создания картины известно не так много, до нас дошли лишь два эскиза. Моделью послужила, вероятнее всего, любимая натурщица Мане – Викторина Мёнар. Существует мнение, что художник использовал образ Маргариты Белланже – любовницы Наполеона.
В тот период творчества, когда создавалась «Олимпия», Мане был увлечен японским искусством, и поэтому намеренно отказался от проработки нюансов темного и светлого. Из-за этого его современники не увидели объемности изображенной фигуры, посчитали ее плоской и грубой. Художника обвинили в аморальности, вульгарности. Никогда до этого картины импрессионистов не вызывали подобного ажиотажа и глумления со стороны толпы. Администрация была вынуждена поставить охранников вокруг нее. Дега сравнил известность Мане, завоеванную посредством «Олимпии», и мужество, с которым он принял критику, с историей жизни Гарибальди.
Почти четверть века после выставки полотно хранилось в недоступной для посторонних глаз мастерского художника. Затем его вновь выставили в Париже в 1889 г. Ее чуть было не купили, но друзья художника собрали нужную сумму и выкупили «Олимпию» у вдовы Мане, а затем передали в дар государству. Ныне картина принадлежит музею Орсе в Париже.
Огюст Ренуар: «Большие купальщицы»
Картина написана французским художником в 1884-1887 гг. Принимая во внимание все ныне известные картины импрессионистов в промежутке между 1863 и началом двадцатого века, «Больших купальщиц» называют самым масштабным полотном с обнаженными женскими фигурами. Ренуар работал над ним более трех лет, и в этот промежуток было создано множество набросков, эскизов. Больше не было в его творчестве ни одной картины, который бы он посвятил столько времени.
На переднем плане зритель видит трех обнаженных женщин, две из которых находятся на берегу, а третья стоит в воде. Фигуры написаны очень реалистично и четко, что является характерной чертой стиля художника. Натурщицами Ренуара были Алина Шариго (его будущая жена) и Сюзанна Валадон, которая в будущем и сама стала известной художницей.
Эдгар Дега: «Голубые танцовщицы»
Маслом по холсту написаны не все перечисленные в статье известные картины импрессионистов. Фото выше позволяет понять, что представляет собой картина «Голубые танцовщицы». Выполнена она пастелью на бумажном листе размером 65х65 см и принадлежит к позднему периоду творчества художника (1897 г.). Он рисовал ее с уже ослабленным зрением, поэтому первостепенное значение придается декоративной организации: воспринимается изображение как большие цветные пятна, особенно если рассматривать его вблизи. Тема танцовщиц была близка Дега. Она неоднократно повторялась в его творчестве. Многие критики считают, что по гармонии цвета и композиции «Голубых танцовщиц» можно считать лучшей работой художника на данную тему. В настоящее время картина хранится в Музее искусств им. А. С.Пушкина в Москве.
Фредерик Базиль: «Розовое платье»
Один из основоположников французского импрессионизма Фредерик Базиль родился в буржуазной семье состоятельного винодела. Еще в годы обучения в лицее он стал увлекаться живописью. Переехав в Париж, завел знакомство с К. Моне и О. Ренуаром. К сожалению, художнику судьбой был уготован короткий жизненный путь. Он погиб в 28 лет на фронте во время франко-прусской войны. Однако его, пусть и немногочисленные, полотна по праву включают в список «Лучшие картины импрессионистов». Одна из них – это «Розовое платье», написанная в 1864 г. По всем признакам полотно можно отнести к раннему импрессионизму: колористические контрасты, внимание к цвету, солнечное освещение и остановленное мгновенье, то самое, что назвали «впечатлением». В качестве модели выступала одна из кузин художника Тереза де Хорс. В настоящее время картина принадлежит Музею Орсе в Париже.
Камиль Писсаро: «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно»
Камиль Писсаро прославился благодаря своим пейзажам, характерной особенностью которых является прорисовка света и освещенных предметов. Его работы оказали заметное влияние на жанр импрессионизма. Художник самостоятельно выработал многие присущие ему принципы, легшие в основу творчества в дальнейшем.
Писсаро любил писать одно и то же место в разное время суток. У него существует целая серия полотен с парижскими бульварами и улочками. Наиболее известная из них — «Бульвар Монмартр» (1897 г.). Она отражает все то очарование, которое художник видит в кипящей и неугомонной жизни этого уголка Парижа. Рассматривая бульвар с одного и того же места, он демонстрирует его зрителю в солнечный и пасмурный день, утром, после полудня и поздним вечером. На фото ниже — картина «Бульвар Монмартр ночью».
Эту манеру переняли впоследствии многие художники. Упомянем лишь о том, какие картины импрессионистов написаны под влиянием Писсаро. Данная тенденция отчетливо прослеживается в творчестве Моне (серия полотен «Стога»).
Альфред Сислей: «Лужайки весной»
«Лужайки весной» – это одна из самых поздних картин пейзажиста Альфреда Сислея, написанная в 1880-1881 гг. На ней зритель видит лесную дорожку вдоль берега Сены с деревушкой на противоположном берегу. На переднем плане девушка – дочь художника Жанна Сислей.
Пейзажи художника передают подлинную атмосферу исторической области Иль-де-Франс и хранят в себе особую мягкость и прозрачность природных явлений, характерных для конкретных времен года. Художник никогда не был сторонником необычных эффектов и придерживался простой композиции и ограниченной палитры красок. Ныне картина хранится в Национальной галерее Лондона.
Мы перечислили самые известные картины импрессионистов (с названиями и описанием). Это шедевры мировой живописи. Зародившийся во Франции уникальный стиль живописи поначалу был воспринят с насмешкой и иронией, критиками подчеркивалась откровенная небрежность художников в написании полотен. Сейчас же вряд ли кто осмелится оспорить их гениальность. Картины импрессионистов выставлены в самых престижных музеях мира и являются желанным экспонатом для любой частной коллекции.
Стиль не канул в Лету и имеет много последователей. Наш соотечественник Андрей Кох, французский живописец Лоран Парселье, американки Диана Леонард и Карен Тарлтон – это известные современные импрессионисты. Картины их выполнены в лучших традициях жанра, наполнены яркими красками, смелыми мазками и жизнью. На фото выше — работа Лорана Парселье «В лучах солнца».
Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров
“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”
19 век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.
А от привычных образов и вовсе отказывались. Изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.
Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.
Но сопротивление было сломлено. И часть импрессионистов дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Некоторые дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.
Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов. Которых знает весь мир.
1. Эдуард Мане (1832 – 1883 гг.)Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем на перемены.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь. Или натюрморты на худой конец. Чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Двое денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” была обвинена в вульгарности. Беременным на полном серьезе не рекомендовали на неё смотреть.
На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи 16-19 вв.). Колонны и статуи. Люди аполонской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Реальная жизнь реальных людей.
Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писать портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.
Однажды писал одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный цвет. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане, язвили они.
Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника. Который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Все новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Когда оно уже ему было не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
2. Клод Моне (1840 – 1926 гг.)Клода Моне можно назвать христоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных – “Бульвар Капуцинок”.
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание, дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.
Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” – главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика – это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать. Гипертрофируя импрессионизм. Что переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разное время года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так, появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одна их фишка.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Он обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
3. Огюст Ренуар (1841 – 1919 гг.)Импрессионизм – это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.
В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.
В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На его картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.
Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам. Которые поголовно отказывались от сюжетов.
Как он сам говорил, наконец у него есть возможность написать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.
Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен своими ню.
Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.
Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.
Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.
4. Эдгар Дега (1834 – 1917 гг.)Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.
Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.
Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.
Неожиданные ракурсы. Ассиметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Все это главные атрибуты его картин.
Он останавливал мгновение жизни, не дав ему опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.
На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.
Поэтому так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.
Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.
Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с женщиной.
Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.
Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.
Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим.
5. Берта Моризо (1841 – 1895 гг.)Берту Моризо редко когда ставят в первый ряд с великими импрессионистами. Уверена, не заслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам импрессионизм нравится, вы полюбите ее работы всей душой.
Моризо работала быстро и порывисто. Перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.
Как и Дега, она часто не дорисовала некоторых деталей. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.
Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена женщине полагалось мечтать выйти замуж. После чего любые хобби забывались.
Поэтому Берта долго отказывалась от замужества. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно тоскал за женой мольберт и краски.
Но все же дело было в 19 веке. Нет, брюки Моризо носить не стала. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.
Она не могла пойти в парк поработать в одиночестве. Без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины – это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники.
Моризо признания не дождалась. Умерла она в 54 года от воспаления лёгких. Не продав при жизни почти ни одной своей работы. В свидетельстве о ее смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.
6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.
Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея пятерых детей и жену, он все равно упорно работал в том же стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись. Чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.
Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера. Которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Когда наконец он смог забыть о нужде.
Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.
Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы. Которые покажутся на мгновение и исчезнут. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.
Самые известные его работы – виды Парижа. С широкими бульварами, суетной и пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то перекликаясь с сериями картин Клода Моне.
Ночной воздух на картине “Бульвар Монмартр ночью” плавится от горящих фонарей и витрин.
Пространство изображено планетарно. Улица не прямая, а как бы идущая дугой. Что делает вид обычного бульвар величественным.
7. Альфред Сислей (1839 – 1899 гг.)Альфред Сислей был человеком скромным и молчаливым. Такими же были и его пейзажи. Тихие, наполненные цветовым уютом. Сислей не любил внешние эффекты. Людей он тоже почти никогда не изображал.
Широкими мазками он писал подвижное небо и воду. Дома же выписывал более гладко. Что подчеркивало статичность материала. Как на его знаменитой картине “Наводнение в Порт-Марли”.
Сислей особенно любил писать небо. С него он и начинал любую картину. Часто оно занимало бОльшую часть холста.
В изображении неба он также использовал разные мазки. Длинные помогали передать быстро движущееся предгрозовое небо. Лёгкие и тонкие передавали небо ясное и безоблачное.
Картины Альфреда Сислея. Слева: Вид на Сен-Мамес. 1880 г. Художественный музей Уолтерса. Балтимор, США. Справа: Мост в Море. Утро. 1891 г. Частная коллекция.
Сислей признания так и не дождался. Его пейзажи казались публике невыразительными. Оценили их после его смерти. Сейчас они стоят миллионы долларов.
Несколько десятилетий импрессионисты боролись за признание. Кто-то полжизни. Кто-то всю жизнь. Почему же так долго?
Представьте себя человеком из 19 века. Для вас картина – это аккуратно и гладко выписанные тела и предметы. Каждый мазок “спрятан”.
Поэтому любитель живописи делал простой вывод. Эти стараются. А вот эти (импрессионисты) не стараются. Раз мазки видно. И краски не смешивают. И не хотят точно передавать действительность.
Обывателю ещё сложно было осознать, что эти “пачкуны” не хотят копировать реальный мир. Они хотят создавать свой собственный мир!
Импрессинизм – это школа художественного рыцарства. Он учит быть свободным от канонов и традиций.
Крещение импрессионизмом прошли все великие художники следующих поколений. И Пикассо, и Мунк . И даже Малевич .
Неожиданно увидеть Пикассо-импрессиониста? А уж тем более Малевича, изображающего нежный цвет яблонь. И такого позитивного по-импрессионистски Мунка.
Все они прошли стадию импрессионизма. Без этого они не смогли бы сделать следующий шаг. В кубизм (Пикассо). В экспрессионизм (Мунк). И даже супрематизм (Малевич).
Зарождение импрессионизма: Клод Моне и его шедевр «Впечатление, восходящее солнце»
Никто не мог себе представить, что небольшая картина, написанная Клодом Моне в 1872 году станет станет причиной скандала и революционного переворота в живописи. Название этой картины: «Впечатление» по французски звучит impression (импресьон), и дало название новому направлению в живописи, названного импрессионизмом.
В то время Клод Моне был молодым художником, который пытался выставлять свои работы в основном салоне в Париже, эту выставку проводила один раз в год Королевская Академия Живописи и Скульптуры. Но попытки эти были безуспешны. Тогда несколько художников объединились и организовали свою выставку, назвав ее Первой Выставкой Анонимного Общества Художников. Моне был в поиске своих сюжетов, своей техники. Он хотел нарисовать свет. И работа «Впечатление. Восход солнца» как раз и отвечала его представлениям о живописи.
Моне писал об истории создания этой картины: «Для меня солнечный свет был источником вдохновения, каждая секунда восхода солнца уникальна и неповторима. В то утро я вскочил с постели, чтобы поймать неуловимое. На восходе освещение постоянно меняется, его нужно писать сразу же, каждый оттенок. И не говорите мне, что в студии можно воссоздать все по памяти. Главное поймать момент. Сколько у меня было времени? Минут десять, не более, я схватил мольберт, кисти и стал наносить размашистые крупные мазки. Тонкие переходы цвета, легкая основа. Небо, доки, вода и бесчисленное количество оттенков серого. Более быстрые, резкие мазки — мачты на лодках, очертания пристани теряющиеся в восходе. И, наконец, огненными тонами само солнце!» На вопрос понимал ли художник значимость этой картины для искусства, Моне усмехнулся и сказал: «Я просто писал, еле поспевая за светом, для меня эта работа была очередной, которую не удастся продать.»
Клод Моне. Впечатление. Восходящее солнце. 1872 год. Холст, масло, 48х63. Музей Мармоттан-Моне, Париж
Выставка Отверженных художников с треском провалилась. Некоторые посетители, даже, требовали вернуть им входную плату. особенно досталось полотну Моне. В чем только его не обвиняли, и в неумении рисовать и в издевательстве над зрителями. Один из посетителей сказал, что обои на стенах в выставочном зале гораздо выразительнее, чем эта картина. Некоторые источники утверждают, что Моне пытался подраться в одним из посетителей, который высмеивал его картину.
Журналист Луи Леруа из сатирического журнала «Шаривари» в своей статье назвал молодых художников «впечатленцами» (импрессионистами) и, с его легкой руки, это название и прикрепилось к этому направлению в живописи.
Особенность Клода Моне, как художника в том, что он писал внешний мир, писал природу, его мало занимали сцены жизни, его интересовало состояние природы, впечатление произведенное природой. Художественный критик и поэт Шарль Бодлер, высказывался о написании картин. Он говорил, что картина должна быть написана так, что если ее перевернуть, она не должна ничего потерять в своем живописном содержании. Именно так и писал Клод Моне, его картина «Впечатление. Восход солнца» настолько сбалансирована, настолько отражение воды в небе, неба в воде похожи, как в игре волшебных зеркал. Так что если перевернуть эту картину, она ничего не потеряет.
На этой картине мир теряет свою материальную плотность. Воздух, вода, туман, дымка — все это смешалось в нашем видении и понимании. Нет отдельно людей, лодок, порта, а есть данный момент, минутный всплеск вечности, именно это и является «героем» картины. До Клода Моне человек и все человеческие отношения являлись «героем» картин, а теперь человек включен в это пространство, как неотъемлемая его часть. Вы не можете понять, где кончается человек и лодка и начинается вода и это ощущение охватывает и завораживает вас. Эта картина ничему вас не учит, не призывает на баррикады, глядя на нее вы отдыхаете, расслабляетесь и, непостижимым образом, набираетесь новых сил.
Почему мы так любим картины Клода Моне? Не только потому, что смотреть на них это чистое эстетическое наслаждение, но еще и потому, что он позитивен, его картины излучают свет, они положительны, они затрагивают самые светлые струны человеческой души. Импрессионист Камиль Писсаро сказал о Клоде Моне: «Он освободил мое сознание».
Освобождение сознания — это и есть основное, что притягивает нас в творчестве великого художника ХIХ и ХХ столетия Клода Оскара Моне.
Публикация написана по материалам документальных фильмов BBC, проекта Энциклопедия, авторских программ на канале «Культура» Паолы Волковой.
Источники:
http://www.syl.ru/article/307891/luchshie-kartinyi-impressionistov-s-nazvaniyami-i-foto
http://zen.yandex.ru/media/id/5b5d8a042dc67000a86205cc/5c4fe9acf6778500aecec8d1
http://www.livemaster.ru/topic/1209005-zarozhdenie-impressionizma-klod-mone-i-ego-shedevr-vpechatlenie-voshodyaschee-solntse
Как создать картину импрессионистов с цветком
Цветочная живопись и способность запечатлеть мимолетную красоту цветочной композиции популярны с 1500-х годов.
Традиционный натюрморт. Автор © Joe Anna Arnett
В 1600-1700-х годах голландские, фламандские, итальянские, немецкие и французские художники усовершенствовали цветочные натюрморты. К 1800-м годам французские импрессионисты предпочитали рисовать яркие пейзажи, но им также нравилось исследовать художественный потенциал цветочной живописи.
По сей день многие жанры искусства, от реализма до импрессионизма и не только, бросают вызов цветочной живописи. Одним из самых известных современных художников-флористов является Джо Анна Арнетт. Как и импрессионисты до нее, Джо Анна одинаково комфортно рисует пейзаж на пленэре или натюрморт в своем саду или студии.
Пленэр Джо Анны Арнетт дома в ее цветочном саду в Санта-Фе
Много лет назад я впервые встретил Джо Анну в Скоттсдейле на одном из ее популярных мастерских по рисованию натюрмортов.Я изучил некоторые ценные техники масляной живописи, которые использую до сих пор. С тех пор Джо Анна остается прекрасным наставником и другом.
На самом деле, Джо Анна щедро поделилась еще большим количеством секретов рисования в моей популярной книге « Советы по изящному искусству с Лори Макни: методы рисования и профессиональные советы».
Между тем, для меня большая честь поделиться с вами демонстрацией Джо Анны!
Джо Анна Арнетт «Как создать импрессионистский цветок»
«Ничто не будет вашим по-настоящему, пока вы не отдадите его.”~ Джо Анна Арнетт
Эта цветочная композиция — идея жестов и выдумка. Я наблюдал за ирисом и сиренью с натуры, но они никогда не находились в одном месте. Для этой цветочной картины никогда не было реальной декорации.
Блок-в
Начните с холста, тонированного смесью Ultramarine Blue Deep, Transparent Oxide Red и желтой охры. Нанесите его кистью, а затем вытрите бумажным полотенцем. Дайте ему высохнуть.
Затем очень свободно укажите расположение радужки и сирени и добавьте абстракцию фона.Плоской кистью №12 я использовал Transparent Oxide Red и немного синего Ultramarine, думая больше о драматическом жесте, чем о чем-либо, что действительно существовало.
Двухцветная радужная оболочка находится в центре внимания картины, так что начните с нее. Начните с цветка ириса в его теневом цвете и оцените сначала, думая только о его форме. Для тени от белого стандарта (лепестки, которые выступают вверх) используйте ультрамариновый синий глубокий, немного кадмия красно-оранжевого плюс белый.Для водопада (падающих лепестков) используйте красный оранжевый кадмий, немного перманентной розы и небольшое количество синего марганца, чтобы сделать смесь тусклой. Марганец очень зелено-синий и действует как комплимент, чтобы апельсин не стал слишком насыщенным.
Раскрашивание огней Завершите работу над радужной оболочкой, покрасив свет толстым слоем импасто. Для стандартов используйте белый цвет с добавлением зеленого. Я сделал зеленый цвет с помощью синего марганца и желтого кадмия бледным.Я добавил чуть-чуть, правда, чтобы убрать его с белоснежного. Для водопада смешайте белый цвет с красным кадмием, оранжевым, перманентным розовым и немного бледно-желтого кадмия. Для крошечных полутонов я взял немного зеленого цвета, который смешал для стандартов.
Используйте жирный шрифт. Нанесите краску и оставьте. Если что-то не так, сделайте это снова. Если вы осторожно наденете его, а затем вернетесь в него, вы потеряете это свежее мгновенное ощущение.
Поместите сиреневые формы, используя только их теневой цвет: ализариновый малиновый и глубокий ультрамариновый синий.Это была сирень Charles Jolly, темно-красного цвета.
Работайте мокрым по мокрому для всей картины. На заключительных этапах нарисуйте огни на сирени, используя ультрамариновый синий глубокий и перманентный розовый плюс белый. Не выкладывайте сирень полностью. Они представляют второстепенный интерес и не должны конкурировать с радужной оболочкой. Как только огни будут нарисованы, используйте мягкую кисть, чтобы немного размыть сирень.
Я развил потускневшие цветы и бутон и добавил несколько листьев к сирени, а также несколько широких широких листьев ириса.Эти штрихи должны быть простыми и жесткими.
На протяжении всего рисования цветов я старался не закончить слишком много и работал над созданием идеи движения, а не буквальной визуализации.
- Укладка лепестка поверх лепестка работает, если вы используете густую краску и легкие прикосновения. Я стараюсь делать каждый лепесток одним движением.
- Чем больше вы рисуете на цветке, тем менее свежо он будет выглядеть.Постарайтесь нанести штрихи и оставить их. Если вы пропустили форму, соскоблите ее и повторите попытку. Это один из главных секретов рисования живых цветов.
- Укладка лепестка поверх лепестка работает, если вы используете густую краску и легкие прикосновения. Я стараюсь делать каждый лепесток одним движением. Это придает лепестку силу и авторитет.
«Если у вас есть хорошая идея для картины, немедленно запишите ее. Это может ускользнуть, и вы можете пропустить шедевр.”~ Джо Анна Арнетт
Джо Анна делится еще большим количеством своих секретов в моей книге Fine Art Tips!
12 знаменитых цветочных картин, от Моне до Мондриана
На протяжении всей истории искусства цветы были одним из самых любимых предметов для художников. Яркие цветы издавна вдохновляли художников, и многие из них посвятили свою карьеру созданию натюрмортов с изображением различных ботанических красот. От голландских натюрмортов 17 века до японских гравюр на дереве , Цветочное искусство имеет долгую и легендарную историю.
Независимо от того, рисуете ли вы розы, ирисы или пионы в вазе или рисуете их прямо с натуры, каждый художник привносит свой неповторимый стиль в законченное произведение искусства. Фактически, просто рассматривая картины с цветами во времени, можно проследить развитие истории искусства. И даже если история искусства вас не особенно интересует, нельзя отрицать, что цветочные картины обладают мощным качеством, независимо от того, из какой они эпохи. Живопись с цветами может вызвать вечное чувство радости, надежды или даже угрюмости.Есть причина, по которой некоторые картины, изображающие только цветы, вызывали отклик на протяжении десятилетий, если не столетий.
Эти знаменитых цветочных картин напоминают о том, что природа может предложить, и о том, что одним из лучших источников вдохновения является то, что вы можете найти у входной двери. Каждая картина инкапсулирует момент времени как в истории искусства, так и в жизни художника, который ее нарисовал. Взгляните на некоторые из самых запоминающихся картин с цветами, созданных за последние 500 лет, и вы можете просто начать рисовать свои собственные цветы.
Натюрморт с цветами по Амброзиусу Босхарту (1617)(общественное достояние через WikiCommons)
Хотите верьте, хотите нет, но когда-то натюрморты считались второстепенным видом искусства, поскольку элита отдавала предпочтение религиозным и историческим картинам. Ситуация постепенно начала меняться в течение 16-17 веков, и первыми стали голландцы. Город Антверпен был особенно важен, так как здесь художники начали рисовать монументальные натюрморты размером с цветы. Амброзиус Босхарт — голландский художник-натюрморт, известный своей любовью к рисованию букетов цветов с почти научной точностью. Любовь к цветам была настолько глубокой в его семье, что все трое его сыновей позже стали художниками-цветочными художниками. На цветочных картинах Босхарта изображены симметрично расположенные цветы, и он был одним из первых художников, которые сосредоточились на рисовании букетов. Очевидно, что его работы вызвали тенденцию, которая сохранялась на протяжении всей истории искусства.
Цветы в стеклянной вазе со сверчком в нише Рэйчел Рюйш (1700)(общественное достояние через WikiArt)
Рэйчел Рюйш не только известна как самая известная художница голландского Золотого века, но и подняла цветочную живопись на новый уровень.Она смогла изобрести свой собственный стиль и на протяжении 60 лет занималась рисованием ботанических образов. Она отошла от традиций и создала асимметричных композиций из своих раскрашенных букетов, что сделало произведение искусства более динамичным. В то же время каждый лепесток тщательно детализирован, а ее умение складывать богато окрашенные цветы помогло ей стать на голову выше других художников-цветочников того времени.
Цветы в стеклянной вазе Джона Констебля (ок.1814)(Фото: WikiArt)
Английский художник-романтик Джон Констебл известен своими пейзажными картинами, запечатлевшими окрестности его дома. Но к тому времени, когда Констебль начал заниматься своим искусством, цветочная живопись стала прочно укоренившейся частью художественной традиции. Он, как и многие известные художники до и после, пробовал себя во многих разных жанрах, включая натюрморты. Его Цветы в стакане Ваза — это этюд, нарисованный маслом на толстом картоне, который теперь принадлежит Музею Виктории и Альберта после того, как дочь Констебля подарила музею содержимое его мастерской.Темная приглушенная цветовая палитра уравновешивается красными и желтыми цветами на цветах, а Констебль создает драматизм за счет контраста света и тьмы.
Гибискус Хиросигэ (ок. 1845)(общественное достояние через WikiArt)
Цветы имеют историческое значение в японской культуре, используются ли они для создания декоративных цветочных композиций или включены в гравюры на дереве. Ukiyo-e master Hiroshige Изображение цветов гибискуса является триумфом, поскольку их смелый оранжевый цвет буквально соскакивает со страницы.Согласно японскому языку цветов, также известному как hanakotoba , слово гибискус означает «нежный». Эти цветы дарят как социальный обычай, чтобы приветствовать посетителей. Хиросигэ 1845 Гибискус — один из многих случаев, когда он изображал цветок на своих цветных гравюрах на дереве. Иногда он включал птиц, взаимодействующих с гибискусом; в то время как во многих случаях, подобных этому, он заполнил всю композицию растением.
Букет цветов — Эдуард Мане (1882)(общественное достояние через WikiArt)
Влиятельный художник Эдуард Мане был любителем цветов и часто их рисовал.Нарушая традицию, он писал не только букеты в вазах, но и цветы, разбросанные по столам. Его свободные, динамичные мазки, которые сделали его центральной фигурой между реализмом и импрессионизмом, придают нарисованным цветам неотразимый, эфемерный вид. Цветочная живопись была настолько важна для Мане, что последние полгода своей жизни он писал только цветочные натюрморты. По данным Christie’s, Мане часто использовал эти картины в качестве небольших подарков для друзей.
Розы и лилии Анри Фантен-Латур (1888)(общественное достояние через WikiArt)
Французский художник Анри Фантен-Латур специализировался на рисовании цветов, придерживаясь консервативного подхода к своей работе в то время, когда импрессионизм набирал силу.Его реалистичные картины показывают его преданность великим мастерам искусства, поскольку он совершенствовал свое мастерство, копируя картины в Лувре. Создав роз и лилий , Фантен-Латур использовал длинные стебли лилий, чтобы разрезать холст, уравновешивая небольшой розово-белый букет роз, лежащих на столе. Он также продемонстрировал свое блестящее использование цвета, обыгрывая романтизм картины через румянец-розовые оттенки лепестков роз, которые создают мягкий контраст с темно-коричневым деревянным столом.
Натюрморт с ирисами Винсента Ван Гога (1890)(общественное достояние через WikiArt)
Есть много известных цветочных картин Винсента Ван Гога на выбор, в том числе его знаменитая серия Подсолнухи . Но мы неравнодушны к Натюрморт с ирисами , который подчеркивает интересное использование художником цвета. Этот натюрморт, написанный в то время, когда он был пациентом психиатрической больницы в Сен-Реми, мастерски использует смелые контрастные цвета.Картина — одна из двух версий. Один из них, который сейчас находится в Метрополитен-музее, был нарисован на уже выцветшем розовом фоне, чтобы создать «мягкую и гармоничную» атмосферу. Вместо этого Ван Гог имел совсем другие намерения по поводу этой версии, о чем он писал в письме своему брату Тео. «Другая фиолетовая гроздь (от кармина до чистого берлинского синего) выделяется на поразительном цитрусовом фоне с другими желтыми тонами в вазе и подставке, на которой она стоит, так что это эффект чрезвычайно разрозненных дополнительных элементов, которые усиливают каждую из них. другие по их противопоставлению.”
Букет роз — Пьер Огюст Ренуар (ок. 1890 — 1900)(общественное достояние через WikiArt)
Ренуар Букет роз — чувственная работа маслом на холсте, в которой мастер импрессионистов заполняет раму пышными пухлыми бутонами роз, выполненными в различных ярких оттенках красного и розового. Еще один художник, который позже обратился к цветочной живописи, Ренуар часто рисовал розы, чаще всего красные.В это время Ренуар был более свободен в своем искусстве, просто желая вызвать ощущение объекта, а не сосредотачиваться на мельчайших деталях. Это позволило ему создавать цветочные картины, которые обладают тактильными качествами и энергией, которые исходят от холста.
Цветочный сад Густава Климта (1905)(общественное достояние через WikiArt)
Очарованный пейзажами, которые он видел летом в Литцльберге, серия Густав Климт , изображающий поля цветов, является ярким примером работы во время его Золотой фазы. Цветочный сад , или Bauerngarten , считается одним из лучших пейзажей Климта и изображает множество цветов, выпадающих из кадра. Работа, проданная на аукционе в 2017 году за 59,3 миллиона долларов, воспевает деревенское очарование сада, не полагаясь на реализм. Каталог аукциона Sotheby’s прекрасно резюмирует его прекрасное качество, заявляя: «Этот замечательный пейзаж уходит корнями в мир природы, но одновременно тянется к символическому декоративному авангарду.Именно этот синтез естественной красоты и гармоничной регулярности придает работе глубоко трогательное качество ».
Водяные лилии Клода Моне (1908)(общественное достояние через WikiArt)
Это не был бы правильный список цветочных картин без Клода Моне Водяных лилий . В этой культовой серии гений импрессионистов проводит мастер-класс по живописи на пленэре . Моне был настолько предан сериалу, что позаботился о том, чтобы его личный сад в Giverny всегда был в отличной форме, чтобы давать ему необходимое вдохновение.Моне написал более 205 работ для этой серии за последние 30 лет своей жизни, и его свободные мазки часто делают композиции граничащими с абстракцией. Самое главное, он никогда не терял внимания, воплощая в жизнь дух нежных кувшинок, передавая их в насыщенных цветах и показывая их красоту в различных типах света.
Амариллис Пита Мондриана (1910)(общественное достояние через WikiArt)
Пит Мондриан , голландец, вырос из давних культурных традиций цветочного искусства.Но он не боялся привнести в свой натюрморт свой современный штрих. Этот ранний натюрморт, Amaryllis , , предшествует самым известным абстрактным картинам Мондриана, основанным на геометрии. Написанный в стиле фовист , мы видим, как он разбивает композицию на смелые цветные блоки, которые сводят цветы к их элементарной форме. Акварель представляет собой прекрасный баланс между живописными качествами и цветом, отрываясь от импрессионизма.
Белая ваза с цветами Одилон Редон (1916)(общественное достояние через WikiArt)
Этот яркий цветочный натюрморт , выполненный в пастельных тонах, , художник-символист Одилон Редон, — это взгляд в будущее. Ушли в прошлое точная сервировка стола и фона, столь заметные в ранних голландских натюрмортах. Вместо этого Редон создает пространство, используя градиенты пастельных тонов. Его цветы переходят от точных, детальных изображений к более абстрактным лепесткам, которые делают всю картину динамичной.Интересно, что Редон не обращался к цветочной живописи, пока ему не исполнилось 60 лет, и тогда он посвятил их созданию большую часть своего времени. Живопись цветов была для Редона серьезным делом, и он безмерно наслаждался этим. «Я представляю себе как одну из хороших вещей, которые я нарисовал, — эту вазу с цветами, которая так и осталась для меня видением», — сказал он однажды. «Я не знаю ничего, что доставило бы мне больше удовольствия, чем такое восхищение простыми цветами в их вазе, дышащих воздухом».
Статьи по теме:
Как цветы превратились в один из самых популярных сюжетов истории искусства
25+ цветущих произведений искусства из настоящих цветов
Прекрасное искусство цветущих цветов
Как вышивальщицы вышивают цветы для создания цветущих букетов на ткани
В цвету: живопись цветов в эпоху импрессионизма
Картина Жан-Мари Рейнер «Посвящение королеве Гортензии» слева направо отдает дань уважения матери Наполеона III и является примером исторических ссылок в цветочном искусстве.
«Больше всего мне нужны цветы, всегда, всегда». Клод Моне
Ваза с васильком и маками, Винсент Ван Гог
В цвету: живопись цветов в эпоху импрессионизма — это прогулка по развитию французской флористической натюрморта в XIX веке. На яркой выставке в Художественном музее Денвера до 11 октября представлены около 60 картин всемирно известных французских художников Эдуарда Мане, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Поля Сезанна, Винсента Ван Гога и других.
«Цветы продолжают вдохновлять благодаря своей прямой связи с природой», — сказала Анжелика Данео, младший куратор отдела живописи и скульптуры музея. «В XIX веке природа была важным предметом поэзии, музыки и искусства. Возросло производство натюрмортов и пейзажей. Цветы доступны по цене, доступны мгновенно и позволяют экспериментировать с цветом так, что другие предметы могут быть слишком ограничены ».
Ваза с белой сиренью и розами, Эдуард Мане
Выставка демонстрирует, как художники XIX века заново изобрели традиционный жанр по мере того, как мир искусства сместился в сторону модернизма.Хронологическая экспозиция представляет собой путешествие от картин конца 1700-х годов к истокам современного искусства. «Мы хотели, чтобы выставочные галереи оставались открытыми и светлыми, чтобы, глядя на более раннюю картину, вы могли просмотреть другую галерею и сравнить ее с более поздними работами», — сказал Данео.
Прогулка по саду начинается с работ Пьера-Жозефа Редуте конца 18 века и других. «Эти предшественники импрессионизма во всех деталях соответствовали ботаническому описанию цветов — лепестков и даже жуков», — сказал Данео.«Это был аналитический подход, основанный на ботанических иллюстрациях того времени».
Этрусская ваза с цветами, Odilon Redon
Цветочное искусство изменилось в середине 1800-х годов, отдав предпочтение цвету и композиции, а не научному представлению. Цветочный натюрморт представлял собой сложный стиль, в котором в качестве символических ссылок использовались люди, статуи и другие элементы. Картина Жана Мари Рейнера чествует Наполеона с орлом, держащим «7824189», — количество голосов, полученных Наполеоном, обеспечило его восхождение к императору.«На наш взгляд, эти цветочные натюрморты — слишком много. Но в то время они были популярны », — сказал Данео.
Напротив, картины с изображением единственной вазы с цветами были шедеврами композиции и структуры. «Картины Анри Фантен-Латура и его жены Виктории были интимными предметами», — сказал Данео.
Многие импрессионисты были заядлыми садовниками и сами писали цветы. Посетителей приглашают прогуляться по саду Моне — росписи во всю стену — и вдыхать запахи цветов в первой в музее «ароматической комнате».«Вы испытаете то, что Моне мог испытать в своем саду, — сказал Данео.
Посетители музея прогуливаются по саду Моне — росписи размером со стену — и вдыхают запахи цветочных паров, которые Моне мог испытать в своем саду в первой в музее «ароматической комнате».
В последней галерее художники конца 1800-х годов начинают набег на модернизм. «Натюрморты Ван Гога показывают его эксперименты с теорией цвета», — сказал Данео. «Работы Сезанна оказывают влияние на будущих художников.Картины Матисса интимны. Художники рисуют из своих фантазий и мечтаний, и иллюзионизм создает ощущение двусмысленности, когда мы теряем чувство плоскости: что на переднем плане, а что на заднем? К ботанике первой галереи имеет мало отношения. Субъективность с точки зрения художников выводит искусство на новые горизонты ».
Шадиа Лемус, менеджер по связям с общественностью Денверского художественного музея и проживающая в Стэплтоне с 2003 года, находит в выставке вдохновение для садоводства.«Мы очень любим открытое пространство в Стэплтоне с цветами, деревьями, вьющимися виноградными лозами и всеми видами зелени. Выставка показала мне, как добавить красок в мой сад, а также предоставила множество замечательных примеров того, как внести в наш сад красочные букеты ».
В дополнение к выставке картин посетители могут познакомиться с искусством, вдохновленным цветами, и посетить различные мероприятия в музее. Практическая Цветочная студия позволяет семьям вместе творить. Пространство для создания искусства помогает посетителям опробовать художественные материалы, изучать стили дизайна и экспериментировать с техниками.Местные художники готовы продемонстрировать искусство, вдохновленное цветами.
Мероприятия последней пятницы будут посвящены теме летних цветов с программами по ботанике и парфюмерии.
In Bloom бесплатно для членов. Билеты для нечленов стоят от 5 до 15 долларов, дети до 5 лет проходят бесплатно. Для получения дополнительной информации посетите сайт www.denverartmuseum.org или позвоните по телефону 720.865.5000.
Посетители музея могут создавать цветочные композиции на интерактивных экранах в студии имитационного художника конца 1800-х годов.
Цветочная живопись импрессионистов ПЛЮС Как красить серебро и ткань
Когда я собирался написать эту импрессионистскую цветочную картину, я хотел больше узнать о том, как передать энергию и сущность красоты природы. Художники веками рисуют цветы, а в юности я нарисовал один или два цветка, но не помнил, как им было тяжело.
Я решил сделать то, что я думал, простой натюрморт с цветком.Я нашла красивую розу, достала мою любимую серебряную сахарницу и кусок холста вместо скатерти. На мой взгляд, я думал, что на создание картины у меня уйдет четыре часа. Понятия не имею, откуда взялось это заблуждение. В моем простом натюрморте были очень сложные элементы: сложный, многолепестковый цветок, светоотражающее серебро и морщинистая ткань. Но благодаря этому я смог попрактиковаться в рисовании трех разных предметов, которыми я поделюсь с вами сегодня.
Размышляя о композиции
Все три композиционных элемента могли легко конкурировать друг с другом за внимание зрителя, поэтому, когда я рисовал, стало ясно, что мне нужно преуменьшить значение некоторых элементов, чтобы глаз не смутил, на что смотреть.
Я хотел бы сказать, что сознательно заранее продумал сложность композиции, но я был больше сосредоточен на размещении цветка в чаше и настройке освещения в приятной манере. Я скомпилировал пару фотографий, из-за которых у меня возникли проблемы с отражением в серебре, но я смог исправить это без особых проблем в процессе рисования.
Некоторые изображения, которые я включил в эту статью, являются скриншотами из видео, которое я сделал во время рисования этого цветка.Если вы хотите посмотреть видео, нажмите кнопку воспроизведения выше. Все скриншоты видео перенесут вас на мой канал YouTube для просмотра видео.
Цветочная живопись импрессионистов — начало работы
Первое, что я сделал, чтобы начать эту цветочную картину, — это нанести акриловую краску желтой охры на холст 11 × 14. Затем я набросал цветок и серебряную чашу, используя виноградный уголь. Вы можете использовать метод прицела, получив копию вашего объекта в точном размере, который вы хотите нарисовать на холсте.Если у вас нет копии точного размера, вы можете нарисовать сетку на эталонном изображении и создать соответствующую пропорциональную сетку на холсте. Я использовал сетку для этой картины, чтобы убедиться, что у меня есть «визуальный центр», так как мой цветок был немного смещен влево.
Рисунок от руки также подойдет, особенно если у вас есть помощь с помощью удобного пропорционального делителя для проверки измерений, если у вас сложный объект. Вы всегда можете рисовать непосредственно краской, если вам это удобно.Обычно я люблю делать наброски заранее, чтобы мои ключевые моменты были расположены на холсте. На Amazon есть хороший набор для пропорционального делителя, видоискателя, цветового колеса и средства поиска значений шкалы серого. Все эти инструменты очень полезны для создания композиции и точного определения значений.
Принадлежности для рисования цветка импрессиониста
Ниже приведены краски, использованные в этой цветочной картине импрессионизма. У меня есть вводный набор красок от Gamblin, с которыми я добился хороших результатов (выгоднее покупать набор, а не отдельные тюбики).Черный цвет слоновой кости и синий ультрамарин слева считаются крутыми синими. У меня нет проблем с использованием черного, как это делают некоторые художники, но я смешаю жженую умбру и синий ультрамарин, если считаю, что черный слишком сильный.
Умбра жженая, желтая охра и красный свет — все теплые тона. Я использую жженую умбру как очень темно-красный цвет. Я использовал теплый белый цвет от M. Graham. Теплый белый цвет не дает моим бликам слишком быстро стать яркими. Я использовал титановый белый Windsor Newton (не показан) для самых ярких отражений на серебре и лепестках.Хинакридоновая роза и малиновый ализарин использовались, чтобы получить некоторые из моих красных и розовых тонов, и при необходимости были согреты желтой охрой, индийским желтым (необязательно) и желтым светом.
Veridian и постоянный зеленый свет были использованы в смеси с желтой охрой, синим ультрамарином или жженой умброй для зелени. Вы можете придерживаться более ограниченной цветовой палитры и пропускать или смешивать некоторые из этих цветов, но у меня они были под рукой, и я решил использовать их. Я использовал гель Gamblin без растворителей, чтобы придать краске консистенцию, и уайт-спирит Gamsol, чтобы разбавить ее.Я также использую медленно сохнущую среду по направлению к середине и концу картины (рецепт можно найти здесь).
Палитра и смешивание
Ниже фото моей палитры до того, как я начал смешивать. Я использую палитру из тонированного стекла. Тонирование холста в тот же цвет, что и палитра, позволяет более точно почувствовать цвет, когда он помещается на холст. Честно говоря, не знаю, почему я этого не делаю. Я довольно быстро покрыл холст цветом, так что в данном случае в этом не было необходимости.
Поскольку я много лет рисовал акриловыми красками, я привык смешивать краски по ходу работы.Когда вы предварительно смешиваете акриловую краску, вы в конечном итоге много тратите. Другое дело масляная краска. Он не сохнет быстро, поэтому вы можете потратить время на предварительное смешивание палитры. Думаю, я читал на сайте Сары Седвик, что «время, потраченное на смешивание красок, — это время, потраченное на рисование». Это имело для меня смысл, поэтому я предварительно смешал свою палитру ниже.
Если вы новичок в смешивании цветов, помните, что дополнительные цвета уравновешивают друг друга. Дополнительные цвета противоположны на цветовом круге. Поэтому, если у вас слишком насыщенный цвет, вы можете смягчить его с помощью дополнения.
Я часто использую дополнительные цвета, чтобы смягчить красный, желтый, синий и зеленый. Думаю, именно поэтому некоторые художники не используют черный цвет в своей палитре. Смешивание черного с цветом — не всегда лучший способ сделать цвет темнее. Сначала попробуйте дополнительный цвет, а затем затемните его жженой умброй и синим ультрамарином.
Блок в темных областях
Как всегда, я начинаю эту импрессионистскую цветочную картину, блокируя темные области. Я сделал это, используя жженую акриловую умбру, но, оглядываясь назад, думаю, мне было бы лучше заблокировать масляную краску, разбавленную гамсолом.Я рассмотрю эту задачу более подробно в видео.
Начав с акриловой краски, а затем масляной краски, я следую принципу «жирность вместо постного». Многие художники, работающие масляными красками, не стали бы использовать акриловую краску, а некоторые могут быть против нее. Но большинство холстов загрунтовано акриловой краской, так что это прекрасно. Если вы начинаете рисовать на холсте, грунтованном маслом, вам придется отказаться от акрила и сразу перейти к маслу.
Эта картина была сделана alla prima (мокрый по мокрому), поэтому я не беспокоился о том, чтобы рисовать слоями.Но если вы позволяете краске высыхать между сеансами, вам нужно придерживаться принципа жирности над постным.
Если вы рисуете более «тощей» краской поверх более «жирной» краски, вы рискуете растрескаться на поверхности тощей краски, поскольку она высыхает быстрее, чем медленно высыхающее масло. Я говорю об этом в видео, но метафора, которую я использую, чтобы вспомнить, как это работает, связана с едой. Пища для откорма обычно содержит больше масла и сливочного масла, тогда как «постная» пища содержит меньше масла / сливочного масла.
Если вы положите слой обезжиренного сливочного сыра поверх слоя масла, слой сливочного сыра в конечном итоге высохнет и потрескается поверх масла.Масло останется маслянистым и эластичным, тогда как сливочный сыр будет менее эластичным и склонным к растрескиванию.
Добавление средних тонов к цветочной картине импрессионистов
Ниже я начинаю добавлять красные тона к цветку. Я был очень взволнован, когда начал работу над цветком, и у меня было видение того, куда я хочу пойти с ним. Ситуация изменилась по мере того, как картина продолжалась, но это все часть творческого процесса.
Я обязательно начал с более темных красных тонов, чтобы определить форму, а затем перешел к средним розовым тонам.Это был мой наивный первый шаг в рисовании этого «легкого» цветка. Оглядываясь назад, я начал с большой кисти, которая отлично подходила для смешивания оттенков. Однако я думаю, что после этого мне следовало перейти на кисть меньшего размера. Я заставлял себя придерживаться большой кисти, чтобы не слишком детализировать слишком рано.
Блокировка в серебре и ткани
На фотографии ниже я быстро выделил значения на серебряной чашке и ткани. На этом этапе картины меня не слишком беспокоит беспорядок.Моей целью было как можно быстрее покрыть холст. Я делаю это и со своими цифровыми картинами и называю это «грязной серединой».
Как справиться с уродливой сценой
Неаккуратная середина для меня всегда неизбежна, когда я рисую. Я теряю терпение и быстро кладу краски, чтобы мозг не слишком много думал о том, что я делаю. Я пытаюсь избежать того, чтобы перфекционист изнутри критиковал работу вначале.
Это не всегда легко сделать, и в конце концов я слышу, как говорю: «Вау, это ужасно».И во многих случаях это действительно ужасно. Но тогда я должен напомнить себе, что это всего лишь этап, и продолжать идти дальше.
Если я слишком расстроен, я встану и пойду заняться чем-нибудь другим. Обычно, когда я возвращаюсь к картине после перерыва, все не так плохо, как я думал.
Исправление ошибок
Как я уже упоминал ранее, я скомпилировал пару фотографий, чтобы использовать их в качестве образца для этой импрессионистской цветочной картины. В моем исходном справочном материале я допустил ошибку и не допустил, чтобы край стола отражался в чашке.Это вызывало у меня проблемы не только из-за ошибки композиции, но и из-за того, что в серебряной чашке не было достаточно темных тонов, чтобы отражаться и выглядеть «серебряным». Ниже вы можете увидеть, что я добавил более темное отражение в верхней части серебряной чашки.
Теперь чашка более точно отражает край стола и больше не кажется «выключенной». Он также имеет выпуклую форму, которая создает зеркальный вид. Блестящие предметы отражают окружающую их среду. Вам не нужно вдаваться в детализацию с помощью отражения, но формы должны визуально «читаться», как если бы они отражали элементы, окружающие объект.
Мне потребовалось время, чтобы грубо закрасить складки на ткани, чтобы убедиться в правильности перспективы. Позже я сопоставлю складки на скатерти, чтобы они лучше соответствовали тем, что есть на отражении.
Делает серебро похожим на серебро
Как и при рисовании глаз, блестящие объекты действительно начинают выглядеть блестящими, когда вы добавляете блики. Ниже вы можете увидеть, что я применил титановый белый цвет, чтобы добавить самые яркие блики. Не нужно добавлять слишком много, чтобы объект выглядел блестящим.На видео вы можете увидеть, где я добавил блики, а затем убрал один, потому что это было слишком много.
Форма здания в цветочной картине
Продолжая изображение выше, вы можете видеть, что я начал восстанавливать темные части цветка с более глубоким красным оттенком. Поскольку серебро и скатерть читаются очень нейтрально по цвету, у цветка была возможность действительно украсть зрелище. Один из способов сделать это — усилить цветность цветка.Я использовал эти темные области для создания средних и светлых оттенков сверху, чтобы создать форму цветка.
Работа с творческими блоками
Поскольку я решил направить свою внутреннюю Мэри Кассат, рисуя этот импрессионистский цветок, я обнаружил, что борюсь с тем, насколько свободно держать мазки. С одной стороны, я хотел, чтобы картина имела ощущение реализма, но с другой стороны, я хотел, чтобы в ней было ощущение энергии за счет использования рыхлых мазков кисти. Эта борьба несколько раз заставляла меня полностью отключаться.
Если бы я не снимал видео по этой картине, я бы отказался. Почему-то я считаю, что рисование должно быть легким и беспроблемным. Но творческий процесс — это решение проблем, и иногда эти проблемы трудно решить. Я рад, что снимал это, потому что это заставило меня придерживаться картины и найти решение, вместо того, чтобы сдаваться и чувствовать себя довольно плохо по поводу всего этого.
Неудачи случаются
Конечно, после того, как я закончил съемку, у меня возникла еще одна проблема — кадры были слишком темными.Я думал, что придется все выбросить. Затем я придумал, как облегчить отснятый материал с помощью монтажа. После того, как я понял это, на моем жестком диске закончилось место. Это означало, что мне нужно было получить внешний жесткий диск и научиться форматировать его для Mac. ТОГДА, iMovie не работал. К счастью, быстрый перезапуск устранил мою проблему с iMovie, и я не оказался кучей на диване, утопая свои печали шоколадом и Netflix.
Все это отбросило меня от графика, и это очень расстраивало.Но теперь я знаю НАМНОГО БОЛЬШЕ, чем знал раньше, поэтому я благодарен за неудачи. Это просто делает меня более осведомленным, прежде чем я начну другие проекты. Мораль этой истории заключается в том, что у художника и создателя есть взлеты и падения. Вы должны оставаться достаточно гибкими, чтобы справляться с неизбежными разочарованиями. Художники от природы умеют решать проблемы и знают, «где воля, там и выход».
Создание фокуса в цветочной живописи импрессионистов
Пишу ли я портреты людей или домашних животных, естественным фокусом для меня всегда являются глаза.При рисовании натюрморта определить фокус — немного сложнее. Однако, поскольку эта картина довольно монохроматична вне цветка, было намного легче понять, что я хотел сфокусироваться где-то внутри цветка. Человеческий глаз от природы притягивается к самым светлым и ярким вещам, поэтому корона цветка стала моим главным фокусом.
Я знал, что остальная часть цветка и серебро будут привлекать внимание, но темная линия, отражающая ручку в чашке, привлекает внимание.Кривая темного отражения заставляет взгляд двигаться вверх к лепесткам. Эти лепестки изгибаются вверх и перемещают взгляд к верхней части картины. Таким образом, даже если люди сначала смотрят на серебро, взгляд довольно быстро движется.
Получу ли я когда-нибудь эти лепестки цветов правильно?
Выше вы можете видеть, что я немного переборщил с облегчением своих ценностей. Я добавил немного теплых тонов к лепесткам, а затем на фотографии ниже вы можете увидеть, где я добавил холодные тона для визуального интереса.
Я постарался сохранить приглушенный оттенок зелени, так как не хотел, чтобы розовый и красный слишком сильно конкурировали с яркими зелеными цветами.
Между прочим, если у вас нет палки для мала, чтобы держать руку во время рисования, я настоятельно рекомендую ее. Палка у меня не причудливая, но она помогает. Это похоже на Amazon, если вы ищете.
Заметки об импрессионизме
Многие художники-реалисты не являются поклонниками импрессионизма. Я понимаю, почему, поскольку это на время убило реализм и привело к тому, что современное искусство стало популярным.Когда я учился в школе, у меня никогда не было инструкторов, кроме моего профессора рисования, которые учили бы меня чему-либо, что могло бы помочь мне как художнику-реалисту. Я был так разочарован, что вместо этого выбрал диплом дизайнера.
Мне по-прежнему нравится импрессионизм, и я думаю, что он оказал положительное влияние на некоторых великих художников-реалистов. Мир искусства в целом больше виноват в подавлении реализма, чем импрессионизм. И именно отсутствие гибкости мира искусства в включении других форм искусства с самого начала и положило начало всему импрессионистскому движению.
Импрессионизм также совпал с развитием современной физики. Меня всегда восхищало, как искусство не только отражает жизнь, но и соединяется с ней на подсознательном уровне. Если вы интересуетесь как искусством, так и наукой, возможно, стоит взглянуть на книгу «Искусство и физика: параллельные видения в пространстве, времени и свете».
Создание складок на ткани в стиле импрессионизма
Раньше я рисовал очень детально складки ткани и потратил на это МНОГО времени.На раскрашивание этой скатерти у меня ушло бы несколько дней, если бы я решил рисовать в более реалистичном стиле. Но живопись в реалистичном стиле не обязательно должна быть идеальной, чтобы добиться реалистичного вида. Человеческий мозг всегда будет заполнять детали за нас, поэтому достаточно просто предложить складки ткани свободно расположенными мазками кисти.
Я просто «набросал» темные тона и немного смешал их со средними тонами. Затем я добавил блики, проводя кистью по холсту и аккуратно растушевывая все.Было бы очень легко переосмыслить эту скатерть, и я почувствовал, что мой мозг хочет туда пойти. Постоянно спрашивая себя «что бы сделала Мэри Кассат», я лишился моего желания «стать реальным» и придерживаться импрессионистического стиля.
Как далеко уйти от реализма в цветочной живописи импрессионистов
Битва между созданием иллюзии реального посредством небрежно нарисованных мазков и созданием высокореалистичной картины происходила на протяжении всей этой картины.После того, как я решил использовать импрессионистический стиль, моей целью было передать энергию и эмоции с помощью краски. То, как далеко можно зайти, основано больше на чувствах, чем на фактах.
Выше вы можете видеть, где я сохранил лепестки в некоторых частях очень абстрактно. Это визуально создает энергию и движение. Энергия + движение = эмоция в моей книге.
Моя цель — всегда, чтобы моя картина выглядела «реальной» на расстоянии, но несколько неаккуратной вблизи. В этой импрессионистской цветочной картине было важно оставаться в стороне от беспорядка.
Если вы посмотрите на снимок крупным планом на серебряной чашке вверху, он действительно не так детализирован, как вы могли бы подумать с расстояния. Это очень просто и не идеально сочетается.
Последние мысли об этой цветочной картине импрессионистов
Моя первая мысль — я рад, что все закончилось. Эта картина стала для меня настоящей борьбой. В процессе рисования мне нужно было принять множество решений, которые я не планировал. К настоящему времени я должен знать лучше, но я все еще просматриваю многие картины, думая, что точно знаю, как все обернется, только чтобы оказаться в затруднительном положении.Тогда я должен смеяться, потому что я достаточно хорошо знаю, как я действую, чтобы знать, что на каком-то уровне я создал этот опыт «МакГайвера», так что мне нужно будет решить проблему.
Всего этого можно избежать, выполнив небольшие исследования, но эта картина была достаточно маленькой и достаточно простой, чтобы в сущности быть этюдом сама по себе.
Я всегда могу вернуться и подправить кое-что, но пока я собираюсь назвать эту картину законченной и перейти к другому проекту.
Спасибо, что заглянули!
Надеюсь, вам понравилась эта статья. Если вас интересует больше подобных сообщений, ниже приведены другие мои популярные уроки и статьи по рисованию:
7 советов по рисованию портретов для традиционных и цифровых художников Как нарисовать портрет собаки маслом поэтапно Портретная живопись питомца: смотри, как я рисую мопса Советы по покраске серебряных предметов Как нарисовать кошку на iPad Pro — Учебное пособие по цифровой живописи с Tippy Как я рисую на iPad — пошаговый портрет в ArtRage 8 советов по покраске черного меха Как нарисовать кошку маслом поэтапно с Jorge & Nacho 30 лиц 30 дней Задание по портретной живописи Картина кота в ArtRage с участием горгульи Реми Картина кота маслом с изображением Прескотта, великолепного кота мейн-кун сообщить об этом объявлении «Летняя распродажа импрессионистов» на Sotheby’s:Как нарисовать портрет пожилой собаки — Советы и хитрости
цветов
Когда половина вашей аудитории находится в Хэмптоне или Провансе, а другая значительная часть отказывается покидать свои дома и офисы с кондиционерами, возможно, имеет смысл продавать небольшие картины маслом, работы на бумаге и скульптуры в Интернете.Продажи Sotheby’s, которые завершились в полдень 24 июля, называются первоклассными, и некоторые работы вызывают большой аппетит, особенно уголь Ренуара и картины цветов маслом. [ОБНОВЛЕНО после окончания распродажи]
За день до аукциона было подано 23 заявки на картину Бернара Лоржу «Fleur Blanche au Fond Bleu» (Белый цветок в голубой вазе), картину маслом с консервативной оценкой от 1500 до 2500 долларов. За очень красивую картину 1956-57 годов, сделанную французским художником, который называл себя антиабстракционистом, торги достигли неплохой суммы в 3200 долларов.Выигрышная ставка составила 4750 долларов.
Точно так же небольшой, подписанный углем эскиз Пьера-Августа Ренуара женщины, расчесывающей волосы, примерно в 1894 году, который продавался по цене от 12 000 до 18 000 долларов, собрал 20 заявок и стоил 35 000 долларов за 12 часов до окончания торгов. К полудню 24 числа горячие торги достигли 87 500 долларов.
За работу на бумаге!
Обратите внимание на онлайн-аукцион. Поскольку цена была такой потрясающей, я показываю ее вам. Это просто. Мило. Но по такой цене?
Но вернемся к цветам в вазах:
Эта стилизованная пастель на бумаге под названием «Розы» создана мексиканским художником Альфредо Рамосом Мартинесом примерно в 1922 году.Для меня цветы напоминают розы на китайских обеденных тарелках и вазах, пышные, идеализированные, гиперреалистичные, преувеличенные. Эта пастель, купленная в частной коллекции в Буэнос-Айресе, заметно отличается от изображений крестьян, рабочих и даже местных цветов Мартинесом. Некоторое время он жил в Париже, а также в Калифорнии. За день до окончания онлайн-аукциона было подано две заявки на сумму до 2800 долларов при оценке от 4000 до 6000 долларов. Окончательная цена: 3750 долларов.
Альбер Андре был постимпрессионистом, дружившим с Моне и Августом Ренуаром; дружба с последним привела его к дилерам и галереям и раннему признанию его образных работ. Один из Les Nabis вместе с Signac, который также представлен на этом аукционе Sotheby’s, Андре широко известен как художник, особенно в области интерьеров, портретов и цветов.
На указанную выше вазу с цветами подано 12 заявок по цене 4500 долларов за день до окончания продажи; окончательная ставка составила 11 долларов.875. Но поклонникам работ Андре можно посоветовать отправиться в галерею Гуариско в Вашингтоне, где продается его «Букет (вид из мастерской художника, Париж)» 1900 года, см. Ниже. Я думаю, что это лучше.
Вернемся к еще двум предметам с распродажи Sotheby’s:
Лот 4, приведенный выше Луи Вальта, называется « BOUQUET AU VASE DE FAÏENCE». Плохой лот 4. По оценкам, от 40 000 до 60 000 долларов США не поступали за 12 часов до окончания продажи. Луи Вальта считался фовистом, а фовизм никогда не пользовался большим успехом.Посмотрим правде в глаза, после Матисса, может быть, у Брака (назовите одну картину Дерена) все резко упадет.
Но, очевидно, любители Валтата прятались в зарослях, ожидая начала торгов, и когда это произошло, цены быстро пошли вверх. Заключительная ставка составила 43 750 долларов, что ближе к нижней границе оценки. Думаю, проблема с приведенным выше букетом в том, что он не очень красивый. В галерее Ральфа Гирхардса в Дюссельдорфе выставлена на продажу эта великолепная цветочная картина Валтата.
Если хотите Валтат, летите в Дюссельдорф — да, там жара, и нет, в Дюссельдорфе, как правило, нет кондиционеров — и посмотрите на него лично.Это ландыши и гиацинты с 1925 года. Даже в вазе он красивее. Лучше цветы, лучше ваза. Никакого фовизма.
И, наконец, подсказка для аукциона Sotheby’s: картина Сюзанны Айзендик, художника постимпрессионизма «PETITE FILLE D’HONNEUR». или «Маленькая девочка чести». Если вы поместите эту картину в конце коридора и никогда не подпускаете гостей слишком близко, они могут подумать, что это работа крупного импрессиониста, возможно, Ренуара. Это в духе Ренуара, хотя и в мультяшном стиле.
Айзендик, родившийся в 1908 году, был немецким художником-постимпрессионистом с потрясающими творческими способностями.Она явно находилась под влиянием Ренуара, Мане, Моне, Дега (обратите внимание на черные полосы на шее у молодых женщин, которых она рисовала, на дерзкие шляпы, которые они носят, на полосатые платья-рубашки, на сцены вдоль Сены, на улицы Парижа. …)
Итак, «французский импрессионист» был ее постимпрессионистскими картинами, что, когда она приехала в Париж, ее салатные дни были короткими. Она продавалась не только там, но и в США. Она вышла замуж за Дитца Эдзарда, другого постимпрессиониста, и говорят, что их картины были настолько похожи, что некоторые галереи не могли отличить их друг от друга.Ниже, первая, Сюзанна Айзендик под названием «Au Bois du Boulogne», вторая — Dietz Edzard, недавно проданная в Коннектикуте, под названием «Молодая женщина на ипподроме».
После войны у них родились две дочери. Владение картиной Айзендика позволяет вам наслаждаться жизнью их удивительных дочерей. Кристин Эдзард стала сценаристом, арт-директором, дизайнером костюмов и режиссером короткометражных фильмов, которые вместе со своим мужем Ричардом Б. открыли продюсерскую студию недалеко от Лондона.Гудвин.
Если ее достижения, в том числе номинация на «Оскар» за экранизацию «Маленькой Доррит», кажутся недостаточными, младшая дочь Эдзарда, Анжелика, продолжила карьеру в политологии. Она говорит на пяти языках, вышла замуж за Жоржа Кароли, посла Венгрии во Франции, и является директором Института Джозефа Кароли в Будапеште, Венгрия. У нее и ее мужа четверо детей, и ей удалось сделать это в период между написанием внештатных статей о национальной обороне Германии и Франции, политологии и международных отношениях.
Вот в чем дело: владение айзендиком — это возможность среднего класса. Смета на «Почетную девочку» составляла от 800 до 1200 долларов, а окончательная ставка на «Почетную девочку» составляла 2375 долларов. Для этого у вас могла бы быть картина маслом постимпрессионизма, что-то, что определенно подняло бы любую комнату в вашем доме.
И если не этот Айзендик, выбирайте сами. Она сделала как минимум 600, а ее муж — почти столько же. Они постоянно выставляются на продажу, и вы можете поговорить со своими гостями об их жизни в Париже, об их творческих дочерях и о том, что вы видите на этих картинах всех импрессионистов, которых вы любите.
Когда вы покупаете что-то красивое, оно только увеличивается в цене. — Линда Ли
Сообщение навигации
Как нарисовать вазу из цветов в стиле импрессионистов
Смешайте белый цвет с оттенком красного. Добавьте гелевый средний, если хотите более густую и глянцевую краску. Используйте большую квадратную кисть или кисть из фундука.
Микс светло-серо-голубой. Смешайте небольшое количество черного с белым, а затем небольшое количество синего. При желании добавьте гелевую среду.
По всему фону холста вы будете проводить цвет в разных направлениях. Я начал со светло-розового. Добавьте больше белого или немного светло-желтого, чтобы добавить тепла.
Не забывайте края холста! Теперь начните смахивать немного светло-серо-синего цвета.
Он должен выглядеть так. Если он недостаточно смешан, добавьте немного белого сверху. Он подберет влажные цвета, когда вы проведете пальцем, и еще немного осветлит и смешает их.
Далее будем рисовать в вазе. К синему добавьте немного белого и немного черного, чтобы немного смягчить его.
Нарисуйте прямоугольную форму для вазы. Начните с синего цвета слева и, двигаясь вправо, медленно добавьте немного больше белого. Для правого края верните немного синего цвета полной силы.
Он должен выглядеть как градиент, вот так.
Перейдите на круглую кисть меньшего размера для цветов. Начните делать синие брызги (с добавлением небольшого количества черного) в форме веера… оставляя некоторые пробелы. В самом центре побольше синего.
Теперь добавим листву. Опять же, делайте свои отметки шепчущими веерными движениями. Чтобы получить красивый зеленый цвет, смешайте желтый и синий, а затем смешайте белый и черный, чтобы получить немного серого. Смешать.
Дайте вашей картине немного высохнуть. Что касается цветов, добавьте немного белого к красному, чтобы получился розовый. Если вам нужен более теплый розовый цвет, добавьте немного желтого. Сделайте круговую форму круговыми движениями. Сделайте акценты красным.
Вы можете сделать некоторые цветы больше, а некоторые — меньше.Также сделайте немного светлее и темнее. Вы также можете сделать несколько широких форм, похожих на тюльпан, которые будут служить видами сбоку.
Акцент красным и иногда даже синим или белым. После того, как ваши цветы будут окрашены, используйте синий цвет, чтобы создать тени между цветами.
Продолжайте обрабатывать цветы, пока не будете удовлетворены. Думайте о контрасте так же, как и вы. Заполните пробелы небольшими движениями разных цветов, которые вы использовали чередуя цвета и придавая ему некоторое разнообразие.
| Tutt’Art @ | Питтура • Скультура • Поэзия • Музыка
Archiviomaggio 2021 (24) aprile 2021 (29) marzo 2021 (40) febbraio 2021 (31) gennaio 2021 (35) dicembre 2020 (41) ноябрь 2020 (26) октябрь 2020 (36) settembre 2020 (37) назадsto 2020 (65) luglio 2020 (52) июнь 2020 (33) maggio 2020 (52) aprile 2020 (64) marzo 2020 (84) febbraio 2020 (56) gennaio 2020 (70) dicembre 2019 (78) ноябрь 2019 (83) октябрь 2019 (37) settembre 2019 (47) agosto 2019 (59) luglio 2019 (77) giugno 2019 (63) maggio 2019 (50) aprile 2019 (86) marzo 2019 (91) febbraio 2019 (86) gennaio 2019 (66) dicembre 2018 (63) ноябрь 2018 (73) октябрь 2018 (81) набор 2018 (23) agosto 2018 (21) luglio 2018 (37) giugno 2018 (50) maggio 2018 (16) aprile 2018 (31) marzo 2018 (60) febbraio 2018 (56) gennaio 2018 (60) dicembre 2017 (62) novembre 2017 (61) ottobre 2017 (51) settembre 2017 (23) agosto 2017 (38) luglio 2017 (35) giugno 2017 (25) maggio 2017 (21) aprile 2017 (27) marzo 2017 (38) febbraio 2017 (46) gennaio 2017 (39) dicembre 2016 (37) novembre 2016 (40) ottobre 2016 (40) settembre 2016 (51) agosto 2016 (30) luglio 2016 (4) 2) июнь 2016 (41) maggio 2016 (52) aprile 2016 (61) marzo 2016 (66) febbraio 2016 (69) gennaio 2016 (45) dicembre 2015 (40) novembre 2015 (56) ottobre 2015 (47) settembre 2015 ( 42) agosto 2015 (53) luglio 2015 (37) giugno 2015 (32) maggio 2015 (15) aprile 2015 (21) marzo 2015 (21) febbraio 2015 (24) gennaio 2015 (21) декабрь 2014 (16) ноябрь 2014 ( 28) ottobre 2014 (13) settembre 2014 (8) agosto 2014 (14) luglio 2014 (19) giugno 2014 (21) maggio 2014 (27) aprile 2014 (18) marzo 2014 (23) febbraio 2014 (56) gennaio 2014 ( 35) декабрь 2013 г. (41) ноябрь 2013 г. (45) октябрь 2013 г. (30) наступление 2013 г. (22) назад 2013 (36) июль 2013 (21) июнь 2013 (19) maggio 2013 (36) апрель 2013 (14) марзо 2013 ( 66) febbraio 2013 (39) gennaio 2013 (28) dicembre 2012 (39) novembre 2012 (43) ottobre 2012 (41) settembre 2012 (50) agosto 2012 (46) luglio 2012 (48) giugno 2012 (28) maggio 2012 ( 26) апрель 2012 г. (61) марзо 2012 (38) февраль 2012 г. (40) gennaio 2012 (43) декабрь 2011 г. (48) ноябрь 2011 г. (43) октябрь 2011 г. (70) наступление 2011 г. (41) назад 2011 (21) lugli o 2011 (26) июнь 2011 (12) maggio 2011 (17) aprile 2011 (27) marzo 2011 (21) febbraio 2011 (16) gennaio 2011 (13) декабрь 2010 (2) ноябрь 2010 (1) октябрь 2010 (5) Сентябрь 2010 г. (3)
.