Импрессионизм основные черты: Основные черты импрессионизма в творчестве Виктора Казгериева. — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Разное

Содержание

Основные черты импрессионизма в творчестве Виктора Казгериева.

МКОУ «Средняя общеобразовательная школа №32»

ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКАЯ РАБОТА

Тема: «Основные черты импрессионизма в творчестве

Виктора Казгериева»

руководитель исследовательской работы:

Атмурзаева Лейла Тахировна

работу выполнил: ученик 3 «А» класса

Шапсигов Темрюк Азретович

Нальчик 2016

Введение

«Иногда на то, чтобы осознать

мгновение, уходит целая жизнь»

Клод Моне

Актуальность представленной работы состоит в том, что живопись всегда являлась культурным наследием любого общества. А познавая культуру во времени, человек продлевает связь поколений и не утрачивает своих творческих способностей.

Для меня это исследование имеет особую значимость, поскольку речь пойдет о моем дедушке Викторе Казгериеве, живопись которого сопровождала меня всю мою жизнь. С ранних детских пор его картины украшают наш дом, и порою мне кажется, что смотря на них можно погрузиться в иные миры. Они поднимают мне настроение и служат копилкой позитивных эмоций. Вместе с тем, следует осознавать, что помимо личного восприятия творчество любого художника нуждается в общественной оценке, а особенно в общественном признании. Но для того, что бы такое признание получить, необходимо определить стиль, направление и жанр живописца.

В этой связи цель настоящего исследования состоит в обосновании импрессионистского стиля исследуемого художника. Поставленная цель предопределила ряд взаимосвязанных задач:

— исследовать теоретические аспекты импрессионизма;

— охарактеризовать импрессионизм как одно из направлений в живописи;

— определить характерные черты импрессионизма;

— проанализировать техническое и колористическое творчество В. Казгериева;

— охарактеризовать сюжетные особенности картин исследуемого художника.

Объектом исследования послужило творчество В. Казгериева, предметом исследования выступают основные черты импрессионизма в живописи В. Казгериева.

Практическая ценность работы состоит в том, что работа может быть использована в дальнейшем на уроках «Искусство» и «Рисование» при изучении работ художников Кабардино-Балкарской республики.

Структура работы предопределена поставленными задачами и состоит из введения, двух глав, содержащих в себе 6 параграфов, заключения и списка использованных источников.

Глава 1 Теоретические аспекты импрессионизма

1.1 Импрессионизм как направление в живописи

Импрессионизм является одним из направлений в творчестве, охватывающий собой не только живопись, но и музыку (музыкальный импрессионизм) и литературу (литературный импрессионизм). «Импрессионизм» происходит от франц. impressionnisme, от impression – впечатление

1, но термин этот родился не случайно.

Поводом послужило название пейзажа К. Моне «Впечатление.

Восход солнца» (рис.1), выставленного на выставке в 1874 году. (Приложение. Рис.1)

Помимо К. Моне на этой выставке были представлены работы и других авторов: Э. Дега, О. Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро. Отзывы о выставке были неоднозначными, сопровождались грубой критикой и насмешками. Поскольку не все были готовы к индивидуальному восприятию в живописи. Один из рецензентов в насмешку назвал художников «впечатленцами». Э. Дега, участник выставки заметил: «Нас расстреливали, но при этом обшаривали наши карманы». Французская Академия искусств хотела запретить выставки художников, но Наполеон II вынес решение, что народ сам должен решать, что ему нравится, а что нет.

В настоящее время работы вышеперечисленных импрессионистов являются общепризнанным достоянием человечества. По мнению В.Н. Прокофиева «импрессионизм — это в первую очередь достигшее невиданной утонченности искусство наблюдения реальной действительности»².

На самом деле, чтобы достичь максимальной непосредственности и точности в передаче зримого мира, они писали преимущественно на открытом воздухе. Поэтому полагаем, их работы так наполнены всеми цветами радуги. Например, работы «Речной пейзаж» Клода Моне (Приложение.рис. 2) или «Звездная ночь» Ван Гога (Приложение рис. 3).

Но иногда картины имели и не совсем радужный колорит, например «Автопортрет» Поль Гогена (Приложение.рис. 4) и «Автопортрет» Ван Гога (Приложение. рис. 5).

Исходя из сказанного, можно сделать вывод, что импрессионизм является одним из направлений в живописи, отражающий личное впечатление художника от окружающего мира.

Далее обратим внимание на некоторые характерные черты этого направления.

1.2 Характерные черты импрессионизма

Живопись художников импрессионистов не совсем отражает реальность, какую ее видят люди. В специальной литературе, выделяют колористические, технические и сюжетные особенности свойственные импрессионистам.

Проанализируем некоторые из них.

Например, И. Бирюкова обращает внимание на характерные особенности техники импрессионизма: короткие и толстые мазки краской; нет прорисовки деталей; разные цвета располагаются рядом друг с другом; цвета красок почти не смешиваются³. Поэтому современники упрекали художников в «незаконченности» и «неряшливости в живописи».

Известный французский художник Морис Бюссе исследуя колористические особенности отметил, что импрессионисты использовали очень небольшой набор красок, чаще всего пользовались только четырьмя: ультрамарином, кадмием желтым, кадмием красным и изумрудной зеленой. В качестве замены черной краски могли дополнительно входить краплак, охра желтая и сиена жженая. Черный цвет, получался смешиванием ультра марина, краплака, изумрудной зелени и сиены жженой (Приложение.рис. 6).

Н. Клевер отмечает, что наиболее характерный сюжет для импрессионистов является изображение природы, города, лиц людей. Работы писались «на пленэре», то есть непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков. Например, «Гора Сент Виктория» Поль Сезанн (Приложение.рис7.)

Анализ характерных черт импрессионизма позволил прийти к некоторым заключениям: импрессионизм от других направлений в живописи можно отличить по технике колориту и сюжету.

Таким образом, проведенный теоретический экскурс позволил нам сделать вывод, что любой художник в своем творчестве имеет дело с впечатлением от внешнего мира и от окружающих людей. Поэтому каждый настоящий художник импрессионист, если он не срисовывает свои работы и не выдает чужие работы за свои. С одной стороны в импрессионизме нет кропотливой работы реалиста, но в каждой работе есть авторское видение художником мира.

Глава 2 .Художественное творчество Виктора Казгериева

2.1 Колористические и технические особенности картин

Исследуя творческие художественные работы В. Казгериева, нами было обнаружено их соответствие колористическим и техническим особенностям импрессионизма. Например, технику работы «Утренний ручей» отличает то, что она выполнена короткими и толстыми мазками, нет прорисовки деталей, очевидно, что разные цвета располагаются рядом друг с другом и почти не смешиваются (Приложение. рис. 8). Такая же техника применена и в работе В. Казгериева «Лодка у причала» (Приложение.рис. 9)

Исследуя колористические особенности, например, в работе В. Казгериева «Истоки», следует отметить набор всех красок импрессионизма: белила титановые, охра желтая, кадмий желтый средний, кадмий красный средний, краплак темный, изумрудная зелень, ультрамарин темный, сиена жженая (рис. 10).

Таким образом, можно сделать вывод что технические и колористические особенности в живописных работах художника В. Казгериева соответствуют направлению импрессионизма.

2.2 Сюжетные особенности картин В. Казгериева

В работах В. Казгериева много сюжетных линий. В том числе и портретная живопись без прорисовки деталей, присущая импрессионистам. В качестве примера можно рассмотреть работы «Зрелость» (Приложение.рис. 11) и «Мудрость» (Приложение.рис. 12) и др.

Присутствует и городской пейзаж, например, работа «Двое у озера» (Приложениерис. 13), изображение природы в работе «Сила гор» (Приложение.

рис. 14) и др

Как показал анализ некоторых работ, сюжетные особенности картин В. Казгериева соответствуют направлению импрессионизма.

Таким образом, художественное творчество В. Казгериева в своем колористическом, техническом и сюжетном отношении соответствует направлению течения в живописи под названием импрессионизм.

Заключение

В проведенном исследовании по выявлению основных черт импрессионизма в творчестве В. Казгериева исследованы теоретические аспекты импрессионизма, которое является одним из направлений в живописи. Выявлено, творчество импрессионистов основывается на впечатлении от внешнего мира. Выявлены характерные черты импрессионизма, проявляющиеся в технике, колористке и сюжетной линии.

Применяя такой же подход при анализе живописи В. Казгериева, проанализированы технические и колористические аспекты творчества В. Казгериева, охарактеризованы сюжетные особенности картин, что позволило прийти к общему выводу о соответствии полученных результатов исследования поставленной цели и задачам.

Вместе с тем рамки проводимого исследования не позволили проанализировать все творческое наследие не только в живописи, но и в музыке и в литературе В. Казгериева. Поэтому, полагаю, что проведенная работа может явиться составной частью более глубинного исследования творческого потенциала Кабардино-Балкарской республики.

Список литературы

Национальная энциклопедическая служба. Электронный ресурс. URL: http://interpretive.ru/dictionary/968/word/impresionizm (дата обращения 10.11.2015).

История развития импрессионизма [Электронный ресурс]. URL: http://www.impressionism.ru/history.html (дата обращения: 11.11.2015).

Импрессионизм [Электронный ресурс]. URL: http://www.wm-painting.ru/StyleInPaintingEM/p2_articleid/247 (дата обращения: 11.11.2015).

В работе использовались работы художников:

Ван Гог «Звездная ночь» (1889 г.).

Ван Гог «Автопортрет» (1889 г.).

Клод Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872 г.).

Клод Моне «Речной пейзаж» (1897 г. ).

Поль Гоген «Автопортрет» (1890 г.).

Поль Сезанн «Гора Сент Виктория» (1898 г.).

Казгериев В.К. «Утренний ручей» (2001 г.).

Казгериев В.К. «Лодка у причала» (2001 г.).

Казгериев В.К. «Истоки» (2006 г.).

Казгериев В.К. «Зрелость» (2005 г.).

Казгериев В.К. «Мудрость» (2005 г.).

Казгериев В.К. «Двое у озера» (2008 г.).

Казгериев В.К. «Сила гор» (2010 г.).

Приложение

Рис.1

Рис.2

Рис.3

Рис.4

Рис.5

Рис.6

Рис.7

Рис.8 рис.9

Рис.10

Рис.11 Рис.12

Рис.13 Рис.14

3 Импрессионизм [Электронный ресурс]. URL: http://www.wm-painting.ru/StyleInPaintingEM/p2_articleid/247 (дата обращения: 11.11.2015).

Черты импрессионизма в лирике Фета — Основные мотивы лирики в творчестве А.

А. Фета — рефераты по творчеству А.А.Фета

Разделы сайта:

Импрессионизм — особое направление в искусстве XIX века, сложившееся во французской живописи в 70-е годы. Импрессионизм означает впечатление, то есть изображение не предмета как такового, а того впечатления, которое этот предмет производит, фиксация художником своих субъективных наблюдений и впечатлений от действительности,
изменчивых ощущений и переживаний. Особым признаком этого стиля было «стремление передать предмет в отрывочных, мгновенно фиксирующих каждое ощущение штрихах».

Стремление Фета показать явление во всем многообразии его переменчивых форм сближает поэта с импрессионизмом. Зорко вглядываясь во внешний мир и показывая его таким, каким он предстает в данный момент, Фет вырабатывает совершенно новые для поэзии приемы, импрессионистического стиля.
Его интересует не столько предмет, сколько впечатление, произведенное предметом. Фет изображает внешний мир в том виде, который соответствует сиюминутному настроению поэта. При всей правдивости и конкретности описания природы прежде всего служат средством выражения лирического чувства.
Новаторство Фета было настолько смелым, что многие современники не понимали его стихов. При жизни Фета его поэзия не нашла должного отклика у его современников. Только двадцатое столетие по-настоящему открыло Фета, его удивительную поэзию, которая дарит нам радость узнавания мира, познания его гармонии и совершенства.
«Для всех прикасающихся к лирике Фета через столетие после ее создания важна, прежде всего, ее одухотворенность, душевная пристальность, нерастраченность молодых сил жизни, трепет весны и прозрачная мудрость осени, — писал Л. Озеров. — Читаешь Фета — и сдается: вся еще твоя жизнь впереди. Сколько доброго сулит идущий день. Стоит жить! Таков Фет.
В стихотворении, написанном в сентябре 1892 года — за два месяца до смерти, — Фет признается:
«Это я!» Но я молчу.
Поэт молчит? Нет. Говорит его поэзия».


Список используемой литературы

Р. С. Белаусов “Русская любовная лирика” отпечатано в типографии Курская правда – 1986.
Г. Асланова “В плену легенд и фантазий” 1997. Вып. 5.
М. Л. Гаспаров “Избранные труды” Москва. 1997. Т.2
А. В. Дружинин “Прекрасное и вечное” Москва. 1989.
В. Соловьёв “Смысл любви” Избранные произведения. Москва. 1991.
И. Сухих “Миф Фета: Мгновение и вечность // Звезда” 1995. №11.

10 терминов, которые помогут вам понять картины импрессионистов-авангардистов

Импрессионизм – одно из важнейших направлений в искусстве последней трети XIX-начала XX века, возникшее во Франции и распространившееся по всему миру. Открытия художников-импрессионистов были поистине революционны и оказали существенное влияние на последующее развитие живописи. Революционность открытий импрессионистов заключалась с том, что именно они первыми отказались от сложного, состоящего из нескольких этапов, процесса создания картины, характерного для академического направления, освободили художника, позволили творить без оглядки на каноны и правила опостылевшего классического реализма.

Авангард – важное понятие в истории искусства XX столетия, объединяющее ряд художественных течений, возникших в то время. В России фактическим создателем данного термина явился художник и арт-критик Александр Николаевич Бенуа, который в своей статье об очередной выставке объединения «Союз русских художников», разделил участников на авангард, центр и арьергард. К художникам авангарда Бенуа отнес молодых живописцев Михаила Ларионова, Павла Кузнецова и Георгия Якулова. Однако следует отметить, что данный термин начал широко использоваться историками искусства в 1920-е годы, когда потребовалось обобщить разнообразные новаторские течения в искусстве, участники которых, что примечательно, не называли себя авангардистами.

Импрессионизм и авангард, на первый взгляд, диаметрально противоположные явления в искусстве. Однако между ними существует крепкая взаимосвязь. Выставка «Импрессионизм в авангарде» позволит показать, что русский авангард начала XX века, был бы невозможен без импрессионизма. Представленные произведения продемонстрируют, как влияние живописи французских импрессионистов и постимпрессионистов стало трамплином для перехода к ярким революционным открытиям Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой, Давида Бурлюка, Казимира Малевича, Алексея Явленского, Петра Кончаловского, Роберта Фалька и многих других.

Импрессионизм в музыке

Импрессионизм появился во Франции в 60-х годах XIX века как направление в живописи, но позднее распространился и на музыку. Суть нового течения состояла в фиксации мимолетного впечатления от увиденного в своем произведении.

В это время в культурной жизни Парижа наступает переосмысление академического искусства. Появляется нужда в переменах, что приводит к возникновению нового движения.

Стивен Шортридж Уроки музыки

Особенности импрессионизма в музыке

Импрессионизм в музыке берет начало в 90-х годах XIX века. Его родоначальниками считаются такие французские композиторы, как Клод Дебюсси, Эрик Сати, Морис Равель.

Изначально термин «импрессионизм» к музыкальным произведениям Дебюсси был использован критиками в ироническом подтексте. Да и, строго говоря, этот термин не вполне верно классифицирует творения французских музыкантов. Однако, есть много черт, по которым эта музыка схожа с живописными полотнами импрессионистов. Прежде всего, это стремление передать субъективное впечатление автора. Широкое использование диссонансов, необычных тембров и созвучий. Мелодизм уходит на второй план в угоду гармоническим звучаниям нонаккордов, кварто-квинтовых последовательностей, внезапных диссонансов.

Новое направление взялось не из воздуха. Его корни растут из романтизма. Очень большое влияние на музыкантов оказал немецкий композитор Рихард Вагнер.

Рихард Вагнер

Однако засилье оперы в музыкальной жизни Франции того периода, не давало возможности полноценно развиваться другим направлениям и жанрам. Это вызвало своеобразный протест в виде нового движения. Также, как в живописи, импрессионизм в музыке возник из противостояния бездушному отлакированному академизму.

Не стоит забывать и о влиянии на композиторов французских поэтов-символистов: Поля Верлена, Артюра Рембо, Шарля Бодлера, Стефана Малларме и других. Они уделяли большое внимание мелодичной игре звуков и изображению эмоциональных переживаний души в своих литературных произведениях.

Музыка теперь стремится передать неуловимые впечатления и движения чувств, используя новые гармонические инструменты. Классический строй музыкального произведения, по мнению импрессионистов, изжил себя. Гармония больше не зависит от мелодики, давая возможность аккордам звучать свободно, выражая определенное настроение.

Произведения импрессионистов имеют яркую эмоциональную окраску. Они сознательно отказываются от классического драматизма, предпочитая пейзажи и жанровые сцены. Музыканты чаще пишут короткие произведения ‒ сюиты, музыкальные миниатюры. Нередко обращение к народной, экзотической и восточной музыке, к сказочным или фантастическим сюжетам. Композиторы используют расширенные гармонические комплексы, отдают предпочтение чистому и контрастному тембровому звучанию. В отличие от больших симфонических оркестров, обходятся малым количеством инструментов. Классическое сочетание ‒ флейта и арфа.

Эрик Сати

Первооткрывателем импрессионизма в музыке считается Эрик Сати. И сейчас еще не утихают споры о месте его личности в истории музыкальной Франции. Но бесспорно, что его новаторские эксперименты оказывали влияние не на одно поколение французских музыкантов. Его творческий путь не раз менял свое направление. Будучи одним из основателей импрессионизма, Эрик Сати первый же отошел от него после всеобщего увлечения творчеством Дебюсси. Недаром Сати называют реформатором европейской музыки.

Эрик Сати

Эрик Сати родился в 1866 г. в Нормандии в семье портового маклера. В ранние годы мальчика растил дядя, в связи с ранней смертью матери. Отец с новой семьей жил в Париже. В 12 лет Эрик переехал к отцу. Мальчик уже тогда проявлял интерес к музыке.

Эрик Сати дважды поступал в Парижскую консерваторию, но так ее и не закончил. Долгое время он оставался безвестным музыкантом, работая аккомпаниатором эстрадных певцов в разных кафе.

Свой творческий путь он начал в 1885 г. с небольших фортепианных пьес. Позднее он сочиняет пьесы «Три гимнопедии», «Три гноссьены», оказавшие впоследствии огромное впечатление на Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Уже в этих ранних произведениях он пишет без указания метра и ключевых знаков, ломая музыкальные традиции. Впоследствии это станет его фирменным знаком.

Рамон Касас Богема. Поэт Монмартра (портрет Эрика Сати)

Около 1891 г. Сати знакомится с Жозефеном Пеладаном и пишет музыку к его пьесе «Сын звезд». В ней композитор применяет шестизвучные аккорды, состоящие из кварт. Этот прием сразу стал популярен у французских композиторов. В этом произведении Сати использует мелодизм без определенного лейтмотива, что не мешает ему выразить весь драматизм пьесы. Эрик Сати строит композицию своих произведений из 5 ‒ 6 на первый взгляд не связанных между собой частей.

В 1891 г. Эрик Сати знакомится с Клодом Дебюсси. Их дружба продлится долго и приведет к созреванию Дебюсси как импрессиониста. Позднее Сати утверждал, что это именно с его подачи зародился импрессионизм, поскольку он советовал Дебюсси использовать в музыке те же средства выражения, что и художники-импрессионисты. Правда это или нет, неизвестно, поскольку эксцентричный Сати мог и приукрасить свою роль в становлении Дебюсси как композитора.

После 1897 г. Эрик Сати отходит от импрессионизма с его яркостью мелодизма и сложными гармониями. Теперь он выступает за простоту музыкальных форм. У него появляются миниатюры с ироничными названиями и пометками для исполнителей. Например, «Три арии, от которых все сбегут», «Джек в стойле», «Три пьесы в форме груши» и др.

В 1898 г. Эрик Сати переезжает в небольшой французский городок Аркей, где проживет до самой смерти. Всю жизнь он работал тапером в парижских кафе, получая мизерный доход.

Сантьяго Руссиньоль Комната Эрика Сати

В 1911 г. композитор обращается к неоклассицизму, написав несколько пьес, которые позднее были исполнены Равелем. При этом он начинает критиковать импрессионизм в своих произведениях за расплывчатость формы и неясность содержания. Он издает откровенно сатирические пьесы «Тощий танец», «Три засушенных эмбриона» и др.

В 1913 г. Эрик Сати пишет музыку для балета Дягилева «Парад», а в 1918 г. ‒ симфоническую драму «Сократ» по мотивам платоновских диалогов. Это были самые значительные произведения композитора. Так же он стал изобретателем так называемой «меблировочной музыки», служащей ненавязчивым фоном в магазинах или в салонах при приеме гостей. Умер музыкант в безвестности, от цирроза печени в 1925 г.

Значение творчества Эрика Сати

Об Эрике Сати вспомнили лишь в 50-е годы XX века. Его известность вышла за пределы Франции. Он стал родоначальником не только импрессионизма, но так же авангарда и минимализма, оказав большое влияние на становление многих известных композиторов.

Клод Дебюсси

Клод Дебюсси вошел в историю музыки как яркий представитель импрессионизма, его основатель и идеолог. В конце XIX ‒ начале XX веков он стал властителем дум не только во Франции, но и во всем мире. Он пришел на смену Вагнеру и начал новую эпоху в музыке. Сам Дебюсси был не согласен с применением термина «импрессионизм» по отношению к своему творчеству. Однако история распорядилась иначе.

Клод Дебюсси

Клод Дебюсси родился в 1862 г. в городке недалеко от Парижа. В десять лет он поступил в Парижскую консерваторию. Его учителями были известные композиторы Мармонтель, Лавиньяк, Франк, Гиро, Массне. Мальчик учился довольно прилежно и даже в 1884 г. был награжден поездкой в Рим. В Италии он провел 4 года. За это время Дебюсси создал несколько произведений, среди которых были «Весна» и «Дева-избранница». В консерватории новый стиль композитора не одобрили, и Дебюсси закончил свое обучение.

Марсель Баше Портрет Клода Дебюсси

В 1890 г. Дебюсси тесно общается с поэтами-символистами. Через 2 года он пишет симфоническую прелюдию «Послеобеденный отдых фавна» на одно из стихотворений Стефана Малларме. Большое влияние на композитора оказывает и знакомство с Эриком Сати.

В 1899 г. он получает приглашение от русской меценатки Надежды фон Мекк приехать в Россию.

Надежда Филаретовна фон Мекк

Служа учителем музыки в этой семье, Дебюсси не только получил возможность путешествовать по Европе, но и приобщиться к культуре России. За два года Дебюсси познакомился с творчеством Чайковского, Римского-Корсакова, Мусоргского, Бородина. Проникся он и русской народной музыкой. Однако влюбленность в одну из дочерей покровительницы положила конец их сотрудничеству.

В 1902 г. в Париже состоялась премьера оперы Дебюсси «Пелеас и Мелиссанда» на текст поэта Мориса Метерлинка. Опера вызвала неоднозначные отзывы у французской публики, но в то же время стала поворотным моментом во всей европейской истории музыки.

Несмотря на нужду и болезни, Дебюсси продолжал творить. Чтобы прокормить семью он ездил с концертами по разным странам. Его самыми известными творениями являются: созданный по заказу Дягелева балет «Игры», оркестровые произведения «Море», «Иберия», «Святой Себастьян», «Весенние хороводы», «Ноктюрны» и др. Скончался Дебюсси в 1918 г. в Париже.

Клод Дебюсси играет на фортепиано

Значение творчества Клода Дебюсси

Своим творчеством Дебюсси пытался отстоять национальную музыкальную традицию Франции. Мировое же значение этого композитора заключается в его принципиальном и новаторском взгляде на гармонию, ритм, мелодию музыкального произведения, глобальном обновлении «музыкального языка». Подобно художникам-импрессионистам, он смог изобразить в музыке неуловимые эмоциональные переживания и настроения, красоту природы и жизни. Его творчество оказало огромное влияние на развитие музыки не только Франции, но и других стран в течение первой половины ХХ века.

Морис Равель

Горячим последователем Дебюсси был Морис Равель. Он родился в 1875 г. в Пиренеях в семье швейцарского автомобильного инженера. Любовь к музыке мальчику привил его отец. В 1889 г. Равель поступил в Парижскую консерваторию. Большое влияние на молодого человека оказала музыка Эрика Сати, испанского пианиста Рикардо Виньеса и Клода Дебюсси.

Морис Равель

Несколько раз Равель пытался получить Римскую премию, но каждый раз безуспешно. Последняя попытка была связана с большим скандалом. Жюри отказало композитору в участии в конкурсе, сославшись на возрастные ограничения, которые, однако, еще не наступили. Истинной причиной было творчество молодого композитора, вызывающее непонимание в академических кругах. Поскольку к тому времени Морис Равель уже получил некоторую известность, несправедливый отказ вызвал большой резонанс в околомузыкальном сообществе Франции. Сам же Морис принял ситуацию спокойно, однако скандал сыграл ему на руку в плане личной известности и в то же время подвел черту с занятиями академической музыкой.

Морис Равель сочиняет музыку

Во время Первой мировой войны Равель добровольцем отправляется на фронт. В память о павших товарищах он пишет сюиту «Гробница Куперена».

По возращению домой Равель сочиняет по заказу Дягилева музыку к балету «Дафнис и Хлоя». В том числе и знаменитое «Болеро». Равель много гастролирует по Франции и другим европейским странам как пианист и дирижер. В 1928 г. он едет с концертами в Северную Америку.

Нежинский и Равель за фортепиано

В 1932 г. Равель во Франции попал в автомобильную катастрофу. В результате аварии у него развилась опухоль мозга, и в 1937 г. композитор скончался.

Значение творчества Мориса Равеля

Равель продолжил дело Клода Дебюсси и стал общепризнанным мастером французской школы. В его произведениях немалую роль играет четкий ритм и яркая эмоциональная окраска. Они не столь «расплывчаты» и беспредметны, как у Дебюсси. Он вполне лояльно относится к классическим музыкальным формам. Равель является одним из основателей камерно-симфонического стиля первой половины ХХ века, недаром его называют виртуозом оркестровки.

Роль импрессионизма в мировой музыке

Импрессионизм возник во Франции как попытка возврата к своим корням и некое противодействие к засилью немецких опер и опостылевших академических произведений. Впоследствии он стал самостоятельным новаторским движением, популярным не только у себя на родине, но и во всем мире.

Правда век импрессионизма был недолог. Даже его последователи в своем развитии уходили дальше. К началу 30-х годов ХХ века импрессионизм уже прочно занял свое место среди классики. Но он положил начало большим изменениям в истории музыки ‒ открыл дорогу новым направлениям ‒ авангарду, экспрессионизму, неоклассицизму.

Впрочем, импрессионизм не забыт. И сейчас произведения Клода Дебюсси, Мориса Равеля и Эрика Сати пользуются большой популярностью у любителей музыки.

Импрессионизм в живописи франции. Основные характерные черты импрессионизма Импрессионизм в искусстве тема

Все берет свои истоки где-то в прошлом, в том числе и живописи менялись вместе с временами, а нынешние течения понятны далеко не всем. Но все новое — это хорошо забытое старое, и чтобы понять нынешнюю живопись, не нужно знать историю искусств с древнейших времен, достаточно только вспомнить живопись XIX и XX веков.

Середина XIX века — время перемен не только в истории, но и искусстве. Все, что было до: классицизм, романтизм и тем более академизм — течения, ограниченные определенными рамками. Во Франции 50-60-х годов тенденции в живописи задавал официальный Салон, но типичное «салоновское» искусство устраивало не всех, это и объяснило появившиеся новые направления. В живописи того времени произошел революционный взрыв, который порвал с вековыми традициями и устоями. И одним из эпицентров стал Париж, где весной 1874 года молодые художники-живописцы, среди которых были Моне, Писсаро, Сислей, Дега, Ренуар и Сезан, организовали собственную выставку. Работы, представленные там, совершенно отличались от салонных. Художники использовали другой метод — рефлексы, тени и свет передавались чистыми красками, отдельными мазками, форма каждого предмета как будто растворялась в воздушно-световой среде. Никакие другие направления в живописи не знали подобных методов. Эти эффекты помогали максимально выразить свои впечатления от вечно меняющихся вещей, природы, людей. Один журналист обозвал группу «импрессионистами», тем самым он хотел показать свое пренебрежение к молодым художникам. Но они приняли этот термин, и он в итоге прижился и вошел в активное употребление, потеряв отрицательный смысл. Так появился импрессионизм, непохожий на все остальные направления в живописи 19 века.

Поначалу реакция на новшество была более чем неприязненной. Слишком смелую и новую живопись покупать никто не хотел, да и боялись, ведь все критики не принимали импрессионистов всерьёз, смеялись над ними. Многие говорили, что художники-импрессионисты хотели добиться быстрой славы, их не устраивал резкий разрыв с консерватизмом и академизмом, а также незаконченный и «неряшливый» вид работ. Но отказаться от своих убеждений художников не смогли заставить даже голод и бедность, и они проявляли упорство до тех пор, пока их живопись наконец не признали. Но ждать признания пришлось слишком долго, некоторых художников-импрессионистов тогда уже не было в живых.

В итоге, зародившееся в Париже 60-х годов течение имело огромное значение для развития мирового искусства XIX и XX веков. Ведь будущие направления в живописи отталкивались именно от импрессионизма. Каждый последующий стиль появлялся в поисках нового. Постимпрессионизм породили те же импрессионисты, которые решили, что их метод ограничен: глубокий и многозначный символизм был ответом на живопись, «утратившую смысл», а модерн даже своим названием призывает к новому. Конечно, с 1874 года в искусстве произошло много перемен, но все современные направления в живописи так или иначе отталкиваются от мимолетного парижского впечатления.

франц.-впечатление): художественное направление, возникшее во Франции в 60 – 70-х годах 19 в. и получившее наиболее яркое воплощение в станковом изобразительном искусстве. Импрессионисты разработали новые живописные приемы – цветные тени, смешение цветов, высветленный колорит, а также разложение сложных тонов на чистые тона (наложение их на холст отдельными мазками порождало их оптическое смешение в глазах зрителя). Они стремились передать красоту мимолетных состояний природы, изменчивость и подвижность окружающей жизни. Эти приемы помогали передавать ощущение сверкающего солнечного света, вибрации света и воздуха, создавали впечатление праздничности бытия, гармонии мира. Импрессионистические приемы использовались и в других видах искусства. В музыке, например, они способствовали передаче самых тонких душевных движений и мимолетных настроений.

Отличное определение

Неполное определение ↓

Импрессионизм

от франц. impression — впечатление) Направление в искусстве, возникшее во Франции в последней трети XIX в. Главные представители И.: Клод Моне, Огюст Ренуар, Камилл Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, а также примыкавшие к ним Эдуард Манэ, Эдгар Дега и некоторые другие художники. Выработка нового стиля И. проходила в 60-70-е гг., а впервые как новое направление, противопоставившее себя академическому Салону, импрессионисты заявили о себе на своей первой выставке в 1874 г. В частности, на ней экспонировалась картина К.Моне «Impression. Soleil levant» (1872). Официальная художественная критика негативно отнеслась к новому направлению и в насмешку «окрестила» его представителей «импрессионистами», напоминая об особо раздражавшей их картине Моне. Однако название отражало суть направления, и его предствители приняли его в качестве официального обозначения своего метода. В качестве целостного направления И. просуществовал недолго — с 1874 по 1886 г., когда импрессионистами было организовано 8 совместных выставок. Официальное признание же ценителями искусства и художественной критикой пришло значительно позже — только в середине 90-х гг. И. оказал, что стало очевидно уже в следующем столетии, огромное воздействие на все последующее развитие изобразительного искусства (да и художественной культуры в целом). Фактически с него начался принципиально новый этап художественной культуры, приведший в сер. ХХв. к ПОСТ-культуре (см.: ПОСТ-), т. е. к переходу Культуры в какое-то принципиальное иное качество. О.Шпенглер, распространивший понятие И. на культуру, считал его одним из типичных признаков «заката Европы», т. е. разрушения целостности мировоззрения, разрушения традиционно сложившейся европейской культуры. Напротив, авангардисты (см. : Авангард) начала XX в. видели в И. своего предтечу, открывшего перед искусством новые горизонты, освободившего его от внехудожественных задач, от догм позитивизма, академизма, реализма и т. п., с чем нельзя не согласиться. Сами импрессионисты, как чистые живописцы, не думали о столь глобальном значении своего эксперимента. Они даже не стремились к особой революции в искусстве. Просто они увидели окружавший их мир несколько по-иному, чем видели его официальные представители Салона, и попытались закрепить это видение чисто живописными средствами. При этом они опирались на художественные находки своих предшественников — прежде всего, французских живописцев XIX в. Делакруа, Коро, Курбе, «барбизонцев». На К.Моне, посетившего в 1871 г. Лондон, сильное впечатление произвели работы У.Тернера. Кроме того, сами импрессионисты называют среди своих предшественников и французских классицистов Пуссена, Лоррена, Шардена, и японскую цветную гравюру XVIII в., а искусствоведы усматривают черты близости к импрессионистам и у английских художников Т. Гейнсборо и Дж. Констебля, не говоря уже о У.Тернере. Импрессионисты абсолютизировали ряд живописных приемов этих очень разных художников и создали на этой основе целостную стилевую систему. В противовес «академистам» импрессионисты отказались от тематической заданности (философской, нравственной, религиозной, социально-политической и т. п.) искусства, от продуманных, заранее осмысленных и четко прорисованных сюжетных композиций, т. е. начали борьбу с засилием «литературщины» в живописи, сосредоточив главное внимание на специфически живописных средствах — на цвете и свете; они вышли из мастерских на пленэр, где стремились за один сеанс начать и кончить работу над конкретным произведением; они отказались от темных цветов и сложных тонов (земляных, «асфальтовых» цветов), характерных для искусства Нового времени, перейдя на чистые яркие цвета (палитра их ограничивалась 7-8 красками), положенные на холст часто раздельными мазками, сознательно рассчитывая на их оптическое смешение уже в психике зрителя, чем достигался эффект особой свежести и непосредственности; вслед за Делакруа освоили и абсолютизировали цветную тень, игру цветовых рефлексов на различных поверхностях; дематериализовали предмет видимого мира, растворив его в свето-воздушной среде, которая составила главный предмет их внимания как чистых живописцев; они фактически отказались от жанрового подхода в изобразительном искусстве, сосредоточив все внимание на живописной передаче своего субъективного впечатления от случайно увиденного фрагмента действительности — чаще пейзажа (как у Моне, Сислея, Писсарро), реже сюжетных сценок (как у Ренуара, Дега). При этом передать впечатление они стремились часто с почти иллюзионистической точностью соответствия цвето-свето-воздушной атмосфере изображаемого фрагмента и момента видимой реальности. Случайность угла зрения на высвеченный художническим видением фрагмент натуры, внимание к живописной среде, а не к предмету, приводили их нередко к смелым композиционным решениям, острым неожиданным углам зрения, срезам, активизирующим восприятие зрителя, и т. п. эффектам, многие из которых впоследствии были использованы представителями самых разных течений авангарда. И. стал одним из направлений «чистого искусства» в к. ХIХв., представители которого главным в искусстве считали его художественно-эстетическое начало. Импрессионисты ощутили невыразимую словами красоту свето-цвето-воздушной среды материального мира и попытались почти с документальной точностью (за это их и обвиняют иногда в натурализме, что по крупному счету вряд ли правомерно) запечатлеть это на своих полотнах. В живописи они своего рода оптимистические пантеисты, последние певцы беспечной радости земного бытия, солнцепоклонники. Как писал с восхищением неоимпрессионист П.Синьяк, у них «солнечный свет заливает всю картину; воздух в ней колышется, свет обволакивает, ласкает, рассеивает формы, проникает всюду, даже в область тени». Стилевые особенности И. в живописи, особенно стремление к утонченному художественному изображению мимолетных впечатлений, принципиальная эскизность, свежесть непосредственного восприятия и др. оказались близкими и представителям других видов искусства того времени, что привело к распространению этого понятия на литературу, поэзию, музыку. Однако в этих видах искусства не было специального направления И., хотя многие его черты встречаются в произведениях целого ряда писателей и композиторов последней трети ХIХ- нач. XX в. Такие элементы импрессионистической эстетики как расплывчатость формы, фиксация внимания на ярких, но случайных мимолетных деталях, недосказанность, туманные намеки и т. п., присущи творчеству Г. де Мопассана, А-П.Чехова, раннему Т.Манну, поэзии Р.-М.Рильке, но особенно — братьям Ж. и Э. Гонкур, представителям так называемого «психологического И>, частично — К. Гамсуну. На импрессионистические приемы опирались, существенно развивая их, М.Пруст и писатели «потока сознания». В музыке импрессионистами считают французских композиторов К.Дебюсси, М.Равеля, П.Дюка и некоторых др., применявших стилистику и эстетику И. в своем творчестве. Их музыка наполнена непосредственными переживаниями красоты и лиричности пейзажа, почти имитацией игры морских волн или шелеста листьев, буколической прелестью древних мифологических сюжетов, радостью сиюминутной жизни, ликованием земного бытия, наслаждением бесконечными переливами звуковой материи. Как и живописцы, они размывают многие традиционные музыкальные жанры, наполняя их иным содержанием, усиливают внимание к чисто эстетическим эффектам музыкального языка, существенно обогащая палитру выразительно-изобразительных средств музыки. «Это относится прежде всего, — пишет музыковед И.В.Нестьев, — к сфере гармонии с ее техникой параллелизмов и прихотливым нанизыванием неразрешающихся красочных созвучий-пятен. Импрессионисты заметно расширили современную тональную систему, открыв путь многим гармоническим новшествам XX в. (хотя и заметно ослабили четкость функциональных связей). Усложнение и разбухание аккордных комплексов (нонаккорды, ундецимаккорды, альтернативные квартовые созвучия) сочетаются у них с упрощением, архаизацией ладового мышления (натуральные лады, пентатоника, целотонные комплексы). В оркестровке композиторов-импрессионистов преобладают чистые краски, капризные блики; часто применяются соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino. Типичны и чисто декоративные, равномерно текучие остинатные фоны. Ритмика подчас зыбка и неуловима. Для мелодики характерны не закругленные построения, но короткие выразительные фразы-символы, напластования мотивов. При этом в музыке импрессионистов необычайно усилилось значение каждого звука, тембра, аккорда, раскрылись безграничные возможности расширения лада. Особую свежесть музыке импрессионистов придало частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, тонкое претворение ладовых, ритмических элементов, заимствованных в фольклоре народов Востока, Испании, в ранних формах негритянского джаза» (Музыкальная энциклопедия. Т. 2, М., 1974. Стб. 507). Поставив в центр внимания художника изобразительно-выразительные средства искусства и акцентировав внимание на гедонистически-эстетической функции искусства, И. открывал новые перспективы и возможности перед художественной культурой, которыми она и воспользовалась в полной мере (и даже иногда чрезмерно) в XX столетии. Лит.: Вентури Л. От Мане до Лотрека. М., 1938; Ревальд Дж. История импрессионизма. Л.-М., 1959; Импрессионизм. Письма художников. Л., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Leipzig. 1957. Л.Б.

Словосочетание «Русский импрессионизм» еще только год назад резало слух среднестатистическому гражданину нашей необъятной страны. Каждый образованный человек знает про легкий, светлый и стремительный французский импрессионизм, может отличить Моне от Мане и узнать из всех натюрмортов подсолнухи Ван Гога. Кто-то что-то слышал про американскую ветвь развития этого направления живописи – более урбанистические по сравнению с французскими пейзажи Гассама и портретные изображения Чейза. Но о существовании русского импрессионизма исследователи спорят по сей день.

Константин Коровин

История русского импрессионизма началась с картины «Портрет хористки» Константина Коровина, а также с непонимания и осуждения публики. Впервые увидев это произведение, И. Е. Репин не сразу поверил в то, что работа исполнена русским живописцем: «Испанец! Это видно. Смело, сочно пишет. Прекрасно. Но только это живопись для живописи. Испанец, правда, с темпераментом…». Сам Константин Алексеевич начал писать свои полотна в импрессионистической манере еще в студенческие годы, будучи не знакомым с картинами Сезанна, Моне и Ренуара, за долго до своего путешествия во Францию. Только благодаря опытному глазу Поленова Коровин узнал, что использует технику французов того времени, к которой пришел интуитивно. В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору. Эту любовь художнику привил «мамонтовский кружок» – сообщество творческой интеллигенции, в которое входили Репин, Поленов, Васнецов, Врубель и многие другие друзья известного мецената Саввы Мамонтова. В Абрамцево, где располагалась усадьба Мамонтова и где собирались члены художественного кружка, Коровину посчастливилось познакомиться и работать с Валентином Серовым. Благодаря этому знакомству творчество уже состоявшегося художника Серова приобрело черты легкого, светлого и стремительного импрессионизма, которые мы видим в одной из его ранних работ – «Открытое окно. Сирень».

Портрет хористки, 1883

Северная идиллия, 1886

Черемуха, 1912

Гурзуф 2, 1915

Пристань в Гурзуфе, 1914

Париж, 1933

Валентин Серов

Живопись Серова пронизана присущей только русскому импрессионизму чертой – в его картинах отражено не только впечатление от увиденного художником, но и состояние его души в данный момент. Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника. Но, несмотря на достаточно мрачную палитру, картина является эталонным импрессионистическим произведением, так как на ней Серову удалось запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. В письме невесте из Венеции Серов писал: “В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное”.

Открытое окно. Сирень, 1886

Площадь Св. Марка в Венеции, 1887

Девочка с персиками (Портрет В. С. Мамонтовой)

Коронация. Миропомазание Николая II в Успенском соборе, 1896

Девушка, освещенная солнцем, 1888

Купание лошади, 1905

Александр Герасимов

Одним из учеников Коровина и Серова, перенявшим у них экспрессивный мазок, яркую палитру и этюдную манеру письма, стал Александр Михайлович Герасимов. Расцвет творчества художника пришелся на время революции, что не смогло не отразиться в сюжетах его картин. Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе. Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников.

Художники на даче у Сталина, 1951

Сталин и Ворошилов в Кремле, 1950-е

После дождя. Мокрая терраса, 1935

Натюрморт. Полевой букет, 1952

Игорь Грабарь

В разговоре о позднем русском импрессионизме нельзя не обратиться к творчеству великого деятеля искусства Игоря Эммануиловича Грабаря, перенявшему многие техники французских живописцев второй половины XIX века благодаря своим многочисленным поездкам в Европу. Используя приемы классических импрессионистов, на своих картинах Грабарь изображает абсолютно русские пейзажные мотивы и бытовые сюжеты. Пока Моне рисует цветущие сады Живерни, а Дега – прекрасных балерин, Грабарь изображает теми же пастельными цветами суровую русскую зиму и деревенскую жизнь. Больше всего Грабарь любил изображать на своих полотнах иней и посвятил ему целую коллекцию произведений, состоящую из более ста маленьких разноцветных набросков, созданных в разное время суток и при разной погоде. Сложность работы над такими рисунками состояла в том, что краска застывала на морозе, поэтому работать приходилось быстро. Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Часто стиль живописи Игоря Эммануиловича называют научным импрессионизмом, потому как он придавал большое значение свету и воздуху на полотнах и создал множество исследований о передачи цвета. Более того, именно ему мы обязаны хронологическим расположением картин в Третьяковской галерее, директором которой он был в 1920-1925 годах.

Березовая аллея, 1940

Зимний пейзаж, 1954

Иней, 1905

Груши на синей скатерти, 1915

Уголок усадьбы (Луч солнца), 1901

Юрий Пименов

Совершенно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма. Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. Но в то же время сюжет этой работы совершенно не сочетается с одной из основных идей импрессионизма – отказа от использования социальных и политических тем. «Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника. «Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. Живописец щедро отдает это свое чувство зрителю», – пишет в 1973 году художник и исследователь Игорь Долгополов. И действительно, глядя на картины Юрия Ивановича, мы проникаемся любовью к советской жизни, новым кварталам, лирическим новосельям и урбанистике, запечатленным в технике импрессионизма.

Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития. Так и французский импрессионизм в Российской империи и Советском Союзе вобрал в себя черты русского мировоззрения, национального характера и быта. Импрессионизм как способ передачи одного лишь восприятия действительности в чистом виде остался чужим для русского искусства, потому что каждая картина русских художников наполнена смыслом, осознанием, состоянием переменчивой русской души, а не просто мимолетным впечатлением. Поэтому уже в следующие выходные, когда Музей Русского Импрессионизма заново представит основную экспозицию москвичам и гостям столицы, каждый найдет что-то для себя среди чувственных портретов Серова, урбанистики Пименова и нетипичных для Кустодиева пейзажей.

Новая Москва

Лирическое новоселье, 1965

Костюмерная Большого театра, 1972

Раннее утро в Москве, 1961

Париж. Улица Сен-Доминик. 1958

Стюардесса, 1964

Возможно, для большинства людей до сих пор фамилии Коровин, Серов, Герасимов и Пименов не связаны определенным стилем искусства, но открывшийся в мае 2016 года в Москве Музей русского импрессионизма все же собрал произведения этих художников под одной крышей.

На рубеже 18-19 веков в большинстве стран Западной Европы произошел новый скачок в развитии науки и техники. Индустриальная культура проделала огромную работу по укреплению духовных основ общества, преодолению рационалистических ориентиров и возделыванию человеческого в человеке. Она очень остро ощутила потребность в красоте, в утверждении эстетически развитой личности, в углублении реального гуманизма, предприняв практические шаги по воплощению свободы, равенства, гармонизации общественных отношений.

В этот период Франция переживала нелегкое время. Франко-прусская война, короткое кровавое восстание и падение Парижской коммуны ознаменовали конец Второй Империи.

После расчистки развалин, оставшихся от страшных прусских бомбардировок и яростной гражданской войны, Париж вновь провозгласил себя центром европейского искусства.

Ведь столицей европейской художественной жизни он стал еще во времена короля Людовика XIV, когда были учреждены Академия и ежегодные выставки искусства, получившие названия Салонов — от так называемого Квадратного салона в Лувре, где каждый год выставлялись новые работы живописцев и скульпторов. В XIX веке именно Салоны, где развернется острая художественная борьба, будут выявлять новые тенденции в искусстве.

Принятие картины на выставку, одобрение ее жюри Салона, было первым шагом на пути к общественному признанию художника. С 1850-х годов Салоны все больше превращались в грандиозные смотры произведений, отобранных в угоду официальным вкусам, отчего даже появилось выражение «салонное искусство». Картины, чем-либо не соответствовавшие этому нигде не прописанному, но жесткому «стандарту», просто отвергались жюри. Пресса на все лады обсуждала, какие художники были приняты в Салон, а какие — нет, превращая едва ли не каждую из этих ежегодных выставок в общественный скандал .

В 1800-1830 годах на французскую пейзажную живопись и изобразительное искусство в целом стали оказывать воздействие голландские и английские пейзажисты. Эжен Делакруа, представитель романтизма, привнес в свои картины новую яркость красок и виртуозность письма. Он был поклонником Констебла, стремившегося к новому натурализму. Радикальный подход Делакруа к цвету и его технику наложения крупных мазков краски для усиления формы впоследствии разовьют импрессионисты.

Особый интерес для Делакруа и его современников представляли этюды Констебла. Пытаясь уловить бесконечно изменчивые свойства света и цвета, Делакруа замечал, что в природе они «никогда не пребывают в неподвижности» . Поэтому у французских романтиков вошло в привычку писать маслом и акварелью быстрее, но отнюдь не поверхностные этюды отдельных сцен.

К середине века самым значительным явлением в живописи стали реалисты, возглавляемые Гюставом Курбе. После 1850 г. во французском искусстве на протяжении десятилетия происходило беспримерное дробление стилей, отчасти допустимых, но никогда не одобрявшихся авторитетами. Эти эксперименты толкнули молодых художников на путь, который был логическим продолжением уже возникших тенденций, но публике и арбитрам Салона казался ошеломляюще революционным.

Искусство, занимавшее господствующее положение в залах Салона, отличалось, как правило, внешней ремесленно-технической виртуозностью, интересом к анекдотическим, занимательно рассказанным сюжетам сентиментально-бытового, бутафорски исторического характера и изобилием мифологических сюжетов, оправдывающих всевозможные изображения обнаженного тела. Это было эклектическое и развлекательно-безыдейное искусство. Соответствующие кадры подготавливались под эгидой Академии Школой изящных искусств, где всем делом заправляли такие мастера позднего академизма, как Кутюр, Кабанель и другие. Салонное искусство отличалось исключительной живучестью, художественного опошляя, духовно объединяя и приспосабливая к уровню мещанских вкусов публики достижения основных творческих исканий своего времени.

Искусству Салона противостояли различные реалистические направления. Их представителями были лучшие мастера французской художественной культуры тех десятилетий. С ними связанно творчество художников-реалистов, продолжающих в новых условиях тематические традиции реализма 40-50-х гг. 19 века — Бастьен-Лепажа, Лермитта и других. Решающее же значение для судеб художественного развития Франции и Западной Европы в целом имели новаторские реалистические искания Эдуарда Мане и Огюста Родена, остро выразительное искусство Эдгара Дега и, наконец, творчество группы художников, наиболее последовательно воплотивших принципы искусства импрессионизма: Клода Моне, Писсаро, Сислея и Ренуара. Именно их творчество положило начало бурному развитию периода импрессионизма.

Импрессионизм (от франц. impression-впечатление), направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления.

Импрессионизм составил эпоху во французском искусстве второй половины XIX века и распространился затем на все страны Европы. Он реформировал художественные вкусы, перестроил зрительное восприятие. По существу, он был естественным продолжением и развитием реалистического метода. Искусство импрессионистов столь же демократично, как и искусство их прямых предшественников, оно не делает различий между «высокой» и «низкой» натурой и всецело доверяет показаниям глаза. Изменяется способ «смотрения» — оно становится наиболее пристальным и одновременно более лиричным. Выветривается связь с романтизмом, — импрессионисты, также как реалисты старшего поколения, хотят иметь дело только с современностью, чуждаясь исторической, мифологической и литературной тематики . Для великих эстетических открытий им было достаточно самых простых, ежедневно наблюдаемых мотивов: парижские кафе, улицы, скромные садики, берега Сены, окрестные деревни.

Импрессионисты жили в эпоху борьбы современности и традиций. Мы видим в их произведениях радикальный и ошеломляющий для того времени разрыв с традиционными принципами искусства, кульминацию, но не завершение поисков нового взгляда. Абстракционизм XX века родился из экспериментов с существовавшим тогда искусством, точно также новшества импрессионистов выросли из творчества Курбе, Коро, Делакруа, Констебла, а также предшествующих им старых мастеров.

Импрессионисты отбросили традиционные разграничения этюда, эскиза и картины. Они начинали и заканчивали работу прямо на открытом воздухе — на пленэре. Если им и приходилось что-то доделывать в мастерской, они все-таки стремились сохранить ощущение уловленного мгновения и передать световоздушную атмосферу, окутывающую предметы.

Пленэр — ключ к их методу. На этом пути они достигли исключительной тонкости восприятия; им удалось выявить в отношениях света, воздуха и цвета такие чарующие эффекты, каких раньше не замечали и без живописи импрессионистов, наверно, и не заметили бы. Недаром, говорили, что лондонские туманы изобрел Моне, хотя импрессионисты ничего не придумывали, полагаясь только на показания глаза, не примешивая к ним предварительного знания об изображаемом.

Действительно, импрессионисты больше всего дорожили соприкосновенением души с натурой, придавая огромное значение непосредственному впечатлению, наблюдению за разнообразными явлениями окружающей действительности. Недаром они терпеливо ждали ясных теплых дней, чтобы писать на открытом воздухе на пленэре.

Но создатели нового типа красоты никогда не стремились к тщательному подражанию, копированию, объективному «портретированию» природы. В их работах присутствует не просто виртуозное оперирование миром впечатляющих видимостей. Сущность импрессионистической эстетики заключается в поразительном умении сконденсировать красоту, высветить глубину уникального явления, факта и воссоздать поэтику преображенной реальности, согретой теплом человеческой души. Так возникает качественно иной, эстетически привлекательный, насыщенный одухотворенным сиянием мир.

В результате импрессионистического прикосновения к миру все, на первый взгляд, заурядное, прозаическое, тривиальное, сиюминутное трансформировалось в поэтическое, притягательное, праздничное, поражающее все проникающей магией света, богатством красок, трепетными бликами, вибрацией воздуха и лицами, излучающими чистоту. В противоположность академическому искусству, которое опиралось на каноны классицизма — обязательное помещение главных действующих лиц в центр картины, трехплановость пространства, использование исторического сюжета с целью вполне конкретной смысловой ориентации зрителя — импрессионисты перестали подразделять предметы на главные и вторестепенные, возвышенные и низкие. Отныне в картине могли воплощаться разноцветные тени от предметов, стог сена, куст сирени, толпа на парижском бульваре, пестрая жизнь рынка, прачки, танцовщицы, продавщицы, свет газовых фонарей, железнодорожная ветка, бой быков, чайки, скалы, пионы.

Для импрессионистов характерен острый интерес ко всем явлениям обыденно текущей жизни. Но это не означало некую всеядность, неразборчивость. В обычных, повседневных явлениях выбирался тот момент, когда гармония окружающего мира проявлялась наиболее впечатляюще. Импрессионистическое мировоззрение было чрезвычайно отзывчиво на самые тонкие оттенки одного и того же цвета, состояния предмета или явления.

В 1841 г. живущий в Лондоне американский портретист Джон Гоффрэнд впервые придумал тюбик, откуда выдавливалась краска, и торговцы красками Уинзор и Ньютон быстро подхватили идею. Пьер Огюст Ренуар, по свидетельству его сына, говорил: «Без красок в тюбиках не было бы ни Сезанна, ни Моне, ни Сислея, ни Писсаро, ни одного из тех, кого журналисты потом окрестили импрессионистами» .

Краска в тюбиках имела консистенцию свежего масла, идеальна для наложения на холст густыми пастозными мазками кисти или даже шпателя; оба способа использовали импрессионисты.

В новых тюбиках на рынке стал появляться весь спектр ярких устойчивых красок. Успехи химии в начале века принесли новые краски, например, синий кобальт, искусственный ультрамарин, желтый хром с оранжевым, красным, зеленым, оттенком, изумрудную зелень, белый цинк, долговечные свинцовые белила. К 1850-м годам в распоряжении художников оказалась яркая, надежная и удобная, как никогда раньше палитра красок.

Импрессионисты не прошли мимо научных открытий середины века, касавшихся оптики, разложения цвета. Дополнительные цвета спектра (красный — зеленый, синий — оранжевый, лиловый — желтый) при соседстве усиливают друг друга, а при смешении обесцвечиваются. Любой цвет, положенный на белый фон, кажется окруженным легким ореолом от дополнительного цвета; там же и в тенях, отбрасываемых предметами, когда они освещены солнцем, проступает цвет, дополнительный к окраске предмета. Частью интуитивно, а частью и сознательно художники использовали подобные научные наблюдения. Для импрессионистической живописи они оказались особенно важны. Импрессионисты учитывали законы восприятия цвета на расстоянии и, по — возможности, избегая смешивать краски на палитре, располагали чистые красочные мазки так, чтобы они смешивались в глазу зрителя. Светлые тона солнечного спектра — одна из заповедей импрессионизма. Они отказывались от черных, коричневых тонов, ибо солнечный спектр их не имеет. Тени они передавали цветом, а не чернотой, отсюда мягкая сияющая гармония их полотен.

В целом импрессионистический тип красоты отразил факт противостояния духовного человека процессу урбанизации, прагматизму, закрепощению чувств, что приводило к усилению потребности в более полном раскрытии эмоционального начала, актуализации душевных качеств личности и вызывало желание в более остром переживании пространственно-временных характеристик бытия.

Импрессионизм – направление в искусстве конца 19 – начала 20 века. Родиной нового направления живописи является Франция. Естественность, новые методы передачи реальности, идеи стиля привлекли художников из стран Европы и Америки.

Импрессионизм развивался в живописи, музыке, литературе, благодаря известным мастерам – например, Клоду Моне и Камилю Писсарро. Художественные приемы, использованные для написания картин, делают полотна узнаваемыми, самобытными.

Впечатление

Термин «импрессионизм» изначально имел пренебрежительный оттенок. Критики применяли это понятие для обозначения творчества представителей стиля. Впервые понятие появилось в журнале «Le Charivari» — в фельетоне о «Салоне отверженных» «Выставка импрессионистов». Основой стала работа Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Постепенно термин прижился в среде живописцев и приобрел другой оттенок. Суть понятия сама по себе не имеет конкретного смысла или содержания. Исследователи отмечают, что методы, используемые Клодом Моне и другими импрессионистами, имели место в творчестве Веласкеса и Тициана.

В чем разница между импрессионизмом и постимпрессионизмом? — Разница Между

главное отличие между импрессионизмом и постимпрессионизмом является то, что Импрессионизм — это художественное движение, возникшее в конце 19го Франция века, тогда как постимпрессионизм — это художе

главное отличие между импрессионизмом и постимпрессионизмом является то, что Импрессионизм — это художественное движение, возникшее в конце 19^го Франция века, тогда как постимпрессионизм — это художественное движение, возникшее как ответ на импрессионизм во Франции в том же веке.

И импрессионизм, и постимпрессионизм относятся к влиятельным художественным движениям, возникшим в конце XIX века во Франции. Однако позднее возник как ответ на первый. Следовательно, в картинах этих двух художественных движений, которые произошли во Франции, есть различимые художественные характеристики.

Ключевые области покрыты

1. Что такое импрессионизм
— определение, характеристики, художники
2. Что такое постимпрессионизм
— определение, характеристики, художники
3. В чем сходство импрессионизма и постимпрессионизма
— Краткое описание общих черт
4. В чем разница между импрессионизмом и постимпрессионизмом?
— Сравнение основных различий

Основные условия

Искусство, Художественные движения, Импрессионизм, Постимпрессионизм

Что такое импрессионизм

Импрессионизм — это художественное движение, возникшее во Франции в конце 19^го век как художественная реакция на быстро меняющуюся городскую среду. Кроме того, это был художественный стиль, который отвергал традиционные художественные стили, такие как реализм и натурализм, и вводил новую форму живописи в Европе.

Рисунок 1: Купальщицы в La Grenouillere Клода Моне

Название импрессионизм происходит от названия картины Клода Моне Впечатление, Солей Левант (Впечатление, рассвет). Художники-импрессионисты рисовали современные пейзажи и сцены современной жизни, особенно буржуазного досуга и отдыха, вместо того, чтобы опираться на прошлое искусство или исторические и мифологические повествования для своего вдохновения.

Одной из отличительных черт живописи импрессионистов является использование мимолетного эффекта света, атмосферы и движения предметов. Они использовали смелые и яркие цвета, не смешивая их, чтобы запечатлеть точное изображение света вместе с его изменяющимся качеством и точным впечатлением от своих предметов.

Рисунок 2: Обед Гребля Пати от Пьера Огюста Ренуара

Характеристики картин импрессионистов

Яркие цвета вместо того, чтобы смешивать их
Спонтанные мазки широкими мазками, используя малярный нож или кисть
Акцент на точном изображении света наряду с его изменяющимся качеством
Необычные углы обзора
Предметы из модернизированной городской жизни
Откровенные позы и композиции предметов

Что такое постимпрессионизм

Постимпрессионизм — это художественное движение, возникшее как реакция на импрессионизм во Франции в 1880-х годах (конец 19^го век). Некоторые пионерские художники, такие как Поль Сезанн, Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Жорж Сёрат, возглавляли это движение. Английский искусствовед Роджер Фрай ввел термин «постимпрессионизм».

Рисунок 3: Звездная ночь Винсента Ван Гога

Большинство художников постимпрессионистов начинали как художники импрессионистов; позже они начали отвергать эти художественные стили и начали создавать свои собственные индивидуальные стили. Соответственно, постимпрессионисты отвергли озабоченность импрессионизма спонтанным и натуралистическим изображением света и цвета. Напротив, они акцентировали внимание на символическом изображении эмоций своего субъекта наряду с надлежащим порядком и структурой своих стилей живописи.

В то время как художники-импрессионисты черпали свои предметы из урбанизированной жизни в Париже, многие художники постимпрессионистов отошли от этого стиля. Следовательно, их выбор предмета не был доминирующим в городской жизни, поскольку много художников постимпрессиониста развили свои индивидуальные художественные стили далеко от городской жизни Парижа. Их акцент на символическом и выразительном содержании в своих предметах явно свидетельствует об этом. Однако, подобно импрессионистам, постимпрессионисты также полагали, что цвет мог быть независимой формой и композицией как эмоциональный и эстетический носитель значения.

Рисунок 4: Воскресный полдень на острове La Grande Jatte. Автор — Жорж Сеурат (ведущая пост-импрессионистская картина пуантилизма)

Более того, в отличие от импрессионистов, постимпрессионисты рисовали в одиночку, порождая множество художественных стилей; однако они часто выставляются вместе. Следовательно, в постимпрессионизме были разные стили живописи, такие как

Жорж Сёра в стиле пуантилизма
Стиль японской живописи Винсента Ван Гога
Стиль Синтетизма Гогена
Стиль живописной формы Поля Сезанна
Анри Руссо использует стиль примитивизма и т. Д.

Однако, хотя у них были разные стили, постимпрессионисты разделяют некоторые схожие качества, такие как использование символических мотивов, неестественный цвет и живописные мазки.

Характеристики постимпрессионизма

Некоторые общие характеристики художников в постимпрессионизме:

Отображение символических и сугубо личных значений через своих субъектов, использование символических мотивов
Поддержание структуры, порядка и оптических эффектов цвета
Использование неестественных цветов
Сосредоточиться на абстрактной форме и узоре при нанесении краски на поверхность холста
Живописные мазки

Кроме того, это движение повлияло на более поздние художественные движения, такие как экспрессионизм, феминистское искусство и модернизм. Некоторые известные художники постимпрессионизма — Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Поль Гоген, Жорж Сёра, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Синьяк и др.

Сходства между импрессионизмом и постимпрессионизмом

И импрессионизм, и постимпрессионизм относятся к влиятельным художественным движениям, возникшим в конце 19-го века во Франции.
Художники, принадлежащие к движениям импрессионизма и постимпрессионизма, имели следующие общие характеристики:
- Использованные предметы из реальной жизни
- использовал яркие цвета в своих картинах
- были отличительные мазки
- отображать толстые слои краски
Более того, импрессионизм и постимпрессионизм восхищают и любят как два самых известных художественных движения.

Разница между импрессионизмом и постимпрессионизмом

Определение

Импрессионизм — это художественное движение, возникшее в конце 19^го век в Париже как художественная реакция на быстро меняющуюся городскую среду. Постимпрессионизм, с другой стороны, является художественным движением, возникшим в том же веке во Франции как реакция на импрессионизм. Таким образом, в этом принципиальное отличие импрессионизма от постимпрессионизма.

Характеристики

Их характеристики — главное различие между импрессионизмом и постимпрессионизмом. Характерными чертами произведений импрессионизма являются использование ярких цветов, резкие спонтанные мазки, точное отображение света с его изменяющимся качеством, использование необычных углов обзора и использование предметов из модернизированной городской жизни. Тем не менее, постимпрессионистское произведение искусства имело различные характеристики и стили, которые различались от художника к художнику, поскольку было много индивидуальных стилей живописи художника, таких как пуантилизм, стиль живописи, связанный с японизмом, стиль живописной формы, стиль синтетизма, стиль примитивизма и т. Д.

Заключение

И импрессионизм, и постимпрессионизм поздние 19^го-реже 20^гоВека художественного движения зародились во Франции. Импрессионизм зародился как художественная реакция на быстро меняющуюся городскую среду, а пост-впечатление зародился как реакция на импрессионизм. Таким образом, в этом главное отличие импрессионизма от постимпрессионизма.

Ссылка:

1. «Постимпрессионизм». Википедия, Фонд Викимедиа, 18 января.

Обучение на практике. Искусство и английский для молодых студентов: характеристики искусства импрессионистов

Мазки кисти в искусстве импрессионистов очень самобытны. Художники-импрессионисты использовали крупные и заметные мазки, чтобы передать мечтательное и абстрактное настроение. Они создали разные текстуры, как визуально, так и физически, с разными цветами, сложенными вместе. Художники-импрессионисты разработали способ нанесения пигмента, который получил название «сломанный цвет» или «сломанные мазки».«Краска наносится мозаичными пятнами, которые создают шероховатую неровную текстуру поверхности.

Claude MONET

Импрессионисты порвали с понятием академической отделки, благодаря которому картины кажутся плоскими или гладкими. На холсте импрессионистов краска наносится толстыми выпуклыми мазками, которые называются импасто (густая краска)

T Освещение часто является одним из самых важные фокусы в живописи импрессионистов.Несколько художников-импрессионистов посвятили целую серию картин одному объекту, наблюдаемому в разное время дня. Стога сена Моне — прекрасный пример приверженности к освещению.

МЭРИ КАССАТ

Линии . Импрессионисты любили играть светом и тенями. Многие использовали сочетание ярких сплошных линий с видимыми мягкими линиями. Картина может иметь резкую силуэтную линию, заполненную размытыми теневыми линиями, или размытый фон с резким передним планом.

ЭДГАРД ДЕГАС

Использование чистого цвета Художники традиционно смешивали краски на своей палитре для достижения определенного оттенка или цвета перед нанесением их на холст. Импрессионисты отказались от этой формулы, использовав чистые призматические цвета, свежие из новых оловянных трубок, не смешанных с палитрой и положенных прямо на холст. При внимательном рассмотрении каждый оттенок применяется отдельно, но человеческий глаз визуально сливает их вместе, создавая ощущение мерцающего света и вибрирующей атмосферы.

CLAUDE RENOIR

EDOUARD MANET

Окрашено «На пленэре» Возвышение пленэра, живописи, или покраски на открытом воздухе, является Феномен, тесно связанный с импрессионизмом. Художники и раньше рисовали на пленэре, и это было не ново для искусства 19 века. Но что было новым, так это метод завершения работы непосредственно на пленэре, а также признание того, что такие работы равны или превосходят «составленные» пейзажные и фигурные сюжеты, задуманные и выполненные в студии.Часто работа, выполняемая на открытом воздухе, заключалась в деревянных панелях, которые надежно помещались в ящик для красок художника для безопасного путешествия.

Влияние фотографии Фотография появилась в начале девятнадцатого века, когда ученые, философы и художники стремились получить объективное и позитивное знание реальности. Фотография оказала сильнейшее влияние на изобразительное искусство. Его способность создавать сходство сразу же подействовала на художников-портретистов, но вскоре его влияние распространилось и на художников-пейзажистов.Ко времени импрессионистов технический прогресс привел к созданию фотоаппарата. Размытие, необычные сопоставления и случайное обрезание фигур на снимках создавали ощущение движения и спонтанности, которого хотели достичь художники-импрессионисты.

BERTHE MORISSOT
Темой импрессионизма часто бывает повседневная повседневная жизнь, запечатленная с непосредственностью, усиленной переходными эффектами света и атмосферы.

Художники-импрессионисты использовали в своей работе широкий спектр композиционных приемов. Одним из них было использование высокой линии горизонта, которая часто создает потрясающую перспективу.

Влияние японской гравюры. Японские гравюры на дереве впервые были замечены во Франции в 1850-х годах и вскоре стали чрезвычайно популярными. Эти гравюры коллекционировали многие французские и американские импрессионисты. Эти гравюры вдохновили и подтвердили собственные представления импрессионистов о цвете и форме, раскрывая совершенно иной подход к композиции, чем в западной традиции.Японские художники сочетают однотонные участки со стилизованными контурами, подчеркивая поверхностный узор отпечатка, а не иллюзию пространства за пределами плана картины. В то время как европейские художники создавали ощущение пространства и глубины, используя перспективу, японские граверы подразумевали пространственные отношения, помещая один объект позади другого в перекрывающихся плоскостях.

ДЖЕЙМС УИСТЛЕР
ЭВАРИСТО ВАЛЛЕ

В чем разница между импрессионизмом и постимпрессионизмом

Основное различие между импрессионизмом и постимпрессионизмом состоит в том, что импрессионизм — это художественное направление, зародившееся в конце 19, ^-го, века, Франция, тогда как постимпрессионизм — это искусство, возникшее как ответ на импрессионизм во Франции в то же время. век.

И импрессионизм, и постимпрессионизм относятся к влиятельным художественным движениям, возникшим в конце 19 века во Франции. Однако последнее возникло как ответ на первое. Следовательно, в картинах этих двух направлений искусства, имевших место во Франции, есть отличительные художественные характеристики.

Основные зоны покрытия

1. Что такое импрессионизм
— Определение, характеристика, художники
2.Что такое постимпрессионизм
— Определение, характеристики, художники
3. Каковы сходства между импрессионизмом и постимпрессионизмом
— Общие черты
4. В чем разница между импрессионизмом и постимпрессионизмом
— Сравнение основных различий

Ключевые термины

Искусство, художественные движения, импрессионизм, постимпрессионизм