Импрессионизм в живописи: художники, картины и особенности
Импрессионизм – одно из самых интересных художественных направлений, как с точки зрения техники выполнения, так и с точки зрения его развития и истории.
Лёгкие, динамичные, живые, невероятно выразительные и такие, отличные от других направлений, картины импрессионистов привлекают внимание и завораживают. История создателей этих картин – это история смелости и бунтарства, история людей, которые пошли против сложившихся академических правил в искусстве. Они не боялись быть чудаками и быть не принятыми.
Эдгар Дега «Фальстарт» (1869-1870)
Художники-импрессионисты стремились передать момент, обратить внимание на изменчивость и подвижность окружающего нас мира. Свет, дуновения ветра, краски, атмосфера и настроение – мелочи, незаметные для глаза обычного человека, это то на что обращали внимание мастера того времени.
Клод Моне – «Впечатление. Восходящее солнце» (1872)
Направление, противостоящее реализму, зародилось в романтичной и мечтательной Франции в конце 1860-х годов.
Пьер Огюст Ренуар «Танец в Буживале» (1883)
Итак, как же всё-таки определить, что перед вами картина именно импрессиониста? Для импрессионистов типично изображение пейзажей, именно они привнесли в искусство традицию писать картины «на пленэре», то есть под открытым небом. Благодаря этому, художникам удавалось наиболее полно и ярко передать собственные впечатления.
Однако пейзажи, не единственная тема импрессионистов. Городская жизнь, бытовые сюжеты, движения, танец, люди – вот что можно увидеть на их полотнах. Но вот чего вы точно не найдёте в картинах импрессионистов, так это серьёзности, глубоких нравоучительных мотивов.
Красота момента, деталей, окружающих нас в повседневной жизни, вот что привлекало внимание художников этого направления.
Кроме отличных от других направлений тем и идей, импрессионисты отличаются ещё и техникой выполнения картин. Спутать эту технику с какой-либо другой практически невозможно.
Множество мазков контрастных цветов и отсутствие контура ярко выделяют импрессионистские картины от любых других.
Имена художников-импрессионистов достаточно известны – это Клод Моне, Поль Сезанн, Эдгар Дега, Эдуард Мане, Пьер Огюст Ренуар и другие. Нужно знать имена этих борцов за собственные идеи и своё уникальное понимание искусства. Несмотря на то, что при жизни большинства импрессионистов их картины подвергались жёсткой критике, сейчас они высоко ценятся всеми почитателями искусства. Их картины украшают коллекции таких музеев как Пушкинский музей в Москве, Эрмитаж в Санкт-Петербурге, музей Орсе в Париже, Лондонская Национальная Галерея, Чикагский институт искусств.
Георгий Тандашвили об импрессионизме:
что мы унаследовали от первопроходцев модернизма — Моноклер
Рубрики : Арт, Культура, Последние статьи
Нашли у нас полезный материал? Помогите нам оставаться свободными, независимыми и бесплатными, сделав любое пожертвование или купив что-то из нашего литературного мерча.
Carpe diem, невидимое движение жизни, мимолетное впечатление: разбираемся, как формировалось одно из первых направлений модернизма — импрессионизм, какое воплощение он нашел в живописи, музыке и кино и что общего у картин импрессионистов и наших фотографий в соцсетях.
Импрессионизм, как и другие направления модернизма, вызывает интерес аудитории и по сей день. Даже любитель знает балерин Эдгара Дега, а шутка про художников Моне и Мане уже неактуальна. Чем простой сюжет и непривычный угол обзора так привлек зрителя? Давайте разбираться.
Для начала обратимся к теории. Слово «импрессионизм» образовано от французского impressio — «впечатление». Художники рубежа 19-20 веков уходили от академизма и искали новые формы изображения реальности, способы запечатлеть момент, поймать его в движении. Никакого сюжета и продуманной постановки кадра, только желание передать настроение, свое впечатление от увиденного. Ничем не напоминает заполонившие социальные сети фотографии? Никакой драмы, негатива и социального подтекста; на первый план выходит атмосфера, момент ускользающей жизни, и он, безусловно, прекрасен.
Вы замечали, что на большинстве фотографий в Инстаграме* нет историй? Просто лучи солнца или красивый пейзаж, или чашка кофе. Все это отголоски импрессионизма. Зародившись среди художников, это направление перетекло и в другие виды искусства, переосмыслив старые и показав другие, новые формы отражения реальности. Для того чтобы понять, что дал импрессионизм миру, начнем с его истоков.
Возникновение импрессионизма
Революционный настрой новой волны художников выступал против идей классической школы, где был важен сюжет, прорисовка всех деталей и реалистичность изображения. Академизм надоел своими канонами и высоким стилем. Сравните картины Вильяма Бугро «Купальщица» (1864 г.) с «Купальщицей на камне» (1880 г.) Огюста Ренуара – техника разительно отличается.
Импрессионисты считали, что писать нужно, полагаясь на чувства, а не на правила.
Стоит отметить, что они прекрасно знали методы традиционной живописи, что прослеживается в их ранних работах. Но переосмысление действительности привело их к поиску новой техники, желанию выйти в город, обратиться к другим персонажам и жанрам, что в итоге породило новое течение в мировом художественном искусстве. Известное многим выражение «я художник, я так вижу» отлично вписывается в концепцию импрессионизма, где каждая картина становилась воплощением индивидуальности ее автора.
«Правила» художников-импрессионистов
Главные художественные принципы импрессионизма нащупал и разработал в своем творчестве Камиль Писсарро. Во-первых, как было написано выше — обращение к чувствам: изображать нужно только то, на что есть внутренний отклик. Поэтому импрессионисты писали свои картины не «мозгами», а скорее «эмоциями». Из этого вытекает второе правило — искать и находить характер. Например, в картинах Дега вы увидите особые качества человека — интересные черты, жесты, мимику, которые художник замечал в буднях парижской жизни и передавал это в легких сюжетах: эпизод скачек, балета, похода в ресторан.
Фрагмент картины «Абсент» Эдгара Дега (1876 г.)
Третий момент — у импрессионистов не столько отсутствовал сюжет, сколько он был прост и как бы вырван из потока жизни. Никаких сражений, жертв, религиозных мотивов, которые были свойственны академизму. Только современная городская жизнь с ее пейзажами, героями самых разных мастей и сценами из жизни. Например, у Ренуара есть целая серия картин, где центральной темой является просто завтрак: «Завершение завтрака» (1879 г.), «Завтрак гребцов» (1880-1881 г.), «Завтрак в ресторане Фурнез» (1875 г.).
Еще один принцип подхода импрессионистов заключался в умении передавать целостность картины. Художники видели сразу весь «кадр» и не не уделяли большого внимания прорисовыванию деталей.
Отсюда вытекает пятый принцип — сосредоточение на цвете и форме, без детализации последней, что было обусловлено необходимостью уловить мгновение и быстро его изобразить. Художники-импрессионисты создавали лишь ощущение, а не определенный объект реальности. Если можно в двух штрихах изобразить стол, зачем прорисовывать каждую ножку и пытаться создать фактуру? Импрессионисты считали, что таким образом исчезает воздушность. Не нужно беспокоиться о технике — главное передать вечатление.
Как фотография повлияла на импрессионистов и наоборот
Пользователи современных социальных сетей отражают в своих фотозаметках заложенные Камилем Писсаро правила и принципы, сами того не сознавая. «Завтраки» Ренуара можно найти в ленте у друга, а фотографии букетов цветов (см. «Розы в вазе» 1872 г. Огюста Ренуара) уже набили оскомину. Кроме выбора тем, мы могли бы многое почерпнуть у импрессионистов — например, строить композицию, замечать главное, изображать характер, учиться «чистоте» стиля ⓘВ разработанной «Фотогении» Луи Деллюка есть много интересных заметок о студийном и натуральном свете, фотогеничности кадра и актеров.
«Завтрак гребцов», Огюст Ренуар (1879 г.)
Дега не боялся использовать «фотографический аппарат» для изучения пластики движения, чтобы потом максимально точно передать арабеск балерины (картина «Завершающий арабеск» 1877 года, скульптура «Арабеск на правой ноге, левая рука вытянута вперед» 1898 года). Неслучайно именно Дега называют «импрессионистом жеста». Для него была важна кинетическая точность в искусстве, поэтому вслед за зарисовками в театре пришел Kodak. Посмотрите на его картины «Репетиция» (1877 г.) и «Балетная школа» (1879 г.) – в них интересно композиционное расположение: в глаза бросается лестница, которая, в свою очередь, «режет» фигуры балерин на куски. Тем самым художник достигает эффекта сиюминутного движения, будто через мгновение по этой лестнице спустится балерина, чтобы продолжить репетицию.
Если мы посмотрим на картину Моне «Бульвар Капуцинок», увидим многое от фотографии — от «смазанного» изображения движений до размытого фона в дальней части изображенного бульвара и эффекта «стоп-кадра», пытающегося схватить один момент из жизни.
Не все художники-импрессионисты видели что-то полезное для себя в фотографии. Напротив, большинство из них считали, что задача их полотен передать образ, а не четкое изображение человеческой фигуры. Кроме того, они считали, что фотография не способна передавать тонкие движения души. Посмотрите на картину «Дама с зонтиком» 1875 г. Клода Моне. Разве отсутствие солнца привычной для нас формы так уж критично? Художник показал лишь блики, и для зрителя этого достаточно, чтобы поймать настроение всей картины.
И если в прошлом художники часто участвовали в дебатах, обсуждая роль и влияние фотографии на живопись, то сегодня мы видим, что оба вида искусства живы и существуют независимо друг от друга.
Импрессионизм в музыке и кино
Импрессионизм как направление в искусстве открыли художники, но это не значит, что импрессионизм ограничился живописью. Если и определять общие черты импрессионизма как направления в целом, то это скорее уход от академического исполнения. Лучше всего это удалось музыкантам.
Оно и понятно — передать чувства через ноты несложно. Клод Дебюсси, Эрик Сати уходили от строгих форм, показывая лишь «Лунный свет» или «Весну». Музыкальному импрессионизму было чуждо изображать героику. Музыканты, как и художники, находились в постоянном поиске новых форм, экспериментировали, дабы найти свой оригинальный стиль. Но эта жажда нового отражалась и в литературе, и в скульптуре, и в кинематографе. Последний пункт – отдельная история, так как именно киноимпрессионизм оказался не самым удачным примером этого направления.
Возникновение киноимпрессионизма
Если другие представители импрессионизма, несмотря на использование принципов направления, долго отрекались от этого определения, то историки кино громко прозвали новое течение «киноимпрессионизмом», или «первым авангардом». Оно зарождалось по тому же сценарию, что и импрессионизм в живописи: во Франции, с революционным настроем. Кино во время первой мировой войны было очень популярно: Чарли Чаплин, вестерны, мелодрамы — кино успешно справлялось с задачей ухода от непривлекательной реальности в мир грез.
Но были и противники пустого, коммерческого кино, американского преимущественно. Молодые парижане — писатели, критики — хотели видеть в кино искусство. Одним из ярких представителей авангарда был Луи Деллюк. Он считал, что кино должно двигаться в сторону мысли героя, а не демонстрировать фактичность его действий. Минимум событий — максимум настроения. Его фильм «Молчание» 1920 года — яркое тому подтверждение: только пара сцен показывает действия героя, практически весь фильм — это его воспоминания, и больше ничего не происходит. Подобным образом работала и первая французская женщина-режиссер – Жермена Дюлак. В экранизации пьесы «Улыбающаяся мадам Бёде» (1923 г.) она также заострила внимание на изображении мысли героини, опустив событийную ленту. Для киноимпрессионистов кино было способом убежать в сказку, в сны. Они не высказывали своей авторской оценки, а были лишь наблюдателями, которые просто передавали атмосферу.
youtube.com/embed/xcMD7h70uVc?feature=oembed» frameborder=»0″ allow=»accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture» allowfullscreen=»»> Режиссеры играли с формой, искали различные способы показать внутренний мир человека. В итоге излишний психологизм привел к уходу от действительности и полной потери связи с реальностью. Фильм Жана Эпштейна «Верное сердце» (1923 г.) изобилует разностью планов, двойной экспозицией, рапидом и другими техническими новшествами, но аудитория нового киноязыка не понимала. Фильмы авангардистов были сложны для публики, характеры героев слабыми, конфликта словно не было вообще. Режиссеры слишком заигрались с эстетикой и формой, забыв о содержании и, самое главное, — о своем зрителе.
Также одной из проблем киноимпрессионистов критики выделяют игнорирование монтажа, но, как известно, именно благодаря склейке кадров история приходит в движение (кстати, советская киношкола пошла другим путем и такие режиссеры, как Михаил Ромм и Сергей Эйзенштейн, стали первыми, кто обратился к теории монтажа, тем самым сделав шаг вперед в развитии киноискусства).
Некоторые режиссеры и вовсе призывали порвать с литературой и театром, доказывая, что кино должно существовать без слов.
Течение «первого авангарда» плавно перешло во «второй авангард» (1924 — 1930 годы), который в поисках «чистого киноискусства» пошел дальше — никакого сценария, а, значит, и сюжета; можно обойтись и без актеров; а что, если просто не изображать реальный мир? Привет, сюрреализм! Кстати, музыкальное сопровождение к некоторым фильмам режиссеров «второго авангарда» (Рене Клер, Луис Бюнюель, Жан Вино) писал Эрик Сати — музыкант-импрессионист. Но это уже другая история.
Что взяли кинематографисты от художников-импрессионистов?
Режиссеры научились строить кадр — выработали основные принципы композиции, изучили световые эффекты, научились «ловить момент». До киноимпрессионистов никто в мире так скрупулёзно не работал над сценой. Взгляд живописца — вот что переняли кинематографисты. Луи Деллюк, Жан Эпштейн и другие разрабатывали способы идеального изображения объекта на экране.
Они первые, кто стал работать с ритмом, крупностью плана, чистотой стиля. В доктрине импрессионистов говорится об изображении современного мира, тех событий, которые происходят здесь и сейчас — киноимпрессионисты послушно выполняли это требование.
Вместо заключения
Опыт художников-импрессионистов показал нам, как картина без точных форм и содержания может воздействовать на зрителя, а эксперименты киноимпрессионистов наглядно продемонстрировали, что кино не может существовать без героя, конфликта и сюжета. Исключением, пожалуй, являются работы некоторых режиссеров Японии и Южной Кореи, где в изображение вплетается восточная философия. Например, фильм «Токийская история» (1953 г). Ясудзиро Одзу стал культовым, несмотря на минимализм, скупой сюжет и практически статичную камеру. А фильм Ким Ки Дука «Весна, лето, осень, зима …. и снова весна» 2003 г. зритель радушно принял и полюбил: и немые сцены, и длинные планы, демонстрирующие движение природы.
Помимо нечетких контуров и эффекта «первого впечатления», импрессионисты познакомили нас с другими способами восприятия реальности.
Их методы, разработанные в противовес академизму, как нельзя лучше вписываются в концепцию современности: поймать момент. И эта концепция не только прочно осела в других областях искусства, но и неуловимо вписывается в нашу повседневную жизнь.
* Соцсеть, принадлежащая Meta Platforms Inc., признанной экстремистской организацией на территории РФ.
Обложка:фрагмент картины Эдгара Дега «Танцовщицы у станка» (1900 — 1905 гг.)
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
искусствокультура
Похожие статьи
Более глубокий взгляд на искусство импрессионистов
Прищурьтесь, и вы можете пропустить это. Но широко раскройте глаза, подойдите ближе к холсту, посмотрите на отдельные мазки таких художников, как Клод Моне, Дж. М. У. Тернер, Камиль Писсарро, Мэри Кассат или Ева Гонсалес, и вы увидите, что картина, которую вы считали вами пила была наполовину иллюзией — серией мазков, пробуждающих реализм и скрывающих его в тумане художественной интерпретации.
Это искусство импрессионистов. И хотя он изображает реалистичные качества, такие как изгиб солнечного света в воде, он также представляет собой внезапный левый поворот в мире живописи. Импрессионизм в искусстве отошел от строгого реализма к субъективному эмоциональному переживанию зрителя.
Возможно, импрессионизм больше, чем любое другое направление в искусстве, показал, что произведение может быть чем-то большим, чем сумма его частей. Но какие картины определяют импрессионизм, и как вы можете распознать его, когда увидите? Пора перестать щуриться, подойти поближе к холсту и увидеть эмоциональный подтекст самых известных в мире картин импрессионистов.
Быстрые ссылки
- Что такое искусство импрессионистов?
- Импрессионизм в искусстве
- Примеры картин известных импрессионистов
- Малоизвестные картины импрессионистов
- Почему импрессионизм по-прежнему важен
Что такое искусство импрессионистов?
Какой лучший способ ответить на вопрос вроде «Что такое импрессионистское искусство?» чем смотреть на картину, давшую название движению?
Источник: wikimediaКартина Клода Моне «Впечатление, восход солнца» 1872 года олицетворяет стиль импрессионистского искусства и дает название движению.
В картине Клода Моне «Впечатление, восход солнца» мы видим сюжет, почти умоляющий о реалистичном изображении. Порт Гавра, родного города Моне. Поразительный восход солнца над водой, на переднем плане хорошо видны лодки, а на заднем — промышленные сооружения.
Но это не совсем то, что дает нам картина.
Посмотрите на красноватое утреннее небо Моне, и вы не увидите облаков; вы увидите почти застенчивые мазки, раскрывающие существование художника. То же самое и с отражениями румяного утреннего солнца в воде — вы почти можете видеть, как кисть Моне движется из стороны в сторону.
Традиционные техники живописи могли потребовать традиционного пейзажа. Раньше зрителям нравились идеализированные декорации и реалистичные приемы. Общая сцена здесь явно является реальным изображением, которое видел Моне, но окончательная картина больше похожа на неподвижный кадр из сна. Это было, за неимением лучшего термина, более откровенное изображение жизни художника.0003 впечатление , чем объективная реальность сцены.
Импрессионизм в искусстве
Что такое импрессионистское искусство, если мы хотим дать ему конкретное определение? Импрессионизм представлял собой первый шаг от идеализации и реализма к более абстрактным интерпретациям сцен. В живописи это обычно означает следующие приемы:
- Короткие, сознательные мазки с минимальной «причудливостью» для полировки краски до мелких, реалистичных деталей. Художник-импрессионист не слишком заботится о том, чтобы вы увидели технику; на самом деле, они часто оставляют его там на виду.
- Минимальное смешивание цветов на палитре для создания ярких цветовых вспышек на холсте. Это то, что делает солнце Моне «выскакивающим» из дымки картины.
- Нанесение краски по мокрому позволяет смешивать краски на холсте. Это способствует размытому, «туманному» эффекту, характерному для импрессионизма.
- Акцент на естественном освещении и пейзаже , особенно в отношении положения солнца.
Частые сюжеты импрессионизма включают пейзажи на открытом воздухе, воду, закаты и дневные занятия на открытом воздухе.
Частые сюжеты импрессионизма включают пейзажи на открытом воздухе, воду, закаты и дневные занятия на открытом воздухе.Конечно, знание этих фактов без просмотра нескольких образцов не поможет вам, когда вы покупаете искусство для себя. Вы должны знать, как определить импрессионизм с первого взгляда. Чтобы помочь вам, давайте рассмотрим несколько известных и не очень известных примеров.
Изучите импрессионизм изнутри и снаружиНаправления современного искусства 20-го века: от импрессионизма к кубизму
Пройдите курс
Примеры известных картин импрессионистов
Водяные лилии
Источник: wikimedia«Водяные лилии» Моне — одни из самых известных его произведений.
«Кувшинки» Моне — это целая серия картин на эту тему. Следует отметить одну интересную вещь: как мало Моне использует синий цвет в своих картинах. Даже без цвета ему все же удается оставить у зрителя четкое впечатление движения и текучести воды.
Серия Моне «Стога сена» отражает аналогичную исследовательскую фазу художника. В «Стогах сена» Моне изучал влияние солнечного света на свои пейзажи, как будто одной картины было недостаточно, чтобы передать полное значение предмета.
В этой серии о кувшинках Моне как бы говорит зрителю, что, как ни один художник не будет смотреть на кувшинки одинаково, в реальной жизни не бывает двух совершенно одинаковых сцен. Вода продолжает течь по течению; того, на что вы смотрели час назад, уже нет. Мы сохраняем только то впечатление, которое произвел на нас момент.
Бульвар Монмартр
Источник: wikimedia«Бульвар Монмартр» Камиля Писсарро представляет вид Санкт-Петербурга, соответствующий импрессионистскому стилю.
«Бульвар Монмартр» Писсарро показывает, как иногда выглядят произведения импрессионистов, изображающие людей. Обратите внимание на акцент на природных элементах — даже ветки деревьев кажутся более детализированными и точными, чем туманные силуэты пешеходов и домашних лошадей, запряженных повозкой.
Кажется, что некоторые прохожие растворяются в тумане сцены; фигуры в нижней левой части сливаются с улицами и тротуарами, показывая, что Писсарро отдавал предпочтение деталям города над людьми, населяющими его.
Стоит отметить влияние Писсарро на импрессионистское движение. Начав более твердо рисовать свою собственную интерпретацию сцены, а не ее реальность, Писсарро подготовил почву для еще более вездесущих художников-постимпрессионистов, таких как Винсент Ван Гог.
Un bar aux Folies-Bergere
Источник: wikimedia«Бар в Фоли-Бержер» Эдуара Мане 1882 года — поразительная импрессионистская картина, которая с момента своего открытия вызвала неоднозначную реакцию у критиков.
Не во всех произведениях импрессионизма детали отходят на второй план. В этой картине Мане мы видим другие контрасты с типичным импрессионистическим стилем. Он дает нам неестественное освещение, более четкие детали и вообще никакого пейзажа.
Тем не менее, взгляните в зеркало за барной стойкой, и вы увидите, что детали менее проработаны, а значения менее ясны.
Кто этот мужчина, который, кажется, стоит перед ней? Почему ее лицо в фокусе, а его почти непонятно?
На данный момент становится ясно, что в конце жизни Мане научился использовать импрессионистский стиль, чтобы рассказывать глубокие и сложные истории, некоторые из которых до сих пор остаются предметом интерпретации.
Малоизвестные картины импрессионистов
Поездка на осле
Источник: wikimediaВ картине Евы Гонсалес «Поездка на осле» левый объект настолько хорошо сочетается с естественным фоном, что создается впечатление, будто он выпрыгивает из дерево.
Картины Евы Гонсалес демонстрируют влияние Мане, но также представляют собой новый стиль портретной живописи, типичный для многих известных картин импрессионистов. В «Поездке на осле» мы видим портрет, в котором используются цветовые и фоновые приемы, чтобы привлечь внимание к женщине-всаднице. Мужчина сливается с деревом и лошадью, игнорируемый женщиной, которая представлена в более ярких и ярких деталях.
Утро на Сене
Источник: wikimediaВ картине Клода Моне «Утро на Сене» используется сложная, но почти монохромная цветовая палитра, чтобы предложить сцену, а не разъяснить ее.
Картины Моне часто включают в себя размышления о повторяющихся сюжетах — стогах сена, водяных лилиях, восходах солнца — и эта работа 1890-х годов показывает, насколько трудными могут быть интерпретации некоторых произведений импрессионистов. Здесь так мало, на чем стоит остановиться, что это почти становится картиной о самой технике, возможно, предвещая более поздние движения, такие как кубизм и модернизм.
Почему импрессионизм по-прежнему актуален
Без всякого контекста некоторые импрессионистские работы кажутся «незавершенными». В «Впечатлении, восходе солнца» есть ощущение, что Моне целенаправленно рисовал сцену, а не реализовывал ее полностью. Возможно, была причина названия «Впечатление». Моне никогда не собирался запечатлевать сцену в ее буквальных деталях.
Он хотел показать, какое впечатление произвела на него сцена.
К концу 1800-х фотография уже вытесняла реализм из бизнеса. Цветная фотография не отставала. Но у художников все еще была субъективный опыт , чтобы показать их зрителям. Совпадение это или нет, но импрессионизм ознаменовал явное изменение роли художника. Они больше не были журналистами и портретистами; теперь они были переводчиками.
Все, что было потом — от фантастической «Звездной ночи» Ван Гога и импрессионистских точечных рисунков до абстрактных экспрессионистских картин Джексона Поллака — восходит своими корнями к первым художникам, которые отошли от строгого реализма.
Превратите свое художественное образование в действиеПроизведите воздействие через искусство: концептуализация уникальных идей, которые находят отклик
Пройдите курс
Импрессионистское искусство видеть и быть увиденным
Тишина моря, вдали от городского шума и сплетен.
Плеск волн, легкий ветерок.
Немного пасмурно, но зачем жаловаться? Мы в отпуске.
Картины импрессионистов, после десятилетий аукционных рекордов и плакатов, печатаемых по запросу, стали самыми надежными произведениями европейского искусства. Довольно легкий. Счастливые стога сена.
Поверьте мне: в 1875 году они вряд ли были такими успокаивающими. Это были взгляды на общество, стремящееся к модернизации и теряющее ориентацию по мере ее ускорения.
Название движения изначально было оскорблением критиков. «Импрессионист» появился из ядовитого обзора выставки 1874 года картин Моне, Ренуара, Дега, Писсарро и одной женщины.
Это была Берта Моризо, и она, возможно, самая недооцененная из всех импрессионистов.
Это ее картина «В Англии (Эжен Мане на острове Уайт)», которую сегодня можно увидеть в маленьком музее Мармоттан в Париже.
Моризо написал его в 1875 году, когда они с Эженом отправились в свадебное путешествие на море.
Это очень редкая вещь в истории искусства до 20-го века: портрет мужа художницы.
Но это не портрет ее мужа.
Не совсем интерьерная сцена.
Это запутанная, нестабильная картина, которая полностью посвящена тому, как мы смотрим — на женщин, на пейзажи, на другие картины.
Посмотрите на детали здесь, и вы увидите, как Моризо рисует морское побережье как новый этап современной жизни, определяемый ее удовольствиями и давлением — прежде всего давлением наблюдения.
Картина построена на взгляде мужа Моризо, которого мы видим в повседневной белой куртке и соломенной шляпе-канотье. Он повернулся на стуле, извиваясь, чтобы увидеть сцену из открытого окна.
В правой руке он держит что-то похожее на бинокль, представленный двумя пунктирными белыми кружками.
Минуту назад он, должно быть, целился вдаль. Вы можете разглядеть парусники, покачивающиеся в Соленте, проливе, который отделяет остров Уайт от материковой части Великобритании.
Но он положил бинокль. В этот момент взгляд Эжена устремлен на идущую по набережной женщину в розовом летнем платье и маленькой черной шляпке.
Мы не можем видеть ее лицо, но по положению шляпы мы можем предположить, что она не оглядывается.
Она смотрит, кажется, на эту девушку, чья шляпка и прическа подразумевают, что ее собственный взгляд устремлен в сторону воды. Может ей 8 лет? 10?
По сравнению с женщиной ее собственное положение кажется более свободным и расслабленным. Привилегия молодости. И, может быть, буржуазная беззаботность, которой не хватает пожилой женщине.
Не могу быть уверен. Я предполагаю, что женщина не мать девочки, а ее компаньонка. Буржуазная жизнь нуждалась в слугах; У Моризо, когда он был моложе, была английская гувернантка.
Три взгляда: девушка на море, женщина на девушку, мужчина на женщину.
А затем четвертый взгляд: взгляд художника. Не просто художник: une peintre , женский.
Это делает «В Англии» очень любопытной, очень необычной картиной. Он захватывает женское восприятие — но восприятие мужского восприятия.
Это работа двойного видения: картина о том, как смотреть, и о том, что значит быть увиденным.
«Почему не было великих женщин-художниц?» — спросила искусствовед Линда Ночлин в 1970 году.
(Кстати, это автопортрет Моризо.)
Критики-мужчины в 19 веке говорили, что причина в темпераменте, даже в гормонах.
Но настоящая причина была структурной.
Быть художником первого ранга означало вести переговоры о системе институтов, в которые женщины не могли полностью войти.
Женщины не могли поступать в ведущие художественные школы Парижа. Рисование жизни с обнаженными мужчинами на пьедестале было немыслимо.
Это лишило меня возможности рисовать грандиозные исторические картины — тогда это был самый почитаемый вид искусства.
Тем не менее многие француженки все же добились успеха, в основном как портретисты. А девушки из класса Моризо могли брать частные уроки и копировать мастеров в Лувре.
У Моризо было несколько наставников по рисованию, в том числе художник-пейзажист Камиль Коро. В 1865 году, в 24 года, она получила этот пейзаж в стиле Коро с мифической девушкой, принятый на Салон, самую важную художественную выставку Парижа.
Прошло без комментариев. В том же году внимание привлекла другая работа.
Это была бы «Олимпия» Эдуара Мане.
Двумя годами ранее начальство Салона отказалось от картин Мане. На этот раз его впустили, и его беспощадно прямолинейная сцена с обычной проституткой, ее служанкой и ее кошкой спровоцировала величайший художественный скандал 19 века.
Вместо пасторальной красоты Мане дал публике плоскую, неприкрашенную современность — откровенное изображение жизни современного Парижа…
… и был встречен насмешками. Картине требовалась вооруженная охрана, так как посетители то и дело пытались порезать ее зонтиками и тростями.
Но некоторые молодые художники увидели в плитообразных картинах Мане зародыш нового вида живописи, сердцевиной которой станет современная жизнь.
Позже, в 1860-х годах, семьи Мане и Моризо подружились.
Родители понравились друг другу. У них было солидное, хотя и не гигантское состояние. Моризо работала моделью для Мане с разрешения ее семьи.
Вот она, смотрит с «Балкона» Мане.
Мане писал Моризо десятки раз в течение следующих шести лет.
В конце концов она вышла замуж за младшего брата Мане, дилетанта Эжена.
Но она сделала больше, чем модель для художника, который стал ее шурином. Они уважали друг друга как артисты.
Они часто переписывались. И к началу 1870-х годов, опираясь на пример Мане, она тоже стала художником современной жизни.
Она не могла получить доступ к тем частям современного Парижа, которые рисовали мужчины в 1870-х годах. Кафе-концерты. Опера за кулисами. Очевидно, бордель.
Что Моризо доказал с поразительной уверенностью, так это то, что гостиную или сад можно нарисовать с таким же честолюбием.
Особенностью стали интерьеры и бытовые сцены, как и изображения материнства.
Как эта картина ее сестры, показанная на первой выставке импрессионистов в 1874 году.
Женщины, которых она изображала, обычно были стильными парижанками…
…одет в модную одежду…
…и визуализированы открытыми мазками краски, что делало их еще более непосредственными.
Они появляются в причудливых будуарах или шикарных курортах — или, часто, у зеркала. Моризо знал, что значит быть и моделью, и художником, смотреть и смотреть.
«Вы должны быть абсолютно современными», — писал поэт Артюр Рембо в 1873 году. Моризо была более вежлива в этом отношении, чем он, но она была такой же авангардной.
Хотя для ненавистников импрессионизма сюжеты Моризо были слишком подходящими. Этим людям, приверженным академическим правилам, новое движение казалось слишком сосредоточенным на внешнем виде, чувственных поверхностях, материальных благах.
Короче, слишком женственно.
В 1870-х годах импрессионизм регулярно подвергался критике как немужественный. Пресса у Моризо была несколько лучше, чем у мужчин, хотя и умаляющая: ее свободная манера письма была немедленной, спонтанной, с «присущая» женщинам деликатностью.
И она, безусловно, была сластолюбцем. Моризо пошла дальше любого из импрессионистов, по крайней мере, в 1870-х годах, оставив движения ее кисти видимыми.
Но ее отсутствие отделки захватывает больше, чем просто визуальное ощущение. Это часть тщательной хореографии, которая усиливает искусственность изображения и выдвигает на передний план его социальное значение.
Посмотрите, как она рисует оконные стекла. Столетием раньше они были бы кристаллическими. Ее нечеткие и непрозрачные, маленькие фуги активного состава.
Вы видите это и здесь, на занавеске гостиничного номера. Она улавливает его прозрачность через толстые косые черты и обратные косые черты. Это демонстрация силы открытого белого мазка, перекрывающего почти треть холста.
Или посмотрите сюда, на небольшой сад перед номером отеля, обнесенный зеленой кованой оградой.
Вы заметили что-то необычное в красных и розовых пятнах? Особенно этот, чуть выше остальных.
Эти мазни кажутся цветами на горшках с растениями на подоконнике, хотя точно отличить сложно.
Что-то смешное происходит здесь, на границе внутреннего и внешнего. Моризо сделал интерьер гостиницы дезориентирующе неотличимым от сада и набережной.
Шторы, окна и цветы размываются, создавая более свободное и мимолетное впечатление об этом морском курорте. Что было, в конце концов, своей собственной новинкой.
Сейчас это сложно представить, но море не всегда было местом для отдыха.
До 19 века береговая линия считалась вредной для здоровья. Мало кто из европейцев когда-либо бывал там, и художники изображали его в лучшем случае как место работы или торговли.
В эпоху романтизма художники изображали море как внушающую благоговение силу: опасную, человеческую карликовость.
Это было определенно не место для дам.
Во Франции в 19 веке сложилась новая география морских курортов: Дьепп, Довиль, Биарриц.
Некогда морской воздух теперь считался целительным, а некогда торговое побережье стало элегантным.
К концу 19 века поезда ежедневно курсировали к морю. Локомотив — еще одна страсть импрессионистов — превратил некогда аристократическую привилегию в то, что могли себе позволить и парижане из среднего класса.
Для поколения Моризо, как писал историк Ойген Вебер, «святые дни превратились в праздники: недели или месяцы одних только воскресений».
И эти амбициозные молодые художники часто изображали побережье как заряженное место современных встреч. Как и на этой картине 30-летнего Клода Моне.
(Он написал ее прямо на пляже, там к маслам примешан песок.)
Или эта картина Мане, на которой женщина и мужчина смотрят с пляжа на новый курорт недалеко от бельгийской границы.
Это снова Эжен, будущий муж Моризо.
Поэтому, когда Моризо нарисовала своего нового мужа, смотрящего на побережье Англии, она писала не просто море — не совсем так.
Это синее пятно связывает весь социальный мир.
Посмотрите еще раз на точку зрения Эжена.
Их гостиничный номер выходит окнами на море, но в пространстве за окном почти нет глубины, нет точки схода.
Небо и море — плоские просторы.
И вы видите, как она упаковала почти весь цвет в одну плотную квадратную зону?
Моризо дал нам четкие горизонтальные линии на окне и его подоконнике, а вертикальные границы определил белый жакет Эжена и белое кружево занавески.
Вся яркость картины лежит в этих границах.
Это заряд цвета, который не пытается имитировать глубину. Эта картина в картине сжата и сплющена — почти как постер или реклама.
Следовательно, это не просто визуальное впечатление. Моризо изо всех сил старалась подчеркнуть искусственность английской точки зрения, за которую она и ее новобрачный муж заплатили.
Она не просто записывает свои чувства. Она рассматривает внешний мир как товар, который включает в себя море, ландшафт и прохожих.
Современная жизнь принесла новые свободы, особенно женщинам.
Но картина Моризо рассказывает о некоторых издержках, связанных с новой, ускоряющейся, буржуазной Францией.
Начиналась Belle Époque. Социальный порядок будет определяться не богом или королем, а знаками и явлениями.
И тоска в этих картинах, которая идет рука об руку с их наполовину законченной формой.
Мир, который она наблюдает, кажется, растворяется. Все твердое растворяется в мазках.
При всей своей современности женщины Моризо часто выглядят рассеянными, встревоженными или погруженными в свои мысли. И явное сочувствие Моризо также содержало в себе определенную оговорку.
Ее сюжеты вечно появляются на балконах, в окнах, в зеркалах. Перспективы, которые позволяют вам окунуться в мир, но отделяют вас от него.
И на просмотр себя.
Моризо, кажется, всегда показывает, что за новые удовольствия эпохи приходится платить.
Это точка, которую она улавливает в одной детали, которая всегда привлекает меня в этой картине: лицо гувернантки.
Вернее, ее отсутствующее лицо. Это вырезано. Окончательный крест, сплошная черная линия через клубнично-белокурую мазню ее волос.
Если эта английская перспектива — история о женском взгляде, то она нам дана и одновременно отвергнута.
Мнение женщины не совпадает с мнением мужа. Только Эжен может видеть гувернантку, а мы, в положении Моризо, не можем.
Мы никогда не воспримем эту женщину полностью.
