Искусство эпохи барокко: суть барокко, история развития, особенности в живописи. Картины знаменитых художников-живописцев эпохи барокко

Л. В. Чеснокова. Противоречивость искусства эпохи барокко Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

Л. В. Чеснокова

ПРОТИВОРЕЧИВОСТЬ ИСКУССТВА ЭПОХИ БАРОККО*

Барокко — европейское искусство ХУП-ХУШ вв. Его центром была Италия, откуда это искусство распространилось в другие европейские страны. Слово «барокко» происходит от испанского bar-ruecco или от португальского barroco, что обозначало нестандартные жемчужины, которые ювелиры использовали в декоративных целях. До конца Х1Х в. оно использовалось в уничижительном смысле как нечто гротескное, причудливое, чрезмерное и вычурное. Однако в ХХ в. в связи с отказом от классических идеалов барокко начинает оцениваться как сложный, продуманный сценарий, органически воплощенный в слове и образе.

Начало этого стиля лежит в трагической эпохе европейской истории: Реформации, вызвавшей конфликт между католиками и протестантами и последовавшей за этим Тридцатилетней войне, втянувшей в себя многие народы и принесшей бесчисленные разрушения и сломанные человеческие жизни.

Эти исторические потрясения вызвали сомнения в ренессансном представлении о разумно устроенном мире и о человеке как рациональном существе, живущем в гармонии с Богом и природой. Гармония эпохи Ренессанса, основанная на античных идеалах и представлениях о совершенном человеке, художникам барокко казалась уже недостаточной для отображения всей сложности и многообразия человеческой жизни.

Постижение сущности стиля барокко связано, прежде всего, с исследованием мировосприятия человека этого времени, его балансиро-

* Чеснокова Л.В. Противоречивость искусства эпохи Барокко // Альманах современной науки и образования. — Тамбов: Грамота, 2016. — № 1. — С. 121-126.

вания на грани бытия и небытия. Человек, с точки зрения Б. Паскаля, находится в это время в состоянии абсолютной неопределенности касательно своего места в мире и своей судьбы. Это кризисное мироощущение повлияло на особенности мышления той эпохи, заключающееся в антиномичности восприятия человеком самого себя и окружающего мира.

Мировоззрение барокко включает в себя мощные противоречия между действительностью и иллюзией, возвышенным и вульгарным, трагическим и комическим, роскошью и аскетизмом, властью и бессилием. Художник стремится не к прекрасному, а к экспрессии, странному, экстравагантному и причудливому, как к более правдивому, сильному и эмоциональному.

Для интерьеров барокко характерны показная роскошь, множество богато украшенных деталей, позолоты. Парковые сооружения наполнены мраморными статуями, каскадами фонтанов, деревьями и кустарниками, подстриженными в форме призм, пирамид, силуэтов животных. Костюм бесконечно далек от функциональности и простоты, он перегружен украшениями, его формы гипертрофируются до крайности.

Основой образа становится большой парик, получивший повсеместное распространение. Будучи крайне неудобным, неестественным и негигиеничным элементом костюма, парик господствует в моде в течение полутора веков. Парик — это наиболее «барочный» элемент барокко.

Туфли на каблуках, длинные жилеты, кружевные рукава и напудренные парики — все эти детали костюма служили для того, чтобы создать впечатление важности и достоинства. По этой же причине в эпоху барокко в моду входят полнота, медленные движения и бесстрастное выражение лица.

В архитектуре использовались «средства пафоса». Все делалось для того, чтобы произвести впечатление на зрителя и вызвать у него благоговение перед хозяином дворца.

В эту эпоху возникает атомистическая теория, согласно которой все происходящее в физическом мире объясняется движением мельчайших изолированных частиц. Соответственно государство образуется в результате добровольного объединения отдельных, изолированных друг от друга индивидов.

И во главе общественного устройства находился совершенно изолированный по своему положению от своих подданных абсолютный монарх.

Л. В. Чеснокова

Цеха были тщательно детализированы и строжайшим образом изолированы друг от друга: кузнец не имел права делать гвозди, портной — шить меховые изделия и т.д. Иерархия сословий жестко соблюдалась, простонародье и дворянство не имели точек соприкосновения.

Дисциплиной, которая в то время поднимается до ранга науки, становится механика. Эта эпоха стремилась распространить на жизнь механистический принцип как всеобщий порядок вещей. Но за кажущейся ясностью и определенностью барокко скрывается нечто невыразимое. В культуре того времени живет подспудное стремление к мистическому. Человеческая душа — часовой механизм, однако управляемый иррациональными побуждениями, человеческий облик, предстающий на полотне живо, как никогда, «окружен таинственным сиянием, делающим его непостижимым и многозначным» (с. 124). Наиболее полно мировоззрение барокко отразилось в учении Лейбница, согласно которому не может быть ничего лишнего в мире, который был создан милосердным и справедливым Богом. Мир постепенно совершенствуется и развивается от низшего к высшему и является «лучшим из миров». Зло как некое несовершенство присутствует в нем. Однако даже если что-то и кажется нам несовершенным и несправедливым, оно занимает свое собственное место в общей и прекрасной картине мироздания и потому необходимо (с. 124).

Эта эпоха не стремится скрыть от зрителей неприглядные стороны бытия: так, в искусстве того времени часто присутствуют приводящие в замешательство сюжеты. Изображение чрезмерной материальной роскоши составляет контраст с серьезной глубокой верой, ничем не ограниченные земные удовольствия соседствуют с осознанием неизбежной смерти. Мировоззрение барокко включает в себя не только пышность, но и скепсис, пессимистическое мировосприятие, ощущение трагичности бытия.

Популярными становятся аллегорические натюрморты в стиле «ванитас», призванные напомнить о кратковременности человеческой жизни, тщетности всех ее благ и достижений. Они обычно включали в себя изображения черепа как символа бренности жизни, гаснущей свечи, гнилых фруктов, увядающих цветов — символа старения, угасания. Игральные карты, кости напоминали о непредсказуемости рока; механические или песочные часы были символом неумолимого времени и быстротечности человеческой жизни; монеты, шкатулки с

драгоценностями обозначали земное богатство; оружие, скипетр и держава являли собой символы власти и господства.

Характерным явлением для этой эпохи выступает анатомический театр — театрализованное вскрытие человеческого тела врачами в парадных костюмах, воплотившее в себе идею «смерти-зрелища».

Осознание быстротечности времени и тщетности всего земного, как это ни парадоксально, вели к необычному жизнелюбию человека барокко. Эта двойственность стала основной темой литературы барокко: «авторы звали людей срывать цветы удовольствий, пока вокруг бушует лето; любить и наслаждаться многоцветным маскарадом жизни. Знание, что жизнь окончится как сон, открывало ее истинный смысл и цену для тех, кому улыбалась удача» (с. 125).

Т.А. Фетисова

Презентация «Искусство эпохи Барокко» — музыка, презентации

«Искусство эпохи барокко»

Преподаватель Горелова Татьяна Сергеевна

МБУ ДО ДМШ им.

Таривердиева М.Л.

г.Гвардейск

2015г.

Барокко -«причудливый», «вычурный»

Фонтаны Петергофа Храм Дубровицы

Пышность

Архитектура

Многоярусность

Криволинейные

формы

Роскошь

Церковь Иль Джезу в Риме.

Дворец Бельведер

Дворец Цвингер

Дворец в Версале

Зимний дворец в Санкт-Петербурге

Живописная

Скульптура

вычурные жесты

Неестественные позы

неопределенные очертания

Христос под плащаницей

Целомудрие Дама под вуалью

Похищение Прозерпины

Лоренцо Бернини

Экстаз Святой Терезы Аполлон и Дафна

Рыбалка Анибале

Людовико

Братья Карраччи

Ужин в Эммаусе

Девушка с лютней

Микеланджело Караваджо

Эль Греко

Снятие одежд с Христа Дама в мехах

Петер Пауль Рубенс

  Пейзаж с радугой  Этюд головы девочки

Рембрандт

Возвращение блудного сына

Один от ревности сгорает  И проклинает дни свои,  Другой от скуки умирает,  Я умираю от любви.  Сковали Прометею руки;  Орлом терзаем, весь в крови  Не умер он от этой муки, —  Я умираю от любви.   Так говорил Тирсис, и сразу  Смолкали в рощах соловьи,  Когда произносил он фразу:  «Я умираю от любви».  У статуй сердце разрывалось,  И эхо грустное вдали  Среди деревьев откликалось:  «Я умираю от любви». в кругах подлянок страстей котёл кипучий пар выпускает.  дитя терпенья порочных снов не видит в прозрачных платьях.

Венсан Вуатюр

Джамбаттиста Марино

Свобода в толковании жанров

Симфонии

Сонаты

Фуги

Жанры концерта

Токкаты

Оперы

Страдивари Антонио Джузеппе Гварнери

Монтеверди Перселла Корелли Вивальди

Гендель Бах

Раннее барокко

Клаудио Монтеверди

Зрелое барокко

Жан Баттист Люлли

Он не искал- минутно позабавить, Напевами утешить и пленить. Мечтал о высшем: этот мир прославить И бездны духа в звуках оживить. Господь не подвергал себя лишеньям, Но Бах-не Бог, и может,потому Он лучше знает: мир-несовершенен. …О, как придать гармонию ему?!

«…он любит заставлять петь не один голос, а многие разом, создаёт не одну нить мелодическую, а целую ткань одновременных мелодий»

«Полифональный стиль…требует от композитора великого мелодического таланта…И вот с этой стороны…нет художника не только равного Иоганну Себастьяну Баху, но и даже сколько-нибудь подходящего к его мелодическуму богатству».

Спасибо за внимание!

БАРОККО

1

Барокко

Барокко (итал. barocco, буквально — причудливый, странный), один из главенствующих стилей в архитектуре и искусстве Европы и Латинской Америки конца XVI — середины XVIII вв. Барокко воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости; его эстетика строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и иррационализма.

Барокко зародилось в Италии, утвердилось в Европе в эпоху образования национальных государств и было тесно связанно с церковью и аристократическими кругами: искусство барокко было призвано прославлять и пропагандировать их могущество. Эпоха барокко также дала жизнь науке. Именно в это время начинают свое развитие биология, анатомия, физика, химия и другие дисциплины.

Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектной зрелищности, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.

Прежде всего барокко проявилось в архитектуре. Всеобъемлющий характер приобрел в эпоху барокко синтез искусств: городские ансамбли, дворцы и церкви благодаря причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам приобрели живописность и динамичность; интерьеры зданий украшались многоцветной скульптурой, лепкой и резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала эффект разверзшихся сводов. В живописи большое значение приобрели эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, непринужденная свобода мазка, в скульптуре — живописная текучесть формы, ощущение изменчивости образа.

Эпоха барокко дала миру выдающихся писателей (Т. Тассо, П. Кальдерон), художников (Караваджо, Корреджо, П. Рубенс, А. ван Дейк), архитекторов (Л. Бернини, Ф. Барромини), музыкантов (А. Вивальди, И.С. Бах, Г. Гендель).

2
Микеланджело Меризи да Караваджо. Юноша с лютней (Лютнист)
Дата создания: 1595-1596 год, холст, масло.
Размер полотна: 100 × 126,5 см

Место постоянного экспонирования: Эрмитаж (Санкт-Петербург)

Картина Караваджо «Лютнист» или «Юноша с лютней» является ярким экспонатом Эрмитажа. «Лютнист» — одна из самых ранних работ художника. Была создана в 1595-1596 годах по заказу высокопоставленного покровителя Караваджо кардинала Франческо Марии Борбоне дель Монте. Есть предположение, что Лютнист является парой для картины «Музицирующие мальчики». Всего существует три полотна на эту тему. Первая хранится в Эрмитаже, Санкт-Петербург (Холст, масло. 94 × 119 см). Именно эрмитажная картина долгое время считалась единственной из трёх, признанной картиной авторства Караваджо.

Вторая картина находится в Нью-Йорке в музее Метрополитен (100 × 126,5 см). После того, как Дель Монте продал картину одному из коллекционеров, он попросил художника сделать еще одну работу. Вторая картина, которая была написана для того же кардинала, была несколько изменена. Здесь он убрал кувшин с цветами, добавил флейту, спинет и клетку со щеглом.

Третья картина находится в Англии, на усадьбе Бадминтон-Хаус (96 × 121 см). Она является копией полотна, которое висит в Эрмитаже, но со своими тонкостями. Она чуть больше, чем картина в Эрмитаже, более светлая, а в графине с водой отражаются детали интерьера.

На «эрмитажном» варианте и картине из Бадминтон-Хаус на раскрытой странице партитуры легко читаются ноты басовой партиимадригала Якоба Аркадельта Voi sapete ch’io vi amo («Вы знаете, что я люблю вас»). На другой тетради начертано Gallus — имя одного из друзей Караваджо, миланского музыканта. На картине из собрания Вильденстайна (хранится в Музее Метрополитен), тетрадь раскрыта на нотах мадригалов итальянского композитора Франческо де Лайоля на слова Петрарки: Laisse le voile и Pourquoi ne vous donnez-vous pas? Яхета де Берхема. Выбор, в основном, музыки французских и фламандских композиторов считается символичным — Франческо дель Монте представлял при папском дворе Тосканское герцогство, союзника Франции и противника Испании.

Лютня воспроизводит архаический образец инструмента первой половины XVI века, а крестообразный орнамент на грифе скрипки — инициал имени Христа в греческой транскрипции (Χρίστος), который часто встречается на инструментах кремонских мастеров.

Исследователи не могут четко классифицировать жанр «Лютниста». Это одновременно и «картина-гармония», вдохновленная изысканностью искусства перебирать струны, и грусть по скоротечности жизни (звук лютни, едва возникнув, сразу исчезает), и «апология Христа»: в букете-загадке слева внизу полотна цветы подобраны в соответствии с их символическим значением, принятым в искусстве того времени для криптограммы (от греч. «тайнопись») земной жизни Иисуса.

Цветы, плоды и сосуд — символы Бога: он одновременно и цвет, и плод мироздания, и сосуд истины. По наполненности тайным смыслом это самая интересная часть полотна. Во времена Караваджо широко распространилась мода на шифры. Издавались специальные книги с пространными толкованиями всевозможных символов. Известно, что Караваджо пользовался ими. Каждый предмет имел сразу несколько значений, что еще больше расширяло смысловое пространство композиции.

На картине «Лютнист» представлены следующие цветы:

• Ирис — символизирует явление Христа, несущего мир на землю. Поскольку этот символ связан с явлением Бога в мир, ирис еще воспринимался как цветок Девы Марии и иногда изображался вместо лилии в сцене Благовещения
• Роза — символ страстей и крови Иисуса. Встречаются картины, на которых венец Христа представлен в виде венца из роз. Часто этот цветок связывают и с Богородицей, но она держит розу без шипов
• Жасмин — символ любви и всепрощения. Белый цвет напоминает о чистоте и непорочности Иисуса
• Маргаритка — символизирует детство Христа: Мадонна, желая подарить младенцу Иисусу цветок зимой, не нашла ничего и сделала его сама из белого шелка — получилась маргаритка
• Шиповник — один из символов тернового венца Иисуса. Его красные плоды ассоциируются с каплями крови Христа, которые стекали с его лба во время пути на Голгофу

• Апельсин — символ вечной праведности Господа. Ассоциация возникла потому, что у этого дерева не опадают листья. Апельсин также представляет собой символ мира, и его может держать в своих руках Иисус. Одновременно белые цветы апельсина ассоциируются с непорочностью и потому традиционно украшают Богородицу или венок невесты. Плод апельсина воспринимался и как символ райской жизни
• Инжир (смоковница) — символ крестной муки и воскресения, то есть Божьего милосердия к людям. В Евангелии от Луки приведена притча. Некто имел в винограднике смоковницу, но на ней не было плодов, и хозяин хотел срубить ее. Однако виноградарь предложил подождать еще год: если и через год смоковница не принесет плодов, то тогда следует ее срубить. Так же Господь откладывает судный срок земному миру, надеясь на исправление людей
• Слива — считалась символом верности, но принимала дополнительные значения в зависимости от цвета. Темная фиолетовая слива указывает на страдания и смерть Христа, желтая — на чистоту Иисуса, а красная представляет собой символ его милосердия. Белая говорит о его смирении
• Груша — своей мягкостью и сладостью уподобляется мягкости и любви Бога к миру.

Исследователи искусства художника с большой степенью уверенности говорят о том, что в этой картине Караваджо впервые применил свою, впоследствии характерную черту живописи — контрастную светотень, знаменитое тенебросо (от исп. «темный, мрачный»), когда фигуры и предметы выхватываются тусклым лучом из полной темноты и проявляется почти осязаемый объём, а эмоции персонажа приобретают драматический оттенок. Такой театральный эффект станет очень популярным в эпоху барокко. И этот прием будут использовать его последователи.

Внимательно изучая натуру, Караваджо постиг эффект взаимовлияния освещенных предметов. Так, в эрмитажной картине он передал рефлекс, падающий на щеку юноши от его ярко озаренного плеча; сделал легкой и прозрачной тень на тыльной стороне лютни, так как на нее падает отблеск белых страниц нотной тетради.

Юноша настраивает лютню и весь поглощен льющимися звуками, о чем говорит и наклон его головы, и полуоткрытый рот, и выражение глаз, рассеянно смотрящих мимо зрителя. Все это написано так тонко, так виртуозно, что кажется, будто зритель и сам слышит звучание инструмента.

По мнению биографа художника Джованни Беллори, Караваджо считал эту картину самой лучшей своей работой.

Подробнее о картине на сайте Государственного Эрмитажа

3
Микеланджело Меризи да Караваджо (1571 — 1610)

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571 — 1610) — итальянский живописец, один из крупнейших представителей стиля барокко, родился 28 сентября 1573 года в итальянском селении Караваджо. Его отец был мажордомом и архитектором маркиза Караваджо. До начала 1590-х годов Микеланджело да Караваджо учился у миланского художника Симоне Петерцано, около 1593 года уехал в Рим.

В начале его жизнь в Риме была трудной, он работал по найму. Но спустя некоторое время его взял в помощники модный живописец Чезари д’Арпино, в мастерской которого Караваджо выполнял натюрморты на монументальных картинах хозяина. Это был недолгий период работы с Чезари, т.к. из-за сильного удара лошади Караваджо угодил в больницу. Оправившись, он принял решение работать самостоятельно.

«Корзина с фруктами»

В 1595 году Караваджо нашел влиятельного покровителя в лице кардинала Франческо Мария дель Монте, который ввел его в художественную среду Рима. Дель Монте отличался разносторонними интересами, он дружил с Галилеем, хорошо знал музыку, театр и живопись. Художник написал для него одни из лучших своих картин — «Корзина с фруктами», «Вакх» и «Лютнист».

«Гадалка»

В конце 1590-х годов художником были созданы такие произведения, как «Концерт», «Гадалка». Впервые обратившись к «чистому» натюрморту и «авантюрному» жанру, он открывает новые возможности живописи, которые получат дальнейшее развитие среди его последователей.

Характер Караваджо отличался резкостью и необузданным темпераментом, который вовлекал его в шумные ссоры, заканчивающиеся дуэлями, за что он неоднократно бывал в тюрьме. В его окружении нередко бывали игроки, мошенники, скандалисты и авантюристы.

«Призвание апостола Матфея»

На рубеже XVI-XVII веков Караваджо создал два цикла картин на сюжеты из жизни апостолов. По протекции кардинала дель Монте в 1597 году он получает заказ для капеллы Контарелли в церкви Сан-Луиджи деи Франчези в Риме, где им были написаны три картины, посвященные апостолу Матфею. Из них сохранились только две — «Призвание апостола Матфея» и «Мученичество апостола Матфея» (1599-1600). Для капеллы Черази в Риме Караваджо выполнил две композиции — «Обращение Савла» и «Распятие апостола Петра». Позже продолжал работать для других церквей.

Череда дерзких выходок сопровождала жизнь художника, пока в 1606 году не завершилась убийством молодого человека в ссоре при игре в мяч и Караваджо бежал из Рима в Неаполь, откуда перебрался в 1607 году на остров Мальта, где был принят в Мальтийский орден. Однако после ссоры с высокопоставленным членом ордена он был заключен в тюрьму, откуда бежал на Сицилию, а затем в Южную Италию, ожидая в Неаполе своего помилования.

«Давид с головой Голиафа»

В период скитаний художник создал ряд выдающихся произведений религиозной живописи. В Неаполе он написал большие алтарные картины «Семь дел милосердия» (церковь Пио Монте делла Мизарикордия), «Мадонна Розария» и «Бичевание Христа». На Мальте для храма Сан Доменико Маджоре он создал полотна «Усекновение главы Иоанна Крестителя» и «Святой Иероним», на Сицилии — «Погребение святой Луции» для церкви Святой Луции, «Воскрешение Лазаря» для генуэзского купца Ладзари и «Поклонение пастухов» для церкви Санта Мария дельи Анджели. К последним произведениям Караваджо относится также картина «Давид с головой Голиафа», на которой голова Голиафа предположительно представляет автопортрет художника.

В 1610 году, получив прощение от кардинала Гонзага, художник погрузил свои вещи на корабль, намереваясь вернуться в Рим, но так и не добрался до места назначения. На берегу его по ошибке арестовали испанские гвардейцы и задержали, но скоро выпустили на свободу. 18 июля 1610 года Караваджо скончался от приступа малярии в итальянском городке Порто-Эрколе в возрасте 37 лет.

Творчество Караваджо оказало значительное влияние не только на многих итальянских художников XVII века, но и на ведущих западноевропейских мастеров — Питера Пауля Рубенса, Диего Веласкеса, Хосе де Риберу, а также породило новое направление в искусстве — караваджизм.

Творчество Караваджо, не принадлежавшего к какой-либо определённой художественной школе, возникло как оппозиция господствующим направлениям в итальянском искусстве конца XVI — начала XVII вв. (маньеризм и академизм). Картины Караваджоотличают лаконизм и простота композиции, энергичная пластическая лепка. Живописная манера Караваджо основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, насыщенности колорита, которые создают эмоциональное напряжение и драматический эффект. Простонародность образов, смелое утверждение демократических художественных идеалов поставили художника в оппозицию по отношению к современному ему искусству. В позднем творчестве Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ не большого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом («Погребение Св. Лучии», 1608 г.). Свет в картинах Караваджо становится мягким и подвижным, колорит тяготеет к тональному единству, манера письма приобретает черты свободной импровизационности.

особенности музыки и искусства сочинение пример

Введение

Эта статья собирается доказать, что эпоха барокко означает экстравагантное, высокодетализированное, яркое искусство и музыку периода, датируемого примерно 1600 – 1750 годами. Эта статья также покажет связь между стилевыми аспектами изобразительного искусства барокко. и барочная музыка.

Испанский писатель и поэт Хуан Гойтисоло в своем эссе «Problemas de la novella» писал: «Современный художник может использовать находки всех эпох и всех стилей, от самых примитивных литературных выражений до самых изысканных произведений барокко »(Гойтисоло, 1990). Светлые и темные, божественные и человеческие, жестокие и нежные, религиозные и светские стали главными чертами искусства барокко. Произведения искусства и музыкальные композиции этой эпохи являются проявлениями этой суматохи: их яркие, эмоциональные, театральные и энергичные композиции характеризуются выразительным и интенсивным движением (Charles, 2009). Такие художники, как Джанлорензо Бернини, Рембрандт, Рубенс, Веласкес, Караваджо, Вермеер, Бах, Вивальди, Монтеверди, Перселл и Хэндл, изобрели неповторимый стиль барокко, иллюстрировали интенсивные эмоции и создавали персонажей, которые кажутся живыми, часто обращаясь к чувствам зрителя. Музыканты, скульпторы и художники увлеклись идеей создания полной иллюзии живого искусства. Они использовали свой талант, чувства и эмоции, чтобы расширить драматический потенциал света, цвета, звука, пространства и контрастов; создать такой барочный и одновременно эмоциональный, логичный и естественный мир, которым все еще правит невидимая рука Бога.

Исторический фон в стиле барокко

Барокко было сложным и противоречивым. Много амбивалентных искусств было создано для Церкви и монархии. Эпоха барокко была захватывающим временем научных исследований, повышения уровня образования и новых открытий. На юге, в основном католическая Европа, находилась под влиянием контрреформации. Во многом протестантская Северная Европа характеризовалась растущим капитализмом. 17-й век был также тревожным временем постоянных сражений по всей Европе в результате Реформации католической церкви. С претенциозным процветанием монархов и усилением жестокости священства в некоторых регионах Европы и ростом капитализма; духовный, чувственный, а также научный и логический барокко-период был эпохой замечательных контрастов (CMS, 2002).

Происхождение эпохи барокко

Эра барокко была эпохой растущей эмоциональности, секуляризации и естественности. Эти явления можно наблюдать во множестве произведений искусства и композиций, которые относятся к концу 16-го века. В изобразительном искусстве это, например, «Праздник в доме Леви», написанный Паоло Веронезе в 1573 году; изначально картина была задумана художником и написана для доминиканского ордена в качестве сцены последнего ужина. Тем не менее, Паоло Веронезе преследовалась католической инквизицией за изображение нерелевантных простолюдинов, пьяных немцев, шутов и даже собак и других шуток. Поэтому Веронезе был вынужден сменить название картины. Тем не менее, оживленная, взволнованная и светская чувствительность сцены продемонстрировала нечто более барочное, чем маньеризм (движение в искусстве, характерное для того времени) (Gombrich, 1995).

В музыке примером растущей светскости, естественности и эмоциональности была «Эвридика», составленная Якопо Пери (очень влиятельным композитором и певцом того времени) и Джулио Каччини. Для современных современников очевидно, что музыка должна апеллировать к эмоциям; все же, до эпохи барокко, главной заботой музыкантов было мелодичное объединение, а не эмоции слушателя. В 1580 году «Камерата Барди» все вместе решили, что для того, чтобы вызывать эмоции, должен звучать только один голос за раз; так была придумана монодия (один поющий эмоциональный голос в сопровождении простых адекватных аккордов). «Эвридика» – самая ранняя опера, которая была опубликована; поэтому его выпуск в 1600 году знаменует собой эпохальный поворотный момент в европейской истории, такой как начало эпохи барокко (Жермен, 1998).

Раннее барокко

Греческое и римское классическое искусство стало чрезвычайно популярным в эпоху Возрождения и оставалось популярным в эпоху барокко; поэтому художники и музыканты продолжали создавать свои произведения искусства, руководствуясь мотивами греческой мифологии.

«p» Клаудио Монтеверди «L’Orfeo» (1607) – не только первая опера, которую он написал, но и первая широко известная «настоящая опера». Трагическая история Орфея и Эвридики привлекла многих композиторов. Хотя сюжет остается прежним, настройки и производительность изменились. Например, у Периди Эвридика и Монтеверди Орфео есть только общий популярный мотив, но воплощения этой истории совершенно разные. Монтеверди использовал в этой опере синтез всех музыкальных жанров и выразительных устройств, доступных ему в то время. В течение оперы есть мадригалы, эмоциональные соло (движение новой эры Барокко возрастающей популярности) и популярный в то время ритмичный танец. Монтеверди призывает к инструментальному ансамблю, который состоит из 40 инструментов, тогда как Эвридика Пери была написана только для 4 инструментов. Самый захватывающий мелодически и драматически сильный речитатив (крик Орфея), когда-либо написанный ранее или с тех пор, применяется здесь. Благодаря новой технике эмоционального сольного пения зрители чувствуют отчаяние Орфея во всех его проявлениях (Charles, 2009). Опера Монтеверди «L’Orfeo» связана с эмоциями с «Орфеем в подземном мире» (1594), написанным фламандским художником Яном Старшим Брейгелем (1568-1625). Ян Брейгель показывает Орфея в подземном мире. Эта картина все еще имеет черты маньеризма, но причудливое и грациозное позирование подземных существ на самом деле действительно естественно и абсолютно уместно. Более того, мастерски применяя свет, тьму и тени, Брейгель смог изобразить ужас и драму, что объясняет, почему Орфей не мог устоять перед искушением убедиться, что Эвридика следует за ним. Темная сцена представляет порабощенных и замученных людей; множество рептилий во всей композиции представляют зло, заблуждение и смерть. Орфей, играющий с лирой в Аид и Персефону, и река, которая осветляет, представляют единственную связь с жизнью. Брейгель противопоставляет яркие темные цвета фона подземного мира Орфею, Аиду и Персефоне, которые изображены в пастельных тонах (Sartorious, 2012).

Караваджо и Хэндл

Мотив крайнего натурализма и объединения светских и религиозных тем был еще одной характерной чертой эпохи барокко. Испанский художник Караваджо изобрел новый «натурализм» в истории искусства. Караваджо рисовал религиозные истории как повседневные сцены с людьми плебейского происхождения; он изобразил их бедную и грязную одежду. Его изобретение тенебризма или умелого использования света, теней и тьмы было перенято другими выдающимися художниками. В его «Джудит Декапитирующий Олоферн» интенсивный луч света создает впечатление остановки времени, когда меч Джудит вонзается в шею генерала. Такое использование света подчеркивает ужас момента и демонстрирует натурализм, который является главной чертой уникального художественного стиля Караваджо. Караваджо подчеркивает мрачность сцены, делая фон настолько темным, что невозможно увидеть какие-либо детали, кроме основного действия, вновь усиливающего драматическое воздействие. Джудит Караваджо очень не любит ее действия, она почти сопереживает его боли. Красная кровь с шеи генерала прекрасно подчеркивается красными шторами над ним. Существует заметный контраст между выражением лица Джудит и старушки. Старая леди на самом деле хочет быть вместо Джудит; она ненавидит генерала и не чувствует раскаяния. Тем не менее, Караваджо верен своим принципам и сосредотачивает внимание аудитории на одежде семнадцатого века; кажется, что он противопоставляет обычные аспекты библейскому событию (Marceau, 1995).

Джордж Фредерик Гендель объединил светские развлечения и сакральные тексты, что тогда было неприемлемо. На основе библейских текстов, Генделя «Мессия» был продлен музыкальное произведение, как опера, и для того времени это было спорное решение. Чтобы избежать проблем с духовенством, это было выполнено без костюмов или декораций, и у исполнителей не было определенных ролей. Сцена «Благовестие пастухам» Гендель взял из Евангелия от Луки: «Там были пастухи, которые ночевали в поле, сторожив ночью свои стада» (Евангелие от Луки, 1741). Эта фраза «secco», особенно дополняется континуо. Это соло сопрано, и это речитатив. Гендель подчеркивает линии расширенными колоратурами. Он использует как гомофонический, так и полифонический инструментальный фон, чтобы наилучшим образом передать контекст текста. Литавры выдвигают на первый план заключительное движение Часть II, Аллилуйя. Гендель применил четыре голоса, бас, тенор, сопрано и альт в хоровых движениях. Во время Аллилуйя Хэндл использует мелисму, многократное повторение слова «Аллилуйя». Он также применяет cantus firmus к длительным повторяющимся нотам, чтобы подчеркнуть величие и величие сцены (Sartorius, 2012).

Джентилески и Перселл

Мотивы смерти и гибели были еще одной характеристикой эпохи барокко. На Артемизию Джентилески (1593 – 1653) повлиял натурализм Караваджо и драматическое использование тенебризма. В своей картине «Джудит Декапитирующая Олоферн» она, как и Караваджо, использует абсолютную тьму для драматического эффекта. Ужас сцены подчеркивался кровью, которая течет из шеи генерала и окровавленных простыней. Джентилески изображает молодую женщину, которая совершает убийство с чувством уверенности и решительности, что было нетипичным для традиционной концепции женского характера того времени. Некоторые исторические факты указывают на то, что Артемизия была изнасилована; поэтому, возможно, по причине ее образа Джудит наделена физической силой таким образом, что позволяет аудитории почувствовать ее превосходство в этой конкретной ситуации. Она не наслаждается и не боится своих действий; она просто выполняет свой долг (Schaeffer, 2012).

В арии Генри Перселла, которую Дидона исполняет в своем «Дидоне и Энее» как раз перед ее самоубийством, аудитория снова и снова слышит, как опускается базовая линия, что является музыкальной иконой смерти. Более того, поскольку мелодичный материал задан второстепенно, впечатление усиливается явным сходством с похоронным маршем, который подчеркивает ритм арии. Эмоциональное воздействие настолько глубокое, что отчаяние, боль и горе Дидоны приводят аудиторию в слезы (Sartorius, 2012).

Рембрандт и Вивальди

Правители европейских стран хотели, чтобы эти произведения искусства приукрашивали их господство. Поэтому величайшим художникам в стиле барокко было поручено создавать произведения, прославляющие власть их покровителей. Рембрандт ван Рейн (1606 – 1669) был чрезвычайно популярным художником. Он был особенно известен своими портретами, но он также нарисовал много пейзажей, религиозных и светских сцен, где он изображал двух и более людей. В его «Ночном дозоре» гвардейцы и офицеры отмечают визит Марии Медичи в Амстердам в 1638 году. «Ночной Дозор» не только естественен, но и наполнен бодростью и динамизмом, свойственными компании, которая предвкушает Примечательное событие. Разнообразные члены собрания показаны занятыми организацией. Рембрандт умело использовал тенебризм, кьяроскуро, а также интенсивное и драматическое освещение, чтобы оживить свою картину (Charles, 2009).

Концерты Антонио Вивальди (1678-1741) («Четыре сезона», «Удовольствие», «Охота и шторм на море») были чрезвычайно успешными, особенно во Франции. «Весна» была неизменным фаворитом французского короля Людовика XV, который слушал его снова и снова и просил оркестр исполнять этот шедевр для него почти каждый день. По этой причине Вивальди получал различные комиссии от версальского суда за создание новых композиций (Schaeffer, 2012).

Бах и Рубенс

Великий французский композитор и писатель Пьер Шеффер однажды сказал: «Вас поразило, что музыка, которая считается самой возвышенной в западной цивилизации, а именно музыка Баха, называется барокко» (Schaeffer, 2012). Иоганн Себастьян Бах и Питер Пауль Рубенс являются настоящими представителями Barqueera. Их обильные и творческие произведения искусства пришли к воплощению крайних и конфликтных различий, которые характеризовали исторический период, известный как барокко. Иоганн Себастьян Бах (1685 – 1750) создал более 1100 композиций. Есть работы для голоса, органа, клавесина, различных сольных инструментов, канонов и других. Питер Пауль Рубенс (1577–1640) создал около 2000 картин за свою жизнь, на его картинах были изображены религиозные, классические (греческая и римская мифология) и светские сцены. Барокко было успешным во Фландрии, при поддержке Питера Рубенса (Charles, 2009).

Заключение

Стиль барокко отражает период времени. Когда наука открыла для себя новые вещи и Галилей опубликовал свою гелиоцентрическую теорию, люди стали все меньше и меньше преданны Богу. Поэтому искусство становилось все менее и менее религиозным по контексту. Например, Ян Вермеер создал картину «Географ», на которой изображен ученый. На других произведениях искусства изображены автопортреты (Рембрандт), солдатские или светские сцены. Греческий мотив оставался популярным, поэтому многие художники и музыканты продолжают создавать композиции с мифологическими героями. Однако некоторые художники продолжали создавать религиозные картины и композиции, такие как «Поднятие креста» Рубенса и «Осанна» Баха, известную скульптуру «Экстаз святой Терезы» Бернини. Барочные скульпторы, архитекторы, художники и музыканты искали способы отразить свои эмоции и чувства в различных движениях и устройствах. Такое барокко фигурировало как величественная драма, опера, напыщенность, жизненная сила, действие, напряжение, яркость, эра изобилия …

Религиозное искусство эпохи барокко. Ричард С. Данн. Эпоха религиозных войн. 1559—1689. Книги по истории онлайн. Электронная библиотека

   В искусстве, как и в науке, период с 1559 до 1689 г. продемонстрировал бунт против традиционных стандартов и ценностей. В конце XVI в. возрожденческий стиль в живописи, скульптуре и архитектуре меняется. XVII век дает нам новый стиль – барокко. На первый взгляд этот художественный бунт кажется необъяснимым. Период, когда искусство Возрождения достигло своего пика в первое тридцатилетие XVI в., историки называют Высоким Возрождением. В эти годы пять великих мастеров – Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан и Дюрер – выражали идеал красоты человеческого тела. Ни один из художников после них не смог достичь такой гармонии, любви к жизни при изображении человека. Как можно было превзойти чувственность Леонардо, восхваление мужского тела Микеланджело, идеализацию женщины у Рафаэля, буквально вибрирующие краски Тициана или искусство композиции Дюрера? Высокое Возрождение было настолько идеальным, что к 1620 г. оно перестало существовать. Микеланджело, осознав все проблемы унаследованного старого стиля, дал название новому направлению в искусстве, известному как маньеризм.
   В 1520 г. традиции Возрождения были также подорваны протестантским движением. Лютер отвергал религиозное искусство Высокого Возрождения. Он называл его еще более языческим, чем христианство, и возражал против всей католической традиции религиозного искусства. Протестанты считали, что богато украшенные церкви, наполненные статуями и изображениями святых, Девы Марии, Христа и Бога Отца, – это богохульство. Католики, безусловно, отрицали эти протесты еще более яростно, чем когда бы то ни было, защищая свою религиозную живопись. Но к середине XVII в. католики тоже признали искусство Возрождения слишком некомфортным для себя. Им было необходимо нечто иное для выражения прежних идей. Моральные и эстетические споры, борьба протестантов и католиков привели к появлению нового интереса к религиозной живописи, скульптуре и архитектуре.

«Эпоха барокко»

24 Октября в 18:00

В музыкально-театральной гостиной «Дома Гоголя» продолжается цикл лекций историка Юрия Марковича Вахтеля. Очередная встреча лектора со слушателями состоится 24 октября 2017 года в 18:00 и будет посвящена эпохе барокко.

Данная лекция будет посвящена барокко (дословно «жемчужина с пороком»), как новому мироощущению европейцев и художественному стилю в искусстве, выразившему это ощущение в период заката эпохи Возрождения.

Тридцатилетняя война (1618–1648), Контрреформация, голод и эпидемии опустошающие европейские города привели к изменению отношения человека к миру. Культ античности и идеалы эпохи Возрождения теряют свою власть над человеческими умами. На первом месте в системе ценностей человека эпохи барокко становится не разум, а бурная страсть, любовь к огромным чувствам, к экзальтации, к быстрому, изменчивому и блестящему. Барокко воспринимает мир как театр, отсюда пышная декоративность орнамента, демонстративность в стиле жизни и в искусстве.

Ведущими видами искусства барокко являются архитектура и живопись. Архитектура барокко — это архитектура дворцов и соборов периода абсолютной монархии. Главной постройкой этого стиля можно назвать Собор Святого Петра Микеланджело — последнего художника Возрождения и первого мастера нового стиля. Барокко открывает архитектуру как пространство города, улицы, площади, в этот период создаются ансамбли центра города во всех столицах Европы, включая Дворцовую площадь Санкт-Петербурга.

В живописи барокко идёт борьба света и тени (Караваджо) или бурное проявление чувственности (Рубенс), но всегда это столкновение мира сверхчувственного и реального. В России барокко не имеет трагического оттенка, оно радостное и жизнеутверждающее, какое и должно быть юное национальное искусство.

Лекция будет сопровождается обширным наглядно-иллюстративный материалом.

ВХОД ПО БИЛЕТАМ

ВОЗРАСТНОЕ ОГРАНИЧЕНИЕ: 12+

К списку лекций

Тест. Искусство барокко

Будьте внимательны! У Вас есть 10 минут на прохождение теста. Система оценивания — 5 балльная. Разбалловка теста — 3,4,5 баллов, в зависимости от сложности вопроса. Порядок заданий и вариантов ответов в тесте случайный. С допущенными ошибками и верными ответами можно будет ознакомиться после прохождения теста. Удачи!

Список вопросов теста

Вопрос 1

Как называется потолок или его часть, украшенная живописью, мозаикой или лепкой?

Вопрос 2

Как называется гравюра на меди или цинке с рисунком, протравленным кислотой, а также оттиск с такой гравюры?

Вопрос 3

Какой художник написал серию картин по заказу Марии Медичи, которые должны были иллюстрировать различные эпизоды её жизни?

Варианты ответов

• Караваджо
• Рембрандт
• Веласкес
• Рубенс

Вопрос 4

Какое прозвище было у итальянского мастера Джованни Баттиста Гаулли?

Вопрос 5

Соотнесите произведения искусства эпохи барокко и их авторов.

Варианты ответов

• фреска «Поклонение имени Иисуса»
• триптих «Водружение креста»
• картина «Отречение апостола Петра»
• опера «Орфей»
• концерт «На рождественскую ночь»

Вопрос 6

Охарактеризуйте произведение искусства эпохи барокко, представленное в задании.

Варианты ответов

• изображены Минерва, Меркурий и Апполон
• изображена коронация Марии Медичи
• автор Рембрандт
• написана по заказу Марии Медичи

Вопрос 7

Как называется картина, представленная в задании?

Варианты ответов

• «Отречение апостола Петра»
• «Ночной дозор»
• «Ослепление Самсона»
• «Возвращение блудного сына»

Вопрос 8

Верно ли, что Арканджело Корелли создал классический образец одного из главных инструментальных жанров барокко — сoncerto grosso? 

Варианты ответов

Вопрос 9

Какие из представленных суждений относятся к музыкальному произведению Баха «Страсти по Матфею»?

Варианты ответов

• написано в 1729 году
• исполняется в течение 2 часов
• содержит арию альта си минор «Сжалься надо мной, Господи»
• содержит монолог Музыки
• содержит адажио апостола Петра

Вопрос 10

Как называется и где находится представленная в задании плафонная живопись?

Варианты ответов

• «Поклонение имени Иисуса»
• «Сотворение мира»
• «Дары волхвов»
• церковь Иль Джезу в Риме
• собор Святого Петра в Риме

Западные гуманитарные науки: искусство барокко

Продолжая свою серию, основанную на этой книге, сегодня я обращаюсь к искусству барокко.

«Барокко — это ярлык преобладающего культурного стиля семнадцатого века». Этот термин впервые был пренебрежительно использован художниками и учеными восемнадцатого века и, вероятно, произошел от португальского слова «barroco», означающего несовершенную жемчужину.

Western Humanities включает две главы, посвященные эпохе барокко, посвященные искусству, литературе, музыке, политике и науке.В этом посте я сосредоточусь на искусстве барокко, которое авторы делят на три стиля: флоридский, классический и сдержанный.

Флоридское барокко

Стиль цветочного барокко напрямую связан с контрреформацией. Во время Тридентского собора (1545-1563) лидеры римско-католической церкви подчеркивали необходимость «нового искусства, которое было бы приспособлено к потребностям церкви и излагало правильные богословские идеи, легко понимаемые массами». Флоридское барокко отличается драматизмом, эмоциональностью, мощью, реализмом и театральными эффектами.Популярными темами были экстатические видения святых и страдания Иисуса.

Базилика Святого Петра в Риме является ярким примером архитектуры флоридского барокко.

Пожалуй, лучшим образцом скульптуры в стиле флоридского барокко является «Экстаз Святой Терезы» Джанлоренцо Бернини.

Великие художники стиля флоридского барокко — Караваджо, Артемизия Джентилески, Андреа Поццо, Диего Веласкес и Питер Пауль Рубенс.

Обращение святого Павла Караваджо, 1600–1601 Юдифь и ее служанка с головой Олоферна Артемизия Джентилески, ок.1625 Аллегория миссионерской работы иезуитов Андреа Поццо, ок. 1621-25 Las Meninas Диего Веласкеса, 1656 Воспитание Марии Медичи Питера Пауля Рубенса, 1621-25

Классическое барокко

Во Франции, где искусством руководил королевский двор, а не церковь, классическое барокко продемонстрировало светскую направленность и ценности простоты и достоинства.

Ярчайшим образцом архитектуры классического барокко является Версальский дворец, реконструированный Луи Ла Вау и Жюлем Ардуэном-Мансаром для короля Людовика XIV.

Единственный художник эпохи классического барокко, представленный в The Western Humanities , — это Николя Пуссен. «Хотя он был вдохновлен использованием Караваджо света и тьмы, стиль, который создал Пуссен, был уникально его собственным, отстраненным, почти холодным подходом к его предмету и чувством единства человека с природой».

Et in Arcadia Ego Николя Пуссен, ок. 1640

Сдержанное барокко

Третий (и наименее богатый) стиль искусства барокко был сформирован протестантской культурой Северной и Западной Европы.

Самым известным архитектором стиля сдержанного барокко является сэр Кристофер Рен, шедевром которого является собор Святого Павла в Лондоне.

Без сомнения, вы слышали по крайней мере об одном из выдающихся художников сдержанного барокко: Рембрандте ван Рейне. Двое других — Ян Вермеер и Энтони Ван Дайк.

Ночной дозор Рембрандта, 1642 Кружевница Ян Вермеер, ок. 1664 Лорды Джон и Бернард Стюарты Энтони Ван Дайк, ок. 1639

Надеюсь, вам понравился этот головокружительный тур по искусству и архитектуре барокко!

Прокомментируйте, пожалуйста, если у вас есть тема или временной период западной культуры, которыми вы хотели бы, чтобы я затронул в следующий раз.

Связанные

Искусство барокко | Искусство и история искусства

Весна 2010

Искусство барокко в Италии, Франции, Испании и испанских Нидерландах

Внесено в список: Искусство и история искусства, как ARHA-56 | Европейские исследования, as EUST-56

Faculty

Nicola M.Courtright (Раздел 01)

Описание

(Предлагается как Искусство 56 и Европейские исследования 56.) После канонизации понятия художественного гения в итальянском Возрождении и последующей творческой лицензии художников, известных как маньеристы, явления, спонсируемые по всей Европе щедрость купцов, придворных, аристократов, князей и церковников в равной степени привела к кризису европейского общества — и искусства — во второй половине шестнадцатого века. Отвергнутые догмы веры, сопровождаемые научными открытиями и грубыми политическими изменениями, вызвали пересмотр фундаментальных ценностей, которые лежали в основе многих аспектов жизни и общества в Европе в начале семнадцатого века, что является отправной точкой этого курса.Неожиданно эти потрясения привели к новому распространению инновационного искусства. В наш век удивительно разнообразного художественного творчества парадоксов было предостаточно. Некоторые художники искали иллюзию реальности, имитируя неулучшенную, даже низменную природу, внимательно наблюдая за человеческим телом, ландшафтом и обычными скромными предметами повседневного использования, в то время как другие продолжали стремиться к совершенству, возвращаясь к неявным высоким принципам. в древних художественных канонах идеальности. Более чем когда-либо прежде художники исследовали выражение страсти через драматические повествования и резко раскрывающую портретную живопись, но, как известно, художники также наполняли искусство, призванное вдохновлять религиозную преданность безграничным эротизмом или кровавыми деталями мучительных страданий и ужасной смерти.Они изображали доминирующих политических лидеров как порочных смертных — даже высмеивали их с помощью нового искусства карикатуры — в то же время они разработали мощный и убедительный словарь для выражения абсолютистской политической власти правителей. Этот класс, основанный на лекциях, но регулярно включающий дискуссии, будет подробно изучать избранные произведения живописи, скульптуры и архитектуры, созданные художниками в странах, которые остались католическими после религиозных разногласий этого периода.g., Караваджо, Бернини, Пуссен, Веласкес и Рубенс в Италии, Франции, Испании и испанских Нидерландах, а также задействовали культурные, социальные и интеллектуальные рамки для своих достижений. Верхний уровень.

Необходимые условия: еще один курс истории искусств или согласие преподавателя. Ограничено 25 студентами. Весенний семестр. Профессор Кортрайт.

Время и расположение курсов

ARHA 56 — L / D

Раздел 01
Вт 11:30 — 12:50 FAYE 117
Чт 11:30 — 12:50 FAYE 117

Предложения

2020 -21: Не предлагается
Другие годы: Предлагается весной 2010 г., осенью 2013 г., осенью 2016 г., весной 2022 г.

художников эпохи барокко

ИСКУССТВО БАРОККО: ХУДОЖНИКИ ПЕРИОДА БАРОККО

Когда я восхищаюсь шедевром барокко, я всегда помещаю художников того периода в мир кино.Насколько я понимаю, художников искусства барокко были бы режиссерами фильмов с эффектными спецэффектами.
Когда я вижу произведение искусства, я часто представляю себе, что художник, создавший его сегодня, мог бы быть художником, таким как Дэмиен Херст , или архитектором и дизайнером, таким как Заха Хадид , или кем-то еще.

К концу 16 ^-го века в Италии родилось поколение художников, создавших работы, которые развили новый стиль, : Искусство барокко.
В руках церкви и европейских королевств искусство стало мощным инструментом пропаганды и убеждения, способным удивлять, но также и передавать религиозные догмы после протестантской Реформации.

Художники барокко

Джан Лоренцо Бернини (1598-1680) — один из ведущих художников эпохи барокко года. Архитектор, художник, а также художник-постановщик , он работал на кардинала Сципионе Боргезе, который заказал ему четыре скульптуры, которые до сих пор считаются шедеврами барокко: «Эней, Анхис и Асканий»; «Похищение Прозерпины»; «Давид» и «Аполлон и Дафна» (все они сейчас выставлены в галерее Боргезе в Риме).Бернини был светским человеком, возможно, первым в истории звездным архитектором; он был столь же блестящим, сколь и высокомерным.

Франческо Борромини (1599–1667) — еще один великий архитектор эпохи барокко, вместе с Бернини, с которым он работал над планами Балдахина Святого Петра, но с которым Борромини спорил всю свою жизнь.
Перфекционист и интроверт, Борромини всю жизнь рисковал быть затмеваемым Бернини.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: Что посмотреть в Риме.

Караваджо (1571-1610) — крупнейший художник эпохи барокко.
Его картины имеют уникальный стиль и оказали решающее влияние на все последующие произведения искусства .
Хотя он никогда не основывал мастерскую и никогда не имел учеников, несколько художников черпали вдохновение непосредственно из его художественного стиля, и по этой причине их называли «караваджистами» или «каравагесками».

Картина Караваджо характеризуется 3 элементами:

1. реализм , который заставляет его рисовать сцены, заполненные персонажами, которые, кажется, в то время покидают улицы Рима;
2. использование светотени , что позволило ему создавать лица и тела, которые кажутся трехмерными;
3. сцен драматических, театральных, , с вниманием к самому трагическому моменту.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: Натюрморт Караваджо: Корзина фруктов Караваджо.

Караваджо, Deposizione nel sepolcro (1600–1604 гг.). Представьте себе da it.wikipedia.org.

Андреа Поццо (1642-1709) был архитектором, художником, декоратором, но, прежде всего, он был теоретиком итальянского барокко.
Его теоретическое эссе Perspectiva pictorum et architectorum ( Правил и примеров перспективы для художников и архитекторов ), написанное между 1693 и 1698 годами, было одним из первых руководств по перспективе для художников и архитекторов, и, фактически, это была отправная точка для создания всех архитектур и декораций, характеризующихся иллюзорными эффектами.

Пьетро да Кортона (1596-1669) был одной из ключевых фигур в возникновении архитектуры римского барокко вместе с Бернини и Борромини.
Он спроектировал Папский дворец Кастель Гандольфо таким, каким мы его видим сегодня.

WebMuseum: Baroque

WebMuseum: Baroque

---

Период барокко, эпоха в истории западного искусства примерно совпадающий с 17 веком. Самые ранние его проявления, которые произошел в Италии, датируется последними десятилетиями 16 века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, некоторые из его кульминационных достижений не произошли до 18-го век.Произведение, которое отличает период барокко, — это стилистически сложный, даже противоречивый. Однако в целом желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто в драматическими способами, лежащими в основе его проявлений. Некоторые качества с барокко чаще всего ассоциируются величие, чувственность богатство, драма, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональный подъем, и тенденция стирать различия между различными искусствами.

---

Термин, используемый в художественной литературе как с исторической, так и с исторической точки зрения. критические значения и как прилагательное, так и существительное.Слово имеет долгую, сложную и противоречивую историю (возможно, от португальского слова для деформированной жемчужины, и до позднего 19 века оно использовалось в основном как синоним «абсурд» или «абсурд». ‘гротеск’), но в английском языке сейчас есть три основных смыслы.

• В первую очередь, обозначает доминирующий стиль европейского искусства между Маньеризм и Рококо. Этот стиль зародился в Риме и ассоциируется с католическим. Контрреформация, ее основные характеристики — открытая риторика и динамическое движение — хорошо подходят для выражения уверенность в себе и прозелитический дух воодушевленных Католическая церковь.Это никоим образом не связано исключительно с религиозное искусство, а аспекты барокко можно увидеть даже в произведениях, не имеющих ничего общего с эмоциональным проявлением — для пример в динамичных линиях некоторых голландских натюрмортов картины.
• Во-вторых, он используется как общий ярлык для периода, когда это расцвет стиля, в общем, 17 век и в некоторых области большая часть 18 века. Отсюда такие фразы, как «возраст Барокко, политика барокко, наука барокко и т. Д.
• В-третьих, термин «барокко» (часто пишется без начального капитал) применяется к искусству в любое время и в любом месте, которое показывает связанные качества энергичного движения и эмоциональной напряженности с искусством барокко в его изначальном значении. Много Эллинистическая скульптура поэтому его можно назвать «барокко».

Старое значение этого слова, как синонима «капризный», «перегруженный» или «витиеватый», все еще имеет некоторую валюту, но не в серьезная критика.

Караваджо и Аннибале Карраччи две великие фигуры, стоящие во главе традиции барокко, придавая Итальянская живопись, которая в конце 16 века в основном была искусственные и часто замысловатые по стилю.При этом они смотрели вернуться в какой-то мере к достойному и гармоничному искусству Высшего Эпоха Возрождения, но в работе Аннибале есть изобилие, которое полностью принадлежит ему, и Караваджо создавал фигуры с беспрецедентным чувством чистой физическое присутствие. Барокко унаследовало от стиля маньеризма движение и пылкие эмоции, а от ренессансной солидности и величие, слияние двух влияний в новое и динамичное целое. Высший гений искусства барокко был Джанлоренцо Бернини, художник безграничной энергии и высшей виртуозности, чье творчество — проникнуто с полным духовным убеждением — преобладает период, который иногда называют `Высокое барокко ‘(ок.1625-75). Чуть позже Андреа Поццо знаменует собой кульминацию в Италии тенденции барокко к в высшей степени грандиозный показ.

В 17 веке Рим был художественной столицей Европы, и стиль барокко вскоре распространился наружу, претерпев изменения в каждой из стран, в которые он мигрировал, по мере того, как он сталкивался разные вкусы и взгляды и слились с местными традициями. В некоторых областях он стал более экстравагантным (особенно в пылких религиозная атмосфера Испании и Латинской Америки), а в других смягчено, чтобы удовлетворить более консервативные вкусы.В католической Фландрии у него был один из лучших расцветов в творчестве Рубенс, но в соседней Голландии, преимущественно протестантской стране, барокко сделало сравнительно небольшое вторжение; и никогда не потребовалось прочный корень в Англии. Во Франции барокко нашло свое величайшее развитие. выражение в служении монархии, а не церкви. Людовик XIV осознал важность искусства как средства пропаганды. в продвижении идеи его царственной славы и его дворца в Версаль — с его грандиозным сочетанием архитектуры, скульптуры, живопись, декор и (что немаловажно) искусство садовника — представляет собой один из величайших примеров смешения искусств в стиле барокко чрезвычайно впечатляющее целое.(Немецкий термин Gesamtkunstwerk — «полное произведение искусства» — был применен к это идеал.) Во Франции, как и в других странах, стиль барокко незаметно слился. с последовавшим за ним стилем рококо.

---

14 октября 2002 г., Николас Пиох — Вершина — Вверх — Информация
Благодаря Фонду BMW, Веб-музею зеркала партнеры и участники за их поддержку.

Искусство барокко — Wikimedia Commons

Из Wikimedia Commons, бесплатное хранилище мультимедиа

Перейти к навигации Перейти к поиску

Живопись в стиле барокко [править]

• Апофеоз Иакова I, Питер Пауль Рубенс

• Германия, Трир, церковь Санкт-Паулин, потолочная фреска Кристофа Томаса Шеффлера

• Prunksaal — Австрийская национальная библиотека.Роспись потолка, выполненная Даниэлем Граном (1694–1757) и законченная в 1730 году.

• Картина Порциункола в приходской церкви де: Кастельрут

• Из приходской церкви Кастельрут; художник Франц Зебальд Унтербергер

• Потолки часовни в стиле барокко монастыря Сент-Мари-д’эн-О (Musée dauphinois) в Гренобле.

• Джованни Баттиста Тьеполо — Аллегория добродетели и благородства

Прикладное искусство барокко [править]

• Орган в стиле барокко XVIII века испанского Гомеса Эррера, монастырь Санта-Крус, Коимбра, Португалия

• Часы с эмалью и цветами

• Эта великолепная церемониальная чаша в стиле позднего барокко была изготовлена ​​для Августа Сильного (1670-1733), курфюрста Саксонии и короля Польши.

• Резьба по дереву позолоченная; запрестольный образ в обители Кастильвьехо (Медина-де-Риосеко в Вальядолиде, Испания)

• В Нюрнберге около 1600 года такие крытые винные чашки назывались чашами «Траубен» (виноград, гроздь винограда). Чашка была сделана из листа серебра, выбитого до позолоты в форме «виноградной».

• Реликварий в стиле барокко с Богородицей и младенцем

• Rikt skulpterade орнамент, tre jaktscener.Enkel montering i fögeryllt silver. På locket en bågskutande Amor. Under botten en erotisk sce. På varje fot en frukt av fögeryllt silver.

Скульптура барокко [править]

• Статуя из гробницы Шарлотты де ла Тремойль, принцессы Конде (1568–1629)

• Памятник Шарлю де Витри (1705 г.), деталь: Иисус попирает Змею ногой. Амьенский собор.

• Портрет африканского короля. Камея Агаты, вторая половина XVI века; золото и эмаль

• Gstettenhof в Грестене, Нижняя Австрия

• Парк де Версаль, полусвета бассен дю Шар-д’Апольон. Aristée attachant le dieu marin Protée à un rocher pour le forcer à lui dévoiler son avenir, Себастьян Слодц, 1688-1723 гг.

• Позолоченная резная композиция из дерева с изображением Иисуса с ангелом в оливковом саду из Валь-Гардены.

• Статуя «Нуэстра Сеньора де лас Ангустиас», святого покровителя города, в одноименной базилике, Гранада, Испания.

• Орган в Лаонском соборе (1697-1700).

• Золотурн: Statuen der St. Ursenkathedrale an der Westfassade

• Серебряная статуя Богородицы в стиле барокко

• Статуя св. Игнатия работы Пьера Ле Гро, сплав серебра и меди. Часовня св. Игнатия в Джезу, Рим.

Архитектура барокко [править]

• Корбах (Гессен, Германия) — Дом Хартвига — портал в стиле барокко (1720 г.) — Иосиас Вольрат Брюцель

• Портал в стиле барокко, Палаццо Бруни Контер в Брешии

• Главный вход в «Настоящую Ханциллерию», ныне Высокий суд Андалусии, 16 век, Гранада, Испания

• Зимний манеж Испанской школы верховой езды (Spanische Hofreitschule) в Вене, Австрия.

церкви в стиле барокко [править]

• Вид изнутри церкви Святого Павла в Трире (Германия).

• Бонн (Северный Рейн-Вестфалия, Германия) — Бад-Годесберг — часовня Святого Михаила — интерьер в стиле барокко.

• Аббатство Авербоде (Бельгия): интерьер церкви.

• Церковь Миаг-ао была построена в 1786 году испанскими миссионерами-августинцами и в 1993 году внесена в список Всемирного наследия ЮНЕСКО «Барочные церкви Филиппин».На переднем фасаде, окруженном двумя колокольнями сторожевой башни, можно увидеть уникальное сочетание испанского и местного влияний.

• Мадонна Бернардо Фалькони на церкви Мария ди Назарет в Венеции

• Алтарь церкви Святого Казимира в Вильнюсе (Литва).

• Один из фасадов барочного собора Гуадикс, Андалусия, Испания

• Петропавловский собор, Санкт-Петербург

• Иконостас в стиле барокко-классицизм (XVIII в.) в греко-католической церкви Святого Михаила Архангела в музее под открытым небом Любовня (Словакия)

• Смольный собор

дворцы в стиле барокко [править]

• Дворец Нимфенбург (нем. Schloss Nymphenburg) — дворец в стиле барокко в Мюнхене, Бавария, Германия. Дворец был летней резиденцией правителей Баварии.

• 168-метровый участок Вюрцбургской резиденции, построенный принцами-епископами Вюрцбурга с 1719 по 1780 год.Это самая значительная резиденция позднего барокко в Европе. Он был внесен в Список всемирного наследия ЮНЕСКО в 1981 году.

• Isola Bella, Stresa (VB), une des îles Borromées, dans le lac Majeur. Palais Borromée, plafond de la salle de bal.

Музыка барокко [править]

Искусство барокко по странам [править]

Польша [править]

См. Также Барокко в Польше и Категория: Искусство барокко в Польше

9.3: Итальянское барокко (1580-е — начало 1700)

Италия стала пионером эпохи барокко, когда художники соединили великий стиль живописи эпохи Возрождения с эмоциональной драматичностью периода маньеризма. Италия была центром искусства на протяжении более двух веков, и период барокко не был исключением, поскольку он распространился по всей Европе. Караваджо, Джентилески и Бернини создали стили периода барокко с дополнительным акцентом на эмоциональное искусство.

Одним из наиболее убедительных авторов искусства барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610), который родился в Милане, Италия.Используя революционный процесс, Караваджо создал освещенное освещение, резкий контраст между светлыми и темными областями, чтобы создать драматические религиозные сцены, в которых человеческая форма появляется из глубокой тени. Тенебризм с его сильными различиями света и тьмы стал процессом живописи, используемым для барокко в Италии.

Презирая традиционную идеализированную интерпретацию религиозных сюжетов, Караваджо взял свои модели с улиц и нарисовал их реалистично. В Распятие Святого Петра (9.7) Караваджо показывает восхождение креста Святого Петра прямо на глазах у зрителя. Караваджо был мастером секуляризации религиозного искусства, изображая обычных людей, грязь и все такое. Кажется, будто он намеренно рисовал, чтобы шокировать и оскорбить зрителя, делая картину еще более увлекательной.

9.7 Распятие святого Петра 9.8 Призвание святого Матфея

Призвание святого Матфея (9.8) иллюстрирует момент, когда Христос взывает к Матфею, когда они смотрят друг на друга через комнату, их позиции обозначены стрелой свет.Свет появляется за пределами кадра, контрастируя мужчин за столом светлыми и темными тенями. Резкое использование света освещает те участки картины, которые Караваджо считал важными, например, руку Христа, указывающую на Мэтью, а затем отбрасывает несущественные элементы в глубокие тени. Драматический эффект смелый, сильный и запечатлел момент, когда Христос якобы сказал: «Следуй за мной».

Первая художница-феминистка, Артемизия Джентилески (1593–1653), следовала Караваджо в стиле и театральном освещении.Джентилески была первой женщиной-художником, которая стала известной в свое время, изображая картины на феминистские темы. Используя методы светотени эпохи Возрождения и объединив их с использованием света Караваджо, Джентилески создал Юдифь и ее служанку (9.9). На большинстве своих картин она изображала женщин в качестве главных героев, которые являются смелыми, сильными и непокорными, без общих женских черт слабости и робости. На этой яркой картине две женщины только что убили Олоферна, и его голова находится в корзине, которую она несет.Торжественно стоя после обезглавливания, они знают опасность, но не выказывают страха. Эстер перед Ахашверошем (9.10) следует той же теме, Эстер, и еврейская героиня появляется перед королем, чтобы умолять своего народа, теряя сознание от стресса своих действий.

9.9 Юдифь и ее служанка 9.10 Есфирь перед Артаксерксом

Джан Лоренцо Бернини (1598–1680), один из величайших скульпторов 17 века и, возможно, один из самых впечатляющих архитекторов Рима, спроектировал скульптуры для различных частей церквей Рима, включая собор Святого Петра.Бернини создал романтический стиль скульптуры в период барокко, впервые выразив эмоции и движение. Он вырезал свои статуи в форме историй, хождение вокруг скульптурных фигур раскрыло сказку, историю, рассказанную в камне. На Бернини сильно повлияли мраморные скульптуры греческой и римской античности, которые он изучал, но он сделал еще один шаг вперед. Балдахино (балдахин на четырех столбах) (9.11) над главным алтарем в Санкт-Петербурге построен из четырех огромных витых и рифленых мраморных столбов, парящих над алтарем, украшенных херувимами и витыми оливковыми и лавровыми ветвями.Капители на вершине каждой колонны украшены вырезанными ангелами, держащими гирлянды, вся конструкция соединена наверху крестом и золотым глобусом.

9.11 Baldacchino Бернини

Одно из самых значительных достижений и выдающихся работ Бернини находится в часовне Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим. Ecstasy of Saint Teresa (9.12) — это кульминация способности Бернини использовать архитектуру, скульптуру и дизайн театральных декораций для создания запрестольного образа, подобного сценическому представлению, построенного из камня.

9.12 Экстаз Святой Терезы

На сцене лежала Святая Тереза, плывущая на каменном облаке (9.13). Вырезанная из блестящего белого мрамора, она находится в тот самый момент, когда ей ударили стрелой ангела божественной любви (9.14). Длинные позолоченные потоки золота за спиной святого освещены скрытым окном, создающим иллюзию света с небес.

9.13 Ангел и святая Тереза 9.14 Santa Teresa 9.15 Боковые боксы

Бернини создал театральный опыт для всех членов церкви, создав ложи для оперы с каждой стороны святого (9.15). Многие члены семьи Корнаро могут быть найдены в ящиках, вырезанных в разных позах, вовлеченных в глубокую беседу, молитву или чтение книги. Сложная аранжировка рассказывает историю, возрождая страсти Христа и приглашая зрителя на сцену.

Школа истории искусств Сартла: искусство барокко | Сартл

Искусство барокко зародилось, потому что католики стали завидовать тому, что люди предпочитали лютеранство католицизму во время протестантской Реформации в середине 16 века, и они хотели показать всем, насколько они удивительны.Критика таких мелочей, как «папское первенство» (что означает, что все другие епископы должны преклоняться перед епископом Рима) и «превосходство» со стороны протестантов, начала отталкивать людей от католической церкви.

В ответ католики решили, что им нужно снова связаться с простыми людьми. Но поскольку простые люди в то время почти всегда были неграмотными, им приходилось общаться с ними через искусство, а точнее, самое выдающееся искусство, которое когда-либо видел этот мир.Это включало интенсивные сцены мученичества, религиозных видений, насилия, смерти, все с использованием движения, света и ярких цветов. Это был резкий контраст с довольно скучными и плоскими сюжетами эпохи Возрождения. Конечно, Возрождение могло быть возрождением культуры, но это не значит, что это не было чем-то вроде праздника дремоты.

Я имею в виду, что именно такой тип стабильности и равновесия можно найти в произведениях эпохи Возрождения:

Мадонна в скалах Леонардо да Винчи в Лувре

Vs.это довольно тревожное изображение барочной дурацкой бури:

Юдифь обезглавливает Олоферна Караваджо в Национальной галерее античного искусства

И вот эта простая и понятная штука (если уж единорог довольно крутой):

Портрет молодой женщины с единорогом Рафаэля в галерее Боргезе

Vs. это оргазмическое проявление благочестия:

Экстаз Святой Терезы Бернини в Санта-Мария-делла-Виттория

Я уверен, вы заметите разницу.Искусство барокко обладает всей страстью девочки-подростка в драматическом клубе, которая готова к ее крупным планом. Хотя термин «барокко» начался как оскорбление. Буквальное значение — «жемчужина странной формы» — слабое слово, если я когда-либо слышал его. Это означало, что произведение было слишком преувеличенным, а детали — слишком яркими. Художники барокко не возражали, потому что, собственно, дело было именно в этом. И все знают, что работа предыдущего движения — ненавидеть движение, которое последует за ним, так как задача следующего движения — получить большое количество радости и удовлетворения от разочарования своих старших.

Звездными игроками движения были Диего Веласкес, Питер Пауль Рубенс, Караваджо, Бернини, Рембрандт, Вермеер, Артемизия Джентилески и многие другие. Хотя движение распространилось по всей Европе от Испании до Нидерландов, у всех этих художников была одна важная черта, а это прежде всего драма, драма, драма. Драма в свете. Драма с движением. Драма в композиции. Это был период полового созревания истории искусств.

Но не вся драма была религиозной.Страны, которым было безразлично, вернут ли католики всех людей, перешедших в лютеранство, использовали стиль барокко только для того, чтобы делать автопортреты и тому подобное. На примере милого маленького Рембрандта.

Автопортрет Рембрандта в Маурицхёйсе

Но затем были типичные художники барокко, решительно настроенные напугать неграмотных людей католических стран до благочестия, как Артемизия Джентилески. У нее также был топор против мужчин, потому что ее изнасиловал ее наставник Агостино Тасси, который отбыл 7 месяцев тюремного заключения, а затем был освобожден, в то время как Джентилески подвергали пыткам с накатанной головкой и выдавали замуж за какого-то рандо во Флоренции.В конце концов семья Медичи подобрала ее и дала кучу денег и художественную свободу, в результате чего была создана ее собственная версия Юдифь, обезглавливающая Олоферна , а также многие другие картины, на которых мужчины умирают. Она действительно родилась в самый подходящий момент, чтобы выразить всю сдерживаемую ярость, которая гноилась в ней из-за обращения с женщинами.

Юдифь обезглавливает Олоферна Артемизия Джентилески в галерее Уффици

Примерно через 130 лет этой мрачной драматической истории мир решил, что этого достаточно.Им нужен был перерыв. Что-нибудь более легкое и пушистое, чтобы заполнить их салоны и сердца. Католическая церковь обвиняла / напугала достаточно людей, вернувшись в свои церкви, и люди просто устали от обезглавливания, смерти, насилия и распятых Иисуса. Получился прямо противоположный крайний… рококо. Зефир художественных течений. Художники эпохи барокко, как и художники эпохи Возрождения до них, без сомнения, ужаснулись тому, что будет дальше.