История импрессионизма: Книга: «История импрессионизма» — Джон Ревалд. Купить книгу, читать рецензии | The History of Impressionism | ISBN 978-5-17-064461-2

ИМПРЕССИОНИЗМ | Энциклопедия Кругосвет

ИМПРЕССИОНИЗМ (фр. impressionnisme, от impression – впечатление) – направление в искусстве конца 1860-х – начала 1880-х годов, главной целью которого была передача мимолетных, изменчивых впечатлений. Импрессионизм основывался на последних открытиях оптики и теории цвета; в этом он созвучен духу научного анализа, характерному для конца 19 в. Наиболее ярко импрессионизм проявился в живописи, где особое внимание уделялось передаче цвета и света.

Импрессионизм появился во Франции в конце 1860-х годов. Его ведущие представители – Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей и Жан Фредерик Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Эдуар Мане и Эдгар Дега, хотя стиль их произведений нельзя назвать импрессионистическим. Слово «импрессионизм» происходит от названия картины Моне Впечатление. Восходящее солнце (1872, Париж, музей Мармоттан), представленной на выставке 1874.

Название подразумевало, что художник передает только свое мимолетное впечатление от пейзажа. Сейчас термин «импрессионизм» понимается шире, чем просто субъективное видение художника: как тщательное изучение натуры, в первую очередь с точки зрения цвета и освещения. Такая концепция по сути противоположна традиционному, идущему еще от эпохи Возрождения пониманию главной задачи живописи как передачи формы предметов. Целью импрессионистов было изображение мгновенных, как бы «случайных» ситуаций и движений. Этому способствовали асимметричность, фрагментарность композиций, использование сложных ракурсов и срезов фигур. Картина становится отдельным кадром, фрагментом подвижного мира.

Пейзажи и сцены из городской жизни – пожалуй, наиболее характерные жанры импрессионистической живописи – писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков. Импрессионисты пристально всматривались в натуру, замечая цвета и оттенки, обычно невидимые, например синий в тенях. Их художественный метод состоял в разложении сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра. Получались цветные тени и чистая светлая трепетная живопись. Импрессионисты накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины, размер мазков варьировался. Иногда, например для изображения ясного неба, они сглаживались кистью в более ровную поверхность (но даже и в этом случае подчеркивалась свободная, небрежная живописная манера). Основная черта картин импрессионистов – эффект живого мерцания красок.

Камиль Писсарро, Альфред Сислей и Клод Моне в своем творчестве отдавали предпочтение пейзажам и городским сценкам. Огюст Ренуар писал людей на лоне природы или в интерьере. Его творчество прекрасно иллюстрирует характерную для импрессионизма тенденцию к стиранию граней между жанрами. Такие картины, как Бал в Мулен де ла Галетт (Париж, музей Д’Орсе) или

Завтрак гребцов (1881, Вашингтон, галерея Филлипс), представляют собой красочные воспоминание о радостях жизни, городской или деревенской.

Аналогичные поиски передачи световоздушной среды, разложения сложных тонов на чистые цвета солнечного спектра происходили не только во Франции. К импрессионистам причисляют Джеймса Уистлера (Англия и США), Макса Либермана, Ловиса Коринта (Германия), Хоакина Соролья (Испания), К.А.Коровина, И.Э.Грабаря (Россия).

Импрессионизм в скульптуре подразумевает живую свободную моделировку текучих мягких форм, которая создает сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершенности. В позах точно уловлен момент движения, развития; фигуры как будто сняты с помощью скрытой камеры, как, например, в некоторых работах Э.Дега и О.Родена (Франция), Медардо Россо (Италия), П.П.Трубецкого (Россия).

В начале 20 в. в живописи наметились новые тенденции, выразившиеся в отказе от реализма и обращении к абстракции; они стали причиной того, что более молодые художники отвернулись от импрессионизма. Однако импрессионизм оставил богатое наследие: в первую очередь интерес к проблемам цвета, а также пример смелого разрыва с традицией.

Проверь себя!
Ответь на вопросы викторины «Неизвестные подробности»

Какой музыкальный инструмент не может звучать в закрытом помещении?

История импрессионизма | Кванториум 71

В рамках «Недель искусств» ребята первого тульского детского технопарка «Кванториум» работали над предложенными кейсами. Ребята из «Аэроквантума» под руководством Феофилова Сергея Владимировича изучили такое течение искусства как импрессионизм.

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру.

Во время выполнения кейса, ребята много узнали об импрессионизме. Например, что первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant), ныне в Музее Мармоттен, Париж, написанный в 1872 году дал рождение термину «импрессионизм»: малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье в журнале «Le Charivari» для выражения своего пренебрежения обозвал группу «импрессионистами».

Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление.

Как понять, что перед Вами импрессионизм?

• если края предметов и тел на полотне растворены в воздухе
• если они написаны чистыми, а не смешанными красками
• если изображено случайное, а не типичное

Как понять, что перед Вами импрессионизм? •       если края предметов и тел на полотне растворены в воздухе •       если они написаны чистыми, а не смешанными красками •       если изображено случайное, а не типичное

Признаки картины импрессионизма:

1.Размытые контуры и нечеткость

2. Чистый цвет
3. Много воздуха
4. Свет — яркий, солнечный

Художественные средства:

• Яркий и гармоничный колорит
• Использование воздушной перспективы
• Восприятие природы как бесконечную смену впечатлений

Также ребята узнали, что самая дорогая импрессионистская картина стоит 81,4 миллиона долларов.

Кванторианцы узнали, что именно от картины К. Моне «Впечатление. Восход солнца» и получило название течение «импрессионизм. К сожалению, эти художники были непризнанны в своё время, зато сейчас их картины стали гордостью собраний музеев мира, где они оказались доступными восхищенному взору миллионов людей.

 

Эпоха Импрессионизма. Тема: Творчество | by Eggheado | Eggheado: Art

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Впечатление. Восход солнца, Клод Моне, 1872

Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название картины «Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне. Изначально этот термин носил несколько пренебрежительный характер и указывал на соответствующее отношение к художникам, писавшим в этой манере.

Специфика философии импрессионизмаЖенщины в саду, Клод Моне, 1866

Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Как и искусство ренессанса, импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Вместе с тем ренессансное виденье взрывается доказанной субъективностью и относительностью человеческого восприятия, которое делает цвет и форму автономными составляющими образа. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Преимущества импрессионизма

К преимуществам импрессионизма как течения относится демократизм. По инерции, искусство и в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками на росписи, монументы, именно они — главные покупатели картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не одобрялись, не покупались. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико, Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков.

Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Были отброшены библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму. С другой стороны они пылко желали признания, уважения, даже наград. Показательной является деятельность Эдуара Мане, который годами добивался признания и наград от официального Салона и его администрации.

Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах.

Голубые танцовщицы, Эдгар Дега, 1897

Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара, Мане и Клода Моне). Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Бал в Мулен де ла Галетт, Ренуар, 1876В кабачке папаши Латюиля, Эдуард Мане, 1879

Техника

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля, Гельмгольца и Руда.

Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий — разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по отношению к первой:

• Голубой — Оранжевый
• Красный — Зелёный
• Жёлтый — Фиолетовый

Таким образом стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же впоследствии стало поводом отказа от чёрного.

Лягушатник, Огюст Ренуар

Затем импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр, где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала.

Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним», а «внешним» светом, отражающимся от поверхности.

Технические отличия способствовали достижению иных целей, прежде всего импрессионисты пытались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток, наивысшим воплощением стали циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».

Стога сена, Моне

В целом, в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основой движения были Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и Берта Моризо. Однако Мане всегда называл себя «независимым художником» и никогда не участвовал в выставках, а Дега хоть и участвовал, но никогда не писал свои работы на пленэре.

Источник: Wikipedia

Eggheado — это сообщество людей, расширяющий свой кругозор ежедневно.

Присоединяйтесь к Eggheado и получайте познавательную статью к завтраку.

Импрессионизм — стиль, направление, искусство, черты, особенности, история, представители, вики — WikiWhat

Основная статья: Искусство Нового времени

Содержание (план)

История импрессионизма

В 1863 г., наряду с официальным Салоном, Наполеон III разре­шил группе молодых художников организовать собственный «Са­лон отвергнутых».

Его главным событием стало появление карти­ны Эдуарда Мане «Завтрак на траве». Художественная манера Ма­не произвела революцию в технике живописи и стала ещё одним важным шагом к обновлению французского искусства на основе реализма.

В 1874 г. независимые художники организовали первую самостоятельную выставку.

По названию представленной там кар­тины Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» новое художест­венное направление получило название импрессионизм (от фр. impression — «впечатление»).

Черты импрессионизма

Искусство импрессионизма отличалось стремлением передать динамику и многокрасочность окружающего мира, отразить игру световых эффектов, запе­чатлеть мимолётное впечатление и за­фиксировать неуловимое.

Представители импрессионизма

Один из наибо­лее ярких импрессионистов К. Писарро заслужил славу «поэта Парижа». Материал с сайта http://wikiwhat.ru

О. Рену­ар

стремился отразить праздничную сто­рону столичной жизни. Его особенно привлекали образы парижанок, в изобра­жении которых он достиг высочайшего мастерства.

Париж занимал много места и в творчестве Э. Дега, который добился особых успехов в передаче движения, по­стоянно обращаясь к образам танцовщиц столичных театров.

Картинки (фото, рисунки)

• К. Писарро. Бульвар Монмартр

• Э. Мане. Железная дорога

Книга «История импрессионизма. Самый знаменитый труд об импрессионизме» Ревалд Дж

История импрессионизма. Самый знаменитый труд об импрессионизме

«История импрессионизма» Джона Ревалда — самый знаменитый и самый полный труд на эту тему. В третьем, улучшенном издании значительно увеличено количество иллюстраций, тщательный отбор которых произведен при помощи ведущих искусствоведов страны. Огромный материал, собранный автором, будет полезен не только ценителям живописи, но и всем, кто интересуется истоками и обстоятельствами одного из величайших художественных и мировоззренческих переворотов в истории.

Поделись с друзьями:

Издательство:

АСТ; Астрель; Мир энциклопедий Аванта+

Год издания:

2011

Место издания:

Москва

Язык текста:

русский

Язык оригинала:

английский

Перевод:

Мелкова П. В.

Тип обложки:

Твердый переплет

Формат:

84х108 1/16

Размеры в мм (ДхШхВ):

260×205

Вес:

1725 гр.

Страниц:

479

Тираж:

3000 экз.

Код товара:

562097

Артикул:

AST000000000052730

ISBN:

978-5-17-064461-2,978-5-271-33042-1,978-5-98986-461-4

В продаже с:

04. 05.2011

Аннотация к книге «История импрессионизма. Самый знаменитый труд об импрессионизме» Ревалд Дж.:
«История импрессионизма» Джона Ревалда — самый знаменитый и самый полный труд на эту тему. В третьем, улучшенном издании значительно увеличено количество иллюстраций, тщательный отбор которых произведен при помощи ведущих искусствоведов страны. Огромный материал, собранный автором, будет полезен не только ценителям живописи, но и всем, кто интересуется истоками и обстоятельствами одного из величайших художественных и мировоззренческих переворотов в истории. Читать дальше…

Импрессионизм

Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression – «впечатление») – живописный стиль, появившийся во Франции в 1870-е – оказал огромное влияние на развитие всей живописи XX столетия. Термин был придуман критиком Луи Леруа по аналогии с картиной Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (1872. Музей Мармоттан, Париж).

Суть импрессионизма заключалась в том, чтобы передать с помощью живописи ощущение реальности окружающего мира в его подвижности, изменчивости, непостоянстве.

И.Э.Грабарь. Зимнее утро. 1907. Холст, масло. 80.80,5. СевХМ

К.С.Малевич. Поля. Этюд. Около 1930. Холст, масло. 25×35. ГРМ

М.Ф.Ларионов. Рыбы. 1904–1906. Холст, масло. 93,5.105. РГОХМ

Н.А.Тархов. Париж. 1900-е. Холст на картоне, масло. 99.81. КОХМ

0 / 0

В русском искусстве импрессионизм имел свою собственную историю. Ещё в 1890-е об этом стиле, как свидетельствовал А.Н.Бенуа, мало что было известно. Первым заинтересовался импрессионизмом К.А.Коровин – импрессионистические приёмы появляются в его живописи уже в конце 1890-х. В 1900-е импрессионизм становится в России популярным стилевым явлением, захватывает СРХ, МТХ, «Московский салон». В этом стиле работают многие художники: А.Е.Архипов, В.Н.Бакшеев, О.Э.Браз, И.И.Бродский, С.А.Виноградов, К.И.Горбатов, И.Э.Грабарь, Н.В.Мещерин, Н.Д.Милиоти, К.К.Первухин, П.И.Петровичев, Н.А.Тархов, Л.В.Туржанский, Н.И.Фешин, М.Е.Харламов и другие.

Через увлечение импрессионизмом прошли в 1900-е будущие авангардисты М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, К.С.Малевич. В.В.Кандинский говорил об огромной влиянии на него картины Клода Моне «Стог сена», также «стогами» восхищался П.П.Кончаловский. Моне вообще был наиболее ценимым художником в среде русских авангардистов.

В 1921 экспозиция петроградского МХК открывалась импрессионистическими произведениями. В 1924–1925 Малевич работал с учениками в Гинхуке, где изучались пять основных систем современной живописи, первой из которых был импрессионизм, занявший важное место в его теории «прибавочного элемента».

В 1929 вокруг Малевича после закрытия Гинхука складывается «Кружок новой западной живописи», где помимо других стилей изучали импрессионизм. В 1928–1932 Малевич «воссоздавал свою творческую биографию» (Е.В.Баснер. Живопись Малевича из собрания Русского музея (Проблемы творческой эволюции художника) // Казимир Малевич в Русском музее. СПб., 2000. С.15–27) и написал несколько картин «в стиле импрессионизма». В начале 1930-х Малевич говорил о своём интересе к Огюсту Ренуару, а в 1932 работал над рукописью «Практика импрессионизма и его критика» (РГАЛИ).

Живописная система импрессионизма продолжала интересовать русских художников и в конце 1930-х. Так, А.И.Ржезников опубликовал в нескольких журналах (Советское искусство. 1939. 18 февраля; Творчество. 1939. №7; Искусство. 1940. №2, 4) ряд статей об импрессионизме и его связях с классическим и современным искусством. Позднее критик О.М.Бескин писал, что в этих статьях Ржезников «стремится доказать (и делает это в основном убедительно) необходимость синтеза импрессионистической непосредственности восприятия природы, сезанновской композиционной конструктивности и тонально-световой обобщённости и предметности старых мастеров» (О. Бескин. [Вступ. ст.] Персональная выставка А.И.Ржезникова [Каталог]. М.,1968). Другим важным тезисом Ржезникова было утверждение о том, что французский импрессионистический пейзаж оказал огромное влияние на мировую живопись.

О музее — Музей русского импрессионизма

ИСТОРИЯ МУЗЕЯ

Идея создания Музея появилась у коллекционера Бориса Минца еще в 2012 году. Впервые как единое собрание полотна были представлены в аукционном доме MacDougall’s весной 2014 года. После официальной презентации в Москве значительная часть будущей постоянной коллекции побывала в Иванове, Венеции и Фрайбурге. В 2015 году Музей русского импрессионизма вошел в состав ICOM (Международный совет музеев). С самого первого дня существования Музей русского импрессионизма занимается специальными образовательными и просветительскими программами. А совместный с «Иностранкой» проект «Картина в библиотеке» почти за 3 года объехал несколько крупных российских городов и вывел Музей в финал «Интермузея-2016».

      

КОЛЛЕКЦИЯ МУЗЕЯ

Картины выдающихся российских художников: Константина Коровина и Валентина Серова, Станислава Жуковского и Игоря Грабаря, Константина Юона и Николая Богданова-Бельского, – основа постоянной экспозиции Музея русского импрессионизма, расположившейся на 2 и 3 этажах. Постоянная экспозиция Музея русского импрессионизма охватывает значительный период времени. Самая ранняя картина «В овраге» Василия Поленова – учителя Константина Коровина и Валентина Серова – датирована 1879 годом. Многие картины, представленные сегодня в наших залах, были возвращены в Россию из-за рубежа. Десятилетия спустя на родине снова оказались «Лето» Николая Богданова-Бельского и «Горная деревня» Николая Дубовского. Учредитель Музея не позволил покинуть страну «Гурзуфу» Константина Коровина. Картины Игоря Грабаря, Константина Юона, Юрия Пименова, на которые сегодня может взглянуть каждый, раньше практически нигде не выставлялись.

Само понятие «русский импрессионизм» до сих пор вызывает жаркие споры. Импрессионизму в России не повезло. Зародившись в конце XIX столетия и почти приобретя собственное звучание, русский импрессионизм начал активно вытесняться авангардом. А после революции так и вообще оказался «вне системы». Но несмотря ни на что, многие художники и до, и после политического переворота в стране, продолжали творить в импрессионистической стилистике, продолжали экспериментировать на своих полотнах со светом, цветом, стремились передать настроение, эмоцию, уловить тончайшие воздушные вибрации. Импрессионизм вдохновляет художников и сегодня.

ЗДАНИЕ МУЗЕЯ ДО РЕСТАВРАЦИИ

Здание на территории культурно-делового комплекса «Большевик», где сегодня располагается Музей русского импрессионизма, предназначалось для хранения муки и сахара. Постройка 60-х годов XX века заметно выделялась из общего архитектурного ансамбля, спроектированного французом Оскаром Дидио в конце XIX века. Исторические здания фабрики были возведены по заказу сыновей кондитера Сиу, тоже француза по происхождению. Место под постройку, участок на Петербургском шоссе, сыновья приобрели у московской купчихи. «Новое образцовое производство» создавалось и строилось по последнему слову техники.

Открытие состоялось в 1884 году. Фабрика была оснащена мощнейшими паровыми, газогенераторными и нефтяными двигателями. А кондитеры первыми в Москве узнали, что это такое – работать при электрическом свете. Посмотреть на «невидаль» – искусственное освещение в цехах – собирался весь город. Фабрика выпускала конфеты, мармелад, пастилу, пирожные, драже с ликером, мороженое, пряники и варенье. После революции, в 1918 году, она была национализирована. В 1920-х годах фабрика №3 получила название «Большевик». В 60-х годах «Большевик» считался одной из крупнейших фабрик в Европе. Здание мукомольного склада на ее территории сообщалось с соседними цехами длинными трубами, через которые под давлением на производство подавалась мука. Во время перестройки производство пришло в упадок. В начале 2000-х кондитерскую фабрику было решено вывести за пределы Москвы. Так и здание хранилища муки и сахара потеряло свою основную функцию. В 2012 году за проект реставрации и превращения бывшего мукомольного склада необычной формы – цилиндра с прямоугольным параллелепипедом на крыше – в современный музей взялось британское архитектурное бюро John McAslan + Partners.

ПОСЛЕ РЕСТАВРАЦИИ

Сегодня комплекс «Большевик» сохранил не только свое «революционное» название, но и исторический облик. Проект по превращению бывшего промышленного пространства в суперсовременный, уютный, светлый и комфортный культурно-деловой центр вписался в общую архитектурную концепцию градостроительной политики Москвы. А главное украшение «Большевика» – Музей русского импрессионизма.

Известные лондонские архитекторы, специалисты в области консервации, реставрации и реновации исторических зданий, авторы проекта обновления знаменитого лондонского вокзала King’s Cross, решили сохранить цилиндрическую форму хранилища муки, но придать зданию будущего музея вид современного арт-объекта. Проект реставрации возглавил директор бюро John McAslan + Partners архитектор Эйдан Поттер (Aidan Potter). Он «заковал» кирпичную постройку в блестящий перфорированный металл, сделал внутренние перекрытия, разбив здание на пять этажей. В итоге продовольственный склад превратился в настоящий музейный комплекс. В нем с легкостью разместились три выставочных зала общей площадью 1 000 м2. В цокольном этаже, наряду с просторной выставочной зоной, были выделены зоны мультимедиа и интерактивных инсталляций, учебной студии, книжного магазина с музейной атрибутикой. На третьем этаже появились выходы на летние террасы, расположенные прямо на крыше музея, и уютное кафе.

Основным цветом в интерьерах Музея стал светло-серый. Чистота пространства позволяет зрителю наслаждаться яркими картинами русских импрессионистов без лишних отвлекающих факторов. А круговая организация выставочных залов, плавно переходящих с одного этажа на другой, усиливает эмоциональный эффект. При входе, на 1 этаже, зрителя встречает гигантская видеоинсталляция американского художника Жана Кристофа (Jean Christophe).

Здание музея оснащено всеми необходимыми системами для комфортного пребывания в нем маломобильных посетителей.

Обзор движения импрессионизма

| TheArtStory

Краткое изложение импрессионизма

Импрессионизм, пожалуй, самое важное направление во всей современной живописи. В какой-то момент 1860-х годов группа молодых художников решила очень просто нарисовать то, что они видели, думали и чувствовали. Они не интересовались историей, мифологией или жизнями великих людей, и они не искали совершенства во внешнем виде. Вместо этого, как следует из названия, импрессионисты пытались запечатлеть на холсте «впечатление» того, как пейзаж, вещь или человек представлялись им в определенный момент времени.Это часто означало использование гораздо более легкой и свободной манеры письма, чем у художников до того момента, и рисование на открытом воздухе, на пленэре. Импрессионисты также отвергли официальные выставки и конкурсы живописи, учрежденные французским правительством, вместо этого организовав свои собственные групповые выставки, к которым публика изначально была очень враждебна. Все эти шаги предсказывали появление современного искусства и всей связанной с ним философии авангарда.

Ключевые идеи и достижения

• Импрессионисты использовали более свободную манеру письма и более светлые цвета, чем предыдущие художники.Они отказались от традиционной трехмерной перспективы и отказались от ясности формы, которая раньше служила для различения более важных элементов изображения от меньших. По этой причине многие критики обвиняли картины импрессионистов в их незавершенности и, казалось бы, любительском качестве.
• Воспользовавшись идеями Гюстава Курбе, импрессионисты стремились создать художников настоящего : они стремились расширить возможные сюжеты для картин.Уходя от изображения идеализированных форм и совершенной симметрии, они сосредоточились на мире, каким они его видели, который был несовершенным во множестве способов.
• Научная мысль в эпоху импрессионистов начинала осознавать, что то, что воспринимает глаз, и то, что понимает мозг, — это две разные вещи. Импрессионисты стремились запечатлеть первое — оптические эффекты света — чтобы передать на своих полотнах мимолетную природу настоящего момента, включая такие элементы окружения, как изменения погоды.Их искусство не обязательно основывалось на реалистичных изображениях. №
• Импрессионизм отражает результаты масштабной реконструкции Парижа середины 19 ^{-го и} -го века, проводившейся под руководством архитектора Жоржа-Эжена Османа, в том числе недавно построенных железнодорожных вокзалов города; широкие, обсаженные деревьями бульвары, которые заменили прежде узкие и многолюдные улицы; и большие, роскошные многоквартирные дома. Работы, посвященные сценам общественного досуга, особенно сценам из кафе и кабаре, часто передают новое чувство отчуждения, которое испытывали жители первого современного мегаполиса.

Обзор импрессионизма

Эдуард Мане сказал: «Вы вряд ли поверите, как сложно поместить одну фигуру на холст и сконцентрировать весь интерес на этой единственной и универсальной фигуре, сохранив при этом живую и реальную. » Здесь он намекает на новаторское мышление, которое вошло в новый способ представления мира импрессионизмом.

Обзор импрессионизма в истории искусства

Импрессионистское искусство — это стиль живописи, возникший в середине-конце 1800-х годов и подчеркивающий непосредственное впечатление художника момента или сцены, обычно передаваемое с помощью света и его отражения, коротких мазков и разделения цветов.Художники-импрессионисты, такие как Клод Моне в его «Впечатлении: Восход» и Эдгар Дега в «Балетном классе», часто использовали современную жизнь в качестве своего предмета и рисовали быстро и свободно, улавливая свет и движение таким образом, который ранее не применялся. .

Ключевые выводы: импрессионизм

• Импрессионизм — стиль живописи, возникший в конце 19 века.
• Стиль, методы и тематика импрессионизма отвергли предыдущую «историческую» живопись, заменив тщательно скрытые мазки исторических событий видимыми густыми яркими красками современных сцен.
• Первая выставка состоялась в 1874 году, и ее искусствоведы резко раскритиковали.
• Основные художники — Эдгар Дега, Клод Моне, Берта Моризо, Камиль Писсарро и Пьер-Огюст Ренуар.

Импрессионизм: определение

Авеню де Л’Опера. Снежный эффект. Утро, Писсарро Камиль. Мондадори / Getty Images

Хотя некоторые из наиболее уважаемых художников западного канона были частью импрессионистского движения, термин «импрессионист» изначально задумывался как уничижительный термин, используемый художественными критиками, которые были категорически потрясены этим новым стилем живописи.В середине 1800-х годов, когда зародилось движение импрессионистов, было общепризнанным, что «серьезные» художники смешивали свои цвета и сводили к минимуму появление мазков, чтобы создать «зализанную» поверхность, предпочитаемую академическими мастерами. Импрессионизм, напротив, отличался короткими заметными мазками — точками, запятыми, мазками и пятнами.

Первым произведением искусства, которое вызвало критическое прозвище «импрессионизм», была работа Клода Моне 1873 года «Впечатление: восход солнца», которая была представлена ​​на первой выставке в 1874 году. Консервативный художник Джозеф Винсент цитировался в обзоре все более саркастически, назвав работу Моне «не такой законченной, как обои». Назвать кого-то «импрессионистом» в 1874 году было оскорблением, а это означало, что у художника не было навыков и здравого смысла, чтобы закончить картину перед ее продажей.

Первая выставка импрессионистов

Фредерик Базиль, «Студия Базиля», 1870 год. Музей Орсе, Париж (Франция)

В 1874 году группа художников, посвятивших себя этому «грязному» стилю, объединила свои ресурсы, чтобы продвигать себя на собственной выставке.Идея была радикальной. В те дни мир французского искусства вращался вокруг ежегодного Салона, официальной выставки, спонсируемой французским правительством через его Академию изящных искусств.

Группа (Клод Моне, Эдгар Дега, Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо и множество других) назвала себя «Анонимным обществом художников, скульпторов, граверов и т. Д.» Вместе они арендовали выставочную площадь у фотографа Надара (псевдоним Гаспара-Феликса Турнахона). Мастерская Надара находилась в новом здании, довольно современном здании; и весь эффект от их усилий произвел фурор. Для средней публики искусство выглядело странно, выставочное пространство выглядело нетрадиционным, а решение показать свое искусство за пределами Салона или орбиты Академии (и даже продавать прямо со стен) казалось близким к безумию. В самом деле, эти художники раздвинули границы искусства 1870-х годов далеко за пределы «приемлемой» практики.

Еще в 1879 году, во время четвертой выставки импрессионистов, французский критик Генри Хавар писал:

«Я смиренно признаюсь, что не вижу природу так, как они, потому что никогда не видел этих пушистых от розового хлопка неба, этих непрозрачных и муаровых вод, этой разноцветной листвы.Может они и есть. Я их не знаю.»

Импрессионизм и современная жизнь

Эдгар Дега, «Танцевальный класс», 1874 год. Портфолио Mondadori

Импрессионизм создал новый взгляд на мир. Это был способ увидеть город, пригород и сельскую местность как зеркало модернизации, которую каждый из этих художников воспринимал и хотел запечатлеть со своей точки зрения. Современность, как они ее знали, стала их предметом изучения. Мифология, библейские сцены и исторические события, которые доминировали в почитаемой «исторической» живописи их эпохи, были заменены предметами современной жизни, такими как кафе и уличная жизнь в Париже, пригородная и сельская жизнь досуга за пределами Парижа, танцоры, певцы и рабочие. .

Импрессионисты пытались запечатлеть быстро меняющийся дневной свет, рисуя на открытом воздухе (« en plein air »). Они смешивали свои цвета на холсте, а не палитры, и быстро рисовали дополнительными цветами «мокрый по мокрому», сделанными из новых синтетических пигментов. Чтобы добиться желаемого ими вида, они изобрели технику «ломаных цветов», оставляя зазоры в верхних слоях, чтобы раскрыть цвета внизу, и отказались от пленок и глазури старых мастеров ради густой пасты чистого, интенсивного цвета.

В каком-то смысле зрелище улицы, кабаре или морского курорта стало «исторической» картиной для этих стойких независимых (которые также называли себя интрансигентами — упрямыми).

Эволюция постимпрессионизма

Мэри Кассат, «Чашка чая», 1879 г. Corbis / VCG / Getty Images

Импрессионисты организовали восемь выставок с 1874 по 1886 год, хотя очень немногие из основных художников выставлялись на каждой выставке. После 1886 года галерейные дилеры организовывали персональные выставки или показы небольших групп, и каждый художник сосредоточился на своей карьере.

Тем не менее, они остались друзьями (за исключением Дега, который перестал общаться с Писсарро, потому что он был противником Дрейфусара , а Писсарро был евреем). Они поддерживали связь и хорошо защищали друг друга до глубокой старости. Среди оригинальной группы 1874 года Моне продержался дольше всех. Он умер в 1926 году.

Некоторые художники, которые выставлялись вместе с импрессионистами в 1870-х и 1880-х годах, развили свое искусство в разных направлениях. Они стали известны как постимпрессионисты: Поль Сезанн, Поль Гоген, Жорж Сёра и другие.

Выдающиеся импрессионисты

Танцуйте в «Мулен де ла Галетт» на Бьютт-Монмартр. Картина Пьера Огюста Ренуара (1841-1919), 1876 год. Corbis / Getty Images

Художники-импрессионисты были друзьями, которые вместе работали в кафе в Париже. Многие из них жили в районе Батиньоль, расположенном в 17-м округе города. Их любимым местом встреч было кафе Guerbois, расположенное на авеню де Клиши в Париже. К наиболее влиятельным импрессионистам того времени относятся:

Импрессионизм: история импрессионизма — USEUM

Подъем импрессионизма начался, когда такие художники, как Клод Моне — художник, пользующийся большим уважением в то время, — решили, что им достаточно того, что их работы отвергаются The Salon, важнейшей ежегодной выставкой, проводимой Académie des Beaux-Arts, потому что их работа не соответствовала его консервативным закономерностям.

В 1863 году более половины работ Моне было отклонено из Салона. Салон был обычным способом прославиться как художник в Париже, но из-за того, что они поддерживали, поощряли и награждали традиционные картины, импрессионистов постоянно отвергали. Чтобы пойти на компромисс, император Наполеон III организовал Salon des Refusés (Салон отказников), который, хотя и не воспринимался всерьез многими зрителями, но приобрел большую популярность, чем обычный Салон, и, таким образом, положил начало формированию Моне, Пьера-Огюста Ренуара. и Эдгар Дега, вместе с некоторыми другими французскими (в основном парижскими) художниками, чтобы сформировать группу под названием Анонимное общество художников, скульпторов, граверов и т. д.

Это общество в 1874 году решило провести частную выставку. Хотя в то время он не был особенно популярен среди всех критиков, он был новаторским: во-первых, в том, что он переоценил текущий цвет, технику и общую эстетику искусства, чтобы продвигать новые, а во-вторых, потому, что он дал начало изображениям. мир перед художником, а не предыдущие идеологии или моральные уроки, которые преподнесли исторические, религиозные или мифологические картины. Между 1874 и 1886 годами группа организовала восемь выставок, каждая крупнее предыдущей, и их популярность как революционеров поразила. Их независимость и стремление к собственному движению отразились в росте частных арт-дилеров и буржуазных коллекций, поскольку они высвобождали не только художников, но и коллекционеров, дилеров, галереи и, что наиболее важно, зрителей, чтобы они могли делиться своим свежим взглядом. Новый мир.

Истоки и наследие импрессионизма в мире искусства

Восхищенный искусствоведом, популярный среди публики и широко выставленный в лучших музеях мира, Импрессионизм доминирует в мире искусства почти 150 лет.Этот новаторский жанр, известный новаторским подходом художников к искусству, способствовал возникновению и определил эволюцию нескольких направлений в искусстве, укрепив его роль катализатора современного искусства.

Хотя самобытная эстетика импрессионизма, несомненно, единственная в своем роде, контекст полотен столь же увлекателен. Здесь мы исследуем предысторию, характеристики и наследие импрессионизма, чтобы проиллюстрировать глубокое влияние культового движения на историю искусства.

Что такое импрессионизм?

Импрессионизм — направление в искусстве, зародившееся во Франции 1870-х годов. Отвергая жесткие правила beaux-arts («изящные искусства»), художники-импрессионисты продемонстрировали новый способ наблюдать и изображать мир в своих работах, отказавшись от реалистичных изображений ради мимолетных впечатлений своего окружения — которые, часто, были найдены снаружи.

Мэри Кассат, «Маленькая девочка в синем кресле», 1878 г. (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

«Вместо того, чтобы рисовать в студии, импрессионисты обнаружили, что они могут улавливать мгновенные и преходящие эффекты солнечного света, работая быстро перед своими объектами, на открытом воздухе (на пленэре), а не в студии», Тейт объясняет.«Это привело к большему осознанию света и цвета, а также к изменчивому рисунку естественной сцены. Работа кистью стала быстрой и разбита на отдельные мазки, чтобы передать мимолетное качество света ».

Этот новый подход к живописи расходился с традиционными техниками, достигнув высшей точки в движении, которое изменило ход истории искусства.

История

На протяжении 19 века большинство французских художников создавали работы, соответствующие традиционным вкусам Académie des Beaux-Arts , парижской организации, проводившей ежегодные салоны . Демонстрируя отобранные вручную произведения искусства, салоны, как правило, предпочитали традиционные предметы, включая исторические, мифологические и аллегорические сцены, выполненные в реалистическом стиле.

Studio Nadar, ок. 1860-1910 (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

Утомленная многовековым подходом к творчеству, группа художников решила не афишировать салонную шумиху и вместо этого проводить собственные независимые выставки. Эта группа художников, известная как Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативная и анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов»), включала Клода Моне, Пьера-Огюста Ренуара, Эдгара Дега и Камилла. Писсарро — свою первую выставку провел в 1874 году.

Выставка, расположенная в мастерской французского фотографа Надара, представила несколько картин 30 художников, наиболее известными из которых были «Впечатление , восход » Клода Моне (1872).

Клод Моне «Впечатление, восход солнца», 1872 г. (Фото: (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

Выставка была встречена неоднозначными отзывами критиков, в том числе журналиста Луи Леруа. Анализируя Impression, Sunrise , он печально написал: «Впечатление — я был в этом уверен.Я как раз говорил себе, что, раз уж я был впечатлен, в нем должно быть какое-то впечатление… а какая свобода, какая легкость исполнения! Обои в зачаточном состоянии более закончены, чем этот морской пейзаж ».

Хотя его обзор был явно задуман как оскорбление, на самом деле он помог движению — он случайно (и по иронии судьбы) дал ему широко известное название.

Определяющие характеристики

С момента своего зарождения импрессионизм определялся набором характеристик. К ним относятся: живописные мазки, отличительные цвета, изображения общих предметов, акцент на свет и композиции, вдохновленные фотографией.

Толстые мазки

Клод Моне, «Японский мост», ок. 1918-1924 (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

Живописная манера письма, пожалуй, самая узнаваемая черта импрессионизма. В отличие от тщательно смешанных мазков, характерных для предыдущих движений, художники-импрессионисты использовали толстые, похожие на наброски мазки. Эти быстрые отметки отражают эфемерную, мимолетную природу моментов времени и позволяют художникам экспериментировать с цветом и тем, как разные тона взаимодействуют на холсте.

Отличительная цветовая палитра

Пьер Огюст Ренуар, «Танец в Мулен-де-ла-Галетт», 1876 г. (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

Помимо живописи, импрессионисты проявили уникальный подход к цвету. Вместо того, чтобы смешивать краски для достижения определенных тонов, они сгруппировали вместе отдельные мазки разных цветов. Этот метод особенно очевиден в импрессионистских изображениях теней и снега, которые, соответственно, никогда не бывают просто черными и белыми.

Картины импрессионистов

также часто имеют нейтральные цветовые схемы с яркими акцентами красного цвета, которые привлекают внимание и добавляют баланс композициям.

В центре внимания свет

Клод Моне, «Стога сена, конец лета», 1871 г. (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

Многие художники-импрессионисты, в первую очередь Клод Моне, имели склонность к рисованию на пленэре или на открытом воздухе. Благодаря такому подходу художники смогли внимательно изучить свет и его влияние на пейзажи, здания и другие виды на открытом воздухе.

«Для меня, — сказал Моне, — пейзаж не существует сам по себе, поскольку его внешний вид меняется в каждый момент; но окружающая атмосфера оживляет его — свет и воздух, которые постоянно меняются. Для меня только окружающая атмосфера придает предметам истинную ценность ».

Повседневные предметы

Камиль Писсарро, «Рю Сент-Оноре», 1897 г. (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

Еще один авангардный аспект импрессионизма — повседневность его сюжетов.Типичное содержание, изображаемое в картинах импрессионистов, включает натюрморты, пейзажи, портреты друзей и родственников и современные городские сцены — в отличие от исторических, мифологических и аллегорических сцен, встречающихся в традиционных французских картинах.

Творческое кадрирование

Эдгар Дега, «Репетиция на сцене», 1974 г. (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

Вдохновленные фотографией — новой и новаторской практикой того времени — импрессионисты создавали картины, которые действовали как подлинные снимки определенных моментов времени.Помня об этой музе, художники начали создавать свои сцены более «естественными» способами, в результате чего получались асимметричные композиции, обрезанные как откровенные фотографии.

Однако эти «моментальные снимки» часто требовали тщательного планирования и преднамеренного обдумывания. «Уверяю вас, ни одно искусство не было менее спонтанным, чем мое», — сказал Дега, известный своим творческим подходом к кадрированию.

Наследие и присутствие импрессионизма сегодня

Естественно, импрессионизм, будучи отправной точкой модернизма, оказал влияние на многие последующие движения.Постимпрессионисты переняли его живописную манеру письма; Абстрактные экспрессионисты нашли вдохновение в нетрадиционном подходе Моне к форме; а многие современные художники даже продолжают работать в стиле неоимпрессионизма.

Фото: Эрин Хэнсон

Переосмысливая и переосмысливая культовую эстетику движения, эти художники приглашают современную публику увидеть импрессионизм в новом свете — буквально.

Статьи по теме:

Как появилась и продолжает вдохновлять художников Ван Гог «Звездная ночь»

Почему художник-постимпрессионист Поль Сезанн известен как «отец современного искусства»

Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства

Как японское искусство повлияло и вдохновило европейских художников-импрессионистов

Импрессионизм | Безграничная история искусства

Импрессионизм

Импрессионизм — это движение XIX века, известное своими картинами, нацеленными на изображение быстротечности света и запечатление сцен современной жизни и природного мира в их постоянно меняющихся условиях.

Цели обучения

Определите характеристики импрессионизма

Основные выводы

Ключевые моменты

• Термин «импрессионизм» происходит от названия картины Клода Моне « Impression, soleil levant » («Впечатление, восход солнца»).
• Работы импрессионистов обычно изображают общие визуальные эффекты, а не детали, и используют короткие, «рваные» мазки смешанного и несмешанного цвета для достижения эффекта интенсивной цветовой вибрации.
• Во второй половине 1873 года Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей организовали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативная и анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов») для независимой выставки своих произведений в смешанном стиле. критический ответ.
• Импрессионисты выставлялись вместе восемь раз в период с 1874 по 1886 год. Отдельные художники получили небольшое финансовое вознаграждение от выставок импрессионистов, но их искусство постепенно завоевало определенную степень общественного признания и поддержки.
• Импрессионисты обычно рисовали сцены современной жизни и часто рисовали на открытом воздухе или на на пленэре .

Ключевые термины

• En Plein air : En plein air — французское выражение, означающее «на открытом воздухе», и в частности используется для описания процесса рисования на открытом воздухе, который также называется peinture sur le motif («рисование на земле». «) На французском.
• Перспектива : С итальянской перспективы («вид, вид»).Дальний вид или перспектива, особенно если смотреть через проем, проспект или проход.
• flâneur : Человек, наблюдающий за обществом, обычно в городских условиях; «наблюдатель за людьми».

Импрессионизм — это художественное направление XIX века, созданное группой парижских художников, включая Берту Моризо, Клода Моне, Августа Ренуара, Эдгара Дега, Камиля Писсарро и Альфреда Сислея, а также американской художницы Мэри Кассат. Эти художники создавали свои картины из свободно окрашенных цветов, которые преобладали над линиями и контурами.Обычно они рисовали сцены из современной жизни и часто рисовали на открытом воздухе. Импрессионисты обнаружили, что могут запечатлеть мгновенные и преходящие эффекты солнечного света, нарисовав на пленэре . Однако многие картины и гравюры импрессионистов, особенно созданные Моризо и Кассат, находятся в домашних интерьерах. Как правило, они изображали общие визуальные эффекты, а не детали, и использовали короткие, «ломаные» мазки смешанного и несмешанного цвета для достижения эффекта интенсивной цветовой вибрации.

Лондон, здание парламента. Солнце, сияющее сквозь туман, Клод Моне, 1904 : Моне считается наиболее последовательным и плодовитым практиком импрессионистской философии, выражающей свои представления о природе.

Радикалы в свое время, ранние импрессионисты нарушили правила академической живописи. Во Франции 19 века Академия изящных искусств («Академия изящных искусств») доминировала во французском искусстве. Академия была хранительницей традиционных французских стандартов живописи по содержанию и стилю.Ценились исторические предметы, религиозные темы и портреты (пейзаж и натюрморт — нет), и Академия предпочитала тщательно обработанные изображения, которые выглядели реалистично при внимательном рассмотрении. Цвет был мрачным и консервативным, следы мазков были подавлены, скрывая личность художника, его эмоции и методы работы.

Художники-импрессионисты не могли позволить себе ждать, пока Франция примет их работы, поэтому они организовали свою собственную выставку — помимо ежегодного салона, организованного Академией.Во второй половине 1873 года Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей организовали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативная и анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов») для независимой выставки своих работ. Всего в своей первой выставке, состоявшейся в апреле 1874 года в мастерской французского фотографа и карикатуриста Надара, участвовало 30 художников.

Критический отклик был неоднозначным. Критик и юморист Луи Лерой написал резкую рецензию в газете Le Charivari, в которой, играя словами с названием «Впечатление Клода Моне, soleil levant » («Впечатление, восход»), он дал художникам имя, под которым они стали известны .Термин «импрессионисты» быстро завоевал признание публики. Это было принято и самими художниками, несмотря на то, что они представляли собой разноплановую группу по стилю и темпераменту, объединенную прежде всего их духом независимости и бунтарства. В период с 1874 по 1886 год они выставлялись вместе восемь раз. Отдельные художники получили небольшое финансовое вознаграждение от выставок импрессионистов, но их искусство постепенно завоевало определенную степень общественного признания и поддержки. Их дилер, Поль Дюран-Рюэль, сыграл в этом важную роль, так как он держал их работы на виду у публики и устраивал для них шоу в Лондоне и Нью-Йорке.

Les régates à Moseley Альфреда Сислея, холст, масло, 1874 г. : Сислей посвятил себя рисованию пейзажа на пленэре , и его работы известны тем, что улавливают кратковременные эффекты солнечного света.

Импрессионисты запечатлели обычные предметы, занятые повседневной деятельностью как в сельской, так и в городской среде. Художники-импрессионисты ослабили границу между объектом и фоном, так что эффект от картины импрессионистов часто напоминает моментальный снимок, часть большей реальности, захваченную как бы случайно.

Развитие импрессионизма можно частично рассматривать как реакцию художников на вызов, брошенный фотографией, которая, казалось, обесценила умение художника в воспроизведении реальности. Несмотря на это, фотография на самом деле вдохновляла художников искать другие средства художественного выражения, и вместо того, чтобы соревноваться с фотографией в подражании реальности, импрессионисты стремились выразить свое восприятие природы и современной городской жизни.

Сцены из буржуазной беззаботной жизни, а также из мира развлечений, таких как кафе, танцевальные залы и театры, были среди их любимых сюжетов. В своих жанровых сценах современной жизни эти художники пытались уловить момент в своей динамичной жизни, выявляя определенные атмосферные условия, такие как мерцание света на воде, движущиеся облака или огни города, падающие на танцующие пары. Их техника пыталась запечатлеть то, что они видели.

Понтуаз Камиля Писсарро, холст, масло, 1867 : Камиль Писсарро (1830–1903) был стилистическим предшественником импрессионизма, известным своими пейзажами и отражением повседневной реальности деревенской жизни.

Мане

Эдуард Мане, французский художник, сыграл решающую роль в переходе от реализма к импрессионизму.

Цели обучения

Выразите, почему Эдуард Мане считается ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму

Основные выводы

Ключевые моменты

• Его ранние шедевры, «Завтрак на траве» (Le déjeuner sur l’herbe), и «Олимпия», вызвали споры и сплотили молодых художников, создавших импрессионизм. Сегодня они считаются переломными картинами, знаменующими генезис современного искусства.
• Его стиль в этот период характеризовался свободными мазками, упрощением деталей и подавлением переходных тонов.
• Работы Мане рассматривались как вызов произведениям эпохи Возрождения, которые вдохновляли его картины. Работы Мане считаются «ранними современными» частично из-за черных очертаний фигур, которые привлекают внимание к поверхности картинной плоскости и материальному качеству краски.

Ключевые термины

• сопоставление : Дополнительное внимание, уделяемое сравнению, когда контрастирующие объекты расположены близко друг к другу.
• Импрессионизм : направление в искусстве XIX века, зародившееся группой парижских художников. Характеристики живописи импрессионистов включают относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки кисти, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его изменяющихся качествах (часто с акцентом на эффекты течения времени), общий, обычный предмет, включение движения как объекта важнейший элемент человеческого восприятия и опыта, а также необычные углы обзора.

Эдуард Мане (1832–1883) был французским художником. Один из первых художников 19-го века, который подошел к модерну и постмодернистской жизни, он был ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму. Его ранние шедевры The Luncheon on the Grass ( Le déjeuner sur l’herbe ) и Olympia вызвали большие споры и послужили отправной точкой для молодых художников, которые хотели создать импрессионизм. Сегодня они считаются переломными картинами, знаменующими генезис современного искусства.

Мане открыл студию в 1856 году. Его стиль в этот период характеризовался свободными мазками, упрощением деталей и подавлением переходных тонов. Приняв современный стиль реализма, инициированный Гюставом Курбе, он написал «Любитель абсента» (1858–59) и другие современные предметы, такие как нищие, певцы, цыгане, люди в кафе и корриды. Музыка в Тюильри — ранний образец живописного стиля Мане. Вдохновленный Хальсом и Веласкесом, он является предвестником его пожизненного интереса к теме досуга.

Музыка в Тюильри , 1862 : Одно из самых ранних произведений Мане, демонстрирующее его интерес к расслабленным мазкам кустов и неторопливой общественной деятельности парижан 19 века.

Парижский Салон отклонил «Обед на траве» для выставки в 1863 году. Позже в том же году Мане выставил его в Салоне отказов (Салон отвергнутых). Сопоставление в картине полностью одетых мужчин и обнаженной женщины было спорным, как и его сокращенная, похожая на эскиз обработка, новшество, которое отличало Мане от Курбе.В то же время композиция раскрывает этюды Мане старых мастеров эпохи Возрождения. Одна работа, которую ученые называют важным прецедентом для Le déjeuner sur l’herbe , — это работа Джорджоне The Tempest .

«Обед на траве» (Le déjeuner sur l’herbe) Эдуарда Мане, 1863 : Картина изображает сопоставление обнаженной женщины и полураздетой купальщицы на пикнике с двумя полностью одетыми мужчинами в сельской местности. параметр. Отвергнутый жюри Салона 1863 года, Мане воспользовался возможностью выставить эту и две другие картины в Салоне отказов 1863 года, где картина вызвала общественную известность и споры.

Как и в картине «Завтрак на траве », Мане снова перефразировал уважаемую работу художника эпохи Возрождения в своей картине « Олимпия » (1863 г.), обнаженная фигура, изображенная в позе, основанной на картине Тициана Венеры Урбино (1538). Мане создал Olympia в ответ на задачу выставить в Салоне картину обнаженной натуры. Его впоследствии откровенное изображение самоуверенной проститутки было принято Парижским салоном в 1865 году, где это вызвало скандал.

Олимпия Эдуарда Мане, 1863 : Олимпия Мане была противоречивой картиной в то время из-за конфронтационного взгляда изображенной женщины, а также из-за того, что многочисленные детали на картине указывают на то, что она проститутка.

Картина вызвала споры отчасти потому, что обнаженная носит небольшие предметы одежды, такие как орхидея в волосах, браслет, лента на шее и шлепанцы, все из которых подчеркивали ее наготу, сексуальность и комфортный образ жизни куртизанки. .Орхидея, взъерошенные волосы, черная кошка и букет цветов были признанными символами сексуальности в то время. Современное тело Венеры тонкое, что противоречит общепринятым стандартам, и отсутствие физического идеализма раздражало зрителей. Тело Олимпии, как и ее взгляд, откровенно конфронтационны. Она вызывающе смотрит, как ее слуга предлагает цветы от одного из ее женихов. Хотя ее рука лежит на ноге, скрывая лобок, упоминание традиционной женской добродетели звучит иронично: женская скромность, как известно, отсутствует в этой работе.Как и картина «Завтрак на траве» , картина подняла вопрос проституции в современной Франции и роли женщин в обществе.

Примерно нарисованный стиль и фотографическое освещение в этих двух противоречивых произведениях современники считали современными: в частности, как вызов работам эпохи Возрождения, Мане скопировал или использовал в качестве исходного материала. Его работы считаются «ранними современными» частично из-за черных очертаний фигур, которые привлекают внимание к поверхности картинной плоскости и качеству материала краски.

Живопись импрессионистов

Живопись импрессионистов отошла от традиций Академии, отдавая предпочтение повседневным предметам, преувеличенным цветам, нанесению густой краски и стремлению запечатлеть движение жизни в отличие от постановочных сцен.

Цели обучения

Опишите характеристики живописи импрессионистов

Основные выводы

Ключевые моменты

• В середине 19 века Академия изящных искусств доминировала во французском искусстве, ценив исторические предметы, религиозные темы и портреты, а не пейзажи или натюрморты.
• В начале 1860-х годов Моне, Ренуар, Сислей и Базиль познакомились во время учебы у академического художника Шарля Глейра. Они обнаружили, что разделяют интерес к живописи пейзажей и современной жизни, а не историческим или мифологическим сценам
• Картины импрессионистов можно охарактеризовать тем, что в них используются короткие толстые мазки краски, которые быстро отражают суть предмета, а не детали.
• Картины импрессионистов не используют прозрачность тонких красочных пленок (глазурей), которыми ранее художники осторожно манипулировали для создания эффектов.
• В тематическом плане работы импрессионистов сфокусированы на захвате движения жизни или быстрых моментов, запечатленных как будто на снимке.

Ключевые термины

• Académie des Beaux-Arts : Академия была создана в 1816 году в результате слияния Академии живописи и скульптуры (Академия живописи и скульптуры, основанная в 1648 году), Académie de musique (Академия музыки, основанная в 1669 году). ) и Académie d’architecture (Академия архитектуры, основанная в 1671 году).

В середине 19 века Академия изящных искусств доминировала во французском искусстве. Академия была хранительницей традиционных французских стандартов живописи по содержанию и стилю. Ценились исторические сюжеты, религиозные темы и портреты; пейзажа и натюрморта не было. Академия предпочитала тщательно обработанные изображения, которые при внимательном рассмотрении выглядели реалистично. Картины в этом стиле были составлены из точных мазков, тщательно смешанных, чтобы скрыть руку художника в работе.Цвет был сдержанным и часто смягчался путем нанесения золотого лака.

В начале 1860-х годов четыре молодых художника — Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль — познакомились во время учебы у академического художника Шарля Глейра. Они обнаружили, что разделяют интерес к живописи пейзажей и современной жизни, а не историческим или мифологическим сценам. Следуя практике, которая становилась все более популярной к середине века, они часто вместе отправлялись в сельскую местность, чтобы рисовать на открытом воздухе или на пленэре , но не для того, чтобы делать эскизы, которые можно было бы превратить в тщательно законченные работы. в студии, как обычно.Рисуя при солнечном свете прямо с натуры и смело используя яркие синтетические пигменты, которые стали доступны с начала века, они начали развивать более легкую и яркую манеру живописи, которая еще больше расширила реализм Гюстава Курбе и Барбизона. Школа.

Impression, soleil levant (Impression, Sunrise) Клода Моне, 1872 г. : Эта картина стала источником названия движения, насмешливо данного критиком, но поддержанного художниками и публикой.

Техника

Картины импрессионистов можно охарактеризовать тем, что в них используются короткие толстые мазки краски, которые быстро отражают суть объекта, а не детали. Цвета часто применяются бок о бок с минимальным смешиванием, это техника, использующая принцип одновременного контраста, чтобы цвет казался зрителю более ярким. Картины импрессионистов не используют прозрачность тонких красочных пленок (глазурей), которыми ранее художники осторожно манипулировали для создания эффектов.Кроме того, окрашиваемая поверхность обычно непрозрачна и подчеркивается игра естественного света.

Тематически импрессионисты фокусировались на запечатлении движений жизни или быстрых моментов, запечатленных как бы на снимках. Изображение света и его изменяющиеся качества имели первостепенное значение. Обычная тематика и необычные углы обзора также были важными элементами работ импрессионистов.

Стог сена, (закат) Клода Моне, 1890–1891 : Стог сена Моне иллюстрирует типичные черты работ импрессионистов с его короткими, быстрыми линиями, в которых используются многие непрозрачные цвета рядом, чтобы предложить пьесу света на закате.

Скульптура импрессионистов

Считается, что современная скульптура началась с работ французского скульптора Огюста Родена.

Цели обучения

Отличить современный классицизм во французской скульптуре от классицизма более ранней классической скульптуры

Основные выводы

Ключевые моменты

• Как правило, художники-модернисты были озабочены представлением современных проблем, а не грандиозными историческими и аллегорическими темами, которые ранее предпочитались в искусстве.Роден моделировал сложные, бурные, глубоко забитые поверхности в глину, и многие из его самых известных скульптур противоречили преобладающей традиции скульптуры фигур, в которой работы были декоративными, шаблонными или высокотематическими. Спонтанность, очевидная в его работах, связывает его с импрессионистами, хотя он никогда не отождествлял себя с ними.
• Самая оригинальная работа Родена отошла от традиционных тем мифологии и аллегории в пользу моделирования человеческого тела с реализмом и прославления индивидуального характера и телесности.
• Именно свобода и творчество, с которыми Роден использовал эти практики, наряду с его более открытым отношением к телесной позе, чувственным предметам и нереалистичной поверхности, ознаменовали переделку традиционных скульптурных техник 19-го века в прототип для современная скульптура.
• Хотя его работы пересекали многие стилистические границы, и он не считал себя импрессионистом, Дега, тем не менее, считается одним из основателей импрессионизма.
• Скульптура Маленькая танцовщица четырнадцати лет Эдгара Дега ок. 1881 год был показан на выставке импрессионистов 1881 года и вызвал много споров из-за отхода от исторического прецедента, ключевого мотива импрессионистов.

Ключевые термины

• Огюст Роден : Огюст Роден был французским скульптором. Хотя Родена обычно считают родоначальником современной скульптуры, он не собирался восставать против прошлого.Он получил традиционное образование, подходил к своей работе как ремесленник и желал академического признания, хотя его так и не приняли в ведущую художественную школу Парижа.

Французская скульптура

Современный классицизм во многом контрастирует с классической скульптурой 19 века, для которой характерны приверженность натурализму, мелодраматичность, сентиментальность или своего рода величественная грандиозность. На смену веку было принято несколько различных направлений классической традиции, но изучение живой модели и постренессансной традиции все еще оставалось фундаментальным.Современный классицизм проявил меньший интерес к натурализму и больший интерес к формальной стилизации. Больше внимания уделялось ритмам объемов и пространств, а также контрастным качествам поверхности (открытая, закрытая, плоская, ломаная и т. Д.), В то время как меньше внимания уделялось повествованию и убедительным деталям анатомии или костюма. Больше внимания уделялось психологическому воздействию, чем физическому реализму, и использовались влияния более ранних мировых стилей.

Современная скульптура, как и все современное искусство, «возникла как часть попытки западного общества примириться с городским, индустриальным и светским обществом, возникшим в 19 веке.«Как правило, художники-модернисты были озабочены представлением современных проблем, а не грандиозными историческими и аллегорическими темами, которые ранее предпочитались в искусстве.

Влияние Родена

Считается, что современная скульптура началась с работ французского скульптора Огюста Родена. Роден, которого часто считают скульптурным импрессионистом, не собирался восставать против художественных традиций, однако он использовал новые способы создания своей скульптуры, которые бросали вызов классическим категориям и техникам.В частности, Родин моделировал сложные, турбулентные, глубоко забитые поверхности в глине. Хотя он никогда не идентифицировал себя как импрессионист, энергичное моделирование жестов, которое он использовал в своих работах, часто сравнивают с быстрыми, жесткими мазками кисти, стремящимися запечатлеть мимолетный момент, который был типичен для импрессионистов. Самая оригинальная работа Родена отошла от традиционных тем мифологии и аллегории в пользу моделирования человеческого тела с глубоким реализмом и прославления индивидуального характера и телесности.

Роден был натуралистом, менее озабоченным монументальным выражением, чем характером и эмоциями. Исходя из многовековых традиций, он отвернулся от идеализма греков и декоративной красоты движений барокко и необарокко. Его скульптура подчеркивала индивидуальность и конкретность плоти, передавая эмоции через детализированные, текстурированные поверхности и взаимодействие света и тени. Роден в большей степени, чем его современники, считал, что характер человека определяется его физическими особенностями.Талант Родена к моделированию поверхностей позволил ему позволить каждой части тела говорить от имени целого. Страсть мужчины в The Kiss , например, выражается в том, что его пальцы на ногах держатся за камень, неподвижна спина и различаются руки. Роден считал страдания и конфликты отличительными чертами современного искусства. Он утверждает, что «на самом деле нет ничего более трогательного, чем обезумевший зверь, умирающий от невыполненного желания и тщетно просящий благодати, чтобы подавить его страсть».

Мыслитель Огюста Родена : Эксперименты Родена с формой, видимой в Мыслителе, положили начало современной абстрактной скульптуре.

Главным нововведением Родена было использование таких многоступенчатых процессов скульптуры XIX века и их зависимости от гипсового литья. Поскольку глина быстро портится, если ее не поддерживать во влажном состоянии или обжигать терракоту, скульпторы использовали гипсовые слепки как средство закрепления композиции, которую они могли бы сделать из летучего материала, которым является глина. Это было обычным делом среди современников Родена: скульпторы выставляли гипсовые слепки в надежде, что им будут заказаны работы из более прочного материала. Роден, однако, делал несколько штукатурок и рассматривал их как сырье для скульптуры, объединяя их части и фигуры в новые композиции и новые имена. По мере развития практики Родена в 1890-е годы он становился все более и более радикальным в своем стремлении к фрагментации, сочетанию фигур в разных масштабах и созданию новых композиций на основе его более ранних работ.

Ходячий человек

Ярким примером его радикальных практик является The Walking Man (1899–1900).Он состоит из двух скульптур 1870-х годов, которые Роден нашел в своей мастерской — сломанного и поврежденного торса, который был заброшен, и нижних конечностей статуэтки его 1878 Св. Иоанна Крестителя, проповедующего , который он повторял -слеплен в уменьшенном масштабе. Не придавая особого значения соединению верха и низа, туловища и ног, Роден создал произведение, которое многие скульпторы того времени и впоследствии сочли одним из его самых сильных и необычных произведений.И это несмотря на то, что объект передает два разных стиля, демонстрирует два разных отношения к отделке и не пытается скрыть произвольное слияние этих двух компонентов. Именно свобода и креативность, с которыми Роден использовал эти практики — наряду с его активацией поверхностей скульптур через следы собственного прикосновения — ознаменовали переделку Роденом традиционных скульптурных техник 19 века в прототип современной скульптуры.

The Walking Man : Walking Man состоит из двух фрагментов скульптуры, которые Роден объединил в одну работу, не скрывая слияния этих разрозненных форм.

Эдгар Дега

Эдгар Дега был французским художником, известным своими картинами, скульптурами, гравюрами и рисунками. Его особенно отождествляют с предметом танца; более половины его работ изображают танцоров. Его считают одним из основоположников импрессионизма, хотя он отверг этот термин, предпочитая называться реалистом.

При жизни общественное мнение о творчестве Дега варьировалось от восхищения до презрения. Как многообещающий художник традиционного стиля, Дега имел ряд картин, принятых в Салоне между 1865 и 1870 годами. Однако вскоре он объединил усилия с импрессионистами и отверг жесткие правила, суждения и элитарность Салона — точно так же, как Салон и широкая публика первоначально отвергли экспериментализм импрессионистов.

Работа

Дега вызывала разногласия, но в целом вызывала восхищение своим мастерством. Его картина «Маленькая танцовщица четырнадцати лет » или «Маленькая танцовщица четырнадцати лет », которую он показал на шестой выставке импрессионистов в 1881 году, была, вероятно, его самой противоречивой работой; одни критики осуждали то, что они считали «ужасающим уродством», в то время как другие видели в этом «цветение».«Скульптура имеет две трети натурального размера и изначально была вылеплена из воска, что было необычным выбором для того времени. На ней настоящий лиф, балетная пачка, балетные тапочки и парик из натуральных волос. Все, кроме ленты для волос и пачки, покрыты воском. 28 бронзовых повторов, которые сегодня появляются в музеях и галереях по всему миру, были отлиты после смерти Дега. Пачки, которые носят бронзовые украшения, варьируются от музея к музею.

Маленькая танцовщица четырнадцати лет Эдгара Дега, ок.1881 : скандальная скульптура, которую Дега показал на выставке импрессионистов 1881 года, известна своим экспериментализмом и порывает с традициями.

Признанный выдающимся художником своей жизни, Дега сейчас считается одним из основателей импрессионизма. Хотя его работы выходили за многие стилистические границы, его участие в других крупных фигурах импрессионизма и их выставках, его динамичные картины и зарисовки повседневной жизни и деятельности, а также его смелые эксперименты с цветом окончательно связали его с движением импрессионистов как одним из его величайшие художники.

Что такое импрессионизм, история импрессионизма и импрессионистов, начало движения импрессионизма.

Радикализм импрессионизма:
«Деревья не фиолетовые, небо не маслянистое!»

В 1874 году пятьдесят пять художников провели первую независимую групповую выставку импрессионистского искусства. Большинство из них — включая Сезанна, Писсарро, Ренуара, Дега, Моне, Мане и его невестку Берту Моризо («сборище сумасшедших и женщина», пробормотал один наблюдатель) — были отвергнуты салоном . , ежегодная выставка, спонсируемая французским государством, которая предоставила художникам единственную реальную возможность выставить и продать свои работы.Неважно, сказали они друг другу. В салоне «» картины были сложены по три или четыре в высоту и слишком плотно прижаты друг к другу на стенах. На своей независимой выставке, расположенной в помещении, где раньше располагалась фотостудия, художники могли вешать свои работы на уровне глаз с промежутком между ними. Хотя художники сначала не называли себя «импрессионистами», эта выставка станет первой из восьми таких «импрессионистских» выставок за следующие двенадцать лет.

Возмущенный критик Луи Лерой придумал ярлык «импрессионист».«Он посмотрел на картину Моне« Impression Sunrise », сенсорный отклик художника на гавань на рассвете, нарисованную отрывочными мазками. « Впечатление! »- фыркнул журналист.« Обои в зачаточном состоянии стали более законченными! »В течение года, название стало более законченным! Импрессионизм был общепринятым термином в мире искусства.

Если название было принято, то само искусство не было. «Попытайтесь объяснить месье Писсарро, что деревья не фиолетовые, что небо не цвета свежего масла … и что ни один здравомыслящий человек не может допустить таких отклонений…. попытайтесь объяснить мсье Ренуару, что женский торс — это не масса разлагающейся плоти с этими пурпурно-зелеными пятнами «, — писал искусствовед Альберт Вольф после второй выставки импрессионистов.

Хотя некоторые люди оценили новые картины, многие нет. Критики и публика сошлись во мнении, что импрессионисты не умеют рисовать и их цвета считаются вульгарными. Их композиций, были странными. Их короткие, небрежные мазки делали их картины практически неразборчивыми.Зрители недоумевали, почему художники не успели закончить свои полотна?

Действительно, импрессионизм нарушил все правила Французской академии изящных искусств , консервативной школы, которая доминировала в художественном обучении и вкусе с 1648 года. Импрессионистские сцены современной городской и сельской жизни были далеки от усилий Academic по обучению. моральные уроки через исторические, мифологические и библейские темы.

Эта традиция, заимствованная из древнегреческого и римского искусства, включает идеализированные изображения.Академические картины характеризовали симметричные композиции, четкие очертания и тщательно гладкие лакокрасочные поверхности.

Несмотря на мощь Академии, семена художественной и политической нестабильности были посеяны задолго до 1874 года. Начало и середина 19 века были временем политической нестабильности во Франции. Между 1830 и 1850 годами население Парижа увеличилось вдвое. Во время революции 1848 года парижские рабочие, преследовавшие социалистические цели, свергли монархию только для того, чтобы в том же году увидеть, как консерваторы берут бразды правления в свои руки.Страх перед дальнейшими восстаниями вызвал повсеместное недоверие среди аристократии, бедноты и недавно процветающей буржуазии или среднего класса.

В то же время далеко идущая промышленная революция укрепила новую веру в человека и его неограниченный потенциал. Художники-романтики, такие как Эжен Делакруа, начали отмечать индивидуальность с точки зрения техники рисования теплыми цветами и энергичными мазками. Журналы Делакруа позже предоставили импрессионистам идеи о теории цвета и технике живописи.Позже, в 19 веке, художники Барбизонской школы Коро, Милле и Руссо отказались от классических студийных тем, чтобы выйти на улицу и нарисовать окружающий пейзаж. Реалист Гюстав Курбе, наставник нескольких импрессионистов, рисовал сельских бедняков такими, какими он их видел. Его грубая техника вызвала недовольство Академии.

Импрессионисты, или «независимые», как они предпочитали называться, объединили воедино большое разнообразие этих влияний, верований и стилей, когда они впервые выставились и встретились в парижских кафе, чтобы обсудить искусство.Их отказ от Академии и отказ Академии от них объединили группу.

Живопись современной жизни и реальных предметов

Самой прочной нитью, связывающей импрессионистов, был интерес к окружающему миру. Что касается предмета, они смотрели на современных людей на работе и на отдыхе. Такие изобретения, как паровой двигатель, ткацкий станок, уличные фонари, фотоаппарат, готовая мода, чугун и сталь, изменили жизнь простых людей. В основе промышленной революции лежала вера в то, что технический прогресс является ключом ко всему прогрессу человечества.В этой атмосфере открытий люди чувствовали, что могут делать все, что угодно.

Промышленная революция принесла Франции экономическое процветание, и император Наполеон III намеревался сделать Париж визитной карточкой Европы. Он нанял градоначальника барона Хаусмана, префекта Сены, чтобы заменить грязный старый средневековый город широкими бульварами, парками и памятниками. Новые железнодорожные станции и мосты со стальным оребрением были подвигом современной инженерии. Кафе, рестораны и театры соблазняли буржуазию, новый могущественный купеческий класс, который обосновался в Париже и его окрестностях.

Оживленный город и тихая сельская местность

Большинство импрессионистов родились в классе буржуазии, и они рисовали именно этот мир. «Заставьте нас увидеть и понять с помощью кисти или карандаша, насколько мы велики и поэтичны в наших галстуках и кожаных сапогах», — бросил вызов своему другу Эдуарду Мане поэт Шарль Бодлер. Эссе Бодлера « Художник современной жизни » вдохновило других импрессионистов также изобразить темы реальной жизни. Дега бродил за кулисами оперы и балета для своих подданных.Моне увековечил вокзалы Парижа. Почти все художники-импрессионисты рисовали людей, спешащих по оживленным улицам и наслаждающихся досугом на бульваре, на ипподроме, в кафе-концертах, магазинах, ресторанах и парках.

Однако импрессионистов интересовала не только городская суета. Им тоже понравилась деревенская тематика. Железные дороги дали людям новую мобильность. Они могли сесть на поезд и через час оказаться в деревне. Пассажиры сбежали из переполненного города в пригороды, выросшие вокруг Парижа. Река Сена, парки и сады обеспечивали отдых для пикников по выходным, купания и вечеринок на лодках, что импрессионисты должным образом записали. Было написано, что одним из ключей к популярности импрессионизма является то, что художник часто ставит зрителя в положение человека, отдыхающего в отпуске и наслаждающегося красивой сценой. «Моне никогда не рисовал будни», — насмешливо заметил один критик.

В доме предлагались и другие предметы из реальной жизни. Для женщин-художников, таких как Берта Моризо или Мэри Кассат, было неприемлемо устанавливать мольберт в большинстве общественных мест.Они полагались на домашние сцены, в которых женщины из их собственного социального класса обнимали младенцев, играли со своими детьми, одевались в будуаре или ухаживали за их садами. Сад был центральным элементом жизни конца 19 века. Моне, Мане и Ренуар часто рисовали свои сады. Моне называл свои клумбы «моим самым прекрасным произведением искусства».

En Plein Air и «Художник проходящего момента»

Рисование тротуара кафе, ипподрома или вечеринки на лодке привлекало импрессионистов к работе на открытом воздухе или на пленэре . Большинство импрессионистов работали прямо и спонтанно с натуры. Это был художник Барбизон Камиль Коро, который первым посоветовал художникам «подчиниться первому впечатлению» от увиденного — настоящего пейзажа без надуманных классических руин или библейских притч французской академической живописи.

Моне, Ренуар, Писсарро, Сислей и другие предпочитали записывать свои первоначальные сенсорные реакции, а не идеализировать предмет. Один художник, друг Моне, вспоминал, как мастер давал ему такой совет: «Он (Моне) сказал, что хотел бы родиться слепым, а затем внезапно обрел зрение, чтобы начать рисовать таким образом, не зная, что это за предметы. что он видел перед собой.Он считал, что первый реальный взгляд на мотив, вероятно, будет наиболее правдивым и беспристрастным ». Импрессионисты считали, что рисование их опыта было более правдивым и, следовательно, более этичным, чем копирование искусства прошлого.

Пейзажи импрессионистов часто содержат людей или демонстрируют эффекты присутствия человека — например, на мосту или тропинке. Импрессионисты хотели запечатлеть людей в откровенных, а не постановочных или постановочных моментах. Как будто художник и мы, зрители, наблюдаем уединенный, созерцательный момент.Мы видим мужчин, женщин и детей, плавающих в лодке, прогуливающихся под деревьями или просто наблюдающих за течением реки.

Импрессионисты часто изображали людей на полпути. Дега заметил, что оперные зрители смотрят друг на друга, а не на сцене, а танцоры балета растягиваются или поправляют свои костюмы перед выступлением. Гитарист Ренуара сама играет на инструменте. Парижские пешеходы Писсарро спешно переходят улицы города.

Желание запечатлеть мимолетное мгновение природы побудило многих импрессионистов рисовать одни и те же сцены в разное время и в разную погоду.Им приходилось работать быстро, чтобы запечатлеть момент, или закончить картину на открытом воздухе до того, как изменится свет. Художники часто делали быстрые наброски карандашом или разбавленной масляной краской прямо на месте, но теперь эскиз стал законченной работой. Художники-импрессионисты использовали особый стиль быстрых, прерывистых мазков: линии для людей на оживленной улице или пятнышки для воссоздания цветов на лугу.

Эти художники часто наносили краску настолько густо, что это создавало грубую текстуру на холсте. Импрессионисты смешивали цвета прямо на холсте или наносили мазки на оттенки рядом друг с другом, позволяя глазам зрителя смешивать их.Этот процесс получил название оптического смешения цветов. Эта отрывочная техника не только предлагала движение, но также отражала мерцающие эффекты света, которыми занимались художники. Грубые, блестящие картины импрессионизма резко отличались от гладких, тщательно обработанных полотен академических художников. Хотя импрессионисты хотели, чтобы их работа выглядела почти случайно, неудивительно, что первые критики назвали ее «ленивой» и незаконченной.

Оптические инновации: образы «волшебной мгновенности»

Теория цвета

Импрессионизм резко отошел от традиций в использовании цвета. Этих художников очаровали достижения в области оптики и теории цвета. Работая на открытом воздухе, импрессионисты передали игру солнечного света и оттенки природы с помощью палитры более смелых и светлых цветов, чем использовали художники классической студии. В 1666 году сэр Исаак Ньютон показал, что белый свет можно разделить на

цветов, включая три основных цвета : , красный, синий и желтый — с помощью призмы. Импрессионисты научились создавать призматические цвета с помощью палитры чистых, насыщенных пигментов и белого.В отличие от художников Академии, которые покрывали свои холсты темным подмалевком , импрессионисты работали на белом холсте без грунтовки или на бледно-сером или кремовом фоне для более светлого и яркого эффекта.

Книга Эжена Шеврёля 1839 года « О законе одновременного контраста цветов » руководила импрессионистской практикой нанесения мазков чистых контрастных цветов. Шеврель обнаружил, что цвета меняются по сравнению с другими цветами рядом с ними. Дополнительные цвета , или те, которые находятся прямо напротив друг друга на его цветовом круге, создают наиболее интенсивные эффекты, когда помещаются рядом друг с другом, писал он.Комбинации красно-зеленого или сине-оранжевого вызывают настоящую вибрацию в глазах зрителя, так что кажется, что цвет соскальзывает с холста. Неудивительно, что зрители эмоционально реагируют на сияющий солнечный свет на реках Моне или на всплеск оранжевых костюмов на балетных танцорах Дега. «Я хочу, чтобы мой красный звучал как колокольчик!» — сказал Ренуар. «Если сначала у меня не получается, я добавляю больше красного, а также других цветов, пока не получу».

Художественные материалы

Новые технологии в художественных материалах сделали доступным более широкий спектр цветных пигментов.Раньше художникам приходилось измельчать и смешивать собственные пигменты с маслом. Теперь продавцы красок продавали готовые к использованию краски и другие материалы прямо в магазинах. Кроме того, складные металлические трубки заменили мешки-камеры для скребков в качестве резервуаров для хранения краски. Трубки дольше сохраняют пигмент, что позволяет художникам совершать длительные поездки на открытом воздухе.

Фотография

Возможно, ни одно изобретение промышленной революции не повлияло на импрессионизм больше, чем камера.Черно-белая фотография не только запечатлела сцену для последующего изучения, но и зафиксировала самые реальные моменты, которые преследовали импрессионисты. У большинства импрессионистов были камеры; Фактически, у Моне их было четыре, а Дега экспериментировал с одной из первых портативных моделей Kodak. В их искусстве были необычные, неожиданные и асимметричные композиции , иногда пойманные камерой.

Отвергая центрированные фигурные группы традиционного искусства, импрессионисты ничего не думали о том, чтобы вырезать фигуру по краю картины или загнать действие в углы и оставить центр композиции пустым. Дега называл фотографию «изображением волшебной мгновенности» и особенно умел смещать композицию вне центра. Он также был заинтригован недавно изобретенным кинотеатром, который делал несколько снимков движущихся животных с большой выдержкой. Он использовал машину, чтобы изучить движения и жесты. Импрессионисты с энтузиазмом изучали панорамную пейзажную фотографию и переняли ее плоскую перспективу. Моне заметил, что длинные выдержки размывают движущиеся фигуры, и он начал аналогичным образом смазывать свои нарисованные фигуры.Для человеческого глаза, конечно, фигуры не расплываются, и один из первых критиков назвал далеких пешеходов Моне «облизыванием черного языка». Даже те, кто хвалил способность художника запечатлеть это «муравейное скопление … мгновенность движения», часто упускали ссылку на фотографию.

Японский

Другим визуальным влиянием на импрессионизм стал феномен под названием Japonisme . Открытие Японии для западной торговли и дипломатии в 1854 году вызвало во Франции гнев в отношении всего японского. Японские артефакты нашли активный рынок среди растущего среднего класса Парижа. В 1862 году недалеко от Лувра открылась дальневосточная сувенирная лавка под названием Le Porte Chinoise . В магазине продавались веера, кимоно, лакированные шкатулки, свитки, керамика, бронзовые скульптуры и другие предметы, которые импрессионисты использовали в качестве реквизита в своих картинах. В частности, импрессионисты восхищались японскими гравюрами на деревянных блоках и использовали плоские, декоративные формы, яркие цвета и асимметричные композиции этого вида искусства в своих работах.

Элегантные японские гравюры (известные как укиё-э , или «изображения парящего мира» гейш и других популярных развлечений) также вызвали новый интерес к гравюрам. В дополнение к гравюрам на деревянных блоках импрессионисты создавали литографии (отпечатки, сделанные масляными чернилами на мокром камне) и гравюры (отпечатки рисунков, вытравленных кислотой на металлических пластинах). Эти методы позволили Дега, Моне, Кассат и другим художникам сделать несколько копий своих работ и таким образом охватить более широкую аудиторию.

Коллекционирование импрессионизма: «Что-то твердое и долговечное»

В первые годы импрессионизма художники изо всех сил пытались найти рынок сбыта для своих работ, и многие жили впроголодь. Импрессионизм изменился, когда художники поссорились друг с другом, отказались от выставок или, как Моне и Ренуар, вернулись к более академическому стилю, который, как они надеялись, привлечет покупателей. Сезанн также отвернулся от импрессионизма, разочаровавшись тем, что ему не удалось «сделать из импрессионизма что-то прочное и долговечное, как искусство музеев.«

Однако один дальновидный парижский арт-дилер Поль Дюран-Рюэль признал величие импрессионизма еще в 1870 году. «Настоящий торговец картинами также должен быть просвещенным покровителем; он должен, если необходимо, пожертвовать своим непосредственным интересом ради своих художественных убеждений. «, — написал Дюран-Рюэль. В первые годы он регулярно покупал, продавал и продвигал картины импрессионистов. Наконец, в 1880-х и 90-х годах мир, нарисованный импрессионистами, начал их обнимать. Американские коллекционеры были в значительной степени ответственны за этот поворот судьбы, купив достаточно картин, чтобы сохранить работу нескольких художников.В музее Люксембурга в Париже в 1897 году была открыта первая музейная выставка искусства импрессионистов, а выставка на Всемирной выставке 1900 года закрепила репутацию художников. Картины, проданные двадцать пятью годами ранее всего за пятьдесят франков, отмечает Дюран-Рюэль, теперь стоили 50 000 франков.

Что вызвало изменение взглядов публики? «По иронии судьбы», — пишет историк искусства Анн Дюма, — прежний статус «импрессионистов» как ренегатов повысил их привлекательность для знатоков и умозрительных способностей буржуазных коллекционеров… (это было) новое искусство для нового класса, который хотел образы мира, в котором они жили ».

Возможно, более важным фактором его сегодняшней популярности является привлекательный цвет, непосредственность и свежесть искусства импрессионистов. Перед первой выставкой в ​​1874 году искусствовед Арман Сильвестр заметил об этих картинах: «Их пронизывает светлый свет, и все — веселье, ясность, весенние праздники, золотые вечера или цветущие яблони. Это окна, открывающиеся в радостную сельскую местность. , на реках, полных прогулочных лодок, уходящих вдаль, на небе, сияющем легкими туманами, на жизни на природе, панорамной и очаровательной.«

Продолжите чтение на следующей странице, Общие вопросы и действия .

Импрессионизм — История для детей

Импрессионизм

Американский импрессионизм

Импрессионизм — это направление в искусстве, зародившееся во Франции. Свое название он получил от картины Клода Моне 1874 года под названием «Восход солнца». Торговые марки стиля включают яркий цвет, свободную манеру письма и ориентиры.

Известный французский художник Клод Моне сам описал картину импрессионистов как скорее спонтанную работу, чем расчетную. Вместо того, чтобы сосредотачиваться на деталях изображения, художники-импрессионисты сосредотачиваются на визуальном впечатлении от сцены и влиянии света на нее.

Импрессионизм стал самым важным направлением в искусстве 19 века.

Факты об американском импрессионизме для детей

• Импрессионизм зародился во Франции в 1860-х годах.
• Место или сообщество, где процветают или живут художники, называется колонией искусства.
• Выставка Уильяма Мерритта Чейза в Нью-Йорке проходила в Проспект-парке в Бруклине.
• Одним из любимых центров вдохновения импрессионистов является Живерни во Франции, где в 1883 году обосновались Мани.
• Термин Импрессионизм впервые был использован Луи Лерой для насмешливого описания выставки французского стиля живописи 1874 года Моне, Ренуара, Писсарро, Дега и Сислея.

Из Франции это направление в искусстве перебралось в Соединенные Штаты после гражданской войны 1865 года. Американские интеллектуалы в области искусства и меценаты отправились в Европу и впитали их культуру. Стиль французского импрессионизма в живописи пейзажей и повседневной жизни с использованием ярких красок и быстрой манеры письма нашел свое отражение в Америке.

американских художника внесли свой собственный фирменный поворот в стиль французского импрессионизма. К ним относятся глубокие перспективы, асимметричный дизайн и обрезанные фигуры.

Выставки картин импрессионистов стали популярными в американских городах. В 1886 году Уильям Меррит Чейз создал серию изображений импрессионистов об общественных парках Нью-Йорка.

Джон Сингер Сарджент оказал жизненно важное влияние на развитие американского импрессионизма из-за своей роли проводника идей из Парижа в Америку. Одна из его самых известных работ импрессионистов — картина 1889 года « » Поль Хеллеу зарисовывает с женой. Это простое изображение его друга-французского художника Поля, проводящего много времени со своей женой, но оно было увеличено до другого художественного уровня из-за стиля импрессионизма.

Мэри Кассат и ее картина Женщина, сидящая с ребенком на руках (1890) — еще одна отличительная черта американского импрессионизма. Свои навыки рисования она развивала у известных французских художников Камиля Писсарро и Дега. Ее положение как американки и женщины открывало ей уникальную перспективу. Когда она не могла ходить в места, часто посещаемые мужчинами, такие как танцевальные академии, кафе и ипподромы, она рисовала это в стиле импрессионизма.

Другие художники, такие как Уиллард Меткалф и Теодор Робинсон, отправились в художественные колонии в Живерни и репатриировали свои идеи и учения обратно в Америку.

В какой стране зародилось движение импрессионизма?
Все началось во Франции в 1860-х годах.

Почему это называется импрессионизм?
Слово происходит от картины известного французского художника Клода Моне « Impression Sunrise ».

Какое знаменательное событие произошло в истории США до того, как импрессионизм проник в Америку в 1860-х годах?
Гражданская война закончилась в 1865 году и восстановила репутацию Соединенных Штатов в международном сообществе?

Кому принадлежит одна из первых выставок импрессионистов в Америке, которая привела к принятию импрессионизма?
Именно Уильям Меррит Чейз и его выставка демонстрировали картины общественных парков Нью-Йорка.

No related posts.