Известные художники абстракционисты: Attention Required! | Cloudflare

Художники-абстракционисты 21 века

Абстрактное искусство позволило начать эксперименты с восприятием, формами предметов. Художники смогли подставить под сомнение все классические приемы и каноны. Современные абстракционисты все также раздвигают границы сознания, создавая новую реальность.

Читайте также:

 

Рисунки Дэвида Шнела

Художник является немцем, его вдохновляют места, где природа сменилась человеческими застройками вроде детских площадок, заводов, фабрик и т.д. Именно на таких участках к нему приходит муза. Его работы похожи на фантастические иллюстрации и создаются за счет фантазии Дэвида.

 

 

 

Вдохновение скоростью от Кристин Бэйкер

Художница из Америки очень любит гонки Формулы 1 и историю искусств. Она начинает с использования нескольких прослоек акриловых красителей, создавая силуэты при помощи скотча. После удаления клейкой ленты становятся видны нижние слои, а все неровности удаляются. В итоге получается эффектный разноцветный рисунок.

 

 

Эфемерные творения Сары Спитлер

Яркими брызгами на холсте художница старается показать беспорядок, хаос, дисбаланс. Они влекут ее по причине невозможности контроля за людьми. Разрушительный дух есть в каждой ее работе, они захватывают своей мощью. Также ее работы говорят об относительности жизненных ситуаций, эфемерности происходящего.

 

 

Футуристическое творчество Р. Хардейва

Роберта вдохновляют работы Пикассо, Дали, Кандинского, он также придерживается сюрреализма и утверждает, что в его творчестве открывается жизненная непредсказуемость. Он старается отразить невозможность познания всего в жизни, и по этой причине художник полностью доверяется воображению. Он отражает идеи реинкарнации и богатства души.

 

 

Магия цвета от Э. Уолкера

Абстракции современного художника очень невероятны за счет создания многослойной композиции и насыщенности цветов. Прямые и кривые линии связываются с помощью цветового дополнения. Хотя основой работ являются темные тона, Эли всегда добавляет яркости, позволяющей взглянуть на рисунок с новой стороны.

 

 

Абстракции от Ф. Лекё

В работах абстракциониста сложно рассмотреть конкретные лица или предметы, он рисует все с помощью собственной символики, знаков, показывая предметы с совершенно другого ракурса. За счет своих работ он стремится расширить сознательные границы. Догадаться о теме картины удается только за счет названий.

 

 

 

Гипнотизирующие сюжеты Х. Парла

Смесь коллажа и граффити превращает работы художника в стильные абстракции. Его вдохновляет граффити, а первые его рисунки были созданы именно на улицах города. Сейчас Хосе не нарушает закон, рисуя на бумаге, и выставляя плоды своих трудов в галереях. Он относится к картинам, как к капсуле времени, стараясь отразить в них свои воспоминания и впечатления. В работе он использует надписи, постеры, слои краски.

 

 

 

Елеанна Анагнос, новые грани привычного

Художница старается изменить формы и размеры, исследовать повседневную жизнь и отразить ее по-своему. Она делает негативное насыщенным приятными эмоциями, открыто задает вопросы, старается разбудить разум людей и показывать им новое.

 

 

определение, история, виды, характеристики Раздел в процессе наполнения и корректировки Абстракциони

Абстракционизм — сравнительно молодое среди направлений искусства. Годом его зарождения официально признан 1910 год, когда художником Василием Кандинским было выставлено первое полотно в новой технике, написанное акварелью.

Представители абстракционизма берут в качестве основы для создания собственных шедевров простые и сложные формы, линии, плоскости и играют с цветом. К реальным предметам то, что получается в итоге, не имеет никакого отношения. Это произведение, которое доступно только сверхсознанию через чувственный мир личности.

В течение десятилетий после появления первой работы в данной стилистике, абстракционизм претерпевал разные изменения, активно внедрялся в другие авангардные направления.

(Абстракция от Carol Hein )

В рамках абстракционизма людьми искусства были созданы многочисленные картины, скульптуры, инсталляции.

Отдельные элементы использовались и продолжают с успехом внедряться, в том числе, и в интерьеры современных помещений.

На сегодняшний день абстрактное течение в искусстве делят на геометрическую и лирическую абстракцию. Для геометрического направления абстракционизма характерны строгие и четкие линии, устойчивые состояния. Лирическая абстракция характеризуется свободной формой и демонстрацией динамики, заданной мастером или художником.

Абстракционизм в живописи

Именно с живописи и начал абстракционизм свое развитие. На холсте и бумаге он был явлен миру путем игры цвета и линий, воссоздающих нечто, что не имело никаких аналогов в реальном предметном мире.

(…и более понятная абстракция от Carol Hein

)

Яркими представителями абстракционизма считаются:

• Кандинский;
• Малевич;
• Мондриан.

Позже у них было множество последователей, каждый из которых вносил свою художественную лепту, применяя новые техники нанесения красок и новые принципы создания абстрактной композиции.

(Василий Васильевич Кандинский «Композиция IV» )

Основатели направления, создавая свои шедевры на холсте, опирались на новые научные и философские теории. Например, Кандинский, обосновывая собственные художественные творения, апеллировал к теософским трудам Блаватской. Мондриан был представителем неопластицизма и активно использовал в своих работах чистые линии и цвета. Его картины неоднократно копировались многими представителям сферы живописи и искусства. Малевич являлся ярым приверженцем теории супрематизма. Главенство в искусстве живописи мастером было отдано цвету.

(Казимир Малевич «Композиция из геометрических фигур» )

В целом, абстракционизм в живописи оказался для простых обывателей двояким направлением. Один считали подобные работы тупиковыми, вторые — искренне восхищались теми идеями, которые художники закладывали в свои творения.

Несмотря на хаотичность линий, форм и цветов, картины и произведения искусства в стилистике абстракционизма создают единую и целостно воспринимаемую зрителями композицию.

Направления искусства абстракционизм

Работы в стиле абстракционизма сложно четко классифицировать, так как у данного направления имеется множество последователей, каждый из которых вносил свое виденье в развитие. В общем, его можно разделить по типу преобладания линий либо техник. На сегодняшний день выделяют:

• цветовой абстракционизм. В рамках данных работ художники играют с цветами и оттенками, ставя акцент в работах именно на восприятие их сознанием смотрящего;
• геометрический абстракционизм. У данного течения имеются свои строгие характерные отличия. Это четкие линии и формы, иллюзия глубины и линейные перспективы. Представителями этого направления являются супрематисы, неопластицисты;
• экспрессивный абстракционизм и ташизм. Акцент в этих ответвлениях делается не на цвета, формы и линии, а на технику нанесения краски, посредством которой задается динамика, передаются эмоции и отражается бессознательное художника, работающего без какого-либо предварительного плана;
• минималистичный абстракционизм. Это течение ближе к авангарду. Суть его сводится к отсутствию отсылок на какие либо ассоциации. Лини, формы и цвета используются лаконично и по минимуму.

Зарождение абстракционизма, как направления в искусстве, стало итогом витавших вначале прошлого века изменений, связанных с новыми многочисленными открытиями, которые стали продвигать человечество вперед. Всему новому и еще непонятному требовалось такое же объяснение и выход, в том числе, и через искусство.

Абстракционизм (лат. abstractio – удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство – направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

История

Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) – художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского

, П. Мондриана и К. Малевича.

В. Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса.

Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

20 век и современность

После 1-й мировой войны 1914-18 годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись в отдельных произведениях представителей дадаизма и сюрреализма; вместе с тем определилось стремление найти применение неизобразительным формам в архитектуре, декороративном искусстве, дизайне (эксперименты группы Стиль» и «Баухауза»). Несколько групп абстрактного искусства («Конкретное искусство», 1930; «Круг и квадрат», 1930; «Абстракция и творчество», 1931), объединивших художников различных национальностей и направлений, возникло в начале 30-х гг., главным образом во Франции. Однако широкого распространения абстрактное искусство в то время не получило, и к середине 30-х гг. группы распались. В годы 2-й мировой войны 1939–45 в США возникла школа так называемого абстрактного экспрессионизма (живописцы

Дж. Поллок, М. Тоби и др.), развивавшегося после войны во многих странах (под названием ташизма или «бесформенного искусства») и провозгласившего своим методом «чистый психический автоматизм» и субъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых и фактурных сочетаний.

Во второй половине 50-х годов в США зародилось искусство инсталляции, поп-арта, несколько позднее прославившее Энди Уорхола с его бесконечным тиражированием портретов Мэрилин Монро и банок собачьего корма – коллажный абстракционизм. В изобразительном искусстве 60-х стала популярна наименее агрессивная, статичная форма абстракции – минимализм. Тогда же Барнет Ньюмен , основоположник американского геометрического абстракционизма вместе с А.Либерманом, А.Хельдом и К.Ноландом

успешно занимались дальнейшим развитием идей голландского неопластицизма и русского супрематизма.

Еще одно течение американской живописи получило название «хроматического» или «постживописного» абстракционизма. Представители его в какой-то мере отталкивалось от фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступали место живописи созерцательного меланхолического склада. В 70-е – 80- е годы американская живопись вернулась к фигуративности. Более того, широчайшее распространение получило такое крайнее ее проявление, как фотореализм. Большинство искусствоведов сходятся на том, что 70-е – это момент истины для американского искусства, поскольку в этот период оно наконец-то освободилось от европейского влияния и стало чисто американским. Впрочем, несмотря на возвращение традиционных форм и жанров, от портрета до исторической живописи, не исчез и абстракционизм.

Картины, произведения «неизобразительного» искусства создавались по прежнему, так как возвращением к реализму в США был преодолен не абстракционизм как таковой, но его канонизация, запрет на фигуративное искусство, которое отождествлялось прежде всего с нашим соцреализмом, а значит, не могло не считаться одиозным в «свободном демократическом» обществе, запрет на «низкие» жанры, на социальные функции искусства. При этом стилистика абстрактной живописи приобрела некую мягкость, которой ей не доставало прежде, – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие цветовые решения (Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверс, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброд ).

Все эти тенденции заложили основу для развития современного абстракционизма. В творчестве не может быть ничего застывшего, окончательного, так как это было бы смертью для него. Но какими бы путями ни шел абстракционизм, каким бы ни подвергался трансформациям, сущность его всегда остается неизменной. Она в том, что абстракционизм в изобразительном искусстве – это наиболее доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, самой, что ни на есть адекватной – подобно факсимильному оттиску. Вместе с тем, абстракционизм – это прямая реализация свободы.

Направления

В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.

Кубизм

Авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Районизм (Лучизм)

Направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».

Неопластицизм

Обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917–1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Орфизм

Направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Супрематизм

Направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Ташизм

Течение в западноевропейском абстракционизме 1950–60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Абстрактный экспрессионизм

Движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

Абстракионизм в интерьере

В последнее время абстракционизм начал переходить с полотен художников в уютный интерьер дома, выгодно обновляя его. Минималистический стиль с использованием четких форм, порой достаточно необычных, делает помещение необычным и интересным. Но переборщить с цветом очень просто. Рассмотрим сочетание оранжевого цвета в такой стилистике интерьера.

Белый лучше всего разбавляет насыщенный оранжевый, и как бы остужает его. Цвет апельсина заставляет комнату стать жарче, поэтому немного; не помешает. Акцент должен быть на мебели или оформлении ее, например, оранжевое покрывало. В таком случае белые стены заглушат яркость цвета, но оставят комнату красочной. Прекрасным дополнением в таком случае послужат картины той же гаммы — главное не переборщить, иначе будут проблемы со сном.

Сочетание оранжевого и голубого цветов пагубно для любой комнаты, если это не касается детской. Если подобрать не яркие оттенки, то они будут удачно гармонировать друг с другом, добавят настроения, и не будут пагубно влиять даже на гиперактивных детей.

Оранжевый отлично сочетается с зеленым, создавая эффект мандаринового дерева и шоколадным оттенком. Коричневый — цвет, который варьируется от теплого к холодному, поэтому идеально нормализует общую температуру комнаты. Кроме того, такое сочетание цветов подойдет для кухни и гостиной, где нужно создать атмосферу, но не перегрузить интерьер. Оформив стены в белый и шоколадный цвета, можно спокойно поставить оранжевое кресло или повесить яркую картину с насыщенным мандариновым цветом. Пока вы в такой комнате, у вас будет прекрасное настроение и желание сделать как можно больше дел.

Картины известных художников-абстракционистов

Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.

Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия – делиться этими идеалами с миром, на благо общества.

Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.

Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.

Казимир Малевич

Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве. Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.

«Черный квадрат» (1915)

Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».

На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата – она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.

Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый – пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.

Пит Мондриан

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах. В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру – к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.

«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.

Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий. Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.

Робер Делоне

Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм. Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.

К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне – знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка. Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.

Франтишек Купка

Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций. Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)

Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов. В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.

Современные абстракционисты

С начала двадцатого века художники, в том числе Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Каземир Малевич, Василий Кандинский — экспериментируют с формами предметов и их восприятием, а также ставят под сомнение существующие в искусстве каноны. Мы подготовили подборку самих известных современных художников-абстрационистов, решивших раздвинуть свои границы познания и создать свою собственную реальность.

Немецкий художник Дэвид Шнел (David Schnell) любит бродить по местам, в которых раньше царила природа, а сейчас они нагромождены постройками людей — от игровых площадок до заводов и фабрик. Воспоминания об этих прогулках и рождают его яркие абстрактные пейзажи. Давая волю своему воображению и памяти, а не фотографиям и видеозаписям, Дэвид Шнел создает картины, которые напоминают компьютерную виртуальную реальность или иллюстрации к книгами по фантастике.

Создавая свои крупномасштабные абстрактные картины, американская художница Кристин Бэйкер (Kristin Baker) черпает вдохновение из истории искусств и гонок Наскар и Формулы 1. Снала она придает своим работам объем, накладывая несколько слоев акриловой краски и обклеивая силуэты скотчем. Затем Кристин аккуратно сдирает его, что позволяет увидеть нижние слои краски и делает поверхность её картин похожими на многослойный разноцветный коллаж. На самом последнем этапе работы она соскабливает все неровности, делая свои картины похожими по ощущениям на рентгеновский снимок.

В своих работах художница греческого происхождения из Бруклина, Нью-Йорк, Елеанна Анагнос (Eleanna Anagnos) исследует аспекты повседневной жизни, которые часто ускользают от взгляда людей. В ходе её «диалога с холстом» обычные понятия обретают новые смыслы и грани: негативное пространство становится позитивным и малые формы увеличиваются в размерах. Пытаясь таким образом вдохнуть «жизнь в свои картины», Елеанна старается пробудить человеческий разум, который перестал задавать вопросы и быть открытым к чему-то новому.

Рождая на холсте яркие брызги и подтеки краски, американская художница Сара Спитлер (Sarah Spitler) стремится отобразить в своем творчестве хаос, катастрофы, дисбаланс и беспорядок. Её привлекают эти понятия, так как они не поддаются контролю со стороны человека. Поэтому их разрушающая сила делает абстрактные работы Сары Спитлер мощными, энергичными и захватывающими. Кроме того. получившийся на холсте образ из чернил, акриловых красок, графитовых карандашей и эмали подчеркивает эфимерность и относительность происходящего вокруг.

Черпающий вдохновение из области архитектуры, художник из Ванкувера, Канада, Джефф Дэпнер (Jeff Depner) создает многослойные абстрактные картины, состоящие из геометрических фигур. В созданном им художественном «хаосе» Джефф ищет гармонию в цвете, форме и композиции. Каждый из элементов в его картинах связан друг с другом и ведет к последующему: «Мои работы исследуют композиционную структуру [картины] через взаимоотношения цветов в выбранной палитре…». По мнению художника, его картины – это «абстрактные знаки», которые должны перенести зрителей на новый, бессознательный уровень.

направление

Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство — направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский , Казимир Малевич , Наталья Гончарова и Михаил Ларионов , Пит Мондриан .

Первая абстрактная картина была написана Василием Кандинским в 1910 году. В настоящее время она находится в Национальном музее Грузии — таким образом он открыл новую страницу в мировой живописи — абстракционизм, подняв живопись до музыки.

В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были Василий Кандинский (завершивший в Германии переход к своим абстрактным композициям), Наталья Гончарова и Михаил Ларионов , основавшие в 1910-1912 годах «лучизм », создатель супрематизма как нового типа творчества Казимир Малевич , автор «Чёрного квадрата» и Евгений Михнов-Войтенко, творчество которого отличает, в том числе, беспрецедентно широкий диапазон направлений абстрактного метода, примененных в его работах (ряд из них, в том числе «граффитистский стиль», художник использовал первым среди не только отечественных, но и зарубежных мастеров).

Родственным абстракционизму течением является кубизм , стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру. Одними из самых ярких примеров кубизма были ранние работы Пабло Пикассо .

В 1910-1915 годах живописцы в России, Западной Европе и США начали создавать абстрактные произведения искусства; среди первых абстракционистов исследователи называют Василия Кандинского , Казимира Малевича и Пита Мондриана . Годом рождения беспредметного искусства считается 1910-й, когда в Германии, в Мурнау, Кандинский написал свою первую абстрактную композицию. Эстетические концепции первых абстракционистов предполагали, что художественное творчество отражает закономерности мироздания, скрытые за внешними, наносными явлениями действительности. Эти закономерности, интуитивно постигаемые художником, выражались через соотношение абстрактных форм (цветовых пятен, линий, объёмов, геометрических фигур) в абстракционистском произведении. В 1911 году в Мюнхене Кандинский опубликовал ставшую знаменитой книгу «О духовном в искусстве», в которой размышлял о возможности воплощения внутренне необходимого, духовного в отличие от внешнего, случайного. В основу «логического обоснования» абстракций Кандинского легло изучение теософских и антропософских трудов Елены Блаватской и Рудольфа Штайнера. В эстетической концепции Пита Мондриана первоэлементами формы являлись первичные оппозиции: горизонталь — вертикаль, линия — плоскость, цвет — не-цвет. В теории Робера Делоне , в отличие от концепций Кандинского и Мондриана, идеалистическая метафизика отвергалась; основной задачей абстракционизма художнику представлялось исследование динамических качеств цвета и других свойств художественного языка (основанное Делоне направление получило название орфизма). Создатель «лучизма» Михаил Ларионов изображал «излучение отраженного света; цветовую пыль».

Зародившись в начале 1910-х годов, абстракционизм быстро развивался, проявляясь во многих направлениях авангардного искусства первой половины XX века. Идеи абстракционизма нашли отражение в творчестве экспрессионистов (Василий Кандинский, Пауль Клее , Франц Марк), кубистов (Фернан Леже), дадаистов (Жан Арп), сюрреалистов (Жоан Миро), итальянских футуристов (Джино Северини , Джакомо Балла ,

Для меня стиль абстракционизм это прежде всего противостояние логике цивилизации. Вся история цивилизации последнего века построена на формулах, алгоритмах, принципах, уравнениях и правилах. Однако, человеку свойственно стремление к равновесию и гармонии. В связи с чем на заре века научно-технической революции появляется такое вот арт течение, которое не подчиняется классическим канонам рисования, а наоборот, служит своей целью дать свободу неосознанному и хаотичному, на первый взгляд лишенному смысла, но тем самым давая человеку возможность освободиться от влияния норм и догматов и сохранить внутреннюю гармонию.

Абстракционизм (от латинского abstractus — удаленный, отвлеченный) весьма широкое направление в искусстве XX столетия, возникшее в начале 1910-х в нескольких странах Европы. Для абстракционизма характерно использование исключительно формальных элементов для отображения реальности, где имитация или точное отображение действительности не было самоцелью.

Основоположники абстракционизма — русские художники и , голландец Пит Мондриан, француз Робер Делоне и чех Франтишек Купка. В основе их метода рисования лежало стремление к «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.

Кубизм — авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Районизм (Лучизм) — направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».

Неопластицизм — обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917-1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Орфизм — направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Супрематизм — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Ташизм — течение в западноевропейском абстракционизме 1950-60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Абстрактный экспрессионизм — движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

Одно из основных направлений в искусстве авангарда. Главный принцип абстрактного искусства – отказ от подражания зримой реальности и оперирования её элементами в процессе создания произведения. Объектом искусства вместо реалий окружающего мира становится инструментарий художественного творчества – цвет, линия, форма. Сюжет заменяется пластической идеей. Многократно возрастает роль ассоциативного начала в художественном процессе, а также появляется возможность выражения чувств и настроений творца в абстрагированных, очищенных от внешней оболочки образах, которые способны концентрировать духовное начало явлений и быть его носителями (теоретические труды В.В.Кандинского).

Случайные элементы абстракции можно выявить в мировом искусстве на протяжении всего его развития, начиная с наскальных росписей. Но зарождение этого стиля следует искать в живописи импрессионистов, которые пытались разложить цвет на отдельные элементы. Фовизм осознанно развил эту тенденцию, «выявляя» цвет, подчёркивая его самостоятельность и делая объектом изображения. Из фовистов ближе всего к абстракции подошли Франц Марк и Анри Матисс (симптоматичны его слова: «всякое искусство абстрактно»), также по этому пути двигались французские кубисты (в особенности Альбер Глез и Жан Метценже) и итальянские футуристы (Джакомо Балла и Джино Северини). Но никто из них преодолеть границу фигуративности не смог или не пожелал. «Признаемся, однако, что некоторое напоминание существующих форм не должно быть изгнано окончательно, по крайней мере в настоящее время» (А.Глэз, Ж.Метцэнже. О кубизме. СПб., 1913. С.14).

Первые абстрактные произведения появились в конце 1900-х – начале 1910-х в творчестве Кандинского во время работы над текстом «О духовном в искусстве», а первой абстрактной картиной считается его «Картина с кругом» (1911. НМГ). К этому времени относится его рассуждение: « только та форма правильна, которая материализует соответственно содержание. Всякие побочные соображения, и среди них соответствие формы так называемой “природе”, т.е. природе внешней, несущественны и вредны, так как они отвлекают от единственной задачи формы – воплощения содержания. Форма есть материальное выражение абстрактного содержания» (Содержание и форма. 1910 // Кандинский 2001. Т. 1. С.84).

На раннем этапе абстрактное искусство в лице Кандинского абсолютизировало цвет. В исследовании цвета, практическом и теоретическом, Кандинский развивал учение о цвете Иоганна Вольфганга Гёте и заложил основы теории цвета в живописи (среди русских художников теорией цвета занимались М.В.Матюшин, Г.Г.Клуцис, И.В.Клюн и другие).

В России в 1912–1915 были созданы абстрактные живописные системы лучизма (М.Ф.Ларионов, 1912) и супрематизма (К.С.Малевич, 1915), во многом определившие дальнейшую эволюцию абстрактного искусства. Сближение с абстрактным искусством можно найти в кубофутуризме и алогизме. Прорывом к абстракции была картина Н.С.Гончаровой «Пустота» (1914. ГТГ), но эта тема не нашла дальнейшего развития в творчестве художницы. Ещё один невоплотившийся аспект русской абстракции – цветопись О.В.Розановой (см.: Беспредметное искусство).

Своими путями к живописной абстракции в эти же годы шли чех Франтишек Купка, французы Робер Делоне и Жак Вийон, голландец Пит Мондриан, американцы Стэнтон Макдональд-Райт и Морган Расселл. Первыми абстрактными пространственными конструкциями были контррельефы В.Е.Татлина (1914).

Отказ от изоморфизма и обращение к духовному началу давали повод связывать абстрактное искусство с теософией, антропософией и даже с оккультизмом. Но сами художники на первых этапах развития абстрактного искусства подобных идей не высказывали.

После Первой мировой войны абстрактная живопись постепенно завоёвывает главенствующие позиции в Европе и становится универсальной художественной идеологией. Это мощное художественное движение, которое в своих устремлениях выходит далеко за рамки живописно-пластических задач и демонстрирует способность создавать эстетико-философские системы и решать социальные задачи (например, основанный на принципах жизнестроительства «супрематический город» Малевича). В 1920-е на основе его идеологии возникают такие исследовательские институты, как Баухауз или Гинхук. Из абстракции также вырос конструктивизм.

Русский вариант абстракции получил название беспредметного искусства.

Многие принципы и приёмы абстрактного искусства, ставшие классикой в ХХ веке, широко используются в дизайне, в театральном и декоративном искусстве, в кино, телевидении и компьютерной графике.

Понятие абстрактного искусства менялось со временем. До 1910-х этот термин использовали в отношении живописи, где формы изображались обобщённо и упрощённо, т.е. «абстрактно», по сравнению с более детальным или натуралистическим изображением. В этом значении термин в основном применялся к декоративному искусству или к композициям с уплощёнными формами.

Но уже с 1910-х «абстрактными» называют произведения, где форма или композиция изображается под таким углом, что первоначальный предмет меняется почти до неузнаваемости. Чаще всего этим термином обозначают стиль искусства, который базируется исключительно на аранжировке визуальных элементов – формы, цвета, структуры, при этом вовсе не обязательно, что они имеют инициирующий образ в материальном мире.

Понятие смысла в абстрактном искусстве (в обоих его значениях – раннем и более позднем) – сложный вопрос, который постоянно обсуждается. Абстрактные формы могут относиться и к невизуальным явлениям, таким как любовь, скорость или законы физики, ассоциируясь с производной сущностью («эссенциализм»), с воображаемым или иным способом отделения от подробного, детального и несущественного, случайного. Несмотря на отсутствие репрезентативного предмета, в абстрактном произведении может аккумулироваться огромная экспрессия, а семантически наполненные элементы, такие как ритм, многократность и символика цвета, указывают на причастность к специфическим идеям или событиям вне самого изображения.

Литература:

• M.Seuphor. L’Art abstrait, ses origins, ses premiers maîtres. Paris, 1949;
• M.Вriоn. L’Art abstrait. Paris, 1956; D.Vallier. L’Art abstrait. Paris, 1967;
• R.Capon. Introducing Abstract Painting. London, 1973;
• C.Blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900–1960. Köln, 1975;
• M.Schapiro. Nature of Abstract Art (1937) // M.Schapiro. Modern Art. Selected Papers. New York, 1978;
• Towards a New Art: Essays on the Background to Abstract Painting 1910–1920. Ed. M.Compton. London, 1980;
• The Spiritual in Art. Abstract Painting 1890–1985. Los Angeles County Museum of Arts. 1986/1987;
• Text by M.Tuchman; B.Altshuler. The Avant-Garde in Exhibition. New Art in the 20th Century. New York, 1994;
• Абстракция в России. ХХ век. Т. 1–2. ГРМ [Каталог] СПб., 2001;
• Беспредметность и абстракция. Сб. статей. Отв. ред. Г.Ф.Коваленко. М., 2011.;

Великие женщины-художники

До начала ХХ столетия роль женщин в искусстве была эпизодической, что обусловлено ее социальным статусом и общественным неравенством полов. 

Талантливым женщинам надо было  преодолеть весьма непростые обстоятельства ради того, чтобы посвятить себя искусству. В XX веке женщины наравне с мужчинами начинают обучаться в художественных академиях, принимать участие в художественной жизни: выставлять свои работы, входить в состав различных творческих объединений и жюри.

В России начало ХХ века ознаменовалось появлением целой плеяды замечательных художниц: Натальи Гончаровой, Александры Экстер, Надежды Удальцовой, Любови Поповой, Варвары Степановой, Ольги Розановой, Веры Хлебниковой.

Наибольшее влияние на изобразительное искусство из художниц того времени оказали Александра Экстер и Наталия Гончарова.

 

Наталия Гончарова (1881—1962)

Наталия Гончарова (1881—1962) — русская авангардистка, жена художника Михаила Ларионова, одна из самых дорогих художниц в истории искусства.

Наталия всегда делала, что хотела, и как женщина, и как художник, ломая социальные стереотипы начала ХХ века. Гончарова пробовала себя во многих авангардных направлениях, никогда не останавливалась на том, что уже умела.

Она  поддерживала и разделяла взгляды мужа в его живописном новаторстве — лучизме, но при этом она всегда оставалась самобытной художницей. Ее вдохновляло народное искусство, она хотела познать саму его суть, писала работы в духе примитивизма.

 

  

 

  

 

 

 

 

Александра Экстер (1982—1949)

 Александра Экстер, наряду с Малевичем, была представителем «русского авангарда», создавшей «школу авангарда». 

 В 1914 году она вернулась из Парижа в Россию. Будучи хорошо знакома с последними достижениями европейского авангарда (в Париже она общалась с Пабло Пикассо, Гийомом Аполинером, Соней и Робертом Делоне), Экстер увлекла новыми идеями многих российских художников. О возникновении школы Экстер можно говорить с 1916 года, когда, поселившись в Киеве, она начала давать уроки таким впоследствии известным художникам, как Александр Тышлер, Павел Челищев, Анатолий Петрицкий и другим. Неоценим вклад Экстер и в театральное искусство России первой половины ХХ века.

 

  

К сожалению, благоприятный период для творчества в России закончился в  конце 20-х, начале 30-х годов с развертыванием процесса коллективизации. С этого момента начинается массированное наступление государства на любые самостоятельные творческие объединения. Среди покинувших Россию интеллигентов были Гончарова и Экстер, продолжившие работу на западе.

Большое значение в популяризации имен женщин-художниц имели исследования феминисток, которые чрезвычайно много сделали для восстановления исторической справедливости. Благодаря их усилиям, работы художниц, занимавших в 40–60-е годы относительно маргинальное положение, теперь находятся в центре критического артдискурса. 

 

  

Это произошло, например, с произведениями Мерет Оппенгейм (1913—1985) — разносторонней художницы, близкой французскому сюрреализму, с выдающейся американской художницей Джорджией О’Киф (1918—1986), с ныне культовой фигурой мексиканского искусства Фридой Кало (1907—1954) и многими другими художницами, без которых невозможно представить современное искусство ХХ века.

 

Джорджия Тотто О’Киф (1887-1986)

Американская художница-авангардистка, яркая представительница магического реализма. В 2014 году ее картина «Дурман» поставила ценовой рекорд среди произведений искусства, созданных женщинами. На торгах аукционного дома Sotheby’s в Нью-Йорке эта картина ушла с молотка за $44,4 млн. Самая популярная тема Джорджии О’Киф — цветы. 

Она изображает в форме цветов скрытую страсть — тревожную, дурманящую и хищную. Критики связывали образы художницы с сексуальными символами, анализируя ее картины в духе фрейдизма. Сама О’Киф всегда отрицала подобного рода интерпретации. Она утверждала, что ее цветы выражают чувственность, тонкую сущность природы и мироздания. Другим источником вдохновения Джорджии служила пустыня Нью-Мексико: художница изображала отполированные ветром кости животных, голые скалы и синее небо. 

 

  

 

 

Фрида Кало (1907—1954)

Известная мексиканская художница «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего». В волшебных работах Фриды Кало нашли отражение мудрость человека, познавшего великое горе и великую любовь, обладающего необычайной силой и жаждой жизни. Глубокие психологические картины Фриды Кало — это нечто абсолютно новое, чего в истории искусства не было ни до, ни после ее.

Когда ей было восемнадцать, Фрида попала в страшную автокатастрофу, из-за которой долгое время оставалась прикованной к кровати. Тройной перелом позвоночника, тройной перелом таза, одиннадцать переломов костей, тридцать две операции, годы в гипсе, острая боль на всю жизнь… От отчаяния Фриду спасает поразительная сила духа и … живопись. Всю боль, надежду, все свои душевные переломы Фрида воплощает на полотне.

Радикальный феминизм, возникший на Западе в 70-е годы, провозглашал идеи о единстве женского опыта, обусловленного особым анатомическим строением женщины. Наиболее яркими выразителями такого взгляда стали американские художницы: Джуди Чикаго (1939 г.р.) и Мириам Шапиро (1923 г.р.).

 

  

 

      

 

Джуди Чикаго (1939 г.р.)

С 1974 по 1979 годы Джуди Чикаго создала художественную композицию под названием «Званый ужин».

«Званый ужин» был задуман с целью положить конец принижению и забвению роли женщин в истории человечества. Основу композиции представляет банкетный стол на 39 персон, каждое место за которым предназначено одной из величайших женщин в истории западной цивилизации и отмечено её именем и символами её достижений. Для каждой персоны выложена салфетка, блюдо, приборы, а также бокал или чаша. На многих тарелках имеются скульптурные изображения цветов или бабочек, символизирующих вагину.

 

«Званый ужин», будучи плодом совместного творчества многих разных художников — мужчин и женщин, воздаёт дань таким художественным формам, как текстиль (ткачество, вышивка, шитьё) и роспись фарфора, традиционно считавшимся женскими видами искусства и относимым скорее к ремёслам, нежели к изящным искусствам, в которых всегда наблюдалось господство мужчин. Сам стол выполнен в виде равностороннего треугольника с длиной стороны в 14,63 метра и установлен на белом изразцовом полу, треугольные плитки которого содержат имена ещё 999 известных женщин.

 

 

Мириам Шапиро (1923-2015)

В 1972 году Шапиро участвовала в выставке ‘Womanhouse’. Одна из ее работ, показанных на выставке, называлась ‘Кукольный дом’ (Dollhouse). Дом, мебель и все аксессуары в нем были построены из всяких мусорных остатков и бытовых отходов, а каждая комната в доме символизировала особую роль, которую женщина играет в обществе. 

 

  

картины известных художников с названиями

Василий Кандинский

Среди самых известных картин и художников в стиле абстракционизм стоит выделить Василия Кандидского. Он стоял у истоков абстракционизма. Большое влияние на него оказала выставка импрессионистов. Был всемирно признан одним из основателей абстракционизма.

«Композиция IV» (1911 г.)

Четко выраженные угольные линии автор скрывает за яркой палитрой красок. Черные очертания дают возможность рассмотреть дворец и цифры на высоком холме, двух казаков, державших в руках копья, и несколько лодок.

 

Робер Делоне

Он считается одним из первых деятелей искусства в направлении абстракционизма. Его картины оказали влияние на усовершенствование данного стиля. Делоне был уверен, что с помощью игры света и палитры возможно повлиять на реальность мира.

«Эйфелева башня» (1911 г.)

Известное полотно написано со знаменитой Эйфелевой башни. Красные очертания конструкции выделяются на фоне серых будней Парижа. Значительный размер картины придает ей эффект величия.

 

Казимир Малевич

Авторские концепции Малевича о форме и значимости в художестве, тем или иным путем ведут к основам абстракционизма. Малевич делал акцент на познании геометрических фигур, таких как треугольник, круг, квадрат и др. Он исследовал их взаимодействие в художественной площади.

«Черный квадрат» (1915 г.)

В 1915 году на петроградской выставке самый узнаваемый шедевр «Черный квадрат» в первый раз увидело общество.

Кажется, полотно выглядит просто. Но, присмотревшись в черную фигуру, можно разглядеть мазки кистью и пальцевые отпечатки автора.

 

Франтишек Купка

Художник родом из Чехословакии. В Праге он получил диплом академии искусств. Юношеские работы, написанные в реалистическом стиле, уже содержали нотки сюрреализма. Они сохранились и в последующих абстракциях автора.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908 г.)

Купка создал ряд картин, в которых главная героиня с шаром в руке, планирует поиграть или станцевать с ним. Далее художник рисовал ее портреты, которые получались все более схематическими. В итоге изображения стали целиком абстрактные. Гамма ограничена синими, белыми, чёрными и красными оттенками.

 

Питер Мондриан

Он стал известным благодаря своим чистым абстракциям и разработке методик. Элементы его полотен были радикально упрощены, для отображения реальности образами.

«Серое дерево» (1912 г.)

Эта картина стала символом раннего переключения Мондриана в направление абстракционизма. Объемное дерево изображается простыми линиями и плоскостями. Палитра состоит из черного, серого цвета и производных от них.

10 современных художников, известных всему миру

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски  – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет.  В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

 Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио  определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов  – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

  

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Смотрите также:

Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова

Основы рисования: Инвентарь начинающего художника

Как начать рисовать чернилами

10 современных абстракционистов — Look At Me

С начала двадцатого века художники, в том числе Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Каземир Малевич, Василий Кандинский — экспериментируют с формами предметов и их восприятием, а также ставят под сомнение существующие в искусстве каноны. Look At Me подготовил подборку из 10 современных художников-абстрационистов, решивших раздвинуть свои границы познания и создать свою собственную реальность.

---

Немецкий художник Дэвид Шнел (David Schnell) любит бродить по местам, в которых раньше царила природа, а сейчас они нагромождены постройками людей — от игровых площадок до заводов и фабрик. Воспоминания об этих прогулках и рождают его яркие абстрактные пейзажи. Давая волю своему воображению и памяти, а не фотографиям и видеозаписям, Дэвид Шнел создает картины, которые напоминают компьютерную виртуальную реальность или иллюстрации к книгами по фантастике.

---

Создавая свои  крупномасштабные абстрактные картины, американская художница Кристин Бэйкер (Kristin Baker) черпает вдохновение из истории искусств и гонок Наскар и Формулы 1. Снала она придает своим работам объем, накладывая несколько слоев акриловой краски и обклеивая силуэты скотчем. Затем Кристин аккуратно сдирает его, что позволяет увидеть нижние слои краски и делает поверхность её картин похожими на многослойный разноцветный коллаж. На самом последнем этапе работы она соскабливает все неровности, делая свои картины похожими по ощущениям  на рентгеновский снимок.

---

В своих работах художница греческого происхождения из Бруклина, Нью-Йорк, Елеанна Анагнос (Eleanna Anagnos) исследует аспекты повседневной жизни, которые часто ускользают от взгляда людей.  В ходе её «диалога с холстом» обычные понятия обретают новые смыслы и грани: негативное пространство становится позитивным и малые формы увеличиваются в размерах. Пытаясь таким образом вдохнуть «жизнь в свои картины», Елеанна старается пробудить человеческий разум, который перестал задавать вопросы и быть открытым к чему-то новому.

---

Рождая на холсте яркие брызги и подтеки краски, американская художница  Сара Спитлер (Sarah Spitler) стремится отобразить в своем творчестве  хаос, катастрофы, дисбаланс и беспорядок. Её привлекают эти понятия, так как они не поддаются контролю со стороны человека. Поэтому их разрушающая сила делает абстрактные работы Сары Спитлер мощными, энергичными и захватывающими. Кроме того. получившийся на холсте образ из чернил, акриловых красок, графитовых карандашей и эмали подчеркивает эфимерность и относительность происходящего вокруг.

---

Черпающий вдохновение из области архитектуры, художник из Ванкувера, Канада, Джефф Дэпнер (Jeff Depner) создает многослойные абстрактные картины, состоящие из геометрических фигур. В созданном им художественном «хаосе» Джефф ищет гармонию в цвете, форме и композиции. Каждый из элементов в его картинах связан друг с другом и ведет к последующему: «Мои работы исследуют композиционную структуру [картины] через взаимоотношения цветов в выбранной палитре…». По мнению художника, его картины — это «абстрактные знаки», которые должны перенести зрителей на новый, бессознательный уровень. 

---

Вдохновленный творчеством Сальвадора Дали, Пабло Пикассо и Василия Кандинского, американский художник Роберт Хардгрейв (Robert Hardgrave) создает абстрактные футуристичные и сюрреалистичные работы: «Мои картины  — это мои размышления над непредсказуемостью жизни. Несмотря на информацию, которую мы получаем, многого мы не знаем о жизни…Это я и хочу отразить в своих работах. Я позволяю воображению вести себя, и каждый раз получается что-то новое и необычное». Сложные по структуре фигуры в работах Роберта отражают идеи реинкарнации и богатства жизни после смерти, которые стали главными в его творчестве после пересения серьезной болезни и сложной операции.

---

Американский художник из Техаса Эли Уолкер (Eli Walker) создает насыщенные цветом абстрактные пейзажи. В этом году он увлекся многослойными композициями, состоящими из крупных прямых и кривых линий,  которые связаны друг с другом с помощью цвета. В этой серии работ у Эли Уолкера доминируют темные цвета — серый и черный, — но в каждую из картин он добавляет несколько ярких вкраплений, которые меняют у зрителей восприятие её.

---

Канадская художница Кэтрин Харвэй (Katharine Harvey) известна своими картинами с изображениями водной поверхности и световыми инсталляциями на фасадах магазинов. В своих последних работах, напоминающих на первый взгляд смазанные фотографии, она исследует понятия «света» и «электричества» как символов  визуального присутствия. Кэтрин считает, что все элементы картины служат в качестве проводов. Они способны генерерировать и передавать «электричество», поддерживая внутренний ритм картины и заряжаяя зрителей нужной энергетикой.

---

Бельгийский художник Филипп Лекё (Philippe Lequeux) пишет красочные абстрактные картины, в которых практически невозможно узнать изображенные им разные объекты и портреты людей. Используя свои собственные художественные символы и знаки, он заставляет взглянуть на эти предметы с другой стороны и расширить границы своего мировосприятия. К каждой из своих работ Филипп тщательно подбирает название — «Тотемы», «Кровавая трава», «Латекс» или «Славные парни» —  которое помогает зрителю понять, что именно хотел изобразить художник.

---

Вдохновленный стрит-артом, художник кубинского происхождения из Бруклина Хосе Парла (José Parlá) создает гипнотизирующие картины, напоминающие смесь коллажа и граффити.  Свои первые работы он делал на улицах ночью, что считалось противозаконным и разрушительным. Сейчас — он выставляется в галереях и выпускает арт-альбом. Но в своих нынешних работах он старается сохранить свое «уличное» прошлое: «Я  отправился в путешествие, чтобы детально исследовать диалог разрушающихся стен, отметины на них и всё, что это значило для меня». Картины стали для Хосе «капсулой времени», в которую он старается поместить все важные для него воспоминания, используя для этого слой за слоем  краски, постеры и надписи . 

---

известные художники абстракционисты — 11 рекомендаций на Babyblog.ru

В картинную галерею с ребенком

Нужно ли развивать у ребенка интерес к произведениям искусства? Конечно! Учёные пришли к выводу, что при созерцании картин люди испытывают сильные положительные эмоции. Художественные творения учат детей (да и взрослых тоже) видеть, чувствовать и понимать окружающий мир.
Ведь каждая картина таит в себе определенный смысл. Над каждой картиной художник провел не один месяц, а иногда и не один год. Сколько было создано эскизов и зарисовок! Какую информацию хотел донести до нас художник? Почему изобразил именно этих людей, именно в таких позах и в таких одеждах? Почему выбрал такое место, такое время и такие цветовые оттенки? Это только сотая доля тех вопросов, которые помогают нам постигать замысел художника.

Конечно, маленькому ребенку, имеющему небольшой жизненный опыт, трудно понять глубинный смысл произведения. Дети воспринимают картину на интуитивно-эмоциональном уровне, как одно целое и только потом начинают постепенно «осознавать» её. Но для этого ребенок должен увидеть картину, «впитать» её в себя, а не просто проскользнуть по ней взглядом.

Как вы считаете, когда ваш ребенок будет готов увидеть прекрасное?! Скорее всего, прямо сейчас!!! Детей-дошкольников познакомить с произведениями изобразительного искусства можно в «домашних условиях». Рассредоточьте по квартире качественные репродукции картин. Подносите или подводите к ним малыша. Рассказывайте что-нибудь интересное об изображенном.

Совсем маленьких ребятишек привлекут в первую очередь колоритные цвета в контрастных работах художников-абстракционистов. Малышам полутора — трёх лет будут интересны простые сюжетные полотна, на которых изображены дети или звери.http://shkola7gnomov.ru/catalog/zhivotnye-v-russkoy-grafike/У детей постарше найдут отклик сюжетные картины (например, всем известное «Утро в сосновом лесу») или картины по мотивам сказок http://shkola7gnomov.ru/catalog/skazka-v-russkoy-zhivopisi/(«Аленушка» В. М. Васнецова и другие его произведения). Старшие дошкольники по достоинству смогут оценить все основные жанры изобразительного искусства — пейзаж, портрет, http://shkola7gnomov.ru/catalog/portret/натюрморт. А заодно и понять их принципиальное отличие. Всем деткам без исключения нравятся контрастные и как будто светящиеся картины А. И. Куинджи «Лунная ночь на Днепре», «Берёзовая роща» и другие. Но их истинную красоту можно по достоинству оценить только благодаря подлинным картинам.

Дети лучше понимают и быстрее запоминают яркую, эмоционально окрашенную информацию. Поэтому познакомить детей с репродукциями картин можно через игру.

Игры с пейзажами

— Расположите перед ребенком репродукции картин, на которых изображены различные времена года.http://shkola7gnomov.ru/catalog/peyzazh/Пусть ребенок назовёт признаки осени, зимы, весны и лета, которые отразил художник.

— Вспомните, где в жизни можно увидеть похожий пейзаж.

— Сравните с ребенком фотографии и картины, на которых изображены уголки природы.

— Рассмотрите с ребенком на картине небо. Оно не просто голубое. Сколько в нём оттенков. Отметьте, какие цвета использовал художник. Попробуйте смешать на палитре краски, чтобы у вас тоже получились разные оттенки голубого.

— Предложите ребенку посмотреть на картину и запомнить как можно больше деталей. А теперь пусть малыш отвернется, а вы зададите несколько вопросов: «Что изображено на переднем плане», «Кто спрятался за берёзой?» и т.д.

Игры с портретами

— Предложите ребенку принять ту же позу, что и герой на картине. http://shkola7gnomov.ru/catalog/detskiy-portret/

— Предложите ребенку отразить на лице те же эмоции, которые испытывает изображенный человек.

— Составьте вместе с ребенком словесный портрет изображенного человека.

— Сопоставьте одежду, в которую одет человек на портрете, со своей одеждой. В чём схожесть и в чём отличия? Какая одежда удобнее?

— Попытайтесь вспомнить, нет ли среди ваших знакомых человека, похожего на изображенного.

— Придумайте с ребенком как можно больше вопросов по картине. Это могут быть различные вопросы, начиная от «Кто это и что он делает?», до «Давай подумаем, во что он любил играть?».

Игры с натюрмортами

— Приготовьте предметы (цветы, посуду, утварь, фрукты-овощи) и попросите ребенка составить из них красивую композицию.http://shkola7gnomov.ru/catalog/natyurmort/

— Рассматривайте с ребенком натюрморт и называйте по очереди все предметы, которые вы видите (затем можно усложнить задание — называть цвета, которые использовал художник в своей работе).

— Предложите ребенку расположить на столе изображенные предметы так же, как и на репродукции картины.

— Пусть ребенок внимательно рассмотрит представленные на столе предметы и предметы, изображенные на картине, сравнит их, отметит, каких вещей не хватает.

— Попробуйте вместе с ребенком написать натюрморт с натуры.

— Предложите ребенку собрать из частей разрезанную репродукцию или пазлы картины.

Таким образом, через ненавязчивую игру ваш ребенок познакомится с несколькими художественными произведениями. Теперь можно задуматься о посещении художественной галереи и посмотреть воочию на оригиналы картин, репродукции которых имеются у вас дома. Поверьте, только живая картина способна передать ту гамму чувств, которую в неё заложил художник, и вызвать яркий отклик в душе ребенка. Уж мы-то, взрослые, знаем: сколько ни смотреть на картину, каждый раз пытливому взгляду будет открываться что-то новое.

К тому же посещение музея или выставки — это новые интересные впечатления и знания. Возможно, ребенку не понравится ваше предупреждение о том, что в музее нельзя бегать и кричать. Объясните, что музей — это особое удивительное место, где хранятся памятники духовной культуры. Это волшебное возвращение в прошлые столетия. Музей в переводе с греческого, обозначает храм, в котором живут музы.

Посещение музея — это целое событие. Надеемся, что приятное. Но к нему надо подготовиться.

Несколько советов родителям, планирующих посетить со своим ребенком картинную галерею:

— Определяя программу просмотра картин, исходите из интересов ребенка. Если у вас мальчик, возможно, ему будет интересно увидеть полотна, на которых изображены воины или корабли, а если девочка — природу и животных.

— Учитывайте возрастные особенности ребенка. Лучше увидеть несколько картин, которые запомнятся и «западут ребенку в душу», чем множество, о которых он потом даже не вспомнит.

— Заранее подготовьте ребенка к тому, что ему предстоит увидеть. Ребенок будет с большим интересом рассматривать именно те картины, которые ему уже знакомы по репродукциям или со слов родителей.

— Заранее расскажите ребенку, зачем созданы музеи и как они устроены. Объясните, как нужно вести себя в музее и почему нельзя, например, трогать картины. Поиграйте дома в «музей» и «экскурсовода».

— В музей с ребенком лучше идти в первой половине дня, когда малыш ещё полон сил, или в будни, когда в выставочных залах мало людей.

— Чтобы закрепить приятные впечатления о художественной выставке, купите малышу сувенир, пазлы, художественный альбом или репродукцию понравившейся картины.

— Нет ничего предосудительного, если вы после выставки зайдете с малышом в кафе. Конечно, впечатления об увиденном несколько «поблекнут», но зато ваш ребенок получит дополнительное удовольствие.

— Обсудите дома с ребенком увиденное и побудите его отразить свои впечатления через изобразительную деятельность (рисунок, лепку) или игру (в экскурсовода). Только теперь на стенах комнаты могут красоваться картины, написанные юным художником.

Ах, как захотелось сходить с детьми в Третьяковскую галерею.

Хороших вам картин!

источник http://shkola7gnomov.ru/parrents/eto_interesno/dosug/id/v-kartinnuyu-galereyu-s-rebenkom

10 самых известных художников-абстракционистов

Главные имена в этом списке из самых известных художников-абстракционистов открыли потрясающие новые горизонты в том, что можно назвать «искусством», часто изобретая новые техники на своем пути.

Среднестатистического зрителя абстрактные картины часто пугают, иногда вызывают замешательство, а вначале — даже отторжение.

Художники-абстракционисты объединили абстракцию и сюрреализм в одни и те же работы, и их отказ от более традиционного изобразительного искусства проложил путь к тому, что мы теперь можем рассматривать, что такое современное искусство.

Известные художники-абстракционисты

1.

Хуан Миро

Хуан Миро, родился в 1893 году в Испании, начал рисовать в возрасте семи лет.

В молодости он ходил в бизнес-школу, но отказался от этого пути из-за психического срыва.

Вместо этого он занялся искусством и поступил в художественную школу, где провел свою первую персональную выставку в 1918 году, хотя его сверстники испортили ее и высмеяли. После этого он переехал в Париж, где сделал довольно успешную карьеру.

В более поздние годы испанский художник стал очень плодовитым до своей смерти в 1983 году из-за сердечной недостаточности.

Миро отказался от традиционной живописи, которую поддерживало буржуазное общество. В зрелом возрасте он разработал «автоматический рисунок», который позволил ему отменить свои выученные техники.

У него был резкий авангардный стиль, который сформировал раннее современное искусство. Он иллюстрировал сексуальные символы и известен своим интересом к бессознательному и подсознательному.

2.

Василий Кандинский

Василий Кандинский, русский художник, родился в 1866 году в Москве, известен как пионер абстрактного искусства. Хотя он начал изучать живопись в тридцать лет после того, как отказался от карьеры юриста и экономиста, Кандинский преуспел в художественной школе, считая, что это было легко.

После русской революции он помог создать Музей художественной культуры в Москве и начал изучать теорию искусства, опубликовав несколько теоретических работ на протяжении всей своей жизни.

Ближе к концу своей жизни он переехал во Францию, где создавал свои самые известные произведения вплоть до своей смерти в 1944 году.

Кандинский чувствовал связь между своим искусством и духовностью, что привело к его картинам, часто иллюстрирующим библейские истории.

Его самая известная серия « Композиции » должна была вызвать у зрителя чувство религиозности.

Обладая синестезией, он черпал вдохновение в музыке для многих своих картин, считая, что музыка была величайшим учителем, хотя его стиль также находился под сильным влиянием Моне.

3.

Пит Мондриан

Пит Мондриан, родился в 1872 году в Нидерландах, был пионером абстрактного искусства. Его ранние работы были образными, но он быстро перешел к крайне абстрактной концепции, используя в своих картинах только геометрические формы.

Большинство его работ, когда он был взрослым, состоял из квадратов и линий с однотонными цветами. Хотя он не иллюстрировал религиозных деятелей, он использовал естественный и духовный миры в качестве вдохновения для своих картин.

Сын художника, Мондриан вырос, обучаясь рисованию у своего отца.Став взрослым, он стал учителем, занимаясь рисованием на стороне, пока не переехал в Париж и не изменил свое имя.

Лишь после Первой мировой войны он увлекся абстрактным искусством, склоняясь к своему стилю рисования в сетке.

Он продолжал рисовать на протяжении всей своей жизни, путешествуя по миру, по разным городам, пока не умер от пневмонии в 1944 году в Нью-Йорке.

4.

Джексон Поллок

Джексон Поллок, родившийся в 1912 году, Вайоминг, переехал в Нью-Йорк в возрасте восемнадцати лет, чтобы учиться у Томаса Харта Бентона в Лиге студентов-художников, хотя он мало повлиял на стиль Поллока.

Под влиянием мексиканских художников-монументалистов его привлекла экспериментальная мастерская Давида Альфаро Сикейроса, где он познакомился с техникой жидкой краски.

В конце концов он развил эту технику, которая теперь известна как техника капания, когда он кладет холсты горизонтально и рисует всем своим телом под разными углами. Его картины в этом стиле сделали его невероятно известным в то время.

На пике своей славы Поллок отказался от капельной живописи, пытаясь создать смесь абстракции и фигур.

Эти картины были крайне непопулярны, и ни одна из них никогда не продавалась. Страдая от алкоголизма на протяжении всей своей взрослой жизни, Поллок умер во время вождения в нетрезвом виде в 1956 году в возрасте сорока четырех лет.

5.

Виллем де Кунинг

Виллем де Кунинг родился в 1904 году в Нидерландах. В раннем возрасте он бросил школу, чтобы поступить подмастерьем в коммерческую фирму художников.

В двадцать два года он путешествовал в качестве безбилетного пассажира на лодке, пока в конце концов не добрался до Нью-Йорка и стал маляром и плотником.В 1934 году де Кунинг вступил в Союз художников и начал разрабатывать фрески, но ему пришлось уйти, потому что он не был законным гражданином.

В конце концов, он получил гражданство и открыл собственную студию, в которой проработал до своей смерти в 1997 году.

Большинство картин де Кунинга в раннем взрослом возрасте состояли из женских фигур, хотя в них по-прежнему используются геометрические и абстрактные элементы. Лишь в последние годы жизни он переключился на абстрактные образы.

Он также рисовал, используя технику рисования в жанре экшн, когда он размазывал краску по холсту, а не наносил ее осторожно.

6.

Марк Ротко

Маркус Яковлевич Ротковиц, или Марк Ротко, родился в Латвии в 1903 году, но в молодом возрасте переехал в США. Он учился в Йельском университете несколько лет, пока не бросил учебу, считая его элитарным и расистским.

Посетив друга в Нью-Йорке, он начал рисовать и в конце концов переехал в город. Он начал выставлять свои работы в галерее возможностей, где они были хорошо приняты.

В начале 1950-х его работы были показаны в Музее современного искусства, и он был отмечен журналом Fortune , что привело к тому, что многие его личные отношения разорвались из-за ревности.Во время успешной международной карьеры он в конце концов умер от самоубийства в 1970 году.

Сначала картины Ротко были мрачными и мрачными. Однако после встречи с Милтоном Эйвери его картины приобрели богатое использование цвета. Точно так же его предметы эволюционировали от мифологических сюжетов до прямоугольных узоров цвета и оттенков.

7.

Лучио Фонтана

Лучио Фонтана родился в 1899 году в Аргентине в семье скульптора. В юности он работал со своим отцом скульптором, пока не переехал в Италию, чтобы учиться у Адольфо Вильдта в Accademia di Brera, где он представил свою первую выставку.

Позже он вернулся в Аргентину в 1940 году, чтобы открыть свою собственную академию, основанную на пространственности. Там он создал пять манифестов, описывающих Пространство как художественную форму. В последние годы своей жизни он начал выставлять свои работы на большом количестве выставок по всему миру до своей смерти в 1968 году.

Как основатель пространственности, Фонтана бесконечно интересовался размерностью поверхностей.

Его ранние пространственные работы состояли из отверстий и прорезей на поверхности картин, часто выстилающих заднюю часть холста, чтобы создать глубину.Позже его стиль изменился: он наносил густую краску, а затем резал большие порезы.

8.

Сай Твомбли

Эдвин Паркер Твомбли, известный как Сай Твомбли, хотя и дистанцировался от художников абстрактного экспрессионизма, является высоко оцененным художником-абстракционистом. После знакомства с Нью-Йоркской школой в начале своей карьеры он упростил свой стиль, используя менее образные аспекты в своих работах.

Черпая вдохновение в племенном искусстве, он использовал примитивизм в своих произведениях.Он разработал свою собственную технику рисования жестами, когда он рисовал тонкие линии на темном холсте, чтобы имитировать визуализацию царапин.

Родившийся в 1928 году в Вирджинии, Твомбли изучал изобразительное искусство в нескольких университетах, получив стипендию Художественной лиги Нью-Йорка. В 1951 году он провел свою первую персональную выставку в Нью-Йорке и впоследствии получил грант, позволивший ему путешествовать по Европе.

По возвращении он пошел в армию и после освобождения преподавал в младшем колледже.Прожив несколько лет с раком, Твомбли в конце концов умер в 2011 году.

9.

Герхард Рихтер

Герхард Рихтер родился в 1932 году в Веймарской республике. Подростком он бросил школу, чтобы поступить в ученики на художника-декоратора, а затем учился в Дрезденской академии изящных искусств.

Бегя в Западную Германию до возведения Берлинской стены, он учился у Карла Отто Гота. В конце концов, он стал профессором на несколько лет, прежде чем переехать в Кельн в 1983 году, где он до сих пор живет и продолжает работать.

На протяжении своей жизни он отказывался от многих частных комиссий, предпочитая очень разборчиво подходить к выбору сделок.

Помимо фотореалистичного стиля, Рихтер писал и абстрактные работы. Его работы демонстрируют иллюзионистическое пространство и материал живописи. В них он рисовал кумулятивные слои на фотореалистичном изображении, чтобы искажать его и создавать текстурированные серые монохромы.

С 1980-х годов он изменил свою технику на использование ракеля для манипулирования краской, которую он наносит.

10.

Джорджия О’Кифф

Джорджия О’Киф, одна из самых известных женщин-художников, родилась в 1887 году в Висконсине и была уважаемой художницей, признанной матерью американского модернизма. В восемнадцать лет она училась в Художественном институте Чикаго и впоследствии в Лиге студентов-художников Нью-Йорка.

После этого она работала коммерческим иллюстратором, пока не обнаружила Артура Уэсли Доу, который сильно повлиял на ее стиль и понимание живописи, заставив ее переехать в Нью-Йорк, чтобы заниматься творчеством на полную ставку.Там она стала известна тем, что рисовала небоскребы и цветы крупным планом.

Позже О’Киф переехала в Нью-Мексико, где открыла собственную студию, перенеся свои сюжеты на тех, кто живет в горах Таоса.

После короткого периода нервных срывов, когда она прекратила все художественные занятия в 1930-х годах, она снова начала рисовать, создав некоторые из своих самых известных работ.

Потеряв большую часть зрения в последние годы жизни, она перестала рисовать до самой своей смерти в 1986 году.

---

Этот список известных художников-абстракционистов, хотя и не исчерпывающий, охватывает главного героя движения, и мы надеемся, что он послужит отправной точкой для вашего собственного исследования.

Галерея картин 10 лучших художников-абстракционистов

Наступление 20-го века ознаменовалось революцией в искусстве, когда художники освободились от изображения реальности. Вместо этого они переняли любовь к искусству ради искусства. Художники, такие как Василий Кандинский и Хильма аф Клинт, заявили, что искусство может быть простыми абстрактными формами, вдохновленными миром природы, но не простой его копией.Вместо того, чтобы копировать природу, художники могут сосредоточиться на композиции, цвете, формах, текстуре, эмоциях и духовности. Результаты потрясающие и радостные, и они по-прежнему кажутся современными нашим глазам 21 века. Наши десять лучших художников-абстракционистов входят в очень длинный список любимых художников-абстракционистов, пионеров авангардной эстетики.

Василий Кандинский, Black Lines , 1913. Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк.

Василий Кандинский, наверное, самый известный художник-абстракционист всех времен.Он был художником и теоретиком искусства. Он родился в России, и его имя часто транслитерируется как Василий (всего один s ) или Василий (с W и двумя s символами).

Биография Кандинского интересна отчасти потому, что, как и многие художники, он поздно начал. Он преподавал право и экономику, прежде чем заняться живописью в возрасте 30 лет. После отказа от своей первой карьеры Кандинский переехал в Мюнхен, чтобы изучать искусство. Он преподавал в художественной школе Баухаус с 1922 по 1933 год, когда нацисты закрыли школу.Затем он переехал во Францию, где прожил всю оставшуюся жизнь, став гражданином Франции. Он создал некоторые из своих самых выдающихся произведений искусства во Франции.

В 1911 году Кандинский опубликовал свою влиятельную книгу по живописи « Über das Geistige in der Kunst » (« О духовном в искусстве» на английском языке). Книга призывает к духовной революции в живописи, которая позволит художникам выражать свою внутреннюю жизнь в абстрактных, нематериальных терминах.

В своей книге Кандинский указал, что музыка не пытается точно передать природу, и искусство тоже не должно.Вместо того, чтобы показывать конкретные объекты с натуры, картины могут показывать чистый цвет и форму. Его картина 1912 Импровизация 28 (вторая версия) показывает его интерес к музыке. Название, Импровизация , представляет собой разновидность музыкального произведения. Вы можете посмотреть фильм о «Импровизация 28» (вторая версия ) из музея Гуггенхайма здесь.

Одна из наших любимых картин Кандинского — это его 1913 Черные линии , показанный выше, который привлекает нас из-за плавающих овалов цвета, отдаленно напоминающих вазу с цветами, абстрагированных до чистого отображения кружащихся оттенков и черных линий.

№2. Хильма аф Клинт (1862-1944)

Хильма аф Клинт, Группа IX / UW № 25, Голубь, № 1, 1915. Частное собрание.

Хильма аф Клинт была шведским художником и мистиком, ранние абстрактные картины которой предшествовали первым чисто абстрактным композициям Кандинского. Смотреть на ее искусство сегодня — значит задаться вопросом, может ли она заглянуть в будущее. Ее картины напоминают работы этого века. Фактически, Музей Гуггенхайма назвал свою выставку ее работ в 2018-2019 годах Hilma af Klint: Paintings for the Future .

Согласно обзору выставки Гуггенхайма в New York Times, ее « работ, меняющих правила игры, окутывают вас оттенками от пыльно-оранжевого до бледно-розового и лавандового. загадочные буквы и слова ».

Хильма аф Клинт интересовалась наукой, дарвинизмом и субатомными частицами, и ее вдохновляли духовные философии, включая розенкрейцерство и буддизм. В 1896 году она начала встречаться с четырьмя другими женщинами-художницами, чтобы заниматься оккультными практиками.Они называли себя «Пятеркой» и проводили сеансы, пытаясь общаться с другими мирами. Картины Аф Клинта — визуальное представление ее сложных духовных идей, которые она развивала вместе со своими подругами.

Группа IX / UW № 25, Голубь, № 1 — одна из четырнадцати картин маслом в ее серии Голубь . Как и многие ее работы, серия The Dove опирается на иудео-христианские образы. Голубь встречается в Ветхом Завете Библии, в истории о Ноевом ковчеге и в Новом Завете как символ Святого Духа и мира.

Хильма выставляла свои картины всего несколько раз, в основном на духовных конференциях и собраниях. Она выпустила более 150 записных книжек, связанных со спиритизмом, которые не показывала современникам, опасаясь насмешек. В своей мастерской она хранила более 1200 картин и рисунков в ожидании будущего. Первая крупная выставка, на которой были представлены ее работы, состоялась только в 1986 году, когда Морис Тачман организовал «Духовное в искусстве, абстрактная живопись 1890–1985» в Художественном музее округа Лос-Анджелес.Эта выставка стала отправной точкой ее международного признания.

Пауль Клее, Клоун , 1929. Частная коллекция.

Картины Пауля Клее сразу узнаваемы благодаря его уникальному стилю игривого, абстрактного и красочного мастерства. На него повлияли экспрессионизм, кубизм и сюрреализм. Он также изучал ориентализм. Другие художники, в том числе Макс Эрнст и Марсель Дюшан, выразили восхищение его работами.

Клее был немецким художником швейцарского происхождения.Он родился в Мюнхенбухзее, Швейцария, вторым ребенком немецкого учителя музыки Ганса Вильгельма Клее и швейцарской певицы Иды Мари Клее, урожденной Фрик. Согласно швейцарскому законодательству, гражданство определялось гражданством его отца, и, таким образом, Кли унаследовал немецкое гражданство своего отца.

Клее изучал теорию цвета, много писал о ней. Его лекции Schriften zur Form und Gestaltungslehre ( Writings on Form and Design Theory ), опубликованные на английском языке как Paul Klee Notebooks , сыграли важную роль в определении современного искусства.Он и его коллега Василий Кандинский преподавали в немецкой школе искусства и архитектуры Баухаус.

Произведения Клее юмористические и детские, а также отражают его музыкальность. Клее любил Баха и Моцарта и играл на скрипке. Его искусство также вдохновляло музыкантов, от аргентинского композитора Роберто Гарсиа Морильо до американского композитора Дэвида Даймонда.

Пит Мондриан, Abstraction , 1939–42. Художественный музей Кимбелла, Форт-Уэрт, Техас.

Пит Мондриан был голландским художником и теоретиком.В течение своей карьеры он изменил свое художественное направление от фигуративной живописи к все более абстрактному стилю, пока не достиг точки, когда его искусство было сведено к простым геометрическим элементам.

Мондриан был озабочен общечеловеческими ценностями и эстетикой. Подобно Кандинскому и Аф Клинту, он интересовался духовными аспектами искусства и стремился удалить искусство из реальности. В 1914 году он заявил, что « Чтобы приблизиться к духовному в искусстве, нужно как можно меньше использовать реальность, потому что реальность противоположна духовному.Мы оказываемся в присутствии абстрактного искусства. Искусство должно быть выше реальности, иначе оно не имело бы ценности для человека. ”

Мондриан часто писал картины небольшого формата. Его новаторская картина 1929-1930 гг. «Композиция с красно-синим и желтым », хранящаяся в Национальном музее в Белграде, Сербия, имеет размеры всего 23,4 х 23,4 дюйма. С его картиной Abstraction , показанной выше, он немного увеличил размер до 29,5 x 26,75 дюйма, но еще больше ограничил цвета, с большими белыми блоками, окруженными крошечными блоками красного, синего и желтого.

Мондриан положил начало тенденции переезда европейских художников в Соединенные Штаты и поспособствовал дальнейшему развитию американского абстрактного искусства, начавшемуся раньше. В 1938 году он покинул Париж перед лицом наступающего фашизма и переехал в Лондон. В 1940 году он уехал из Лондона в Нью-Йорк, где прожил до своей смерти в 1944 году.

Работы Мондриана оказали огромное влияние на искусство 20-го века, оказав влияние не только на течение абстрактной живописи и многочисленные направления в искусстве (например, живопись Цветного поля). , Абстрактный экспрессионизм и минимализм), но также и области вне области живописи, такие как дизайн, архитектура и мода.

Роберт Делоне, Circular Forms , 1930. Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк.

Робер Делоне был французским художником, который в последние годы своей жизни писал абстрактное искусство, напоминающее Поля Клее. Он использовал смелые цвета, экспериментируя как с глубиной, так и с тоном. Вместе со своей женой Соней Делоне и другими Робер Делоне основал художественное движение Орфизм, известное своим использованием ярких цветов и геометрических форм.

Французский поэт и искусствовед Гийом Аполлинер ввел термин «орфизм» или «орфический кубизм» в 1912 году.Это было ответвление кубизма, ориентированного на чистую абстракцию и яркие оттенки. На него повлияли фовисты, в том числе Андре Дерен и Анри Матисс, которые также использовали яркие цвета. Орфизм стремился отказаться от узнаваемого предмета и полагаться на форму и цвет для передачи смысла.

Между 1905 и 1907 Делоне подружился с Анри Руссо, и в эти годы он писал в неоимпрессионистской манере. Работы Поля Сезанна также повлияли на Делоне примерно в это время.С 1907 по 1908 год он служил в армии, а по возвращении в Париж работал с кубистами. В 1909 году Делоне встретил Соню Терк, которая стала его соратницей на всю жизнь и женой.

Соня Делоне, Тарелка 24 из портфолио «Композиции, цвета, идеи », 1930 г. Частная коллекция. © L&M Services B.V., Гаага, 20110918.

Соня Делоне, русская художница украинского происхождения, большую часть своей трудовой жизни провела в Париже. Она родилась Сара Ильинична Штерн в Одессе в 1885 году, и переехала жить в Санкт-Петербург.В Петербурге со своим дядей по материнской линии Генри Терк, когда ей было семь лет. Там она приняла имя Соня Терк. Она говорила на многих языках и считала себя русской, хотя большую часть своей взрослой жизни провела в Париже, со значительными периодами учебы и работы в Финляндии, Германии, Португалии и Испании. До переезда во Францию ​​в 1905 году она получила формальное образование в качестве художника в России и Германии. Ее работа распространяется на живопись, текстильный дизайн и сценографию.

В 1908 году Соня вступила в «брак по расчету» с Вильгельмом Уде, арт-дилером и владельцем галереи, что позволило ей получить доступ к ее приданому и прикрыть Уде его гомосексуальность.Брак помог ей войти в мир искусства благодаря выставкам в галерее Уде. Мать Робера Делоне, графиня де Роз, была постоянным посетителем галереи Уде, иногда в сопровождении сына. Соня познакомилась с Робертом Делоне в начале 1909 года, и они полюбили друг друга. Соня и Удэ решили развестись, и Соня и Роберт поженились в 1910 году. Их сын Чарльз, который стал известным джазовым экспертом, родился в 1911 году. Соня и Роберт оставались в браке до смерти Роберта от рака в 1941 году.

В 1964 году Соня Делоне стала первой живой женщиной-художницей, ретроспективно представившейся в Лувре, а в 1975 году она была назначена офицером Французского Почетного легиона.Ее работа в области современного дизайна включала концепции геометрической абстракции и интеграцию мебели, тканей, настенных покрытий и одежды в ее искусство. За свою 60-летнюю карьеру она создала новаторские картины, текстиль и одежду, а также сотрудничала с поэтами, хореографами и производителями.

Джорджия О’Киф, Музыка, розовое и синее, № 2 , 1918. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк. © 2020 Музей Джорджии О’Киф / Общество прав художников (ARS).Цифровое изображение © Музей американского искусства Уитни / Лицензия Scala / Art Resource, Нью-Йорк.

Картины Джорджии О’Киф демонстрируют уникальный талант к композиции, дизайну и абстракции. Свой авангардный стиль она разработала даже раньше, чем некоторые европейские художники-абстракционисты, и намного раньше, чем другие американские художники-абстракционисты. Хотя абстрактная живопись зародилась в Европе, американские художники-абстракционисты, начиная с О’Киф, внесли большой вклад в развитие этого жанра.

O’Keeffe’s 1918 Music, Pink and Blue, No.2 был одной из ее первых крупных картин маслом, после Музыка, Розовое и Синее, № 1 , которую она также написала в 1918 году. Картины почти трех футов высотой и намекают на большие размеры, которые она продолжит использовать. ее карьера. В этих картинах и их названиях О’Кифф предлагает зрителю думать о музыкальных ритмах и узорах, наслаждаясь волнообразными линиями и цветами.

О’Киф изучила методы традиционной реалистической живописи, когда училась в Школе Художественного института Чикаго и Лиге студентов-художников Нью-Йорка, но в 1915 году она начала рисовать и рисовать совершенно по-новому, подчеркивая цвет. , дизайн и абстракция.Самое известное искусство О’Кифф — ее новаторские огромные картины цветов. Из более чем 2000 картин, которые она написала за свою карьеру, примерно 200 из них — цветы. Чтобы узнать о ней больше, посетите наш блог Джорджии О’Киф.

Ли Краснер, Синий и черный , 1951–1953. Музей изящных искусств, Хьюстон © 2020 Фонд Поллока-Краснера / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк.

Ли Краснер была американской художницей, которая была наиболее известна своей работой с коллажами и движением абстрактного экспрессионизма.Она родилась в Бруклине в семье русских иммигрантов и с юных лет проявила интерес к искусству. В раннем детстве Краснер научилась рисовать в классическом стиле, но ее вдохновило более современное искусство, включая постимпрессионизм, неокубизм и фовизм. В 1937 году она начала посещать занятия у абстрактного экспрессиониста Ханса Хофманна.

В 1940 году Краснер присоединился к American Abstract Artists, организации, которую художники создали в 1936 году в Нью-Йорке, чтобы способствовать общественному пониманию абстрактного искусства.Там она познакомилась с другими абстрактными экспрессионистами, благодаря которым познакомилась со своим будущим мужем Джексоном Поллоком. Эти двое стали жизненно важными критиками и сторонниками друг друга.

Краснер была заинтригована работами Поллока и тем фактом, что она не знала, кто он такой, хотя знала многих художников-абстракционистов в Нью-Йорке. В 1945 году они вместе переехали в Спрингс на окраине Ист-Хэмптона, штат Нью-Йорк, в дом, который сейчас известен как Дом и студия Поллока-Краснера. Летом того же года они поженились.

Пока они жили в фермерском доме в Спрингс, они продолжали заниматься искусством. Они работали в отдельных студийных помещениях с Краснером в спальне наверху в доме, а Поллок работал в сарае на их заднем дворе. К 1956 году их отношения обострились, поскольку Поллок боролся с алкоголизмом и вступил во внебрачный роман с Рут Клигман, другой художницей-абстракционистом. Краснер уехала летом навестить друзей в Европе, но должна была быстро вернуться, когда Поллок погиб в автокатастрофе, связанной с алкоголем, когда она отсутствовала.

Краснер работал маслом на холсте, тушью на бумаге и смешанной техникой коллажа. Она часто создавала масштабные коллажи из собственных вырезанных картин и рисунков. Она умерла естественной смертью в 1984 году в возрасте 75 лет. Через шесть месяцев после ее смерти в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке прошла ретроспективная выставка ее работ.

Роуз Пайпер, Медленный грузовой поезд, 1946-1947 гг. Художественный музей Экленда, Университет Северной Каролины в Чапел-Хилл. © Художественный музей Экленда.

Роуз Пайпер наиболее известна своими блюзовыми работами.Ее первая крупная персональная выставка под названием « блюзовых и негритянских народных песен » состоялась в 1947 году в галерее Роко в Нью-Йорке. В то время она была одной из четырех афроамериканских художников, выставлявших абстрактные работы в Нью-Йорке. В 1948 году ее работы были также включены в престижную выставку картин, скульптур и гравюр негритянских художников в Университете Атланты. Среди участников выставки были Джейкоб Лоуренс и Хейл Вудрафф.

Замедление, товарный поезд был окрашен в 1946 или 1947 году.В названии упоминается «Блюз грузовых поездов», запись Трикси Смит, и речь идет о печали женщин, оставленных мужчинами, которые сели на товарные поезда на Север во время Великого переселения народов.

Как и многие художники, Пайпер не могла сосредоточиться на своих работах в расцвете сил. Ее середина карьеры была прервана финансовыми трудностями и семейными обязательствами, из-за чего она отложила рисование и обратилась к другой карьере. Она руководила компанией, выпускающей поздравительные открытки, работала дизайнером по текстилю и воспитывала семью.Почти тридцать лет она работала Роуз Рансье, занимаясь дизайном трикотажных тканей. Она вернулась к живописи в 1980-х, создав новую и отличную работу, которая отсылает к стилям фламандской школы живописи и средневековым иллюминированным рукописям. Однако больше всего она известна своими абстрактными музыкальными произведениями 1940-х годов.

Альберт Контрерас, Без названия, 2003. Художественный музей им. Фишера. © Альберт Контрерас.

Альберт Контрерас писал примерно с 1960 по 1972 год, а затем, как и Роуз Пайпер, перестал писать на 25 лет.Он сделал себе имя в своей первой карьере, когда переехал в Швецию и работал над минималистской абстрактной живописью. Кураторы Стокгольмского музея современного искусства, Мальмё Констхалла и Гетеборгского Констмузеума приобрели его работы, но его картины становились все меньше и меньше, и в возрасте 39 лет он вообще перестал рисовать.

Контрерас вернулся в США и в течение 20 лет работал в городе Санта-Моника, водил мусоровозы и ремонтировал асфальтовые улицы. Он сказал Los Angeles Times в интервью 2001 года: « Я довел свое искусство до его логического завершения, и мне ничего не оставалось, как остановиться. ”

Слава богу любителям искусства! Когда он вышел на пенсию, художественные идеи начали возрождаться в его сознании, и он вернулся к живописи в 1997 году. Он отказался от своей прежней техники минималистской абстракции и приступил к плодотворному исследованию формы, цвета, материалов, фактур и форм. Восполняя упущенное время, он за двадцать лет написал почти 2000 картин. Великолепные результаты можно увидеть в Художественном музее Фишера Университета Южной Калифорнии, где в постоянной коллекции хранится более 140 его картин.

Превратите чистый холст в абстрактную страну чудес. Выберите идеальную оправу из 1000 музеев, чтобы добавить этот особый штрих! Просмотрите нашу полную коллекцию аннотаций

здесь .

Уникальные 15 самых известных абстрактных картин

Эта статья содержит 15 самых известных картин по абстрактному искусству. Абстрактное искусство дает нам возможность создавать бесконечные границы для создания композиций. К концу девятнадцатого века у многих художников возникла потребность в новом искусстве, и поэтому появилось абстрактное искусство.

Конвергенция Джексона Поллока

Конвергенция Джексона Поллока

Конвергенция — это картина, созданная Джексоном Поллоком в 1952 году. Эта картина считается одним из самых восхитительных и смелых произведений раннего абстрактного искусства из когда-либо созданных. Эту картину можно увидеть в художественной галерее Олбрайт-Нокс в Буффало.

Milkweed Ли Краснера

Milkweed Ли Краснера

Milkweed — известная абстрактная картина, созданная Ли Краснером в 1955 году. Ли Краснер была женой Джексона Поллока и известна как главная фигура в американском абстрактном искусстве.Эту картину можно увидеть в художественной галерее Олбрайт-Нокс в Буффало.

Вилла Боргезе Виллема де Кунинга

Вилла Боргезе Виллема де Кунинга

Вилла Боргезе — это картина, написанная Виллемом де Кунингом в 1960 году. Это одна из самых известных картин и произведений абстрактного искусства, которыми восхищаются. Кунинг известен своими картинами-действиями, чисто формальными и интуитивно понятными средствами выражения.

Туман от Адольфа Готлиба

Туман от Адольфа Готлиба

Туман — это картина, созданная Адольфом Готтлибом в 1961 году.Готлиб был среди нескольких художников, которые отреагировали на ужасы Второй мировой войны, изобразив их в своих картинах. Размеры картины 182,9 х 121,9 см.

Картина № 7 Франца Клайна

Картина № 7 Франца Клайна

Картина № 7 — это картина, созданная Францем Клайном в 1952 году. Франц Клайн отличался от нескольких других художников тем, что писал пейзажи и портреты, в то время как другие писали Сюрреалистические картины.

Две головы Карела Аппеля

Две головы Карла Аппеля

Две головы — это картина, написанная Карелом Аппелем в 1953 году.После Второй мировой войны несколько западноевропейских художников и американцев выразили ужасы визуальным языком, изобразив их в своих произведениях.

Элегия Испанской республике № 70 Роберта Мазервелла

Элегия Испанской республике № 70 Роберта Мазервелла

Элегия Испанской республике № 70 — картина, написанная Робертом Мазервеллом в 1961 году. Мазервелл с 1948 года положил начало многим картинам. испытал сотни из них, и он назвал их Элегиями Испанского Ребулика.Размеры картины 175,3 х 289,6 см.

Самые любимые рассказы наших читателей

Квадраты гармонии с концентрическими кольцами Василия Кандинского

Квадраты гармонии с концентрическими кольцами Василия Кандинского

Квадраты гармонии с концентрическими кольцами — картина, созданная Василием Кандинским в 1913 году. изучить, как воспринимаются различные сочетания цветов, которые художник использовал в этом процессе. Размер картин 23.8 × 31,4.

Велосипедист Натальи Гончаровой

Велосипедист Натальи Гончаровой

Велосипедист — известная абстрактная картина, созданная Натальей Гончаровой в 1913 году. Русский художник, жена другого великого русского художника Михаила Ларионова. Нынешнее местонахождение картины — Русский музей в Санкт-Петербурге.

Черный круг — Казимир Малевич

Черный круг — Казимир Малевич

Черный круг — картина, написанная Казимиром Малевичем в 1915 году.Картина русского художника изображает монументальный совершенный черный круг, плавающий на плоском белом фоне. Картину можно увидеть в Государственном Русском музее, Санкт-Петербург, Россия.

Цвета для большой стены Эллсуорта Келли

Цвета для большой стены Эллсворта Келли

Цвета для большой стены — это картина, созданная Эллсвортом Келли в 1951 году. На картине в общей сложности изображено шестьдесят четыре сетки квадратных панелей в произвольном порядке последовательность. Размеры картины 240 х 240 см.

Супрематическая композиция Казимира Малевича

Супрематическая композиция Казимира Малевича

Супрематическая композиция — картина Казимира Малевича, созданная в 1916 году. Русский художник был широко известен как пионер геометрической абстракции. На этой картине изображено созвездие геометрических форм и цветов в пространстве.

Черный квадрат Казимира Малевича

Черный квадрат Казимира Малевича

Черный квадрат — картина, написанная Казимиром Малевичем в 1915 году.Он также известен как Черный квадрат Малевича. Малевич написал четыре варианта этой картины, последняя из которых была написана примерно в 1920-х или начале 1930-х годов. Эта картина была впервые выставлена ​​на «Последней выставке футуристов 0,10» в 1915 году.

Бродвейский буги-вуги, автор Пит Мондриан,

Бродвейский буги-вуги, автор: Пит Мондриан

Бродвейский буги-вуги — картина, созданная Питом Мондрианом в 1943 году. Картина разделена на множество больших количество квадратных форм. Картина была подарена Музею современного искусства в Нью-Йорке, и теперь ее можно увидеть там же.

«Белое на белом» — Казимир Малевич

«Белое на белом» — Казимир Малевич

«Белое на белом» — картина, написанная Казимиром Малевичем в 1918 году. На этой картине русского художника изображен белый квадрат, изображенный на земле вне центра и под углом. который также представляет собой белый квадрат чуть более теплого тона. Картину можно увидеть в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Вы можете прочитать — Что такое абстрактный экспрессионизм?

Кто самые лучшие художники-абстрактные экспрессионисты?

---

Клиффорд Стилл

Клайффорд Стилл был менее известен, чем его сверстники из Нью-Йоркской школы, но он был пионером в этом жанре, создав стиль работы, в котором практически отсутствовала ясная концепция или предмет.

Он работал в форме живописи цветового поля, и общая тема его работ — борьба между природой и человеческим духом.

Он был немного противоречивым, поскольку его считали сложным персонажем, с которым приходится иметь дело в арт-сообществе, поскольку он отвернулся от арт-сцены Нью-Йорка.

«Это не картины в обычном понимании; они жизнь и смерть, сливающиеся в страшном союзе. Что до меня, они разжигают огонь; через них я снова дышу, держу золотую веревку, нахожу собственное откровение.”

Прочтите нашу статью «Clifford Still — Thrusts of Joy», чтобы узнать больше о художнике

---

Жак Росас

Жак Росас — известный художник, работающий в разных жанрах, включая абстрактный экспрессионизм, поп-арт и уличное искусство.

Он стал популярным благодаря тому, что его работы размещаются в телешоу и фильмах, поэтому еженедельно они доходят до миллионов зрителей.

Он был заказан многими знаменитостями и продолжает оставаться сильной стороной в своем жанре.

---

Хелен Франкенталер

Хелен Франкенталер была одним из ведущих авторов послевоенного американского искусства. Ее работы охватывали и выставлялись более шести десятилетий, и она продолжала расти и адаптироваться к постоянно меняющимся видам искусства.

Она работала с техникой цветного поля, и ее вдохновили работы Ханса Хофманна, Гринберга и Джексона Поллока.

Ее работы изучались и участвовали во многих ретроспективных выставках, получили признание критиков и награды.

«Одно действительно красивое движение запястья, синхронизированное с вашей головой и сердцем, и оно у вас есть. Похоже, он родился через минуту ».

Вот документальный видеофильм с участием Хелен Франкенталер из 1993 года, который вы, возможно, захотите посмотреть.

---

Виллем де Кунинг

Один из самых известных и уважаемых абстрактных экспрессионистов, Виллем де Кунинг применил абстрактную технику, никогда не отказываясь от человеческой формы в своих работах.

Он восхищался Рембрандтом, Рубенсом и Энгра, но был также вдохновлен Пикассо и Матиссом.

Он олицетворял репутацию алкоголика и беспокойного художника, которая в конечном итоге стоила ему большой части личной жизни и здоровья.

«Искусство не должно быть определенным. Бесполезно беспокоиться о том, что ты связан с чем-то, с чем невозможно не иметь отношения ».

Посмотрите этот документальный фильм под названием «Виллем де Кунинг: образ жизни», чтобы узнать больше о художнике.

---

Василий Кандинский

Примерно в начале 1910-х Василий Кандинский был одним из первых абстрактных экспрессионистов. По его словам, истинно абстрактные произведения искусства должны быть «искусством, независимым от наблюдений за внешним миром».

Он верил и учил, что цвет можно отделить от любых внешних ссылок для его художественных целей.

«Цвет — это средство непосредственного воздействия на душу.”

Прочтите нашу статью «О духовном искусстве с Василием Кандинским»

---

Пит Мондриан

Имя Пита Мондриана тесно связано с современным искусством. Его геометрические квадраты ярких основных цветов с толстыми черными границами широко известны и уважаемы в обществе.

Он начал свою художественную карьеру под сильным влиянием Сёра и Ван Гога. Тем не менее, в конце концов он остановился на своем уникальном стиле.

Целью его работы было достижение духовной связи с божественным, что заставляло его становиться все более абстрактным.

«Абстрактное искусство — это не создание другой реальности, а истинное видение реальности».

Вот классное видео о Пите Мондриане под названием «Жизнь в 10 фрагментах». Стоит посмотреть!

---

Марк Ротко

Марк Ротко, наряду с Джексоном Поллоком и Виллемом де Кунингом, является одним из самых известных абстрактных экспрессионистов.

Его стиль сильно отличается от стиля его сверстников, поскольку он распыляет краску по своему холсту, в отличие от жестов, которые в основном демонстрируются в этом жанре.

Его образцовая работа состоит из больших пятен краски, наложенных друг на друга, и раскрашенных фонов с ярким контрастом цветов. Его целью было вызвать ряд эмоций у поклонников.

«Среди художников широко распространено мнение, что неважно, что красить, главное, чтобы это было хорошо нарисовано.В этом суть академической живописи. Однако хороших картин из ничего не бывает ».

Я рекомендую этот документальный фильм под названием «Дело Марка Ротко», чтобы узнать больше о художнике.

Прочтите мою статью «Знакомьтесь, Марк Ротко», чтобы узнать больше о художнике

---

Агнес Мартин

Агнес Мартин была художницей канадского происхождения, которая считается новатором в области минималистского искусства.Однако она считала себя абстрактным экспрессионистом.

Она постоянно стремилась к совершенству в своей работе, работая с сетками, полосами и небольшими красками, чтобы выразить свои концепции.

«Мои картины не о том, что видят. Они о том, что навсегда известно в уме ».

Посмотрите этот замечательный документальный фильм об Агнес Мартин под названием «Красота в твоих мыслях».

---

Источники для статьи:

https: // www.ranker.com/list/famous-abstract-expressionism-artists/reference

https://www.timeout.com/newyork/art/best-abstract-artists-of-all-time

https://www.theartstory.org/movement/abstract-expressionism/

https://www.theartstory.org/artist/de-kooning-willem/

https://www.tate.org.uk/art/art-terms/a/abstract-expressionism

https://www.saatchiart.com/jacquesrosas

Еще сообщения с нашего сайта, которые могут вам понравиться:

Сравнение абстрактного экспрессионизма и поп-арта

Что такое экспрессионизм в искусстве?

Марианна фон Веревкин — Женщины экспрессионизма

Роберт Раушенберг — Противоречие самого себя

5 самых известных художников-абстракционистов и их картины

Если вы любите абстрактное искусство, установите наше расширение и наслаждайтесь новым красивым изображением в каждой новой вкладке.

Скачать в Интернет-магазине Chrome

Абстрактное искусство, в отличие от изобразительного искусства, которое изображает узнаваемые объекты, использует цвет, форму, линию, узор, текстуру или форму для создания композиции, которая может существовать со степенью независимости от визуальных ссылок в мире. Существует три основных типа абстрактного искусства — неопластицизм, кубизм и абстрактный экспрессионизм. Некоторые известные абстрактные художники включают Пабло Пикассо и Жоржа Брак, которые были наиболее известны кубизмом. Пит Мондриан был также известен неопластицизмом, а Марк Ротко и Джексон Поллок — абстрактным экспрессионизмом.Здесь мы исследуем развитие абстрактного искусства, изучая 5 самых известных художников-абстракционистов и их работы.

1. Василий Кандинский (1866 — 1944)

Василий Кандинский, которого многие считают «отцом абстрактного искусства», изначально был учителем права и экономики, но бросил многообещающую карьеру, чтобы заняться искусством. Картина Кандинского «Без названия» (Первая абстрактная акварель) была написана в 1910 году и считается историками искусства первой чисто абстрактной картиной.

Василий Кандинский — Без названия (Первая абстрактная акварель), 1910, акварель, тушь и карандаш на бумаге, 19,5 × 25,5 дюйма (49,6 × 64,8 см), Париж, Центр Жоржа Помпиду

2. Джексон Поллок (1912 — 1956)

Джексон Поллок — один из самых известных американских художников всех времен. Он сыграл важную роль в подъёме абстрактного экспрессионизма, послевоенного художественного движения, которое было широко признанным мейнстримным стилем живописи в 1950-х годах. Техника Поллока заливки и капель краски популяризировала термин «живопись действия».

Джексон Поллок — Full Fathom Five, 1947. Холст, масло, гвозди, кнопки, пуговицы, ключ, монеты, сигареты, спички и т. Д., 50 7/8 x 30 1/8 ″ (129,2 x 76,5 см), © 2018 Фонд Поллока-Краснера / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

3. Пит Мондриан (1872–1944)

Голландский художник Пит Мондриан — один из величайших художников 20-го века и один из пионеров абстрактного искусства 20-го века. Он начинал как обычный художник и экспериментировал с люминизмом и кубизмом, пока не достиг точки, в которой его художественный словарь был сокращен до простых геометрических элементов.Он был участником художественного движения De Stijl , которое выступало за чистую абстракцию путем сведения к основам формы и цвета. Работы Мондриана оказали огромное влияние на искусство 20-го века, оказав влияние не только на течение абстрактной живописи, но и на области, не связанные напрямую с живописью, такие как дизайн, архитектура и мода.

Пит Мондриан — Бродвейское буги-вуги, 1942-43. Масло на холсте, 50 дюймов × 50 дюймов (127 см × 127 см), Музей современного искусства, Нью-Йорк,

4.Казимир Малевич (1878-1935)

Казимир Малевич был русским художником, известным как пионер геометрического абстрактного искусства и основоположником авангардного супрематического движения, которое сосредоточилось на основных геометрических формах, таких как квадраты, линии и прямоугольники, и использовании ограниченного диапазона цветов. . Самыми известными примерами его ранних супрематических работ и, возможно, одной из самых известных и влиятельных работ в истории абстрактного искусства, являются «Черный квадрат» (1915 г.) и «Белое на белом» (1918 г.).

Казимир Малевич — Черный квадрат, 1915. Холст, льняное масло, 79,5 × 79,5 см, Третьяковская галерея, Москва

5. Джорджия О’Киф (1887 — 1986)

Джорджия О’Киф — американская художница, наиболее известная своими картинами с крупным планом цветов, небоскребами Нью-Йорка и пейзажами Нью-Мексико. Она не только самая известная художница-абстракционистка, но и одна из самых влиятельных фигур искусства ХХ века. Среди ее наград и наград О’Киф получила модель M.Премия Кэри Томаса в колледже Брин-Мор в 1971 году и почетная степень Гарвардского университета два года спустя. В 1977 году президент Джеральд Форд вручил О’Кифу президентскую медаль свободы .

Джорджия О’Киф — Черный Ирис, 1926. Холст, масло, 36 дюймов × 29 7/8 дюйма (91,4 см × 75,9 см), Музей Метрополитен, Нью-Йорк,

известных в мире абстрактных картин [известных художников] — ATX Fine Arts

Абстракция в искусстве существует во многих обществах.Абстрактное искусство зародилось в середине двадцатого века, самым очевидным пионером которого был русский художник Василий Кандинский.

С тех пор преобладали многочисленные известные абстрактные картины с различными абстрактными стилями.

Самые известные и известные абстрактные картины двадцатого века были созданы художниками, которые искали и находили лучшие подходы к представлению искусства, которые охватывали важнейшие изменения, происходящие в жизни, такие как инновации, наука и философия.

Абстрактное искусство создается и отображается в различных формах и рамах и может быть присоединено к существующей визуальной композиции или представляет собой полное отклонение от реального мира.

Word Известные абстрактные картины:

1. Оранжевый, красный, желтый от Марка Ротко
2. Ритм, радость жизни Роберта Делоне
3. Обнаженная, зеленые листья и бюст — Пабло Пикассо
4. Движение на площадях Бриджит Райли
5. Горы и море Хелен Франкенталер
6. Серия абстрактных фотографий Герхарда Рихтера
7. Черный квадрат Казимира Малевича
8. Черный Ирис III Джорджии О’Киф
9. Леда и лебедь, Сай Твомбли
10. Peinture (Etoile Bleue) от Жоана Миро
11. Bleu II от Жоана Миро
12. Композиция VII Василия Кандинского
13. Композиция X Василия Кандинского
14. Бродвейский буги-вуги Пита Мондриана
15. Женщина I, Виллем Де Кунинг
16. Июнь-Октябрь, Цзао Воу-Ки
17. Число 11 (Синие полюсы) Джексона Поллока
18. Номер 5 Джексона Поллока
19. Зебра Виктора Вазарели
20. Элегия Испанской Республике Роберта Мазервелла
21. Осень, автор Чу Дэ-Чун
22. Маленькие мухи и другие крылышки Кристин Эй Тджо

Вот лучшие абстрактные картины всех времен

Оранжевый, Красный, Желтый от Марк Ротко

Квадратные формы внутри этой картины не доходят до краев холста и, кажется, просто плывут по его поверхности.Создание сенсационного сияющего эффекта изображения.

Взгляд на каждый цветной участок независимо влияет на впечатление от смежных участков.

Автор: Марк Ротко

Один из самых популярных художников своего времени, работы Ротко изображены с помощью формальных компонентов, таких как цвет, форма, баланс, глубина, композиция, масштаб и энергичный тип абстрактных картин.

Ритм, радость жизни от Робер Делоне

«Ритм, радость жизни» (Rhythme, Joie de Vivre) использует яркие цвета, отражающие радость жизни.

Композиция окрашена в теплые цвета (оранжевый, желтый, красный) с движением, переданным за счет использования синего, зеленого, черных и вертикальных линий, сходящихся к кругам.

Автор: Роберт Делоне

Красочные и исследовательские картины Робера Делоне представляют собой интересное сочетание европейского изобразительного искусства середины двадцатого века с мастерскими узорами.

Обнаженная, зеленые листья и бюст — Пабло Пикассо

Обнаженная натура, зеленые листья и бюст, экзотическая и шокирующая кульминация произведений Пикассо 1932 года, изображающих его мечту и куртизанку Мари-Терезу Вальтер.

Картина из коллекции г-жи Сидни Ф. Броуди была продана за рекордную сумму в 106 482 500 долларов, побив прошлый мировой рекорд для всех шедевров, проданных на этой распродаже.

Художник: Пабло Пикассо

Пабло Руис Пикассо — испанский художник, скульптор, гравер, керамист, планировщик и драматург, большую часть своей взрослой жизни проживший во Франции. Считается одним из самых ярких художников двадцатого века, он известен тем, что помог установить стиль кубизма.

Движение по квадратам Бриджит Райли

Райли строит квадрат как основную единицу холста. Ширина квадрата уменьшается по направлению к фокусу холста, пока не превратится в крошечный прямоугольник, а затем снова увеличивается до исходного размера.

Художник: Бриджит Райли

Бриджит Райли — британская художница, известная своими картинами в жанре оп-арт. Объединяя чистые линии, цвета и геометрические формы, она создает оптически визуальные картины.

Горы и море by Хелен Франкенталер

Названный в честь побережья, которое она посетила в Новой Шотландии прошлым летом, «Горы и море» являются одной из ее многочисленных абстракций.

Автор: Хелен Франкенталер

Хелен Франкенталер (1928–2011), творческая карьера которой длилась шесть десятилетий, в течение некоторого времени считалась одной из выдающихся американских художников ХХ века.

Abstrakte Bilder Series, автор: Герхард Рихтер

Непрерывно завораживающая картина Герхарда Рихтера «Abstraktes Bilder» 1987 года — великолепная картина.

Автор: Герхард Рихтер

Герхард Рихтер известен созданием огромных фотореалистичных дубликатов высококонтрастных фотографий, визуализированных в оттенках серого (теперь это считается «фотографическим импрессионизмом»), на которых фрагменты его работ выглядят растянутыми или смягченными.

Черный квадрат от Казимира Малевича

Кусок черной краски управляет холстом. Сам Малевич рассматривал свои умеренные геометрические картины как русские символы, тип живописи, который пытается показать подлинную или непосредственную реальность.

Автор: Казимир Малевич

Казимир Малевич — основоположник супрематизма. Его мысли о структурах в искусстве, в конечном итоге, создали уникальные абстракции.

Малевич работал в различных стилях, но его наиболее значимые и знаменитые работы были сосредоточены на исследовании геометрических структур (квадратов, треугольников и кругов) и их связей друг с другом внутри живописного пространства холста.

Black Iris III от Джорджия О’Киф

Эта картина — один из первых великих произведений О’Киф. Увеличивая длину лепестка, она дает возможность наблюдателю наблюдать за небольшими тонкостями, которые он или она могут упустить в настоящей черной радужке.

Автор: Джорджия О’Киф

Одна из главных женщин-художников, получивших всеобщую похвалу от экспертов и всеобщую международную популярность, Джорджия О’Киф была американской художницей, создавшей огромные импрессионистские картины того, что ей нравилось.

Ее необычные цветы, эмоциональные городские пейзажи, красивые пейзажи и изображения костей на фоне облаков, гор и пустынного неба — известные и уникальные композиции американского модернизма.

Леда и лебедь, автор Сай Твомбли

«Леда и лебедь» — одно из самых ценных произведений Твомбли, оно представляет собой римскую басню, в которой Юпитер, превратившись в лебедя, соблазняет Леду, которая впоследствии могла бы произвести на землю Елену Троянскую.

Твомбли смешивал различные материалы, создавая жестокие и мощные водовороты и царапины. В центре картины он включает заметные сердца, фаллос и квадратную конструкцию в форме окна.

Автор: Сай Твомбли

Twombly работал с подавляющими шаблонами. Его искусство было современным, и его особый стиль постоянно отличал его от преобладающего художника-абстракциониста.

Peinture (Etoile Bleue) от Жоан Миро

Потрясающий Peinture (Étoile Bleue) — замечательная картина, написанная на ультрамариновом холсте.

Автор: Жоан Миро

Хоан Миро, И Ферра был испанским художником, скульптором и керамистом, задуманный в Барселоне.

Bleu II от Джоан Миро

Bleu II от Joan Miro — поразительная вещь. К Bleu II присоединились Bleu I и Bleu III, чтобы создать то, что известно как триптих картин.

Bleu II передает такой же насыщенный синий оттенок, как и два других, с долей красного и явно случайными темными пятнами в середине композиции.

Композиция VII авторства Василий Кандинский

Автор: Василий Кандинский

Пионер абстрактной живописи, Василий Кандинский известен своим выразительным стилем и музыкальными теориями нефигуративного искусства.

Композиция X Василия Кандинского

Broadway Boogie Woogie, автор Питер Мондриан

Broadway Boogie Woogie имеет множество линий, которые пересекаются друг с другом, эти маленькие линии, имеют квадраты разного цвета и производят оптическое впечатление на наблюдателя.

Автор: Пит Мондриан

Питер Корнелис Мондриан был голландским художником. Он известен как один из пионеров абстрактного искусства двадцатого века, он изменил свой художественный курс с метафорических картин на абстрактное геометрическое искусство.

Woman I by Виллем де Кунинг

«Женщина I» — первая женская картина, созданная де Кунинг в 1950-х годах. Произведения выполнены под влиянием палеолитического плодородия.Отвергая традиционные представления о женщине, де Кунинг нарисовал фигуру с гигантскими глазами, массивным телом и зубастой ухмылкой. Ее грозный взгляд и свирепая улыбка подчеркнуты агрессивной манерой рисования и неистовым нанесением красок.

Автор: Виллем Де Кунинг

Абстрактный экспрессионист первого поколения, Виллем де Кунинг — один из самых выдающихся художников двадцатого века.

В 1950-х годах в Нью-Йорке, когда такие художники, как Джексон Поллок и Франц Клайн, переходили от репрезентативных образов к чистой абстракции, де Кунинг сохранял приверженность фигуративной традиции, развивая при этом фирменный стиль, сочетающий яркую штриховку и агрессивную краску в абстрактную. Изобразительное искусство.

Июнь-Октябрь, автор: Зао Воу-ки

Juin-Octobre был авторизован дизайнером И. М. Пей для Raffles City в Сингапуре. В 1980 году I.M. Pei приветствовал Зао Ву-Ки в Сингапуре и поручил художнику создать огромную настольную картину.

Автор: Zao Wou-Ki

Цзао Воу-ки применил стратегии современного абстрактного искусства к обычным картинам китайских литераторов.

Номер 11 (Синие полюса), автор Джексон Поллок

Blue Poles, первоначально названная Number 11, — абстрактная экспрессионистская картина и одна из самых известных работ Джексона Поллока.

Автор: Джексон Поллок

Джексон Поллок был художником-абстрактным экспрессионистом. Абстрактные экспрессионисты были собранием молодых нью-йоркских художников, которые создавали картины, которые не были иллюстративными, что означает, что они не выглядели как что-то еще. Скорее, они пытались выразить чувства, подобные радости или возмущению, в своих выразительных рисунках, картинах и скульптурах.

Его техника заключалась в том, чтобы бросать и капать уменьшившуюся облицовочную краску на нерастянутый холст, лежащий на полу его студии.

Номер 5 Джексона Поллока

Наблюдатель может увидеть, как Поллок использует темную, белую, тусклую, красную и желтую краски в слоях, которые соединяются и распространяют всю область композиции.

Зебра от Виктор Вазарели

Эта картина — первая попытка Вазарели использовать абстрактные живописные изображения зебр в абстрактном дизайне.

Автор: Виктор Вазарели

Виктор Вазарели был французско-венгерским художником, признанным пионером в развитии оп-арта.

Элегия Испанской республике от Роберт Мазервелл

Автор: Роберт Мазервелл

Мазервелл изображает человеческую смертность посредством нереференциального визуального языка с использованием французского символизма.

Осень Чу Дэ-Чун

Палитра теней картины выявляет абстрактную сцену, где осенние листья плачут на верхушках деревьев или опавшие листья кружатся в водоворотах осеннего ветра.

Автор: Чу Дэ-Чун

Абстрактный стиль Чу Дэ-Чун сочетает китайскую каллиграфию с оттенками западного искусства.

Маленькие мухи и другие крылышки

Автор: Кристин Ай Тджо

Работы Кристин Ай Тджо — это красочные яркие линии и смешение нерегулярных скелетных органических структур.

Если вам понравилась эта статья, поделитесь ею с другими, возможно, они тоже смогут ею насладиться.Любые произведения искусства, купленные на ATX Fine Arts, подходят мне как художнику / писателю, а также помогают сайту органично расти, спасибо.

Amazon.com: 31 известная абстрактная картина — 50–1000 долларов, нарисованная вручную академическими художниками — контрастные звуки Василий Кандинский Абстракция

Размер: 12 x 16 дюймов | Цвет: 3 контрастных звука Василий Кандинский Абстракция …

I. О произведениях искусства
1, Характеристики:
Это выполненная на заказ картина маслом на холсте, 100% ручная роспись профессиональных художников.
Основное изображение — оригинальный шедевр, который оценивается от миллионов до миллиардов долларов. Наши репродукции произведений искусства доступны по цене и элегантно подходят для домашнего декора, а также являются прекрасным подарком для ваших семей или друзей.

2, Материалы:
Мы используем высококачественные материалы, включая льняной холст, сертифицированные масляные краски известных брендов, соответствующие европейскому стандарту EN71-3, Royal UKAS и американскому стандарту ASTM D. Это гарантия получения художественных результатов и собирать сто лет.

3, Растяжка / Обрамление:
Картина будет безопасно катиться в вытяжной трубе.Хотите, чтобы картина была готова повесить? Просто купите растяжку / обрамление на www.amazon.com/dp/B08LT7R26B

4, Размеры:
Пропорция длины и ширины каждой картины разная, здесь мы перечисляем только наиболее часто используемые размеры. Чтобы добиться наилучшего художественного эффекта, мы можем немного скорректировать размеры, чтобы они соответствовали исходной пропорции.

II. О наших художниках
Мы — группа увлеченных академических художников, которые получили образование в художественных колледжах или университетах и ​​предлагают искусство, которое вписывается в ваш образ жизни.
Наши работы личные и связаны с личностью художника. Наша цель — обеспечить профессиональное выполнение всего, что вы хотите, от начала до конца. Качество будет превосходным, а доставка — первоклассной.

III. Индивидуальные требования
Мы можем рисовать с ваших собственных изображений любых размеров, не более 118 X 787 дюймов (300 x 2000 см).

IV. Примеры
Чтобы увидеть 24 примера высококачественных репродукций, которые мы нарисовали вручную, посетите сайт www.amazon.com/dp/B08MCW6FW3

Хотите больше работ? На сайте www.amazon.com/singingpalette

можно выбрать из 30 000 картин великих художников, сделанных вручную. .