Как найти свой стиль в рисовании персонажей: Как найти свой стиль в рисовании | ArtSide!

6:13 Как найти свой стиль рисования ??? ↗

7:56 Как найти свой АВТОРСКИЙ стиль в рисовании ↗

Стили иллюстраций — как развить свой стиль

Большинство уже состоявшихся художников отвечает на этот вопрос так:

Авторский стиль — дело такое, о котором не стоит задумываться. Вам нужно просто рисовать и он придет сам собой.

На самом деле, меня такой ответ никогда не устраивал и я решила сама разобраться в этом вопросе.

Каким образом нужно формировать свой авторский стиль?

Мне кажется, что изначально нужно разобраться в том что вообще из себя представляет стиль иллюстрации. Какие они бывают и какие у них особенности.

Стилей в иллюстрации существует неимоверное количество! Они все очень тесно переплетаются друг с другом. Но среди них можно выделить пять основных:

• Реализм
  
• Декоративный стиль
  
• Гротеск
  
• Наив
  
• Минимализм 

Реализм

Реализм — это стиль, согласно которому, задача художника состоит в как можно более точной и объективной фиксации изображаемого объекта.

Основной упор делается на максимальную достоверности изображения. Работая в жанре реализма, художнику необходимо четко соблюдать пропорции, законы светотени и перспективы. Однако, всё же некоторая степень упрощения в данном стиле имеется. Эффект упрощения достигается за счёт техники исполнения — штриховка карандаша, обильные и небрежные мазки краски, также некое пренебрежение прорисовки отдельных элементов в технике цифровой живописи для выделения главного объекта.

• Всем любителям академизма 
  
• Концерт артерам

• Академический рисунок
  
• Живопись
  
• Анатомию
  
• Светотень
  
• Реалистичные текстуры

Декоративный стиль

Главной силой декоративного стиля является контраст реалистичности и условности. Этот эффект достигается плотной плашечной заливкой некоторых элементов объекта, то есть завивкой чистым цветом и обязательной реалистичной прорисовкой других элементов.

Для усиления эффекта можно использовать декорирование орнаментом отдельных объектов. Работая в декоративном стиле очень важно не переборщить и соблюсти баланс условности и реализма, чтобы изображение вызывало как можно больше смешанных чувств у зрителя.

Кому подходит декоративный стиль?

• Всем бунтарям, имеющим за плечами хорошую школу академического рисунка
• Журнальным иллюстратором
  
• Художникам, что желают создавать супер концептуальные и вызывающие работы

• Анатомию 
  
• Тон 
  
• Цвет
  
• Орнамент и прочие декоративные элементы.

Гротеск

Гротеск — один из самых популярных стилей в иллюстрации. Для него характерно существенное искажение пропорций, перспективы, а также необычно необычные ракурсы, что благодаря законам перспективы существенно искажает изображаемые объект.

Однако, очень важно не уходить кардинально от первоначального образа, чтобы сохранить его узнаваемость. Для гротеска характерна некая метафоричность и сюрреалистичность сюжета и образ персонажа.

Кому подходит гротеск?

• Большинству иллюстраторов 
  
• Художникам-аниматорам
  
• Концепт-дизайнерам персонажей
  

• Композицию
  
• Пластическую анатомию
  
• Цвет
  
• Тон
  
• Фантазию самого автора
  

Наив

Основной отличительной чертой является примитивность форм с практическим отказом от анатомии и пропорций. Его часто называют детским или мультяшным стилем.

Главная задача иллюстраций в стиле наив — вызвать у зрителя положительные эмоции и умиление.

Рисуя в стиле наив, важно не переборщить с упрощением, сохранив свойства и узнаваемость изображаемого объекта.

Кому подходит стиль наив?

• Большинству иллюстраторов 
  
• Детских иллюстраторам
  
• Художника- аниматорам 
  
• Концерт-дизайнерам персонажей и окружения для мультфильмов
  

• Формообразование
  
• Работы с силуэтом
  
• Цвет
  
• Тон
  
• Мягкость текстуры
  
• Различные способы декоративной штриховки

Минимализм

Сейчас он очень популярен и имеет еще одно название — Флэт-дизайн (Flat Design), то есть «Плоский».

Для минимализма характерно отсутствие перспективы, законов светотени. Объекты упрощаются до геометрических фигур, либо из них составляются. Также объекты могут изображаться лишь несколькими линиями и пятнами. Для того, чтобы вдохнуть немного жизни в свои работы и добавить им шарма, иллюстраторы часто используют приятные и шероховатые текстуры.

Кому подходит сстиль минимализм?
Иллюстраторам, желающим работать с:

• Инфографикой
  
• Моушен-дизайном
  
• Журнальной иллюстрацией
  

• Композицию
  
• Формообразование
  
• Цвет
  
• Тон
  

После того, как мы разобрали все 5 стилей и узнали об их особенностях, наступает время самого главного вопроса:

Как формировать свой стиль в иллюстрации?

Если лучше всего у Вас получается рисовать в наивном стиле, добавив в него элементы из декоративного стиля, Вы уже внесете свой собственный авторский почерк. 

Источник: Рорич рисует

Как найти свой стиль в иллюстрации?

Совсем недавно я кардинально сменила свой стиль — перешла от гладких вылизанных иллюстраций к текстурным работам, похожим на нарисованные цветными карандашами. Это был масштабный проект, потому что мне пришлось полностью перерисовать с нуля моё портфолио. И сегодня я хочу поделиться с вами своими идеями о художественном стиле в иллюстрации и о том, как этот самый стиль найти.

Поиск своего стиля в иллюстрации — это наверное один из самых распространённых вопросов среди художников, которым задаются как новички, так и маститые профи.

Есть два основных подхода по отношению к художественному стилю:

1. Художнику жизненно необходим свой личный стиль, выделяющий его среди сотен тысяч других рисующих;
2. Художнику нужно уметь рисовать в разных стилях, чтобы получать много разных заказов.

И надо сказать, у обоих подходов есть свои сторонники)) Но лично мне ближе первый, особенно учитывая, что я работаю в сфере детской иллюстрации, где узнаваемый стиль — это must have.

Помимо того, что ваше портфолио будет выглядеть профессионально и однородно, а люди будут узнавать ваши работы буквально с первого взгляда, есть ряд других преимуществ. Например, вам не нужно будет ломать голову над тем, в каком стиле рисовать тот или иной проект. А еще, сосредоточив свои усилия на одном стиле можно его углубить и развить до потрясающих высот. Чего вряд ли можно достичь, распыляясь сразу на 10.

Можно конечно иметь в рукаве 2-3 хорошо развитых стиля. Но в этом случае лучше всего иметь и 2-3 разных портфолио под каждый из них. Подобное разграничение поможет не мешать мух с котлетами и прицельно предлагать заказчикам именно то, что им нужно, а не впихивать им всё под соусом «смотрите как я могу! и на швейной машинке вышивать крестиком тоже».

Как же найти свой уникальный стиль в иллюстрации?

На самом деле, свой стиль есть у каждого рисующего. Это как почерк. Мы можем учиться писать по одинаковым прописям, но в итоге у каждого получается что-то своё. И не важно, пишем ли мы карандашом или перьевой ручкой, пишем ли мы стихи или список покупок — наша рука будет прослеживаться. С другой стороны, почерк может быть похожим на чей-то другой. Или не отличаться особой оригинальностью. И основная трудность состоит не в том, чтобы его найти, а в том, чтобы его отшлифовать и сделать своей визитной карточкой.

Прежде всего подумайте о том, что вам больше всего нравится. С какими материалами вам больше всего нравится работать, какая техника вас цепляет, на какие темы всегда хочется порисовать?

Я вот несколько лет мучила мультяшный реализм — мне ооочень много неудобств доставляла покраска. Она отнимала кучу сил и времени. Хотя скетчи шли легко. В то же самое время, я всегда любила цветные карандаши. Да и вообще графика, в отличие от живописи, давалась мне проще. Я обожала штриховать. Но почему-то мне казалось, что штриховать в цифре, когда есть возможность как-то ускорить процесс при помощи кистей большого размера — это как-то глупо. И я даже не пробовала это делать!)) До этой весны. Секрет состоял в том, что несмотря на трудоёмкость штриховки, это было настолько «моё», что мне удалось повысить скорость работы чуть ли не в 2 раза! Больше не нужно было до опупения вылизывать идеальные формы. Ура!)

Можно ещё попробовать подойти к этом вопросу с другой стороны, и подумать о том, что вам наоборот не нравится в вашем процессе. Где вы всё время чертыхаетесь, что сели за баранку этого пылесоса?) И что можно сделать, чтобы это изменить?

Второй совет — экспериментируйте! Особенно актуально, если вы затрудняетесь с вопросом о том, что вам нравится. Пробуйте как можно больше всего. Не бойтесь! Эксперименты помогают не только добавить что-то новое в свои работы, они помогают лучше узнать себя. При чём не только, что вам по душе, но также — чем бы вы точно не хотели заниматься))

Возможно, вам, как и мне, нравится штриховка. Или наоборот — акварель с её текучестью. А может, в очередной раз запачкавшись акрилом по уши, вы поймёте, что этот материал явно вам не подходит. И вычеркнете его из списка своих предпочтений. Лучше честно признаться себе, что вам что-то не нравится, чем убить кучу времени на приручение инструмента и всё равно к нему не воспылать любовью. Я вот к векторной графике старалась приспособиться несколько лет кряду, но каждый раз открывая иллюстратор я чувствую себя не в своей тарелке.

Третий совет — составьте доску с любимыми иллюстрациями на Pinterest. Соберите как минимум 20-30 картинок разных (!) художников, а потом детально изучите их. Посмотрите на них глазами художника, а не зрителя. Что именно в этих иллюстрациях вас зацепило? Возможно, в них прослеживается какая-то общая черта (к примеру, цветовая гамма, тематика, необычный угол обзора). Или вам нравятся отдельные детали в каждой работе (может быть манера рисовать деревья или руки персонажа). Что из этого вы можете привнести в свои иллюстрации? Не старайтесь полностью имитировать стиль другого художника. Собирайте интересные находки по крупицам среди разных источников.

Четвёртый совет — не думайте, что свой стиль — это нечто высеченное в камне. Мы все меняемся, и это абсолютно нормально, чтобы ваш стиль менялся вместе с вами. Не запирайте себя в строгие рамки. Пусть ваш рабочий процесс приносит вам радость, а не заставляет вас каждый раз психовать.

Как найти свой стиль в иллюстрации. Часть 1

Самый часто задаваемый вопрос популярным и востребованным иллюстраторам звучит так: «Как найти свой стиль?» Нам, художникам, кажется, что есть волшебная формула, которая на раз лишит нас проблем с поиском своего визуального языка. Увы, такой формулы нет. Однако никто не мешает нам в нее свято верить и продолжать искать. Я, как и многие, нахожусь в поиске «своего стиля» и поэтому решила поделиться собственным опытом.

Сразу оговорюсь, что не претендую на роль эксперта, но верю – любое мнение может быть полезно.

Для того, чтобы ответить на вопрос о стиле, я разбила статью на две части. Первая часть посвящена моим рисункам. На их примере я расскажу о том, как пришла к тому стилю, в котором сейчас работаю (см. портфолио). А во второй части я дам практические советы, которые, надеюсь, вам пригодятся.

Многие воспринимают стиль, как нечто неизменное. Стиль, как и навыки, меняются и становятся лучше. Точнее всего эту мысль сформулировал Рудольф Арнхейм, эстетик и психолог искусств. В своей книге «Искусство и визуальное восприятие» он писал: «Оригинальность – это непроизвольный продукт удачной попытки одаренного художника быть честным и правдивым. Сознательный поиск личного стиля неизбежно вредит ценности художественного произведения, так как этот поиск вводит элемент произвольности в процесс, который может управляться только закономерностью». Я бы поспорила с мистером Арнхеймом о термине «одаренный», но это уже другой разговор. Вернемся к вопросу стиля. Арнхейм пишет о том, что поиск визуального языка должен происходить естественным образом, путем эксперимента и постоянной работы. Мы можем копировать приемы других художников, но при этом должны отдавать себе отчет – сделает ли это работу лучше, правдивее?

Я горячо любила и люблю французского иллюстратора Изабель Арсено. Ее работы прекрасны, многогранны, и, несмотря на разнообразие сюжетов, художественных приемов, в них читается авторский почерк. В своих иллюстрациях она использует разные материалы: цветные карандаши, простой карандаш, акварель и гуашь. Я же рисовала маркерами, когда впервые увидела ее работы.

Изабель Арсено

То, что я делала пользовалось популярностью; маркеры только появлялись на прилавках художественных магазинов, и в русскоязычном инстаграме еще не было такого обилия скетчеров. Мне предложили вести курс по скетчингу маркерами, и обращение к цветным карандашам казалось неуместным. Как и многие, я была очарована городскими зарисовками Анны Эгиды, пробовала создавать нечто похожее, и долгое время это приносило мне большое удовольствие.

Но иллюстрации Арсено не отпускали. Тогда я начала рисовать один и тот же сюжет в разных техниках.

В некоторых смешивала маркеры и карандаши в одном рисунке.

А потом я заново открыла для себя акварель. И все стало еще труднее. Теперь я работала маркерами, цветными карандашами и акварелью.

Акварельные этюды из зоологического музея. Как можно заметить, ничего общего с предыдущими работами

Стоит подчеркнуть, что я не создавала самостоятельных законченных работ. Все, что я делала, попадало в категорию набросков, скетчей, зарисовок, но ничего более. Сейчас я связываю это с тем, что у меня был поисковый период. В набросках можно позволить себе экспериментировать, пробовать новые техники и приемы, нарабатывать визуальный материал, который пригодится в будущих проектах. Но наброски должны естественным образом становится чем-то большим. Они должны служить подспорьем для чего-то обдуманного, взвешенного и цельного. Особенно остро я поняла это, когда мама моего молодого человека попросила в подарок пару рисунков, а я не смогла ничего найти. При этом я действительно рисовала почти каждый день. Все было в блокнотах, тетрадях, на рваных листах и имело незавершенный вид. Это было ровно год назад. С тех самых пор я начала создавать серии.

Что может дать серия? Многое! Во-первых, вы выбираете одну тему и развиваете ее. Бывают дни, когда нам нечего рисовать, ничего не приходит в голову и мы выдавливаем сюжет, как зрелый прыщ. В случае серии вы всегда знаете, с какой стороны подступиться.

Я долго размышляла над собственной серией. Она была нужна мне в период творческого затишья. Было время, я думала о рисовании своих фотографий из инстаграма или ленты друзей, посещали мысли об иллюстрациях из жизни моей кошки (да, банально! но почему бы и нет?), но потом мне пришла в голову другая идея. Цветы! Это было отличное решение. Референсы были доступны в огромном количестве на улицах города, в интернете и книгах. Нарциссы, тюльпаны, одуванчики – цветы на любой вкус!

Ограниченный набор художественных материалов – второй плюс серии. Как я уже писала выше, я рисовала маркерами, акварелью и цветными карандашами. Но на самом деле я еще баловалась гуашью, иногда брала в руки пастель (в основном для копий) и время от времени обращалась к линеру. Но я решила выбрать карандаши. По банальной причине – у меня лежало шесть абсолютно новых нетронутых карандашей Derwent, которые я очень хотела пустить в дело.

Шаг за шагом ваш стиль начнет приобретать форму. Невозможно создать десять работ в одном стиле, если он не ваш по духу. Первая картинка, возможно, будет под влиянием любимого художника, во второй станет чуть больше вас, третья и вовсе может изменится. Важна закономерность! Вы изучите возможности материала и поймете, а можете ли вы рисовать только им еще десять лет?

Я поняла, что карандаши – моя страсть. Спустя время и еще несколько серий работ, я начала рисовать кино. Все смотрят и любят фильмы, все задаются вопросом, что посмотреть вечером. Мои иллюстрации могли бы помочь им с этим выбором. Стилистически моя цветочная серия отличается от серии о кино. Но без роз, тюльпанов и ромашек не смог бы появиться на свет нарисованный кадр из фильма Хичкока «Птицы».

Конечно, это не полная история моего стиля. Но и уж точно не финальная глава.

Я буду рада услышать вашу историю, вопросы, рекомендации и замечания! Делитесь! Это будет полезно мне и всем тем, кто случайно найдет этот пост в просторах интернета.

Ждите вторую часть статьи с практическими советами!

#иллюстрация #какнайтисвойстиль #блогиллюстратора

Creative Pep Talk: найти свой стиль

Тут я хочу привести пример из своей практики со студентами, а именно, из ежедневных скетчбуков: на каждом курсе у студента есть ежедневный скетчбук, в которым нужно каждый день рисовать, примерно по +/- часу.

Темы скетчбуков разные, в начале курса мы фокусируемся скорее на знакомство с техниками и материалами, постепенно углубляемся в определенные техники. Перед ежедневным рисунком я советую ученику проанализировать предыдущий рисунок, найти то, что работает, и то, что плохо, и сделать лучше, подходить осознанно и последовательно, а не просто пробовать всё подряд. Иногда достаточно наточить карандаш для лучшего результата.

Дальше описан достаточно спорный для меня вопрос: Энди говорит о том, что многие ожидают, что стиль как бы сам собой поднимется на поверхность, если много рисовать.

А я ведь действительно так периодически утверждаю, говоря: «расслабьтесь, рисуйте ежедневно, анализируйте, и стиль найдется сам собой».
Тут я поняла, что противоречу сама себе, потому что в одном предложении призываю и расслабиться, и анализировать. Видимо, я призываю успокоиться, потому что студенты обычно ищут стиль с какой-то панической скоростью, часто слепо копируя, прыгая от одного к другому, упуская шаг принятия решений, который идет после анализа.

Мы не просто анализируем, — мы принимаем решение, хорошее решение потом становится правилом и записывается в наш личный стайл-гайд.

Мне кажется, осознание контроля над процессом, именно осознание того, что независимо от случайности эксперимента, от непредсказуемости результата, общий процесс — контролируемый и последовательный, — должно давать силу и спокойствие. Здесь незачем паниковать, потому что твой судья — твой хороший вкус, который и ведет тебя, и всегда поможет здраво оценить результат.

И когда ты начинаешь принимать решения, и анализировать, какие из них хорошие, а какие плохие, собирать хорошие решения в некую систему — тогда и формируется твоя внутренняя система, позволяющая на практике принимать эти решения в считанные секунды.

Разные стили рисования тела

Добро пожаловать в урок по пропорциям тела… На самом деле в большей степени этот урок посвящен сравнению разных стилей рисования фигуры. Я надеюсь, что эти сравнения помогут вам разобраться в наболевших вопросах.

Первое что мы рассмотрим это пропорции нормального человека:

Среднее тело человека составляет 7 – 7,5 голов в высоту. Давайте рассмотрим некоторые пропорции обычного человека:

Теперь, для примера рассмотрим фигуры парня и девушки:

Теперь давайте рассмотрим пропорции персонажей из манги Наруто:

Вы даже не представляете, как сложно было найти картинку Какаши, что бы он прямо стоял)))

Когда я впервые увидела аниме Наруто, то я была впечатлена. Большинство художников в аниме и манге используют более идеальные пропорции, которые очень схожи на обычного человека.

А то как нарисовано аниме Наруто, это не только сложнее, но и смелее, художник очень своеобразно и отлично передает все образы.

Какаши = чуть больше 7 голов в высоту.

Наруто во время поступления в академию = чуть больше 4 голов.

Наруто Shippuuden = 6 1/2 головы высотой.

Теперь давайте посмотрим на что-то более идеальное: Блич

Куросаки стоит примерно из 8 голов в высоту.

Как правило, это самая идеальная пропорция. Ее легче всего составить и она всегда будет смотреться идеально. Персонажи выглядят хорошо с длинными ногами.

Иногда, художник Кубо рисует своих героев в разных пропорциях, этим он показывает устрашающий вид или серьезный настрой героя.

Кенпачи выглядит очень большим и грозным, а все из-за его маленькой головы и огромного роста головы (10 голов в высоту)

Рукия из-за роста выглядит молодой и нежной (7 1/2 в высоту)

Урахара как правило, состоит из 10 голов в высоту, однако его тело не выглядит таким огромным, как у Кенпачи из-за его строения

Я очень люблю стиль Кубо, потому что он отлично знает, как нарисовать своего персонажа, а так же как правильно насколько нарисовать мышцы и суставы, что позволяет делать удивительные позы.

Американские комиксы часто используют для тела пропорции в 8-голов.

Не забывайте: чем моложе персонаж, тем меньше его тело по сравнению с головой. Эдвард Элрик из Стального алхимика отличный пример этого правила.

В возрасте 13/14 лет его рост составляет 6 голов в высоту, что на самом деле довольно характерно для более юного возраста. Именно поэтому его все называют коротышкой.

И конечно же у нас есть еще одна очень своеобразная стилистика рисовки в Манге / аниме  ххх Holic.

Юко-Сан – состоит из 9 ? голов. Однако из-за ее тонких и длинных форм, она не похожа на форму тела Кенпачи (см. выше).

Ну а теперь давайте немного рассмотрим американские мультфильмы и комиксы.

Здесь я приведу примеры исходя из двух мультфильмов: Danny Phantom (Денни призрак) и Marvel Comics (комиксы Марвел)

Danny Phantom очень стилизованный мультфильм так как в нем персонажи нарисованы с очень большими размерами голов по отношению к телу.

Дэнни состоит из 4-5 голов, в зависимости от ситуации его размер пропорций в кадре периодически меняется.

В комиксах и мультфильмах про супер героев художники используют аналогичные пропорции, как в манге/аниме Блич (см. выше).

Ну, вот и все что я хотела рассказать вам о разных пропорциях. Надеюсь они помогут вам.

Автор: Obi-quiet

Перевод: Prescilla

Данный материал подготовлен для Вас командой сайта https://bakemono.ru

Как найти стиль рисования

Людям слишком легко сказать, что они не умеют рисовать, хотя правда в том, что они просто еще не придумали, как лучше всего выразить себя.

Каждый может научиться рисовать, и весь фокус в том, чтобы найти стиль рисования и развить его.

Работа с личным стилем снимает давление сравнений со сверстниками. Это способствует большему самовыражению и творчеству, что вызывает радость и желание развивать свои достижения.

Но с чего начать? Как найти свой собственный стиль рисования?

Нет правильного или неправильного способа рисования.

Прежде чем мы рассмотрим, как это сделать, важно обсудить заблуждения относительно «правильного» способа рисования. Слишком часто начинающие художники разочаровываются на уроках из-за того, что их способ создания имиджа неправильный в глазах учителя.

Не существует единого способа нарисовать какой-либо отдельный предмет. Это должно быть о поиске линий и методов, которые выражают то, что вы видите и чувствуете.

Например, если вы рисуете яблоко в натюрморте. Он не обязательно должен быть похож на чужой. Это ваше восприятие яблока.

Итак, как вам найти свой стиль рисования?

Короче говоря, вы найдете свой стиль рисования вовремя, методом проб и ошибок. Этот процесс требует времени, и лучший способ найти свой стиль — это поэкспериментировать, попробовать разные техники, подражать художникам, которыми вы восхищаетесь и которыми вдохновляетесь. Изучите произведения искусства, и с практикой и исследованиями вы начнете создавать оригинальные работы, которые другие сразу могут определить, что они ваши.

Но, чтобы получить более подробный ответ и руководство, читайте дальше.

Найдите художника, которым вы восхищаетесь и который вдохновляет вас

Нет ничего плохого в том, чтобы вдохновляться другими художниками. Фактически, некоторые из великих мастеров цитируют работы других до них.

Мы учимся на идеях и методах других, изучаем их, учимся копировать их, а затем имеем возможность развиваться, когда мы обретаем больше уверенности.

Возможно, есть художник, который всегда выделялся для вас при посещении крупных галерей или на онлайн-арт-сайтах.

Если вы когда-нибудь восхищались формами фигур или плавными линиями ландшафта, это могло бы стать отличной отправной точкой.

Учтите следующие важные вопросы при выборе подходящего художника и произведения искусства.

1. Почему вы хотите подражать работе этого художника по сравнению с другими художниками?
2. Что работа делает с вами на эмоциональном уровне и как это связано с вашей учебой?
3. На чем конкретно вы хотели бы сосредоточиться в их работе?

Изучите, почему вам нравится конкретный рисунок

Допустим, вы хотите научиться рисовать, потому что вам нравятся работы Пикассо или других участников кубистского движения.Недостаточно сказать, что Пикассо создавал разрозненные или абстрактные лица.

Вам также необходимо получить лучшее представление о том, как эти элементы сочетаются друг с другом, и о создании изображения. Единственный способ сделать это — изучить произведение искусства.

Не смотрите только на изображение целиком. Погрузитесь глубже, чтобы рассмотреть линии и формы. Вы быстро узнаете о произведении больше и, возможно, получите более глубокую эмоциональную реакцию.

И то, и другое может подпитывать вашу работу, если вы подражаете художнику в своих собственных исследованиях.

Обратите внимание на широкий круг работ — в идеале онлайн и офлайн.

Легко зациклиться на конкретной картине известного художника. Например, вы можете любить Ван Гога «Подсолнух», но не так хорошо знакомы с другими работами.

Чем больше произведений вы изучите, тем легче увидеть узоры, мазки и то, как художник создает свои изображения.

Впоследствии становится легче пробовать копировать их подход и учиться у них.

Вы можете найти множество идей, зайдя в Интернет и выполнив поиск изображений. Музеи и галереи также могут размещать на своих веб-сайтах множество изображений, чтобы вдохновить зрителей.

Однако нет ничего лучше, чем увидеть настоящую вещь. Вы сможете лучше понять создание произведений искусства, когда увидите их в реальности в галерее.

Имитация стиля рисования

Тогда пора записать что-нибудь на бумаге. Неважно, какой инструмент вы используете, главное — это то, с чем вам удобнее всего.

Вы все еще можете научиться рисовать красивые фигуры на картинах Дега ручкой, карандашом, углем или пастелью.

Карандаш хорош для начинающих, так как его можно стирать. Но тем, у кого есть небольшой предыдущий опыт, могут понравиться более короткие красочные линии масляной пастели.

Если вы больше увлекаетесь цифровым искусством, вам необходимо приобрести планшет для рисования и купить себе программное обеспечение для рисования.

В любом случае, вам нужно попытаться воспроизвести то, что вы видите и как это было создано, в вашей собственной книге, по-своему.Так я начал разрабатывать свой собственный стиль рисования аниме.

Это позволяет вам почувствовать, как создавать те знаки и изображения, которые вы хотите имитировать в дальнейшей работе.

Дудл и набросок

Нет необходимости копировать всю картину. Для начала, это может быть непосильной задачей для новичка.

Лучше сфокусироваться на ключевой области и сделать ее зарисовку. Это особенно полезно, если в чьей-то работе есть определенный элемент, который вам нравится.

Возможно, вам нравится, как Альфред Маннингс нарисовал свою лошадь, но вас не так интересует остальная часть рисунка. Просто сосредоточьтесь на воспроизведении этих лошадей.

Переключитесь с имитации рисунков на создание собственных рисунков и набросков.

Когда у вас появится больше уверенности в работе с художниками, которые вас вдохновляют, вы сможете перенести эти навыки на другие творения.

К настоящему времени вы должны иметь лучшее представление о том, как обращаться с ручкой или карандашом, чтобы создавать нужные линии.

Этот поток творческого самовыражения должен стать более естественным. Итак, когда вы обращаетесь к другим предметам, вы можете создавать изображения, которые демонстрируют как ваш новый стиль, так и ваше вдохновение.

Отличная отправная точка — работать с фотографиями.

Фотографии дают единообразное изображение так же, как произведение искусства в книге или в Интернете. Но затем вы можете добавить свои собственные интерпретации, чтобы выяснить, как нарисовать сцену, вместо того, чтобы полагаться на влияние выбранного вами художника.

Фотографии из вашей собственной коллекции или поисковые запросы изображений Google должны предоставить широкий выбор для работы.

Вы можете начать обнаруживать, что у вас есть природная способность рисовать животных в выбранном вами стиле рисования. Или, возможно, у вас есть блестящий способ работы с натюрмортами, портретами или пейзажами.

Со временем вы сможете сфокусировать этот интерес и создать оригинальную работу на тему, которая и дальше развивает ваш стиль.

Один из способов сделать это — работать с реальной вещью, а не с фотографий.

Когда у вас будет лучший уровень согласованности с вашим новым стилем рисования, предпочитаемым предметом и лучшими материалами, вы можете продолжить изучение.

Вы можете изучать животных, людей, предметы и сцены и то, как они приспосабливаются.

Чем больше вы оцениваете предмет, как вы его видите и переживаете, тем больше эмоций и выражения.

Рисовать постоянно и последовательно

Желаемое преимущество практики рисования на этом этапе — это процесс и уроки, извлеченные из этого опыта.Вот почему так важно продолжать рисовать, даже если вам не нравится одно занятие, как другое.

Чем больше вы практикуетесь, тем больше вы узнаете, в том числе и на ошибках.

Возможно, стоит выделять определенное количество времени каждый вечер на изучение своего дела. Ожидание вдохновения не работает, когда вам нужны регулярные усилия для развития.

Обеспечьте постоянную эволюцию и поиграйте с идеями

Эта идея эволюции важна, потому что вы не хотите продолжать создавать ту же работу, что и в начале.

Со временем вы можете наткнуться на моменты и счастливые маленькие случайности, когда изображение принимает другой оборот. Возможно, вы обнаружите некоторую плавность или новый способ изобразить черту, которая вам нравится.

Отметьте, что вам нравится и почему.

Используйте эти наблюдения, чтобы направить вас в несколько ином направлении с вашими новыми произведениями. Не бойтесь ошибиться или создать что-то, что вы никому не покажете, просто чтобы не смущаться.

Также важно не слишком беспокоиться о финализации изображений.Вы не играете с этими идеями, чтобы создать идеальный законченный образ.

Вы можете создать впечатление сцены или сосредоточиться на небольшом объекте, с которым вы боролись.

Эти небольшие исследования, какими бы грубыми они ни были, могут дать вам небольшую искру вдохновения или укрепить вашу уверенность, когда идея работает.

Держите альбом для всех своих экспериментов и идей

Персональный альбом для рисования на определенную тему — отличный инструмент. Это больше, чем просто создание множества пустых страниц для новых идей и попыток запечатлеть выбранный вами стиль и изображения.

Также неплохо использовать альбом для рисования как место для записи своих мыслей и идей.

Добавьте аннотации к исследованиям и даже самый маленький рисунок, чтобы показать, что вам нравится и над чем вы хотите работать дальше.

Эти заметки помогут вам выразить идеи о вашей работе и намерениях, которые, возможно, не отражены в изображении.

Книга в переплете также гарантирует, что все эти изображения станут коллекцией. Вы можете перелистывать страницы с первого дня до наших дней и посмотреть, как далеко вы продвинулись.

Вы можете создать путешествие, чтобы оглянуться назад и посмотреть на график вашего прогресса, от попыток подражать вдохновляющему художнику, через вашу эволюцию и сосредоточение на идеях, до вашей текущей работы.

Вы можете пролистать и увидеть весь достигнутый прогресс и немного повысить уверенность в себе.

В будущем, когда вы, возможно, почувствуете потребность в изменении направления, вы сможете напомнить себе об этом путешествии и о том, как вы можете легко заново изобрести себя заново.

Время покажет ваш стиль рисования

В первый месяц или около того вам может казаться, что вы делаете немного больше, чем просто копируете работы других художников.

Это может обескураживать, когда все, что вам нужно, — это проявить некоторую индивидуальность. Однако со временем эти моменты проявятся, когда вы улучшите свои навыки работы с инструментами для рисования и приобретете больше уверенности.

Вы постепенно начнете замечать сдвиг в том, как вы рисуете, который уходит от оригинального художника и становится немного более уникальным, немного больше похожим на ваш способ рисования.

Кроме того, с искусством действительно нет финишной черты. Это не значит, что у вас есть какой-то грандиозный финальный проект или крайний срок, над которым нужно работать, а потом все готово.

Вы всегда найдете новые идеи и темы для исследования. Всегда есть что попробовать, а это означает состояние постоянной эволюции.

Ни один художник не должен бояться подталкивать себя и экспериментировать, даже если все идет не так, как планировалось.

Заключение

Короче говоря, хотя ваш собственный стиль рисования сейчас может показаться недосягаемым, он уже существует.

Если у вас есть терпение и целеустремленность, чтобы посвятить себя своему делу, а также способность позволить себе экспериментировать, вы обнаружите, что ваша работа развивается.

Начните работу с работ известного художника, которым вы восхищаетесь, чтобы сдвинуть с мертвой точки.

Поиграйте с их стилями и изображениями и подумайте, почему вы хотите им подражать.

Со временем вы сможете записывать в альбом для рисования все, что вы узнали о своих героях, о себе и своем искусстве.

Позвольте этой книге расти за счет этюдов, каракулей и незаконченных работ, пока вы оттачиваете свою личность. Самое главное, никогда не прекращайте играть и никогда не недооценивайте свой потенциал.

Как найти свой художественный стиль: 14 правил

Вы слышали, как художники говорят о поиске своего художественного стиля, но что такое фирменный стиль и как вы его находите?

У всех разные представления о том, что такое художественный стиль. В простейшей форме это узнаваемый способ рисования или рисования — способ, который сообщает зрителям, что произведение искусства принадлежит вам. Это ваш художественный отпечаток.

Ваш стиль может состоять из предметов, которые вы рисуете, независимо от того, рисуете ли вы реалистично, абстрактно или что-то среднее между ними.Это также может быть о ваших пометках, среде и цветовой палитре, которые вы используете, и о том, какое сообщение (если есть) вы передаете с помощью своего искусства.

60-дневный эксперимент

Я устал слышать, что стиль — это таинственная вещь, которая появится после многих лет творчества. Я знал, что это не должно быть настолько непонятным, поэтому я задумал найти свой фирменный стиль.

Я провел 60-дневный эксперимент, чтобы раскрыть свой стиль. Приложив сознательные усилия, смогу ли я создать искусство, которое я люблю — и это, несомненно, мое?

Плейлист: Найдите свой эксперимент в художественном стиле

Я начал со сбора изображений художников, которыми я восхищался, и анализа того, что мне в них нравилось.Затем я систематизировал части своей собственной работы и повторил процесс. Параллельно я читал статьи и проходил курсы по поиску своего художественного стиля.

Но главное, что я сделал помимо этого, — это сделал лот произведений искусства.

Были времена, когда я чувствовал разочарование, потому что мне казалось, что я двигаюсь назад и создаю плохое искусство, а не прогрессирую. В моей голове тоже происходила драка. Битва полуабстрактных лиц, на которой я должен был сосредоточиться, со странными персонажами, которые продолжали появляться в моих альбомах.Но с некоторой настойчивостью я прорвался.

Испытайте себя, соблюдая эти 14 правил, и откройте для себя свой фирменный стиль. Вы можете удивить себя.

Как найти свой художественный стиль

Один из ключей к поиску своего стиля — заниматься искусством. Только приложив много усилий, вы сможете отточить свои навыки и понять, что вас движет.

Ключ к созданию большого количества произведений искусства — это находить способы сохранять мотивацию.Это может быть как выделение определенного времени каждый день для творчества, так и обещание себе награды, когда вы заполните свой альбом для рисования.

Упростите себе создание произведений искусства. Если можете, оставьте свои художественные материалы в своем художественном пространстве или положите альбом для рисования рядом с тем местом, где вы сидите и смотрите телевизор. Чем меньше у вас сопротивления, тем лучше.

Не бойтесь экспериментировать со своим искусством и расширять свой опыт, прежде чем сузить фокус.

Возможно, вы отказались от чего-то, что могло оказаться тем, что вам нравится. То, что вы любили рисовать здания акварелью, еще не значит, что вам это понравится сейчас. Вкусы меняются, и это нормально.

Запишитесь на курс или семинар, чтобы еще больше расширить свой опыт. Иногда крупица идеи, которую вы усвоили на курсе, может дать толчок новым способам работы, о которых вы даже не догадывались.

Соберите коллекцию произведений искусства.Вы можете сделать это, создав доску Pinterest или физически разместив ее где-нибудь. Я прикрепил свой к доске объявлений.

Возьмите блокнот и запишите, что вам нравится в своем искусстве. Есть ли какое-то конкретное произведение, которое вам понравилось создавать, вам нравятся цвета или то, как вы использовали линии? Эти маленькие подсказки могут стать частью вашего будущего художественного стиля.

После того, как вы потратили некоторое время на эксперименты со своим искусством, пришло время сузить фокус.Решите, что, по вашему мнению, может быть «вашим делом». Это может быть то, что вы собираетесь сосредоточиться на пейзажной живописи, абстракциях или животных, или вы можете сосредоточиться на определенной среде.

На этом этапе может быть действительно полезно поставить себе творческий вызов или присоединиться к уже существующему, которое соответствует вашим целям. Заявите, что вы собираетесь заниматься «своим делом» в течение 30 дней.

По прошествии 30 дней переоцените, а затем продолжите, или, если это не сработает, поставьте перед собой новую задачу.Я никогда бы не осознал, насколько мне нравится рисовать лица, пока не принял участие в задаче по рисованию лиц.

Соберите работы художников, которые вас вдохновляют, и создайте доску Pinterest, содержащую до 20 произведений вашего любимого искусства. Когда вы выбираете, на что влияют, убедитесь, что эта работа каким-то образом связана с типом работы, которую вы хотите создать. Если вы любите работать маслом, не выбирайте работы любимого акварелиста, если только они не из-за их цветовой палитры или чего-то, что может вдохновить вас на собственные работы.

Меня вдохновил Джонатан Твингли, которого я открыл для себя через Sketchbook Skool. Он создает массу рисунков, затем вырезает их и собирает заново.

Точно так же, как вы анализировали свою собственную работу, сделайте то же самое со своими любимыми художниками. Что вам нравится в их работе? Он свежий и чистый или темный и капризный? Использует ли он очертания или мягкий, с плавными переходами друг в друга?

Запишите элементы, которые вам нравятся в каждом произведении, и подумайте, как вы могли бы включить их в свою работу.Это не означает их буквальное копирование, хотя некоторым нравится делать это в качестве упражнения. Вместо этого это означает брать идеи из нескольких разных источников и объединять их в свою собственную работу.

Pivoting говорят в деловом мире, но это важно и в мире искусства. Повернуть означает просто изменить направление, если что-то не получается.

Так что, возможно, вы начинали рисовать пейзажи, но потом поняли, что больше всего вам нравятся вода и отражения.Позвольте этому стать вашим новым фокусом, если вы считаете нужным. Однако не переключайтесь постоянно, иначе вам никогда не удастся сфокусироваться на поиске своего художественного стиля.

В моем эксперименте я создавал абстрактные лица, но меня это расстраивало, поскольку в моем альбоме для зарисовок продолжали появляться маленькие персонажи. Мне казалось, что это были две мои страсти, но они хотели соревноваться друг с другом. В конце концов, у меня возникла идея, что их можно совместить.

Вы можете ускорить поиск своего художественного стиля, следуя этим правилам, но у каждого человека будет своя временная шкала в зависимости от времени, которое у них есть.

Не ругайте себя, если через пару месяцев вы не нашли свой стиль. Вы будете намного впереди, чем тот, кто не вложил в это целенаправленной энергии,

Легко попасть в кроличью нору, создав то, что, по вашему мнению, понравится другим людям или что они купят, но если вам это не нравится, оно того не стоит.

Не думайте, что вам нужно использовать определенные среды, потому что именно так создают «настоящие художники».У меня было замешательство, что мне нужно было использовать краску, когда меня всегда тянуло к сухой среде. В конце концов, я понял, что должен творить так, как мне кажется правильным.

Если вы серьезно относитесь к поиску своего стиля, вам необходимо поработать. Я уже упоминал, насколько полезными могут быть творческие задачи, но также подумайте о присоединении к художественным группам, как местным, так и Skoolyard.

Расскажите участникам группы о проектах, над которыми вы работаете, и о том, что они включают.Также подумайте о поиске ответственного партнера. Это может быть друг, который пытается сделать что-то подобное. Регулярно общайтесь с ними, дайте им знать, как вы продвинулись, и наоборот.

Критика со стороны других может быть действительно полезной, особенно если они намного опередили вас в своем творческом пути. Они могут быстро определить, где ваша картина не совсем работает. Однако важно также отвергать критику.

То, что одному человеку не нравится то, что вы создали, не означает, что кому-то это не понравится. В этом красота искусства.

По мере продвижения просматривайте свои последние работы, как ученый. Что работает и что вам понравилось?

Решите, что делать дальше. Работая над своим экспериментом каждую неделю, я оглядывался на то, что я создал, и решал, над чем мне работать на следующей неделе.

Художественный стиль постоянно развивается. Даже когда вы дошли до того момента, когда почувствуете, что ваша работа явно похожа на вашу, вы все равно почувствуете необходимость слегка подтолкнуть ее в разные стороны. Это не обязательно означает огромные изменения, это просто корректировки и мини-эксперименты.

Если вам кажется, что вы сбились с курса, возможно, потребуется повторить процесс и вернуться к руководству, пока вы не почувствуете себя более комфортно с тем, что вы создаете.

Один из самых важных элементов в поиске своего художественного стиля — получать удовольствие от процесса. Чем больше вам это понравится, тем больше вы захотите создать больше, что будет способствовать продвижению к вашей цели.

Приложив немного внимания и сознательных усилий, вы найдете свой фирменный стиль. Вы можете не осознавать, что уже прошли часть пути! Продолжайте работать и развивайте свой любимый стиль.

О НАС: Тара Роскелл — графический дизайнер / художник, которая заново открыла для себя любовь к рисованию от руки несколько лет назад после участия в творческих испытаниях.Вместе с подругой-художницей Сандрой Басби она создала Kick in the Creatives , веб-сайт, подкаст и группу в Facebook, поощряя других к творчеству, принимая участие в творческих задачах.

Как найти свой художественный стиль

Если бы вас попросили составить список ваших любимых художников, скорее всего, вы сможете объяснить небольшие причуды или творческие решения, которые они приняли, которые повлияли на вас. Возможно, вы даже пытались воссоздать эти стили в своих изделиях.

Но разве оттачивание стиля — чужого или собственного — достижимая цель? Или это противоречит твоему развитию как художника? Ответы зависят от того, как вы хотите работать, и чтобы во всем разобраться, вам нужно прислушаться к своим инстинктам. В этой статье рассказывается, как разные художники разработали «внешний вид».

Для получения дополнительных советов по оттачиванию своего искусства ознакомьтесь с нашим руководством по освоению различных художественных техник и нашим обзором руководств, в которых изучается, как рисовать что угодно.

Различные факторы способствуют развитию стиля. Для иллюстратора фэнтези Джамилы Кнопф все это можно проследить до первого просмотра «Сэйлор Мун». «В ту минуту, когда появилось это вступление, я была полностью очарована», — объясняет она. «Для моего пятилетнего« я »цвета, стиль, история, сцены трансформации — все было идеально. С тех пор я рисовал фан-арт« Сэйлор Мун »без остановки и пытался подражать этому стилю.

Сегодня Кнопф описывает ее работу как вызывающую «чувство чуда и ностальгии», что звучит как подходящий способ продолжить ее формирующий опыт аниме. «Я использую цвета, которые далеки от реалистичности, и поэтому они создают больше мечты. как, альтернативная реальность ».

Внештатный иллюстратор Тони Инфанте испытал аналогичный опыт при открытии манги.« Драконий Жемчуг, вероятно, был первым, кого я наткнулся », — говорит он.«Вид этих могущественных персонажей со странными волосами действительно произвел на меня впечатление. Я думаю, что все еще легко увидеть влияние писателя и иллюстратора Dragon Ball Акиры Ториямы на мой стиль, который включает в себя множество динамичных форм и углов».

Варианты карьеры

Значит, уважение к вашему влиянию может привести к вашему стилю, но может ли ваш стиль привести к работе? По словам Кнопфа, фирменный стиль может как открывать, так и закрывать двери для потенциальных проектов. «Если вам нравится быть хамелеоном, вся власть вам! Это действительно может быть здорово, когда вы работаете над разными постановками, требующими смены стиля», — говорит она.

«Но наличие стиля, который узнают люди, также имеет свои преимущества. Потому что вас нанимают для того, чтобы привнести свой уникальный голос в проект. Для меня фирменный стиль был моим путем. Я так счастлив, когда люди говорят мне, что они видели мою иллюстрацию и узнали стиль. Когда я пытался работать как художник Magic: The Gathering, я никогда не получал подобных комментариев, потому что все, что я делал, это пытался имитировать стили других людей ».

Для иллюстратора, концептуального художника и художника комиксов Дэйва Рапозы лучше не переоценивать свой подход и свое положение в индустрии, когда дело касается стиля.«Вы всегда будете смотреть, что делают другие, чтобы выделиться, и в конечном итоге будете сравнивать свою работу с их работой, что может быть очень вредным для вашего развития», — говорит он.

«Когда вы счастливы, делая то, что делаете, люди определенно могут это сказать. И если ваш стиль также является вашим собственным благодаря плавильному котлу всех ваших влияний, тогда вы получите работу. Не беспокойтесь о попытках соответствовать в — всегда есть такие, как вы, во всех отраслях «.

Работа с критикой

Следование своим вдохновением может привести к конфликту как художественных, так и профессиональных интересов.Некоторые стили подвергаются критике со стороны других создателей, что в случае с Кнопфом заставило ее почувствовать разочарование и неуверенность в своих способностях. «Сколько я себя помню, все пытались выбить из меня мое аниме-влияние», — признается она. «Я продолжал пробовать разные стили, которые, как мне казалось, были от меня ожидаемыми и которые были в самом деле« артистичными », но я никогда не останавливался ни на чем».

После нескольких лет изучения различных стилей вдали от взглядов своих учителей, Кнопф решила вернуться к тому, что сейчас является ее нынешним стилем.«С тех пор я получаю гораздо больше удовольствия от своей работы».

Аниме и манга, в частности, кажутся восприимчивыми стилями. Учитывая, что мир более связан, чем когда-либо, Infante не удивлен, что это популярные стили, хотя это не означает, что создатели могут полностью полагаться на них. «Я думаю, что если кто-то подражает определенному стилю или художнику, ничего не добавляя, он не честен с самим собой», — говорит он.«Творческие вещи происходят из-за сочетания влияний».

«Манга — это художественный стиль, который подвергается критике только в узких кругах этой индустрии», — добавляет Рапоза. «Если вам нравится рисовать в стиле манга, и каждый день вам нравится сидеть и рисовать, тогда вы должны следовать своим инстинктам».

Обрести свой голос

Знать себя и то, что вас волнует, звучит как простой совет, но иногда даже самые уверенные артисты могли бы сделать напоминание, чтобы не сбиться с пути.«Я понял важную вещь: стиль — это не только то, как вы рисуете, но и то, что вы рисуете», — говорит Кнопф. «Часто вам достаточно открыть альбом для рисования и посмотреть, что вы делаете, когда никто не дает вам никаких инструкций — то, что вы рисуете только для себя.

« Если вы полностью заблудились, создайте карту влияния. также может быть полезным упражнением, — добавляет она. — Подумайте об артистах или IP, которые находят отклик у вас, поместите их в сетку и проанализируйте каждого из них. Что вам нравится в этом? Как вы могли бы включить этот аспект в свою собственную работу? »

Рапоза требует меньше методический подход.«Я не думаю, что вы действительно сможете обрести свой голос, не терпя неудач снова и снова и никогда не останавливаясь на комфорте», — говорит он. «Не ограничивайте себя, боясь показать слабость того, что вы делаете. Решите эту проблему и поставьте ее на первый план. Покажите людям, что нужно для достижения вашей лучшей версии себя как художника».

Эта статья была первоначально опубликована в ImagineFX , самом популярном в мире журнале для цифровых художников. Подпишитесь здесь .

Подробнее:

Нарисуй это в своем стиле [ЗАДАЧА ИСКУССТВА]

В этой статье я объясню, что такое Нарисуйте это в своем стиле или просто #dtiys challenge . Если вы когда-нибудь задавались вопросом, как могло бы выглядеть произведение искусства, если бы оно было нарисовано другим художником, то вам стоит принять участие в этом художественном испытании!

Что значит «нарисовать это в вашем стиле»?

Нарисуйте это в своем стиле (сокращенно: DTIYS) — это художественная задача, когда художники рисуют уже существующие произведения искусства, но в своем собственном стиле.
Нет ограничений по инструментам, вы можете использовать как цифровые, так и традиционные медиа, а также нет ограничений по времени. Кроме того, если у вас есть собственные идеи, вы хотите нарисовать персонажа в другой позе, изменить цвета, вы можете это сделать.

Однако могут быть наложены определенные правила.
Обычно, когда художник решает провести конкурс «Нарисуйте это в своем художественном стиле», он / она публикует произведение с хэштегом и объяснением — очень часто с правилами (что разрешено, а что нет).
Некоторые правила, которые я заметил:
— ограничение по времени
— цветовая палитра (вы можете использовать только определенные цвета)
— без отслеживания
— ограничение на количество записей.

Поэтому, если вы решили принять участие в конкурсе, организованном художником, обязательно прочтите описание произведения искусства.
Эту задачу можно комбинировать с другими задачами изобразительного искусства (например, с проблемой цветовой палитры).

При размещении своей работы вы можете включить следующие хэштеги, связанные с Draw this in your style:
хэштеги: #dtiys #drawthisinyourstyle #dtiyschallenge #drawthisinyourstylechallenge #drawinyourstyle

* если это задание проводит художник, используйте его / ее хэштег (вы часто можете найти его в описании произведения искусства)

Сайтов:

Инстаграм ДТИЙС

Твиттер ДТИЙС

* Существует веб-сайт www.drawthisinyourstyle.com — кажется, сайт изначально был посвящен этой задаче, а позже превратился в небольшое сообщество художников. Просматривая этот сайт, я заметил некоторые рисунки, которые не были связаны строго с задачей «Нарисуй это в своем стиле». Также есть много постов с вопросами, которые интересуют пользователей и помогают лучше узнать друг друга.

Несмотря на то, что в названии есть слово «нарисовать», этот вызов также известен в 3D-сообществе.Разница в том, что вместо рисования персонаж лепится в программном обеспечении для 3D.

Оригинальное искусство было создано Lord Gris , 3D-скульптура была создана Coldmocha .

Кто начал Нарисовать это в вашем стиле?

Первоначальным создателем задачи «Нарисуй это в своем стиле» является Marine Vernhes , 27 мая 2018 года она опубликовала задачу, посвященную достижению 3K. Марин имеет опыт в дизайне персонажей и визуальном развитии.Ниже вы можете увидеть оригинальный пост

и некоторые работы других художников с этой иллюстрацией:

Нажмите на изображение, чтобы увидеть больше из них.

Сейлор Мун ДТИЙС

* ОБНОВЛЕНИЕ: Вы можете узнать больше о Sailor Moon Redraw здесь: Что такое Sailor Moon Redraw Challenge?

Есть также модифицированная / очень похожая на DTIYS задача. Описания произведений искусства часто включают хэштеги DTIYS. Но он более известен под хэштегом #SailorMoonRedraw, и я опишу его в другой статье.

#sailormoonredraw Мне нужны причины, чтобы сказать себе, что это не было пустой тратой времени, о боже, что я наделал #trunks #dragonball pic.twitter.com/rXkhPTprak

— 不死 の 野 望 (@f_ushinoyabo) 17 мая 2020 г.

Другие произведения DTIYS

Мой взгляд на ДТИЙС

Слева оригинал , справа перерисованная версия

Я решил попробовать это испытание и перерисовать рисунок моего друга — Violetta_skarb.Она создает потрясающие иллюстрации и дизайны, которые в основном предназначены для печати. Ее художественный стиль идеально подходит для этого, она также создает многие из этих иллюстраций в векторе. Мне было интересно, как бы они выглядели, если бы были созданы в другой технике, с большим количеством теней.

Вы можете ознакомиться с оригинальной версией здесь

Перерисованная версия:

Оригинал:

Пока я исследовал эту проблему, я обнаружил много потрясающих работ.Неудивительно, почему он стал таким популярным, присоединение к нему дает вам шанс, что больше людей откроют для себя ваши работы.

Итак, вот некоторые из моих любимых работ, нарисованных другими художниками. Надеюсь, они вам тоже понравятся — пожалуйста, оставьте большой палец вверх или что-то подобное!

Автор: @Kleahvii. Работы других художников можно посмотреть здесь

Автор: Lyra Rei

Автор: Дженис Сунг

Автор: Ганев Ангел

Работа: Лопутин