На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее
Друзья мои, а вы задумывались над философским вопросом: что первично холст или кисть? Я думаю, что сначала мы выбираем на чем рисовать, а уж затем подбираем инструмент для творчества. А у вас какое мнение?
И если с кистями все более-менее понятно, я даже как-то написала об этом информационную статью, то с поверхностей для живописи оказалось очень много!
Итак, на чем рисует художник, прежде всего зависит от задачи, которая стоит перед ним на данный момент. Если он пишет картину, то скорее всего, выберет холст необходимой фактуры и размера. А если пишет этюд, набросок для будущей работы, воспользуется картоном или бумагой для живописи.
Я рисую натюрморт с вином и скульптуркой на холсте
Если посмотреть вглубь вопроса и копнуть историю, то в качестве основы для живописи художники использовали абсолютно разные поверхности. Например, камень, дерево, металл, пергамент, холст… И можно бесконечно продолжать! Иногда художники рисуют даже на бумажной салфетке! Ну если вдохновение неожиданно посетило!
Мне тут вспомнилась забавная история про художника и бумажную салфетку, за достоверность которой я не ручаюсь.
Возможно, это просто легенда, но право, очень любопытная!
Однажды Пабло Пикассо, уже будучи заслуженным состоявшимся художником, пил кофе в испанском кафе и что-то рисовал на салфетке. Возможно, в этот момент у художника появилась интересная идея, у творческих людей такое случается!
А напротив Пикассо сидела женщина, которая с почтением и интересом наблюдала за ним. Когда художник собрался уходить, его поклонница попросила продать ей салфетку с наброском, заметив, что заплатит за эскиз.
«10 тысяч долларов», — не моргнув глазом назвал цену Пикассо. Женщина возразила: «Как? Всего за 2 минуты, которые вы потратили на рисунок?» На что художник ответил: «Вы ошибаетесь, на этот рисунок ушло более 60 лет»
Вот, оказывается, насколько ценным может быть набросок на бумажной салфетке! Как вы понимаете, это шутка, но в каждой шутке можно найти долю истины.
А теперь вернемся к нашей теме: на чем рисует художник, исторические факты. Вероятно, вы знаете, что знаменитая Мона Лиза Леонардо да Винчи написана на деревянной панели из тополя.
Дерево или деревянная панель для живописи масляными красками использовалась довольно давно. Чаще всего брали тот вид древесины, которая произрастала в данной местности. А еще известно, что древние римские художники использовали деревянные панели из кедра или липы. А западноевропейские писали свои шедевры на досках из тополя, бука или каштана.
Кедровая доска под живопись
Фламандские художники в качестве основы для живописи брали древесину красного дерева и дуба. А русские живописцы использовали свои деревья: сосну, ольху или березу. Кстати, известнейший шедевр Андрея Рублева «Троица» написан на сосновой доске)
В те времена деревянная панель изготавливалась как из цельной древесины, так и могла быть скрепленной или склеенной из отдельных дощечек. И с тех пор ничего не изменилось, в настоящее время тоже популярны картины масляными красками, написанные на дереве или на деревянных дощечках. Тут, как говорится, все зависит от задумки художника, ну или от спроса заказчика.
Из истории возвращаемся к тому, на чем рисует художник в наше время.
В первую очередь, конечно — холст на подрамнике. Холсты бывают разными по материалу изготовления: льняные, коттоновые, синтетические, а также из смесей этих волокон. Так же есть отличия по величине зерна, этот показатель определяет гладкость поверхности для живописи. Подробнее узнать о разных видах холстов вы можете
Я заканчиваю картину на льняном холсте
Хочу добавить, что качественный хост удовольствие не из дешевых, особенно что касается льняных холстов. Но есть же и эконом варианты, о которых я вам сейчас расскажу.
На чем рисует художник картины, если не желает тратиться на дорогие холсты? Вполне можно использовать как поверхность для масла или акрила холст на картоне. Результат точно такой же, не отличишь! А есть еще и плюсы, если художник пишет картину в пастозной технике, то холст на картоне отлично держит массу красок, не деформируясь под их тяжестью.
Пример моих картин / холст на картоне
Я знаю, что существует мнение, что живопись на холсте, это настоящее произведение искусства, без подделок и фальсификаций. А как же тогда все наши мастера, о которых я упоминала ранее, они ж вообще писали на деревянных панелях? Думаю, что возник такой современный стереотип: живопись только на холсте, а все остальное бяка. Но ведь картина несет в себе энергетику художника независимо от того, на чем она написана!
Еще экономнее вариант — писать картины на оргалите или ДВП. Древесно-волокнистая плита, так полностью звучит название этого материала, изготавливается методом горячего прессования. Сырьем для изготовления служат отходы деревообрабатывающей промышленности, целлюлоза или стебли тростника, а также связующее вещество.
Пример моей работы на оргалите
ДВП для живописи продается с грунтом и без него. Еще один приятный бонус: одна сторона ДВП гладкая, а вторая тисненая, очень похожа на переплетение холста.
Если хорошенько загрунтовать рифленую поверхность, то отличить её от настоящего холста практически невозможно.
Рождение парусника мастихином на ДВП
Если вы новичок и стоите перед выбором на чем рисовать начинающему художнику
Только не впадайте в комплексы, профессиональные художники тоже рисуют на картоне! Да, он недолговечен, но от этого результат работы не становится хуже
На чем рисует художник картины и этюды или как выбрать картон для живописи:
- художественный картон отличается плотностью, она должна быть около 1000г/м2
- картон для рисования может быть с грунтом или без него
- грунтованный картон для живописи бывает одно и двухсторонний
На чем рисует художник, если надо разработать эскиз картины?
Есть также художники, что пишут этюды и даже картины на упаковочном плотном картоне.
Это такой твердый проклеенный картон, который можно загрунтовать и применять для живописи маслом. К примеру, если надо разработать эскиз для будущей картины или попрактиковаться в написании какого-либо объекта необязательно использовать холст.
Если вы хотели бы продать свою работу/ экскиз, то лучше предлагать покупателю не картон в чистом виде, а холст на картоне. Он легче по весу и отправить его получиться дешевле)
Мои цветочные миниатюры мастихином/ холст на картоне
Кстати, такие мини холстики я делаю сама, они отлично подходят под живопись мастихином!
Друзья, за несколько лет я написала более 100 статей с видео. Не стесняйтесь читать статьи, ведь они написаны для вас)) Для удобства в поиске они собраны по тегам:
Масло
Акрил
Холст
Арт своими руками
Современная живопись
Фитнес для мозга
Остальные Теги по статья вы можете найти с правой стороны на сайте
Еще для обучения живописи маслом новичку отлично подойдет и специальная бумага для масла и акрила.
Как выбрать бумагу для живописи:
- почитать маркировку, «бумага для масляной живописи», именно так должно быть написано
- обратить внимание на её плотность, она должна быть не менее 300г/м2
- рекомендуется выбирать бумагу для живописи с рельефной текстурой, напоминающей холст
Напоследок хочу заметить, что в творчестве не главное на чем рисует художник. Куда важнее настрой, желание и вдохновение!
Мое видео — Как я рисую большие картины на примере одной из них
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
Как рисуют художники с дальтонизмом — Жизнь на DTF
«Ты болен и не должен рисовать.
Почему ты продолжаешь пытаться?»: художники-дальтоники о том, как они добиваются успехов вопреки особенностям зрения.
12 976 просмотров
Работа Пола Канавана — художника с дальтонизмом Источник
Что такое дальтонизм?
Дальтонизм или цветовая слепота — это наследственная или приобретённая особенность человеческого зрения, которая влияет на восприятие цвета. Нарушение назвали в честь Джона Дальтона, который в 1974 году первым описал одну из разновидностей цветовой слепоты, целиком опираясь на собственный опыт.
Для людей с дальтонизмом в повседневной жизни обычные вещи могут стать проблемой. Например, покупка свежих фруктов и овощей, считывание сигналов светофора. Ещё хуже приходится художникам, особенно тем, которые работают с цветом.
Я изучал искусство в школе, но, думаю, уже тогда пытался скрыть свой недуг. Я много раз хотел бросить рисовать. Процесс казался слишком сложным, а у меня в голове засел голос.
Он говорил: «Ты болен и не должен быть художником. Почему ты продолжаешь пытаться, вместо того, чтобы стать шеф-поваром или ещё кем-то?»
Пол Канаван
, художник с дальтонизмом
Причины и виды дальтонизма
Самая распространенная причина дальтонизма — неправильное развитие глаз. Если упрощать, то можно пояснить так: в сетчатке наших глаз есть специальные рецепторы — палочки и колбочки. Последние, согласно одной из теорий, чувствительны к трём цветам: красному, зелёному и синему, которые при смешении дают возможность получить любой другой оттенок. Дальтонизм возникает при повреждении одного или нескольких наборов колбочек.
Чаще дальтонизмом страдают мужчины. Всё из-за того, что передача цветовой слепоты по наследству связана с Х-хромосомами. У женщин две Х-хромосомы, и дефект в одной из них компенсируется другой. У мужчин же набор хромосом — XY, и в случае получения дефектного гена компенсировать его нечем.
Также дальтонизм может появиться в результате повреждения мозга, глаз или зрительного нерва.
Цветовое восприятие при разных типах дальтонизма
Красно-зелёный дальтонизм — самая распространённая форма, следом идёт сине-жёлтый дальтонизм. Самый редкий вид — полная цветовая слепота, при которой человек не воспринимает цвета вообще. Весь мир для таких людей — чёрно-белый.
Великие дальтоники
На основе анализа картин художников-классиков специалисты выдвигают теории о том, что некоторые мастера страдали дальтонизмом. Например, наличие цветовой слепоты предполагают у Врубеля и Ван Гога из-за специфики их художественной палитры.
Картина Михаила Врубеля — «Царевна-Лебедь»
С возрастом цветовое восприятие нарушилось и у Ильи Репина. В 1913 году иконописец Абрам Балашов проник в Третьяковскую галерею и изрезал картину «Иван Грозный и сын его Иван». Реставрировать полотно пригласили самого Репина.
По воспоминаниям художника Игоря Грабаря, тот нарисовал голову Грозного «в какой-то неприятной лиловой гамме, до ужаса не вязавшейся с остальной гаммой картины». Работу остановили, свежие мазки сняли, и реставрацию продолжили другие специалисты.
Илья Репин — «Иван Грозный и сын его Иван» Источник
А Виктор Чижиков, художник журнала «Мурзилка» и создатель Олимпийского Мишки для Олимпиады-1980, всю жизнь рисовал по пронумерованной палитре.
Тот самый Олимпийский Мишка
Как дальтонизм влияет на карьеру современных художников
Художники-иллюстраторы Пол Канаван и Бэн Цвайфель с детства плохо различают цвета.
Иллюстрация Пола Канавана для Magic: The Gathering Источник
Пол работает иллюстратором и арт-директором уже 12 лет, он успел посотрудничать с Wizards of the Coast, издателем Magic: The Gathering и Dungeons & Dragons, принять участие в создании AAA-синематиков для Destiny 2 и Guild Wars 2.
Я часто сидел в одной комнате с ведущими художниками и режиссёрами. Слушал, как они сомневаются в моём выборе цвета. Так бывало, когда я случайно красил солнце в зелёный и неуверенно оправдывал своё «решение».
Пол Канаван
, художник-дальтоник
Бэн Цвайфель рисовал для игр BattleTech, Humblewood и создавал обложки для книг издательства Orbit.
Я тоже дальтоник, по крайней мере, так мне говорили с юных лет. Я прошёл тест Ишихары (тесты с цветными точками, где нужно видеть форму, букву или число — прим. автора). Я смутно помню, как мне говорили, что тест повлияет на мою жизнь, может быть, я даже не смогу пройти отбор на профессию пилота или проводника поезда. Поэтому я выбрал профессию, которая не требует точного восприятия цвета. Я стал художником!
Бэн Цвайфель
, художник-дальтоник
Пол с трудом различает зелёный, синий и жёлтый цвета, а у Бэна проблемы с восприятием оттенков красного и зелёного.
Иллюстрация Бэна Цвайфеля Источник
Художники даже подготовили специальную серию изображений на примере картины Джона Сингера Сарджента «Гвоздика, лилия, лилия, роза», чтобы показать, как они видят цвета. Бэн пропустил изображение через специальную программу.
1. Оригинал. 2. Протаномалия (нарушение восприятия красного цвета). 3. Дейтераномалия (нарушение восприятия зелёного цвета). 4. Тританомалия (нарушение восприятия синего цвета). Картинка в большем размере вот тут
Бэн сделал специальный цветовой круг, на котором отметил сложные для его восприятия цвета: белым помечены те, которые он практически не видит, чёрным — которые воспринимает, но не очень ярко.
Тот самый цветовой круг
Бэн отмечает, что если он верно разобрался с тоном в работе и его цвет не выбивается из контекста остальной картины — он не переживает о цветовых нюансах. В целом художник доверяет своему чувству цвета и старается рисовать естественно, но всё равно часто сверяется с цветовым кругом.
Пол же советует использовать кое-какие «хитрости» — и не упрекать себя за это.
Один из самых важных уроков для меня заключался в том, чтобы не слишком себя корить за «жульничество». Выбор цвета пипеткой с референсов мне необходим — даже просто для проверки, что я делаю всё правильно. Иногда я беру цветовые схемы с картин классиков и сохраняю их в качестве образцов для использования в будущем.
Пол Канаван
, художник-дальтоник
Ещё один приём — показывать работы человеку, у которого нет проблем с цветовым восприятием. Пол старается отдать рисунок на проверку другу, прежде чем отправить его клиенту. Правда, это не всегда возможно.
Мои родители — графические дизайнеры и иллюстраторы. Я рос в окружении искусства и ни о чём не подозревал, пока не стал изучать цвет. В начале своей карьеры я иногда сдавал работы, в которых было слишком много зелёного или агрессивно-красного.
[…] Большинство арт-директоров, с которыми я регулярно работаю, знают, что я дальтоник. После того, как я сдаю работы, часто прошу немного подправить цвет.
Бэн Цвайфель
, художник-дальтоник
А иллюстратор детских книжек Лорен Лонг (рисовал для книги Of Thee I Sing Барака Обамы) во время работы пользуется пронумерованными тюбиками с красками и располагает цвета на палитре в определённом порядке. Каждый номер привязан к конкретному цвету. Как говорит сам художник, номера помогают ему держаться заданного направления и не изображать листья на деревьях, например, коричневыми.
Иллюстрация Лорена Лонга Источник
В детстве, когда Лорену поставили диагноз дальтонизм, врач сказал, что ему уже не стать художником.
Помню, как мы с мамой сели в машину, и по моему лицу потекли слезы. «В чём дело, Лорен?» — спросила мама.
А я сказал: «Врач говорит, что я никогда не буду художником». Мама схватила меня за колено, не отвлекаясь от руля, и стиснула зубы: «Лорен, твои рисунки прекрасны. Не позволяй никому говорить, что ты не можешь быть художником!»
Лорен Лонг
, художник-дальтоник
Очки для дальтоников
Художник и скульптор Дэниел Аршем не может различать красные и зелёные оттенки. В 2015 году ему подарили экспериментальные очки, созданные для того, чтобы люди с дальтонизмом могли видеть цвета. Линзы очков не возвращают способность видеть разные оттенки, но хитро симулируют их.
Я просто провел много времени, глядя на траву.
Дэниел Аршем
, художник-дальтоник
Раньше Аршем фокусировался на оттенках серого и много внимания уделял текстурам предметов и окружения, стараясь тем самым компенсировать нехватку цвета.
Работа Дэниэла Аршема Источник
После того, как Аршам надел очки, он стал часто работать с насыщенным цветом в разных сочетаниях. Его последняя работа — розовый сад камней.
Работа Дэниэла Аршема Источник
Несмотря на то, что с этими очками я могу видеть больше цвета, остаётся вопрос: вижу ли я то, что видят другие люди? Это открывает простор для размышлений об объективности и цвете.
Дэниел Аршем
, художник-дальтоник
Другой пример — фотограф-дальтоник Кэмерон Бушонг. Он не различает оттенки красного и зелёного.
Фото Кэмерона Бушонга Источник
Кэмерон тоже использует специальные очки, однако в первую очередь фотограф полагается на внутреннее чутьё и всё равно продолжает работать с цветом. В том числе — с красным.
Я не скучаю по цвету
Джин Ким — аниматор в студии Disney. У него нет художественного образования: на родине в Корее Джину отказали в поступлении из-за дальтонизма. Он выучился на экономиста, но всё равно много рисовал в свободное время, в итоге сделав это своей карьерой.
Сперва Джин создавал памфлеты и постеры для газеты, потом получил работу в местной анимационной студии. Позже он попал в Disney и стал рисовать чёрно-белые скетчи — создавал персонажей для мультфильмов «Холодное сердце», «Город героев», «Моана», «Рапунцель» и не только.
Иллюстрация Джина Кима для мультфильма «Моана» Источник
Джин не считает свою красно-зелёную слепоту помехой.
У всех есть свои слабости. Работа аниматором будто специально была создана для меня. Многие художники любят использовать цвет, но аниматоры в основном создают чёрно-белые скетчи для разных сцен.
Джин Ким
, аниматор
Художник и преподаватель Питер Милтон тоже не стал расстраиваться, когда ему в детстве поставили диагноз «дальтонизм».
Вместо попыток работать с цветом он сосредоточился на гравюрах и работе в чёрно-белых тонах. Отсутствие цвета художник решил компенсировать динамикой, образами, детализацией, отсылками и высокой насыщенностью кадра.
Чаще всего Милтон берет за основу чужие картины или фотографии, расширяя концепции оригиналов и поднимаемые темы. Например, его гравюра «Mary’s Turn» была вдохновлена фотографией Гертруды Касебье 1908 года с девушкой, играющей в бильярд.
Гравюра Питера Милтона. По задумке автора, художница играет в бильярд, а персонажи её картин собрались вокруг, чтобы посмотреть Источник
Милтон в гравюре заменил девушку на художницу Мэри Кассат, а бильярдные шары нарисовал висящими в воздухе, чтобы передать динамику. Также Милтон нарисовал на стенах картины самой Кассат и Эдгара Дега.
Я не скучаю по цвету. Нет ничего плохого в недуге. Я использую это слово, потому что оно очень сильное. Именно недуг может помочь вам сделать важный выбор, когда того будет требовать конкретный момент.
Питер Милтон
, художник-дальтоник
Текст написал Владимир Шумилов, автор в Smirnov School. Мы готовим концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придёте к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.
Выводы по рисованию: художники рассказывают нам, почему они рисуют
7 окт. 2021
Жизнь / Артикул
От предварительных набросков до полномасштабных готовых работ рисунок является жизненно важной частью художественного процесса. Четырнадцать художников объясняют, что это значит для них
Мэри Герберт, Проходящий, 2021 Тихое царапанье карандашом по листу бумаги, вероятно, будет первой точкой входа ребенка в создание чего-то, что можно было бы назвать искусством. В своей урезанной простоте рисунок является наиболее доступным из средств, требующих немного больше, чем желание делать наброски и открытость для экспериментов.
Для многих художников рисунок может служить подготовкой перед началом окончательной работы, но сам по себе он также является мощным инструментом. От комиксов до нарисованных от руки анимаций, от настенных росписей в масштабе комнаты до личных размышлений в альбомах для рисования — рисование — это и начало, и конец творческого процесса.
Отмечая многогранность рисунка, мы попросили художников поразмышлять о нем своими словами, раскрывая свое личное отношение к карандашу и странице.
Эмма Талбот, Интерьер Звуки, издаваемые камнями, 2021Британская художница, работающая в различных средах, от рисунка и живописи до скульптуры и иммерсивных инсталляций. Прочитайте интервью Elephant здесь
Рисование — это открытое и экспериментальное пространство, которое действительно составляет основу всего, что я делаю. Когда я говорю рисунок , это больше о том, насколько немедленным и исследовательским является это действие, чем о чем-то, определяемом его материальностью.
Я могу использовать кисть и акварель на бумаге или сделать 3D-объект из ткани или других физических материалов, которыми я могу управлять вручную.
Я использую постоянную практику рисования, чтобы понять, о чем я думаю, записать опыт и отработать способы изображения неосязаемых идей. Нет определенного или ожидаемого результата, и это действительно важно для меня.
Мэри Герберт, Бормотание, 2021Художник из Лондона, работающий на стыке рисунка, живописи и гравюры. Прочтите описание Elephant здесь
Для меня рисование — это прямой путь к работе, и речь идет о прикосновениях. Это свободное пространство, где я могу бродить. Мне нравятся простые способы рисования: для начала не нужно многого, и это не должно чем-то становиться. У меня есть блокнот, в котором я делаю небольшие эскизы карандашом, которые действуют как окна, через которые я могу пролезть, чтобы сделать более сложные рисунки или картины, добавляя цвет и справочные изображения.
За последний год я провел серию исследований по фотографиям вещей, которых мы не можем коснуться, таких как радуга, радужная оболочка глаза, рентгеновские лучи. Я не осознавал этого в то время, но я думаю, что их рисование было способом проникнуть в иллюзии, прикоснуться к вещам, к которым ты не можешь прикоснуться физически.
Твитнуть это
«Рисование — это свободное пространство, где я могу побродить» — Мэри Герберт.
Художник греческого происхождения, работающий в области живописи, рисунка и печати. Читать Слон , интервью здесь
Мои картины очень организованы, очень спланированы, и по мере их создания я репетирую их снова и снова, пока образ и идея не откроются мне. С рисованием я никогда особо не планирую. Мое выступление основано на импровизации, спонтанности и действии. И в отличие от картин, обладающих неким гипнотическим эффектом, я хочу, чтобы мои рисунки обладали взрывной энергетикой.
Британский художник, работающий в основном с керамикой и инсталляцией. Читайте интервью Элефанта здесь
Рисование — это способ, которым я реализую все свои идеи. Я неделями размышляю над концептом в голове, меняя альтернативные идеи, пока не сложатся нужные комбинации, а потом создаю ужасный набросок в своем молескин… У меня около 30 книг, наполненных этими полускульптурами, инсталляциями и картинами. Мне ужасно стыдно за них!
Тойин Оджих Одутола, Ухаживание из теории противодействия, 2019. © Тойин Оджих Одутола. Предоставлено художником и галереей Джека ШейнманаНигерийский современный художник-американец, известный мультимедийными рисунками и работами на бумаге. Прочитайте интервью Слона здесь
Для меня рисование — это форма путешествия. Картинка представляет собой карту для открытия. Я могу начать с узнаваемой точки — фотографии, воспоминания, вопроса — но это только предварительный набросок.
Как только я начну рисовать, я должен пренебречь этими лесами, чтобы не знать поверхность, знаки и, самое главное, свои намерения. Если я открыт тому, куда меня ведет, рисунок расцветает. Всякий раз, когда я настаиваю на том, что это должно быть, предполагая, что я знаю способ, рисунок сжимается в нечто меньшее, чем то, чем он мог бы быть.
Рисование — это внутренняя тяга и тяга ожиданий. Вы можете думать, что вы осторожный навигатор, но если иллюзия не имеет первостепенного значения, она не способна расширить территорию, которую вы можете исследовать. И кто включен, чтобы присоединиться к поездке с вами.
Твитнуть это
«В рисовании я никогда ничего не планирую. Мое выступление — это импровизация, спонтанность и действие», — София Мицола.
Ана Бенароя, Something Sour Something Sweet, 2021Родившийся в Нью-Йорке художник, иллюстратор и автор. Читать Слон здесь
Рисование для меня было моим входом в искусство.
Это возвращает меня к тому времени, когда я был маленьким ребенком, рисовал в своем альбоме, лежал на кровати и слушал радио. Это волшебное одиночество, когда я был только в своей комнате и мог жить в своем воображении. Рисование возвращает меня к этому чувству и к тому, почему я влюбился в искусство.
Японский художник из Лондона. Читать Слон особенность здесь
Я часто что-то рисую акварелью или карандашами подсознательно и не знаю, что рисую, пока делаю это. Я рисую интуитивно все, что приходит на ум, или то, что находится передо мной. Я выбираю цвета и формы быстро и интуитивно, и когда все готово, я удивляюсь тому, что нарисовала. Рисование — это запечатление исчезающих вещей, таких как воспоминания и ощущения объектов. Это помогает мне чувствовать себя ближе к вещам, которые я рисую, а не просто смотреть на них.
Шара Хьюз, «Турбулентность», 2020. Предоставлено художником и американской художницей Пилар Корриас из Бруклина.
Прочитайте интервью Elephant здесь
Рисование для меня — это место, где я могу отдохнуть и позволить проявиться самой игривой стороне себя. Я рисую, когда нахожусь в отпуске или дома, вдали от студии, поэтому я не чувствую никакого давления, связанного с исполнением. Материалы, которые я использую в работах на бумаге, позволяют композициям и цветовым сочетаниям быть немного более прямыми, чем живопись; Мне нравится честность, которую допускает эта прямота.
Твитнуть это
«Это возвращает меня к тому времени, когда я был маленьким ребенком, рисовал в своем альбоме, лежал на кровати и слушал радио» Айя Бенаройя
Элли МакГарри, Диско-рисунок, 2021 г.Выпускница Университета Лидса и Школы изящных искусств Слэйда, работающая в области живописи и керамики. Прочитайте интервью Elephant здесь
Хотя рисование всегда в некотором роде необходимо для моей практики, то, как я его использую, меняется.
В настоящий момент времени, которое я трачу на рисунок, как правило, мало: это больше похоже на запись, запись, чем на трудоемкий процесс. Но без этих срочных заметок я мог потерять важные, но иногда мимолетные мысли или идеи для картин.
Кажется, что в данный момент рисование работает как продолжение набросанных слов, но я жажду следующей интенсивной фазы рисования, в которой я мог бы провести много времени с кучей бумаги и углем, втирая облака в бумагу. большим пальцем.
без названия, 2021. Предоставлено галереей Нино МиерИранский художник из Чикаго. Прочтите описание Elephant здесь
Рисование — неотъемлемая часть моего процесса. У меня всегда есть история, прежде чем я начну новую картину, и рисунок позволяет мне изобразить самую суть моего предмета. Это пробуждает мое воображение и помогает мне думать образами.
Твитнуть это
«Рисование для меня — это место, где я могу отдохнуть и позволить проявиться самой игривой стороне себя» — Шара Хьюз.
Художник, работающий между Лондоном и Лос-Анджелесом в области печати, видео, перформанса, звука, скульптуры и инсталляции. Прочтите статью о Слоне здесь
Чтобы перейти к делу, я люблю рисовать. Я одержим этим. Я люблю рисовать, люблю чужие рисунки, люблю каракули, люблю наброски для других работ, люблю гравюры и иероглифы, люблю рисунки в галереях Big White Cube, люблю наскальные рисунки, люблю эти сексуальные причудливые рисунки в поля средневековых текстов, я люблю коллажи и гравюры, скульптуру и моду, включающую рисунок, я люблю рисунки людей, которые утверждают, что они ужасно рисуют. Я просто чертовски люблю рисовать!
Рискуя показаться более безразличным, чем я уже делаю, я чувствую себя ближе к себе, когда рисую, и я чувствую себя ближе к другим людям, когда смотрю на их рисунки. Я думаю, что она одновременно такая простая и личная, и по своей сути такая человечная и приземленная, и в то же время такая серьезная, возвышенная и важная среда не только для меня, но и для разных культур и всей истории.
Мне нравится, что каждый может и делал это в какой-то момент своей жизни по бесчисленным причинам или вообще без причины. Это было и всегда будет одной из причин, по которым я люблю смотреть и создавать искусство.
Твитнуть это
«Я чувствую себя ближе к себе, когда рисую, и я чувствую себя ближе к другим людям, когда смотрю на их рисунки», — Грей Велебински.
Эрика Эйрес, Ванесса, 2020Канадская художница, живущая в Глазго, работающая в области скульптуры, видео, рисунка и живописи. Прочитайте интервью Слона здесь
Мне трудно сказать, почему рисование так важно для меня, потому что это то, чем я занимался всю свою жизнь, по крайней мере, сколько себя помню. В детстве я разговаривал сам с собой, когда рисовал и сочинял истории. Я полагаю, что я все еще делаю это в некотором роде. Рисование — идеальное средство: оно происходит мгновенно и не требует больших затрат. Вам просто нужен карандаш или что-то еще и поверхность.
Это один из аспектов моей практики, который мне наиболее удобен, и он является основой всего, что я делаю, будь то рисунок, живопись, скульптура или видео, все начинается с рисования.
Мультидисциплинарный художник и выпускник Королевской школы рисования, живущий и работающий в Лондоне
Рисование для меня было лучшим способом переварить и обработать запутанные чувства. Я борюсь со словами и вербальным выражением, но рисование всегда было способом общения и связи с другими людьми. Это может быть и бегством, чтобы ненадолго потеряться в процессе. Хотя иногда рисунки могут быть жестокими в своей честности. Я часто хочу нарисовать красивую картинку, но получается тревожно и глупо. Но они заставляют меня смеяться, и я полюбил их.
Твитнуть это
«Рисование — идеальное средство: оно происходит мгновенно и не требует больших затрат», — Эрика Эйрес.
Габриэлла Бойд, Коса, 2020 Художница из Глазго, живущая и работающая в Лондоне.
Интервью Слона читать здесь
Стараюсь работать максимально интуитивно, часто рисую на холсте без подготовительных набросков. Некоторые картины становятся неузнаваемыми с самого начала, а другие остаются привязанными к моим первоначальным отметкам. В рисовании есть непосредственность, которая поддается импульсивной энергии. Такого рода безотлагательность может передать чувство картины. Каракули, которые разграничивают или быстро фиксируют пространство между четырьмя стенами комнаты или между двумя фигурами, например, делая осязаемой атмосферу, которая иначе невидима.
Поделиться с
Не пропустите.
Получайте последние новости от Elephant прямо в свой почтовый ящик со скидкой 20% на первую покупку.
Запишите меня!
Вы можете отказаться от подписки в любое время.
Мы используем файлы cookie по всем обычным причинам. Нажмите «Принять», и это сообщение исчезнет. Принять Подробнее
Политика конфиденциальности и использования файлов cookie
Что такое основы искусства? (и как их выучить)
Работа @thanos.
mkr23СоветыОсновы Раскрытие информации: этот пост может содержать партнерские ссылки. Это означает, что если вы покупаете что-то, мы получаем небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас (узнать больше)
Любой, кто серьезно относится к своему художественному образованию, знает важность основ. Эти фундаментальные темы подобны фундаменту здания: вам нужен фундамент, прежде чем вы сможете углубиться в детали.
Независимо от того, хотите ли вы работать художником по визуальному развитию, концепт-художником, аниматором, иллюстратором или кем-то еще в области 2D/3D-искусства, вам необходимы основы. Но как начать?
В недавнем посте я объяснил важность основ, а в этом посте я хотел бы сосредоточиться на некоторых из этих тем с помощью полезных обучающих ресурсов. Лучший способ стать лучше — это практиковаться. Но вам нужна целенаправленная практика , чтобы увидеть наилучшие результаты.
Если вам нужен совет мастера, пропустите 35:40 в этом подкасте FZD.
Фэн Чжу — опытный концепт-художник, который руководит собственной школой развлекательного искусства в Сингапуре. Он учит только основам и объясняет, почему это так чертовски важно для каждого художника.
Форма
Идея формы очень общая, но также очень важная. Художники, которые учатся распознавать форму, видят за пределами 2D-бумаги (или экрана). Они могут создавать объекты, которые выглядят реалистично, потому что формы выглядят ликующими и живыми.
Формы определяют объем. Человеческое тело имеет множество различных форм и форм, особенно лицо. Ваша способность видеть и понимать формы будет иметь решающее значение для вашего успеха как художника. Это фундаментальный навык по уважительной причине.
Работа Кена ЧангаТак как же практиковать этот фундаментальный навык? Я считаю, что лучше всего начать с форм.
Все в жизни можно разбить на более мелкие формы, такие как сферы, конусы, цилиндры и коробки. Если вы можете нарисовать эти основные формы в любом ракурсе, вы сможете реконструировать что угодно.
Если вы хотите лучше обозначить свои формы, используйте поперечные линии. Это руководство поможет вам начать работу и покажет несколько замечательных примеров.
Эскизы формВозможно, это один из самых простых навыков, но один из самых сложных в освоении. Вам нужно будет приложить усилия и действительно попытаться увидеть, а не просто скопировать.
Когда вы начнете рисовать с натуры, вы можете попробовать уроки Drawabox, чтобы постоянно практиковать формы.
Перспектива
Еще одним необходимым набором навыков является умение рисовать в перспективе. Вы можете найти множество отличных статей, рассказывающих о том, что такое перспектива и как она работает. Но есть так много бесплатного контента, который поможет вам учиться.
Однако я признаю, что на YouTube есть десятки бесплатных уроков по перспективе, если вы будете искать достаточно внимательно. Это, пожалуй, лучшее место для начала.
Видеть в перспективе — значит знать, что по мере того, как объекты удаляются от глаз зрителя, они кажутся меньше.
Такие термины, как линия горизонта и точка схода, являются базовыми и должны быть поняты для изучения перспективы.
Перспектива — это то, что становится лучше с практикой. Он также соединяется со всем, что вы создаете.
Например, в последнем разделе рекомендованы упражнения по рисованию ящиков и цилиндров. Чтобы нарисовать их правильно, они должны быть в перспективе, независимо от того, понимаете ли вы перспективу правил или нет.
Просто продолжайте рисовать и открывать новые пути. Когда вам станет интересно узнать о перспективе, просмотрите несколько руководств и следуйте им. Некоторые видео могут рекомендовать использование линейки, в то время как другие заставляют вас тренировать зрение.
Концепции действительно несложны в освоении, но они требуют времени.
Самое лучшее в перспективе то, что вам не нужно беспокоиться о тонах, тонах, цветах или свете/тенях. Это необходимые навыки, если вы работаете над готовым рисунком. Но простое перспективное упражнение можно выполнить одним тоном.
Если вы хотите получить толчок в своей перспективной работе, вам следует прочитать две книги. Первый — Perspective Made Easy, очень дешевый и классический для начинающих художников.
Художники среднего уровня (или уверенные в себе новички) также должны изучить «Как рисовать» Скотта Робертсона. Книга предлагает настоящие практические советы с упражнениями и примерами из практики, которые помогут вам резко улучшить свои навыки.
Есть множество перспективных книг, которые вы можете попробовать, поэтому хорошо иметь план того, как и что изучать.
Но чтобы дать вам выбор, вот еще несколько перспективных книг, которые могут вам понравиться.
- Базовый перспективный рисунок: визуальный подход
- Перспектива стала проще: пошаговое руководство
- Перспектива для художников
Анатомия
Кто-то может возразить, что анатомия не является фундаментальной темой, потому что она не требуется для хорошего рисунка. Но это основа профессиональной работы, особенно в развлекательном искусстве, потому что она применима к любому живому существу, которое вы пытаетесь нарисовать.
Как только вы поймете, как работают суставы, вы сможете увидеть, как двигаются кости и мышцы. Это относится не только к людям, но и к любому животному или существу со скелетом.
Но анатомия — одна из тех тем, которые можно изучать годами, но так и не освоить. Это фундаментальная концепция, но ее очень трудно усвоить. Но с чего-то нужно начинать, так что начинайте медленно и постарайтесь сосредоточиться на одной области за раз.
Если вы только начинаете изучать анатомию, я бы порекомендовал вам два ресурса.
Первый — «Анатомия человека для художников» Голдфингера. Это очень сухой и не предназначен для одноразового обучения. Но он окажется бесценным в качестве справочного руководства, потому что он настолько исчерпывающий и надежный.
Новые художники, изучающие анатомию, отлично справятся с видеокурсом анатомии Проко. Он разбит на три разных курса, поэтому вы можете выбрать области, которые вам действительно нужны для изучения.
Курс анатомии Proko Это то, что я использую для изучения анатомии, и я никогда не хотел бы начинать где-либо еще.
Стэн — удивительный учитель, как с его демонстрациями, так и с его выбором слов при объяснении вещей.
Лучшей серии по анатомии я еще не нашел, и, несмотря на то, что существует множество вариантов, Proko дешево стоит и отлично подходит для начинающих.
Анатомия сложная. Не только из-за технической составляющей, но и из-за огромного объема информации. Не позволяйте этому ошеломить вас.
Изучайте анатомию по частям и делайте много исследований. При любой возможности выходите на занятия по рисованию. Ничто не заменит работу с живой моделью.
Изучение анатомии также поможет вам понять пропорции и отношения между элементами. Это руководство Tuts+ — хорошее место, чтобы начать читать об этом.
Композиция
Композицию сложнее научить с нуля, потому что это больше касается готового произведения искусства. Когда все части собираются вместе и образуют единое целое, получается композиция.
Общее расположение изделия очень важно. Художники часто обращаются к таким вещам, как правило третей или печально известное золотое сечение.
Ни один из них не определяет композицию, но они оба могут повлиять на ваше решение.
Выбор композиции определяется размером, углом, перспективой и вниманием к объектам переднего/заднего плана. Как вы можете сказать, этот фундаментальный навык действительно развивается позже в вашем художественном прогрессе.
Композиция Габриэля Буитраго (Behance). Это становится гораздо более важным, когда вы переходите на цифровую живопись, потому что каждая картина создает сцену. Вы можете найти множество советов по композиции, но на самом деле сложно научить основам композиции без реальной практики.Предлагаю изучить работы других художников. Вы наткнетесь на картины, которые просто выделяются для вас по какой-либо причине. Сохраните их и храните в папке для вдохновения. Время от времени проверяйте и пробуйте рисовать свои собственные идеи с похожей композицией.
Я бы также порекомендовал немного узнать о композиции в связи с фотографией. Многое уходит на создание красивых фотографий, и профессиональные фотографы следуют схожим принципам композиции.
Лучшим учебным материалом является книга Яна Робертса «Мастерство композиции». Ему несколько лет, но материал бесценен и действительно полезен для всех видов искусства. Кроме того, он поставляется в формате компакт-диска / аудиокниги, если вы предпочитаете этот путь.
Если вы будете практиковаться и продолжать продвигать свои композиции, я гарантирую, что все начнет щелкать. Это фундаментальный навык, который требует времени, чтобы развить его и понять. Но как только вы его получите, вы не сможете его потерять.
Две другие книги, которые я бы порекомендовал художникам, изучающим композицию, называются «Живописная композиция» Генри Рэнкина Пура и одна называется «Композиция» Артура Уэсли Доу.
Value & Lighting
Тема стоимости чрезвычайно детализирована, поскольку охватывает все, что связано с визуализацией. Ваше знание формы окажется неизмеримо полезным при изучении стоимости.
Если вы новичок в ценности, просто продолжайте рисовать и пытаться визуализировать как можно лучше.
На YouTube вы найдете бесплатные видеоролики, обучающие рендерингу, но ни один из них не даст вам всего, что вам нужно.
Я рекомендую много изучать ценность, особенно когда вы только начинаете изучать искусство. Они могут быть стрессовыми, но они также могут быть очень поучительными.
Начните с натюрмортов и переходите к портретам. У Стэна Прокопенко есть отличный курс рисования портретов, который может помочь вам попрактиковаться в рисовании реалистичных лиц и правильно подобрать значения.
Простое рисование объектов вокруг дома также может дать плодотворные результаты. Неодушевленные предметы не двигаются, поэтому у вас есть возможность учиться у жизни и расширять свои усилия на несколько дней или недель.
Ценность обучения заключается в изучении света и тени. Но есть и техническая сторона света, на которую стоит обратить внимание, если вы собираетесь заниматься техническим рендерингом.
Освещение подразумевает затенение и наоборот. У вас не может быть одного без другого.
Как только вы начнете рисовать, вас больше будут интересовать цвета в светлых и темных участках. Но вы всегда должны быть в состоянии передать одно и то же сообщение с помощью рисования с использованием основных материалов.
Тени отбрасываются в отсутствие света, поэтому часть объекта всегда получает больше света, чем другие части. Теоретически это имеет смысл, но на практике это совсем другая игра.
Прочтите эту статью на Tuts+, если хотите узнать больше об освещении и тенях. Ваши значения могут быть одинаковыми, независимо от того, используете ли вы цвет или оттенки серого. В этом и заключается прелесть изучения ценности, потому что это действительно помогает вам улучшить свой выбор цвета позже.
Взгляните на цветовые ключи и композиции, нарисованные сингапурским художником AC Masoen.
Цветные сценарии AC Masoen Его понимание света блестяще выражено в этих тональностях. Рендеринг не очень плотный, но качество выражения достаточно высокое, чтобы передать сообщение.
Вот насколько мощными могут быть принципы ценности и света.
Для рекомендаций по обучению я не могу переоценить важность How To Render. Скотт Робертсон — искусный художник, и эту книгу следует рассматривать как лучшее руководство для начинающих, чтобы окунуться в ценность.
Это большая книга, и она охватывает многое. Вероятно, больше, чем нужно знать обычному новичку. Но именно поэтому он так хорош, потому что How To Render будет учить вас в течение многих лет после того, как вы его купите.
В качестве более технического руководства я рекомендую «Свет для визуальных художников» Ричарда Йота. Это одна из самых популярных книг на эту тему по уважительной причине.
Двигаться дальше от значения — это несколько родственный, но совершенно другой предмет теории цвета.
Он слишком велик, чтобы проникнуть сюда. Но если вы готовы перейти к цвету, убедитесь, что у вас есть «Цвет и свет» Джеймса Герни. Несомненно, это лучшая книга для понимания того, как свет влияет на цвета в картине.
