Картины импрессионизм: Импрессионисты: легендарные картины в Москве

Импрессионизм, Постимпрессионизм

     Стиль Модерн любят многие. Но мало кто знает, что вырос Модерн, сформировался из живописного направления импрессионизма. Да-да, это когда на картине сначала ничего не понятно, одни мазки краски, и, только присмотревшись, можно увидеть собаку, даму в пышной юбке и пеструю толпу гуляющих людей. Но без импрессионизма не было бы нашего любимого Модерна. Не было бы кованых
решеток с вьющимся виноградом, абажуров из разноцветного витражного стекла, изображений томных красавиц с распущенными волосами – ничего того, что мы так любим создавать в интерьере сегодня.

      Импрессионисты. После того как на рубеже 1830–1840-х гг. была изобретена фотография, раздались голоса о кончине живописи. К чему мучиться над реалистическими тонкостями пейзажей или портретов, когда фотограф может мгновенно запечатлеть все с гораздо большей точностью? 1860-е гг. стали поворотным пунктом в истории искусства –
на волне этих тенденций во Франции зарождается новый стиль живописи импрессионизм.

     Термин «импрессионизм» родился случайно (как всегда). Поводом послужило название пейзажа Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», появившегося на выставке импрессионистов в 1874 г. Это было первое публичное выступление группы художников,
объединившихся вокруг Э. Мане, в которое входили К. Моне, Э. Дега, О. Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро и другие. Официальной буржуазной критикой оно было встречено грубыми насмешками и травлей. Правда, уже с конца 1880-х гг. формальные приемы их живописи были подхвачены представителями
академического и салонного искусства.

  Импрессионисты неизмеримо расширили возможности изобразительного искусства. Последовательно высветляя свою палитру, импрессионисты освободили живопись от землистых, «музейных» лаков и красок академического направления, открыв мир сверкающего солнечного света и воздуха, красоту большого города, россыпь его ночных огней и гул непрестанного уличного движения. В искусство словно ворвалась шумная пестрая толпа, суета парижских бульваров и кафешантанов, атмосфера постоянно меняющейся, полной трепетной жизни природы.

Светильник, производит Berliner (Герма-
ния). Этот уютный светильник спроектиро-
ван в стиле Модерн, а вокруг все сияет и
просится на живописное полотно. «Инте-
рьерный салон № 1».

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Интерьер в стиле Модерн: картина Э. Мане «Бар в Фоли-Бержер» (1882) и современный диван из коллекции Liberty (произво-

дит Medea, Италия).

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Они очень созвучны: картина Э. Дега «Балерины в голубом» и мебель из коллекции Liberty (производит Medea, Италия).

В картинах импрессионистов объемные формы как бы растворялись в игре бликов, рефлексов и цветных теней. (Подробнее – см. «Основы теории живописи».) Эта игра создавала беспримерно светлую, просто вибрирующую воздушную живопись. Такая живопись рассчитана на оптическое смешение красок при восприятии картины зрителем, стоящим на обязательной дистанции к живописному полотну. Эту свободу живописи, саму экспрессию мазка художники связывали с новыми задачами в их творчестве.

     Но импрессионизм нельзя воспринимать только как совокупность специфических живописных приемов. Это нетрадиционное видение мира возникло как закономерность перехода от Нового к Новейшему времени. Оно связано с изменившимся к середине ХIХ в. пониманием эпохи, с развитием науки и индивидуальной психологии. Импрессионизм родился почти одновременно и в живописи, и в поэзии, позднее его влияние распространилось на скульптуру, музыку, литературу, театр и даже художественную критику. Импрессионизмом дышало все вокруг.

       «Непримиримые», как сами себя называли эти художники, в основном работали на природе (на пленэре). А на пленэре предметы и фигуры теряют четкие контуры, колеблются под действием воздушной среды и освещения, насыщаются цветовыми бликами. Художники отказались от традиционного, разработанного в европейских академиях принципа композиционного построения картины. Они понимали картину как фрагмент натуры, по определению Дега, словно «подсмотренную через замочную скважину». Картины импрессионистов – как драгоценный фотокадр, где точка зрения случайна и даже подвижна, композиционные оси смещены, а предметы и даже человеческие фигуры нередко разрезаны рамой.

          Отчасти под влиянием японского искусства, открытого европейцами во второй половине ХIХ в., в творчестве импрессионистов, всегда по-разному, проявляется тенденция к затушевыванию глубины, к усилению двухмерности, к отсутствию традиционного разделения на фон и предмет изображения. Влияние Японии на европейские умы в то время было огромным. Японские гравюры и книги заполонили европейские галереи и книжные магазины. Кстати, одним из таких магазинов, торгующих восточной арт-экзотикой на парижской улице де Прованс владел Зигфрид Бинк, один из пропагандистов Модерна. При магазине была галерея под названием «L’Art Nouveau» («Арт-Нуво»). (Подробнее – см. «Модерн (не путать с модернизмом)».)

         Последовательным представителем импрессионизма во французском искусстве нужно признать Клода Моне (1840–1926). Красочные переливы цвета, отраженного в воде, составляют весь поздний период его творчества. «Белые кувшинки. Живерни» – изысканное декоративное полотно, сплошь затканное узорами зеленой листвы. Висящий в воздухе «японский мостик» как бы лишен реальных опор, его конструктивная основа – игра сплетающихся мазков. Глубина пейзажа с водой и отражениями
иллюзорна.

К. Моне. «Пруд с кувшинками» (1899). Кера-
мическая плитка коллекции Artworks, про-

изводит Original Style (Англия). Литографи-
ческий способ нанесения изображения на
плитку исключает возможные искажения
оригинала. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks,
производит Original Style (Англия). Декоры
этой коллекции словно сошли с японской
гравюры. Салон интерьеров «Арт-Рум».

        И словно гимн импрессионизму звучат строки из позднего дневника «На воде» Ги де Мопассана (1880): «Все дарованные миру краски, прелестные, разнообразные, опьяняющие, предстают перед нами с чарующей законченностью, изумительной яркостью, бесконечными оттенками вокруг листа водяной лилии.

Все тона красного, розового, желтого, синего, зеленого, лилового – тут, в небольшом кусочке воды, где явлено нам все небо, все пространство, вся греза…»

         А Огюсту Ренуару доставляет истинное наслаждение писать окрестности Парижа. В его произведениях природа, то яркая и ослепительная, то окутанная неясным сумраком, воспринимается как жизненная среда обитающих в ней персонажей. Человек не растворяется в ней, а остается главным действующим лицом. Радостное, чувственное восприятие мира влекло Ренуара к юным женским и детским образам, как идеалу цветущей жизни, счастья и духовной чистоты. В противоположность салонным художникам-академистам, Ренуар в изображении обнаженных женщин пишет настоящие красочные симфонии, построенные на сочетании теплых телесных тонов с тончайшими рефлексами. И героиням своим – артистке, служанке, дочери лавочника или обыкновенной модистке – живописец придает то неповторимое очарование, которым мастера ХVIII в. наделяли дам высшего света.

К. Моне. Аржантей (1875). Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Ручная роспись художником-керамистом перед последним обжигом делает плитку немного шероховатой, словно она выполнена маслом. Салон интерьеров «Арт-Рум».

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Портрету актрисы Ж. Самари кисти О. Ренуара (1877–1878) с его вибрирующей, сияющей техникой письма необыкновенно подходят насыщенные солнцем интерьеры Прованса и керамические аксессуары производства L’Antica Deruta (Италия).

      Постимпрессионизм. Вслед за импрессионизмом во французской живописи конца ХIХ – начала ХХ в. возникли течения, получившие название «постимпрессионизм». Постимпрессионизм унаследовал у импрессионистов интуитивное чувство цвета, когда выбор цветовых созвучий приобретает эмоциональную атмосферу и чувственную силу внушения. Течение повысило интерес к философским и символическим началам искусства, к построению пространства, объема, к декоративной стилизации.

Витраж «Подсолнухи» (техника «тиффани»). Художник Св. Михайлова. Современные художники охотно обращаются
в своем творчестве к наследию постимпрессионистов, ведь их искусство – не застывшая чужеродная форма. Оно может украшать и украшает наши интерьеры и сегодня. «Студия Светланы Михайловой».

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Над креслом, которое производит Grifoni Vittorio (Италия), висит картина Поля Сезанна «Гора Сент-Виктуар», написанная в 1900 г.

        При общих чертах творчество художников этого направления значительно отличается друг от друга. Поль Сезанн (1839–1906) стремился выявить величественную устойчивость и материальность мира, закономерность его структуры, первобытную мощь природы. Винсент ван Гог (1853–1890) свой страстный социальный протест выразил в картинах, предельно напряженных по цвету, написанных порывистым, экспрессивным мазком. Даже пейзажи он наделял тревожным, нередко трагическим звучанием («Красные виноградники в Арле»).

Картина «Подсолнухи», которые художник писал одиннадцать раз, стала своеобразным символом его живописи. Поль Гоген (1848–1903) воплотил свои мечты о гармонии мира, поэтическом единстве человека и природы в картинах на темы быта и легенд Полинезии. Творческие искания Гогена продолжили его ученики, проложившие путь символизму и стилю Модерн.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Картина П. Гогена «Жена короля» и современная мебель коллекции Golden Century (производит Epoca, Испания) создадут вашему интерьеру яркий богемный образ.

Источник:  

Софиева Н. Дизайн интерьера: стили, тенденции, материалы/ — М.: Эксмо, 2012. — 665с.

10 художников импрессионистов, которых нужно знать

Импрессионизм – направление в живописи, зародившееся во Франции в XIX-XX веках, являющее собой художественную попытку запечатлеть какой-нибудь момент жизни во всей его изменчивости и подвижности. Картины импрессионистов словно качественно смытая фотография, возрождающая в фантазии продолжение увиденной истории. В этой статье мы рассмотрим 10 самых известных импрессионистов мира. К счастью, талантливых художников гораздо больше десяти, двадцати или даже ста, поэтому давайте остановимся на тех именах, которые нужно знать обязательно.

Чтобы не обидеть ни художников, ни их почитателей, список приведен в русском алфавитном порядке.

1. Альфред Сислей

Этот французский живописец английского происхождения считается самым известным пейзажистом второй половины XIX века. В его коллекции насчитывается более 900 картин, из которых самые известные это «Сельская аллея», «Мороз в Лувесьене», «Мост в Аржантее», «Ранний снег в Лувесьенне», «Лужайки весной», и многие другие.

2. Ван Гог

Известный всему миру печальной историей о своем ухе (кстати, отрезал он не все ухо, а только мочку), Ван Гон стал популярным лишь после своей кончины. А за жизнь смог продать одну-единственную картину, за 4 месяца до смерти. Говорят, он был и предпринимателем, и священником, но нередко попадал в психиатрические больницы из-за депрессии, поэтому вся мятежность его существования вылилась в легендарные произведения.

3. Камиль Писсарро

Писсарро родился на острове Сент-Томас, в семье буржуазных евреев, и был одним из немногих импрессионистов, родители которого поощряли его увлечение и вскоре отправили в Париж на обучение. Больше всего художнику пришлась по вкусу природа, ее-то он и изображал во всех красках, а если сказать точнее, то у Писсарро был особый талант подбирать мягкость цветов, сочетаемость, после чего на картинах словно появлялся воздух.

4. Клод Моне

С детства парнишка решил, что станет художником, несмотря на запреты семьи. Самостоятельно переехав в Париж, Клод Моне окунулся в серые будни тяжелой жизни: два года на службе в вооруженных войсках в Алжире, тяжба с кредиторами из-за бедности, болезни. Однако, создается ощущение, что трудности не угнетали, а наоборот, воодушевляли художника создавать такие яркие картины, как «Впечатление, восход солнца», «Здание парламента в Лондоне», «Мост в Европу», «Осень в Аржантее», «На берегу Трувилля», и множество других.

5. Константин Коровин

Приятно знать, что среди французов, родителей импрессионизма, можно с гордостью поставить нашего соотечественника – Константина Коровина. Страстная любовь к природе помогла ему интуитивно придавать невообразимую живость статической картинке, благодаря соединению подходящих красок, ширины мазков, выбора темы. Невозможно пройти мимо его картин «Пристань в Гурзуфе», «Рыба, вино и фрукты», «Осенний пейзаж», «Лунная ночь. Зима» и серии его работ, посвященных Парижу.

6. Поль Гоген

До 26-ти лет Поль Гоген и не задумывался о живописи. Он был предпринимателем и имел большую семью. Однако когда впервые увидел картины Камиля Писсарро, решил, что непременно станет рисовать. С течением времени стиль художника менялся, но самые известные импрессионистические картины это – «Сад в снегу», «У обрыва», «На пляже в Дьеппе», «Обнаженная», «Пальмы на Мартинике» и другие.

7. Поль Сезанн

Сезанн, в отличие от большинства своих коллег, стал известен еще при жизни. Ему удалось организовать собственную выставку и выручать с нее немалые доходы. Люди знали толк в его картинах – он, как никто другой научился совмещать игру света и тени, делал громкий акцент на правильных и неправильных геометрических формах, строгость тематики его картин гармонировала с романтикой.

8. Пьер Огюст Ренуар

До 20-ли лет Ренуар работал декоратором вееров у старшего брата, и только потом перебрался в Париж, где познакомился с Моне, Базилем и Сислеем. Это знакомство помогло ему в будущем стать на дорогу импрессионизма и прославиться на ней. Ренуар известен как автор сентиментального портрета, среди его самых выдающихся работ – «На террасе», «Прогулка», «Портрет актрисы Жанны Самари», «Ложа», «Альфред Сислей и его жена», «На качелях», «Лягушатник» и многие другие.

9. Эдгар Дега

Если вы еще ничего не слышали о «Голубых танцовщицах», «Репетиции балета», «Балетной школе» и «Абсенте» — поспешите скорее узнать о творчестве Эдгара Дега. Подбор оригинальных цветов, уникальных тем для картин, ощущение движения картинки – все это и многое другое сделало Дега одним из самых известных художников мира.

10. Эдуард Мане

Не путайте Мане с Моне – это два разных человека, работавших в одно время и в одном художественном направлении. Мане всегда привлекали сцены бытового характера, необычные внешности и типажи, как будто случайно «пойманные» моменты, впоследствии запечатленные на века. Среди известных картин Мане: «Олимпия», «Завтрак на траве», «Бар в «Фоли-Бержер», «Флейтист», «Нана» и другие.

Если у вас появится хоть малейшая возможность повидать картины этих мастеров вживую – вы навсегда влюбитесь в импрессионизм!

Александра Скрипкина, womanway.online

.

РУССКИЙ ИМПРЕССИОНИЗМ. Часть 1. — vanatik05 (Nataly) — ЖЖ

«…С канонов классики смахнув частицы пыли,
Перешагнув реальности черту,
Не форточку, а окна в мир открыли,
Родили новых «измов» череду.. .»
Л.Розанова.
В скором времени в Москве может открыться частный музей русского импрессионизма, который некоторое время назад считался несуществующим в истории русского искусства, упоминания о нем в эпоху соцреализма в искусствоведческой литературе практически не существовали — он исчез из истории искусства, как град Китеж.

Да и сегодня многие искусствоведы считают, что большую часть художников, считавшихся импрессионистами, скорее можно назвать «русско-советскими живописцами, испытавшими влияние импрессионизма». И я, со своей дилетантской точки зрения, с этим мнением частично согласна. Частично — потому, что импрессионизм в России был, пусть не такой «бурлящий», динамичный, всеохватный, покоряющий умы и сердца, как в Европе, но у него было свое неповторимое, немного «грустное», чаще деревенское лицо.

Его рождение было результатом не только влияния французского импрессионизма, но и внутренними изменениями во взглядах на искусство русских художников, которые часто нагружали свои произведения большей содержательностью и предметностью, чем европейцы.
Одним из первых предшественников русского импрессионизма можно смело считать Илью Репина, как бы странно это ни звучало. И хотя этот классик русского реализма, посетив выставку импрессионистов в 1871 году, счел представленные картины интересными «с точки зрения техники, но решительно пустыми по смыслу», и он не смог избежать их влияния, увлекся на время Э.Мане и писал из Парижа: «…Обожаю всех импрессионистов, которые все более и более завоевывают себе здесь прав…».

Не изменяя реалистическому методу в основном, Репин привносил в свои работы того периода богатство и чистоту палитры, солнечный свет и воздух, густоту и «размашистость» мазка, характерные для импрессионизма.

Эти же свойства мы можем видеть в некоторых работах Поленова, который был дружен с Репиным и вместе с ним ощутил на себе влияние французских импрессионистов во время их совместного пребывания в Париже.

Его роль в распространении импрессионизма в России даже более значительна — Серов и Коровин были одно время его учениками.

У многих российских художников-передвижников мы видим иногда в их творчестве черты импрессионизма, особенно у Левитана, Борирсова-Мусатова, Сурикова.

Серов Валентин (1865 — 1911), ученик Ильи Репина, заявил о себе первым же шедевром, написанным в усадьбе Мамонтова в Абрамцево, где он с детства проводил много времени. Это была «Девочка с персиками», картина, наполненная светом и воздухом, радостным настроением и покоем, ее можно назвать первым крупным произведением в русской живописии, написанным в импрессионистическом духе.

Большое влияние на Серова оказало творчество его друзей — Михаила Врубеля и, особенно, Константина Коровина, вместе с которыми он снимал мастерскую. С Коровиным они вместе путешествовали по русскому северу, потом по Владимирской губернии и Крыму.

Всюду Серов пишет небольшие этюды и натурные композиции, пытаясь постичь жизнь во всех ее многообразных проявлениях. Особое место в его творчестве занимали портреты,

Шаляпин сказал о них: «В этих портретах он сказал о своей эпохе больше, чем сказали многие книги. Каждый его портрет – почти биография.»

За свою сравнительно недолгую творческую жизнь Серов создал сотни портретов, но ему были подвластны и другие жанры, особенно пейзажи. Поэт Валерий Брюсов писал: «Серов был реалистом в истинном смысле этого слова. Он безошибочно видел тайну жизни, и то, что он нам показывал, представляло собой саму сущность явлений, которую другие художники увидеть не могут».

Конечно, причислить Серова к импрессионистам мы не можем, но с полным правом можем считать его предвестником, предтечей того влияния, которое оказал и до сих пор оказывает импрессионизм на творчество русских художников.
Константин Коровин (1861-1939) может быть по праву назван ярчайшим представителем русского импрессионизма, достигшим новых, небывалых высот в живописном мастерстве.

Александр Бенуа писал о творчестве Константина Коровина: «Живопись Коровина — дерзко-небрежная, грубая — казалась в XIX веке многим просто неумелой. Никто тогда не подозревал, что и живопись, и краски в этих картинах — высокого достоинства, что автор их — настоящий живописец. Недоразумение в отношении к К. Коровину — самого плачевного свойства. Оно лучше всего доказывает, как далека русская публика вообще от какого-либо понимания живописи.»

Коровин был одним из первых, кто преодолел унылую назидательность, присущую некоторым поздним передвижникам, литературную описательность, освободил живопись от рутины и серо-коричневых красок, настежь открыл двери воздуху, солнцу и свету, вернул цвету его громадные эмоционально-образные возможности.

Его яркие, сочные, жизнерадостные картины напоминали и говорили всем о светлом и радостном начале, которое всегда присутствует в жизни. Сам К.Коровин говорил: «Напрасно думать, что живопись одному дается просто, без труда, а другому трудно. Вся суть в тайне дара, в характере и трудоспособности. То, на что обращает внимание сам автор, этому нельзя выучиться. Жизнь художника была насыщенной, полной трудов и творческих исканий.»

При довольно слабом здоровьи художнику удавалось успевать так много: трудиться в театре, делать эскизы для обоев, проектировать мебель, постоянно работать как живописец-станковист и преподавать в портретно-пейзажном классе Училища живописи, а затем еще и в Строгановском училище. При этом его хватало и «на бурное времяпрепровождение артистической богемы, и на отшельническую жизнь охотника и рыболова в деревне; на яркие и мимолетные вспышки сердечных увлечений и глубокие сердечные чувства». Коровин был «артист-художник до мозга костей», и этим объясняется поразительная безмерность его жизненных и творческих сил.

Глубоко справедливы слова С.А.Щербатова об этом замечательном художнике: «Трем предметам глубокой искренней своей любви Коровин остался верен всю свою жизнь, а именно: России, искусству и природе». В каждой работе, будь то большая картина, эскиз декорации или этюд с натуры, открыто, непосредственно, с замечательной цельностью выступают личность художника, его видение мира, талант, неуемная радость бытия.

«Живопись Коровина,— писал его ученик К. Юон,— образное воплощение счастья живописца и радости жизни. Его манили и ему улыбались все краски мира».
Абрам Архипов (1862 — 1930), родившийся в Рязанской губернии, в крестьянской семье, учившийся у Перова и Поленова, всю свою жизнь посвятил отображению в живописи почвенно-бытовой, деревенской тематики.

Он начинал как член Товарищества передвижников с бытового жанра, но его самобытный темпераментный дар колориста привел его к импрессионизму, к проникновенной передаче цветом атмосферы и духа сюжета. Фигуры крестьян предстают у художника средоточиями красочной природной стихии.

Воздухом и светом наполнены его пейзажи, сочная импрессионистическая манера письма, собственный стиль, тесная связь с сельской «почвой», поморской и среднерусской глубинкой выдвинули его в число основоположников особой «деревенской» линии русской живописи в ее импрессионистском варианте.

Мещерин Николай (1854 — 1916), почти забытый сегодня, но популярный в свое время у коллекционеров и профессионалов художник, не получивший художественного образования, хотя и брал частные уроки, в том числе и у И.Левитана.

Начинал он свое творчество под влиянием импрессионизма, позже увлекся пуантилизмом, но сумел сохранить и свое мироощущение и свои особенности манеры исполнения — лиризм и внуртеннюю теплоту. В большинстве его работ представлены неброские красоты среднерусской природы.

Подводя итоги творчества Н.В. Мещерина, И.Э. Грабарь писал: «Его искусство было как две капли воды похоже на его жизнь — такое же сдержанное, как его речь, такое же тихое, как его голос, — ничего порывистого, резкого, рискованного, никаких диссонансов и ни малейшего желания во что бы то ни стало выделиться… он беззаветно любил русскую природу и знал ее так, как знали немногие…».

Этот художник явился для меня совершенно новым и приятным открытием, к своему стыду, я ничего о нем раньше не знала, знакомство с его творчеством доставило мне много радостных минут.
Продолжение следует (во второй части).
Ссылки: http://echo.msk.ru/blog/tatiana_pelipeiko/
http://otvet.mail.ru/question/
http://www.artrussia.ru/russian/impressionism.php
https://ru.wikipedia.org/wiki

Картины, которые заставят вас отправиться в путешествие | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

«Bon Voyage, Синьяк!» — так называется выставка в Музее Вальрафа-Рихарца (Wallraf-Richartz-Museum) в Кельне. Организаторы экспозиции приглашают посетителей отправиться в большое путешествие по портовым городам Европы, которые в конце XIX — начале XX столетий являлись излюбленным мотивом среди художников-импрессионистов. 

Поводом для эскапизма, который во время пандемии способен хотя бы мысленно создать ощущение летнего отдыха, стало появление в музее картины Поля Синьяка «Константинополь», написанной в 1909 году. Видный представитель импрессионизма дважды посетил этот город на берегах пролива Босфор. Художник в 1904 и 1908 годах вдохновлялся мерцающим светом, бурлящей на воде жизнью и восточной архитектурой Османской империи. Благодаря выставке одна из основных работ Синьяка заняла место в Кельне на постоянной основе. Она — первая в нашей фотогалерее.

Выставка в Музее Вальрафа-Рихарца. Фотогалерея

• В путешествие с импрессионистами

  Поль Синьяк. Константинополь (1909)

  Нынешний Стамбул глазами импрессиониста Поля Синьяка. В 1908 и 1912 годах француз путешествовал по восточной окраине Европы и был очарован мягкостью света и красок. В то время Стамбул назывался Константинополем и являлся столицей Османской империи. Впечатлило художника и расположение портового города между континентами.

• В путешествие с импрессионистами

  Поль Синьяк. Мост Искусств (1912)

  Париж в конце XIX — начале XX века носил титул столицы искусств. Поль Синьяк несколько раз запечатлел достопримечательность города — собор Парижской Богоматери. Здесь мост Искусств виден со стороны Сены. В центре картины возвышается башня над средокрестием, разрушенная в результате пожара в 2019 году.

• В путешествие с импрессионистами

  Поль Синьяк. Вход в порт Ла-Рошель (1921)

  Поль Синьяк любил проводить лето на побережье, прежде всего в Ла-Рошели. Художник особенно восхищался средневековыми портовыми укреплениями. Сторожевые башни являются символом города на берегу Бискайского залива. Синьяк был не только амбициозным художником, но и заядлым моряком. За свою жизнь живописец, владевший 32 (!) парусными лодками, часто изображал морские мотивы.

• В путешествие с импрессионистами

  Тео ван Рейссельберге. Мыс Гри-Не (1900)

  «Серый нос» (франц. Gris-Nez) — так называется мыс на побережье Ла-Манша на севере Франции. Отсюда открывается вид на Дувр в Великобритании. Меловые скалы были популярным мотивом импрессионистов. Бельгиец Тео ван Рейссельберге написал мыс в 1900 году.

• В путешествие с импрессионистами

  Поль Синьяк. Порт на закате (1892)

  Вход в порт — один из самых любимых мотивов Синьяка. На этом полотне парусная лодка стоит на якоре у Сен-Тропе. Художник часто ходил под парусом по Средиземному морю. Море на закате в сочетании с небом создают атмосферную гармоничную картину.

• В путешествие с импрессионистами

  Поль Синьяк. Антиб (1917)

  В 1913 году импрессионист жил попеременно в Сен-Тропе и Антибе. Картина c изображением этого небольшого порта стала последней работой Синьяка, написанной в этом городе перед Второй мировой войной, и завершенной позднее. На юге Франции жили многие художники — в том числе Клод Моне, Фернан Леже, Франсис Пикабиа. Синьяк изображал гавань Антиба трижды, всякий раз в новой цветовой гамме.

• В путешествие с импрессионистами

  Клод Моне. Рыбацкие лодки в Этрета (1883/84)

  Этрета в Нормандии уже на протяжении прошлого столетия притягивала путешественников. Примечательный утес на заднем плане сегодня можно встретить в любом путеводителе. Клод Моне посещал этот регион в 1881-1882 годах и несколько раз писал скалы.

• В путешествие с импрессионистами

  Фердинанд Лойен дю Пюигодо. Площадь в Венеции ночью

  Венеция на протяжении нескольких веков являлась одним из наиболее часто используемых портов в Европе. Наверное, только во время пандемии COVID-19 площадь Святого Марка стала такой же пустой, какой ее когда-то увидел художник дю Пюигодо. В последние годы на заднем плане проходили вовсе не парусные суда, а огромные круизные лайнеры.

  Автор: Павел Мыльников, Сабине Ольце

Импрессионисты вели экстравагантный образ жизни. Помимо работ Синьяка, это отражают и полотна его современников из собрания музея, представленные на кельнской выставке. Среди них — картины Клода Моне, Шарля-Франсуа Добиньи, Франсиса Пикабиа, Винсента ван Гога. С появлением фотографии художники отвернулись от академического реализма и окунули мир в цвета. Они запечатлевали атмосферу, выразительные условия освещения и воспринимали природу по-новому, с помощью свободных мазков, будь то точки или размытые линии.

Каждый уважающий себя живописец отправлялся путешествовать, чтобы превратить наброски в картины уже на пленэре или позже, в студии. Большое путешествие по Музею Вальрафа-Рихарца уводит все дальше от Парижа, который в то время являлся главным центром художественной жизни.

Путешествия Поля Синьяка

Путь начинается в столице Франции, где Синьяк в 1912 и 1920 годах написал собор Парижской Богоматери с противоположного берега Сены. Число поездок художника росло, поэтому каждый зал выставки посвящен отдельному региону.

Путешествие по Франции продолжается. Из региона Иль-де-Франс, который в то время еще напоминал сельскую идиллию, зритель направляется на Опаловый берег в северной части страны у пролива Ла-Манш, где мыс Гри-Не очаровывает впечатляющим пейзажем с утесами. Художники могли изучать здесь отражения света в море или запечатлевать облака, собирающиеся на горизонте со стороны Великобритании, до которой — всего 33 километра.

Затем из Нормандии посетитель переносится в Бретань. В этом регионе, в департаменте Финистер, Анри Моне написал тонущую в тумане будку таможенника. А в бретонской коммуне Понт-Авен возникла художественная колония, наиболее известным представителем которой был Поль Гоген. Отличительными чертами этой прибрежной живописи выступали контрастные цвета и отчетливые линии.

Порты Европы как тема картин

Синьяка тянет все дальше на юг, в портовый город Ла-Рошель. Там он писал массивные портовые укрепления и проплывающие перед ними парусные суда. В то время Синьяк играл ведущую роль во французской и европейской художественной жизни. Во Франции персональные выставки Синьяка проводились с 1902 года, но и за пределами страны он был представлен на наиболее значимых выставках авангарда.

Порты входят в число любимых тем художника. Портовая живопись появилась в XVII столетии и сформировала самостоятельный жанр. Моря иногда изображались безлюдными, а иногда — с судами, художники порой оставляли на картине место для неба, а порой обходились без него, водные просторы были окаймлены пляжами, скалами или доками, к которым Синьяк питал особенный интерес. Родившийся в 1863 году живописец был заядлым моряком.

Поль Синьяк. Вид на Ла-Рошель

По мере того, как признание живописца росло, у него возникла идея создать серию работ, темой которой станут крупные европейские порты. Посетив Ла-Рошель, Синьяк в 1904 году отправился в Венецию, а двумя годами позднее — в Роттердам, который к тому времени уже превратился в важный перевалочный пункт. Затем художник уехал в Константинополь, во времена Древней Греции известный под названием Византий, а ныне — Стамбул. Здесь он также уделял особое внимание отражениям света, изображая их в мягких тонах.

Экспозиция «Bon voyage, Синьяк!» полностью оправдывает свое название. Хочется немедленно отправиться в путешествие, следовать за импрессионистами и импрессионизмом по прибрежным и портовым населенным пунктам и сравнивать, как города и пейзажи изменились за прошедшее столетие. А пока пандемия не позволяет так поступить, можно, по крайней мере, попутешествовать с помощью выставки.

Смотрите также:

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Начало в мастерской фотографа

  Еще в 1860-х годах молодые французские художники начали поиски своего собственного стиля, отличного от господствовавшего академизма. Они встречались в одном из кафе, но своей выставочной площадки у них не было. Только в 1874 году 30 художников подготовили экспозицию в мастерской парижского фотографа и карикатуриста Надара. Эта выставка — первая в истории импрессионизма.

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Центр мирового искусства

  В общей сложности, до 1886 года в Париже состоялось восемь выставок работ импрессионистов. Их участники — Моне, Писсарро, Ренуар, Мане, Дега, Сислей, Моризо и другие — были разными, но технические приемы, средства, мотивы и мироощущение сближали их. Эти выставки становились настоящими событиями в культурной жизни французской столицы, которая в те времена являлась центром мирового искусства.

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Дорога в лесу Фонтенбло

  Импрессионисты любили пейзажи. Они выходили на пленэр и писали свои картины так, чтобы как можно достоверней передать атмосферу, настроение, текучесть мгновения, световую гамму… Излюбленным местом для молодых художников, в том числе и Клода Моне, был лес в Фонтенбло, в 50 километрах южнее Парижа.

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Свет и цвет

  В отличие от господствующего академизма, импрессионисты придавали цвету и свету намного больше значения, чем четким формам. На картине «Банка с персиками», написанной в 1866 году, Моне великолепно удалось передать игру света и отражение на мраморной столешнице.

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Пример для подражания

  Эдуард Мане считается «крестным отцом» французского импрессионизма. И хотя он держался особняком и выставлялся как на «альтернативных», так и на академических выставках, его влияние на художников-импрессионистов, особенно на Клода Моне, неоспоримо.

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Скандальная картина

  Картина «Обед (завтрак)», написанная Моне в 1868 году, вызвала во Франции настоящий скандал. На картине высотой более двух метров (в оригинале она вытянута вертикально) изображена бытовая сцена. Но такой формат в то время был «зарезервирован» только за батальными полотнами. Кроме того, на ней была изображена гражданская жена Моне Камилла с их внебрачным сыном. Это был вызов общественной морали!

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Реальная жизнь

  Вокзалы, перроны, поезда, дым паровозных труб — излюбленные мотивы Моне. Его картина «Вокзал Сен-Лазар, нормандский поезд» иллюстрирует процесс индустриализации в XIX веке. Для творчества импрессионистов было характерно то, что они мифологическим и религиозным сюжетам предпочитали реальную жизнь, мир вокруг себя.

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Исчезнувший вокзал

  С годами Моне все меньше ориентируется на конкретные мотивы. Вместо этого он больше подчеркивает атмосферу, настроение. Кажется, что вокзал Сен-Лазар словно растворяется в клубах дыма на этом полотне, написанном уже в 1877 году.

• Клод Моне и рождение импрессионизма

  Современники и единомышленники

  Франкфуртский Städel первым из немецких музеев начал собирать живопись импрессионистов, начиная с 1899 года. В экспозиции «Моне и рождение импрессионизма», которая продлится до 21 июня 2015 года, — около ста картин, в том числе и из других музеев мира. Среди них работы современников и единомышленников Моне, например, «Понтуаз зимой» Камиля Писсарро.

  Автор: Виктор Вайц

Картины импрессионистов — шедевры мастеров прошлого и наших современников

Считается, что искусство не имеет границ. Тем не менее люди решили разделять произведения художников по жанрам, в которых можно довольно легко запутаться, ведь границы стилей условны. Сегодня речь пойдет об одном из основных направлений в живописи — импрессионизме.

Возникновение импрессионизма

Импрессионизм как жанр искусства возник во Франции в 1870-х гг. Зарождением этого стиля послужило создание картины К. Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872 г.). Один журналист назвал художника импрессионистом, однако с отрицательным смыслом. Но вскоре это забылось, а картина породила новый жанр.

в 1874 году свою первую отдельную выставку провели художники-имперссионисты. Картины, выставленные на ней, подверглись критике за отсутствие смысла, раскованность и плохую прорисовку. Однако художники не останавливались и продолжали организовывать подобные мероприятия, заявляя о своем искусстве.

Импрессионизм был чисто французским явлением. Художники из других стран смогли перенять некоторые черты, однако не в полной мере.

Именно импрессионисты первыми отошли от общепризнанных стандартов и шаблонов академического письма, дав тем самым огромный толчок развитию художественного искусства. Они глубоко занимались исследованиями цветов и новых техник письма, что в конечном итоге и привело нас к сегодняшнему разнообразию.

Следует отметить, что импрессионизм оказал серьезное влияние и вдохновил своей новизной представителей и других сфер искусства: скульптуры, музыки и литературы.

О чем рассказывают картины импрессионистов

Импрессионизм сосредоточен на изображении и том впечатлении, которое оно дает зрителю. Картины импрессионистов чаще всего изображают обычные сцены из жизни: городскую суету или пейзажи. Их работы дарят зрителям те мимолетные впечатления, которые испытали сами живописцы. Импрессионизм не замечает проблем или негатива, он показывает исключительно положительные стороны жизни.

В основном на картинах можно увидеть такие сюжеты, как пикники, катание на лодках, танцы, чаепития, забавы на открытом воздухе и прочие радости жизни. Людей на картинах не застывшими, а двигающимися, играющими, смеющимися чаще всего изображали импрессионисты. Картины позволяют нам окунуться в живую реальность прошлых веков, увидеть, какая обстановка окружала людей XIX века.

Особенности картин импрессионистов

Талант отражения на полотне моментальныго первого впечатления является главной чертой всех художников. Они всегда творили с натуры, без всяких зарисовок, улавливая и передавая общее настроение. Картины импрессионистов не несут глубокого смысла или скрытого содержания, они изображают обыденную жизнь, но делают это не просто, а мастерски. При взгляде на такие картины у зрителя сразу появляется определенная мысль или эмоция, которая остается еще на некоторое время после просмотра.

Особый стиль письма развивали импрессионисты. Картины, написанные ими, чаще всего отличаются нечеткими линиями и отдельными мазками основных цветов. Дело в том, что они передавали все цвета стандартным набором красок, умело ставя мазки. Большое внимание в работах они уделяли игре света, солнечным лучам и теням, старались создать контраст. Показательной в этом плане может служить картина О. Ренуара «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876 г.).

Великие импрессионисты прошлого

С момента создания течения было множество художников, творивших в стиле импрессионизма, однако по-настоящему великими можно назвать совсем немногих. Так, наиболее известные художники-импрессионисты — это К. Моне, О. Ренуар, А. Сислей и К. Писсаро. Вообще, импрессионизм как течение был особенно популярен в конце XIX века, именно тогда творили истинные мастера.

Это направление в живописи послужило началом, вдохновением для других не менее именитых художников — В. ван Гога, П. Сезанна, П. Гогена. Эти художники стали основателями постимпрессионизма, который сделал своей целью отказ от изображения реальной жизни, переход к изображению ее основ.

Современные импрессионисты

Не стоит думать, что направление перестало существовать после его расцвета. До сих пор есть художники, которые для своего творчества выбирают именно импрессионизм.

Картины современных импрессионистов вызывают не меньше восхищения, чем полотна прошлого. На сегодняшний день немало мастеров творит в этом жанре, однако кто из них наиболее достоин этого титула, покажет время. Тем не менее есть несколько художников, полотна позиционируются как картины импрессионистов. Фото их работ представлены ниже.

Возьмем, к примеру, художника по имени Кент Р. Уоллис (Kent R. Wallis). Его полотна отличаются яркими, насыщенными красками, с помощью которых он создает великолепные пейзажи.

Также завораживают картины художника И.Дж. Папроски (E.J. Paprocki).

В его полотнах цветы, листья и другие мелкие элементы выполняются очень реалистично, в то время как остальной фон выполняется мазками. Это позволяет ему передавать красоту деталей и в то же время общие первые впечатления, характерные для импрессионизма.

почему картины импрессионистов пробуждают в нас эмоции

Впрочем, существуют исключения: некоторые люди могут воспроизвести воспоминания о самых ранних событиях своей жизни. В знаменитой работе основоположника отечественной нейропсихологии Александра Лурии «Маленькая книжка о большой памяти» описан случай Соломона Шерешевского, обладателя феноменальной памяти, профессионального мнемониста. Шерешевский вспоминает: «Мать я воспринимал так: до того, как я начал ее узнавать, — «это хорошо». Нет формы, нет лица, есть что-то, что нагибается и от чего будет хорошо… — это облачко, потом приятное…»

А вот как воспроизводит свои ранние, относящиеся к возрасту чуть больше двух лет, ощущения Андрей Белый в книге «На рубеже двух столетий»: «Представьте ваше сознание <…> несколько расслабленным <…>, но не угасшим вовсе; я <…> переживаю предметную действительность комнаты <…> как рыбка, живущая в аквариуме, поставленном в комнате; представьте себе эту рыбку сознающим себя ребенком, и вы поймете, что действительность ему подана как сквозь толщу воды». Таким образом, на ранних этапах развития мир воспринимается человеком не в деталях, а размыто, смутно, эмоционально.

«Дело в том, что формирование новых систем в процессе индивидуального развития позволяет нам все более дифференцированно соотноситься со средой, выстраивать свое поведение с учетом все большего числа деталей, — поясняет Юрий Иосифович. — Например, находясь в утробе, плод обеспечивает приток материнской крови и, следовательно, питательных веществ и кислорода к плаценте, совершая самые разнообразные движения. После рождения для той же общей «метаболической» цели становится необходимо совершать движения специализированные: дышать, чтобы получать кислород, осуществлять сосательные движения, захватывая сосок материнской груди (или соску), чтобы получать пищу. Затем оказывается, что, кроме молока, можно получать, например, сок из ложечки, и для этого надо совершать питьевые движения, захватывая ложечку ртом. Потом выясняется, что можно есть и твердую пищу, которую нужно жевать. А еще можно есть из чашки или из тарелки. С помощью разных приборов, разную пищу, совершая разные типы движений и ориентируясь на разные свойства этой пищи, определяемые зрительно, обонятельно, тактильно, по вкусу. Впоследствии человек и вовсе обнаруживает, что пищу получать можно не только дома, но еще и в школе, в кафе, на улице, в гостях, причем ее получение включает целый ряд специфических подготовительных действий и учет множества факторов: например, наличие у тебя свободных денег, а в кафе — свободных мест.

Импрессионизм и постимпрессионизм в Эрмитаже

Эрмитаж — роскошный музей, один из самых посещаемых и любимых многими жителями из разных уголков России и Земли. Экспозицию его Главного штаба оценивают как богатейшую мировую сокровищницу импрессионистского и постимпрессионисткого искусства.

Коллекцию украшают подлинные шедевры Моне, Ренуара, Сислея, Писсарро, Сезанна, Ван Гога и многих других выдающихся мастеров, творивших на рубеже 19-20 столетий.

Осматривая творчество ярких представителей данных течений, посетителям удается раскрыть для себя особенности нового художественного языка передачи уникальных и одновременно актуальных мировоззренческих взглядов художников.

В основе экспозиции — пейзажи Франции, наполненные золотыми лучами света и свежим воздухом, портреты жителей Парижа, загадочные черты которых никого не оставляют равнодушными, а также виды гогеновской Полинезии, притягивающие взоры первозданным величием и созвучием с окружением.

Эрмитажное собрание

В музее представлены шедевры в следующих количествах:

• 8 картин Клода Моне;
• 6 полотен Ренуара;
• 4 произведения Ван Гога;
• 15 работ Гогена;
• по 37 картин Анри Матисса и Пабло Пикассо;
• 9 мраморных, бронзовых и гипсовых скульптур Родена;
• а также много других художественных трудов великих мастеров.

Искусство Франции

Стоит отметить, что искусство Франции, начиная с 15 века, занимает 39 залов музея, за счет чего экспозиция стала крупнейшей в мире, организованной за пределами родной страны. На 3-м этаже в здании Главного штаба представлены произведения французской живописи и скульптуры 19-го века.

Работы французских импрессионистов и постимпрессионистов выставлены в залах 4-го этажа. Некоторые из них отведены для творчества Матисса, Пикассо и других мастеров 20 века. С 2014 года в Главном Штабе Государственного Эрмитажа открыт показ широкомасштабной выставки «Манифеста 10». Помимо произведений Матисса и Пикассо здесь можно увидеть «Композицию  № 6» Кандинского и «Черный квадрат» Малевича. 

Основу экспозиции французской живописи середины XIX — начала XX веков составляют картины маститых художников — Клода Моне, Огюста Ренуара, Альфреда Сислея, Камиля Писсарро, Поля Сезанна, Оноре Домье, Анри Фантен-Латура, Винсента Ван Гога, Поля Гогена из частных коллекций Щукина и Морозова.

Начало собрания

В анфиладе залов Главного Штаба выставлена на всеобщее обозрение богатейшая экспозиция французских импрессионистов и постимпрессионистов. Подавляющее количество произведений входило в частные собрания промышленников и коллекционеров — Ивана Абрамовича Морозова и Сергея Ивановича Щукина.

Будучи тонкими ценителями прекрасного и подлинного, они сумели в свое время понять, насколько велик будет вклад импрессионистов и постимпрессионистов в искусство. Свои коллекции меценаты собирали по крупицам, покупая картины у торговцев живописью и у самих художников. Так, важными составляющими художественного богатства Эрмитажной экспозиции импрессионистов и постимпрессионистов явились закупки и подарки от отечественных коллекционеров.

Деятельного и предприимчивого промышленника, тонкого и изысканного любителя живописи Сергея Ивановича Щукина, как ни странно, называли “дикобразом”, прежде всего, за его упрямство в сделках, а также за то, что он, мол, скупал “художественный хлам” и ничего не смыслил в искусстве.

Щукин часто бывал в Париже, где скупал полотна у художников, торговцев и знатоков живописи. Так, в его особняке появились картины Моне, Ренуара, Писсарро, Дега, Сезанна, Гогена, Ван Гога, Пикассо, а также панно, специально заказанные у Матисса, Боннара, Вилларда.

По завещанию, составленному Щукиным в 1908 году, его коллекция после смерти должна была отойти городу. Через 10 лет в ней насчитывалось 225 работ французской живописи.

Продолжая дело своего брата Алексея Викуловича, который создал Музей фарфора, Иван Абрамович Морозов собирал картины отечественных художников. Позже он увлекся импрессионизмом и пополнил фамильную художественную сокровищницу трудами французских мастеров современного направления.

Хотя он был на семнадцать лет младше Щукина, художественные увлечения и взгляды обоих меценатов совпадали. Они руководствовались нематериальными соображениями. К приходу большевиков Морозов обладал собранием из 135 полотен и скульптур.

Морозову нравилось творчество Боннара, от которого в коллекцию вошло свыше трех десятков работ. Была в особняке Морозова серия декоративных работ от Мориса Дени.

Когда Щукин представил Матиссу Морозова, то коллекция последнего пополнилась тремя полотнами, изображающими Африканские ландшафты. Морозов интересовался Таитянскими работами Гогена, также он увлекался Ван Гогом.

При советской власти собрания обоих меценатов были национализированы и переданы Эрмитажу и Пушкинскому музею. Но их постигла участь пылиться в хранилищах до середины прошлого века, так как на заре социализма незрелым строителям коммунизма продвинутое L’art Français (французское искусство) оценивать было рановато.

Сегодня на 4-ом этаже Главного штаба устроена «Галерея памяти Сергея Щукина и братьев Морозовых», где экспонируются работы импрессионистов, постимпрессионистов, художников группы Наби.

В целом, Эрмитажное собрание произведений Сезанна, Гогена, Марке, Боннара, Матисса, Пикассо и остальных великих французских живописцев и портретистов 19-20 веков столь роскошное, что заслуженно причисляется к элитнейшим и крупнейшим мировым коллекциям с учетом собственного художественного арсенала на родине.

Концепция “impression”

Импрессионизм переводится с французского языка как “впечатление”. Данное арт-течение родилось во Франции в конце 19 столетия. Художники с импрессионистскими взглядами, протестуя против приукрашивания жизни художественным академизмом, обратились к своеобразной передачи действительности. Они работали исключительно с натуры, для пейзажных творений ими использовались природные ландшафты.

В них они желали показать природное изящество и стремление к переменам, отлично изображая воздушность и солнечность, утонченные оттенки света и красок.

Самобытная тональность и свежесть картин, оптическое восприятие натуральных сцен импрессионистами дали толчок развитию течения, что расширило грани возможного живописи.

Акцентирование внимания на цветовом восприятии мира и уход от концептуальной значимости явлений стали причиной того, что художники начали объединять создаваемые ими образы в одно целое.

Поэтому в импрессионизме отсутствует сюжетная живопись. Методы импрессионизма не нацелены на “разоблачение” или “обнажение” индивидуальности, отображение событий большого масштаба. Это притом, что конфликтность той эпохи была величайшей. Отсюда и обвинение, звучащие в адрес произведений импрессионистов, о их, якобы, отдаленности от жизни.

Творческий подход авторов зиждется на субъективном отражении действительности. Мастера стремились к отображению сиюминутных эмоций, полученных от реальности.

Имя течения возникло от названия картины Моне «Впечатление. Восход солнца». Это было центральным произведением Парижской экспозиции 1874 года. Что вызвало фурор. Один журналист с большим сарказмом обозвал вышеназванного художника и иже с ним — «импрессионистами».

Течение — “post-impression”

Англичанин Роджер Фрай использовал это слово, критикуя появившееся во французском искусстве на рубеже 19-20 веков современные по тем временам течения.

После публикации “Манифеста символизма” Мореаса, ознаменовалась эра духа-творца. Взяв от импрессионизма цветовые составляющие чистоты и звучности, постимпрессионизм занимается поиском стабильных ценностей. Работы мастеров насыщаются философией и символизмом. К постимпрессионизму причисляют работы Тулуз-Лотрека, Сезанна, Ван Гога, Гогена, Сера, Синьяка, Писсарро и прочих авторов.

Постимпрессионисты отличались от импрессионистов своим стремлением к отображению не сиюминутных моментов, а самой вечности, как будто они владели тайными знаниями о мироздании.

Принципы постимпрессионизма повлияли на формирование фовизма, кубизма, экспрессионизма и других течений, легли в основу развития современной живописи.

Выводы из сказанного

Эрмитажное собрание из фамильных сокровищниц Щукина и Морозова — это уникальнейшие произведения, шедевры от знаменитых мастеров. Частные коллекции пополнялись этими ценителями искусства тогда, когда художественные труды импрессионистов и постимпрессионистов не признавались ни общественностью, ни специалистами. Сегодня данные течения актуальны как никогда. Они входят в историю развития живописи. Но главное, они служат людям, которые неравнодушны к великому искусству.

Художественный институт Чикаго

Фонды французского искусства конца XIX века Института искусств являются одними из крупнейших и лучших в мире и включают в себя некоторые из самых известных и любимых произведений в музее. Включенные здесь работы являются яркими моментами из нашей обширной коллекции.

Пьер-Огюст Ренуар

Картина Пьера-Огюста Ренуара, изображающая двух лодочников и их подругу, наслаждающихся обедом на свежем воздухе, представляет собой картину идиллического удовольствия.Ренуар, вероятно, создал эту картину во время длительного пребывания в ресторане, который на ней изображен, — Maison Fournaise на берегу Сены. В этот период он завершил множество сцен из лодочной жизни.

Обед в ресторане Fournaise (обед гребцов)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК: В конце девятнадцатого века живописные маленькие городки на реке Сене к западу от Парижа стали популярными местами для парижан, желающих хорошо провести день. Это одна из многих картин, сделанных Ренуаром в ресторане «Фурнез», из которого открывается вид на реку. Двое мужчин и женщина сидят на одной из речных террас ресторана, наслаждаясь летним днем ​​после неторопливого обеда. Все они могли провести утро за более активными занятиями. Мужчина слева был известным покровителем соседнего плавательного заведения. Его друг справа одет в белую рубашку и брюки гребца, а их спутница одета в синий костюм лодочницы, как и женщина, которую мы видим через шпалеру.За ней гоночный катер мчится по воде все быстрее. На террасе Ренуар создает атмосферу расслабления и тишины, пока вечеринка затягивается за вином и фруктами. Его мягкая, рыхлая манера письма прекрасно передает слегка туманный дневной свет. Он просачивается через решетку и сияет на белых мужских костюмах, а более толстая краска выделяет края бокалов и графина точками ослепительного танцевального блеска.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Берта Моризо

В этой работе Берта Моризо улавливает суть современной жизни в сдержанных тонах, изображая свой предмет мягкими, перистыми мазками с нюансами оттенков лаванды, розового, голубого, белого и серого.Композиция напоминает визуальную тональную поэму, оркестрованную такими ароматными и редкими мотивами, как расчесанные светлые волосы, атлас, пуховки и лепестки цветов. Моризо участвовал в семи из восьми групповых выставок импрессионистов; эта картина была включена в пятую выставку 1880 года, где ее работа получила большое признание.

Гюстав Кайботт

Этот монументальный вид оживленного парижского перекрестка считается шедевром Кайботта. В нем художник запечатлел сцену стремительной современности, передающую сиюминутность повседневной жизни, изображая модных горожан, прогуливающихся по улице в дождливый день.Строгая перспектива и грандиозность картины понравились парижской публике, а ее асимметрия, необычно обрезанные формы и вымытое дождем настроение стимулировали более радикальное восприятие.

Парижская улица; Дождливый день (тур по основам)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Из-за масштаба фигур почти в натуральную величину, это картина, в которую хочется просто войти.

РАССКАЗЧИК:
Это Париж-стрит; Дождливый день», крупнейшая картина Гюстава Кайботта. Глория Грум, Дэвид и Мэри Уинтон Грин, куратор и заведующий кафедрой европейской живописи и скульптуры.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Вы думаете об этом почти как в кадре фильма, и что каким-то образом это было остановлено, и эти фигуры застыли.

На этой картине много-много фигур, и сначала наш взгляд прикован к этой удивительно элегантной паре. Затем, когда вы начинаете оглядываться, вы видите, что справа есть человек, который обрезан концом кадра.И похоже, что он обязательно столкнется с этой парой, и кому-то придется передвинуть свой зонтик. Кажется, его локоть вот-вот вонзится прямо в нее.

Это тоже Кайботт, играющий с идеей фотографии, которая была так важна в 19 веке. Но фотография не смогла бы запечатлеть то, что он сделал. Пройдет еще десять лет, прежде чем вы сможете действительно запечатлеть фигуру, идущую в такой среде. Итак, у вас есть представление о фотографии, но на самом деле это Кайботт, использующий эту идею и делающий то, на что способна только картина.

РАССКАЗЧИК:
Здесь Кайботт демонстрирует все новое в Париже 1877 года. Одежда по последней моде. Выдвижной зонт только что изобрели. Даже городской пейзаж новый. Десятилетняя реконструкция превратила извилистые средневековые улочки Парижа в грандиозные бульвары, подобные тем, что вы видите здесь.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Итак, хотя это во многом праздник нового Парижа, это Париж, который говорит с нами сегодня. Потому что это тот самый Париж, который мы видим, и в нем есть что-то знакомое и ностальгия, когда мы его видим, мы понимаем, что это Париж, потому что это Париж, который мы видим сегодня.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Илер Жермен Эдгар Дега

Шляпа — главный символ современной буржуазной женщины в работах Эдгара Дега — также служит метафорой художественного процесса на этой картине, изображающей шляпную лавку. Дега соскоблил и перекрасил холст вокруг рук женщины и шляпы, которую она держит, чтобы создать ощущение движения.Соседние шляпы тоже остаются незаконченными — ожидая своей доработки в мастерской, они написаны частично широкими мазками, как будто сам Дега еще не закончил над ними работу.

Магазин Миллинери

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК: Эдгар Дега был очарован парижскими шляпными магазинами с их роскошными витринами разноцветных шляп и элегантными продавщицами и покупателями. Эта молодая женщина, осматривающая шляпу на расстоянии вытянутой руки, может быть клиенткой, но, скорее всего, продавщицей. Дуглас Друик, президент и директор Элоизы В. Мартин Чикагского института искусств.

ДУГЛАС ДРАЙК: Если молодая женщина действительно работает модисткой, то шляпа, над которой она работает, похоже, еще не закончена. Весь вопрос о законченном и незаконченном, другими словами, о том, когда картина была завершена, был чем-то очень близким к практике Дега, и даже на этой картине некоторые другие шляпы, стоящие на подставках, кажутся менее законченными, чем синяя шляпа. и розовая шапка с золотой лентой, и чудесная шапка с зеленой лентой.Что также интересно с точки зрения двусмысленности этой картины, так это отождествление Дега со всей темой модисток, потому что Дега родился в богатой семье банкира. Однако как художник он, как и модистки, проводил время, создавая вещи своими руками и используя материалы. И я думаю, что эта картина является своего рода метафорой многих проблем, с которыми Дега сталкивался как художник.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Пьер-Огюст Ренуар

Две девушки, изображенные на этой картине, сжимающие апельсины, подброшенные им толпой в качестве подарков, вероятно, выступали в качестве акробатов в знаменитом Цирке Фернандо их отца в Париже.Хотя они написаны стоя в центре цирковой арены, Ренуар на самом деле рисовал их в своей мастерской, где он мог в полной мере насладиться естественным солнечным светом.

Подробнее об этой работе читайте в нашем блоге.

Акробаты Цирка Фернандо (Франциска и Анджелина Вартенберг)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК: Ренуар нарисовал этих двух молодых акробатов в популярном парижском цирке в 1879 году. Дуглас Друик, президент и директор Элоизы В. Мартин Чикагского института искусств.

ДУГЛАС ДРУК: Младшая сестра стоит, держа в руках апельсины, которые благодарные зрители бросают девочкам после их выступления, а старшая сестра указывает на толпу. На самом деле, они больше похожи на танцоров, закончивших выступление _______, чем на акробатов, и этот акцент на изяществе, с которым они держат себя, а не на искривлениях их выступления как акробатов, типичен для подхода Ренуара к своему предмету при создании картины.Ему было интересно передать в картине ощущение красоты и гармонии.

РАССКАЗЧИК: Сцена Ренуара не освещена резким газовым светом, который тогда использовался в цирках—

ДУГЛАС ДРУК: Скорее мы видим этих двух молодых девушек, изображенных так, как будто они находятся на улице с очень мягким светом, который привлекает внимание к золотым деталям их костюма, их лентам для волос и их ботинкам, так что мы получаем хроматическую гармонию и отличный деликатес.

РАССКАЗЧИК: Ренуар крупным планом акробатов изображает зрителя в театральном бинокле, такого как хорошо одетый мужчина в правом верхнем углу.

ДУГЛАС ДРУК: Итак, это тот тип сюжета, который в конце 1870-х годов, когда Ренуар создал это, представлял собой квинтэссенцию современной модной жизни в Париже». Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Пьер-Огюст Ренуар

Действие происходит в парижском пригороде Шату. Две сестры (на террасе) рассказывает о паре молодых женщин, которые на самом деле не были сестрами.Пьер-Огюст Ренуар сопоставил солидные фигуры девушек в натуральную величину с мечтательным, фантастическим пейзажем. Корзина с пряжей слева от них напоминает палитру художника, а контрастные выражения лиц девочек — отстраненный взгляд старшей и нетерпеливая неподвижность младшей — делают этот «сестринский» момент небрежно искренним.

Две сестры (На террасе)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК: Это лирическое изображение двух девушек Огюстом Ренуаром — одна из самых популярных работ в Художественном институте. Ренуар написал его в 1881 году, установив на террасе ресторана «Фурнез», который выходил на скромный участок реки Сены недалеко от Парижа. К 1881 году он уже более десяти лет посещал ресторан и рисовал его модных парижских посетителей и красивые окрестности. Здесь Ренуар изображает элегантную молодую женщину, сидящую на теплом солнце в сопровождении маленькой девочки.На самом деле они не сестры, а неродственные модели, несмотря на название картины. На молодой женщине синий фланелевый костюм канотье, который она оживила вишнево-красной шляпой и букетом ярких весенних цветов на лифе. Эти элементы с украшенной цветами шляпкой маленькой девочки и ее шерстяной корзиной придают образу интенсивное живое качество. Шляпы и шерстяная корзина нарисованы толстыми полосами краски. Они разительно контрастируют с фарфоровыми лицами девушек, чей розовый цвет нарисован мелкими мазками кисти, придавая коже нежно-гладкий эффект.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Эдуард Мане

В этой картине Эдуара Мане женщина, сидящая в парижском кафе, работает трюк: сцена позади нее на самом деле является одной из картин Мане, а стол, журнал и другие предметы являются реквизитом, установленным в мастерской Мане. Эта очень импрессионистская картина с ее свободными мазками и светлыми цветами типична для более поздних работ Мане.

Женщина, читающая

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

Рассказчик: Вы не чувствуете ничего странного в этой картине? [пауза] Обратите внимание на наряд женщины. Она кажется немного укутанной на весеннем фоне позади нее, верно? Это не совпадение. Здесь мы обнаруживаем, что Мане проделывает небольшой трюк. Куратор, Глория Грум.

Глория Жених: Ученые пришли к выводу, что это вовсе не настоящий сад, а скорее одна из картин самого Мане. И мы пришли к такому выводу из-за этого синего элемента, который вы видите справа от читающей женщины, который на самом деле является ведром для воды.

Рассказчик: Мане использовал этот же фон в картинах 1880-х годов. На самом деле, вы можете увидеть еще один пример этого на портрете мадам Гамби, который также находится в этой галерее.

К 1880 году Мане стал менее подвижным из-за болезни и уже не мог добираться до кафе, парков и других парижских сцен, которые любил рисовать.Вместо этого он прибегал к воссозданию сцен в своей студии. Здесь он сочетает садовую сцену, вероятно, написанную в пригороде, с современной парижанкой, пьющей пиво, чей портрет был написан еще в Париже.

Глория Грум: Вся концепция в том, что она современная женщина. У нее есть кружка пива, она одна, она сосредоточена не на последних политических новостях, а, вероятно, на том, что она собирается съесть в следующий раз в «Галери Лафайет». Итак, она образ модной парижанки — типа, который, по его словам, он хотел показать во всей их красоте, во всей их грации и гламуре.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Жорж Сера

Эта сцена Гранд-Жатт, острова на Сене недалеко от Парижа, где горожане искали отдыха и развлечений, считается величайшей работой Жоржа Сёра. Сера много работал над Воскресенье в Гранд-Жатт — 1884 , переделывая оригинал и выполняя многочисленные предварительные рисунки и наброски маслом.Вдохновленный исследованиями в области оптики и теории цвета, он сопоставил крошечные мазки цветов, которые в результате оптического смешения образуют единый и, как он считал, более ярко светящийся оттенок.

Воскресенье на Гранд-Жатт — 1884 г. (тур Essentials)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК:
Возможно, это самое знаковое произведение искусства в Художественном институте.Глория Грум, Дэвид и Мэри Уинтон Грин, куратор и заведующий кафедрой европейской живописи и скульптуры.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Вы видите много разных фигурок. И эти цифры представляют разные сферы жизни. Они собрались здесь, на берегу Сены, воскресным днем, и большинство из них в лучшем воскресном наряде.

Из-за цвета кажется очень живым. Но на самом деле никто не двигается. Там действительно тишина. Сёра хотел извлечь из современной жизни, очистить ее.И сделать, по его словам, наподобие фриза Парфенона, но с использованием современных людей во всех их чертах.

РАССКАЗЧИК:
Здесь есть загадки: слева канотье в кепке кажется непропорционально большим по сравнению с парой, сидящей рядом с ним. Почему маленькая девочка в оранжевом единственная запечатлена в движении? Что это за две оранжевые фигуры справа?

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Для нас это загадочная картина. Это то, к чему мы возвращаемся снова и снова.Вы никогда не устанете от этого. Поскольку вы всегда находите что-то еще необычное, это заставляет вас иначе думать о том, что, как вы думали, вы знали. И это, я думаю, признак великой картины.

РАССКАЗЧИК:
Сёра использовал технику под названием «пуантилизм», и это то, чем он известен. Он рисовал крошечными точками, часто в дополнительных цветах.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Если бы вы были художником-авангардистом в конце 19 века, вы бы подумали о комплементариях на цветовом круге.Такие фиолетовые и желтые, синие и оранжевые, красные и зеленые. И когда вы кладете их рядом друг с другом и не смешиваете, они мерцают.

И вот он разбивает поверхность этими маленькими точками пигмента. И в этом его совершенно иной подход к живописи. И каждому художнику после «Гранд-Жатте» приходилось считаться с тем, какой должна быть картина, и как нам теперь принять эту новую технику.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Винсент Ван Гог

В 1888 году Винсент Ван Гог переехал в новый дом в Арле, Франция, который он назвал «Южной студией» в надежде, что к нему присоединятся друзья и художники.Он сразу же приступил к работе над домом и нарисовал эту сцену в спальне как часть своего плана декорирования. Эта залитая солнцем композиция с ее яркой палитрой, драматической перспективой и динамичной манерой письма, кажется, готова взорваться напряженной, нервной жизненной силой. Ван Гогу так понравилось это изображение, что он написал три разные версии — две другие хранятся в коллекциях Музея Ван Гога в Амстердаме и Музея Орсе в Париже.

Спальня (тур по основам)

Ваш браузер не поддерживает тег audio.

РАССКАЗЧИК:
Глория Грум, Дэвид и Мэри Уинтон Грин Куратор и председатель отдела европейской живописи и скульптуры.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Я думаю, что одной из причин, по которой люди так притягиваются к этому, является предмет. Я имею в виду, что Ван Гог рисует свою спальню своими картинами и мебелью, которую он купил.

РАССКАЗЧИК:
Это была спальня Винсента Ван Гога в его доме в Арле, где он жил в конце 1880-х годов.Там он мечтал создать коллектив художников — «Студию Юга». Поначалу он был полон большого оптимизма по поводу начинания и идеи наконец-то найти место, которое можно было бы назвать домом.

Сама комната проста, почти аскетична. В письме своему брату Тео он написал:

АКТЕР (ВИНСЕНТ ВАН ГОГ):
Вы, наверное, сочтете интерьер самым уродливым, пустая спальня с деревянной кроватью и двумя стульями — и все же я дважды рисовал ее в большом масштабе.

РАССКАЗЧИК:
На самом деле Ван Гог считал эту картину одной из своих лучших.Куратор Глория Грум.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Он делает это таким интересным и привлекательным, и в то же время [довольно неприятным. То, как ложится краска, ее ломкость. Крайняя радикальность растопыренных половиц. Есть какая-то… я бы не сказал жуткая, но определенно неловкость, неустроенность по этому поводу.

РАССКАЗЧИК:
Это беспокойство, вероятно, связано с душевным состоянием Ван Гога в то время. Он написал эту работу после того, как у него случился психический срыв, он вышел из дома и был госпитализирован с психическим заболеванием.

ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Он в приюте. [Его] мечты были разрушены. Он знает, что у него никогда, никогда не будет такого собственного дома… это спальня с мебелью, которую вы можете себе представить в любой спальне, но то, как она окрашена, делает ее живой. Это придает еще одно ощущение волнения, о котором мы просто не думаем в искусстве того периода. Это очень необычно.

Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.

Импрессионизм

Илер Жермен Эдгар Дега
Автопортрет , возможно 1854
Бумага, масло на холсте
Музей Метрополитен, Нью-Йорк.Завещание Стивена Кларка, 1960 г.

Эта относительно законченная и формальная картина, одна из пяти работ Дега, принадлежавших Стивену, была написана, когда Дега было около двадцати лет. Художник изобразил себя в халате поверх накрахмаленной белой рубашки и темного жакета, одежда, напоминающая более ранние автопортреты итальянских и французских мастеров.

Илер Жермен Эдгар Дега
Танцоры в классе , c. 1880
Холст, масло
Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс

Стерлинг приобрел девять работ Дега танцевальной тематики.На этой панорамной картине танцоры изображены в большом тренировочном зале, их фигуры расположены вдоль диагональной линии, пересекающей широкий холст. Необычная композиция картины могла быть навеяна японскими гравюрами, которыми восхищался художник.

Берта Моризо
Ванна (Девушка, укладывающая волосы) , 1885–86
Холст, масло
Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс синее колье, а также действия по укладке ее волос предполагают, что она готовится к выходу.Хотя эта картина сильно отличается по настроению от многих изображений женщин, принадлежавших Стерлингу, она также соответствует его вкусу к приятным предметам.

Клод Моне
Тюльпановые поля в Сассенхейме, недалеко от Лейдена , 1886
Холст, масло
Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс

Это одна из пяти картин, написанных Моне во время поездки в Голландию в 1886 году. толстые пастозные мазки придают глубину и богатство ярко окрашенному полю тюльпанов, окаймляющему канал под широким открытым небом.Это была первая из шести картин Моне, приобретенных Стерлингом.

Камиль Писсарро
Река Уаз близ Понтуаза , 1873
Холст, масло
Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс

Писсарро умело передает переходные эффекты света в этой ранней импрессионистской работе. Это одна из четырех картин, написанных им в 1873 году и изображающих фабрику Chalon et Brenot в Понтуазе. Стерлинг был большим поклонником Писсарро, и его, несомненно, привлекала яркая палитра и живая манера письма этой картины.

Альфред Сислей
Яблоки и виноград в корзине , 1876
Холст, масло
Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс

Один из девяти натюрмортов, когда-либо написанных Сислеем. текстуры. Блеск яблок сильно отличается от более мягкого блеска винограда, а жесткие складки накрахмаленной скатерти контрастируют с развевающейся на заднем плане пленочной занавеской.

Эдуард Мане
Лежащая молодая женщина в испанском костюме , 1862–1863
Холст, масло
Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен.Завещание Стивена Карлтона Кларка, B.A. 1903

Пьер-Огюст Ренуар
Спящая девушка с кошкой , 1880
Холст, масло
Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Вильямстаун, Массачусетт

Несмотря на внешнее сходство сюжета, эти две картины очень разные по настроению. Модель Мане смотрит на нас с вызывающим выражением лица, в то время как юная героиня картины Ренуара мирно спит, не подозревая, что она является объектом нашего внимания. Картина Мане с ее традиционной композицией и причудливым костюмом натурщика относится к творчеству более ранних художников; Полотно Ренуара сознательно современно; полосатые чулки модели, например, являются явно современной деталью.

В 1910-х и 1920-х годах, когда братья Кларк начали собирать европейское искусство, картины импрессионистов становились все более популярными среди американских коллекционеров. В конце концов Стерлинг приобрел широкий спектр работ большинства выдающихся импрессионистов, которые вскоре составили основу его коллекции. Он чувствовал, что эти художники унаследовали и обновили традиционные техники живописи эпохи Возрождения. Стивен собирал на этом поприще гораздо более избирательно. Однажды он сказал торговцу, что «школа импрессионистов меня не очень интересует», но он искал исключительные шедевры таких художников, как Эдуард Мане, Пьер-Огюст Ренуар и Эдгар Дега.

оригинальных картин маслом современного импрессиониста Эрин Хэнсон

портфолио — оригинальные картины маслом современного импрессиониста Эрин Хэнсон

Этот сайт лучше всего просматривать с помощью Javascript. Пожалуйста, включите Javascript в вашем браузере и обновите страницу.

Да! Нет, спасибо

Подпишитесь на еженедельный информационный бюллетень, чтобы быть в курсе обновлений артистов-инсайдеров!

Сочетая эмоциональный резонанс импрессионистов 19-го века с богатой цветовой палитрой экспрессионизма, уникальный стиль Эрин Хэнсон стал известен как «Открытый импрессионизм». Ее картины появляются в учебных программах художественных школ по всему миру, и с миллионами последователей в Интернете Хэнсон вдохновляет новую любовь к импрессионизму в мире современного искусства.

  

Эрин Хэнсон — создатель современного стиля живописи, известного как «открытый импрессионизм», который сейчас преподается в художественных школах и колледжах по всему миру.В ее импрессионистских картинах используются минимальные мазки и пастозное нанесение краски. Используя ограниченную палитру чистых, незамутненных цветов, она ловко передает естественную красоту природы.

 

Хрестоматия по истории искусств: Импрессионизм | Сартл

Впечатление, Восход солнца Клода Моне — картина, изменившая все.

Что, если бы вам не нужно было прорисовывать пейзаж в мельчайших деталях, чтобы донести свою точку зрения? Что, если на самом деле более свободный, более выразительный стиль передает ощущение места лучше , чем сверхреалистичная сцена? Эти вопросы крутились в головах молодых парижских художников на рубеже 20-го века (или fin de siecle , если вы француз/фантазер).

Все началось с картины, которую вы видите выше. «Пленэрная» живопись (живопись на открытом воздухе) набирала популярность как вид искусства.С изобретением предварительно смешанной краски в тюбиках краску больше не нужно было тщательно измельчать и изготавливать учениками в студии, а тюбики было легче переносить, чем их стеклянные предшественники. С практической точки зрения, картины, сделанные таким образом, должны быть написаны быстро, чтобы не потерять идеальный свет или чтобы очаровательный парусник не уплыл из виду. Моне, признав, что эта работа на самом деле не передала реальность Гаврского порта, где река Сена встречается с Ла-Маншем (ведь большая часть изображения состоит из облачной серой дымки), представил ее в салон, не называя местоположение и вместо этого выбрав название Impression, Sunrise . И это было подходящее название, потому что это красивое оранжевое отражение солнечного света на воде, выведенное всего лишь несколькими короткими мазками кисти, представляет собой именно то, чем был импрессионизм: свет, движение и сама краска. Моне не нужно было ничего, кроме этих простых голубых полос, чтобы мы почувствовали пульсацию волн, или кусочков белого, добавленных к оранжевому, чтобы показать нам, как солнечный свет блестит на их поверхности, согревая холодное и туманное утро. Короче говоря, вы можете думать об импрессионизме как об искусстве поймать момент.

Как это часто бывает при представлении нового стиля, скупые критики были шокированы и потрясены этим отходом от академической живописи. Луи Леруа написал резкую статью в сатирическом журнале, высмеивая картины, которые он считал незаконченными и схематичными, и саркастически называя современных художников, которых он считал неквалифицированными, «импрессионистами». Группа независимых художников приняла это название, сделав его таким, что, пытаясь поджарить новый стиль, Леруа непреднамеренно придумал термин для одного из самых важных движений в истории современного искусства.

Импрессионизм так важен, потому что он открыл художникам путь к инновациям в том, как они создавали искусство. Они сосредоточились на текстуре самой краски, оставив видимым жест мазка, и были смелыми в выборе и использовании цветов. Их картины вызывают эмоции, а не дотошные детали, и подчеркивают современную тематику. В импрессионизме вы не увидите ни исторических событий, ни греческих богов, ни царских портретов. Вместо этого в моде были пейзажи, досуг и снимки городской жизни.

Эта настойчивость в изображении красоты повседневной жизни во многом была результатом индустриализации, происходившей во Франции в то время. Например, недавно построенные железнодорожные линии означали, что парижанам было легче сбежать в сельскую местность, что они и делали толпами каждые выходные, чтобы плавать на лодках, устраивать вечеринки и пить в уличных кафе — все мотивы, которые вы увидите повторяющимися в искусстве импрессионистов.

Сам Париж тоже модернизировался. Между 1853 и 1870 годами Париж был полностью отремонтирован при императоре Наполеоне III, который приказал снести маленькие и извилистые старинные улочки и заменить их широкими открытыми бульварами. Новые просторные улицы позволяли вести торговлю более свободно, а увеличение количества общественных мест, таких как променады, парки и площади, означало, что люди всех классов смешивались снаружи, чтобы насладиться новым сияющим окружением. Это дало импрессионистам множество новых тем для работы, и они были так же вдохновлены усталыми лицами нищих и богемными сценами публичных домов, как и деятельностью и модой более богатых кругов.

Еще одно важное влияние на импрессионистов оказали укиё-э, или японские гравюры на дереве из Эдо (современный Токио).Ранее изолированный от западного мира договор, подписанный в середине 19-го века, открыл шлюзы японского искусства и культуры для европейской аудитории, и японский импорт стал невероятно популярным. Термин «японизм» был придуман для описания европейского искусства, вдохновленного эстетикой укиё-э, которая включает в себя уплощение пространственной перспективы, простой фон без сложных деталей и яркие цвета. Клод Моне был особенно очарован Японией, построив пешеходный мост в японском стиле через пруд в своем азиатском саду , где росли его печально известные водяные лилии.

Проще говоря, импрессионистов вдохновлял окружающий мир. Как однажды написал Камиль Писсарро: «Но путешествие было бы поистине долгим, если бы кто-то останавливался у каждого красивого города или деревни, у каждого прекрасного мотива, — хотя художнику не желать ничего лучшего, чем быть в состоянии остановиться, а затем продолжить свой путь и всегда продолжай и останавливайся».

— Из книги «Камиль Писсарро: Письма к его сыну, Люсьену» (Pantheon Books, Inc., 1948)

Вот основные игроки импрессионизма:

 

Клод Моне — «Большой папа» импрессионизма

 

Эдуард Мане — Художник современной жизни

 

Эдгар Дега — Балерины, купальщицы и лошади

 

Мэри Кассат — Частная жизнь богатых женщин, мам и детей

 

Берта Моризо — Красочные домашние сцены

 

Пьер-Огюст Ренуар — Румяные щечки, вечеринки и «чувственные» женские фигуры 

 

 

 

Эта книга является частью большой серии вводных текстов об искусстве и истории искусства. Каждый был написан под руководством Рика Лава. В соавторстве с этой книгой для чтения выступила Анжелика Джардини.

Американский импрессионизм: картины из постоянной коллекции

Первая групповая выставка произведений французских импрессионистов состоялась в Париже, Франция, в 1874 году. По иронии судьбы, немногие из американских художников, впоследствии ставших известными как американские импрессионисты, обращали внимание на эти выставки во время изучения искусства в Париже. Трудно поверить, что эта ныне известная группа художников, в которую входят Клод Моне, Эдгар Дега, Пьер-Огюст Ренуар, Эдуард Мане, Мэри Кассат, Берта Моризо, Альфред Сислей, Камиль Писсарро и Гюстав Кайботт, выставлялась вместе всего восемь раз, до 1886 года. , но их стиль живописи оказал заметное влияние на художников всего мира — и на историю искусства.

Многие молодые американские художники ездили в Париж в 1870-х и 1880-х годах, тогда столицу искусства мира, чтобы завершить свое американское академическое искусство, большинство из них в Академии Жюлиана.

Первые полотна американских импрессионистов, написанные в Соединенных Штатах художниками-репатриантами, появились в конце 1880-х годов (за исключением художников-экспатриантов Джона Сингера Сарджента и Мэри Кассат, которые создавали импрессионистские картины ранее), после шквала в США.экспонаты произведений французских импрессионистов и интерес ряда видных американских коллекционеров к приобретению работ Моне, Ренуара, Писсарро, Мане, Сислея и других, что подтверждает стиль в Америке.

Американские художники-импрессионисты часто сочетали академическую подготовку с более радикальными методами импрессионизма, выбирая и сосредотачиваясь на одном или нескольких принципах импрессионизма, таких как включение сломанной кисти, призматического света, атмосферных и / или климатических эффектов на объект, наблюдение, рисование набросков и рисование на открытом воздухе (на пленэре) или изображение современных предметов, особенно в свободное время.

Постоянная коллекция Художественного музея Хантингтона содержит сокровищницу картин американских импрессионистов.