Картины в стиле абстрактный экспрессионизм
Абстрактный экспрессионизм зародился в 1940–1950-е годы в Нью-Йорке. При создании картин художники взяли за основу концепцию спонтанного выражения внутреннего мира и бессознательного в неорганизованных и хаотических с точки зрения логики формах, мазках. Метод сродни автоматическому письму сюрреалиста Андре Бретона позволяет автору наиболее полно и емко выразить спектр эмоций. Представители направления пишут быстро и экспрессивно, используют масштабные полотна и нетривиальные техники: крупные негеометрические штрихи, капли (дриппинг), цветовые поля.
Ключевые идеи:
- приоритет спонтанности, импровизации, наибольший акцент на процессе творчества, а не на результате;
- выражение идей, связанных с сознанием, бессознательным и духовным;
- характер живописи анархический, мятежный, в некотором роде нигилистический и подчеркнуто индивидуализированный.
«Невесомость», Martha Goldman
История и культурный контекст
Первыми представителями художественного направления в 1940-х годах стали американские художники Ганс Гофман, Адольф Готлиб, Аршиль Горки.
Во время Второй мировой войны молодые художники ищут новые способы выражения и познания внутреннего мира. Их волнуют проблемы человеческой иррациональности, уязвимости, поиска духовного смысла. За вдохновением и методологией авторы обращаются к немецким экспрессионистам с присущей им эмоциональной напряжённостью и концепцией самоотречения. На формальную сторону искусства нью-йоркской школы повлияли работы европейских антифигуративных обществ: футуристов, кубистов, стиля Баухаус. Понимание процесса творчества как спонтанного, импровизационного акта, выплеска бессознательного сформировалось под влиянием идей сюрреалистов и опыта архаического искусства древних примитивных культур.
«Taxi Cab II», Al Held
Жест и цветовое поле
Зрелый абстрактный экспрессионизм в корне меняет ориентиры в мировом искусстве, переосмысливая отношение к творчеству. В 1950-е годы художники ищут новые пути, отказываясь от классических масштабов, тематики и техники. Поллок изобретает дриппинг: заливает расстеленный на земле огромный сырой холст разбавленной краской. Де Кунинг чередует абстрактное творчество с яркими предметными знаковыми образами. «Живопись действия» ставит в приоритет непосредственное, подлинное выражение, «жест» художника.
Другой путь выбрали Ротко и Ньюман. Упрощение изобразительных средств в пользу широкоформатных цветовых полей имело целью элементарное воздействие на смотрящего. По замыслу авторов, огромные «светящиеся» полотна должны окутывать зрителя, вызывая квазирелигиозные ассоциации и сильные эмоции.
Георг Базелиц: экспрессионизм в стиле винтаж | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW
Неоэкспрессионизм очень просто опознать.
Если намазано широкой кистью много краски и при этом демонстративно неаккуратно, ставь галку: это — неоэкспрессионизм! Складывается парадоксальная ситуация. С одной стороны, крупноформатные полотна, небрежность и грубость исполнения, истошная яркость красок предполагают спонтанность и «ниагару» чувств. С другой — часто остается непонятным, что же выражает тот или гиперэкспрессивный объект? По какому поводу каждый раз столько волнения? И не является ли состояние живописного аффекта не более чем манерностью?
Название выставке Георга Базелица (Georg Baselitz) дали две серии работ. Одна из них — это огромные женские головы, высеченные из стволов ясеня. Они покрашены в лимонно-желтый цвет и издалека напоминают гигантские спичечные головки.
Деревянная голова из серии «Женщины Дрездена»
Работы сделаны в 1990 году. Этот цикл и называется «Женщины Дрездена» («Dresdner Frauen» ). На стене напротив висят двадцать деревянных квадратов большого размера, они покрашены коричневой краской и изрезаны пилой.
Титанизм
Картины Базелица огромны, аляповаты, краска намазана, что называется, с плеча, во многих местах светит белый грунт холста, никакой мелкобуржуазной «художественностью» тут и не пахнет. Это антихудожественный титанический экспрессионизм старой школы. По нынешним меркам это и не экспрессионизм вовсе. Скажем, Йонатан Меезе — куда резче и безумнее. В Базелице видно продолжение сведения счетов с Die Brücke, с Матиссом, продолжение битв начала 20-го века, невозможность забыть тогдашние претензии, беспокойство по поводу своего места в истории искусства.
Георг Базелиц
Многие картины Базелица написаны вверх ногами, дерево растет корнями в небо, у лиц людей внизу глаза, а рот вверху. Наверное, это то, что останется в памяти потомков: Базелиц писал картины вверх ногами. Почему? Не очень понятно. Можно подумать, что так лучше видны живописные и пластические достоинства (какие?), но кажется, что ответ куда банальнее: потому что так больше не делал никто. И конечно, каждая картина, на которой глаза у лиц находятся вверху лица, пробуждает живой интерес: почему это вдруг?
Почему он не стал просто абстракционистом? Художник говорит: «Родился бы я в Америке, я бы, без сомнения, стал абстракционистом. Но было по-другому. Я просто-напросто вырос в ситуации, которая не допускала экзистенциального мировоззрения, необходимого для абстрактной живописи. То, что я стал писать, я не позаимствовал ни у какой натуры, я это просто придумал. Я придумал предметы, я изобрел этот тип живописи. В таком виде это нигде не существовало.
Правда дерева
Смысл восстания немецких экспрессионистов из группы Die Brücke состоял в преодолении скованности и «деревянности» академической живописи. Тема дерева тут вовсе не случайна, участники Die Brücke занимались анархо-архаичной гравюрой по дереву. Кроме намазывания краски, Георг Базелиц любит порубить и потерзать дерево, попилить его огромной электропилой. Поверхность его скульптур и деревянных картин изрезана «с расчетом»: не время истерзало эту поверхность, не безумный дух художника. Эта поверхность похожа на искусственно состаренные джинсы в стиле винтаж.
Деревянная картина, изрезанная электропилой
Судя по ширине пропилов, художник использует одну и ту же пилу, он делает одни и те же движения, между разрезами одни и те же расстояния, эти пропилы похожи на механическую штриховку поверхности. Иными словами, экспрессионизм, начавшийся с преодоления деревянности, деревянностью и закончился.
Картины и скульптуры сами превратились в пни. Это еще один парадокс экспрессионизма: небрежность и грубость воспринимаются как бесчувственность и невыразительность, произведения радикального экспрессионизма оказываются радикально неэкспрессивны.
Конечно, это не последнее слово, не приговор. Базелиц, наверное, действительно «делает видимой скрытую экспрессию бесформенного куска дерева» или даже «добывает правду сырого материала». Правда материала — это еще одна из забот начала 20-го века.
Автор: Андрей Горохов
Редактор: Ефим Шуман
творения гениев или хаотичная «мазня»?
На кадрах из документального фильма «Что за хрен этот Джексон Поллок?» — полотно, которое за 5 долларов купила в комиссионном магазине американская пенсионерка в качестве подарка для своей подруги.
От такого презента именинница отказалась, и владелица картины оставила полотно у себя, чтобы кидать в него дротики. Позже, благодаря судмедэкспертизе удалось выяснить, что состав краски и отпечатки пальцев на полотне принадлежат основателю и лидеру абстрактного экспрессионизма американцу Джексону Поллоку. Ряд экспертов оценили работу в 50 млн долларов. А случай в очередной раз доказал, насколько искусство и суждения о нем относительны и субъективны. И абстрактный экспрессионизм – венец всех споров и сомнений по поводу ценности работ современного искусства. 7 декабря, в день основания государственного Эрмитажа, мы решили попытаться разделить мифы и факты в таком направлении изобразительного искусства, как абстрактный экспрессионизм. Разобраться в этом вопросе нам поможет известный художник Александр Белугин, член российского, китайского и английского союза художников, чьи работы хранятся в галереях и частных коллекциях полутора десятка стран: от Японии до Англии.
Александр Сергеев, корреспондент:
«Александр, в массовом сознании существует такой стереотип, что абстрактный экспрессионизм — это направление в искусстве, которое не имеет конкретных форм, очертаний, правил.
Творить в нем может любой человек. Даже ребенок. Вы, как профессионал, работающий в этом направлении, объясните, что же собой представляет абстрактный экспрессионизм?»
Александр Белугин, художник:
Если коротко отвечать, то массовое сознание право. Все дети до семи лет работают в системе абстрактного экспрессионизма. Но для того, чтобы работать человеку после семи лет, для этого нужно понимание. Почему так работать, зачем так работать, что это из себя представляет. И само понятие абстрактный экспрессионизм появилось в 20 веке. Оно отражает сущность переживаний души человека. И как говорят современные психологи, это свойственно всем людям, которые нас смотрят и слушают, все люди находятся в состоянии тревожном. Любой не сможет сотворить картину в стиле абстрактный экспрессионизм. По закону изобразительного искусства, ценность картины не в том, что на ней изображено. А в том, кто ее изображает. И чем более человек знающий, ведающий вселенские законы, по которым живет душа творца.
Творца самого главного, а второе – сотворца. Каждый из нас гений. Но после 7 лет эта позиция стирается из сознания каждого из нас, позиция гения, таланта человека, связанного с высшими силами. Потому что не зря все великие люди, в том числе Иисус Христос, говорил, берите пример с детей. Абстрактный экспрессионизм – искусство без правил. Но самое главное правило – удалить от себя правила. Это адский труд.
А можете сказать, что изображено на ваших картинах? Давайте с этой картины начнем. Или, о чем вы думали, когда ее писали?
Вот теперь я вынужден рассказать, о чем говорят искусствоведы, о правилах абстрактного экспрессионизма.
Так все-таки правила существуют?
Нет. Они существуют, чтобы от них избавиться. Абстракция – обобщение и удаление лишнего и ненужного. Экспрессионизм – выражение. Значит максимально выразить главное. Я всегда на выставках говорю, широко закройте глаза, откройте свое сердце.
И посмотрите сюда.
Но хочется узнать точку зрения автора, о чем он думал.
К сожалению, автор во время написания картины — это одно из условий абстрактного экспрессионизма — автор не должен ни о чем думать. Процесс думания – противоположный процессу творчества. Это рассказать, о чем я думал. Шесть часов буду рассказывать, о чем я думал. Это только во время написания этой картины. 0400. Потому что сознание – это как облака. Политика, Путин. Горбачёв. Столько всего, если я начну об этом рассказывать, вам это не нужно. Важно, как говорят теоретики искусства, сотворчество. Человек со свободным сознанием, душой пришел, и он вдруг ощутил некий поток. Есть чистая энергия. И вот на выставке люди спрашивают, как понимать картину. Не надо понимать. Вы когда смотрите на облака, там есть процесс. А женщины стоят и говорят, что это дерево, а это собачка, кошка. А там не делает никто ни кошек, ни собак. Кошки, собаки здесь живут. Там нет собак. И это процесс.
Тут нет линий, овала. Моя задача, чтобы этого не было. Когда этого нет, тогда картина приближается к понятию, которое называется творческий процесс.
На ваш взгляд, самая выдающаяся картина в этом направлении, которая заслуживает внимания.
Нет таких картин. И мои тоже не являются. Глубокая картина это та, которая есть у вас внутри. Эта картина называется «Я».
Ну, которые продаются за баснословные деньги?
Вы тоже продаётесь за баснословные деньги.
Я еще не продавался.
Зря вы так думаете, вы уже проданы. И вы уже куплены.
Работодателю своему?
Конечно. И сами побежали, чтобы себя продать. Это нормально.
Нет, мы все-таки говорим про творческие работы, картины.
Картины известного всему миру художника Вангога не стоили ничего. Он продавал свои картины за похлебку супа.
Супом покормили, спасибо большое. Картины стоят сейчас 330 млн долларов. Второй художник Пиросмани. Друг во Франции сделал выставку картин Пиросмани, был фурор. Весь Париж гудит. Мы открыли нового художника Пиросмани. Кто привёз эти картины, ему платят большие деньги. А в это время сам художник в подвале под лестницей умирает от голода. Чего стоят его картины?
Поль Сезан, французский художник. Первую выставку сделал в 52 года А до этого ходил рисовал и картины выбрасывал. А жители города подбирали картины и в свинарке забивали ими окна.
Самый лучший художник в этом направлении абстрактного экспрессионизма – Джексон Поллок. Он никогда трезвым не был. И ни одной картины в нормальном состоянии не писал. Глубокий алкоголик. И все его картины – это желание выкарабкаться, почувствовать себя нормальным человеком. Стоимость картины абстрактного экспрессионизма – бесценна. И в каждое время каждому художнику человек дает собственную оценку. Пройдет 150 лет, и работы Джексона Поллока, возможно, нисколько не будут стоить.
Опять же поднимутся работы Рембрандта или Леонардо Да Винчи. Может, через 150 лет весь мир будет говорить о русском художнике Иванове. Будут в «Третьяковку» ломиться. Китайцы будут стоять миллионами в очередь в галерею, американцы. Потому что в явлении, которое будет называться «художник Иванов», оно для того времени будет актуально. Для каждого времени актуальность приобретает свое значение. Да, сейчас так.
Умение преподнести так, чтобы понравилось потребителю – основа маркетинга, которая во все времена успешно работала. И позволяла безымянное полотно преобразить в произведение изобразительного искусства, стоимостью в целое состояние. Произведения искусства действительно трудно оценить, поэтому проще согласиться с тем, что они бесценны. Но при этом всегда продаются. И платит всегда тот, кто умеет ценить. Или тот, кому внушили, что сейчас это гениально, модно и отвечает всем требования самого высокого вкуса.
Экспрессионизм как стиль дизайна. Статьи компании «Модульные картины от производителя с доставкой по всей России»
С 19 века в Германии складывалось новое видение на искусство, и экспрессионизм стал в некотором смысле революцией в различных видах творчества.
Появилось понимание, что картины нужно создавать по личному восприятию художника, при этом готовые работы не нуждаются в каких-либо комментариях. Проявился интерес к экзотическому искусству Африки и Дальнего Востока. Более пристальное внимание стали оказывать художники выбору цвета, потому что считалось, что цвет говорит о многом уже сам по себе. Осталось придать форму. Как стиль в архитектуре изначально экспрессионизм проявился также в Германии. Мощным проявлением экспрессионизма стало строительство в 1921 году башни «Эйнштейна».
Экспрессионизм в интерьере
Экспрессионизм сегодня очень широко применяется в интерьере. Его часто используют люди, которые желают заменить обыденное на нечто оригинальное. Экспрессионизм как-бы продолжает стиль авангарда, однако является более лёгким и мягким в нашем понимании. Если Вы выбираете экспрессионизм как стиль для интерьера своего дома, то нужно сначала обдумать сочетание красок и цвета. Тяжёлые и глубокие тона недопустимы для этого жанра, но хорошо будет выглядеть сочетание ярких красок с размытыми тонами.
Зелёные, красные и лимонные оттенки стоит сочетать с нежными тонами, такими как голубой, розовый, светлый жёлтый… Экспрессионизму свойственна свобода стиля, которая включает в себя неровности и искривления, а большим плюсом стиля является безграничная фантазия в творчестве. В независимости от цветовой гаммы, экспрессионизм в интерьере привлекает внимание и создаёт ощущение естественного и натурального в помещении. В этом стиле часто оформляют интерьер люди, которые хотят удивить гостей и произвести на них впечатление. Различные аксессуары, дизайнерские элементы и мебель помогают добиться большей оригинальности и выразительности стиля.
При создании интерьера в данном стиле редко используется такой материал как дерево. Обычно это камень, зеркала, пластмасс, стекло и фарфор.
Окрашивают стены обычно в мягкие тона. Отдельные части можно окрасить в цвета более пёстрые. Дизайн интерьера в стиле экспрессионизм подразумевает матовую поверхность стен. Глянец будет выглядеть инородно.
Иногда используют обои, но они должны быть гладкими. Логичным продолжением стиля будет использование в интерьере картин художников экспрессионистов.
В интерьере этого жанра важно создать особенное настроение. И для правильных результатов важно должным образом реализованное освещение. Для реализации данного стиля в интерьере прекрасно подойдут комнаты и помещения с панорамными, или просто большими, окнами. Часто естественное освещение дополняется правильно подобранным искусственным светом. В частности, отличным дополнением являются цветная подсветка и подсветка с абажурами из материалов нежных оттенков. Бра и торшеры необычных форм также могут быть использованы. Оформляя помещение в стиле экспрессионизм побудьте хоть немного художником, проявите творчество. Оно у Вас есть. Следует учесть и подсветку ниш и тёмных углов, так как экспрессионизм предполагает стремление к гармонии.
И также немаловажную роль в создании интерьера в этом стиле играют шторы. Хорошо, если они будут привлекать к себе внимание.
Потому следует выбирать колоритные шторы оригинальных форм. Иногда выбирают жалюзи светлых тонов. Это привнесёт в Ваш интерьер определённую лёгкость. Лёгкий пёстрый тюль обычно используют в бюджетном варианте оформления интерьера.
Пол. При его настиле предпочтение отдают таким материалам как ламинат или линолеум. Красиво оформить полы помогают коврики, оформленные в соответствующем стиле.
Разнообразной формы может быть белый потолок. Его можно декорировать яркими элементами. Потолок с зеркальными элементами также будет выглядеть замечательно.
Мебель и аксессуары
Лёгкость. При оформлении интерьера в настоящем стиле не забывайте о лёгкости. Мебель для такого интерьера нужна простых форм и из лёгких материалов, а именно ― из цветного пластика, из плетёного бамбука, соломы… Подойдёт и деревянная мебель, но естественных оттенков и с плотной обивкой. Формам необходимо соответствовать общему стилю. Комнаты, оформленные в стиле экспрессионизм, должны быть достаточно свободными.
Контрастные аксессуары, правильно подобранные к мебели, дополнят картину наилучшим образом. И здесь всё зависит от фантазии. Это могут быть светильники, яркие вазы, зеркала различных форм, картины художников… Не возбраняется смешивание аксессуаров различных стилей. В этом творческом почерке можно и нужно экспериментировать. Но нужно учесть тот фактор, что экспрессионизм как стиль несёт в себе простоту и живость.
| Экспрессионизм | Эмиль Нольде | Эгон Шиле | Оскар Кокошка | ||
Внутренний мир человека — единственная реальность достойная внимания и отображения в книгах, картинах, скульптурах. |
||
Одним из наиболее ярких предшественников экспрессионизма XX в. стал норвежский художник Эдвард Мунк (1863 — 1944). Общечеловеческие чувства – любовь, ревность, боль – находили оригинальное воплощение в его самобытных картинах, выполненных с особой, тревожной экспрессией. |
||
Он ищет в рамках нового искусства возможности для того, чтобы сказать зрителю нечто важное о жизни, любви и смерти. Чтобы выразить тему человеческого одиночества, художник противопоставляет друг другу ирреальные, полные скрытых смыслов цветовые пятна, ограниченные динамичной, утолщенной линией, в основе которой спирали и синусоиды. |
||
Одна из самых знаменитых картин Мунка «Крик» предваряет тему его последующей картины «Отчаяние». |
||
Маленький невзрачный человек отчаянно кричит на мосту о своей боли. Двое людей на дальнем плане словно не слышат его, они глухи к страдания человека. Спокойно и равнодушно удаляются они по тому же мосту, не оглядываясь, беседуя между собой, оставляя маленького человека наедине со своим горем. Гуманистическое содержание этой картины более всего раскрывает сущность «жесткого стиля» Мунка, шокировавшего аристократическую публику с ее утонченным вкусом. |
||
Даже жизнеутверждающе названная картина Мунка «Танец жизни» говорит больше о людском одиночестве. |
||
Мунк, как и многие европейские, русские художники, интересовался монументальным декоративным искусством и создал для университета в Осло цикл фресок (1910-1916). |
||
Одна из его лучших фресок «Солнце» (1912) находится теперь в Музее Мунка в Осло. В этой фреске нет места былой характерной для этого художника тревожной экспрессии. Фреска пронизана солнечным светом, жизнелюбием и человечностью. |
||
За два года до кончины он создает свой знаменитый автопортрет. с «Автопортрета в четверть третьего ночи» на зрителя сморит сухое лицо сосредоточенного, страдающего бессоницей старого человека, подводящего итог прожитой жизни. в его глазах печаль и мудрость. |
||
© Club INFO, 2010 |
||
..
В картине «Крик» зритель видит мост, пересекающий справа налево пространство. Кричащий человек в темноте – на переднем плане. Две мужские фигуры виднеются вдали, в глубине на мосту.Темный холмистый пейзаж, в который вписывается фьорд, подчеркивает настроение картины, а небо, написанное волнистыми полосами, преимущественно красного и желтого, кричащих цветов усиливает ощущение трагизма жизни.
На первом плане — танцующая пара (мужчина в черном и женщина в кроваво-красной длинной одежде), а слева – одинокая девушка в белом воздушном платье. Ее поза выражает нетерпеливое ожидание приглашения на танец.
Так Мунк выразил свое трагическое видение человеческой судьбы.Эрнст Кирхнер: картины, биография немецкого экспрессиониста
Экспрессионизм был самым главным вкладом немецкого искусства в художественную культуру XX века. Он охватил широкие области литературы, музыки, архитектуры и кино, но наиболее ярко проявил себя в живописи. Острота восприятия действительности и социальная направленность, обостренное чувство формы и стремление к цветовой насыщенности, к декоративности стали характерными чертами этого стиля.
Как живописное явление, немецкий экспрессионизм имел самые разнообразные корни. С одной стороны, он воплощал в себе чисто национальную тягу к гипертрофированной обостренной форме, язык которой всегда был главным средством выражения у немецких художников начиная со средневековья (искусством которого особо вдохновлялись экспрессионисты).
С другой стороны, источником вдохновения для экспрессионистов была живопись французского постимпрессионизма, в частности, Ван Гога и Гогена. Первый довел цвет до его предельной чистоты, выражая им свои душевные и нервные переживания. Второй, Гоген, вырабатывал новые ритмы, основанные на взаимоотношениях линии и цветового пятна и объединенные в одну орнаментальную форму. Вместе с влиянием Эдварда Мунка — яркого представителя стиля модерн и предвестника экспрессионизма, французские влияния пришли в Германию через группу «Наби».
Таким образом, экспрессионизм родился из слияния современных художественных идей и национальных традиций. Его рождению способствовала и общественно-политическая обстановка в стране — обострение социальных отношений, экономический кризис. Поэтому основным пафосом творчества немецких экспрессионистов стал социальный протест против современного буржуазного общества. Опустошенность современного человека, социальное неравенство, бессмысленность и жестокость войны становятся основными темами в творчестве художников этого направления.
Формальным началом экспрессионизма считается 1905 год, когда в Дрездене была создана группировка «Мост». Ее основателями были вполне зрелые мастера, но именно факт объединения дал им возможность ощутить себя мощной художественной силой. В этом был и смысл названия группировки — «присоединить к себе все революционные элементы» (из манифеста » Моста»). Среди создателей группы были Карл Шмидт-Ротлуфф, Эрих Хеккель, Фриц Блейль и Эрнст Людвиг Кирхнер.
Для Кирхнера вступление в «Мост» совпало с окончанием его учебы. До этого он изучал архитектуру в Дрезденском высшем техническом училище и некоторое время занимался в школе Обриста и Дебшица в Мюнхене. Именно обучение в этой школе и было осуществлением его «мечты о живописи»: у Обриста и Дебшица он изучает композицию и рисунок с натуры. В это время вместе с Ф. Блейлем, тоже студентом-архитектором, он занимается экспериментами в области рисунка и живописи. Тогда-то и зародились основы «Моста» — художников объединяла не только общность интересов, но и дружба.
В 1906 году к ним присоединяется представитель старшего поколения Эмиль Нольде, а чуть позже — Макс Пехштейн, швейцарец Куно Амит, финн Аксель Галлен-Каллела. Все эти художники работают в тесном контакте, иногда в общей мастерской во Фридрихштадте, иногда в совместных поездках на пленэр к Морицбургским озерам. Но уже в 1911 году намечается раскол группировки, когда Кирхнер и Пехштейн уезжают в Берлин и основывают там Институт современного обучения живописи. Официально «Мост» закончил свое существование в 1913 году.
В начале 1910-х годов Кирхнер ведет бурную творческую деятельность. В поисках новых тем он становится настоящим урбанистом — поклонником и беспощадным критиком жизни современного города. Кирхнер принимает участие в Специальной выставке в Кельне, где расписывает Зондербунд-капеллу. В 1913-1914 годах появляются его знаменитые «берлинские» сцены — ночные перекрестки с одинокими прохожими на фоне утрированной архитектуры. Женская фигура на ночной улице для художника — символ покинутости, безнадежности.
Живопись Кирхнера становится сгустком нервной энергии, достигает, кажется, предела напряженности. Об этом свидетельствуют и «Цирковой наездник» (1914, частная коллекция), и «Красная башня в Халле» (1915, Музей Эссена). В этих вещах деформация реальности говорит о глубочайшем душевном кризисе мастера, а «Автопортрет» (другое название — «Пьющий», 1915, Нюрнберг, Национальный музей), написанный уже во время тяжелого нервного недуга, — авторское признание в полной душевной опустошенности. В письме к другу он пишет так: «Теперь я сам такой, как кокотки, которых я рисовал… продолжения уже не будет».
Наступила болезнь, а вместе с ней и творческий кризис. Выздоровление происходило очень медленно. Кирхнер уехал лечиться в Швейцарию. Вместе со здоровьем к художнику возвращается и желание снова работать. В это время он пишет спокойные альпийские пейзажи (1919, Детройт, Институт искусств), проникнутые совершенно иным мироощущением. От нервной пастозной живописи довоенного периода он приходит к плоскостно-декоративной манере.
Именно так написан, например, групповой портрет художников (1926, Кельн, музей Людвига).
Накануне прихода к власти национал — социалистов Кирхнера принимают в Прусскую Академию художеств. В 1933 году в Берне состоялась огромная выставка его произведений. Однако общественная слава художника недолговечна. В том же году вместе с другими экспрессионистами Кирхнера исключают из состава Академии. Художник уезжает в Швейцарию, будучи не в силах противостоять официальному искусству, которое олицетворяет собой сильную государственную власть. Но для «власть имущих» этого было мало. Они хотят уничтожить всякую память о художнике и объявляют его искусство (как и искусство многих прогрессивных немецких художников) «дегенеративным» и «вырожденческим». Из немецких музеев конфискуется 639 работ Кирхнера. Для художника это было непереносимым ударом — в 1938 году он кончает жизнь самоубийством. Это было последним актом художника, направленным против тоталитарной власти, против «обезличивания» искусства.
И Кирхнер победил в этой борьбе, хотя и после своей смерти, когда его искусство получило мировое признание, а фашизм был уничтожен.
А. Таргулов
Экспрессионизм, футурокубизм и абстракционизм Василия Кандинского
Революция в России стимулировала всплеск развития самых разных авангардных течений в искусстве. Художники и поэты, скульпторы, режиссеры и постановщики балета восприняли некий хаос и отсутствие упорядоченности 1910-х годов. как среду, имманентно присущую авангардизму и «творческому хаосу» креативности, воспевающей отказ от реализма. Бурление художественных мастерских, кружки типа «Бубнового валета» и «Синего всадника», которые издавали свои журналы в России и за рубежом были очень популярны и охватывали значительную часть художников. Так, «Синий всадник» был основан в 1911 году Василием Кандинским и немецкими экспрессионистами, ратовавшими за отказ от замшелых традиций академической живописи. Другой пример: поэт Владимир Маяковский, изначально занялся живописью (в 1911 году он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества). Однако вскоре он познакомился там с художником Давидом Бурлюком и моментально оказался в поэтическом кружке кубофутуристов «Гилея». Время окончательного синтеза искусств, казалось, было не за горами.
Бегство от реальности
Вот в таком круговороте событий среди многих течений авангардизма возник абстракционизм Василия Кандинского. Родившись в обеспеченной семье и получив образование юриста в Московском государственном университете, Кандинский отказался от престижной карьеры профессора Дерптского университета и, под воздействием выставки импрессионистов, выехал в Мюнхен, чтобы учиться живописи. В 1909 г. художник организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», два года спустя — альманах и группу «Синий всадник». Художников, танцоров и композиторов этой творческой группы объединял интерес к средневековому искусству, а также примитивизму, кубизму и другим модернистским течениям. Напомним, что, например, кубизму свойственно изображать объекты посредством множества пересекающихся плоскостей (как делал в ранние годы своего творчества, 1900-е, Пабло Пикассо). Так же и художники разных направлений пытались посредством не-реалистичных методов создать целостное восприятие объекта искусства и передать чувства, вызываемые им у художника, зрителю.
Экспрессионизм
Движение экспрессионистов (к которым, например, относится автор одной из самых дорогих в истории картин «Крик» Эдвард Мунк – подробнее читайте о самых дорогих картинах в другой нашей статье) увлекало Кандинского, но он не остановился на этом уровне абстракции от реального образа. Экспрессионисты стараются передать зрителю именно чувства и эмоции, владеющие автором. Они не стремятся при этом точно передать формы изображаемого. Но в своей зрелой манере письма Кандинский вообще отходит от реализма, оставляя только формы, которые должны передать чувства зрителю.
До 1914 г. в Мюнхене Кандинский знакомится с русскими художниками: И. Я. Билибиным, К. С. Петровым-Водкиным, И. Э. Грабарем. В Германии Кандинского принимали как своего, прошла его персональная выставка, однако с началом Первой мировой войны он был вынужден вернуться в Россию. Возможно, это стало судьбоносным для формирования стиля письма художника, придало импульс его индивидуальной манере живописи.
Преобладание формы над объектом
В России в это время стал складываться абстракционизм. Хотя рождением стиля считается 1910 г., когда Кандинский в Альпах в городочке Мурнау написал свою первую абстрактную композицию. Все же наибольшее число абстракционистов были русскими: абстракционизму были привержены Казимир Малевич, Наталья Гончарова и др. Его суть заключалась в «беспредметности», преобладании формы над содержанием – точнее, выражение содержания через формы, порой весьма далекие от реализма. Это было время философов, когда каждый художник считал своим долгом объяснить, почему он видит выражение реального мира именно в такой манере – и для этого написать философский труд. Так, для Казимира Малевича это была книга «Супрематизм. Мир как беспредметность или вечный покой» (1922 г.), а для Василия Кандинского — «О духовном в искусстве» (1910 г.)
В своей книге он писал о том, как фигуры взаимодействуют друг с другом, но и не только об этом, а о том, как массы людей воздействуют друг на друга. «Духовный треугольник медленно движется вперед и ввысь. В наше время одна из нижних наибольших секций достигает ступени первых лозунгов материалистического «Credo». Политически эти обитатели являются приверженцами народного представительства или республиканцами. Они оттачивают меч справедливости, чтобы нанести смертельный удар гидре капитализма и отрубить этому злу голову». Вот так, несмотря на аполитичные, казалось бы, картины, Кандинский замахивается на происходящее в обществе. В этом он даже близок Н.К.Рериху, который, отображая горы, в реальности замахивается на высокие духовные образы, теософию.
Социальное служение
Революцию многие авангардные художники восприняли как поворот власти лицом к авангардизму и всему новому, поэтому с удовольствием согласились занять разные руководящие должности. Так, Кандинский участвовал в создании Российской академии художественных наук в статусе ее вице-президента, преподавал во ВХУТЕМАСе в 1918 г., затем был почётным профессором Московского университета.
Однако уже в 1921 году, несмотря на развертывание в России авангардистских течений, эмигрировал как и впоследствии сделало большинство философов и художников-абстракционистов того времени. Он выехал в Германию, а затем, когда в годы нацизма его работы перестали выставлять и осудили как «дегенеративное искусство» — в Париж, где жил по 1944 год.
Можно ли назвать Кандинского подлинно русским художником? Конечно, да, как и стиль его работы, абстракционизм, возник под воздействием общения с другими русскими художниками. Сейчас его работы являются одними из самых дорогих на аукционах во всем мире, и, наряду с работами Казимира Малевича, составляют «золотой фонд» российского искусства.
Смотрите каталог современного искусства галереи «Артимекс»: среди предметов 1920-х годов есть отнесенные к абстракционизму.
Регистрация на лекцию и мастер-класс
Отправить* Пожалуйста укажите в сообщении Название лекции, которую вы хотите посетить.
* Если вы планируете прийти на лекцию с кем-то, то пожалуйста укажите имя человека, с которым вы хотели бы посетить данную лекцию.
* Пожалуйста зарегистрируйтесь на наш предложенный мастер-класс или напишите пожелания — какая тема лекции была бы Вам интересна.
Мы стараемся готовить лекции интересные для Вас!
Если есть вопросы, не стесняйтесь их задать! Мы будем рады на них ответить!
Экспрессионизм — Концепции и стили
Начало экспрессионизма
На рубеже веков в Европе произошли сдвиги в художественных стилях и видении как реакция на серьезные изменения в атмосфере общества. Новые технологии и масштабные усилия по урбанизации изменили мировоззрение человека, и художники отразили психологическое воздействие этих событий, отойдя от реалистичного представления того, что они видели, к эмоциональному и психологическому отображению того, как мир на них повлиял.Корни экспрессионизма можно проследить до некоторых художников-постимпрессионистов, таких как Эдвард Мунк из Норвегии, а также Густав Климт из Венского сецессиона.
Эдвард Мунк в Норвегии
Норвежец конца 19 века -го -го века Эдвард Мунк стал важным источником вдохновения для экспрессионистов. Его яркие и эмоционально заряженные работы открывают новые возможности для интроспективного самовыражения. В частности, неистовые полотна Мунка выражали тревогу личности внутри недавно модернизированного европейского общества; его знаменитая картина « Крик » (1893) свидетельствует о конфликте между духовностью и современностью как центральной теме его творчества.К 1905 году работы Мунка были хорошо известны в Германии, и он тоже проводил там большую часть своего времени, поддерживая прямой контакт с экспрессионистами. В дополнение к Мунку, фламандский Джеймс Энсор также был одним из первых влиятельных людей, которые изучались и опирались на него.
Густав Климт в Австрии
Другой фигурой конца XIX века, оказавшей влияние на развитие экспрессионизма, был Густав Климт, который работал в стиле австрийского модерна и возглавлял Венский сецессион.Щедрый способ Климта передавать своих предметов в яркой палитре, с тщательно продуманными узорами поверхностей и удлиненными телами был шагом к экзотическим цветам, жестам и зубчатым формам поздних экспрессионистов. Климт был наставником художника Эгона Шиле и познакомил его с работами Эдварда Мунка и Винсента Ван Гога, среди прочих, на выставке их работ в 1909 году.
Пришествие экспрессионизма в Германии
Хотя в нем участвовали разные художники и стили, экспрессионизм впервые появился в 1905 году, когда группа из четырех немецких студентов-архитекторов, которые хотели стать художниками — Эрнст Людвиг Кирхнер, Фриц Блейл, Карл Шмидт-Ротлуф и Эрих Хекель — сформировали группу Die Brücke (Мост) в город Дрезден.Несколько лет спустя, в 1911 году, группа молодых художников-единомышленников сформировала Der Blaue Reiter (Синий всадник) в Мюнхене после того, как картина Василия Кандинского «Страшный суд » (1910) была отклонена с местной выставки. Помимо Кандинского, в группу входили Франц Марк, Пауль Клее и Август Макке, среди прочих, все из которых составляли слабо связанную группу.
Термин «экспрессионизм»
Считается, что термин «экспрессионизм» был придуман в 1910 году чешским историком искусства Антонином Матейчеком, который намеревался обозначить противоположность импрессионизма.В то время как импрессионисты стремились выразить величие природы и человеческой формы с помощью красок, экспрессионисты, по словам Матейчека, стремились только выразить внутреннюю жизнь, часто через живопись резких и реалистичных предметов. Однако следует отметить, что ни Die Brücke, ни аналогичные под-движения никогда не называли себя экспрессионистами, и в первые годы века этот термин широко использовался для обозначения различных стилей, включая Post -Импрессионизм.
Экспрессионизм: концепции, стили и тенденции
Die Brücke: Kirchner, Schmidt-Rottluff, Heckel и Bleyl
Испытал влияние таких художников, как Мунк, Ван Гог и Энсор, члены дрезденской группы Die Brücke стремился передать чистые эмоции через провокационные образы современного общества.Они изображали городских жителей, проституток и танцоров на улицах и в ночных клубах города, представляя упадочную изнанку немецкого общества. В таких работах, как Kirchner Street, Berlin (1913), они подчеркивали отчуждение, присущее современному обществу, и утрату духовного общения между людьми в городской культуре; горожане отделены друг от друга, выступая в роли простого товара, как в случае с проститутками в авангарде композиции Киршнера.
В отличие от пасторальных сцен импрессионизма и академических рисунков неоклассицизма, художники Die Brücke использовали искаженные формы и резкие, неестественные пигменты, чтобы вызвать эмоциональную реакцию зрителя.Группу также объединила редуцирующая и примитивная эстетика, возрождение старых медиа и средневекового немецкого искусства, в котором они использовали графические методы, такие как печать на дереве, для создания грубых, зазубренных форм.
В 1906 году группа опубликовала листок гравюры на дереве под названием Program , чтобы сопровождать свою первую выставку. Он подытожил их разрыв с преобладающими академическими традициями, призывающими к более свободной эстетике, ориентированной на молодежь. Хотя в основном это было написано Кирхнером, этот плакат служил манифестом, излагающим идеалы Die Brücke.Члены Die Brücke в значительной степени черпали из работ немецкого философа Фридриха Ницше как с точки зрения их художественного проекта, так и с точки зрения их философской основы. Их название произошло из цитаты из Так говорил Заратустра (1883-85), в которой говорится: «В человеке велико то, что он мост, а не конец». Группа выставлялась и сотрудничала до 1913 года, когда Кирхнер написал Chronik der Brücke (Brücke Chronicle), и коллектив фактически распался.
Der Blaue Reiter: Kandinsky, Macke, Klee и Marc
Художники группы Der Blaue Reiter разделяли склонность к абстракции, символическому содержанию и духовным аллюзиям.Они стремились выразить эмоциональные аспекты бытия с помощью очень символичных и ярких изображений. Их название произошло от символа лошади и всадника, взятого из одной из картин Василия Кандинского; для Кандинского всадник символизировал переход из материального мира в духовное и, таким образом, выступал в качестве метафоры художественной практики. Для других участников, таких как Франц Марк, Пауль, Клее и Огюст Макке, это понятие стало центральным принципом для выхода за пределы реалистического изображения и погружения в абстракцию.
Хотя Der Blaue Reiter никогда не публиковал манифест, его участников объединяли эстетические инновации, на которые оказали влияние средневековые и примитивистские формы искусства, кубизм и фовизм. Однако сама группа просуществовала недолго; с началом Первой мировой войны в 1914 году Франц Марк и Огюст Макке были призваны на военную службу в Германии и вскоре были убиты. Российские участники группы — Василий Кандинский, Алексей фон Явленский и другие — были вынуждены вернуться домой.Сразу после этого Der Blaue Reiter распалась.
Французский экспрессионизм: Руо, Сутин и Шагал
Эластичность экспрессионизма означала, что многие художники за пределами Германии были отождествлены со стилем. Жорж Руо, французский художник, которого иногда называют экспрессионистом, возможно, повлиял на немцев, а не наоборот. Он научился яркому использованию цвета и искажению формы от фовизма, и, в отличие от своих немецких коллег-экспрессионистов, Руо выразил близость к своим предшественникам-импрессионистам, особенно к работам Эдгара Дега.Он хорошо известен своей преданностью религиозным сюжетам, и особенно многочисленными изображениями распятия, выполненными в ярких цветах и с толстыми слоями краски.
Российско-французский еврейский художник Марк Шагал, опираясь на течения кубизма, фовизма и символизма, создал свой собственный бренд экспрессионизма, в котором он часто изображал мечтательные сцены своего белорусского родного города Витебска. Находясь в Париже в разгар модернистского авангарда, Шагал разработал визуальный язык эксцентричных мотивов: «призрачные фигуры, парящие в небе, гигантский скрипач, танцующий на миниатюрных кукольных домиках, домашний скот и прозрачные матки, а внутри них — крошечные потомки». спать вверх ногами.«В 1914 году его работы были выставлены в Берлине и оказали влияние на немецких экспрессионистов, вышедших за пределы Первой мировой войны. Он никогда не связывал свою работу с определенным движением и считал свой репертуар словарем образов, значимых для него самого, но они вдохновляли многих, в том числе сюрреалистов. Пабло Пикассо заметил в 1950-х: «Когда Матисс умрет, Шагал останется единственным художником, который поймет, что такое цвет на самом деле».
Хаим Сутин, русско-еврейский художник из Парижа, был основным сторонником развития парижского экспрессионизма.Он синтезировал элементы импрессионизма, французской академической традиции и свое личное видение в индивидуализированную технику и версию стиля. Экспрессивный стиль художника оказал большое влияние на последующие поколения.
Австрийский экспрессионизм: Кокошка и Шиле
Австрийские художники, такие как Оскар Кокошка и Эгон Шиле, были вдохновлены немецким экспрессионизмом, но интерпретировали стиль своими индивидуальными и индивидуальными манерами, никогда не создавая официальной ассоциации, как немцы.Кокошка и Шиле стремились выразить упадок современной Австрии через столь же выразительные изображения человеческого тела; извилистыми линиями, яркими цветами и искаженными фигурами оба художника наполнили свои предметы очень сексуальными и психологическими темами. Хотя Кокшка и Шиле были центральными сторонниками движения в Австрии, Кокошка все больше вовлекался в круги немецких экспрессионистов; он покинул Австрию и переехал в Германию в 1910 году. Первоначально Кокошка работал в стиле венского модерна, но с 1908 года он инстинктивно работал как экспрессионист, страстно стремясь раскрыть внутреннюю чувствительность натурщика в своих ранних портретах.Шиле покинул Вену в 1912 году, но остался в Австрии, где он работал и выставлялся до своей смерти во время всемирной эпидемии гриппа 1918 года.
Дальнейшие разработки — после экспрессионизма
В то время как одни художники отвергали экспрессионизм, другие продолжали расширять его инновации, поскольку стиль. Например, в 1920-е годы Кандинский перешел к совершенно необъективным картинам и акварелям, в которых подчеркивался цветовой баланс и архетипические формы, а не образное изображение.Тем не менее, экспрессионизм окажет самое непосредственное влияние в Германии и продолжит формировать его искусство в течение десятилетий после этого. После Первой мировой войны экспрессионизм стал терять импульс и фрагментарность. Движение Neue Sachlichkeit (Новая объективность) развивалось как прямой ответ на высокоэмоциональные принципы экспрессионизма, в то время как неоэкспрессионисты появились в Германии, а затем и в Соединенных Штатах намного позже, в 20-м 9000-м -м веках, возродив более раннюю эпоху. Экспрессионистский стиль.
Новая объективность: Дикс, Гросс и Бекманн
Уже к 1918 году манифест Дада гласил: «Экспрессионизм … больше не имеет ничего общего с усилиями активных людей». Но у его этоса была бы яркая загробная жизнь; это было решающим в раннем формировании художников Отто Дикса, Джорджа Гроса и Макса Бекманна, которые вместе сформировали движение, известное как Neue Sachlichkeit (Новая объективность). Эти художники искали, как следует из названия, несентиментальный и объективный подход к художественному производству.Их натуралистические изображения людей и городских сцен подчеркивали эту новую эстетику и соответствовали общему отношению практичности, которое характеризовало веймарскую культуру.
Неоэкспрессионизм: Базелиц, Кифер и Шнабель
Появление многослойных, ярких цветов и искаженных фигур Георга Базелица в 1960-х годах, а также изображений Ансельма Кифера, похороненных среди толстого импасто, созданного из различных материалов на холст 1970-х годов ознаменовал собой важное и влиятельное возрождение этого стиля в Германии, которое в конечном итоге привело к глобальному неоэкспрессионистскому движению в 1980-х годах.Художники Нью-Йорка, такие как Джулиан Шнабель, также использовали толстые слои краски, неестественные цветовые палитры и жестикуляцию, чтобы вспомнить движение экспрессионистов в начале 20-го 9000-го — -го века.
Идеи оригинального экспрессионистского движения о духовности, примитивизме и ценности абстрактного искусства также окажут огромное влияние на множество не связанных между собой движений, включая абстрактный экспрессионизм. Метафизическое мировоззрение экспрессионистов и инстинктивный дискомфорт в отношении современного мира побудили их к антагонистическим установкам, которые по-прежнему будут характерны для различных авангардных движений на протяжении всего столетия.
Художественные движения | Символизм, фовизм, экспрессионизм
Искусство двадцатого века , как и социальная среда, в которой оно создавалось, претерпело процесс постоянных и быстрых изменений . Живопись в Европе больше не должна была представлять внешнюю реальность через серию изобразительных условностей — вместо этого исторические события могли быть точно записаны с помощью новых средств массовой информации , фотографии, и пленки. Изменения в структуре арт-рынка тоже, от крупных общественных «салонов» к системе частных галерей и коллекционеров, означало, что картины могут быть меньше, , более личные, и более экспериментальные.Художники могли реагировать на изменяющуюся реальность вокруг них, а также могли стремиться быть «современными»: создавать картины, которые были бы новаторскими и захватывающими, полными радикально новых эффектов и новых смыслов.
Символизм — широкое художественное движение, охватившее живопись, литературу, музыку и театр конца девятнадцатого и начала двадцатого веков.
Идеи постимпрессионизма
Живопись, связанная с движением символистов, например картина французского художника Мориса Дени (1870–1943) и его соотечественника Поль Гоген (1848–1903), часто была основана на литературных темах, мифах и легендах, но также и на личная фантазия и мечта.Денис философствовал, что потребность в реализме в искусстве можно преуменьшить в пользу эффектов линии и цвета. В его картинах были узнаваемые сюжеты — религиозные сцены, женщины в лесу, купальщицы — но они были изображены в усиленных, нереальных цветах , ограниченных плавными декоративными контурами.
Гоген тоже становился все более неудовлетворенным чисто визуальным акцентом импрессионистского движения и пытался привнести в свои работы большую степень символизма и духовности.Он использовал ярких, контрастных цветов и темные очертания вокруг различных элементов своих композиций, отвлекая внимание от изображаемого объекта и к тому, как художник использует краски. Вдохновленный японскими принтами, он также разработал новый стиль, соединив смелые всплески ярких несмешанных цветов с упрощенным линейным узором . Ван Гог (1853–90), как упоминалось в нашем предыдущем блоге, был еще одним ведущим художником-постимпрессионистом, который, как и Гоген, использовал цвета символически, , а не натуралистически.Его эмоционально заряженных работ, смелые упрощения форм и отказ от импрессионистского наблюдательного стиля помогли проложить путь экспрессионистскому искусству.
Искусство над реальностью
Поразительной тенденцией в работах символистов был отход от повествования в пользу вызова настроения или чувства . Распространенным мотивом в живописи символистов является группа фигур, которые не взаимодействуют напрямую, чьи глаза не встречаются, и чьи жесты и взгляды предполагают, что каждая из них теряется в своих личных мечтаниях.Таким образом, расположение символистской композиции может показаться скорее искусственным, чем правдивым. В работах Гогена и Дени это ощущение искусственности усиливается за счет акцента на цвете и линии , а также на способах, которыми различные части картины соотносятся друг с другом в рамках общего «узора».
Фовизм
Интерес символистов к цвету как к самостоятельному элементу, вызывающему воспоминания, имел решающее значение для развития молодого французского художника Анри Матисса (1869–1954).
Люкс, спокойный и сладкий
Доминирующая фигура в движении фовистов, Матисс многому научился у Гюстава Моро (1826–98), художника-символиста, любившего экзотические цвета. После путешествий по Средиземному морю Матисс начал использовать более ярких и красок в своих картинах; используя их для создания эмоционального воздействия , а не просто для описания природы. Он познакомился с художниками Андре Дерен (1880–1954) и Морисом де Вламинком (1876–1958) в 1899 году, и они постепенно выработали стиль, предполагавший радикальное и часто жестокое использование контрастных цветов.Осенью 1905 года выставка их работ принесла им название «Fauves» или « диких зверей» . Этот термин, придуманный искусствоведом Луи Воксель (1870–1943), был задуман как уничижительный, ответ на то, что он считал спонтанным и безрассудным обращением с краской и использованием цвета. Картина Матисса Luxe, calme et volupté вызвала большой ажиотаж, когда она была выставлена в Салоне Независимых в 1905 году, и теперь считается одной из ключевых фовистских работ .Произведение получило свое название от припева к стихотворению Шарля Бодлера (1821–1867), который сам был символистом. Предмет был якобы безмятежным и успокаивающим — обед на пляже, — но Матисс рисовал и обрабатывал человеческую фигуру на выразительных и почти на фиолетовых тонах.
Цветное выражение
Фовизм характеризовался примитивным стилем, в котором использовались интенсивные цвета, часто для создания преднамеренных столкновений. Эта техника полностью освободила цвет от его изобразительной роли, сделав его по-настоящему выразительным.Дерен создавал пейзажи, полные ярких контрастных цветов, красных и зеленых, которые, казалось, были написаны очень свободно и быстро, в то время как Вламинк стремился к инстинктивному самовыражению, по образцу Ван Гога. Фовисты обычно выбирали традиционные сюжеты в своих картинах — пейзажи, обнаженные тела и портреты, — которые они сделали современными благодаря своей радикальной трактовке. Ярким примером этого является портрет жены Матисса 1905 года, композиция которого оживлена яркой зеленой полосой, идущей вниз от ее лба и вдоль носа.
ЭкспрессионизмЛичное и эмоциональное
Переход к экспрессионизму означал сдвиг в сторону субъективного опыта произведения искусства — картины стали чрезвычайно выразительными психологическими профилями , а не реалистичными, объективными изображениями. Их содержание включало искаженные формы, эмоциональные образы и благодатную почву для индивидуальной интерпретации. Одним из первых художников, связанных с изменением фокуса, был Джеймс Энсор (1860–1949), чьи работы ознаменовали переход от символизма к экспрессионизму.Он одним из первых внес вклад в эстетику символизма благодаря использованию трупов, гротескных масок и скелетов, раскрашенных яркими цветами, а его картина Въезд Христа в Брюссель в 1889 году широко считается предшественницей Expressionsim.
Норвежский художник Эдвард Мунк (1863–1944) был ведущей фигурой экспрессионистского движения. Он учился в Христиании (ныне Осло) и путешествовал по Германии, Италии и Франции, прежде чем обосноваться в Осло.Во время своего пребывания в Париже (1908 г.) он попал под влияние Гогена и испытывал огромную симпатию к Ван Гогу из-за приступов психического заболевания , от которых они оба страдали. Жизнь, любовь и смерть — вот темы, которые он бесконечно исследовал в своих картинах, выполненных в символическом стиле экспрессионизма. Его использование закрученных линий и резких цветов подчеркивает тревогу, которая скрывается за его картинами.
Die Brücke
Движение, известное как Die Brücke («Мост») , было вдохновлено работами Ван Гога и Мунка, а также искусством африканских культур .Группа была образована в 1905 году немецким художником Эрнстом Людвигом Кирхнером (1880–1938) и его однокурсниками Эрихом Хекелем (1883–1970) и Карлом Шмидт-Ротлуфом (1884–1976).
Группа стремилась напрямую выразить человеческие чувства, и название означало тот факт, что они охватывали искусство прошлого и настоящего и черпали вдохновение из множества разрозненных источников. Они рисовали портреты и пейзажи в ярких тонах с большими, упрощенными формами и были привлечены к изображениям обнаженных тел на открытом воздухе, предлагая возврат к природе и основным истокам.
Термин «экспрессионизм» впервые был использован в 1911 году, в первую очередь по отношению к искусству во Франции, а затем по отношению к художникам Die Brücke, которые к 1913 году разошлись. Он будет по-прежнему применяться к работам таких художников, как австриец Оскар Кокошка (1886–1980) и немецкий художник Макс Бекманн (1884–1950). Бекманн перевел свой травматический опыт во время Первой мировой войны в искаженных автопортретов и фигурных сцен, таких как его тревожное видение пыток и убийств Ночь (1918–1919).Его более поздние картины изображали артистов цирка в образе клоуна или короля, отражая беспокойство , вызванное социальными событиями, которые его окружали. Художник Эгон Шиле (1890–1918) разработал особенно суровый стиль экспрессионизма, отличающийся фигурами, часто обнаженными и обычно истощенными, с резкими контурами, заполняющими холст искривленными конечностями и мучительными чертами лица. Ученик Зигмунда Фрейда, Шиле стремился исследовать более глубокие тайники человеческой психики , особенно сексуальные аспекты.
Der Blaue Reiter
Использование живописи как средства передачи личного опыта и эмоций — основная цель экспрессионистов — более тонким и контролируемым образом проявилось в работах художников из мюнхенской группы Der Blaue Reiter («синий всадник»). В альманахе, опубликованном в 1912 году, художники Blauer Reiter, в том числе Франц Марк (1880–1916), Василий Кандинский (1866–1944) и Пауль Клее (1879–1940), выдвинули свое видение новых путей. самовыражения, включая искусство, дизайн, поэзию и музыку.Картина Кандинского, , вдохновленная фовизмом , начала сосредотачиваться меньше на предмете, чем на лирической силе цвета и мазках его кисти, стремясь общаться со зрителем прямым и спонтанным способом, как в музыкальном произведении. . Работы Кандинского 1910–1914 годов, такие как «Импровизация № 23», считаются первыми абстрактными картинами ХХ века.
Конфронтационные, личные и эмоциональные картины экспрессионизма и их корни в идеалах символизма и фовизма знаменуют собой захватывающий путь к современному искусству.Если вас интересуют радикальные произведения, которые помогли сформировать движение экспрессионистов, обязательно загляните в наши роскошные журналы: в нашу подборку входят «Сидящая женщина» Эгона Шиле, «Подсолнухи» Ван Гога и, конечно же, культовый «Крик» Мунка (см. Здесь ).
Ссылки
- Экспрессионисты частично отвечали идеалам импрессионизма: посмотрите наш предыдущий блог об импрессионистском движении здесь.
- Узнайте больше о движении символистов здесь.
- Подробнее о Munch и The Scream читайте здесь.
Экспрессионизм: история экспрессионизма — USEUM
Как движение, термин экспрессионизм обычно обозначает школы эмоционального или интерпретирующего искусства конца 19-го и начала 20-го веков, которые возникли в Германии как реакция на более пассивный стиль импрессионизма. Слово экспрессионизм впервые было использовано в 1850 году, в основном для описания картин, на которых ярко изображены сильные эмоции художника.Популярность экспрессионизма возросла, когда в 1910 году Антонин Матейчек ввел этот термин. Этим словом чешский искусствовед намеревался обозначить противоположность импрессионизму и указать на одно из основных направлений искусства, которое выражает в высшей степени субъективное, личное, спонтанное самовыражение, типичное для широкого круга современных художников. В то время как импрессионисты стремились выразить величие природы и человеческих форм с помощью красок, экспрессионисты, по словам Матейчека, стремились выразить свои чувства по поводу увиденного.
Экспрессионизм впервые появился в 1905 году, когда группа из четырех немецких студентов под руководством Эрнста Людвига Кирхнера основала группу Die Brücke (Мост) в городе Дрезден. Несколько лет спустя, в 1911 году, группа молодых художников-единомышленников сформировала Der Blaue Reiter («Синий всадник») в Мюнхене. Кандинский и Франц Марк, где его основатели, а Пауль Клее и Август Маке были среди его членов. Эти две группы стали основой движения немецкого экспрессионизма. С тех пор экспрессионизм стал широко признанной формой современного искусства.
Экспрессионизм оказал самое непосредственное влияние на Германию и продолжал формировать искусство страны в течение десятилетий после Первой мировой войны. В то время как одни художники отвергали экспрессионизм, другие продолжали расширять его новаторское искусство и стиль. Другие формы движения развивались во Франции, Париже и Австрии. Движение Neue Sachlichkeit (Новая объективность) находилось под влиянием высокоэмоциональных принципов экспрессионизма, в то время как неоэкспрессионисты появились в Германии, а затем в Соединенных Штатах, возродив более ранний экспрессионистский стиль.
Текст Кристины Мотта
Экспрессионизм в графическом дизайне — 99designs
Почему смайлы с испуганным лицом кажутся нам такими знакомыми? Простой ответ? Потому что это современная реинкарнация классической экспрессионистской живописи — Art History 101.
Крик-смайлик Не волнуйся, Эдвард, подражание — самая искренняя форма лести! Экспрессионистский шедевр Эдварда Мунка «Крик». через LEGOMENON.Эмодзи — часть долгой истории имитации The Scream .Проверьте это:
У Маколея Калкина, возможно, случился кратковременный приступ паники, но он справился с этим и нанес удар по этим надоедливым грабителям! Плакат под влиянием экспрессионизма «Один дома» через галерею постеров фильма «Постеритати». Плакат «Крик» Уэса Крейвена вдохновлен «Крик» Эдварда Мунка. Через JoBlo.This Nightmare Before Christmas танк кричит The Scream! Via On Cue Apparel.Но как картина 1893 года могла стать настолько известной, что мы все еще используем ее весь день каждый день 126 лет спустя? Мы расскажем вам через минуту, а пока вот вам подсказка: сила экспрессионизма.Давайте узнаем, что такое экспрессионизм и как вы можете использовать его влияние в своих проектах. Читайте, друзья!
Что такое экспрессионизм?
– Это искусство для первой выставки Die Brücke в 1906 году было запрещено полицией… скандально! Плакат Фрица Блейла через Reddit.
Экспрессионизм — это художественный стиль, пришедший из Германии и Австрии примерно в 1912 году. Подчеркивая эмоции над реализмом, экспрессионизм использует нереалистичное изображение предметов и событий, чтобы вызвать эмоции у зрителей.Это был бунт традиции реализма, зародившейся во Франции в середине 19 века.
Существовали две основные группы экспрессионизма: Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник). Обе группы использовали искажение, примитивизм, фэнтези и формальные элементы ярким, конфликтующим, насильственным или динамичным образом. Члены Der Blaue Reiter увидели экспрессионизм еще глубже. Они изображали духовность своих подданных, а не просто то, что можно было увидеть на поверхности.Экспрессионисты были авантюристами с цветом, и их драматические формы выражали экзотические качества их предмета. Сильные мазки, использование теней и глубокий цвет, чтобы передать ощущение, являются отличительными чертами стиля.
Вы можете почувствовать боль, просто взглянув на это. Экспрессионистский примитивизм и всплеск цвета доводят дело до конца. Искусство прав человека от культового Кита Харинга: «Я хотел представить, как может выглядеть оригинальный террор — по частоте, если не по форме». Обложка сделана Яном Дугласом.Джазовые музыканты играют в красочных исполнениях. Право на! Плакат Noqui. Кандинский любил верховую езду и считал, что синий цвет олицетворяет духовность. Альманах Der Blaue Reiter, обложка — Василий Кандинский. Через Smarthistory.Бессмертие через экспрессионизм
— Домашний мальчик Снуп Догга в одиночестве через GIFER.
А теперь вернемся к The Scream . Что делает эту форму искусства вневременной, так это то, что лежит в основе экспрессионизма: обращение к эмоциям. Если вы хотите совершить продажу, вам нужно задействовать эмоциональную часть мозга вашего клиента, прежде чем вы попадете в его логическую часть.Способность экспрессионизма вызывать эмоции зрителя делает его идеальным стилем для продажи.
Эдвард Мунк использовал техники экспрессионизма, кроваво-красное небо, контрастирующее с синевато-черным морем, толстые кружащиеся мазки, примитивные формы и драматическое выражение, чтобы изобразить приступ паники. Это нереально, но эффективно — вы можете начать беспокоиться, просто глядя на него.
Каждый, от Маколея Калкина до Снуп Догга, может выкопать The Scream . Чтобы получить эту картину, вам не обязательно принадлежать к какой-либо определенной культуре, религии, политической или национальной принадлежности.Эмоции доступны для всех, поэтому Эдвард Мунк Scream стал вечным смайликом, я имею в виду иконой.
Ваш бренд может стать или не стать вневременным культовым, но вы можете использовать экспрессионизм в своем дизайне, чтобы вызвать эмоциональный отклик у вашей аудитории. Мы собираемся познакомить вас с рядом вдохновляющих дизайнов, в которых экспрессионизм используется для улучшения своих брендов. Давай, ребята, давай самовыражаемся!
Экспрессионистские логотипы
—
Компаниям, имеющим духовный, нонконформистский или экзистенциальный элемент, следует настоятельно рассмотреть возможность использования экспрессионистского логотипа.Клиенты могут сразу почувствовать, что ваша связь выходит за пределы кожи, когда они видят ваш третий глаз, этнические цвета, боевую раскраску или уверенные позы. Эти элементы покажут, что у вашего бренда есть глубина, в отличие от ваших мелких конкурентов.
Драматическое выражение лица Джо Рогана и перевернутый третий глаз демонстрируют его нонконформистскую духовность. Через ytimg.com. Африканские узоры и цвета, олицетворяющие связь с духовностью. Логотип Dusan Klepic DK ™. Всплеск красной боевой раскраски и использование теней на этом личном логотипе придают ему серьезную эмоциональную окраску.Логотипы Dusan Klepic DK ™. Уверенные в себе личности экспрессионистов представляют собой место, где нонконформисты могут найти свое истинное духовное «я» и разделить себя с родственными душами. Искусство eko.prasetyo *. Дух и гордость льва отражены в цветах и экспрессионистских мотивах. Логотип от logorilla ™.Экспрессионистский веб-дизайн
—
Эмоция была ключевым словом экспрессионистов. В реалистическом искусстве этого часто не хватало, но в экспрессионизме невозможно точно изобразить предмет, если не проявлять эмоциональное измерение.Это означает, что вы не можете просто видеть, вы должны чувствовать!
Эти следующие примеры показывают, как можно использовать экспрессионистские техники для усиления эмоционального содержания дизайна. Зрителей увлекают в дружескую веселую научную лабораторию, зажигательную звуковую вечеринку, приключения обучения и неоднозначность искусства. Компании, которые хотят, чтобы их клиенты ощущали определенную «атмосферу», могут добиться этого с помощью экспрессионистского дизайна.
Примитивизм, фантазия и смелое использование форм придают анимации этой веб-страницы веселую и авантюрную атмосферу научной фантастики.Экспрессионистский веб-дизайн от felipe_charria. Ах, приключение обучения! Веб-дизайн от ArtGloz. Мощный, драматичный веб-дизайн для видеоигр от Mithum. Веб-дизайн с осязаемой атмосферой и эмоциями от Mithum.Экспрессионистская иллюстрация
— by ArtGloz
Фэнтези — один из основных продуктов экспрессионизма. В конце концов, чтобы понять, как выразить чувство, нужно воображение. Так что может быть лучше для объяснения предмета, чем показать окружающие его элементы фантазии?
: от творческого взора подростка, фантастической рыбы в белом космосе, космического джема, элегантного альтернативного измерения до путешествия во времени в современный первобытный мир Кита Харинга — возможности безграничны.Если вы надеетесь перенести аудиторию в другой мир, вдохновитесь этими примерами!
Счастье (прыгающий мальчик / яркое поппейдж) от BATHI Enthusiasm (рыба с разноцветным хвостом) от LizYeeОбложки альбомов экспрессионистов
—
Музыка и драматическое искусство должны идти рука об руку. Вполне логично, что музыканты используют визуальную драму экспрессионизма для обложек своих альбомов. Все это происходит в этом прекрасном саду! Музыкант плачет радужными слезами! Женщина в красном сделана из звездной пыли! А Джими Хендрикс… ну… Джими! Узнайте, как эти бренды создают драму!
Сила музыки, которая переносит вас в волшебный лес, воплощена в экспрессионизме.Обложка альбома Дарьи В. Черно-белые плачущие радужные слезы — это только начало эмоционального содержания в этой экспрессионистской обложке альбома MillionDollars. Традиция Дера Блауэ Рейтера изображать душу объекта отражена в этой экспрессионистской обложке. автор: LazebraArt. Изображение Джими не отражает его сущность… это действительно так. Обложка альбома BRUNI Sablan.Обложки для книг экспрессионистов
—
В книгах, посвященных проблемам внутреннего насилия или смятения, может использоваться жестокое столкновение цветов и изображений, которое дает экспрессионизм.Когда формы, цвета и изображения сталкиваются, это вызывает раздражение у зрителя. Этот эффект может сразу передать суть вашей истории читателям. В экспрессионизме можно эффективно исследовать замешательство, изоляцию и безумную природу жизни.
Смелое сочетание цветов и драматические городские образы. Обложка книги от ValentinaG. Растерянность, Беспокойство, Высокий контраст, тень… этот чувак в плохой форме. Экспрессионистская обложка книги от thekidgraphic. Темная духовность, гнев, раздвоение личности. Экспрессионистская обложка книги от Proi.Этот лес говорит о жуткой изоляции, что ли? Экспрессионистская обложка книги Келлидид.Экспрессионистская упаковка
—
Бренды, стремящиеся передать чувство, а не буквальную идею, преуспеют с экспрессионизмом. Подобно тому, как реалистичный портрет вашей лучшей подруги может не полностью передать ее энергию и энергию, экспрессионистский дизайн также показывает вещи такими, какими они кажутся, а не такими, какие они есть на самом деле. Следующие ниже примеры упаковки предлагают потребителям ощутить скорее ощущение, чем практичность конкретного продукта или услуги.Танцуйте всю ночь напролет со своим давно потерянным любовником! Получите заряд энергии от тропической атмосферы, выпивая чашку Джо!
Духовно-мистическое зрение природы. Экспрессионистская упаковка от MANTSA®. Эфирные любовные забавные духовные шары. Экспрессионистская упаковка от Фабио Фантини. Атмосфера тропического шика с расслабляющей чашкой Джо… Эта упаковка для кофе получилась особенной, поскольку имеет голографический эффект. Искусство упаковки Дарьи Валентиновны Свобода, природа, приключения, мазок. Экспрессионистская упаковка от MANTSA®.Экспрессионистские плакаты
—
Экспрессионизм в дизайне плакатов часто упрощает вещи, используя только основные формы, чтобы донести смысл.Когда вы учитесь рисовать, вы понимаете, что каждый объект разбивается на основные формы. Но даже базовые формы могут иметь большое влияние и создавать мощные визуальные эффекты. Посмотрите, как в следующих примерах используются простые, выразительные элементы в различной степени!
Красный плащ Чудовища перекликается с красными розами. За каждой красивой вещью скрывается какая-то боль. Плакат от WolfBell: объединяясь как личности, они объединяют созвездия. Плакат Натальи Мака: можно ощутить эпическое величие природы.Плакат от Dakarocean.Выразите свои эмоции
— Эдвард сделал не одну версию! Литография «Крик». Через Британский музей.
Какие эмоции вы хотите передать своим экспрессионистским дизайном?
Если у вас возникли проблемы с определением, представьте свой бренд как личность. Перечислите качества и модели поведения, которые воплощает ваш бренд, определите, что отличает его от других.
Затем спросите себя, какие эмоции вы хотите передать своим клиентам. Что вы хотите, чтобы они чувствовали, когда думали о вашем бренде, ваших товарах или услугах? Страсть, тепло, нетерпение, сила, доверие, волнение или радость? Для полноты картины представьте своих клиентов в одной комнате.Как бы вы их поприветствовали? «Whasuuup!» Или «привет дорогие». Или «Добрый день». Получают ли они уличный удар кулаком из трех частей? Долгое глубокое объятие? Или стандартное крепкое рукопожатие?
Получите удовольствие от этих упражнений и приготовьтесь создать свой собственный экспрессионистский дизайн!
Хотите уникальный экспрессионистский дизайн?
Наши дизайнеры могут создать для вас все, что угодно.
Какие стили экспрессионизма?
Экспрессионизм был немецким движением, которое нашло наиболее подходящие средства массовой информации в живописи и драме.
- Импрессионизм.
- Сюрреализм.
- Кубизм.
- Ударное движение.
- Рококо.
- Минимализм.
- Абстрактное Экспрессионизм .
- Братство прерафаэлитов.
Щелкните, чтобы увидеть полный ответ
Кроме того, каковы различные виды искусства экспрессионизма?
Один назывался «Мост», а другой — «Синий всадник». Многие художники-экспрессионисты также пересекаются с другими движениями, такими как фовизм, символизм, абстрактное искусство , искусство и сюрреализм.Также было экспрессионистов, литературы, танца, скульптуры, музыки и театра.
Кроме того, каковы основные различия между стилями импрессионизма и экспрессионизма в музыке? Экспрессионизм избегает обычной иерархии клавиш и аккордов и придает одинаковое значение всем 12 полутонам. В результате музыка id полна диссонанса. В контрасте от до Импрессионизм Экспрессионизм полностью использует весь диапазон высоты звука.
Люди также спрашивают, каковы характеристики экспрессионизма?
Ознакомьтесь с основными чертами экспрессионизма:
- Использование ярких цветов.
- Толстые и искаженные следы.
- Сосредоточьтесь на субъективных аспектах.
- Трагическое видение человека.
- Воздействие пессимистической стороны жизни.
- Деформация реальности мира.
- Выражение свободы личности.
- Использование трехмерности в работах.
Что такое экспрессионизм в литературе?
В литературе , экспрессионизм часто рассматривается как бунт против реализма и натурализма, стремящийся достичь психологической или духовной реальности, а не записывать внешние события в логической последовательности. В романе этот термин тесно связан с произведениями Франца Кафки и Джеймса Джойса (см. Поток сознания).
Экспрессионизм — Arthistory.net
Экспрессионизм как направление в искусстве принял в Европе две основные формы, включая фовизм и немецкий экспрессионизм.Хонор и Флеминг описывают разницу между немцами и французами в первом десятилетии двадцатого века:
«Еще более субъективно, чем фовисты, они [немцы] искали Durchgeistigung или обвинение всего в духовном значении, душе, их пылкий национализм и застенчивый антифранцузский уклон…»
Французское движение экспрессионизма появилось в Париже с первым «событием» искусства двадцатого века. В 1905 году Les Fauves, что по-французски означает «дикие звери», выставили свои картины в Осеннем салоне.Эти работы описываются такими словами, как искаженный, антинатуралистический, интенсивный, яркий и эмоциональный. Фовисты были французскими художниками. Некоторые из них, в том числе Матисс, были студентами-искусствоведами профессора Гюстава Моро в Ecole des Beaux-Artes.
Анри Матисс (1869–1954) написал «Радость жизни» и выставлялся в 1906 году в Осеннем салоне. Среди других фовистов были Андре Дерен, Луи Вальтат, Альфред Маурер, Жорж Руаль и Жорж Брак (скоро его связывают с Пикассо и кубизмом).В «Радости жизни» Матисс изображает обнаженные фигуры в различных позах в красивой, естественной обстановке с яркими цветами и изображениями. Некоторые фигуры лежат на траве, загорая, а другие занимаются веселыми делами на природе, в том числе играют на музыкальном инструменте и танцуют с другими гуляками в кругу. В некоторых других работах Матисса до и после выставки 1906 года наблюдатели могут увидеть его частое изучение традиционных предметов, таких как натюрморты и портреты.
Подобно тому, как сюрреализм вскоре исследовал темную сторону человеческого разума, немецкие экспрессионисты отразили влияние психоанализа Зигмунда Фрейда.История искусства прослеживает немецкий экспрессионизм также до 1906 года с выставкой Die Brucke (Мост) в Дрездене. Эрнест Людвиг Кирхнер (1880-1938) был лидером группы и автором манифеста. Он писал: «Тот, кто выражает свои внутренние убеждения так, как он знает, что должен, и делает это спонтанно и искренне, является одним из нас».
В «Берлинской уличной сцене» (1913) Кирхнер создает оживленную сцену с искаженными мужчинами в черных пальто и цилиндрах и женщинами в длинных пальто и украшенных перьями шляпах.Они ходят по улицам безличного города. В этой картине яркие цвета, мрачные эмоции и расплывчатые человеческие лица.
Экспрессионистские произведения полны ярких образов и эмоций с оттенком темной стороны человеческой натуры. В то время как Матисс описал свое искусство как отказ от импрессионизма, в работах экспрессионистов, символистов, кубистов и сюрреалистов начала двадцатого века прослеживаются следы импрессионизма и неоимпрессионизма.
Эдвард Мунк — Картины, биография, цитаты Эдварда Мунка
Эдвард Мунк — норвежский художник-экспрессионист.Его самая известная работа «Крик» стала одним из самых знаковых образов мирового искусства. В конце 20 века он сыграл великую роль в немецком экспрессионизме и последующих формах искусства; именно из-за сильного душевного страдания, которое проявлялось во многих произведениях, которые он создавал.
Эдвард Мунк родился в Норвегии в 1863 году и вырос в Христиании (ныне Осло). Он был родственником известных художников и художников, Якоба Мунк (художник) и Питер Мунк (историк).Только несколько Спустя годы после его рождения мать Эдварда Мунка умерла от туберкулеза в 1868 году, и его воспитывал отец. Отец Эдварда страдал психическим заболеванием, и это сыграло роль в его воспитании и его братьях и сестрах. Их Отец воспитывал их из-за страха перед глубоко укоренившимися проблемами, что является одной из причин, почему работы Эдварда Мунка приобрели более глубокий тон и почему у художника, как известно, было так много подавленных эмоций, когда он рос.
В 1885 году Эдвард Мунк отправился в Париж и испытал огромное влияние импрессионистов, таких как Клод Моне, Эдуард Мане, а затем художники постимпрессионизма Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, и Поль Гоген. Фактически, основной стиль работы Мунка — постимпрессионизм, и ориентирован именно на этот стиль.
Примерно с 1892 по 1908 год Мунк большую часть времени проводил между Парижем и Берлином; Это было в 1909 году, когда он решил вернуться в свой родной город и вернуться в Норвегию.В этот период большая часть работ, созданных Эдвардом Мунк изобразил свой интерес к природе, и также было отмечено, что тона и цвета, которые он использовал в этих произведениях, действительно добавляли больше цвета и казались немного более жизнерадостными, чем большинство предыдущих работ, которые он создавал за эти годы. мимо. Пессимистический тон, который был довольно заметен в большинстве его ранних работ, немного поблек, и кажется, что он принял более красочный, игривый и забавный тон с произведениями, которые он создавал, в отличие от к темному и мрачному стилю, с которым он, как правило, работал ранее в течение своей карьеры.С этого периода до своей смерти Эдвард Мунк оставался в Норвегии, и большая часть его работ, созданных в этот период Он, казалось, придерживался того же красочного подхода, который он использовал после возвращения домой в 1909 году.
Природа — это не только все, что видно глазу … она также включает в себя внутренние образы души ». — Эдвард Мунк
Большинство работ, созданных Эдвардом Мунком, относились к стилю, известному как символизм.Это в основном из-за того, что картины, которые он делал, были сосредоточены на внутреннем виде объектов, а не на внешнему виду и тому, что мог видеть глаз. Художники-символисты считали, что искусство должно отражать эмоцию или идею, а не представлять природный мир в объективной, квазинаучной манере, воплощенной в реализме и Импрессионизм. В живописи символизм представляет собой синтез формы и чувства, реальности и внутренней субъективности художника.Вместе с австрийским художником Густавом Климтом, Эдвард Мунк считается наиболее выдающимися художниками-символистами 20 века.
Многие работы Мунка изображают сцены жизни и смерти, любви и ужаса, а чувство одиночества часто было тем чувством, на которое зрители обращали внимание на то, на чем были сосредоточены его образцы работы. Эти эмоции были изображены контрастными линий, более темных цветов, цветных блоков, мрачных тонов и лаконичной и преувеличенной формы, которые отображали более темную сторону искусства, которое он создавал.Мунк часто и справедливо сравнивают с Ван Гогом, который был одним из первые художники, написавшие то, что французский художник назвал «таинственными центрами разума». Но, возможно, более сильное влияние оказал Зигмунд Фрейд, очень близкий ему современник. Фрейд объяснил большую часть человеческого поведения, связав его с детским опытом. Мунк видел, как его мать умерла от туберкулеза, когда ему было 5 лет, а его сестра Софи умерла от той же болезни, когда ему было 14 лет. «Кровать Смерти» и «Смерть в больничной» — универсальный состав, не изображающий конкретно того, что он был свидетелем.Несколько версий Больной ребенок, несомненно, его сестра.
Эдвард Мунк скончался в 1944 году в небольшом городке, который находился недалеко от его родного города в Осло. После его смерти работы, которые он создал, не были переданы семье, а были подарены норвежцам. правительства и были размещены в музеях, на выставках и в различных местных общественных зданиях в Норвегии. Фактически, после его смерти более 1000 картин, созданных Эдвардом Мунком, были переданы в дар правительству.Кроме того к картинам, которые он создал в течение своей карьеры, все другие формы искусства, которые он создал, также были переданы в дар правительству. Было подарено 15 400 репродукций, 4500 рисунков и акварели. и шесть скульптур, созданных Эдвардом Мунком, были переданы правительству Осло и использовались в качестве экспонатов во многих местах.
Как и Микеланджело и Рембрандт, меня больше интересует линия, ее подъем и падение, чем цвет.
