Кто из художников стоял у истоков импрессионистической живописи: что такое импрессионизм, особенности и техника направления, история. Самые известные художники-импрессионисты — Мане, Моне, Дега, Ренуар, Сислей и другие

Импрессионизм: зарождение стиля, развитие и отечественные представители

Сергей Капличный

Импрессионизм — одно из крупнейших течений, которое оказало огромное влияние на всё изобразительное искусство. Вместе с Музеем русского импрессионизма мы разобрались в зарождении стиля, его развитии, а также рассмотрели наиболее популярных представителей импрессионизма в России.

Истоки

Импрессионизм зародился в конце XIX — начале XX веков во Франции и затем распространился по всему миру. Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Переносные мольберты и краски в тюбиках дали импрессионистам то, чего не было у их предшественников, — возможность рисовать почти где угодно. Художник мог устроиться у входа в кафе и нарисовать обедающих или сесть у речки и изображать на холсте что-то обыденное, например лучи солнца, пронизывающие листву.

Импрессионисты изменили не только то, где рисует художник, но и как он это делает.

За пределами студии работать приходилось быстро. Художники старались передавать не детали, а впечатления. Яркими представителями импрессионизма были Клод Моне, Эль Греко, Диего Веласкес и Франсиско Гойя.

Русский импрессионизм

Константин Коровин, Игорь Грабарь, Валентин Серов, Василий Поленов, Борис Кустодиев, Петр Кончаловский — этих соотечественников, выбравших делом своей жизни изобразительное искусство, можно поставить в один ряд еще по одной причине: русский импрессионизм. Одни художники стоят у истоков течения, другие — продолжают заложенные «первопроходцами» традиции.

Сам факт существования русского импрессионизма как явления в живописи, к слову, до недавних пор ставили под вопрос. То, с чем в 1870-е годы экспериментировали Илья Репин, Василий Поленов и Федор Васильев, пытаясь приблизить свой художественный метод к жизни, называли работой в импрессионистической манере. А сами художники, в общем-то, и не сознавали себя соавторами нового направления — поначалу так точно. Но только лишь первое время.

В противовес социальности реализма появляется новый принцип, который за основу своего творчества берут многие живописцы. Валентин Серов, относившийся к их числу, сформулировал его суть очень точно: «Пусть будет красиво написано, а что написано, нам неинтересно».

Опираясь на опыт работы с натуры, накопленный в отечественном искусстве, русские художники помогли характерным чертам «эталонного» французского импрессионизма укорениться на новой почве — в нашей стране. Свет, которым залиты их полотна, заполняет пространство, изображенное на холсте, свежим воздухом, который так и хочется вдохнуть полной грудью, раздельный мазок подчеркивает динамику пленэрной работы, а фрагментарность и этюдность импрессионистических работ передают стремление остановить мгновение, увековечив его в ярких, живых красках.

По полотнам из собрания Музея русского импрессионизма можно проследить историю течения, этапы развития и формирования его визуальной самодостаточности — в национальных пределах.

Николай Богданов-Бельский. Лето (1911)

«Лето» — впечатление от солнечного утра в деревне, которое Николай Богданов-Бельский перенес на холст. Удивительной эту работу делает не только яркость света и цвета, но еще и многослойность композиции — это «картина в картине»: сценку в глубине сада с девочкой, задумчиво читающей книгу на скамейке, обрамляет окно, а вместе с ним и фрагменты интерьера комнаты. Букет свежих полевых цветов, зеркало на столе, шляпа, брошенная на табурет — эти бытовые детали обращают на себя столько же внимания, сколько и сюжет из центральной части полотна. Неслучайно эта работа художника была признана выдающейся: она участвовала в 40-й выставке Товарищества передвижников, а ее фотография появилась в каталоге экспозиции.

Николай Клодт. Заросший пруд (1910)

В свое время Николая Клодта упрекали в «декадентстве и импрессионизме». С расстояния длиною в столетие это обвинение кажется скорее комплиментом. «Заросший пруд» соткан из множества оттенков зеленого, с тонкими переходами от холодных к теплым тонам — эта колористическая игра помогла художнику передать впечатления от созерцания натуры, которую Клодт любил без ума.

Константин Коровин. Девушка у окна (1910-е годы)

С конца 1880-х Константин Коровин пишет в импрессионистической манере, так что к 1910-м годам XX века в рамках этого живописного направления он творит с давно отточенным мастерством. В этюде «Девушка у окна» видна смелость работы художника с цветовыми мазками: нельзя не заметить, с какой энергичностью, стремительностью они нанесены на холст. Полет кисти передает мимолетность мгновения, запечатленного на картине.

Борис Кустодиев. Венеция (1913)

Своей супруге во время второй поездки в город на воде Борис Кустодиев писал: «Венеция — это город, который можно страшно полюбить: одна площадь святого Марка с собором, Палаццо Дожей — это каждый раз новые и новые впечатления. Это красиво и утром, и днем, и вечером». Но больше всего художника очаровал ночной облик Венеции. Дрожащие мазки краски, брошенные на полотно, вобрали в себя восторг впечатления от яркого венецианского праздника с искристыми фейерверками и отблесками огня на воде.

Николай Тархов. Мамина комната утром (1910-е)

Проникнутая нежной любовью к теплу семейного очага, картина Николая Тархова делится со зрителем радостью, царящей в маминой комнате на заре дня. Все благодаря контрасту между мягкими пастельными оттенками и более яркими, сочными цветами, пестрящими на холсте мазками-пятнами. Особая непосредственность эмоций героев полотна неслучайна: Тархову позировала жена-француженка Мари-Ивонн Дейтейль с их двумя детьми.

На этом наше путешествие в мире импрессионизма заканчивается. Если вы захотите узнать больше об импрессионизме или других течений в искусстве, то обратите внимание на арт-альбом «Твоя жизнь в искусстве». А почувствовать себя настоящим импрессионистом и попробовать нарисовать картины в этом стиле вам помогут творческие блокноты «Импрессионисты 1» и «Импрессионисты 2».

Импрессионизм. История, мастера, влияние

Рубрика: Об искусстве Автор: Родион Творогин Опубликовано 23.07.2020   ·   Комментарии: 2   ·   На чтение: 10 мин   ·   Просмотры:

150

Хоть импрессионизм и зародился еще во второй половине XIX века в Париже, он до сих пор притягивает поклонников живописи.

В России отношение к импрессионизму всегда было более холодным, чем на западе. По этическим соображениям течение приписывалось к маргинальным, а приёмы и техника письма вообще считались бунтом. В Советское время, особенно после Второй мировой войны, картины импрессионистов прозябали в заказниках, книги о них почти не издавались.

Так продолжалось до 1980-х годов, когда на импрессионизм обрушился эйфорический восторг. Но прошло время, восторг сменился эмоциональной усталостью, сменились приоритеты – стал модным вновь открытый авангард, а затем постмодернистское искусство.

Как появился импрессионизм

В XVII веке во Франции зародился и стал процветать классицизм, распространившийся затем по Европе, США и России. Эталоном для этого стиля в искусстве была греко-римская античность. Все произведения придерживались строгих канонов, воспитывали в людях мораль и нравственность. В изображении окружающего мира важны были натуралистичность и точные детали.

Никола Пуссен «Бегство в Египет» 1657

Также постепенно набирал обороты технический прогресс. Когда в 1839 году изобрели фотографию, изображение реальности стало возможным получить за короткое время. Художники поняли, что писать мир натуралистично и в точных деталях теперь нет необходимости, к тому же они ужасно устали от строгих античных канонов, которые сковывали творческий полёт души. Художникам не хватало настоящей жизни, её моментов, движения, и они обратились к своим впечатлениям. Импрессионизм с французского языка так и переводится – впечатление.

Роль импрессионизма в художественной революции

«Импрессионизм – триумфальная арка для входа в тревожный и не познанный еще храм новейшего искусства» – так красиво звучат слова доктора искусствоведения Михаила Германа. Действительно, можно сказать, что импрессионизм явил собой разделительную черту между высоким, нравственным искусством и явлением под названием «современное искусство» или модернизм и заложил основы авангардных течений в искусстве XX века.

Интересно то, что многие оппоненты импрессионизма, например, Сезанн, Гоген, Ван Гог, Эдуард Мане, были выходцами из него. А создатели новой культуры – Кандинский, Малевич, Дюшан, Ларионов в начале собственного творческого пути тоже прошли через школу импрессионизма. Для художников импрессионизм был как бы вдохновителем на собственный путь, учил независимости, непреклонности, смелости, новаторству. Он помогал найти себя.

Особенности импрессионизма

Переменчивые эффекты света и цвета – вот куда стремилось всё внимание импрессионистов. Был возведён в культ пленэр – рисование на открытом воздухе. Солнечный свет, блики солнца на воде, шелест листьев, дуновение ветра, тени, всё окружающее пространство вокруг позволяло сильнее ощутить мгновение жизни, происходящее именно в этот определенный момент, и запечатлеть его на холсте.

Надо сказать, что тяга к рисованию на натуре существовала у художников и до импрессионизма (Камиль Коро, поздний Курбе, Александр Иванов «Явление Христа народу»).

Камиль Коро «Водопад в Терни» 1826

Но это было только развитие живописных приёмов, импрессионисты же произвели революцию видения. Они писали не столько предметы и пейзажи, сколько некую неосязаемую живописную самодостаточную сущность, растворяющую в себе и предметы, и пространство, и объёмы.

В неподвижности холста каждой картины импрессионистов чувствуется трепет замершего времени, растянутость единого мига: отражения, рефлексы, преломления света и цвета, дрожащие контуры, туманность.

Альфред Сислей «Сена близ Буживаля» 1872

Картины импрессионистов отличали торопливые мазки, отсутствие чётких контуров и прорисовки изображения. Художники-импрессионисты не использовали палитру, то есть не смешивали краски, а наносили мазки чистых цветов сразу на холст близко друг к другу, где они визуально смешивались сами.

Кое-чему импрессионисты учились у фотографии, например, умению «размывать» изображение в глубине и фиксировать взгляд на переднем плане картины (Моне «Бульвар Капуцинок»). Интересно, что у импрессионистов редко встречается вертикальный пейзаж (за исключением Писсаро).

Клод Моне «Бульвар Капуцинок» 1873

Импрессионисты – настоящие демократы, они одинаково интересовались и любовались всем: не важно, будь то железная дорога или обнаженная фигура, прогуливающаяся светская дама или тяжелый труд работяги. Они были вне социальности, не были на чьей-то стороне, а просто всем любовались. Искали не мораль, но истину и писали только во имя искусства, во имя совершенства, которому свято служили.

Импрессионисты и Париж

В 60-е годы XIX века вместе с импрессионизмом рождался иной Париж. Его облик кардинально менялся и преображался, разрушая привычные городские пейзажи, менялся ритм жизни. Романтический средневековый Париж исчезал, появлялся Париж современный – одновременно прекрасный и строгий, бурный и напряженный. С новой, но непривычной красотой, вызывающей споры и возмущения, но имеющей большое значение.

Импрессионисты не стали бы создателями нового течения, если бы не были свидетелями рождения нового Парижа. Этот важный исторический момент стал определяющей основой для революции видения, совершенной импрессионистами в живописи.

Можно сказать, что импрессионизм – парижанин, ведь все будущие импрессионисты или родились, или росли, или учились именно в Париже. Здесь родились Эдуард Мане, Эдгар Дега, Клод Моне, Гюстав Кайботт и даже англичанин Альфред Сислей, взрослели Огюст Ренуар и Берта Моризо, учился и жил Камиль Писсарро. Столицу Франции «впечатленцы» писали с увлечением и восторгом, запечатлевая контраст величественного нового и миниатюрного старого.

Камиль Писсарро «Оперный проезд в Париже» 1898

К середине 1860-х годов почти все будущие импрессионисты в большей или меньшей степени знали друг друга. Самым старшим из них был Камиль Писсаро. Главными местами в Париже, где пересеклись судьбы художников, были: Академия Шарля Сюисса, мастерская Шарля Глейера, дом Ипполита Лежона, кафе «Гербуа».

Эдуард Мане – глава новой школы

Главную роль в формировании нового течения сыграл Эдуард Мане. В марте 1863 года в галерее Мартине публика увидела несколько картин Эдуарда Мане, о двух из которых стоит вспомнить. Это первое нашумевшее произведение художника – «Лола из Валенсии» (ещё никто не изображал актрису на сцене) и, можно сказать, первая в истории импрессионистическая картина «Музыка в Тюильри». Впечатления от привычных прогулок по саду Тюильри Мане выплеснул на холст – в полумрачном пространстве, освещенном лишь вечерним солнцем, остановилось мгновение движения и жестов. Атмосфера картины притягивает и не отпускает.

Эдуард Мане «Лола из Валенсии» 1862 Эдуард Мане «Музыка в Тюильри» 1862

В мае того же 1863 года на выставке в Салоне отверженных, куда пришло даже больше зрителей, чем на официальный Салон, много шума вызвала картина Эдуарда Мане «Завтрак на траве». Художник бросил вызов унылому академизму. Зрители же, привыкшие к шаблонному видению и эстетическому комфорту, сочли произведение вульгарным.

Эдуард Мане «Завтрак на траве» 1863

В мае 1865 года, уже на официальном Салоне, Мане рискнул выставить «Олимпию». Скандал получился ещё большим, чем с «Завтраком на траве». Очередное непризнание только усиливает восторг других художников-единомышленников по отношению к Эдуарду Мане и за ним закрепляется репутация лидера новой школы.

Эдуард Мане «Олимпия» 1863

Выставки

Время шедевров для будущих импрессионистов – конец 1860-х годов.

Моне и Ренуар «Лягушатня» (стр.88), Писсарро «Дилижанс в Лувсьенне», Базиль «Семья в сборе» и «Вид деревни», Огюст Реуар «Портрет Альфреда Сислея с женой», Эдгар Дега «Оркестр Оперы», Мане «Балкон» и «Завтрак в мастерской».

Огюст Ренуар «Лягушатня» 1869 Клод Моне «Лягушатня» 1869 Камиль Писсарро «Дилижанс в Лувсьенне» 1870 Эдгар Дега «Оркестр оперы» 1870 Огюст Ренуар «Портрет Альфреда Сислея с женой» 1868

15 апреля 1874 года на бульваре Капуцинок, 35 в мастерской Надара открылась Первая выставка  «Акционерного общества живописцев, скульпторов, гравёров и пр.». Несалонные выставки особо ценились публикой, поэтому посетителей было много.

Руководил экспозицией, в которой приняли участие 30 художников, Огюст Ренуар и его брат Эдмон. Картины висели далеко друг от друга, были хорошо освещены, поэтому каждая выгодно выделялась. Такой необычный принцип развески (тогда было принято развешивать тесно) создавал ощущение смелости и необычности.

Из 165 картин покой зрителей нарушали 67 – это работы  Будена, Сезанна, Дега, Гийомена, Моне, Моризо, Писсаро, Ренуара и Сислея. Сегодня некоторые из экспонатов общеизвестны, например, «Ложа» Огюста Ренуара, «Впечатление. Восход солнца» Клода Моне.

Огюст Ренуар «Ложа» 1874 Клод Моне «Впечатление. Восход солнца» 1872

В целом, выставка была принята на удивление доброжелательно. Многие ценители искусства видели иллюзию, а не реальность, писали о новых непривычных, но прекрасных ощущениях, в которые хочется погрузиться и изучить.

Но многих зрителей смущали торопливые небрежные мазки на картинах, из-за чего складывалось ощущение, что художники просто не старались (в отличие от классиков). Такого мнения придерживался и один из первых критиков импрессионизма,  62-летний журналист и салонный художник Луи Леруа (Louis Leroy). В своей статье, напечатанной в сатирической газете, он назвал некоторых участников Первой выставки «впечатленцами», и сам того не подозревая, дал название новому течению в живописи.

«Акционерное общество живописцев, скульпторов, гравёров и пр.». было ликвидировано в декабре 1874 года. Первая выставка принесла всем участникам небольшой доход, а также заинтересованность импрессионизмом некоторых критиков. Но со временем общество посчитало рекламой их положительные и рассудительные отзывы, картины импрессионистов падали в цене, их творчество всё равно не принималось.

Несмотря на это, 30 марта 1876 года открылась «Выставка группы художников» на улице Лаффит, в которой приняли участие 19 мастеров, среди которых семь импрессионистов: Дега, Кайботт, Моне, Моризо, Ренуар, Писсарро, Сислей. И снова разгромная критика, лишь немногие зрители и знатоки смоги увидеть развитие нового течения в искусстве. «В кафе», балетные сцены и прачки Дега, «Паркетчики» Кайботта и другие – теперь классика живописи.

Эдгар Дега «В кафе (Абсент)» 1873 Гюстав Кайботт «Паркетчики» 1875

Середина 1870-х годов – время взлёта импрессионизма, особенно 1877 год, в котором написаны большинство его главных шедевров.  4 апреля 1877 года состоялось важное историческое событие – Третья выставка импрессионистов, их звёздный час. В масштабной выставке присутствовали все участники течения со своими лучшими работами.

Организовал её самый молодой из импрессионистов Гюстав Кайботт совместно с Писсарро. Главными героями выставки были Париж (его улицы, площади, вокзалы) и парижане. В огромные залы на улице Ле Пелетье, 6 в тот день пришло много посетителей. Импрессионизмом стали интересоваться.

Шедевры третьей выставки, ставшие классикой: «В кафе (Абсент)», «Женщины на террасе кафе. Вечер», «Площадь Согласия» Эдгара Дега; «Качели», «Бал в «Мулен де ла Галетт» Ренуара; «Кот-де-Бёф, Понтуаз», «Красные крыши» Камиля Писсарро; «Индюки», серия «Вокзалов» Клода Моне.

Эдгар Дега «Площадь Согласия» 1876 Камиль Писсарро «Красные крыши» 1877 Клод Моне «Индюки» 1877

В будущем состоятся ещё несколько выставок импрессионистов, но такого триумфа уже не будет. Импрессионизм, как явление в искусстве, укреплялся, становился значимым, но сама группа постепенно распадалась. Объединённые в начале пути общим стремлением к борьбе, поискам свободы, новаторству, художники стали отличаться друг от друга собственной судьбой и развитием собственного мастерства. Сохранялось только ощущение приближения когда-то общих стремлений.

В четвёртой «Выставке  независимых художников» не участвовали Ренуар, Берта Моризо, Сислей, Сезанн, на пятой (1880 год) не было и Моне, на шестой (1881 год) – Кайботта. Основатели группы собрались только на седьмой выставке в 1882 году.

Историю импрессионизма можно считать законченной после 1886 года, в котором состоялась последняя выставка импрессионистов. Шедевры: «Бар в «Фоли-Бержер», «Нана», «У папаши Латюиля» Мане.

Эдуард Мане «Бар в «Фоли-Бержер» 1882Эдуард Мане «У папаши Латюиля» 1879

Драма импрессионизма

Импрессионизм оказался подвижническим, жертвенным искусством. Увлечение и в какой-то степени порабощение видимостью, некоторые художники воспринимали как нравственное падение. Чего стоит признание Клода Моне о том, как он увлеченно следил за изменением цвета на лице умершей жены.

На протяжении недолгих двух десятков лет существования импрессионизма, его представители так и оставались непонятыми, непринятыми, отверженными современниками, как простыми зрителями, так и критиками. К тому же многие импрессионисты испытывали постоянные материальные трудности, житейские проблемы.

Со временем утрачивалось значение общих идеалов и целей, появились внутренние разногласия в группе, художники совершенствовали собственное мастерство, искали свой путь, увлекались другими направлениями в живописи. В результате, импрессионизм сокрушили сами импрессионисты – Сезанн, Ван Гог, Гоген.

Поль Сезанн «Гора Сент-Виктуар» 1904

Жаль, что настоящее признание и любовь импрессионизм получил поздно, да и значимость собственной миссии «впечатленцы» вряд ли осознавали. Сегодня картины импрессионистов – как отдушина для уставших от новейшего искусства зрителей. Удаляясь во времени, импрессионизм приближается к нам своим величием и смелостью, сохраняя в себе покой и радость прежних времён.

«Я ищу невозможного» – слова последнего из импрессионистов Клода Моне.

Статья об импрессионизме на Википедии.

Художники, которые умели впечатляться: Предшественники импрессионизма. Часть I

Жан Франсуа Милле (1814 – 1875)

Гигант, нормандская деревенщина, громадина-пахарь с крутым нравом и отменной памятью — вот кого видели в Жане-Франсуа его шербурские и парижские учителя, покупатели его ранних идиллических пейзажей, немногочисленные заказчики портретов, а в зрелые годы — ценители особенного любовного отношения, с которым художник писал свою тему, золотоносную, как великая река. Она дала ему жизнь дважды. Первый раз — когда родители усмотрели в подростке не только трудягу-фермера, но и отмеченного Божьей искрой рисовальщика и отправили его учиться (Милле осчастливил своим присутствие по крайней мере четыре частных школы живописи). Второй раз — когда Милле, после бурного десятилетия (ссора с парижским наставником Полем Деларошем, возвращение в Шербур, жизнь впроголодь, женитьба по любви, скорое вдовство из-за проклятой бедности и туберкулеза, переезд в Париж и знакомство с барбизонцами, работа «Дитя Эдип, снимаемый с дерева» на Салоне 1847 года, бегство от эпидемии холеры), опять оказался в Париже и выставил «Сборщиц колосьев» — библейски величественную картину о жизни, которую хорошо знал.

Получив за картину деньги, Милле переселился в Барбизон и привез сюда вторую жену, Катрин, с которой за 20 оставшихся ему лет вырастил девятерых детей. Милле легко подружился с Теодором Руссо (даже их могилы находятся рядом), хотя и предпочитал, в отличие от него, пленэрам в девственной безлюдье деревенские — и отнюдь не пасторальные — виды, в которых взгляд сразу падает на персонажей. Делал десятки эскизов и набросков, подчас в поисках композиционного решения переставляя на столе восковые и глиняные фигурки, которые сам же и лепил. Часть набросков превращалась в графику, другая — в фактуристые холсты: их он писал уже без предварительного рисунка, сразу, непременно в ателье, иногда приглашая натурщиков, которых, однако, не портретировал; некоторые работы существуют в двух-трех версиях.

Коллекционер Альфред Сенсье и Милле заключили эксклюзивный договор: 25 таких работ в год в обмен на регулярное жалование и художественные материалы; Милле писал и сверх этого, так что хватало регулярно выставляться в Бельгии, и изнурительный договор с Сенсье прекратил действие через 6 лет, а уже в следующем, 1867 году Милле стал кавалером ордена Почетного легиона в дни Всемирной выставки с его большой экспозицией. По заказу коллекционера Фредерика Хартмапа Милле написал серию холстов с временами года; неоконченная «Зима» осталась открытым финалом всей жизни художника, умершего в январе, начав наброски для еще одного заказа — серии полотен о покровительнице Парижа святой Женевьеве.

Мягкость движимого воздуха, гладкий штрих портретов, многофактурная живопись с тонкими лессировками в сочетании с непокорной искренностью ценили в Милле коллеги. Кое-что, назвавшись состоятельным американцем, покупал у Милле через третьи руки Руссо (чтобы у друга в его тяжелые времена не возникло желания просто отдать свои шедевры в подарок). Милле был любимым художником Ван Гога, который писал своих знаменитых сеятелей, для начала перерисовывая работы Милле, в том числе и офорты, штрихи которых перекочевали в вангоговские масляные мазки. Еще позже «Ангел Господень» Милле вдохновил Сальвадора Дали на целую серию версий (1, 2).

Импрессионизм в живописи: история картины художники

Импрессионизм – направление в искусстве конца 19 – начала 20 века. Родиной нового направления живописи является Франция. Естественность, новые методы передачи реальности, идеи стиля привлекли художников из стран Европы и Америки.

Импрессионизм развивался в живописи, музыке, литературе, благодаря известным мастерам – например, Клоду Моне и Камилю Писсарро. Художественные приемы, использованные для написания картин, делают полотна узнаваемыми, самобытными.

Впечатление

Термин «импрессионизм» изначально имел пренебрежительный оттенок. Критики применяли это понятие для обозначения творчества представителей стиля. Впервые понятие появилось в журнале «Le Charivari» — в фельетоне о «Салоне отверженных» «Выставка импрессионистов». Основой стала работа Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Постепенно термин прижился в среде живописцев и приобрел другой оттенок. Суть понятия сама по себе не имеет конкретного смысла или содержания. Исследователи отмечают, что методы, используемые Клодом Моне и другими импрессионистами, имели место в творчестве Веласкеса и Тициана.

Для точного определения стиля предлагают использовать формулировку «Барбизонская школа» — речь идет о географической локации, но не о стилистических нюансах.

История развития

Первые репрезентативные работы появились в 1860-х годах в знак протеста против академизма. Художники решили самостоятельно искать путь в творчестве. Одним из основателей направления считается Эдуард Мане и Клод Моне. В середине 60-х годов 19 века оформилась узнаваемая техника живописи импрессионистов – использование прерывистых мазков.

Творчество Клода Моне и Камиля Писсарро совершенствовалось под влиянием многих художественных стилей и направлений во Франции. Параллельно в Великобритании работал У.Тернер – предшественник импрессионизма.

Переломным для развития живописи стал 1874 год – состоялась первая крупная выставка работ в стиле импрессионизма. Представлено 165 картин 30 художников.

После выставки художники получили множество критических замечаний – их обвинили в аморальности, пропаганде ложных ценностей, несостоятельности, склонности к мятежности. Судить импрессионистов перестали только через несколько десятилетий.

Русский импрессионизм развивался на базе французского движения, перенимал характерные черты. В отличие от академизма, родиной которого был Санкт-Петербург, стиль сформировался в Москве. Известные русские мастера: В.Серов, Н.Мещерин, А.Мурашко, К.Коровин, И.Грабарь.

Особенности стиля

Центральная идея направления живописи – передать переменчивость жизни, мимолетность каждого момента. Художников часто обвиняли в отсутствии глубинного смысла в картинах. Импрессионизм не ставил цель поднимать философские проблемы. В сферу интересов художников попадали обыденные проблемы, будничная жизнь, текучесть времени и переменчивость настроения. Современные критики отмечают особое мастерство и эмоциональность работ.

Истоки эпохи Возрождения

Истоки развития стиля стоит искать в эпохе Возрождения – импрессионисты заимствовали у них технику работы с цветом. На творчество Э.Мане повлияла живопись эпохи классицизма: вопреки стандартам стиля, он применял темные тона, черный цвет в контрасте яркими красками. Исследователи отмечают влияния романтической и этнической японской живописи.

Наиболее полно творчество западноевропейских и русских импрессионистов раскрылось в жанрах городского и сельского пейзажа. В центре композиции – момент жизни: пара, гуляющая под дождем, крестьянин, собирающий урожай, семейное катание на лодке, танцоры на разминке перед репетицией.

Простые сюжеты

Главными темами работ русских и европейских мастеров стали: деятельность обычных людей на лоне природы, бытовые сцены. Героями полотен становились не прославленные герои, правители государств или литературные персонажи, а обычные люди.

Западноевропейские и русские художники экспериментировали с новыми методами и материалами – они стали определяющими чертами для всего стиля. Во-первых, они намеренно оставляли свои картины незавершенными, исходя из художественных стандартов. На первый взгляд, чувствуется недосказанность в работах.

Красота момента

Вместо отображения реальных картин жизни, живописцы стремились передать момент или впечатление от момента, поэтому работы художников очень эмоциональны, наполнены глубинным смыслом. Факты и реалистичность передачи окружающего мира уходят на второй план, уступая место чувствам, яркости момента, субъективности восприятия мира.

Картины импрессионистов кажутся немного нечеткими и неопределенными. Этого эффекта достигают при помощи специфических методов нанесения краски на холст. Художники использовали короткие, быстрые мазки, которые создавали на полотне мозаику из мазков разного цвета. Иногда живописцы вообще не использовали кисть, нанося краску прямо из тюбика. По вышеперечисленным причинам, картины не рекомендуется рассматривать с близкого расстояния – в ней важны не детали, а все изображение, воспринятое целиком.

Сила цвета

Главное оружие представителей импрессионизма – цвет. Он служил основой для передачи момента из жизни. Использовались яркие оттенки, чистый, интенсивный цвет, полноценно передающий эмоцию. В живописи нет места скучным нейтральным тонам – применяют желтый, красный, голубой, зеленый, синий. В работах импрессионистов цвет важнее образа, переданного на полотне.

Главное поле творчества – природа. Клод Моне и другие европейские и русские художники создавали свои картины непосредственно на природе – это помогало максимально полно передать краски, игру света и тени, туман, облака, блики солнца на воде и другие эффекты, которым ранее не уделяли внимания.

Значение

Творчество Клода Моне, Камиля Писсарро, Эдуарда Мане стало новацией своего времени. Мастера живописи изобрели новые способы отображения объектов на полотне, без необходимости обращаться к стандартам академизма. Развитие стиля стало базой для формирования художественных направлений второй половины 20 – начала 21 века. На современном этапе движение развивается в формате постимпрессионизма.

Русские художники-импрессионисты

Импрессионизм появился во Франции, но только лишь Францией его распространение не ограничилось. Приход к импрессионизму был естественным этапом развития всех западных школ: в ответ на довлеющий академизм художники обращались к работе с формой, экспериментировали с живописной передачей света и цвета. Мировой импрессионизм как явление — это совокупность его национальных вариантов. Можно говорить об испанском и британском, скандинавском и немецком, американском и русском импрессионизме, каждый из которых похож и не похож на французский.

В отечественной истории искусства не найдется мастера, который оставался бы верен импрессионизму на протяжении всей жизни и мог бы быть безоговорочно назван импрессионистом. Вместе с тем импрессионизмом «переболели» едва ли не все русские живописцы рубежа XIX–XX веков. Изучение его находок обогащало палитру и раскрепощало руку, меняло видение навсегда. Константин Коровин писал, что стремится передать «трепет и шум листьев», «ноты-звуки природы, света, солнца». Валентин Серов заявлял: «Пусть будет красиво написано, а что написано, нам неинтересно».

Однако импрессионистические работы встречаются не только у тех, чьи имена напрямую ассоциируются с импрессионизмом. Пробовали себя в импрессионизме и Борис Кустодиев, и Виктор Борисов-Мусатов, и Константин Юон, и Николай Богданов-Бельский, и даже Илья Репин, который на словах новые течения отвергал и писал в их адрес обличающие статьи.

Позднее, в XX столетии, импрессионизм наравне с сезаннизмом, кубизмом, футуризмом воспринимался самими художниками как необходимая ступень обучения, благодаря которой «все ограмотились», как называл это Кузьма Петров-Водкин. Все виднейшие авангардисты — Михаил Ларионов, Наталия Гончарова, Казимир Малевич, Василий Кандинский — прошли через увлечение импрессионизмом.

Вопреки расхожему мнению о том, что советская живопись была представлена исключительно социалистическим реализмом, после 1917 года импрессионизм никуда не исчез, хотя, конечно, его присутствие на выставках зачастую было невозможно. Одни, как Александр Герасимов и Дмитрий Налбандян, ухитрялись создавать импрессионистические полотна одновременно с заказными портретами партийной элиты. Другие были вынуждены скрываться: им отказывали в выставках, их преследовали за «формализм». Например, советский лирик Юрий Пименов сам себя называл «реалистическим импрессионистом»: каждая его картина была талантливо пойманным мгновенным впечатлением.

Чем импрессионизм отличается от экспрессионизма? | Вечные вопросы | Вопрос-Ответ

Импрессионизм и экспрессионизм представляют собой различные направления в искусстве.

Импрессионизм (от англ. impression — впечатление) зародился во Франции в конце 1860-х годов. Его представители пытались передать сцены из реального мира, передав при этом свои впечатления от них. Художники этого стиля накладывали краски отдельными мазками и использовали контрастные тона (красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой) на одном участке картины. Отличительной особенностью картин импрессионистов является эффект мерцания красок. Картины импрессионистов не затрагивали острые социальные проблемы.

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве в первые десятилетия двадцатого века, преимущественно в Германии и Австрии. Его представители стремились не только изобразить окружающий мир, но и передать художественными способами эмоциональное состояние автора.

Откуда произошли названия стилей?

Слово «импрессионизм» происходит от названия картины Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», которая была представлена на выставке 1874 года. Журналист журнала «Le Charivari» Луи Леруа, посетив выставку, обозвал художников, которые в ней участвовали, «импрессионистами», желая выразить тем самым свое пренебрежение к игнорированию участниками выставки классического жанра. Название тем не менее прижилось и потеряло свой первоначальный отрицательный смысл.

Клод Моне Впечатление. Восходящее солнце. 1872 Фото: Public Domain

Термин «экспрессионизм» был введен чешским историком искусств Антонином Матешеком в 1910 году в противоположность термину импрессионизм.

Что послужило предпосылкой для возникновения импрессионизма?

Импрессионизм возник на сломе общественно-исторических эпох и отразил наиболее характерные моменты своего времени. Некоторые молодые художники, стремясь отойти от религиозного воздействия и академического искусства, которое выражало вкусы правительственных кругов, начинают искать новые средства выражения стиля.

Основоположниками стиля были его наиболее яркие представители — Эдуард Мане, Эдгар Дега, Огюст Ренуар, Клод Моне. Художники резкими мазками накладывали на холст краски, которые в глазах зрителя, отошедшего от картины на достаточное расстояние, создавали желаемый результат. Художники стремились использовать те приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, но с восприятием самого художника. Например, земля на картинах импрессионистов может быть фиолетовой, сиреневой, голубой, розовой или оранжевой, но никогда — коричневой. Чтобы добиться желаемого результата, художники часто прибегали к технике оптического смешения, они не смешивали цвета между собой, а накладывали их на полотно рядом. В результате мелкие мазки красной и синей краски зритель видел как фиолетовые. Благодаря владению цветом, импрессионистам удавалось отражать в картинах движение облаков, игру света, порывы ветра, струи дождя или падающий снег.

Наиболее типичной для импрессионистов темой был пейзаж, однако они в своём творчестве художники затрагивали и многие другие темы — такие, как сцены повседневной жизни современного города, быт людей и развлечения.

Изначально импрессионизм был встречен критиками насмешками и травлей, но, уже с конца 1880-х годов новая техника в живописи была подхвачена представителями академического и салонного искусства. К 1886 году импрессионизм завоевал весь мир искусства и распространился в США, Великобритании, Германии, Скандинавии. 

Как возник экспрессионизм и кто был его основателем?

Экспрессионизм возник как реакция на события Первой Мировой войны, которые разрушили привычный быт и те начала, на которых покоилась европейская культура. Художники восприняли действительность субъективно, и через свои эмоциональные картины, наполненные разочарованием, тревогой и страхом, пытались воздействовать на публику.

Для выражения чувства раздражения, отвращения и тревоги экспрессионисты использовали угловатые, искорёженные линии, деформацию предметов, быстрые и грубые мазки, кричащий колорит. Художники отдавали предпочтение контрастным цветам для того, чтобы усилить воздействие на зрителя и не оставить его равнодушным.

Своими предшественниками экспрессионисты считали постимпрессионистов. Первое сообщество, с которого началось развитие экспрессионизма, возникло в 1905 году, и получило название «Мост». Четверо студентов-архитекторов дрезденской Технической школы организовали коллектив, в котором художники проявляли свою индивидуальность. Программа объединения была составлена Эрнстом Людвигом Кирхнером, и помимо него в «Мост» входили Фриц Блейль, Карл Шмидт-Ротлуф и Эрих Хеккель. 

В 1906 году художники организовали первую выставку, которую положительно восприняла общественность. В 1912 году к течению присоединилась еще одна группа «Синий всадник», организованная Василием Кандинским. В ее состав также вошли немецкие художники — Август Макке, Генрих Кампендонк, Франц Марк, Пауль Клее и др.

С приходом к власти Гитлера в 1933 году экспрессионизм был объявлен «дегенеративным искусством», а его представители потеряли возможность выставлять свои работы. Несмотря на запрет, художники продолжали работать в рамках экспрессионизма на протяжении многих десятилетий. 

Представители импрессионизма в изобразительном искусстве

• Клод Моне
• Огюст Ренуар
• Камиль Писсарро
• Берта Моризо
• Альфред Сислей
• Фредерик Базиль
• Эдуард Мане
• Эдгар Дега
• Джеймс Уистлер
• Хоакин Соролья
• Константин Коровин и др.

Представители экспрессионизма в изобразительном искусстве

• Александр Архипенко
• Эрнст Барлах
• Макс Бекман
• Жорж Грос
• Отто Дикс
• Генрих Кампендонк
• Василий Кандинский
• Эрнст Людвиг Кирхнер
• Пауль Клее
• Оскар Кокошка
• Альфред Кубин
• Август Маке
• Франц Марк
• Амедео Модильяни
• Эдвард Мунк
• Отто Мюллер
• Эрих Хеккель
• Осип Цадкин
• Эгон Шиле
• Густав Климт
• Фрида Кало и др.

Импрессия, импровизация, композиция. Знаменитые картины Василия Кандинского

Импрессия, импровизация, композиция. Знаменитые картины Василия Кандинского

Импрессионизм | Belcanto.ru

Категории словаря

Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression — впечатление) — художественное течение, возникшее в 70-х гг. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре. Выдающиеся живописцы-импрессионисты (К. Моне, К. Писарро, А. Сислей, Э. Дега, О. Ренуар и др.) обогатили технику изображения живой природы во всей её чувственной прелести. Сущность их искусства — в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов. Музыкальный импрессионизм возник в конце 80 — начале 90-х гг. Своё классическое выражение он нашёл в творчестве К. Дебюсси.

Применение термина «импрессионизм» к музыке во многом условно: музыкальный импрессионизм не вполне аналогичен одноимённому течению в живописи. Главное в музыке композиторов-импрессионистов — передача настроений, приобретающих значение символов, фиксация едва уловимых психологических состояний, вызванных созерцанием внешнего мира. Это сближает музыкальный импрессионизм с искусством поэтов-символистов, для которого характерен культ «невыразимого». Термин «импрессионизм», применявшийся музыкальными критиками конца 19 в. в осуждающем или ироническом смысле, позднее стал общепринятым определением, охватывающим широкий круг музыкальных явлений рубежа 19-20 вв. как во Франции, так и в др. странах Европы.

Импрессионистские черты музыки К. Дебюсси, М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмита, Ж. Роже-Дюкаса и др. французских композиторов проявляются в тяготении к поэтически одухотворённому пейзажу («Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны», «Море» Дебюсси, «Игра воды», «Отражения», «Дафнис и Хлоя» Равеля и др.). Близость к природе, тонкие ощущения, возникающие при восприятии красоты моря, неба, леса, способны, по мысли Дебюсси, возбудить фантазию композитора, вызвать к жизни новые звуковые приёмы, свободные от академических условностей. Другая сфера музыкального импрессионизма — рафинированная фантастика, порождённая античной мифологией или средне-вековыми легендами, мир экзотики народов Востока. Новизна художественных средств нередко сочеталась у композиторов-импрессионистов с претворением изысканных образов старинного искусства (живописи стиля рококо, музыки французских клавесинистов).

Музыкальный импрессионизм унаследовал некоторые черты, присущие позднему романтизму и национальным школам 19 века: интерес к поэтизации старины и далёких стран к тембровой и гармонической красочности, воскрешению архаических ладовых систем. Поэтический миниатюризм Ф. Шопена и Р. Шумана, звукопись позднего Ф. Листа, колористические находки Э. Грига, Н. А. Римского-Корсакова, свобода голосоведения и стихийная импровизационность М. П. Мусоргского нашли оригинальное продолжение в творчестве Дебюсси и Равеля. Талантливо обобщив достижения предшественников, эти французские мастера в то же время резко восстали против академизации романтических традиций; патетическим преувеличениям и звуковой перенасыщенности музыкальных драм Р. Вагнера они противопоставляли искусство сдержанных эмоций и прозрачной скупой фактуры. В этом сказалось и стремление воскресить специфически французскую традицию ясности, экономии выразительных средств, противопоставив их тяжеловесности и глубокомысленности немецкого романтизма.

Во многих образцах музыкального импрессионизма проступает восторженно-гедонистическое отношение к жизни, что роднит их с живописью импрессионистов. Искусство для них — сфера наслаждения, любования красотой колорита, сверканием светлых безмятежных тонов. При этом избегаются острые конфликты, глубокие социальные противоречия.

В отличие от чёткого рельефа и сугубо материальной палитры Вагнера и его последователей, музыка импрессионистов часто характеризуется тонкостью, нежностью, беглой переменчивостью звуковых образов. «Слушая импрессионистов-композиторов, вы по преимуществу вращаетесь в кругу туманных переливчатых звучаний, нежных и хрупких до того, что вот-вот музыка вдруг дематериализуется… лишь в душе вашей надолго оставив отзвуки и отблески упоительных бесплотных видений» (В. Г. Каратыгин).

Эстетика импрессионизма воздействовала на все основные жанры музыки: вместо развитых многочастных симфоний стали культивироваться симфонические эскизы-зарисовки, сочетающие акварельную мягкость звукописи с символистской загадочностью настроений; в фортепианной музыке — столь же сжатые программные миниатюры, основанные на особой технике звукового «резонирования» и картинной пейзажности; на смену романтической песне пришла вокальная миниатюра с преобладанием сдержанной речитации, сочетающейся с красочной изобразительностью инструментального фона. В оперном театре импрессионизм привёл к созданию музыкальных драм полулегендарного содержания, отмеченных чарующей деликатностью звуковой атмосферы, скупостью и естественностью вокальной декламации. При некотором углублении психологической выразительности в них сказалась статика драматургии («Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси).

Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило палитру музыкально-выразительных средств. Это относится прежде всего к сфере гармонии с её техникой параллелизмов и прихотливым нанизыванием неразрешающихся красочных созвучий-пятен. Импрессионисты заметно расширили современную тональную систему, открыв путь многим гармоническим новшествам 20 в. (хотя и заметно ослабили чёткость функциональных связей). Усложнение и разбухание аккордовых комплексов (нонаккорды, ундецимаккорды, альтерированные и квартовые созвучия) сочетаются у них с упрощением, архаизацией ладового мышления (натуральные лады, пентатоника, целотонные комплексы). В оркестровке композиторов-импрессионистов преобладают чистые краски, капризные блики; часто применяются соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino. Типичны и чисто декоративные, равномерно текучие остинатные фоны. Ритмика подчас зыбка и неуловима. Для мелодики характерны не закруглённые построения, но короткие выразит. фразы-символы, напластования мотивов. При этом в музыке импрессионистов необычайно усилилось значение каждого звука, тембра, аккорда, раскрылись безграничные возможности расширения лада. Особую свежесть музыке импрессионистов придало частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, тонкое претворение ладовых, ритмических элементов, заимствованных в фольклоре народов Востока, Испании, в ранних формах негритянского джаза.

В начале 20 в. музыкальный импрессионизм распространился за пределами Франции, обретая у различных народов специфические национальные черты. В Испании М. де Фалья, в Италии О. Респиги, молодой А. Казелла и Дж. Ф. Малипьеро оригинально развивали творческие идеи французских композиторов-импрессионистов. Своеобразен английский музыкальный импрессионизм с его «северной» пейзажностью (Ф. Дилиус) или пряной экзотикой (С. Скотт). В Польше музыкальный импрессионизм представлял К. Шимановский (до 1920) с его ультрарафинированными образами античности и Др. Востока. Влияние французского импрессионизма испытали в начале 20 в. и некоторые русские композиторы (Н. Н. Черепнин, В. И. Ребиков, С. Н. Василенко в ранние годы его творчества). У А. Н. Скрябина самостоятельно сформировавшиеся черты импрессионизма сочетались с пламенной экстатичностью и бурными волевыми порывами. Слияние традиций музыки Н. А. Римского-Корсакова с самобытно претворёнными воздействиями французского импрессионизма заметны в ранних партитурах И. Ф. Стравинского («Жар-птица», «Петрушка», опера «Соловей»). Вместе с тем Стравинский и С. С. Прокофьев наряду с Б. Бартоком оказались зачинателями нового, «антиимпрессионистского» направления в европейской музыке кануна 1-й мировой войны.

И. В. Нестьев

---

Французский музыкальный импрессионизм

Творчество двух крупнейших французских композиторов Дебюсси и Равеля — самое значительное явление во французской музыке на рубеже XIX и XX столетий, яркая вспышка глубоко человечного и поэтичного искусства в один из самых сложных и противоречивых периодов в развитии французской культуры.

Художественная жизнь Франции последней четверти XIX столетия отличалась поразительной пестротой и контрастами. С одной стороны, появление гениальной «Кармен» — вершины реализма во французской опере, целого ряда глубоких по замыслу, художественно значительных симфонических и камерных произведений Франка, Сен-Санса, Форе и Дебюсси; с другой — утвердившееся господство в музыкальной жизни столицы Франции таких учреждений, как Парижская консерватория, Академия изящных искусств с их культом омертвелых «академических» традиций.

Не менее разительный контраст представляет собой распространение в самых широких слоях французского общества таких демократических форм музыкальной жизни, как массовые певческие общества, социально-острая по своему духу деятельность парижских шансонье, и наряду с этим — возникновение крайне субъективного направления во французском искусстве — символизма, которое отвечало преимущественно интересам эстетствующей верхушки буржуазного общества с их лозунгом «искусство для избранных».

В такой сложной обстановке родилось одно из самых интересных, ярких направлений во французском искусстве второй половины XIX века — импрессионизм, возникший сначала в живописи, затем в поэзии и музыке.

В изобразительном искусстве это новое направление объединило художников весьма своеобразного и индивидуального таланта — Э. Мане, К. Моне, О. Ренуара, Э. Дега, К. Писсарро и других. Относить безоговорочно всех перечисленных художников к импрессионизму было бы неверно, ибо у каждого из них была своя излюбленная сюжетная сфера, самобытная манера письма. Но объединяла их на первых порах ненависть к официальному «академическому» искусству, чуждому жизни современной Франции, лишенному настоящей человечности и непосредственного восприятия окружающего.

«Академисты» отличались исключительным пристрастием к эстетическим нормам античного искусства, к мифологическим и библейским сюжетам, а импрессионистам в значительно большей мере оказались близки тематика и образная сфера творчества таких художников предшествующей эпохи, как Камиль Коро и особенно Гюстав Курбе.

Основное, что наследовали импрессионисты у этих художников, заключалось в том, что они вышли из мастерских на открытый воздух и стали писать непосредственно с натуры. Это открыло им новые пути к постижению и отображению окружающего мира. К. Писсарро говорил: «Нельзя думать о том, чтобы написать действительно серьезную картину без натуры». Наиболее характерной чертой их творческого метода стала передача самых непосредственных впечатлений от того или иного явления. Это дало повод некоторым критикам либо причислять их к модному тогда натурализму с его поверхностным «фотографическим» восприятием мира, либо обвинять в том, что они подменяют отображение реальных явлений действительности своими сугубо субъективными ощущениями. Если упрек в субъективизме имел под собой почву в отношении ряда художников, то обвинение в натурализме было мало основательным, ибо у большинства из них (Моне, Ренуара, Дега, Ван-Гога) целый ряд картин хотя и кажутся моментальными зарисовками, как бы выхваченными «из жизни», на самом деле появились в результате долгих поисков и отбора характерного, типичного и глубокого обобщения жизненных наблюдений.

Большинство импрессионистов всегда подчеркивали значение выбора конкретной темы для своих картин. Самый старший из них, Эдуард Мане, говорил: «Цвет — это дело вкуса и чувствительности. Но нужно иметь, что сказать. А не то — до свидания!.. Нужно быть также взволнованным темой».

Основной темой их творчества стала Франция — ее природа, быт и люди: рыбацкие поселки и шумные парижские улицы, мост в Морэ и знаменитый собор в Руане, крестьяне и балерины, прачки и рыбаки.

Настоящим откровением в полотнах художников-импрессионистов явился пейзаж. Новаторские устремления их раскрылась здесь во всем своем разнообразия и богатстве оттенков и нюансов. На полотнах импрессионистов появились подлинные живые краски природы, ощущение прозрачности воздуха, тончайшая игра светотеней и т. д.

Новые сюжеты, постоянный огромный интерес к натуре потребовали от импрессионистов особого живописного языка, открытия стилевых закономерностей живописи, основанных на единстве формы и цвета. Им удалось установить, что цвет на картине может образовываться не обязательно путем смешивания красок ча палитре, а в результате рядом положенных «чистых» тонов, которые образуют более естественное оптическое смешение; что тени не только являются следствием малой освещенности предмета, но могут сами рождать новый цвет; что цвет, так же как и линия, может «слепить» предмет, придать ему четкую определенную форму и т. д.

Новизна тематики и особенно метода художников-импрессионистов вызвала резко отрицательное отношение со стороны официальных художественных кругов Парижа. Первую же выставку импрессионистов официальная пресса назвала «покушением на добрые художественные нравы», на уважение к мастерам классического французского искусства.

В обстановке непрекращающейся борьбы между традиционными и новыми направлениями в живописи и поэзии складывался музыкальный импрессионизм. Он возник также как прямая оппозиция по отношению к устаревшим, но цепко удерживающимся «академическим» традициям в музыкальном искусстве Франции конца прошлого столетия. Первым и наиболее выдающимся представителем этого направления был Клод Дебюсси. Композитором, во многом продолжившим творческие устремления Дебюсси, но в то же время нашедшим свой оригинальный самобытный путь развития, стал Морис Равель. Их первые творческие опыты встретили такое же недоброжелательное отношение со стороны руководства официальных учреждений — Парижской консерватории, Академии изящных искусств, как и картины художников-импрессионистов. Им пришлось пробивать себе дорогу в искусстве в одиночестве, ибо у них почти не было единомышленников и соратников. Весь жизненый и творческий путь Дебюсси и Равеля — путь мучительных поисков и счастливых находок новых тем и сюжетов, смелых экспериментов в области музыкальных жанров и средств музыкального языка.

При общности истоков их творчества, художественного окружения оба художника глубоко индивидуальны по своему творческому облику. Это проявилось и в выборе каждым из них определенных тем и сюжетов, и в их отношении к национальному фольклору, и в характере эволюции творческого пути каждого, и во многих важных особенностях стиля.

Музыкальный импрессионизм (как и живописный) вырос на почве национальных традиций французского искусства. Это проявилось у Дебюсси и Равеля в прочных, хотя и не всегда внешне заметных связях с народным французским искусством (где наиболее живым примером для них могло быть глубоко национальное по своей природе творчество Визе), в тесном общении с современной им литературой и живописью (что было всегда типично для французской музыки различных исторических периодов), в исключительной роли в их творчестве программной инструментальной музыки, в особом интересе к античной культуре. Но самыми близкими и непосредственно подготовившими музыкальный импрессионизм явлениями все же остаются современная французская поэзия (где в это время выдвинулась близкая по духу импрессионистам фигура поэта Поля Верлена) и, особенно, живописный импрессионизм. Если влияние поэзии (в основном символистской) обнаруживается преимущественно в ранних произведениях Дебюсси и Равеля, то влияние живописного импрессионизма на творчество Дебюсси (и в меньшей степени на Равеля) оказалось шире и плодотворнее.

В творчестве художников и композиторов — импрессионистов обнаруживается родственная тематика: колоритные жанровые сценки, портретные зарисовки, но исключительное место занимает пейзаж.

Есть общие черты и в художественном методе живописного и музыкального импрессионизма — стремление к передаче первого непосредственного впечатления от явления. Отсюда тяготение импрессионистов не к монументальным, а к миниатюрным формам (в живописи — не к фреске или крупной композиции, а к портрету, этюду; в музыке — не к симфонии, оратории, а к романсу, фортепианной или оркестровой миниатюре со свободно-импровизационной манерой изложения) (Это более характерно для Дебюсси, чем для Равеля. У Равеля в зрелом творчестве проявляется особый интерес к крупным инструментальным формам — сонате, концерту, а также к опере и балету.).

Больше всего живописный импрессионизм повлиял на музыку в области средств выразительности. Так же как и в живописи, поиски Дебюсси и Равеля были направлены на расширение круга выразительных средств, необходимых для воплощения новых образов, и в первую очередь на максимальное обогащение красочно-колористической стороны музыки. Эти поиски коснулись лада и гармонии, мелодии и метроритма, фактуры и инструментовки. Значение мелодии как основного выразительного элемента музыки ослабляется; в то же время необычайно возрастает роль ладогармонического языка и оркестрового стиля, в силу своих возможностей более склонных к передаче картинно-образного и колористического начал.

Новые выразительные средства у композиторов-импрессионистов, при всем своеобразии и специфике, имеют некоторые аналогии с живописным языком художников-импрессионистов. Частое обращение Дебюсси и Равеля к старинным народным ладам (пентатонике, дорийскому, фригийскому, миксолидийскому и другим), а также целотонному звукоряду в сочетании с натуральными мажором и минором аналогично огромному обогащению цветовой палитры у художников-импрессионистов; длительное «балансирование» между двумя отдаленными тональностями без явного предпочтения одной из них несколько напоминает тонкую игру светотеней на полотне; сопоставление нескольких тонических трезвучий или их обращений в отдаленных тональностях производит впечатление, аналогичное мелким мазкам «чистых» красок, расположенных рядом на холсте и образующих неожиданно новое цветовое сочетание и т. д.

На творчестве Дебюсси и Равеля (как и художников-импрессионистов) сказалась и определенная ограниченность импрессионистской эстетики. Она нашла выражение в сужении круга тем, художественно-образной сферы их творчества (особенно в сравнении с их великим предшественником Берлиозом, музыкой эпохи французской революции), в равнодушии к героико-исторической и социальной теме. Наоборот, явное предпочтение отдается музыкальному пейзажу, жанровой сценке, характерному портрету, реже мифу или сказке. Но в то же время Дебюсси и особенно Равель в ряде крупных сочинений преодолевают ограниченность импрессионистской эстетики и создают такие психологически углубленные сочинения, как Второй фортепианный концерт и «Гробница Куперена» (Равель), грандиозные по масштабам симфонического развития «Вальс» и «Болеро» (Равель), яркие колоритные картины народной жизни, как «Иберия» и «Празднества» (Дебюсси), «Испанская рапсодия» (Равель).

В отличие от многочисленных направлений модернистского искусства, распустившихся пышным цветом в начале XX века (экспрессионизм, конструктивизм, урбанизм и другие), творчество двух французских художников отличает полное отсутствие болезненной утонченности, смакования ужасного и уродливого, подмены эмоционального восприятия окружающего «конструированием» музыки. Искусство Дебюсси и Равеля, как и полотна художников-импрессионистов, воспевает мир естественных человеческих переживаний, иногда глубоко драматических, но чаще передает радостное ощущение жизни. Оно по-настоящему оптимистично.

Большинство их произведении как бы заново открывает перед слушателями прекрасный поэтичный мир природы, нарисованный тонкими, чарующими и пленительными красками богатой и оригинальной звуковой палитры.

Историческое значение наследия Дебюсси и Равеля метко и точно определил Ромен Роллан, сказав: «Я всегда смотрел на Равеля, как на величайшего художника французской музыки, вместе с Рамо и Дебюсси — одного из самых великих музыкантов всех времен».

Б. Ионин

---

Художественное течение конца 19 — начала 20 вв., в основе которого стремление передать мимолётные впечатления, субъективные ощущения и настроения художника. Первоначально возникло во французской живописи, затем распространилось на другие искусства и страны. В хореографии стремление к фиксации мгновения, свойственное импрессионизму, опиралось на импровизационность и противостояло созданию завершённой художественной формы. В балетном театре, основанном на сложной технике танца и развитых танцевальных формах, последовательный импрессионизм означал бы его самоликвидацию, и потому он не получил значительного распространения. Импрессионизм проявился главным образом в т. н. свободном танце. А. Дункан отстаивала идею «раскрепощения тела» и интуитивного истолкования музыки, без какаих-либо. танцевальных норм. Импрессионизм в танце получил распространение также в Германии. М. М. Фокин пытался сблизить импрессионизм с балетной сценой. Воссоздавая в спектаклях сцены из различных эпох («Павильон Армиды», «Шопениана», оба — 1907; «Египетские ночи», 1908, и др.), Фокин прибегал к стилизации. Позднее в его работах всё более размывалась структура танца. Завершённые формы (pas de deux, adagio, вариация и др.) отвергались и даже пародировались (напр., в балете «Синяя борода»). Вместе с тем черты импрессионизма в творчестве Фокина — лишь одна из его граней.

В дальнейшем на смену большому спектаклю всё чаще приходит миниатюра. Однако в погоне за верностью передачи мгновенного впечатления происходило измельчание тематики, пренебрежение сценарной драматургией. Импрессионизм быстро исчерпал свои возможности.

Балет. Энциклопедия, СЭ, 1981

Я рекомендую

Это интересно

Твитнуть

реклама

вам может быть интересно

Topic Art (английский, 10 класс Афанасьевой, Михеевой)

Цель: научиться вести диалоги по теме «Известный художник»

Методическая онлайн разработка к учебнику для 10 класса Английский 10 (Афанасьева, Михеева), а также дополнительные материалы и иллюстации по теме «Искусство»)

Перед тем, как начать, задайте вопросы:

1. Что такое искусство?
2. Почему художник занимается искусством?
3. Как вы думаете, должен ли художник изображать жизнь или вымысел (фэнтези)?
4.Какое искусство вам нравится: живопись, скульптура или другое?

1. Запомните слова по теме «Искусство»:

1. Изобразительное искусство
2. Создавать искусство
3. Художник и скульптор
4. Картина и скульптура
5. Картинная галерея / художественный музей
6. Пейзаж (морской пейзаж)
7. a натюрморт — натюрморты
8. жанровая сцена
9. выглядеть правдоподобно
10. художественное произведение
11. художественное произведение
12. репродукция
13. принадлежать кисти
14.попробуйте свои силы в
15. быть до вас

[предупредить] Задача 1: выучить слова наизусть [/ предупредить]

Читать текст №1 «Человек-Творец»

Изобразительное искусство — это обширный предмет, включающий все виды картин и скульптур. Художники занимаются искусством по многим причинам. Сотни лет назад, когда люди не умели читать, картины часто создавались для иллюстрации историй, особенно библейских. И много картин было написано для украшения церквей. Совсем недавно художники начали рисовать, чтобы выразить свои чувства, исследовать идеи или просто создать что-то красивое.

Люди всегда спорили об искусстве — как его создать, как оно должно выглядеть и почему. Но нет правильных и неправильных ответов. Например, некоторые люди думают, что картины должны выглядеть реалистично. Но многие художники хотят создавать более творческие работы — особенно теперь, когда у нас есть фотографии, чтобы запечатлеть, как выглядят вещи. Это общеизвестный , что существует огромная разница в том, что делают художники. Какое искусство вам нравится — решать вам.

О.В. Афанасьева, И.В. Михеева, 10 класс, стр.3

общеизвестные — общеизвестный факт

Ответьте на вопросы.

1. Вы интересуетесь искусством? Какое именно искусство? 2. Живопись и скульптура — это изобразительное искусство, не так ли? Какой из них вам больше нравится? 3. Какие всемирно известные художники вы знаете / любите? 4. Кто ваш любимый художник? Почему? 5. Какой из двух жанров — портрет или пейзаж — вам больше нравится? Вы знаете известных портретистов? ландшафтники? 6.Многие художники создавали картины морских пейзажей. Можно ли сказать, что Айвазовский был известным российским мореплавателем? Вы знаете какие-нибудь названия его картин? 7. Вы знаете какие-нибудь британские музеи? 8. Вы когда-нибудь ходили в картинные галереи и художественные музеи? Какие галереи / музеи? Какие важные картинные галереи и художественные музеи вы знаете в России и за рубежом? 9. Где можно увидеть скульптуры? Где они обычно размещаются и почему? 10. Как вы думаете, фотографию можно назвать изобразительным искусством? Почему? Почему бы нет? 11. Пробовали ли вы когда-нибудь свои силы в любом из этих трех видов искусства — живописи, скульптуре и фотографии? Насколько вы были успешны?

2.Вспомните эти всемирно известные музеи и галереи (9):

1. Третьяковская галерея (Россия, Москва)
2. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина (Россия, Москва)
3. Эрмитаж (Россия, Санкт-Петербург)
4. Британский музей (Великобритания, Лондон)
5 Национальная галерея (Великобритания, Лондон)
6. Галерея Тейт (Великобритания, Лондон)
7. Музей Виктории и Альберта (Великобритания, Лондон)
8. Лувр (Франция, Париж)
9. Musee д`Орсе (Франция, Париж)

3.Вспомните известных художников (скульпторов):

1. Леонардо да Винчи [də vintʃi]
2. Иван Шишкин
3. Орест Кипренский
4. Рембрандт ван Рейн [væn rain]
5. Анри Матисс
6. Алексей Саврасов
7. Поль Гоген [`gəugæn]
8. Михаил Врубель
9. Марк Антокольский
10. Николай Рерих [`rə: rik]

4. Вспомните известные картины (скульптуры):

1. «Портрет А.С. Пушкина»
2. Грачи пришли »
3.« Сирень »
4.« Флора »
5.Ночное кафе в Арле »
6.« Мадонна Бенуа »
7.« Рожь »
8.« Мастерская художника »
9.« Помни! »
10. «Иван Грозный»

[предупредить] Задача 2: сопоставить художников и картины. Скажем по примеру:

• Леонардо да Винчи известен своими «Мадонна Бенуа» и «Мона Лиза».
• Картины «Мадонна Бенуа» и «Мона Лиза» принадлежат кисти Леонардо да Винчи.
• Картина под названием «Мона Лиза» была написана Леонардо да Винчи.

[/ предупреждать]

5. Понимание на слух по теме «Искусство»

1. Прослушайте текст №2, стр. 7 и сопоставьте исполнителя и высказывание. Обратите внимание на ключевые слова.

2. Послушайте второй раз и ответьте на вопросы:
1. Почему художник не мог заработать на продаже своих картин?
2. В каких сферах еще работал художник?
3. О какой знаменитой церкви упоминалась и где она находится?
4. Где обычно рисовал художник? Почему?
5.Где родился художник и когда умер?

6. Подготовка к диалогу об известном художнике Леонардо да Винчи:

[предупредить] Задача 3: прочитать текст №3 и составить вопросы: [/ предупредить]

* * *

7. Немного о всемирно известных художниках и скульпторах

Леонардо да Винчи (1452-1519) был итальянским эрудитом эпохи Возрождения: художник, скульптор, архитектор, музыкант, математик, инженер, изобретатель, анатом, геолог, картограф, ботаник и др. писатель.Всем известная «Мона Лиза» принадлежит кисти Леонардо да Винчи.

Polymath — полимат, «универсальный человек»

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) — итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт и инженер эпохи Возрождения. Он сделал фрески для Сикстинской капеллы в Ватикане.

Клод Моне (1840-1926) был основоположником французского импрессионизма. Прославился пейзажами, например «Пруд с водяными лилиями»

.

Импрессионизм — это стиль живописи, разработанный во Франции между 1870 и 1900 годами, в котором основное внимание уделялось влиянию света на предметы, а не на четких и точных деталях.

Винсент Ван Гог (1853–1890) был художником-постимпрессионистом голландского происхождения. Его картины отличались грубой красотой и смелыми красками, например «Подсолнухи».

Рембрандт ван Рейн (1606 — 1669) был голландским художником, известным своими портретами современников, автопортретами и иллюстрациями сцен из Библии.

Иван Иванович Шишкин (1832 — 1898) — русский пейзажист. Его знаменитые картины «Рожь», «Трава», «Перед бурей» и другие.

8. Заключительные тесты по теме: «Искусство» / Тесты по теме «Искусство» можно скачать здесь

Тема «Изобразительное искусство. Художники »-> стр. 1

Тема «Изобразительное искусство. Художники »-> стр. 2

Тема «Изобразительное искусство. Художники »-> стр. 3

Тема «Изобразительное искусство. Художники »-> стр. 4

Тема «Изобразительное искусство. Художники »-> стр. 5

Тема «Изобразительное искусство. Художники »-> стр. 6

Тема «Изобразительное искусство. Художники »-> стр. 7

Данный тест взят из пособия Маслова М.Е., Маслов Ю.В. Кондратеня О.И.
Английский язык. Учебно-тренировочные тесты для подготовки к централизованному тестированию и экзамену
Минск «ТетраСистемс» 2007

Запись опубликована в рубрике Культура и искусство. .

45 самых известных картин всех времен

Меню

• Bizarre (Странный)
• Бизнес
  • Бизнес-планы
  • Планирование карьеры
  • Идеи
  • Деньги
  • Цитаты
  • Решения
• Здоровье
  • Воспитание
  • Снижение веса
• Образ жизни
  • Красота
  • Дизайн
    • Тату-дизайны
  • Отношения
• Чистая стоимость
  • Актеры
  • Спортсменов
    • Баскетболисты
    • Футболисты
    • Теннисисты
  • Бизнесмены
  • Комедианты
  • Модели
• Психология
  • Теории
• Технология
• Путешествие
  • Пляжи
  • мест для молодоженов
  • Парки
• Без категории
• Казино 7
• Фурор Казино

• следить

93 комментария

Поделиться .

Методическая работа по английскому языку «Художественная дискуссия»

1. Что такое искусство?

2. Почему художник занимается искусством?

3. Как вы думаете, должен ли художник изображать жизнь или вымысел (фэнтези)?

4. Каким видом искусства вы увлекаетесь: живописью, скульптурой или другим?

1. Изобразительное искусство

2. Создавать искусство

3. Художник и скульптор

4.картина и скульптура

5. картинная галерея / художественный музей

6. пейзаж (морской пейзаж)

7. натюрморт — натюрморты

8. жанр сцена

9. выглядеть правдоподобно

10. творческая работа

11. произведение искусства

12. репродукция

13. принадлежать кисти

14.попробуйте свои силы в

15. быть до вас

Что такое искусство?

Искусство — это способ показать свои эмоции или передать свои мысли. Искусство — важная часть культурной жизни людей. Есть разные виды искусства.

Живопись — это нанесение краски или цвета на поверхность. Жанров и стилей очень много. Например, есть пейзажи, портреты и натюрморты. Есть много известных художников, таких как Леонардо да Винчи с его Мона Лиза и Рафаэль с его Сикстинской Мадонной.

Скульптура — одно из видов пластических искусств. Процесс работы предполагает резьбу или лепку. Камень, глина или дерево — самые типичные материалы.

Фотография — тоже вид искусства, но для нее характерно использование различных технических средств. Благодаря техническому прогрессу фотограф может создавать незабываемые изображения.

Театр и кино

Театр — это вид искусства, где группа людей выступает перед живой публикой. Спектакль обычно основан на реальном или воображаемом событии.Актеры передают этот опыт публике с помощью жестов, песен и слов.

Кино — относительно новый вид искусства. Действие выполняется на экране. Сегодня кино — очень популярное развлечение.

Музыка и архитектура

Музыка всегда была важной частью жизни человека. Для расслабления, пробуждения и многого другого можно использовать разные жанры музыки. Все слышали о Людвиге ван Бетховене, Вольфганге Амадее Моцарте и других великих композиторах.

Архитектурные произведения часто воспринимаются как вид искусства. Архитектура довольно разносторонняя. Стилей, форм и направлений очень много. Невозможно не полюбоваться Саграда Фамилия Антонио Гауди или Зимним дворцом Франческо Растрелли.

Немного сведений о всемирно известных художниках и скульпторах

Леонардо да Винчи (1452-1519) был эрудитом итальянского Возрождения: художник, скульптор, архитектор, музыкант, математик, инженер, изобретатель, анатом, геолог, картограф, ботаник и писатель.Всем известная «Мона Лиза» принадлежит кисти Леонардо да Винчи.

Polymath — полимат, «универсальный человек»

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) — итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт и инженер эпохи Возрождения. Он сделал фрески для Сикстинской капеллы в Ватикане.

Клод Моне (1840-1926) был основоположником французского импрессионизма. Он был известен своими пейзажными картинами, например, «Пруд с водяными лилиями»

Импрессионизм — стиль живописи, разработанный во Франции между 1870 и 1900 годами, в котором основное внимание уделялось влиянию света на предметы, а не четкости и точности деталей .

Винсент Ван Гог (1853–1890) был художником-постимпрессионистом голландского происхождения. Его картины отличались грубой красотой и смелыми красками, например «Подсолнухи».

Рембрандт ван Рейн (1606–1669) был голландским художником, известным своими портретами современников, автопортретами и иллюстрациями сцен из Библии.

Иван Иванович Шишкин (1832 — 1898) — русский пейзажист. Его знаменитые картины «Рожь», «Трава», «Перед бурей» и другие.

ART

Некоторые утверждают, что современный мир слишком «материалистичен». Иногда люди не могут оценить красоту, которая окружает нас повсюду. Они слишком одержимы, как говорится, «настоящими проблемами». К сожалению, если вы скажете им остановиться и осмотреться, они подумают, что вы просто смеетесь над ними. «Разве ты не видишь, что я занят? Глядя на вещи, я не получаю денег! » — будет ответ.

Но все мы не должны забывать, что человеческая личность — это пятеричная конституция (тело, жизнь, разум, психическое и духовное существо).Ни один из этих элементов не изолирован от других. Хорошо как можно быстрее подняться по карьерной лестнице и стать успешным. Но не забывайте о своей душе — относитесь к какому-нибудь искусству.

На мой взгляд, искусство играет большую роль в развитии духовного мира каждого человека. Искусство помогает взглянуть на вещи с другой точки зрения, поднимает ум и душу, помогает развить хороший вкус. Думаю, очень важно, чтобы талантливые художники сумели уловить и передать такую ​​нематериальную вещь, как настроение.Таким образом, смотрящий не только получает информацию о сюжете холста, но и может понять отношение художника к нему. И, согласитесь, хороший художник должен вовлекать в свой творческий процесс зрителей. Я имею в виду, что, рисуя, художник просто дает нам некоторые подсказки, подсказки, чтобы лучше понять его послание, но только очень внимательный любитель искусства поймет их полностью.

Людям, которые хотели бы называть себя образованными, нужно много знать об искусстве.Все потому, что искусство показывает мировоззрение человека. Например, в изобразительном искусстве есть такие жанры, как парадный портрет или историческая картина. Как может человек понять послание художника, если он даже не знает, что происходит на холсте?

Помимо исторических картин и портретов, существуют и другие жанры изобразительного искусства, такие как пейзаж, жанровая картина, натюрморт, религиозная живопись и т. Д. Каждый жанр обычно имеет некоторые особенности (по крайней мере, когда-то , потому что современное искусство сегодня развивается и действительно не знает границ).

Возьмем портрет. Хотя каждый портрет уникален и индивидуален, центром каждого является лицо или человеческая фигура. Ему обычно подчиняются и другие детали. На заднем плане мы можем видеть абсолютно разные вещи — и от дизайна художника зависит, будет ли фон расплывчатым или четко очерченным. Сходство хорошего портрета и оригинала улавливается уверенной рукой. Более того, важно не только передать черты лица человека, но и передать ощущение его или ее характера.Хороший портрет может рассказать нам всю историю жизни человека!

Что еще делает холсты такими разными? Безусловно, большую роль играет стиль живописи. Достаточно сказать, что если мы сравним античный портрет с портретом, относящимся к эпохе Возрождения или современности, мы заметим разницу с первого взгляда. Вначале люди ничего не знали о правилах рисования, о таких вещах, как перспектива или способ передачи объема.Большой технический вклад в живопись был внесен в эпоху Возрождения, когда казалось, что каждая картина стремится к совершенству. Были открыты новые правила живописи, полотна стали более реалистичными. Художники стали уделять внимание мельчайшим деталям, в их работах была широкая цветовая гамма, им удалось добиться глубинного видения и создать в работе ощущение пленэра.

На самом деле невозможно перечислить все стили изобразительного искусства, их очень много, но я скажу несколько слов об одном.Это импрессионизм, один из моих любимых.

Как можно догадаться из названия «Импрессионизм», основная цель художников, работающих в этом стиле, — запечатлеть и передать первое впечатление, которое на них произвела сцена. Они смотрят на сцену широко и поэтому не стремятся отображать каждую деталь. Итак, как им удается передать объем и перспективу?

Все потому, что они изобрели новую технику и приняли новую палитру. Во-первых, они обнаружили, что у каждого цвета есть дополнительный (например,г. фиолетовый для зеленовато-желтого). Они использовали их вместе, и цвета ослепляли и растворялись в глазах смотрящих, производя замечательный эффект. Затем они не смешивали цвета, вместо этого они записывали чистые цвета, которые на расстоянии сливались и производили желаемый эффект. Они не использовали черный цвет — только темно-зеленый, индиго или темно-фиолетовый. Кроме того, импрессионисты обычно использовали быстрые, энергичные мазки кистью и редко обрисовывали предметы.

Этот метод был революционным. Никто раньше не пробовал делать что-то подобное.Поэтому сначала люди не могли понять импрессионизм, их произведения были под запретом, другие художники их просто презирали. И сейчас эти полотна — самые дорогие в мире.

В доисторические времена первые люди рисовали мелом бизона или оленя в своих пещерах. Маленькие дети пытаются нарисовать все, что видят вокруг. Понимаете, люди склонны к творчеству. Это прекрасный способ выразить нашу индивидуальность, отличный способ отвлечься от проблем.И хотя некоторые люди скажут, что это пустая трата времени и совершенно бесполезно, это не так. Да, наверное, не все достаточно одарены, чтобы стать гениальным художником, но каждый обладает способностью созерцать. Не позволяйте душе скучать — откройте для себя мир искусства, исследуйте его тайны, задавайте вопросы и ищите ответы, наслаждайтесь шедеврами и, возможно, создайте свой!

Вопросы для разговора
Art

• Вы хороший художник?

• Вы умеете хорошо рисовать?

• Вы верите, что говорят искусствоведы?

• Считаете ли вы себя хорошим художником?

• Вам нравится заниматься рисованием в школе?

• Любите современное искусство?

• Любите картины?

• Любишь рисовать?

• Вы любите посещать художественные музеи?

• Вы любите резьбу по дереву?

• Вы предпочитаете акварель или масляную краску?

• Считаете ли вы, что живопись в стиле ню правильно называть искусством?

• Считаете ли вы музыку и танцы видами искусства?

• Считаете ли вы искусство комиксов и мультфильмов?

• Посещаете ли вы музеи, когда едете в другой город?

• Были ли вы когда-нибудь в известных художественных музеях?

• Посещали ли вы художественный музей?

• Какое искусство вам больше всего нравится?

• Какие художественные музеи вы посетили?

• Какие известные художники вы знаете? Чем они известны?

• Что такое искусство?

• Сколько времени вы тратите на картину?

• Какой ваш любимый сайт об искусстве?

• Какой была бы жизнь без искусства?

• Когда вы в последний раз ходили в художественный музей?

• Кто самые известные художники в вашей стране?

• Кто самый известный гончар в вашей стране?

• Кто самый известный художник в вашей стране? Каким искусством он занимается?

• Кто ваш любимый художник?

• Вам нравится фотографировать?

• Что вы любите фотографировать?

• Считаете ли вы фотографию видом искусства?

• Почему художнице нравится рисовать женские фигуры?

• Почему вам нравится искусство?

• Почему искусство важно?

• Почему люди становятся профессиональными художниками?

• Участвовали ли вы когда-нибудь в каких-либо художественных конкурсах?

• Завидовали ли вы когда-нибудь чужому произведению искусства?

• Вы находите работы Пикассо удивительными или странными?

• У вас есть любимая картина?

  • Если да, то что это?

  • Почему тебе это нравится?

• Хвалили ли другие люди ваши работы?

• У вас есть альбом для рисования?

  • Если да, то как часто вы его используете?

  • Какие наброски вы делаете?

• Чувствуете ли вы гордость после того, как закончили произведение искусства?

• Считаете ли вы граффити искусством?

Вы согласны с этим утверждением? Граффити — это форма искусства; форма выражения своего мнения.

• Любите рисовать?

• Вы когда-нибудь были на выставке?

• Знаете ли вы какие-нибудь художественные галереи? Есть ли там, где вы живете?

• Вы интересовались искусством в молодости?

• На ваш взгляд, дизайн — важная часть культуры?

• Можете назвать имя известного вам модельера?

• Имеет ли дизайн большое значение в вашей повседневной жизни?

• Известный художник и дизайнер Уильям Моррис сказал, что в вашем доме не должно быть ничего, что вы не считаете полезным или не считаете красивым ».Обсуди.

• Знаете ли вы художественную галерею? Есть ли там, где вы живете?

• Несколько лет назад вы интересовались искусством? и сейчас?

• Изучили ли вы какое-либо движение в живописи?

• Имеет ли дизайн большое значение в вашей повседневной жизни

• Является ли ваша работа образной или абстрактной?

• Какой носитель вы предпочитаете?

• Что влияет на вашу работу?

• Если бы вы могли купить великое произведение искусства, что бы это было? (стиль, название, имя исполнителя…)

• Считаете ли вы искусство перформанс искусством?

• Что вы думаете о шоковом искусстве?

• Вы когда-нибудь видели перформанс?

• Вы когда-нибудь видели шок-арт?

• Подражает ли искусство жизни?

• Являются ли фильмы формой искусства?

.

Тест №09 по ЕГЭ. Английский язык (Ответ) — Английский. Тесты ЕГЭ. Чтение ч.1

		Соответствующее соответствие тем A-G текстам 1-6. Занесите свои ответы в таблицу. Используйте каждую букву только один раз. В задании одна тема лишняя . ТЕСТ 09 ( часть 1)

A.EASY PICTURES 3

B. ДОРОГИЕ ОШИБКИ 4

C. БУДУЩИЕ ВОЗМОЖНОСТИ 5

D. DREAM PAINTER

E. ANIMAL 2

F. ПОТРЯСАЮЩИЙ СТИЛЬ 6

G. УКРАДЕННЫЕ КАРТИНЫ 1

1. Это было событие, о котором каждый музей мечтает.В 2004 году двое грабителей угрожали охранникам в музее Мунка в Норвегии и забрали две картины Эдварда Мунка: «Крик» и «Мадонна». Мунк был самым известным художником Норвегии, и вместе эти две работы стоят около 19 миллионов долларов.
Ограбление музея. КРАСНЫЕ КАРТИНЫ

2. Искусство Конго покупают и продают коллекционеры. Его картины были проданы на аукционе по цене около 8000 долларов каждая. Это не звучит необычно, пока вы не услышите, что Конго на самом деле был шимпанзе.Он создавал абстрактные картины в конце 1950-х годов, и ряд коллекционеров интересуются его яркими цветами и яркими пятнами краски. Конго умерло в 1964 году.
Работы шимпанзе. ЖИВОТНЫЙ ХУДОЖНИК

3. Джексон Поллок был известен своими боевыми картинами, хотя многие люди говорят, что для их создания не требовалось большого художественного мастерства. Поллок вешал ведро с краской на конец веревки над холстом. Когда ведро качалось над холстом, краска падала через отверстие, создавая картину, и Поллоку не приходилось ничего делать.
Работы художника Джексона Поллока, в которых он не участвовал. ЛЕГКИЕ ИЗОБРАЖЕНИЯ

4. При покупке произведения искусства очень важно убедиться, что оно подлинное. Покупка поддельного произведения искусства может стоить вам больших денег, которые вы, вероятно, никогда не получите обратно. Некоторые люди зарабатывают на жизнь тем, что копируют известные произведения и продают их ничего не подозревающим коллекционерам. Чтобы этого никогда не случилось с вами, всегда проверяйте картины, которые вы собираетесь купить, у эксперта.
Копии знаменитых шедевров. ДОРОГИЕ ОШИБКИ

5. В наши дни стремительных перемен нелегко предсказать, каким видом искусства мы будем наслаждаться через 50 лет. Конечно, традиционное искусство и абстрактное искусство по-прежнему будут. Однако мы можем обнаружить, что художники все больше и больше предпочитают работать с компьютерами из-за контроля, который он им дает. Мы можем даже обнаружить, что компьютеры способны создавать искусство самостоятельно.
Быстрое развитие художественного искусства.БУДУЩИЕ ВОЗМОЖНОСТИ

6. Во Франции XIX века появилась группа художников, известных как импрессионисты. Их искусство было очень новым, и многие люди были шокированы их картинами, когда они впервые появились. Они были полны света, энергии и обычной жизни, в то время как мир искусства привык к формальным картинам. В то время не все приветствовали этот новый взгляд на искусство, хотя импрессионисты, такие как Моне и Сезанн, сегодня очень популярны.
Импрессионизм как новое направление в искусстве.УДАРНЫЙ СТИЛЬ

Факс

№ текста	1	2	3	4	5	6
тема	G	B	E	E

---

.

No related posts.