Милтон глейзер: Десять золотых правил Милтона Глейзера — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Десять золотых правил Милтона Глейзера

Мы продолжаем серию обзоров об известных дизайнерах современности и в этом выпуске расскажем о Милтоне Глейзере — легенде графического дизайна и его золотых правилах. Милтон Глейзер один из самых известных дизайнеров США, художник, который создал огромное количество шедевров графического дизайна, в том числе знаменитый логотип I ♥ NY.

Несмотря на преклонный возраст, Милтон Глейзер (Milton Glaser) до сих пор продолжает заниматься творчеством. Именно он подарил миру журнал New York Magazine, знаменитый психоделический постер с изображением Боба Дилана, фирменный стиль Бруклинского пивоваренного завода Brooklyn Brewery и, конечно же, бессменный символ Нью-Йорка — логотип I love New York. Сейчас Милтону Глейзеру за восемьдесят, он живет на Манхеттене и, хотя многие в этом возрасте уже уходят на пенсию, он руководит своей студией дизайна, в которой кипит работа. Как и много лет назад, он продолжает рисовать постеры, создавать логотипы и разрабатывать фирменные стили. Помимо практики, Глейзер занимается и теорией: читает лекции в университетах, пишет эссе и теоретические рассуждения о связи дизайна и искусства и их влиянии друг на друга, о профессии дизайнера и сложностях творческого процесса.

10 правил Милтона Глейзера

1. Работайте только с теми, кто вам нравится

У меня ушло много времени на то, чтобы сформулировать для себя это правило. Когда я начинал, думал наоборот, что профессионализм ― это умение работать с любыми клиентами. Но с годами стало понятно, что самый осмысленный и хороший дизайн был придуман для тех заказчиков, которые в последствии стали моими друзьями. Похоже, что симпатия в нашей работе гораздо важнее профессионализма.

2. Если у вас есть выбор, не устраивайтесь на работу

Однажды я услышал по радио интервью с замечательным композитором и философом Джоном Кейджем (John Milton Cage Jr.). Ему было тогда семьдесят пять лет. Ведущий спросил: «Как подготовиться к старости?» Я навсегда запомнил ответ Кейджа: «У меня есть один совет. Никогда не ходите на работу. Если в течение всей жизни вы каждый день ходите в офис, однажды вас выставят за дверь и отправят на пенсию. И тогда вы уж точно не будете готовы к старости ― она застанет вас врасплох. Посмотрите на меня. С двенадцати лет я каждый день делаю одно и то же: просыпаюсь и думаю, как заработать себе на кусок хлеба. Жизнь не изменилась после того, как я стал стариком».

3. Избегайте неприятных людей

Это продолжение первого правила. В 1960-х работал гештальт-терапевт по имени Фритц Перлс. Он предположил, что во всех отношениях люди либо отравляют жизнь друг друга, либо подпитывают ее. При этом все зависит не от человека, а от отношений. Знаете, есть простой способ проверить, как на вас влияет общением с кем-нибудь. Проведите с этим человеком некоторое время: поужинайте, прогуляйтесь или выпейте, пропустите по стаканчику. И обратите внимание на то, как вы будете чувствовать себя после этой встречи ― воодушевленным или уставшим. И все станет понятно.

4. Опыта недостаточно или почему хорошее враг выдающегося

Я уже говорил, что в молодости был одержим профессионализмом. На самом же деле опыт ― это еще одно ограничение. Если вам нужен хирург, вы, скорее всего, обратитесь к тому, кто делал именно эту операцию много раз. Вам не нужен человек, который намерен изобрести новый способ пользоваться скальпелем. Нет-нет, никаких экспериментов, пожалуйста, делайте все так, как вы делали это всегда и как делали до вас. В нашей работе все наоборот: хорош тот, кто не повторяет за собой и за другими. Хороший дизайнер хочет каждый раз пользоваться скальпелем по-новому или вообще решает вместо скальпеля использовать садовую лейку.

5. Меньше не всегда лучше

Все мы слышали выражение «лучше меньше да лучше». Это не совсем так. Одним прекрасным утром я проснулся и понял, что это, скорее всего, полная чушь. Оно, может быть, звучит неплохо, но в нашей области этот парадокс не имеет смысла. Вспомните персидские ковры, разве в их случае «меньше» было бы лучше? То же самое можно сказать о работах Гауди, стиле ар-нуво и о многом другом. Поэтому я сформулировал для себя новое правило: лучше, когда всего ровно столько, сколько нужно.

6. Не доверяйте стилям

Уверен, вы все видели иллюстрации Пикассо для «Неведомого шедевра» Бальзака. Он изобразил быка в двенадцати разных стилях: от натуралистичной манеры до абстракции в одну линию. В данном случае стиль ― понятие неактуальное. Глупо отдавать себя какому-то одному стилю, потому что ни один из них не заслуживает вас целиком. Для дизайнеров старой закалки это всегда было непросто, потому что с годами вырабатывается почерк и визуальный словарь. Но мода на стили опосредована экономическими показателями, то есть практически математикой ― с ней не поспоришь. Об этом писал еще Маркс. Поэтому каждые десять лет меняется стилистическая парадигма, и вещи начинают выглядеть иначе. То же самое происходит со шрифтами и графикой. Если вы планируете просуществовать в профессии больше одного десятилетия, очень рекомендую быть готовым к этой смене.

7. Образ жизни меняет образ мышления

Мозг ― самый чуткий орган нашего тела. Он наиболее подвержен изменениям и регенерации. Несколько лет назад в газетах мелькала любопытная история про поиски абсолютного слуха. Как известно, такой слух встречается редко даже среди музыкантов. Не знаю как, но ученые выяснили, что у людей с абсолютным слухом другое строение мозга: каким-то образом деформированы некоторые доли. Это само по себе интересно. Но потом они выяснили кое-что еще более поразительное: если детей четырех-пяти лет учить играть на скрипке, есть вероятность, что у кого-нибудь из них начнет меняться строение коры головного мозга и разовьется абсолютный слух. Я уверен, что рисование влияет на мозг не меньше, чем занятия музыкой. Но вместо слуха мы развиваем внимание. Человек, который рисует, обращает внимание на то, что происходит вокруг него ― а это не так просто, как кажется.

8. Сомнения лучше, чем уверенность

Все говорят, что уверенность в том, что ты делаешь, очень важна. Мой преподаватель по йоге как-то сказал: «Если вам кажется, что вы достигли просветления, вы всего лишь уперлись в собственные рамки». Это верно не только в духовной практике, но и в работе. Для меня все сформировавшиеся идеологические позиции ― сомнительны, потому что совершенство ― это бесконечное развитие. Я нервничаю, когда кто-то верит во что-то безапелляционно. Нужно подвергать сомнению все. У дизайнеров эта проблема появляется еще в художественной школе, где нас учат теории авангарда и тому, что личность может изменить мир. В каком-то смысле это правда, но чаще всего заканчивается сложностями с творческой самооценкой. Коммерческое сотрудничество с кем-то ― это всегда компромисс, и этому ни в коем случае нельзя сопротивляться. Всегда нужно допускать возможность, что ваш оппонент может быть прав. Пару лет назад я прочел у Айрис Мердок лучшее определение любви: «любовь ― это крайне сложное осознание того, что кто-то, кроме нас, реален». Это — гениально и описывает абсолютно любое сосуществования двух людей.

9. Это неважно

На прошлый день рождения мне подарили книгу Роджера Росенблатта «Старейте красиво» (Roger Rosenblatt, Rules for Aging). Название мне не понравилось, но содержание заинтересовало. Самое первое правило, предложенное автором, оказалось лучшим. Оно звучит так: «это неважно». Не важно, что вы думаете ― следуйте этому правилу и оно прибавит к вашей жизни десятилетия. Не важно, опаздываете вы или приходите вовремя, тут вы или там, промолчали вы или что-то сказали, умны вы или глупы. Не важно, какая у вас прическа и как на вас смотрят знакомые. Повысят ли вас на работе, купите ли вы новый дом, получите ли Нобелевскую премию ― все это неважно. Вот это мудрость!

10. Говорите правду

Иногда мне кажется, что дизайн ― не лучшее место для поисков правды. Безусловно в нашем сообществе существует определенная этика, которая, кажется, где-то даже записана. Но в ней нет ни слова об отношениях дизайнера с обществом. Говорят, 50 лет назад все что продавалось с этикеткой «телятина», на самом деле было курицей. С тех пор меня мучает вопрос, что же тогда продавалось, как курица? Дизайнеры несут не меньше ответственности, чем мясники. Поэтому должны внимательно относится к тому, что они продают людям под видом телятины. У врачей есть клятва «Не навреди». Я считаю, что у дизайнеров тоже должна быть своя клятва ― «Говори правду».

В статье использованы материалы с сайта www.vltramarine.ru

Что нужно знать о Милтоне Глейзере, который придумал легендарный логотип I Love New York

В конце июня 2020 года не стало знаменитого графического дизайнера Милтона Глейзера — он скончался в день своего 91-летия. Всему миру он известен как автор логотипа любви к Нью-Йорку — эти черные буквы с красным стали, пожалуй, одним из самых узнаваемых логотипов в истории. Однако мировой культуре есть за что еще благодарить Глейзера. Правила жизни собрал ключевые факты.

Варя Баркалова

Теги:

нью-йорк

дизайн

Все жанры сразу

Не занимайтесь самолечением! В наших статьях мы собираем последние научные данные и мнения авторитетных экспертов в области здоровья. Но помните: поставить диагноз и назначить лечение может только врач.

Милтон Глейзер родился в Нью-Йорке в еврейской семье эмигрантов из Венгрии. Он довольно рано определился с тем, что хочет связать свою деятельность с искусством — окончил Манхэттенскую художественную школу, а затем художественный колледж Cooper Union и Академию изящных искусств в Болонье, где учился у живописца Джорджо Моранди.

Такое образование открывает перед тобой всю мировую культуру и направления в искусстве, и может быть сложно определиться, в каком жанре работать, — Глейзер и не стал. Вернувшись из Болоньи в Нью-Йорк, вместе со своими однокурсниками из колледжа он основал дизайн-студию Push Pin, в основу работы которой лег принцип смешения жанров, техник и культурных референсов. Это же определило и манеру творчества самого Глейзера: однозначно охарактеризовать все многообразие его работ довольно сложно (и бессмысленно), а вот найти в нем отсылки к ар-нуво, творчеству Марселя Дюшана и дадаистов, китайской каллиграфии — запросто.

Ода любви к Нью-Йорку

Глейзер не только родился и вырос в Нью-Йорке, он жил городом и искренне его любил. В 1968 году он вместе с журналистом Клэем Фелкером основал журнал New York и до 1977 года был там арт-директором, разработал логотип издания и нарисовал не один десяток обложек.

Но, конечно, главным признанием в любви к городу стала кампания 1977 года. В середине семидесятых в Нью-Йорке вырос уровень преступности, город стал считаться опасным, перестал привлекать туристов и был на грани банкротства. Правительство штата решило всерьез взяться за развитие туризма и поручило рекламному агентству Wells Rich Greene и Милтону Глейзеру, который с ним сотрудничал, придумать соответствующую кампанию и айдентику.

фото из открытых источников

По легенде, Глейзер придумал простой логотип с сердечком, когда ехал на заднем сиденье такси на встречу с заказчиком.

Логотип незатейлив, но полон смысла: шрифт, которым написаны буквы I и NY, — это American Typewriter, распространенный среди американских печатных машинок и прочно ассоциированный с Нью-Йорком. Квадратная композиция основана на работе LOVE художника Роберта Индианы: она была создана в 1970 году и успела стать культовой. Свежепридуманный логотип Глейзер передал мэрии безвозмездно в качестве акта буквального акта признания в любви к Нью-Йорку.

Сердечки на футболках и не только

Глейзер думал, что кампания для продвижения туризма продлится всего пару месяцев, но она стала настолько популярной, что затянулась на годы. Сейчас логотип I♥NY приносит штату Нью-Йорк $30 миллионов ежегодно: его печатают на футболках, кружках и другой сувенирной продукции, которая пользуется невероятным спросом у туристов. Идея стала настолько популярной, что правительству приходится регулярно подавать жалобы на тех, кто создает аналогичные логотипы с надписями вроде «я люблю йогу», «я люблю радио» и «я люблю что угодно» (сейчас на счету штата около 3000 таких исков).

Футболка с сердечком и вовсе стала культовой вещью. Она считается непременным атрибутом туриста, побывавшего в Нью-Йорке, но также появляется на Чендлере из «Друзей» как часть костюма «американца». Такую же футболку носит Эмма Уотсон, героини сериала «Сплетница» и многочисленные модные блогеры. Футболка вдохновляет модных дизайнеров: например, ее перекроенная версия вошла в коллекцию весна–лето 2013 3.1 Phillip Lim, а марка Eddie Borgo переосмыслила ее в панковском духе.

Особенную значимость логотип приобрел после трагедии 11 сентября. Глейзер, оказавшийся очевидцем страшных событий, разработал модифицированную версию: у красного сердца оказался обожженным край, а под исходной надписью появилась приписка more than ever (получилось «Я люблю Нью-Йорк больше, чем когда либо»). «В течение нескольких дней после трагедии я работал над новым постером, чтобы выразить в нем все, что я искренне хотел сказать в тот момент. С нашим городом случилась беда, и она воспринималась как смерть близкого человека — пока это не случилось, не понимаешь, как сильно любил его», — рассказывал дизайнер.

В итоге новый логотип помог людям оправиться, стал символом общности для ньюйоркцев, сплотил напуганных людей, чтобы вместе преодолеть ужас и трудности.

Боб Дилан, Олимпийские игры и Всемирная организация здравоохранения

Хотя I♥NY остается самой узнаваемой работой Глейзера, есть в его портфолио и не менее значимые — например, обложка сборника Greatest Hits Боба Дилана 1968 года с профилем музыканта и разноцветной прической, плакат для Олимпийских игр 1984 года в Сараево и логотип кампании борьбы со СПИДом для Всемирной организации здравоохранения.

Список можно продолжать еще долго: тут и психоделический постер седьмого сезона сериала «Безумцы», и плакаты с призывами задуматься о климатических изменениях, и реклама легендарного ликера, и многое другое. Это наглядно доказывает: Милтон Глейзер — куда больше, чем просто дизайнер, и уж точно не только создатель «логотипа Нью-Йорка». Его работы, основанные на разностороннем бэкграунде и задействовавшие весь культурный арсенал, сейчас считаются классикой поп-арта и важной вехой современного дизайна.

Сам же Глейзер до конца продолжал работать, преподавать, рассказывать еврейские анекдоты в YouTube-шоу — и, конечно, любить Нью-Йорк.

Courtesy of Milton Glaser Inc.

Милтон Глейзер и его книги о графическом дизайне

«Его знают все, если не по имени, священному для дизайнеров всего мира, так уж точно по логотипу «Я люблю Нью-Йорк». О его кончине сообщили вчера не только профессиональные, но и все ведущие общечеловеческие СМИ, включая даже ТАСС и РИА новости.

Глейзер получил образование в Нью-Йоркской школе музыки и искусств, затем в Школе искусств при Куперовском союзе, потом поехал в Италию и окончил Академию искусств в Болонье. В 1954 году cовместно с Сеймуром Хвастом и двумя другими коллегами он открыл в Нью-Йорке студию «Push Pin». Она просуществовала двадцать лет и стала одной из ведущих студий дизайнерского мира.

В 1968 году Глейзер вместе с Клеем Фелкером начал издавать журнал «New York Magazine», который оказался образцом для подражания для многих изданий.

В 1974 году он основал собственную студию, активно работающую по сей день. Глейзер автор произведений графического дизайна, ставших современной классикой, иконами стиля. Его работы хранятся в Музее современного искусства в Нью-Йорке, Музее Виктории и Альберта в Лондоне и во множестве других музейных собраний. Ему как никому другому удалось соединить дизайн и искусство, конструктивность и гламур, высокую традицию и массовую культуру.

В середине 1970-х власти Нью-Йорка, страдавшего тогда от репутации криминальной столицы Америки, начали компанию по изменению образа города под слоганом «Я люблю Нью-Йорк». Теперь это назвали бы «территориальным брендингом». Так что Глейзера можно считать основоположником жанра. Сегодня его логотип, известный всем и каждому, печатается на сувенирной продукции многомиллионными тиражами.

Он неоднократно присылал свои работы на биеннале «Золотая пчела». И несколько лет назад я решился пригласить его в жюри. Он ответил: «В моем возрасте я уже не рискую пересекать океан». Но поблагодарил и прислал для участия в биеннале четыре своих новых плаката. Ему было тогда восемьдесят три года. А в позапрошлом году мне посчастливилось встретиться с ним в Нью-Йорке, спасибо Mirko Ilić.

В своих интервью Милтон Глейзер становился с возрастом только мудрее, его определения становились афоризмами. В бытность приглашенным редактором журнала INTERNI, я заказал интервью с Глейзером – дизайнеру Мише Белецкому, живущему в Нью-Йорке.»

Так написал в своем блоге Сергей Серов, президент российской академии графического дизайна и основатель биеннале графического дизайна «Золотая пчела». Но начинался пост словами «26 июня, в 91-й день своего рождения, умер от инсульта Милтон Глейзер, самый знаменитый в мире дизайнер-график.»

Почему вы называете ваш род занятий дизайном, а не графикой или просто искусством?

Поскольку нет четкого определения ни для того, ни для другого, любой разговор на эту тему кончается страшной путаницей, и, в конце концов, рождается определение: «Искусство – это все, что искусством назовешь».

Как в современном искусстве?

Да, это позиция Дюшана, господствующая сегодня. Определение удобное, но бесполезное. На моем языке, у искусства есть очень конкретная цель: оно необходимо для выживания. Предвзятые представления мешают видеть правильно, а искусство помогает увидеть то, что есть на самом деле. В понимании действительности и состоит жизненная необходимость искусства. Если закуска, приготовленная гениальным поваром, помогла вам постигнуть суть баклажана, это – искусство. С другой стороны, бóльшая часть выставляемой сегодня живописи реальность осознать не помогает, и, следовательно, к искусству отношения не имеет. Она может быть украшением, знаком престижа, иметь миллион других применений, но если она не достигает главного, то в эту категорию не попадает.

В таком случае, как вы определяете дизайн?

Дизайн – это качественный переход от действительного к желаемому. Каждый проект стоит на трех столпах: интересы заказчика, интересы публики и интересы дизайнера. Я же стараюсь привнести в дизайн еще и художественный элемент: что-то, что поможет осознать действительность, но только тогда, когда три основные условия соблюдены.

Я стараюсь не ставить одно над другим на шкале ценностей, это разные задачи. Я стараюсь решить и те, и другие. Часто бывает, что все сразу невозможно.

Вы называете рисунок способом познания и необходимым навыком любого художника. Передаете ли вы это убеждение вашим студентам?

Да. Я всегда считал рисунок основным инструментом восприятия. Как еще можно научиться чувствовать форму, если не через процесс рисования?

Когда вы начинали профессиональную карьеру в 1950-е годы, деловым Нью-Йорком заправляла старая американская аристократия, англосаксы. Смотрели ли на вас с друзьями, когда вы открыли студию «Push Pin», как на людей второго сорта?

Скорее, нет. Мы не чувствовали, что наши национальности нас в чем-то ограничивали. В рекламных агентствах того времени противоборство ощущалось гораздо сильнее: именно тогда евреи и итальянцы впервые стали конкурировать с англосаксами.

Наше главное отличие было в том, что мы старались утвердить рисунок как краеугольный навык и боролись с искусственным барьером, который вырос между дизайном и иллюстрацией. Мы занимались и тем, и другим вместе, как бы говоря: «Все ваши ярлыки дидактичны и смехотворны».

Вы всегда упоминаете учебу у Джанни Моранди в Болонье как одно из важнейших событий вашей жизни. Почему вы придаете так много значения имени итальянского художника, в Америке практически неизвестного? Многому ли вы научились у него в плане мастерства?

Почти ничему. Я научился у Моранди абсолютной преданности работе. Самое страшное в американской жизни – стремление к известности. Главные ценности нашего общества – это коммерческий успех. Большой дом, большая машина. Слава искажает реальность, разрушает внутренний мир, а это особенно опасно для художника. Кроме того, слава отвлекает от работы. Для Моранди ничего важнее работы не существовало. Ни деньги, ни слава для него абсолютно ничего не значили.

Но для вас ведь это не так?

Да, это правда, я честолюбив. И мне удалось добиться коммерческого успеха. Но никогда в жизни ни то, ни другое не было для меня движущей целью. Я никогда не путал честолюбие и деньги с моей задачей в этой жизни или оценкой качества моих работ. Это – не связанные между собой координаты. Можно быть богатым и знаменитым и делать посредственные работы. Один из моих страхов был – стать знаменитой посредственностью.

Не это ли причина того, что вы постоянно меняете амплуа?

Отчасти. Но еще и потому, что это в моей натуре. Я понял, что если стать специалистом, останешься им навсегда. Это лишает возможности находить новые поля деятельности. Художника это страшно ограничивает. В отличие от других профессий, у дизайнера есть редкая возможность строить мосты между разными отраслями.

Дает ли многопрофильность свободу?

Эта свобода есть всегда, стоит только ее выбрать. Обычно, однако, не получается. Жизнь выбирает траекторию за тебя. Находишь работу в редакции, становишься корреспондентом, потом – замредактора, дослуживаешься, наконец, до главного редактора. Не успел оглянуться, а тебе уже пора на пенсию, ты потратил жизнь на вычитку, и это было совсем не то, чем тебе хотелось бы заниматься.

Я так не чувствую. Мне посчастливилось заниматься чем-то, что мне было близко, и продвигаться в этой области так, чтобы всегда было интересно.

Когда вы упоминаете Пикассо, как художника, повлиявшего на вас, имеете ли вы в виду мастерство?

Нет, у Пикассо я научился бросать то, в чем преуспел. Научился рисовать с натуры? Брось! Попробуй что-нибудь другое. Потрясающий урок.

Но вы рисуете всю жизнь, и ваши сегодняшние работы и работы пятидесятилетней давности – часть одного процесса.

Это правда. Хотя за последние несколько лет мои работы сильно изменились. Я увлекся коврами и тканями, я стал думать о свете и цвете совсем не так, как раньше.

Расскажите, пожалуйста, о своей связи с Россией. Вы упоминали, что выросли в районе Бронкса, называвшемся в то время «Маленькой Москвой».

Весь район был русским, в основном, русские евреи. Многие мои родственники приехали из России. В 30-е годы это было царство профсоюзников-леваков. Коммунисты Бронкса сильно разочаровались в 1939 году, когда Гитлер подписал договор со Сталиным. Они впали в глубокую депрессию, потому что не могли поверить в то, что такое возможно. Вдруг все, во что они верили пошло коту под хвост… Но интересно, что у них у всех были большие амбиции: 90% детей из нашего района получили высшее образование. Должно быть, сыграло роль еврейское воспитание: все верили, что образование поможет нам выйти в люди. Учеба и интеллектуальный рост были громадной частью той культуры.

Многим знакома ваша статья «12 шагов по дороге в ад» про то, чего дизайнеру следует остерегаться. Как бы вы описали дорогу в дизайнерский рай?

У меня только два совета для молодых: напряженно работайте и не причиняйте вреда.

Ваш послужной список охватывает шесть десятилетий. Когда вам нравилось работать больше всего?

Я так не рассуждаю. Моя жизнь прекрасна, она увлекательна на каждой ступени. Мне было интересно работать в студии «Push Pin», невероятно интересно было начинать «New York Magazine», и, конечно, преподавать последние пятьдесят пять лет. Мне ужасно повезло со всем, чем я занимался.

Книги Милтона Глейзера

Издательство Abrams, 2018

Издательство Abrams, 1983

Издательство Колумбийского университета, 2019

Записал свои воспоминания о Милтоне Глейзере президент Биеннале графического дизайна «Золотая пчела» Сергей Иванович Серов в своем блоге в facebook, а интервью Михаила Белецкого было опубликовано в 2012 году в журнале «INTERNI».

Милтон Глейзер

26 июня 1929 года родился американский графический дизайнер Милтон Глейзер (Milton Glaser, 1929 – 2020), создатель журнала «New York Magazine», автор постера с изображением Боба Дилана и символа Нью-Йорка — логотипа «I Love New York». Сегодня мы представляем вашему вниманию интервью Мити Харшака, впервые опубликованное в журнале «Проектор» №1(28) в 2015 году.

Милтон Глейзер — человек-легенда. Вот уже более полувека своими работами он меняет визуальную картину мира и оказывает влияние на развитие графического дизайна. Его персональные выставки проходили в МоМА и в Центре Жоржа Помпиду. В 2009 году он стал первым графическим дизайнером, получившим Национальную медаль искусств США. В 1954 году совместно с Клеем Фелкером он основал Push Pin Studios, в 1968 году — New York Magazine. В 1974 году открыл собственную студию, где и продолжает работать по сей день (прим. ред.: ум. 26 июня 2020, 91 год). Милтон Глейзер дал большое интервью «Проектору», чем журнал несказанно горд.

Милтон Глейзер. Фото: © Каталина Кулцар

Я хотел бы начать с раннего периода вашей карьеры. Вы в профессии уже более полувека. Какие перемены в дизайне произошли за это время? Что вас вдохновляло раньше и что вдохновляет сейчас?

Меня часто спрашивают об этом. Нет ничего конкретного, что бы вдохновляло меня. Мои интересы очень разнообразны. Я всегда стремлюсь понять то, на что смотрю. Так что вдохновение может принести что угодно: от бутылки пива до «Эмпайр стейт билдинг». Но меня интересует не предмет сам по себе, а мой внимательный взгляд на него, что непросто дается. Меня вдохновляет все, на что я смотрю внимательно.

Расскажите о своих первых проектах, которые вы делали, будучи молодым дизайнером.

Свою первую работу, когда окончил школу, я получил в Condé Nast Magazine, в рекламном отделе: подбирал фотографии по размеру страницы. Я мало понимал в том, чем занимался, но после пары месяцев освоился. В сущности, это было первое и единственное место, где я был наемным работником. Большую часть жизни я трудился на себя и настоятельно рекомендую поступать так всем, кто заинтересован в том, чтобы воплощать собственные идеи. В противном случае вы будете заниматься воплощением чужих идей.

Black Foreshortened Nude. Милтон Глейзер, плакат персональной выставки в Музее современного искусства в Брюсселе, 1976 год

Был ли учитель или наставник, который служил для вас ориентиром в начале карьеры?

У меня было несколько наставников. Первым был Джордж Солтер, немецкий дизайнер книжных обложек, эмигрировавший в США после прихода нацистов к власти. Он коренным образом изменил дизайн книжной обложки в Америке. Он преподавал в «Купер юнион», взял меня под свое крыло, за что я ему очень благодарен, и подтолкнул меня к работе, связанной с литературой, — поощрял мои занятия книжным дизайном и дизайном обложки. С его помощью я попал в Ellery Queen’s Mystery Magazine, где должен был делать обложки для Mystery Magazine. Я сделал одну — ему понравилось. Но я быстро понял, что не могу работать в чьей-то тени. Не хочу умалять его значения: это был хороший старт. Но я не мог просто воспроизводить манеру Солтера и как-то собрался с духом и спросил его (должен признать, я был очень робок), могу ли я уволиться. При том что это была моя первая настоящая работа! И неожиданно для меня от ответил: хорошо. И мы больше никогда об этом не заговаривали. Он был человеком незаурядного ума и понимал, как было важно для меня обрести что-то свое, что я способен самостоятельно принимать решения и брать ответственность, а не просто выполнять задания.

Можете ли вы выделить какие-то определенные свои проекты, которые стали краеугольным камнем вашей карьеры, принесли вам международную известность? Возможно, работы, сравнимые по масштабу с журналом The New York Magazine.

Самой значимой своей работой ранних лет я считаю серию книжных обложек изданий Шекспира для Signet Books. Это любопытно, потому что в последние годы я снова начал обращаться к Шекспиру. Тогда я сделал около двадцати книг, и это был один цельный проект. Я использовал очень ограниченную цветовую палитру, в то время как все остальные, кто занимался книгами в мягких обложках, использовали много ярких цветов, чтобы привлечь внимание. Стоило зайти в книжный магазин, и ты был просто окружен цветом. И я подумал: если бы обложки были преимущественно белыми, их было бы легче различить на прилавках. В дизайне все дело в контексте, без контекста нет и дизайна. Если бы вы зашли в какой-нибудь книжный магазин того времени, то увидели бы море цвета, а посреди него — вкрапления белого, что означает: перед вами книги Шекспира. Это мой первый концептуальный проект, и я никак не связывал его с иллюстрацией. Он был скорее попыткой осмысления опыта тотального дизайна. Заказчик искал решение, как сделать так, чтобы книгу было проще найти, как уйти в сторону от этой борьбы за более яркий цвет. Дизайн — это гораздо больше, чем расположение картинок на поверхности.

Знак I Love New York. Милтон Глейзер

Я не могу обойти тему логотипа I Love New York. Это один из самых цитируемых визуальных образов XX века. Вам никогда не казалось, что слава автора этого логотипа оставляет в тени другие ваши работы? Что вас воспринимают исключительно как создателя I Love New York?

Успех этой работы стал неожиданностью для меня. Когда ты становишься известен благодаря одной своей незаурядной работе, она, как правило, и в самом деле особенная. Но это всегда случайность, а уж почему образ западает людям в голову, и вовсе непонятно. Исключение составляет логотип I Love New York, потому что он не реклама, а признание в любви к городу, сделанное его же жителями. Именно поэтому он так запомнился. Мы столь восприимчивы к рекламе, увещеваниям и мнениям других людей, что уж говорить о вещах, которые действительно отражают мировоззрение некоего сообщества. В 2001 году после террористической атаки на Всемирный торговый центр я понял, что логотип I love NY уже не столь актуален, 9/11 изменило все. И я сделал плакат I love NY more than ever. Я обычно сравниваю его с тем, что ты испытываешь, когда кто-то вдруг заболел и ты впервые понимаешь, как любишь его, потому что прежде никогда не видел уязвимым. Такое же коллективное переживание охватило Нью-Йорк. Так что это не слоган, не торговая марка и не реклама. Я не мог не переработать этот логотип просто потому, что всех, кто жил в Нью-Йорке, всех, кого я знал, вдруг охватила эта влюбленность. Поэтому I Love New York стал каноническим. И еще из-за мощного языка этого образа: сердце уходит от роли существительного и превращается в глагол. Я заменил объект чувством — и это небольшое преобразование заставляет людей на секунду задуматься, смещает их внимание или застревает у них в голове.

Вы очень много сделали для Нью-Йорка, в частности, были одним из основателей New York Magazine. Вы делали только дизайн журнала или также занимались редакционной политикой и концепцией издания?

Клэй, мой партнер (Клэй Фелкер — редактор и журналист, основавший с Милтоном Глейзером The New York Magazine в 1968 году. — Прим. ред.), был парнишкой со Среднего Запада, который хотел дознаться, как устроен Нью-Йорк, совал повсюду свой нос, высовывался из окна, чтобы посмотреть, что за вечеринка там внизу идет. А я был парнишкой из Бронкса, который думал, что знает, как вести себя в городе. Я интересовался дешевыми ресторанами, жизнью в центре, а Клэй был здесь гостем, с изумлением глядящим на город из своего воображения. И между нами двумя образовалось что-то вроде общего поля. Эта двойственность нашла отражение в самом журнале и его полярных интересах: от высших слоев к низшим, от дешевого к дорогому, от жизни богатых людей — к историям бедняков и так далее. Это было чертой журнала, которую привнесли мы оба коллективными усилиями. Сам Клэй занимался редакторской работой с авторами. У нас были регулярные собрания и дискуссии — это было наше общее дело. У нас было человек тридцать или сорок, которые работали для нашего небольшого предприятия, для журнала, и у каждого было чувство сопричастности. Каждый из нас был не каким-то механиком, который налаживает детали выпуска, но соавтором, который определяет ощущения, стиль и саму редакционную позицию журнала.

Вы также использовали журнал как площадку для выражения своих идей и своего видения Нью-Йорка. Сами вы писали тексты?

Часто мы с моим хорошим другом, ныне ушедшим, Джеромом Снайдером выпускали очень важную (хотя сейчас это может показаться тривиальным) колонку The Underground Gourmet о дешевой еде в Нью-Йорке. Мы обнаружили, что дешевая еда — это актуально, ее ищут все. Идея была в том, чтобы найти не только дешевый, но и качественный товар, что непросто. Но в городе, на удивление, много дешевых ресторанчиков, потому что много приезжих. Нашей сверхзадачей было сделать поход в дешевый ресторан социальной нормой. Среднему классу это было не по вкусу: они настаивали на том, что столоваться там опасно. И в какой-то момент они все-таки начали ходить туда, их отношение изменилось. Пришла идея прозрачности: ты можешь делать что угодно и где угодно, менять природу социальных отношений, существовавших в городе. То есть такое незамысловатое место, как дешевый ресторан, можно сделать значимым и изменить представление горожан о месте, в котором они живут.

Плакат Dylan. Милтон Глейзер, 1967 год. Обложка журнала New York. Милтон Глейзер, 1968 год

Как долго вы занимались New York Magazine?

До тех пор, пока я не покинул журнал. Около семи лет.

У вас были другие большие и длительные проекты, которые делали вы лично?

Был один очень большой проект — дизайн супермаркетов Grand Union. Очень большой и сложный проект, которому требовался целый пакет услуг: разработка интерьеров, освещения, упаковки. В этом огромном проекте можно было научиться розничной продаже, распродажам, маркетингу — всему, что душе угодно, и я много всего узнал об этом, хотя никогда не интересовался. В течение пяти лет мы работали над этим проектом. Я тогда получил огромную кучу денег, которую никогда не смог бы заработать, если бы просто занимался графическим дизайном.

За свою карьеру вы получили немало профессиональных наград. Важно ли участие в конкурсах для молодых дизайнеров? Является ли конкурсный успех мерилом таланта?

Молодому специалисту участие в конкурсах только на пользу: это возможность заработать репутацию в начале карьеры, быть независимым и заявить о себе. Но одних только конкурсов недостаточно. Разговоры о твоей персоне могут вылиться в публичное признание. Люди смотрят на нового молодого специалиста, который выиграл какую-то награду, и немного больше доверяют ему. В общении с клиентом у тебя будет чуточку больше преимуществ и так далее. Очень часто конкурсы действительно представляют лучших из лучших, способных делать высококлассные вещи. Но участвовать в конкурсах необходимо в первую очередь для того, чтобы заявить о себе в профессиональной среде. Конкурсы во многом полезный, но не всегда приятный опыт.

Ваша студия представляет собой скорее небольшую дизайнерскую мастерскую, нежели фабрику. Не было ли у вас соблазна вырасти в большую дизайнерскую корпорацию? Ведь возможности для этого были.

Со мной работало шестьдесят человек, когда я занимался супермаркетами Grand Union, — заказ был очень сложный. Тебе требуется масса специалистов и ресурсов… Я возненавидел это, потому что занимался менеджментом больше, чем всем остальным. Я не для этого родился. После того как я получил свою кучу денег, я вышел из дела, и сейчас со мной работают две прекрасные девушки и ассистент Дэн. Мы все любим друг друга и получаем удовольствие от совместной работы.

Angels in America. Милтон Глейзер, графика для плаката, 1993 год. Афиша концерта Стиви Уандера. Милтон Глейзер, 1968 год

Вы работали с самыми разными клиентами — вели международные проекты, имели дело с большим бизнесом и культурными институциями. Ваш подход ко всем клиентам одинаков или он зависит от профессионального поля, в котором каждый клиент существует? Работать с музеем и работать с банком — это одно и то же?

Это двусмысленный вопрос, на который следует ответить со всей осторожностью, чтобы люди не поняли, каков на самом деле ответ. Дизайн всегда об одном. Во-первых, ты должен понять, о чем ты толкуешь и на кого направлена коммуникация. Я всегда говорю, что есть три составляющие, три ножки у стула: ты, клиент и аудитория. Последняя имеет наибольшее значение. Нам, конечно, хотелось бы думать, что наибольшее значение имеем мы сами. Здесь нельзя быть слишком эгоцентричным, за исключением тех случаев, когда ты отстаиваешь то, во что веришь. Но ты также должен учитывать потребности клиента, большая часть которых хочет, чтобы им что-то продавали и уговаривали их. Потребности аудитории заключаются в том, чтобы иметь достоверную информацию. Вы спрашиваете, одинаков ли мой подход. Концептуально — да, стилистически — нет. Стиль вообще другое дело, как и внешний вид, крутизна и желание как-то там выглядеть — все это укоренено в опыте вашей аудитории, а это уже другой вопрос. К сожалению, большинство людей, включая не только студентов, но и преподавателей, полагают дизайн внешней формой, стилем, идентификационной физической характеристикой. Но этим дизайн далеко не исчерпывается.

С чего вы начинаете работу над проектом? Устраиваете ли вы мозговой штурм внутри студии, делаете много набросков или просто выключаете телефон и отправляетесь на прогулку в тишине?

На удивление, мое сознание — это нескончаемый поток. Нередко, проснувшись утром, я чувствую, что только что увидел во сне решение для работы, которую делал днем. Оно буквально мне приснилось. Я не разделяю мысль и дело. Часто лучший способ работать — начать это делать. Так что чаще всего я просто начинаю работать. У меня нет никаких подготовительных упражнений для этого. Иногда во время работы приходит идея для следующего проекта. Так уж устроен мой мозг. Процесс работы начинается тогда, когда появляется необходимости ее сделать. Даже во время этого разговора я думаю о том, как могу закончить свою работу. А вот словосочетание, которое я терпеть не могу, — это мозговой штурм!

Вы говорите, что видите сны о том, как делать свои проекты. Вы когда-нибудь уставали? Устраиваете ли вы себе творческие отпуски на полгода или на год, чтобы просто все оставить и уехать?

Для меня нет ничего более приятного, чем сидеть за столом и рисовать, делать объект или размышлять, — это моя жизнь. Делать вещи и есть моя жизнь. Традиционное представление о «райском отпуске», в котором человек спит в шезлонге на пляже, кажется мне просто ужасной. Я готов на все, включая тюремный срок, чтобы избежать этого. Моя работа — это нечто основополагающее и очень приятное. Я влюблен в идею того, что можно претворить в жизнь возникающие в твоем сознании образы. Это все равно что быть Богом (может быть, Богу это и не понравится). Нет большего блаженства, чем делать что-то и наблюдать, как оно оживает, наблюдать во плоти то, что ты мог только частично вообразить. Когда моей жене нужен перерыв, мы едем в деревню. Но даже там я не могу оторваться от работы.

Плакат Dog. Милтон Глейзер, для компании Olivetti, 1969 год. Плакат Sony Tape Full Color Sound. Милтон Глейзер, 1979 год

Насколько вы избирательны в проектах, которые вам предлагают клиенты? Вы можете вообразить ситуацию, когда вы беретесь за проект, который вам не по душе, но будет хорошо оплачен? Или наоборот: если проект очень вас заинтересовал, но у клиента недостаточно денег. Что вы выберете?

Это повсеместная проблема среди специалистов в графическом искусстве. Дизайнеры занимаются скучной, не творческой работой или сотрудничают с клиентами, которые хотят все контролировать, и их интеллектуальному участию не оказывается места в проекте. Я всегда стараюсь отказаться от работы, в которой чувствую недостаток возможностей для новых изобретений. А еще чаще — когда мне не нравится клиент. Я отказал многим клиентам. В этом я диктатор: если кто-то говорит со мной по телефону и мне не нравится его тон, я не буду браться за работу. Мы хорошо знаем, с кем мы можем работать, а с кем — нет, но при этом тешим себя надеждой, что сотрудничество возможно. Как правило, чтобы принять верное решение, достаточно первого впечатления. Я стараюсь отказываться от работы, которая сулит большие деньги и не представляет собой никакого интереса. Я никогда не был способен работать исключительно за деньги. И я очень редко отказываюсь от проектов, которые предлагают недостаточно денег, но представляют интерес для меня. Так, я делал много работы, для которой, как мне кажется, я предназначен.

Вы принимаете непосредственное участие во всех презентациях и встречах с клиентами? Как вы думаете, презентацию должен делать автор проекта?

На самом деле я сам должен представлять собственную работу. Лучше всего это сделать мне. Другие сотрудники студии часто помогают в этом. Они могут делать презентации. У нас с коллегами полное взаимопонимание. Но обсуждать новый проект с клиентами и представлять его должен я сам.

А бывают случаи, когда клиент не принимает проект? И как вы тогда поступаете?

У каждого дизайнера наберется целая кладовая проектов, получивших отказ клиентов. Зачастую кажется, что именно эти проекты — самые ценные и осмысленные. Причин для отказа, как правило, несколько, но чаще всего эти работы очень оригинальны и выходят за пределы технических требований. Необходимым требованием является успех и, соответственно, доступность для понимания целевой аудитории. Неоднозначность идеи препятствует ее продаже клиенту, который просто хочет получить некий компромиссный вариант.

В тот момент, когда вы не можете убедить клиента в том, что ваш проект подходит для него, важнее всего не пытаться угодить ему или во что бы то ни стало приспособить вашу работу под его нужды, поскольку ваша задача — поднимать уровень, быть лучше. В большинстве случаев вам это под силу: найти лучшее, более мастерское и сильное решение. Говоря профессионально, самое главное для вас — понять, что дело не в том, чтобы снижать качество работы и делать что-то менее запоминающееся и ценное. Если вы используете отказ клиента как возможность для самосовершенствования, — это лучшее, что вы можете сделать. В этом случае вы не будете тратить свою жизнь, чувствуя, что идете на компромиссы и занимаетесь не той работой, на которую на самом деле способны. Повторю: дело не всегда в успехе. Но если говорить о рабочем методе, то чем сдавать позиции и угождать, лучше попытаться поднять свой уровень.

Афиша фестиваля Cooperstown Chamber Music Festival. Милтон Глейзер, 2012 год. Афиша фестиваля Cooperstown Chamber Music Festival. Милтон Глейзер, 2013 год

Вы говорили о том, как неудачи помогают двигаться вперед. Мне интересно, был ли в вашей карьере такой проект, неуспех которого ранил вас настолько, что вы до сих пор храните память о нем? Или другие проекты, не принятые клиентами, о которых вы вспоминаете с особым чувством?

Я часто терпел неудачи, и когда я вспоминаю свои ранние работы, то понимаю, что на тот момент не мог сделать их иначе. То есть я всегда верю, что возможность двигаться вперед — величайшее благо из всех, что есть в профессии. Если вы спросите, что в работе самое главное, я отвечу, что прежде всего — ваша способность поддерживать к ней постоянный интерес. Самое ужасное, что может случиться с вами в профессиональном отношении, кем бы вы ни работали, — вы потеряете интерес к тому, что делаете. Когда дизайнеры теряют интерес к своему делу, их манера уплощается, они начинают повторяться, снижать планку, и их проекты становятся все слабее и глупее. И в конце концов оказывается, что ваше дело больше не обогащает вашу жизнь. Вы чувствуете себя расстроенным, работа навевает скуку. Коль скоро вы не в состоянии поддерживать интерес к работе, вы становитесь помощником официанта, который убирает грязную посуду со столов.

Как вы думаете, насколько важно для молодого дизайнера выработать свой собственный узнаваемый стиль? Или лучше стремиться стать универсальным специалистом, чтобы решать любые профессиональные задачи?

Сложный вопрос. Зависит от того, чего ты хочешь в жизни. К примеру, старая модель такова: если ты хочешь быть иллюстратором, ты учишься рисовать и развиваешь так называемый свой стиль, затем тебя нанимают, потому что у тебя есть этот стиль и лучше тебя так никто не может. Такая модель работает и для дизайнеров. К сожалению, многие дизайнеры не умеют рисовать: появились цифровые альтернативы рисунку, и навык оказался утрачен. Рисование — это основной способ постижения формы, и я всегда придерживался идеи, что в основе всего дизайна лежит рисунок.

Есть люди, которые хотят все время делать одно и то же. Такая работа по силам тем, кто приспособлен к этой жизни. Мне же всегда было интересно, как далеко я смогу зайти, чему и где научиться, как я могу узнать что-то, чего не знал прежде. Это для меня имеет большое значение. И если все вокруг, даже кто-то один, обошли тебя в чем-то, не стремись быть кем-то, кроме себя. Осознавай, что тебе под силу. И ты обнаружишь: люди не ждут от тебя того, что получается у тебя не так хорошо. В прошлом я хотел освоить разделы дизайна: архитектуру, свет, текстиль — все эти вещи, по-моему, просто части одного опыта, который больше, чем что-либо другое, обусловлен сознанием.

Плакат Big Nude для выставки Школы визуального искусства. Милтон Глейзер, 1967 год

Вы упомянули рисунок как основу дизайна. Я знаю, что вы очень много рисуете и все ваши работы изначально рукотворны.

Да, каждая нарисована и раскрашена от руки. Компьютером я не пользуюсь. То есть я использую компьютер: со мной работают люди, которые собирают все воедино.

Кстати, я из тех, кто свято верит в старый добрый метод: дизайнеру нужно научиться рисовать, прежде чем приступать к работе. Почему это важно, становится понятно с возрастом: опыт смотрения и репрезентации (ты видишь что-то, мозг посылает импульс руке, и он преобразуется в рисунок) — это способ познать форму. Учиться рисовать нужно не для того, чтобы стать иллюстратором. Когда я только начинал, иллюстраторы, которые рисовали и писали картины, и дизайнеры, имевшие дело преимущественно с абстракциями, относились друг к другу с презрением. Вероятно, эти отношения представляли собой переходный период модернизма — от идеи повествовательной к идее абстракции, и теоретически абстракция была более совершенной интеллектуальной игрой. Однако в результате в школах перестали учить рисовать. Это стало огромной утратой для тех, кто начинал свой путь в дизайне, ведь как еще можно обрести чувство формы, если не через опыт смотрения и повторения того, что ты видишь, в рисунке. Учиться рисовать нужно не для того, чтобы иллюстрировать, но для того, чтобы познать форму. Я всегда придерживался идеи, что путь в дизайн лежит через рисунок.

Для меня рисунок всегда был главным способом быть вовлеченным в происходящее. Только с помощью рисунка я могу внимательно смотреть на вещи и только в процессе рисования осознаю то, что вижу. Если бы я не мог нарисовать что-то, у меня было бы ощущение, что я не могу это увидеть. Процесс рисования не перестает изумлять меня, каждый рисунок — проявление волшебства. Чтобы обрести интересную манеру рисования, потребуется время. Любопытно, что людям кажется, будто самое трудное в рисовании — точность изображения, в то время как это последнее, что здесь важно. Но стоит отточить свое умение, прежде чем перейти к чему-то еще, к экспрессивной манере, например.

Lord Jim. Милтон Глейзер, обложка книги. Плакат The Joy of Reading. Милтон Глейзер, 1986 год.

Вы следите за работой других дизайнеров, за тем, как развивается эта сфера в общем? И если да, кого вы можете назвать действительно влиятельным мастером своего времени?

Не буду отвечать слишком прямолинейно. Таких, быть может, пятьдесят человек, а я назову только троих. Есть среди них и не очень известные, но при этом отличные специалисты. Я не очень-то интересуюсь тем, что происходит сейчас в профессиональном поле дизайна, потому что за этим нужно тщательно следить. Уже лет пятьдесят в дизайне не происходит никаких прорывов. Мы работаем с тем же инструментарием, что Баухаус и модернизм, Пол Ранд и все великие мастера. Вот что меняется: сейчас происходит возврат орнаменталистики. Должен признать: то, чем я интересовался последние двадцать лет, сейчас все больше и больше отклоняется от принципов модернизма — простоты и ясности. Вместо них — двойственность, беспорядочность, замысловатость, грубость. Думаю, мы постоянно движемся от классицизма к экспрессионизму. Но сейчас мы на середине неоднозначного пути к ответу, что такое дизайн и каким он может стать. Ситуацию усугубляют беспорядок и злоба, которые творятся в мире. Люди не могут ужиться в Вашингтоне или на Ближнем Востоке — это тоже влияет на работы, которые мы видим.

Над чем вы работаете сейчас?

Весь мой стол сейчас занят проектом для больницы, но его я только начал вчера, а также новой версией шрифта, который я разработал пару лет назад, под названием Glaser Stencill. Мы к нему кое-что добавляем совместно с Yesterday Magazine, который я делал вместе с Human Rights Watch. Ну и еще пара вещей.

Вы предпочитаете вести несколько проектов одновременно или глубоко концентрироваться на одной задаче?

Не знаю, какой будет моя следующая мысль и к чему она подтолкнет меня. Я никогда не работаю над одним проектом, у меня всегда тысячи идей.

Проделав такой долгий путь и добившись в своей карьере стольких удач, чем вы гордитесь больше всего?

Тем, что я жив. Пока ты остаешься в профессии, ты надеешься пробыть в ней еще какое-то время. Может, я немного задержался, конечно. Но я все еще хожу на работу и делаю свое дело — мне кажется, это хороший уровень. Я активен, и мне все еще есть чему учиться — вот чем я горжусь больше всего.

Плакат Heiwa (Peace). Милтон Глейзер, 1981 год. Плакат Master Studio for Fine Art Domberger. Милтон Глейзер, 1984 год.

Существуют ли для вас какие-то имена-ориентиры в дизайне или изобразительном искусстве?

Для меня существуют два героя-художника: Пабло Пикассо и Джорджо Моранди. C Моранди мы вместе учились в Италии в 1950-х. Они потрясающе полярны: Пикассо желал всего — всей славы, всех денег, всех женщин. А Моранди, напротив, не желал ничего. Ему просто хотелось преподавать раз в неделю в самой обыкновенной школе в Болонье, а потом возвращаться домой и рисовать. Однако в работах обоих, на первый взгляд прямо противоположных, полярных художников, можно обнаружить, если присмотреться внимательнее, исключительный творческий диапазон и рост. В случае с Пикассо это просто — одной из удивительных его черт было стремление отказаться от всего, в чем он уже преуспел. Начав делать что-либо, Пикассо достигал совершенства и тут же забывал об этом, обращаясь к чему-то новому. Он стремился к успеху, а затем отрекался от него. Я всегда полагал, что самая большая трудность профессиональной жизни состоит в том, что нельзя слишком часто терпеть неудачу без риска вылететь из профессии. В профессиональной жизни ты должен постоянно преуспевать, чтобы быть на виду и иметь вес. Но в жизни художественной ты должен терпеть неудачи одну за другой, чтобы понять, что же ты на самом деле делаешь. В нашей профессии неудачи неприемлемы. И можно сказать, что вследствие этого в ней нет и развития, поскольку тебе не приходится выходить за пределы некоего представления о себе и своей работе. Но в случае с Пикассо становится очевидно, что бескомпромиссное отречение от собственных достижений и прошлых побед позволило ему перейти от манеры и стиля к чему-то большему. Он учился на неудачах.

Так или иначе, я призываю вас чаще ошибаться в вашей профессиональной жизни, если вы хотите понять, чему же вы способны научиться.

Интервью: Митя Харшак.
Перевод с английского: Ольга Рябухина
Иллюстрации: работы Милтона Глейзера

#история дизайна #американский дизайн #графдизайн #интервью

Дизайнер Милтон Глейзер (Milton Glaser) – I♥NY

Содержание статьи

Путь Милтона Глейзера
Известные работы Милтона Глейзера
Дизайн как искусство
10 правил Милтона Глейзера
«Милтон Глейзер: от информации и восторга»: фильм Венди Ки

Двадцать шестое июня. Именно в этот день 2020 года не стало легенды дизайна – Милтона Глейзера. Он ушёл из жизни в день своего рождения, достигнув 91-летия. Даже если вы никогда не слышали имени этого человека, то как минимум одну из работ знаете наверняка: слоган с чёрными буквами и красным сердечком «Я люблю Нью-Йорк». Американский журнал Newsweek однажды назвал Глейзера «одним из немногих гениев в имиджмейкерской профессии». Чем же заслужил признание этот дизайнер-график?

Путь Милтона Глейзера

Что он хочет связать свою жизнь с искусством, выходец из еврейской семьи венгерских эмигрантов понял ещё подростком. Он окончил Манхэттенскую художественную школу, а затем нью-йоркский художественный колледж и Академию изящных искусств в Болонье. А впервые заинтересовался рисованием в пять лет, когда кузен изобразил на его глазах лошадь. Ребёнок с восторгом понял: обычным движением карандаша можно создать целый мир!

В 25 лет Глейзер с единомышленниками по колледжу открыл собственную студию дизайна. Достаточно сказать, что не прошло и двадцати лет труда, как их выставка побывала в Лувре, а также, помимо Парижа, во многих европейских городах, Бразилии и Японии.

Тяга к созданию нового не покидала Глейзера. И каждый его старт-ап ждал успех! В 1968 году он начинает выпускать New York Magazine, который стал иконой городского журнала. А через шесть лет основал студию Milton Glaser, Inc., задачи которой охватывают почти все области дизайна: от создания вывесок до разработки интерьеров ресторанов.

Дальше – больше: в 1983 году Глейзер открыл издательскую компанию. Придумать оформление для более чем 50 газет и журналов, обновить дизайн знаменитых The Washington Post, La Vanguardia и O Globo – как вам такое? И это ещё не всё: он преподавал в школе искусств, там же был членом правления, состоял в совете директоров, получил множество наград за вклад в культуру.

Известные работы Милтона Глейзера

Среди наиболее узнаваемых произведений графического дизайнера:

I love NY. Эту незатейливую композицию культовый американец придумал на сиденье такси, когда ехал на встречу с заказчиком. Новый логотип Глейзер безвозмездно передал мэрии Нью-Йорка. Признание в любви стало настолько популярным, что его стали печатать везде: на футболках, кружках, магнитах… Легче перечислить, куда эмблема не попала. До сих пор она приносит штату $30 миллионов ежегодно.
Постер с изображением Боба Дилана. Профиль музыканта в чёрном цвете, колоритная причёска на фоне так называемого негативного пространства появляются на обложке сборника этого известного американского певца. Глядя на постер, мы не отвлекаемся от главного: есть Творчество. Оно выражено яркими красками под стать музыке Дилана. А лицо остаётся на втором плане: мы можем ничего не знать о личности исполнителя, сосредоточившись на искусстве.
Реклама ликёра Campari. Здесь автор использует любопытный приём: главный объект показан лишь фрагментарно, что усиливает интерес. Заметили, что взгляд не сосредоточен на центре, а свободно скользит за пределы изображения? Такую композицию называют открытой.

Внимательно рассмотрите и другие работы поп-дизайнера. Даже в обычном на первый взгляд начертании букв таится свой смысл. Оцените, например, один из последних проектов 2020 года, посвящённый пандемии коронавируса. Здесь объединение разных шрифтов – с засечками и без, маленьких и больших букв, но все они складываются в хорошо читаемое слово – «Вместе». Несмотря ни на что. Это месседж объединения людей.

В целом любое начинание прославленного американца – это интересные композиционные решения, креативные образы, яркие цвета и захватывающие детали.

«Самый важный момент — мгновение между видением и пониманием, – говорил Милтон Глейзер. – Если логотип хороший, понимание наступает через некоторое время после первого взгляда».

Дизайн как искусство

Сделать нас внимательнее – именно такую цель видел в творчестве Глейзер. Вы посмотрели на картину Сезанна и восприятие пейзажа изменилось? Постимпрессионист заставил обратить внимание на детали, ускользающие ранее? Значит, это стоящая работа!

«Постер обычно считают дизайнерским объектом, а картину — предметом искусства, поскольку она написана масляными красками на холсте. Но если что-то притягивает внимание в этих предметах, они оба являются искусством», – уверен культовый дизайнер.

Сам Глейзер – больше чем последователь конкретного направления. Разносторонний бэкграунд, использование всего богатства культурного арсенала, психоделика – и это лишь малая часть карьеры знаменитого американца. Его работы экспонировались на большом количестве выставок по всему миру, в том числе персональных. Произведения были представлены в музее современного искусства в Нью-Йорке, Фонде Бевилаква-Ла-Маса в Венеции, центре Помпиду в Париже и множестве других.

10 правил Милтона Глейзера

Они не относятся только к роду деятельности автора канонического «I ♥ NY», а будут будут полезны всем, кто готов прислушаться к опыту и знаниям по-настоящему выдающегося современника.

Работайте с теми, кто вам нравится. Профессионализм – это не умение подстраиваться под любых клиентов. Секрет успеха – в симпатии друг к другу.
Если есть возможность, не устраивайтесь на работу. Глейзер солидарен с композитором Джоном Кейджем, который утверждал: не ждите пенсии и пока вас выставят за дверь, каждый день – даже в старости – задумывайтесь о том, как заработать на кусок хлеба. Тогда годы не застанут врасплох!
Избегайте неприятных отношений. После общения с человеком вы ощущаете подъём сил или чувствуете себя уставшим? Всё определяет послевкусие!
Одного опыта недостаточно. Если вы хирург – другое дело, а вот в дизайне определяющее – новизна, оригинальные методы и подходы.
Меньше не всегда лучше. Когда всего ровно столько, сколько нужно – это важнее!

Не стремитесь к строго определённому стилю. Особенно если вы собираетесь остаться в профессии больше, чем на десяток лет!
Образ жизни меняет мышление. Творческие занятия влияют на мозг: если музыкант тренирует слух, то художник – внимание.
Лучше сомнения, чем уверенность. Совершенство – в бесконечном развитии и способности допускать, что оппонент может быть прав.
Это неважно. Вы промолчали или что-то ответили, какая у вас причёска и что думают о вас знакомые – всё это не стоит переживаний. Приняв такую мысль, вы прибавите к своей жизни десятилетия.
Говорите правду. Мясник вы или дизайнер – на вас лежит ответственность перед обществом.

«Милтон Глейзер: от информации и восторга»: фильм Венди Ки

Вас вдохновил этот великий и сильный человек? Тогда найдите часок свободного времени и погрузитесь в мир легенды. Документальный фильм, снятый в 2008 году, большей частью состоит из разговоров с популярным дизайнером. Как ему пришли в голову идеи выстреливших потом проектов? Почему он посвятил искусству всю жизнь – с детства и до глубокой старости? Возможно, просмотр заставит взглянуть на привычные вещи по-новому. Учимся у великих!

*Снимки работ Милтона Глейзера взяты из свободного доступа в Интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.

«Я не знаю гениев-самоучек в дизайне»

Милтон Глейзер, всемирно известный графический дизайнер, создавший логотип I Love New York, в интервью Smashing Magazine рассказал, зачем нужно учиться в университете, почему нет разницы между Стефаном Загмайстером и Тулуз-Лотреком и как можно стать полноценным художником в 5 лет.

Дизайн и искусство

Я очень долго думал об этом и теперь могу рассказать, к чему я в итоге пришел. У искусства особая цель, иначе оно бы не могло существовать. Эта цель — выживание. Искусство помогает выжить. Вы спросите, чем оно может помочь? Дело в том, что искусство делает вас более внимательным — и по этому поводу я всегда рассказываю одну историю.

Однажды, когда мне было 17 лет, я сидел напротив мамы за кухонным столом и вдруг решил — я нарисую ее портрет. В тот момент я посмотрел на нее и — вы знаете, как это происходит, когда вы решаете нарисовать что-то, — я понял, что до этого не имел ни малейшего представления о том, как она выглядит. Только когда я решил нарисовать маму, мне стала интересна ее внешность. За много лет я просто привык к ней, так же, как мы привыкаем ко всему, что нас окружает, особенно к тому, что видим чаще всего.

Смысл эпизода в том, что после него я решил, что подлинная цель искусства — это сделать нас внимательнее, чтобы мы увидели, что именно находится перед нами и поняли, что настоящее, а что нет, в отличие от тех представлений о вещах, которые были у нас раньше. Получается, что у искусства есть отчасти буддийский смысл — оно помогает увидеть то, что находится прямо перед нами, иначе мы не сможем ничего увидеть и понять в целом.

Такое определение предполагает, что вы не можете приписывать искусству роль посредника, определенные функции или еще что-то — оно лишь заставляет ваше сознание быть предельно внимательным. А если что-то заставляет вас быть внимательным — неважно рисование это или приготовление бутерброда — это может называться искусством, по крайней мере, исходя из моего определения.

Других критериев у меня нет. Согласитесь, ваше восприятие пейзажа меняется, если до этого вы увидели картину Сезанна. Вы понимаете, что Сезанн помог вам заметить в пейзаже то, о чем вы раньше не задумывались. Он сделал вас внимательнее к деталям. Вот это я называю искусством. А если большая картина, висящая в музее, не производит на меня такого эффекта, это не искусство.

В семидесятых мэрия Нью-Йорка, отчаявшись привлечь туристов традиционными способами, заказала Милтону Глейзеру логотип города.

В результате получился знак I♥NY — один из самых узнаваемых в мире. Его создатель в итоге прославился тем, что не боялся смешивать поп-культуру и современное искусство, формируя так называемую американскую школу графического дизайна.

Искусство функционально, поскольку у него есть цель. Но если дизайн также делает вас более внимательным, это тоже искусство. Смотрите ли вы на постер с картиной Лотрека или на саму картину, если они заставляют вас быть внимательнее, и то и другое я назову искусством. Несмотря на то, что постер обычно считают дизайнерским объектом, а картину — предметом искусства, поскольку она написана масляными красками на холсте. Но если что-то притягивает внимание в этих предметах, они оба являются искусством. То есть это не вопрос опыта или того, насколько функционален этот предмет, дело скорее в том, насколько он заставляет вас быть внимательнее.

Дизайнеры и компьютеры

Все это в какой-то степени шутка, но не совсем. Особенность компьютера в том, что это чрезвычайно мощный инструмент, который меняет ваше представление о том, что реально и что уместно, что приятно и что гармонично. Компьютер влияет на все эти характеристики: так же, как, скажем, карандаш, фломастер или пастельный мелок — они все меняют наше видение того, что и как мы делаем.

Однако компьютер настолько трансформирует наше восприятие, что мы должны быть очень осторожны, чтобы не дать ему завладеть нашими чувствами. Поэтому любая работа, сделанная на компьютере, — это результат власти инструмента над эстетическими представлениями и мнением его пользователя. Поэтому перед тем, как начать использовать компьютер, вы должны быть абсолютно уверены в своем чувстве формы, цвета, формы и понимать поставленную задачу, иначе он возьмет над вами верх.

Дизайнерский процесс

Это сложный вопрос, часто дизайн только представляется нам как процесс, но на самом деле все намного сложнее. Все идеи уже существуют в нашей голове, вопрос только в том, как мы их используем.

Например, вы думаете, что создание логотипа займет у вас два дня, для этого вы должны делать наброски, смотреть на него снова и снова. Если вы верите, что это приведет вас к нужному результату, почему бы и нет. Это ваш метод, который придает вам уверенность. А если вы думаете, что можете создать лого за 20 минут, поскольку ваш мозг может быстро обработать необходимую информацию, вы действительно сделаете лого за 20 минут.

В работе я почти всегда полагаюсь на свои бессознательные ощущения, поскольку я провел столько лет, работая осознанно, чтобы структурировать свое мышление, что теперь могу работать спонтанно. Мой творческий процесс довольно непредсказуем. Иногда я делаю что-то сразу, а иногда работаю неделями, потому что дело никак не идет. Я уверен, что нужно всегда работать в своем ритме, независимо от того, платят тебе за это или нет, потому что если за работу платят много, начинаешь думать, что на нее следует тратить больше времени. А если платят мало, думаешь, что все можно сделать очень быстро. Однако часто бывает совсем наоборот.

Те компании, которые платят мало, чаще всего предлагают самые творческие задания, поскольку те, кто предлагает много, например, большие корпорации, в ответ хотят контролировать весь творческий процесс, поэтому вам приходится больше приспосабливаться к их требованиям, чем к своим нуждам или рабочим задачам. В целом, после 60 лет работы в дизайне, у меня в голове такой запас этих вещей, что мне достаточно только выбирать и развивать какую-то из идей.

Хороший логотип

Рассказывать о логотипах очень скучно, вы же знаете, почему о них все говорят, — они приносят деньги. Создание логотипа — одно из скучнейших занятий для дизайнера, есть масса более интересных вещей.

Придумывая лого, все хотят создать что-то запоминающееся, свежее, хорошо узнаваемое, но при этом не очень сложное, и чтобы в нем была скрытая шутка. Все хотят зацепить зрителя, чтобы, первый раз посмотрев на логотип, он, возможно, не понял его до конца, но оценил идею секунду спустя. Это самый важный момент — мгновение между видением и пониманием. Если логотип хороший, понимание наступает через некоторое время после первого взгляда. Именно поэтому лого «I LOVE NY» стал таким успешным — в нем нужно соотнести полноценное слово «Я» с символом сердца и с инициалами Нью-Йорка. Все хотят сделать логотип, который был бы не только декоративным, хотя иногда только и получается сделать — принять то, что просто хорошо смотрится на бумаге.

Будущее

Его я не знаю. Я живу сегодняшним днем, и все чем я занимаюсь, это прихожу сюда, надеясь, что я смогу сделать что-то, о чем раньше не знал, вот и все. Будущее для меня — это просто новый опыт работы с теми людьми, которые мне нравятся, и создание вещей, которые кажутся мне интересными.

Лучшие работы

У меня нет такого понятия. Моя лучшая работа — это тот факт, что я могу заниматься дизайном такое долгое время, и все это мне еще не надоело. Очень легко стать равнодушным к своей работе, поэтому мое главное достижение — это действительно то, что я до сих пор сохранил энтузиазм и ожидания от ежедневного труда.

Советы дизайнерам

Меня всегда спрашивают об этом, будто на это можно что-то ответить. Единственное, что я могу посоветовать, — будьте смелыми, сохраняйте желание посвятить дизайну свою жизнь и не теряйте энтузиазм, чтобы преодолевать сложности. Больше в целом ничего и не нужно!

Я решил стать художником, когда мне было 5 лет. Я совершенно сознательно решил, что хочу всю жизнь создавать что-то новое. Я действительно пришел к этому в 5 лет.

Важность образования

Даже не знаю, с чего начать. Если вы гений, то вам не нужно учиться, вот только гениев в мире очень мало. Поэтому каждому необходима школа, чтобы получить необходимые навыки. Только там вы сможете проводить все свое время за обучением.

Те, кто оканчивает школу, как правило, уже точно знают, что им нужно учиться дальше. Я не знаю гениев-самоучек в нашей области. Я не могу назвать ни одного, кто сказал бы, что он ничему специально не учился, а все узнал сам. Может, и есть такие люди. Но добиться успеха без образования невозможно. Возможно, я ошибаюсь, но я просто не знаю других примеров.

Милтон Глейзер | Биография

Бесконечная длина
Милтон Глейзер

PUSHPIN STUDIOS
В 1954 году Милтон Глейзер вместе с Рейнольдом Раффинсом, Сеймуром Чвастом и Эдвардом Сорелом основали Pushpin Studios. В течение двадцати лет Глейзер вместе с Сеймуром Хвастом руководил организацией, которая оказала сильное влияние на направление мирового графического дизайна, кульминацией которой стала памятная выставка в Музее декоративного искусства Лувр в Париже.

NEW YORK MAGAZINE
В 1968 году Глейзер и Клэй Фелкер основали журнал New York, где Глейзер был президентом и директором по дизайну до 1977 года. Издание стало образцом для городских журналов и стимулировало множество подражаний.

WBMG
В 1983 году Глейзер объединился с Уолтером Бернардом, чтобы создать WBMG, фирму по дизайну публикаций, расположенную в Нью-Йорке. С момента своего основания они оформили более 50 журналов, газет и периодических изданий по всему миру. WBMG отвечала за полный редизайн трех крупных газет: The Washington Post в США, La Vanguardia в Барселоне и O Globo в Рио-де-Жанейро. Он консультировал дизайнерские проекты для The Los Angeles Times, The Boston Globe, The Dallas Times Herald, The East Hampton Star, New York Daily News и National Post (Канада). Среди клиентов журнала в США: Time, US News & World Report, Adweek, Brill’s Content, Crain’s Chicago Business, Family Circle, Golf Digest, The Nation, Autoweek, Biography, USA Weekend, PC Magazine и Wine Spectator. WBMG создала оригинальные дизайны прототипов для Manhattan, Inc., Windows, The Journal of Art и ESPN, the Magazine. В Европе WBMG разработала и создала оригинальный формат для Alma (женский сервисный журнал) и Zeus (культурная газета). Фирма обновила дизайн L’Express, Lire (французский литературный журнал), Jardin des Modes (женская мода), L’Espresso в Риме и Business Tokyo в Японии. WBMG также разработала Годовой отчет American Express за три года, а также несколько книг, в том числе Cadillac Стива Салмьери и Мухаммед Али: воспоминания для Риццоли и SportsCentury ESPN для Hyperion. Уолтер и Милтон являются соавторами «Наших времен», иллюстрированной истории 20-го века, опубликованной в 1995.

MILTON GLASER, INC.
Milton Glaser, Inc. была основана в 1974 году. Работа, производимая в этой манхэттенской студии, охватывает широкий спектр дизайнерских дисциплин. В области печатной графики студия производит программы идентификации для корпоративных и институциональных маркетинговых целей, включая логотипы, канцелярские товары, брошюры, вывески и годовые отчеты.
В области экологического дизайна и дизайна интерьера фирма разработала концепцию и руководила производством многочисленных продуктов, выставок, интерьеров и экстерьеров ресторанов, торговых центров, супермаркетов, отелей и других торговых и коммерческих помещений.
Глейзер также лично отвечает за дизайн и иллюстрации более 300 плакатов для клиентов в области издательского дела, музыки, театра, кино, институциональных и общественных предприятий, а также для коммерческих продуктов и услуг.
Графические и архитектурные заказы Глейзера включают логотип (который был описан как «наиболее часто имитируемый дизайн логотипа в истории человечества»), заказанный штатом Нью-Йорк в 1976 году; дизайн 600-футовой фрески для нового здания Федерального управления в Индианаполисе в 1974; полные графические и декоративные программы для ресторанов Всемирного торгового центра в Нью-Йорке, а также дизайн смотровой площадки и постоянной выставки башен-близнецов Всемирного торгового центра в 1975 году. Он также разработал ряд архитектурных проекты, в том числе Sesame Place, детский образовательный игровой парк в Пенсильвании, 1981–83. В течение пятнадцати лет Милтон Глейзер занимался редизайном основной американской сети супермаркетов The Grand Union Company, проектом, который включал в себя всю архитектуру компании, интерьеры и упаковку. Он отвечал за дизайн интерьера и концепцию 19-го века.87-88 Triennale di Milano Международная выставка в Милане, Италия, на тему «Города мира и будущее мегаполиса». В 1987 году г-н Глейзер отвечал за графическую программу комплексов Rainbow Room для Rockefeller Center Management Corporation, Нью-Йорк. Также в 1987 году он разработал Международный символ СПИДа и плакат Всемирной организации здравоохранения. С 1986 по 1989 год он отвечал за графический дизайн, тематику и вывески для торгового центра Franklin Mills в Филадельфии, штат Пенсильвания; и в 1988, он завершил экстерьер, интерьер и все графические элементы Trattoria dell’Arte, одного из нескольких нью-йоркских ресторанов, которые он спроектировал. В 1990 году компания Milton Glaser, Inc. отвечала за общую концепцию и дизайн интерьера New York Unearthed, музея, расположенного в манхэттенском районе South Street Seaport. В 1993 году он разработал логотип для пьесы Тони Кушнера «Ангелы в Америке», получившей Пулитцеровскую премию. У этого списка нет конца. В настоящее время Милтон выступает в качестве консультанта по дизайну для компаний, представленных в разделе тематических исследований, таких как Target Corp. 9.0008

ВСЕМИРНЫЕ ВЫСТАВКИ
Помимо коммерческих предприятий, работы Милтона Глейзера выставлялись по всему миру. Наиболее заметны следующие выставки: персональная выставка в Музее современного искусства в Нью-Йорке (1975 г.) и Центре Жоржа Помпиду в Париже (1977 г.), а также в галерее Линкольн-центра в Нью-Йорке (1981 г.). и Галерея Хоутона, The Cooper Union, Нью-Йорк (1984). В 1989 г. у г-на Глейзера было много выставок в Италии. Один из них был персональным показом плакатов в Музее Виченцы, а другой — «Джорджо Моранди/Милтон Глейзер» — в Галерее современного искусства в Болонье. В 19В 91 году итальянское правительство поручило ему создать выставку, посвященную итальянскому художнику Пьеро делла Франческа, в рамках празднования его 500-летия. Это шоу открылось в Ареццо, Италия, а через год (при спонсорской поддержке Campari) переехало в Милан. В 1994 году The Cooper Union, альма-матер г-на Глейзера, организовала шоу в Нью-Йорке. В 1992 году в галерее Nuages в Италии открылась выставка рисунков «Воображаемая жизнь Клода Моне».95, адаптированная версия этого шоу была выставлена в японской Creation Gallery. 1995 год также принес выставку Глейзера в Художественный институт Бостона. В 1997 году в японском музее Сантори была организована крупная ретроспектива The Pushpin Studios, на которой были представлены прошлые и настоящие работы Милтона Глейзера и других художников Pushpin. Большая ретроспектива его работ открылась в феврале 2000 года в Fondazione Bevilacqua La Masa в Венеции.

ДИЗАЙН И ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ СООБЩЕСТВО
С самого начала своей карьеры Милтон Глейзер был активным членом дизайнерского и образовательного сообществ. Он был инструктором и членом правления в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке с 19 лет.61 год и входит в совет директоров The Cooper Union, Нью-Йорк. Он был членом Международной конференции дизайна в Аспене с 1972 года (президент в 1990–1991 годах) и Американского института графических искусств, где он был вице-президентом и сопредседателем Национального собрания 1989 года. Среди многочисленных профессиональных наград он является обладателем золотой медали Общества иллюстраторов, медали Святого Годена от The Cooper Union и премии Савиньяка за самый запоминающийся плакат в мире 19 лет.96. Милтон Глейзер — член Зала славы Клуба арт-директоров и Американского института графических искусств (AIGA). Он имеет почетные докторские степени Института искусств Миннеаполиса; Колледж Мура; Музейная школа Филадельфии; Школа визуальных искусств; Куинс-колледж, CUNY; Нью-Йоркский университет в Буффало и Лондонский Королевский колледж искусств. Он является избранным членом Пинокатеки в Болонье, Италия, а в 1992 году получил награду с отличием от Американского института архитекторов (AIA). В 2004 году он получил Премию за заслуги перед жизнью от Смитсоновского института Купер-Хьюитт, Национального музея дизайна, за его глубокий и значимый долгосрочный вклад в современную практику дизайна.

ПОСТОЯННЫЕ КОЛЛЕКЦИИ
Милтон Глейзер представлен в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке; Музей Израиля, Иерусалим; Банк Чейза Манхэттена, Нью-Йорк; Национальный архив Смитсоновского института, Вашингтон, округ Колумбия; и Национальный музей дизайна Купера Хьюитта, Нью-Йорк.

11 запоминающихся проектов графического дизайна Милтона Глейзера

В ознаменование смерти Милтона Глейзера мы собрали 11 самых интересных графических проектов жителя Нью-Йорка за последние шесть десятилетий, в том числе ранее неизданный символ единения, которым он был работал до самой смерти.

Родившийся 26 июня 1929 года, Глейзер умер ровно через 91 год в свой день рождения в Нью-Йорке, где прожил всю свою жизнь. Его самый известный проект I ♥ NY выразил гордость за город и вскоре стал общепризнанным символом.

Примерно в то же время, что и эта кампания, художник разработал плакат для американского певца Боба Дилана и стал соучредителем журнала о стиле жизни и культуры New York.

Глейзер продолжал создавать графику до последних дней своей жизни, когда он еще работал над проектом, призванным создать коллективный дух во время вспышки коронавируса.

Вот 11 проектов графического дизайна покойного художника:

Вместе

Вплоть до своей смерти 26 июня 2020 года Глейзер работал над графическим проектом, который должен был представить идею коллективизма во время вынужденной изоляции из-за пандемии Covid-19.

Как сказал художник New York Times, он надеялся, что проект под названием «Вместе» будет распространен среди государственных школ по всему городу, чтобы распространить идею о том, что «мы не одиноки».

«Мы все вместе в этом» повторялось тысячу раз, но вы можете создать символический эквивалент этой фразы, просто используя слово «вместе», а затем заставив эти буквы [выглядеть] так, как будто они все разные, но все связанные», — сказал он изданию.

Кампания I ♥ Нью-Йорк

Созданный в 1977 году в рамках рекламной кампании по заказу штата Нью-Йорк, культовый логотип I ♥ NY был разработан для увеличения туризма и поднятия настроения жителей Нью-Йорка после финансового кризиса в городе.

Глейзер, разработавший логотип на безвозмездной основе, решил использовать шрифт, похожий на известный шрифт American Typewriter, из-за его «неформальности и литературной отсылки», а также из-за того, что он создавал визуальный контраст сладострастному сердцу.

Дизайнер позже пересмотрел эмблему после терактов 11 сентября, адаптировав ее, чтобы сказать «Я ♥ Нью-Йорк больше, чем когда-либо».

Плакат «Безумцы» для AMC

Последний сезон американского драматического телесериала «Безумцы» рекламировался серией плакатов и анимации в стиле ар-нуво, разработанных Глейзером в 2014 году.

В дизайне представлен культовый силуэт главного героя Дона Дрейпера, показанный в начальных титрах шоу, на фоне женской головы рядом со стаканом, наполненным напитком.

Постер Боба Дилана для CBS Records

Глейзер применил свой фирменный психоделический стиль к плакату, который он разработал для Columbia Records в 1967 году, чтобы проиллюстрировать альбом Боба Дилана Greatest Hits. Работа привела к всплеску славы графического дизайнера.

Взяв за основу дизайн автопортрета французско-американского художника Марселя Дюшана, на плакате изображен профиль Дилана в виде черного силуэта, который резко контрастирует с закрученными линиями цвета радуги, изображающими вьющиеся локоны певца.

Логотип журнала New York

В 1968 году Глейзер вместе с американским редактором Клэем Фелкером основал журнал New York, который стал конкурентом The New Yorker. Здесь он занимал пост президента и директора по дизайну до 19 лет.77.

В дополнение к созданию фигурного логотипа для журнала о жизни, культуре, политике и стиле Глейзер также разработал плакат для продвижения публикации под названием «Нью-Йорк — это Нью-Йорк», на котором изображен Эмпайр-стейт-билдинг в городе в четыре разных времени.

Бутылка водки Трамп

Глейзер также отвечал за дизайн позолоченной бутылки водки для президента США Дональда Трампа незадолго до того, как в 2006 году бывший предприниматель предоставил лицензию на использование своего имени для анонимной голландской водки9.0008

Бутылка кубической формы, напоминающей небоскреб, имеет две стороны, покрытые золотом, с вырезанной буквой T, чтобы было видно только прозрачное стекло, и две стороны рисунка в обратном порядке.

Однако, говоря с Fast Company о дизайне в 2016 году, Глейзер сказал изданию, что бутылка рассчитана «на самый низкий уровень человеческой активности».

«То, что вы продаете, — это зависть и статус», — сказал он, добавив, что «ни при каких обстоятельствах не стал бы работать на Трампа сегодня», поскольку он видел в нем «чрезвычайно опасную фигуру в американской жизни». »

Графика Get Out The Vote для выборов в США

Глейзер был среди множества дизайнеров, которые создали графику, чтобы побудить американцев приехать на избирательные участки и проголосовать на президентских выборах 2016 года.

Плакат с цветовыми блоками, разработанный в рамках кампании AIGA Get Out The Vote, имеет слова «Голосовать — значит существовать», написанные на передней части урны для голосования, как бюллетень для голосования, опущенный внутрь.

Плакат Campari

В 1992 году Глейзер разработал яркий плакат для итальянского алкогольного бренда Campari, чтобы рекламировать его знаменитый аперитив, наиболее известный благодаря его использованию в коктейлях Negroni.

На плакате изображен трапециевидный вид стола, накрытого скатертью в зеленую, розовую, лиловую и желтую клетку, поверх которого находится бутылка ликера и стакан с переливающейся темно-красной жидкостью.

Всемирная организация здравоохранения

Глейзер разработал плакат для Всемирной организации здравоохранения (ВОЗ) под названием «СПИД: всемирные усилия остановят его».

Плакат, выпущенный в 1987 году, изображал простой красный символ любви в виде сердца, который был разделен пополам и разделен, соединенных в центре эмблемой в виде синего черепа.

XIV Зимние Олимпийские игры

В целях популяризации XIV зимних Олимпийских игр 1984 года, проходивших в Сараево, Глейзер превратил олимпийский символ в игру с метанием колец, в которой воображаемый игрок бросал кольца на колонну в коринфском стиле.

Традиционные олимпийские цвета — красный, зеленый, синий и желтый — были использованы для создания рамки вокруг плаката.

Кампания «Не греет, а умирает»

В 2014 году Глейзер запустил кампанию по повышению осведомленности об изменении климата. Инициатива под названием It’s Not Warming, It’s Dying была направлена на то, чтобы создать ощущение безотлагательности в связи с изменением климата.

Визуальная идентификация кампании представляет собой зеленый диск, затененный черным дымом, что символизирует «исчезновение света» с планеты.

Изображения предоставлены Milton Glaser Inc.

Milton Glaser (1929–2020) | Купер Хьюитт, Смитсоновский музей дизайна

Милтон Глейзер (1929–2020) был гигантской фигурой в истории графического дизайна. Глейзер родился в Бронксе в семье иммигрантов из Венгрии. В 1951 году он окончил Союз Бондаря по развитию науки и искусства, где он и другие студенты получали стипендии на полное обучение от фонда, учрежденного Питером Купером. Глейзер также учился в Болонье, Италия, у художника Джорджио Моранди. Этот нью-йоркский ребенок смешал коммерческое искусство и изобразительное искусство, чтобы создать новый мощный язык. Он стал соучредителем студии Push Pin Studios в 1954 с друзьями из Cooper Union. Компания Push Pin, базирующаяся в Нью-Йорке, стала международной силой в 1960-х и 70-х годах, и ее наследие продолжает вдохновлять дизайнеров и иллюстраторов сегодня.

Глейзер наиболее известен среди дизайнеров своими иллюстрированными плакатами и обложками альбомов. Его плакат Дилана (1966) стал непреходящим символом уникальной эпохи в американской поп-культуре, а его плакаты для Olivetti объединили его тройную любовь к искусству эпохи Возрождения, итальянскому дизайну и американским комиксам. «Я люблю Нью-Йорк» (1977), кампания по продвижению туризма в штате Нью-Йорк в период тяжелого экономического кризиса, стала глобальным мемом с бесконечными вариациями и неизгладимым символом Нью-Йорка.

Глейзер также был выдающимся арт-директором и дизайнером публикаций. В 1968 году он основал New York Magazine вместе с редактором Клэем Фелкером и дизайнером Уолтером Бернардом. Сначала они выпускали журнал на верхнем этаже таунхауса Глейзера на Восточной 32-й улице. Нью-Йорк Сочная, джазовая типографика и амбициозные редакционные концепции открыли новую эру в дизайне публикаций.

Глейзер был щедрым учителем. С 1960 по 2002 год он преподавал курс «Дизайн и личность» в Нью-Йоркской школе визуальных искусств, на который мог записаться любой дизайнер, пройдя собеседование. После 2002 года он преподавал в магистратуре SVA по программе MFA Design. Он также преподавал в Cooper Union. Сотни дизайнеров имели уникальную возможность провести много времени с этим добрым, заботливым критиком и педагогом.

В знак уважения к этому легендарному дизайнеру мы обратились к дизайнерам, студентам и друзьям из разных поколений, чтобы узнать, что он значил для них лично и для более широкой практики графического дизайна. Эти дани не только показывают, каким любимым человеком был Глейзер, они также вносят свой вклад в нашу историческую оценку его влияния на эту область.

Эллен Луптон — старший куратор отдела современного дизайна в Смитсоновском музее дизайна Cooper Hewitt и директор программы MFA по графическому дизайну в колледже искусств Мэрилендского института.

ПРИЗНАНИЕ МИЛТОНУ ГЛЕЙЗЕРУ

«Милтон Глейзер был образцом, наставником, учителем и раввином для многих в области, которую мы любим (и ненавидим, и любим ненавидеть, и хотим исправить) и влюбиться снова. Он был отцом, дедом, дядей и знахарем, открывшим двери восприятия и проницательного мышления. Я не хочу подводить итоги его жизни в Твиттере (губернатор Куомо проделал хорошую работу). Но я скажу так: он никогда не оставлял свое мнение невысказанным или убеждения бездействующими. Его приверженность социальной справедливости не была брендом, и он настаивал на том, что если вы на самом деле не верите, не тратьте время на создание плаката. Но если вы действительно верите, боритесь за это изо всех сил, какие только можете собрать, используя все доступные средства массовой информации». — Стивен Хеллер, дизайнер, писатель и историк

«В 60-х Push Pin Studios вдохновила целое поколение иллюстраторов и графических дизайнеров, в том числе и меня. Работа сочетала в себе эклектичную, часто историческую типографику с иллюстрациями, основанными на идее, а не на ностальгии. Они были противоядием от сверхчистого, хорошо организованного швейцарского модернизма, который был языком крупных корпораций. Милтон Глейзер был лидером группы, потому что он был столь же красноречив, как и визуально талантлив», — Паула Шер, графический дизайнер

Видеомонтаж, созданный Бобби Мартином, 27 июня 2020 г.

«В SVA MFA Design Глейзер дал нам задание перед первым занятием: принести источник света. Мы все пришли с какой-то вариацией на тему лампочки. В течение следующих трех часов он учил нас видеть за пределами очевидного и заставлять нас нарушать правила, даже если задание исходило от такого известного дизайнера, как он. Милтон Глейзер — наш источник света», — Бобби С. Мартин-младший, Champions Design; ученица Милтона Глейзера

«Он был щедр не только на свое время, но и на свои идеи о дизайне, любви и особенно правде. Он снова и снова напоминал нам, что наша роль как дизайнеров заключается в том, чтобы говорить правду и помогать людям. Он также научил меня, как по-настоящему видеть. У Милтона был удивительный способ увидеть ваши намерения, даже если ваши руки не могли вас туда доставить. У него было рентгеновское зрение». — Майк Эссл, декан школы искусств Cooper Union и студент Milton Glaser

логотип Нью-Йорка. Ему повезло создать такие культовые произведения, но его влияние выходит далеко за рамки. Имя Милтона означает целую школу графического дизайна, которая после войны преодолела европейское влияние Швейцарии и показала, что дизайн может быть одновременно и полезным, и интересным. Его работы доказывают, что дизайн — это интеллектуальная деятельность, которая в руках такого мастера, как он, может также развлекать, развлекать и информировать», — Эрик Шпикерманн, дизайнер

«Милтон был первым графическим дизайнером, о котором я когда-либо слышал — когда я учился в старшей школе в Небраске в 1971 году, когда я Хиты , альбом и New York Magazine , который я только что обнаружил. После того, как я стал редактором New York 23 года спустя, я встретил его, что опровергло клише о разочаровывающих встречах с героями», — Курт Андерсен, автор 9.0008

«Я считаю Милтона столпом истории графического дизайна и коллекции MoMA. На личном уровне — как человека, считающего дизайн высшей формой человеческого творческого самовыражения, — меня всегда поражала интеллектуальная и физическая выносливость Мильтона. Любознательный, критичный, всегда готовый поспорить, щедрый, по-настоящему преданный делу, никогда не самодовольный, никогда не покровительственный. Никаких пустых разговоров, благослови его. Каждый обед с ним в Майалино был вихрем историй, сплетен, вопросов и ответов», — Паола Антонелли, куратор

«В Бразилии памятная концепция «Я люблю Нью-Йорк» была адаптирована по всей стране. В моем родном городе Порту-Алегри красное сердце заменено на форму нашей традиционной чашки для питья. На вывеске в Белене два манго напоминают сердце. Каждое место выбирает свой собственный символ, чтобы выразить любовь к своему сообществу, вдохновленную любовью Глейзера к Нью-Йорку», — Ракель Кастедо, дизайнер и историк,

. «Его рисунки украшали обложки книг Шекспира, которые я читала в школе, и бутылки пива Brooklyn. Я пил. Милтон также был активистом, красноречиво выступал против войны в Ираке и создавал политические прикрытия для The Nation и работал в таких некоммерческих организациях, как Landmark West!. Он был гражданским, щедрым духом, гуманистом». — Николас Блехман, иллюстратор, автор и арт-директор

«Несмотря на свою известность, Милтон Глейзер всегда казался мне одним из «людей». В его творчестве, в его писаниях, в его учении отражалась искренняя забота о других, желание сделать их радостными, просвещенными, сочувствующими, понятыми. Он был графическим дизайнером всех », — Луиза Сандхаус, историк дизайна и соучредитель The People’s Graphic Design Archive

«Меня пригласили взять интервью у Милтона на сцене Cooper Hewitt в 2010 году. За кулисами я упомянул, что собирался написать книгу для обучения детей графическому дизайну. Что он думает об этом? Его глаза загорелись, и он сказал: «Боже мой, сделай это! Это отличная идея!» Я испытал такое облегчение. Я только что получил самое лучшее разрешение. Спасибо, Милтон». — Чип Кидд, дизайнер и писатель

«Примерно 17 лет назад я решил построить небольшой дом в Вудстоке, штат Нью-Йорк, где жил Милтон, которого очень уважали как известного художника. Милтон сразу же решил, кто будет проектировать дом, и попросил меня показать ему фотографии строительства. В какой-то момент я отправил фотографию задней части дома, сказав, что беспокоюсь о том, что из-за конфигурации окон дом выглядит как большая гримаса. Он ответил, просто сказав: «Нет, Гейл, это не гримаса. Это улыбка», — Гейл Андерсон, дизайнер 9.0008

«Прощай, мой друг. Я знаю вас 45 лет, и вы никогда не переставали вдохновлять меня, сначала как учитель, затем как мой первый начальник, затем как наставник и коллега, а в конечном итоге дорогой друг для меня и моей семьи. Что отличало Мильтона, так это не его страсть, а его сострадание, которое вместе с его интеллектом сделало его сверхдержавой. Покойся с миром, дорогой друг, ты это заслужил!» — Стивен Дойл, дизайнер

Нью-Йорк | Схема, карта, экономика, культура, факты и история

Самые популярные вопросы

Где находится город Нью-Йорк?

Нью-Йорк расположен в устье реки Гудзон на юго-востоке штата Нью-Йорк, который находится в северо-восточной части Соединенных Штатов.

Какие пять районов Нью-Йорка?

Пять районов Нью-Йорка — это Манхэттен, Бруклин, Бронкс, Квинс и Стейтен-Айленд.

Почему город Нью-Йорк важен для США?

Нью-Йорк — крупнейший и самый влиятельный американский мегаполис, а также самый густонаселенный и самый интернациональный город страны. Расположенный там, где реки Гудзон и Ист впадают в одну из главных гаваней мира, Нью-Йорк является воротами на североамериканский континент и его предпочтительным выходом к океанам земного шара.

Как выглядит печать города Нью-Йорка?

Печать города Нью-Йорка была принята в 1686 году. На ней изображены бобр и бочка с мукой, изображения, которые документируют первый крупный этап экономической истории Манхэттена, торговлю мехом и экспорт муки.

Какая средняя температура в Нью-Йорке?

Средняя температура в Нью-Йорке составляет около 31 ° F (0 ° C) в январе и около 72 ° F (22 ° C) в июне, но зарегистрированные экстремальные температуры колеблются от -15 до 106 ° F (-26 °C). до 41 °С). Годовое количество осадков составляет 44 дюйма (1120 мм). Из-за умеренного климата Нью-Йорка гавань редко замерзает.

Сводка

Прочтите краткий обзор этой темы

Нью-Йорк , официально город Нью-Йорк , исторически Нью-Амстердам , мэр, олдермен и община города Нью-Йорка и Нью-Оранж , имя Большое яблоко , город и порт расположены в устье реки Гудзон, юго-восток штата Нью-Йорк, северо-восток США. Это крупнейший и наиболее влиятельный американский мегаполис, охватывающий Манхэттен и Стейтен-Айленд, западную часть Лонг-Айленда и небольшую часть материковой части штата Нью-Йорк до к северу от Манхэттена. На самом деле Нью-Йорк представляет собой собрание множества кварталов, разбросанных по пяти районам города — Манхэттену, Бруклину, Бронксу, Квинсу и Стейтен-Айленду, — каждый из которых демонстрирует свой образ жизни. Переезд из одного района города в другой может быть похож на переезд из одной страны в другую. Нью-Йорк — самый густонаселенный и самый интернациональный город страны. Его городская территория простирается на прилегающие части Нью-Йорка, Нью-Джерси и Коннектикута. Расположенный там, где реки Гудзон и Ист впадают в одну из главных гаваней мира, Нью-Йорк является одновременно воротами на североамериканский континент и его предпочтительным выходом к океанам земного шара. Площадь 305 квадратных миль (790 квадратных километров). Поп. (2010) 8 175 133; Подразделение метро Нью-Йорк – Уайт-Плейнс – Уэйн, 11 576 251 человек; Нью-Йорк – Северный Нью-Джерси – Метрополитен Лонг-Айленда, 18 897 109 человек; (2020) 8 804 190; Подразделение метро Нью-Йорк – Джерси-Сити – Уайт-Плейнс, 12 449 348 человек; Район метро Нью-Йорк – Ньюарк – Джерси-Сити, 20 140 470 человек.

Характер города

Нью-Йорк является самым разнообразным в этническом и религиозном отношении, коммерчески ориентированным, знаменито перегруженным и, по мнению многих, самым привлекательным городским центром в стране. Ни один другой город не внес больше изображений в коллективное сознание американцев: Уолл-стрит означает финансы, Бродвей является синонимом театра, Пятая авеню автоматически ассоциируется с шоппингом, Мэдисон-авеню означает рекламную индустрию, Гринвич-Виллидж ассоциируется с богемным стилем жизни, Седьмая авеню означает моду. , Таммани-холл определяет машинную политику, а Гарлем вызывает в памяти образы эпохи джаза, устремлений афроамериканцев и трущоб. Слово 9Многоквартирный дом 0179 напоминает как о невзгодах городской жизни, так и о восходящей мобильности стремящихся масс иммигрантов. В Нью-Йорке больше евреев, чем в Тель-Авиве, больше ирландцев, чем в Дублине, больше итальянцев, чем в Неаполе, и больше пуэрториканцев, чем в Сан-Хуане. Его символом является Статуя Свободы, но мегаполис сам по себе является иконой, ареной, на которой «буря-тосты» Эммы Лазарус из каждой нации превращаются в американцев, а если они остаются в городе, то становятся жителями Нью-Йорка.

Знайте, что делает нью-йоркский бейгл таким отчетливо вкусным

Посмотреть все видео к этой статье

В течение последних двух столетий Нью-Йорк был самым большим и богатым американским городом. Более половины людей и товаров, которые когда-либо въезжали в Соединенные Штаты, проходили через его порт, и этот поток торговли сделал перемены постоянным присутствием в городской жизни. Нью-Йорк всегда означал возможность, поскольку это был городской центр на пути к чему-то лучшему, мегаполис, слишком занятый, чтобы заботиться о тех, кто стоит на пути прогресса. Нью-Йорк — будучи самым американским из всех городов страны — таким образом, также приобрел репутацию иностранного и внушающего страх места, где суматоха, высокомерие, неучтивость и жестокость проверяли на выносливость каждого, кто в него входил. Город был населен чужаками, но они были, как объяснял Джеймс Фенимор Купер, «в основном национальными по интересам, положению, занятиям. Никто не думает, что это место принадлежит какому-то конкретному штату, кроме как Соединенным Штатам». Когда-то столица своего штата и страны, Нью-Йорк превзошел этот статус и стал мировым городом как в коммерции, так и в плане взглядов, с самым известным горизонтом на земле. Он также стал мишенью для международного терроризма — в первую очередь, разрушения в 2001 году Всемирного торгового центра, который в течение трех десятилетий был самым ярким символом глобального могущества города. Тем не менее, Нью-Йорк остается для своих жителей конгломератом местных кварталов, которые дают им знакомую кухню, языки и впечатления. Город резких контрастов и глубоких противоречий, Нью-Йорк, возможно, является наиболее подходящим представителем разнообразной и могущественной нации.

Ландшафт

Городская территория

Участки гранитной скалы Нью-Йорка датируются примерно 100 миллионами лет назад, но топография нынешнего города в значительной степени является продуктом отступления ледников, ознаменовавшего конец Висконсинского ледникового периода. Стадия около 10 000 лет назад. Огромные неустойчивые валуны в Центральном парке Манхэттена, глубокие впадины котлованов в Бруклине и Квинсе и ледниковая морена, оставшаяся в некоторых частях мегаполиса, молчаливо свидетельствуют об огромной силе льда. Отступление ледников также вырезало водные пути вокруг города. Реки Гудзон и Ист, Спьютен-Дуйвил-Крик и Артур-Килл на самом деле являются эстуариями Атлантического океана, а Гудзон находится на севере вплоть до Трои. Приблизительно 600 миль (1000 км) береговой линии Нью-Йорка ведут постоянную борьбу с океаном, поскольку он размывает землю и добавляет новые отложения в других местах. Хотя гавань постоянно углубляется, судовые каналы постоянно заполняются речным илом и слишком мелки для более современных глубоководных судов.

Викторина «Британника»

Куда угодно США

Где находится Великий Белый Путь? Где вы найдете Эмпайр Стейт Билдинг? Разберитесь в фактах и откройте для себя все, что может предложить США.

К югу от каменистой местности Манхэттена простирается защищенная глубоководная якорная стоянка, обеспечивающая легкий доступ к Атлантическому океану. В 1524 году итальянский мореплаватель Джованни да Верраццано был первым европейцем, вошедшим в гавань, которую он назвал Санта-Маргарита, и он сообщил, что холмы, окружающие бескрайние просторы Нью-Йоркского залива, кажутся богатыми полезными ископаемыми; более 9В Нью-Йорке действительно найдено 0 видов драгоценных камней и 170 мировых минералов. Смелая экспедиция Верраццано была отмечена в 1964 году, когда самый длинный подвесной мост в мире был переброшен через реку Нарроуз у входа в залив Верхнего Нью-Йорка.

Прогуляйтесь по Центральному парку и Швейному кварталу и сядьте на паром мимо Статуи Свободы в Нью-Йорке

Просмотреть все видео к этой статье

Будучи третьим по величине американским портом во времена Американской революции, Нью-Йорк постепенно развивал торговлю господство и к середине 1800-х обслуживало более половины морских путешественников и коммерческой торговли страны. После 1900 Нью-Йорк был самым загруженным портом в мире, и это звание он сохранял до 1950-х годов. Контейнеризация грузов, устаревание причалов на набережной и растущая стоимость рабочей силы переместили бизнес на сторону реки в Нью-Джерси после 1960-х годов, но в начале 21 века администрация портов Нью-Йорка и Нью-Джерси по-прежнему доминировала в торговле водой. северо-востока США.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

США | История, карта, флаг и население

флаг Соединенных Штатов Америки

Аудиофайл: Гимн США (см. статью)

Смотреть все СМИ

Глава государства и правительства:: Президент: Джо Байден

Капитал:: Вашингтон, округ Колумбия

Население:: 331 449 281; (оценка 2022 г.) 336 958 000 ²

Курс обмена валюты:: 1 доллар США равен 1,020 евро

Форма правления:: федеративная республика с двумя законодательными палатами (Сенат [100]; Палата представителей [435 ¹])

Посмотреть все факты и статистику →

Резюме

Прочтите краткий обзор этой темы

США , официально Соединенные Штаты Америки , сокращенно США или США , по имени Америка , страна в Северной Америке, федеративная республика из 50 штатов. Помимо 48 граничащих друг с другом штатов, занимающих средние широты континента, в состав Соединенных Штатов входят штат Аляска на северо-западе Северной Америки и островной штат Гавайи в середине Тихого океана. Совпадающие штаты ограничены на севере Канадой, на востоке омываются Атлантическим океаном, на юге омываются Мексиканским и Мексиканским заливами, а на западе омываются Тихим океаном. США — четвертая по площади страна в мире (после России, Канады и Китая). Столицей страны является Вашингтон, который совпадает по протяженности с округом Колумбия, федеральным столичным регионом, созданным в 179 г.0.

Главной характеристикой Соединенных Штатов, вероятно, является их большое разнообразие. Его физическая среда варьируется от Арктики до субтропиков, от влажных тропических лесов до засушливых пустынь, от скалистых горных вершин до плоских прерий. Хотя общая численность населения Соединенных Штатов велика по мировым стандартам, их общая плотность населения относительно низка. Страна включает в себя одни из крупнейших в мире городских концентраций, а также некоторые из самых обширных районов, которые почти лишены жилья.

Население Соединенных Штатов очень разнообразно. В отличие от такой страны, как Китай, в которой в основном проживают коренные народы, в Соединенных Штатах существует разнообразие, которое в значительной степени обусловлено огромной и устойчивой глобальной иммиграцией. Вероятно, ни в одной другой стране нет более широкого спектра расовых, этнических и культурных типов, чем в Соединенных Штатах. Помимо присутствия выживших коренных американцев (в том числе американских индейцев, алеутов и эскимосов) и потомков африканцев, взятых в рабство в Новый Свет, национальный характер обогащался, испытывался и постоянно переопределялся десятками миллионов иммигрантов, которые по большому счету приехали в Америку в надежде на более широкие социальные, политические и экономические возможности, чем они имели в местах, которые они покинули. (Следует отметить, что хотя термины «Америка» и «американцы» часто используются как синонимы для Соединенных Штатов и их граждан, соответственно, они также используются в более широком смысле для Северной, Южной и Центральной Америки вместе и их граждан. )

Соединенные Штаты являются крупнейшей экономической державой мира, если судить по валовому внутреннему продукту (ВВП). Богатство страны отчасти является отражением ее богатых природных ресурсов и огромной сельскохозяйственной продукции, но в большей степени оно обязано высокоразвитой промышленности страны. Несмотря на свою относительную экономическую самодостаточность во многих областях, Соединенные Штаты являются самым важным фактором в мировой торговле в силу огромных размеров своей экономики. Его экспорт и импорт составляют основную часть мирового объема. Соединенные Штаты также вторгаются в глобальную экономику как источник и место назначения инвестиционного капитала. Страна продолжает поддерживать экономическую жизнь, которая является более диверсифицированной, чем любая другая на Земле, обеспечивая большинству своего населения один из самых высоких в мире уровней жизни.

Викторина «Британника»

Девизы штатов США

У каждого из 50 штатов есть девиз. Сможете ли вы идентифицировать их всех? Проверьте свои знания девизов штатов США в этом тесте.

Соединенные Штаты относительно молоды по мировым меркам, им меньше 250 лет; нынешних размеров он достиг только в середине 20 века. Америка была первой из европейских колоний, которая успешно отделилась от своей родины, и это была первая нация, основанная на предпосылке, что суверенитет принадлежит ее гражданам, а не правительству. В первые полтора века своего существования страна была в основном озабочена собственной территориальной экспансией и экономическим ростом, а также социальными дебатами, которые в конечном итоге привели к гражданской войне и периоду исцеления, который до сих пор не завершен. В 20-м веке Соединенные Штаты стали мировой державой, а после Второй мировой войны они были одной из выдающихся держав. Он не легко принимал эту мантию и не всегда носил ее охотно; принципы и идеалы ее основателей были испытаны давлением и необходимостью ее доминирующего положения. Соединенные Штаты по-прежнему предлагают своим жителям возможности для беспрецедентного личного продвижения и богатства. Однако истощение его ресурсов, загрязнение окружающей среды и продолжающееся социальное и экономическое неравенство, которое увековечивает районы бедности и упадка, — все это угрожает структуре страны.

Округ Колумбия обсуждается в статье Вашингтон. Для обсуждения других крупных городов США см. статьи Бостон, Чикаго, Лос-Анджелес, Новый Орлеан, Нью-Йорк, Филадельфия и Сан-Франциско. Политические единицы, связанные с Соединенными Штатами, включают Пуэрто-Рико, обсуждаемое в статье Пуэрто-Рико, и несколько островов Тихого океана, обсуждаемых на Гуаме, Северных Марианских островах и Американском Самоа.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

The Editors of Encyclopaedia Britannica

Земля

Два больших набора элементов, которые формируют физическую среду Соединенных Штатов, — это, во-первых, геологические, которые определяют основные модели рельефа, дренажа и минеральных ресурсов и влияют на почвы. в меньшей степени и, во-вторых, атмосферный, определяющий не только климат и погоду, но и в значительной степени распределение почв, растений и животных. Хотя эти элементы не полностью независимы друг от друга, каждый из них создает на карте узоры, которые настолько сильно различаются, что, по сути, они остаются двумя отдельными географическими регионами. (Поскольку эта статья касается только граничащих с ней Соединенных Штатов, см. также статьи Аляска и Гавайи.)

Рельеф

Центр совпадающих Соединенных Штатов представляет собой огромную раскинувшуюся внутреннюю низменность, простирающуюся от древнего щита центральной Канады на севере до Мексиканского залива на юге. К востоку и западу эта низменность поднимается сначала постепенно, а затем круто к горным хребтам, отделяющим ее от моря с обеих сторон. Две горные системы сильно различаются. Аппалачи на востоке невысокие, почти непрерывные и в основном удалены от Атлантики. От Нью-Йорка до мексиканской границы тянется низменная Прибрежная равнина, обращенная к океану вдоль заболоченного, извилистого побережья. Полого наклонная поверхность равнины простирается под море, где она образует континентальный шельф, который, хотя и погружен под мелководье океана, геологически идентичен Прибрежной равнине. К югу равнина становится шире, отклоняясь на запад в Джорджии и Алабаме, чтобы обрезать Аппалачи вдоль их южной оконечности и отделить внутреннюю низменность от залива.

К западу от Центральной низменности находятся могучие Кордильеры, часть глобальной горной системы, опоясывающей бассейн Тихого океана. Кордильеры полностью охватывают одну треть Соединенных Штатов, а внутреннее разнообразие соответствует их размеру. На его восточной окраине лежат Скалистые горы, высокая, разнообразная и прерывистая цепь, которая тянется от Нью-Мексико до границы с Канадой. Западная окраина Кордильер представляет собой тихоокеанскую прибрежную цепь скалистых гор и внутренних долин, которые эффектно возвышаются над морем без преимущества прибрежной равнины. Между Скалистыми горами и Тихоокеанской цепью находится обширный межгорный комплекс бассейнов, плато и изолированных хребтов, настолько большой и замечательный, что они заслуживают признания в качестве региона, отдельного от самих Кордильер.

Эти регионы — Внутренние низменности и их нагорные окраины, система Аппалачей, Атлантическая равнина, Западные Кордильеры и Западный межгорный регион — настолько разнообразны, что требуют дальнейшего разделения на 24 основных субрегиона или провинции.

Исследуйте реки Миссисипи и Огайо, Великие озера, Блэк-Хиллз и многое другое на Среднем Западе Америки

Просмотреть все видео к этой статье

Предполагается, что Эндрю Джексон заметил, что Соединенные Штаты к западу от гор, в изоляции и свободе великой Внутренней низменности, люди могли, наконец, избежать влияния Старого Света. Можно спорить о том, составляют ли низменности культурное ядро страны, но не может быть никаких сомнений в том, что они составляют ее геологическое ядро, а во многих отношениях и ее географическое ядро.

Этот огромный регион расположен на древней, сильно разрушенной платформе сложных кристаллических пород, которые по большей части не были затронуты крупной орогенной (горостроительной) деятельностью более 600 000 000 лет. На большей части территории центральной Канады эти докембрийские породы обнажаются на поверхности и образуют крупнейший топографический регион континента — внушительный и покрытый льдом Канадский щит.

В Соединенных Штатах большая часть кристаллической платформы скрыта под глубоким покровом осадочных пород. Однако на крайнем севере обнаженный Канадский щит простирается в Соединенные Штаты достаточно далеко, чтобы сформировать два небольших, но характерных региона рельефа: суровые и иногда впечатляющие горы Адирондак на севере Нью-Йорка и более приглушенные и строгие Верхние возвышенности северной Миннесоты. , Висконсин и Мичиган. Как и на остальной части щита, ледники сорвали почву, усеяли поверхность валунами и другим мусором и уничтожили доледниковые дренажные системы. Большинство попыток ведения сельского хозяйства в этих районах были заброшены, но сочетание сравнительной дикой природы в северном климате, чистых озер и ручьев с бурной водой способствовало развитию обоих регионов как круглогодичных зон отдыха на открытом воздухе.

О минеральных богатствах Верхней возвышенности ходят легенды. Железо находится у поверхности и недалеко от глубоководных портов верховьев Великих озер. Железо добывается как к северу, так и к югу от озера Верхнее, но наиболее известны колоссальные месторождения хребта Месаби в Миннесоте, который уже более века является одним из самых богатых в мире и играет жизненно важную роль в подъеме Америки к промышленной мощи. Несмотря на истощение, рудники Миннесоты и Мичигана по-прежнему производят большую часть железа в стране и значительную долю мировых поставок.

К югу от гор Адирондак и Верхней возвышенности лежит граница между кристаллическими и осадочными породами; резко все по другому. Ядром этого осадочного региона — сердцем Соединенных Штатов — является великая Центральная низменность, которая простирается на 1500 миль (2400 километров) от Нью-Йорка до центрального Техаса и еще на 1000 миль на север до канадской провинции Саскачеван. Некоторым пейзаж может показаться унылым, так как высоты более 2000 футов (600 метров) необычны, а по-настоящему пересеченной местности почти нет. Однако ландшафты разнообразны, в основном в результате оледенения, которое прямо или косвенно затронуло большую часть субрегиона. К северу от линии реки Миссури-Огайо наступление и наступление материкового льда оставило сложную мозаику из валунов, песка, гравия, ила и глины, а также сложную структуру озер и дренажных каналов, некоторые из которых заброшены, а некоторые все еще используются. Южная часть Центральной низменности совершенно иная, покрытая в основном лёссом (алевритом, отложенным ветром), который еще больше смягчил и без того низкий рельеф поверхности. В других местах, особенно возле крупных рек, послеледниковые потоки превратили лёсс в округлые холмы, и посетители метко сравнили их вздымающиеся формы с морскими волнами. Прежде всего, лесс дает почву необычайного плодородия. Поскольку железо Месаби было основным источником промышленного богатства Америки, ее сельскохозяйственное процветание было основано на лёссе Среднего Запада.

Центральная низменность напоминает огромное блюдце, со всех сторон постепенно поднимающееся к возвышенностям. К югу и востоку земля постепенно поднимается до трех основных плато. За пределами досягаемости оледенения на юге осадочные породы были подняты на два широких выступа, отделенных друг от друга большой долиной реки Миссисипи. Плато Озарк лежит к западу от реки и занимает большую часть южного Миссури и северного Арканзаса; на востоке Внутренние низкие плато возвышаются над центральными районами Кентукки и Теннесси. За исключением двух почти круглых участков богатой известняковой местности — бассейна Нэшвилл в штате Теннесси и района Кентукки Блюграсс — большая часть обоих плато состоит из возвышенностей из песчаника, причудливо расчлененных ручьями. Местный рельеф в большинстве мест достигает нескольких сотен футов, и посетители региона должны путешествовать по извилистым дорогам вдоль узких долин ручьев. Почвы там бедные, минеральные ресурсы скудны.

К востоку от Центральной низменности Аппалачское плато — узкая полоса расчлененных возвышенностей, сильно напоминающая плато Озарк и внутренние низкие плато по крутым склонам, бедным почвам и эндемической бедности — образует переход между внутренними равнинами и Аппалачскими горами. Однако обычно Аппалачское плато считается субрегионом Аппалачей частично из-за местоположения, частично из-за геологической структуры. В отличие от других плато, где породы изгибаются вверх, здесь породы образуют вытянутую котловину, в которой от размыва сохранились битуминозные угли. Этот уголь Аппалачей, как и железо Месаби, которое он дополняет в промышленности США, является экстраординарным. Обширный, толстый и близкий к поверхности, он десятилетиями топил топки северо-восточных сталелитейных заводов и помогает объяснить огромную концентрацию тяжелой промышленности в низовьях Великих озер.

Западные фланги Внутренней низменности — это Великие равнины, огромная территория, которая охватывает все расстояние между Канадой и Мексикой полосой шириной почти 500 миль (800 км). Великие равнины были построены последовательными слоями плохо сцементированного песка, ила и гравия — обломков, отложенных параллельными потоками, текущими на восток со Скалистых гор. Если смотреть с востока, поверхность Великих равнин неумолимо поднимается примерно с 2000 футов (600 метров) возле Омахи, штат Небраска, до более 6000 футов (1825 метров) в Шайенне, штат Вайоминг, но подъем настолько постепенный, что популярная легенда гласит: Великие равнины должны быть плоскими. Истинная плоскостность встречается редко, хотя Высокие равнины западного Техаса, Оклахомы, Канзаса и восточного Колорадо приближаются к ней. Чаще земля широко холмистая, а части северных равнин резко расчленены на бесплодные земли.

Основное минеральное богатство Внутренней низменности связано с ископаемым топливом. Уголь залегает в защищенных от эрозии структурных бассейнах — высококачественный битуминозный в бассейнах Аппалачей, Иллинойса и Западного Кентукки; и суббитуминозные и буроугольные породы на востоке и северо-западе Великих равнин. Нефть и природный газ были обнаружены почти в каждом штате между Аппалачами и Скалистыми горами, но месторождения Мидконтинента в западном Техасе и Техас Панхандл, Оклахома и Канзас превосходят все остальные. Помимо небольших месторождений свинца и цинка, металлические полезные ископаемые не имеют большого значения.

Как Милтон Глейзер пришел к созданию культового плаката Боба Дилана | Искусство и культура

Плакат Милтона Глейзера с Диланом был вдохновлен автопортретом Марселя Дюшана 1957 года.

«История визуальных вещей в мире, — говорит Глейзер, — это мой манеж». Милтон Глейзер / Cooper-Hewitt, Национальный музей дизайна, SI

Примечание редактора, 28 июня 2020 г. Графический дизайнер Милтон Глейзер скончался в пятницу, 26 июня 2020 г., в свой 91-й день рождения. В 2010 году мы исследовали одно из самых известных творений Глейзера: постер Боба Дилана, который сейчас находится в коллекции Смитсоновского музея дизайна Купера-Хьюитта.

В мире искусства плакаты занимают промежуточное положение между картинами и рекламой в журналах и на рекламных щитах. Но когда известные художники, в том числе француз Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901) и итальянец Леонетто Капьелло (1875-1942), получили заказ на создание рекламных плакатов для всего, от легендарного парижского мюзик-холла Мулен Руж до мужских шляп, они превратил плакат в популярный предмет коллекционирования.

Высокий ренессанс формы пришелся на 1920-х годов в Европе, где слияние графического дизайна и иллюстративного искусства украсило улицы Парижа, Лондона и Милана. Если не считать рекламных щитов и постеров к фильмам, рекламные плакаты никогда не были столь же важными и вездесущими в Соединенных Штатах. Однако подъем рок-н-ролла в 1960-х породил в этой стране особый жанр плакатного искусства. Многие из этих артефактов эпохи силы цветов сегодня находятся в коллекциях Смитсоновского института Cooper-Hewitt, Национального музея дизайна в Нью-Йорке. Среди самых знаковых — «ключевой элемент любой коллекции плакатов», по словам Гейл Дэвидсон, заведующей музейным отделом рисунков, гравюр и графического дизайна, — «19» Милтона Глейзера.66 фото певца Боба Дилана.

Глейзер, получивший Национальную медаль искусств на церемонии в Белом доме в феврале 2010 года, только начинал свою выдающуюся карьеру художника и графического дизайнера, когда он взялся за проект Дилана. (Пару лет спустя он и редактор Клэй Фелкер основали журнал New York .) Джон Берг, в то время арт-директор Columbia Records, попросил Глейзера создать плакат, который нужно было сложить и упаковать в пластинку Дилана «Greatest Hits». Глейзер, сегодня один из самых плодовитых художников плакатов в этой стране, на его счету более 400 работ, был новичком в этой форме. «Возможно, это был мой третий или четвертый постер, — вспоминает он. Он станет одним из самых распространенных за все время; шесть миллионов или более были распространены с чрезвычайно популярным альбомом.

Плакат Глейзера с изображением Дилана с калейдоскопическими волосами был описан как «психоделический» и часто ассоциируется с рок-постерами, выпущенными в Сан-Франциско в то же время. Но Глейзер, который учился в Италии по стипендии Фулбрайта в начале 1950-х годов, является формалистом с широким кругозором художников и художественных направлений, и он черпал вдохновение для профиля Дилана из автопортрета 1957 года Марселя Дюшана. Хотя Глейзер использовал похожую композицию, превращение кудрявой гривы Дилана в спутанную радугу было его собственным изобретением.

Глейзер говорит, что он также прикоснулся к более раннему художественному направлению. «В то время я интересовался стилем модерн, — вспоминает он. «Это повлияло на цвета и формы на картине». Контраст ярких цветов с темным силуэтом профиля отражает ответ Глейзера на модернистское изречение «Меньше значит больше»: «Достаточно больше». Для единственного слова «Дилан» Глейзер изобрел шрифт, который он снова использовал на афише концерта Махалии Джексон в Линкольн-центре.

Несмотря на миллионы распространенных копий, постер Дилана стал популярным предметом коллекционирования, который продается за сотни долларов. (Он был переиздан дважды, но оригиналы имеют контрольные складки.) По словам Дэвидсона, удача сыграла роль в приобретении Cooper-Hewitt. Один из ее коллег по музею вел курс графического дизайна, когда студентка пришла в класс с плакатом, который она хотела подарить, вспоминает Дэвидсон. «Это был постер Дилана, в хорошем состоянии — со складками — и его отец завещал ее бойфренду».

Что Глейзер сегодня думает о своем самом известном произведении? «Я бы перекрасил волосы», — говорит он сегодня.

Десять золотых правил Милтона Глейзера

Что нужно знать о Милтоне Глейзере, который придумал легендарный логотип I Love New York

Все жанры сразу

Ода любви к Нью-Йорку

Сердечки на футболках и не только

Боб Дилан, Олимпийские игры и Всемирная организация здравоохранения

Милтон Глейзер и его книги о графическом дизайне

Милтон Глейзер

Дизайнер Милтон Глейзер (Milton Glaser) – I♥NY

Путь Милтона Глейзера

Известные работы Милтона Глейзера

Дизайн как искусство

10 правил Милтона Глейзера

«Милтон Глейзер: от информации и восторга»: фильм Венди Ки

«Я не знаю гениев-самоучек в дизайне»

Дизайн и искусство

Дизайнеры и компьютеры

Дизайнерский процесс

Хороший логотип

Будущее

Лучшие работы

Советы дизайнерам

Важность образования

Милтон Глейзер | Биография

11 запоминающихся проектов графического дизайна Милтона Глейзера

Milton Glaser (1929–2020) | Купер Хьюитт, Смитсоновский музей дизайна

Нью-Йорк | Схема, карта, экономика, культура, факты и история

Прочтите краткий обзор этой темы

Характер города

Ландшафт

Городская территория

США | История, карта, флаг и население

Прочтите краткий обзор этой темы

Земля

Рельеф

Как Милтон Глейзер пришел к созданию культового плаката Боба Дилана | Искусство и культура

Добавить комментарий Отменить ответ