Модерн стиль в живописи: Что такое картины в стиле модерн и их значение?

Что такое картины в стиле модерн и их значение?

Вы пробовали отличать картину стиля модерн от картины современного искусства? Согласно некоторым утверждениям это одно и то же. Но на самом деле они не похожи друг на друга. Поскольку между этими двумя направлениями есть эстетическая и концептуальная разница. Но независимо от их различий, картины этих двух направлений являются красивыми и значимыми. Здесь мы сосредоточимся на произведениях искусства стиля модерн.

Картины стиля модерн охватывают произведения искусства, созданные в период 1860-х — 1970-х годах. Это произведение показывает разные традиции предыдущих лет. Сегодня современные художники экспериментируют с использованием новых и свежих идей. Идеями, которые связаны с ролями искусства и природы.

В настоящее время современное искусство или картины охватывают замечательное разнообразие методов, движений и стилей. Самое главное, что художники модерн имели разные способы и методы выражения своих чувств.

Большая и яркая картина может украсить зону приема, спальню, гостиную и другие места. Несколько картин модерн для продажи очень популярны по своему содержанию,мысли и провоцирующей природе. На самом деле, многие люди покупают такие картины и ценят их, потому что они могут привлекать офисных клиентов и гостей. Эти картины позволяют им открывать новые перспективы, хотя некоторые из них возбуждают чувства.

Различные стили картин модерн

Сюрреализм. Стиль живописи модерн, который контрастирует с различными изображениями и предлагает потрясающий эффект. Кроме того, изображения часто непоследовательны.
Фотореализм

. Как следует из названия, этот стиль живописи выглядит как настоящая фотография. Поскольку художники снимают фотографии и рисуют на холсте.
Минимализм. Суть минималистской живописи. По сравнению с абстрактными картинами, художники минимализма только рисуют то, во что они верят.
Футуризм. Основной фокус или предмет этого стиля картины — насилие, скорость, технология и другие события, которые могут произойти в будущем. Короче говоря, художники-футуристы видят, что может произойти в последующие годы.
Импрессионизм. Он классифицируется тощими мазками кисти и подчеркивает иллюстрацию света. Кроме того, художники, которые используют стиль импрессионизма, не следуют правилам живописи.

Советы по выбору лучших картин модерн

Когда вы планируете купить картину для своего дома или офиса, вам нужно тщательно подумать. Вот проверенные советы, которые вы можете использовать при выборе картин в стиле модерн.

Купите то, что вы действительно хотите.
Не подбирайте картины к тем, которые уже есть в вашей комнате.
Поищите в Интернете несколько разных картин модерна.
Выберите произведения, созданные вашими любимыми художниками.
Где вы можете купить картины в стиле модерн?

Посмотрите вокруг, и вы можете увидеть произведение искусства стиля модерн для продажи повсюду.

Вы можете купить в галереях или в интернет-магазине. Да, вы можете купить картины модерн в Интернете. Когда вы ищете подобные произведения искусства для продажи в Интернете, вы можете увидеть множество интернет-магазинов художественных произведений. Эти интернет-магазины предлагают оригинальные современные картины по очень доступной цене и сделаными известными художниками. Но при покупке через интернет, убедитесь, что вы имеете дело с проверенными арт дилерами.

Вы также можете посетить несколько художественных галерей. Особенно, если вы хотите увидеть картину в оригинале и если вы с подозрением относитесь к интернет-магазинам.

Модерн — стиль в живописи и архитектуре и его отличительные черты. Правила оформления и особенности интерьера в стиле модерн

Само понятие «Модерн» уходит своими корнями в XIX-XX веке, когда в Европе появился принципиально новый вид искусства, объединяющий в себе многие элементы различных направлений того времени.

Одной из главных особенностей стиля модерн являются мягкие изгибы и линии, отказ по возможности от прямых углов и предпочтений более естественным узорам, которые характерны природным объектам.

Примечание: Данное направление обычно пытается гармонично сочетать художественные и утилитарные начала во всем, с чем приходится работать. Большинство элементов интерьера, выполненных в этом стиле, имеют гибкую и утонченную форму.

А корпусная мебель отличается отличной функциональностью и броской простотой, но с обязательными вкраплениями своеобразных «изюминок» (необычная фурнитура, остекление или узоры на каркасах или фасадах). Что касается отдельных отделочных материалов, то здесь также преобладают «природные» веяния. Так, это и стилизованные листья, цветы, птицы или насекомые.

История стиля

Можно сказать, что главным фактором, способствующим появлению нового стиля, послужило большое нагромождение различных направлений в оформлении помещений под конец XIX века. В одном котле перемешались старые консервативные стили и направления, пропагандирующие новомодные веяния. Также, своеобразным толчком можно считать знаменательный на то время переход от ремесел к массовым производствам.

Примечание: Впервые Модерн показал себя в графике и живописи , а основным элементом декора являлась изогнутая линия, которая могла напоминать стебель растения или локон волос. Интерьер же был с четким декоративно-прикладным характером, который изначально ориентировался на подражание формам, напоминающим природные.

Ну, а по всему миру, данный стиль уже распространился к началу XX века.

В различных странах Модерн находил разных почитателей и, соответственно, именовался тоже по-разному. Так, в Австрии его называли Сецессион (название дала группа художников, которые тогда были не согласны с академическими канонами и начинали творить и пробовать новые стили), в Германии – Jugendstil (по названию журнала «Jugend», освещавшего тогда Модернистские направления в декоре и живописи), во Франции – Artnouveau (в честь магазина, построенного в Париже и полностью спроектированного в соответствии с основными канонами Модерна).

Интересно заметить, что на Английском континенте новобытный стиль не получил столь широкого распространения, как в других европейских странах.

Во многом этому способствовали консервативные взгляды большинства английского общества того времени. В России же Модерн наиболее проявил себя в архитектурном деле .

Спад популярности Модерна, как всеобщего направления в интерьере, живописи и архитектуре приходится на период 1910-х годов.

Своей яркостью и декоративно-прикладной направленностью этот стиль завоевал не только множество поклонников, но и противников данного направления. К тому же необычные элементы мебели или декора были достаточно дороги в изготовлении, а на рынок уже вовсю поступали массовые дешевые изделия, сделанные на производственных конвейерах. Окончательно затух Модерн в 1914 году, когда началась Первая мировая война.

Особенности стиля

Итак, уже было сказано, что основной элемент модерна – изгибающаяся линия, которая присутствует и в различных конструктивных элементах и в самом декоре, визуально сливаясь и создавая неповторимую композицию. Отделка же может быть самой разнообразной (плитка, дерево, бронза, камень, мозаика), но при этом должна иметь четкую стилизованную направленность на растения или природные формы, превращая даже металлические предметы в буйную растительность.

Само оформление интерьера призвано отрицать прежние консервативные принципы

. Стены покрываются удивительными узорами из изгибающихся линий, потолки украшаются плоскими гипсовыми рельефами, стенам добавляют красок, а занавески искусственно делают светлее. Та же «природная» тематика доминирует и в формах мебели. Здесь в основном, выделяют два основных направления развития: декоративное (причудливые, изогнутые формы) и конструктивное (прямолинейность и четкость).

Стоит заметить, что второй тип мебели более характерен для производства Англии и Германии. Модерн в состоянии раскрыть яркую и неординарную натуру владельца помещения. А использование в его основе синтеза различных направлений искусства и по сей день оставляет данный стиль востребованным и широко применяемым по всему миру.

Современный Модерн

Современный Модерн богат абсолютно новыми и уникальными текстурами и материалами , что делает его разнообразие еще большим. Главное, о чем не стоит забывать – это истоки появления стиля. А именно, плавные линии и изгибы, мотивы природы и гармоническое объединение всех элементов, образующих интерьер . Наша фантазия не имеет ограничений, а если еще и придерживаться основных канонов, то интерьер в этом стиле сделает ваше жилье легким и светлым, а также способным еще очень долго радовать взгляд.

С тиль модерн имеет условные хронологические границы: конец 1880-х – 1914 год – начало Первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы

.

В период модерна происходило переосмысление старых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства.

В каждой стране этот стиль имеет собственное название: в США – Тиффани, во Франции – ар-нуво, в Германии – югендстиль, в Австрии – стиль сецессион, в Англии – модерн-стайл, в Италии – стиль либерти, в Испании – модернизмо, в Нидерландах – Nieuwe Kunst (новое искусство), в Швейцарии – еловый стиль, в России – модерн.

Модерн отказывается от традиционных классических архитектурных принципов – симметрии, ордера и античного декора фасадов – в пользу природных плавных текучих форм. Кривая изогнутая линия – главная черта в декоре фасадов и интерьера.

Особняк С.П. Рябушинского, архитектор Ф. Шехтель, Москва, 1900 год

Особняк «Дом Шаронова», архитектор Ф. Шехтель, Таганрог, 1912 год

Особняк А. Курлиной, архитектор А. У. Зеленко, Самара, 1903 год

Маскарон на особняке Е.Е. Карташова, архитектор А.Л. Обер, Москва, 1902 год

Каждая постройка эпохи модерн обладает индивидуальным архитектурным образом, каждая по-своему уникальна. Исчезает деление на конструктивные и декоративные элементы здания. Фасады превращаются в живые организмы с растительными орнаментами, фантастическими животными или маскаронами в форме женских головок. Они результат свободного полета фантазии художника. Архитектура и изобразительное искусство сближаются, влияют и дополняют друг друга. Здание – это холст, на котором важны даже мельчайшие детали, форма лестничных перил, рисунок дверей и окон…

Архитектурно-художественный образ здания обязательно учитывает функциональное назначение строения. Строительные материалы модерна – железобетон, сталь, стекло, керамика, бронза, медь, кирпич.

Основные цвета в модерне – пастельные приглушенные оттенки: табачные, увядшей розы, жемчужно-серые, пыльно-сиреневые.

Интерьер особняка А. Курлиной в Самаре

Декор потолка в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Декор потолка в особняке А. Курлиной в Самаре

Лестница в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Стилю свойственен принцип единства целого. В модерне здание проектируется «изнутри наружу», то есть от внутренних помещений к внешнему облику строения. Возрождается традиция, когда архитектор проектировал строение от фасада и до мелких деталей. Все – от решетки ограды до оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды, тканей, светильников и других составных элементов – решено в одном ключе.

В оформлении здания часто используется дерево и кованные изогнутые элементы для дверей, лестниц, решеток балконов и ограды строения.

Двери и окна, как правило, прямоугольные, часто арочные. Двери – иногда во всю стену, раздвижные, распашные или поворотные с богатым растительным орнаментом. Ленточные – во всю стену окна или «магазинные» – широкие, наподобие витрин.

Декоративный десюдепорт над дверью в особняке А. Курлиной в Самаре

Окно-витраж в особняке А. Курлиной в Самаре

Окно-витраж в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Камин, декорированный медными маками, в особняке А. Курлиной в Самаре

Мозаика, эмаль, витражи, латунь – любимые техники, используемые для украшения интерьера здания и мебели.

Расцвет архитектурного стиля модерн в Европе и Америке приходится на 1890-1914 годы, дальше помешала Первая мировая война. Новое направление кардинально изменило представление о прекрасном в графике, дизайне, скульптуре, музыке, балете.

Изобретательные архитекторы создавали не просто выразительные сооружения с необычным внешним и внутренним обликом, но и освоили новые материалы — бетон, сталь, стекло.

Современные проекты домов в технике модерн используют исторические элементы избирательно, отказываясь от пышного декора и чрезмерной асимметрии в пользу более рациональных решений.

На смену эклектике

Направление сформировалось в противовес эклектике, которая смешивала детали из разных стилей, зачастую не слишком умело. В период стремительного роста городов и индустриализации строительство в стиле модерн провозгласило возвращение к практичности сооружений средневековья и ренессанса.

Архитекторы удовлетворяли возросшую потребность в зданиях бирж, банков, вокзалов, промышленных предприятий и доходных домов. Новшество того времени — железобетонные конструкции, выгнутые стальные профили — дали возможность создавать сложные криволинейные фасады.

Толчком для развития послужило декоративное искусство. Немецкий художник-декоратор Герман Обрист в 1895 году создал полотно «Удар бича» (в другом переводе «Удар хлыста»). Шелковая вышивка на шерстяном панно изобразила стебель, листья и цветок цикламена в причудливом виде, напоминающем росчерк бьющего хлыста.

Природа стала источником вдохновения для архитекторов, работающих в стиле классического модерна.

Естественные силуэты растений (лилий, орхидей, ирисов, пальмовых листьев, водорослей), морских волн используют повсеместно: в росписи, масштабных мозаичных панно, лепных фризах, в дизайне фасадов, балконных решеток, дверных ручек. Причудливые витражи, выполненные в стиле модерн, изображают павлиньи хвосты, прекрасные лебединые шеи, женские локоны.

Особенности модерна в архитектуре

Принцип проектирования	В 18-19 веках предполагалось движение от внешнего облика дома к внутренней организации. Новый подход провозгласил первостепенной планировку помещений, которая в свою очередь влияла на внешние формы. Здания получают асимметричные объемы, фасады в стиле модерн насыщены эркерами, башнями, балконами и лоджиями.
Свобода творчества	Намеренно фантазийное оформление внешнего и внутреннего убранства становится одним из популярных архитектурных решений. Яркий пример — Каса Батло испанского мастера Гауди, здесь воплощена идея победы над драконом.
Силуэты	Отказ от прямых и угловатых линий в пользу более естественных приводит к текучим силуэтам и подчеркнутой декоративности. Благодаря творческому применению стали, стекла и железобетона в дизайне домов модерн отчетливо ощущается слияние естественных и рукотворных форм.
Цветовая гамма	Пастельная, без явных контрастов, преобладают оливковые, серые, пыльно-сиреневые, табачные оттенки. Экстерьер и интерьер зданий существует в тесной взаимосвязи; изогнутые лестницы, перила и опоры повторяют орнаментальные линии.
Характерные элементы модерна	Пышно декорированные колонны (прямые, расположенные под углом или изогнутые), оконные и дверные проемы в виде арок, сложное по структуре остекление. Мастера сочетают традиции европейского, восточного и африканского зодчества, но не слепо их копируют, а свободно интерпретируют.

Направление модерн в архитектуре разных стран

Модное течение получило несколько названий — его обозначали как «ар нуво» во Франции и Бельгии, «югендштиль» в Германии и Швеции, «модерн» в Российской империи, «сецессион» в Австрии, «тиффани» в США.

Бельгия

Виктор Орта первым при строительстве применил «удар бича» в оформлении фасадов и использовал несущие конструкции асимметричной формы. Архитектор обратился к приемам крупного остекления в сочетании с большим количеством металла.

Его здания в стиле модерн — знаменитые особняки Тассель, Сольвей, Эйтвельд, дом-мастерская (Музей Орта) — вошли в перечень объектов всемирного наследия ЮНЕСКО.

Франция

Эктор Гимар, ведущий архитектор периода, воплощал проекты в стиле ар нуво при оформлении городских особняков, но больше всего его запомнили по дизайну павильонов парижского метрополитена.

Созданные им объекты свободно сочетают металлические каркасы со стеклянными элементами, глазурованной керамической плиткой, кирпичом и песчаником.

Австрия

Венский сецессион отличается более скромным декором и простыми, правильными геометрическими формами. В этом направлении выполнены доходный дом Майолика-хауз и здание почты в Вене (проекты Отто Вагнера). В стиле геометрического модерна работал Й. Хоффманн, использовавший вместо плавных очертаний прямые углы и прием шахматной сетки.

Яркий образец австрийской архитектуры — особняк банкира Стокле, возведенный в Брюсселе.

Испания

Каталонский зодчий Антонио Гауди создал знаменитые живописные, но не менее конструктивные постройки: Дом Батло, Дом Мила, Парк Гуэль. Его красивые дома в технике модерн — с волнообразными фасадами, керамической облицовкой, похожей на драконью чешую черепицей — привлекают туристов со всего света, как и незавершенный проект церкви Святого Семейства.

США

Дизайн в стиле американского модерна связан с именем Луиса Тиффани. Он изобрел технику соединения кусочков стекла с помощью медной фольги. Витражи, созданные по этой технологии, украшают здания по всей стране. Витражные окна — один из основных элементов современного модерна.

Русская архитектура стиля модерн

Новое течение в зодчестве охватило не только европейскую часть Российской империи, но и города Урала, Сибири. Региональные отличия проявились в этажности и выборе материалов: в столице строили многоэтажные здания из камня, в остальных местах — особняки с двумя-тремя этажами из дерева и каменным цоколем.

Стиль модерн в архитектуре России носил самобытный характер и проявился двумя главными направлениями: петербургским и московским.

Северный модерн (петербургский)

Развивался под влиянием работ скандинавских мастеров Ф. Линдваля, А. Шульмана, Э. Сааринена. Выполненная в стиле модерн дача Великого князя Б.В. Романова под Царским селом стала одной из первых построек.

К примерам нового архитектурного направления относятся магазин братьев Елисеевых, дом Ф.Г. Бажанова, гостиница «Астория», доходные дома в Гатчине, Выборге, Сортвале. Из русских зодчих в этом стиле творили Н. Васильев, Г. Барановский, П. Алешин.

Основные характеристики северного модерна:

• Фасадная отделка природными и искусственными материалами.
• Облицовка гранитными блоками (неотесанными или с гладкой фактурой).
• Отказ от мелкого орнамента в пользу простых лепных элементов.
• Сохранение симметрии, использование прямоугольных башен.
• Цветовая гамма фасадов ассоциируется с неприступными северными скалами и средневековыми замками.

Характерный образец модернистской архитектуры Санкт-Петербурга — проект П. Сюзора на Невском проспекте: дом компании «Зингер» (сегодня здесь располагается «Дом книги»).

В работе впервые использован металлический каркас, снизивший нагрузку на стены и позволивший смонтировать окна-витрины.

Новым приемом стала и крыша с остеклением над внутренними двориками, более грамотно технически была обустроена вентиляционная система. Главный фасад венчает прозрачный купол с фигурой орла — один из самых узнаваемых символов города.

Московский модерн

Здесь отметились преимущественно частные постройки (в этом разница с петербургским направлением). Идеологию обосновали и развили в Абрамцевском кружке — объединении художников и декораторов во главе с меценатом Саввой Мамонтовым.

Возведенные в Москве здания в стиле модерн имеют характерные черты:

• Асимметричные планировки и фасадные композиции.
• Разнофактурные облицовочные материалы.
• Эркеры в роли доминирующих архитектурных акцентов.
• Комбинация флористических и геометрических декоров в интерьере и экстерьере.

Классический пример дома в стиле московского модерна — особняк коллекционера С.П. Рябушинского по проекту Федора Шехтеля.

Фасады светло-желтого цвета украшены сиреневой мозаикой с ирисами. Оконные проемы сделаны разными по форме, их дополняют стальные решетки с растительным орнаментом. Шехтель разработал и интерьерную отделку дома.

В очертаниях лестниц, потолочной лепнине, напольной мозаике читается идея морской волны.

Современные дома в стиле модерн

Величественные и изящные московские и петербургские особняки конца 19 — начала 20 века служат прообразом для частных домов модерн сегодня.

Архитектурное направление универсально: подходит для резиденций и небольших по площади загородных коттеджей в Москве и Подмосковье. Строения возводят из кирпича, камня, бетона, дерева, популярное решение — каркасные стальные и стеклянные конструкции.

Признаки модерна как современного стиля:

• Асимметрия композиционно-объемных решений.
• Оформление фасада перилами, карнизами, наличниками причудливых форм.
• Оконные проемы нестандартной конфигурации: овальные, круглые, трапециевидные, узкие (бойницы), витрины с витражами.
• Башенки, шпили и флюгера на крыше.
• Природная цветовая гамма: лавандовые, терракотовые, бежевые оттенки.

Домашнее пространство организуется рационально. Часто проекты коттеджей в концепции модерн объединяют жилую часть, гараж, хозяйственные пристройки. Одинаковая наружная отделка выполняет связующую функцию.

Уместны эркеры, множество балкончиков, застекленные террасы, чердачные помещения. Экстерьеру свойственные ажурные металлические детали: перила, оконные решетки. Для отделки цоколя хорошо подходит дикий камень, его имитация или облицовочный кирпич.

Проекты современных домов в стиле модерн весьма демократичны в плане материалов. В ход идут металл, стекло, кирпич, керамика, железобетон. Из полиуретана изготавливают оригинальный фасадный декор, в том числе копии оформления известных исторических объектов.

Видео современного дома в стиле модерн от архитекторов ТопДом

Другие — современное, комфортабельное жилье для натур с художественным вкусом и тягой к необычному и еще — очень наглядно демонстрируют возможности компании.

Наш опыт проектирования и и особняков позволит воплотить ваш заказ грамотно, на современном уровне технологий и с ответственностью за результат.

Сложные и противоречивые процессы, определявшие художественное развитие во второй половине XIX — начале ХХ века, резко поляризовались: с одной стороны, произошло исторически закономерное соединение реалистического искусства с идеями и общественными устремлениями социализма, с другой — определились, углубились и стали принимать все более крайние формы тенденции распада художественного творчества в реакционном буржуазном искусстве. В искусстве 19 и 20 веков, при всей сложности, неоднородности, а подчас и спутанности художественных процессов, можно тем не менее проследить две главные линии исторического развития. Одна из них связана с прогрессивным восхождением от романтизма к реализму. Другая — с постепенным накоплением симптомов и элементов упадка, с возникновением и дальнейшей эволюцией модернизма. Если социалистический реализм наследует и развивает все прогрессивные достижения реалистического искусства прошлого, то модернизм словно «впитывает» в себя все негативные и реакционные моменты в предшествующем художественном развитии, приводя в конечном счете к полному распаду искусства. Художественные процессы современности как раз и определяются борьбой реализма и модернизма, которая в конечном счете отражает борьбу двух основных сил современного мира — социализма и империализма.

В конце XIX века в искусстве появляется новый стиль, приверженцы которого пытаются отойти от историзма и эклектизма современного искусства. Этот стиль получил название модерн (от франц. modernus — новейший, современный). Стиль модерн — одно из названий крупного стилевого направления в искусстве Европы и США. Модернизм отличает естественная и органическая связь с развитием искусства в каждой из стран, почему и применяется несколько возникших независимо друг от друга наименований. Ярче всего модерн проявляется в архитектуре, книжном оформлении, искусстве плаката, скульптуре и живописи.

Впервые новый стиль заявил о себе в Англии. В других западно-европейских странах модерн формировался в 1880-х годах. Во Франции он носил название «ар нуво», в Германии — «югендстиль», в Австрии — «сецессион», в Италии — «либерти», в Испании — «модернисмо», в Польше — «сецесия».

Модернизм возник как один из видов неоромантического протеста против распространившегося в культуре Европы поклонения рассудочности и практицизму. В стилевом отношении модернизм противопоставляет эклектике, господствовавшей в искусстве XIX века, внутреннее единство и органичность. Таким образом, модернизм рождался как стиль обобщающего, универсального типа. В центре интересов теоретиков и лидеров модернизма — развитие осмысленной и одухотворенной формы, которая выражала бы напряженность и утонченность творческого духа переломной эпохи. По мысли его идеологов, среди которых особенно велика роль замечательного архитектора Х. ван де Велде, модернизм должен был стать стилем жизни нового общества, создать вокруг человека целостную, эстетически совершенную предметную среду, которая позволила бы по-новому увидеть старые и создать новые формы, приемы, материалы. Одна из самых важных для модерна идей — преодоление пропасти между художественным и утилитарным.

Наиболее последовательно модернизм осуществил свои принципы в сфере создания индивидуальных жилищ, которые мыслились как единый ансамбль в архитектурном, декоративном и дизайнерском отношениях. Но в духе модерна строились и многочисленные деловые, промышленные здания, вокзалы, театры, многоквартирные дома. Становление модерна начинается на рубеже XIX-ХХ вв. В этот период возрождаются национально-романтические увлечения, интерес к искусству Средневековья, к фольклору. К числу важных вех в истории модерна относится возникновение художественных мастерских, прообразами которых были мастерские У. Морриса в Великобритании, организованные им еще в 80-е гг. XIX в.; немецкие мастерские художественных ремесел в Германии, венские мастерские в Австрии, мастерские в Абрамцеве в России и многие другие.

Зрелый этап модерна наступает в первом десятилетии ХХ века. Теперь этот стиль уже не сводится к сумме локальных школ, а приобретает черты интернационального. Быстрому его распространению способствовали многочисленные журналы, выходившие во всех европейских странах в 90-х годах XIX в. (к числу таких изданий относится и знаменитый «мир искусства»). Модерн культивирует новый тип художника-универсала, соединившего в одном лице архитектора, графика, живописца, дизайнера и очень часто теоретика. Большую популярность получает рожденная еще в эпоху позднего романтизма идея «совокупного произведения искусства», автором которой был один из властителей дум эпохи, немецкий композитор Р. Вагнер. Идея цельного произведения искусства ярче всего получило свое воплощение в архитектуре интерьеров, лучшие образцы которых отличает ритмическая согласованность линий и тонов, единство деталей декора и обстановки (мебель, обои, лепнина, панели и т.д.). Такой интерьер мыслился как однородное художественно единое пространство, усложненное и расширенное зеркалами, многочисленными окнами, живописными панно.

Архитектура модерна явилась первым шагом в развитии зодчества ХХ века. Она стремилась к единству конструктивного и художественного начал, осваивала свободную, функционально-осмысленную планировку, применяла каркасные конструкции, разнообразные новые материалы, в том числе железобетон, стекло, кованый металл, необработанный камень. Свободно размещая постройки архитекторы модерна отвергали симметрию и нормы регулярной застройки. Их целью было индивидуализированное произведение архитектуры, при этом здание и его конструктивные элементы получали декоративное и символически-образное осмысление.

Конкретные авторские стили архитектуры модерна различны. У многих мастеров преобладает стремление к необычным живописным эффектам, динамике, пластичности и текучим очертаниям, уподоблением архитектурных форм органическим природным явлениям. Таковы произведения А. Гауди в Испании, Х. ван де Велде в Бельгии, Ф. Шехтеля в России. Но, наряду с этим, существовала и рационалистическая тенденция. Ее сторонники тяготели к геометрической правильности больших, спокойных плоскостей, к строгости. Таковы работы Й. Хофмана в Австрии, Ч. Макинтоша в Шотландии, позднее произведения Ф. Шехтеля.

Основное выразительное средство стиля модерн — орнамент, который не только украшает произведение, но и формирует его композицию. В интерьерах бельгийских архитекторов изящные линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу, потолку, они объединяют архитектурные плоскости, организуют пространство. Текучие линии декора нередко имеют и символический смысл. У мастеров венского модерна — Й. Хофмана, Й. Ольбриха, в работах Ч. Макинтоша строго геометричный орнамент варьирует мотивы круга и квадрата. Несмотря на провозглашенный отказ от подражания историческим стилям, художники модерна использовали линейный строй японской гравюры, стилизованные растительные узоры древнего эгейского искусства или готика, элементы декоративных композиций барокко, рококо, ампира. Для модерна характерно взаимопроникновение станковых и декоративно-прикладных форм искусства. Так, принципы орнамента раньше всего сложились в графике модерна. Литография, ксилография, искусство книги достигли в этот период особенных высот в творчестве О. Бердсли, Ф. Валлоттона, А. Бенуа, А. Мухи, К. Мозера и множества других блестящих мастеров-графиков. В живописи и скульптуре модерн, неразрывно связанный с символизмом, стремился создать собственную художественную систему, однако был довольно зависим от крупных направлений предшествующего периода. Кроме того, живопись рассматривалась как элемент интерьера, поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна. В ней часто встречается парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных фонов и вылепленных со скульптурной четкостью фигур и лиц на первом плане. Образцовым в этом смысле является искусство Г. Климта. Стиль А. Мухи представляет собой пример идеального применения линейности в искусстве модерн. Как и многие художники-модернисты, А. Муха был одновременно дизайнером: он создавал эскизы для ювелирных украшений, витражей, мебели, театральных декораций, костюмов.

Выразительность живописи достигалась сочетанием больших цветовых плоскостей (группа «Наби» во Франции, Л. Бакст в России). Наблюдался значительный интерес к символике линии и цвета, к темам меланхолического созерцания, скорби, тайны, пряной эротики, к легендарно-сказочным сюжетам. С искусством модерна связаны имена таких известных художников, как П. Гоген, П. Боннар, М. Дени, Э. Вюйар, П. Серюзье во Франции, Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, Г. Климт в Австрии, Ф.фон Штук в Германии.

Художник-модернист говорит, что он не хочет ориентироваться на обывателя, мещанина, на буржуазную публику, на неразвитое эстетическое сознание. Но характер его разрыва с ним таков, что он уходит от человечности вообще. И поэтому модернистское искусство становится не только антинародным, но и противоестественным.

Уже в первой четверти ХХ века появляются модернистские течения, возвращающиеся к предметности. Но этот возврат либо приобретает натуралистический характер, поскольку связан с безыдейностью, с отказом от передовых общественных идеалов, либо оказывается мнимым, поскольку сохраняет отказ от изобразительности. Регресс искусства оказывается невозможно преодолеть на модернистской основе, не выходя за ее границы.

Ярким представителем модерна в книжной графике был Обри Бердсли.

Рекомендуем также

Стиль модерн. Коротко обо всем.: agritura — LiveJournal

Видео-предисловие к рассказу о киевском модерне:

Кому лень смотреть, можете почитать:

Совсем уже я собралась рассказать вам о киевском модерне, но без небольшого экскурса, путеводителя по стилю, обойтись сложно. Начала делать этот экскурс, как вводную часть, а набралось на отдельный рассказ. Сразу вынуждена извиниться – видео будет мало, зато покажу много картинок (в основном, взятых из открытых источников), видео модерна у меня пока есть только по Киеву, Харькову и Львову.

Итак, модерн.

Я в свое время была большой поклонницей стиля, у меня в ЖЖ была масса постов на эту тему, книжек накупила и все такое. Сейчас чуть успокоилась, наверное, пресытилась, и теперь у меня роман с конструктивизмом. Это, однако, не мешает модерну оставаться одним из самых ярких и эффектных архитектурных и художественных стилей из всех существующих.

Модерн возник в Западной Европе в конце 19 века. Его появление, похоже было неизбежным: мир изменился, бурный экономический прогресс алчно требовал свежей эстетики – да попросту приелись уже людям все эти эклектики и романтизмы. Предшествовала этому эпоха символизма и историзма – это было время идеалистических стилизаций («закосов», другими словами) нео-готика, нео-Византия, нео-барокко и т. п. и это довольно быстро приелось.

Началось все, как водится, с живописи и графики, где ростки нового стиля проклюнулись под влиянием символистов и прерафаэлитов. Здесь пионерами стали австриец Густав Климт, англичанин Обри Бердсли и чех Альфонс Муха, а там и архитектура подтянулась и всякие там дизайны.

На первых модернистов оказало сильное влияние искусство Японии (особенно изысканная графика Хокусая), Китая и Древнего Египта – последнее особенно сильно проявилось в декоративно-прикладном искусстве и дизайне украшений. Модное в то время увлечение древностью получило качественно новое переосмысление.

Большая волна в Канагаве. Хокусай

Сейчас мы воспринимаем модерн, как роскошную, но слегка потускневшую старину, а в начале ХХ века стиль был поистине революционным, новаторским, и нередко критикуемым.

В строительстве началось все, вроде бы, с Эйфелевой башни. Стальная конструкция возводилась специально для Всемирной выставки в 1889 году, как временная — просто украшение, привлекающее внимание; ее планировалось снести через 20 лет, но башня произвела такой фурор, и вызвала такой колоссальный (и прибыльный) приток туристов, что ее решили оставить, и она стоит на своем месте до сих пор. За 130 лет она так прочно закрепилась в общественном сознании, как извечный символ Парижа, стала настолько узнаваемым туристическим объектом, что о стиле этой постройки уже никто не задумывается, а ведь это именно модерн, вернее, самое ее начало.

Стоить отметить, что все-таки самым первым архитектором, работавшим в этом стиле, был каталонский архитектор Антонио Гауди. В 1886 году он построил в Барселоне для промышленника Эусеби Гуэля дворец, в котором безошибочно узнаются элементы стиля, ставшего весьма популярным в Европе только через несколько лет. Случилось это за год до постройки башни Эйфеля.

В 1892 году в Мюнхене группа из 96 молодых художников демонстративно покинули Мюнхенскую ассоциацию художников и основали Мюнхенскую Ассоциацию изобразительных искусств. Свою акцию они назвали «разрыв» или «сецессион», поэтому группа вошла в историю, как «Мюнхенский сецессион». Художники отказались от старых догм и салонного академизма, избрав иной путь – поиски новых форм в искусстве. Не все члены союза сразу стали творить в стиле модерн, многие не ушли дальше символизма, но среди мюнхенцев со временем все-таки появилась целая плеяда художников модерна.

Первым Президентом сецессиона стал художник Бруно Пигльхайн. Интересно, что он же был председателем “Немецкого Общества панорамистов”. Этот художник в свое время создал масштабную передвижную панораму «Голгофа», которая экспонировалась в разных городах Германии, а затем сгорела. Популярность у панорамы была феноменальной, ее копии создавались по всей Европе.

В Киеве подобная экспозиция появилась в 1902 году. Для нее построили павильон-ротонду возле костела (в стиле модерн, естественно) и выставляли панораму аж до конца 1930-х годов. Попутно ее возили «на гастроли» по другим городам, а в это время в павильоне выставляли что-то другое. Она сгинула где-то уже во время немецкой оккупации.
Но мы отвлеклись от модерна.

Панорама «Голгофа» в Киеве

Мюнхенцы придумали слово сецессион, но не стали единственными, кто его использовал. Этим словом стали называть стиль модерн в немецко-говорящей среде: позднее появился берлинский сецессион, а самым известным сецессионом стал Венский. Венское направление зародилось лет на 5 позже мюнхенского, в 1897 году, и это уже был бесспорный модерн. Возглавили его художники Густав Климт, Альбрехт Роллер, Коло Мозер. И если театр начинается с вешалки, то Венский сецессион начался с подходящего здания, которое специально для него построил архитектор Йозеф Мария Ольбрих. Сразу бросается в глаза, что венским творцам ближе был герметичный стиль, дробность поверхностей и контрастная орнаментальность.

Венский сецессион (простите, у кого фотку стащила)

В конце 1890-х поддержал традицию и прославленный архитектор Отто Вагнер, именно он стал символом Венского архитектурного модерна. В отличие от большинства архитекторов направления, он освоил новый стиль, уже будучи маститым зодчим с большим опытом. Он создал несколько весьма своеобразных домов, вилл, дворцов, несколько зданий вокзалов и даже церковь, сейчас это важные туристические достопримечательности австрийской столицы.

Надо сказать, являясь законодательницей мод в живописном модерне, Вена пришла к модерну в архитектуре чуть позднее, чем Брюссель, именно Брюссель считается первой столицей модерна архитектурного. Здесь балом правил Виктор Орта. Его модернистский путь начался с постройки дома профессора Эмиля Тасселя в Брюсселе. И если Эйфелеву башню условно относят к стилю модерн, так как постройка специфическая, сложно на ней основные тенденции отследить, то дом Тасселя однозначно считают первым европейским зданием, построенным в безупречной стилистике арт нуво (так стали называть модерн во франко-говорящих странах). Постройки Орта – несомненно модерновые: здесь у нас и искривленные линии, и необычная компоновка объемов, и сложное членение остекления. Виктор Орта –признанный во всем мире мастер эпохи модерн – 4 его дома включены в список всемирного наследия Юнеско. Еще один талантливый бельгийский архитектор – Поль Анкар.

Дом Тасселя

И понеслась! Примерно на 15 лет мир буквально сошел с ума, теперь всё подчинялось новой моде — вычурной и прекрасной. Стиль не ограничивался живописью и архитектурой. Модерн – наверное самый прикладной из всех декоративных стилей. Мебель, декор комнат, вазы, посуда, люстры, скульптурный декор, украшения, одежда – все – от шляпной булавки до железнодорожной станции, все что создавалось в первые 15 лет ХХ века, было выдержано в единой новомодной стилистике.
В Париже самым ярким архитектором модерна стал Эктор Гимар. Он в 1895 построил отель Кастель Беранже, его надо бы запомнить, нам это понадобится, когда мы будем изучать Киевский модерн, потом расскажу, как они связаны. Кроме того, Гимар – создатель всемирно известных входных павильонов парижского метро.

Все разговоры о стилях и направлениях модерна – в основном, от лукавого, деление весьма условное, но некоторые направления все-таки можно выделить. Мы уже говорили, что венский модерн «отрывается» на разноцветии и скульптурном декоре, здесь меньше асимметрии и больше геометрии. Кстати, это направление во многом повлияло, например, на архитектуру Львова начала ХХ века.

Парижский и брюссельский модерн – более изысканный, капризный, богато декорированный. Здесь много извитых и переплетающихся линий, много деталей. К закату эпохи архитектура становится лаконичнее, сдержаннее, не теряя при этом своей выразительности.

Что же такое модерн и как он выглядит? Как распознать модерн?

Отличительными чертами архитектурного модерна стала асимметрия, отказ от прямых углов в пользу плавно изогнутых природных линий (как на волосах девушек на акварелях Альфонса Мухи), подчинение фасадов внутренней планировке построек (т.е. удобство внутреннего устройства дома стало первичным) и немыслимое обилие декора, растительного, в основном, но не только – геометрический, меандровый, и даже, как мы увидим, зоологический.

Особая изогнутость линий весьма узнаваема – это так называемый «удар бича» или «ветвь алого цикламена», созданная в конце 19 века швейцарем Германом Обристом. Потом Муха повторял это в прядях волос, лентах и складках одежды, такие изгибы использовались в лепном декоре зданий и кованных металлических элементах.

«Алый цикламен»

Если дом ассиметричный, со сложной компоновкой объемов – это, возможно, модерн. Если вы видите на фасаде несколько видов окон – это с большой долей вероятности модерн, если при этом в остеклении применено затейливое множественное членение – скорее всего модерн. Если вы видите много плавных изогнутых линий, дом декорирован растительными орнаментами, майоликовыми панно либо фризами или масками-маскаронами (очень типичные, идеализированные, обычно девушки, похожие одна на другую) – с большой долей вероятности это модерн.

В архитектуре широко использовался скульптурный декор и барельефы – в моду входил декор из бетона. Сейчас через сто лет реставраторы иногда за голову берутся – материал этот не вечный, довольно хрупкий, особенно, если не особо технология соблюдалась. Скульптурные украшения из бетона желательно регулярно подновлять.

Новую жизнь получило витражное искусство – оно опять вошло в моду. В интерьерах широко использовалось пластичное дерево, ковка, стекло.

А вообще, это трудно описать, надо много смотреть образцов, чтобы глаз привык, и со временем вы будете безошибочно узнавать стиль.

Итак, эпицентрами архитектурного модерного бума стали три столицы: Брюссель, Вена и Париж. Гауди со своими ни на что не похожими постройками в Барселоне – это тоже модерн, но он стоит особняком – уж больно своеобразен. Даже в Португалии был свой модерн – неомануэлино.

Стиль перемахнул через океан, там, в Америке через пару десятков лет он преобразовался в «органический стиль», и даже так называемый «калифорнийский стиль бунгало» — это тоже своего рода порождение модерна. Позднее в Штатах началась настоящая истерия арт-деко – то, во что модерн трансформировался во второй половине 20 годов ХХ века.
Прекрасен Пражский модерн – город претерпел серьезную реконструкцию в начале ХХ века, старые хибары сносили целыми районами, на их месте возвели целые роскошные кварталы домов для банкиров и аристократов. Будете в Праге, пройдитесь по улице Парижской – вот где пиршество для глаз любителей модерна!

Достоин внимания и Рижский модерн – вот уж где строители не знали удержу в декорировании.

В Скандинавии и на просторах Российской империи (особенно в Питере) распространился так называемый северный или национальный модерн – это постройки в стиле суровых старинных замков.

Не поверите, но и в Киеве есть такие здания. Например, детище архитектора Брадтмана – больница Лютеранской общины (нынешняя больница водников) на Винниченко, 9 – это вот и есть северный модерн, суровый и аскетичный. Брадтман построил ее в 1913 году, по проекту, созданному совместно с инженерами из Мюнхена. Вообще до Революции в Киеве жило довольно много немцев – профессоров университета, инженеров, аптекарей, да и сам Брадтман был немцем. Немцы жили на улице Лютеранской, как тогда говорили, на Немецкой горе, где до сих пор действует лютеранская кирха.

Еще один «северный» дом, чертами напоминающий замок, стоит на Рейтарской 20/24. Это доходный дом Шлензхевич, построенный архитектором Вербицким в 1912 году.

Но, мы на этом разбор киевских построек модерна пока закончим, этому будут посвящены мои последующие сюжеты. Вернемся к модерну международному.

Признаться, чем дальше от эпицентра, тем меньше вывертов и коленец мы наблюдаем в стиле, тем проще и бледнее его образцы (за редким исключением). На территории Российской империи большинство самых известных и крупных построек было возведено в двух столицах, но не обошла мода на модерн и города, переживающие в тот период строительный бум – Киев и Харьков, например, так что нам тоже есть о чем рассказать и что показать.

Его эпоха закончился внезапно, буквально катастрофически – причиной этого стала Первая мировая война, разразившаяся в 1914 году. Дома в стиле модерн еще достраивали на периферии Европы буквально пару лет, а потом все прекратилось. Потом, после всех периода потрясений и тотального обнищания, когда Европа постепенно придет в себя, появится новая буржуазная роскошь, но это уже будет не модерн.

Теперь можно чуть передохнуть и перейти уже к нашему родному киевскому модерну.

Модерн

Модерн (не путать с модернизмом).

      Обычно в мебельном магазине нас спрашивают: «Вам Классику или Модерн?» И делают при этом две ошибки. Понятно, конечно, что подразумевается – мебель в старинном стиле мы хотим посмотреть или современную? А должны были спросить: «Вам Классицизм или Модернизм?» Путаница происходит потому, что Модерн и модернизм – слова одного корня. Только означают эти слова разные понятия.

        Термин «Модерн», стиль Модерн (франц. Moderne, от лат. modernus – новый, современный) следует отличать от общего смысла слова «современный» и от понятия «современное искусство» – модернизма. Модерн – стиль архитектуры, включающий художественные течения и школы, охвативший различные направления художественной мысли в сценографии, искусстве рекламного плаката, монументально-декоративной живописи, декоративно-прикладном искусстве и, в меньшей степени, в живописи и скульптуре на рубеже ХIХ — ХХ вв.

   Тогда как модернизм – это общее название ряда художественных направлений в мировом искусстве (и в большей степени
в живописи и скульптуре) практически того же временного периода. В частности, модернизм – это тот стиль Минимализм, стиль
простых и современных форм, из-за которого и происходит путаница в мебельном магазине. (Подробнее о модернизме – см. «Модернизм, или эстетические корни Ар-деко».)

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Модерн – это максимальный синтез всех частей интерьера: мебели, посуды, светильников, текстиля. «Инте-рьерный салон № 1».

Коллекция мебели, производит Medea (Италия). Коллекция мебели этой итальянской фабрики так и называется – «Либерти». «Интерьерный салон № 1».

      Период Модерна относительно короток: от конца 1880-х гг. до 1914 г., когда Первая мировая война оборвала развитие стиля в большинстве стран Европы. Это крупное интернациональное идейно-художественное движение известно под названиями: «стиль Модерн» в России, «Ар-нуво» («Арт-Нуво») в Бельгии и Франции, «Сецессион» в Австро-Венгрии, «Югендштиль» в Германии, «стиль Либерти» в Италии, «Модерн стайл» в Великобритании, «стиль Тиффани» в США и т. д.

Уходящий ХIХ в. оставил новой эпохе в наследство полную неразбериху в эстетике – в моде были буквально все стили и направления, которые отвечали тяге буржуазии к аристократической респектабельности. В конце века засилье этих используемых «новых стилей» превратило квартиры зажиточных горожан в некое подобие «свалки стилей», рассчитанной на внешний эффект. Подражая Гансу Макарту, австрийскому художнику и законодателю мод, интерьеры обставлялись в «романтическом» стиле: с помостами, тронными креслами, искусственными цветами («букеты Макарта»), плюшевыми занавесками, музыкальными инструментами, старинным оружием и резной мебелью в Нео-стилях.

        Вполне естественно, что передовые художники уже в конце 1890-х гг. начинают движение против фальшивой буржуазной культуры жилища, против засилья низкохудожественной промышленной продукции того времени. Решить эти задачи можно было, только освободившись от груза прежних эстетических традиций.

         Архитектура. В архитектуре стиль Модерн расцвел бурно и пышно. Представители этого движения, стремясь создать собственный стиль, отказались от традиционных псевдоклассических форм, регулярной планировки и классицистического лепного декора. При постройке модерновых зданий с причудливой асимметричной композицией использовались новейшие техникоконструктивные средства и своеобразная свободная планировка. Все элементы декора подчинялись единому орнаментальному ритму и общему образно-символическому замыслу.

       Романтическая идея «цельного произведения искусства», где все виды искусства объединяются в единый ансамбль, и мечта романтиков об «очаге красоты», своеобразном эстетическом оазисе, нашли наиболее последовательное воплощение в постройках архитекторов стиля Модерн – Х. Ван де Велле и В. Орта в Бельгии, Й. Ольбриха, О. Вагнера и Й. Хофмана в Австрии, А. Гауди в Испании, Ч. Р. Макинтоша в Шотландии, Ф. О. Шехтеля и Ф. И. Лидваля в России.

        Наиболее выразительны интерьеры особняков этого стиля с их перетекающим пространством, изогнутыми, круглящимися очертаниями карнизов, дверных и оконных проемов, декоративных деталей, с живописной гармонией блеклых тонов, широким использованием дерева, металла, цветного стекла, художественной росписи, керамических панно и резьбы.

Однако нигде стиль Модерн не стал государственным стилем, для официальных зданий он был слишком вольным и романтичным. Здесь предпочиталась солидная архитектура в классицистическом духе. Вместе с тем Модерн не смог широко распространиться и в массовом зодчестве, потому что его архитектурные фантазии требовали солидных финансовых затрат.

    В начале XX в. появился метод вытяжного проката стекол. Это позволило изготавливать стеклянные полотна больших размеров
и заполнять ими практически любые проемы, не прибегая к помощи свинцовых и деревянных импостов. Тогда-то и возникли первые окна-витрины, боковые витражи, «верхний свет», световые фонари и сплошное остекление фасадов. В жилых домах получили распространение эркеры – иногда в несколько этажей, что давало помещениям больше света.

        Сторонники Модерна призывали к пересмотру и полному отказу от всех художественных традиций. В архитектуре Модерна декларировался принцип: главное – чтобы в доме было удобно жить. Такой подход приводил к революционным для того времени
асимметричным композициям, планы зданий формировались свободно, исходя из удобства. Вследствие этого свободными и живописными стали объемно-пространственные композиции зданий.

      Широкое использование металлических и железобетонных конструкций и структур способствовало созданию больших пролетов и пространств, особенно необходимых для торговых, банковских, транспортных, промышленных и других общественных зданий. Все эти нововведения резко изменили внешний вид архитектуры, придавая ей индивидуальный облик.

    Чаще всего через журналы, снабженные фотоснимками и цветными литографиями (вид плоской гравюры), Модерн распространяется по всему миру, приобретая свойственный стране колорит и порой изменяясь до неузнаваемости. В качестве декоративного стиля, выросшего из ранних и необычных стилей – японского, кельтского, мавританского, готического, Барокко, Рококо и многих других – Модерн был встречен с энтузиазмом, хотя зачастую он воспринимался как нечто чужое, привозное. В Германии его назвали «бельгийским ленточным червем»
и фактически отвергли.

      В России, наоборот, поворот к рационализму поддерживался архитектурной критикой, которая была единодушна в осуждении господствующей в то время архитектуры. Новая художественная выразительность Модерна отвечала также интересам новой буржуазии. Она стремилась использовать архитектуру как средство в конкурентной борьбе домовладельцев, торговых и промышленных фирм.

        В России новое течение оказалось связано с поисками особого пути национальной культуры. На эстетическую программу русского Модерна повлияли мысли Ф. М. Достоевского о красоте, которая должна спасти мир, о всемирном, всечеловеческом назначении «русской идеи». Многие живописцы, объединенные новым художественным движением, расширили свое творчество до архитектуры и сценографии. Движение это имело национально-романтическую окраску и исходило от кружка художников, сложившегося вокруг мецената С. И. Мамонтова и связанного с его подмосковным имением Абрамцево.

Художники «абрамцевского круга», не скованные профессиональными стереотипами, — и прежде всего В. Д. Поленов и В. М. Васнецов – предложили новые эстетические ценности и критерии «русского стиля», основанные на народном фольклоре и изобразительных приемах древних иконописцев.

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Новый стиль явно тяготел к декоративности, ведь его создателями были живописцы и графики, а они, давая волю фантазии, мало считались с функциональностью и технологичностью. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Новый стиль обещал явное омоложение мебельного искусства – он решительно отказался от старых стилевых форм. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Неясный колорит блеклых тонов и мягкий свет хрустальных плафонов усилен сиянием золота стульев. «Интерьерный салон № 1».

Виктор Васнецов стал одним из первооткрывателей «неорусского стиля». Яркостью образов и праздничной театральностью отмечены многие постройки, выполненные по эскизам художника. И самая известная
из них – фасад-эмблема, объединивший разрозненные старые здания Третьяковской галереи. Интересно, что фасадная стена с белокаменным гербом г. Москвы никак
не связана с внутренней структурой здания. Она подобна театральному занавесу, где рисунок основывается на весьма общих, образных представлениях художника о древнерусской архитектуре.

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Ирисы и тюльпаны – излюбленный цветок стиля Модерн. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Художник В. М. Васнецов. Фасад и детали здания Третьяковской картинной галереи, Москва. Фото Ю. Волох. Здание заметно пострадало от бомбежки в период Великой Отечественной войны (1941–1945). Реконструкция здания была основана на идее максимального сохранения исторического облика сооружения.

В профессиональной архитектуре начала века «неорусскому» стилю близки национально-романтические поиски Ф. О. Шехтеля. Самым значительным произведением Шехтеля (при участии строителя железной дороги С. И. Мамонтова) в русле национального романтизма стала перестройка здания Ярославского вокзала. Здесь Шехтель, создавая образ русского Севера, усиливает наиболее характерные признаки средневековой архитектуры. Вокзал украшают одиннадцать керамических панно, которые своим цветом и сюжетами придают разнообразие мощным, суровым стенам: темы живописи навеяны природой северного края.

Архитектор Ф. О. Шехтель. Решетка особняка Дерожинской в Штатном переулке (ныне Кропоткинский пер., 13), 1901. Фото Ю. Волох.

        Экономический подъем в России перед Первой мировой войной привел к появлению добротных доходных домов, многие из которых по качеству архитектуры не уступали частным особнякам. В доходных домах, в отличие от особняков, редко делали окна сложной криволинейной формы, но размеры, пропорции окон и виды остекления также разнообразны. Все архитектурные элементы использовались для придания образу здания индивидуальности, большое внимание уделялось декорированию балконов, их решеток и консолей, орнаментальной облицовке, керамической мозаике, скульптурному убранству. Впрочем, теперь, спустя годы, все это уже не кажется нам чрезмерным.

Архитектор Ф. О. Шехтель. Здание Ярославского вокзала, 1902–1904. Фото Ю. Волох.

    При этом полностью отвергались традиционные, ставшие в этот период обычными, декоративные формы и их элементы. Вместоних в архитектуре и в прикладном искусстве утверждалась специфическая стилизация цветов (лилии, ирисы, орхидеи), причудливо изгибающихся и переплетающихся стеблей болотных растений и элементов флоры, олицетворяющей «силы зла». Стала распространенной произвольная деформация привычных очертаний, определенная манерность и вычурность деталей.

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Очень легкий по виду столик, а кресло-качалка – просто олицетворение невесомости. Этому во многом способствует белый цвет. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). По этому причудливому переплетению цветов, стеблей и листьев мы сегодня узнаем Модерн. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Обратите внимание, это кресло не похоже ни на один стиль Франции, ни на один стиль Англии – это что-то совершенно необычное. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). В условиях растущего темпа деловой жизни начала ХХ в. растет и стремление к разумному комфорту. Для квартир в доходных домах требовалась легкая, мобильная обстановка. «Интерьерный салон № 1».

      На протяжении своего короткого существования (около полутора десятков лет) русский Модерн несколько изменился. И если начинался он с полного отказа от каких бы то ни было традиций, то позднее использовал формальные элементы исторической архитектуры, конечно сильно их изменяя и сочетая с новаторскими приемами, – это так называемый Модерн-классицизм, наиболее сильно проявившийся в архитектуре Петербурга.

Архитектор Л. Н. Кекушев. Собственный дом архитектора на ул. Остоженка, 21, 1900–1901. Фото Ю. Волох.

   Антонио Гауди (1852–1926). Интересно, что самые программные, идеологические по замыслу и назначению постройки стиля Модерн возникли еще в ХIХ в. С 1891 г. Антонио Гауди начинает возводить в Барселоне фасад церкви Саграда Фамилиа (исп. Sagrada Familia – «Святое Семейство»). Ее башни, воссоздающие тектонику органической и неорганической природы и сложенные словно бы из оплавленного камня, и сегодня высятся как памятники космической драмы.

       Гауди называли «гением Модерна», он был родом из Каталонии и работал в Барселоне. Ему удалось создать столь невероятный, фантасмагорический стиль, что для него пришлось придумать специальное название: каталонский Модерн. Человек своей эпохи, Гауди вдохновлялся традициями родной ему каталонской Готики. Он закончил Высшую техническую школу архитектуры, но работал без инженеров-проектировщиков, интуитивно, как средневековый мастер, импровизируя на строительной площадке. Помимо подготовительных рисунков и скульптурных макетов в 1:10 натуральной величины, то, что он хотел сделать, Гауди рисовал прямо на доске, во время строительства, и его помощникам приходилось прикладывать немало усилий, чтобы претворить эти фантазии в материале.

      Несмотря на всю свою фантастичную скульптурность, его постройки – не декорации и не аттракцион. Это настоящая, глубоко продуманная архитектура с удивительной тектонической точностью при бесконечном богатстве формы. Функция у Гауди не преклоняется перед формой. Гауди – абсолютный функционалист: все здания логично и удобно спроектированы, ничто ни с чем не спорит – спальни связаны с ванными, а кухни со столовыми.

           Произведения Гауди лишь отчасти можно назвать архитектурой – они не строились, а вырастали, как природные органические образования. Конструкция неуловимо преображалась в скульптурное изображение, которое тут же могло превратиться в мозаику на объемной поверхности, стать живописью, инкрустацией, а потом снова перерасти в некое подобие органо-конструктивной формы. Но уникальные «аморфные» постройки непоколебимы, стекла, несмотря на всю их кривизну, не лопаются, дерево не разрушается. Для этого Гауди глубоко изучил и использовал математику строения форм. Например, архитектора интересовало, как в природе держится, колышется и не падает лист дерева, он изучал его сетку, которая пружинит и компенсирует любое движение.

           Органическая архитектура Гауди населена причудливыми существами, фигурами людей и животных, усеяна цветами и деревьями из камня, со стенами из разноцветного бетона, извивающимися, как змеи, и крышами с гребнями, похожими на грозного каталонского дракона. В некоторых зданиях Гауди нет ни одного прямого угла, что необычно для архитектуры, но свойственно искусству Модерна. Важная роль в этих фантастических произведениях отводилась цвету и фактуре: тут и облицовка битым керамическим черепком, и мозаика из разноцветного стекла. В Доме Бальо (1905–1907) А. Гауди придумал навершия из стеклянных шаров, заполненных окрашенным песком, и разноцветные стеклянные колокольчики, звенящие на ветру.

   Искренний религиозный порыв чувствуется в главном произведении его жизни – соборе Саграда Фамилиа. Этой постройке Гауди отдал сорок три года, но так и не успел ее завершить из-за трагической случайности, оборвавшей его жизнь. Во множестве необычных, часто
натуралистичных элементах собора прорывается неудержимый религиозный символизм. И такого фантастического взлета форм, дви-
жения масс, льющихся потоков света не знала старая каталонская Готика. Собор Саграда Фамилиа не окончен, и его строительная площадка стала «музеем Гауди», местом паломничества архитекторов разных стран мира.

       В ХХ в. стиль Модерн развивается главным образом в архитектуре городских особняков и дорогих многоквартирных домов, загородных вилл и дач. Здесь, повинуясь прихоти состоятельного заказчика, организм здания формируется, растет изнутри, приживляя одно к другому помещения разных размеров и очертаний, размещая их на разных уровнях, наращивая пластическую оболочку. Формы и декор окон, дверей, лестниц становятся разнообразными чуть ли не до бесконечности. Декоративное убранство фасадов, а особенно интерьеров, достигает невероятной изощренности; огромное значение придается в нем пластике ритмов, фактуре и цвету узорной поливной керамической облицовки, кованого гнутого железа, витража.

        Особенность стиля была навеяна изобразительным искусством декадентов. Модерн воспринял поэтику символизма и характерные для него образы, сочетая их со стилизованным ритмом гибких и текучих линий и цветовых пятен. Эти пятна не выделяют объемы, а, наоборот, сливают их с плоскостью и создают особый нематериальный мир, где нет глубины пространства и все предметы лишены массы.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). На стене – огромное фотоизображение постройки А. Гауди «Дом Бальо», рядом – шкаф (производит Carpanelli, Италия), который удивительным образом повторяет оконные проемы дома.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). На фоне стенного покрытия с изображением фасада церкви Саграда Фамилиа должна стоять очень необычная мебель, например, шкаф производства Carpanelli (Италия).

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Головокружительная лестница церкви Саграда Фамилиа и головокружительный шкаф от Carpanelli (Италия) – головокружительный
интерьер.

       Интерьер. Своеобразные особенности Модерна ярко проявились и в прикладном искусстве, в частности в мебели, осветительных приборах. Ведь Модерн декларировал проектирование жизненной среды человека в одном стиле до последних мелочей. Дом
изнутри и снаружи оформлялся как цельный художественный объект, пригодный для нормальной жизни. И прихотливость форм не должна была противоречить комфорту и практичности вещей.

        Как когда-то в искусстве Рококо, Модерн стремится к максимальному синтезу всех частей интерьера. Мебель буквально выходит из стен, а отдельные предметы воспринимаются как акценты в единой композиции помещения. Ниши и полки не только на стенах, но и на каминах, шкафах, буфетах, диванах. И всюду можно поставить лампы, или вазы, или декоративные безделицы, производство которых переживает настоящий взлет.

         Портьеры, обивка мебели, обои эпохи Модерна почти всегда с прихотливым растительным орнаментом, крупными цветками или японскими мотивами. Изысканными считаются палевые, серебристые, лиловые, серовато-зеленые цвета, неяркие, словно подернутые флером символизма и тайны.

      В дорогой мебели применялись ручная резьба, инкрустация, хрустальные панно. Но Модерн мог использовать как экзотические, так и самые простые декоративные материалы и породы дерева. Новый стиль не стремится к аристократичности. Рациональное фабричное производство серийной мебели требовало упрощенных форм и рентабельного декора, зато развивалось быстро, так что позволить модную обстановку могли люди и среднего достатка.

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Эта полка – очень стильная вещь, ни с чем этот стиль не спутаешь. Интерьерный салон № 1.

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Везде: на занавесках, на плитке, на стекле душевой кабины – изысканные цветы. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Ирисы дробятся и множатся в зеркале, текут по стене прихотливым потоком. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Этой на первый взгляд грубоватой мебели керамические вставки придают особую неотразимость. Бронзовые ручки мебели в виде бабочек – тоже элемент Модерна. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Типичная мебельная ткань эпохи Модерн. Стебли растений изогнулись и переплелись, цветы стилизовались до неузнаваемости, цвет обивки самый модный – блекло-линялый. «Интерьерный салон № 1».

      Мебель эпохи Модерна требует декора в соответствующем стиле: ирисов, тюльпанов и чертополохов на обивках и вставках. И хотя форма кресла могла напоминать о Луи XV или Наполеоне III, тем не менее даже завиток на его спинке Модерн трактует по-своему. Для Модерна характерны изгибы растительных форм в беспрестанном и прихотливом движении. Ножки кресел обычно изогнуты, но в поздних образцах мебели могут быть и прямые.

Кресло в стиле Модерн, Россия, начало ХХ в. Ольха, береза, массив, тонировка под красное дерево, резьба, шелк. Музей Мебели (Москва).

        Сегодня, когда речь заходит о Модерне, перед глазами непременно возникают витражи с переплетающимися листьями и стилизованными цветами. Ведь витражи – это самый излюбленный элемент этого стиля. Так что интерьер в стиле Модерн получается очень даже затратным, но Модерн, конечно, стоит этого.

Витраж «Модерн» (техника «тиффани»). Художник Св. Михайлова. Каждый большой лист стекла художник рассматривает на просвет, чтобы отыскать фрагмент с нужным рисунком, который войдет потом в витраж. «Студия Светланы Михайловой».

Витраж «Модерн» (техника «тиффани»).
Художник Св. Михайлова. В витраже
использованы оптические свойства про-
зрачного стекла – преломление из-за
сложного, неровного рельефа. «Студия
Светланы Михайловой».

Витражная вставка в дверь «Нарциссы» (техника «тиффани»). Пропорции двери позволяют применить излюбленную пропорцию Модерна – узкий и длинный прямоугольник. «Студия Светланы Михайловой».

     Эмиль Галле (1846–1904). На эпоху Модерна приходится расцвет творчества Эмиля Галле. Имя Эмиля Галле в нашей
стране, к сожалению, больше известно узкому кругу знатоков и коллекционеров, но на антикварных аукционах, в кругу ценителей, в Эрмитаже имя Галле звучит с оттенком почитания.

Люстра с изображением вишневого дерева. Репродукция Эмиля Галле, производит Art-Galle (Румыния). Четырехслойное стекло: выдувание в форму, травление, гравировка, химическое матирование фоновой и внутренней поверхности. Оправа – бронза: литье, чеканка, резьба. Эмиль Галле основал свое производство в Румынии, несколько фабрик сохранилось и до наших дней. ООО «Троянец».

Эпоха Модерна вообще отличалась особым вниманием к художественному стеклу, этому замечательному пластическому материалу. Многие художники экспериментировали в этой области и добились удивительных результатов. Но, пожалуй, никто, кроме Галле, не достиг таких вершин. Его стекло говорило и пело шелестом листьев и трепетанием стрекоз, объемностью и выразительностью образов и настроений. Обилие приемов просто не поддается перечислению: техника опалового стекла с изумительным сапфировым оттенком, камейная резьба по многослойному стеклу различных цветов и фактур, кислотное травление и гравирование, впекание пластин, фольги и порошка из золота, эмалирование, в том числе и перегородчатое. И еще масса «живописных» технологических эффектов в виде пузырьков и трещинок придавали неповторимость каждой его работе.

     «Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Комод коллекции Liberty (производит Medea, Италия), портрет певицы Иветты Гильбер, которую запечатлел в своих работах А. де Тулуз-Лотрек, нежный пастельный колорит интерьер в стиле Модерн.

           Эффект легкости и хрупкой утонченности, свойственный изделиям из стекла, как нельзя лучше отвечал стремлению мастеров Ар-нуво к открытости интерьера, к его наполненности светом. С цветным художественным стеклом интерьеры приобрели насыщенное эмоциональное звучание.

        Тиражная графика. Мир Модерна сформировал новый тип художника – универсальной артистической личности, мечтателя и практика одновременно. Художник той поры был архитектор, дизайнер мебели, книжный график, создатель скульптуры, майоликовых панно, мастер архитектурного оформления интерьера и торговых витрин, теоретик, поэт, драматург, создатель шрифта, ювелирных украшений, театральных плакатов.

         Стиль Модерн прямо причастен к чрезвычайно широкому подъему тиражной графики. Литографированный рисованный плакат, выполненный первоклассными мастерами, вторгается на улицы, расцвечивая и иллюминируя городскую среду. Это были: во Франции – Ж. Шере, П. Боннар, Ф. Буиссе, Л. Капьелло, Т. А. Стейнлен, А. Тулуз-Лотрек, А. Муха, в Германии – Л. Бернхард, Б. Пауль, О. Фишер, Ф. Штук, в Англии – Д. Харди и Дж. Хассел, в США – У. Бредли, М. Пэррис и другие.

         Яркий представитель постимпрессионизма – Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901). В его полотнах и литографиях на темы быта парижской богемы (актеров, циркачей, завсегдатаев кафе) язвительная ирония подчеркнута острой композицией и выразительным рисунком. В 1892 г. афиши Тулуз-Лотрека с певцом кабаре Аристидом Брюаном произвели в Париже настоящий фурор. На площадях и бульварах города глаз моментально выхватывал его афишу, выполненную в броских, лишенных тональностей красках. Но если грубоватая лотрековская афиша с Брюаном вызывала одновременно восхищение и возмущение, то появление изящной афиши Альфонса Мухи с изображенной Сарой Бернар убедило парижан в том, что плакат может быть произведением искусства.

        Имя чеха и страстного чешского патриота Альфонса Мария Мухи (1860-1939), безусловно, ассоциируется со стилем Арнуво и Парижем той эпохи. И если архитектура стиля Модерн не получила в Париже всеобщего признания, то плакат Мухи завоевал сердца парижан буквально за одну ночь. Томная расслабленность женщин с его плакатов подчас напоминает болезненную смесь экстаза и смерти. Почти во всех женских образах Мухи присутствует более чем намек на «фатальность». Изысканные, прихотливые, в затейливом узоре из нежнейших цветов и своих волос, эти женщины «стиля Мухи» вошли во всемирную галерею женских образов.

Ванная комната. Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Здесь все дышит творчеством А. Мухи. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). А. Муха ввел в моду романтические женские фигуры с ниспадающими волосами и печальными лицами. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). У А. Мухи эта цветная литография называется Плющ» (1901). Салон интерьеров
«Арт-Рум».

        Стиль Модерн, и в частности Ар-нуво, произвел опыт слияния европейской и восточной художественных традиций. Изобртательность японских художников в использовании минимального количества красок для создания богатой цветовой палитры продемонстрировала западным художникам, что цветовую ограниченность литографии можно превратить из недостатка в преимущество. Японские мастера показали также, что текст и картина могут составлять единое целое.

Рельефная плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Контур рисунка наносится художником на плитку вручную – так кондитер украшает торт кремовыми розочками. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Рене Жюль Лалик (1860–1945). В конце ХIХ в. ювелирное искусство украшений с бриллиантами переживает упадок. В моду входит бижутерия. В этой моде искусство Японии соединилось с небывалым интересом европейских художников к достижениям мастеров западного Средневековья, умело применявших растительные мотивы в декоративном убранстве. Художник, ювелир, график Рене Лалик был наиболее талантливым представителем этой натуралистской моды. Образы природы – лирические пейзажи, мотивы виноградной лозы, хризантем, жасмина – художник использовал во всех своих работах. Беспокойные насекомые словно жужжат с поверхности его ювелирных украшений. Осы, стрекозы, кузнечики пересекаются в них с летящими ласточками и ночными летучими мышами. Змея, с ее ползущими, прямо-таки модерновыми, движениями и особым смыслом в мифологии, занимает в его работах особое место.

         Густав Климт (1862–1912). Живопись и скульптура не так сильно, как архитектура и прикладное искусство, были затронуты стилем Модерн. Вскоре союз с символизмом, который давал содержание стилю в конце ХIХ в., распадается. Лишь немногие мастера начала ХХ в., следуя собственной фантазии, создают свой мир причудливых образов стиля.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Диадема «Кузнечики» была приобретена у Р. Лалика в 1903 г. и сейчас находится в музее К. Гюльбекяна в Лиссабоне. Столик и лампа – коллекция Liberty (производит Medea, Италия). Такой интерьер мог быть в эпоху Модерна – нежные краски, текучие линии.

          Среди них – австрийский художник Густав Климт. В Климте венская сексуальность нашла своего величайшего поэта. Ни один художник его уровня не был столь открыто привержен воспеванию Эроса, и прежде всего женщины — музы, вампира, сексуальной приманки и символа упоения. Задолго до экспрессионизма и сюрреализма Климт решился на откровенную демонстрацию сексуальности в искусстве, сделав ее лейтмотивом своего творчества. Томная, экзальтированная атмосфера фрейдистской Вены, казалось, отчетливо стимулировала художника поставить женщину и эротику в центр произведения.

      Искусство Климта словно состоит из борьбы противоположных импульсов – чувственного, исключительно натуралистического изображения человеческого тела и едва ли не маниакальной жажды к заполнению холста сияющими загадочными орнаментами. Это борьба чувствуется даже в его портретах светских женщин и в великолепных, к сожалению, недооцененных пейзажах.

   В наиболее прославленных работах Климта, таких как «Поцелуй», чувство и декоративное богатство соединяются в непревзойденном сплаве. «Поцелуй» считается апогеем «золотого» периода художника. В нем сияющие геометрические орнаменты, кажется, готовы поглотить человеческие фигуры. Обнявшаяся пара, облаченная в мозаичные одежды, изображена на щедром абстрактном фоне из золота и серебра. Напряженность атмосферы усиливается за счет глубокого контраста между натуралистическими и декоративными деталями. Реалистически написанные лица, руки и ноги влюбленных окружены плоскостями с абстрактным рисунком. И этот рисунок соответствует фактуре ткани и цветам.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Диадема «Кузнечики» была приобретена у Р. Лалика в 1903 г. и сейчас находится в музее К. Гюльбекяна в Лиссабоне. Столик и лампа – коллекция Liberty (производит Medea, Италия). Такой интерьер мог быть в эпоху Модерна – нежные краски, текучие линии.

     Шедевр Климта можно рассматривать не только как картину, но и как произведение прикладного искусства. Подобный подход отвечал идеологии венского Сецессиона – отколовшейся от официального искусства группы художников, желавших создавать свои работы в более экспериментальном виде. Сецессион проповедовал универсальность искусства и стирание границ между его различными видами, родами и жанрами, а в конечном счете – между искусством «чистым» и «функциональным».

           Ранние скандальные работы художника делили его аудиторию на две неравные части: большую – яростных противников; и небольшую – единомышленников и поклонников. «Поцелуй», ставший эмблемой венского Сецессиона, получив безоговорочное признание, на время примирил и тех и других. Завораживающее золотое сияние, притушенный эротизм (на картине открыты лишь лица, руки и ноги героев) и очевидная целомудренность изображения вызвали восторг публики, в том числе консервативной и пуританской.

Г. Климт. «Поцелуй». 1907–1908. Керамическая картина из коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Салон интерьеров «Арт-Рум».

Г. Климт. «Поцелуй». 1907–1908. Деталь керамической картины из коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Салон интерьеров «Арт-Рум».

Сейчас женские образы Г. Климта и его золотой завиток можно увидеть везде – на керамических вазах и блюдах, на мебели и настенных гобеленах. И получается, что сто лет тому назад художник писал для нашего времени.

     Однако главная идея стиля Модерн о соединении художественного творчества и производства бытовых изделий заключала в себе внутреннюю неустойчивость. На практике резко разделяются дорогостоящие изделия и дешевые подделки, где штамповка и цветное стекло имитируют кованый металл и драгоценные камни. Одни становятся принадлежностью элитарного круга, другие – «массовой культурой», но машинное производство вызывает к жизни новый тип художественного творчества – дизайн, конструирование массовых изделий, наделенных стандартным уровнем качества. Эта рациональная эстетика в корне отрицает хрупкую декоративность стилистики Модерна. Постепенно эклектичный и элитарный стиль Ар-нуво стал вытесняться стилем Ардеко (Арт-деко), который не опускался до изготовления дешевых подделок и массового производства.

Керамическая плитка из коллекции Gaudi, производит Latina Ceramica (Испания). Если вдуматься, эстетика Антонио Гауди ближе стилю Ар-деко, чем стилю Модерн. Современные коллекции плитки это ярко доказывают. Компания «Керамика для вас».

Керамическая плитка из коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Сегодня, в век эклектики, рациональная эстетика «виндзорского» кресла только подчеркивает декоративность цветов Мо-
дерна. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Источник:  

Софиева Н. Дизайн интерьера: стили, тенденции, материалы/ — М.: Эксмо, 2012. — 665с.

Стиль модерн — презентация онлайн

1. Moderne

Презентацию
подготовила
ученица 11-го
класса
Никитской СОШ
Буканова А.О
Moderne
• Модерн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в искусстве. Представителей модерна
объединяло антиэклектическое движение — стремление противопоставить свое творчество эклектизму
предыдущего периода. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более
естественных, природных линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), элементам прикладного
искусства.
• Модерн — стиль в живописи и архитектуре и его отличительные черты
• Веб-дизайн / Тренды15001807-11-2012Модерн — стиль в живописи и архитектуре и его отличительные чертыСтиль
модерн, он же Ар Нуво, однозначно является моим самым любимым стилем. Более того, дизайн моего сайта по
всем признакам выполнен именно в стиле Ар Нуво, как оказалось. Это и синий цвет, и растительные орнаменты, и
насыщенность композиции, и обилие плавных линий. Модерн очень интересный стиль в плане прикладного
применения в живописи, архитектуре, декоре интерьеров. Именно благодаря этой своей практичной особенности
распространяться на смежные сферы искусства, модерн обрел сегодня второе рождение. По крайней мере, очень
удобно оформлять среду проживания в одном стиле, начиная с ограды у входа и заканчивая обложкой книги.
Модерн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в искусстве. Представителей модерна
объединяло антиэклектическое движение — стремление противопоставить свое творчество эклектизму
предыдущего периода. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более
естественных, природных линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), элементам прикладного
искусства. Модерн
В разных странах стиль модерн назывался по-разному: в США — тиффани (по имени Л. К. Тиффани), во Франции —
Ар Нуво (фр. art nouveau, новое искусство), в Германии — югендстиль (нем. Jugendstil, молодой стиль), в Австрии —
стиль Сецессион (Secessionsstil), в Англии — модерн стайл (modern style, современный стиль), в Италии — стиль
либерти, в Испании — модернизмо, в Нидерландах — Nieuwe Kunst, в Швейцарии — еловый стиль (style sapin).

4. Основные идеи «современного» направления

• Основной идеей модерна можно считать объединение всех видов искусств.
Инициаторы этого стиля считали, что только так можно спасти мир. Красота как
самоцель — вот что отличает приверженцев этого направления. Причем понятие
красоты здесь проявляется в сложных асимметричных переплетениях четких
контурных линий и практически монохромных плоскостей. Во всех элементах
композиции прослеживается единый орнаментальный стилизованный ритм,
свободная планировка.
• Противопоставление личности обществу, отрицание рационализма, неприятие
окружающей действительности и состояние безысходности стали основой для
формирования таких направлений модернизма, как авангардизм, фовизм,
экспрессионизм, футуризм, дадаизм, кубизм, сюрреализм, абстракционизм и т. д.
Все эти формы выходили за пределы традиционного понимания живописи.
Модернисты возвышали изобразительное искусство над реальностью,
провозглашая иррационализм. По сей день идеи модерна пользуются большим
успехом у художников, эпатирующих окружающих своей неповторимой
индивидуальностью и свободолюбием.

5. Творчество русских художников-модернистов

• Ярчайший представитель русского изобразительного
искусства этого периода — Виктор Михайлович
Васнецов (1848— 1926 гг.) — знаменит своими
монументально-эпическими полотнами, картинами
на темы русских сказок и былин.
• Свое художественное образование Васнецов получал
параллельно с обучением в духовной семинарии. С
1867 по 1868 г. он учился в Рисовальной школе
Общества поощрения художников. Академическое
образование получил в Петербургской академии
художеств. Его наставниками и учителями стали Э.
Андриоли, И. Н. Крамской, П. В. Басин, В. П.
Верещагин и П. П. Чистяков.
• Впервые имя Васнецова зазвучало в 1874 г., когда на
выставке в Петербурге был показан целый ряд его
жанровых картин, наполненных характерным
пониманием и остротой выражения чаяний жителей
России.
Владимирский собор в Киеве, расписанный Васнецовым в
1885—1896 гг., по сей день является памятником
изобразительного искусства мирового значения.

7. Работы зарубежных художников-модернистов

• Знаменитым представителем модерна во Франции считается Пьер Боннар.
Основным мотивом его декоративно лирических работ стали пейзажи и бытовые
сцены.
• Не менее известен и другой французский художник — Морис Дени — один из
основателей группы французских живописцев «Наби». Этот представитель модерна
и символизма прославился своими плоскостными стилизованными картинами и
иллюстрациями.
• Австрийский художник Густав Климт знаменит своими плоскостными орнаментами,
пейзажами и портретами, выполненными в мозаичной манере.
• Одним из основоположников модерна считается знаменитый английский
художник-самоучка Уильям Моррис, критикующий существующую социальную
обстановку. В своем творчестве он противопоставлял себя окружающему миру,
наполненному техникой. В 1881 г. вышла его статья «Несколько кратких советов по
поводу составления узоров», послужившая толчком для развития нового течения в
живописи.
Работы Пьера Боннара

Ахмерова Э.Р. Портретное искусство стиля модерн в России и Европе

Page 1 of 2

Э.Р. Ахмерова (МГУ имени М.В. Ломоносова, ГТГ)
Портретное искусство стиля модерн в России и Европе

Стиль модерн на рубеже XIX-XX веков охватил всю Европу. В рамках этого стиля искусство в каждой стране имело свои особенности, и портрет обрёл местные, национальные черты, однако основополагающие принципы формообразования и иконографические мотивы модерна остались общими для всех стран¹. Д.В. Сарабьянов утверждает: «Наиболее последовательно иконография, присущая стилю модерн, выявилась в живописи и графике… именно применительно к живописи и графике мы можем совершенно законно, без натяжек говорить об определённых общностях сюжетов и мотивов»².  Под иконографией в данном случае мы понимаем некий условный набор образов, сюжетов, мотивов и художественных приёмов, свойственный искусству модерна.
Задача — рассмотреть и проследить, как иконография модерна проникает в портрет и влияет на него, а также определить особенности национального варианта портрета в стиле модерн, сравнивая, насколько это возможно, картины русских и зарубежных мастеров. Ранее разными исследователями предпринимались попытки сопоставления отдельных произведений, а актуальность данной работы — в стремлении обобщить все эти наблюдения и поставить русскую портретную живопись в единый контекст с европейской.
На стиль модерн в Европе и в России влияет академическое и салонное искусство. В поисках «большого» стиля мастера модерна стремились создавать подлинно монументальные парадные портреты. Тема парадного портрета является общей для стран, охваченных стилем модерн. Среди отечественных художников наибольший вклад в разработку парадного портрета внёс В.А. Серов. Его портрет княгини З.Н. Юсуповой мы попробуем сравнить с портретом Миссис Лайонел Филлипс итальянского художника Джованни Болдини, который был одним из самых востребованных портретистов своего времени. В своей живописи, в целом салонной, он использовал элементы модерна. Сопоставляя эти произведения мы наблюдаем ряд схожих черт, например, в построении композиции с размещением сидящей на диване фигуры в центре холста, с интересом к прямым вертикальным и волнообразным горизонтальным линиям, которые одновременно и членят и собирают в целое композицию. И у Серова, и у Болдини сказывается интерес стиля модерн к волнистой линии, к тонкому сложносочинённому колориту, к свободному, выразительному мазку, к декоративизму как принципу организации холста и к декоративной выразительности каждой детали изображения. Тем не менее, портрет Миссис Лайонел Филлипс — это образ светской дамы, богатой и роскошной, но не более. За этой показной пышностью мы не видим личности, характера. Портрет княгини З.Н. Юсуповой оказывается гораздо более сложным и глубоким. Серов всматривается в личность изображаемого им человека. Как подметил В.А. Леняшин, В.А. Серов хранит в искусстве портрета рубежа веков классическую верность лицу³. В этом лице, чрезвычайно индивидуальном, мы видим и доброту, и душевную мягкость, и открытость, и чувство собственного достоинства. Вместе с тем, перед нами не только, красивая женщина, но и аристократка из высшего общества, и модница, и гостеприимная хозяйка прекрасного дома. Эта многоаспектность образа и его глубина — черты русского национального искусства, и они поднимают портретную живопись (вообще, и в лице Серова в частности) на большую высоту.
Гораздо ярче отражают стилистику модерна не парадные портреты, а портреты представителей интеллектуальной и творческой элиты своего времени. И в Европе, и в России появляется новый тип человека: интеллектуального, делового и успешного, идущего в ногу со временем и интересующегося современной культурой. Именно такими предстают на портретах Серова и Болдини такие характерные личности конца века как В.О. Гиршман и Р. де Монтескью. Владимир Осипович Гиршман был русским купцом и меценатом, собирателем живописи и антиквариата, благотворителем Московского художественного театра. Граф Робер де Монтескью — французский писатель, денди, коллекционер, библиофил и покровитель искусств. В портретном искусстве стиль модерн ищет нестандартных решений, и на этих портретах каждая фигура показана в необычном динамичном повороте, с прямой спиной и гордо поднятой головой. Мужчины выглядят уверенными в себе, просвещенными, успешными и склонными к щегольству. В портрете Гиршмана у Серова это не очень очевидно, а вот в облике де Монтескью это свойство личности наглядно продемонстрировано: Болдини пишет блестящие, уложенные волнами волосы, лихо закрученные усы, модный костюм и белоснежные перчатки.
Эпоха конца XIX – начала XX века заново открывает и активно реализует в искусстве образ женщины-соблазнительницы, или женщины-вамп. На рубеже веков в Европе поднимаются и обсуждаются вопросы предоставления женщинам равноправия в общественной, трудовой и семейной жизни, в том числе права женщины на образование, на участие в выборах, право на труд и т.п. Женщины начинают чувствовать себя свободнее, увереннее, и это, конечно, отражается в искусстве. Пожалуй, ярче всего образ роковой женщины в портретной живописи стиля модерн воплотился в творчестве Густава Климта⁴ (Серена Ледерер и Роза фон Росторн-Фридман). Первое, что сразу привлекает внимание в его портретах — это глаза, изображению глаз художник придает особое значение. Во взглядах его дам заключена и энергия человека современной эпохи, и магнетическое обаяние, свойственное только женщинам. Дамы эпохи модерн смело и прямо взирают на зрителя с портретов В.А. Серова и Д. Болдини. Обе женщины облачёны в чёрные платья и находятся в сумрачном интерьере, отчего их лица и особенно эффектные тёмные глаза с пронзительным взглядом «в упор» сразу привлекают внимание. Сознавая силу своей женской привлекательности, героини новой эпохи держатся очень уверенно. Запечатлённые Л.С. Бакстом в «Ужине» и Анри де Тулуз-Лотреком в рекламном плакате кафе «Divan Japonais», они проводят время в ночных кафе и ресторанах, развлекаются и чувствуют себя там абсолютно в своей стихии.
Прямую аналогию в живописи стиля модерн в России и в Европе дают нам два парных портрета — «Автопортрет с сестрой» кисти В.Э. Борисова-Мусатова и портрет Марты и Мориса Дени (который также имеет названия «Автопортрет с женой» и «Десерт в саду») кисти Мориса Дени. По мнению Д.В. Сарабьянова, «они близки не только по задаче и времени происхождения, но и по одинаковым принципам построения парного портрета на основе внутренней близости персонажей»⁵. В этих портретах мы отметим тенденцию изображать человека в естественной природной среде, определённую жанровую трактовку портрета, высветленный колорит в холодных тонах, а также дистанцированность от зрителя изображённых персонажей, что особенно заметно у В. Э. Борисова-Мусатова.
В портретном искусстве модерн стремится перенести человека из реального мира в мир фантастический, мир мечты. Для воплощения такой задачи художник может, во-первых, трансформировать саму фигуру изображенного человека, во-вторых, трансформировать пространство, в котором находится модель, и, в-третьих, он может трансформировать и то, и другое одновременно.
Для передачи в живописи эффекта «воздушной лёгкости» тела человека Головин и Климт изображают своих героинь⁶ в пышных, многослойных платьях из матовой, струящейся ткани. Светло-розовое платье Сони Книпс подчёркивает только её осиную талию, а ноги, бёдра, плечи, грудь будто растворяются в обилии драпировок. Еще успешнее с «нейтрализацией» форм тела справляется Головин в «Портрете М.В. Воейковой». Он использует не масляную краску, как Климт, а пастель, что позволяет ему растушевать контуры, благодаря чему фигура модели превращается в парящее белое облако.
Приём «искажения» пространства и свободное обращение с перспективой в портрете мы наблюдаем в работе А. Я. Головина «Портрет М.А. Кузмина» и у Анри де Тулуз-Лотрека в «Портрете Анри Самари». При построении пространства в этих портретах художники используют точку зрения «сверху» и высокую линию горизонта. Доски, выстилающие пол, на портрете М.А. Кузмина уходят рядами диагонально влево, устремляя взгляд зрителя к фигуре и лицу, фокусируя на них внимание. В портрете Анри Самари пространство трудно идентифицировать: мы видим и дощатый пол, и ковёр на нём, и изображение деревьев, веток, цветов. Это пространство не имеет определённой глубины, оно трактовано как несколько разнофактурных и разнонаправленных плоскостей. Известно, что портрет М.А. Кузмина был написан в мастерской художника⁷, а Анри Самари, брат знаменитой актрисы Жанны Самари, который тоже стал актёром, запечатлён, скорее всего, на сцене на фоне декораций, но фантазия художников превращает эти обычные помещения в ирреальные пространства, где голубая стена начинает походить на небеса, а деревья растут прямо из дощатого пола.
Деформацию объемной формы и пространства можно отметить в портретах крупнейших мастеров  стиля модерн, например у М.А. Врубеля и Г. Климта. У Врубеля в «Портрете Н.И. Забелы-Врубель в кресле на фоне обоев» и у Климта в его «Портрете Адели Блох-Бауэр I» мы наблюдаем характерный для модерна приём сочетания фигуры с орнаментальным фоном. Оба портрета выдержаны в тёплой золотистой гамме и представляют дам сидящими в креслах. Их фигуры смещены вправо от центральной оси, и весь фон покрыт орнаментом. Орнамент модерна очень разнообразен. У Густава Климта мы видим: горох, полоски, волны, спирали, завитки, квадраты, расположенные в шахматном порядке, орнаменты с цветочными мотивами, а также экзотические орнаменты — египетские глаза в треугольниках-пирамидках. Поток орнамента уплощает фигуру, растворяет объём. Даже причёска модели, трактованная плоскостно, превращается в орнаментальный мотив. У М.А. Врубеля этого не происходит: чувствуются формы тела модели и мягкие локоны причёски. Пространство интерьера в работе Густава Климта совершенно упраздняется. Из помещения, наполненного предметами, оно превращается в абстрактный фон для фигуры, которая сразу притягивает к себе взгляд зрителя. Фигура Адели Блох-Бауэр кажется проявляющейся из фантастического, ирреального пространства. У М.А. Врубеля ощущение интерьера тоже упраздняется,  правда орнамент не придумывается специально, а вводится в изображение как бы исподволь, в виде цветочного принта на обоях. Фигура Н.И. Забелы-Врубель получает неестественный S-образный изгиб, но всё же сохраняет объёмность. Удивительно сходными в этих портретах оказываются жесты. Кисть левой руки у Н.И. Забелы-Врубель и кисть правой руки у Адели Блох-Бауэр согнуты под прямым углом. Этот характерный «излом» формы, особенно в контрасте с расслабленной правой рукой модели, сообщает образам напряжённость и словно бы маньеристическую грацию, свойственную людям эпохи Серебряного века.
В творчестве русских художников рубежа XIX-XX вв. находится немало параллелей творчеству Густава Климта⁸. Например, приём сочетания фигуры и орнаментального фона мы встречаем у А. И. Савинова в работе «Арфистка. Портрет Т.С. Барцевой» и в «Портрете Адели Блох-Бауэр II» Густава Климта. Фигура женщины на этих парадных портретах изображена в центре. Орнаментальный фон состоит из плоскостей с разным орнаментом, будто это несколько отрезов разноцветных тканей, сшитых вместе.
Сочетание профильного изображения лица с орнаментальным фоном становится визитной карточкой стиля Альфонса Муха («Лавр» и «Плющ»), но и в русской живописи можно встретить такой приём, например у И.С. Горюшкина-Сорокопудова в работе «Листопад. Портрет В.В. Иссинской».
Мотив танца и тема танца очень востребованы в искусстве модерна. Через танец художники выражают динамику, характер, порыв души. В стихии танца раскрывается скрытая сущность человека. Танцовщики и танцовщицы были любимыми моделями как русских, так и европейских художников. Это и Анна Павлова, и Тамара Карсавина, и Ида Рубинштейн, и, конечно, Лои Фуллер со своим знаменитым «серпантинным танцем». В этом же ряду стоят темпераментная Каролина Отеро с холста М. А. Врубеля, французская певица и танцовщица испанского происхождения, звезда и символ «la Belle Époque», и испанская танцовщица Анита де ла Фери с портрета работы Джованни Болдини.
Стиль модерн придавал большое значение символике цвета в живописи. Выбор цвета платья модели в портретном искусстве модерна нельзя считать случайностью. Для эпохи, которая мыслила символами, это невозможно. И М.А. Врубель, и В.Э. Борисов-Мусатов тщательно продумывали, во что будут одеты их модели и часто сами создавали для них эскизы туалетов. Густав Климт, крупнейший представитель европейского модерна, характеристику пространства, фигуры и выбор цвета и дизайна одежд модели возвёл в художественный принцип. Через всё искусство модерна в Европе и России проходит образ женщины в белом платье. Белый цвет всегда ассоциировался с молодостью, нравственной чистотой, непорочностью, возвышенными стремлениями. В ряду европейских дам в белом совершенно органично выглядит Н.Ю. Станюкович, запечатлённая В.Э. Борисовым-Мусатовым. Дама в чёрном становится своеобразным лейтмотивом модерна. В облегающее блестящее чёрное платье одета климтовская Роза фон Росторн-Фридман, в чёрном платье-амазонке предстаёт перед нами грациозная О.М. Нестерова и величественная М.Н. Ермолова. Излюбленная гамма модерна — голубой, фиолетовый, лиловый  — также проникает в портретное искусство. Эта гамма помогает художнику передать то самое потустороннее, мистическое, фантастическое, что ищет модерн в каждом предмете, явлении, природе и человеке. Лиловый цвет выбирает Климт для портрета Марии Хеннеберг и Муха для портрета своей сестры. Похожи на видения и фантастические миражи дамы в лиловом с холстов Врубеля и Борисова-Мусатова.
Подведем некоторые итоги. В произведениях М.А. Врубеля, А.Я. Головина, В.А. Серова, В.Э. Борисова-Мусатова и других русских художников эпохи модерн имеется ряд аналогий с европейской живописью. Это интерес к символике цвета, монументальным формам, а также целый ряд конкретных художественных приёмов, например, сочетание фигуры и орнамента, приём «искажения» пространства или фигуры модели и др. При сопоставлении с произведениями европейской живописи лучшими качествами русского портретного искусства остаются вдумчивый психологизм, особое внимание к «личному» и второстепенное значение «доличного», романтическая мечтательность и поэтизация образа.

Интерьеры mid century с картинами

Стиль mid century modern (также можно встретить написание “мид сенчури модерн”) появился в Америке после войны в середине 20 века. Как и любое новое направление в дизайне, он отталкивался от предыдущих стилей, используя их положительные стороны, но ориентировался на современные запросы людей. Дизайнеры отказались от следования одной идее (например, идее конструктивизма), и mid century стал миксом удобства, достижений промышленной революции 20 века и умеренного отношения к декору.

Сейчас этот стиль находится на новом витке популярности. В статье разбираем его отличительные черты на примере интерьерных съемок лучших дизайнеров Москвы и делимся тремя подборками созвучной этому стилю живописи.

Отличительные характеристики интерьеров в стиле mid century modern

Три отличительные характеристики стиля интерьера mid century modern можно определить как:

• сочетание натуральных и созданных человеком материалов,
• стремление сделать жилье функциональным (не в ущерб удобству),
• минимализм и игра с цветом.

Мы собрали наиболее яркие примеры по каждому признаку.

Сочетание натуральных и искусственных материалов

В таких интерьерах приветствуется сочетание созданных человеком материалов (пластик, винил, фибергласс) и природных (дерево, стекло, металл, мрамор) — в отделке, мебели, декоре. Этот стиль дружелюбен и к современным вещам, и к винтажным. Пропорции сочетания могут быть разными — и в интерьере в целом, и в отдельных вещах. Деревянный письменный стол вместе с хай-тек компьютерным креслом, люстры разных материалов и форм, декоративные молдинги и отделанные деревом зоны.

Здесь же можно сказать и о частом использовании в интерьере крупных зеленых растений. Мид сенчури — консенсус достижений дизайна и промышленности и любви к природному.

Минималистичное, светлое пространство

В интерьере этого стиля вместо стен часто используются перегородки, или пространство разделяют на зоны при помощи цвета, мебели. Как интерьер в целом, так и мебель стиля mid century modern минималистичны. Ее главная задача — быть удобной и не нагружать пространство. Отсюда — чистые линии, тонкие ножки, небольшое число деталей.

Большую роль играет освещение. К нему относятся и панорамные окна, и достаточное количество искусственных светильников, иногда причудливых форм. Встроенные led-светильники, футуристические, винтажные или хай-тек торшеры и люстры. Чаще всего это дизайнерские вневременные вещи.

Цвет в интерьерах в стиле mid century modern

Стиль mid century — это большие плоскости нейтрального, в основном, светлого цвета и яркие пятна. Часто акцентной вещью становится мебель, таким образом, она вместе с утилитарной выполняет и декоративную функцию. На фотографиях выше — это мягкая мебель бирюзового, фиолетового, разных оттенков зеленого цвета. Роль яркого пятна может играть и целая стена.

Если в интерьере присутствует живопись, то она большого размера, от метра. Поэтому даже если картина черно-белая или бежевых оттенков, то она все равно становится полноценным участником интерьера, но никак не мелким декором.

Живопись для интерьера в стиле mid century

Абстрактные, авангардные картины и пейзажи как нельзя лучше подходят для интерьеров мид сенчури. Абстракция и авангард — современники модерна и продолжали развиваться после войны. Природная тематика отражает стремление к наличию природного в интерьерах этого стиля.

Абстракция

Ниже представлены картины художников-абстракционистов нашей галереи. Они очень разные — минималистичные, геометрические, экспрессивные и спокойные. Настолько разным может быть и интерьер mid century modern, в зависимости от того, какого ингредиента в нем будет больше — цвета, минимализма или природы. Живопись может быть частью основного действия или стать кульминацией.

Авангард

Ниже — подборка работ современных художников, которые пишут в стилях авангард и поп-арт. Это смелые по цвету, форме и композиции работы. Пейзаж или натюрморт на грани абстракции, опрокинутая перспектива в портрете, разложение формы на части, смешение контекстов. Эти работы не потерпят вторых ролей и станут точкой сборки всего интерьера.

Природа

Как мы заметили выше, для стиля мид сенчури характерно использование не только природных материалов, но и крупных комнатных растений, с которыми живописные пейзажи могут сыграть в унисон. Опять-таки это должна быть не реалистическая живопись, а авангардная, как, например, у Светланы Атахановой или Павла Ефанова, абстрактная как у Сергея Брюханова, урбанистическая как у Студии 30.

С одной стороны mid century — непринужденный, дружелюбный стиль. Простор, смешение материалов, открытость к ярким экспериментам. В то же время он не обходится без примет середины 20 века — винтажных или дизайнерских предметов, абстрактной и авангардной живописи. Это атрибуты не только хорошего вкуса, но и уникального характера дома и его владельцев.

Посмотреть и выбрать для своего интерьера картины, которые подойдут для стиля mid-century modern можно здесь.

10 самых популярных современных стилей живописи | by Signature Finish

Великолепная картина всегда привлекает внимание публики и добавляет экстравагантности гостиной, спальне или любому месту, где она расположена. Творчество художника имеет тенденцию передавать эмоции через оттенки и его заставляющую задуматься природу. Неспециалисту это может показаться очередным произведением искусства, но скептическое чутье человека наблюдает за картиной глубину. Художники по всему миру имеют разное чувство и стиль живописи, и разные школы мысли развились в цивилизациях.Живопись была основной формой искусства в старые времена в Александрии и других королевствах. Если вы являетесь поклонником современного искусства и желаете купить картины из Artarmon , Kingsford , Auburn или Maroubra , вот 10 современных стилей живописи, которые вам могут быть интересны:

1 Абстрактное искусство

Форма живописи, которая не изображает фигуративную реальность, вместо этого художник намекает на предмет и эмоции, которые намеревается изобразить. Некоторые из его видов – экспрессионизм, цветовое поле, лирическая абстракция и кубизм.

Сюрреализм

Стиль живописи, в котором несколько изображений соединяются вместе, чтобы придать им усиленный и удивительный эффект. Некоторые популярные художники-сюрреалисты — Валентино Гюго, Жоан Миро и Тойен.

Концептуальное искусство

Концепт-арт Художник превосходит реальность, и художник считает, что концепция важнее самого произведения искусства.Некоторые известные концепт-художники — Йоко Оно, Ив Кляйн и Марсель Дюшан.

Поп-арт

Поп-арт — одна из самых популярных и распространенных форм современной живописи, которая вращается вокруг таких тем, как комиксы, реклама, знаменитости и повседневные темы. Среди выдающихся художников поп-арта Джаспер Джонс и Том Вессельман.

Фотореализм

Самая практичная форма. Как следует из названия, это тот, который выглядит так же реалистично, как фотография или объект.Дон Эдди, Том Блэквелл и Роберт Бехти — некоторые из известных художников-фотореалистов .

Гиперреализм

Гиперреализм — это расширенный и усовершенствованный вариант фотореализма, в котором каждый аспект изображен в сравнительно подробной форме. Для фотосъемки используются камеры с высоким разрешением, а на картинах преувеличены тени и неодушевленные предметы.

Минимализм

Это утонченная форма искусства, характеризующаяся простотой и меньшим вниманием к громкому и энергичному выражению. Painter фокусируется только на необходимых деталях.

Футуризм

Поистине современная форма искусства, которая указывает на такие аспекты, как технологии, скорость, насилие и будущее мира. Давид Бурлюк, Аристарх Лентулов, Фортунато Деперо — некоторые из известных имен в футуристической живописи.

Импрессионизм

Зародившись в Париже, импрессионизм в основном делает упор на изображение света и яркости. Художник использует тонкие мазки и часто изображает пейзаж и природу, чтобы запечатлеть солнечный свет.

Фовизм

Это просто импровизация импрессионизма с упором на яркие цвета.

Современные картины на продажу | Saatchi Art

Когда искусствоведы и критики говорят о современной живописи, они обычно имеют в виду «модернистские» работы, принадлежащие западным художественным течениям между 1860-ми и 1970-ми годами (время, когда «постмодернизм» начал преобладать). Современное искусство, напротив, обычно используется для описания произведений искусства с конца Второй мировой войны до наших дней.Все работы, представленные на Saatchi Art, являются современными, поскольку они были созданы одними из самых талантливых начинающих художников, работающих сегодня. Тем не менее, поклонники современного искусства найдут на нашем сайте впечатляющий выбор современных произведений современного искусства для продажи, в том числе картины, вдохновленные импрессионизмом, кубизмом, сюрреализмом, абстрактным экспрессионизмом и многим другим.

Современное искусство возникло как реакция на резкие изменения качества социальной, экономической и культурной жизни в Европе, сопровождавшие подъем промышленности в конце 1800-х годов.Художники стремились критиковать традиционные способы изображения, в основном религиозные и аллегорические произведения по заказу правительства, смешивая элементы высокой и низкой культуры и включая в свои работы части недавно модернизированной повседневной жизни. Современные художественные картины, в частности, перешли от традиционных сюжетов и стилей, таких как портретная живопись, натюрморты и реализм, к существованию как искусству ради искусства, без обязательного обращения к объектам реального мира. Искусствовед Клемент Гринберг предположил, что модернизм направлен на демонстрацию уникальных элементов, характерных для каждого художественного средства.Таким образом, современная живопись подчеркивала плоскостность, которую может иметь только пигмент на подложке. Различные художественные течения, связанные с современной живописью, такие как кубизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм, стремились к дальнейшему достижению этой цели — созданию чисто оптического мира, существующего только на плоском холсте.

Картины современного искусства делятся на несколько направлений, охватывающих годы примерно между концом 1800-х и 1950-ми годами. Импрессионисты отказались от традиционных методов рисования, заключающихся в наброске запланированных композиций и работе в студии, в пользу рисования на пленэре и нанесения слоев на толстую, влажную краску, чтобы запечатлеть мимолетный момент. Эти художники также больше сосредоточились на уличной жизни, сопровождавшей рост промышленности; странствующие фланеры и изолированные люди в многолюдных городских сценах были популярными героями их картин маслом в стиле современного искусства. Фовисты, такие как Анри Матисс, использовали произвольные, но яркие цвета в своих композициях, в то время как художники-кубисты, такие как Пабло Пикассо и Жорж Брак, делали акцент на форме, а не на содержании, создавая иллюзию пространства плоскими абстрактными плоскостями. Художники-сюрреалисты также отстранялись от внешнего мира, сосредотачиваясь на подсознательных и сновидческих сценах, хотя и с реалистической точностью.Абстрактные композиции, в том числе красочные сцены Василия Кандинского и сетки Пита Мондриана, также были популярны, поскольку они не относились к каким-либо существующим объектам в реальной жизни. Абстрактные экспрессионисты часто ассоциируются с концом модернизма и, согласно теории модернизма Клемента Гринберга, достигли самой чистой формы современной живописи. Их брызги не создавали узнаваемого сюжета, а воплощали в себе все уникальные качества живописи (пигмент на плоской подложке). Такие художники, как Джексон Поллок, также воплощали современную практику соединения низких и высоких форм культуры; он известен тем, что смешивает такие предметы, как песок, битое стекло и гвозди, с поверхностями своих капельных картин.Другие движения, связанные с современной живописью, включают футуризм, экспрессионизм, орфизм, супрематизм и прецизионизм.

Многие считают Эдуарда Мане первым современным художником за его неоднозначные сюжеты и стиль. В его работах «Le Dejeuner sur l’herbe» (1862-1863) и «Olympia» (1863) заметно изображены обнаженные женщины, и они основаны на предыдущих картинах, сочетая элементы работ таких мастеров, как Рафаэль и Тициан, с традиционным портретом, натюрмортом и пейзажные стили. Точно так же Анри Матисс играл с этими жанровыми стилями в своем «Le bonheur de vivre» (1905-06).Матисс использовал яркие, произвольные цвета и искаженную перспективу, чтобы создать современную пасторальную сцену. В своих знаменитых современных картинах, таких как «Корзина с яблоками» (1893), Поль Сезанн рисовал широкими плоскими мазками, чтобы создать почти головокружительную композицию с различными плоскостями и плоской перспективой. Пабло Пикассо также играл с множественными перспективами и фрагментированным визуальным пространством в «Авиньонских девицах» (1907). Пикассо объединил низкую и высокую культуры в истинно модернистской моде, сосредоточившись в этом шедевре на группе проституток в публичном доме.Известные современные абстрактные картины включают «Композицию VII» Василия Кандинского (1913 г.), «Рождение мира» Жоана Миро (1925 г.), «Номер 1А, 1948 г.» Джексона Поллока (1948 г.) красная, синяя и желтая сетки. Среди других известных современных художников — Клод Моне, Эдгар Дега, Пьер-Огюст Ренуар, Мэри Кассат, Гюстав Кайботт, Жорж Сёра, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Роберт Делоне, Сальвадор Дали, Пол Клее, Джорджия О’Киф, Диего Ривера, Виллем. де Кунинг и Марк Ротко.

Первая современная картина – художественная

То, как Мане нарисовал Дежене , а не его образы, сделало его самым новаторским и современным. Это поставило под сомнение так много общепринятых представлений о том, как картина должна была быть создана. Для начала внимательно посмотрите на всю работу, и сразу же станет очевидным, что Мане не заботится о создании иллюзии реального пространства, и, кроме того, он, кажется, во многих местах пытается целенаправленно разрушить ощущение иллюзии, затуманивая его. отношения между фигурой и фоном и сглаживание частей изображения.Посмотрите, например, на руку студента в центре картины и на то, как она почти касается руки женщины, которая должна быть на заднем плане, но выглядит так, как будто она парит над ним, потому что фон был сглажен на передний план. Присмотритесь к женщине на заднем плане: посмотрите, как пространство вокруг нее и позади нее схематично заполнено, чтобы оно также выглядело плоским. Посмотрите на спину обнаженной женщины на переднем плане и на то, как трава на самом деле выглядит плоской у ее спины, почти слившись с ней, а не сзади, четко изображенной как позади нее.

Мане также не заботится о создании иллюзии глубины в фигурах, которые он рисует. Во многих областях работы он использует резкие контрасты, чтобы растворить любое ощущение трехмерности. Часто приводимый пример — контраст между обутой и босой ногой мужчины и женщины в центре картины. Жюль-Антуан Кастаньяри также заметил этот эффект. В то время он объяснял: «Ни одна деталь не имеет своей окончательной, точной и строгой формы… Я вижу пальцы без костей и головы без черепов.Я вижу бакенбарды, нарисованные, как две полоски черной ткани, приклеенные к щекам».

Общее сглаживание изображения заставляет медленно осознавать, что различные сцены, присутствующие в произведении, т.е. натюрморт внизу, обнаженная женщина, мужчины в городском платье, купающаяся фигура, пейзаж — на самом деле не совсем связанные, а почти отдельные образы, склеенные (склеенные) в одно целое. Натюрморт на переднем плане кажется странно включенным; четверка посередине, кажется, не совсем в лесу, а парит перед ним; женщина сзади почти в своем собственном мире. Наши глаза и наше сознание пытаются свести эти образы воедино, но картина остается комбинацией различных произведений, которые не могут быть сведены воедино. Его согласованность постоянно разваливается.

Как придать характер вашему современному пространству с помощью винтажного искусства

Традиционные картины подходят не только для традиционных интерьеров. Когда их вырывают из контекста и помещают в современную обстановку, происходит что-то чудесное. Внезапно это затхлое лицо, глядящее из позолоченной рамы, чувствует себя заново родившимся, как вы можете видеть из этих звездных пространств.Время отправиться на блошиные рынки и в магазины вторсырья! Нажмите здесь, чтобы узнать, как внедрить винтажное (или винтажное) искусство в ваше современное пространство.

Столько индивидуальности! Дерзкая смесь старых и новых элементов добавляет массу удовольствия в гостиную дизайнера из Торонто Куинна Купера. Подмигивающие обои от Urban Outfitters — блестящая контрастность со старинными картинами, которые Куинн подбирала на различных антикварных выставках. Розовая, черная и золотая палитра молодит и современна.

Фотограф: Стефани Бухман

Источник: House & Home, апрель 2020 г.

Дизайнер: Архитектура и дизайн StudioAC; Украшение интерьера Куинном Купером

Найдите баланс между старым и новым, добавив старинную картину, которая выведет зрителей из их зоны комфорта.Классический бюст — еще один неожиданный элемент. Нам также нравится, как латунная решетка капота подчеркивает золото в оправе.

Фотограф: Предоставлено CAB Architects

Дизайнер: CAB Architects

Алессия Занчи Лоффредо из ReDesign home любит угловой уголок в своем доме — это углубление над камином. Итак, она обыграла его деревянной накидкой, шарнирными бра и антикварным полотном. «Оформляя пространство винтажными картинами, я отдаю дань уважения старым временам», — говорит Алессия.

Фотограф: Райан Макдональд

Дизайнер: редизайн дома

Вы бы, наверное, и не взглянули на полки в этой великолепной кухне, если бы не тот яркий портрет возле бра. Это придает пространству такую ​​остроту. Изменение высоты аксессуаров также добавляет интереса.

Фотограф: Райан Макдональд

Дизайнер: редизайн дома

Несколько сильных элементов заставляют петь эту индиго-синую виньетку, от монохроматической схемы до бархатного шезлонга Eames, но загадочный джентльмен канадского художника Гордона Шадраха действительно заставляет все звучать.

Фотограф: Ангус Фергюссон

Источник: House & Home, февраль 2018 г.

Дизайнер: Джоэл Брей

Не просто вешайте картины на стену — повеселитесь, как это сделала дизайнер Инес Маццотта на этой графической кухне. Она спрятала эту позолоченную даму среди посуды, создав совершенно неожиданный момент: «Кто не хочет, чтобы голландская девушка 17-го века ела гамбургер на их кухне?» — со смехом говорит Инес.

Фотограф: Робин Стабберт

Источник: House & Home, декабрь 2019 г.

Дизайнер: Инес Маццотта

В этом доме в Монреале одинокая Мадонна, которую владелец привез из Перу, делает заявление. Нам нравится, что есть место для дыхания на фоне оригинальных кирпичных стен.

Фотограф: Максим Десбьенс

Источник: House & Home, ноябрь 2018 г.

Дизайнер: Мария Роза Ди Иоя

Хотите произвести незабываемое первое впечатление в своем подъезде? Посмотрите на дизайнера Скотта Йетмана: он покрасил стену своего загородного дома в черный цвет, чтобы подчеркнуть уникальные потолки и придать грандиозному портрету то внимание, которого он заслуживает.

Фотограф: Андре Райдер

Источник: House & Home, декабрь 2020 г.

Дизайнер: Скотт Йетман

Несмотря на сногсшибательное обилие вещей на кухне в историческом доме дизайнера Синтии Замарии в Порт-Довере, Онтарио, взгляд сразу же притягивается к серьезным джентльменам наверху.

Фотограф: Робин Стабберт

Источник: House & Home, ноябрь 2019 г.

Дизайнер: Синтия Замария

Группа старинных портретов и пасторальных картин оживляет этот уголок. Вдохновленная бельгийскими кухнями и английскими буфетными, дизайнер и домовладелица Анджела Уилер хотела, чтобы интерьер выглядел непритязательно, поэтому она убрала рамы — разумный способ модернизировать произведение искусства.

Фотограф: Вирджиния Макдональд

Источник: House & Home, ноябрь 2019 г.

Дизайнер: Анджела Уилер

Глубокая винтажная раковина в прихожей, панели цвета мха и натуральная зелень делают этот классический портрет по-домашнему уютным.

Фотограф: Вирджиния Макдональд

Источник: House & Home, ноябрь 2019 г.

Дизайнер: Анджела Уилер

Встряхните витрину с открытой полкой с наклонным произведением старинного искусства. Посуда может показаться предсказуемой; наслоение старой картины делает ее уникальной.

Фотограф: Трейси Эйтон

Источник: House & Home, июнь 2019 г.

Дизайнер: Грир Нельсон и Джейми Гамильтон, Olive Simon Design

Ретро-портреты хорошо смотрятся в чистом интерьере; его состаренная патина согревает комнату и добавляет характер и текстуру.Найдите эту красивую картину в этом индивидуальном доме на острове Боуэн, Британская Колумбия. Домовладельцы нашли его во время одной из своих первых поездок на выставку антиквариата Round Top Texas.

Фотограф: Янис Николай

Источник: House & Home, май 2020 г.

Дизайнер: Питер Аткинсон

«В доме должно быть много индивидуальности; в конце концов, это отражает то, кто вы есть», — говорит дизайнер Патти Розати, чья квартира, наполненная произведениями искусства, безусловно, демонстрирует ее творческую сторону. Посмотрите на портрет дамы над консолью.Это вообще тема для разговора!

Фотограф: Алекс Люки

Источник: House & Home, март 2019 г.

Дизайнер: Патти Розати

Бельгийский архитектор Николя Шуйбрук переделал старую мясную лавку в свой скромный семейный дом, который он наполнил классическими элементами — джентльменом в натуральную величину и всем остальным. Слева от картины находится гостиная (вы можете увидеть часть камина). Часть предлагает драму к комнате.

Фотограф: Coffeeklatch

Дизайнер: Николя Шуйброэль

Исторический дом Женевьев Макинсон в Торонто обладает эклектичной чувственностью, красочной, захватывающей и единственной в своем роде. Чистый белый фон и современные элементы, в том числе торшер Serge Mouille, делают картину старой школы захватывающей и актуальной.

Фотограф: Майкл Грейдон

Источник: House & Home, октябрь 2017 г.

Удобные диваны и уютная собранная атмосфера в целом определяют гостиную Amber Interiors, созданную для семьи в Санта-Монике. Двойные бра обрамляют картины, придавая им эффектность. Наложение одной картины на другую создает расслабленную атмосферу.

Источник: Amber Interiors

Дизайнер: Amber Interiors

От полосатого изголовья кровати до баннера Home Sweet Home, прикрепленного к стене, в этой прекрасной спальне нет ничего традиционного. И все же вот она: дама, одетая для вечеринки в саду; своеобразный росчерк, который не дает комнате выглядеть слишком современной.

Источник: Studio McGee

Дизайнер: Studio McGee

Нас впечатлила не только эффектная комбинация плитки в этой ванной комнате на Голливудских холмах от дизайнера Кейтлин Маккарти. необычное решение использовать картину в качестве убедительного контрапункта также заслуживает высоких оценок.

Фотограф: Мэри Коста Фотография

Дизайнер: Кейтлин Маккарти Дизайн

Эта охотничья зеленая кухня от британской компании deVOL Kitchens находится в тренде. Изобразительное искусство, выставленное вдоль рамы для картин, похоже на посещение мини-галереи каждый раз, когда вы произносите тост по утрам.

Источник: Кухни deVOL

Интернет сходит с ума из-за лофта Дженны Лайонс в Сохо и, в частности, из-за этой потрясающей великолепной ванной. Создатель стиля и бывший президент J.Crew явно любит мрамор. Ванна и туалетный столик сделаны из мрамора Breccia Capraia, идеально возвышающегося над мужским портретом, который стоит над ванной.

Фотограф: Саймон Уотсон

Дизайнер: Мейер Дэвис

Бородатый денди с галстуком-бабочкой, белая краска и глиняная посуда — это победа в рабочем коттедже 19-го века фотографа Кары Розенлунд в Квинсленде. Портрет неожиданно вписывается в обстановку, что делает кухню намного интереснее.

Фотограф: Кара Розенлунд

Дизайнер: Кара Розенлунд

Эстетика земного и причудливого лос-анджелесского дизайнера интерьеров Кэти Ходжес создает очаровательную виньетку в этом доме в стиле испанского Возрождения, но все внимание привлекает таинственная старинная картина.

Фотограф: Эми Бартлам

Дизайнер: Кэти Ходжес

Дизайнер Лорен Лисс, живущая недалеко от Вашингтона, округ Колумбия, повесила несколько своих любимых старинных картин маслом над кухонной раковиной, чтобы наслаждаться ими каждый день.Они не слишком дорогие, поэтому беспокоиться о брызгах воды не составляет большого труда. Нам нравится утонченно-деревенский баланс, созданный произведением искусства.

Источник: Лорен Лисс и Ко.

Разработанный Raji RM & Associates, этот роскошный дом в Вашингтоне, округ Колумбия, имеет музейное качество благодаря большой фреске в центре внимания. Хотя на картине изображена многовековая девушка, пространство кажется освежающим из-за современной мебели середины века.

Фотограф: Рикки Синдер

Источник: Raji RM & Associates

Мы согласны с дизайнером из Лос-Анджелеса Эмили Хендерсон в том, что безвкусно украшать принтом известной картины — скажем, Моны Лизы или «Звездной ночи» Ван Гога.С другой стороны, голова неизвестной дамы под окном как ни странно супер крутая.

Источник: Эмили Хендерсон

Дизайнер: Эмили Хендерсон

Шелби Жирар из Чикаго, главный дизайнер Havenly, известна своей шикарной, сдержанной эстетикой, которую она называет парижским модерном. Она демонстрирует свое мастерство в этой изысканной гостиной, где безупречные контуры и цвета картины притягивают взгляд.

Фотограф: Морган Леви

Источник: Шелби Джирард

Новый ар-деко и современный стиль ар-нуво

Разве ты не любишь хорошие детективы? Моим фаворитом на все времена должен быть Пуаро Агаты Кристи. Не только потому, что мне нравится работать над своими детективными навыками (необходимыми для поиска случайных носков), но и из-за внутренних прелестей периода, в котором он был установлен. Такая элегантная, гламурная и роскошная эпоха, я уже много лет являюсь поклонником ар-деко.

Но сегодня мы не просто рассмотрим некоторые потрясающие современные варианты стиля ар-деко для вашего дома, мы также взглянем на некоторые красивые ар-нуво. Их часто путают, хотя между ними есть заметные различия.

Новый стиль ар-деко и модерн в современном стиле

Изображение – M&S

Я не говорю, что вы должны воссоздать внешний вид Восточного экспресса (потому что ни в коем случае нельзя чрезмерно стилизовать любое пространство), но вы можете подумать о том, чтобы использовать несколько предметов в вашем доме, чтобы добавить атмосферу роскоши , утонченность элегантность и гламур к ним.

Прежде чем мы рассмотрим некоторые из доступных красивых дизайнов, я решил рассмотреть разницу между этими разными стилями. Если вам не интересен урок истории и вы хотите перейти к дизайну, достойному обморока, вы всегда можете прокрутить вниз, я полностью понимаю….

Стиль модерн (ок. 1880–1910 гг.)

Источник изображения – Digitalcollections.nypl

Стиль модерн получил свое название от Maison de l’Art Nouveau ( Дом нового искусства ), что дает вам представление о зарождении этого стиля, который начался в художественной галерее, открытой в 1895 году. Франко-немец Зигфрид Бинг.

Впервые дизайнеры стали черпать вдохновение для своей работы в естественном окружающем их мире, а не оглядываться назад на то, что исторически было раньше.

Первоначально представленный в Париже, а затем в Лондоне, стиль модерн вызвал возмущение публики. Он стал чем-то вроде современного Marmite: его либо любили, либо ненавидели.

С точки зрения стиля есть два отличительных вида; изогнутые линии и более строгие линейные образы таких художников, как Чарльз Ренни Макинтош, некоторые из которых были снова возрождены в 1960-х годах.

Стиль модерн – нижняя часть

Nancy Art Nouveau Musee de l Ecole de NANCY — Источник изображения — Flickr

• Изогнутые удлиненные линии, взятые из плавных форм природы
• Линия хлыста
• Павлиньи перья были воплощением стиля модерн
• Женские формы прерафаэлитов
• Окрашенное и витражное стекло – используется в предметах мебели, осветительных приборах, окнах и дверях
• Такие материалы, как экзотические породы дерева, стекло (радужное), маркетри
• Сильно стилизованная природа, такая как цветы, листья, семенные коробочки
• Цвета были приглушенными и мрачными — вспомните горчичный, шалфейно-зеленый, оливковый и коричневый, которые сочетались с фиалками, павлиньим синим, сиреневым и пурпурным
• Узор – стилизованные цветы, в частности, кувшинки, маки и глицинии, а также птицы и стрекозы.

Ар-деко (с 1908 по 1935 год)

The Beaumont, Mayfair, Лондон — Источник изображения — Luxedeco

В 1925 году в Париже возник ар-деко (Arts Décoratif), который в первую очередь был ориентирован на моду стиля , в отличие от модернистского дизайнерского движения того времени, которое было основано на функционализме и технологиях.

Арт-деко не получил должного распространения до окончания Первой мировой войны, где он царил до начала Второй мировой войны.К 1930-м годам его популярность выросла из-за возможности массового производства, что в основном означало, что любой, включая Тома, Дика или Гарри, мог позволить себе включить этот стиль в свои дома.

Путешествия также стали более доступными, что привело к африканскому и египетскому влиянию, а такие материалы, как перламутр и шкуры животных, стали популярными предметами интерьера.

Стиль ар-деко – нижняя часть

Вестибюль отеля Beresford, Глазго — изображение Flickr

• Геометрические и угловатые формы, такие как сферы, многоугольники, прямоугольники, трапеции, зигзаги, шевроны и мотивы солнечных лучей – часто располагались симметрично.Подумайте о ковриках и подушках.
• Материалы – хром, стекло, блестящие ткани, зеркала и зеркальная плитка
• Стилизованные изображения самолетов, автомобилей, круизных лайнеров, небоскребов
• Мотивы, вдохновленные природой – ракушки, рассветы и цветы
• Цвета были яркими и контрастными, такими как серебристый и черный, желтый и красный.
• Мир серебряного экрана также помог сформировать дизайн в стиле ар-деко с использованием блестящих тканей, зеркал и атмосферного освещения.
• Ступенчатый профиль стал формой арт-деко и использовался в архитектуре, а также в элементах дизайна интерьера.

На ар-деко повлиял ар-нуво, но, в отличие от своего предшественника, он отказался от своих плавных органических форм для более сильного вида с использованием очень контрастных цветов, а также с добавлением хрома и черного.

Новый стиль ар-деко и ар-нуво в современном стиле

Урок истории окончен, я подобрал для вашего дома несколько замечательных современных вдохновений, демонстрирующих вневременные качества этих стилей…..

Crawford Розовые обои в стиле ар-деко

Обои Crawford в стиле ар-деко можно приобрести в Muralswallpaper.co.uk

Современная интерпретация культового рисунка в стиле ар-деко, эта фреска от Murals Wallpaper с пастельно-розовой палитрой в тренде. Цена 36 фунтов стерлингов/м ²

синий павлин фотообои розовый вишневый цвет

Доступен в – Iconwallstickers

Павлины были популярным выбором в период ар-нуво, и эта современная настенная роспись, хотя и в более насыщенных насыщенных тонах, идеально подходит для создания декоративной стены в вашем доме. Он напечатан с использованием новейшей технологии латексной печати HP®, экологически безопасен, нетоксичен и легко подвешивается.Цена: от 26,99 фунтов стерлингов

Обои Deco Martini от Divine Savages

Обои с мартини доступны на сайте Divinesavages.com

Divine Savages — новинка в этом квартале, и в конце этого месяца они запускают свой веб-сайт интерьеров. У них есть потрясающие товары для дома, в том числе эти обои Martini. Есть даже подходящие подставки. Вы можете зарегистрироваться здесь, так как они предлагают скидку при запуске.

Настольная лампа Eichholtz Las Palmas

Лампа Las Palmas доступна в Sweetpeaandwillow

Моя дочь просто влюбилась в эту замечательную лампу Лас-Пальмас, когда я ей показал ее, но не могла понять ее цену (945 фунтов стерлингов). Я признаю, что это довольно дорого, но на самом деле, если вы посмотрите на него, он одновременно служит и произведением искусства, и лампой. Добавляя атмосферу роскоши с его золотыми пальмовыми листьями, это идеальный способ добавить немного гламура в стиле ар-нуво в ваши дома.

RV Настольная лампа Astley Gold Cube

Лампа-куб доступна на Shrops-design.co.uk

Художники-кубисты, такие как Пикассо, повлияли на стиль ар-деко, экспериментируя с пространством, углами и геометрией. Эта кубическая лампа предлагает современный взгляд на эту эпоху, включая роскошное сочетание матового золота и черных материалов.Цена: £168,00

ТЕЛЕЖКА ДЛЯ НАПИТКОВ/БАРНАЯ ТЕЛЕЖКА

Поговорка « все старое снова становится новым» верно, когда речь идет о коктейльных шкафах. Очень модный в период ар-деко, это одна из тенденций, которая прошла полный круг. Барные тележки, шкафы для напитков, независимо от вашего выбора имени или формы, стали незаменимым домашним аксессуаром для демонстрации ваших навыков приготовления коктейлей.

Шкаф для напитков Carraway – M&S

Шкаф для напитков Carraway доступен в M&S

Шкафы для напитков и барные тележки просто необходимы для тех, кто любит развлекаться или, может быть, вам просто нравится сочетать свой алкоголь с остальным декором.В любом случае, эта барная стойка для напитков в стиле ар-деко с откидными дверцами и большим количеством мест для хранения бутылок и стаканов станет отличным украшением интерьера. На дверцах выгравирован узор в стиле ар-деко, а шкаф в целом покрыт лаком норки светло-серого цвета с деревянными ножками, окрашенными в темный цвет. Также есть соответствующий буфет. Цена: 599 фунтов стерлингов

Консоль тележки для бара Loulou

Тележка для напитков LouLou доступна в Aitkinandthyme

Если вы предпочитаете что-то более портативное, тележка для бара Loulou предлагает свободу передвижения, поэтому вы можете взять свои напитки туда, где проходит вечеринка, а не ограничиваться одним местом в вашем доме. Благодаря латунному покрытию со стеклянной столешницей и зеркальным основанием в ней достаточно места для хранения и обслуживания. Цена 299,00 фунтов стерлингов.

Ариэль Кровать с мягкой обивкой

Кровать с мягкой обивкой Ariel — доступна в Sweetpeaandwillow

Дизайнеры в стиле модерн использовали абстрактные элементы стиля рококо, такие как текстуры ракушек, в своих проектах, вдохновленных этой кроватью Ariel. Он также сочетает в себе элемент дизайна середины века с его четкими линиями и коническими ножками, которые прекрасно сочетаются с изогнутой формой корпуса в стиле модерн.Сделано вручную в Лондоне, есть выбор тканей на выбор, хотя вы можете просто выбрать это из модного мечтательного бархатного номера. Цена от 2395 фунтов стерлингов

Стул для джазового клуба

Стул для джазового клуба можно приобрести на сайте Made.com

Вдохновленный дизайном 1930-х годов, с ярко выраженным характером клубной гостиной. Идеально подходит для добавления винтажного стиля в современные или традиционные жилые помещения. Цена: £299.00

Кресло-трапеция Eichholtz

Можно приобрести у Sweetpeaandwillow

Кресло Trapezium, вдохновленное органическими ракушками, безусловно, заслуживает внимания.Представленный здесь в черном бархате и латунных ножках, или вы можете выбрать бирюзовый цвет. который идеально подходит для вашей гостиной или прихожей. Чистая элегантность и класс изобилуют этим изделием. Цена: 1090 фунтов стерлингов.

Геометрическое золотое зеркало Deco

Геометрическое зеркало Deco можно приобрести у GrahamBrown

У вас никогда не будет достаточно зеркал, и это современное зеркало в стиле ар-деко с его геометрическими формами, безусловно, заставит вас посмотреть дважды. Цена 105 фунтов стерлингов.

Ковер Silje от Linie Design для Heal’s

Ковер Silje можно приобрести в магазине Heal’s

.

Вы не сможете превзойти ни качество, ни внешний вид, и этот ковер ручной работы Silje сочетает в себе и то, и другое.Геометрический рисунок, разработанный Linie Design для Heal’s, добавит интереса и утонченности модным розовым и серым цветам. Действительно красивый ковер, я добавил его в один из моих списков желаний! Цена: 489 фунтов стерлингов

Серебряная свеча в форме колокольчика в стиле ар-деко

Свеча в стиле ар-деко доступна в Maisonsdumonde

Если вы не готовы купить что-то такое большое, как ковер, возможно, эта красивая свеча удовлетворит ваши пристрастия в стиле ар-деко. Цена 23,99 фунтов стерлингов

Что вам больше всего нравится? Я хотел бы услышать от вас!

До следующего раза, спасибо, что заглянули!

Мария х

СохранитьСохранить

Подпишитесь на нас и поставьте лайк:

Нравится:

Нравится Загрузка…

Поль Сезанн, отец современного искусства — Artmarketinsight

Сезанн занимает особое место в истории современного искусства. Отвергнутый миром искусства в начале своей карьеры, он оказал большое влияние на многих художников. Высмеиваемые при жизни, его картины сегодня являются одними из самых дорогих на мировом рынке.

История восхождения Поля СЕЗАННА на это особое место в истории современного искусства была далеко не линейной.Все началось с провала на вступительном экзамене в Школу изящных искусств… Это было в 1861 году, и Сезанн уже встал на путь, который в конечном итоге приведет к радикальному изменению западного подхода к живописи. Он уже отказался от классического стиля своей юности и начал самоутверждаться. Этот период творчества в настоящее время считается его первым в карьере, которую искусствоведы обычно делят на три. Два года спустя одна из его картин была отклонена в Salon Officiel в Париже.Эдуарда Мане постигла та же участь с его Déjeuner sur l’herbe , сегодня одним из самых престижных владений Музея Орсе. Как оказалось, эти отказы превратились в возможности, потому что в 1863 году Наполеон III санкционировал первый Салон отверженных , который позволил всем художникам, не принадлежащим к «официальным вкусам», встречаться и обмениваться идеями, включая нескольких гениев, которые в последующие годы полностью произвели революцию в живописи. .

С 1872 года Сезанн начал работать с Камиллой ПИССАРРО в Понтуазе.Дружба между двумя художниками повлияла на второй период Сезанна, характеризующийся рядом пейзажных картин. Резонанс его картин в этот период приблизил его к импрессионизму, и его работы регулярно выставлялись вместе с великими деятелями импрессионистского движения до 1877 года. Но Сезанн быстро отошел от их основного стиля в поисках альтернативного пути, который в конечном итоге стал новой формой геометрического искусства. ритм, который иногда называют его периодом «90–103 конструктивных 90–104» (примерно 1880–1888 гг.).Именно этот стиль он оттачивал и совершенствовал всю оставшуюся жизнь.

С 1878 года в своих пейзажах, натюрмортах и ​​портретах Сезанн упрощал формы и играл с их хроматическими структурами, систематически применяя к своим работам свою особую формулу: « все в природе моделируется цилиндрами, сферами и конусами» . Чаши, стулья, пионы, фрукты… Сезанн воспринимал все как формы, которые нужно было понять и нарисовать, иногда под несколькими разными углами одновременно… сверху, сбоку или по диагонали. Действительно, Сезанн деконструировал классическую перспективу. Предвосхитив кубистов, он стал ориентиром и центральной опорой современной живописи.

К счастью, путь Сезанна пересекся с путем просвещенного и заинтересованного торговца. Амбруаз Воллар обнаружил работы Сезанна в магазине художественных принадлежностей Жюльена Танги (также известного как отец Танги) и, по-видимому, был настолько впечатлен, что организовал выставку своих работ в 1895 году, купив несколько картин у художника. Он был не единственным. В последующие годы Моне, Писсарро, Дега и Ренуар приобрели несколько работ Сезанна, и его репутация продолжала расти за счет новых выставок в Волларе и ряда работ, включенных в Салон Независимых и Салон д’ Осень года.Будучи одной из излюбленных мишеней критиков и прессы (искусствовед Жорж Ривьер описывал его картины как годные только для смеха ), современность Сезанна начала менять лицо современного искусства… Хотя они никогда не встречались, Пабло Пикассо хвалил его талант несколько раз, признаваясь своему другу фотографу другу Брассаю, что Сезанн был его «единственным и неповторимым мастером» и «отцом всех авангардных художников» .

Рыночные пики

Лучшие работы Сезанна были созданы в районе Экс-ан-Прованс на юге Франции, где художник проводил большую часть своего времени после 1878 года.Для Сезанна живопись была серьезной, одинокой и требовательной деятельностью, и его отношение к своей работе отражается в предметах, к которым он чаще всего возвращался. Гора Сен-Виктуар была фаворитом до его смерти, как и натюрморты со смешанными перспективами и точками зрения. Эти более поздние работы пользуются наибольшим спросом на рынке, иногда их стоимость превышает 20 миллионов долларов. 10 мая 1999 года крупное полотно под названием «Ридо, крюшон и компотье» (1893/1894) стало самым дорогим в мире натюрмортом, когда-либо проданным на аукционе (Sotheby’s, Нью-Йорк).Принадлежавшая, в частности, Амбруазу Воллару, Полу Розенбергу и Альберту Барнсу, работа принесла рекордную историческую сумму в 60 миллионов долларов. С тех пор ни одна из картин Сезанна не достигла этого порога, прежде всего потому, что очень немногие из его высококачественных работ поступают на вторичный рынок. С другой стороны, версия его Joueurs de cartes (символическая серия, над которой Сезанн работал с 1890 по 1896 год) была продана гораздо дороже в рамках частной продажи, когда она была приобретена королевской семьей Катара более чем за 250 долларов. млн в 2012 году.Эта сделка вызвала в то время сенсацию как самая дорогая из когда-либо зарегистрированных произведений изобразительного искусства. С тех пор он был побит Salvator Mundi Леонардо да Винчи, который был приобретен за 450 миллионов долларов в ноябре 2017 года саудовским принцем. Тем не менее… в ценовом отношении Сезанн, несомненно, входит в десятку лучших художников мира. Его «благоразумие» на аукционном рынке в основном связано с дефицитом крупных произведений в обращении.

Скрытые рисунки

Работы Сезанна на бумаге чуть менее редки.Одна из его последних важных акварелей появилась на парижском аукционном рынке в декабре прошлого года. Нарисованная в конце его жизни, эта 60-сантиметровая работа под названием Intérieur de forêt (1904-1906) была продана за 6,8 миллиона долларов в Hôtel Drouot в Париже, что является самой высокой аукционной ценой, когда-либо зарегистрированной для работы Сезанна во Франции. В самом деле, несмотря на редкость, рынок, без сомнения, преподнесет «отцу современного искусства» новые сюрпризы, особенно с учетом того, что случайные работы появляются, так сказать, из ниоткуда, как мы еще раз видели два года назад, когда руанский оценщик Нормандия — Аукцион обнаружил небольшую неподписанную, но замечательно выполненную акварель в доме на севере Франции.Отчет второго оценщика подтвердил, что этот Этюд фигуры (размером всего 10 на 7 см) действительно был Сезанна… и работа сразу же была продана за 124 000 долларов, то есть в четыре раза выше ее высокой оценки (на аукционе Дельфин Фремо-Лежен — Нормандия) 18 декабря. 2016.

Какие существуют виды современного искусства? – ЦАИ

Введение: какие существуют типы/категории современного искусства?

С тех пор, как модернизм сменился постмодернизмом, произошел взрыв различных видов искусства.Когда-то существовало четыре вида изобразительного искусства: живопись, скульптура, рисунок и эстамп. Можно сказать, более простые времена. И, пожалуй, ты прав. Новые возможные виды искусства возникли по мере того, как визуальные художники интегрировали технологические разработки, а новые способы мышления из-за постмодернизма раздвинули границы традиционных форм искусства, переопределив то, чем может быть искусство.

Различные виды современного искусства: живопись, скульптура, рисунок, гравюра, коллаж, цифровое искусство/коллаж, фотография, видеоарт, инсталляция, лэнд-арт, (публичное) интервенционное искусство и перформанс.

Мягко говоря, много слов, однако многие из этих двенадцати видов искусства связаны друг с другом, и часто неясно, где кончается один вид и берет верх другой, так как они тесно переплетены. Кроме того, существуют также определенные типы комбинаций, такие как скульптор, основанный на перформансе, публичное вмешательство в манере ленд-арта или художник, основанный на коллаже.

В результате мы перечислили вышеупомянутые типы контемпорари в четкий обзор с примером и четким определением. Итак, без лишних слов, начнем с первого вида современного искусства.

Обратите внимание: если вы сами художник, обязательно прочитайте нашу статью «Как добиться успеха в качестве художника». Или зайдите на страницу Услуги для художников , чтобы попасть в CAI, или запросите профессиональную консультацию один на один.

1. Окраска

Отправляемся с покраской! Живопись неоднократно объявлялась мертвой в истории искусства, вспомните культовую статью Дугласа Кримпа «Конец живописи». Однако живопись никуда не денется и была (и, возможно, остается) одной из самых актуальных форм искусства.

В живописи мы имеем с одной стороны спектр абстракции, а с другой — репрезентативную живопись. Сегодня оба вида живописи — или их комбинация — современны и весьма актуальны. Вспомните Герхарда Рихтера, который переходит от чистой абстракции к фотореалистичным картинам или к воплощению техник старых мастеров в предельно современной манере.

При покраске на двумерной поверхности работают влажным веществом. Это вещество чаще всего представляет собой краску, акрил или масло и обычно наносится на хлопковый или льняной холст, деревянную панель или на медную / металлическую пластину. Однако сегодня у нас также есть художники, такие как Ансельм Кифер, которые рисуют металлом или объединяют найденные объекты, бросая вызов границам живописи со скульптурой.

У нас есть отдельная статья о самых известных живописцах современности, описывающая текущее состояние искусства, когда речь идет о живописи как отдельном виде или категории в современном чтении.Прочтите статью здесь. И, если вы сами художник, обязательно прочитайте нашу статью о том, как добиться успеха в качестве художника/художника, где обсудите все, что вам действительно нужно знать, чтобы добиться успеха, но никто вам об этом не говорит. Узнайте здесь.

Чтобы узнать больше о современной живописи, прочитайте нашу статью «Современная живопись: полный обзор». Кроме того, я настоятельно рекомендую Painting Today Тони Годфри. На данный момент это, пожалуй, лучшая и самая полная книга по живописи на сегодняшний день!

Герхард Рихтер, Abstraktes Bild, 2015.Холст, масло – 92 х 122 см. Предоставлено художником.

2. Скульптура

Далее мы имеем традиционную художественную форму скульптуры в современном контексте. Скульптура — это трехмерная форма искусства, чаще всего практикуемая с использованием мрамора, дерева, меди или бронзы. Сегодня эти традиционные материалы остаются наиболее используемыми современными скульпторами.

Однако с последними технологическими разработками появилось больше возможностей, поскольку новые материалы и техники используются современными художниками из-за их постоянного поиска экспериментов и поиска новых путей.В результате можно встретить скульптуры из плексигласа, стекловолокна, эпоксидной смолы, воска, стали, а иногда даже из электронных и кинетических устройств.

Как и в случае с живописью, скульптор может выбрать изобразительную скульптуру, такую ​​как знаменитые скульптуры Джеффа Кунса (см. изображение ниже) — например, его собак из воздушных шаров или гигантские головы Марка Мандерса. Кроме того, в современной скульптуре есть подкатегория гиперреализма, в которой человеческие фигуры воссоздаются так, как если бы они были настоящими людьми.С другой стороны, у нас есть абстрактная скульптура, такая как минималистские скульптуры Дональда Джадда кубических форм, абстрактные стальные скульптуры Фрэнка Стеллы или скульптурные зеркала Аниша Капура, и это лишь некоторые из них.

Необходимо также добавить тонкую грань между современной скульптурой и искусством инсталляции (см. ниже). Очень часто скульптуру можно рассматривать как инсталляцию и наоборот. Оба представляют собой трехмерные произведения искусства, сделанные из различных возможных материалов. Однако скульптура чаще всего рассматривается как инсталляция, когда используются реди-мейды или когда она вбирает в себя и создает свою собственную среду.

Откройте для себя современное состояние скульптуры с другим классическим набором Phaidon Sculpture Today Джудит Коллинз.

Джефф Кунс, воздушный шар Venus Lespugue (красный), 2013–2019 гг. Предоставлено Дэвидом Цвирнером / Джеффом Кунсом (с)

3. Чертеж

Искусство начинается с рисования. Древняя поговорка с очень сильным основанием истины. Искусство начинается там, где художник делает отметку карандашом на бумаге. Это основа визуального образования.

С тех пор, как модернизм освободил искусство от академических условностей, это представление о рисовании как основе черты художника немного изменилось, поскольку художнику больше не нужно быть хорошо обученным рисовальщиком.Можно возразить, что это негативная тенденция, сводящая рисование к тривиальному занятию. Однако, похоже, верно и обратное.

С модернизмом и до сегодняшнего дня в эпоху постмодерна рисунок завоевал свое место среди форм искусства. Рисунок часто представлялся менее ценным произведением искусства по сравнению с живописью или скульптурой, поскольку зачастую он был просто этапом в процессе создания произведений искусства или частью образования художника.

Сегодня это форма искусства, поскольку современные художники посвящают свою жизнь и карьеру рисованию.Подумайте о впечатляющем творчестве Ринуса Ван Де Вельде и его монументальных рисунках углем, основанных на студийных инсталляциях (см. изображение ниже).

Ринус Ван де Вельде, Два года по десять часов в день, (…), 2021. Холст, уголь, художественная рама — 180 x 180 см. Предоставлено галереей Тима Ван Лаэра.

4. Изготовление гравюр

Далее у нас будет гравюра. Генезис гравюры можно найти около 1450 года в Гутенберге, Германия. Резьба по дереву, за которой последовали гравюры, офорты и литография, позволили (вос)воспроизвести множество произведений искусства, что привело к широкому распространению изображений, действовавших как катализатор и ксеногамия для искусства.

До сегодняшнего дня гравюра была важной художественной категорией, когда речь шла о распространении изображений и произведений искусства. Из-за того, что гравюра предлагает несколько предметов, цены ниже, и коллекционеры могут приобретать работы художников, которые недоступны, когда речь идет о ценовом диапазоне.

Более того, некоторые художники совершенствуют гравюры и возвышают практику до формы искусства. Подумайте о южноафриканском рисовальщике Уильяме Кентридже и его творчестве лучших гравюр, посвященных среде (см. Изображение ниже).

Уильям Кентридж, Carnets d’Egypte, 2010. Оригинальная гравюра, офорт и сухая игла с копией книги «Carnets d’Egypte» с подписью – 16 × 22 см. Выпуск 50. Courtesy Dilecta, Париж.

5. Коллаж

Коллаж — это художественный акт создания совокупности различных форм, материалов или изображений. Это была художественная практика в Европе примерно с 1500-х годов, но никогда не рассматривалась как настоящая форма искусства.

Однако с появлением современного искусства коллаж как форма искусства процветал на протяжении всего 20 века.Подумайте о таких художественных течениях, как кубизм, дадаизм или сюрреализм, в которых коллаж был воплощен в «высоком искусстве». В результате коллаж стал важным видом современного искусства.

Сегодня художников-коллажистов больше, чем когда-либо прежде. Коллаж фактически стал одной из самых распространенных практик, когда дело доходит до «создания образа». В эпоху постмодерна, когда присвоение играет огромную роль, коллаж является важной стратегией создания нового изображения путем заимствования подержанного материала.Подумайте о коллажах Адриана Гени и о том, как они сформировали его визуальный язык, когда дело доходит до живописи (см. изображение ниже).

Адриан Гени, Этюд для бикини, 2018. Коллаж на бумаге — 18,2 × 22,4 см. Предоставлено Таддеусом Ропаком.

6. Цифровое искусство/коллаж

С появлением цифрового искусства и программного обеспечения, такого как Photoshop, появился новый тип искусства, который мы называем цифровым коллажем. Цифровой коллаж состоит из создания нового изображения на основе подержанных изображений или фотографий с использованием цифрового программного обеспечения.

Хотя такие программы, как Photoshop или Paintbox, существуют уже некоторое время, цифровой коллаж лишь недавно был признан настоящим видом высокого искусства. Подумайте о завораживающих коллажах художника цифрового коллажа Йорга Карга (см. изображение ниже).

Йорг Карг, Dancing Fearless, 2020. Цифровой коллаж, напечатанный в Diasec — 130 x 120 см. Предоставлено галереей CAI.

7. Фотография

Далее, есть художественная форма фотографии. Говоря о фотографии как о виде искусства, чаще всего говорят о «художественной фотографии».С тех пор, как появилось понятие фотографии как формы изобразительного искусства, фотограф стал художником.

Сегодня фотография вездесуща в мире искусства, а ведущие фотографы, такие как Дирк Брекман или Вольфганг Тильманс (см. изображение ниже), лидируют в отрасли и получают столько же похвал, сколько и их коллеги, занятые, например, живописью.

Кроме того, многие художники-перформансисты полагаются на фотографию, чтобы запечатлеть свое искусство и заморозить его во времени и пространстве.

Вольфганг Тильманс, «Хрупкие волны», 2016. Струйная печать на бумаге, скрепки — 138 × 207 см. С разрешения Regen Projects, Лос-Анджелес.

8. Видеоарт

То же самое можно сказать и о видеосъемке. Художники интересовались движущимися изображениями с момента их зарождения, экспериментируя с кино и видео. Вспомните абстрактные видео Ласло Мохой-Надя или минималистичные фильмы Энди Уорхола.

Сегодня видеоарт является одним из наиболее распространенных видов искусства среди мультидисциплинарных художников, например, Лаура Пруво или Анри Сала.А еще есть настоящие видеохудожники, чья практика состоит исключительно из искусства с помощью фильма. Видео как произведение искусства, а режиссер как художник. Подумайте о кинематографических произведениях вездесущего Билла Виолы (см. фильм еще ниже).

Чтобы получить полный обзор видеоарта, откройте печатную публикацию Видеоарт: первые 50 лет , недавно опубликованную Phaidon.

Билл Виола, «Буря» (этюд для плота), 2005 г. видео высокой четкости на плоской ЖК-панели, закрепленной на стене. Предоставлено галереей Натали Серусси.

9. Установка Арт.

Далее у нас есть инсталляционный арт. Инсталляции, тесно связанные с художественным движением концептуального искусства, представляют собой трехмерные произведения искусства, существующие из одного или нескольких объектов в пространстве или как пространство  sich.

В искусстве инсталляции использование готовых изделий, таких как стул в культовом произведении Джозефа Кошута «Один и три стула » (см. изображение ниже), является очень распространенной практикой. Инсталляционное искусство можно рассматривать как современный тип скульптуры, в котором различные материалы используются нетрадиционным образом, что отличает его от традиционной скульптуры.

Сегодня инсталляция – один из самых практикуемых видов современного искусства. Для дальнейшего чтения об искусстве инсталляции мы рекомендуем книгу «Искусство инсталляции: между изображением и сценой».

Джозеф Кошут, Один и три стула, 1965. Деревянный складной стул, смонтированная фотография стула и смонтированное фотографическое увеличение словарного определения слова «стул», Стул 82 x 37,8 x 53 см, фотопанель 91,5 x 61,1 см, текст панель 61 х 76,2 см. м. Собрание Музея современного искусства, Нью-Йорк.

10. Лэнд-арт

Следующим видом искусства также является художественное направление под названием лэнд-арт. В лэнд-арте художник выступает как ландшафтный архитектор, преображающий окружающую среду. Самым известным примером этого движения и типа современного искусства является Спиральная пристань Роберта Смитсона 1970 года (см. изображение ниже).

Лэнд-арт также может быть в меньшем масштабе, подумайте о художниках, таких как Ян Веркруйсс, проектирующих городской парк или частный сад, включающих скульптуры и природные элементы в качестве строительных камней для своих произведений искусства.

Узнайте все о ленд-арте из книги Джеффри Кастнера и Брайана Уоллиса « Земля и окружающая среда».

Роберт Смитсон, Spiral Jetty, 1970. Различные размеры. Предоставлено художником.

11. (Общественное) Вмешательство Статья

Как и в лэнд-арте, в Intervention Art художник вмешивается в определенную среду. В то время как в ленд-арте интервенция происходит в ландшафте или природной среде, (публичное) интервенционное искусство происходит в городской среде.

Делая интервенцию, большую или маленькую, художник заставляет обитателя эпохи осознать свою среду, подумать о зданиях, окутанных Христо и Жанной-Клод, мостах, скульптурах и даже островах (см. изображение ниже).

Христо и Жанна-Клод, Завернутый Рейхстаг, Берлин, 1971–95. Фото: Вольфганг Фольц. С уважением художники.

12. Перформанс

В завершение мы остановимся на последнем виде современного искусства — перформансе. Перформанс возник в 60-х и 70-х годах и до сих пор является доминирующей формой искусства.В искусстве перформанса нет объекта, скорее хеппенинг — это само произведение искусства.

No related posts.