Модерн в графике: Графика модерна

Модерн в графике реферат по архитектуре

МОСКОВСКИЙ АРХИТЕКТУРНЫЙ ИНСТИТУТ РЕФЕРАТ СТИЛЬ «МОДЕРН» В ЖУРНАЛЬНОЙ ГРАФИКЕ, АФИШЕ И ДЕКОРАТИВНОМ ИСКУССТВЕ РУБЕЖА СТОЛЕТИЙ МОСКВА, 2004 Модерн (фр. moderne — современный) — художественный стиль в европейском и американском искусстве конца XIX — начала XX вв. (другое название — Арт Нуво). Движение стиля Арт Нуво (Art Nouveau), которое возникло в конце 19 века и характеризуется орнаментальностью и волнистостью линий, заимствованием своих оригинальных узоров в природных формах флоры и фауны и трансформацией их то в изгиб цветка на ветру, то в танцевальное па (движение драпировок и складок юбок танцовщиц представляли почти идеальный сюжет для художников Арт Нуво, так как давали возможность показа огромного количества волнообразных линий). Арт Нуво как стиль и как движение искал единства выразительности во всех формах искусства и дизайна. Дизайн ткани и обоев приравнивался к дизайну лампы, книжного переплёта, ожерелья, здания или плаката. Целью декоративного движения Арт Нуво было облагородить и объединить в единый ансамбль все аспекты и предметы повседневной жизни. Это достигалось с помощью плоскостного, стилизованного оформления, где внимание притягивалось к поверхностному орнаменту, а не к чему-то иллюзорному, как в традиционной живописи. Часто одинаковое значение придавалось активному и пассивному пространству, то есть пространство, и формы между линиями были не менее важны, чем сами линии и очерченные ими формы. Основа стиля Арт Нуво заключена в качестве линии: линия является живой, развивающейся силой, оживляющей неживое и передающей энергию декорируемой поверхности. Графика явилась одной из основных и наиболее выразительных сфер применения Арт Нуво. В Англии в рамках стиля получила большое распространение книжная и журнальная графика. Обри Бердсли, как иллюстратор книг Оскара Уайльда и многих других произведений, от древнегреческой драмы до стихов Александра Попа, внес значительный вклад в развитие модерна. Обри Винсент БЕРДСЛИ (Beardsley Aubrey Vincent) (1872-1898) Бердсли более всего известен как иллюстратор книг Оскара Уайльда, но ему принадлежат и иллюстрации ко многим другим произведениям, от древнегреческой драмы до стихов Александра Попа. Литературные образы в его интерпретации выглядят очень субъективными, подчас болезненно- гротескными. Бердсли родился 24 августа 1872 в Брайтоне, он не получил серьезной профессиональной подготовки и осваивал азы художественного мастерства, копируя произведения старых мастеров. К 1895 его стиль уже можно считать сформировавшимся: для него характерна волнообразная твердая линия рисунка, разграничивающая пятна черного и белого цветов, полутона и фактура предметов передаются с помощью перекрестной штриховки и гравировки пунктиром. Этот манерно-изысканный стиль, идеально соответствовавший литературным пристрастиям Бердсли, сделал его ведущей фигурой искусства стиля модерн. Первый крупный заказ Бердсли — иллюстрации к изданию романа Смерть короля артура Томаса Мэлори (1892). Мировую известность художнику принесли эротические рисунки к Саломее Оскара Уайльда, созданные четыре года спустя. Для некоторых книг Бердсли помимо иллюстраций разрабатывал макет, титульный лист, форзацы и рисунок обложки. В числе изданий, Альфонса Мухи повлияло на тенденции развития символизма. Важную роль здесь сыграли созданные им с 1896 по 1902 год декоративные панно, почти обязательно включавшие романтические изображения грациозных девушек и женщин. Роковые женские фигуры, часто аллегорические, в фантастических костюмах, среди декоративных драпировок, с роскошными шапками прекрасных волос — характерный признак работ Альфонса Мухи. Одна за другой проходили его выставки, появлялись восторженные отзывы в печати. Художник становится владельцем новой большой мастерской, он принят в высшем свете — одним словом, к нему приходит заслуженная слава. Альфонс Муха создал стиль «art nouveau», который стал воплощением его эпохи, но одновременно он попал в порочный круг коммерческих заказов. Однако сегодня именно эти произведения, созданные им в «Парижский» период, считаются самым ценным его вкладом в сокровищницу мирового искусства. Кроме графических и живописных работ, рисунков, скульптур и ювелирных изделий Альфонс Муха создает архитектурные проекты. Одним из них является проект дизайна и декоративных украшений павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. В 1906 году Альфонс Муха уезжает в Америку, чтобы заработать деньги, необходимые для осуществления мечты всей его творческой жизни: создания картин во славу своей Родины и всего славянства. В этом же году он женится на своей ученице Марии Хитиловой, которую он страстно любил, и которая была моложе его на 22 года. В 1910 году он возвращается в Прагу, и все свои силы сосредотачивает на «Славянской эпопее». Этот монументальный цикл был передан им в дар чешскому народу и городу Праге, но не имел успеха у критики. После провозглашения в 1918 году Республики, Альфонсу Мухе было поручено изготовление первых чехословацких почтовых марок, денежных знаков и государственного герба. Альфонс Муха скончался 14 июля 1939 года — ровно через 4 месяца после оккупации Чехии и Моравии нацистскими войсками и за 10 дней до своего семидесяти девятилетия. Литература: Западноевропейское искусство второй половины 19 века. Сборник статей. М.: Искусство, 1975. Арт Нуво: Дух прекрасной эпохи Стерноу Сюзанна А. / Пер. с англ., Белфакс, 1997. Анри де Тулуз-Лотрек. Грутрой Г. / Пер. с англ., Белфакс, 1996. Альфонс Муха Рита Снайп, статья, www.mucha.nm.ru

Модерн в рекламной графике. Плакат

1. МОДЕРН В РЕКЛАМНОЙ ГРАФИКЕ

История дизайна, науки и техники
Тема 6
МОДЕРН В РЕКЛАМНОЙ ГРАФИКЕ
1

2. Считается, что первый в истории рекламный плакат напечатал книготорговец Батдольд в 1482 г. для рекламы нового издания

История плаката
Считается, что первый в истории рекламный плакат напечатал книготорговец
Батдольд в 1482 г. для рекламы нового издания «Геометрии» Эвклида».
• Новая жизнь плаката, в том числе рекламного,
началась в ХIХ веке. Собственно, тогда
появилось и само это слово.
• Русский вариант — калька с немецкого «das
Plakat».
• В Англии и США использовалось название
«poster», происходящее от слова «почта».
Считается, что в этих странах подобные листы
вывешивали прежде всего около
многолюдных почтовых станций.
• Во Франции прижилось слово «affich» — афиша.
2
История плаката
• В 1796 г. немец Алоиз Зенефельдер изобрел
новый способ печатания изображений. На
специальный камень химическим составом
наносился рисунок, затем камень покрывался
краской, ложившейся только на след состава.
• В 1838 парижанин Годфруа Энгельман открыл
метод хромолитографии.
• В 1865 австрийский барон фон Рансонет изобрел
метод фотохромолитографии, основанный на
применении фотографического изображения и
позволявший получать практически любые цвета
за счет трех красок — синей, красной и желтой.
3

4. Плакаты середины XIX века были простыми: их выразительность определялась типографскими возможностями. До 1860-х годов плакат

История плаката
Плакаты середины XIX века
были простыми: их
выразительность
определялась типографскими
возможностями. До 1860-х
годов плакат оставался
монохромным и почти не
отличался от других видов
иллюстраций.
В конце XIX века симбиоз
модерна и хромолитографии
ознаменовал завершение
длившейся столетие вялой
эволюции рекламной
графики. Произошел как бы
взрыв невиданной ранее
мощи, потрясший сферу
рекламы и культуры в целом.
4

5. «Отцом» рекламного плаката в современном его виде считается француз Жюль Шере(1836-1932), график и декоратор сцены, основавший

«Отцом» рекламного плаката в
современном его виде считается француз
Жюль Шере(1836-1932), график и
декоратор сцены, основавший в 1866 г.
небольшую литографию в Париже,
создавший между 1860- 1900 гг. более
2000 плакатов
Ж.Шере, Бумага для сигарет, 1895
Ж. Шере ,Пантомима света, 1892
Ж.Шере, Театрофон, 1890
5

6. Художник и график Пьер Боннар (1867—1947) буквально ворвался в художественный мир с плакатом 1891 года «France — Champagne»

(«Французское шампанское»). Работы
Боннара прекрасно передают дух
времени, атмосферу эпохи конца ХIX в.
Он работает над силуэтом, умеет
извлечь из линии и пятна максимум
выразительности, остро схватывая
характер явления.
Пьер Боннар, плакат «Французское шампанское»,
1891
6

7. В те годы П. Боннар находился под влиянием японской гравюры по дереву. Стремясь сохранить плоскость стены, П.Боннар не всегда

следует законам прямой перспективы,
обобщает формы, нивелирует эффекты светотени; реальные предметы и фигуры
превращаются подчас в декоративные арабески, объемы — в цветовые пятна, а сами панно
уподобляются красочным гобеленам.
П.Боннар, плакат Ревю-Бланш, 1894
П.Боннар, плакат Прачка, 1896
7

8. Анри де Тулуз-Лотрек (1864—1901), французский живописец, рисовальщик, литограф.

Недостягаемыми
образцами
рекламного
искусства стали
афиши парижских
кабаре, созданные
великим А. ТулузЛотреком в 90-х
годах XIХ века.
8

9. На Монмартре А. Тулуз-Лотрек находил сюжеты для большинства работ: кабаре и танцзалы («Диван Жапоне», «Мулен де ла Галетт» и

особенно «Мулен Руж»)
9

10.

А. Тулуз-Лотрек создал множество цветных рисунков, посвященных цирку и циркачам, рисунки и литографии с изображениями велосипедистов,
жокеев и других спортсменов, портреты
выдающихся актеров и актрис
10

11. А. Тулуз-Лотрек одним из первых серьезно занялся созданием афиш, он поднял жанр рекламного плаката до уровня высокого

искусства.
Парижский канкан. Афиша кабаре. 1893 г.
11

12. В афише 1892—1893 годов «Le Divan Japonais» («Японский диван» — название кафе) изысканно-манерный черный силуэт женщины

(танцовщицы
Джейн Авриль, которую А. ТулузЛотрек высоко ценил)
воспринимается как знак —
иероглиф на более светлом фоне,
все остальное лишь поясняет
смысл главного знака,
аккомпанирует ему.
12

13. Плакат «Джейн Авриль» (1899), никогда не использовавшийся для рекламы (ее патроны посчитали его вызывающим и двусмысленным),

можно считать
пиком развития модерна (ар нуво)
в творчестве художника.
13

14. Афиши постимпрессиониста и литографа А. Тулуз-Лотрека были в те годы настолько популярны, что парижане занимались их

коллекционированием,
отдирая от стен, пока не высох клей.
14

15. Имя ему сделали афиши спектаклей с участием примы парижской сцены — Сары Бернар.

Подлинным проводником нового
течения — модерна — в массы стал
чешский художник и график Альфонс
Мария Муха (1860—1939).
Имя ему сделали афиши спектаклей с
участием примы парижской сцены Сары Бернар.
Альфонс Муха. Дизайн шрифта
в стиле ар нуво
15

16. Особенностью А.Мухи было чрезвычайно широкое использование в рекламе романтизированного женского образа, независимо от того,

имел ли он хоть
какое-то отношение к рекламируемому товару или услуге.
Рекламный плакат сигаретной бумаги «Иов». 1896
16

17. Асимметрия и экзотика, парадоксальность и иррационализм — кредо модерна. А.Муха довел это разнообразие и утонченность форм до

абсолюта.
17

18. А.Муха впервые использовал эротический подтекст для привлечения внимания к самым разнообразным товарам, порой бесконечно

далеким от женщин в
реальной жизни
А. Муха, Транспортные услуги, 1902
18

19. С легкой А.Мухи руки использование женских красот в рекламе стало традиционным.

А.Муха, реклама синьки торговой марки «Дешам»,
1897
Реклама духов Opium, 2008
19

20. Альфонс Муха не менее изобретателен и в формах украшений, столовых приборов, мебели и т.д.. Издание в 1902 г. сборника

«Documents deco-ratlfs» (72 таблицы с проектами А.Мухи)
сыграло роль рекламы стиля и самого автора рисунков.
Реконструкция ювелирного магазина Фуке. 1900
Эскиз витража собора св. Вита. 1931
20

21. Ван де Вельде создал одно из наиболее абстрактных графических произведений ар нуво — плакат «Тропон» (1899). Плакат

рекламировал
продукт фирмы Тропон
производящей пищевые
концентраты — «самый
концентрированный из
видов питания» и
воплощает центральный
для всего стиля элемент
«удар бичем».
21

22. Обри Бердслей работал в жанре малой рекламной полиграфии и создал макеты рекламных листовок к журналам и альманахам, объявлений

о новых
книгах, обложки каталогов
книжных аукционов,
пригласительных билетов на
великосветские мероприятия.
О. Бердслей, обложка журнала «Студио» ,1893
22

23. В иллюстрациях Обри Бердслея 1893-1894 гг. к книге «Смерть Артура» английского писателя ХV века Томаса Мэлори нельзя не

В иллюстрациях Обри Бердслея 1893-1894 гг. к книге «Смерть Артура»
английского писателя ХV века Томаса Мэлори нельзя не почувствовать обаяние
эпохи Ренессанса. Большая часть изображений построена на контрасте тёмного
фона и светлых фигур, прорисованных изящными линиями
О. Бердслей, страницы из книги «Смерть короля Артура» Т. Мэлори, 1893-1894
23

24. Иллюстрации к пьесе Оскара Уайльда «Саломея» (1894 г.) демонстрируют иные грани творчества Обри Бердслея . Здесь он «дерзок,

Иллюстрации к пьесе Оскара Уайльда «Саломея» (1894 г. ) демонстрируют иные
грани творчества Обри Бердслея . Здесь он «дерзок, экстравагантен, язвителен».
Рисунки, выполненные на светлом фоне, завораживают игрой линий силуэтов.
О.Бердслей, иллюстрации к книге О.Уайльда «Саломея», 1894
24

25. Много сил отдавал Обри Бердслей оформлению журналов «Желтая книга» и «Савой». Рисунки для обложек и полей, лаконичные,

остроумные, изящные,
полны едкого юмора
О. Бердслей, обложки журнала «Желтая книга», том II и том IV
О. Бердслей, «Желтая книга», том III
О.Бердлей, обложка серии
25
издания «Библиотека Пьеро»

26. Имя австрийского художника Густава Климта (1862 — 1918) неразрывно связано со стилем модерн.

Плакат к первой выставке Сецессиона,1898
26

27. Будучи лидером венского Сецессиона, Г. Климт стал одним из самых смелых экспериментаторов. Его картины всегда вызывали споры и

критику. Пример тому «Юдифь» и
«Саломея»
Г.Климт, Юдифь,1901
Г.Климт, Саломея,1909
27

28.

В 1902 г. Г.Климт выполнил грандиозный цикл панно «Бетховенский фриз», посвящённый Девятой симфонии Людвига ван Бетховена в В 1902 г. Г.Климт выполнил грандиозный цикл панно «Бетховенский фриз», посвящённый
Девятой симфонии Людвига ван Бетховена в интерпретации Рихарда Вагнера. В 1902 году
члены венского Сецессиона устроили выставку, приурочив ее к открытию памятника
Людвигу ван Бетховену
Г.Климт, Бетховенский фриз (фрагмент панно «Враждебные силы»), 1902
28

29. Творчеству Густава Климта присущи все характерные признаки стиля модерн: тяготение к символике и сложным аллегорическим

образам, стремление к
необычным, декоративным эффектам, желание экспериментировать.
Г. Климт, Поцелуй, 1904-1907
29

30. Значительное место в творчестве Г. Климта занимал портрет. Одним из самых оригинальных стал портрет Адели Блох-Бауэр.

Г.Климт, Портрет Адели Блох-Бауэр, 1907
30

31. Среди авторов модерна был и всемирно известный архитектор и дизайнер, основатель Школы Глазго англичанин — Чарльз Ренни

Макинтош.
Рекламный плакат Шотландского музыкального ревю, 1896
31

32. Промышленное перевооружение, происходившее в России, затронуло и полиграфию . К началу ХХ века техника хромолитографии занимает

особое
положение в печатной отрасли. В
типографиях устанавливается
новейшее оборудование, качество
изданий резко повышается.
Это нашло отражение в развитии
рекламной графики и плаката в
России.
Российские печатники начинают
использовать объявления для рекламы
собственного дела.
Рекламный календарь Товарищества И.Д.Сытина
32

33. К числу видных фигур в полиграфии тех лет относился владелец, пожалуй, лучшей частной типографии в России P.P. Голике. Вокруг

издававшегося им с
начала 1890-х годов богато
иллюстрированного журнала
«Шут» сплотилась группа
художников, начавших
позднее работать в плакате и
рекламе.
Реклама подписки на журнал «Шут», 1907
33
До самого конца XIX века в России не знали термина «плакат». Использовалось
понятие «афиша», которое применялось для обозначения практически
любой массовой печатной продукции — от воззваний до объявлений
рекламного характера (торговых, зрелищных и пр.).
Plakat (от франц. Plakard — объявление, афиша)
34

35. В прикладной графике — плакате условно можно выделить три направления: неорусский стиль, стиль модерн, коммерческая реклама.

Неорусский стиль (как
одно из самобытных
проявлений модерна в
целом и его графической
ветви) строился на
заимствовании мотивов
прошлого, питался
образами исторического
наследия русской
культуры. Его яркими
представителями были
И. Билибин, В. Васнецов.
35

36. От живописца Виктора Михайловича Васнецова (1848—1926) ведет свою родословную фольклорная тематика прикладной графики. Он

От живописца Виктора
Михайловича Васнецова (1848—
1926) ведет свою родословную
фольклорная тематика
прикладной графики. Он работал
и в таком жанре как графика
меню.
Связанные со знаменательными
датами (венчание на царство,
юбилей царского дома,
учреждение орденов и т.д.), они
были большого формата и хорошо
оформлены.
36

37. Иван Яковлевич Билибин (1876— 1942), создатель стилизаторского направления в оформлении русских сказок, названного его именем

(особенные графические
приемы, почерпнутые из
русского лубка, современного
ему французского и японского
искусства
И.Я.Билибин, иллюстрация к русским былинам. 1913
37

38. И. Я. Билибин сотрудничает с журналом «Жупел» , первый номер которого увидел свет 2 декабря 1905 года. В «Жупеле»,

просуществовавшем недолго
(вышло всего три номера) и вскоре запрещенном, появляются его
антимонархические карикатуры
И.Я. Билибин, Царь Горох. Иллюстрация из
журнала «Жупел». 1905
И.Я.Билибин, «Осел». Карикатура для
журнала «Жупел». 1906
38

39.

И.Я. Билибин сотрудничает в журналах «Народное образование» и в символистском «Золотом руне», делает рисунки игральных карт, экслибрисов, рисует афиши.
И.Я.Билибин, Рисунки для колоды игральных
карт. 1911
Обложка сборника «Под сводами». 1908
39
И.Я.Билибин
Пивоваренный завод
«Новая Бавария»,
Плакат. 1903
40

41. Традиционализм был популярен в самых разных слоях населения. Именно поэтому рядовая коммерческая реклама «имитировала

Традиционализм был популярен в самых
разных слоях населения. Именно поэтому
рядовая коммерческая реклама
«имитировала имитацию», использовала
приемы и образы традиционалистов,
правда, на другом художественноэстетическом уровне. В «рядовой»
рекламе «по русским мотивам»
господствовал китч, хотя и в достойном
полиграфическом исполнении.
Русский китч начала ХХ века.
Автор неизвестен
41

42. В конце XIX — первой трети XX века вопрос взаимодействия художественного и технического творчества был одним из наиболее

актуальных.
В этот период в печатном
производстве граница между
профессиональными обязанностями
художника и ремесленника была весьма
условной, много и охотно говорили о
призвании, о путях развития печатного
дела. Так, художник мог определять
вариант набора и шрифтовое
оформление, в то время как
ремесленник брался за гравировальную
иглу, а опытный акцидентный наборщик
мог позволить себе свысока отвергнуть
замечания художника
42

43. Тонкая грань, отделявшая печатное ремесло от художественного творчества, оставалась в этот период не вполне определенной.

43

44. Львиная доля проектной графики на рубеже XIX — начала XX века исполнялась акцидентными наборщиками (акциденция — от лат.

accidentia, случай,
случайность, — художественные,
типографские работы: бланки,
объявления, афиши,
пригласительные билеты и т. п., в
наборе которых используются
разнообразные декоративные
шрифты, линейки, узоры,
предметно-сюжетные украшения. )
44

45. Акцидентный наборщик отличается от своих коллег главным образом тем, что должен больше остальных заботиться о художественной

стороне своей профессии, должен
уметь найти и воспринять все
красивое и стремиться неотступно к
своему дальнейшему развитию.
45

46. Со временем отрасль мелочных работ отделится от остальных ветвей типографского дела совершенно, но тогда для этого потребуются

специально подготовленные рабочие.
Но еще не ясны были пути творческого самоопределения новых специальностей, которые
на профессиональной основе могли бы осуществлять массовое проектирование
графических работ для рекламы
46

47. Как правило, перед набором печатной работы в типографии исполнялся эскиз. На бумаге установленного формата бегло распределялись

главные строки и группы текста,
обозначались предполагаемые украшения. Очень многое зависело от вкуса и опыта
акцидентного наборщика.
47

48. Техника воспроизведения в начале XX века позволяла печатать рекламу для магазинов, всевозможные упаковки для конфет, парфюмерии

и пр. очень сложной формы, что
требовало наличия в типографии специальных вырубных форм
48

49. При разработке печатной рекламы самой трудной была проблема сохранения стилевой чистоты в художественном решении; принципиально

важно было
избежать смешения орнаментов
противоположных стилей и совместного
применения орнаментов и шрифтов
различного характера.
49

50. И шрифтовая и орнаментальная культура модерна относится к таким явлениям, которые по каким-либо причинам прервались в силу

определенных исторических
обстоятельств и которые не успели
полностью раскрыть свои
художественные возможности, и
поэтому вызывают у нас по
прошествии времени особенно
пристальный интерес
50

51. На 1900-е годы в России приходится утверждение стиля модерн как нового художественного направления в искусстве, с которым был

связан и
подъем печатного
искусства.
51

52. В 1897 г. в Петербурге под покровительством «Общества поощрения художеств» открылась Международная выставка афиш.

Выставка, В 1897 г. в Петербурге под
покровительством «Общества
поощрения художеств» открылась
Международная выставка афиш.
Выставка, оказавшая большое
воздействие на становление
изобразительной рекламы в
России, собрала около 700
произведений из 13 стран.
Русский раздел включал только
28 плакатов.
52

53. В графическом рекламном дизайне в стиле модерн работали очень многие художники. Лучшие их работы отвечают самым строгим

требованиям стиля. В
первую очередь это рекламные
материалы (афиши, проспекты,
пригласительные билеты,
рекламные листовки и др.),
53

54. Интерес представляет афиша В. Кандинского, сделанная для выставки в Германии в 1901 г. Для нее характерно одновременное

использование
стилистических приемов модерна и возможностей трансформации плоскостных
изображений в абстрактный узор
В. Кандинский, афиша для выставки в Германии в 1901 г.
54

55. Поскольку стиль модерн был рассчитан в первую очередь на привнесение красоты в повседневную жизнь, именно образцы оберток мыла,

ярлыков, фантиков
свидетельствуют сегодня о том, насколько
удалось решить эту задачу художникамдизайнерам.
1909
55

56. В то же время большинство коммерческих дизайнеров использовали лишь отдельные элементы этого стиля, эклектично соединяя,

например, причудливую линию модерна с
чуждой ему яркой цветовой гаммой,
некоторой вульгарностью образов.
Русский китч, начало ХХ в
56

57. Художники осваивали новые задачи эстетического плана — сокращение глубины пространства, минимальное использование светотени,

работа с локальными цветами и т.д.
В этот период можно проследить зарождение комплексного подхода к прикладной
графике, создание фирменного стиля.
Рекламные плакаты «А.М.Жуков. Мыло» и товарный знак «А.М. Жуков»,
неизвестные художники, 1900-е гг.
57

58. «По инерции» стиль перешел и в другую историческую эпоху — революционную. Передаточным звеном были, несомненно, художники,

«По инерции» стиль перешел и в другую историческую эпоху — революционную.
Передаточным звеном были, несомненно, художники, работавшие по заказам советских
организаций.
58

Модерн («Новый стиль») и Иван Билибин

Начиная с последнего десятилетия XIX века и вплоть до первой мировой войны,
Западная Европа и Россия становятся свидетелями развития Стиля модерн («Новое искусство»).
Черпая вдохновение из непослушных аспектов естественной природы, стиль модерн оказывает влияние на искусство и архитектуру, особенно прикладное искусство, художественную графику и книжную иллюстрацию. Боготворя природу как основной источник вдохновения, модерн стремился вырваться из оков «старых» стилей.
А под старыми стилями, естественно, понимались стили, в основе которых лежало античное искусство.
В такой интерпретации стиль модерн с его переплетающимися ажурными линиями может быть понят как своеобразная свобода.

А свобода всегда была мила людям, в большинстве своем и не догадывавшимся, что им преподносят очередной виток зависимости от горстки идеологов нового стиля. И если в архитектуре каждое сооружение стиля модерн было дорогостоящим удовольствием, которое можно было посмотреть с улицы, но не более того, то в прикладном искусстве, и особенно в книжной графике, модерн стал по настоящему любимым искусством. Архитектура, живопись и графическое искусство, прикладное искусство, дизайн интерьеров и мебель – все это в модерне сплетается в единый клубок, который мы сегодня и считаем стилем Модерн.
Прекрасная эпоха Модерна в России длилась недолго, в основе своей до 1914 года, но отзвуки красивой жизни продолжались и во время первой мировой. И только февральская революция несколько отрезвила правящую элиту и заставила ее несколько умерить её масштаб. Великий Октябрь (который сегодня не пинает только ленивый), поставил окончательную и жирную точку в затянувшемся цветении искусства для «образованных и избранных». И началась новая эра, новые и очень непростые времена, которые, конечно не решили все социальные проблемы. Но – эра, которая открыла двери для образования  миллионам людей всей страны. И мы, их наследники, окончившие школы, колледжи, ВУЗы, аспирантуры и академии, сегодня научились понимать и ценить искусство Модерна. Что просто не могли сделать наши прадеды, работавшие на заводах по 12 часов в сутки, или на полях с рассвета до заката. А в наши дни модерн, можно сказать – родился второй раз. Или не сам модерн, а понятие высокого искусства, связанное с многообразными проявлениями модерна.
Модерн – о, это моя больная тема. Как прекрасен этот мир, посмотри!
Как он красив в своих высших проявлениях искусства. И темой данной статьи является не то, о чем я только что написал – а совсем другое. Именно искусство Модерна и графика замечательного художника Ивана Билибина. Вот небольшая экскурсия в это творчество:
Оставим в стороне сказку и её сказочные сюжеты и страшилки. Давайте посмотрим на рисунок художника.
Даже не читая его биографию, и ничего не зная о его поездках и знакомстве
с Древнерусской архитектурой, ясно – Иван Билибин знал, пристально изучал
и детально анализировал все аспекты архитектуры.
И вот мы видим город на горе, с куполами и церквами.
И даже дорогу, поднимающуюся в гору от пристани, где «пристают к заставе гости».О, бедная Алёнушка, сколько у нее предстоит впереди сложностей.
А на первом плане снова дорога поднимается на пригорок, к деревне с церквушкой у околицы.
Но как четко и просто нарисованы дома, какая законченная модерновая графика.
Здесь на первом плане дом зажиточного крестьянина.
Бревенчатые стены, «красное окно», деревянная крыша «безгвоздевой» конструкции.
Телега простая, но вот расписная дуга выдает заботливого хозяина.
А вдалеке видна деревянная церковь с высокой колокольней.Очень похожие сооружения можно увидеть в Архангельской области, в качестве примера статья — http://e-aleks.livejournal.com/160822.html

А здесь можно увидеть темы Коломенского деревянного дворца, построенного в XVII веке.
И снова Древнерусская крепость на горе, как и положено настоящей Крепости.

 Что это? Это и Новгородская звонница, и кокошники московских церквей, и мощные башни Пскова.
И под занавес – царские хоромы, может быть тот же дворец в Коломенском.
Ну и конечно подтекст рисунка яркий и не оставляет сомнений в симпатиях художника.
Иван Билибин создал в технике рисунка тушью, подцвеченного акварелью, свой «билибинский стиль» книжного дизайна, основанный на мотивах народных вышивок, лубка, резьбы по дереву, древнерусской миниатюры. Билибинские царства  действительно романтичны, пронизаны лукавой иронией. Придерживаясь антимонархически-либеральных убеждений, художник охотно принял участие в сатирических журналах, появившихся в период первой русской революции 1905 года. Его политические гротески выделяются своим злым сарказмом, беспощадным к существующему строю.

О самом художнике написано много, каждый может найти и прочитать. Мне только хотелось показать связь его работ со стилем Модерн. Связь архитектуры с книжной графикой, и так характерное для времени модерна стремление к Синтезу искусств.
Если моё опус Вас заинтересовал, я буду считать свою работу удачной.

Москва, 5 марта 2017 года.

Закономерности формирования стиля модерн в книжной и журнальной графике Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

УДК 74. 01 /.09

Закономерности формирования стиля модерн в книжной и журнальной графике

М.М. Кондратьева

Московский государственный университет печати имени Ивана Федорова 127550, Москва, ул. Прянишникова, 2А e-mail: [email protected]

Рассматриваются закономерности формирования стиля модерн по схожему принципу в разных странах на примере книжной графики России и Англии. Приводится анализ работ ряда художников и изданий, посвященных искусству и освещению тенденций стиля модерн, схема, отражающая взаимовлияние между ними, а также иллюстративный ряд в подтверждение наличия этих связей.

Ключевые слова: Александр Бенуа, Англия, Вильям Моррис, графика, Елена Поленова, журнал, Иван Билибин, иллюстрация, искусство, история искусств, книга, модерн, ремесло, Обри Бердсли, Россия, стиль, Уолтер Крейн, Эдвард Берн-Джонс.

Вильям Моррис — Абрамцевский кружок

К концу XIX в. ускоряющийся темп промышленного развития и индустриализации производства приводит, с одной стороны, к тому, что искусство становится более массовым, доступным, но, с другой -теряет некую часть своей индивидуальности и души. Во многих странах возникает интерес к ручному труду, ремеслу, народному искусству, забытым техникам и приемам работы. Характерные примеры — многочисленные начинания Вильяма Морриса в Великобритании и Абрамцевский кружок в России.

267

Вильям Моррис имел довольно широкий круг интересов: политика, литература и художественная деятельность, он был дружен с прерафаэлитами, интересовался архитектурой, книгоизданием и декоративно-прикладным искусством, но главное — питал нежную привязанность к эстетике Средневековья. Он основывает предприятия по изготовлению мебели, бумажных и тканевых обоев, керамической плитки, витражей и ковровых изделий, украшений, изделий из стекла и даже собственную типографию «Келмскотт-Пресс». Во всех этих начинаниях он ратует за ручной труд и воспроизведение тех приемов и техник, которые использовались прежде в этих отраслях. В изданиях «Келмскотт-Пресс» Моррис стремится к тому, чтобы воспроизвести эстетику книг XV в., он создает 3 шрифта, основанных на средневековых образцах, в которых черпает вдохновение.

В России в 1875 г. возникает кружок, основанный промышленником и меценатом Саввой Морозовым в принадлежащем ему поместье Абрамцево. Он объединяет множество художников и ремесленников, ищущих вдохновение в образцах крестьянского творчества, которые старательно собирают и изучают. Возникают мастерские резьбы по дереву, керамические мастерские. В целом это проявление интереса к сохранившей свои традиции с древних времен эстетике русского народного творчества называют неорусским искусством.

Во многом деятельность этих двух объединений схожа — оба черпают вдохновение в исторических образцах творчества своих народов, стремясь там найти то, что они стремительно теряют во все убыстряющемся темпе современной жизни.

Вильям Моррис — Эдвард Берн-Джонс

Моррис и Берн-Джонс сотрудничали в «Келмскотт-Пресс» и были друзьями. Как правило, их сотрудничество выглядело следующим образом: Моррис отвечал за создание макета, шрифты, сам вырезал доски с орнаментами, колофон типографии и следил за композицией книги, а Берн-Джонс создавал иллюстрации.

Эдвард Берн-Джонс — Обри Бердсли

Одри Бердсли — талантливый молодой художник-самоучка -прожил всего 25 лет и за 6 лет творчества успел добиться значительного успеха. Он был знаком с Берн-Джонсом и во многом благодаря советам художника нашел свое призвание, занялся художественным творчеством. В своих ранних работах он во многом подражает Берн-Джонсу. Это довольно ясно видно в серии иллюстраций к «Смерти Артура» Томаса Мэлори.

Обри Бердсли — The Studio

Надо отметить, что широкую известность Обри Бердсли по-

268

лучил после похвальной статьи о нем в первом номере журнала «The Studio», посвященного обозрению мира искусства и последних тенденций в развитии стиля модерн.

«Мир искусства» — «The Hobby Horse», «The Studio«

С развитием стиля модерн во всех странах, которые он затронул, существовало одно или несколько изданий, обозревающих мир искусства и знакомивших читателей с новостями стиля. В Великобритании выходит одни из первых подобных журналов «The Hobby Horse» (1883) и «The Studio» (1893). В России аналогом этих журналов становится выпускаемый одноименным объединением художников журнал «Мир искусства», который выходит с 1898 г. Все эти издания служат сходным целям и оформлены в схожей стилистике.

Я бы хотела остановиться на творчестве двух выдающихся художников, причастных к деятельности журнала «Мир искусства», для дальнейших сравнений: Александра Бенуа и Ивана Билибина.

Александр Бенуа — Обри Бердсли

В творчестве этих художников можно проследить много общих черт: оба активно работают пятном и линией, предпочитая эстетику черного и белого, обращаются к восточным и японским мотивам и принципам построения изображения, строят композицию отчасти на противопоставлении массивного залитого черным пятна и тонкой пластичной линии.

Вильям Моррис — Уолтер Крейн — Эдвард Берн-

Джонс

Уолтер Крейн — классик английской детской иллюстрации. Он также сотрудничал с Вильямом Моррисом в работе мануфактуры Merton Abbey над изготовлением тканевых обоев. Уолтер Крейн восхищался творчеством прерафаэлитов и Эдварда Берн-Джонса, в частности, был с ним знаком и относился к нему с большим почтением. Надо отметить, что в их творчестве тоже можно найти много созвучий.

Уолтер Крейн — Елена Поленова

Елена Поленова — сестра знаменитого живописца — была активной участницей Абрамцевского кружка. Она создавала замечательные предметы из керамики, мебель, была талантливым художником, а также рисовала детские иллюстрации. Она признавала, что одним из ее любимых иллюстраторов был Уолтер Крейн и отчасти вдохновлялась его творчеством, что можно ощутить, если сопоставить ряд их работ.

Елена Поленова — Иван Билибин

Иван Билибин не состоял непосредственно в Абрамцевском кружке, но по роду своей профессиональной деятельности разъезжал

269

по стране в поисках образцов старорусского народного искусства по заданию этнографического отдела музея Александра III. Билибин, автор замечательных иллюстраций к сказкам, признавал Елену Поленову одним из своих учителей и источников вдохновения. В самом деле, в их работах можно найти много общего, а главное — обращение к чарующему обаянию древней Руси, ее культуре и эстетике.

Стоит отметить, что Билибину также было близко творчество Уолтера Крейна, и, возможно, он в какой-то мере испытал на себе влияние его творчества.

Можно сказать, что искусство модерна во многом интернационально. Его общие черты легко угадываются в Париже и Брюсселе, Каталонии и Англии, Шотландии и России, Вене и Берлине. Художники всегда обменивались опытом и новыми переживаниями, идеями, достижениями. Но каждая страна, каждая нация вносила что-то свое, индивидуальное и личное, пережитое именно ею и корнями своими уходящее в историю, в прошлое этой нации. И это также объединяет модерн как единый стиль и направление художественной мысли рубежа XIX— XX вв.

Библиографический список

1. ЛеньоЖ.-М. Стиль модерн. — М. : Арт-родник, 2010.

Приложение

мебель и ткани работы мануфактуры Вильяма Морриса

270

moil enduring and Ь<мА«(п1 effect on hii een’ tttnp«ruiu, and wil I hive through them «ti iuc# eccrfing generations, C John Ruslcin tf* eritie of in Ы лы only given the keenest pleasure to thousand* of reader* by hit 1 ffc-lilte dnetimDiu. and the ingenuity MVdddiun of hn leulysii of wukjofirt, but he has let i Efood of daylight in> W the doudof shim «technical twiddle which wu once the whole lubituin of» ift’crttieiun«” and is (till its staple, ud that is much’ Bui it it fir mote that John Rujlnn the teacher of morals and politic* (] dotioi me this word in the nnmpapcc iena<),hai done serious and solid worlt towards that new-birthed Society, without which gee uinr art, thetrepression of irun’apTnJure inhia handle work, inuat inevillbly Cease altogether, end with itlhe hope* efthr happiness of mankind,

WILLIAM MORRIS,

Kclmstati Hwir,Himmcnouib.

Feb ijtb, i&ja,

Келмсккотский Чосер

Вильям Моррис, Эдвард Бёрн-Джонс

271

Вильям Моррис, Эдвард Бёрн-Джонс

272

Одри Бёрдсли

273

«The Hobby Horse»

«Мир искусства»

274

«The Studio»

«Мир искусства»

275

«The Studio»

«Мир искусства»

276

Александр Бенуа

заставки в журнале «Мир искусства»

Александр Бенуа

277

Иван Билибин Титульный лист к статье в журнале «Мир искусства»

Обри Бёрдсли

278

Уолтер Крейн

Вильям Моррис Эдвард Бёрн-Джонс

279

Уолтер Крейн

Иван Билибин

280

Уолтер Крейн

Елена Поленова

281

Иван Билибин

Елена Поленова

282

283

Русский модерн • Arzamas

Как Дягилев, Бенуа, Бакст и другие решили улучшить русскую неприглядную действительность — и что у них получилось

Автор Галина Ельшевская

В массовом сознании есть твердое представление, что настоящий ХХ век в рус­ской культуре начинается в 1910-е годы. С авангарда, который выводит русское искусство в европейский мир, и этот авангард и есть наш вклад, наш бренд и вообще наше все. И совсем редко вспоминают о тех, кто этот торжествую­щий выход на интернациональные просторы подготовил. Ну разве что о Дяги­леве и его Русских сезонах, которые с 1907 года проходили на Западе с триум­фом. Но та эстетика, которой восторгались европейцы в дягилевских гастроль­ных балетах, была сформирована кругом художников, входивших в объедине­ние «Мир искусства». Они смогли перенастроить оптику восприятия искусства, произвести в нем негромкую, но существенную революцию. И это был трамп­лин для тех, кто пришел потом и, естественно, отнесся к предшественникам пренебрежительно.

Борис Кустодиев. Групповой портрет художников общества «Мир искусства». 1916–1920 годыГосударственный Русский музей

Круг был совсем узкий. Всего несколько человек составили ядро объединения «Мир искусства», которое в 1898 году стало издавать одноименный журнал. Это были художники Александр Бенуа, Константин Сомов, Лев Бакст, Евгений Лансере, Мстислав Добужинский, Анна Остроумова-Лебедева. И конечно, Сергей Дягилев, антрепренер, импресарио, мотор и пружина всех мирискусни­ческих инициатив. Кроме того, были литераторы — отдел критики, которым руководил Дмитрий Философов. Там печатались Мережковский, Гиппиус, Розанов, Сологуб, Брюсов, Бальмонт, Белый — но потом литераторы разруга­лись с художниками и ушли в журнал «Новый путь». В этом узком кругу боль­шинство еще связано то родством, то гимназической дружбой. И собственно «Мир искусства» родился из совсем камерного кружка, названного в честь романа Диккенса «Посмертные записки Пиквикского клуба», — «Невские пиквикианцы». В этом кружке друзья читали друг другу лекции по истории искусства. Мистером Пиквиком там был, вероятно, Александр Бенуа, который очень годился на эту роль даже внешне: круглый, укладистый.

Фотопортрет в группе художников «Мир искусства». 1914 годНа фотографии вверху чернилами проставлены номера — от 1 до 18, на обороте пояснение: «Годовое собрание о-ва художников „Мир искусства“. Присутствующие: 1. М. В. Добужинский. 2. А. Ф. Гауш. 3. О. Е. Браз. 4. Н. К. Рерих. 5. И. Я. Билибин. 6. Б. М. Кустодиев. 7. В. В. Кузнецов. 8. П. В. Кузнецов. 9. Е. Е. Лансере. 10. Н. Е. Лансере. 12. Н. Д. Милиоти. 13. А. П. Остроумова-Лебедева. 14. К. С. Петров-Водкин. 15. А. И. Таманов. 16. Кн. А. К. Шервашидзе. 17. С. П. Яремич. 18. М. И. Рабинович». Российская государственная библиотека

На склоне лет Бенуа, уже эмигрировавший во Францию, написал два тома мемуаров. Он вспоминал детство и детские увлечения: коллекции игрушек, картонные модели городов, любовь к оптическим игрушкам вроде волшебного фонаря. И говорил, что именно это все определило его отношение к искусству как к волшебству: искусство должно быть не похоже на жизнь. Потому что жизнь не радует, она монотонна, она неприятна глазу.

И мирискусники, с одной стороны, хотят уйти от жизни в какие-то отвлечен­ные миры. Где эти миры? В прошлом. А откуда мы что-то знаем о прошлом? Мы видим его в образах искусства, и именно они нас вдохновляют. Мирискус­ников искусство интересовало гораздо больше, чем жизнь. Искусство прош­лого, которое способно порождать другое искусство, новое. Их интересовала не история как она есть, а ее образы — сочиненные, летучие, случайные. «Ретроспективные мечтания», «галантные празднества», «царские охоты» — никаких больших идей, а просто острое переживание атмосферы ушедшего времени. Уход от действительности, своего рода эскапизм.

Но, с другой стороны, этот непривлекательный, рутинный современный мир можно ведь и переделать, переформатировать, сделать его иным для глаза, для визуального восприятия. Спасти красотой: то есть изменить интерьеры, книги, здания, одежду. Чтобы не только искусство, но и повседневный быт стал дру­гим. Такая получается парадоксальная комбинация эскапизма с рефор­матор­ством и дизайнерством. И надо сказать, что эта грандиозная задача — ни много ни мало как изменить вкус целой эпохи — этим нескольким людям во многом удалась. Буквально через 10 лет русская публика, до того воспитан­ная на пове­ствовательных картинах с внятным сюжетом — передвижнических или акаде­мических, — оказалась готова принять русский авангард.

Теперь поговорим о том, в каких областях мирискусники особенно преуспели. Они, например, совершенно изменили облик театра, особенно музыкального. До них художнику в русском театре делать было просто нечего: все декорации брались, что называется, «из подбора», то есть из числа заранее готовых стан­дартных декораций: вот это для любого спектакля из средневековой жизни, а это — для любого из египетской. Мирискусники работали с каждым спектак­лем индивидуально, с реставраторской точностью. Благодаря им художник в театре сделался фигурой, равной режиссеру, — Бенуа даже сам писал ли­бретто.

1 / 3

Костюмы и декорации Леона Бакста к балету «Шехеразада». 1910 годLibrary of Congress

2 / 3

Декорации и костюмы к балету «Петрушка». Начало XX векаLibrary of Сongress

3 / 3

Костюмы к «Половецким пляскам» из оперы «Князь Игорь». 1900-е годыLibrary of Сongress

А еще они полностью изменили облик иллюстрированной книги. Раньше в та­ких книгах иллюстрации заказывались разным художникам и стилистически спорили друг с другом внутри книжного блока. Мирискусники выдвинули и воплотили идею книги как единого целого: изображение должно быть увя­зано с текстом, все виньетки и заставки должны работать на общую стилисти­ку, художник выступает как режиссер и декоратор целостного зрелища. Впер­вые эта идея синтеза была осуществлена в издаваемом ими журнале «Мир ис­кусства», речь о котором впереди.

1 / 3

Обложка «Азбуки в картинах» Александра Бенуа. 1904 годbenua-memory.ru

2 / 3

Иван Билибин. Обложка программки оперы «Борис Годунов». 1908 годLibrary of Сongress

3 / 3

Обложка «Азбуки „Мира искусства“» Мстислава Добужинского. 1911 годmoscowbooks.ru

Всего сделанного мирискусниками не перечислить: там было много «микро­революций». Но еще об одном интересно напомнить: ведь это они определили наше сегодняшнее восприятие Петербурга; в 1903 году праздновалось его двух­сотлетие, и стилистика праздника во многом была подготовлена мирискусни­ческими усилиями по изменению имиджа столицы. До них Петербург вообще не считался красивым городом. У него было два публичных образа — один неприятнее другого. С одной стороны, это был образ города казенного, чинов­ного — в противовес живой, фрондирующей, более разнообразной и свободной Москве. С другой стороны, это был город Достоевского: город дворов-колодцев и вечных сумерек. Все это изменилось усилиями мирискусников — отчасти Мстислава Добужинского и главным образом Анны Остроумовой-Лебедевой. Есть такая расхожая фраза, что русскую природу придумали Саврасов, а потом Левитан: до них ее не существовало как объекта для зрения. Так вот, можно сказать, что Петербург придумала Остроумова-Лебедева.

1 / 3

Анна Остроумова-Лебедева. Вид Невы сквозь колонны Биржи. 1907 годФотография РИА «Новости»

2 / 3

Мстислав Добужинский. Гримасы города. 1908 годФотография Михаила Филимонова / РИА «Новости»

3 / 3

Анна Остроумова-Лебедева. Петергоф. Фонтан «Самсон». 1922 годФотография Алексея Бушкина / РИА «Новости»

И характерно, что она сделала это в гравюрах. Мирискусники еще и возродили графику как самостоятельное искусство. В России графика была подсобной: сводилась к этюдам и эскизам для картин, а на выставочную самостоятель­ность почти не претендовала. И графика, печатавшаяся в журналах, часто не была сделана специально, а сводилась к репродукциям живописных картин. А мирискусники возродили не только уникальную графику, авторский рису­нок, но и графику тиражную, в частности Остроумова-Лебедева занималась цветной гравюрой на дереве и отталкивалась от японских гравюр, которые в России мало кто знал.

Ядро «Мира искусства» составляли, конечно, разные художники. Но какая-то общая поэтика, их объединяющая, тем не менее была. Квинтэссенция этой поэ­тики — в творчестве Александра Бенуа и Константина Сомова.

Любимые эпохи Бенуа — это в основном Франция XVII века, царствование Людовика XIV и Россия екатерининского и павловского времени. «Версальская серия» и цикл «Последние прогулки Людовика XIV» Бенуа — это сочиненный, хрупкий марионеточный мир. Важно, что это и не масляная живопись, а гуаши на бумаге: нет живописной плотности, беспрекословности, натурной обяза­тельности. Это не исторические картины, а исторические картинки. Что такое историческая картина, например, в духе Сурикова? Это какая-то идея о смысле истории, спрессованном в конкретном событии. А если бы художник «Мира искусства» писал «Утро стрелецкой казни», он, вполне возможно, смотрел бы не на стрельцов или на Петра, а на пролетающую мимо сороку. Исторические жанры у Бенуа — это всегда случайно выхваченный фрагмент, в котором нет главного события, а вместо него только воздух истории. Та же острота и слу­чайность ракурсов есть в «Царских охотах» Валентина Серова и в его гуаши «Петр I». Здесь гротескные фигуры огромного Петра и скорчившихся придвор­ных на фоне условных «пустынных волн» сочетают иронию с чувством истори­ческого масштаба. Серов не случайно входил в правление «Мира искусства» — единственный из москвичей: они хорошо понимали друг друга.

1 / 3

Александр Бенуа. Прогулка короля. 1906 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 3

Валентин Серов. Выезд Екатерины II на соколиную охоту. 1902 годWikimedia Commons / Государственный Русский музей

3 / 3

Валентин Серов. Петр I. 1907 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

В отличие от Бенуа, который вдохновлялся конкретной историей, Сомов в своих стилизациях воспроизводил некий условный галантный век — XVII или XVIII, неважно. Маркизы с кавалерами, арлекины и другие герои итальянской комедии дель арте, маскарады, спящие или грезящие «дамы прошедшего вре­мени». Насмешки здесь больше, чем растроганности или печали по утрачен­ному. Но печаль тоже есть — только это печаль не по утра­ченному, а по недо­стижимому: по тому, что принадлежит не жизни, а искус­ству. И постоянная его тема — тема того, что вспыхнет и сейчас же исчезнет: радуга, фейерверк, костер. Конец праздника, всегда краткого, как вспышка.

Константин Сомов. Арлекин и Смерть. 1907 год Государственная Третьяковская галерея

Современники считали главной картиной Сомова «Даму в голубом» — портрет художницы Елизаветы Мартыновой, написанный незадолго до ее смерти от ча­хотки. Печальная девушка в муаровом платье по моде сороковых годов XIX века стоит с книгой, за ее спиной в сильном удалении — книжное видение: кавалер и дама флиртуют на скамейке, а мимо проходит фланер с тросточкой, похожий на самого художника. Картина о тщетности романтических порывов в прозаи­ческом мире: именно так ее восприняли первые зрители.

Константин Сомов. Дама в голубом. Портрет Елизаветы Мартыновой. 1897–1900 годы Wikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

Среди мирискусников были и вовсе чуждые ностальгии. Например, Леон Бакст — он главным образом реализовался как художник дягилевских Русских сезонов. От его костюмов для балетных спектаклей потом отталкивались кутюрье всех модных домов Парижа — Пакен, Пуаре, Ворт, далее везде. Или Добужинский — он, в отличие от товарищей, станет работать не в музыкаль­ном, а в драматическом театре, в МХТ со Станиславским. И сделает там несколько спектаклей, из которых особенно замечательны два. Один, «Месяц в деревне» по Тургеневу, — спектакль мирискуснический, антикварский. Дру­гой, «Николай Ставрогин» по Достоевскому, — спектакль мрачный и вполне символистский. Вообще Добужинскому не чужд символистский вкус, а среди его поздних работ есть даже абстракции.

1 / 4

Леон Бакст. Саломея. 1908 годWikimedia Commons

2 / 4

Леон Бакст. Жар-птица. 1910-е годыWikimedia Commons

3 / 4

Леон Бакст. Аладдин. 1919 годWikimedia Commons

4 / 4

Леон Бакст. Бабочка. 1913 годWikimedia Commons

Гуаши Добужинского и ксилографии Остроумовой с видами Петербурга рас­пространялись в открытках, выпускаемых Общиной святой Евгении. Выпуск открыток — еще одна важная часть мирискуснической программы. Открыт­ки — искусство массовое, многотиражное, сувенирное. А мирискусники прин­ципиально не устанавливали дистанции между искусством массовым и искус­ством высоким.

Вообще в мирискусниках реализовался совершенно новый для России тип ху­дожников. Во-первых, они дилетанты. Кто-то не доучился в Академии худо­жеств, кто-то немного походил вольнослушателем по парижским частным студиям. Но практически все и отовсюду сбегали, потому что им было скучно нормативное рисование и нормативное образование.

Во-вторых, все они интеллектуалы — что тоже русским художникам в массе тогда было совершенно не свойственно. Они читающие люди, они знают язы­ки, они космополиты по устремлениям, они меломаны и устраивают вечера современной музыки при журнале «Мир искусства».

В-третьих, они все буржуа. Вообще традиционно буржуазный образ жизни противопоставлялся образу художника — романтическому образу, — а мир­искусники на нем настаивают. Притом что все они разного происхождения: Бенуа из дворянской семьи с французскими корнями, Сомов — сын главного хранителя Эрмитажа, то есть из интеллигентной профессорской семьи. А, ска­жем, Бакст — еврей из Гродно, и это совершенно никому не мешает: они все говорят на одном языке, и манера поведения у них общая.

И в этой манере поведения есть один очень важный оттенок. Вся вторая поло­вина XIX века в русском искусстве, условно передвижническая половина, осно­вывается на пафосе долга. Художник всегда оказывается обязан: народу, обще­ству, культуре — кому и чему угодно. Мирискусники — это первые люди в рус­ском искусстве, которые утверждают, что художник никому и ничего не дол­жен. Лейтмотив их жизни, их творчества — это ода капризу и прихоти, воль­ному артистическому жесту. Отсюда уже совсем недалеко до вольного жеста в авангарде, но начало — здесь.

1 / 4

Обложка одного из номеров «Мира искусства». 1904 годWikimedia Commons

2 / 4

Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1903 годWikimedia Commons

3 / 4

Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1900 годWikimedia Commons

4 / 4

Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1902 годWikimedia Commons

Любимое слово мирискусников — «скурильность». Они любят в искусстве все скурильное и собирают скурильное. Что это такое? Это вещи, которые не обла­дают качеством значимости, фундаментальности. Это что-то смешное, одино­кое, уязвимое, это может быть игрушка, это может быть какой-нибудь мещан­ский коврик. Этот культ необязательности — тоже важный оттенок в их кол­лективной программе.

Художник Игорь Грабарь писал Александру Бенуа: «Вы слишком влюблены в прошлое, чтобы хоть что-нибудь современное ценить» — и это абсолютно справедливо. Прошлое, в которое они влюблены, — это прошлое выдуманное, это мечта, это некий образ красоты, на который мы можем смотреть, как из зрительного зала в перевернутый бинокль. И в этом есть и любование, и ирония, и горечь, и жалость.

И вот эти люди — с этой системой ценностей, совершенно камерного склада люди, — хотят перенаправить русскую культуру в сторону Запада и изменить устоявшиеся общественные вкусы. Для этого они издают журнал, который делается по образцу европейских журналов, пропагандирующих стиль модерн. Потому что эстетика «Мира искусства» — это именно вариант модерна.

В каждой из стран этот стиль назывался по-своему: модерн, сецессион, либер­ти, ар-нуво, югендстиль. Проще говоря, «новый стиль». Слово «стиль» само по себе важно — оно означает озабоченность формой. В каждой стране модерн существует в собственных формах, но есть общее: формы берутся из всего культурного запаса человечества, из общей памяти. Это общее служит опорой для индивидуального, прошлое порождает настоящее. В русском искусстве, да и не только в русском, до мирискусников никакой озабоченности формой не было, только содержанием, — и стиля не было.

Модерн — придуманный стиль, он не вырастает сам собой. Если говорить со­всем грубо — он порожден промышленной революцией. Машинное производ­ство одинаковых вещей и одинаковых образов жизни вызывает психологиче­ское и эстетическое отторжение. И первая идея модерна — это идея ручного труда. Сначала в Англии возникло так называемое Движение искусств и ре­месел под началом литератора, издателя и художника Уильяма Морриса. А затем в разных странах появились его филиалы. У них была двойная идея. Во-первых, сделать вещи красивыми, индивидуальные вещи, а не конвейерные. А во-вторых, объединить ремесленников в деле производства этих вещей. Ран­ний модерн вообще очень связан с социалистическими идеями.

Таким образом, ранний европейский модерн был двунаправленным. С одной стороны — архаический, реставрационный вектор: вокруг строят гигантские фабрики, а мы вернемся назад, к ремеслу, к средневековым цехам. И одновре­менно он же является вектором футуристическим, потому что все это делается во имя утопического будущего. В перспективе весь мир должен быть спасен красотой и превратиться в сплошной город-солнце.

Но вернемся к мирискусникам. Чтобы издавать журнал, нужны спонсоры. Кто дает им деньги? Неожиданная деталь: значительную сумму дал Николай II — потому что его попросил Валентин Серов, писавший портрет императора. Но были и два постоянных спонсора. Первый — предприниматель и меценат Савва Мамонтов, который, впрочем, к 1899 году разорился. Второй — княгиня Мария Тенишева, она будет субсидировать издание до финала. И Мамонтов, и Тенишева были инициаторами российской программы, аналогичной Движе­нию искусств и ремесел. В своих имениях — один в Абрамцево, вторая в Талаш­кино — они создавали художественные мастерские. Известно, что у Мамонтова Врубель расписывал балалайки и камины — но это не было никаким неуваже­нием к художнику, ровно наоборот. И неудивительно, что именно эти два человека поддерживают Бенуа и Дягилева.

1 / 2

Михаил Врубель. Портрет Саввы Мамонтова. 1897 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Михаил Врубель. Валькирия (Портрет княгини Марии Тенишевой). 1899 годWikimedia Commons / Одесский художественный музей

Журнал издавался шесть лет, с 1898-го по 1904-й. Среди дочерних его пред­приятий были и салон «Современное искусство», где торговали мебелью, фарфором и так далее, и кружок «Вечера современной музыки», и еще один журнал, «Художественные сокровища России», с тем же Бенуа в роли редак­тора. Устраивались выставки российского и зарубежного искусства — их было пять, а еще три устроил Дягилев до выхода журнала. Дягилев вообще был движущей силой всех инициатив — человек неуемной энергии и выдающихся организационных талантов. Среди самых громких его проектов — историческая выставка русского портрета, на которой он практически открывает публике отечественное искусство XVIII — первой половины XIX века. Дягилев сам соби­рал на эту выставку работы, объезжая усадьбы и буквально обольщая владель­цев. В 1907 году он проводит в парижской Гранд-опера серию концертов рус­ской музыки, и отсюда начинается история последующей более чем двадцати­летней антрепризы — знаменитых Русских сезонов.

Леон Бакст. Портрет Сергея Дягилева с няней. 1906 год Wikimedia Commons / Государственный Русский музей

Дягилев уезжает за границу, и практическая деятельность объединения остается на Александре Бенуа, а он идеолог, но не организатор. И в «Мире искусства» наступают не лучшие времена. Но парадоксальным образом вероятность быстрого заката была заложена в самой программе сообщества. Потому что эти люди, дорожащие дружбой в собственном узком кругу, в художественной политике исповедовали предельную широту и толерант­ность. Они готовы были сотрудничать со всеми и привлекать в свои проекты всех. Всех, в ком видно хоть что-то живое — даже если это живое видно едва и самим мирискусникам чуждо. В первом номере журнала было много репро­дукций картин Васнецова, хотя среди издателей не было его поклонников и вообще «Мир искусства» выступал против передвижничества. Они были уверены, что Репин устарел, но публиковали репродукции его картин, призна­вая их значение. А ведь уже начинается эпоха манифестных войн, когда при­нято размежевываться, воевать за свой взгляд на мир и творческую оригиналь­ность. В этих условиях идея всеобщего объединения во имя эстетической уто­пии становится очень уязвимой.

После представления балета «Петрушка» в Парижской опере. 1920-е годы Слева направо: Николай Кремнев, Александр Бенуа, Борис Григорьев, Тамара Карсавина, Сергей Дягилев, Вацлав Нижинский и Серж Лифарь. © ullstein bild / Getty Images

Но в 1904 году во имя этой идеи объединения мирискусники совершают силь­ный жест — они отказываются от собственного бренда и входят в московский Союз русских художников. Там солируют пейзажисты саврасовско-левитанов­ской линии, там в моде импрессионизм, петербургским художникам чуж­дый, — и, конечно, никакого объединения не получается. В 1910 году «Мир искусства» восстанавливает собственное имя. Но мирискусники не отказы­ваются от идеи самого широкого сотрудничества, и теперь на их выставках можно встретить и символистов из «Голубой розы», и фрондеров из «Бубно­вого валета», и вообще кого угодно — вплоть до Малевича.

Бенуа избегает властных полномочий, поэтому в 1910 году главой «Мира ис­кусства» становится Николай Рерих, человек и художник совершенно иного, практически враждебного истинным мирискусникам склада. А в 1921 году объединение и вовсе возглавит Илья Машков, самый беспардонный из «бубно­вых валетов» — он просто узурпирует бренд. Но это будет уже посмертное существование, хотя формально «Мир искусства» будет распущен лишь в 1924 году. К тому времени из его основателей никого уже не останется в России, кроме Бенуа (он тоже вскоре эмигрирует), Лансере и Остроумовой-Лебедевой.

Николай Рерих в тибетском костюме. 1920‑е годыThe Library of Congress

Надо сказать, что идеологи и создатели «Мира искусства» отчасти осознавали эфемерность своей затеи. Они чувство­вали наступление другой жизни и появ­ление других людей, которые вытеснят их самих с культурного поля. Это чувство было ясно сформулиро­вано в речи Дягилева, произнесенной еще в 1905 году. И эту вполне проро­ческую речь стоит привести:

«Не чув­ствуете ли вы, что длинная галерея портретов великих и малых людей, которыми я постарался заселить вели­колепные залы Тавриче­ского дворца, есть лишь грандиозный и убедитель­ный итог, подводи­мый блестящему, но, увы, и омертвевшему периоду на­шей истории? <…> Я заслужил право сказать это громко и определенно, так как с послед­ним дуновением летнего ветра я закончил свои долгие объезды вдоль и поперек необъятной России. И именно после этих жадных странствий я особенно убедился в том, что насту­пила пора итогов. Это я наблюдал не только в блестящих образах предков, так явно далеких от нас, но главным образом в доживающих свой век потомках. Конец быта здесь налицо. Глухие заколоченные майораты, страшные своим умер­шим великолепием дворцы, странно обитаемые сегодняшними милы­ми, средними, не выносящими тяжести прежних парадов людьми. Здесь доживают не люди, а доживает быт. И вот когда я совершенно убедился, что мы живем в страшную пору перелома; мы осуждены умереть, чтобы дать воскреснуть новой культуре, которая возьмет от нас то, что оста­нется от нашей усталой мудрости. Это говорит история, то же подтвер­ждает эстетика. И теперь, оку­нувшись в глубь истории художественных образов и тем став неуязвимым для упреков в крайнем художественном радикализме, я могу смело и убежден­но сказать, что не ошибается тот, кто уверен, что мы — свидетели величайшего исторического момента итогов и концов во имя новой неведомой культуры, которая нами воз­никает, но и нас же отметет. А потому, без страха и неверия, я подымаю бокал за разрушенные стены прекрасных дворцов, так же как и за новые заветы новой эстетики».

Что еще почитать про русский модерн:

Ельшевская Г. Короткая книга о Константине Сомове. М., 2003.
Пружан И. Лев Бакст. М., Л., 1975.
Сарабьянов Д. Стиль модерн. М., 1989.
Чугунов Г. М. В. Добужинский. Л., 1984.  

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Графика стиля модерн: karhu53 — LiveJournal

Обри Винсент Бёрдслей ( Aubrey Vincent Beardsley) 21 августа 1872 — 16 марта 1898 — английский художник-график, иллюстратор, декоратор, поэт.

Рисовать Бёрдслей начал с четырёх лет, под влиянием матери рано заинтересовался английской и французской литературой, а также занимался с матерью музыкой. При поддержке нескольких аристократических семей он брал уроки у известных пианистов и, как результат, в 11 лет сочинял музыку и стихи, которые отличались редким изяществом, а с марта 1881 года (после переезда в Лондон) вместе с сестрой Мейбл давал концерты, на которые собирались до 3000 человек. После возвращения в родной Брайтон он также находит поддержку своим талантам, ставит на школьной сцене спектакли, некоторые из которых привлекают внимание театральных критиков.

Покинув школу, Обри сначала поступает чертёжником в студию одного лондонского архитектора, а в возрасте семнадцати лет определяется на службу клерком в лондонское страховое общество «The Guardian Life and Fire Insurance». Однако службу и любительские спектакли приходится бросить: осенью юноша начал кашлять кровью (о своём туберкулёзе Бёрдслей знал с 7 лет — унаследовал болезнь от отца). Именно в это время из всех видов искусства Бёрдслей отдаёт предпочтение изобразительному. Несмотря на болезнь, некоторое время он посещает уроки в Вестминстерской художественной школе у профессора Ф. Брауна по совету Эдварда Бёрн-Джонса, который, кстати, познакомил его с Оскаром Уайльдом . Однако всего в искусстве он добился самостоятельно, и поэтому считается гениальным самоучкой.

Глубокое проникновение в традиции японского искусства позволило ему создать удивительный синтез Запада и Востока в собственных рисунках. В одном из писем он размышлял: «Как мало сейчас понимается важность линии! Именно это чувство линии выгодно отличало старых мастеров от современных. Похоже, нынешние художники стремятся достичь гармонии одного только цвета». Правда, плакаты самого Бёрдслея доказывают, что он был одарённым и оригинальным колористом, близким Боннару и Тулуз-Лотреку.

Читать дальше

Саломея

К рассказу Эдгара По «Чёрный кот»

На Бердслея Алджернон Суинберн написал это стихотворение (перевод И. А. Евсой):

Возвратись к нам — хотя бы во сне, —
Ты, которому равного нет,
Ты, кому безразличен вполне
Мир земных потрясений и бед.
Но любовь, что была внушена
Чудным даром, чей свет не потух, —
Ты расслышишь. И тронет она
Твой свободный и царственный дух.

«Роль орнамента в искусстве модерна. Живопись и графика». — 4 Января 2017 — Блог

Орнамент в истории культуры стоит на первом месте по способности проникновения в разные виды искусства и по возможности обретать новый смысл, ранее с орнаментом не ассоциировавшийся.

Период эклектики, предшествовавший стилю модерн, характеризуется механическим использованием исторических орнаментов. В эпоху нового стиля орнаменту возвращают прежнюю роль, которую он играл в любом стиле и даже более того: роль орнамента становится принципиально иной.

Исследователи модерна придают орнаменту настолько большое значение, что Фриц Шмаленбах в 30-е годы предпринимает попытку квалифицировать основные качества стиля через орнамент. А в 1956 году, Дольф Штернбергер со всей прямотой заявляет: «Чрезвычайно важным является то обстоятельство, что модерн начинается с орнамента».

Историк стиля Райнер Грюнтер пишет: «Орнамент модерна не украшает, он сам украшение. Его аппликационная функция становится самоцелью. Он не украшает; украшение само оказывается автономным художественным образованием. Орнамент модерна – не орнамент на предметах, он орнаментализирует предметы». Автономность орнамента превращает его в самостоятельный вид искусства, что дает ему право участвовать в процессе взаимопроникновения разных видов искусств.
Каким образом орнамент сближается с изобразительным искусством, как в него входят живопись, графика? И изобразительное искусство, и орнамент берут материал из органической природы. Животные, птицы, цветы, листья, деревья – излюбленные мотивы в орнаменте модерна. Предпочтительные цветы – орхидея, лилия, тюльпан, подсолнух, предпочтительные птицы – лебедь, павлин, фазан. Многие из этих мотивов или в самостоятельном виде, или рядом с другими мотивами, или вплетенными в более развитой сюжет мы встречаем в произведениях живописи и графики.

Круг мотивов вряд ли дает полный приоритет изобразительного искусства перед орнаментом; здесь мы имеем дело с такими предметами, которые наиболее естественно могут найти себе место именно в орнаменте. То же самое мы можем сказать о мотиве дерева – символе древа жизни, древа познания. Само по себе изображение дерева именно в таком, не пейзажном, а символическом плане, скорее, найдет себе реализацию именно в орнаменте. Но есть и другой круг мотивов, где заимствования у живописи и графики можно представить себе, как более естественные. Можно сослаться на ряд примеров, когда раппортом орнамента становится человеческая фигура или какая-то ее часть. Чаще всего это женская фигура, волосы. «Объекты» переходят в орнамент в условной форме, стилизованными, сильно преобразованными сравнительно с тем, какими они выступают в натуре или в многочисленных произведениях живописи модерна. Примером того, как изобразительный мотив непосредственно перерастает в орнамент, является плакат Яна Торопа, рекламирующий масло для салата (“Delftsche Slaolie”). Волосы двух женщин, изображенных на плакате, начинают закручиваться над их головами, а затем эти линии как бы приобретают самостоятельность и превращаются в чистый орнамент, заполняющий почти все свободное место на плоскости.

Мотив волны, который часто использовался не только в живописи и графике, но и в скульптуре (Хофман, Фогелер, Голубкина) и даже в архитектуре (со столба, уподобленного волне, начинается движение вверх по лестнице в шехтелевском особняке Рябушинского), находит в орнаменте очень широкое применение. В равной мере это касается и мотива развевающегося платья, особенно популярного в то время в скульптуре. Закручивающаяся линия волны, равно как и серпантинная линия движущейся во время танца драпировки, легли в основу многочисленных вариантов орнамента.

Мы рассмотрели лишь некоторые аспекты взаимодействия изобразительного искусства и орнамента в тех ситуациях, когда живопись и графика оказывалась стороной дающей. Но был и обратный процесс, даже более активный – процесс вхождения орнамента в другие виды искусства. Живопись и графика оказываются в этом процессе воспринимающей стороной, а орнамент – дающей.

Начинается восприятие орнамента живописью с того, что орнамент входит в живописное произведение мотивированно, как предмет изображения. Примеры этого можно найти в немецкой, австрийской, французской живописи. Например, картина П. Боннара «Пестрая блуза» (1892), где само название картины говорит за себя (модель одета в блузу, орнаментализированную красными, желтыми и белыми квадратиками и прямоугольниками), многочисленные интерьеры с фигурами Э. Вюйара, в которых художник часто изображает обои и декоративные ткани, или тем более такие картины Г. Климта, как «Поцелуй», «Саломея», или любой портрет 900-х годов, где одежды и фон превращены в декоративные плоскости. Правда, многие из перечисленных произведений отражают уже следующую, более высокую стадию орнаментализации живописи, ибо не только содержат орнамент в качестве предмета изображения, но и пользуются орнаментализацией как принципом построения живописного произведения.

Разумеется, мы не можем полностью отождествить живописное произведение с орнаментом, живописная композиция не дает полной симметрии, не пользуется приемом точного повторения определенного раппорта. Речь идет не о сведении живописи к орнаменту, а о частичном использовании в живописи тех принципов, которые типичны для построения орнамента, о плоскостности, выявлении ритма и повторении определенных пластических элементов, преобладающей роли рисунка, ложащегося на поверхность, об уподоблении каких-либо предметов, изображенных в картине, орнаментальным элементам. Примеров такого использования живописью и графикой приемов орнаментализации очень много, можно даже сказать, что без них не обходится почти ни одно произведение живописи и графики модерна.

В картине М. Дени «Музы» (1893) орнамент выступает и как предмет и как метод одновременно. Платья двух женщин, сидящих на первом плане, покрыты орнаментальным узором. Этот узор затем повторяется и в изображении листьев на деревьях, и на земле. Фигуры женщин на втором плане, расположенных парами в промежутках между стволами деревьев, тоже воспринимаются как элементы орнамента.

Нельзя, разумеется, не заметить переизбытка орнаментации в некоторых произведениях стиля, нельзя не почувствовать «излишеств» декоративности, особенно в запоздалых проявлениях стиля, по сути своей являющихся свидетельствами эклектики. Но ведь дело не в количестве орнаментальных мотивов (хотя и количество о чем-то говорит), а в принципах их применения, в характере использования орнамента, в его существенной роли.

Марина Прозорова, искусствовед.

Современный графический дизайн: направления и цель

«Детали — это не детали. Они создают дизайн ». Эти слова о характере работы, высказанные Чарльзом Имсом, стали известной вечной истиной для графических дизайнеров. На самом деле это люди, которые наводят мост между искусством и функциональным, ориентированным на цель дизайном. В них сочетаются сила искусства и функциональность в рамках конкретных целей и определенной аудитории.Они заставляют красоту работать на людей.

Здесь, в Тубике, мы так ощутили все разнообразие камней. Сегодня мы предлагаем нашим читателям ознакомиться с разнообразными целями, для которых графический дизайн может быть очень полезен, что мы проверили на практике.

Что такое графический дизайн?

Как мы уже писали в одной из предыдущих статей по данной теме, графический дизайн можно охарактеризовать как сферу человеческой деятельности, которая находится на перекрестке нескольких направлений, прежде всего изобразительного искусства, коммуникации и психологии.Обычно графические дизайнеры общаются с другими с помощью графических (визуальных) элементов, таких как изображения разных стилей и сложности, типы и шрифты, пиктограммы, формы и размеры, цвета и оттенки, линии и кривые и т. Д. Графический дизайнер заставляет все эти элементы визуального восприятия передавать сообщение, поэтому он делает их функциональными. Таким образом, мы можем сказать, что графические дизайнеры — это художники, применяющие свои таланты в основном не в чистом искусстве, а в коммуникативном и целенаправленном искусстве.

Современный графический дизайн широко охватывает все сферы человеческой жизни, связанные с визуальной коммуникацией, от книг и плакатов до сложных мобильных приложений или 3D-анимации. Давайте рассмотрим направления, в которых графические дизайнеры могут выразить свое творчество ради решения проблем и удовлетворения потребностей.

Эскизы иллюстраций для Флоренции

Направления графического дизайна

В настоящее время графический дизайн — это невероятно широкая сфера применения художественных талантов.В частности, в него входят:

• Редакционный дизайн
• иллюстрация
• айдентика (логотип и брендинг) дизайн
• иконок и пиктограмм
• типографика
• интерфейс графика и элементы
• Печатная реклама
• единиц крупной печати, например плакатов и рекламных щитов
• знаков
• упаковка и т. Д.

Таким образом, нетрудно убедиться, что у современных дизайнеров в этой сфере есть множество возможностей применить свои таланты.Во всех упомянутых направлениях основная цель графического дизайна — служить определенной цели или даже их совокупности средствами и методами искусства.

Графический дизайн в современной жизни, полной цифровых устройств, становится все более технологичным. Известный итальянский дизайнер Массимо Виньелли сказал: «Жизнь дизайнера — это жизнь борьбы. Боритесь с уродством. Также как врач борется с болезнью. Для нас болезнь зрения — это то, что у нас есть, и мы пытаемся как-то вылечить ее с помощью дизайна.«Вспоминая эти слова, мы должны сказать, что цели современного графического дизайна продвигаются все дальше и дальше. Он не только украшает физический или цифровой объект, но также помогает своим пользователям, перемещает их, направляет их путь, благодаря чему они могут получить как эстетическое удовольствие, так и преимущества решения проблем.

Для целей графического дизайна

Сегодня графический дизайн может преследовать самые разные цели. Редко бывает, что объект графического дизайна служит только одной цели. Рассматривая наиболее важные из них, отметим следующее.

Идентификация

Эта цель, прежде всего, служит соображениям брендинга. В первую очередь это касается создания логотипов, которые обычно лежат в основе всей стратегии брендинга. Это задача, над которой дизайнеры работают с множеством факторов, сочетающих в себе особенности целевой аудитории, законы и правила художественной гармонии, психологию влияния цвета и формы на человеческое восприятие и эмоции, текущую ситуацию на рынке, бизнес-цели бренд или компанию.

Многочисленные логотипы, выполненные дизайнерами студии, доказали, что это символическое изображение играет решающую роль на всех следующих этапах стратегии бренда, включая печатную работу (например, плакаты, визитки, шаблоны корпоративной документации и т. Д.), Дизайн интерфейса (когда бренд или компания использует цифровые источники и каналы связи со своими клиентами, такие как блоги, веб-сайты, приложения, виджеты и т. д.), фирменные товары (например, канцелярские товары, чашки, записные книжки и т. д.) и другие направления. Эффективный логотип обычно основан на глубоком анализе, основанном на таланте и навыках дизайнера, и представляет собой сбалансированное сочетание искусства и функциональности.Продумывая все детали, дизайнер подбирает тип и изображение логотипа, которые будут соответствовать целям компании или стратегии бренда.

Андре логотип

Значок логотипа браузера Lion

Мультяшный текстовый знак

fOxygenic логотип

Логотип Design4Users протестирован в печатных наклейках

Логотип PassFold

Подробнее о типах логотипов и творческих этапах разработки логотипа

Украшение

Это широко используемая функция элементов графического дизайна, которая нашла свое всестороннее воплощение во всех сферах взаимодействия пользователей с визуальными материалами, от рекламы до обложек книг и мультфильмов, до пользовательских интерфейсов всех видов, упаковки, фотографий и т. Д. вещи.Не секрет, что люди не только рациональные, но и эмоциональные существа, и большинство из нас визуально ориентировано и эстетично. Хотя содержание и функции являются наиболее важными факторами в решении проблем продукта, старая классическая тенденция не изменилась: люди по-прежнему считают, что хорошее платье — это приглашение. Привлекательный и стильный внешний вид традиционно очень важен для того, чтобы ваш пользователь задумался о том, чтобы попробовать продукт, особенно в условиях современной жесткой конкуренции.

Журнал Muscles

Обложка книги «Сказки эпохи джаза»

Графический дизайн во всем его разнообразии становится мощным инструментом украшения интерфейса. Его можно применять в мельчайших деталях, таких как значки, и вплоть до значимых элементов, таких как иллюстрации и талисманы.

Учебное пособие по приложению Singify

Приложение с купонами для кафе

Приложение Moneywise

Приложение Timeline

мультяшный тизер

Установка темы

Широкое разнообразие техник графического дизайна и разнообразие подходов создают прочную основу для определения темы предлагаемого продукта с помощью визуальных элементов.Подобно тому, как копия может не только передавать сообщение, но и задавать тон и голос общения, визуальные элементы, включая фон, типографику, композицию, цветовую палитру, формы и размеры, стилистические подходы могут немедленно информировать пользователя об особенностях и рыночный сегмент приложения или сайта, а также апеллировать к эмоциям целевой аудитории. Визуальное восприятие играет невероятную роль в принятии решений, особенно в случаях первого взаимодействия, когда всего несколько коротких минут, а иногда и секунд жизненно важны, чтобы заинтересовать пользователя.Эта функция также работает, когда графика выделяет определенные тенденции или события.

Лоурайдер

Подводный исследователь

Плакат с изображением Пикачу

Анимированная графика Apple Event

Рио 2016

Объяснение и руководство

Эта функция элементов графического дизайна широко используется как в печати, так и во всех типах интерфейсов, прежде всего в различных учебных пособиях, руководствах, подсказках, руководствах и т. Д.Не нужно говорить, что здесь картинка действительно стоит тысячи слов: она экономит драгоценное время и помогает избежать больших блоков копирования. Более того, графика, основанная на тщательном анализе целевой аудитории, включает механизм эмпатии и эмоциональной привлекательности, что также улучшает пользовательский опыт и поддерживает бизнес-цели.

Учебное пособие по приложению для путешествий

Учебное пособие по приложению Shauts

Учебное пособие по приложению Saily

Ryiadh Tour Guide

Приложение для блога

Улучшение навигации

Пользовательские графические элементы — отличный инструмент для улучшения навигации и, следовательно, повышения удобства использования.Основываясь на исследованиях и тестировании пользователей, он может иметь большое влияние на конверсии и удержание читателей, обеспечивая легкий процесс перехода по веб-сайту или приложению. Кроме того, все это положительное влияние поддерживается эстетическим удовольствием, которое пользователи получают от сложных визуальных элементов и гармоничной композиции.

Приложение «Погода»

Приложение Passfold

Вегетарианское приложение

Улучшение общения с персонажем

Элемент персонификации, продуманно примененный в продукте, может повысить положительный опыт пользователей, улучшить имидж и узнаваемость бренда.Это одна из причин, почему создание талисманов часто является частью общей концепции дизайна и контент-стратегии. И это та работа, в которой графические дизайнеры могут проявить себя с лучшей стороны. Эффективные талисманы должны основываться на тщательном анализе потребностей, желаний и ожиданий целевой аудитории, а также на внимательном изучении рыночной среды, чтобы поддерживать соответствующий уровень оригинальности как основы эффективных дизайнерских решений.

Талисманы

также очень полезны в интерфейсах: они оживляют общий процесс, привлекают внимание пользователя, становятся запоминающимся элементом, создают важную поддержку стилистической концепции и создают иллюзию прямого общения с пользователем.

Наклейки-монстры и их анимационные версии

Девушка-весна

Талисман приложения Saily

Талисман приложения Toonie Alarm

Подробнее о преимуществах эффективных талисманов здесь

Делаем копию стильной

Еще одна важная перспектива графического дизайна — типографика.Дизайнеры обычно стремятся сделать копию, нанесенную на продукцию, не только разборчивой и читаемой, но также красивой, привлекательной и эмоциональной. В случае надписи для брендинга он также добавляет такие жизненно важные черты, как оригинальность и узнаваемость.

Надпись для логотипа Saily

Надпись для Genius Bar

Надпись для логотипа Tubik

Надпись для логотипа Ribbet

Декоративные надписи на заказ

Как мы видим, есть несколько целей, которые можно установить, а также несколько целей, которые могут быть достигнуты с помощью графического дизайна.Разнообразие подходов позволяет нам создавать оригинальные и уникальные дизайнерские решения, а при поддержке пользовательских исследований, анализа и вдумчивого тестирования элементы графического дизайна могут эффективно повысить удобство использования, укрепить брендинг и обеспечить положительный пользовательский опыт. Это момент, когда искусство и функциональность сливаются и сливаются во имя решения проблем и осчастливления людей.

---

Приглашаем вас познакомиться с дизайнами Tubik Studio на Dribbble и Behance

Будущее, настоящее и история графического дизайна

Мы живем в мире, который процветает благодаря визуальным эффектам.

С тех пор, как компании обнаружили, что они могут отличаться друг от друга с помощью профессиональной фотографии брендов, запоминающихся логотипов и выдающегося визуального дизайна, потребность в красивом и эффективном графическом дизайне сохраняла спрос на талантливых профессионалов.

Вначале дизайнеры были художниками, которые рисовали формы и концепции на основе современных тенденций, таких как модернистское движение графического дизайна. По мере того, как отрасль стала более тесно связана с технологиями и начали развиваться инновационные инструменты, область графического дизайна начала развиваться.

Проще говоря, графический дизайн — это искусство объединения идей, изображений и текста во что-то, что привлекает и информирует аудиторию. Речь идет об общении через визуальные эффекты. Это может означать использование уникальной психологии форм логотипа для привлечения определенной аудитории. Или это может включать в себя тщательный выбор цветов для веб-сайта, чтобы повысить шансы организации на конверсию.

Как способ общения с помощью изображений имеет смысл, что история графического дизайна будет развиваться так же, как человеческое общение продолжает меняться и развиваться с течением времени.Чем больше компании, занимающиеся графическим дизайном, узнают о человеческой психологии, поведении клиентов и экологических тенденциях, тем больше меняется искусство дизайна.

Здесь мы собираемся взглянуть на природу графического дизайна сегодня, откуда возникла дисциплина и как отрасль продолжает развиваться. Хватай свой DeLorean, мы отправляемся в путешествие во времени.

История графического дизайна: Творчество

По своей сути графический дизайн — это форма искусства, и людей всегда привлекало самовыражение через искусство.Фактически, некоторые люди утверждают, что историю графического дизайна можно проследить вплоть до наскальных рисунков, таких как предметы, созданные в Шове в 30 000 году до нашей эры. В 1436 году концепция графического дизайна совершила огромный скачок вперед, когда была изобретена «пресса Гутенберга», которая впервые в истории позволила массово производить контент.

Есть множество примеров важных достижений графического дизайна в истории. Например:

• В 1796 году Алоис Сенефельдер разработал концепцию «литографии» — первого метода печати с использованием плоской поверхности.
• В 1880 году появление полутонового экрана позволило печатать фотографии в различных оттенках.
• В 1932 году появился шрифт «Times New Roman», разработанный Стэнли Моррисоном и названный «Times of London».

Большая часть развития графического дизайна, каким мы его знаем сегодня, началась в начале двадцатого века, когда появились сотни шрифтов, созданных графическими дизайнерами по всему миру. В то же время реклама и средства массовой информации начали развиваться, а профессиональные дизайнеры нашли больше рабочих мест, заполняя страницы газет, журналов и т. Д.В 1919 году в Германии открылась первая школа графического дизайна, Баухаус.

Чтобы помочь вам лучше понять современный графический дизайн и то, как он развивался на протяжении многих лет, давайте рассмотрим некоторые из наиболее значительных изменений стиля на протяжении всей истории:

1. Модерн

Графический дизайн в ответ на промышленную революцию, ар-нуво стал мостом между современным графическим дизайном и историческим академическим искусством. Большая часть движения «Новое искусство» включала органические линии, похожие на виноградную лозу, элегантные изгибы и декоративную типографику.В мире, где цифровые дисплеи требуют, чтобы дизайн был гораздо менее сложным, дизайн в стиле модерн для большинства стал устаревшим элементом графического дизайна. Тем не менее, мягкие цвета и завитки могут способствовать винтажным стратегиям графического дизайна. Например, логотип General Electric выполнен в стиле модерн:

.

2. Модернизм

Модернизм стал частью истории графического дизайна в 1950-х годах. Для этого стиля характерно сознательное решение отказаться от художественных стилей прошлого, вместо этого делая упор на экспериментирование с новыми материалами и техниками.Целью модернистского графического дизайна было создание произведений искусства, отражающих природу современного общества. Смелые цвета, простые формы и современные шрифты — все это общие элементы модернистского графического дизайна. Airbnb предлагает отличный пример модернистского логотипа.

3. Ар-деко

Движение графического дизайна в стиле ар-деко стало популярным во время Первой мировой войны. Для многих это было побочным продуктом модернизма и способом для графических дизайнеров показать роскошь и красоту простых форм и типографики. Этот вид искусства роскошный и аутентичный, с множеством геометрических форм, контрастных цветов и симметричных узоров.Идея заключалась в том, чтобы создать ощущение элегантности, символизирующей богатство и изысканность.

4. Швейцарский стиль

Часто называемый «международным типографским стилем», швейцарский стиль, что неудивительно, зародился в Швейцарии в 1950-х годах, и он стал основой для многих событий в истории графического дизайна на протяжении 20-го века. Швейцарский дизайн и сегодня продолжает оказывать влияние на отрасль, поскольку в нем делается упор на удобочитаемость и простоту. Графические дизайнеры, использующие швейцарский стиль, делают акцент на типографике и шрифтах без засечек, а не на эскизах.Например, логотип Microsoft может быть хорошим примером швейцарского дизайна.

5. Цифровая эра

Сегодня современный графический дизайн далеко ушел от традиционных рисованных глифов и изображений прошлых десятилетий. С момента выпуска компьютера Mac больше людей, чем когда-либо прежде, получили доступ к сотням инструментов и решений, которые одновременно делают графический дизайн более эффективным и сложным. В современном мире нет единого стиля, о котором можно было бы говорить. Вместо этого графический дизайн сегодня ориентирован на тенденции и ожидания отрасли.

Чтобы создать долговечный логотип или создать уникальный имидж для своего бренда, современные компании ищут способ привлечь свою целевую аудиторию, анализируя текущие тенденции. Например, логотип Apple превратился из чего-то очень модернистского в нечто простое, прямолинейное и инновационное — как и сам бренд.

Графический дизайн сегодня: как изменился мир

Мало что так сильно повлияло на историю графического дизайна, как развитие технологий и цифровая трансформация.

Несколько десятилетий назад никто и представить себе не мог, куда нас заведут компьютеры и Интернет. Теперь мы можем только с трепетом оглядываться на то влияние, которое цифровая революция оказала на то, как мы работаем, общаемся и общаемся. Современный графический дизайн стал более интуитивным и захватывающим, чем когда-либо, поскольку художники больше не догадываются о том, что ищут их рынки. Вдохновение и руководство повсюду, превращая графических дизайнеров в мастеров манипулирования потребителями.

Вот лишь некоторые из изменений, которые мы заметили в графическом дизайне сегодня.

1. Компании вкладывают больше средств в графический дизайн

Число людей, инвестирующих в компании, занимающиеся графическим дизайном, выросло астрономически. Благодаря технологиям у брендов появляется больше возможностей для рекламы в Интернете. Тем, кто хочет взаимодействовать со своими клиентами запоминающимся образом, необходимо изображение, и именно здесь на помощь приходит графический дизайн.

Более того, онлайн-мир означает, что компании могут анализировать данные в реальном времени и выяснять, какие графические элементы лучше всего влияют на их бизнес.Это означает, что бренды не только вкладывают больше средств в дизайнеров, но и получают более высокую рентабельность инвестиций! Графический дизайн стал глобальным диалогом между брендами, их клиентами и людьми, способными преодолеть разрыв.

2. Умный контент-маркетинг и графический дизайн

Раньше, когда графический дизайн впервые стал фундаментальной частью маркетинга, художники в основном занимались разработкой логотипов и рекламных носителей для своих клиентов в виде листовок и баннеров.Графический дизайн покупался время от времени, но сегодня он является неотъемлемой частью надежной стратегии брендинга. Фактически, некоторые из лучших компаний в мире используют графический дизайн каждый день в своих маркетинговых кампаниях в социальных сетях и контент-маркетинге.

В мире, где клиенты хотят наладить более прочные и уникальные связи с компаниями, стоковая фотография и куча изображений не годятся. Графические дизайнеры теперь имеют возможность выделить организации в цифровом ландшафте с помощью визуальных эффектов и фотографий брендов, которые могут привлечь внимание всей аудитории.

3. Новые каналы для изучения

Говоря о контент-маркетинге и социальных сетях, графические дизайнеры теперь осваивают ряд новых навыков, чтобы укрепить свое мастерство. В прошлом создание медиа для компании сводилось к тому, чтобы максимально эффективно объяснить, чем занимается ее бизнес. Хотя сегодня это все еще распространенный компонент графического дизайна, есть много новых концепций, о которых нужно подумать.

Например, психология и поведение покупателя теперь играют роль в графическом дизайне.Многие эксперты по брендингу смотрят на такие вещи, как психология цвета и влияние форм, чтобы убедиться, что они передают правильную индивидуальность каждого клиента. В то же время дизайнеры больше не создают изображения только для одной платформы. Логотипы, средства визуальной идентификации и элементы графического дизайна должны одинаково хорошо работать в приложениях, мобильных устройствах и на больших экранах. Это означает, что в мире дизайна появились новые дисциплины, такие как «адаптивный» дизайн.

Роль графического дизайнера изменилась

По сути, роль графического дизайнера изменилась, превратившись из разового подрядчика в важную часть любой бизнес-команды.Современные бренды полагаются на своих дизайнеров не только в создании логотипов и тактических элементов коммуникации, но и в обеспечении их присутствия в онлайн-мире и повышении узнаваемости своего бренда. Графический дизайн — это уже не просто произведение искусства, это процесс установления реальной связи между клиентами и компаниями с помощью слов, тона, изображений, дизайна и технологий.

Современный графический дизайн: тенденции, которые мы наблюдаем прямо сейчас

Природа человеческого общения и быстрые темпы развития цифрового мира означают, что часто бывает трудно уследить за постоянно меняющейся природой графического дизайна.В эпоху, когда технологии повсюду, делая творчество более доступным, тенденции в современном графическом дизайне могут исчезать так же быстро, как и возникать.

То, что казалось передовым в 2017 году, может полностью устареть в 2018 году. Точно так же дизайн, который вдохновляет мир сегодня, может оказаться устаревшей новостью завтра. Например, некоторые из современных тенденций графического дизайна, которые мы наблюдаем сегодня, включают:

1. Упрощение

Сегодняшние клиенты более заняты и спешат, чем когда-либо прежде.У них нет времени иметь дело с компаниями, которые не могут передать свою личность и намерения с помощью простейшего графического изображения. В прошлом компании, которые хотели оказать большое влияние, делали большие, смелые и даже сложные дизайны своих логотипов и веб-сайтов. Сегодня простота — залог успеха.

Например, ребрендинг Moonpig включал полное избавление от изображения космической свиньи и демонстрацию их забавной индивидуальности с помощью небольшого количества простого текстового кернинга. Неуклюжие буквы в логотипе Moonpig больше демонстрируют характер компании, чем любой мультипликационный персонаж, и при этом делают бренд более профессиональным.

2. Смелые и смелые цвета

Если вы, как и мы, в последнее время отслеживаете тенденции в дизайне логотипов и брендинга, то вы заметили огромное количество цветов, появившихся в 2017 году. Графические дизайнеры начали делать более масштабные и смелые решения в сочетании с плоским дизайном. графика и простые формы.

Например, в новом логотипе Dropbox используются свежие и современные образы в сочетании с рядом смелых и ярких цветов на выбор, чтобы клиенты могли создать собственное впечатление о бренде.Это подчеркивает природу компании, которая заявляет, что предлагает хранилище, сделанное на заказ для любого бизнеса или отдельного человека.

3. Бренд дистилляции

В последнее время кажется, что современный графический дизайн движется по пути к более простым, но в то же время более захватывающим тенденциям. История графического дизайна дошла до того момента, когда эксперты осознали важность клиентского опыта и его значения для визуального контента.

Сегодня

Function заменила излишние детали дизайна, и бренды стремятся сократить свои основные активы, одновременно вкладывая больше смысла в каждый элемент.Например, YouTube почти полностью исключил это имя из своего портфолио брендов, сведя все к одному простому и эффективному изображению. Графический дизайн больше не должен быть сложным. Это просто должно что-то значить и оказывать влияние.

Взгляд в будущее: от модернистского графического дизайна к футуристическому

Чем больше мы исследуем историю графического дизайна, тем больше он демонстрирует себя как зеркало более широких изменений, которые мир пережил во всем мире.Когда миру была нужна красота, у нас был модерн, а теперь, когда клиенты ищут простоту, у нас есть совершенно новая версия современного графического дизайна.

Ключ к графическому дизайну сегодня — это помнить, что визуальные эффекты больше не только для того, чтобы сделать бренд привлекательным, но и для улучшения качества обслуживания клиентов. От дизайна логотипа до изображений, которые вы публикуете в каждом блоге, графический дизайн — ключ к запоминающейся визуальной идентичности.

По мере того, как мы движемся в будущее, есть вероятность, что графический дизайн продолжит меняться.Хотя невозможно предсказать все изменения, которые принесут годы вперед, вот лишь несколько прогнозов, которые следует учитывать:

1. Баланс между мечтами о будущем и воспоминаниями о прошлом

Одна тенденция, которую мы недавно заметили в среде графического дизайна, заключается в том, что почти одинаково стремятся к дизайну, который раздвигает границы передовых изображений, и концепциям, которые возвращаются к винтажному стилю. В мире, который принадлежит нескольким поколениям потребителей, дизайнеры начинают более тщательно обдумывать, хотят ли они обратиться к футуристическим поколениям завтрашнего дня или к пожилым клиентам, которые жаждут невинности и простоты своей юности.

Винтажный графический дизайн стал обычным компонентом многих элементов брендинга. Нарисованные от руки элементы, простые линии и уникальная типографика — все это может стать отличным способом ощутить ностальгию по определенному бренду или передать наследие новой компании.

2. Данные изменят игру

Как упоминалось выше, цифровая революция изменила подход графических дизайнеров к отрасли. Мы больше не делаем предположений о клиентах, а реагируем на конкретные потребности на основе понимания, полученного в ходе исследований, опросов и онлайн-показателей.Например, когда компании начали обнаруживать, что все больше людей просматривают веб-сайты со своих телефонов, они узнали, что графический дизайн их веб-сайтов должен быть более гибким и готовым к работе с любым устройством.

По мере того, как искусственный интеллект и машинное обучение входят в сферу дизайна, можно даже определить, как люди относятся к бренду, не спрашивая их. Такие вещи, как анализ настроений, могут привести к более интуитивным методам проектирования.

3. Индивидуальность станет более важной

Конечно, в то время как цифровой мир предлагает множество преимуществ современным дизайнерам, он также сопряжен со своими уникальными проблемами.Сегодняшние клиенты знают, что у экспертов по графике есть бесчисленные ресурсы, которые они могут использовать, чтобы понять свои потребности. Имея это в виду, они ожидают, что бренды будут создавать более персонализированный опыт во всем, что они делают — от дизайна логотипа до создания контента.

Независимо от того, инвестируют ли компании в маркетинг B2C или в свою маркетинговую стратегию B2B, им нужно будет использовать современный графический дизайн, чтобы показать своим клиентам, что они их понимают, если они хотят добиться лояльности. Ключом к превращению потенциальных клиентов в защитников бренда может стать что-то настолько простое, как использование нарисованных от руки изображений для вашей аудитории вместо стоковых фотографий или анимации вместо статичных изображений.

4. Адаптивный дизайн может стать более отзывчивым

Возможно, вы уже слышали о концепции, известной как «динамическая» реклама. Это когда реклама, которую компания делится с клиентом, естественным образом изменяется в соответствии с покупательским поведением этого потребителя. Это отличный пример того, как мы используем данные для персонализации пути к покупке. Современные художники по графическому дизайну уже создают уникальные изображения для различных сегментов электронной почты или баннерной рекламы. Однако завтра этот отзывчивый маркетинг может перейти на новый уровень.

По мере того, как мы узнаем больше о человеческом поведении, графические дизайнеры могут использовать разные цвета и изображения в зависимости от того, что им известно о потребностях клиента на определенном этапе цикла покупки. Например, если потенциальный клиент нервничает по поводу покупки в организации, графический дизайнер может создать инфографику в мягких синих тонах, чтобы успокоить его.

5. Креативная типографика по-прежнему будет соответствовать правилу

Наконец, теперь, когда программное обеспечение для набора текста стало дешевле и проще в использовании, чем когда-либо, количество новых шрифтов, выпускаемых каждый год, достигло астрономического уровня.Хотя мы можем не знать точных цифр, можно с уверенностью сказать, что становится все труднее создавать выделяющийся шрифт.

Через пару десятилетий графическим дизайнерам, стремящимся выделиться с помощью шрифтов, будет сложно выделиться из толпы. Однако, как мы убедились в последние годы, креативная типографика по-прежнему остается одним из лучших способов привлечь внимание аудитории. Дизайнеры, которые могут найти способ преодолеть распространенные шрифты и связаться с новыми клиентами от имени своих клиентов, обязательно будут лидерами.

Постоянная эволюция: понимание графического дизайна сегодня

Можно с уверенностью сказать, что история графического дизайна долгая и сложная. Графические дизайнеры прошли долгий путь с тех пор, как рисовали рисунки на стенах пещер. Сегодня мы отточили мастерство объединения изображения и текста во что-то, что может передать опыт и идеи широким категориям людей.

Графический дизайн — одна из важнейших форм коммуникации, в которую может инвестировать любой бизнес.Его можно применить к чему-то столь же простому, как приложение для смартфона, или к чему-то столь же сложному, как фирменный стиль в целом. Хотя природа графического дизайна могла измениться с годами, основная цель осталась прежней. Сегодня, как и всегда, графические дизайнеры предоставляют своим клиентам другой способ общения со своей аудиторией.

Поскольку технологии, к которым у нас есть доступ, продолжают развиваться, включая такие вещи, как виртуальная реальность, дополненная реальность и многое другое, нет никаких сомнений в том, что современный графический дизайн продолжит меняться.Однако в мире, который управляется пользовательским опытом, художники, которые знают, как использовать изображения и текст для передачи эмоций и установления связи со своей аудиторией, должны быть готовы к тому, что их методы будут проверены временем.

Что вы думаете об эволюции графического дизайна? Какой ваш любимый стиль и как вы думаете, куда мы движемся? Развитие мира дизайна может быть сложной задачей, но мы любим участвовать в этом путешествии в Fabrik. Мы хотели бы услышать ваши мысли…

Если вам понравилась эта статья, возможно, вам понравится и эта:

— Приведение в форму: использование формы в дизайне логотипа

— В поисках своего типа: Психология шрифтов в дизайне логотипов

— Истинные цвета: использование цвета в графическом дизайне

— Дизайн логотипа: важнейший элемент визуального брендинга

Эволюция графического дизайна

Графический дизайн имеет богатую и разнообразную историю.Слово «графический дизайн» не появлялось на сцене до 1922 года, когда Уильям Двиггинс создал это слово для описания искусства проектирования с помощью графики. На заре графического дизайна профессионалы рисовали вручную. Однако за последние 60 лет графический дизайн продвинулся вперед, быстро продвигаясь вперед с появлением современных инструментов цифрового искусства.

Ранний графический дизайн

Хотя этот термин еще не был придуман, некоторые из самых ранних дизайнов включали типографику для книг и газет.Можно также утверждать, что рисунки на стенах пещер представляют собой форму древней графики.

Перенесемся в 1900-е, когда плакаты стали формой самовыражения. В 1940-х годах графический дизайн появился на пропагандистских плакатах той эпохи, таких как плакат «Мы можем это сделать» с Рози Клепальщицей. Слоганы были короткими, по существу и добавлялись к рисунку, задающему тон.

По мере того, как технологии начали меняться и становились доступными большему количеству людей, начала появляться вся отрасль, которая стала известна как графический дизайн.

1960-е

Когда-то только у богатых людей были телевизоры в своих домах, но к 1960-м и 1970-м годам телевизоры стали таким же обычным явлением, как радио. Облик дизайна изменился под влиянием телевизионной рекламы.

Политические протесты того времени также вдохновили на возрождение плаката. На этот раз искусство было сосредоточено на гражданских правах и войне во Вьетнаме. Ежедневно американцы начали использовать флаеры с таким дизайном, чтобы донести свои послания.

Хотя компьютерная графика не была так легко доступна, как в будущем, влияние баланса между положительным и отрицательным пространством можно увидеть в этом флаере 1965 года, созданном Ассоциацией улучшения Монтгомери о марше Сельмы в Монтгомери.

1970-е

В 1970-х годах влияния других культур начали проникать в дизайн по всему миру. Япония оправилась после Второй мировой войны и быстро стала крупным игроком в отрасли. Поскольку остальной мир повлиял на Японию, Япония также изменила остальной мир.

Среди элементов японского искусства, которые стали более распространенными, были такие вещи, как симметрия, цвета, которые хорошо сочетаются друг с другом, и значки в центре дизайна. Хотя психоделические дизайны продолжались и в 70-е годы, в них также начали появляться люди, рекламирующие различные продукты и использование иконок.

Один из примеров использования известных лиц для рекламы продукта представлен в рекламе Craig Stereo 1977 года выше, в которой для продвижения стереосистемы используется изображение культового музыканта. Обратите внимание, что слоган короткий, но изображение Чарльза большое. Затем под основным объявлением добавляются дополнительные сведения.

1980-е

80-е были яркими и смелыми цветами, которые привлекали внимание людей. Персональные компьютеры стали доступными для всех, и инструменты дизайна стали доступны каждому.В 1985 году Microsoft представила Windows, что означало, что людям больше не нужно было изучать MS-DOS для работы на компьютере. Вы просто нажимали на несколько кнопок, и было легко что-нибудь спроектировать.

Десятилетие также было известно большим блочным текстом. Представьте себе мультяшный текст, напоминающий граффити, и вы почувствуете часть типографики десятилетия. В 1984 году Apple выпустила MacPaint для компьютеров Macintosh, позволяя дизайнерам легко использовать компьютерную графику, например, с помощью мыши или графического планшета.Язык Postscript позволял дизайнерам размещать текст и графику на одной странице и отправлять их на печать, вместо того, чтобы использовать чертежный стол для сборки проектов.

Постер фильма 1988 года для фильма «Лицензия на вождение» выполнен в неоновом нуарном стиле. Стиль включает шрифты с частичным шрифтом яркого неонового цвета и темным фоном, которые позволяют неоновым цветам выделяться. В дизайне также часто присутствовали такие элементы, как пальмы, спортивные автомобили и закаты.

1990-е

В 1990 году Photoshop 1.0 прибыл на место происшествия. Тогда вы могли использовать Photoshop только с компьютерами Macintosh. Рождение этого нового инструмента снова изменило способность дизайнеров экспериментировать с новыми методами, включая наложение текста, выцветшие элементы и цифровые наложения.

Гранж также родился в 90-х годах, который проявлялся в дизайне постеров фильмов, обложек книг и обложек альбомов с темными изображениями и простыми цветовыми палитрами, такими как белое на черном, возможно, с ярким красным. Даже появилось несколько гранжевых шрифтов — грубоватый и грубоватый текст.

Постер фильма «Бойцовский клуб» использует типографику в стиле гранж, заставляющую задуматься об уличном искусстве. Обратите внимание на то, что фон плаката темный и зернистый, а текст яркий, но необработанный. Эта комбинация создает общий эффект гранж десятилетия.

2000-е

2000-е открыли для графических дизайнеров совершенно новый рубеж. Помимо того, что инструменты стали еще более мощными, люди внезапно начали проектировать на портативных устройствах, таких как смартфоны.Вдобавок к этому дизайнеры начали осознавать важность проектирования таким образом, чтобы он хорошо смотрелся на всех типах устройств.

Движение

стало более предметным, и дизайнеры искали способы сделать так, чтобы даже статические логотипы выглядели так, как будто они находятся в движении.

Одним из примеров логотипа, который кажется почти движущимся, является логотип AT&T в виде земного шара. Из-за смешения синего и белого цветов, а также углов логотипа, можно представить, что изображение вращается медленно, как и Земля.Они дебютировали с логотипом в 2005 году.

Последние изменения

Сегодня в графическом дизайне доминирует не один метод, а сочетание дизайнерских техник и стилей. Тенденции появляются из года в год, а иногда и из месяца в месяц. В 2017 году использование вырезанного текста, сочетающегося с яркими изображениями, позволило дизайнерам создавать уникальный внешний вид для веб-сайтов и логотипов.

Другие тенденции включали плоские значки и добавление видео по маркетинговым каналам. Веб-сайты должны быть мобильными, как никогда прежде, поэтому простота — это порядок дня, наряду с ускорением общего рендеринга.Печатная реклама сочетается с мобильными устройствами, предлагая пользователям новый опыт, более иммерсивный.

Эволюция графического дизайна

Куда пойдет графический дизайн в будущем, можно только догадываться, но пользовательский опыт наверняка останется на первом месте. Со временем дизайн станет более индивидуальным и интерактивным. Один из примеров такого рода технологий и персонализации появляется в Walt Disney World в Орландо. Когда гонщики проходят мимо цифровых плакатов, датчик улавливает сигнал волшебной повязки на руку, и имя гостя появляется на плакате, приветствуя его.

Независимо от того, что будет дальше с дизайном, ожидайте увидеть все более индивидуализированные дизайны, которые улучшат взаимодействие с пользователем в повседневной жизни.

Есть ли какие-нибудь тенденции графического дизайна, которые, как вы надеетесь, вернутся? Расскажите о них в комментариях.

Тенденции графического дизайна 2020: нарушение правил

Обновление, октябрь 2020 г .: Тенденции графического дизайна 2021 г. уже здесь! Проверь их.

Тенденции графического дизайна 2020 уже здесь и вот-вот украдут ваше сердце!

До 2020 года осталось меньше трех месяцев, и все уже задаются вопросом, как будет выглядеть мир графического дизайна.Несомненно, графический дизайн всегда был областью глубокого восхищения и огромного вдохновения для многих, и всем нам не терпится увидеть, что их ждет. Мы провели тщательное исследование, чтобы выявить рост нескольких конкретных тенденций, которые, как ожидается, вырастут в следующем году.

Основные тенденции графического дизайна в 2020 году:

1. Глубина 3D и реализм
2. Монохромный
3. Блестящие металлы
4. Увлечение типографикой
5. Маскировка изображений и текста
6. Штриховые рисунки
7. Коллажи из рисунков и фотографий
8.Упрощенные иллюстрации
9. Изометрические иллюстрации
10. Землистые цвета: ощущение винтажности
11. Узоры и текстуры
12. Геометрические узоры
13. Жидкости

Ознакомьтесь с инфографикой «Тенденции графического дизайна 2020»

Видеообзор Тенденции в графическом дизайне 2020 года

Посмотрите краткий видеообзор тенденций графического дизайна 2020 года — действительно увлекательно и захватывающе! Чтобы увидеть больше примеров и узнать больше о каждой тенденции, просто прокручивайте страницу вниз.

Не забудьте подписаться на канал GraphicMama на YouTube

1. 3D глубина и реализм

Тенденция к 3D достигла своего пика в 2019 году, и, конечно же, она не исчезнет так быстро. Благодаря возможностям современных технологий и возможностей программного обеспечения, в 2020 году мы продолжим видеть все больше потрясающих композиций трехмерного графического дизайна. Более того, чтобы быть более креативными, дизайнеры часто комбинируют это с другими реальностями, такими как фотографии и двухмерные объекты.

Просмотреть источник Просмотреть источник

2. Переход в монохромный режим

В последнее время мы наблюдаем тенденцию графических и веб-дизайнеров использовать монохромный цветовой эффект на изображениях. Помните повальное увлечение дуотонами из трендов графического дизайна 2017 года? Оказывается, сейчас тренд превратился в еще более упрощенную версию. Монохромный цветной фильтр широко используется на фотографиях или частичных элементах графической композиции. Взгляни.

Просмотреть исходный код

3.Блестящие металлы

Использование металлических материалов в графическом дизайне стало ультрамодным для фирменного стиля и дизайна продуктов. Как правило, эта тенденция требует минималистичного общего дизайна, поскольку акцент делается на самом металлическом эффекте. Мы замечаем, что дизайнеры в основном используют золото — оно передает роскошь, класс и хороший вкус. Но металлический эффект также можно получить, используя блестящие поверхности поверх матовых поверхностей любого цвета.

Просмотреть источник

Чтобы сделать эффект еще более впечатляющим, специалисты по брендингу сочетают эту тенденцию с рельефной гравировкой на физических материалах для идентификации бренда, таких как визитные карточки.

Просмотреть исходный код

4. Повальное увлечение типографикой

Чтобы создавать более инновационные и современные композиции, дизайнера активно играют с типографикой . Ожидается, что эта тенденция будет процветать в 2020 году. Образно и буквально!

Украшенная красивыми цветами, геометрическими фигурами и другими креативными элементами, художественная типографика , безусловно, является идеальным решением для привлечения внимания. В сочетании с трендом макси-типографики из трендов графического дизайна 2019 года художественная типографика в 2020 году действительно будет выделяться.

Просмотреть источник
Говоря о макси-типографике, эта тенденция, безусловно, зарекомендовала себя как стабильная, и мы продолжим ее видеть. Фактически, в 2020 году макси-типографика будет настолько большой, что дизайнеры разделят слова на несколько строк.

Что касается толщины, то существует правило — чем толще, тем лучше. Крупные шрифты и надписи уже наводняют мир графического дизайна. Мы видим их в логотипах, плакатах, веб-дизайне и даже в дизайне упаковки.И снова буквы будут огромными и могут даже выходить за границы композиции.

Просмотреть источник

Еще одна огромная тенденция в типографике в наступающем году — это рисования с ней фигур . Что мы имеем в виду? Завитки, круги или просто кривые, повторяющие изгибы других элементов дизайна. Формы могут быть двухмерными и даже трехмерными. Большой успех — создание трехмерных объектов с такими словами, как кубы, лестницы и т. Д.

Просмотреть исходный код

Просмотреть исходный код

Полупрозрачность в типографике также довольно модна.В 2020 году мы увидим это в разных формах. Части слов, перекрывающие друг друга, «двойная типографика», когда вторая копия является прозрачной, или просто полупрозрачная типографика поверх фотографий и других элементов дизайнерской композиции.

Просмотреть исходный код
Просмотреть исходный код

Вдохновляйтесь некоторыми креативными дизайнерскими идеями типографики, которые вас полностью поразят.

5. Маскирование изображений и текста

Маскирование изображений и текста — не новая техника в мире дизайна, но в 2020 году она по-прежнему будет выглядеть довольно современной.Поскольку большая часть изображения остается нераскрытой, это помогает добиться загадочного и минималистичного вида. В 2020 году дизайнеры продолжат создавать композиции с маскировкой изображений и текста, конечно, придерживаясь макси-типографики для последней, чтобы добиться желаемого эффекта. Вот несколько примеров.

Просмотреть источник

Возможно, вам будет интересно прочитать эту статью по теме: Красивый минималистский дизайн веб-сайтов

6. Штриховой рисунок

Тенденция набросков типографики и элементов, которая была довольно массовой в течение 2018 и 2019 годов, теперь превращается в полностью иллюстрированные и анимированные линейные рисунки и рисунки.По сути, штриховая графика — это схематичный упрощенный стиль иллюстрации. Таким образом, он отлично подходит для передачи концепций и идей. Выглядит чисто, элегантно и ненавязчиво. Штриховой рисунок — один из предпочтительных стилей оформления в тенденциях графического дизайна 2020 года.

Просмотреть исходный код

7. Коллажи рисунков и фотографий

Мы стали свидетелями довольно интересной и творческой тенденции в графическом дизайне, которая напоминает нам рисунки, которые мы делали на своих тетрадях в школе, т.е.е. дудлинг . Дудлинг зародился как забавная тенденция в мире иллюстрации, но быстро стал таким хитом, что мы видим его в дизайне по всей сети. Здесь вы можете получить бесплатные иллюстрации Doodle.

При использовании в графическом дизайне рисунки помогают добиться более неформального, персонализированного, созданного вручную и в целом забавного ощущения композиции.

Просмотреть исходный код

Показать исходный код

Дизайнеры объединили реальные фотографии с простыми иллюстрациями, заменяя части фотографии или взаимодействуя с фотографией .Подобно тенденции рисования, но с гораздо большей долей творчества. Новаторский тренд — это определенно то, что мы увидим в 2020 году, поскольку он предрасполагает к огромному творчеству и возможностям для создания уникального изделия.

Просмотреть исходный код

8. Упрощенные иллюстрации

Использование иллюстраций в графическом дизайне не новость. На самом деле дизайнеры часто включают иллюстрации, чтобы передать концепции и идеи и лучше передать сообщения.Когда дело доходит до тенденций графического дизайна 2020 года, простые иллюстрации будут лучшим выбором.

Просмотреть исходный код

Отсутствие деталей позволяет дизайнерам сосредоточиться не на самом искусстве, а на сообщении, которое оно передает. В 2020 году иллюстрации в дизайне часто будут выглядеть упрощенными, схематичными и даже… детскими.

Просмотреть исходный код

Похожие: лучшие примеры иллюстраций персонажей и идеи [Mega Inspiration]

9.Изометрические иллюстрации

Изометрические иллюстрации уже много лет входят в список трендов и, по логике вещей, претерпели множество трансформаций. Часто используемые для дизайна инфографики, веб-дизайна и дизайна презентаций, они являются предпочтительным стилем из-за их способности иллюстрировать трехмерный объект на двумерной поверхности. Вы также можете ознакомиться с некоторыми красивыми шаблонами изометрических и трехмерных иллюстраций для ваших проектов

Просмотреть источник

В 2020 году движение — это все.Изометрический графический дизайн превращается в полностью анимированное и захватывающее визуальное решение. В последнее время перенос 3D-объектов на 2D-поверхности стал более реальным, чем когда-либо. Мы ожидаем, что изометрический дизайн будет продолжать развиваться до такой степени, что он будет выглядеть как настоящий 3D, который движется и играет с аудиторией.

Просмотреть исходный код

Ознакомьтесь с некоторыми из лучших изометрических иллюстраций.

10. Землистые цвета: ощущение винтажности

Все новое — хорошо забытое старое.Тем не менее, удивительные 50-е годы забыть сложно, и следующая тенденция это подтверждает. 50-е годы — огромный источник вдохновения для дизайнеров. Используя естественные цветовые нюансы и нарисованные от руки иллюстрации тушью, веб-дизайнеры и графические дизайнеры создают композиции, которые передают домашнюю атмосферу дизайнов 50-х годов. Вам также может быть интересно ознакомиться с другими примерами ретро-дизайна в современную эпоху.

Просмотреть источник Винтажный стиль также используется в фирменном стиле и дизайне упаковки, типографии и надписи.Кажется, что в 2020 году нас ждет взрыв из прошлого. Ну, по крайней мере, если говорить о графическом дизайне.

Просмотреть исходный код

Просмотреть исходный код

11. Узоры и текстуры

Узоры и текстуры не использовались довольно долго, когда в сети царил плоский дизайн. Теперь мы видим рост использования узоров и текстур, но не обязательно традиционных. Сочетание нескольких узоров в одном дизайне или только участков рисунка, покрывающих экран, станет нормой в 2020 году.Если вам нужны шаблоны для ваших дизайнов, ознакомьтесь с более чем 150 бесплатными шаблонами: бесшовные и полностью редактируемые.

Просмотреть источник
Просмотреть источник

Любите эту тенденцию? Ознакомьтесь с этими удивительными примерами шаблонов в веб-дизайне (+ бесплатные шаблоны доступны для загрузки).

Объявление

Мега набор из 1000+ бесшовных узоров

Ознакомьтесь с коллекцией векторных бесшовных узоров GraphicMama, которая включает более 1114 уникальных узоров, которые идеально подходят для печати, веб-дизайна, графического дизайна, презентаций и многого другого.Его можно использовать в любом программном обеспечении для дизайна, таком как Illustrator, Photoshop, Indesign, Sketch, Affinity и т. Д. Доступен в векторном формате .Ai и прозрачном .Png.

Посмотреть комплект бесшовных узоров

12. Геометрические узоры

Каждый, кто занимается графическим дизайном и искусством, скажет вам — все сводится к основным геометрическим фигурам. И поскольку многие дизайнеры стремятся к простоте в своем дизайне, использование простых геометрических форм по-прежнему остается одной из ведущих тенденций в этой области на 2020 год.Геометрические узоры могут выглядеть просто, но на самом деле они требуют много работы, чтобы воссоздать композицию, несущую правильное значение для понимания людьми.

Просмотреть источник
Просмотреть источник

13. Жидкости

В отличие от геометрических форм со строго фиксированными краями и изгибами, плавные формы предполагают творчество, ловкость и движение. Отсутствие краев помогает добиться гладкого, мягкого вида, который многие дизайнеры хотят воссоздать.Таким образом, они определенно входят в тренды графического дизайна 2020 года, часто в сочетании с другими эффектами, такими как полупрозрачность, яркие цвета и цветовые градиенты, анимация и т. Д.

Просмотреть исходный код

Просмотреть источник

Просмотреть источник

Тенденции графического дизайна 2020 Обзор инфографики

Щелкните изображение, чтобы открыть инфографику

В заключение,

Тенденции графического дизайна в 2020 году невероятно разнообразны и впечатляют! В 2020 году мы увидим потрясающие дизайнерские работы с типографикой, завораживающими цветовыми комбинациями, взор из прошлого с дизайном в стиле ретро, ​​штриховым рисунком, рисованием и многими другими удивительными тенденциями.Каковы ваши личные прогнозы относительно тенденций графического дизайна на 2020 год? Мы будем рады узнать, что вы думаете, в комментариях ниже.

Увлекаетесь графическим дизайном? Возможно, вам будет интересно ознакомиться с другими статьями по связанным темам:

ГРАФИКА АВТОМОБИЛЯ | modern-images

Превращение вашего автомобиля в мобильную рекламу означает огромный рост узнаваемости и узнаваемости вашего бренда. Однако для того, чтобы получить правильную упаковку, включая надлежащий обмен сообщениями, макет и установку, требуется работа профессионалов.Вы хотите, чтобы ваша упаковка отражала профессионализм вашей организации. Неправильно установленная, непривлекательная или просто неэффективная пленка может сказать о вашем бизнесе столько же, сколько и хорошая, делая квалифицированную установку жизненно важной частью общей эффективности вашего нового маркетингового инструмента. Имея несколько вариантов упаковки, мы можем создать и установить лучшую пленку для вашего бренда и бюджета. В Modern Images мы берем на себя весь процесс, создавая убедительную и профессиональную упаковку, которая усердно работает для вашего бизнеса и отлично выглядит при этом.

НАКЛЕЙКИ И НАКЛЕЙКИ

Наклейки для автомобилей — один из лучших способов продвижения вашего бренда, повышения узнаваемости и единообразия ваших деловых автомобилей. Привлекательная, липкая пленка не только служит постоянной рекламой, но и укрепляет доверие клиентов к вашему бренду и представителям вашей компании. Modern Images — это поставщик пленок для автомобилей с полным спектром услуг, предлагающий все, от креативного дизайна упаковки до безупречной установки.

Накладки

для транспортных средств также предлагают слой защиты от дорожного износа и элементов, что делает их идеальным выбором для транспортных средств, которые интенсивно используются.

АВТОМОБИЛЬНЫЙ АВТОМОБИЛЬ

Многие предприятия обнаруживают, что они используют различные транспортные средства для выполнения своих рабочих функций, такие как автомобили для доставки, личные автомобили для руководителей, большие прицепы для перевозки по дорогам или грузовики-фургоны для работы в городе. У вас могут быть служебные фургоны, рабочие грузовики и даже газонокосилки, которые могут получить выгоду от профессионального брендинга. Очевидным преимуществом применения привлекательных, липких пленок для всех ваших различных рабочих транспортных средств является узнаваемость бренда и повышенная узнаваемость.

Фирменный автопарк также положительно влияет на восприятие клиентов, повышает лояльность к бренду и создает покупателя или клиента, который с большей вероятностью оставит вам восторженный отзыв. Клиенты ищут подтверждения и заверений. Все нервничают, когда кто-то стучится в их дверь. Однако с брендовой техникой клиент сразу же почувствует себя более комфортно и уверенно, увидев представителя вашей компании.

Что такое графический дизайн? | Фонд дизайна взаимодействия (IxDF)

Если есть профессия, которая на 100% связана с представлением общественности о том, что такое дизайн, то это графический дизайн.От знакомых золотых арок бренда McDonald’s до типографики и цветов постеров к фильмам — графические дизайнеры создают вокруг нас одни из самых знаковых и вездесущих дизайнов. Так зачем графическому дизайнеру, как вы, менять свою карьеру на UX-дизайн? Ну, во-первых, многое можно сказать о чувстве удовлетворения и удовлетворенности, возникающем из-за того, что вы «под капотом» продуктов, над которыми вы работаете, вместо того, чтобы работать над внешним видом. Кроме того, согласно PayScale, средняя зарплата графического дизайнера в США составляет 41 000 долларов (1), а у дизайнера UX — колоссальные 74 000 долларов (2).Какой бы ни была причина переезда, ясно, что он может оказаться очень полезным. Но как перейти от графического дизайна к UX-дизайну? Давайте выясним.

Пользовательский опыт (UX) — это то, что пользователь определенного продукта испытывает при использовании этого продукта. Таким образом, работа UX-дизайнера состоит в том, чтобы создать продукт, обеспечивающий наилучшее взаимодействие с пользователем. Как это случилось?

Ну, это начинается с большого исследования. Вы не сможете создать что-либо ценное для пользователя, если не поймете, какие проблемы они хотят решить и как вы можете решить эти проблемы, чтобы пользователь захотел — или, что еще лучше, нуждался — в вашем решении.Вы можете получить это понимание, только взаимодействуя с пользователями.

UX-дизайнеров обычно заботят, как видно из изображения ниже, 3 основных фактора: внешний вид продукта, ощущение от этого продукта и удобство использования этого продукта.

Внешний вид продукта — это создание продукта, который имеет визуальную привлекательность и, в частности, гармонирует с ценностями пользователя и отражает дух того, чего они ожидают от этого продукта. Другими словами, он должен не только красиво выглядеть, но и хорошо выглядеть.Тем самым он устанавливает доверительные отношения между продуктом и пользователем.

Далее — чувство, которое на самом деле связано с разработкой продуктов, которые «приятно использовать». То есть, взаимодействуете ли вы с ними или реагируете на них, продукты должны приносить удовольствие, а не только функционально.

Наконец, удобство использования является краеугольным камнем пользовательского опыта. Если продукт непригоден для использования, опыт его использования никогда не может быть хорошим. UX-дизайнеры хотят создавать продукты, которые в идеале могут быть адаптированы к конкретным потребностям пользователя, но которые обеспечивают предсказуемую функциональность.

Если вы все еще не знаете, что такое UX-дизайн, не волнуйтесь! У нас есть серия статей, которые могут помочь вам принять решение — они рассматривают некоторые из ключевых концепций UX-дизайна более детально, чем мы можем здесь:

Введение в удобство использования

Юзабилити vs Желанность

Что такое интерактивный дизайн?

Что общего у графического дизайна и UX-дизайна?

Эмоциональный дизайн

Графический дизайн — это эмоциональная коммуникация через типографику, цвет и изображения; шрифты с засечками и темные, более тусклые цвета вызывают серьезность, в то время как шрифты с засечками и яркие цвета, как правило, вызывают чувство радости или волнения.Следовательно, графические дизайнеры очень часто оказываются эмоциональными дизайнерами, вызывающими у пользователя определенную реакцию. UX-дизайн также связан с формированием эмоций пользователя, хотя он, как правило, дает более широкую картину того, как пользователь взаимодействует с продуктом. Помимо правильной типографики и цветов, UX-дизайнеры также заботятся о моушн-дизайне, тоне контента и информационной архитектуре, среди прочего.

Креативное мышление

Графические дизайнеры и дизайнеры UX в равной степени обладают творческим мышлением.Для графических дизайнеров создание визуальных элементов, которые придерживаются соглашений (и, следовательно, эффективно взаимодействуют), сохраняя при этом чувство оригинальности (чтобы выделиться среди конкурентов), требует серьезного творческого и критического мышления. Точно так же UX-дизайнеры должны создавать продукты, которые решают проблемы пользователей, и иногда традиционные решения не всегда являются лучшими или наиболее подходящими.

Прототипирование

Графические дизайнеры часто создают макеты и каркасы своих проектов до того, как предоставить готовый дизайн.Это дает клиентам возможность высказывать отзывы о своих проектах и ​​улучшать их, не начиная с нуля. UX-дизайнеры тоже создают макеты и прототипы, но они, как правило, меньше фокусируются на «внешнем виде» продукта, а больше на его «ощущении». Полезен ли прототип? Это можно использовать? Это желательно? Это вопросы, на которые UX-дизайнер хочет получить ответы.

Различия между графическим дизайном и UX-дизайном

Ориентация на пользователя и на пиксель

Графические дизайнеры стремятся к совершенству пикселов в своих проектах.Обеспечение идеального кернинга текста и соответствия цветов рекомендациям бренда часто занимает значительную часть работы графических дизайнеров — и не зря. Однако UX-дизайнеры в первую очередь ориентированы на пользователей. Они изучают интерфейс между пользователями и продуктом, находя способы гарантировать, что продукт отвечает основным потребностям пользователя. И они делают это, проводя множество исследований — разговаривая с пользователями и наблюдая за ними, создавая образы и истории пользователей, проводя юзабилити-тестирование продуктов и многое другое.Графическим дизайнерам, желающим сменить карьерный путь, потребуется проделать значительный объем работы, чтобы выяснить, как проводить исследования пользователей (подробнее об этом чуть позже в статье).

Итеративное решение проблем

UX-дизайн — это итеративный процесс решения проблем, который может сильно отличаться от того, что вы привыкли делать в качестве графического дизайнера. Он начинается с выявления проблемы; это часто обнаруживается в ходе пользовательских исследований, а если нет, то они будут подтверждены в ходе пользовательских исследований.Нет смысла решать проблемы, которые не волнуют пользователей; они не будут платить за решение этих проблем, а это значит, что ваша компания не будет зарабатывать деньги.

Начиная со стадии выявления проблемы, проводятся дополнительные исследования, чтобы выяснить, как лучше всего решить проблему таким образом, чтобы пользователь был доволен — обычно посредством наблюдений, опросов, этнографических исследований и т. Д.

Это исследование затем информирует дизайн продукта. Затем проекты тестируются с пользователями, чтобы увидеть, привели ли исследования к правильным решениям.Дизайн постоянно совершенствуется, пока исследования не подтвердят, что они достаточно хороши.

Как только это происходит, продукт запускается, но процесс проектирования не заканчивается. Дизайн будет постоянно тестироваться, и отзывы пользователей будут приниматься во внимание, таким образом начнется новый раунд пользовательских исследований. На основе этих отзывов будут внесены дальнейшие улучшения в дизайн.

Междисциплинарный и специализированный

Графический дизайн — это специализированная дисциплина, и для создания великолепных визуальных эффектов требуется определенный уровень мастерства и набор специализированных навыков (таких как типографика и теория цвета).С другой стороны, UX-дизайн является гораздо более междисциплинарным и включает в себя множество школ знаний. UX-дизайнеры должны постоянно изучать человеческую психологию, дизайн взаимодействия, информационную архитектуру и методы исследования пользователей, и это лишь некоторые из них, чтобы находить правильные решения проблем пользователей. Дон Норман, человек, придумавший термин «пользовательский опыт», объясняет, что пользовательский опыт охватывает «все аспекты взаимодействия человека с системой, включая графику промышленного дизайна, интерфейс, физическое взаимодействие и руководство.”

Большое преимущество опыта графического дизайна при переходе к UX-дизайну

Aesthetics

Самым большим преимуществом для графических дизайнеров, переходящих на UX-дизайн, является то, что они могут делать вещи привлекательными. Очень распространенное заблуждение о UX-дизайне заключается в том, что хорошее юзабилити важнее эстетики. Напротив, было обнаружено, что хорошая эстетика улучшает общее впечатление пользователя о продукте, делая пользователей более расслабленными, создавая положительное первое впечатление и, как правило, просто показывая, что вам не все равно (3).

Эстетика также помогает дизайнерам общаться с внутренними заинтересованными сторонами в своих компаниях. Бывшие графические дизайнеры могут представить результаты исследований таким образом, чтобы заинтересованные стороны действительно обратили на них внимание. Навыки графического дизайна часто считаются необязательными в исследованиях UX, но было бы трудно отрицать влияние хорошо представленных красивых результатов. Если вы все же внесете изменения, вам нужно будет сбалансировать свою тенденцию делать вещи великолепными с необходимостью продвигать свои дизайнерские проекты вперед.В UX-дизайне бывают моменты, когда нескольких каракулей на тыльной стороне салфетки более чем достаточно, чтобы все заработало; в таком случае не тратьте 3 дня на изготовление плаката.

Условные обозначения и тенденции

Опыт работы в области дизайна означает не только хорошее владение терминологией дизайна, но и то, что вы, вероятно, знакомы с условностями и тенденциями в дизайне веб-сайтов или приложений. В большинстве случаев дизайнеры UX используют стандартизированные соглашения (например, тумблер для включения / выключения состояний, раскрывающийся список для нескольких параметров и т. Д.), потому что пользователи ожидают такого взаимодействия на веб-сайте. Графические дизайнеры, особенно если вы в прошлом создавали прототипы, также знакомы с такими условностями. Это означает, что вы быстрее приспособитесь к роли UX-дизайнера, чем тот, кто не занимается дизайном. Может показаться, что это не так уж много, но общение — это ядро ​​любого проекта UX-дизайна, и возможность поговорить с вами — большое преимущество.

Есть ли разрыв между навыками графического дизайна и навыками UX-дизайна? Да, но это не непреодолимая проблема.Графические дизайнеры уже говорят на языке дизайна; им просто нужно освежить свои навыки, чтобы включить в них те, которые уникальны для UX-дизайна.

Как только у вас появятся эти навыки, вы можете начать использовать их в своей работе графического дизайна (потому что дизайн пользовательского опыта может информировать графический дизайн так же, как он может информировать дизайн продукта) и начать адаптировать свое резюме, чтобы подчеркнуть свои навыки UX как а также ваши навыки графического дизайна.

Как мы упоминали выше, настоящий ключ для графических дизайнеров — это понимать исследования пользователей во всех их формах.Все перечисленные ниже курсы должны в большей степени удовлетворять эту потребность.

Онлайн-курсы

Interaction Design Foundation

Мы хотели бы скромно представить наши собственные курсы для этого, поскольку Interaction Design Foundation является крупнейшим в мире сообществом специалистов по дизайну. Дон Норман, тот же человек, который ввел термин «пользовательский опыт» и который является одним из самых известных дизайнеров в мире, говорит, что мы «золотая жила информации о дизайне взаимодействия»; Журнал Forbes сообщает, что мы обеспечиваем образование в области UX-дизайна на уровне Лиги плюща!

Есть три курса, которые мы составили специально для смены карьеры или первой работы в UX-дизайне.В программе «Стать UX-дизайнером с нуля» вы познакомитесь со всеми областями работы с UX, получите базовые практические навыки для проведения UX-работы и обретете уверенность в работе с UX-клиентами в качестве консультанта. В разделе «Получите свою первую работу в качестве дизайнера UX (или взаимодействия)» вы узнаете, как получить опыт в UX, который ищут потенциальные работодатели, научитесь составлять выигрышное сопроводительное письмо, резюме и портфолио, чтобы пройти собеседование по UX, и обсудить предложение о работе. А в разделе «Исследование пользователей — методы и передовой опыт» вы узнаете о различных методах проведения исследований пользователей, а затем примените их результаты на практике.

Мы также предлагаем ряд других курсов (32, и они постоянно растут!), Которые помогут вам в дальнейшем развивать свои навыки в UX-дизайне. Хорошая новость заключается в том, что за небольшую годовую плату вы получаете доступ ко всем нашим курсам в течение года без дополнительной оплаты, а также получаете доступ к нашему сообществу.

Здесь вы можете узнать о других наших курсах.

Coursera

Возможно, вы также захотите попробовать людей на Coursera.org, который является недорогим, но высококачественным образовательным центром, предлагающим курсы по широкому кругу предметов, включая UX.Он действительно сотрудничает с университетами и компаниями, предлагая курсы, профессиональные сертификаты и степени, и курсы в целом очень хорошие. Весь контент на платформе, за исключением степеней, доступен по запросу. Также стоит отметить, что их программы на получение степени доступны только для новых приложений во время установленных окон. Они также недавно выпустили сертификат Google UX Design Professional Certificate, чтобы помочь учащимся приобрести готовые к работе навыки менее чем за шесть месяцев.

Udemy

Udemy — крупнейший в мире брокер по обучению.Они не разрабатывают собственное обучение; скорее, они позволяют создателям курсов продавать свои курсы на своей платформе. Они предлагают буквально тысячи курсов практически по любому мыслимому предмету. Проблема в том, что Udemy не обеспечивает контроль качества, и хотя вы можете найти там несколько отличных курсов, есть также много не очень хороших курсов.

Аудиторные курсы

Nielsen Norman Group

Если у вас более глубокие карманы и вы предпочитаете учиться в классе, а не в Интернете, то вы, возможно, захотите ознакомиться с очными курсами, предлагаемыми Nielsen Norman Group.Группа имеет отличную репутацию и является одной из самых уважаемых в мире консалтинговых компаний по UX. Они предлагают свои курсы в разных местах, но мы не можем гарантировать, что вы найдете их прямо у себя на пороге, и вам, возможно, придется проехать некоторое расстояние, чтобы принять в них участие.

General Assembly

Мы также считаем, что General Assembly имеет отличную репутацию в области предоставления иммерсивных учебных курсов по UX-дизайну. Опять же, это недешево, но это всегда будет справедливо для профессионального обучения в классе.Вы можете выбирать между курсами с частичной или полной занятостью. Поскольку они короткие, они повторяются каждые несколько месяцев. Однако они доступны только в определенных местах, и вам нужно будет включить в общую стоимость путевые расходы и расходы на проживание, если вы не живете поблизости.

Университетские курсы

Мы не уверены, что университет — лучший вариант для тех, кто хочет сменить направление карьеры; дело не только в деньгах, но и во времени. Вы можете зарабатывать и учиться другим методом, вместо того, чтобы тратить 3 или 4 года на получение степени бакалавра или 2 года на программу магистра.Однако, если вы все же решите пойти по пути университета, вам нужно будет потратить много времени на поиск именно той программы, которая вам подходит. У нас есть для вас несколько примеров, но во всем мире существуют буквально сотни программ, и мы не могли надеяться охватить их все.

Карнеги-Меллон — программы HCI

Йоркский университет — магистр в области технологий HCI

Мы настоятельно рекомендуем вам сесть с калькулятором и подумать о расходах, связанных с поступлением в университет, прежде чем бронировать место.HSBC, по данным Top Universities, обнаружил, что средний университетский курс в США будет стоить вам 36 564 доллара в год (включая аренду, обучение, книги и т. Д.). (4) За 4 года обучения это означает, что нужно выложить крутые 146 256 долларов — и это без затрат на ссуду для покрытия этих расходов.

Но это еще не все — вам также придется отказаться от работы полный рабочий день. По данным Бюро переписи населения США, неуниверситет зарабатывает в среднем 27 351 доллар в год (5). Это дает нам 4-летние альтернативные издержки (то есть доход, который вы упустили во время учебы в университете) в размере 109 404 доллара.Это означает, что 4 года в университете обойдутся вам в 255 660 долларов!

Если вы не знаете, в какое обучение лучше инвестировать, ничего страшного. Мы знаем, что может сбить с толку попытка понять, что принесет больше пользы вашей карьере. Имея это в виду, мы составили часть, которая проведет вас через расчет рентабельности инвестиций в обучение. Надеюсь, это поможет вам решить, что подходит именно вам.

Сеть

После того, как вы обновите свой набор навыков и почувствуете, что готовы к этой первой роли UX, вам, возможно, будет удобно заняться нетворкингом.Наилучшие возможности почти всегда можно найти, когда кто-то, уже работающий в этой области, порекомендует вам должность. LinkedIn — одно из лучших мест для начала работы в сети. Присоединяйтесь к некоторым UX-группам, начните вносить свой вклад и создайте важную сеть со своими коллегами. Но не торопитесь; не приходи просто приходить и просить о работе. Вам нужны отношения с людьми, прежде чем они помогут.

Мы также предлагаем отличные возможности для нетворкинга как для наших участников, так и для тех, кто не является их членами.Участники могут присоединиться к нашему глобальному сообществу профессионалов UX в многочисленных дискуссионных группах и форумах, которые мы предоставляем; у нас самое большое сообщество дизайнеров-специалистов в мире, поэтому у нас есть много возможностей для раскрытия информации. Для членов и нечленов мы также проводим собрания местных групп во многих местах по всей планете. Эти встречи абсолютно бесплатны для посещения и являются отличным способом познакомиться с людьми, занимающимися UX в вашем родном городе или городе. Узнайте больше на нашей странице сообщества.

Еще один полезный способ начать нетворкинг — следить за известными членами сообщества дизайнеров UX в Twitter.Вы не только многому у них научитесь, но и сможете взаимодействовать с их подписчиками (которые, скорее всего, будут такими же дизайнерами, как и вы). Мы составили список из двадцати человек, на которых вы должны подписаться в Twitter в сфере UX, чтобы начать работу.

Наставничество и обратная связь

Еще один отличный способ развивать свою карьеру — работать с наставником в области UX, который «побывал там, сделал это и купил футболку», по крайней мере, так сказать. Вы можете найти наставника через свою собственную сеть, и это отличный способ связаться с наставником, но если вы не можете, то наши члены IxDF Design League могут получить доступ к нашей сети наставников дизайна в рамках своих ежегодных членских взносов.

The Take Away

Если вы хотите перейти от графического дизайна к UX-дизайну в качестве карьеры, это здорово. Это будет не так сложно, как вы думаете. Вам просто нужно пройти небольшую подготовку за плечами, чтобы вы знали, чем занимается дизайнер UX, а затем вы можете применить некоторые из этих методов в своей текущей должности. Затем, когда вы подумаете, что пришло время, вы можете начать нетворкинг и назначать собеседования для вашей новой работы!

Ссылки и где узнать больше

1. Исследование Payscale о зарплатах в графическом дизайне — http: // www.payscale.com/research/US/Job=Graphic_Designer/Salary

2. Исследование Payscale о зарплатах в UX-дизайне — http://www.payscale.com/research/US/Job=UX_Designer/Salary

3. Мифы UX: Эстетика не важна, если у вас хорошее удобство использования — http://uxmyths.com/post/1161244116/myth-25-aesthetics-are-not-important-if-you-have-good-us

4. Сколько стоит стоимость обучения в США — http://www.topuniversities.com/student-info/student-finance/how-much-does-it-cost-study-us

5. Заработок в зависимости от образования: Бюро переписи населения США — https: // www.census.gov/hhes/www/income/data/earnings/call1usboth.html

Искусство современной графики

В апреле 2012 года Элейн Лустиг Коэн была награждена медалью AIGA 2011 года, самой выдающейся наградой, присуждаемой AIGA, американской профессиональной организацией в области дизайна. Праздничное мероприятие и церемония, которые прошли в Нью-Йорке, подчеркнули ее образцовую дизайнерскую работу и карьеру, назвав ее «новаторским графическим дизайнером, художником и архивариусом». Во всех этих ролях Элейн внесла значительный вклад в визуальный профиль дизайна, искусства и образования.Постоянный интерес на протяжении всех аспектов ее карьеры — европейский и русский модернизм начала 20-го века — как художник, практикующий живопись и коллаж, и как торговец раритетными книгами, продающими важные вещицы авангарда. Но ее работа в качестве графического дизайнера в 1950-х и 60-х годах заложила основу. Ее более 150 дизайнов для обложек книг и музейных каталогов, многие из которых публикуются здесь впервые, часто упускаются из виду в каноне графического дизайна. Однако они играют значительную роль в эволюции американского модернизма, уникального сочетания экспериментов и идей авангарда.Сегодня в возрасте 85 лет Элейн продолжает оставаться влиятельной фигурой в мире дизайна и важной связью с модернистским наследием.

Картины Элейн Люстиг Коэн, 1967, 1982 и 2007 годы.

Элейн Фирстенберг родилась в 1927 году и планировала стать учителем рисования. Она изучала искусство в Ньюкомбском колледже Тулейнского университета (Новый Орлеан, Луизиана) и художественное образование в Университете Южной Калифорнии (Лос-Анджелес, Калифорния), где получила степень бакалавра изящных искусств.Именно опыт общения с ее первым мужем, выдающимся дизайнером и модернистом Элвином Люстигом (1915–1955), за которого она вышла замуж в 1948 году, положил начало ее карьере графического дизайнера. Она говорит: «Все мое обучение в колледже, а затем и с Элвином было посвящено авангарду 20-го века. Даже то, что я видел подростком в Нью-Йорке — Музей современного искусства [MoMA] и музей Пегги Гуггенхайм [Музей Соломона Р. Гуггенхайма], взволновало меня в то время и заложило во мне модернистское зерно, которое потребовались годы, чтобы впитать и создать мой собственный».Элейн особенно вдохновляют художники-абстракционисты и дизайнеры Курт Швиттерс, Софи Таубер Арп и Соня Делоне, особенно близкие к Тауберу Арпу и Делоне, называя их «моими особенными женщинами», художниками, работающими в той же сфере, что и их мужья (Жан Арп и Робер Делоне, соответственно), но работы которых признаются реже.

Брак Элейн был недолгим, поскольку Лустиг в 1955 году в возрасте 40 лет заболел диабетом. Он оставил после себя множество плодотворных работ во всех областях дизайна, включая знаменитые дизайны обложек книг для серии New Classics, New Directions Books.Дизайн обложки книги Люстига для этой серии представлял собой абстрактные изображения, в основном в двух цветах, основанные на интерпретациях книги. Они добились большого успеха и увеличили продажи книг, что очень порадовало Джеймса Лафлина, издателя New Directions: «Его прекрасные рисунки помогают привлечь внимание массовой аудитории к высококачественному чтению» (Джеймс Лафлин: Bookjackets от Элвина Люстига для New Directions Книги , Gotham Book Mart Press, 1947).

При Люстиге Элейн была помощницей, «офисной рабыней», как она вспоминает, строго выполняя его концепции и замыслы, особенно среди его слабого зрения.Одним из последних клиентов Лустига были книги Meridian Books, издаваемые The Noonday Press. Молодой издатель Артур Коэн обратился к Люстигам за советом при составлении своего небольшого, но творческого списка книг в мягкой обложке в литературной и социальной критике, предназначенных для рынка колледжей. С 1951 по 1955 год Люстиг разработал для издателя около 26 обложек книг. «Когда Элвин проектировал первые меридианы, было мало качественных книг в мягкой обложке. Он видел это как серию, которую можно было увидеть вместе. Фактически, мы ходили по книжным магазинам и выстраивали их в очередь.В то время он интересовался шрифтом 19 века », — говорит Элейн. Дизайн обложек книг Люстига был чисто типографским — драматические сопоставления новых и старых лиц, составленные в рациональных, современных макетах на цветном фоне: «Я думаю, что с его слабым зрением решения были чем-то, что он чувствовал себя комфортно, к тому же он давно интересовался шрифтом. . » Обложки Meridian были тихим отходом от новаторского дизайна обложек книг Люстига, но в то же время продолжением их. Эти современные обложки также сильно отличались от других книжных обложек в области мягкой обложки, в которой в основном использовались графические иллюстрации.

На момент смерти в 1955 году Люстиг выполнял незавершенные заказы. Один, в частности, был для архитектора Филипа Джонсона, который нанял его для разработки системы вывесок для знаменитого здания Seagram Building в Нью-Йорке, спроектированной Мис ван дер Роэ в сотрудничестве с Джонсоном. Несмотря на то, что Лустиг не начал никаких работ, Элейн успешно выполнила вывески, а также другие задания, такие как реклама и каталоги для здания.

Элвин и Элейн Ластиг, Лос-Анджелес, 1949 год.

Начиная с 1956 года, Элейн теперь работает в собственной студии и была нанята Meridian для создания дополнительных обложек. К этому времени конкуренция вошла в область мягкой обложки. Книжные магазины больше не отображали названия меридианов вместе, что уменьшало мощность и согласованность всей серии в целом. Обложка каждой книги должна была стоять отдельно и эффективно общаться. «Я знал, что когда я начал разрабатывать меридианы, было доступно больше качественных книг в мягкой обложке, и изображение каждого названия должно было быть более выразительным.Большая часть списка была посвящена истории, философии, религии и переизданиям известных вышедших из печати изданий, недоступных на рынке колледжей по разумным ценам. Меридиан также заказал оригинальные названия экзистенциализма и Сартра. Это не были романы для полного чтения. Так что я обычно пыталась придумать ощущение предмета », — вспоминает Элейн. Ее книга охватывает диапазон от фотографических до абстрактных, типографских и различных их комбинаций. Знания, которые она переняла от Люстига, и идеи, которые она унаследовала от авангардных художественных движений, включая конструктивизм, дадаизм, футуризм, сюрреализм и Баухаус, позволили ей свободно экспериментировать.

Обложки фотокниг Элейн искусно символичны, в них используются изображения, напоминающие о содержании книги, почти со всеми оригинальными фотографиями, сделанными ею. Составленная черно-белая фотография камней различных размеров, форм и оттенков представляет собой книгу Фрица Стерна «« Разновидности истории »» (1957). Для Witchcraft (1958) Чарльза Уильямса она взяла дрова из своего камина, сформировала их в форме буквы «W», подожгла и сфотографировала. Обложка книги, наряду с ярко-оранжевым названием, оставляет у читателя сильное впечатление об этой мифологической практике.

В других фотографических проектах Элейн объединила изображение с цветом и типографикой, чтобы создать концепцию обложки книги. Благородный дикарь (1959) был литературным периодическим изданием современных рассказов, стихов и эссе под редакцией писателей Сола Беллоу и Кита Ботсфорда. В выпуске 4 она использовала собственное черно-белое изображение изношенной статуи и игриво украсила его именами редакторов в форме усов, как дань влиянию ее дадаизма. Ее выбор пурпурного (благородный цвет), анимированных звездообразований и дерева делают эту обложку остроумной, привлекательной и забавной.В книге «Новая архитектура Европы » (1960) Элейн собрала более швейцарский современный дизайн, функциональную интерпретацию послевоенной архитектуры, представленную в книге. Объективная фотография здания на заднем плане, блок прозрачных ярких цветов и строчная буква Akzidenz-Grotesk образуют асимметричный сетчатый план.

В отличие от обложек книг Meridian Лустига — типографский дизайн Элейн был более органичным, менее строгим, но все же современным.Она наслоила буквы и слова и использовала различные гарнитуры, чтобы придать книге обложек их собственных эклектичных личностей. В The Book of Jazz (1958) многочисленные буквы «J» были нарезаны, перевернуты и расположены так, чтобы сформировать яркую импровизированную композицию, отражающую музыкальный стиль. У Элейн было несколько ограничений, когда дело доходило до экспериментов с буквами, словами и их значением. В книге Гарольда Лассуэлла «Политика : Кто что получает, когда, как » (1958) восклицательные и вопросительные знаки превращаются в формы, которые доминируют на обложке книги, игривое исполнение и визуальный каламбур, чтобы еще больше передать название книги.

Книжные рубашки для книг «Меридиан», 1956–60.

Сюжеты книг о Меридианах часто являются загадочными теориями. Швейцарскому психологу К.Г. Ответ Юнга на задание (1959), озаглавленный «Проблема зла: его психологическое и религиозное происхождение», Элейн разработала чисто типографскую композицию. В этом функциональном дизайне используется скудный набор стилей, достаточно свободного пространства, прописные шрифты без засечек и холодный синий фон. Противоположный черный (автор) и белый узорчатый текст (название) и вертикально расположенные выходные данные издателя образуют визуально сбалансированное и эффектное решение для книги с такой неясной темой.« О любви» «» (1957) испанского философа Хосе Ортега-и-Гассет — еще одна меридианная книга с абстрактной тематикой. Беззаботный дизайн Элейн сочетает в себе обрезанные, повернутые, раскрашенные статуи, напоминающие купидонов, с нарисованным от руки шрифтом, причудливое и очаровательное решение.

Для обложек абстрактных книг она использовала преимущественно форму, форму и цвет. Эмоционально насыщенный цвет неправильных форм, энергичный синий фон и широкие, преувеличенные засечки в книге Марио Праз «Романтическая агония » (1956) образуют образную, выразительную обложку.Другие абстрактные узоры намеренно геометрически в их плоском цвете и прямых линиях. Логика естественных и гуманитарных наук (1959) можно почти интерпретировать как информационную диаграмму, отображающую обложку книги от центра вверх к названию и вниз к имени автора, приглашая читателя принять участие.

Книжные рубашки для Meridian Books, 1956–59.

В 1960 году Артур Коэн, который стал вторым мужем Элейн, продал Meridian, чтобы посвятить все свое время писательской деятельности и стипендии.Работая в Meridian до 1962 года, Элейн разработала более 100 обложек для книг, в том числе еще 50 (до 1969 года) для таких издателей, как Doubleday, George Braziller, Holt Rinehart & Winston, Jewish Museum и New Directions. Обложки ее книг не являются массовыми и не слишком концептуальными — они процветают где-то посередине. Тем не менее, ее проекты являются кульминацией книгоиздания 1950-х и 60-х годов, уникального стиля американского модернизма, отличающегося изобретательностью, игривостью и ясностью.

«Хорошая книжная обложка никогда не продавала
ужасную книгу.”

Возможно, именно сотрудничество с книгами Meridian способствовало успеху ее проектов. Большинство издателей в то время позволяли своим продавцам вносить большой вклад в создание обложек книг: «Мне повезло, что у нас не было большого торгового персонала. На самом деле был всего один мужчина, и моя работа ему понравилась », — говорит она.

У Элейн были и другие успешные отношения с клиентами. Помимо обложек книг, создания фирменного стиля и рекламных вывесок, она также преуспела в дизайне музейных каталогов.С 1963 по 68 год Элейн разработала около 20 каталогов для новаторской художественной программы Еврейского музея в Нью-Йорке. Начиная с начала 1960-х годов под руководством Алана Соломона музей организовывал революционные современные выставки с акцентом на молодых художников Нью-Йорка. Она вспоминает: «С Соломоном было потрясающе работать, и жаль, что никто не говорит об инновационной программе Еврейского музея в 60-х годах. Другие музеи никогда не показывали Джаспера Джонса, Кеннета Ноланда, Фрэнка Стеллу, концептуальную скульптуру и т. Д.”

Способность Элейн мыслить концептуально и экспериментировать с шрифтом и формой сделала ее подходящим выбором для создания каталогов, дополняющих приверженность Еврейского музея современному искусству. Ее проекты столь же минималистичны и абстрактны, как и работы, которые они представляют. Вместо того, чтобы указывать только имя художника или выставки, она использовала обложки каталога как мини-холсты, чтобы отразить дух выставки или отдать дань уважения стилю художника. Сознательно или нет, но Элейн создала для музея уникальную яркую графическую личность.

Каталоги Еврейского музея, 1965–66.

Одной из техник, которые она продолжала использовать, был ее подход к абстрактному представлению, применявшийся в дизайне обложек ее книг. Primary Structures была знаковой, несколько противоречивой выставкой 1966 года Еврейского музея, которая определяла художников-минималистов, работающих в современной скульптуре, в частности Дональда Джадда, Роберта Смитсона, Сола Левитта, Дэна Флавина и Элсуорта Келли. Урезанная белая буква «P» и интегрированная красная буква «S» на обложке каталога на ярко-желтом фоне представляют собой интерпретацию инсталляций флуоресцентного света и блестящих гладких скульптурных форм, представленных на выставке.Для 2 Kinetic Sculptors (1966) Элейн использовала фотостат, чтобы многократно фотографировать набранные слова для передачи движения, характеристики, тесно связанной с кинетическим искусством. Ее выбор теплого красного, нейтрального шрифта для имен художников, Николаса Шеффера и Жана Тингели, резко контрастирует с размытым «движущимся» изображением.

В других случаях Элейн конструировала геометрические цветные формы, созданные из шрифтов, очевидных в Бен Бенн: Художник (1965) и VI Bienal Do Museu De Arte Moderna Sao Paulo (1961).Как дань уважения американскому художнику-абстракционисту Kenneth Noland (1965), она разместила его фамилию симметричным V-образным узором в двух цветах. Это минималистичная «мини» картина, мало чем отличающаяся от картин Ноланда с бриллиантами и шевронами, где края холста так же структурно важны, как и центр. Обложка каталога — превосходный образец дизайна, интерпретирующего искусство.

«Создание каталогов для Еврейского музея было захватывающим. У меня было не только все современное искусство, отражающее дух обложки, но и директор музея, который хотел представить каталоги, которые устанавливали новую программу в музее.”

Вспоминая разницу между работой в музее и книжным издателем, она утверждает: «Работа на одного человека, директора, не может сравниться с работой в издательстве, когда каждый имеет свое мнение о том, что продается».

Элейн занималась графическим дизайном до 1969 года, когда она решила сосредоточиться на искусстве. В 1972 году она и Артур Коэн, которые оба разделяли увлечение авангардным искусством и дизайном, стали продавцами раритетов и произведений искусства в своем бизнесе Ex Libris.Они управляли этим специализированным книжным магазином и галереей в своем таунхаусе в Нью-Йорке до конца 1990-х годов. Ex Libris был известен своей коллекцией книг, журналов, плакатов и однодневок, в которых были представлены как известные, так и менее известные работы выдающихся деятелей модернизма, таких как Соня Делоне, Марсель Дюшан, Ладислав Сутнар, Ян Чихольд и Пит Цварт и многие другие. По сей день каталоги Ex Libris пользуются большим спросом у коллекционеров и исследователей за их содержание, что делает Элейн бесценным связующим звеном с историей современного искусства и дизайна.

Элейн получила множество наград 1950-х годов. Помимо медали AIGA 2011 года, среди многих других наград была ретроспектива ее графического дизайна 1995 года, проведенная в Национальном музее дизайна Купер-Хьюитт, Нью-Йорк. Сегодня ее интерес к этой сфере не уменьшился. Заядлый читатель, Элейн с энтузиазмом относится к книгам и их дизайну: «Несмотря на то, что у меня есть Kindle, я все еще смотрю на книги, и эта область по-прежнему неровная. Конечно, есть еще много интересных курток, и публикации будут продолжаться », — надеется она.

Мои герои: Портреты авангарда: Лисицкий, 2008; Попова, 2008; Деперо, 2009.

Из своих домов в Нью-Йорке и Майорке, Испания, где проходило интервью для этой статьи, Элейн до сих пор производит коллажи, цифровые отпечатки, фотографии и другие произведения искусства. Совсем недавно, в 2009 году, у нее была персональная выставка в Adler & Conkright Fine Art Gallery, Нью-Йорк. На выставке под названием «Мои герои: портреты авангарда» были представлены ее коллажи художников, оказавших на нее глубокое влияние, таких как Эль Лисицкий, Ф.Т. Маринетти, Казимир Малевич и Александр Родченко. Позже в этом году дизайн обложки и обложки книги Элвина Лустига и Элейн будет выставлен в Колледже визуальных искусств, Сент-Пол, Миннесота. Таким образом, ее творческий путь продолжается: «Что хорошего в работе художника — художника, дизайнера, скульптора, фотографа или в других визуальных средах — это то, что на протяжении всей жизни вы можете продолжать открывать двери, о существовании которых вы даже не подозревали».

Эта статья изначально была опубликована в The Shelf Journal, выпуск 2, 2012 г.

.