Музыкальные логотипы: Логотипы музыкальных компаний

Графически все музыкальные логотипы можно разделить на две группы – это шрифтовые лого и символьные. Они могут использоваться как вместе, так и раздельно друг от друга. Шрифтовой логотип, конечно же, представляет собой написание названия коллектива, а символ служит как дополнение, некий знак. Один из самых ярких примеров – группа Metallica. Заглавная буква их шрифтового логотипа является частью их символа, который в итоге стал чуть ли не известнее самого названия. Музыкальная история знает и такие случаи, когда группа пользуется только символом. Хороший пример — Einstürzende Neubauten, экспериментальная немецкая музыкальная группа. Их лого – это тольтекский наскальный рисунок, найденный в пещере в Центральной Мексике. Науке неизвестно, каким значением наделяли этот символ его создатели. По словам лидера группы Бликсы, именно это его и привлекло в символе: он совершенно ничего не значит, следовательно, каждый может вложить в него такое значение, какое захочет. Также это является еще одним примером концептуальности. Эксперименты в звучании группы находят отражение и в подходе к графическим составляющим музыки, создавая единую творческую картину.

 Эпоха модернизма

Под конец первого десятилетия 21 века границы между стилями графики разных музыкальных стилей стали все менее различимы, а дизайны более унифицированы. Теперь группы работают по совершенно обратной схеме: если ранее они старались всеми способами подчеркнуть графически свой стиль, то теперь, наоборот, пытаются выглядеть более единообразно, отходят от сложных форм в логотипах, трендов в оформлении обложек альбомов. На первый план выходит настроение, а не конкретные графические символы. Группа, играющая в агрессивном стиле deathcore, может оформить свой альбом фотографией заката, используя в написании названия шрифт Helvetica. Еще полтора десятка лет назад любой ее поклонник плевался бы желчью, увидев подобное оформление, да сама группа так не поступила бы, отдавая дань классическим канонам, диктуемым их музыкальной стилистикой. Но сегодня все иначе: как музыканты, так и их поклонники хотят видеть новые образы, незаезженные сюжеты обложек. И как ни странно, это порождает новый тренд на простоту и лаконичность в альбомной графике и логотипах. Все больше исполнителей отходит от устаревших канонов, отдавая предпочтение простоте и чистоте в оформлении, выводя на передний план именно концепцию и ту мысль, которую она должна донести. Этот период можно охарактеризовать как модернизм в музыкальной графике. Другими словами – отпадает вся та мишура, которой группы старательно обвешивали себя на протяжении многих десятков лет, что, в итоге, помогло значительно расширить круг поклонников, или хотя бы людей, знакомых с их творчеством. В умах музыкантов и слушателей происходит разрыв с предшествующим историческим опытом, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в подходе к стилю группы, непрерывным обновлением художественных форм, а также некой условностью и схематизацией стиля.

Любимые логотипы или графика формирующая моё сознание.

За свою скромную карьеру дизайнера я сформировал для себя убеждение, что логотип не является квинтэссенцией графического дизайна и подчас не обязан быть красивым или интересным.

Я много времени провожу на Behance.net. Мне нравится концепция социальной сети для профессионального сообщества и те идеи которые она несёт в себе — постоянный обмен эстетикой, графическими трендами, свежими идеями. Behance — это ещё и немного месседжер, в котором я время от времени общаюсь на профессиональные темы. В недавней переписке с парнем из Кот-д’Ивуара по имени Джибрил, мы подняли тему любимых логотипов и я понял: “Стоит покопаться у себя в голове, чтобы структурировать данные”. Логотипов много, какие-то из них красивые, какие-то уродливые, есть смешные и глупые, есть такие, которые мимолётно проскакивают не создавая никакого послевкусия и т.д.
За свою скромную карьеру дизайнера я сформировал для себя убеждение, что логотип не является квинтэссенцией графического дизайна и подчас не обязан быть красивым или интересным. Более того он может и вовсе не отвечать личным представлениям об эстетике (неужели???). Довольно часто логоделы совершенно осознано проектируют серые, невзрачные и практически дублирующие друг друга блоки шрифтов, с засечками и без, под наклоном и пущенные по окружности. Все они до безобразия утилитарны и сверх точно отвечают возложенной на них функции. Я не буду говорить плохо это или хорошо и что/кто на самом деле должен отвечать за «лицо» бренда. Об этом, если мне вдруг понравится такой формат, я попробую подискутировать с самим собой в следующий раз. А сейчас я формулирую экспресс гайд по своим любимым логотипам с их уникальной историей и, подчас, не совсем уникальной формой:

Да, первым делом мне пришёл в голову этот проект студии Артемия Лебедева, датированный 2014-ым годом. Здесь меня не волнует аккуратно японизированная кириллица, хотя шрифтовая работа на мой взгляд очень деликатно и правильно заигрывает с Восточным колоритом. Не перебарщивает.
Главный герой тут — знак. И я тащусь от это журавлика в кругу Японского флага. Я полагал, что дамская кисть с палочками тут вполне очевидна, однако недавно выяснил, что нет — далеко не все видят эту визуальную «двухходовочку». Или наоборот, кто-то видит руку и не видит журавля. Может быть это даже хорошо? В любом случае на моё представление о ценности этого графического знака сей факт никак не влияет, однако есть одно но…

…за несколько месяцев до Лебедевской «Якитории» на свет появился Литовский вариант — ресторан «Manami». Идеалогическое сходство, думаю, очевидно. Давно затухший холливар меня не интересует и кто был первым мне всё равно. Я за эстетику и вкусную иллюстрацию. Очень элегантное изображение, которое радует меня по сей день. И пусть клиентом данного ресторана я не являюсь, их журавлика я готов пиарить безвозмездно.

Английская футбольная премьер лига. Выбор, возможно, эмоциональный в силу моего тёплого отношения к футболу, а особенно к Английскому футболу. Я считаю, что Английский футбол и Английский/Британский дизайн, как и Британский стиль в целом идут параллельным курсом, периодически заглядывая в один и тот же паб, чтобы вместе пропустить ледяного красного эля или густого тёмного стаута.
Я люблю этого льва! Я завидую его идеальным линиям и грациозности. Большое искусство — точно передавать статус и характер с помощью усложнённых примитивов.

Самое интересное в этой работе даже не царь зверей, а то, как точно с ним работает вся айдентика бренда. С одной стороны простая, с другой стороны уникальная геометрия с яркой динамикой и цветом.

В наше время ругать бренды за редизайн и упрощение — почти тренд. И в этом «экспертном безрассудстве» обновлённый логотип EPL величественно возвышается над судом общественности.
«Было-стало» для наглядности.

Да, стоило сразу предупредить, что я не намерен копипастить какой нибудь Adme с его клешированными подборками, поэтому всякие FedEx, McDonald’s, Coca-Cola я не рассматриваю, а заостряю внимание на тех графических решениях, которые произвели впечатление именно на меня. Как часто это и бывает, дизайн может быть вторичен и привлекает к себе со второй волной, когда ты уже получил первое и самое сильное впечатление от продукта/бренда.
И речь тут не о пресловутом Apple с их абсолютизмом — иногда дизайн действительно служит первичной характеристикой привлечения внимания.
Речь о 11-летнем пацане из того времени, когда интернет был по карточкам, мобилы были только в «Матрице» Вачовских, а по музыкальным каналам вперемешку с «Отпетыми мошенниками» мог прохрипеть и Кори Тейлор.
Тогда же мне капитально по голове стукнул и «Linkin Park». И стукнул так, что оставил неизгладимое впечатление на всю жизнь, а в какой-то мере даже сформировал мою личность, заложив основы для дизайн решений.
2000-ые были временем гранджа в дизайне, а вычислительные способности компьютеров наконец-то помогли дизайнерам во всём мире пересесть с аналогового разбрызгивания краски на жмаканье фотошопной кисточкой по псевдо трафаретным буквам. И это было прекрасно и выразительно!

Отдельная история — логотипы музыкальных коллективов. Законы рынка брендинга и рекламы практически не распространяются на музыкальный жанр. Музыкальные логотипы почти всегда эволюционируют вместе с артистом от альбома к альбому. Музыкальная айдентика — вещь весьма не стабильная и корень её точно не в дизайне.

И тем не менее LP продержались с этой надписью целых 2 лонгплея, после чего активно начали портить мне впечатление от новых и новых релизов. Признаю, тогда я стал жертвой ограниченных взглядов на музыку.
Взгляды я пересмотрел, а надпись и по сей день вызывает у меня тёплое чувство юношеского протеста.

В конкретном случае речь не о Национальной бейсбольной или баскетбольной лиге. Ни тот ни другой спорт никогда не вызывал у меня бурных эмоций. Более того я продолжаю тему музыки и детской впечатлительности.

Сейчас я могу судить о контрформе и использовании негативного пространства, как дизайнер. А на стыке 90-ых и 2000-ых это было: «где найти эту крутую кепку, как у Фреда Дёрста из Limp Bizkit». Я до сих пор не понимаю почему мне было так важно, чтобы на обратной стороне бейсболки вместо застёжки был этот непонятный символ, но уже тогда я отметил, что это очень интересное графическое решение, ведь мы как бы не рисуем силуэт, мы обрисовываем всё вокруг кроме него.

Чтобы по настоящему полюбить этот логотип, нужно проникнуться историей компании «Sony». Да, логотип — это не просто векторные полоски, склеенные в единую композицию! Это книга, написанная двумя несгибаемыми, как стальные прутья, Японцами. Людьми, которые смогли в руинах, на пепелище Второй мировой войны вырастить бренд, с которым пришлось считаться даже тем, кто забрасывал Японцев ядерными бомбами за год до исторического основания бренда «Sony».
Без вышесказанного «VAIO» просто торговая марка, которая удачно отобразила в логотипе символизм перехода от аналоговой волны к цифровому двоичному коду. Но с таким бекграундом лично я воспринимаю этот лого, как триумф силы воли, упорства, веры в себя и технологии.

А вот и ещё один отечественный тяжеловес. Я нахожу этот знак не красивым, а остроумным. Ценность его не в сильной идеи или, упасихоспадя, кровавых разводах. Я люблю этот знак не за графический дизайн, а за юмор и чувство превосходства, с которым МТС подошли к ребрендингу во времена жестокой конкуренции. Вечный спор о курице и яйце.

Вот из такого монстра вырос этот мобильный тролль. Во времена долларовой мобильной связи никто в этом сегменте не отличался визуальной эстетикой, потому на фоне остальных такой апперкот выглядит мощно.

К слову я тоже люблю ругать современный ребрендинг…
Мне жаль, что оригинальный вариант не получил своего модернового продолжения, однако, как сказал один мудрец: «логотип может не отвечать личным представлениям об эстетике».

Бесплатные музыкальные логотипы — Создатель музыкального логотипа своими руками

10 лучших логотипов групп и музыки для вдохновения в графическом дизайне

10 лучших логотипов групп и музыки для вдохновения в графическом дизайне

Если вы хотите усилить свою страсть к музыке и зарабатывать ею на жизнь, вам нужен имидж бренда. В какой бы области музыкальной индустрии вы ни работали, очень важно правильно продвигать себя.

И, возможно, логотип — один из лучших способов показать это вашим клиентам. Логотип работает как мощное оружие продаж. Это поможет вам дать вашим поклонникам графическое представление о том, кто вы есть.

Чтобы группа выдержала испытание временем, вы должны создать хороший дизайн логотипа.

Вы можете найти множество профессионально разработанных логотипов групп или музыкальных произведений, разработанных опытными и креативными графическими дизайнерами.

Однако одними из самых узнаваемых и знаковых логотипов в музыкальной индустрии являются те, которые легко понять и которые просты в исполнении.

Так что же делает дизайн логотипа потрясающим и вдохновляющим? Хорошая концепция так же знакова, как и музыка — хорошее начало.

Но оригинальность так же важна, как и любой другой аспект дизайна музыкального логотипа или логотипа группы. Ниже вы найдете несколько вдохновляющих дизайнов логотипов и краткие советы по созданию привлекательных, но захватывающих музыкальных логотипов.

Без лишних слов, давайте сразу перейдем к самым вдохновляющим логотипам групп и музыкальных произведений!

1 – Nirvana

Одним из самых узнаваемых музыкальных логотипов в истории является дизайн Nirvana, который уже почти два десятилетия украшает тысячи предметов одежды.

С шрифтом Onyx и смайликом, явно вдохновленным стриптиз-клубом в Сиэтле. Это один из лучших дизайнов для вдохновения из-за его простоты и минимализма.

2 – Rolling Stones

Дизайн логотипа Rolling Stones – одна из рок-легенд. Говорят, что дизайнер, созданный Джоном Паше в 1971 году, был вдохновлен внешностью Мика Джаггера, и его огромные губы были первым, что он заметил на нем.

Этот логотип продолжает хорошо работать для группы, которая только что отпраздновала свое 50-летие в музыке.

При разработке логотипа, такого как Rolling Stores, большое значение имеет создание изображения, которое можно использовать целиком и упростить без потери смысла.

3 – The Doors 

Эта группа демонстрирует нам простой и знаковый логотип со смелым геометрическим дизайном и маленькой психоделической буквой «The», которая, возможно, является одним из самых узнаваемых логотипов группы в мире.

Идеально обобщая хиппи и психоделическую культуру конца 60-х, The Doors не нуждались в символе или образе.Его типографский дизайн сегодня так же свеж, как и в 1960-х годах.

Логотип американской рок-группы выполнен жирным геометрическим шрифтом с зеркальными двойными буквами «О». Буква O — это логотип, разделенный посередине, как таблетки.

4 – Guns N’ Roses

Он состоит из двух револьверов и двух роз и отсылает к двойственности между насилием и страстью. Цветы — это контрапункт вооруженному насилию и классический и вездесущий символ в татуировках старой школы.

Название группы сочетает в себе фамилии основателей Tracii Guns и Axl Rose.Еще одним интересным фактом является то, что серебряный центр с золотым контуром — это гильза револьверной пули.

Автором этой версии логотипа является Стивен Адлер, один из участников группы.

5 – AC/DC

Поскольку логотип группы отражает эффекты тока или грома, альтернатива остается неизменной: ток/электричество постоянного тока.

Угловатый шрифт и стиль молнии показывают энергию музыки и выступления группы.

Знаменитый логотип Metallica, разработанный Тернером Даквортом, был переработан в 2008 году.Основываясь на оригинальной версии группы, Дакворт также разработал фирменный стиль и упаковку для альбома Death Magnetic.

Как и тысячи других метал-групп, Metallica воспринимает металлическую эстетику как то, что ее поклонники ценят и лелеют, будь то татуировки или каракули в книгах.

Создателем этого логотипа является гитарист Джеймс Хэтфилд, который разработал его в 1980-х годах, когда была основана группа.

На протяжении всей истории группы на их альбомах использовались другие версии, но с 2008 года оригинальный логотип снова используется как способ вернуться к своим истокам.

Логотип состоит из очень жирного шрифта без засечек с прямыми линиями, контрастирующего со стилизованными буквами M и A, чтобы передать энергию хэви-метала группы.

7 – Gorillaz

Это может показаться изображением, но группа, возможно, является логотипом и, несомненно, выдающимся достижением в области дизайна.

Тем не менее, шрифт, похожий на граффити, является узнаваемым свидетельством того, что вы можете описать бренд, просто выбрав правильный шрифт.

Этот типографский постапокалиптический стрит-арт представляет собой политическое и эстетическое воплощение Деймона Албарна и Джейми Хьюлетта.Это один из самых знаковых музыкальных логотипов, которые многие музыканты или группы стремятся создать.

8 – Queen

Это, несомненно, один из самых узнаваемых музыкальных логотипов в мире, созданный вокалистом Фредди Меркьюри в 1972 году и иллюстрирующий все альбомы Queen.

Фредди окончил Художественный колледж Илинга по специальности «Графический дизайн». Он был вдохновлен официальным гербом британской королевской семьи, чтобы составить изображения животных на иллюстрации, которые относятся к знакам зодиака участников группы.

Это два льва, представляющие Льва (Роджер Тейлор и Джон Дикон), краба-Рака (Брайан Мэй) и фей Девы (Фредди Меркьюри).

Феникс на логотипе группы символизирует бессмертие. Возможно, отличный логотип для вдохновения.

9 – The Beatles

Минимализм – это не только классический и великолепный стиль дизайна; это также гарантирует долговечность дизайна на протяжении всей вашей карьеры.

Например, взгляните на классический логотип Beatles.Это просто черный текст на белом (или иногда белый текст на черном), но этот шрифт сразу узнаваем, и он хорошо работал как в первые дни, так и в более экспериментальные дни.

Многие художники хотят упаковать множество цветов, узоров, форм и других фигур. Однако нужно быть осторожным. Быть классическим и прямолинейным — эффективно, но минимально.

10 — Wu-Tang-Clan

«W» для Wu-Tang — один из самых узнаваемых логотипов в культуре хип-хопа, потому что участники группы украшают букву «W» на всем, от одежды до цепей, но это наиболее заметно на десятках обложек альбомов.

Созданный ди-джеем и продюсером, группа придерживалась этого дизайна на протяжении всей своей музыкальной карьеры.

И как создать привлекательный дизайн логотипа для музыкантов или групп?

История создания логотипов музыкальных групп и музыкальных коллективов полна парадоксов. Некоторые не акцентировали внимание на использовании логотипа в оформлении обложек альбомов и рекламных плакатов.

Знаток музыкальных символов по одному взгляду на альбом сможет определить, к какому стилю относится исполнение группы, ведь жесткая и тяжелая типографика никогда не попадет в альбом диско-группы.

Логотип влияет на узнаваемость группы, повышает лояльность и доверие. Это неотъемлемая часть имиджа любого артиста или владельца группы.

Ведь зачастую визуальный образ — это первое, на что обращают внимание люди при знакомстве с личным брендом.

Ваш дизайн должен быть элегантным и нежным, но в то же время структурированным, живым и всегда актуальным.

Ниже приведены краткие советы, которые помогут вам создать привлекательный, но интересный логотип для вашей группы или музыкальной компании.

Использование правильных шрифтов

До начала 80-х индивидуальность больше проявлялась в графических элементах, но позже появилось стремление к простоте.

Известные художники использовали и продолжают использовать минималистичные логотипы. Они читаемы и имеют хорошую масштабируемость. Правильные шрифты так же важны, как и любой другой аспект, о котором следует помнить.

Убедитесь, что шрифт, который вы используете, разборчив и содержит все цифры и буквы, потому что вы можете захотеть использовать типографский стиль для других рекламных акций, и вы обнаружите, что в нем нет цифр.

Понимание психологии и использование цветов

Различные оттенки серого, синего и черного и белого популярны в металлическом лагере. Часто встречается красный цвет – фаворит представителей агрессивных направлений, реже – оранжевый.

Зеленый и желтый встречаются крайне редко. В легких жанрах поп-музыки ценятся серебряные и золотые логотипы. Черное и белое остаются универсальными; они подчеркивают минимализм дизайна фирменного знака.

Выберите правильный цвет, чтобы ваши поклонники знали, какую музыку вы создаете.

Суть музыкального значка

Если вы создаете логотип на основе имени или инициала, вам не придется беспокоиться о выборе значка. Однако абстрактная форма может потребовать немного больше ваших мыслей.

Если вы предпочитаете определенный музыкальный жанр, вы можете увидеть множество вдохновляющих музыкальных логотипов, включая сдержанный дизайн и разноцветные значки.

Выберите элементы, подходящие для вашего логотипа

Некоторые группы используют в качестве логотипа свое название, напечатанное интересным шрифтом.Другие группы сокращают свое название, а некоторые используют изображение для своего логотипа.

Вы должны решить, какие элементы вы хотите добавить в свой логотип. Самый эффективный способ сделать ваш логотип привлекательным и в то же время описывающим — включить название вашей группы. Это произведет неизгладимое впечатление на ваших поклонников.

Рассмотрите текущее состояние вашей группы

Логотип группы может быть отличным маркетинговым инструментом для музыкантов, которые не достигли более широкой аудитории. Создайте логотип, который понравится вашим потенциальным поклонникам, и он поможет вам привлечь этих поклонников.

Согласованность

Чем более последователен ваш дизайн логотипа, тем быстрее люди идентифицируют его с группой. Не рекомендуется менять логотип, если только вы не выбрали экспериментальный подход.

Желательно оставить тот же арт и пропитать его в головах фанатов.

Элементы для включения в логотип группы или музыки

• Музыкальные символы работают лучше, чем крупномасштабные изображения с большим количеством деталей.
• Монохромные цветовые палитры являются наиболее распространенными логотипами группы.
• Сведите шрифты к минимуму и позвольте логотипу играть свою музыку.
• Чем более универсальны ваши музыкальные логотипы, тем лучше они будут привлекать самых разных исполнителей.

Профессиональная помощь — ключ к созданию идеального логотипа

Разработка логотипа иногда становится беспокойной или разочаровывающей задачей, поскольку требует времени и творческих навыков.

Стоит подумать об обращении за профессиональной помощью в разработке логотипа. Опытный художник-график или профессиональная компания знают, как разработать логотип, и работают вместе с вами, чтобы удовлетворить ваши потребности.

Несомненно, это отличный способ получить уникальные концепции, которые вы сможете использовать для своей группы.

Кроме того, стоимость найма профессионального дизайнера логотипа зависит от опыта эксперта и его клиентуры.

Bottom Line

Теперь, когда вы знаете, как создать замечательный, но привлекательный логотип для своей группы, вы готовы воплотить в жизнь свои музыкальные логотипы?

Пусть вас не пугает задача создать идеальный дизайн с первой попытки. Разработка логотипа, пожалуй, утомительное занятие, требующее профессионального и художественного подхода.

Это может вас раздражать. Ведь это логотип, с помощью которого вы будете выделяться среди других. Продолжайте искать логотипы музыкальных брендов, которые вдохновляют вас и передают уникальную природу.

Биография автора:  Мирза Али Раза является ведущим специалистом по цифровому маркетингу и имеет плодотворный опыт в области поисковой оптимизации. Работая вместе с Brand Reshape, он помогает брендам получать доход и стремится вывести их бизнес на новый уровень. Али Раза занял выдающееся положение в индустрии цифрового маркетинга, обладая разнообразным набором навыков.

Color Science для логотипов групп

Почему логотип Nirvana желтый, а логотип The Rolling Stones красный, и имеет ли это значение? Согласно недавней статье Лео Видрича в Buffer, цвет логотипа группы может повлиять на продажи билетов и альбомов.

Сначала несколько классических логотипов групп. Основываясь на цветах, можете ли вы понять их музыку?

Какие цвета вызывают какое чувство?

Хорошие ребята из The Logo Company придумали, какие цвета лучше всего подходят для разных групп и исполнителей.

ЧЕРНЫЙ – мощный, сильный, определенный, надежный, прямой

ЗЕЛЕНЫЙ – натуральный, органический, молодежный, авантюрный, успокаивающий

СИНИЙ – достоверный, чистый, сфокусированный, профессиональный

Когда вы смотрите на крупные немузыкальные бренды, вы видите, как они используют цвет для создания эмоций.

Аналитическая компания KISSMetrics недавно создала очень крутую инфографику о том, как цвета влияют на решения о покупке.

Красный и черно-белый цвета часто используются группами и исполнителями, стремящимися продемонстрировать мощь, силу, волнение и молодость. Хотя интересно наблюдать, как некоторые группы переворачивают представление о психологии цвета с ног на голову. Например, гранж-группа, такая как Nirvana, использует желтый цвет, который обычно используется для обозначения оптимизма, или фиолетовые буквы Pink Floyd, цвет, который считается успокаивающим, женственным и чаще используется в антивозрастных продуктах.

Как выбрать цвет для логотипа группы

Если вы артист или группа, поклонниками которой в основном являются женщины, вот вам совет KISSmetrics:

• Женщины любят: синий, фиолетовый и зеленый
• Женщины ненавидят: оранжевый, коричневый и серый

Однако, если в вашей музыке преобладают мужчины, следующие вещи отличаются:

• Мужчины любят: синий, зеленый и черный
• Мужчины ненавидят: коричневый, оранжевый и фиолетовый

Думали ли вы о цвете при выборе логотипа? Хотелось бы услышать ваши идеи.

Иконки и типографика в музыкальных логотипах

Когда мы слышим слово музыка, первое, что приходит на ум, это звук. Великолепное звучание, безусловно, самое важное, когда дело доходит до музыки, но вы также должны выглядеть круто, чтобы раскачать музыкальную индустрию. Красиво выглядящий логотип с творческим и знаковым оттенком также необходим для музыкальной группы, бизнеса или компании. Помимо других важных вещей, которые необходимо учитывать при создании потрясающей музыкальной группы или компании, вам также необходимо найти и создать классный и элегантный дизайн логотипа, который должен уникально представлять вашу компанию или бренд.

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Благодаря цифровой музыке брендинг и маркетинг музыкальной индустрии постоянно меняются и развиваются вместе с тем, как слушатели связаны с музыкой в ​​наш цифровой век. Музыкальные логотипы в настоящее время являются неотъемлемой частью музыкальной индустрии, поскольку группам и компаниям необходимо культовое и уникальное признание для цифровой аудитории, что можно сделать, запустив музыкальный логотип компании или бренда. Основная идея создания и разработки музыкального логотипа состоит в том, чтобы дать людям и слушателям общее ощущение, которое уникально представляет музыкальную компанию.

Музыкальный логотип из иконок и типографики

Чувство профессионализма имеет важное значение для известной компании или бренда, поэтому, как и в других отраслях, музыкальная индустрия также имеет свое уникальное представление, которое включает инструментальные значки или специальные символы для эффективного представления чувства профессионализма. Музыкальные логотипы также каким-то образом связаны с символическим представлением музыкальной индустрии, и то, как вы используете свой логотип, является расщепленной нотой для бренда и вашей компании. Так же, как и другие маркетинговые тактики, музыкальный логотип, соответствующий истинной концепции музыкальной индустрии, демонстрирующий обложки музыкальных и инструментальных икон, также важен для привлечения аудитории и привлечения новых талантов, поскольку логотип — это первое, что они увидят. Ваша компания или бренд.

Самый распространенный и полезный метод создания хорошего музыкального логотипа — это использование формальной типографики в сочетании с музыкальным элементом. Чем изобретательнее и искуснее дизайнер, тем более уникальный и удивительный дизайн логотипа можно создать, просто используя некоторые распространенные музыкальные инструменты и отраслевые символы. Например, превратите обычный музыкальный инструмент, такой как пианино или микрофон, во что-то креативное и совместите его с формальной типографикой, представляющей название или символ компании или бренда. Внесите новизну в произведение искусства и превратите музыкальный инструмент во что-то умное и уникальное. Давайте посмотрим на некоторые интересные логотипы подобного типа.

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Современная поп-музыка, веселые логотипы

Цветные логотипы красивой формы привлекают внимание, и так же, как существует множество видов музыки для разных людей, существуют логотипы и графика, предназначенные для всех типов организаций, предприятий, мероприятий и брендов.Игривая типографика, яркие цвета, уникальные символические инструментальные формы и приятное для глаз сочетание всех этих элементов являются важными составляющими культового и современного логотипа. Что ж, важные и полезные элементы дизайна, которые следует учитывать, — это игривая интеграция музыкальных инструментов и иконографии, толстых штрихов и пузырчатых линий. Визуальное сообщение, спрятанное в современных популярных, забавных логотипах, изображает гостеприимную и дружелюбную текстуру цветов и символов. Взгляните на некоторые из удивительных современных логотипов поп-музыки, которые уникальным образом представляют определенные группы и компании.

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: Banana Music Logo by LogoDesign.net

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Жесткие и крутые логотипы

В дизайне всегда есть привлекательность и разнообразие крутых персонажей и графики. Графические дизайнеры используют различные методы для иллюстрации смелого и жесткого логотипа, который станет уникальным дополнением в музыкальной индустрии в качестве визуальной графики. Использование потрепанной и поношенной текстуры — один из тех приемов, позволяющих создать впечатление крутости для музыкальных компаний или групп, которые занимаются своим смелым контентом и потрясающими выступлениями. Визуально острые края и точки в иконографии и формах букв также используются некоторыми компаниями, чтобы дать представление об их острой репутации и уникальном музыкальном производстве.Лучшим примером таких логотипов является «Metallica».

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Геометрические и технологические логотипы

Музыка идеально сочетается с геометрическими символами и технологическими знаками, которые неразрывно связаны друг с другом. Электронные звуки в современном цифровом мире заполнили мир, и в музыкальных тенденциях больше, чем когда-либо прежде, присутствуют определенные геометрические узоры и технологические символы.Создание уникальной музыкальной композиции и звуков с помощью электронных знаков и охват структурной стороны музыкальной композиции можно продемонстрировать с помощью геометрических и технологических музыкальных логотипов, которые действительно описывают профессионализм и модернизм с ориентированной на цифровые технологии музыкой и звуком.

Художники и графические дизайнеры копируют дизайн и идеи из предыдущей работы, так как всегда лучше сначала немного углубиться в предыдущую работу, которая была сделана с той же целью и теми же основаниями.Цифровые знаки и инструментальные символы объединяются, чтобы создать идеальный, но уникальный логотип, представляющий уникальную и удивительную компанию или бренд, являющийся новым в музыкальной индустрии.

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Логотипы классического рока

Классика всегда лучшая и незабываемая, поскольку она отражает культуру и время, из которого она пришла. Так же, как и классическая музыка, логотипы классической музыки также имеют определенную привлекательность и атрибуты, которые не имеют общей темы или шаблона, но они спокойны и плавны в культурном контексте отрасли. Плакатная типографика и музыкальные значки обычно используются для создания креативного и уникального логотипа классического рока, где наиболее предпочтительной цветовой комбинацией является черный и белый, которые можно изменить в зависимости от типа бренда и требований отрасли. Смелые геометрические формы и психоделическая каллиграфия в значительной степени содержат ингредиенты для классического рок-дизайна, который может привлечь внимание публики.

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Источник изображения: ZillionDesigns/Конкурс

Логотипы музыкальных групп
Логотипы музыкальных фестивалей
Логотипы музыкальных студий
Логотипы развлечений
Аудиовизуальные логотипы
Логотипы театров

Лучшие логотипы в музыке

Если вы только начинаете работать в музыкальной индустрии и думаете, что сможете обойтись без запоминающегося музыкального логотипа; ну подумай еще! Вопреки распространенному мнению, что музыка должна говорить сама за себя, эта сцена ничем не отличается от любого другого бизнеса.

Другими словами, будь то лейбл звукозаписи или символ группы, дизайн ди-джея или значок музыкального приложения, всем брендам нужен логотип, с которым фанаты и клиенты смогут идентифицировать себя.

Что делает отличный логотип в музыкальной индустрии? Чтобы ответить на этот вопрос, нам нужно проверить, что самые влиятельные музыкальные бренды сделали в прошлом. Итак, присоединяйтесь к нам, когда мы путешествуем по некоторым из лучших музыкальных логотипов в истории бизнеса.

Tomorrowland — один из самых известных музыкальных фестивалей, посвященный танцевальной музыке и исполнителям электронной музыки. Используя необычный дизайн «Иллюминатов» в форме бабочки с короной наверху, логотип Tomorrowland занимает особое место в мире брендов музыкальных фестивалей.

В дополнение к симметрии в дизайне этого крутого музыкального логотипа его монохроматическая цветовая схема усиливает уникальные эффекты электронной танцевальной музыки, приглашая вас на событие, которое бывает раз в жизни.

Хорошая музыка — это хорошая музыка, независимо от жанра. В том же духе хороший логотип — это хороший логотип, независимо от того, является ли он логотипом ди-джея, логотипом группы или, в данном случае, логотипом оркестра. Чикагский симфонический оркестр, признанный лучшим оркестром США, имеет логотип, который утончен и элегантен, как и само учреждение.

Этот дизайн включает в себя простой белый логотип музыкальной ноты в форме буквы «C» на классическом красно-черном фоне.Прямолинейный и точный, этот дизайн классической музыки является типичным примером того, как изображение не должно полагаться на слишком много элементов, чтобы его можно было легко идентифицировать с брендом.

Как и iTunes, логотип Spotify претерпел некоторые изменения: от черно-белого дизайна, когда он впервые появился на сцене в 2008 году, до последней, неоново-зеленой версии, которая создает своего рода энергичную, поразительную атмосферу.

В промежутках между обновлениями этот логотип музыкального приложения сохранил три линии, обозначающие звуковые волны, но немного наклонил изображение в сторону.Это, наряду с новой цветовой схемой, взбесило пользователей, хотя и не настолько, чтобы заставить их прекратить пользоваться сервисом — отличный пример того, как логотип не обязательно должен нравиться всем, чтобы произвести впечатление.

Логотип этого французского дуэта, также известный как «панк-нашивка», должен был имитировать нашивки, на которые вышиты эмблемы панк-групп, и демонстрировать позицию группы против знаменитостей. Этот логотип электронной музыки, разработанный участником группы Daft Punk Ги-Мануэлем де Омем-Кристо, является простым, но смелым — простой логотип с акцентированными буквами привлекательного красного цвета.

Несмотря на то, что Daft Punk стали более узнаваемы благодаря роботизированной одежде, которую они носят, и их новаторскому музыкальному стилю, логотип группы служит напоминанием о том, что иногда сдержанный дизайн более эффективен.

Один из самых старых и ярких логотипов в нашем списке, первоначальный дизайн для этого американского производителя гитар, представлял собой звезду внутри полумесяца. Гибсон, однако, перешел на новый логотип в 1902 году — тот, который включает название компании на головке колышка, инкрустированное жемчугом и слегка наклоненными буквами.

Этот музыкальный логотип в текстовом формате претерпел незначительные изменения за 100 лет своего существования, показывая, что постоянство является одной из самых важных особенностей при создании логотипа бренда.

Незабываемый логотип одной из величайших и, возможно, самых ярких рок-групп всех времен сосредоточен на букве Q, крылатой которой являются два льва и феи. Краб также венчает букву с пламенем над ним, выходящим из гигантского феникса (животные и феи представляют знаки зодиака участника группы).

Созданный фронтменом Фредди Меркьюри, Queen Crest, как также называется логотип этой музыкальной группы, призван напомнить поклонникам о королевском гербе Великобритании. Хотя некоторые могут возразить, что этот логотип включает в себя слишком много элементов, нет никаких сомнений в том, что он выжил и стал таким же узнаваемым в группе, как их лучшие хиты или волосы Брайана Мэя.

Компания Def Jam Recordings, основанная в 1983 году, представляла некоторые из самых громких имен в истории хип-хопа и поп-музыки, таких как Jay-Z, Рианна, Канье Уэст, Public Enemy и многие-многие другие.Переплетенные буквы «D» и «J» в этом логотипе музыкального лейбла, созданные основателем лейбла Риком Рубином, символизируют важность ди-джеев в музыке, в то же время придавая всему дизайну вес и массу.

Но это изображение представляет собой нечто большее, чем звукозаписывающая компания. Он символизировал золотой век хип-хопа и его светлое будущее, настолько крутой и вызывающий восхищение, что его даже носили артисты, работающие под другим лейблом.

Знаменитый дизайн The Monkees, один из самых крутых логотипов музыкальных групп, безупречно представляет группу и то, что они отстаивают — мир, любовь и музыку, начиная от формы логотипа в форме гитары и пышных психоделических букв до сердец для ключи настройки.

Логотип был разработан в 1966 году Ником Лобианко на общую сумму 75 долларов, и с годами цвета немного изменились, но он по-прежнему узнаваем и различим.

Этот логотип музыкального проигрывателя сильно изменился за прошедшие годы (с момента его первого появления было 12 версий изображения), а окончательная версия была выпущена в 2015 году. Этот значок сохраняет классический символ ноты, но включает в себя несколько каскадных оттенков (фиолетовый , синий и розовый), чтобы обозначить богатую историю приложения, что делает его самым ярким логотипом iTunes, который Apple использует с 2001 года.

Несмотря на то, что компания прекратила выпуск iTunes в 2019 году и добавила совершенно новый логотип Apple Music к своему последнему медиаплееру, изображение iTunes по-прежнему представляет собой приложение, которое произвело революцию в музыкальной индустрии.

Nirvana никогда не была гламурной, она всегда была гранжевой, и нет лучшего выражения духа группы, чем их логотип. Используя более провокационный подход к классическому смайлику (кривой рот, X-образные глаза и высунутый язык), дизайн получился темным, грубым и, в общем, гранжевым.

С момента своего дебюта в 1991 году этот логотип музыкальной группы был символом альтернативной рок-культуры, которая по-прежнему актуальна даже спустя годы после распада группы.

Созданный еще в 1983 году фронтменом Джеймсом Хэтфилдом, легко узнаваемый текстовый логотип Metallica с остроконечными краями превратил эту хэви-металлическую группу в бренд. Как и музыка, черно-белый логотип Metallica громкий, резкий и жесткий.

Используемый на чем угодно, от футболок до татуировок, этот логотип стал неотъемлемой частью имиджа Metallica и является таким же классическим, как и сама группа.

Дизайн YouTube — один из самых узнаваемых логотипов музыкальных платформ. Дебютировав в 2005 году, изображение на YouTube со временем менялось, причем наибольшее изменение произошло в 2017 году.

Это когда YouTube впервые включил универсальный значок, кнопку воспроизведения ярко-красного цвета (кнопка CTA, если она когда-либо была) и изменил цвет надписи с красного на черный. Он также лишился «трубы», что придало логотипу более обновленный и современный вид в соответствии с новыми экспериментами, которые проводила компания.

Логотип Aerosmith просто показывает, что дизайн, который не обязательно должен включать поющий логотип или какой-либо другой очевидный музыкальный символ, чтобы связать его с миром рок-н-ролла. Этот легендарный логотип, впервые появившийся на втором студийном альбоме группы Get Your Wings , был разработан гитаристом Рэймондом Табано, фактически покинувшим группу еще до выхода альбома.

Буква А — похожая по стилю на символ анархии — стоит в центре логотипа, над названием группы психоделическими буквами, окруженная крыльями, придающими всему дизайну ощущение движения и свободы, что и есть крутая музыка логотипы и рок — это все о.

Один из самых известных логотипов хип-хопа, логотип Wu-Tang Clan в стиле Бэтмена «W» прост, но универсален. Принимая форму разных букв, в зависимости от того, кто из участников его использует, этот логотип был изображен на многочисленных обложках альбомов, одежде и цепочках.

Он был разработан DJ Alla Mathematics в 1993 году и с тех пор остается символом новаторского коллектива Статен-Айленда и одним из самых узнаваемых музыкальных логотипов в истории хип-хопа.

Пожалуй, нет логотипа, более характерного для 60-х и всего, что символизировало это десятилетие, чем логотип Doors.

Используя крошечные, выделенные курсивом, психоделические буквы для «the» и смелые, точные, геометрические формы для названия группы, дизайн превосходно резюмирует дух движения хиппи, вплоть до разделенной посередине буквы O, напоминающей таблетки.

Наглядный пример того, как иногда лучшие музыкальные логотипы могут говорить громче слов. Принс сменил свой сценический псевдоним на непроизносимый символ, по-видимому, просто для того, чтобы напакостить своему лейблу Warner Bros.

Так называемый «символ любви» смешивает символы мужского и женского начала, чтобы создать новый, гендерно-изменчивый, а своим сходством с крестом он создает гармонию из двух конфликтующих идей, таких как религия и секс.

Был ли дизайн действительно создан как простая козырная карта, или он имел более глубокое значение для Принса, этот (как и многие логотипы музыкальных исполнителей) безупречно воплощал стиль эксцентричного и невероятно талантливого музыканта.

Один из самых впечатляющих образов не только в хип-хопе, но и в американской культуре. На логотипе Public Enemy изображен би-бой, попавший в прицел — бесспорный символ продолжающегося жестокого обращения США с чернокожей молодежью. .

Четкие линии и использование простого, но эффектного черно-белого контраста делают этот логотип в стиле рэп, разработанный фронтменом Chuck D в 1986 году, еще более привлекательным.

Название, обозначающее переменный ток и постоянный ток, более чем уместно для одной из самых энергичных музыкальных групп, но их знаменитый логотип основан на этом образе даже больше, чем на самом названии.

Разработанный в 1977 году и с тех пор почти не изменившийся, логотип AC/DC выделяется молнией в центре и жирным шрифтом в готическом стиле, вдохновленным Библией Гутенберга — идеальный шрифт для альбома AC/DC Let Есть Be Rock , на котором впервые появился этот логотип рок-музыки.

Знаменитый логотип The Beatles в виде буквы «T» не самый инновационный или яркий, но он неподвластный времени, сдержанный и эффектный. Спустя почти 60 лет после того, как он был разработан, его по-прежнему легко идентифицировать с одним из самых громких имен в рок-н-ролле.

Логотип был создан Айвором Арбитером, продавцом музыкальных инструментов, который позволил Ринго Старру обменять свою старую ударную установку на новую. Сделка включала логотип поп-музыки, представляющий как название группы, так и название магазина, который должен был быть заметно представлен на пластике барабана.Менеджер Beatles Эпштейн согласился, Арбитр набросал логотип, и все!

Интересно, что этот логотип никогда не использовался ни на одной из обложек альбомов Beatles. Тем не менее, он был изображен на бесчисленных памятных вещах и зарегистрирован в качестве товарного знака Apple Corps только в 1990-х годах.

Список известных музыкальных логотипов не будет полным без упоминания одного из самых привлекательных, не поддающихся подделке и культовых логотипов всех времен.

Дебютировав на их альбоме Sticky Fingers , в который вошли некоторые из лучших хитов группы, дизайн был создан студентом художественного факультета Джоном Паше в 1970 году. Провокационный логотип, официально известный как «Язык и губы», представляет красные губы, подчеркивающие одну из самых ярких черт Мика Джаггера, т. е. его рот.

Этот логотип музыкальной группы прекрасно отражал индивидуальность группы и их неповиновение нормам — музыкальным, социальным и сексуальным.

The Rolling Stones, может, и устарели, но, как и их логотип, они по-прежнему столь же противоречивы и актуальны, как и в прошлом.

Все логотипы в списке объединяет то, что они выдержали испытание временем, никогда не отходя от фундаментальных ценностей и индивидуальности бренда, который они представляют. В конце концов, как и хорошая музыка, хороший музыкальный логотип никогда не выходит из моды.

Теперь дело за вами. Возьмите на заметку лучших в своем деле и начните разрабатывать свой собственный логотип.Если процесс кажется немного сложным, не волнуйтесь — мы здесь, чтобы помочь. Просто воспользуйтесь нашим онлайн-конструктором логотипов и создайте дизайн для своего музыкального предприятия, который поднимет вашу карьеру на новый уровень.

Создайте свой музыкальный логотип прямо сейчас

Лучшие музыкальные логотипы года

Сегодняшний обзор вдохновения особенный.

Музыка и дизайн — две стороны одной медали. Один из них — раздвигать границы и создавать связи через звук.А другой делает то же самое, но визуально.

Вполне логично, что некоторые из самых креативных дизайнов логотипов были вдохновлены музыкой.

В сегодняшнем вдохновляющем обзоре мы рассмотрим лучшие музыкальные логотипы 2019 года. Мы говорим о звукозаписывающих лейблах, логотипах групп и обложках альбомов. Некоторые из них будут поддельными брендами, созданными дизайнерами по прихоти. Некоторые из них будут обновленными версиями старых логотипов. Все они были вдохновлены музыкой или музыкальными образами в той или иной форме.

Однако, прежде чем мы перейдем к ошеломляющему вдохновению, давайте посмотрим, чего не следует делать, когда речь идет о музыкальном дизайне.

Элементы дизайна, которых следует избегать в музыкальных логотипах

Мы уже говорили об этом раньше и повторим еще раз: дизайн субъективен.

То, что работает для одного человека, может не работать для другого. Однако это не мешает дизайнерам изо всех сил стараться привлечь большую часть своей целевой аудитории.

Дизайн, особенно брендинг, постоянно меняется.Дизайнеры всегда достигают и раздвигают границы, создавая новые и захватывающие тенденции. И со всеми этими изменениями некоторые дизайны могут отставать, в результате чего они выглядят устаревшими и непрофессиональными.

Есть несколько моментов, о которых дизайнеры должны помнить, когда дело доходит до дизайна, который поможет вывести их логотипы на новый уровень.

Выбор шрифта часов

Настройки шрифта постоянно меняются. Тем не менее, есть некоторые шрифты, которые всегда будут выглядеть немного неуместно, когда дело доходит до музыкальных логотипов.С помощью всего нескольких простых изменений логотип или значок, который выглядит старым и дилетантским, можно превратить в классический, но современный дизайн.

Все чаще мы видим шрифты, вдохновленные ар-деко. Более четкие линии и острые края.

Тщательная интеграция музыкальных элементов

В музыкальном логотипе имеет смысл взять какой-либо аспект музыки, такой как ноты или ключи, и включить его в дизайн. Однако, если это сделано неуклюже, музыкальный логотип может выглядеть скорее неуклюжим, чем вдохновляющим.При использовании музыкальных элементов в дизайне будьте осторожны. В лучших сегодняшних музыкальных логотипах мы видим, что музыкальные элементы добавляются гораздо более тонко, чем в прошлые годы.

Используйте цвет намеренно

музыкальных логотипа 2019 года отходят от цвета. По-прежнему будут те яркие логотипы, вдохновленные 90-ми годами (один из которых вы увидите ниже), но они редки и используются для очень специфических брендов. Использование цвета — неплохая вещь, но это следует делать экономно и с предельной осмотрительностью.

Сохраняйте читабельность

Известные музыкальные логотипы могут быть менее разборчивыми. Однако для новых групп или лейблов очень важно, чтобы читатели или, в данном случае, слушатели могли знать, на что они смотрят. Если название группы непонятно, зачем кому-то тратить на это время?

Помните: лучше меньше, да лучше

С годами популярность искусства простоты росла. Когда в дизайне слишком много всего происходит, глаза переполняются.Вместо того, чтобы соединять все элементы дизайна вместе одним быстрым движением, зрители, скорее всего, ничего не увидят и будут перегружены.

Простота — это счастье не только в жизни, но и в дизайне.

Музыкальный логотип Вдохновение на 2019 год

Теперь, когда мы знаем, чего следует избегать, когда речь заходит о музыкальном дизайне, давайте посмотрим, как профессионалы добились успеха. Эти музыкальные логотипы — одни из лучших за год, будь то обновление классических логотипов или дизайн мечты для воображаемых групп.

Вдохновляйтесь и наслаждайтесь!

22 Объяснение знаковых музыкальных логотипов Нью-Йорка

В зеленом Уайт-Лейк, штат Нью-Йорк, недалеко от места проведения Вудстока, были впервые посажены семена визуальной идентичности трэш-металлической группы Anthrax. Хотя он вырос в округе Рокленд, гитарист Дэн Спитц и его семья проводили лето на севере штата, а через своего старшего брата Дэйва, позже ставшего басистом Black Sabbath, он подружился с местным подростком по имени Кент Джошпе, который в конечном итоге разработал Anthrax. логотип.

«Раньше я всегда рисовал карикатуры на всех наших друзей, — вспоминает Джошпе, у которого теперь есть рекламное агентство в Рочестере. «Когда ребята сформировали Anthrax, Дэнни спросил меня, не сделаю ли я логотип и обложку их первого альбома [1983, Fistful of Metal ]. Они объяснили мне, что хотели, чтобы это выглядело так, будто лицо парня протыкают с затылка», — говорит он, смеясь.

Иллюстрация Fistful до смешного ужасна, но переплетенные формы букв Джошпе с острыми углами работали идеально и выдержали испытание временем.Когда Питер Корристон разработал второй альбом Anthrax, Spreading the Disease , буквы были усовершенствованы, но дизайн логотипа Джошпе остался. «Думаю, на меня несколько повлиял логотип Iron Maiden, — вспоминает Джошпе. «Я старался не смотреть [на] слишком много других, потому что не хотел, чтобы это было похоже на чье-то еще».

Для профессора дизайна Cooper Union и поклонника металла Майка Эссла у надписи Джошпе есть еще один предшественник. «Каждый раз, когда я его вижу, я думаю, что это прямая связь с Хербом Любалиным, со шрифтом Avant Garde и целой эрой нестандартной типографики», — говорит он.«Avant Garde был одним из первых шрифтов со всеми этими нелепыми лигатурами» или формами букв, которые соединяются, очень «металлического» качества. Смущенный таким сравнением, Джошпе говорит: «Он один из моих любимых. Я думаю, что для логотипов Херб Любалин — это бог». — Сью Апфельбаум

Blue Note

Еще до того, как дизайнер Рейд Майлз присоединился к Blue Note Records Альфреда Лайона в 1956 году, джазовый лейбл был хорошо известен благодаря визуальному мастерству арт-директора-основателя и фотографа Фрэнсиса Вольфа. Во время перехода от простых 78-х к упакованным 10- и 12-дюймовым пластинкам дизайнеры Пол Бэкон, Гил Мелле и Джон Хермансадер сыграли роль в том, что Леонард Фезер в своих примечаниях к альбому The Blue Note Story 1955 года назвал « кропотливое внимание к качеству… присутствует на каждом этапе пути — в материале, используемом для печати, в превосходстве записи, в дизайне и производстве обложек, и во всем остальном, что необходимо для создания законченного, продуманного подготовленный продукт.

Майлз не был первым дизайнером лейбла, но он лучше всех определил его эстетику, создав более 400 обложек за 11 лет работы в Blue Note. Майлз не разделял страсти к джазу (он предпочитал классику), но понимал, как графически интерпретировать музыку так, как ее описывал Лайон. Как отметил критик дизайна Робин Кинросс в 1990 году в журнале Eye , «крутая, четкая» работа Майлза отражала то, что происходило в нью-йоркском графическом дизайне того времени: шрифтов в типографиях и копировальных домах, особенно американских шрифтов без засечек. При Майлзе лейбл принял свою первую систему фирменного стиля, используя музыкальную ноту в качестве своего логотипа.

В то время как многочисленные книги прославляют динамичное использование шрифта Майлзом и нетрадиционную обрезку фотографий, история воспринимает значок как должное. По умолчанию мы отдаем должное Майлзу, который широко использовал его как элемент дизайна, который перемещался внутри каждой композиции. Значок также служит источником практической информации: каталожный номер находится внутри овала, а слоган «Лучшее в джазе с 1939 года» — в прямоугольной рамке.Первой обложкой с логотипом была Blue Note 4017, Blowin’ the Blues Away Горация Сильвера, выпущенная 28 августа 1959 года. лейбл Ghostly отмечает: «Большинство звукозаписывающих компаний не интегрировали логотип в реальный дизайн, но [Рейд] не пытался его скрыть. Он воспользовался этим». — Сью Апфельбаум

CBGB

Логотип CBGB уже давно превзошел свое скромное начало на 315 Bowery. То, что когда-то было грязным клубом на окраине, теперь превратилось в дорогой бутик мужской одежды. Даже когда в октябре 2006 года Патти Смит исполняла последние обряды клуба, его расцвет «дома для андеграундного рока» уже давно миновал. (Основатель/владелец Хилли Кристал умерла от рака легких менее чем через год.) Но суть CBGB & OMFUG остается неизменной. Эту идею увековечивали, превращали в товар и увековечивали до отвращения. И хотя большая часть его истории была задокументирована, мало что было сказано о том, откуда взялся этот печально известный логотип.

Бывшая жена Кристала Карен взяла на себя ответственность за его дизайн и покраску, но правда могла уйти вместе с Хилли в могилу. «Если бы она нарисовала его, я не удивлюсь, если бы в поисках вдохновения она посмотрела на алфавит какого-нибудь художника по вывескам», — говорит типограф Ник Шерман, консультант программы дизайна шрифтов The Cooper Union, который видит ссылки на тосканские шрифты 19-го века. тип древесины.

С секущимися кончиками и шпорами посередине, тосканский шрифт имеет западный оттенок, что имеет смысл, учитывая, что клуб изначально предназначался для демонстрации «кантри, мятлика, блюза и другой музыки для возвышенных гурманов», а не панк-рока, который сделал это известно. Косо нарисованный в стиле «сделай сам» на грязно-белом тенте логотип CB был подобен маяку для художников-неудачников, поэтов и музыкантов, которых привлекала атмосфера клубного салуна Дикого Запада.

Однако те времена давно прошли. Ричард Хелл, бывший басист Television — первой панк-группы, игравшей CBGB в 1974 году, — тоже не знает происхождения логотипа, но сообщил по электронной почте: «Меня постоянно поражают, когда я увидеть это на футболках повсюду, ужас/веселье этого явления.Из-за афиш клуба все эти люди ходят с такими уродливыми сундуками!» — Сью Апфельбаум

Danceteria

«Возвращение новой волны к эстетике 50-х и 60-х я рассматривал как абсурд, который могла объяснить только теория «де-эволюции» Дево», — говорит Рудольф Пайпер, который вместе с партнером Джимом Фураттом основал Danceteria, одну из самые известные ночные клубы города 1980-х годов. Фуратт сказал в то время: «Мы намеренно пытаемся представить серьезную музыку в «вульгарном» формате, используя первоначальный смысл этого слова. Не зная, как назвать свое вульгарное новое предприятие, Пайпер, Фуратт и Дэвид Кинг вспоминают, как проходили мимо самого оживленного места для обеда в Центре одежды, Dubrow’s Cafeteria, когда молния ударила недалеко от первоначального местоположения клуба по адресу 252 West 37th Street. Фурат воскликнул: «Вот оно! Танцевальная!»

Танцевально-панк-эклектика клуба характеризовала начало 80-х: такие ди-джеи, как Билл Балман, Джонни Дайнелл, Анита Сарко и Марк Каминс смешивали пост-панк с диско, хип-хоп с электро. Два года спустя многоэтажный клуб переехал в свое самое известное место, 30 West 21st Street, где такие новички, как Мадонна, выступали на разогреве у манчестерской группы A Certain Ratio (в 1982 году).В Art Attack Wednesdays участвовали высокоинтеллектуальные художники, такие как Филип Гласс и Диаманда Галас. Третий этаж включал в себя видеозал и ресторан. «Все дело в смешении этих разных людей». Фуратт сказал The New York Times .

Кинг, британский графический дизайнер, наиболее известный созданием логотипа анархистской панк-группы Crass, десять лет работал в Лондоне, прежде чем переехать в Нью-Йорк в 1977 году. Днем он рисовал иллюстрации для Psychology Today , обложки для Penguin. Книги и рождественские открытки для MoMA.Ночью он был в панк-группе под названием «Арсенал».

Вдохновленный старой фотографией официантки Белого Замка из книги об американских кафетериях, Кинг создал образ Дамы Дансетерии. Зигзагообразная восьмая нота, закрывающая ее глаза, придавала логотипу оттенок новой волны: «Меня всегда восхищало использование черного прямоугольника, который якобы скрывает личность предполагаемых злодеев в бульварной прессе», — вспоминает Кинг. Kaufmann Bold, причудливый связующий шрифт, усиливал манерное чувство Америки.Кинг расширил перекладину буквы t, чтобы разделить точку на букве i пополам — хороший завершающий штрих. «У нас было несколько прототипов, большинство из которых были основаны на рисунках Сержа Клерка из Парижа, — вспоминает Пайпер, — но в конечном итоге этот попал в цель». — Лора Форд

Def Jam

Каждая история о Def Jam начинается с того, как Рик Рубин основал лейбл в своей комнате в общежитии Нью-Йоркского университета в 1984 году; что его первым релизом была его собственная панк-группа Hose, а вторым был «It’s Yours» T La Rock и Jazzy Jay, который Рассел Симмонс услышал, подумал, что это самый свежий трек, и не мог поверить, что он был спродюсирован состоятельный белый парень с Лонг-Айленда. Это все невероятно и все правда. И как только Рубин и Симмонс официально объединили свои усилия, они выпускали одну определяющую жанр пластинку за другой, представляя миру LL Cool J, Beastie Boys и Public Enemy.

Логотип этого предприятия также был создан Рубином своими руками. Как рассказывает Дэн Чарнас в своей книге «Большая окупаемость: история бизнеса хип-хопа », тётя Рубина работала в Estée Lauder, где у них были инструменты, необходимые ему для создания словесного знака Def Jam.В электронном письме Рубин вспоминает: «Во времена, когда еще не было ПК, у креативного отдела Estée Lauder было множество вариантов печати. Я поиграл с несколькими раскладками, прежде чем остановился на заглавных буквах D и J, смещенных, как вы их видите сейчас, со строчными буквами, заполняющими имя». Его привлекла Helvetica, потому что «она ни в коей мере не декоративна, и из-за этого имеет неприкрытое графическое и информационное качество. Легко воспринимать всерьез». Хотя его специальностью было кино, он говорит: «Летом между младшим и старшим классами средней школы я посещал уроки дизайна в Гарварде. Мне понравилось, но я не уверен, что это была подготовка к тому, что должно было произойти».

Что касается изображения тонарма, украшавшего 12-дюймовые обложки лейбла, Рубин заручился поддержкой подруги в общежитии: «Я попросил ее скопировать изображение тонарма с моего проигрывателя Technics, чтобы он выглядел как чертеж». Когда его спросили, что он имел в виду при разработке логотипа, он ответил: «Я вырос на 7-дюймовых синглах. Вдохновением послужили логотипы всех небольших независимых лейблов 60-х и 70-х годов. Я хотел что-то, что соответствовало бы этому канону.” — Сью Апфельбаум

DFA

«Мне не нравятся красивые. Мне нравятся секретные драгоценности», — сказал Джеймс Мерфи The New Yorker в 2010 году. «Вы хотите чувствовать, что красота — это редкость». Диско-панк-лейбл DFA остается одной из жемчужин Нью-Йорка, даже если это не секрет. Отмечая в этом году свое 12-летие, лейбл (основанный Мерфи, Тимом Голдсворти и Джонатаном Галкиным) появился на сцене как раз в 2001 году, когда Нью-Йорк нуждался в музыкальном подъеме.

DFA включает в себя тщательно продуманную комбинацию ингредиентов: живые барабаны, аналоговые синтезаторы и любовь к колокольчикам. Подход к дизайну — изобилующий каракулями, резиновым тиснением и сильно фотокопированным текстом — одинаково эклектичен, больше склонен к панку, чем к диско. «Это не доведено до совершенства, поэтому люди не считают это дизайном, — говорит арт-директор Майкл Вадино, — но все это очень обдуманно». Он добавляет: «Некоторые человеческие элементы должны быть введены, иначе все будет выглядеть так, как будто это сделано машиной.

По словам Вадино, у них с Мерфи «небольшое обсессивно-компульсивное расстройство. Конечно, мы могли бы сделать все гладко, идеально, потрясающе, но это неинтересно». Вместо этого они намеренно добавили ограничения, сократив свои инструменты дизайна до карандашей, миллиметровой бумаги и полароидных снимков. «Вот тогда и происходят действительно интересные вещи. Когда вы ограничены, вы должны проявить творческий подход». Он говорит, что самый частый отзыв, который он получает от Мерфи, звучит так: «Выглядит хорошо, но не могли бы вы сделать его чуточку хреновее?» Есть что-то забавное в двух самопровозглашенных одержимых, озабоченных тем, чтобы все выглядело как дерьмо.

До недавнего времени логотип DFA — дудл в виде молнии — оставался неизвестным. Как вспоминает Вадино: «Однажды в студии — в далеком 2000 году — кто-то просто нацарапал эту маленькую молнию на миллиметровой бумаге и вверху добавил [буквы] DFA. И я подумал: «Такие правила. Это должно быть вашим логотипом». Джеймс и Тим просто отмахнулись от меня. Я подумал: «Мне все равно. Я собираюсь его использовать». Так что я просто начал размещать его на флаерах, и он стал де-факто логотипом. Только в 2010 году, после ретроспективы графических работ DFA в Сиднее, Мерфи заявил об авторстве, сказав Вадино: «Я нарисовал эту чертову штуку.” — Лора Форд

EPMD

Эрик Сермон и Пэрриш Смит познакомились в старшей школе на Лонг-Айленде и начали вместе заниматься музыкой в ​​середине 80-х под названием EPMD: Erick and Parrish Making Dollars. Оба были в равной степени ведущими и продюсерами, и они открыто заявляли о своих амбициях. Включив слово «бизнес» в название каждого альбома, EPMD применили расчетливый подход к подписанию; песня «Please Listen to My Demo» даже подробно описывает двери, которые закрылись перед ними, прежде чем они заключили свой первый контракт с Fresh, хип-хоп-отпечатком Sleeping Bag Records.В 1987 году они выпустили свой первый сингл «It’s My Thing», который начинается с вертолетов из «The Wall» Pink Floyd, а затем зацикливается на фанке The Whole Darn Family и вокале Марвы Уитни. Умный, но игривый, с непринужденной энергией, вдохновивший гангста-рэп Западного побережья на следующее десятилетие, EPMD обладал драйвом и навыками, чтобы добиться успеха.

Писатель граффити в верхней части города Эрик Хейз был так же увлечен. Будучи членом команды Soul Artists Марка «Али» Эдмондса, Хейз познакомился с The Beastie Boys, начал работать с ними и вскоре сделал себе имя.Поскольку галерейная сцена в центре города уже была очарована уличным искусством, «игровое поле изобразительного искусства было для нас, художников, единственной возможностью начать карьеру и попытаться получить деньги за свою работу», — говорит Хейз. Поняв, что он предпочитает письменное слово и формы букв рисованию, Хейз в 1982 году поступил в Школу визуальных искусств и намеревался, по его словам, «стать главным дизайнером логотипов своего поколения». В 1987 году он разработал обложки для Yo Bum Rush the Show Public Enemy и Bigger and Deffer LL Cool J, где он классно обыгрывал перекрывающиеся буквы O на логотипе сигарет Kool.Эти группы были представлены Расселом Симмонсом и хип-хоп-джаггернаутом Лиора Коэна Rush Artist Management, в который входила EPMD.

Haze был нанят Fresh для создания логотипа для дебюта группы в 1988 году, Strictly Business , не встречаясь с дуэтом и не слыша их музыки. «На тот момент Run-DMC был единственным существующим культовым логотипом в хип-хопе, поэтому я ориентировался на силу полос этого логотипа», — говорит он. Этим жирным шрифтом, сделанным по индивидуальному заказу, Хейз доказал, что он не любитель, и заставил EPMD выглядеть как соперники, которыми они были. — Сью Апфельбаум

Fania

Арт-директор Fania Иззи Санабрия больше известен своими яркими обложками альбомов и невероятным присутствием на сцене в качестве ведущего Fania All-Stars, чем разработкой логотипа. Для человека, посвятившего себя «улучшению имиджа латиноамериканских исполнителей» и распространению музыки сальсы в мире, логотип кажется второстепенным; тем не менее, вот уже почти 50 лет знак Fania имеет огромный вес как символ великой латинской музыки.

Лейбл был основан в 1964 году лидером группы Джонни Пачеко и его адвокатом Джерри Масуччи.Они заручились поддержкой Санабрии, которая ранее разработала обложку хитового альбома Пачеко 1960 года, Pacheco y Su Charanga , на Alegre Records. «В то время он стал самым продаваемым латиноамериканским альбомом», — говорит Санабрия, чья гравюра на дереве с изображением флейтиста на обложке также стала культовой. Для своего первого заказа Fania, Pacheco на Всемирной выставке в Нью-Йорке , Санабрия возродил этот стиль гравюры на дереве, только на этот раз с изображением перкуссиониста и жирным шрифтом, который он вырезал из черной бумаги.

Если скошенный логотип Fania в правом верхнем углу кажется обычным, значит, так оно и было. «Первый был сделан в типографии, — говорит Санабрия. «[Примерно в 1968 году] Джерри хотел новый логотип, поэтому мы перебрали несколько шрифтов, пока не нашли то, что ему понравилось, и я отклонился от этого», — говорит он. Нарисованный от руки логотип Sanabria с изогнутыми печатными буквами, наклоненными внутрь (чтобы сформировать форму мезы) и пузырчатой ​​точкой над буквой «I» был не столько точен, сколько полон характера.Этот дизайн просуществовал 26 лет, на нем были представлены такие печально известные обложки Sanabria, как Power Рэя Барретто (навеянный историей о волосах Самсона) и The Big Break Вилли Колона (подделка листовки ФБР «Самый разыскиваемый»).

Сегодняшний логотип взят из пастельной иллюстрации модного иллюстратора Джо Юлы для обложки альбома, посвященного 30-летию Fania All-Stars, с вытянутыми буквами F-A-N-I-A, поднимающимися высоко позади музыкантов. «В конце концов мы решили использовать это как основу для логотипа», — говорит Санабрия, который стандартизировал цвета и перерисовал буквы, сделав их более прямыми.Дух предыдущего логотипа присутствует в исполнении Юлы, которое Санабрия описывает как «произведение изобразительного искусства». — Сью Апфельбаум

Золото дураков

Иногда кажется, что улицы Нью-Йорка вымощены золотом — то есть Золотом дураков. Небольшое преувеличение, но вам не нужно далеко ходить, чтобы найти наклейки лейбла гибридной танцевальной музыки и хип-хопа под ногами, прилепленные к тротуарам и бордюрам, а также к любой другой доступной поверхности. Логотип Fool’s Gold в форме золотого кирпича, написанный выпуклыми, нарисованными от руки геометрическими буквами с заполненными счетчиками, и название, которое он носит, отражают насмешливое отношение бренда Williamsburg к хип-хопу.

«Мы хотели что-то, что могло бы иметь чванство хип-хопа, но не было бы таким резким — что-то, что не воспринимало бы себя слишком серьезно», — говорит Ник Кэтчдабс, соучредитель лейбла вместе с другим ди-джеем и продюсером A-Trak. в 2007 году. С самого начала подход был таким: «Давайте создадим управляемый артистом лейбл для тех странных пластинок, которые мы крутим на наших диджейских сетах», — говорит он.

В начале у руля был также эклектичный «министр искусства»: Джошуа Принс, также известный как Пыль Ла Рок, человек, стоящий за этим липким изображением и всей художественной продукцией лейбла за первые несколько лет его существования.Для поколения, выросшего на канале Nickelodeon, мультяшный логотип Принса особенно весел и знаком. Написав со своей нынешней базы в Лос-Анджелесе, Принс говорит, что его процесс включает в себя обширное исследование всех без исключения элементов, связанных с содержанием. В данном случае то, что он обнаружил, было «золотом во всех его многочисленных формах» и «графикой лейблов и лейблов в стиле хаус и хип-хоп конца 80-х и начала 90-х». Он ссылается на влияние дизайна, начиная от работы Designers Republic для Pop Will Eat Itself и лейбла Warp до Psychick Cross от Genesis P-Orridge и оккультизма.

Идентификация из чистого золота хорошо подходит для товаров, которых они продают много, а также для собственного талисмана лейбла мистера Голдбара, который мог бы составить конкуренцию мистеру Арахису за его деньги. «Много танцевальной музыки, это очень, очень серьезно», — говорит Catchdubs. «Это должно быть весело». — Сью Апфельбаум

Giant Step

Через месяц после окончания Школы дизайна Род-Айленда в 1992 году Кевин Лайонс постучал в дверь офиса Groove Academy. «Я видел рекламу в Paper и ошибочно предположил, что это музыкальный магазин», — говорит он.Там он познакомился с Морисом Бернштейном и Джонатаном Рудником, основателями компании по маркетингу и продвижению концертов, «посвященной сохранению фанка» и создателями нью-йоркского клубного вечера Giant Step. Взглянув на альбом Лайонса, они дали ему возможность разработать логотип партии.

Giant Step, основанный в 1990 году, возможно, заимствовал свою ретро-атмосферу — смесь бибопа, битника и фанка — с лондонской эйсид-джазовой сцены, но его хип-хоп энергия была чисто нью-йоркской. «Название произошло из двух мест, — вспоминает Бернштейн.«Для тех, кто знал, было упоминание Колтрейна, но это также было заявлением о намерениях: мы хотели сделать музыкальный скачок от того, что происходило в городе в то время». В 1990 году это означало пятидолларовую обложку и молодую смешанную толпу, получающую удовольствие от плавных диджейских сетов, наполненных хаусом, фанком и джазовым хип-хопом. В миксе также были живые музыканты: флейтист, валторнисты, перкуссионисты, рэперы и певцы из развивающейся хаус-группы, которая стала известна как Groove Collective.

Вместо того, чтобы отдать дань уважения дизайну обложки альбома Blue Note Рейда Майлза, Лайонс вспоминает, что вдохновился игривым написанным от руки стилем заглавной последовательности из сериала 1960-х годов My Three Sons .«Я подумал: «Что, если бы слово «гигант» было бы трубой с буквами, похожими на деревянные шрифты, подпрыгивающими вверх и вниз?» Он не спал всю ночь, работая над этим. «Я рисовал это миллион раз и редактировал буквы с помощью Wite-Out». Ядро рисунка используется до сих пор. «Он добился успеха, — вспоминает Бернстайн. «Это в основном сказало все о том, кем мы были». — Лора Форд

KISS

Краска для лица и сапоги на высоких каблуках пришли и ушли, но логотип KISS остался навсегда.Немногие знаки различия столь же сильны, как выделенные жирным шрифтом K-I-двойные молнии. Поразительно, как и все остальное в нью-йоркских рокерах, с середины 70-х он почти не менялся — за исключением стерилизованной версии, используемой в Германии с 1980 года в ответ на обвинения в том, что группа прославляла нацистские знаки отличия СС (оба которые используют рунический стиль письма).

По общему мнению, соло-гитарист Эйс Фрейли обладал талантом к искусству и разработал его. Согласно одной истории, Фрейли написал это имя на плакате Wicked Lester — группы, которую Джин Симмонс и Пол Стэнли ушли, чтобы сформировать KISS, — и придумал эти буквы S на лету.Что не упоминается, так это то, что в некоторых работах Wicked Lester вместо собственной буквы S использовалась зазубренная молния. Также неизвестна роль Пола Стэнли в создании логотипа.

Писатель Майкл Дорет, создавший тщательно продуманную обложку для пластинок 1976 года Rock and Roll Over и Sonic Boom 1976 года, вспоминает, что пока он работал над последним, «Пол был здесь, в моей студии, а я спросил его об этом логотипе. И он сказал мне, что очень рано нарисовал это на своем кухонном столе с помощью Т-образного квадрата и треугольника и некоторых технических ручек.В интервью 2004 года Billboard Симмонс заявил, что Фрейли разработал его, но Стэнли нарисовал его, создав оригинальный логотип, который будет использоваться на каждой обложке. Но не Дорет. «Мне никогда не нравилось, как они сочетаются друг с другом», — говорит Дорет, чья знаковая работа включает в себя логотип «Нью-Йорк Никс». «На обеих обложках альбомов, которые я сделал, я перерисовал их», — признается он, отмечая, что Стэнли сказал ему: «Ты единственный, кому я когда-либо разрешал перерисовывать этот логотип».

Итак, что нужно было исправить? «Я ищу геометрию в вещах, и ничего толком не совпало.Две буквы S были под разными углами и как бы наклонены. Меня это просто бесило», — говорит Дорет. «В первый раз [на] Rock and Roll Over я даже не сказал им. Но я думаю, что Пол знал. — Сью Апфельбаум

Masters at Work

«Ребята, вы первые за 23 года, кто спросил, кто сделал логотип», — говорит Кенни «Dope» Гонсалес, один из основателей и продюсеров дуэта хаус-музыки Masters At Work. Концепция кажется простой: две символические головы представляют любителя хип-хопа Гонсалеса в бейсбольной кепке набок и партнера по имени «Маленький» Луи Вега, вдохновленного сальсой, в федоре и козлиной бородке, в стиле, взятом из вездесущей «Мужчины за работой». каски строительные знаки.Но на самом деле история не так однозначна.

До того, как Гонсалес (из Сансет-парка, Бруклин) встретил Вегу (из Бронкса) через ди-джея Тодда Терри в середине 80-х, он писал биты, устраивал вечеринки с другим ди-джеем Майком Дельгадо и работал в местной звукозаписывающей компании. магазин Музыкальный центр WNR. Одним из завсегдатаев магазина был Луис Негрон, также известный как KAB-ONE, граффити-райтер, который был частью команды Revlon (он же REVS, тот, у кого давняя, хорошо заметная говядина с COST), хотя он вел себя сдержанно. .Негрон начал делать листовки для вечеринок Гонсалеса и Дельгадо «Мастера на работе», а также разработал логотип с печатными буквами для лейбла Nu Groove и импринт Гонсалеса Dopewax.

Негрон отрисовал первый логотип Masters At Work в 1989 году в виде катушечной колоды, которую, по словам Гонсалеса, можно было использовать только на местных листовках (до тех пор, пока несколько лет назад он не напечатал ее на футболке). Рубашка). К тому времени, когда Вега и Гонсалес официально объединились под названием Masters At Work и выпустили свой первый альбом на Cutting Records в 1993 году, их фирменным изображением был графический взрыв разматывающейся катушки с лентой, парящие в воздухе клавишные и летающая пластинка с этой ставшей культовой шляпой. — ношение головы с обеих сторон.Позже образ довели до того, что он есть сейчас. «Когда мы решили создать собственный лейбл и превратить его в продюсерскую компанию, именно тогда мы собрались вместе. Потом это был MAW Records», — говорит Гонсалес.

Помимо того, что Негрон занимается графикой, он служил в ВМС США еще со времен Сансет Парк. В настоящее время он находится в Афганистане и недоступен для комментариев. Но что касается MAW, вся заслуга принадлежит KAB-ONE. — Сью Апфельбаум

MTV

MTV, первая 24-часовая сеть музыкального видео, запущенная 1 августа 1981 года, произвела революцию как в музыке, так и на телевидении.Имидж бренда, возникший вместе с этим дивным новым визуальным миром, был таким же радикальным, как и то, что он представлял. Задолго до появления Google Doodles и GIF-файлов креативный директор-основатель MTV Фред Зайберт пренебрег «хорошими» стандартами дизайна логотипов, когда он лоббировал идею Manhattan Design с печатными буквами M и окрашенного баллончиком телевизора — и его концепцию изменчивости — помогая создать индивидуальность канала как молодого. , мятежный и непредсказуемый.

Несмотря на необходимость работать с именитыми дизайнерами, Зайберт предпочитал никому не известную фирму, соучредителем которой был его друг детства Фрэнк Олински.Зайберт и Олински выросли вместе в Хантингтоне, Лонг-Айленд, и Зайберт считает, что Олински обратил его к музыке и открыл, что мультфильмы делают люди. «Мой отец был аниматором и художником по рекламе, и он научил меня пользоваться профессиональными инструментами, — говорит Олински.

Manhattan Design был крошечный магазин в задней части студии тай-чи над аптекой Бигелоу в Гринвич-Виллидж; именно там, после более чем восьми месяцев работы — и задолго до того, как было принято решение о названии MTV — Олински разместил прототип этого логотипа на стене.Он ссылается на то, что его вдохновили панк, граффити и анимационное детское шоу его юности « Винки Динк и ты », в котором зрителям предлагалось дорисовывать сцены, рисуя на прозрачных пластиковых листах, накинутых на переднюю панель их телевизоров. Прозрение сделать что-то, что разрушит истеблишмент и может быть трансформировано бесчисленным количеством способов, оказалось правильным для времени и среды. «Большинство логотипов разрабатываются полиграфистами, а затем моушн-дизайнерам приходится придумывать, как их перемещать, — говорит Зайберт.— Это кажется мне какой-то глупостью.

Корпоративные типы на канале ненавидели все в этом, говорит Зайберт, но приняли его со словами «Музыкальное телевидение», добавленными под ним в Helvetica — по иронии судьбы, эта часть была взломана, когда сеть изменила дизайн логотипа в 2010 году. 30 лет — свидетельство его ранней предпосылки. Как замечает Олински: «Идея заключалась в том, что никто на самом деле не владеет этим, что в традиционном смысле является очень анти-логотипическим мышлением». — Сью Апфельбаум

Nervous Records

Основатель Nervous Records Майкл Вайс вырос с музыкальным бизнесом в крови — его отец был дистрибьютором звукозаписей, который также управлял диско-лейблом Sam Records.То, что Вайс может в конечном итоге основать свой собственный лейбл на основе танцевальной музыки своего поколения — хип-хоп и хаус, таких исполнителей, как Black Moon, Тодд Терри, Арманд ван Хелден и Masters At Work — было легкой ставкой, и, конечно же, не о чем было беспокоиться. Так почему имя? «До того, как я запустил Nervous Records, я продвигал хип-хоп треки для другого лейбла и был немного гиперактивен в своем подходе. Раньше я приносил записи известному хип-хоп диджею по имени Чак Чиллаут на WBLS. Я приходил туда в 23:30 по пятницам и очень настаивал на том, чтобы Чак играл мои песни до того, как шоу заканчивалось в полночь.Он называл меня Капитаном Нервусом, потому что я всегда так нервничал, что шоу закончится прежде, чем он успеет сыграть мою песню».

Логотип, который Вайс заказал для своего лейбла в 1991 году, также отразил неистовую энергию ди-джеев, которые стремились заполучить новейший и самый популярный винил, выпущенный ограниченным тиражом. «Идея заключалась в том, чтобы создать пародию на супергероя из мира ди-джеев, — говорит Вайс. «Это было до того, как ди-джеи считались огромными звездами, которыми они являются сейчас. Но в моем мире нашими звездами были независимые нью-йоркские танцевальные лейблы, ди-джеи и продюсеры.

Вайс знал арт-директора EMI/Chrysalis по имени Марк Козза, который сделал несколько каверов для Sam Records, и попросил его разработать логотип. «Моей первой и единственной идеей было создать культового персонажа, который мог бы жить сам по себе, даже не используя слово «нервный», — говорит Козза. «Я был ченнелингом «Крейзи Кэт» Джорджа Херримана, а также комиксов Superwest . В то время в моде была прическа Арсенио Холла с плоской вершиной, и я подумал об идее, чтобы рекорд скорости гудел сверху афро персонажа, оставляя его трясущимся, но с идеальной прической.

Первый логотип был круглым, так как он был разработан с учетом винила, и использовался простой шрифт без засечек. В 2004 году Вайс обновил его, чтобы он лучше соответствовал цифровому рынку, сделав его квадратным и поместив фигуру на фоне кирпичной стены, с граффити, написанным Блейком «КЕО» Летемом, «чтобы украсить городской аспект». — Сью Апфельбаум

Нью-йоркский хардкор

Нью-йоркский хардкор, ускоренный идеологический гибрид панка и металла, появившийся в начале 80-х, имеет множество фракций и один всеобъемлющий символ солидарности: буква X с инициалами NY и HC, написанными через Это.Этот племенной знак не только маркирует местную сцену, но и породил бесчисленное количество подражателей в городах и пригородах по всему миру.

Вышибалы клуба писали X на руках несовершеннолетних детей во время шоу. По некоторым сведениям, Ян Маккей и Джефф Нельсон из округа Колумбия The Teen Idles (а позже и Minor Threat) получили свои руки X в клубе Западного побережья, и Нельсон, дизайнер, привнес изображение в свои работы. Со временем, когда они утверждали, что идея отказа от наркотиков была вдохновлена ​​хардкорными героями Bad Brains, символ трансформировался в обозначение Straight Edge.Как объясняет Глен Каммингс, бывший гитарист группы Ludichrist из Нью-Йорка и дизайнер, который подробно изучил X, «это изменилось с «я не могу пить» на «я не буду пить» [и по мере того, как сцена становилась все более жестокой, ] до «Я побью тебя, если ты это сделаешь».

В то время как Cro-Mags, Agnostic Front и Murphy’s Law стали определять нью-йоркский хардкор, именно менее известная стрейт-эдж-группа The Abused, вокалист Кевин Кроули, прославил NYHC X. Он начал использовать его как часть тщательно нарисованных листовок для выступлений группы в таких клубах, как CBGB и A7 в Alphabet City.Как Кроули недавно сказал в блоге Noise Creep: «Я хотел, чтобы люди помнили нас [и] я хотел, чтобы наша музыка и художественные работы, связанные с группой, были сплоченными. Хардкор-сцена была довольно территориальной. Нью-Йорк, Бостон, округ Колумбия — почти так же, как люди со спортивными командами. Я был большим поклонником музыки из других городов, но Нью-Йорк был моим родным городом! В некотором смысле логотип NYHC был декларацией нашей сцены, заявлением».

Помимо того, что это символ гордости родного города, этот символ был простым способом для неизвестных групп сообщить: «Эй, мы являемся частью этого жанра» на своих флаерах, — говорит Каммингс.Стивен Блаш, автор и режиссер фильма « American Hardcore », также считает, что The Abused «вывел X на новый уровень», отметив, что «четыре буквы NYHC придали X идеальную симметрию». Кроули говорит: «Правда в том, что я никогда не думал, что это так приживется». — Сью Апфельбаум

Paradise Garage

Мускулистый мужчина с татуированным бицепсом, взглядом вниз и поднятым вверх бубном символизирует особое время и место, которое длилось всего десять лет, но навсегда осталось в легендах танцевальной музыки и гей-культуре.Размещенный внутри парковки на улицах Кинг и Варик с 1976 по 1987 год, Paradise Garage был идеальным названием для бетонного пространства, которое стало пристанищем для любителей музыки, и особенно для геев, которые могли чувствовать себя в безопасности, как и их истинное «я». По пятницам и субботам ди-джей Ларри Леван устраивал грандиозные вечеринки, посвященные принятию и сообществу, в отличие от более декадентской направленности конкурирующих клубов. «В Нью-Йорке выделялись два логотипа: гигантский 54 Studio 54 и человек из гаража Paradise Garage, — говорит бывший ди-джей Garage Дэвид ДеПино.

Почти все, кто присутствовал, описывают Райский гараж в священных терминах. «Это была церковь, — говорит ДеПино. «Люди шли танцевать, поклоняться музыке, отпускать все свои разочарования за неделю». ДеПино помог Левану и Майклу Броуди найти место и сыграл много ролей, в том числе был одним из немногих, помимо Левана, которые крутили там пластинки. Он также один из последних выживших — Броуди умер от осложнений СПИДа в 1987 году, Леван — от сердечной недостаточности, связанной с наркотиками, в 1992 году.

ДеПино не знает, кто первым нарисовал логотип, но точно помнит его модель: Вилли Гонсалес, начальник службы безопасности в первые пару лет существования «Гаража» и профессиональный бодибилдер.Бубен не был частью его личности, но вьющиеся волосы и разорванные мышцы были. Логотип, пожалуй, лучше всего запомнился неоновым светом в виде светящейся вывески наверху пандуса, ведущего ко входу в клуб. Мерчендайзинг также помог решить ее судьбу. ДеПино вспоминает, как люди начали рисовать логотип на своих собственных футболках, а некоторые танцоры каждый вечер делали по нескольку штук: «Люди приходили в «Гараж» в своей обычной одежде и переодевались, чтобы танцевать. И вспотеешь — кондиционера там не было.Именно тогда Майкл начал говорить: «Я должен продавать футболки, и люди будут их покупать». Как только он это сделал, они были распроданы за одну ночь». ДеПино также помнит, что произошло, когда Броуди попытался нарушить традицию. «Через пять лет существования клуба был сделан второй логотип с танцором на переднем плане и радужной пирамидой позади него. Против него было восстание». — Сью Апфельбаум

Public Enemy

Мир в целом впервые стал свидетелем Public Enemy, когда Beastie Boys взяли их с собой в тур 1987 года Licensed to Ill , познакомив тысячи детей из пригородов с активистской оборотной стороной шумного рэп-вечеринки Beasties.В то время как хедлайнер выступал на сцене с корчащимися девушками в клетках, Чак Ди из Public Enemy, Flavor Flav и диджей Terminator X выглядели очень серьезно, в окружении лакеев в военной форме и под знаменем с изображением силуэта фигуры, запертой в прицелах перекрестье винтовки. Вся презентация PE послужила тревожным звонком.

Этот тревожный графический образ в сочетании с трафаретным логотипом в армейском стиле был разработан вдохновителем PE Чаком Д. Карлтоном Дугласом Риденхуром, родившимся в Квинсе, он получил степень бакалавра графического дизайна в колледже Адельфи в 1984 году с целью работы в художественный отдел звукозаписывающей компании.Он не видел себя успешным записывающимся исполнителем — Рик Рубин безжалостно преследовал его, пока он не подписал контракт с Def Jam, не говоря уже о том, чтобы попасть в Зал славы рок-н-ролла.

Как Чак Ди сказал в Red Bull Music Academy в Барселоне в 2008 году: «Мне всегда нравилось смотреть на рок-н-ролльных парней; у них были логотипы, так почему же в рэпе не может быть так же? Я хотел сделать музыку такой же легитимной, как и другие жанры». Чак придумал концепцию, вырезав и приклеив макет вручную.Модель крестного отца в шляпе была ошибочно принята за государственного солдата, но на самом деле это был E-Love, продюсер и помощник LL Cool J. «Я вырезал фотографию E-Love из журнала, затемнил ее, наклеил на перекрестие и пропустил через копировальную машину», — объясняет Чак по электронной почте. Затем это грубое изображение было обработано и отрендерено для использования «уборщиком» Эриком Хейзом, который руководил оформлением обложки их дебютного альбома Yo! Бум Раш Шоу . «Когда пришло время создавать свои работы, [Чак] точно знал, чего хочет», — вспоминает арт-директор Def Jam Сей Адамс.«Его идея заключалась в том, что черный человек является мишенью в Америке». — Сью Апфельбаум

Ramones

Для оригинальных панк-рокеров Джонни, Джоуи, Ди Ди и Томми Рамона меньше значит больше. Их экономичная одежда — обтягивающие футболки, байкерские куртки, рваные джинсы и парусиновые кроссовки — соответствовала эффективности их звука: быстрого, сжатого, неприкрашенного рок-н-ролла. Странная группа из Форест-Хиллз, Квинс, Ramones объединилась в 1974 году как братья по музыкальным амбициям (если не по крови). Но друг и художник Артуро Вега визуально передал подход «больше значит больше» в своем логотипе, увеличив имя Ramones тяжелым, хорошо заметным шрифтом и включив в него Большую печать Соединенных Штатов.

Вега разработал большую часть графики для группы на протяжении 22-летней карьеры Ramones. Родившийся в Мексике, он был очарован символами власти, особенно белоголовым орлом в геральдике США. «Я всегда думал о Ramones как о… полностью американской группе», — сказал Вега сайту Fringe Underground. В интервью подкаста 2012 года для Going Off Track он описал моделирование орла на дизайне футболки Ramones с обратной стороны доллара Эйзенхауэра. На раннем плакате изображены живот Веги и пряжка его ремня в виде орла, снятые с автопортрета в фотобудке.

Соучредитель журнала Punk и иллюстратор Ramones Джон Холмстром вспоминает это изображение: «В нем было смутное ощущение садомазохизма, а его простота для меня определяла нью-йоркскую панк-рок сцену». В 1976 году, в год двухсотлетия, Vega выбрала орла с печати США, изменила иконографию и добавила имена участников группы (которые со временем менялись вместе с составом). Эмблема впервые появилась на обложке второго альбома Ramones, Leave Home , выпущенного в январе 1977 года.

«В то время использование национального символа было идеальным ходом, потому что панк-сцена пыталась дистанцироваться от сцены хиппи», — говорит Холмстром. «Что может быть лучше для этого, чем принять патриотизм?» Что касается названия группы, Vega хотела, чтобы оно было простым и понятным, с заглавными буквами без засечек, и в конце концов остановилась на Franklin Gothic, том же шрифте, который появится на логотипе Run-DMC десятилетие спустя. Большинство оригинальных Ramones ушли в прошлое, но футболки Ramones актуальны как никогда. Логотип, по словам Холмстрома, «стал культовым не только для группы, но и для всего панк-рока. — Сью Апфельбаум

Run-DMC

Run-DMC были одними из первых рэп-исполнителей, которые ворвались в мейнстрим. Вдобавок к их заводным рифмам, мелодиям и гитарным риффам, подпитывавшим их кросс-жанровую привлекательность, трио Hollis, Queens и трио выглядели стильно в не потертых, незашнурованных носочках Adidas, федорах и кепках Kangol, а также в толстовках. золотые цепочки. Поддерживая их прочный, чем кожа, образ, был убойный логотип, который выглядел непобедимым в больших размерах на футболках и мерче.Расположенные между двумя толстыми красными линиями и выполненные в стиле Franklin Gothic Heavy, заглавные буквы RUN и DMC образуют один из самых популярных логотипов всех времен.

Выяснить, кто его разработал… сложно. Граффити-художнику, ставшему дизайнером, Сей Адамс, которая нарисовала от руки надписи на одноименном дебютном альбоме Run-DMC, часто ошибочно приписывают заслугам. Когда его спросили, Адамс ответил: «По сей день никто точно не знает, кто именно это сделал. Но это сделал дизайнер из Англии, который сделал альбом King of Rock и сингл You Talk Too Much [в 1985 году].Теперь правда вышла наружу: Эшли Ньютон, в то время глава отдела A&R в Island Records, а ныне генеральный директор Columbia, заказала логотип внутренней команде лейбла, в частности Стефани Нэш.

Нэш, ныне соруководитель лондонской дизайн-студии Michael Nash Associates, не рассчитывал на какие-либо индивидуальные заслуги. «Я помню, как слушала [музыку] и думала, насколько визуально она типографична», — говорит она по электронной почте. «В то время меня очень вдохновлял рэп: большие, многозначительные, нелицеприятные слова, использованные с такой силой, какой я раньше не слышал.Она выбрала шрифт просто: «В то время у нас было ограниченное количество доступных шрифтов, и Franklin Gothic был «жестким» и прямолинейным, не будучи старомодным или причудливым. [Это] хороший, солидный, серьезный шрифт. Имя Run-DMC помогло создать два набора из трех букв». Тот факт, что он просуществовал так долго, она приписывает М. Ф. Бентону, дизайнеру шрифта, и силе самого Run-DMC. «Если бы такая же графика была сделана для поп-группы, она не получила бы такой же славы. — Сью Апфельбаум

Studio 54

Французы могут утверждать, что изобрели дискотеку 30 лет назад, но 26 апреля 1977 года двое уроженцев Бруклина возвели эту концепцию в мифический статус. Студия 54, расположенная в отремонтированном оперном театре 1927 года на 54-й Западной улице, была детищем Яна Шрагера и покойного Стива Рубелла. Это было место, где, по словам британского светского деятеля и писателя Энтони Хейден-Геста, люди «сбрасывали унылое гравитационное притяжение повседневной жизни и терялись в вуайеристской суете.

Годом ранее парижская «Королева ночи» Регин Зильберберг подняла планку диско-дизайна, потратив полмиллиона долларов на оснащение своего нью-йоркского аванпоста Regine’s шестиугольным освещенным танцполом и скульптурным зеркальным потолком. Результатом стала феерия в стиле ар-деко, которую журнал New York назвал «самым нарциссическим путешествием».

Ненадолго. Рубелл и Шрагер наняли лучших дизайнеров интерьера и освещения Бродвея для наблюдения за реконструкцией Studio 54, центральным элементом которой был танцпол площадью 5400 квадратных футов, окруженный десятью серебряными банкетками, залитый множеством более 400 световых эффектов — бесконечное зрелище.Но самой печально известной дизайнерской диковинкой клуба был, безусловно, Человек на Луне, подвешенная, вырезанная карикатура на лицо в виде полумесяца, соединенная с движущейся вырезанной ложкой из-под кокаина, которая испускала «шипение света», когда они делали это вместе. контакт.

Графический стиль клуба, разработанный Гилбертом Лессером (1935-1990), был соответствующим образом гладким, идеально сочетая декаданс возрождения декора со строгой геометрией Баухауза. Лессер, дизайнер, наиболее известный своими отличительными театральными постерами для Equus (1974) и The Elephant Man (1979), специально создал элегантную, плотно сконструированную модель 54.Логотип заимствует свою коренастую толщину и тонкую линию у букв в стиле ар-деко, которые были так модны в 70-х, но его строгая геометрия и четкая диагональная ось больше напоминают 60-е, что позволяет эффективно наклонять его под углом, как это выглядело на самые ранние черные VIP-карты клуба.

Рубелл был так озабочен аурой эксклюзивности клуба, что швейцар заставлял толпы людей ждать снаружи, даже когда клуб не был полон. Как сказал обозреватель светской хроники Village Voice Майкл Мусто: «Студия 54 была не просто главой и концом всего, это была идея «быть там или покончить со всем».Для человека, не являющегося знаменитостью, преодоление первой бархатной веревки Нью-Йорка было само по себе наградой. — Лора Форд

Tommy Boy

В 1981 году Том Сильверман увидел Afrika Bambaataa и понял, что диджейское смешивание Kraftwerk с фанком — это будущее. Сильверман, который в то время вел информационный бюллетень индустрии танцевальной музыки, был настроен на культуру ди-джеев и видел, как зарождается хип-хоп в мире пост-диско. Когда Бамбаатаа согласился записать пластинку с Сильверманом, родился Томми Бой. Первым синглом лейбла, по предложению Бамбаатаа, был «Havin’ Fun» от Cotton Candy, и на нем был логотип, который Сильверман полностью скопировал с деревянного ящика винограда Tommy Boy.Затем последовали Afrika Bambaataa и «Jazzy Sensation» группы Jazzy Five, что дало Tommy Boy право на необходимость официального логотипа.

Моника Линч, первая сотрудница Tommy Boy (а позже партнер лейбла), вспоминает: «Это была очень маленькая операция без денег. У нас не было художественного отдела. Это было действительно немного грязно». Она наняла своего друга и художника Стивена Миглио для разработки логотипа, который он сделал с помощью Letraset и печатного шрифта. Мильо записал слова «Томми» и «Мальчик» заглавными буквами, выровняв их так, чтобы их основы опустились ниже базовой линии, и добавил три танцующие фигуры, перевернутые изогнутыми стрелками, направляющими их движение.«Это было основано на том, как дети крутились на голове и танцевали брейк-данс на куске картона на улице», — говорит Мильо. Мысль была такой: «Если вы поместите их на этикетку, а затем будете вращать пластинку, может быть, это будет выглядеть так, как будто они вращаются».

«Цель состояла в том, чтобы создать логотип, который обладал бы такой визуальной энергией и четко отражал бы культуру би-боев», — говорит Линч, и в этом Мильо преуспел. Первым релизом с новым логотипом стал альбом «Planet Rock» Afrika Bambaataa и Soulsonic Force, который стал огромным хитом, было продано более 600 000 копий и принесло Tommy Boy признание.Логотип будет ассоциироваться с такими артистами, как Queen Latifah, De La Soul и Digital Underground, а также с многочисленными сборниками битов.

В 1989 году Сильверман нанял дизайнера логотипов Эрика Хейза для обновления логотипа. Хейз убрал стрелки, изменил шрифт и соотношение между буквами, нарисовал и перекомпоновал фигуры. Сильверман отмечает: «Изначально у них были клеш, а затем, когда Эрик переделал их, он сменил одежду, которую они носили». — Сью Апфельбаум

Wu-Tang Clan

Wu-Tang Clan с крыльями летучей мыши впервые появился на дебютном сингле группы 1993 года «Protect Ya Neck» как часть более подробной рисованной иллюстрации, наполненной духовными и боевыми искусствами группы. -вдохновленный символизм.

Mathematics, разработавший оригинальный логотип, говорит: «Задача заключалась в том, чтобы попытаться сделать что-то выделяющееся, вроде эмблемы Бэтмена». Хотя большая часть его работы с Wu-Tang заключалась в развитии звука группы с помощью огромного хранилища сэмплов, бывший художник-граффити, ставший продюсером из Ямайки, Квинс, изучал графическое и коммерческое искусство в средней школе карьеры и технического образования Томаса А. Эдисона.

Математика уже возилась с несколькими вариантами логотипа, когда дело дошло до ночного дежурства, когда «Защити шею» собирались напечатать.«В то время я занимался плотницкими работами со своими папами, — вспоминает он, — и RZA, Ghost, Power [Оливер Грант, исполнительный продюсер Wu-Tang] и U-God, они приходили на работу около десяти часов. часы утром и забрал его». Ранняя версия изображала отрубленную голову воина, которую он держал за дреды рукой, отходящей от буквы W, и на ней было написано «Клан Ву-Тан» искусственным азиатским почерком. Как отмечает RZA в Wu-Tang Manual : «Этот был слишком кровавый, но мне понравилось, как он писал буквы, поэтому я заставил его придумать меч — потому что мой язык — мой меч.Но и это не отражало всего, о чем я думал. Поэтому я сказал ему, что он должен представлять меч, книгу и мудрость».

К тому времени, как вышел их первый альбом Enter the Wu-Tang (36 Chambers) , вышедший позже в том же году, исчезли меч и книга, но знак W — желтый, и до сих пор с Wu-Tang Clan написал через него – остался.