Натурщицы для художников в работе видео: Муза для вуза: исповедь натурщицы

Натурщица Маргарита Разинкова: «Меня спрашивают: „Как ты стоишь там обнажённая?“ Отвечаю: „Идёт урок, рабочая обстановка“»

Можно ли 45 минут неподвижно сидеть или стоять? «Вполне реально», – скажет вам демонстратор пластических поз Маргарита Разинкова. Более того, эта женщина способна молчать целый час. Такие сила воли и терпение – результат семилетней работы с институтом изобразительного и декоративно-прикладного искусства опорного Тольяттинского государственного университета. Как правило, когда в мастерской находится обнажённая натурщица, посторонним вход туда воспрещён. В учебном классе могут находиться только художники за мольбертами. Корреспондент Молодёжного медиахолдинга «Есть talk!» Анна Мурашова расспросила Маргариту Разинкову о том, что происходит за закрытыми дверями.

– Как вы пришли в эту профессию?

– У меня в памяти русский фильм «Ниагара», вышедший в 1991 году.

Ниагара – это псевдоним женщины по имени Лариса. Она была натурщицей в художественном училище. У меня отложился в памяти этот фильм, потому что он живой, актриса хорошая. И когда в 2012 году я искала себе подработку, у меня в голове возникло – «натурщица». Я начала узнавать об этой работе. В училище позвонила, мне говорят: «У нас дети, живая натура не нужна». И мне потом знакомая женщина сказала, что в институте ИЗО нужны натурщики. Я пришла в отдел натуры, оставила свои телефоны. Мне позвонили, и с 2012 года я там позирую.

Я сама эстетка, люблю культуру, искусство. И я поняла, что эта работа для меня стала основной и любимой. И под эту работу я уже другие свои подработки подстраивала. Кроме того, последние три года работала в Санкт-Петербургском государственном академическом институте живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина при Российской академии художеств.

– Как началось ваше сотрудничество с этим институтом?

– Когда я стала работать натурщицей, я начала читать книги о художниках, про искусство, и везде упоминалась Академия Репина, Санкт-Петербург, Ленинград. Через интернет я нашла отдел натуры этой академии и позвонила Андрею Седову (в тот период он занимался оформлением на работу натурщиков – прим. авт.). Я рассказала, что звоню из Тольятти и спросила, можно ли приехать. «Да, приезжайте». Но приехала я только через год, надо было с жильём определиться.

– А где в Тольятти кроме ТГУ нужны натурщики?

– В колледже гуманитарных и социально-педагогических дисциплин имени Святителя Алексия, Митрополита Московского. Там обучаются по специальности «Живопись», поэтому есть мастерские и нужны натурщики.

– Вы работаете только с организациями? Или на заказы художников и фотографов, которые работают в частном порядке, тоже реагируете?

– Я сначала пыталась. Думала, может быть, нужны натурщики фотографам или в мастерских, но нет. В Тольятти это не востребовано. А в Питере – да. Там полно мастерских, студий – везде зовут. Это касается и фотографов.

Там большой фронт работы.

– Насколько выгодно быть натурщиком в нашем городе?

– В нашем городе – это просто для души. Для пенсионеров может стать подработкой. Я хочу работать натурщицей, но зарплата небольшая, поэтому надо ещё искать работу. (Маргарите в ноябре 2020 года исполнится 55 лет. – Прим. авт.)

– А какие ещё блага, кроме материальных, несёт эта работа?

– Эстетическое удовольствие. Я люблю что-то красивое, культурное. И опять же обстановка… Тебя окружают интеллигентные и образованные люди – ученики и преподаватели. Преподаватели помогают ученикам в рисунке, живописи. Пусть я что-то не совсем понимаю: не вслушиваюсь, какие дают замечания, но чисто энергетически это приятно, а что-то откладывается в голове. Красивые люди красиво говорят, умные вещи говорят – мне это нравится.

– Во время позирования вам очень долго приходится сидеть неподвижно. А бывают ли перерывы в работе?

– Обычно я сижу или стою 45 минут – один урок. Во время занятия можно совершать небольшие движения. Не часто, конечно, иначе ученики не смогут тебя нарисовать. Если во время сидения ты почувствовал дискомфорт: нога занемела, рука или голова, конечно, ты можешь немножко подвигаться, ничего страшного.

– Какое самое длительное время вы позировали?

– Бывает, и весь день позируешь. 45 минут, потом небольшой перерыв. Опять урок, снова перерыв. Два часа рисунка, потом переменка и три часа живописи. Так и получается, что весь день работаем.

– Может, у вас есть какие-нибудь секреты – как можно сидеть неподвижно так долго?

– Тут, конечно, нужна выносливость. Может быть, где-то и физическая подготовка, дисциплина и терпение. Ученики же тоже понимают, что мы устаём. «Хотите – отдохните». Мы договариваемся между собой, чтобы и ученикам было комфортно рисовать, и нам комфортно работать.

– Как вы готовитесь к работе?

– Допустим, мне говорят: будет новая постановка. Естественно, я узнаю, что я должна буду делать: стоять, сидеть, в какой одежде прийти, если не обнажённая натура. Преподаватели в институте знают, что у меня есть подходящий набор одежды: кофточки, шарфики и я могу их принести с собой. Постановка – это интересный процесс, творческий. Фон за спиной, драпировочки – всё по цвету, и одежда под цвет кожи, под цвет волос – всё имеет значение.

– А вам надо морально настраиваться перед позированием?

– Да нет, всегда готова. Бывало, звонят: «Маргарита, ты где? Далеко ехать? Срочно нужна натура!». И если я свободна, где-то недалеко – бегу. Прибежала, села или встала. И всё.

– А как вы поддерживаете себя в форме? Применяете специальные диеты или косметические процедуры?

– Нет, да это и не требуется. Главное, чтобы лицо было выразительным, чтобы натура была интересна сама по себе. У меня просто фигура аккуратная. Я на лыжах каталась, на велосипеде.

– Есть ли для вас какая-то разница: позируете вы в одежде или без неё?

– Нет. Главное, чтобы всё культурно было. В институте у входа в мастерскую вешается записочка: «Вход запрещён: обнажённая натура». И никто посторонний не зайдёт. Перед дверью тоже обязательно вешают шторку. То есть даже если кто – то распахнёт дверь, то наткнётся на шторку и сразу выйдет.

– Значит, никаких неловких ситуаций не возникает?

– Нет-нет. Всё очень культурно. Меня раньше тоже спрашивали: «Как ты стоишь там обнаженная?» Я отвечаю: «Да всё нормально. Идёт урок, рабочая обстановка, тебя рисуют, пишут».

– А во время самого первого позирования вам тоже было легко?

– Да мне сразу легко было. Главное стоять, сидеть правильно, выполнять требования преподавателя и просьбы студентов. Во время урока ты стоишь и не замечаешь, что у тебя нога выпрямилась, тело немножко поменяло свою позу. Мы просим студентов говорить нам об этом, что мы голову не так повернули, глаза опустили. А им глаза нужны.

– А вы смотрите получившиеся с вами работы?

– Конечно. Мне интересно.

– Не было обидно, когда что-то изобразили не так?

– Бывали моменты. Я говорю: «Вы что меня такую толстую нарисовали?» Такое случается, если художник, допустим, встал близко. Я уже начинаю эти тонкости понимать. Когда фигуру рисуют, всегда надо дальше отходить, а иначе получится толстый человек. И я говорю: «Отойди». И преподаватели делают замечания: «Дальше, дальше отходи, иначе все пропорции нарушишь».

– Вы говорили, что вы очень эстетическая личность…

– Эстетка!

– Чувствуете ли вы себя частью творческого процесса?

– Конечно. Мне самой интересно участвовать в этом процессе. И студентам интересней, когда сами натурщики заинтересованы. Где-то мы что-то скажем, где-то и нас научат – вместе работаем. И, конечно, тогда легче и проще.

– У натурщиков бывают серьёзные нагрузки на суставы, кости, систему кровообращения. Что вы делаете, чтобы сохранить здоровье?

– Да, эта нагрузка чувствуется, конечно. С годами тем более. Ноги немеют, ещё какие-то болячки. Специальные мази покупаешь, растираешь ноги, даёшь ногам отдых, но это уже дома. Или во время перерыва в работе. Можно просто походить или посидеть – это уже к организму прислушиваешься, что ему надо. А так, конечно, мази – без этого никуда.

– Приходилось видеть работы с вами на выставках?

– Были такие моменты. И у нас в Тольятти, и в Питере тоже. Приятно. Особенно в Питере, когда в самой Академии День открытых дверей. На всех этажах сплошные выставки со всех курсов, со всех мастерских люди приходят. Мы, натурщики, тоже приходим, смотрим, любуемся на себя, на наши портреты, фигуры.

– У этой профессии кроме негативного влияния на здоровье, есть какие-нибудь ещё риски?

– Это чисто рабочие моменты: мастерская может быть холодной. Сталкивалась с таким. Хотя ставят, конечно, обогреватели, но всё равно мёрзнешь. Закалённым надо быть. Болеть нам нежелательно, иначе мы сорвём учебный процесс и подведём ребят.

– На вас всё держится?

– Да. Ведь им придётся переключаться на что-то другое, эта работа останется недоделанной, тогда не успеют они. В общем, подводить нельзя.

– Как к вашей профессии относятся ваши родные, друзья, близкие?

– Хорошо относятся.

– То есть никаких предрассудков?

– Нет. Помню, велись разговоры о том, что якобы художник энергию забирает, когда рисует. Я говорю: «Да ничего такого нет, рисуют и рисуют – люди работают. Всё». Главное, чтобы человек делал это с любовью, настроением, с профессионализмом.

 

Картину, созданную при участии Маргариты Разинковой, сейчас можно встретить в Тольяттинском художественном музее на выставке профессора Тольяттинского государственного университета Игоря Панова. Работа называется «Набросок обнажённой натуры». Выставка «Линия творчества» открыта для посетителей музея до 26 января. Возрастное ограничение 0+.

Как Густав Климт создавал свои шедевры — Российская газета

«Беги от него подальше», — категорично заявил Зигмунд Фрейд, когда Эмилия Флёге рассказала ему историю своей любви. Флёге была музой, спутницей, возлюбленной Густава Климта и той единственной, за которой художник послал лежа на смертном одре.

Впервые Густав Климт и Эмилия Флёге встретились в мастерской, когда тот писал портрет ее сестры. Ей семнадцать, ему тридцать. Она дочь фабриканта, он сын бедного художника. Некрасив, чудаковат, резок. За мольбертом он стоял в рубашке до пола, заляпанной красками, и был похож на умалишенного. В этой же рубахе он к изумлению публики иногда появлялся в опере. В порыве гнева он мог ругаться как последний извозчик и рвать в клочья свои наброски, портреты, этюды. Климт и Эмилия вместе сидели над учебниками французского, ходили в любимую кондитерскую, а позже Эмилия брала у него уроки рисования.

В 1892 году Густав похоронил брата Эрнста, который, кстати, был женат на сестре Эмилии Хелене. Он часто бывал в доме Флёге — навещал любимую племянницу. А через некоторое время исчез. Эмилия заявилась к нему сама, но, распахнув дверь, увидела в мастерской трех обнаженных натурщиц. Этого она никак не ожидала, написав в своей голове более оптимистичный сценарий — они поженятся и будут счастливы. Климт выставил Эмилию за дверь, вышвырнул из окна случайно выпавший из ее рук зонтик и бросил: «Я не святоша и не создан для брака».

С одной стороны, бесконечные поклонницы и экстравагантные выходки, с другой — посвященный Эмилии известный автопортрет «Поцелуй», один из лучших в творчестве Климта. Натурщицы представали на полотнах художника в платьях, придуманных Эмилией в ее салоне мод, — без корсета, свободно спадающие с широкими рукавами эти одеяния были вызовом приличному обществу. И все это приправлено слухами, что Эмилия и Густав не были любовниками, а всего лишь друзьями и компаньонами. И тем, что у Климта по разным данным было от трех до сорока детей. По крайней мере трое доказали свое родство.

…Однажды Густав Климт увлекся Альмой Шиндлер. Ей было 18, она писала музыку, в нее влюблялись все — Малер, Кокошка, Шенберг. Это происшествие и заставило Эмилию посетить знаменитого психоаналитика. Она мирилась и страдала от каждой новой возлюбленной Климта, но неизменно поддерживала, когда критики в очередной раз нападали на него.

Кстати, все свои полотна Климт завещал несчастной Эмилии. А на закате своей жизни Эмилия Флёге громогласно заявила, что других женщин кроме нее у Климта не было…

Навигатор

Гастроли Климта и Шиле в Москве

В своей рубашке «умалишенного» Климт мог появиться даже в опере. Фото: AP

Увидеть графику Густава Климта и Эгона Шиле можно будет в течение трех месяцев в ГМИИ им. А.С. Пушкина в Галерее искусства стран Европы и Америки. Это первая в столице совместная выставка двух австрийских художников из собрания Альбертины.

Проект имеет возрастное ограничение — 18+. Климт и Шиле были революционерами в изображении женского тела. Шиле, в котором Климт видел наследника своего стиля, и вовсе по обвинению за распространение порнографии сел в тюрьму. Как признается Марина Лошак, отбирая работы, ей пришлось «унимать внутреннего цензора» — слишком откровенная графика на стены залов не попала. Обнаженные и полуобнаженные натурщицы ходили по мастерской Климта или лежали в состоянии полудремы и как бы не замечали художника, который внимательно наблюдал за ними и быстро фиксировал на бумаге увиденное. Одной позе, повороту головы он мог посвящать десятки графических этюдов.

десять самых красивых историй любви

Считается, что за каждым успешным мужчиной стоит сильная женщина. В преддверии 8 марта «МИР 24» решил рассказать о десяти самых неоднозначных музах великих художников.

Спрятанный лик под «Данаей»

Рембрандт/Саския в образе Флоры

Голландскому художнику Рембрандту мировое признание принесла картина «Даная». Писал Рембрандт ее не для продажи. Картина, знаменитая своим эротизмом на грани фола, вызывала немало вопросов у искусствоведов. Они долгие годы спорили о том, чей лик запечатлен на шедевре Рембрандта. В середине ХХ века специалист Эрмитажа Юрий Кузнецов решил подвергнуть «Данаю» рентгенографическому исследованию. Аппарат высветил лицо Данаи, и в ее чертах вдруг проступила сама Саския ван Эйленбург – муза и жена художника.

Влюбились они в друг друга в Амстердаме, куда Рембрандт приехал, чтобы разбогатеть и прославиться, а скромная Саския – погостить у родни. Тогда художнику было 27, а его будущей супруге – на 6 лет меньше. Саския вдохновила его на создание целого ряда портретов. Один из них – «Блудный сын», на котором муза творца изображена в образе блудницы, сидящей на коленях у самого Рембрандта. Полотно было написано в первые дни медового месяца супругов. Несколько раз Рембрандт изобразит свою Саскию в обличье Флоры – римской богини цветов и плодов.

Камилла на смертном одре

Клод Моне дал рождение художественному направлению «импрессионизм» благодаря картине «Впечатление. Восходящее солнце». Но самой знаменитой его работой считается серия полотен «Водяные Лилии».

Однако критики считают, что известность ему принесла картина «Камилла, или Портрет дамы в зеленом платье». На ней творец изобразил свою музу и жену Камиллу Донсье (Камиль Домкьюз). Долгие годы она оставалась единственной моделью художника. Камилле нравилось замирать перед холстом, и большая часть женских образов Моне списана именно с нее. Супруга позировала мужу во многих картинах. Ее задорный портрет можно увидеть на картине «Японка». В отличие от большинства других работ Моне, эта работа не столь насыщена светом. Она же прогуливается вместе с сыном по лугам на полотне «Прогулка: Камилла Моне с сыном Жаном (Женщина с зонтиком)».

Клод Моне/Женщина с зонтиком

Клод прожил с супругой 15 лет. После смерти он решил изобразить Камиллу на смертном одре, окутанной голубой дымкой. Так появилось одно из самых волнующих произведений, вышедших из-под кисти импрессионистов – «Посмертный портрет Камиль Домкьюз».

Образец французской кокетки

Пьер Огюст-Ренуар считается знаковой фигурой в импрессионизме. Холст «Большие купальщицы» – самая значимая работа французского художника. Для этой картины позировала одна из его муз – Сюзанна Валадон, впоследствии ставшая известной художницей. В «Больших купальщицах» Сюзанна предстает в образе соблазнительной пухлой красотки. Изящная фигурка и очаровательное личико Валадон очень нравилось Ренуару и он взял ее себе в натурщицы на долгие годы. Пьер был готов днями напролет рисовать свою любимую музу. Он с наслаждением наносил на холст ее большие голубые глаза, густые темные волосы и пышную грудь. Так появился портрет «Девушка, заплетающая косу».

Ренуар/Девушка,заплетающая косу

Еще одной неимоверно популярной работой художника стали две картины из цикла «Городские танцы», на которых в роли танцующей дамы была изображена Валадон. Сам творец называл свою музу образцом французской кокетки конца XIX века.

Муза в образе Демона

Творчество Михаила Врубеля, первого русского художника-символиста конца ХІХ, в первую очередь известно по его иллюстрациям к произведениям Лермонтова. Образ лермонтовского Демона можно часто встретить в его картинах. Но в молодые годы Михаил расписывал церкви и писал ангелов. И вдохновение ему дарила Эмилия Прахова, жена профессора Адриана Прахова.

Врубель/Демон сидящий

Профессор очень долгое время искал человека, который мог бы отреставрировать фрески XII века в Кирилловской церкви. Однажды он услышал о начинающем художнике Михаиле Врубеле и позвал его к себе, где и познакомился со своей музой. Во время реставрационных работ до Адриана доходят слухи, что у его жены появился молодой любовник в лице Михаила. Опасаясь за свой брак, он решает избавиться от соперника и отправляет художника в Италию, чтобы тот закончил работу над четырьмя иконами – «Иисус Христос», «Святой Афанасий», «Святой Кирилл», «Богоматерь с младенцем». Врубель пробыл в Венеции 3 месяца и закончил всю работу. Однако многие в образе Богородицы увидели черты лица Эмилии, а в образе Иисуса Христа – портрет ее маленькой дочери Оли. Прахова не оценила творчество и прервала отношения с Врубелем. Единственное, что оставалось художнику – это рисовать любимую. И он продолжал. Удивительно, но искусствоведы угадывают черты Эмилии Праховой даже в поздних работах художника – в знаменитом шедевре «Демоне сидящем».

Поцелуй Эмилии

Полотна австрийского художника Густава Климта известны во всем мире. Его работы входят в топ-10 самых дорогих картин мира. Мировую известность ему принесли полотна «Поцелуй» и «Золотая Адель». Любопытно, что многие дамы с портретов для виртуозного австрийца позировали в платьях модельера Эмилии Флёге. Она же была его музой.

Климт/Поцелуй

Эмилия познакомилась с Густавом, когда ей было 18 лет. Климту было уже под 30. Браком они не стали себя связывать, скрепили свою пару негласным дружеским союзом с толикой романтики. Впоследствии она оставалась постоянной спутницей Климта более 20 лет. Художник лишь раз нарисовал свою музу, но Эмилии и ее семье портрет не понравился, она отказалась его принять. Спустя несколько лет картину приобрел Венский исторический музей. Однако эксперты считают, что Эмилия как минимум дважды появлялась на полотнах творца. Считается, что на картине «Поцелуй» изображен их автопортрет. Она же вдохновила его на написание уникальных пейзажей – мозаичные полотна из точек и узоров. Многие из них были сожжены нацистами во время Второй мировой войны. В 2017 году его пейзаж «Цветущий сад» был продан на лондонском аукционе «Сотбис» за 59 млн долларов.

После смерти художника Эмилия Флёге сожгла все письма, полученные от него. Она пережила художника на 34 года и все это время вела уединенный образ жизни.

Девушка с картины «Последний день Помпеи»

Карл Брюллов – русский художник. Самым главным произведением в творчестве мэтра искусствоведы считают полотно «Последний день Помпеи». Написал он его в возрасте 28 лет во время своей экспедиции на раскопках древней Помпеи. Потом была картина «Итальянский полдень», моделью для которой стала неизвестная симпатичная пышная итальянка.

Его музами становились девушки из реальной жизни со всеми их достоинствами и недостатками, но главной была – графиня Юлия Самойлова. Яркую красавицу Брюллов встретил в Риме. К слову, время знакомства художника и Самойловой совпало с работой Карла над «Последним днем Помпеи». Темперамент графини был взрывным, поэтому в качестве главной героини Брюллов изобразил Юлию. На полотне ее образ запечатлен трижды: девушка с кувшином на голове, стоящая рядом с художником, женщина с младенцем на руках, мать, пытающаяся защитить от извержения Везувия своих дочерей.

Брюллов/Последний день Помпеи

На картине «Всадница» Брюллов запечатлел графиню с приемной дочерью Джованиной. Полотно вызвала огромный восторг публики. Другая приемная дочь Амацилия сопровождает Самойлову и на другом портрете Брюллова – в «Маскараде». Эта работа стала последней в их совместном творчестве.

Дама Пикассо

Картину «Девочка на шаре» искусствоведы называют самой знаменитой работой испанского художника Пабло Пикассо. Знаменитое творение художника своим появлением обязано Фернанде Оливье. Она была его первой большой любовью. С художником Фердинанда познакомилась, когда им обоим было по 23 года. В то время Пикассо был беден и никому не известен. Сначала Оливье стала его натурщицей, а потом музой. Она вдохновила творца на написание более шестидесяти картин, на которых предстает в самых разных образах. Самой яркой совместной работой считается картина «Дама с грушами». На полотне возлюбленная Пикассо изображена вовсе не изящно. Она похожа на вырезанную из дерева массивную скульптуру, чем на стройную и утонченную женщину, какой Фердинанда была от природы.

Пикассо/Алжирские женщины

Их роман закончится через девять лет. Оливье потом всю жизнь будет пытаться опубликовать дневники с воспоминаниями о Пикассо, а гениальный художник – платить ей, чтобы эти истории никак не повлияли на его репутацию. Мемуары выпустят сразу после смерти обоих – в 1988 году.

Белорусская муза Шагала

Русско-французский художник Марк Шагал один из самых известных представителей художественного авангарда XX века. Мировое признание ему принесла картина «Над городом». Главные герои – сам художник и его жена Белла Розенфальд, парящие над землей.

Шагал/Над городом

Марк неоднократно рисовал свою музу Бэллу. Шагал познакомился с ней в Витебске (Беларусь). Через 6 лет они поженились и провели вместе 29 лет. Все это время он посвящал любимой супруге картины. Их были сотни. Картина «Прогулка» была создана в атмосфере восторга и счастья от свадьбы с Беллой. Искусствоведы считают ее одной из самых романтичных картин Шагала.

Белла прожила с Шагалом счастливую жизнь. Как настоящая муза она делила с ним победы и поражения. Художник пережил свою жену. После смерти он напишет в шагаловском стиле картину «Одиночество» – свою Беллу, вознесшуюся на небеса.

Прекрасная Елена

Сальвадор Дали – главный сюрреалист мирового искусства. За всю жизнь он создал сотни картин. Пожалуй, самая узнаваемая – «Постоянство памяти». На написание этого шедевра Дали вдохновила его муза и жена Гала, или Елена Дьяконова. Однажды она произнесла: «увидевшие картину хотя бы раз никогда не забудут ее». Так и случилось, искусствоведы до сих пор спорят о том, что на ней изображено.

Дали/Галатея cо сферами

Гала и Дали встретились, когда ему было 25, а ей 35. Они не расставались 53 года. Все это время Гала была главной музой и натурщицей Дали. В картине «Галатея cо сферами» жена Сальвадора изображена из множества маленьких-сфер атомов, сливающихся в единый коридор. Испанский художник беспрестанно рисовал свою Галу. В картинах Дали она была его Девой Марией и Еленой Прекрасной. Маэстро помещал ее лицо рядом с муравьями и отбивными. Последние годы Галы были омрачены болезнями, поэтому день смерти она ждала как «самый счастливый в жизни». Муза художника умерла в 1982 году, Дали пережил ее на семь лет.

Царственная Анна Ахматова

Амедео Модильяни знают во всем мире как итальянского художника и скульптора. В России он известен не только своими картинами, но и тем, что у Модильяни был бурный роман с поэтессой Анной Ахматовой. Впервые художник и его муза встретились в парижском кафе «Ротонда». Она была «Царственна!» – вспоминал Модильяни свою первую встречу с Анной Ахматовой. В ту пору 20-летняя Анна приехала в Париж на медовый месяц со своим мужем Николаем Гумилёвым, но это не помешало чувствам Анны и Модильяни. Они провели вместе три романтичных месяца. В маленькой съёмной комнате поэтесса позировала маэстро для его новых картин. Амадео написал 16 карандашных рисунков Ахматовой, однако судьба многих работ остается неизвестной: говорили, что Анна спрятала портреты, желая скрыть свою страстную любовь. Искусствоведам известны только две работы, которые напоминают русскую поэтессу.

Модильяни/Портрет Жанны Эбютерн в красной косынке

Ахматова вернулась к мужу в Россию. Влюблённые расстались навсегда. Модильяни вскоре увлёкся французской художницей Жанной Эбютерн, которая впоследствии стала его музой на всю жизнь. Он успел написать около 25 ее портретов. В картинах Модильяни она всегда представала в образе задумчивых меланхоличных женщин. «Портрет Жанны Эбютерн в красной косынке» эксперты называют «одной из самых совершенных работ художника».

Жанна Эбютерн была очень привязана к Модильяни. Когда художник разрушал себя наркотиками и алкоголем, Жанна Эбютерн с ужасом наблюдала, как он умирает. На следующий день после того, как Амадео умер, Жанна выбросилась из окна. Ей не было и двадцати двух лет.

12 лучших YouTube-каналов для художников и иллюстраторов – Сей-Хай

Современные художники давно отходят от привычных понятий: холсты и кисти стали цифровыми. Поэтому и вдохновение можно черпать не только в масляных картинах, но и ютуб-каналах.

Классных YouTube-видео, рассказывающих об искусстве, невероятное множество – мы собрали 12 каналов, с которых стоит начать.

01. Proko

Канал художника Стэна Прокопенко существует почти 10 лет. Он призван научить вас основам рисования и анатомии. Прокопенко четко знает свой предмет, поэтому в коротких видео подробно и исчерпывающе разбирает тему, а ролики полны полезных советов и информации.

В то время как некоторые «обучающие» художественные видео в Интернете больше посвящены демонстрации собственной техники, уроки Proko сфокусированы на практические навыки. Их можно назвать полноценными уроками: сюда часто входят задания, которые должен выполнить зритель.

02. Kyle T Webster

Любой, кто хоть немного увлекается цифровым искусством, слышал о Кайле Т. Вебстере. Иллюстратор из США создает гигабайты контента: вы точно видели подборки кистей Photoshop. Кайл также рисовал для The New Yorker, TIME, Nike и многих других выдающихся клиентов.

Его канал полон уроков по Adobe Photoshop и Fresco, а еще учебников по рисованию фигур углем и другим техникам.

03. Aaron Blaise

Если вы смотрите Disney, то имя Аарон Блейз может показаться вам знакомым. Это потому, что он 21 год рисовал для «Красавицы и чудовище», «Аладдина», «Короля Льва» и других картин.

Помимо написания книг и проведения платных курсов, аниматор, режиссер, иллюстратор и прекрасный художник использует свой канал YouTube, чтобы делиться своим искусством, методами и советами. Сразу приготовьтесь к длинным видеобеседам: творческий человек не любит спешить.

04. Sarah Tepes

Саре всего 19 лет, она еще учится – но уже сумела собрать 400 тысяч подписчиков. Самоучка в области цифрового искусства обладает прекрасной способностью передавать знания новичкам профессионально и легко.

Канал Сары хорош не только как источник уроков и слоумо видео. Позитивный тон девушки даст надежду любому новичку!

05. Alphonso Dunn

Альфонсо Данн получил ряд наград за свое искусство, и его работы можно найти в многочисленных частных коллекциях в США и по всему миру. Альфонсо также пишет книги – но его уроки можно найти абсолютно бесплатно в ютубе.

Его увлекательные картины – чудо, которое оживает, а диапазон охваченных тем поражает. Особенно рекомендуем вам серию Urban Sketching – хороший пример того, почему канал Альфонсо является одним из лучших и самых интересных.

06. Bayley Jae

Бэйли Джей – молодая канадская иллюстраторка, которая после окончания учебы некоторое время работала в индустрии, а потом ушла на фриланс. Чаще всего в своих видео она показывает традиционное, а не диджитал-искусство.

Видео Джэ далеки от формальных уроков, но ее свежий, грубый и энергичный подход может стать настоящим открытием для тех, если вы хотите найти новую мотивацию.

07. Bobby Chiu

Канадский художник Бобби Чиу работает над концепцией и дизайном персонажей и получил множество наград за свою творческую работу, в том числе «Эмми». У Чиу нет уроков на канале – чаще это дискуссии, демонстрации и интервью с другими артистами, которые полны глубокого понимания и подробностей.

Идеальное погружение в мир художников.

08. Emmy Kalia

Эмми Калия – художник-самоучка из Нидерландов, которая создает поразительно фотореалистичные изображения карандашом. На канале в YouTube вы найдете пособия и покадровые видеоролики, демонстрирующие ее технику.

Ее результаты могут показаться недостижимыми, но Эмми ясно и прямо объясняет процесс, который приводит к такому результату.

09. Sophie Chan

Софи Чан – еще одна самоучка, которая рисует манга. Возможно, вы видели ее серию The Ocean of Secrets – она активно продвигает ее на канале. Кроме того, девушка делится раскадровками и отличными уроками по основам рисования персонажей манги.

При этом старается отходить от строгих правил сетки и прочего, предлагая и нешаблонные подходы.

10. Draw with Jazza

Draw with Jazza – канал Джозайи Брукса, австралийского художника, который страстно желает обучать людей рисованию и анимации. Большое внимание уделяется стилям мультфильмов и анимации, канал еженедельно обновляется новым контентом. Вы не найдете здесь полных пошаговых уроков, зато получите короткие веселые видеоролики с советами, приемами и вдохновением.

11. Mark Crilley

Марк Крилли – американский художник, иллюстратор, автор и писатель-график, который также написал инструкции по рисованию манги. На его канале есть обучающие видеоролики по широкому кругу тем, в основном по манге и аниме.

Пошаговые уроки раскладывают любую тему на основы – Марк легко открывает вам принципы, лежащие у истока работ.

12. ImagineFX

ImagineFX – это журнал о цифровом искусстве, которые не ограничивается выпуском собственно журнала. На канале можно найти видеоуроки от десятков художников мирового класса, работающих в различных стилях. Основное внимание уделяется научной фантастике и фэнтези, игровому дизайну и манге.

Источник

Читайте также:

Художник создает завораживающие ретро-футуристические скульптуры из вторсырья

10 документальных фильмов о креативности, которые можно бесплатно посмотреть на YouTube

Новый арт-проект Google покажет вам, как Кандинский слышал цвета

Курский государственный университет

Италия и Германия, США и Китай, Франция и Япония. В галереях и частных коллекциях этих стран хранятся картины… нашего земляка Михаила Золотых. У курян тоже есть возможность увидеть работы мастера. Выставка его живописи открылась в центре «Звездный» на Красной площади. Вернисаж приурочен к 60-летию художника.

Кажется, выставочный зал превратился в Синие Липяги, деревню под Воронежем, где вырос художник. Еще там мальчишкой он постиг суть живописи у главного учителя — природы. Теплые душевные пейзажи он пишет всю жизнь. Любит и натюрморты, и тематические картины. Золотых говорит: в этом счастье, в постоянном поиске красоты.

Михаил Золотых, член Союза художников России, лауреат премии им. А.А. Дейнеки: «Это правильно, и я не представляю другой просто жизни, понимаете. Как это можно — не творчески жить? Это невозможно просто. Тут все время что-то новое. Захотелось — закат пишешь, захотелось — рассвет, понравился человек интересный — ты его пишешь».

Больше 30 лет Михаил Сергеевич преподает на худграфе. Поэтому на его полотнах так много студентов и коллег. Вот, например, работа «Служители муз». Легенды факультета — Есипов, Шкалин, Брынцев, Ерофеев. А вот Дмитрий Псурцев присел возле статуи. Говорит, позировать такому мастеру, как Золотых, было приятно.

Дмитрий Псурцев, член Союза художников России: «Он очень требовательный художник. Чтобы я сидел, и не просто сидел, разговаривал и двигался. Если я сел в такой позе, он будет требовать, чтобы я сидел именно в этой позе. Пока не сделает точно, характерно. Тогда он скажет: можешь гулять. Слава богу, отдыхаю!»

И все же любимая натурщица художника, его муза — дочь Елена. Выразительные черты девушки можно даже найти в курском воине. А вот маленькая Аленка расцвела на фоне павлопосадского платка. Девушка до сих пор помнит, как проходили сеансы.

Елена Золотых: «Это нельзя не помнить, потому что папа постоянно бегал мне за вкусняшками, а я очень сидела плохо. Мне постоянно что-то покупал папа, а потом я взяла и уснула».

Лена пошла по стопам отца. Она работает в детском саду, учит рисовать малышей. Уж точно не ради денег, а потому что тянется к добру и искренности, как и отец. Понимание красоты, философское отношение к жизни — это их семейная черта. Настоящих золотых людей.

По материалам ТРК «Сейм».

Смотреть видео:

01 марта 2018 Куряне могут увидеть картины земляка Михаила Золотых // ТРК Сейм

Гоген: демистификация музейного масштаба — BBC News Русская служба

• Альвина Харченко
• bbcrussian.com, Лондон

1 октября 2010

Обновлено 2 октября 2010

Подпись к фото,

Гоген писал: «Мои холсты пугают меня»

В галерее «Тейт модерн» открылась выставка Поля Гогена – первая масштабная экспозиция художника, проводящаяся в Британии за последние 50 лет.

На выставке можно увидеть многие из легендарных полотен художника, а также его рисунки, скульптуры и керамику. Но задача выставки еще более амбициозна – развенчать стереотипы, окружающие образ Гогена в современной культуре.

Во время, когда жил Поль Гоген, понятия «пиар» еще не существовало. Но живописцу это не мешало десятилетиями оттачивать искусство саморекламы. Всю свою жизнь художник блистательно превратил в миф. Легенды – такие же красочные, как и его полотна – окружали Гогена всегда. И, как считает арт-критик Вальдемар Янушчак, мифы о Гогене в итоге заслонили реального человека.

«Я был бы рад сказать вам, что взгляды на жизнь и творчество Гогена расходятся. Но, увы, боюсь, что это не так. По опыту я знаю, что большинство людей думает о Гогене одни и те же нелестные вещи: что он сбежал на Таити, чтобы бегать там за юбками местных девушек, что его картины – бредовые и примитивные», — считает Янушчак.

По его мнению, легенды о Гогене глубоко укоренились в сознании многих людей и настроили их против художника.

«Но это глубоко неверно. Гогену нечего стыдиться. Дело в том, что факты его жизни часто искажались, перевирались, а некоторые даже были сфальсифицированы», — полагает Янушчак.

История без купюр

В своем документальном фильме «Гоген: история без купюр» Янушчак пытается исправить историческую несправедливость и рассказать о настоящем, с его точки зрения, Гогене.

Схожую задачу ставила перед собой и куратор выставки в «Тейт модерн» Белинда Томпсон. По ее словам, в работе над проектом ее вдохновляла многоликость Гогена, который был не только художником, но и скульптором, журналистом и даже биржевым брокером.

«Очевидно, что для Гогена всю жизнь было очень важно воображение. Этой выставкой мы хотим подчеркнуть его дар рассказчика историй. Он использовал даже темные стороны своей личности, чтобы выстроить миф о романтическом художнике. Гоген «встроил» самого себя в свое искусство», — сказала Томпсон.

Полотна и рисунки, представленные на выставке, сейчас стоили бы миллилоны долларов. Но, по словам пра-правнучки художника Марии Гоген, почти все картины были проданы семьей Гогена за бесценок. Самой Марии, как она говорит, шедевров не досталось.

«У меня есть серебряный нож и вилка, стул и очень маленький эскиз Гогена. Большинство его картин были проданы очень быстро и недорого. Жена Гогена Мэтт продавала все, что могла. Это было то, чего хотел и сам Гоген – он хотел быстро получить деньги. После его смерти она тоже продала все, что можно было продать, чтобы содержать семью. Так что большая часть картин ушла очень быстро. Мы не успели увидеть никаких миллионов», — поясняет Мария.

Демистификация

В своем фильме Янушчак пытается разрушить популярный миф о том, что Гоген бросил жену и пятерых детей ради сомнительных приключений на Таити. На самом деле, утверждает критик, это жена Гогена предпочла оставить мужа-неудачника, когда тот сделал выбор в пользу искусства, а не коммерции.

Не обходит стороной автор, конечно, и тему отношений художника с Ван Гогом, с которым Гоген в Арле делил дом и ходил в один бордель.

В жилище художников царил беспорядок – быт не был сильной стороной Ван Гога. Для систематизации расходов Гоген завел две коробки с деньгами: в первую складывались деньги на покупки, во вторую – деньги на необходимые расходы. В них, в порядке возрастания важности, входили: аренда дома, табак и «соблюдение личной гигиены» – так Гоген называл свои походы в бордель.

В картине Янушчак уделяет внимание Гогена юными девушками. Портрет одной из них, 17-летней Мадлен Бернар, есть на экспозиции в «Тейт модерн». О картине и отношениях Гогена со своей натурщицей рассказывает искусствовед Сильви Круссо.

«Гоген не мог не чувствовать, что, хотя ей было всего 17, она была гораздо более развита, чем многие сверстницы. Но ничего, конечно, у них не могло получиться, потому что он годился ей в отцы. У него ни копейки, ему было негде жить, и большую часть времени он жил в долг. У него не было никаких перспектив разбогатеть. К тому же он был женат, поэтому он не мог сделать ей предложение. Думаю, что в его картинах того времени чувствуется эта фрустрация и нереализованное сексуальное желание. На полотнах часто можно увидеть фрукты – этот символ, конечно, есть намек на запретный плод и греховность неутолимого желания обладать Мадлен», — говорит Круссо.

Прекрасный новый мир

Подпись к фото,

Гоген взял в жены таитянку, позировавшую ему для многих работ

Другая грань негативного мифа о Гогене – его путешествие на Таити, где художника ждал новый мир красок, запахов, вкусов и доступных женщин.

По словам Жиля Артура из музея Гогена на Таити, на острове в то время «конечно, были проститутки».

«Девушки должны были проходить медицинское обследование. На этом полотне Гогена с надписью «Тематете» девушки сидят на скамье. Кажется, что они обмахиваются самодельными бумажными веерами, Но это не веера, это – карточки, которые они показывают мужчинам, как бы говоря: «Смотри, я здорова, и вот подписанное доктором доказательство», — говорит Артур.

Он предлагает посмотреть вдаль — на корабль на заднем плане. «Моряки с него скоро сойдут на берег. «Тематете» на таитянском языке значит «рынок». То место, где оказывающие услуги встречают своих клиентов», — поясняет Артур.

В 1891 году Гоген впервые уехал на Таити, где провел два года. Итогом этого период стали более 60 полотен и освоение нового художественного языка в полной мере.

Далось ли ему легко изучение языка островитян? По словам преподавателя таитянского Джоэла Харта, выучить этот язык для такого талантливого человека было легче легкого.

«Во-первых, таитянский язык не имел письменности. Что-то записывать со слуха стали пытаться миссионеры. Это легкий для изучения язык, в нем всего шесть гласных и восемь согласных. Многие звуки есть во французском и английском. Через час обучения этому языку вы сможете читать – не понимая, конечно, что вы читаете, но правильно произнося звуки», — говорит Харт.

«Другое видение»

Изучению полинезийской культуры способствовало и то, что Гоген женился на одной из жительниц острова. Существенная разница в возрасте между мужем и женой стала еще одним поводом для обвинений в адрес Гогена. Но родившийся на Таити Джоэл Харт говорит, что для острова такие истории никогда не были в диковинку.

«В полинезийской культуре девушка, способная рожать детей, считается женщиной. Случай Гогена, взявшего себе в жены юную девушку, — не исключение из правил. Например, мой отец был на 36 лет старше моей матери, и никого это не шокировало. Люди не считали это аморальным. Конечно, это несколько изменилось под влиянием миссионеров. Но средняя продолжительность жизни здесь на 30 лет меньше, чем в Европе. По статистике, мы умираем здесь в 50. Какой смысл тянуть с рождением детей до 20 лет, если можно начать это делать в 14? Это просто другое видение мира», — уверен Харт.

Но Париж не принял другого видения мира, которое принес ему Гоген, вернувшись с Таити. Полотна были объявлены примитивными и кричащими, а сам художник – гонящимся за экзотикой.

Из-за безденежья и болезни Гоген уже навсегда уезжает в Океанию, где становится популярным журналистом и продолжает писать. Но здоровье художника становится все хуже из-за усугубляющихся симптомов сифилиса.

Доктор Патрик Френч из лондонской больницы Юниверсити колледж ставит под сомнение расхожий миф о том, что больной сифилисом Гоген приехал на остров и заражал местных девушек.

«Это один из вариантов течения болезни, когда у людей, заразившихся сифилисом, лишь спустя много лет появляются какие-то симптомы. Когда у него стали появляться язвы на ногах, это могло быть очень болезненным, особенно при ходьбе. Тогда он стал принимать морфий, который в то время был самым распространенным препаратом. Но то, чтобы он заразил сифилисом женщин на Таити – это очень маловероятно», — считает Френч.

Гоген до конца продолжал быть нарушителем спокойствия. В Океании художник построил себе дом под названием Maison du Jouir, что можно перевести как «дворец экстаза», и завел собаку по кличке Пенис. В этой храбрости, граничащей с провокацией, как считает Янушчак, — весь Гоген.

«Это – один из примеров потрясающей карьеры художника – изобретательной, оригинальной, захватывающей. Это – приключение, которое мало кто переживал из людей искусства. Это – незабываемое путешествие», — комментирует критик жизнь Гогена.

Перед самой смертью, уже с трудом передвигаясь, Гоген отправился в путешествие. Человек, считавший цивилизацию болезнью, снова выбрал приключение. Правило «риск вместо компромисса» – одна из немногих вещей в жизни Гогена, бывшая не мифом, а реальностью.

11 фильмов о музах художников • ARTANDHOUSES

Музой художника быть нелегко, женой великого творца — еще тяжелее. Однако именно они становились источниками вдохновения для знаменитых на весь мир живописцев и скульпторов. ARTANDHOUSES вспоминает фильмы об отношениях художников со своими музами, женами и любовницами.

«Портрет Дженни»

Уильям Дитерле, 1948

Воодушевляющая картина о том, что, даже если у художника нет реальной музы, ее необходимо придумать. Главный герой ленты — неудачливый художник Ибен Эдамс, живущий в Нью-Йорке времен Великой депрессии. Он беден, его работы не пользуются успехом, и кажется, что ждать от жизни уже нечего, пока он не встречает милую девочку Дженни, которая появляется в его жизни так же неожиданно, как исчезает. Образ Дженни не выходит из его головы, и именно он подпитывает творчество. Спустя некоторое время Эдамс встречает Дженни вновь и вновь, при каждой новой встрече она становится старше и, наконец, превращается в красивую молодую женщину, чей портрет приносит Эдамсу славу. Картина была представлена в конкурсе Венецианского кинофестиваля, где исполнитель роли художника, придумавшего себе музу, Джозеф Коттен был удостоен актерского Кубка Вольпи.

---

«Обнаженная маха»

Генри Костнер, 1958

Фильм Генри Костнера, вышедший в прокат в конце 1958 года, затем оказался в тени ленты 1999 года с одноименным (в российском прокате) названием в постановке испанца Бигаса Луны и Пенелопой Крус в роли любовницы Гойи Пепиты Тудо. Однако в картине Костнера повествование сосредоточено именно на отношениях герцогини Марии Альбы и придворного художника Франсиско Гойи. Роль своенравной соблазнительницы исполняет в ленте великолепная Ава Гарднер, обаянию и красоте которой просто невозможно не поддаться. Гойю, тоже не отличавшегося спокойным нравом, играет Энтони Франчоза. У Костнера эти две яркие натуры сплетаются в страстном испанском танце так, что сомнений по поводу их отношений не остается даже у зрителей, знакомых со спорами вокруг создания «Махи обнаженной».

---

«Нью-йоркские истории»

Мартин Скорсезе, Вуди Аллен, Фрэнсис Форд Коппола, 1989

Небанальный взгляд на взаимоотношения музы и творца представлен в этом альманахе в самой первой короткометражке «Уроки жизни», режиссером которой выступил Мартин Скорсезе. Главный герой — успешный нью-йоркский художник Лайонелл Добби (Ник Нолти) — безответно влюблен в свою юную ассистентку Полли (Розанна Аркетт), присутствие которой помогает Добби закончить картины к очередной большой выставке. В отличие от большинства подобных историй здесь именно художник становится жертвой своей музы: Полли, начисто лишенная таланта, но пытающаяся что-то рисовать, пользуется чувствами Добби, однако на самом деле влюблена в другую творческую личность — актера легкого жанра Грегори Старка, которого в фильме играет тогда еще дебютант Стив Бушеми.

---

«Очаровательная проказница»

Жак Риветт, 1991

Основанный на повести Бальзака «Неведомый шедевр» о молодости основателя классицизма Николя Пуссена фильм Жака Риветта длится четыре часа, что, впрочем, не помешало ему в 1991 году получить Гран-при Каннского кинофестиваля. Риветт перенес действие бальзаковской повести в современные реалии. Пожилой художник Эдуард Френхофер переживает творческий кризис и в течение десяти лет работает над одной-единственной картиной. Вдохновение ему не может обеспечить даже красавица-жена и натурщица Лиз (которую, кстати, играет Джейн Биркин). Спасение художественных способностей приходит в лице молодого живописца Николя и его юной подруги Марианны, которая становится музой Френхофера и дает ему силы для завершения работы над своим многострадальным шедевром.

---

«Прожить жизнь с Пикассо»

Джеймс Айвори, 1996

Биографическая драма Джеймса Айвори сосредотачивается на любовных похождениях ловеласа Пабло Пикассо, так как, по слухам, создатели ленты не получили разрешения на съемки самых знаменитых картин испанского художника и поэтому решили довольствоваться его богатой личной жизнью. Основной упор Айвори делает на историю его молодой любовницы Франсуазы Жило, тоже художницы, правда прославившейся автобиографией «Моя жизнь с Пикассо», где рассказывала подробно об отношениях с художником. Кроме того в фильме появляются и другие важные для Пикассо женщины — Ольга Хохлова, Жаклин Рок и Мари-Терез Вальтер. Впрочем, главным в картине всё равно остается великий художник, роль которого виртуозно сыграл обаятельный Энтони Хопкинс.

---

«Любовь — это дьявол»

Джон Мэйбери, 1998

Эстетская драма Джона Мэйбери посвящена отношениям английского экспрессиониста Фрэнсиса Бэкона с его натурщиком Джорджем Дайером. С последним, по легенде, Бэкон познакомился в начале 1960-х, когда Дайер грабил его дом. Натурщик оказал большое влияние на творчество художника и даже после своей смерти в 1971 году вдохновил Бэкона на создание мрачных и депрессивных «Черных триптихов». Историю бурных отношений в фильме Мэйбери разыгрывают Дерек Джекоби (Бэкон) и будущий Джеймс Бонд актер Дэниэл Крейг (Дайер), кроме того в фильме появляется и Тильда Суинтон — в роли основательницы секретного клуба The Colone Room Мюриэль Белчер, которую также изображал в своих работах Бэкон.

---

«Девушка с жемчужной сережкой»

 Питер Вербер, 2003

Основанная на одноименном романе Трейси Шевалье первая большая картина британского постановщика Питера Вербера предлагает свою версию создания одной из самых известных работ голландского художника Яна Вермеера. По сюжету фильма, «северной Моной Лизой» оказывается шестнадцатилетняя служанка Грит, в которую художник влюбляется вопреки своим семейным обязательствам. Что, впрочем, неудивительно, ведь Грит в фильме сыграла актриса Скарлетт Йоханссон, к которой было приковано внимание всего кинособщества после выхода «Трудностей перевода» Софии Копполы. Роль собственно Вермеера в картине Вербера сыграл один из самых популярных британских актеров Колин Ферт.

---

«Я соблазнила Энди Уорхола»

Джордж Хикенлупер, 2006

Трагическая история одной из самых известных муз XX века, актрисы и модели Эди Седжвик, на несколько лет ставшей «суперзвездой Энди Уорхола», встречавшейся с Бобом Диланом, а впоследствии скончавшейся от передозировки наркотиков. «В 60-х я знал одну особу, вызывавшую у меня восхищение, полагаю, это восхищение было наиболее близким к некому проявлению любви», — эти слова Энди Уорхола используются в прологе картины, действие которой начинается в середине 1960-х, когда юная Эди приезжает в Нью-Йорк и на одной из вечеринок сразу же знакомится с Уорхолом, который предлагает ей сняться в своем фильме. Эди наслаждается жизнью с Уорхолом и статусом главной девушки «Фабрики», пока не встречает симпатичного музыканта, с которым заводит бурный роман. «Я соблазнила Энди Уорхола» стал самой известной работой американского режиссера Джорджа Хикенлупера и самой звездной ролью актрисы Сиенны Миллер.

---

«Жена художника»

Билле Аугуст, 2012

Классическая драма о тяжелой женское доле в постановке двукратного обладателя «Золотой пальмовой ветви» датчанина Билле Аугуста посвящен Мари Крёйер — жене одного из самых известных датских живописцев Педера Северина Крёйера. «Самая красивая женщина Европы», Мари, глядящая на современников с портретов своего великого мужа, оставалась в тени Крёйера, страдающего тяжелыми психическими и сексуальными расстройствами. Собственно о муках несчастной женщины, у которой художник черпал вдохновение, Аугуст и снял свой фильм. Роль Мари сыграла одна из популярных датских актрис Биргитта Йорт Сёренсен, которая затем появилась в небольшой роли в известном сериале «Игра престолов».

---

 «Ренуар. Последняя любовь»

Жиль Бурдо, 2012

Мелодрама французского постановщика Жиля Бурдо посвящена последним годам жизни Огюста Ренуара и его «красному периоду», главной музой которого стала молодая и дерзкая натурщица Андре, покорившая не только самого Ренуара, на тот момент уже имевшего серьезные проблемы со здоровьем, но и сына художника Жана, вернувшегося раненым с фронта. Картина участвовала в программе «Особый взгляд» Каннского кинофестиваля и получила несколько номинаций на главную французскую кинопремию «Сезар» — в том числе за лучшую актерскую работу Мишеля Буке, который сыграл знаменитого художника в возрасте 87 лет.

---

«Девушка из Дании»

Том Хупер, 2015

История любви художницы Герды Вегенер и ее супруга, сначала пейзажиста, а потом главной модели, Эйнара. Слава к Эйнару, обладающему женственной внешностью, пришла благодаря портретам, где он представал в женском образе Лили Эльб. В жизни Эйнар спустя несколько лет стал первым человеком, решившимся на операцию по смене пола. Картина оскароносного режиссера Тома Хупера, впрочем, меньше всего пытается спекулировать на этой теме, оставляя зрителям шанс наблюдать за нежными отношениями между супругами в исполнении Алисии Викандер и Эдди Рэдмейна. За роль Герды Вегенер актриса Алисия Викандер была отмечена своей первой премией «Оскар».

Эталонные 3D модели для художников

Купить здесь Доступен сейчас Справочник по 3D-фотографиям для художников

Реальные 3D-сканы

В пакетах поз

Anatomy 360 используются полноцветные 3D-сканеры всего тела, сделанные с помощью нашей современной системы сканирования с помощью камеры 180.

Полный контроль освещения

Anatomy 360 предлагает пользователю полный творческий контроль над углами освещения, интенсивностью и настройками цвета.

Инструменты для рисования

Наш набор инструментов для рисования включает в себя режим эскиза, перспективные сетки, силуэтную модель и инструменты для сечения профиля.

В наличии

Взгляните на наши последние наборы для поз и наборы со скидками, щелкните изображение ниже, чтобы просмотреть наш магазин и увидеть все доступные продукты.

Создайте эффектное красивое освещение за секунды

Простые в использовании инструменты и интерфейс

Anatomy 360 позволяют художникам создавать динамические световые ситуации всего несколькими щелчками мыши.

Расширенное руководство по освещению

---

[/ columns]

Характеристики

Режим динамического эскиза

Режим эскиза позволяет одним нажатием кнопки создавать изображения в стиле штрихового рисунка с динамическими тенями.

Сетка трехмерной перспективы

Наша трехмерная сетка перспективы упрощает работу с ракурсом и дает художнику действительно точную перспективу.

Переключаемые текстуры

Anatomy 360 дает вам возможность легко переключаться между текстурированными и нетекстурированными моделями, облегчая просмотр основной формы.

Динамическое освещение

Создавайте красивые настройки освещения с помощью набора инструментов освещения Anatomy 360, включая элементы управления обводкой, заливкой, ключевыми и окружающим освещением.

Инструменты сохранения

Наши инструменты сохранения позволяют сохранять несколько настроек освещения / затенения и цвета и возвращаться к ним в любое время.

Управление цветом и градация

Anatomy 360 включает полный набор инструментов цвета и градации, идеально подходящих для создания красивых изображений и справочных материалов.

Пакеты движений

Наборы движений

Anatomy 360 содержат несколько поз, снятых в быстрой последовательности, чтобы показать диапазон движений со 100% реалистичной мускулатурой.

Что такое Anatomy360?

Anatomy 360 представляет собой поэтапное изменение фотографической справки. Работа с 2D-изображениями может быть сложной, Anatomy 360 меняет все, позволяя вращать, освещать и затенять модель именно так, как вы этого хотите.

Преимущества 3D-фотографии

• Посмотреть модели под любым углом
• Осветите и растушуйте по своему усмотрению
Инструменты
• Sketch позволяют просматривать реальные трехмерные перспективные сетки и силуэты под любым углом.
• Сохраняйте столько изображений с любого ракурса, сколько хотите
• Создавайте собственные потрясающие фотореалистичные изображения

Отзывы

«Я верю, что Anatomy 360 произведет революцию в том, как мы изучаем и используем ссылки.Я определенно рекомендую его от студентов до профессионалов отрасли! Я люблю это!»

Glauco Longhi

«Анатомия 360 является абсолютной необходимостью для всех художников, будь то художники, иллюстраторы, традиционные или цифровые скульпторы, которые ищут простое решение для наблюдения и изучения человеческой фигуры».

Брайан Уэйд Spectral Motion.

Наборы поз и наборов «Анатомия 360» уже доступны.

Купить сейчас

Как нанимать модели для рисования фигур

На протяжении веков художники нанимали моделей, чтобы рисовать, раскрашивать и лепить человеческие формы.Даже появление фотографии не могло заменить формирующего упражнения по отрисовке человека из жизни. В самом деле, если художник хочет узнать о тонкостях цвета, тона и анатомии, ничто не может заменить такое прямое наблюдение.

Первые шаги на пути к поиску модели и работе с ней могут быть пугающими, но, изучив основы этикета, вы легко сможете ориентироваться в этих проверенных временем отношениях.

Поиск модели

Чтобы найти подходящую модель, сначала определите, какие позы вы хотите поработать.Что касается поз без одежды (то есть без одежды), лучше всего обратиться в художественные группы, которые проводят уроки рисования. Они смогут порекомендовать надежных моделей, которые будут позировать обнаженными.

Если вы предпочитаете закрытую или «драпированную» модель, у вас есть множество вариантов. Любой, кого вы встретите, — потенциальный объект; вы даже можете спросить друзей и знакомых. Такой подход требует некоторого мужества, но вы можете обнаружить, что люди хотят, чтобы их изображали в искусстве.

Выбор позы

Может потребоваться некоторое время и совместная работа, чтобы найти позу, которая была бы интересна для вас и удобна для модели.Даже сидение в кресле может стать неудобным, а изящно скрещенная нога может онеметь. Чтобы избежать таких проблем, оцените позу с моделью, прежде чем приступить к работе. Простые меры, такие как подушка для поддержки поясницы или прочный ящик под приподнятую ногу, могут превратить напряженную позу в устойчивую. Вы также узнаете, какие позы нельзя сделать удобными с помощью любых средств — это лучше всего обнаружить до начала работы.

Часто можно найти лучшие позы, задав некоторые общие параметры модели и позволяя им поэкспериментировать.Например, вы можете попросить позу сидя на определенном стуле и оставить точное положение на их усмотрение. Модель примет позу, естественно удобную для ее тела. если они расслаблены, у вас больше шансов создать сильное произведение искусства.

Помните, что долгое сидение или стояние на месте может вызвать похолодание человека, поэтому помните о температуре в комнате и при необходимости отрегулируйте ее.

Делаем перерывы на время

Стандартно давать модели пятиминутный перерыв каждые 20–30 минут, в зависимости от сложности позы.Попросите свою модель взять на себя задачу отсчета времени, чтобы вы могли погрузиться в свою работу, не отвлекаясь на часы.

Закрепление позы лентой

Для поз, которые будут удерживаться в течение длительного периода времени, приклейте малярный скотч, чтобы помочь вашей модели вернуться в то же положение после перерывов. Перед первым перерывом приклейте кусочки скотча на мебель или пол рядом с ключевыми точками, такими как сторона руки модели напротив стула и края ее ступни. Затем модель может использовать эти маркеры, чтобы принять исходную позу.Группа художников нередко расходится во мнениях относительно того, где именно были руки модели или как было повернуто их тело, и лента может помочь решить этот вопрос. Модели могут предпочесть заклеить себя лентой, поэтому сначала спросите об этом.

Принятие изменений

Несмотря на все усилия, поза модели со временем неизбежно изменится. Это нормально, и вы должны приветствовать это — в конце концов, вы изображаете жизнь, а ничто из живого никогда не бывает совершенно неподвижным. Модель может сместить больную мышцу, мыслить, изменяя выражение лица, дышать, моргать или успокаиваться из-за усталости.Уловить эту быстротечность в своем искусстве — это одновременно и вызов, и награда за жизнь, поэтому не сопротивляйтесь и не заставляйте их возвращаться в идеальную позу. Вместо этого примите изменение и ищите новый визуальный интерес, который может выявить устойчивая поза.

Зная границы

Модели позволяют художникам смотреть на них с такой интенсивностью, которая может заслужить пощечину в мире за пределами студии. Они сидят в позах долгие унылые часы, но при этом сохраняют бдительность, и все это служит чужому искусству.В свою очередь, художникам важно помнить, что есть пределы тому, что вы можете просить от моделей. Следующие правила являются ключом к уважительным рабочим отношениям:

• Никогда не касайтесь модели: кроме записи на пленку, вы вообще не должны вторгаться в личное пространство модели. Они находятся в очень уязвимом положении, и поправлять прически, поправлять одежду или каким-либо образом манипулировать ими неуместно. Вместо этого опишите, как вы хотите, чтобы они двигались или меняли позу, и расскажите им, как только они это сделают.
• Не фотографируйте. Запрещается фотографировать или снимать модель на видео без разрешения, даже если человек полностью одет. Им платят за сеанс жизни, а не за использование в будущем и потенциальное распространение своего имиджа. Некоторые модели позволяют фотографировать, но могут взимать дополнительную плату за эту привилегию.
• Не допускайте зрителей в студию: вы несете ответственность за то, чтобы помочь модели сохранить достоинство и конфиденциальность, поэтому во время позирования должны присутствовать только работающие художники.
• Модель имеет последнее слово по поводу позы: вы можете запросить позу, но модель имеет право отказаться от нее, если она неудобна (физически или эмоционально).

Художественная критика: определение, шаги и пример — видео и стенограмма урока

Шаги

Художественная критика включает четыре основных шага, в том числе:

1. Взгляните на очевидное
2. Проанализировать произведение искусства
3. Определитесь с интерпретацией
4. Сделайте приговор по телефону

1.Посмотрите на очевидное

В повседневной жизни вам, скорее всего, придется предоставлять другим некоторую общую информацию о себе, такую ​​как ваше имя, адрес или школа. Критикуя произведение искусства, вы будете искать такую ​​же информацию о художнике.

Например, как называется произведение? Как зовут художника? Из какой он страны? Какой материал использовал художник, например краску, глину, пленку или другой материал?

2.Анализируйте произведение искусства

Затем вы должны описать произведение искусства с точки зрения его предмета, цвета и стиля. Например, если вы смотрите на картину, вы видите людей, пейзаж или объект? Допустим, вы видите женщину. Она улыбается? Она хмурится? Что на ней надето? Она что-нибудь делает?

Обратите внимание на цветовую палитру , которая представляет собой спектр цветов, используемых художником. Иногда это можно определить по цвету, в течение какого столетия было создано изделие.Вы видите пастель или яркие цвета? Может быть, вы видите более приглушенные тона.

Посмотрите на стиль . Стиль относится к определенному типу движения, например, в стиле модерн или кубизм. Если женщина очень реалистична, вы можете взглянуть на периоды до 1910 года. Если вы как бы видите женщину, но она состоит из кубов, вы можете подумать, что картина была написана в 1910-х или 1920-х годах во времена кубизма. период искусства.

3. Примите решение об интерпретации

Теперь, когда вы изучили произведение искусства, что все это означает? Джон К.Публика хотела бы услышать, что, по вашему мнению, происходит в картине. Иногда ваша интерпретация может быть более простой; в других случаях вы будете обращать внимание Джона на скрытый смысл. Например, Сальвадор Дали, художник-сюрреалист, специализируется на скрытых смыслах, которые проистекают от сексуальной травмы к науке и религии.

4. Призыв к суждению

И последнее, но не менее важное: искусствоведу необходимо высказывать суждение. Например, что вы думаете о произведении искусства? На этом этапе вы должны выйти за рамки «Мне это нравится», «Мне это нравится» или даже «Я ненавижу это».

Делая свое суждение, вы должны спросить себя, была ли работа успешной. Например, передавал ли он идею, задуманную художником? Была ли композиция, цвет и качество линий успешными, например, в представлении Баухауса, Швейцарского дизайна или Ар-нуво? В художественной критике суждение никогда не бывает личным; речь идет об интерпретации искусства и о том, передает ли искусство сообщение аудитории.

Пример

Фрукты Альфонса Мухи

В Fruit Альфона Мухи мы видим молодую девушку, несущую корзину, переполненную фруктами, близко к груди.На ней тога в романском стиле с цветами в волосах. Она спиной к зрителю, но повернула голову и застенчиво смотрит на нас через плечо.

Фон этой картины напоминает этикетки и плакаты об абсенте или вине. Учитывая предысторию и тип одежды испытуемой, мы можем предположить, что она грек или римлянин, приносящая подарки на пир или подношение Вакху, греческому богу вина. Эта картина в значительной степени отражает творчество Альфонса Мухи, чешского художника и одного из отцов-основателей стиля модерн.

Альфонса Мухи Fruit содержит все элементы, определяющие эпоху модерна. От его идеализированной женщины до греко-романского платья, которое она носит, она подробно описывается как представительница марки абсента или вина, с которой она, скорее всего, связана. В целом, работа Мухи сосредоточена на женских предметах, проиллюстрированных очень подробно. Он также использует декоративные цветочные узоры, которые обрамляют фигуру, как балдахин. Как видно из работ Мухи, популярные цвета в стиле модерн включают бледно-зеленые и теплые красновато-коричневые тона.Чтобы минимизировать глубину пейзажа, фон плоский, что позволяет не отвлекаться от самой фигуры.

Краткое содержание урока

Художественная критика включает анализ и оценку произведений искусства. Для критики произведения искусства используются четыре шага:

1. Посмотрите на очевидное
2. Проанализировать произведение искусства
3. Определитесь с интерпретацией
4. Сделайте приговор по телефону

Чтобы посмотреть на очевидное, нужно указать имя художника, место рождения, название работы и год ее создания.Если вы ищете очевидное, обратите внимание на цветовую палитру или спектр цветов, а также на средний или материал . Вы также определите стиль работы, который представляет собой особый тип движения, например, ар-нуво или кубизм. В художественной критике суждение никогда не бывает личным; речь идет об интерпретации искусства и о том, передает ли искусство сообщение аудитории.

Мультимедийных художников и аниматоров: зарплата, карьера, перспективы работы, образование и многое другое

Мультимедийные художники и аниматоры создают двух- и трехмерные модели, анимацию и визуальные эффекты для телевидения, фильмов, видеоигр и других форм мультимедиа .

Чем занимаются художники-мультимедиа и аниматоры?

Мультимедийные художники и аниматоры обычно делают следующее:

• Использование компьютерных программ и иллюстраций для создания графики и анимации
• Работа с командой аниматоров и художников над созданием фильма, игры или визуального эффекта
• Изучите предстоящие проекты, чтобы помочь создать реалистичный дизайн или анимацию
• Разработка раскадровок, которые отображают ключевые сцены в анимации
• Редактировать анимацию и эффекты на основе отзывов режиссеров, других аниматоров, дизайнеров игр или клиентов
• Встречайтесь с клиентами, другими аниматорами, игровыми дизайнерами, директорами и другим персоналом (который может включать актеров) для проверки сроков и сроков разработки

Мультимедийные художники и аниматоры часто работают с определенным носителем.Некоторые сосредотачиваются на создании анимационных фильмов или видеоигр. Другие создают визуальные эффекты для фильмов и телешоу. Создание компьютерных изображений (известных как CGI) может включать в себя получение изображений движений актеров и их последующее преобразование в трехмерных персонажей. Другие аниматоры создают декорации или фоны для локаций.

Художники и аниматоры могут дополнительно специализироваться в этих областях. В анимационных фильмах и видеоиграх художники часто специализируются на персонажах или на дизайне декораций и фона.Художники видеоигр могут сосредоточиться на дизайне уровней: создании внешнего вида и макета уровней видеоигры.

Аниматоры работают в группах над созданием фильма, визуального эффекта или электронной игры. Каждый аниматор работает над частью проекта, а затем части объединяются в одну связную анимацию.

Некоторые мультимедийные художники и аниматоры создают свои работы в основном с помощью компьютерного программного обеспечения или написания собственного компьютерного кода. Многие анимационные компании имеют собственное программное обеспечение для компьютерной анимации, которым художники должны научиться пользоваться.Дизайнеры видеоигр также работают на самых разных платформах, включая мобильные игры и социальные сети.

Другие художники и аниматоры предпочитают рисовать и раскрашивать вручную, а затем переводить полученные изображения в компьютерные программы. Некоторые художники мультимедиа используют раскадровки или аниматики, похожие на комикс, чтобы визуализировать конечный продукт в процессе проектирования.

Многие мультимедийные художники и аниматоры размещают свои творческие работы в Интернете.Если изображения станут популярными, эти художники могут получить большее признание, что может привести к будущей работе или внештатной работе.

Все, что вам нужно знать, чтобы стать художником по игровому окружению

Если вы мечтаете стать художником по игровому окружению, но не уверены, что у вас есть все необходимое, то вам стоит это прочитать! От того, какие шаги предпринять, что включить в свое портфолио и каких ошибок следует избегать, все подробно изложено. Наш эксперт Роберт Ходри с примерами, советами и внутренней информацией расскажет вам, что вам нужно знать, чтобы продолжить карьеру в Game Environment Arts.

Начните создавать свое профессиональное портфолио прямо сейчас, создав веб-сайт за пару минут с ArtStation Pro! Сделайте так, чтобы игровые студии и рекрутеры заметили вашу работу, появившись в верхней части поисковых запросов. Это красиво, быстро и удобно.

Подпишитесь на ArtStation Pro

Роберт Ходри — ветеран индустрии, в настоящее время работает старшим художником по 3D / окружению в id Software, где недавно был выпущен DOOM, включая три многопользовательских DLC, над всеми из которых он работал.Будучи самоучкой, он начал свою профессиональную карьеру в 2009 году в Crytek во Франкфурте, Германия, в качестве штатного художника по окружению, где у него также была возможность поработать над такими играми, как Crysis 2, Crysis 3, Ryse, Warface и Homefront: Революция.

В этом руководстве Роберт делится своими знаниями и опытом, подробно отвечая на все вопросы, которые могут у вас возникнуть, если вы хотите продолжить карьеру в качестве художника по игровой среде.

Как мне стать художником по игровой среде?

Я бы сказал, что очень важно иметь страсть к видеоиграм и искусству в целом.Первое, что вы, вероятно, захотите сделать, — это ознакомиться со всеми различными программными инструментами, которые вам понадобятся для создания текстур и ресурсов для вашей среды. Также важно знать игровой движок. Unreal Engine, CryEngine, Unity — все они великолепны и доступны каждому. Все, что вам нужно сделать, это скачать их. Также существует множество онлайн-руководств и документации, которые помогут вам понять, как применить свои арты в игре. После того, как вы познакомитесь с этими программами, вы можете приступить к созданию своих первых реквизитов и использовать их в любом из упомянутых игровых движков.Кривая обучения довольно крутая и иногда утомляет, поэтому разумно начать с более простых ресурсов вначале. Как только вы наберетесь опыта, вы также сможете перейти к более сложным объектам или даже целым сценам окружения.

Как художник по окружению, вы должны быть знакомы с пакетом моделирования, таким как 3ds Max, Maya или Modo. Знание того, как использовать Photoshop или Substance Designer / Painter, очень важно для создания ваших текстур и материалов. Кроме того, вы также должны быть знакомы с программой для 3D-скульптуры, такой как ZBrush или 3DCoat.Это довольно много разных инструментов, которые вам нужно изучить, и поначалу они могут показаться ошеломляющими. Хорошо то, что у вас есть множество руководств, онлайн-документации и форумов, где вы можете задавать вопросы.

Есть так много разных способов связаться с другими артистами, и это то, что вы обязательно должны использовать в качестве преимущества. Нередко начинающие художники получают свою первую работу, просто размещая свои работы на веб-сайтах или просто спрашивая в Facebook, может ли кто-нибудь переслать его / ее портфолио нужным людям.Речь идет не только о хорошей работе, но и о том, чтобы вас заметили, особенно с учетом большого количества начинающих художников в наши дни.

Важным шагом на пути к работе в этой отрасли является онлайн-портфолио, демонстрирующее ваше искусство и фокусирующееся на стиле. Создание окружения может занять много времени. В начале своей карьеры вы обычно не будете работать на каком-то уровне или в среде, где вам придется делать все самостоятельно. По крайней мере, так бывает, когда вы работаете над более крупными играми класса AAA.Обычно вас поручают работать над реквизитом меньшего размера. Вот почему я считаю важным иметь в своем портфолио хотя бы пару качественных реквизитов и текстур. Это может быть что угодно, от ящиков, камней до оружия и транспортных средств. Просто покажите, что вы умеете создавать хорошее игровое искусство и знакомы со всем процессом. Создание высокополигональных сеток и их запекание на низкополигональных — это то, что должен знать каждый 3D-художник, и ваше портфолио должно показать это.

После того, как вы подали заявку в различные компании, нередко пройти тест по искусству еще до того, как они захотят назначить с вами телефонное собеседование.Этот тест может отличаться в зависимости от компании и должности, на которую вы претендовали. Он может варьироваться от небольшой опоры до целой сцены окружающей среды. Обычно вам предоставляется свободный набросок и краткое описание того, что ожидается от окончательного реквизита / среды в отношении моделирования, текстурирования и настроения.

Вот пример старого художественного теста среды, который я сделал в 2013 году:

Когда им нравится ваш тест, они обычно назначают собеседование по телефону или скайпу и болтают с вами, чтобы вы могли поговорить с ведущим художником и арт-директором.Будьте готовы кратко рассказать о себе и своем интересе к студии и проекту. Очень часто, когда вы создаете реквизит или окружение, вы говорите об арт-тесте и своем рабочем процессе. Когда все пойдет хорошо, вас пригласят на собеседование на месте, где вы познакомитесь с командой, а иногда даже сможете увидеть проект, над которым они сейчас работают. Это хорошее время и для вас, чтобы задать много вопросов. Это показывает ваш интерес и помогает узнать больше о культуре команды и студии, на которую вы подали заявку.Это последний шаг в процессе приема на работу. После этого вы обычно получаете предложение о работе.

Что мне нужно в моем портфолио?

Разумеется, отличное искусство! Но сначала вам нужен хороший веб-сайт, на котором легко ориентироваться и который хорошо представляет ваше искусство. Вы, конечно, можете создать красивый веб-сайт самостоятельно, но будьте осторожны, чтобы не переборщить со всевозможными флэш-анимациями или длительным временем загрузки. Сделайте так, чтобы вашу контактную информацию было легко найти на сайте, добавьте свой адрес электронной почты и имя на изображения, и ваше резюме будет доступно в Интернете и для загрузки.

Конечно, приятно иметь персонализированную домашнюю страницу портфолио, но это также может потребовать много времени, а не каждый является веб-дизайнером. Я бы сказал, что ArtStation — это то, что нужно в наши дни. Вам просто нужно зарегистрироваться, создать профиль и загрузить свои художественные скриншоты. Им так легко пользоваться, и это не требует много времени. У него также есть большое сообщество с множеством экспертов индустрии видеоигр.

Узнайте больше о простых в использовании и настраиваемых веб-сайтах портфолио ArtStation Pro!

С точки зрения художественного содержания, ваше портфолио должно показывать, что вы способны выполнять все задачи, которые требуются для работы в игровой среде: моделирование, текстурирование, композиция, цвета украшения уровней, освещение.Это основные вещи, за которые вы как художник по окружению будете нести ответственность. Концепт-арт, демонстрирующий ваши навыки рисования, является плюсом, но не обязательно. Позже у вас появятся 2D-художники, которые предоставят вам концепт-арты и перерисовки, но все же будет полезно иметь возможность делать свои собственные быстрые наброски для проверки идей. Часто проще воплощать дизайнерские идеи на бумаге, чем в 3D.

Если вы нацелены только на должность художника по окружению, вам не нужно иметь в своем портфолио персонажей, анимацию или визуальные эффекты.Это плюс, но как новичок вы хотите сфокусировать свое портфолио, потому что освоение дисциплины может занять годы, а ваши образцы искусства должны быть стабильного качества. Вы не хотите, чтобы рядом с ним было портфолио с потрясающими сценами и реквизитом, но с плохой анимацией персонажей.

Вам также необходимо знать, где вы хотите работать и получить свою первую работу, и ваше портфолио должно отражать это. Нет ничего плохого в том, чтобы иметь широкий спектр разных стилей, потому что это показывает, что вы гибки и легко можете адаптироваться к разным художественным стилям.Однако студия обычно старается заполнить открытые вакансии людьми, которые имеют тот же художественный стиль, что и проект, над которым они работают, поэтому вам нужно показать, что вы можете воспроизвести их стиль.

Лучше иметь в своем портфеле три потрясающих актива, чем девять посредственных.

Конкуренция жесткая, и вам нужно выделиться из массы художников, пытающихся получить свою первую работу. В этом вам помогут креативность и уникальные образцы искусства. Металлические бочки, деревянные ящики, текстуры бетона или кирпича — это уже не те активы, которые никого поразят.Постарайтесь придумать что-то освежающее и уникальное при создании реквизита или окружающей среды. Допустим, вы хотите сделать опору для стула. Вместо того, чтобы делать простой деревянный стул с легкими формами, попробуйте сделать что-нибудь более сложное, например, стул в стиле барокко с множеством деталей и орнаментов. Конечно, на создание этого реквизита уходит больше времени, но лучше иметь в вашем портфолио три потрясающих актива, чем девять посредственных.

Что хотят видеть директора по найму?

Важно отличное портфолио, в котором ваши работы легко доступны.Если у вас нет опыта работы в отрасли, я бы сказал, что ваше резюме не так уж важно для получения первой работы. Просто сделайте это простым и, по возможности, на одной странице. Покажите готовую работу и постарайтесь избежать слишком большого количества незавершенных работ в вашем портфолио. Портфолио, состоящее только из незавершенных частей, создает впечатление, что вы не сможете выполнить какие-либо задачи вовремя.

На мой взгляд, демо-ролики не нужны художникам окружения. На их создание уходит много времени, и они очень быстро устаревают.Все, что вам нужно, — это скриншоты вашего реквизита и окружающей среды с разных ракурсов. Потратьте немного времени на то, как вы представите свое искусство, и сделайте несколько снимков красоты. Иногда даже самый общий реквизит может выглядеть потрясающе с отличной презентацией. Трудно произвести впечатление на кого-либо с помощью снимка экрана вашего объекта в области просмотра с плоским освещением. Потратьте некоторое время на хорошее освещение и настройки рендеринга, настройте свои материалы и, возможно, добавьте некоторые тонкие эффекты постобработки, чтобы придать им последний штрих. Но не переусердствуйте! Вы по-прежнему хотите видеть искусство.

Также здорово иметь разбивку ваших хай-поли, лоу-поли и финальных сеток, частей модульного набора, каркасов и плоских текстур. Все, что вы можете добавить, чтобы продемонстрировать свой рабочий процесс и то, как вы добились окончательного результата или среды.

Каков обычный день художника по игровой среде?

Я бы сказал, что это зависит от вашей должности (младший / средний / старший) в компании, размера команды и статуса проекта, над которым вы работаете.Как юный художник, вы обычно занимаетесь небольшими реквизитами и декорациями. Когда вы наберетесь опыта и выйдете на более высокий уровень, вы сможете работать над более важными активами героя и заботиться обо всех уровнях многопользовательской или одиночной игры. Учитывая количество людей, участвующих в создании уровня, вам также необходимо управлять и организовывать множество людей, участвующих в процессе создания.

На начальном этапе вы обычно проводите дни, блокируя модули и уровни, создавая первые материалы и получая несколько уровней в игровом состоянии, чтобы создать первую игровую демонстрацию, чтобы увидеть, все ли элементы игрового процесса работают вместе.После этого доказательства концепции нужно сделать все уровни в более совершенном состоянии с первой текстурой и художественным оформлением для большинства областей. В основном вы будете работать над архитектурными элементами. Обычно вы также размещаете реквизит и декали на уровне и работаете над композицией. После того, как все изображения добавлены в игру и больше не будут меняться, можно приступить к полировке, исправлению ошибок и оптимизации.

Какие типичные ошибки допускают люди в вашей сфере деятельности и как их избежать?

Постарайтесь сосредоточиться на силуэтах, формах и будьте осторожны при добавлении всех деталей.

Я думаю, что одна из самых больших ошибок, которую вы можете сделать как художник по окружению, — это игнорировать отзывы других людей. Вы должны быть открыты для мнения других художников и дизайнеров и уметь быстро вносить любые требуемые изменения. Нередко приходится работать над окружающей средой неделями или даже дольше. И когда вы слишком долго смотрите на свою собственную работу, вы часто не можете сказать, улучшаете ли вы ее или просто продолжаете что-то менять ради того, чтобы что-то изменить.Это очень помогает получить свежий взгляд, а также мнения и отзывы других людей, чтобы сделать игровую среду лучше и увлекательнее.

Добавление слишком большого количества мелких деталей и создание загруженных сцен случается довольно часто. Даже если он выглядит великолепно, он может сделать путь игрока нечитаемым. А поскольку это видеоигра, искусство окружения также должно поддерживать игровой процесс. Постарайтесь сосредоточиться на силуэтах, формах и будьте осторожны при добавлении всех деталей. Настроение, атмосфера и освещение могут очень помочь, но вы все равно не хотите портить игровой процесс, добавляя слишком много реквизита и деталей в боевое пространство.Вот почему так важно тесно сотрудничать с дизайнером уровней для каждой среды, над которой вы работаете.

При прохождении уровня необходимо проанализировать проблемные области на предмет производительности. Важно хорошо разбираться в движке и технологиях своей игры. Вы должны думать о таких вещах, как количество треугольников или текстурная память. Игра на неоптимизированном уровне с плохой частотой кадров может полностью испортить впечатление от игры. Следовательно. общение со всеми различными отделами важно.

Смотрите другие работы Роберта на его странице ArtStation.

Художник-верстальщик в анимационной индустрии

Как мне стать художником-верстальщиком?

Как и в любой другой роли технического искусства в индустрии анимации, важно, чтобы у вас были хорошие художественные навыки в рисовании, живописи и иллюстрациях. Кроме того, чтобы быть художником по верстке, вам необходимо иметь некоторый опыт использования компьютерного программного обеспечения для анимации и рисования, такого как Photoshop и TVPaint, а также After Effects, Blackmagic Fusion, Maya, Mental Ray, Nuke, RenderMan и 3ds Max.Тем не менее, некоторые компании предлагают это обучение правильному кандидату.

В школе или колледже:
Возьмите A-level или выше, сочетающие искусство и науку, если можете. Идеально подходит для получения степени A или выше по искусству, дизайну и графическому дизайну, а также по информатике или физике.

Или вы можете захотеть получить любую из следующих профессиональных квалификаций Уровня 3:

• Диплом Aim Awards в области творческих и цифровых медиа
• Национальный диплом BTEC / Расширенный диплом в области искусства и дизайна
• UAL Applied General Diploma / Extended Diploma in Art and Design
• Общий прикладной сертификат NCFE в области искусства и дизайна
• Национальный расширенный диплом BTEC в области творческого производства цифровых медиа
• Национальный диплом BTEC / Расширенный диплом в области вычислительной техники

Если вы хотите сразу приступить к работе или ученичеству, вам помогут следующие профессиональные квалификации 3-го уровня:

• Национальный диплом BTEC по графике
• Национальный диплом по фотографии BTEC
• Диплом UAL / Расширенный диплом в области искусства и дизайна
• OCR Кембриджский технический диплом в области искусства и дизайна (фотография)
• Национальный диплом BTEC в области визуальных эффектов для кино и телевидения
• Диплом UAL / Расширенный диплом в области творческого медиа-производства и технологий
• Технический диплом OCR в области цифровых медиа (производство движущихся изображений и аудио)
• Национальный диплом BTEC в области вычислительной техники для творческих отраслей
• Технический диплом OCR в области информационных технологий (специалист по цифровому программному обеспечению)

Получите ученичество:
Стажировка — это работа с обучением, поэтому это отличная возможность зарабатывать, когда вы учитесь.Посмотрите, сможете ли вы найти ученичество в качестве младшего 2D-художника, младшего 3D-художника, художника по визуальным эффектам или помощника технического директора. Даже если вы не можете найти роль в анимации, если вы сохраните свою страсть к этой отрасли, вы, возможно, сможете перенести свои навыки в анимацию в более поздний момент. Проверьте Что такое ученичество? , чтобы узнать больше об ученичестве, и найти ученичество , чтобы узнать, как найти его в вашем регионе, или обратиться напрямую в компании. Перейдите к информации ScreenSkills об ученичестве анимации , чтобы узнать об основных схемах ученичества в анимации.

Создать портфель:

Изучите программное обеспечение для рисования и редактирования видео, поэкспериментируйте с практической покадровой анимацией и начните создавать работы, которые вы можете показать преподавателям приемной комиссии или работодателям. Создавайте собственные аниматики; это хороший способ познакомиться со многими аспектами процесса создания анимационных фильмов. Это очень важно. Чтобы узнать, как это сделать, перейдите к созданию портфолио анимации.

Получите степень:
Посмотрите список рекомендуемых курсов ScreenSkills и выберите один из них в анимации.Мы отмечаем курсы нашей наградой ScreenSkills Select, где они предлагают обучение по соответствующему программному обеспечению, уделяют время созданию портфолио и имеют прочные связи с индустрией анимации.

Рисуйте, раскрашивайте и иллюстрируйте:
Практикуйтесь в рисовании, среди других видов искусства, с акцентом на анатомию и движение. Помните о весе и времени при рисовании живых объектов (или видео с ними).

Пройдите короткий курс:
Оттачивайте свои навыки анимации или работы в макете, пройдя специализированный курс.Перейдите к списку учебных курсов, рекомендованных ScreenSkills, и посмотрите, есть ли один из них в индустрии анимации, или найдите курс по кинематографии, поскольку планирование хороших снимков камерой можно перенести на эту роль.

Сеть:
Познакомьтесь с людьми в индустрии анимации, посетив мероприятия. Познакомьтесь с профессионалами отрасли и задайте им вопросы об их работе, демонстрируя при этом интерес и знания в отрасли. Предложите предоставить им свои профессиональные контактные данные и постарайтесь поддерживать с ними связь.Перейдите к разделу «Как правильно подключиться к сети», чтобы узнать, как это сделать.

Найдите работу:
Найдите анимационные компании, в которых вы хотели бы работать. Animation UK имеет каталог анимационных компаний. Зайдите на их веб-сайты и проверьте, не рекламируют ли они роли младших художников-верстальщиков. Вы также можете отправить теоретическое резюме и попросить работодателей сохранить его в файле, чтобы они могли рассмотреть вас, если появится подходящая вакансия. Ищите на веб-сайтах вакансии художника-верстальщика и подайте заявку на вакансию.

Возможно, вас заинтересует…

Быть дизайнером, художником или художником по раскадровке . Возможно, вам будет интересно стать техническим директором по верстке (TD) в секторе VFX. Вам также может быть интересно работать в игровой индустрии в студии разработки в качестве художника по макету анимации, но для создания игровых роликов.

Дополнительные ресурсы

Найдите скульптуры и фрески в круге

Чикаго — своего рода мекка паблик-арта.Пикассо, Шагал, Миро, Колдер, Дюбюффе — легендарные художники украшают петлю Loop , превращая улицы города в музей городского искусства, которым может наслаждаться каждый.

Забронируйте бесплатный тур Chicago Greeter по общественному искусству Loop в компании знающих местных жителей или прогуляйтесь в своем собственном темпе в компании великих деятелей истории искусства.

Вот 12 мест, которые нужно обязательно посетить, чтобы вы начали.

Пикассо Пабло Пикассо

Высота 50 футов и вес более 160 тонн, Пикассо , как известно, представляет собой безымянную скульптуру, которую некоторые сравнивают с насекомым или павианом.Пабло Пикассо подарил скульптуру жителям Чикаго в 1967 году, так и не объяснив, для чего она предназначена. Сегодня это одно из самых известных и знаковых произведений искусства в городе. На создание картины ушло два года, и Пикассо объединил и модифицировал эскизы и мотивы своих ранних работ, чтобы развить свою концепцию. Получившуюся в результате модель скульптуры высотой 42 дюйма можно увидеть в Художественном институте в Чикаго вместе с эскизами художника к произведению. 50 W. Washington St.

Чикаго, Джоан Миро

Смешанная скульптура Джоана Миро , первоначально названная «Солнце, Луна и одна звезда», имеет высоту около 40 футов и состоит из стали, проволочной сетки, бетона, бронзы и керамическая плитка. Это произведение, вдохновленное небесами, изображает женскую фигуру с луной в центре и звездой над головой. В то же время ее колоколообразное основание подчеркивает ее близость к земле. Как и в случае со многими новаторскими работами, немедленная реакция общественности на открытие скульптуры в 1981 году была не всегда положительной.Один из представителей общественности даже облил его баллончиком с краской. Но сегодня «Мисс Чикаго», как ласково называют скульптуру, любят все. Brunswick Building Plaza, 69 W. Washington St.

«Времена года» Марка Шагала

Состоящая из тысяч инкрустированных фишек более 250 цветов, мозаика была создана в студии Шагала во Франции. перенесены на полноразмерные панели и установлены в Чикаго с помощью опытного мастера по мозаике.Даже после ее прибытия Шагал продолжал изменять свой дизайн, обновляя те области, которые отображали городской горизонт (последний раз его видел за 30 лет до инсталляции мозаики). Он также добавил кусочки местного чикагского кирпича. В целом мозаика изображает четыре сезона в шести сценах Чикаго, наполненных птицами, рыбами, цветами, солнцами и парами влюбленных. Шагал прокомментировал, что «времена года представляют человеческую жизнь, как физическую, так и духовную, в разные эпохи». Chase Tower Plaza, 10 S.Dearborn St.

Flamingo от Александра Колдера

Вы не можете пропустить ярко-красный Flamingo Александра Колдера высотой 53 фута Flamingo с его изогнутыми линиями, резко контрастирующими со стальными и стеклянными зданиями Mies van der Rohe, которые окружить его. Несмотря на то, что Flamingo весит 50 тонн, он имеет открытую конструкцию, которая приглашает вас прогуляться под ним и вокруг него. Фламинго был открыт в 1974 году и остается одной из самых ярких икон Чикаго. Federal Plaza, 50 W.Адамс,

Облачные ворота, также известные как «Боб» Аниша Карпура

Официальное название — Облачные ворота , но эта любимая скульптура определенно является «Бобом» для местных жителей. Имея размеры 66 футов в длину и 33 фута в высоту и весив колоссальные 110 тонн, она является одной из крупнейших скульптур такого рода в мире и была первым произведением искусства на открытом воздухе британского художника Аниша Капура в США. Эллиптическая скульптура, вдохновленная ртутью, представляет собой непрерывную серию отполированных пластин из нержавеющей стали, отражающих на поверхности знаменитый горизонт Чикаго.Арка высотой 12 футов представляет собой «ворота» в Millennium Park , приглашая посетителей войти, прикоснуться к его зеркальной стали и увидеть отражение своих искаженных изображений. 201 E. Randolph St., между Michigan Ave. и Columbus Ave.

Crown Fountain, Jaume Plensa

Crown Fountain, спроектированный испанским художником Jaume Plensa, представляет собой интерактивную художественную инсталляцию, состоящую из двух 50-футовых стекол. блочные башни на каждом конце неглубокого отражающего бассейна.На башнях проецируются видеоизображения местных жителей Чикаго, которые изливают струи воды из надутых губ. Дизайн был вдохновлен традицией использования горгулий в фонтанах с открытыми ртами, позволяющими течь воде, символу жизни. Посмотрите на фонтан в действии с середины весны до середины осени, а светодиодные изображения остаются на виду круглый год. Millennium Park, 201 E. Randolph Street, между Мичиган-авеню и Коламбус-авеню.

Памятник со стоящим зверем работы Жана Дюбюффе

Начиная с выставки в Arts Club в Чикаго, в 1951 году, французский художник Жан Дюбюффе наладил особую связь с Чикаго, где находится одна из трех монументальных комиссий Дюбюффе в Соединенных Штатах. Состояния.Созданный художником 10-тонный памятник из стекловолокна высотой 29 футов со стоящим зверем состоит из четырех элементов, которые напоминают стоящее животное, дерево, портал и архитектурную форму. Вы не можете не захотеть войти в скульптуру и исследовать ее — именно так, как задумал художник (он хотел создать работу, которая резонировала бы с обычным человеком на улице). Художник, ласково называемый местными жителями «Снупи в блендере», описал скульптуру как «рисунок, который простирается … в космос.«Это отличный образец стиля Art Brut Дюбюффе, который имитирует визуальные работы, созданные детьми и неподготовленными художниками. Центр Джеймса Р. Томпсона , 100 W. Randolph St.

Агора Магдалены Абаканович

Фото Адама Александра

Расположен вдоль юго-западной стороны Грант Парк , Агора происходит от греческого слова место встречи. Эта поразительная чугунная художественная инсталляция состоит из 106 торсов без головы высотой 9 футов.Фигуры изображены либо идущими группами в разных направлениях, либо стоящими на месте. Всемирно известная польская художница Магдалена Абаканович пожертвовала скульптурную группу в сотрудничестве с Министерством культуры Польши и другими частными спонсорами. Хотя Абаканович часто выставлялась в музеях и общественных местах по всему миру, Агора остается ее крупнейшей постоянной инсталляцией. Грант-Парк, Южный Мичиган-авеню и Ист-Рузвельт Драйв

Бронзовая корова Натана Мейсона

В 1999 году стадо коров из стекловолокна объединило граждан, посетителей и предприятия в уникальном общественном арт-мероприятии «Cows on Parade». Это призвало местных художников создать дизайн для украшения каждой неукрашенной коровы.Памятная бронзовая корова, которую вы встретите возле Чикагского культурного центра , была создана Натаном Мейсоном в 2001 году в качестве подарка от семьи Ханиг (ответственной за доставку коров на параде в Чикаго из Цюриха, Швейцария). Присмотритесь, и вы увидите две знаменитые достопримечательности Чикаго — Пикассо и историческую водонапорную башню — отраженные в глазах коровы. 78 E. Washington St.

Искусство на МАРТ различных художников

Значительное культурное наследие и искусство Чикаго сохраняется и по сей день.И нигде это лучше не видно, чем на Art on theMART , крупнейшей в мире видеопроекционной арт-инсталляции. Примерно 2,5 акра фасада здания MART Chicago Riverwalk , обращенного к фасаду здания, превратилось в пространство общественного искусства следующего поколения, с сезонным проецированием кураторского международного и местного видеоарта. 222 W. Merchandise Mart Plaza

Muddy Waters Mural Эдуардо Кобра

В 2016 году покойный великий чикагский блюзовый музыкант Мадди Уотерс был удостоен девятиэтажного панно всемирно известного бразильского уличного художника Эдуардо Кобра.Калейдоскоп ярких красок и смелых линий — визитная карточка художника — вы не сможете пропустить их, идя по Стейт-стрит в сторону Вашингтон-стрит. Кобра известен во всем мире своими огромными фресками с изображением известных людей, в том числе музыкантов Боба Дилана в Миннеаполисе и Дэвида Боуи в Джерси-Сити. Его Muddy Waters Mural является частью Wabash Arts Corridor , популярного места в Чикаго для поклонников уличного искусства. 17 N. State St.

Rushmore, автор — Керри Джеймс Маршал

Художник и научный сотрудник Макартура Керри Джеймс Маршалл разработал эпическую фреску для фасада Garland Court Чикагского культурного центра в честь 20 женщин, которые сформировали искусство и искусство города.

No related posts.