Ярость немецкого импрессионизма | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW
Покрасить стены залов в яркий цвет — непривычное, но, по-видимому, стратегически правильное решение, потому что многие картины на выставке «Немецкий импрессионизм» («Der deutsche Impressionismus») темны, у них коричневатый, так называемый «музейный» колорит. Ярких (фиолетовых или розовых) цветов нет совсем.
Роберт Штерл «Уборка картофеля», 1905
Куратор выставки Ютта Хюльзевиг-Йонен (Jutta Hьlsewig-Johnen) говорит: «Французский импрессионизм — это светлая живопись. Для французов во главе угла стояли дробление формы и измельчение цвета, крайне важны были состояния атмосферы, игра света и тени, изменения цвета предметов под влиянием дневного света. Для немецких импрессионистов неизменно важную роль играет композиция картины, живопись решает формальные задачи, она по сравнению с французской оказывается более индивидуалистичной, плоской и куда более темной».
Можно добавить, что немецкая живопись куда более пространственна и конструктивна, она далека от декоративности.
Немецкие художники определенные выводы из французского опыта сделали, но их живопись вовсе не является, так сказать, «недотянутым» импрессионизмом, сравнивать их картины со знаменитыми французскими образцами не очень и хочется.
Паровозы и коровы
На выставке представлены, разумеется, три главные фигуры немецкого импрессионизма: Макс Либерман (Max Liebermann), Макс Слефогт (Max Slevogt) и Ловис Коринт (Lovis Corinth), а также большое количество художников, которые для многих посетителей являются настоящим открытием.
Герман Плойер (Hermann Pleuer) был одержим железной дорогой, на всех его картинах присутствуют локомотивы. Они огромны и черны, их даже можно назвать ужасными, на одной картине изображено огромное облако пара, паровоз скрыт за ним, облако напоминает шар из грязной известки.
Гамбургский художник Фридрих Кальморген (Friedrich Kallmorgen) писал море в порту. Море свинцовое и тяжелое, корабли и лодки темные, лишь блики на волнах — тревожно-оранжевые. Французской легкости тут нет совсем, зато есть интенсивность: силуэты кораблей и лодок давят море, вязкое море напряжено.
Не вписывалась ни в какие актуальные тенденции живопись Генриха фон Цюгеля (Heinrich von Zügel): он писал коров, на каждой его картине — пятнистые буренки. На стене выставочного зала помещена большая фотография, сделанная в 1902 или 1903 году, на ней стадо коров, вокруг которого стоят изящно одетые господа в костюмах, галстуках и котелках. У них в руках палитры и кисти, перед ними — мольберты. Это фон Цюгель со своими учениками на пленере.
Роберт Штерль (Robert Sterl) писал рабочих, занимающихся тяжелым трудом в каменоломнях: залитые солнцем фигуры напряжены, их монументальность, а также лаконичность живописи напоминают политические плакаты.
Какой изм?
Вопрос о том, следует ли называть выставленную живопись импрессионизмом или постимпрессионизмом (то есть — реакцией на импрессионизм), наверное, академический.
Куда интереснее подмечать, что было у немецких художников такого, чего не было у французских. Обобщая, можно сказать, что фигуры на немецких картинах вылеплены из упругих мазков краски, мазки извиваются и тянут за собой.
Эти мазки вполне материальны, скажем, на пейзаже «Каменоломня» Макса Слефогта уже трудно сказать, что именно изображает бурление мазков. Бурление песка, глины, камней изображено налезающими и теснящими друг друга длинными мазками краски. В некоторых местах краска намазана так агрессивно, что она уже ничего не изображает. Это просто смачное пятно золотистой охры.
На многих картинах немецких импрессионистов мазки кисти расположены почти параллельно, оттого краска не лежит смирно на своем месте, а кажется летящей. Особенно был любим этот ход при изображении листвы деревьев. И тут можно сформулировать, чем немецкая школа отличается от французской: французская листва — это статичная мозаика из цветовых пятен, игра идет на тонких нюансах цвета, немецкая листва — это пришедшая в движение масса сырой материи.
Макс Либерман «Пивная в Бранненбурге», 1893
Наиболее радикален в этом отношении был Ловис Коринт: его «Тигр» слеплен из грубых мазков, черные полосы краски крест-накрест пересекают охристые, так и хочется сказать, что художник бил картину своей кистью. То есть мы находимся в сфере экспрессионизма. Немецкий импрессионизм был крайне экспрессионистичен.
Более того, художники, традиционно относимые к экспрессионизму, в смысле свободы и ярости движения кисти были куда менее экспрессивны, чем Коринт или Слефогт. Именно в Коринте и Слефогте можно разглядеть истоки живописи Георга Базелица (Georg Baselitz) и всех последующих поколений немецких экспрессионистов, что совершенно справедливо отмечает комментарий на стене выставочного зала Билефельда.
Автор: Андрей Горохов
Редактор: Дарья Брянцева
Немецкий импрессионизм
Немецкий импрессионизм
Статья из Deutsche Welle повествует, как немецкий импрессионизм из маргинального художественного течения превратился в респектабельное, академичное и застойное.
.. Макс Либерман «На пляже», 1908
Когда Клод Моне в 1874 году выставил в Париже картину «Впечатление. Восходящее солнце», возмущению критиков не было предела. Этот эпизод стал ключевым в истории современного искусства. Термин «импрессионизм», возникший из названия картины Моне, стал ругательством для одних и программой действий для других.
В Германии новая живопись и новое мировоззрение, с ней связанное, натолкнулись на застывшие нормы и доминировавший консервативный вкус. Но и среди немцев появились художники, оппозиционно настроенные по отношению к академической норме и официальному искусству, которое поощрял сам кайзер.
При этом его импрессионистические картины очень жесткие, архитектурно выстроенные, далеко не декоративные.В начале 1890-х уже многие немецкие художники начинают выходить на пленер с красками, холстами и этюдниками. Этому способствовало и то обстоятельство, что масляную краску стали выпускать в небольших тюбиках, и художник стал значительно более мобильным.
Мюнхен
Во второй половине 19 века центром немецкого искусства был Мюнхен. Здесь в 1869 году здесь проходила первая международная художественная выставка. Мюнхен был самым главным местом в Германии, где жили художники и где проходили выставки. Кроме того, Мюнхен был одним из наиболее значительных мировых центров художественного образования, знаменита была не только Академия художеств, но и многочисленные частные школы.
Макс Либерман (Max Liebermann), Ловис Коринт (Lovis Corinth) и другие художники, относимые к импрессионистам, ориентировались не столько на французский пример, сколько на живопись Вильгельма Лейбля (Wilhelm Leibl), на его технику alla prima.
Лейбль смешивал краску прямо на холсте, его мазки были свежими и энергичными. Лейбль был сторонником наполнения картины «говорящими» деталями, которые повествовали о трудной судьбе простого народа.
В 1892 году в Мюнхене был создан Сецессион (Secession) — союз независимых художников, отвергавших доктрину академизма. В него входили и Либерман с Коринтом. Сецессион быстро разросся до 78 участников, отделение импрессионистов и натуралистов было самым большим, но много было также и консерваторов, а также салонных художников и символистов. Новой тенденцией считался неоидеализм Арнольда Бёклина (Arnold Böcklin) и Макса Клингера (Max Klinger). Импрессионисты вскоре покинули казавшийся им аморфным и беспринципным Сецессион и создали новую группу, из-за чего представители всех остальных современных течений в мюнхенском искусстве стали смотреть на них как на предателей и радикалов-бунтарей. Сепаратисты уехали в Берлин.
Берлин
Берлин медленно, но верно становился новой метрополией искусства.
Макс Слефогт «Натюрморт с огурцами и редиской», 1902
Художник Вальтер Лейстиков (Walter Leistikow) занял пост первого секретаря берлинского Сецессиона. В объединение было принято более 60 художников, в том числе — женщин. Из Мюнхена были приглашены Ловис Коринт и Макс Слефогт (Max Slevogt).
Либерман выступал не за эстетику импрессионизма, а за либерализм и толерантность в искусстве в целом. Несмотря на уверения в терпимости к творческим поискам, на выставках берлинского Сецессиона доминировали все-таки импрессионисты. Художники, работавшие в импрессионистическом духе, жили по всей Германии, но импрессионизм быстро стал берлинским делом, появился даже термин «берлинский импрессионизм».
Вальтер Лейстиков так определял цели берлинского Сецессиона: «Нам нужна публика. Мы хотим не только продавать, мы хотим быть понятыми широкими массами, мы хотим им дать возможность видеть хорошее искусство, любить его и учиться понимать. В этом мы видим свою культурную миссию». Речь, таким образом, шла о том, что отныне искусством должно считаться новое, современное, модернистское искусство. Выставки Сецессиона вызывали огромный резонанс и воспринимались как важные общественные события. Берлинский Сецессион оказался центром немецкой художественной жизни.
К 1910 году, однако, возникла проблема смены поколений. Либерман — академик, живой классик и преуспевающий художник новой буржуазии (его огромная студия находилась прямо у Бранденбургских ворот) — к новым течениям в искусстве относился без симпатии. Картины немецких экспрессионистов на выставки берлинского Сецессиона не пропускали, а импрессионизм стал респектабельным, академичным и застойным.
Источник: DW
«И сумрачный германский гений.
..» Немецкий импрессионизм.( Часть 2)«Видеть, чувствовать, выражать – в этом все искусство».Братья Э. и Ж. Гонкур.
В 1898 году был создан Берлинский сецессион, объединение более 60 оппозиционно настроенных по отношению к академическому направлению художников, первым его президентом был Макс Либерман. Одной из причин раскола в среде художников послужил отказ жюри готовившейся выставки от участия в ней пейзажа Вальтера Лейстикова.
Берлин медленно, но неуклонно становится столицей искусства, а Берлинская Академия художеств, членом и профессором которой был Либерман, приобретает мировую известность. В Сецессионе проповедовались либерализм и толерантность в искусстве, но преобладали все-таки импрессионисты, появился даже термин – «берлинский импрессионизм», а зарождающийся экспрессионизм практически не принимался жюри для участия в выставках.
Одним из ведущих художников берлинского Сецессиона, сменившим в 1915 году Либермана на посту президента, был
Ловис Коринф (Lovis Corinth, 1858-1925), настоящее имя Франц Генрих Луи, родился в семье кожевенника, рано начал рисовать,
учился живописи в Академии Кёнигсберга, а затем Мюнхена, который считался в 1880-е годы одним из центров авангардного искусства Европы.
В тот период на него оказали большое влияние творчество Курбе и художников Барбизонской школы (Руссо, Милле, Дюпре и другие).
После возвращения в 1888 году в Кёнигсберг он берет себе псевдоним, под которым и работает всю жизнь. После недолгого пребывания в Мюнхенской академии Коринф присоединяется к группе художников Мюнхенского сецессиона, а в 1899 году принимает участие в выставке, организованной уже участниками Берлинского сецессиона.
Мюнхенский период не был особенно продуктивным из-за пристрастия к вину, но после переезда в Берлин и открытия в 1902 году своей школы живописи для женщин Коринф влюбился в одну из своих студенток, на 20 лет моложе него, женился на ней, она стала его музой, матерью его детей, семейная жизнь и ее радости стала главной темой его творчества.
В 1911 году после перенесенного инсульта и левостороннего паралича у него начинается тремор рук, хромота, но благодаря заботе своей жены он уже через год возвращается к мольберту, важной темой его картин и офортов были в это время пейзажи Баварских Альп, где у семьи был дом.
В 1925 году во время пребывания в Нидерландах он заболел пневмонией и умер в Зандворте. Ловис Коринф прошел за свою творческую жизнь как художник и гравер путь от академической традиции через импрессионизм до экспрессионизма и синтеза его с импрессионизмом, воплощая библейские сюжеты, создавая портреты, сцены семейной жизни, великолепные пейзажи.
Третьим художником, кроме Либермана и Коринфа, говоря о немецких импрессионистах, обычно называют
Макса Слевогта или Слефогта (Мах Slevogt 1868-1932), живописца, гравера, иллюстратора, сторонника и пропагандиста пленэрной живописи.
Он родился в семье капитана Фридриха фон Слевогта, рано потерял отца, после окончания школы учился в Академии изящных искусств в Мюнхене, там появились его первые пейзажи в коричневых тонах, изображающие окрестности Нойкастля. К концу 90-х годов его палитра постепенно меняется, приобретает более светлые тона и импрессионистский характер.
После поездки с другом по Италии он возвращается в Мюнхен и начинает работать как профессиональный художник с большим кругом интересов в живописи, акварели, графике, книжной иллюстрации.
Он считал, что художник должен не только передавать зрительные впечатления на холсте, но и давать волю воображению, будить фантазию.
В 1900 году Слевогт участвовал во Всемирной выставке в Париже со своей работой «Шехерезада», там был потрясен знакомством с работами Эдуарда Мане и после путешествия в Египет создает свой, свободный от чужих влияний стиль письма, светлый и блестящий.
Он подружился со знаменитым португальским баритоном Франциско d’Андраде и, обладая неплохим голосом, даже подумывает о певческой карьере.
В 1914 году Слевогт путешествует по Египту, пишет акварели и картины, ставшие гордостью немецкого импрессионизма. Во время Первой мировой войны он был военным художником на Западном фронте, ему пришлось искать новые выразительные средства для передачи ужасов войны. Слевогт становится членом Академии искусств в Берлине, ведет там мастер-класс живописи, создает декорации для «Дон Жуана» Моцарта, работает над иллюстрациями к «Фаусту» Гете.
Его 60-летие отмечается большой выставкой в Берлине, а последние годы жизни он посвятил религиозной росписи в Церкви мира в Людвигсхафене. Похоронен Макс Слевогт в семейной гробнице в Нойкастле.
Еще один представитель немецкого импрессионизма, получивший признание уже в самом начале своей карьеры, привлек меня своей светлой палитрой, легкостью письма, наибольшей близостью к манере французских импрессионистов.
Готтард (Готхард) Кюль (Gotthardt Kuehl, 1850 —1915) родился в Любеке, учился живописи в Дрезденской академии и в Мюнхене, одиннадцать лет жил в Париже, путешествовал по Италии и Нидерландам, был профессором в Дрезденской академии, всю жизнь занимался преподавательской работой, участвовал в деятельности Берлинского сецессиона.
Наиболее известны его пейзажи и сюжеты городской жизни, большая часть которых хранится в музея родного Любека, Дрездена и Мюнхена.
Лессер Ури (Lesser Ury, 1861 – 1931), известен своими пейзажами, натюрмортами, большую часть жизни провел в Берлине, любил этот город и был его обер-бургомистром в качестве признания «художественного прославления имперской столицы».
Он прекрасно владел разными техниками, писал маслом и пастелью, которая помогала ему насытить свои пейзажи воздухом и светом. Макс Либерман чувствовал в нем сильного конкурента, всячески препятствовал его участию в выставках, и только после смерти Либермана Ури смог участвовать в деятельности Берлинского сецессиона, а в 1921 году стал его почетным членом.
В 1931 году планировалось устроить чествование художника в связи с его 70-летием, но он не дожил три недели до него, умерев от сердечного заболевания.
Еще один художник, вызвавший у меня интерес своей биографией и творчеством —
Лев Путц (Leo Putz, 1869 – 1940), родился в Тироле (Австро-Венгрия), но учился и жил в Мюнхене, участник Мюнхенского сецессиона, его творчество отражает и арт-нуво, и импрессионизм, и элементы экспрессионизма, был награжден несколькими медалями за свои работы.
После шестилетнего плодотворного пребывания с семьей в Южной Америке и преподавания там он вернулся в 1935 году для участия в крупной выставки в Мюнхене и увидел совсем другую Германию.
Его работы были отнесены к «дегенеративному искусству», его несколько раз допрашивали в гестапо, он был отстранен от работы и, в конце концов, вынужден был бежать в Южный (итальянский) Тироль.
Завершая тему немецкого импрессионизма (а ее можно продолжать еще долго), можно сделать вывод о том, что он был более экспрессионистичен, более «яростен», более «осязаем», чем французский, в творчестве этих художников видны истоки живописи всех последующих поколений немецких экспрессионистов.
Большое количество репродукций в сопровождении музыки Рихарда Штрауса (Часть 2) можно увидеть тут:
https://www.youtube.com/watch?v=7gGKAWZrF_Q
Ссылки: !. http://de.wikipedia.org/wiki/Impressionismus_(Malerei)#Der_deutsche_Impressionismus
2. http://allpainters.ru/napravleniya/impressionizm.html
3.
http://www.the-athenaeum.org/art/counts.php?s=au&m=a
Что посмотреть в Музее русского импрессионизма / Новости города / Сайт Москвы
Музей русского импрессионизма откроется для посетителей 28 мая на территории культурно-делового комплекса «Большевик», который находится недалеко от Белорусского вокзала.
Постоянную экспозицию музея посвятят развитию русского импрессионизма с 1870-х годов. В неё включат более 100 работ Игоря Грабаря, Константина Коровина, Петра Кончаловского, Юрия Пименова, Константина Юона и других.
Русский импрессионизм — это лишь условное название полотен живописцев России, на которых оказали влияние французские импрессионисты. Во Франции это движение в искусстве зародилось во второй половине XIX века. Затем оно широко распространилось и в других европейских странах. Наиболее яркие представители импрессионизма — Эдуард Мане, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Дега — особое внимание в своих произведениях уделяли цвету и свету.
Однако между работами французских и русских мастеров есть и существенные различия: для французских импрессионистов главными были прежде всего впечатления от увиденного, а их русские последователи ставили во главу угла внутреннее состояние самого художника.
Они считали, что создать картину нужно за один сеанс, иначе живописец рискует потерять своё эмоциональное состояние, которое помогает творить только здесь и сейчас. Художник Константин Коровин, например, написал портрет оперного певца Фёдора Шаляпина в полный рост всего за два часа.
Эталоном русского импрессионизма часто называют знаменитую «Девочку с персиками» Валентина Серова. Интересно, что именно период увлечения этим стилем принёс художнику всенародную славу. Многие эксперты считают, что Серов перенял идеи импрессионизма от того же Коровина — своего близкого друга.
Константин Коровин: «Портрет хористки», «Париж. Бульвар Капуцинок»(1861–1939)
Сам Константин Коровин впервые увидел работы импрессионистов в 1887 году, во время поездки в Париж. Он влюбился и в этот город, и в стиль, поэтому одно из главных мест в творчестве художника стала занимать именно французская столица. Его очаровал ритм жизни, утренние и вечерние пейзажи Парижа — Коровин много времени провёл за работой, стараясь не упустить ни крупицы того, что он видел, чтобы перенести это на полотно.
Его самые известные работы того периода — «Париж утром», «Париж. Бульвар Капуцинок».
Следует отметить и «Портрет хористки», который называют первым произведением русского импрессионизма. Художник запечатлел на холсте молодую девушку на террасе на фоне сада, залитого солнцем. Картину высоко оценил знаменитый художник Илья Репин.
Игорь Грабарь: «Сентябрьский снег», «Уголок усадьбы»(1871–1960)
Игорь Грабарь открыл для себя творчество импрессионистов, когда в 1894 году поступил в Академию художеств на курс Ильи Репина. Здесь же прошли его первые попытки использовать их методы в своих картинах. Через год он отправился в путешествие по Европе, где ещё больше убедился в своей приверженности этому направлению.
Грабарь вернулся в Россию через шесть лет и продолжил писать в этой манере. Так он создал «Уголок усадьбы», «Луч солнца». «Сентябрьский снег» занимает особое место в его творчестве, потому что именно здесь наиболее сильно проявилось влияние импрессионистов.
Об этом говорит сочетание красок на полотне: серо-голубой фон, белый снег, яркая жёлто-зелёная листва.
(1875–1958)
Влияние на представителя старшего поколения советских художников Константина Юона оказывали несколько художественных течений, и импрессионизм лишь одно из них. Мастер несколько раз приезжал в Париж в период с 1896 по 1900 год. Там Юон делал оттиски гравюр с пейзажей в манере, напоминающей рисунок акварелью. Однако он не ставил перед собой цель скопировать живопись, относящуюся к новому движению, а пытался воспроизвести её в своём стиле.
Импрессионизм смущал его в одном: он не разделял мнения, что сиюминутное внутреннее состояние автора, которое лежит в основе этого течения, можно потерять. Однако такие картины, как «Зима. Ростов Великий» и «Конец зимы. Полдень. Лигачёво», написаны под влиянием импрессионизма.
Пётр Кончаловский: «Немур.
Франция», «Сбор винограда»(1876–1956)
Пётр Кончаловский увидел произведения импрессионистов в 1895 году. Они не оставили его равнодушным, и уже через год он уехал в Париж, чтобы научиться писать так же. Кончаловскому удалось поступить в студию Жюлиана, где он проучился два года. Там мастер написал картину «Немур. Франция», ставшую образцом «оптического смешения». Небо художник изобразил мазками разных оттенков синего, лилового и розового цветов, листву деревьев — жёлтого и зелёного. Для стен домов он выбрал красный, бледно-зелёный, синий, розовый и жёлтый цвета.
В России он любил проводить лето в Абрамцеве — его вдохновляла природа. Здесь Кончаловский создал «Ирисы», «Сбор винограда». В имении Белкино он писал особняк и его окрестности, результатами стали полотна «Белкино», «Садик», «Сирень» — конечно, в импрессионистической манере.
Юрий Пименов: «Актриса», «Зимой в Москве»(1903–1977)
Путь советского живописца Юрия Пименова к импрессионизму лежал через немецкий экспрессионизм.
Его любимыми картинами были холсты Ренуара и Дега.
Самые известные его произведения этого стиля — «Зимой в Москве» и «Актриса». Белые перчатки, флакон с духами, чашка, бокал — каждый элемент на этом полотне вносит свою лепту в формирование образа главной героини. Что касается её самой, то художник изобразил только часть подбородка и руки. В совокупности это и даёт тот самый эффект мимолётности мгновения, о котором так много говорили импрессионисты.
Magisteria
MagisteriaÐCreated using FigmaVectorCreated using FigmaПеремоткаCreated using FigmaКнигиCreated using FigmaСCreated using FigmaComponent 3Created using FigmaOkCreated using FigmaOkCreated using FigmaOkЗакрытьCreated using FigmaЗакрытьCreated using FigmaGroupCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using Figma��� �������Created using FigmaEye 2Created using FigmafacebookCreated using FigmaVectorCreated using FigmaRectangleCreated using FigmafacebookCreated using FigmaGroupCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaНа полный экранCreated using FigmagoogleCreated using FigmaИCreated using FigmaИдеÑCreated using FigmaVectorCreated using FigmaСтрелкаCreated using FigmaGroupCreated using FigmaLoginCreated using Figmalogo_blackCreated using FigmaLogoutCreated using FigmaMail.
ruCreated using FigmaМаркер юнитаCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaРазвернуть лекциюCreated using FigmaГромкость (выкл)Created using FigmaСтрелкаCreated using FigmaodnoklassnikiCreated using FigmaÐCreated using FigmaПаузаCreated using FigmaПаузаCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaПлейCreated using FigmaДоп эпизодыCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaСвернуть экранCreated using FigmaComponentCreated using FigmaСтрелкаCreated using FigmaШÑрингCreated using FigmaГромкостьCreated using FigmaСкороÑÑ‚ÑŒ проигрываниÑCreated using FigmatelegramCreated using FigmatwitterCreated using FigmaCreated using FigmaИCreated using FigmavkCreated using FigmavkCreated using FigmaЯCreated using FigmaЯндексCreated using FigmayoutubeCreated using FigmaXCreated using Figmaдружеский поединок в Берлине -Музей українського живопису
Импрессионизм vs экспрессионизм: дружеский поединок в Берлине
160 картин, созданных ярчайшими представителями обоих направлений в конце XIX — начале XX века, впервые намеренно собраны вместе.
Ренуар, Дега, Сезанн, Моне — против Клее, Кирхнера, Хеккеля, Марка. Кто победит? Судя по официальному сокращению названия экспозиции («ИмЭкс»), побеждает опять дружба!
Берлинская Национальная галерея была первым музеем, который начал приобретать работы импрессионистов: тогда, в 1896-м, даже Париж еще не «ухватил» идею! А вскоре галерея заинтересовалась и экспрессионистами. Таким образом, сейчас в Берлине собрана знаменитая коллекция экспрессионистов, которая экспонируется во Дворце Кронпринца.
Эдгар Дега «Танцовщицы» | Эрнст Людвиг Кирхнер «Две танцовщицы» |
Импрессионизм ассоциируется с такими именами, как Клод Моне, Эдгар Дега и Пьер-Огюст Ренуар во Франции, а также Макс Либерман, Ловис Коринт и Макс Слефогт в Германии. Экспрессионизм нередко идентифицируют как мощную ответную реакцию на импрессионизм. В какой-то мере это так. Одним из основополагающих принципов творческой группы «Мост», с которой начался экспрессионизм, было отрицание импрессионизма наравне с реализмом, модерном и материалистическим мировоззрением.
Экспрессионизм возник в Германии, и каноническими его представителями считаются Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель, Эмиль Нольде и Франц Марк.
Интересно отметить, что один из первых и главных идеологов экспрессионизма, — Кирхнер, — начинал свой художественный путь под влиянием Ван Гога и Матисса.
Пьер-Огюст Ренуар «Обнаженная на солнце» | Макс Пехштейн «Сидящая обнаженная» |
На первый взгляд может показаться, что импрессионисты и экспрессионисты видели вещи слишком по-разному. Трудно найти другую пару художественных направлений, которые бы так много противопоставляли друг другу: свойственная импрессионизму типично французская трепетная любовь к жизни — и резкий, контрастный немецкий экзистенциализм, которым дышит экспрессионизм. Но, несмотря на противоположность творческих подходов, импрессионизм и экспрессионизм имеют много общего. Так, художники обоих направлений разделяли анти-буржуазные и анти-академические взгляды, активно практиковали пленэры и искали способы передать тонкое взаимодействие света, эмоции и цвета.
Экспрессионисты наравне с импрессионистами придавали большое значение субъективности художника и тому, как в каждом мазке отражается характер и индивидуальность художника.
| Поль Гоген «Рождество» |
| Франц Марк «Коровы — красная, зеленая, желтая» |
Сейчас, когда оба течения заняли свое место в истории искусства, очевидно, что они в равной степени знаменовали собой конец эпохи модерна. А то, что многие художники (как, например, Август Макке) неоднократно переходили из одного «лагеря» в другой, как нельзя лучше показывает глубокую внутреннюю связь двух этих направлений.
Взаимоисключение или взаимодополнение — каковы же, все-таки, отношения между импрессионизмом и экспрессионизмом? Берлинская выставка «ИмЭкс» («ImEx») неслучайно слила их воедино в своем названии. Это хороший повод посмотреть на вещи шире и составить собственное мнение.
Вероятно, представленные на выставке сторонники индивидуализма одобрили бы такой подход.
| Макс Пехштейн. «Двойной портрет», 1910 |
Экспозиция «Импрессионизм — Экспрессионизм. Искусство на переломе» проходит в берлинской Старой национальной галерее до 20 сентября.
Автор: Юлия Власкина
ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 10. Импрессионизм (2): lovers_of_art — LiveJournal
«Живопись требует небольшой тайны,некоторой неопределенности, некоторой фантазии.
Когда вы вкладываете совершенно ясное значение,
людям становится скучно.» (Эдгар Дега)
Родившийся во Франции импрессионизм быстро распространился за пределы страны и стал международным явлением, приобретя в каждом из государств свой специфический характер, обусловленный географическими, историческими и ментальными особенностями страны. Но общие принципы импрессионизма — передача мимолетных впечатлений, использование пленэра, разложение цветов на чистые составляющие, зыбкость формы в вибрации воздуха и солнечного света, отказ от максимального правдоподобия, изменчивость образа человека в изменчивой среде – остались в той или иной степени незыблемыми.
Немецкий импрессионизм хронологически возник на два десятилетия позже французского, но живопись немецких художников вовсе не является «недоросшим»» импрессионизмом, немецкий импрессионизм – самостоятельное, отдельное явление. Коротко можно сформулировать отличие немецкого импрессионизма от французского так: французская традиция — это традиция видимости, немецкая – осязаемости, немецкий импрессионизм гораздо более экспрессионистичен, творчество немецких импрессионистов говорило столько же уму и сердцу, сколько и глазу.Родоначальником немецкого импрессионизма считается Макс Либерман (1847 – 1935),
родившийся в Берлине в ортодоксальной семье богатого еврейского текстильного промышленника. Я писала о нем подробно в обзоре немецкого импрессионизма тут: https://vanatik05.livejournal.com/8745.html
— поэтому сейчас упомяну только о некоторых моментах его биографии.
Занимаясь рисованием, а позже изучением живописи вопреки воле родителей, молодой Макс находился первое время под сильным влиянием голландцев, преклонялся перед Рембрандтом и пытался ему подражать.
Но после поездки во Францию и Италию, открытия своей студии на Монмартре, знакомства с творчеством французских художников, особенно Курбе и Милле, а позже и импрессионистов, Либерман находит свой путь в искусстве.
и в середине 90-х годов переходит к изображению людей в игре света, тени и солнечных бликов, пишет много портретов. Именно эта сторона его творчества интересует нас в этом обзоре.
Во время франко-прусской войны 1870 года и Первой мировой войны художник проявлял себя горячим патриотом Германии, считал себя обязанным оказывать своим творчеством содействие в войне. Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».
Тем тяжелее было ему наблюдать изменения, происходящие в Германии, ухудшение отношения к евреям, ограничения в искусстве, насаждение новой идеологии, появление тяжеловесной пропагандистской «имперской» живописи.
Он слагает с себя все полномочия по руководству прусской Академией художеств и говорит одному из своих друзей: «Я живу исключительно из ненависти. Я больше не смотрю в окно этой комнаты, я не хочу видеть новый мир вокруг меня». В 1933 году после тяжелой болезни он пишет свой последний автопортрет в неярких коричнево-желтых тонах, с добавлением зеленоватого. Это характерная для художника и любимая им «трехцветка» — использование в картине трех основных цветов с их разными оттенками.
Либерман умер 8 февраля 1935 года в своём дворце на Парижской площади, не дожив, к своему счастью, до «окончательного решения еврейского вопроса». Его жена позже оказалась в берлинском гетто и покончила с собой перед отправкой в концлагерь Терезиенштадт, приняв смертельную дозу барбитуратов.
Одним из ведущих художников берлинского Сецессиона, в котором преобладали импрессионисты, сменившим в 1915 году Макса Либермана на посту президента, был
Ловис Коринт (встречается и Коринф) (1858-1925), настоящее имя Франц Генрих Луис Коринт, (о нем я писала тут: https://vanatik05.
livejournal.com/8971.html)
родился в семье кожевенника, рано начал рисовать, некоторое время находился под влиянием творчества Курбе и художников Барбизонской школы, в 1899 году принимает участие в выставке, организованной участниками Берлинского сецессиона и открывает свою школу живописи для женщин.
Одна из его учениц, Шарлотта Беренд, девушка из зажиточной еврейской семьи, в два раза моложе мрачного и угрюмого Ловиса, становится его музой и женой, а главной темой его творчества впредь будет радость семейной жизни и отцовства.
В 1911 году Ловис перенес инсульт, осложненный левосторонним параличом и тремором рук, но ему удалось восстановиться благодаря уходу и любви жены и детей, и уже через год вернуться к мольберту – к счастью болезнь не затронула его правую рабочую руку.
Его работы становятся все ближе к экспрессионизму, для которого характерны прежде всего принцип выражения, преобладающий над изображением, и идея непосредственного эмоционального воздействия на публику.
Коринт проходит в своем творчестве путь от академизма, через импрессионизм к экспрессионизму, характерный путь для многих художников конца XIX — начала XX века.
Последние годы жизни Коринт проводит с семьей в небольшом селении у озера в Баварских Альпах, очень много работает и его картины успешно продаются, он счастлив.
Но неожиданно художник заболевает воспалением легких, болезнь протекает тяжело и заканчивается смертью в 1925 году. Его любимая жена, ставшая тоже художницей и хранительницей памяти мужа успела, к счастью, эмигрироватьс детьми в 1933 году в США и в 1958 году опубликовала полное собрание произведений Ловиса Коринта.
С приходом фашизма живопись Коринта, как и многих других художников, была объявлена «дегенеративным искусством» и примерно 300 его картин в 1937 году были уничтожены либо распроданы.
Во второй половине девятнадцатого века, опережая появление французского импрессионизма, в Италии появилась группа художников, отошедших от классических академических канонов и желавших перенести на свои полотна жизнь и природу в их истинном проявлении.
Они объединились в движение, получившее название «маккьяйоли» (Macchiaioli), от слова «macchie» — «пятно» — свободная манера письма яркими цветовыми пятнами (я писала о них тут: https://vanatik05.livejournal.com/2014/08/08/ и тут: https://vanatik05.livejournal.com/10632.html
Одним из ярких представителей этого движения, получившего известность благодаря портретам не только своих сподвижников, но и многих знаменитых людей Европы, был Джованни Болдини (1842 – 1931),
родившийся в семье религиозного художника и получивший от него первые навыки в рисовании. После успешного обучения в Академии художеств во Флоренции Болдини становится модным портретистом, получая заказы от многих ведущих членов общества в Лондоне и Париже для их салонов, его искусство приносит ему богатство и славу.
Критики называли Болдини одним из лучших портретистов «Прекрасной эпохи» (конец XIX — начало XX века), а близкие друзья Эдгар Дега, Джон Сарджент, высоко ценили его резкую, живую, страстную манеру письма, за которую художник получил прозвище «мастер свистящего мазка».
Среди наследия Болдини есть большое количество женских портретов, и особенно много – его возлюбленной и музы графини Габриэле де Расти, женщины из высших слоев общества, которая безусловно была вдохновительницей и обожаемой моделью художника, хотя он и не всегда подписывал ее портреты с упоминанием имени женщины.
Вообще о его личной жизни известно мало, женщины его обожали, друзья любили, он был популярен и богат, но женился только за 2 года до своей смерти в возрасте 91 года, на женщине, которая была моложе него на 56 лет и разошлась ради него с мужем. На свадебной церемонии Болдини сказал: «Это не моя вина, что я такой старый, но это случилось со мной и случилось все сразу». Огромная популярность художника у светских женщин, а они были готовы месяцами ждать очереди за своим портретом у него, объясняется еще и тем, что Болдини сочетал натуралистическую манеру в написании лиц с импрессионистической — в изображении одежды и окружающего антуража.
Картины и портреты Болдини и сегодня высоко ценятся..jpg)
Например, вот этот портрет в 2010 году был продан на аукционе за почти 2,1 млн. евро. История его стала известна после обнаружения в запертой в течение 70 лет квартире, принадлежавшей наследникам. Есть мнение, что изображенная на ней женщина «полусвета» являлась долгие годы музой и возлюбленной великого художника.
Пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников, (я писала об этом тут: https://vanatik05.livejournal.com/10981.html )
Многие из них долгие годы жили и работали в Париже, их стиль был более размашистым, они использовали более интенсивный цвет, чем французы, любили яркий белый, насыщенный красный, «вибрирующие» поверхности, солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах «отражался воздух Испании». Одним из самых известных испанских портретистов был Хоакин Соролья (-и-Бастида) (1863 — 1923)
Художник родился в Валенсии в семье торговца. Уже через 2 года он и его младшая сестра остались сиротами после смерти родителей (вероятно, от холеры), и детей воспитывала семья дяди.
С 9 лет у Хоакина проявились художественные наклонности и он начинает заниматься живописью, некоторые свои работы продает местному лавочнику, одну из них увидел случайно зашедший в лавку известный фотограф, пришел от картины в восторг, купил ее и захотел познакомиться с художником.
С тех пор он помогал молодому Хоакино, дал ему возможность работать в его мастерской, где тот и познакомился с его дочерью, ставшей позже его возлюбленной и женой. После службы в армии Соролья продолжает обучение в Испанской академии в Риме, ненадолго едет в Париж, где происходит его первое знакомство с современной французской живописью.
Начинал художник с натуралистической живописи и социальной тематики, но постепенно его палитра стала светлеть, а сюжеты отражать вечные темы – красоту испанской природы, моря, женщин, детей, радостного бытия. Он овладевает искусством передавать свет, вибрацию воздуха, солнечные блики, его отличает от французских импрессионистов только лишь более четкие мазки и очертания фигур.
В 1906 году в Париже состоялась первая большая персональная выставка Сорольи, принесшая ему известность и мировую славу, а еще в 1899 году ему был присвоен испанскими властями титул «Любимый сын Валенсии». А любовью всей его жизни были его жена и дети, его сын стал после смерти отца директором созданного в доме художника музея.
Умер Соролья в возрасте 60 лет от последствий инсульта¸ который случился за два года до смерти во время работы за мольбертом и привел к тому, что он был полностью парализован. Врачи считали, что художник слишком много ездил по разным странам и слишком интенсивно работал. Его наследие составило более 2000 картин.
Из горячей Испании перенесемся на север, в Скандинавию, где импрессионизм более сдержанный, более «прохладный», меньше света и солнца, краски более мягкие, от него веет покоем и задумчивостью. (О шведском импрессионизме я писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/24213.html )Но все эти описания не относятся к одному из самых знаменитых шведских портретистов, живописцев и графиков – блистательному Андерсу Цорну (1866 — 1920), которого считали своим как художники-реалисты так и импрессионисты.
Андерс Цорн родился и рос не ферме родителей матери, его отец, местный пивовар, так и не женился на ней, мальчик был незаконнорожденным, что вовсе не сказывалось на его жизнерадостном характере. Он рано проявил художественные способности – рисовал, делал деревянные фигурки, и уже в 15 лет начал учиться в школе при Королевской академии искусств, а потом и в самой Академии, подрабатывая рисованием заказных портретов. Однажды ему заказали портрет девушки из богатой еврейской семьи, между ними вспыхнула любовь, Андерс Цорн и Эмма Ламм тайно обручились.
Эмма не решалась признаться родным, текстильным магнатам, что выходит замуж не только не за еврея, но еще и за нищего художника, да еще и незаконнорожденного. Но уже через несколько лет Цорн становится известен, а потом и знаменит в Стокгольме, а затем и в других странах, в США и особенно России, где он познакомился с Дягилевым, Мамонтовым, Шаляпиным, а Репин назвал его «Паганини живописи». И.Грабарь сказал о нем: «Цорн — какой-то баловень судьбы, которого природа наделила всем, о чем только может мечтать художник».
В Петербурге он дал урок написания НЮ в Академии художеств, в этом жанре он писал много и с упоением, его обнаженные женщины прекрасны, жизнерадостны и эротичны.
Он и сам отличался неукротимым темпераментом и был любвеобильным – каждое лето он проводил поблизости от деревни своего детства, где купил участок земли и перенес на него дом деда, и каждой весной в деревне рождались незаконнорожденные детки, которым священник по желанию матерей давал имена «Андерс» или «Андреа». Жена Эмма смотрела сквозь пальцы на эти увлечения, только однажды она испытала тревогу, когда связь мужа с одной великосветской дамой длилась несколько лет.
На протяжении жизни Цорн писал и много автопортретов, прослеживая и отображая не только внешние изменения, происходящие в нем, но и внутреннее превращение неуверенного еще в себе молодого человека (смотри выше портрет художника в молодости), в успешного художника, богатого и знаменитого не только в Швеции, но и в мире.
Стасов писал об Андерсе Цорне, что тот изображал «всегда только то, что собственными глазами видел… но повсюду… вносил своею великою кистью столько правды жизни, света, поэзии, элегантности, жизненной радости, светлой души, что… бесспорно, является одним из самых блестящих представителей не только шведского, но европейского искусства».
А теперь пересечем океан и посмотрим, что в это время происходило в художественной жизни США, и поразимся тому количеству американских художников, которые не только следовали в фарватере европейских тенденций, но и развивали их, придавая им местный колорит. В 70-х годах 19 века многие начинающие американские художники уезжали получать образование в Европу и не могли не подпасть под влияние нового, расцветающего там направления в живописи, которое в Америке к концу девятнадцатого века тоже пустило свои корни не на пустом месте.
Базой для его развития стала мощная школа реалистической живописи, сложившаяся во второй половине века. Важной вехой в развитии импрессионизма в Америке стала выставка французских импрессионистов в 1886 году, где было представлено более 300 работ «классиков» этого течения. (Об этом более подробно я писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/2013/11/11/)
Родившийся в США, живший большую часть жизни в Англии, считающийся англо-американским художником Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1834 -1903),
мастер портрета в полный рост, взявший от импрессионизма стремление запечатлеть первое поэтическое впечатление от предмета, но не признававший роль пленэра и густого сильного мазка – он разводил краски до акварельной прозрачности.
Интересный факт биографии: его отец, военный инженер, проектировал в России Николаевскую железную дорогу, когда Джеймсу было 10 лет, он приехал к отцу в Петербург, прожил там 6 лет, ходил в музеи, бывал в Петергофе, познакомился с Брюлловым, и даже был принят в Академию художеств.
В ранних портретах, выполненных в разных оттенках одного цвета, Уистлер старался передать не столько сходство, сколько настроение. Позже это «ответвление» в живописи импрессионизма назовут тонализмом, но тогда художника критиковали за «эстетство», за «музыкальные» названия картин, за подражание японским миниатюрам, даже за то, как он выглядел и одевался. Он терпеть не мог реализм, воевал с ним, и одной из причин этой войны был уход его девушки (на портрете выше) к реалисту Курбе.
Постепенно его работы завоёвывали сначала интерес, а потом и признание не только в Европе, но и в родной Америке, у него проходят выставки, которые он готовил сам, тщательно продумывая все детали до последнего гвоздя, интерьер, цвет стен, даже одежду смотрителей, отдавая предпочтение экстравагантному стилю и коричнево-желтым цветам.
Последние годы жизни художник много болел и жаловался на меланхолию, душевную и физическую усталость, скончался он в Лондоне, там же и похоронен. Свое кредо в Искусстве он сформулировал так: «Природа содержит — в цвете и формах — элементы всех картин, подобно тому, как клавиатура содержит звуки всякой музыки. Но художник рождён для того, чтобы выбрать, отобрать и сгруппировать со знанием дела эти элементы так, чтобы достичь прекрасного результата, так же как музыкант выбирает свои звуки и образует аккорды, пока не добудет из хаоса великолепную гармонию».
Американская художница, прожившая большую часть жизни во Франции, Мэри Кэссет (или Кассатт Кассат, Кэссетт) (1844 -1926),
родилась в семье биржевого брокера, рано начала ездить с родителями за рубеж, побывала во многих европейских столичных музеях. Семья была против ее занятий живописью, но она настояла, начала уже в 15 лет обучение в Америке и продолжила самостоятельно учиться в музеях Италии, а в Париже вместе с Камилем Писсаро.
Творчество и знакомство с Дега, оказало на нее большое влияние, привело ее к импрессионизму, она говорила об этом так: «Это изменило мою жизнь. Я увидела искусство таким, каким я хотела его увидеть».
После трехлетнего перерыва в работе из-за болезни сестры и матери она вернулась к творчеству, но стиль ее уже несколько изменился, с конца 80-х годов Мэри уже не определяет свое творчество как принадлежащее к импрессионизму, приобретает известность не только во Франции, но и в Америке, а темой ее работ все чаще становятся сцены, изображающие мать и дитя.
В этих картинах, изображающих счастье материнства, отразилось, вероятно, ее сожаление о собственной судьбе. Нет сведений о каких-либо ее связях с мужчинами, о какой-либо любовной истории. Еще в юности Мэри заявила родителям, пытавшимся внушить ей свое представление о предназначении женщины, что отказывается от замужества, детей и полностью посвящает себя живописи.
И обет свой она выполнила — до самой смерти, почти ослепнув, она продолжала работать и умерла в одиночестве в возрасте 82 лет.
За заслуги в области искусства Мэри Кэссет была награждена орденом Почетного Легиона и ее можно назвать «Леди импрессионизма» (Валерий Койфман. Проза.ру)
И еще один американский художник, сравнения с которым опасались даже французские импрессионисты, прославившийся главным образом своими портретами, вошедший в список мировых классиков живописи, Джон Сингер Сарджент (1856—1925).
Сарджент родился во Флоренции, где его родители-американцы оказались проездом, и так с тех пор так и не имел гражданства ни одной страны. Родители много времени проводили в Европе, мать верила в то, что посещение музеев и храмов даст детям достаточное образование. Она и сама была прекрасным художником-самоучкой, да и отец иллюстрировал медицинские журналы. Мальчик рано начал рисовать, копируя изображения морских пейзажей и судов из журналов. Не получив регулярного образования, Сарджент тем не менее говорил на нескольких языках и был знаком с творчеством великих мастеров, был принят в Школу изящных искусств в Париже, занимался самообразованием, рисовал в музеях.
После поездки в по Испании Джон «заболел» Веласкесом, в Париже познакомился с Дега, Роденом, Моне, общался с американскими художниками, а его первоначальное увлечение пейзажем сменилось интересом к портретам, которые и принесли ему славу и высокие заработки. Он жил и рисовал в Париже, Италии, Америке, Лондоне, где у него была своя студия. В Париже он прожил 12 лет и начал приобретать авторитет и даже славу прекрасного портретиста, которая несколько померкла из-за портрета мадам Готро,
на котором по мнению французских ценителей дама из высшего света была изображена вызывающе откровенно и излишне сексуально привлекательной (тем более, что на одном из вариантов картины одна бретелька на платье была приспущена). Разразился скандал и заказов постепенно становилось меньше, но Сарджент участвует в совместных проектах с импрессионистами, много работает на пленэре, рисует своих друзей и их детей.
О личной жизни художника известно очень мало, он был скрытен, оберегал свою жизнь от публичности и сплетен, поговаривали даже о его сексуальной ориентации из-за большого количества работ с обнаженными мужчинами, но и женских НЮ у него тоже было немало, а уж о женских портретах можно говорить бесконечно.
Заканчивая обзор портретной живописи в стиле импрессионизма и переходя к следующему этапу, еще раз хочу сказать о том значении, которое импрессионизм имел для развития большинства современных направлений живописи и том новом, что он внес в искусство. Импрессионисты не стремились к затрагиванию острых социальных или философских проблем, а старались передать мимолетные впечатления от увиденного, изобразить реальный мир в его подвижности и изменчивости, стремясь «увидеть мгновение» и отразить настроение.
Как всегда, предлагаю посмотреть видеоклип по теме «портретная живопись импрессионистов стран Европы и Америки», музыка Дебюсси, 102 репродукции, продолжительность – почти 7 минут.
Ссылки: https://muzei-mira.com/biografia_hudojnikov/
http://allpainters.ru/
https://artchive.ru/artists_works
https://ru.wikipedia.org/
https://www.wikiart.org/ru
В 1890 году Коринф и Слефогт были в Мюнхене,
затем важный художественный центр, Франц
фон Ленбах (1836-1904), который также создал портреты в стиле Рембрандта.
Наплыв французских постимпрессионистов
работы в Германии после 1900 года проложили путь к стилистическим экспериментам
картины раннего экспрессионизма,
в котором цвет, рисунок и сюжет становились все более искаженными,
выражая большую психологическую напряженность, чем Коринф передал в Детство Зевса . Колонии художников: Ворпсведе и Дахау Остается еще одна нить немецкого языка
картина для рассмотрения. Так же, как и во Франции художники со всего мира
мир тянулся в Бретань, английских художников — в Корнуолл, а шотландских
художников в Кокбернспат, поэтому в Германии стремление убежать от
города находили свое выражение в колониях художников, которые возникали по всей
страна. Двумя наиболее известными и художественно значимыми были Ворпсведе.
на севере и Дахау на юге.Эти колонии не были такими отдаленными
географически как Понт-Авен. Ворпсведе был деревней примерно в 20 милях от
Бремен, сам по себе важный художественный центр, недалеко от Гамбурга и других крупных
городские центры Северной Германии. Дахау находился недалеко от Мюнхена. Художники из
обе колонии выставлялись на сецессионистских и других выставках в городах
от которого они так стремились убежать.
Паула Модерзон-Беккер В 1898 году приехала 23-летняя Паула Беккер.
в Ворпсведе, где она подружилась с другими молодыми художниками, познакомилась с Рильке в
1900 г. и вышла замуж за Отто Модерсона в 1901 г.Однако она нашла работу
ее наставники слишком жанровые, и стремились к простоте формы и цвета,
отчасти из-за ее восхищения фон Маресом и Беклином, но в большей степени
главное из работ Ван Гога и Гогена, которые она видела в
Париж. Паула Модерзон-Беккер
был, таким образом, одним из первых прямых передатчиков в Германию уроков
великих французских постимпрессионистов. Ее картины представляют собой отказ
натуралистической техники, не отказываясь от натуралистической тематики. немецкий Постимпрессионизм: идеализм против натурализма Конфликт между идеализмом и натурализмом был центральной проблемой, с которой столкнулись немецкие художники-постимпрессионисты этого периода. период. Их натурализм становился все более красочным и свободным. по исполнению пока не напоминало что-то сродни импрессионизму, правда у него были совсем другие источники. Но прежде всего Идеал, который с тех пор конец восемнадцатого века был доминирующим штаммом в немецком языке. искусства, никогда по-настоящему не отказывался от работ даже самых «импрессионистских» художников.(Можно возразить, что идеализм был фактором со времен немецкого Ренессанс c.1430-1580.) Внешне казалось, что интернационального стиля» в европейской живописи около 1900 г. В 1904 г. немецкий критик Альберт Дрезднер писал:
Фриц Бургер, тем не менее, заметил важное национальные различия между французским и немецким искусством. Для него французы казался прагматичным, но, тем не менее, твердо основывался на классической традиции.Немецкий художник, по его мнению, был слишком озабочен предметом, чтобы развивать его. последовательный прием: «Он ищет сущность в самом предмете». Мунк и Ходлер были менее увлечены
эта дилемма, возможно, потому, что ни один из них не был немцем. В Германии было только
после 1905 года немецкий экспрессионизм
нашел способы слияния техники и содержания, наблюдения и выражения.
ССЫЛКИ |
Бисмарка, был самым уважаемым мюнхенским художником того времени. Чем больше
прогрессивные художники во главе с фон Штуком были в контакте с символистами.
кружками в Париже, а в 1892 г. образовал Мюнхенский
Сецессия — первое сепаратистское движение в Германии.Художники
на этой первой выставке были представлены Коринф, Слефогт, Уде и
Трубнер — два последних произведения школы Лейбла. Дега и Моне
были и среди тех, кого уговорили прислать работу из Парижа. В Берлине,
буря вокруг выставки Мунка в 1892 году привела к тому, что 11 художников поставили
создать собственную выставочную организацию (Группа XI), которая сформировала ядро
Берлинского сецессиона, основанного в
1898 г. В его состав входили Либерман и художник-символист Хофманн.Многие иностранцы выставлялись в Берлинском Сецессионе, в том числе такие художники, как
разнообразны, как Бланш, Брангвин, Котте, Ходлер, Ла Туш, Люс, Моне, Писсарро,
Раффаэлли, Сегантини, Валлоттон, Вюйар, Уистлер и Роден.
(Смотрите также:
Венский сецессион.) Растущая известность
арт-дилеров, таких как Гурлитт и Кассирер в Берлине и Арнольд в Дрездене,
привело к широкой экспозиции произведений импрессионистов и постимпрессионистов.
Картины Ван Гога
(1853-90), пуантилист Жорж
Сера (1859-91), Поль Сезанн
(1839-1906) и Поль Гоген (1848-1903), например, все стало хорошо
известны на рубеже веков.Их работы были иллюстрированы в
периодические издания и книги, и они достигли мифического статуса за десятилетие до
они прославились в Англии или США.
Этот побег в деревню,
где Gemeinschaft (сообщество) может существовать как альтернатива Gesellschaft (общество) жизни в городе, было основой
многие литературные и художественные проявления того времени.(См. Также: Народный
ст.) В 1889 г. Фриц Макензен (1866-1953) и Отто Модерсон (1865-1943),
два художника чуть за двадцать, приехали в Ворпсведе из Мюнхена.
и академии Дюссельдорфа в попытке уйти от того, что они воспринимали
быть буржуазным реализмом традиционных художественных институтов
города. Вскоре к ним присоединились и другие художники, и зимой 1894-1895 гг.
они провели свою первую групповую выставку в Кунстхалле в Бремене.
выставку, которая затем была перенесена в мюнхенский Гласпаласт, где их
работа рассматривалась как немецкий эквивалент « Мальчиков из Глазго» .березы,
пустоши, болота и каналы были предметами их картин,
натуралистические темы, которые часто сочетались с югендстилем.
влияет. Это относилось и к художникам Дахау, поскольку работы
Людвиг Дилл (1848-1940) показывает. Поэт Райнер Мария Рильке искал
Ворпсведе, как он позже «разыскивал» Родена; он писал поэтические воспоминания
обоих художественных явлений. Он нашел в Ворпсведе квинтэссенцию значимости
северного пейзажа, усовершенствованного Якобом
Ван Рейсдал (1628-82).Сочиняя Модерсона, он говорил о художнике
следующим образом:
Мы научимся ценить
эту задачу и не упускать из виду ту жизнь, которая пытается решить эту задачу.
Это все еще глубоко чувствующий человек, у которого есть свои мифы, свои германские
нордический мир.
Они узнаваемы как вариации импрессионистов.
концепция искусства и показать себя
настолько управляется этой концепцией, что национальные различия стираются и в
некоторые случаи почти исключены. По правде говоря, никогда еще искусство не было таким «ненациональным».
как сегодня в эту эпоху национального принципа.
Однако эти дилеммы придали силы лучшему немецкому искусству того времени.
Предыдущее поколение.Либерман и Коринт, в частности, выдающиеся
Немецкие художники этого поколения поделились со своими французскими современниками
стремление привить уроки натурализма к продолжающимся традициям
своего национального искусства.Немецкая импрессионистская пейзажная живопись: Либерманн-Коринт-Слефогт (11 ноября – 5 декабря 2010 г.)
Макс Либерманн, немец, 1847-1935 гг.
Загородный дом в Хилверсюме — Вилла в Хилверсюме
1901
Холст, масло
Государственный музей Берлина, Национальная галерея, инв.№ 1247
Ловис Коринт, немец, 1858–1925 гг.
Пейзаж долины Инн
1910
Холст, масло
Государственный музей Берлина, Национальная галерея, инв. № 263, НГ 1263
Макс Либерманн, немец, 1847-1935 гг.
Терраса в саду возле Ванзее в направлении на северо-запад
1916
Холст, масло
Музей изящных искусств, Хьюстон, покупка музея на средства, предоставленные благотворительным фондом Одри Джонс Бек, 2009 г.549
Ловис Коринт, немец, 1858–1925 гг.
Художник Лейстиков
1900
Холст, масло
Государственный музей Берлина, Национальная галерея, инв.
№ В 84
Макс Либерманн, немец, 1847-1935 гг.
Садовый ресторан на Гавеле — Никольское
1916
Холст, масло
Государственный музей Берлина, Национальная галерея, инв.№ НГ 4/94
Ловис Коринт, немец, 1858–1925 гг.
Вальхензее с лиственницей
1921
Холст, масло
Государственный музей Берлина, Национальная галерея, инв. № А II 366; НГ 1381
Ловис Коринт, немец, 1858–1925 гг.
Терраса в Клобенштейне, Тироль
1910
Холст, масло
Гамбургер Кунстхалле, Гамбург, Германия (HK-2766)
Макс Либерманн, немец, 1847-1935 гг.
Ресторан Garden—Beer Garden в Лейдене или в ден-Зельтене
1900
Холст, масло
Hamburger Kunsthalle, Гамбург, Германия, подарен Körber-Stiftung, Гамбург, 2002 г.
просмотреть слайд-шоу
Импрессионизм считается принципиально французским художественным движением, но международная репутация Парижа как ведущего мирового художественного центра неизбежно привела к распространению этого стиля в других странах.Студенты-художники со всей Европы стекались в Париж, чтобы пройти обучение в Академии изящных искусств или в одной из многочисленных частных студий. Несмотря на натянутые политические отношения между Германией и Францией в то время, интерес немцев к французским художественным достижениям был особенно живым.
Немецкий импрессионист Пейзаж включает более 90 картин замечательных художников Макса Либермана, Ловиса Коринта и Макса Слефогта.
Либерман (1847–1935), которого называли «немецким Мане», жил в Париже с 1873 по 1878 год и впоследствии стал лидером целого поколения немецких художников, включая Коринфа (1858–1925) и Слефогта (1868–1868). 1932), которые были вдохновлены работами своих коллег из Франции, таких как Поль Сезанн, Эдгар Дега, Винсент Ван Гог, Эдуард Мане, Клод Моне и Огюст Ренуар.
Либерманн, Коринф и Слефогт прославились как «триумвират немецкого импрессионизма». Хотя ни один из троих не был исключительно художником-пейзажистом, их пейзажи дают возможность проследить развитие определенного вида немецкого импрессионизма через произведения высочайшего качества.
Организаторы MFAH и Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud в Кёльне, Германия, Немецкая импрессионистская пейзажная живопись — первая крупная выставка в США, посвященная этой теме за 30 лет.Параллельная выставка «Рисунок с натуры: пейзажи Либермана, Коринта и Слефогта », представленная исключительно в MFAH, представляет работы трех художников на бумаге.
Эта выставка организована MFAH и Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Кельн.
Щедрое финансирование предоставлено:
Линда К. Фингер
10 великих немецких экспрессионистских фильмов
Destiny возвращается в кинотеатры с 9 июня 2017 года
Купить билеты на Destiny в BFI Southbank
Немецкий экспрессионизм — один из самых узнаваемых стилей немого кино, хотя иногда его трудно определить.Экспрессионизм — это художественный стиль, который впервые появился в поэзии и изобразительном искусстве в начале 20-го века, а затем переместился в такие области, как театр, архитектура и кино после Первой мировой войны. Предлагая субъективное представление о мире, экспрессионизм частично восходит к немецкому романтизму и раскрывает тоску своих человеческих фигур через их искаженное, кошмарное окружение.
В кино это чаще всего ассоциируется с наклоном, невозможными декорациями, высокими углами и глубокими тенями.
Итальянский термин chiaroscuro часто используется для описания высококонтрастного расположения света и тьмы, но немецкий кинокритик Лотте Эйснер предпочла термин из своего языка: Helldunkel, который она определила как «своего рода сумерки немецкой души, выражающие себя в темных, загадочных интерьерах или в туманных, бесплотных пейзажах».
Немецкий экспрессионистский кинематограф процветал после ужасов войны на полях сражений и экономического опустошения, вызванного ее последствиями. Есть несколько фильмов, которые можно охарактеризовать как чистый немецкий экспрессионизм, например, знаменательный «Кабинет доктора Дж.Калигари (1920), но, хотя это движение процветало в годы Веймара, оно разбавлялось и смешивалось с другими стилями, включая «Neue Sachlichkeit» (новая объективность) реалистических уличных фильмов. Эта вариация сохранится в течение десятилетий в острых углах и сгущающихся тенях классического фильма нуар.
«Судьба» Фрица Ланга (1921), например, повторно выпущенная в кинотеатрах 9 июня, содержит много отчетливых экспрессионистских элементов, но, как утверждает сама Эйснер, она добавляет и многие другие стили, становясь в какой-то момент пародией на саму форму.
.Если вы хотите ощутить всю широту немого экспрессионизма, есть несколько классических примеров, созданных художниками, которые называли себя «апокалиптическими подростками» и чьи мрачные видения продолжают преследовать кино.
Памела Хатчинсон
Кабинет доктора Калигари (1920)
Директор Роберт Вине
Несомненно, один из самых знаковых и влиятельных фильмов всех времен, «Кабинет доктора Калигари» по праву славится перекошенными, вызывающими тревогу углами нарисованных декораций и кошмарным напряжением мрачной сюжетной линии, в которой Фрэнсис ( Фридрих Фехер) пытается раскрыть серию убийств, которые, как он подозревает, были делом рук безумного карнавального гипнотизера доктора Калигари (Вернер Краусс) и его аттракциона-сомнамбулы Чезаре (Конрад Вейдт).
Фильм часто читается как аллегорический ответ на Первую мировую войну, где Чезаре представляет невинных солдат, которые были вынуждены убивать по указанию жестокого авторитарного правительства (которое представляет Калигари), хотя неприятный образ фильма во всех его проявлениях авторитетные фигуры, в том числе неэффективная полиция и грубый городской клерк, возможно, указывают на более широкую, менее конкретную социальную критику послевоенного мира.
Алекс Барретт
С утра до полуночи (1920)
Директор Карл Хайнц Мартин
Даже сегодня шокирующий фильм «От утра до полуночи» остается одним из самых смелых образцов немецкого экспрессионистского кино.Основанный на пьесе одного из самых уважаемых писателей-экспрессионистов той эпохи, Георга Кайзера, в центре сюжета — банковский кассир (Эрнст Дойч), который крадет деньги после того, как был очарован элегантной покупательницей (Эрна Морена). Движимый похотью, он умоляет покупательницу уйти с ним, но она смеется ему в лицо. Обезумевший от необходимости вернуться домой к своей унылой семейной жизни, кассир пускается в бега, полный решимости найти удовольствие и страсть, которых ему не хватало. Но его постоянно преследуют видения смерти, и его отношения с украденными деньгами вскоре портятся.
Мартин ранее поставил текст на сцене, где он попытался отделить работу от реальности — в этом он пошел еще дальше в фильме, используя минималистский, похожий на набросок стиль, чтобы приблизить его к субъективным эмоциям точки зрения кассира.
Посмотреть.
АБ
Голем: как он появился на свет (1920)
Директора Пол Вегенер и Карл Бозе
Третья и единственная сохранившаяся часть трилогии Пола Вегенера «Голем», действие которой происходит в 16 веке, «Голем: как он пришел в мир» была приквелом к предыдущим, современным частям и, как таковая, более тесно связана с традиционным Еврейская легенда.В пражском гетто раввин Лёв (Альберт Штайнрюк) лепит из глины Голема (Вегенера), намереваясь защитить свою общину от ужасной трагедии, предсказанной им в звездах. Затем Лёв вызывает дух Астарота, отчаянно желая узнать от него волшебное слово, которое оживит Голема.
Как и «Кабинет доктора Калигари», «Голем» должен был оставить неизгладимое впечатление. В своем новаторском изображении заклинания Астарота и в изображении мирного взаимодействия между «монстром» и молодой девушкой фильм предвосхищает ряд более поздних работ, включая классику Веймарской эпохи, таких как Ф.«Фауст» В.
Мурнау (1926) и будущие голливудские постановки, такие как «Франкенштейн» Джеймса Уэйла (1931).
АБ
Носферату (1922)
Директор Ф. В. Мурнау
Что-то вроде аномалии в экспрессионистском кинематографе, Носферату широко использует реальные локации, а не воссоздает свой мир исключительно в студии. Таким образом, он восходит к корням экспрессионизма в немецком романтизме, и в его ранних сценах есть лирическая, пасторальная красота.Но по ходу фильма образы приобретают все более жуткий оттенок, и Мурнау заставляет знакомое казаться странным, наполняя свои реальные места жутковатыми экспрессионистскими штрихами и медленно перемещая нас от реальности к кошмару.
Несанкционированная адаптация романа Брэма Стокера «Дракула», «Носферату» переносит действие романа из Лондона 1890-х годов в Германию 1830-х годов и превращает одноименного вампира в воплощение сверхъестественной силы с крысиными зубами, символизирующей неизбежность и неизбежность смерти.
Вдова Стокера подала в суд на незаконное использование текста, и суд постановил уничтожить все копии фильма, но, к счастью, копии уже разошлись повсюду, и фильм пережил попытку уничтожения.
АБ
Предупреждающие тени (1923)
Директор Артур Робисон
В фильме Артура Робисона 1923 года иллюзионист использует знаменитые разоблачительные тени немецкого экспрессионизма, чтобы создать моральную пьесу для собрания богатых друзей в особняке.Граф (Фриц Кортнер), пригласивший гостей на обед, проникается ревностью к своей красивой молодой жене, и не зря – игра теней выступает предупреждением о последствиях измены и собственничества. Выпученные глаза и искаженные черты лица Кортнера — это грани классического экспрессионистского исполнительского стиля, поскольку его неестественные чувства искажают его лицо и тело во что-то, что кажется нечеловеческим.
Представленный без титров фильм, как и пьеса в нем, строит свою историю исключительно из теней.
Гости в ужасе наблюдают, как кукольник захватывает их тени, а их скрытые, самые низменные личности проецируются на стену. Истина обнаруживается во тьме: в какой-то момент тень графа падает ниже охотничьего трофея, так что его двойник принимает рога рогоносца.
РН
Руки Орлака (1924)
Директор Роберт Вине
В этом травмирующем телесном ужасе концертирующему пианисту Полу Орлаку делают операцию по пересадке руки после того, как он попал в железнодорожную аварию.Откровение о том, что его новые руки когда-то принадлежали убийце по имени Вассер, разрушает его жизнь. Помимо того, что он больше не может играть на пианино, он боится, что его потянет к насилию, и он слишком напуган, чтобы ласкать свою жену.
Конрад Вейдт играет захватывающую игру травмированного пианиста, в измученной, чудовищной экспрессионистской манере, человека, напуганного собственной способностью творить зло, в то время как ухмыляющийся Фриц Кортнер играет Неру, грозного сообщника Вассера из преступного мира, и незабываемо появляется как бестелесная голова, нависающая над кроватью Орлака.
Фотография Helldunkel Гюнтера Крампфа усиливает атмосферу морального мрака, поскольку невиновный человек поглощает вину убийцы. «Руки Орлака» дважды пересняли и вдохновили на создание еще большего количества фильмов, хотя немногие могут сравниться с его настроением постоянной угрозы и отвращения к себе.
РН
Восковые фигуры (1924)
Директор Пол Лени
Следуя образцу, заданному такими, как Destiny, Waxworks представляет собой антологию из трех сказок, происходящих в разное время и в разных странах, в обрамлении истории молодого поэта (Уильям Дитерле), который отвечает на объявление о поиске «творческого писателя для рекламной работы в выставка восковых фигур».Достигнув выставки, поэт пытается ухаживать за дочерью владельца, создавая диковинные предыстории для восковых экспонатов Харуна аль-Рашида (Эмиль Яннингс), Ивана Грозного (Конрад Вейдт) и Джека Потрошителя (Вернер Краусс).
Прежде чем заняться режиссурой, Лени работал художником и дизайнером, и здесь он придает каждой части особый стиль, соответствующий их разнообразным тонам: история Харуна ар-Рашида отмечена выпуклыми кривыми, чтобы подчеркнуть ее похотливую игривость, в то время как тесные пространства истории Ивана Грозного подчеркивают царское чувство паранойи и преследования.
Между тем, двойная экспозиция раздела о Джеке-Потрошителе подчеркивает его лихорадочный сон, кошмарный характер.
АБ
Разнообразие (1925)
Директор Е.А. Дюпон
Описанный в начальных титрах как «трагедия акробата», «Варьете» – это мелодрама с элементами экспрессионизма, далекая от привкуса Гран Гиньоля экспрессионистского цикла ужасов. В истории, чем-то напоминающей «От утра до полуночи», бывший акробат Босс (Джэннингс) бросает свою жену и ребенка после того, как поддался соблазнительным ухаживаниям более молодой женщины Берты-Мари (Ля Де Путти).Движимый похотью и желанием вернуть себе былую славу, Босс быстро придумывает программу на трапеции со своим новым увлечением, но их отношения усложняются, когда их выступление — и в частности Берта-Мари — привлекает внимание профессионального акробата Артинелли (Уорвик Уорд). ).
Сегодня этот фильм, пожалуй, наиболее известен благодаря совершенствованию ослепительного «свободного» движения камеры, которое кинематографист Карл Фройнд впервые применил годом ранее в фильме Мурнау «Последний смех» (1924).
всегда используется для поддержки эмоциональной основы захватывающей и увлекательной истории фильма.
АБ
Пражский студент (1926)
Директор Хенрик Галин
«» Хенрик Галин интерпретирует легенду о Фаусте как ремейк одноименного фильма 1913 года, основанного на рассказе Эдгара Аллена По. Благодаря декорациям, разработанным Германом Вармом, и воздушной кинематографии Гюнтера Крампфа, «Пражский студент» олицетворяет экспрессионистский взгляд на кино, и фильм еще раз воссоединяет двух актеров, наиболее связанных с движением: Вернера Краусса и Конрада Вейдта.Вейдт играет Балдуина, студента, который подписывается на ссуду у таинственного незнакомца (Краусса), который берет взамен его отражение — подразумевается, что герой потерял свою душу в сделке. Двойник Балдуина, который преследует его на протяжении всего фильма, одновременно является иллюстрацией его противоречивого «я» и предвестником его собственной смерти.
В дизайне «Студента из Праги» внешний мир, включая штормовое небо и взорванные деревья, отражает внутреннюю борьбу Балдуина, а Стиммунг (или атмосфера страха) нарастает до тех пор, пока Балдуин — и фильм — не наступит финальный кризис.
РН
Метрополис (1927)
Директор Фриц Ланг
Один из самых известных немецких немых фильмов, «Метрополис» сочетает в себе следы экспрессионизма, готики и футуристической эстетики, которые часто находят отражение в современном научно-фантастическом кино. Его экстремальное видение общества, полностью расколотого на классы, с богатыми, дышащими свежим воздухом при ярком свете в верхней части города, и рабочими, трудящимися внизу в темноте, представляет собой экспрессионистское изображение экономического дисбаланса в Веймарской Германии, следующее за гиперинфляция и трудовые конфликты начала 1920-х гг.Использование здесь Helldunkel выражает не только эмоциональную тревогу, но и социальную критику.
В «Метрополисе» сама толпа является ключевой частью экспрессионистского замысла фильма. Рабочие двигаются симметрично, отрывисто, так же механически, как гигантские машины, которым они служат, и толпа следует за роботом Марией так же беспомощно, как Чезаре ходит во сне по команде Калигари.
РН
Фовизм и немецкий экспрессионизм. Постимпрессионизм породил мятежный… | Сана Тайяб | BeyondModernism
Постимпрессионизм породил бунтарских художников и вольнодумцев.Он вывел нынешнее представление об искусстве на другой уровень, но не основывался на определенной точной технике. Более того, это было основано на самих художниках; Поль Сезанн, Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Жорж Сёра. Эти художники создали и развили свой собственный стиль, погрузившись в смелые и яркие цвета, но также преодолели ограничения, созданные импрессионизмом. Они создавали работы, которые не были бы основаны на реализме, но вызывали бы эмоций.
Что особенно важно в постимпрессионизме, так это то, что эти художники обращались к своим собственным эмоциям и воспоминаниям, чтобы иметь возможность на более глубоком уровне соединиться со своей аудиторией, в отличие от предыдущих художественных стилей.
Импрессионизм (1807-е — 1880-е годы): красочный стиль, запечатлевший время суток, сосредоточив свои поиски на времени в природе и влиянии различных погодных условий.
Постимпрессионизм (1886–1905): не рассматривается как особый стиль живописи, но основан на художниках, которые хотели восстать против ограничений импрессионизма.
Винсент Ван Гог, один из самых известных художников всех времен, может быть, особенно известен тем, что отрезал себе ухо, но должен быть известен гораздо больше.Его эмоциональные, яркие и энергичные работы сильно повлияли на фовизм, а сам Ван Гог с художником Эдвардом Мунком повлиял на немецкий экспрессионизм.
«Дикий зверь» (Les Faures), Анри Матисс и Андре Дерен, были названы в честь саркастического замечания, сделанного в их отзыве о картинах художника. Их радостный стиль с использованием возмутительных и смелых цветов стал известен как фовизм.
Henri_Matisse_1869–1954_Danse_II_grande Матисс и Дерен делали несколько вещей по-разному, что делало их имя в то время очень подходящим.Во-первых, они погрузились в неестественные и смелые цвета, стремясь привнести эмоции в эти «новые» цвета, которые они использовали.
Во-вторых, они показывали свои эмоции и самовыражение и шли вразрез с теориями о том, как должны были выглядеть картины. В-третьих, они также использовали смелые мазки, как и раньше, но по-другому они брали краску прямо из ведра, а не готовили ее. И последнее, но не менее важное: их работы выглядели плоскими на холсте, почти как в 2D.
Фовизм (1905–1908): Слово «фовизм» на самом деле было создано как оскорбление.Это был еще один бунтарский поступок Анри Матисса и Андре Дерена, которые стремились подчеркнуть различные штрихи, цвета и текстуры, которые также противоречили реалистическому представлению импрессионизма. Затем фовизм оказал большое влияние на немецкий экспрессионизм. В то время как и фовизм, и немецкий экспрессионизм проистекают из использования смелых цветов и техник, немецкий экспрессионизм оторвался от изображения фактического представления природы и стремился использовать стиль, который был эмоционально и духовно заряжен.Как упоминалось выше, Ван Гог и Мунк напрямую повлияли на немецкий экспрессионизм, когда они использовали этот стиль.
Они также нашли вдохновение в немецкой готике и примитивном искусстве. Важно понимать, что экспрессионисты делились на Die Brucke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник).
Die Brucke Rottluff создал художественное сообщество, которое хотело ниспровергнуть консервативные традиции немецкого искусства, а Der Blaue Reiter создал различные публикации и выставки в надежде противостоять обману и материализму своего времени.
Эрих Хеккель (нем., 1883–1970), «Два раненых»Немецкий экспрессионизм: Подчеркивал внутренние переживания художников, а не рисовал реалистичные образы. Смелые цвета и мазки по-прежнему были похожи, но вместо этого использовались упрощенные формы.
Важно помнить, что каждое возникающее художественное движение вызывало шок в художественном сообществе.
Сейчас нам более яркие цвета и более смелые мазки не кажутся чем-то слишком бунтарским, но в мире, где все было более или менее одинаковым, импрессионизм, постимпрессионизм, фовизм и немецкие экспрессии (а также все художников, создавших их) сломали границы и создали больше возможностей для самовыражения будущего художника.
Импрессионизм | Гамбургер Кунстхалле
На выставке представлено около восьмидесяти экспонатов, включая картины, скульптуры и пастели, выставка сосредоточена на значительных запасах работ импрессионистов в Гамбургском Кунстхалле с намерением показать их в более широком глобальном контексте. На фоне возрождающегося национализма также возникает вопрос, имеет ли смысл сегодня еще разбивать импрессионизм на национальные категории, и если да, то каким образом это влияет на наше восприятие.
Вообще импрессионистский стиль является синонимом Франции: с такими художниками, как Эдуар Мане, Клод Моне или Огюст Ренуар, с причудливыми, яркими и красочными работами, часто изображающими сцены на открытом воздухе, или с серийными исследованиями стогов сена, фасадов церквей и прудов с лилиями, запечатленными в игра различных световых настроений в разное время суток и года. Что связь «импрессионизма и Франции» недействительна в этой исключительности, однако, обнаруживается при беглом взгляде на другие страны, в которых импрессионизм развивался, может быть, с отставанием во времени, но совершенно независимо.
В Германии к импрессионистам причисляют известный «триумвират» Ловиса Коринта, Макса Либермана и Макса Слефогта, названный так еще при жизни. Даже современные искусствоведы движения считали его по крайней мере европейским явлением.
В то время как импрессионизм потерял значение во Франции, стране его рождения, самое позднее с началом Первой мировой войны, в Германии импрессионистские тенденции, особенно в контексте художественных академий, сохранялись до 1920-х годов.В то же время вместе с Фрицем Вихертом (Кунстхалле Мангейма), Хьюго фон Чуди (Национальная галерея Берлина и Новая пинакотека Мюнхена), Густавом Паули (Кунстхалле Бремена и Гамбургского Кунстхалле), а также Альфредом Лихтварком (Гамбургский Кунстхалле) ведущие директора музеев выступали за эту картину. стиль, который таким образом попал в публичные коллекции.
В новом представлении произведений импрессионистов подчеркиваются как различия между немецкими и французскими представителями, так и их общие черты.
В то же время представляется важным выяснить, какие темы волновали художников правого и левого Рейна, откуда исходили их основные импульсы, какие взаимодействия можно проследить визуально и исторически. Главы «Портрет», «Пейзаж», «Постановочная фигура», «Город и отдых» и «Натюрморт» служат в рамках выставки тематическими группами.
Экспрессионизм в Германии и Франции: от Ван Гога до Кандинского
Сегодня термин экспрессионизм широко используется для обозначения отчетливо немецкого движения.Однако в начале 20-го века экспрессионизм не был привязан к определенной национальности. Движение развивалось в живой космополитической атмосфере Европы, где немецкие и французские художники откликнулись на новые разработки в современном искусстве яркими и спонтанно выполненными полотнами. Экспрессионизм в Германии и Франции: от Ван Гога до Кандинского , который открывается в это воскресенье в павильоне Резника в LACMA, предлагает исследовать не только художественное влияние, но также культуру и географию.
Откуда взялся экспрессионизм? Как это связано с национальными границами? «Ван Гог молниеносно поразил современное искусство», — сказал однажды немецкий обозреватель о влиянии работ этого новаторского современного художника на художников Германии 1910-х годов. Работы Винсента Ван Гога, умершего в относительной безвестности 15 лет назад, наконец-то стали широко доступны благодаря сети культурного обмена между Германией и Францией в форме выставок; растущие государственные и частные коллекции; торговля на арт-рынке; и путешествия художников, дилеров и директоров музеев.
Пшеничное поле с жнецом (Champ de ble avec moissonneur), 1889 г., была первой работой Ван Гога, попавшей в немецкий музей. Купленная в 1902 году коллекционером Карлом Эрнстом Остхаусом, она была выставлена в его частном музее Фолькванг в Хагене.
Активное коллекционирование и выставки работ Ван Гога, Поля Гогена, Поля Сезанна и других дополнялись оживленными критическими дискуссиями в иллюстрированных периодических изданиях и книгах по искусству, в частности публикациях искусствоведа Юлиуса Мейера-Грефе, а также среди художников посредством переписки и в таких местах встречи, как Café des Westens в Берлине и Café du Dôme в Париже.Немецкие арт-дилеры, такие как Вильгельм Уде и Даниэль-Генри Канвейлер, открыли галереи в Париже и сыграли важную роль в представлении Анри Руссо и Пабло Пикассо широкой публике. Немецкие художники Эмиль Нольде и Паула Модерзон-Беккер учились в Академии Жюлиана и Академии Коларосси в Париже, а галереи Bernheim-Jeune, Durand-Ruel и Ambroise Vollard предложили Алексею Явленскому, Василию Кандинскому, Габриэле Мюнтер и многим другим возможность открыть для себя не только Ван Гога, но и работы Наби, неоимпрессионистов, Сезанна и Гогена, среди прочих.
Выставки были особенно важны для ознакомления немецких художников с самыми последними тенденциями из Франции. Ежегодные выставки, такие как Осенний салон или Салон Независимых, также давали возможность познакомиться с работами французского авангарда. Например, картина Гогена « Свинопас » (Le Gardien de porcs) 1888 года была представлена на Осеннем салоне 1906 года, куда также вошли работы Явленского и Кандинского.Начиная с конца 19 века выставки в Берлине, Дрездене и Мюнхене представляли собой углубленные обзоры импрессионизма и неоимпрессионизма.
Поль Гоген, Стога сена в Бретани (Les Meules / Le champ de pommes de terre) , 1890, Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, подарок Фонда У. Аверелла Гарримана в память о Мари Н. Гарриман, 1972.9 .11, изображение предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия.
Начиная с 1904–1905 годов, примерно в то же время, когда зародился экспрессионизм, выставки в Германии также сделали произведения Сезанна, Ван Гога, Гогена и (в конечном итоге) Анри Матисса широко доступными.
Картина Гогена « Стога сена в Бретани » (Les Meules/Le Champ de pommes de terre), 1890, была выставлена в 1905 году на первой крупной выставке работ Гогена в Германии, организованной прогрессивным директором музея Гарри графом Кесслером в Веймаре. В Берлине дальновидный директор Национальной галереи Хьюго фон Чуди начал покупать современное французское искусство, а Поль Кассирер одним из первых выставил работы Ван Гога в Германии в своей коммерческой галерее. Кассирер организовал многочисленные выставки, которые также побывали в других городах Германии, таких как Дрезден.Именно там в 1905 году в Galerie Arnold была показана выставка работ Ван Гога, вызвавшая большой ажиотаж среди художников Brücke, первой экспрессионистской группы, основанной всего за несколько месяцев до открытия выставки. Спонтанная и живая кисть Ван Гога и отход от местного цвета (где листья зеленые, а небо голубое) в пользу глубокой эмоциональной вовлеченности, выраженной через цвет (где небо может стать зеленым, как в Ван Гоге Пшеничное поле с Жнецом ) предложили совершенно новый путь от того, что члены Brücke считали ограничительной опорой только на восприятие, типичной как для импрессионизма, так и для неоимпрессионизма.
Художники Брюке осуждали эту склонность как «случайное, просто скупое естественное впечатление», которому они предпочитали более эмоционально переживаемый «внутренний» опыт. Работы этих художников — Фрица Блейля, Эриха Хеккеля, Эрнста Людвига Кирхнера и Карла Шмидта-Ротлуфа, к которым позже присоединились Куно Амье, Эмиль Нольде, Макс Пехштейн и другие, — вскоре взорвались яркими красками, характеристики которых можно увидеть в репрезентативных работах в Экспрессионизме в Германии и Франции . В то время, когда эта деятельность происходила в Берлине, еще в Париже, Андре Дерен, Морис де Вламинк и Матисс (последние двое были представлены друг другу на выставке Ван Гога) присоединились к Жоржу Браку, Раулю Дюфи, Альберу Марке и другим, чтобы найти альтернативу импрессионизму, которая сосредоточилась бы на смелых цветах и живой манере письма.Они выставили свои находки на Осеннем салоне 1905 года, где также были представлены Явленский и Кандинский. Столкнувшись по этому поводу с такими работами, как « открытое окно» Матисса, Collioure (La Fenêtre ouverte, Collioure), 1905 (Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия), критик Луи Воксель ввел термин «фовисты» (или «дикие звери»).
) впоследствии использовалась для описания творчества этих французских художников. Художник Макс Пехштейн видел красочные картины фовистов, когда жил в Париже три года спустя, и их влияние, возможно, повлияло на его небрежный подход в его «Девушка » (Junges Mädchen), 1908 (обложка этого журнала).
Вскоре фовисты стали выставляться в Германии, в том числе на выставке в Дрездене, в которой также участвовали художники Брюкке. Киршнер и Пехштейн видели берлинскую выставку работ Матисса в 1909 году (повешенную самим художником) у Пола Кассирера и сообщили Хеккелю через открытку, что это «дико.В самом деле, Киршнер, должно быть, был подавлен экспериментами Матисса с композицией и пространством — трудно игнорировать влияние француза на картину Киршнера « Лежащая обнаженная перед зеркалом» (Liegender Akt vor Spiegel), 1909–10.
В Мюнхене в 1908 году в галерее Moderne Kunsthandlung была показана картина Ван Гога «Ивы Полларда на закате (Saules au Coucher du Soleil)» 1888 года.Группа Blaue Reiter, созданная в 1911 году, была хорошо осведомлена о современных художественных тенденциях в Париже. Члены-основатели группы — Кандинский, Явленский, Мюнтер и Марианна Веревкин — часто бывали в Париже и представляли свои работы в Осеннем салоне и Салоне Независимых. Эффектные цвета фовизма впервые нашли отражение в их искусстве в 1908 году, когда группа начала проводить лето в альпийской деревне Мурнау, где они реагировали на тонкий атмосферный свет региона.Эта палитра отражена в ярких пейзажах Явленского, Мюнтера и Веревкина, а также в уже хорошо зарекомендовавшей себя абстракции Кандинского Эскиз I для картины с белой каймой (Entwurf zu Bild mit weißem Rand), 1913.
Ни одна из этих картин не мыслимы без опыта Мурнау и невозможны без фовизма. Тем не менее, каждая оригинальная работа была создана зрелым художником, выбравшим полностью независимое направление.
Франц Марк и Огюст Маке вскоре соприкоснулись с хроматической абстракцией Робера Делоне, чьи красочные «одновременные» картины были представлены на первой выставке «Синий всадник» 1911 года, организованной Кандинским и Марком.Этот опыт побудил Франца Марка перекрасить свой Каменистая тропа (Горы/Пейзаж) (Steiniger Weg [Gebirge/ Landschaft]), 1911 (перекрашенный в 1912 году) с замечательными результатами. Кандинский и Марк также исследовали в своих картинах народное искусство и конструкции «примитивов», вдохновленные картинами Руссо, которые они проиллюстрировали в своем альманахе «Синий всадник».
(Картины Руссо будут рассмотрены в совершенно новом свете в научном каталоге.)
Развитие экспрессионизма происходило в космополитической среде художников, галерей и музеев как во Франции, так и в Германии в начале 20 века.Основание групп, почти синонимичных термину экспрессионизм — Brücke и Blaue Reiter — произошло в момент обострения, когда художники, работающие в Германии, уделяли пристальное внимание стилям, развивающимся во Франции. Эта выставка стремится объединить французские и немецкие шедевры в сопровождении их основного исторического контекста — когда и где они были выставлены, собраны и увидены художниками — чтобы мы могли снова насладиться ими, а также запечатлеть момент, когда художники, создавшие они были вдохновлены друг другом.
Тимоти О. Бенсон, куратор Центра исследований немецкого экспрессионизма имени Роберта Гора Рифкинда. Примечание редактора. Версия этой статьи первоначально появилась весной 2014 года (том 8, выпуск 2) в журнале LACMA Insider . Экспрессионизм в Германии и Франции: от Ван Гога до Кандинского откроется для публики в это воскресенье, 8 июня, но участники LACMA могут получить ранний доступ (бесплатно!) во время предварительного просмотра для участников, которое начнется сегодня. Просто нажмите на ссылку и сделайте заказ заранее.
Немецкий импрессионизм представлен в Музее изящных искусств в Хьюстоне : Музейная реклама
Первая в США выставка малоизвестной немецкой главы импрессионизма с более чем 100 картинами, рисунками и гравюрами
Макс Либерман, известный как «немецкий Мане», был лидером поколения немецких художников, вдохновленный стилистическими разработками во Франции. Вместе с коллегами Ловисом Коринтом и Максом Слефогтом он проложил путь импрессионизму в Германии.
Музей изящных искусств в Хьюстоне станет первым американским музеем, посвятившим крупную выставку немецкому импрессионизму с немецкой импрессионистской пейзажной живописью: Либерманн — Коринф — Слефогт, которая пройдет с 12 сентября по 5 декабря 2010 года.
Хотя художники не были посвящены исключительно пейзажной живописи, развитие немецкого импрессионизма наиболее отчетливо можно проследить по этим пестрым пленэрным работам. Восемьдесят картин, большинство из которых предоставлено немецкими учреждениями, предлагают зрителям редкую возможность открыть для себя малоизвестную немецкую главу импрессионизма.Совместно организованная MFAH и Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Кельн, выставка путешествует из Кельна в Хьюстон. Также будет представлена сопутствующая выставка из сорока графических работ «Рисование с натуры: пейзажи Либермана, Коринта и Слефогта», иллюстрирующая весь спектр их подхода к пейзажам.
«Хотя импрессионизм считается в основном французским развитием, он естественным образом распространился на соседние страны, а немецкая импрессионистская пейзажная живопись фокусируется на величайших произведениях этих ведущих немецких провидцев», — сказал д-р.
Питер С. Марцио, директор MFAH. «Либерманн, Коринт и Слефогт редко выставляются в Соединенных Штатах, поскольку их работы, как правило, не находятся в коллекциях американских музеев, и выставка MFAH станет первым случаем, когда будут представлены работы так называемого «триумвирата немецкого импрессионизма». показаны вместе».
«Немецкая импрессионистская пейзажная живопись представляет прекрасную возможность понять, почему импрессионизму потребовалось почти 20 лет, чтобы пробиться из Парижа в Германию», — добавил доктор.Хельга Ауриш, ассоциированный куратор европейского искусства MFAH и соорганизатор выставки. «Глядя на величайших немецких художников-импрессионистов, впервые представляя свои работы американской публике, мы можем лучше понять важную главу истории искусства и сложные отношения между миром искусства и мировыми событиями».
Историческая справка
Импрессионизм, зародившийся во Франции в 1870-х и 1880-х годах, начал привлекать художников из многих стран, включая США; однако потребовалось почти 20 лет, чтобы он закрепился в Германии.
Несмотря на то, что и Макс Либерман, и Ловис Коринт провели несколько лет в Париже в течение этих десятилетий, они сосредоточились на барбизонской школе и академическом реализме соответственно, в то время как импрессионизм, похоже, не оказал на них влияния. К сожалению, после франко-прусской войны 1870–1871 годов многие выдающиеся французские художники отказались встречаться с приезжими немецкими художниками — например, Милле, презиравший Либермана, или Мане, отказавшийся делить с ним стол. И наоборот, антифранцузские настроения в Германии были высоки, и французские нововведения, в том числе художественные движения, такие как импрессионизм, не принимались с готовностью.Первая выставка французского импрессионизма в берлинской галерее состоялась только в 1883 году, но к этому времени немецкие художники открывали для себя импрессионизм.
Недолговечное, яростно творческое движение немецких импрессионистов достигло своего апогея в первое десятилетие 1900-х годов, когда Берлин был рассадником немецких художников-импрессионистов.
В мае 1898 года был основан «Берлинский сецессион» с Либерманом в качестве президента, а год спустя группа организовала свою первую выставку немецких художников, которая в день открытия привлекла около 2000 посетителей.Их следующая выставка в 1900 году включала работы французских художников, представленных бок о бок с немецкими художниками. Несмотря на неодобрение кайзера, оба шоу увенчались успехом. В 1901 году арт-дилер Пауль Кассирер назвал Либермана, Коринта и Слефогта «Триумвиратом немецкого импрессионизма», и эти три художника пользовались похвалами и постоянным успехом в течение примерно десяти лет, прежде чем вмешались мировые события. Из-за ссоры с молодыми немецкими экспрессионистами Либерманн ушел с поста президента «Берлинского сецессиона» в 1911 году, но впоследствии был избран почетным президентом «Свободного сецессиона».«В 1920 году, на пике своей славы, он стал президентом Берлинской академии художеств и литературы. Когда в 1933 году к власти пришли нацисты, Либерман, который был евреем, ушел с этой должности.
Для получения информации общественность может позвонить по телефону 713-639-7300 или посетить сайт www.mfah.org. Для получения информации на испанском языке звоните по телефону 713-639-7379. TDD/TYY для слабослышащих: звоните по телефону 713-639-7390. Чтобы получить информацию о членстве, отправьте электронное письмо [email protected] или позвоните по телефону 713-639-7550.
Изображение: Макс Либерманн, Blumenstauden am Gärtnerhäuschen nach Norden, 1922, Öl/Lw.: 56 х 75 см. Частная коллекция
.
