Открытая и замкнутая композиция: Часть 2 Основные понятия и правила композиции

Скрапоголики: Основы композиции в дизайне.

Здравствуйте, Уважаемые читатели.

Мы подготовили для вас статью об основах композиции в дизайне. Так как специализированной литературы по скрапбукингу в России почти нет, мы изучили большое количество разных источников и нашли несколько наиболее подходящих для нашего направления статей по композиции (источник), немного отредактировали информацию, убрали все лишнее, объединили в один пост и дополнили своими примерами — работами девочек из нашей дизайн-команды.

Мы надеемся, что многим нашим читателям эта информация будет полезна!

Что такое композиция?

В любом виде искусства ключевую роль играет правильное расположение элементов произведения, позволяющее наиболее точно передать идею этого произведения. То есть выделить ключевые сюжетные линии, передать необходимое настроение и соблюсти при этом гармонию. Композиция (от латинского compositio) и является соединением (сочетанием) этих элементов в единое целое.

Геометрический и композиционный центр.

Мы строим композицию на плоскости. Будь то фотография, лист бумаги или монитор компьютера. Если через эту плоскость провести две диагональные линии, точка их пересечения укажет на геометрический центр нашей будущей композиции. Любой предмет, вписанный в этот центр, будет чувствовать себя вполне уверенно.

(совпадение геометрического и композиционного центров)

Композиционный центр служит для фокусировки внимания зрителя на деталях композиции. В фотографии, живописи и рисунке, как правило, выделяются сюжетно-композиционные центры. То есть, в композиционном центре находится основной сюжет произведения.

Композиционный центр и геометрический центр композиции могут не совпадать.
Композиционных центров в композиции может быть несколько, в то время, как геометрический центр один.

Композиционный центр может быть выделен:
— контрастом света и тени
— контрастом цвета
— размером
— формой

(Контраст цвета)

Основные понятия и правила композиции.

Диагональные линии в композиции:

График на рисунке слева означает рост. График на рисунке справа означает падение. Так уж сложилось. И, соответственно, в композиции диагональная линия, проведенная от левого нижнего угла к правому верхнему воспринимается лучше, чем линия, проведенная от левого верхнего угла к правому нижнему.

(диагональ)

(диагональ)

Замкнутая и открытая композиция:

В замкнутой композиции основные направления линий стремятся к центру. Такая композиция подойдет для передачи чего-то устойчивого, неподвижного.
Элементы в ней не стремятся за рамки плоскости, а как бы замыкаются в центре композиции. А взгляд с любой точки композиции стремиться к этому центру. Для ее достижения можно использовать компактное расположение элементов в центре композиции, обрамление. Расположение элементов таким образом, чтобы все они указывали на центр композиции.

Открытая композиция, в которой направления линий исходят от центра, дает нам возможность продолжить мысленно картину и увести ее за рамки плоскости. Она подходит для передачи открытого пространства, движения.

(замкнутая)

(замкнутая)

(открытая)

(открытая) 

Правило золотого сечения:

Гармония — это слаженность. Единое целое, в котором все элементы дополняют друг друга. Некий единый механизм.
Нет ничего более гармоничного, чем сама природа. Поэтому и понимание гармонии приходит к нам от нее. А в природе огромное количество зрительных образов подчиняется двум правилам: симметрии и правилу золотого сечения.

Что такое симметрия понятно. А что такое золотое сечение?

Золотое сечение можно получить, если разделить отрезок на две неравные части таким образом, чтобы отношение всего отрезка к большей части равнялось отношению большей части отрезка к меньшей. Это выглядит так:

Части этого отрезка примерно равны 5/8 и 3/8 от всего отрезка. То есть, по правилу золотого сечения зрительные центры в изображении будут располагаться так:



Правило трех третей:



В этом рисунке не соблюдено правило золотого сечения, но создается ощущение гармонии.  Если разделить плоскость, на которой находятся наши геометрические фигуры на девять равных частей, мы увидим, что элементы расположены на точках пересечения разделяющих линий, а горизонтальная полоса совпадает с нижней разделительной линией. В этом случае действует правило трех третей. Это упрощенный вариант правила золотого сечения.

(правило трех третей)

(правило трех третей)

(правило золотого сечения)

(правило трех третей)

Динамика и статика в изображении, движение, ритм.

Динамичная композиция — композиция, при которой создается впечатление движения и внутренней динамики.

Статика в композиции достигается отсутствием диагональных линий, свободного места перед объектом и наличием вертикальных линий.

(птичка летит)

(девочка идет)

Ритм — один из ключевых моментов в искусстве. Он может сделать композицию спокойной или нервной, агрессивной или умиротворяющей. Ритм обусловлен повторением.

Ритм в изобразительном искусстве может создаваться повторением цвета, объектов, пятен света и тени.

Симметрия и асимметрия в композиции, достижение равновесия.
Симметрия:

В природе большое количество зрительных образов подчиняется закону симметрии. Именно поэтому симметрия легко воспринимается нами и в композиции. В изобразительном искусстве симметрия достигается таким расположением объектов, что одна часть композиции, как будто являются зеркальным отражением другой. Ось симметрии проходит через геометрический центр. Симметричная композиция служит для передачи покоя, устойчивости, надежности, иногда, величества. Однако создавать изображение абсолютно симметричным не стоит. Ведь в природе не бывает ничего идеального.

Симметрия — это самый простой способ добиться равновесия в композиции. Однако, не единственный.

(симметрия)

(симметрия)

(симметрия)

Асимметрия, достижение равновесия:

Чтобы понять, что такое равновесие можно представить механические весы.

В данном случае работает закон симметрии. Слева и справа на весах на одинаковом расстоянии симметрично расположены два предмета одинаковой формы и размера. Они создают равновесие.

(симметрия)

(симметрия) 

Асимметрия нарушит это равновесие. И если один из объектов будет больше, то он по-просту перевесит меньший.
Однако возможно уравновесить эти объекты, добавив в композицию что-нибудь, в качестве противовеса. Асимметрия при этом сохранится:
Так же добиться равновесия при асимметрии можно будет, перевесив больший предмет ближе к центру:
Достижение равновесия является одним из самых значимых этапов при построении ассиметричной композиции. Равновесие может достигаться противопоставлением размеров, форм пятен цвета и тени.

(асимметрия)

(асимметрия)

 
(асимметрия)

Заключение.

Правила композиции не являются обязательными для соблюдения. Даже наоборот. Некоторые правила противоречат один другому. Однако, прежде чем нарушать какое-либо правило, его надо знать и уметь им пользоваться.

Помните, если Вы нарушаете правила, Вы должны четко осознавать, ДЛЯ ЧЕГО Вы это делаете.

Источник информации.

Композиция. Часть 1. Типы композиции.: reylana — LiveJournal

Я хочу научиться рисовать — как часто у вас появляется такая мысль?
Именно рисовать. Не срисовывать. Строить работу. Понимать, что к чему, по какой причине здесь необходима эта деталь, и вот тут — эта…
Одно из основных понятий, с которыми придётся разобраться для освоения нелёгкого искусства рисования — это композиция.
При подготовке поста я использовала несколько источников — в основном Н.Сокольникова «Основы композиции», Р.Паранюшкин «Композиция». Естественно, все максимально кратко — просто для получения общего представления о понятии.

Слово «Композиция» происходит от лат. compositio , что б в переводе буквально означает со-расположение. Под этим понятием понимается составление, соединение, сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей. В изобразительном искусстве композиция — это построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением.

Именно от композиции зависит, как зритель увидит произведение.
Паранюшкин отмечает, что существует три главных формальных признака композиции:
— целостность — внутреннее единство композиции. Тут важно помнить, что целостность не значит, что ваша картина должна представлять собой единый комок краски без проблесков, некий «монолит», вовсе нет. Под ней понимается тяготение частей картины друг к другу. «Целостность может быть в компоновке картины по отношению к раме, может быть как колористическое пятно всей картины по отношению к полю стены, а может быть и внутри изображения, чтобы предмет или фигура не распадались на отдельные случайные пятна», пишет Паранюшкин.

— подчиненность второстепенного главному, то есть наличие доминанты — важно сочетание «главного» элемента, который сразу привлечёт внимание и является смысловым центром композиции, и второстепенных. которые его оттеняют и выявляют. «Ни в коем случае понятие центра композиции не связано только с геометрическим центром картины. Центр, фокус композиции, ее главный элемент может быть и на ближнем плане, и на дальнем, может оказаться на периферии или в прямом смысле в середине картины — это неважно, главное, что второстепенные элементы «играют короля», они подводят взгляд к кульминации изображения, в свою очередь соподчиняясь между собой», пишет Паранюшкин.

— уравновешенность — основая гармонии в работе. Уравновешенной может быть как симметричная работа, так и асимметричная. «Уравновесить композицию может пустое поле или одна-единственная точка, поставленная в определенном месте картины, а вот какое это место и какой цветовой интенсивности должна быть точка, в общем случае указать нельзя. Правда, мы можем отметить заранее: чем ярче цвет, тем меньшего размера может быть уравновешивающее пятно», отмечает Паранюшкин. Наиболее сложно уравновесить динамичные изображения. При этом «самая асимметричная, устремленная за пределы полотна композиция в произведениях искусства всегда тщательно уравновешена. Убедиться в этом позволяет простая операция: достаточно прикрыть часть картины — и композиция оставшейся части развалится, станет фрагментарной, незаконченной». Внимательное изучение произведений искусства и их композиционный разбор поможет вам «поймать» это ощущение равновесия и полнее его понять.

Типы композиции

1) Замкнутая (закрытая) композиция
«Изображение с замкнутой композицией вписывается в раму таким образом, чтобы оно не стремилось к краям, а как бы замыкалось само на себя. Взгляд зрителя переходит от фокуса композиции к периферийным элементам, возвращается через другие периферийные элементы опять к фокусу, то есть стремится с любого места композиции к ее центру». Одна из важных черт замкнутой композиции — наличией полей. Все элементы тесно связаны между собой.

2) Открытая композиция
«Заполненность изобразительного пространства при открытой композиции может быть двоякой. Или это уходящие за пределы рамы детали, которые легко представить вне картины, или это большое открытое пространство, в которое погружается фокус композиции, дающий начало развитию, движению соподчиненных элементов. В таком случае отсутствует затягивание взгляда к центру композиции — наоборот, взгляд свободно уходит за пределы картины с некоторым домысливанием не изображенной части». Открытая композиция тяготеет к центробежности, чаще всего исходит от центра. Хотя она бывает очень сложной — единый центр в таком случае может отсутствовать, и композиция будет складываться из нескольких мини-центров.

Наглядный пример разницы между замкнутой и открытой композицией:

3) Симметричная композиция
«Основная черта симметричной композиции — равновесие. Оно настолько крепко держит изображение, что является по совместительству и базой целостности. Симметрия отвечает одному из самых глубоких законов природы — стремлению к устойчивости. Строить симметричное изображение легко, достаточно только определить границы изображения и ось симметрии, затем повторить рисунок в зеркальном отражении. Симметрия гармонична, но если всякое изображение делать симметричным, то через некоторое время мы будем окружены благополучными, но однообразными произведениями.

4) Асимметричная композиция
«Асимметричные композиции не содержат оси или точки симметрии, формотворчество в них свободнее, однако нельзя думать, что асимметричность снимает проблему уравновешенности. Наоборот, именно в асимметричных композициях авторы уделяют особое внимание уравновешенности как непременному условию грамотного построения картины»

5) Статичная композиция
«Устойчивые, неподвижные, часто симметрично уравновешенные, композиции этого типа спокойны, молчаливы, вызывают впечатление самоутверждения, несут в себе не иллюстративное описание, не событие, а глубину, философию». Есть разные способы продемонстрировать статичность изображения.

6) Динамичная композиция

Это композиция, при которой создаётся впечатление движения и внутренней динамики. «Динамика часто исключает величавость, основательность, классическую завершенность; но будет большой ошибкой считать простую небрежность в работе динамикой, это совершенно неравнозначные понятия. Динамичные композиции сложнее и индивидуальнее, поэтому требуют тщательного продумывания и виртуозного исполнения».

Статичные композиции часто бывают симметричными и замкнутыми, а динамичные — асимметричными и открытыми.

Сокольникова также отмечает, что «если в живописи композиция помогает передать иллюзию пространства, его глубину, то в народном и декоративно-прикладном искусстве художник композиционными приемами, наоборот, стремится подчеркнуть объем или плоскость украшаемого объекта».
Выражаю огромную благодарность авторам, которые помогают разбираться в столь нелёгких вопросах.

В следующем посте будут расписаны формы композиции, а также приёмы и средства, которые могут использоваться при обдумывании композиции своей работы.

Основы композиции на плоскости. Основные принципы построения композиции (Контрольная работа), стр.2

3. Характеристики композиции

Можно грамотно построить тени и перспективу, подобрать цветовые сочетания, шрифтовое оформление, но работа не станет своеобразной и выразительной. Для того чтобы сформировать художественный образ, придать ему эмоциональность и создать настроение, необходимо чувство формы, ритма, контраста, цвета. Рассмотрим теперь другие характеристики композиции, ведь изобразительные средства — это блестящие, но “безработные” специалисты, а композиция — сплоченная команда единомышленников, способная творить чудеса.

4. Форма

Формы элементов композиции и форма композиции в целом могут оказывать огромное эмоциональное воздействие. Мягкие размытые пятна, четкие жесткие границы прямоугольников, острые углы, круги могут создавать ощущение покоя и агрессии, строгости и хаотичности. Например, форма рекламного плаката — это не только размер и ориентация листа, но и форма текстовых блоков, и контуры иллюстрации, и расположение текстовых строк, и размещение на листе всего материала. Следует стремиться к такой структуре произведения, чтобы его части выглядели гармонично, не казались слишком мелкими или крупными, чтобы количество деталей и частей было оптимальным.

Композицию следует ограничить общей формой, но при этом должна ясно просматриваться система внутренних связей.

Одно из наиболее важных средств организации формы — симметрия. Симметрия с древних времен считалась условием красоты. Нарушение этого условия влечет за собой ощущение беспокойства, динамики, сложности. Поэтому для усиления выразительности формы зачастую используется такое сильное средство, как асимметрия.

5. Равновесие

Условие зрительной устойчивости композиции — уравновешенность. Композиционное равновесие обеспечивается сочетанием форм деталей, цветом и пластикой.

Равновесие формы — состояние, при котором все элементы сбалансированы между собой, — вызывает ощущение покоя и уверенности. Равновесие является безусловным в композициях с вертикальной осью симметрии. Более сложным и интересным способом оно достигается при асимметричной компоновке элементов. Композиционное равновесие может быть устойчивым, статичным (рис. 3, а) или отличается внутренней динамикой (рис. 3, б).

а) б)

Рис. 3. Устойчивые композиции

Поиск равновесия в композиции значительно облегчается, если вы работаете за компьютером. В качестве тренировки полезно выполнить несколько условных композиций из простых геометрических фигур. Скопируйте и сохраните наиболее удачные по вашему мнению варианты, в результате можно будет выбрать лучший. Выше приведены примеры достижения равновесия в симметричных и асимметричных композициях (рис. 4).

Рис. 4. Равновесие в симметричных и асимметричных композициях

5. Контраст

Контраст — резкое различие элементов композиции — мощное средство усиления выразительности. Это сочетание противоположных характеристик, противопоставление высокого и низкого, линий и пятен, темного и светлого. Контраст выделяет часть изображения, расставляет акценты, выражает энергию и силу произведения. Умение использовать контрасты – показатель художественного чутья дизайнера. Построенная на контрасте реклама сразу же обращает на себя внимание и лучше запоминается; использование контрастных решений в интерьере способствует переключению внимания при рутинной работе; на контрастном фоне текст заметнее. Контраст — проявление всеобщего диалектического закона единства и борьбы противоположностей; он подчеркивается не только формой, цветом, текстурой, но и общей идеей, отраженной в композиции. Мужчина и женщина в скульптуре В. Мухиной “Рабочий и колхозница” смотрятся особенно устойчиво и убедительно потому, что преодолевают напор ветра.

Важную роль в композиции играет нюанс, сущность которого составляет плавный переход характеристики элементов композиции. При нюансе нет четко выраженных противоречий: он призван выявить оттенки, помогая избежать монотонности.

6. Ритм

Форма, текстура, цвет отдельных объектов, взаимодействуя, дополняют и в то же время подчеркивают индивидуальность друг друга. Это взаимодействие создает определенный ритм — темп, напряжение дизайнерской работы. Он связывает отдельные линии, плоскости, формы, настраивает движение глаз зрителя по объекту или изображению. Ритм — элемент самой жизни: дыхание, пластика тела, чередование дня и ночи — все в природе ритмизовано.

Ритму подчинен порядок, связь, строй всех элементов художественного произведения, он побуждает к преодолению неподвижности изображения, заставляет его дышать и двигаться. Ритм может быть явным, динамичным (строение ветвей дерева, стоящие вдоль улицы дома, геометрический орнамент) или приглушенным, сдержанным (горная цепь, складки одежды, повороты голов людей, стоящих группой). Ритмическое развитие композиции может идти по горизонтали или вертикали, по квадрату, кругу, реже — по овалу.

7. Гармония и центр композиции

Все средства выразительности при объединении следует подчинять гармонии. Гармония — соразмерность всех частей целого. Гармония фона и переднего плана, цвета и графических элементов, освещения и ракурса составляют основу композиции. Цельность произведения определяется возможностью сразу охватить его взглядом и одновременно определить основную часть, вокруг которой располагаются не столь значимые, но тем не менее необходимые элементы композиции. Главный смысловой элемент является центром композиции. Заметим, что центр в данном случае — понятие условное. Форма и место размещения центра могут быть любыми, но главная часть композиции всегда содержит внутри себя точку или линию, относительно которой устанавливается равновесие боковых частей или верха и низа.

8. Форматы плоской композиции

Огромное значение для плоской композиции имеет “рама”, граница поля изображения. Элементы композиции, расположенные у центра, воспринимаются лежащими в глубине, в этом случае ровное плоское поле становится пространством. Элементы, расположенные на однородном поле близко к краю, как бы лежат на поверхности, в плоскости “рамы”.

Наиболее распространенные форматы изображения — прямоугольные, круглые, овальные. Прямоугольный, вытянутый вертикально формат придает ощущение возвышенности, стремления вверх. Горизонтальный формат выглядит “распахнутым”: ослабляется чувство замкнутости, уменьшается значение композиционного центра. Он удобен для сложных многоплановых композиций. Чаще всего используется прямоугольный формат золотого сечения. Он наиболее уравновешен и замкнут. Круглый и квадратные форматы слишком статичны, в них трудно компоновать изображение. Очень выразительна овальная “рама”, но она требует тщательно продуманной компоновки.

9. Основные принципы построения композиции

1. Существуют два типа композиции — замкнутая и открытая. Для передачи идеи неподвижности, устойчивости больше всего подходит замкнутая (закрытая, статичная) композиция. Для нее характерны устремленные к центру основные направления линий, построение по форме круга, квадрата, прямоугольника с учетом симметрии. Признак замкнутой композиции — четкий внешний контур, нарастание сложности к центру.

Ощущение простора передается открытой композицией. Основные направления линий — от центра. Как правило, строится несколько композиционных узлов, используется ритм. Ниже приведены примеры замкнутой и открытой композиций.

2. Для передачи движения (динамики) используются:

— диагональные линии;

— свободное пространство перед движущимся объектом;

— момент кульминации движения.

3. Условия для выражения покоя (статики):

— нет диагоналей;

— нет свободного пространства;

— статичные позы;

— симметрия, уравновешенность;

— вся композиция вписана в простую геометрическую форму (треугольник, квадрат, овал).

4. Характерные элементы композиции объединяются по однород-ным признакам, форме, цвету, текстуре, фактуре.

5. Построение всей композиции на контрастах создает напряжение: так, изделиям из керамики противопоставляются хрустальные сосуды; бабочки выглядят особенно яркими и живыми на фоне белых рулонов и листов бумаги.

6. Необходимо соблюдать ограничения (не больше трех-четырех) в материале, деталях, цвете, форме. Избегайте пестроты и дробности, так как это создает нежелательное ощущение беспокойства и тревоги. Пестрые, перенасыщенные изображе-нием композиции утомляют, вызывают отрицательные эмоции.

7. Если в композиции много элементов, их располагают группами по два-три. Для изображения событий, равных по своей значимости, используют несколько композиционных центров.

8. Следует обеспечить свободное пространство между группами, чтобы, не “потерялись” отдельные части композиции.

9. Особо подчеркивается субординация (соподчинение) между группами. Наиболее значимые элементы выделяют размещением, размером, цветом так, чтобы направить взгляд человека сначала на них, а затем — на менее важные детали.

10. В соответствии с правилом золотого сечения наиболее значимый элемент или группу элементов располагают примерно на расстоянии 1/3 от края экспозиции.

11. Объемность, глубина изображения достигаются с помощью цвета, размеров, динамики формы, перспективы, теней.

12. Необходимо соблюдать оптическое равновесие за счет правильного размещения крупных, тяжелых, темных форм относительно малых, легких, светлых.

Эксперимент — залог успеха в творчестве. Создав композицию, не останавливайтесь на достигнутом, пробуйте что-либо изменить. Ставьте задачу нахождения взаимосвязи частей композиции. Убедитесь, что:

Основные принципы построения композиции | Полиграф-Сити

Статьи по полиграфии, дизайну и продажам

1. Существуют два типа композиции — замкнутая и открытая. Для передачи идеи неподвижности, устойчивости больше всего подходит замкнутая (закрытая, статичная) композиция. Для нее характерны устремленные к центру основные направления линий, построение по форме круга, квадрата, прямоугольника с учетом симметрии. Признак замкнутой композиции — четкий внешний контур, нарастание сложности к центру.
Ощущение простора передается открытой композицией. Основные направления линий — от центра. Как правило, строится несколько композиционных узлов, используется ритм. Ниже приведены примеры замкнутой и открытой композиций.
2. Для передачи движения (динамики) используются:
— диагональные линии;
— свободное пространство перед движущимся объектом;
— момент кульминации движения.
3. Условия для выражения покоя (статики):
— нет — диагоналей;
— нет свободного пространства;
— статичные позы;
— симметрия, уравновешенность;
— вся композиция вписана в простую геометрическую форму (треугольник, квадрат, овал).
4. Характерные элементы композиции объединяются по однородным признакам, форме, цвету, текстуре, фактуре.
5. Построение всей композиции на контрастах создает напряжение: так, изделиям из керамики противопоставляются хрустальные сосуды; бабочки выглядят особенно яркими и живыми на фоне белых рулонов и листов бумаги.
6. Необходимо соблюдать ограничения (не больше трех-четырех) в материале, деталях, цвете, форме. Избегайте пестроты и дробности, так как это создает нежелательное ощущение беспокойства и тревоги.
Пестрые, перенасыщенные изображением композиции утомляют, вызывают отрицательные эмоции.
7. Если в композиции много элементов, их располагают группами по два-три. Для изображения событий, равных по своей значимости, используют несколько композиционных центров.
8. Следует обеспечить свободное пространство между группами, чтобы не «потерялись» отдельные части композиции.
9. Особо подчеркивается субординация (соподчинение) между группами. Наиболее значимые элементы выделяют размещением, размером, цветом так, чтобы направить взгляд человека сначала на них, а затем — не менее важные детали.
10. В соответствии с правилом золотого сечения, наиболее значимый элемент или группу элементов располагают примерно на расстоянии 1/3 от края композиции.
11. Объемность, глубина изображения достигаются с помощью цвета, размеров, динамики формы, перспективы, теней.
12. Необходимо соблюдать оптическое равновесие за счет правильного размещения крупных, тяжелых, темных форм относительно малых, легких, светлых.

Эксперимент — залог успеха в творчестве. Создав композицию, не останавливайтесь на достигнутом, попробуйте что-либо изменить. Ставьте задачу нахождения взаимосвязи частей композиции. Убедитесь, что:
• ни одна часть композиции не может быть изъята или заменена без ущерба для целого;
• части композиции нельзя поменять местами без ущерба для целого;
• ни один новый элемент нельзя присоединить без ущерба для целого.

Некоторые композиционные приемы

Совсем необязательно строить многоэлементную композицию — можно использовать минимум деталей, и чем их меньше, тем сильнее должна быть их характерность, типичность.

Можно выразить тему через отдельные характерные ассоциации с помощью предметов или комбинаций предметов, способных эти ассоциации вызвать. Например, изображение корабля, самолета связано в сознании с путешествиями, чаша со змеей ассоциируется с медициной, гусиное перо с поэзией и т.д.

Художник различным образом может использовать сочетания форм. В композиции нет упорядоченности, но вот введено черное пятно — и появляется устойчивость, в изображении прослеживается диагональ, которая в данном случае является стержнем композиции (активная диагональ золотого прямоугольника).

Правильное построение композиции усиливает впечатление динамики: сравните предлагаемые примеры. Когда перед автомобилем или фигурой бегущего человека оставлено свободное место (пространство), компоновка смотрится лучше.

Ощущение динамики может вызвать и форма объекта.
Выразительные образы реальных объектов можно создавать композицией абстрактных геометрических форм.
Выразительность образа усиливается за счет преднамеренного искажения, трансформации формы.
Интересный результат получается при совмещении в композиции объектов, характерных для разного времени.

Композиционное сочетание реальных объектов и непредметных форм приводит к неожиданно привлекательным результатам.

Не бойтесь неожиданных контрастов. Они придают композиции особую выразительность.
В монохромной композиции смелее экспериментируйте с тоном. Кроме черного и белого цветов можно широко использовать промежуточный, серый, тем более что он до бесконечности разнообразен.

Цвет делает изображение богаче, усложняет его структуру модуляциями теплых и холодных тонов, с помощью которых хорошо передается гармоничный контраст. В рекламном искусстве применяется также метод сознательного отказа от гармоничных сочетаний, что обусловлено назначением рекламы: привлекать зрителя. Например, сочетают три цвета: желтый, черный, красный, которые гармоничными (по правилам колориметрических кругов) назвать нельзя.

Цветовой и пластической гармонии вещественной среды нельзя достичь, не учитывая физических свойств поверхности: фактуры (внешние свойства: гладкая, шероховатая, зеркальная поверхность) и текстуры (внутренняя структура: дерево, металл, стекло, ткань). Теория художественного конструирования знакомит с приемами имитации природных материалов с характерным декоративным рисунком фактуры. Компьютер избавит вас от этой рутинной работы. Библиотеки графических изображений фактур позволяют выбрать нужную, изменить в случае необходимости цвет, масштаб и четкость рисунка в зависимости от требований создаваемой композиции.

Часто в качестве декоративного элемента используется орнамент — особый вид композиции, состоящий из ритмически упорядоченных элементов. Орнаментальное украшение — самое простое художественное построение, которое тоже подчиняется законам композиции.

Подведем итог. Композиция произведения — показатель художественной культуры дизайнера, чувства меры и стиля. Следуя всем правилам и примерам композиции, нельзя, тем не менее, терять непосредственности, свежести подхода к работе. «Самые неожиданные по новизне композиции, самые экспрессивные углы и точки зрения рассыпаны в живых картинах жизни в щедром изобилии» (К.Ю. Юон).

КОМПОЗИЦИЯ 2 D ДИЗАЙН Основы композиции в

Описание презентации КОМПОЗИЦИЯ 2 D ДИЗАЙН Основы композиции в по слайдам

КОМПОЗИЦИЯ 2 D ДИЗАЙН

Основы композиции в дизайне. Что такое композиция? В любом виде искусства ключевую роль играет правильное расположение элементов произведения, позволяющее наиболее точно передать идею этого произведения. То есть выделить ключевые сюжетные линии, передать необходимое настроение и соблюсти при этом гармонию. Композиция (от латинского compositio) и является соединением (сочетанием) этих элементов в единое целое. Так же композицией можно назвать само произведение. Интуитивное понятие о композиции в различной степени присутствует у каждого. Иначе в ней не было бы никакого смысла. То есть люди имеют схожее представление о гармонии, целостности, единстве … Композиция в дизайне, композиция в рисунке, композиция в живописи, композиция в фотографии — понятия не разделимые. Композиция в музыке и композиция в литературе так же имеют много общего с вышеперечисленными, однако средства ее достижения другие. Деятели искусства уделяют особое внимание поиску наиболее выразительных композиционных схем. На протяжении долгих столетий создавались произведения с различными композиционными решениями, в том числе и произведения изобразительного искусства. Однако в этой статье об основах композиции мы не будем рассматривать сложные художественные произведения. Любой объект с легкостью можно вписать в одну из трех основных фигур: прямоугольник, треугольник, эллипс. Так что оперировать мы будем именно этими фигурами. А саму композицию рассмотрим как правильное расположение элементов изображения , основанное на предметном изучении восприятия человеком зрительной информации. Речь пойдет об основах композиции в дизайне, изобразительном искусстве и фотографии. Геометрический и композиционный центры, средства выделения композиционного центра, плановость в композиции

Мы строим композицию на плоскости. Будь то фотография, лист бумаги или монитор компьютера. Если через эту плоскость провести две диагональные линии, точка их пересечения укажет на геометрический центр нашей будущей композиции. Любой предмет, вписанный в этот центр, будет чувствовать себя вполне уверенно.

Композиционный центр служит для фокусировки внимания зрителя на деталях композиции. В фотографии, живописи и рисунке, как правило, выделяются сюжетно-композиционные центры. То есть, в композиционном центре находится основной сюжет произведения. В рекламе выделение композиционного центра может пригодиться для привлечения внимания потенциального покупателя к интересной ему информации. Это может быть текст или изображение. Композиционный центр и геометрический центр композиции могут не совпадать. Композиционных центров в композиции может быть несколько , в то время, как геометрический центр один. Композиционный центр может быть выделен: контрастом света и тени контрастом цвета размером Формой В классической живописи, как правило, сюжетно-композиционный центр изображают на втором плане. Передний план служит как бы вступлением , приглашением взглянуть на основное событие. На втором плане находится весь сюжет произведения , а третий служит продолжением картины , фоном, на котором разворачивается действие.

Задание 1 1 — Нарисовать 4 вида композиции с выделение композиционного центра за счет: — контраста (4) -цвета (4) -формы (4) -размера (4) (…использовать геометрические фигуры) (…всего 16 листов)

Часть 2 Основные понятия и правила композиции Диагональные линии в композиции График на рисунке слева означает рост. График на рисунке справа означает падение. Так уж сложилось. И, соответственно, в композиции диагональная линия, проведенная от левого нижнего угла к правому верхнему воспринимается лучше, чем линия, проведенная от левого верхнего угла к правому нижнему.

Задание 2 1 -Нарисовать 3 вида композиции с применением диагональных линий -визуальное падение (3 эск. ) -визуальное стремление вверх (рост) (3 эск. ) (…всего 6 листов)

Замкнутая и открытая композиция В замкнутой композиции основные направления линий стремятся к центру. Такая композиция подойдет для передачи чего-то устойчивого, неподвижного. Элементы в ней не стремятся за рамки плоскости, а как бы замыкаются в центре композиции. А взгляд с любой точки композиции стремиться к этому центру. Для ее достижения можно использовать компактное расположение элементов в центре композиции, обрамление. Расположение элементов (на изображение — геометрических фигур) таким образом, чтобы все они указывали на центр композиции. Открытая композиция , в которой направления линий исходят от центра, дает нам возможность продолжить мысленно картину и увести ее за рамки плоскости. Она подходит для передачи открытого пространства, движения.

Правило золотого сечения Различное расположение элементов на плоскости может создать гармоничное или негармоничное изображение. Гармония — это ощущение и понятие о правильном расположении элементов весьма интуитивно. Однако можно выделить несколько совсем не интуитивных правил. Расположение простых геометрических фигур на изображении слева выглядит намного более гармоничным. Почему?

Гармония — это слаженность. Единое целое, в котором все элементы дополняет друга. Некий единый механизм. Самый большой такой механизм — это окружающий нас мир, в котором все элементы взаимосвязаны — животные дышат воздухом, расходуют кислород, выдыхают углекислый газ, растения используют его углерод и энергию солнца для фотосинтеза, возвращая кислород. Одни животные питаются этими растениями, другие регулируют количество питающихся растениями, питаясь ими, тем самым спасая растения, вода испаряется, чтобы выпасть осадками и пополнить запасы рек, океанов и так далее… Нет ничего более гармоничного, чем сама природа. Поэтому и понимание гармонии приходит к нам от нее. А в природе огромное количество зрительных образов подчиняется двум правилам: симметрии и правилу золотого сечения. Что такое симметрия, я думаю, вы знаете. А что такое золотое сечение?

Части этого отрезка примерно равны 5/8 и 3/8 от всего отрезка. То есть, по правилу золотого сечения зрительные центры в изображении будут располагаться так: Золотое сечение можно получить, если разделить отрезок на две неравные части таким образом, чтобы отношение всего отрезка к большей части равнялось отношению большей части отрезка к меньшей. Это выглядит так:

Правило трех третей В этом рисунке не соблюдено правило золотого сечения, но создается ощущение гармонии. Если разделить плоскость, на которой находятся наши геометрические фигуры на девять равных частей, мы увидим, что элементы расположены на точках пересечения разделяющих линий, а горизонтальная полоса совпадает с нижней разделительной линией. В этом случае действует правило трех третей. Это упрощенный вариант правила золотого сечения.

Часть 3. Динамика и статика в изображении, движение, ритм Динамичная композиция — композиция, при которой создается впечатление движения и внутренней динамики. Статичная композиция (статика в композиции) — создает впечатление неподвижности. Изображение слева выглядит статичным. На картинке справа создается иллюзия движения. Почему? Потому что мы прекрасно знаем из своего опыта, что будет с круглым предметом, если наклонить поверхность, на которой он находится. И воспринимаем этот предмет даже на картинке движущимся.

Таким образом, для передачи движения в композиции можно использовать диагональные линии. Так же можно передать движение, оставив свободное пространство перед движущимся объектом, чтобы наше воображение могло продолжить это движение.

Движение можно передать последовательным отображением некоторых моментов этого движения Так же для передачи движения используют смазанный, размытый фон и направление линий композиции в сторону движения объекта. Статика в композиции достигается отсутствием диагональных линий, свободного места перед объектом и наличием вертикальных линий. Движение можно замедлить или ускорить: Кажется, что движение на левом рисунке быстрее, чем на правом. Так устроен наш мозг. Мы читаем и пишем слева направо. И движение нами воспринимается проще слева направо.

Замедлить движение можно наличием в композиции вертикальных линий.

Ритм в композиции Ритм — один из ключевых моментов в искусстве. Он может сделать композицию спокойной или нервной, агрессивной или умиротворяющей. Ритм обусловлен повторением. Мы живем в мире различных ритмов. Это смена времен года, дня и ночи, движение звезд, стук капель дождя по крыше, сердцебиение. . . В природе ритм, как правило, равномерен. В искусстве же можно выделять ритмические рисунки, делать акценты, менять размеры, тем самым придавая композиции особое настроение. Ритм в изобразительном искусстве может создаваться повторением цвета, объектов, пятен света и тени.

Часть 4 Симметрия и асимметрия в композиции, достижение равновесия Симметрия в композиции Как уже говорилось, в природе большое количество зрительных образов подчиняется закону симметрии. Именно поэтому симметрия легко воспринимается нами и в композиции. В изобразительном искусстве симметрия достигается таким расположением объектов, что одна часть композиции, как будто являются зеркальным отражением другой. Ось симметрии проходит через геометрический центр. Симметричная композиция служит для передачи покоя, устойчивости, надежности, иногда, величества. Однако создавать изображение абсолютно симметричным не стоит. Ведь в природе не бывает ничего идеального. Симметрия — это самый простой способ добиться равновесия в композиции. Однако, не единственный.

Асимметрия, достижение равновесия Чтобы понять, что такое равновесие можно представить механические весы. В данном случае работает закон симметрии. Слева и справа на весах на одинаковом расстоянии симметрично расположены два предмета одинаковой формы и размера. Они создают равновесие.

Асимметрия нарушит это равновесие. И если один из объектов будет больше, то он попросту перевесит меньший.

Однако возможно уравновесить эти объекты, добавив в композицию что-нибудь, в качестве противовеса. Асимметрия при этом сохранится:

Так же добиться равновесия при асимметрии можно будет, перевесив больший предмет ближе к центру: Достижение равновесия является одним из самых значимых этапов при построении ассиметричной композиции и часто при этом руководствуются интуитивным чувством равновесия. Чувство это можно развить при помощи различных упражнений. Равновесие может достигаться противопоставлением размеров, форм пятен цвета и тени. Если Вы заметили, что какая-то деталь композиции сильно перевешивает все остальные, вы можете попробовать изменить ее цвет, освещенность, форму или уравновесить ее при помощи какого-либо другого предмета, добавленного с противоположной стороны.

Часть 5 Применение правил композиции в рекламе Правильная подача информации Чтобы научится строить сложные композиционные схемы, выражать свои мысли, передавать идею произведения, развить в себе чувство единства и равновесия помимо знаний основ композиции необходимы талант и долгие годы тренировок. За все время существования изобразительного искусства художники, архитекторы и фотографы выявили огромное количество композиционных схем, задействовав целый ряд средств достижения композиции. Помимо сложных художественных произведений, соблюдение правил композиции так же важно и для правильной подачи информации в рекламе. Делаете ли Вы рекламный снимок какой-либо продукции, размещаете графическую информацию на сайте или баннере, предоставляете готовый продукт на утверждение заказчику, без построения композиции не обойтись. Предоставляемая информация должна находиться в композиционном центре. Для этого ее необходимо выделись одним из существующих способов. Лучше всего подойдет выделение освещенностью. При подаче информации светлый объект расположите на темном фоне, темный — наоборот. Старайтесь не использовать пестрый фон, он может отвлечь внимание. Не забывайте о целостности. Если объектов несколько, не располагайте их хаотично. Лучше всего выстроить их в форме простых геометрических фигур. Старайтесь соблюсти при этом равновесие. Если объект не должен располагаться в центре, лучше поместить его справа, чтобы взгляд двигался навстречу ему, так как читаем и просматриваем изображение мы слева направо. Правильная подача информации — залог успеха. Старайтесь уделять этому достаточное количество времени и внимания.

Как пользоваться правилами композиции Правила композиции не являются обязательными для соблюдения. Даже наоборот. Некоторые правила противоречат один другому (например, передача движения и передача покоя). Если лицо человека на картине повернуто в какую-либо сторону, необходимо оставлять свободное пространство с этой стороны, чтобы взгляд не упирался в преграду. Валентин Серов в портрете Ермоловой нарушает это правило композиции, в результате чего создается впечатление, будто актриса смотрит на нас прямо с полотна. Нарушение правил композиции может быть намерено. Особенно в такой нестандартной и сложной отрасли, как реклама. Если в дизайне упаковки сока провести горизонтальную линию не по правилу золотого сечения, а чуть выше, то и пакет сока будет казаться выше. Однако, прежде чем нарушать какое-либо правило, его надо знать и уметь им пользоваться. Помните, если Вы нарушаете правила, Вы должны четко осознавать, ДЛЯ ЧЕГО Вы это делаете.

Точка Выделяется как графический акцент на плоскости. Несмотря на свои относительно малые размеры, обладает весьма широкими возможностями в построении композиции. Очень часто именно она является центром всего ее строя.

Линия По форме характеризуется протяженностью или развитием на плоскости в одном координатном направлении (в длину). Характер линейно-графической формы во многом определяется материалом и техникой ее исполнения. Строя линейно-графическую композицию, важно как можно ярче выявлять специфические свойства линий разного исполнения.

Пятно В отличие от точки и линии пятно, как правило, заполняет большую часть графической плоскости. С использованием пятна значительно расширяется палитра средств построения графической композиции.

ТИПОГРАФИКА ШРИФТ

Типографика в дизайне часть 1. Понятие типографики, основные термины, характеристики текстов и шрифтов Текст в рекламе — одно из важнейших составляющих, позволяющее рекламодателям заявить о себе. Поэтому большое количество работы в графическом дизайне связано с его набором и оформлением. Но, к сожалению, в сравнении с ростом рекламного бизнеса и количества графических дизайнеров в России, количество тех, кто подходит к шрифтовому оформлению текста профессионально увеличивается не так быстро. Не разбирающиеся в дизайне заказчики хотят, чтобы было «необычно» или «повеселее», а приветливые и дружелюбные дизайнеры идут им навстречу. В итоге текст на сайте или в буклете получается оформленным таким образом, что служит уже не во благо, а во вред рекламной кампании. Сложно сказать, правильно ли поступают в этом случае исполнители. Рекламодатель бывает уперт и часто считает, что больше всех понимает в рекламе и дизайне, а исполнителю, порой, приходится идти у него на поводу. В итоге получаются жуткие дизайнерские ляпы, которые мы часто встречаем как в интернете, так и в печатной рекламе. А если же эти ляпы возникают по невежеству, то исполнителям стоит познакомиться с таким понятием, как типографика.

Понятие типографики Существует множество определений понятию Типографика. Кто-то может назвать это наукой об оформлении набранного текста. Хотя такое определение вряд ли подойдет. Законы и правила типографики являются достаточно гибкими и необязательными для соблюдения, в отличие от законов, например, физики. Так что называть типографику наукой, наверное, не стоит. Так же часто типографику называют искусством построения композиции из шрифтов путем набора и верстки. Такое определение, наверное, подойдет больше. Но в этой статье мы рассмотрим типографику, не как на искусство или действие, а как руководство. Так что, определение типографики в этой статье будет следующим: Типографика (typography) — свод законов, правил и норм оформления текста, основанных на изучении восприятия набора читателем, а так же на опыте и обобщенном мнении профессионалов набора. Типографика полезна не только для грамотной верстки книг, газет и журналов. Она важна при создании печатной рекламы, дизайне сайта, баннера, наружной рекламы и многого другого. Знание и понимание типографики превращают текст в инструмент построения композиции. Делают его живым, придают характер и способность передать идею не только содержанием, но и графически.

Основные термины Для того, чтобы понимать, о чем идет речь в следующих статьях, давайте разберемся в некоторых терминах, которые будут встречаться в дальнейшем. Если Вы работаете в дизайне не первый день, большинство этих терминов Вы уже слышали, однако, все равно стоит посмотреть определения, возможно, это сможет дополнить информацию, которой Вы обладаете: Гарнитура — шрифт или несколько шрифтов, имеющих стилистическое единство начертания. Состоит из набора знаков (обычно — цифры, буквы, знаки пунктуации, сцецсимволы, но может состоять так же исключительно из неалфавитных знаков). Часто это понятие путают с понятием «шрифт», хотя шрифт — это определенное начертание знаков, в то время, как гарнитура определяет общее «семейство» шрифтов. Например, гарнитура «Times New Roman» состоит из обычного, курсивного, полужирного и множества других шрифтов этого семейства. Кегль — высота буквы, включающая в себя нижние и верхние выносные элементы. Измеряется в типографских пунктах (обозначается как pt). Например, текст набранный 14 кеглем будет равен 14 pt по высоте. 1 типографский пункт равен 1/72 английского дюйма. Это примерно 0, 352 миллиметра. Интерлиньяж — межстрочный интервал. Расстояние между базовыми линиями соседних строк. Измеряется интерлиньяж в типографских пунктах. Кернинг — расстояние между буквами. Основная суть кернинга — подбор различных интервалов между различными парами конкретных букв, для увеличения удобочитаемости. В программах верстки кернинг — изменение расстояния между буквами, задающееся в процентах. Может быть как отрицательным, так и положительным. При отрицательном кернинге буквы сдвигаются, при положительном — раздвигаются. Трекинг — межбуквенные пробелы, применяемые к группе символов (слово, строка, абзац…). Трекинг служит для разрядки (осветления) или уплотнения (затемнения) набора, а так же для вгонки и выгонки слов (изменения числа набранных строк). Рубрикация — система деления текста, при которой соподчиненные заголовки различного уровня выражают взаимосвязь и соподчиненность возглавляемых ими частей (рубрик, глав, разделов, подразделов). Графема — базовая форма знака, помогающая отличить этот его от любого другого осмысленного знака, вне зависимости от художественных особенностей исполнения. Графема, как правило, определяет единицу текста. Например, базовая форма (графема) буквы «А» позволяет отличить ее от буквы «Б» вне зависимости от того, какой гарнитурой она набрана. Глиф — конкретное графическое исполнение графемы. Если в тексте используется несколько глифов для одной и той же графемы (например, в зависимости от контекста), такие глифы называются аллографами друга.

Виды чтения: Сплошное чтение — долгое спокойное размеренное чтение длинного связного текста. Выборочное чтение — чтение отрывками. Так читают, чтобы найти в тексте нужную информацию. Характеристики шрифтов и текстов И так, мы уже определились, что текст в рекламе играет существенную роль. Но различные тексты в различных видах рекламы имеют разное назначение. Текст в интернете, имеющий большой объем, статья в журнале или газете, длинное описание товара в каталоге предназначены для сплошного чтения. Текста в макете для наружной рекламы значительно меньше, и к нему необходимо привлечь внимание. Рекламный слоган, как правило, состоит из одной-двух фраз и предназначен для того, чтобы его запомнили. Так как различные тексты имеют различное назначение, то и значимость каких-либо характеристик этих текстов и шрифтов для их набора различна. Какие-то характеристики являются наиболее важными для одних текстов, какие-то — для других. Речь идет о таких характеристиках, как: Удобочитаемость — свойство текста и шрифтов для его набора, характеризующее легкость восприятия. Удобочитаемость важна в текстах, предназначенных для сплошного чтения. Графическое исполнение шрифтов, используемых для набора таких текстов, должно быть максимально привычным и нейтральным. Стоит заметить, что удобочитаемость обеспечивается не только мерами типографики, но так же стилистики, семантики и прочими свойствами текста. Заметность — Характеристика важная для текста, который мы хотим выделить. В отличие от удобочитаемого текста, заметный текст в первую очередь видят, и только потом читают. Сделать текст более заметным можно, оперируя цветом символов или фона, при помощи крупного кегля, акцидентного и/или выделительного шрифта. Различимость — характеристика шрифта и текста, являющаяся важной для чтения в условиях пониженной видимости и/или за короткое время. Например, текстов в наружной рекламе. Различимость текста обеспечивается ясными, максимально отличающимися друг от друга формами букв, крупным кеглем и сильным контрастом цветов текста и фона.

Система ориентирования Длинные связные тексты, предназначенные для сплошного чтения, читают долго, спокойно и размеренно. Для ориентирования по нему достаточно номеров страниц или url, если речь идет об интернете. Для текстов же, предназначенных для выборочного чтения Важным элементом является система ориентирования. Система ориентирования — в типографике это система пиктографических и текстовых элементов, помогающая читателю находить в тексте нужную информацию (главу, страницу, абзац, строку). В книге — это рубрицация, навигатационный аппарат (колонтитулы, колонцифры и т. п. ). В интернете так же используется гипертекстовые ссылки, пиктограммы.

ПОЛИГРАФИЯ

Определение полиграфии Полиграфия (от др. греческого polys — многочисленный и grapho — писать) — отрасль промышленности, занимающаяся размножением текстовой и графической информации, путем переноса заранее сформированного красочного слоя из какого-либо резервуара на воспринимающую поверхность (бумагу, картон, пластик и др. ). К полиграфической продукции относятся книги, газеты, журналы, календари, буклеты, этикетки и прочее. Технической основой полиграфии принято считать книгопечатание с помощью подвижных металлических литер, изобретенное немецким ремесленником Иоганном Гутенбергом в середине пятнадцатого века. В России книгопечатание основано в шестнадцатом веке Иваном Федоровым. В настоящее время существует 4 типа печати (высокая, плоская, глубокая и трафаретная печати) и множество разновидностей этих типов печати (такие, как офсетная печать, флексография, шелкография, тампопечать, цифровая печать, теснение и т. д. ). Процесс тиражирования полиграфической продукции можно разделить на три стадии: предпечатная подготовка (подготовка макета, печатных форм, приладка, в прошлом — набор текста из литер), печать изделия и послепечатную обработку (обрезка под формат, биговка, фальцовка, брошюровка и прочее).

Роль полиграфии в рекламе и рекламы в полиграфии Полиграфия играет огромную роль в рекламе. Многие ошибочно думают, что с развитием информационных технологий полиграфическая продукция ушла на задний план, ведь хранить и передавать информацию в электронном виде значительно проще и дешевле. Это не так. Да, печатный каталог заказать намного сложнее и дороже, чем электронный, да стало меньше газет и журналов, да многие читают книги с дисплеев электронных устройств, но полиграфическое производство просуществовало много веков и без боя не сдастся. У входов в метро, у супермаркетов и на выставках не будут раздавать лазерные диски. Их никто даже не вставит в CD-привод. На столбах и в подъездах не будут вешать ЖК мониторы, потому что их, попросту, унесут. И по той же причине не будут класть ноутбуки в холлах отелей, парикмахерских и бизнес центров. Печать листовки обходится значительно дешевле, чем стоит флеш-носитель информации. Да и на тот же флеш-носитель можно нанести изображение или надпись. Так что полиграфия не умирает. Она продолжает играть значимую роль в рекламе. Появляются новые печатные рекламные материалы, новые способы печати, более современное оборудование. Печатная реклама впервые появилась в Англии в 1478 году. И с тех далеких пор полиграфия и реклама развивались вместе. В настоящее время рекламная продукция — один из основных доходов типографий. Реклама в полиграфии занимает значимое место, так же, как и полиграфия в рекламе. Печатная продукция важна как в BTL так и в ATL. Полиграфическая реклама — это буклеты, каталоги, листовки, этикетки, упаковка, стикеры, воблеры, ценники и многое другое. Сегодня существуют сотни наименований печатной рекламной продукции. В разделе «полиграфия» Желтого Слона представлены различные обучающие материалы на тему полиграфии, а так же справочная информация и интересные факты, связанные с полиграфическим производством.

Г.Вельфлин. Замкнутая и открытая форма. (Тектоничность и атектоничность.) — Мир красоты

ЖИВОПИСЬ.

«Замкнутым» мы называем изображение, которое с помощью большего или меньшего количества тектонических средств превращает картину в явление, ограниченное в себе самом, во всех своих частях объясняющееся собою самим, тогда как стиль открытой формы, наоборот, всюду выводит глаз за пределы картины, желает показаться безграничным, хотя в нем всегда содержится скрытое ограничение, которое одно только и обусловливает возможность замкнутости (законченности) в эстетическом смысле.

Части картины располагаются в XVI веке около средней оси или же, где ее нет, таким образом, чтобы между половинами картины существовало совершенное равновесие, которое хотя и не всегда поддается точному определению, все же очень явственно чувствуется при сопоставлении с более свободным распределением частей на картинах XVII века. Здесь та же противоположность, которая обозначается в механике терминами устойчивое и неустойчивое равновесие. Что же касается проведения средней оси, то изобразительное искусство барокко питает к ней самое решительное отвращение. Чистая симметрия исчезает или же делается незаметной при помощи всякого рода нарушений равновесия.

При заполнении картины для XVI века было естественно придерживаться данной плоскости. Хотя художник и не задается целью достигнуть с помощью этого приема определенного выражения, все же содержание распределяется в пределах площади картины таким образом, что кажется, будто оно определено ею. Края и углы картины ощущаются как нечто обязательное и находят отзвук в композиции. В XVII веке заполнение отрешается от рамы. Делается все для того, чтобы избежать впечатления, будто данная композиция придумана специально для данной плоскости. Хотя скрытое соответствие, естественно, продолжает давать себя знать, целое все больше стремится к тому, чтобы выглядеть как случайный отрезок видимого мира.

Уже излюбленное барокко диагональное направление расшатывает тектонику картины, посколько оно отрицает или, по крайней мере, затемняет прямоугольность сцены.

Все явственнее обнаруживается тенденция к тому, чтобы картина перестала выглядеть как самодовлеющий кусочек мира, но казалась преходящим зрелищем, которое радует зрителя именно тем, что приобщает его к жизни мгновения. В конечном счете важны не вертикальное и горизонтальное направления, не фасад и профиль, тектоника и атектоника, но то, выглядят ли намеренно фигура и целая картина как зрительные ценности или нет. Характерное для XVII века искание преходящего мгновения в концепции картины тоже является одним из признаков «открытой формы».

        ГЛАВНЫЕ МОТИВЫ.

1. Классическое искусство есть искусство отчетливо выраженных горизонталей и вертикалей. Наглядность этих моментов доводится до высшей ясности и остроты. Идет ли речь о портрете или о фигуре, о жанровой сцене или о пейзаже, в картине всегда господствует противоположность отвесных и горизонтальных направлений. Чистая первичная форма является мерилом всех отклонений.

В противоположность этому, барокко склонен если и не вовсе вытеснить названные моменты, то все же затушевать их противоположность. Слишком ясное просвечивание тектонического остова ощущается им как окаменение и как противоречие идее живой действительности.

Это изгнание геометрии, конечно, меняет явление во всех отношениях. Для классического Грюневальда световой ореол, окружающий воскресающего Христа, само собой разумеется, был кругом,

Рембрандт же, при аналогичном намерении создать впечатление торжественности, не мог бы пользоваться этой формой из опасения показаться архаическим. Живая красота присуща отныне не ограниченной, но неограниченной форме.

Рембрандт Харменс ван Рейн. «Вознесение Христа».

То же самое можно сказать относительно эволюции красочной гармонии. Чистые красочные контрасты появляются одновременно с чистыми контрастами направлений. XV век еще не знает их. Дополнительные краски, взаимно усиливающие друг друга и дающие картине прочную колористическую основу, вырабатываются лишь постепенно, параллельно процессу закрепления тектонической линейной схемы. С началом барокко и здесь сила непосредственных контрастов падает. Чистые красочные контрасты, конечно, встречаются, но картина на них не строится.

2. Симметрия и в XVI веке не была всеобщей композиционной формой, однако к ней прибегали очень часто; в тех же случаях, когда она не дана в осязательной форме, ее всегда заменяет ясно выраженное равновесие половин картины. XVII век превратил это устойчивое отношение равновесия в отношение неустойчивое, половины картины утрачивают сходство, и чистая симметрия ощущается барокко, как нечто естественное, лишь в пределах узкой области архитектурной формы, тогда как живопись совершенно преодолевает ее.

Где речь идет о симметрии, там имеют в виду прежде всего торжественность впечатления; к симметрии стремятся при всякой попытке дать более монументальную композицию, для будничного же настроения она нежелательна. Несомненно, что в качестве выразительного мотива она всегда понималась в этом смысле, но эпоха все же вносит некоторое различие. XVI век решался подчинять симметрии даже сцену свободного движения, не опасаясь произвести впечатление мертвенности; XVII век дает симметрическое расположение, лишь когда оно реально налично. Важно, однако, что и в этом случае картина остается атектонической.

Рембрандт на Вечере в Эммаусе  не пожелал обойтись без симметрии, и Христос сидит у него как раз посредине большой ниши в задней стене, но ось ниши не совпадает с осью картины, которая направо шире, чем налево.

Как резко восстает дух времени против чистой симметричности, очень хорошо можно видеть на добавлениях к картинам уравновешенного стиля, которые любил давать барокко для сообщения этим картинам большей жизненности. Примеры таких добавлений встречаются в галлереях  сплошь и рядом. Мы воспроизводим здесь еще более замечательную барочную рельефную копию Disputa Рафаэля, на которой копиист просто изобразил одну половину короче другой, несмотря на то, что жизненность классической композиции проистекает, по-видимому, как раз от абсолютного равенства частей.

Всякое пространственное направление сопровождается в XVI веке другим — уравновешивающим — направлением, всякое световое пятно, всякая краска дополняются соответствующими противоположностями. Барокко предпочитает преобладание одного какого нибудь направления. А краска и свет распределяется им таким образом, что в результате создается впечатление не насыщенности, а напряжения.
Классическую картину можно узнать издали по равномерному распределению на плоскости световых пятен, по тому, например, как освещение головы на портрете уравновешивается освещением руки.

Ботичелли.
У барокко расчет другой. Не вызывая впечатления расстройства, он освещает одну лишь сторону картины, внося в нее таким образом живое напряжение. Различные способы насыщенного распределения света и тени кажутся ему чем то мертвым.
Примером нарушенного равновесия колорита может служить Купающаяся Сусанна Рембрандта (Берлин) с издали бросающимся в глаза вишневым платьем, у самого края картины направо: эксцентрическое распределение колорита здесь можно почти осязать.

3. В тектоническом стиле заполнение картины определяется ее площадью, в атектоническом — отношение между площадью и заполнением кажется случайным.
В гравюре Дюрера Иероним помещение не ограничено справа, на картине можно наблюдать несколько несущественных пересечений, но вся она кажется совершенно замкнутой: мы видим обрамляющий боковой столб слева, обрамляющую потолочную балку сверху и ступеньку спереди, идущую параллельно нижнему краю кратины; два животных занимают всю ширину сцены, и в верхнем правом углу висит видимая целиком тыква, заполняющая и замыкающая картину.

Сравните теперь эту гравюру с интерьером Питера Янссенса в мюнхенской Пинакотеке:

аспект совсем родственный и так же оставлена открытой одна сторона. Но вся картина перестроена актектонически. Не хватает потолочной балки, совпадающей с краем картины и сцены: потолок остается частью пересеченным. Не хватает бокового столба: не весь угол открыт взору, и с другой стороны помещается резко пересеченный краем картины стул с положенным на нем платьем. Вместо подвешенной тыквы мы видим в углу картины половину окна, а вместо — заметим мимоходом — спокойных параллелей двух животных, на переднем плане здесь валяется пара беспорядочно брошенных туфель. Однако, несмотря на все пересечения и несовпадения, картина не производит впечатления незамкнутой. То, что кажется лишь случайно отгороженным, на самом деле есть нечто во всех отношениях самодовлеющее.
4. Резюмирующим понятием тектонического стиля следует считать планомерность, которая лишь отчасти свидится к геометрической правильности; скорее можно сказать, что она создает впечатление общей закономерной связанности, отчетливо выраженной освещением, манерой проведения линий, перспективой и т. д. Атектонический стиль не есть нечто свободное от всяких правил, но порядок, лежащий в его основе, кажется настолько чуждым строгости, что с полным правом можно говорить о противоположности закона и свободы.
Стиль замкнутой формы есть архитектурный стиль. Он строит, как строит природа, и ищет в природе то, что ему родственно. Влечение к изначальным направлениям: вертикальному и горизонтальному, связывается с потребностью в границе, порядке, законе. Никогда симметрия человеческой фигуры не чувствовалась сильнее, никогда противоположность горизонтальных и вертикальных направлений и законченная пропорциональность не ощущались острее, чем тогда. Всюду стиль стремится изобразить незыблемые, пребывающие формы. Природа есть космос, а красота — открывшийся взору художника закон.
Для атектонического стиля интерес к архитектурности и внутренней замкнутости отступает на второй план. Картина перестает быть архитектурой. В изображении фигуры архитектонические моменты играют второстепенную роль. Самым существенным в форме является не схема, но дыхание, расплавляющее окаменелость и сообщающее всей картине движение. Классический стиль создает ценности бытия, барокко — ценности изменения. Там красота заключена в ограниченном, здесь — в безграничном.
Портрет Гольбейна — концепция обусловлена идеалом прочной тектонической слаженности.

Слаженному тектоническому типу XVI века противопоставим барочный тип, взяв в качестве примера портрет д-ра Туль-дена Рубенса.

Особенно резкое впечатление контраста создается непрямым положением фигуры. Однако, нужно остерегаться прилагать к двум картинам один и тот же масштаб, потому что они характеризуют модель различными средствами. Вся основа построения картины изменилась. Система горизонтальных и вертикальных направлений хотя и не вовсе упразднена, но все же намеренно сделана незаметной. Художник не стремится изобразить геометрические отношения в их чистом виде, но с непринужденностью уклоняется от этой задачи. В рисунке головы тектонически-симметричный элемент оттесняется на второй план. Площадь картины все еще прямоугольна, однако фигура нисколько не согласована с системой осей; фон тоже мало способствует прилажению формы к раме. Напротив, художник пытается создать такое впечатление, точно рама и заполнение не имеют между собой ничего общего. Движение направляется по диагонали.
Уклонение от фронтальности вполне естественно, однако исключение вертикальности дело невозможное. И в барокко люди на картинах «стоят прямо». Но замечательно: вертикальное направление утратило свое тектоническое значение. Как бы ясно оно ни проступало, его согласованность с системой целого исчезает. Сравните бюст Красавицы Тициана в галле-рее Питти с Луиджией Тассис Ван-Дейка у Лихтенштейна: у Тициана фигура живет в рамках тектонического целого, от которого она заимствует силу, и которое; в свою очередь, сама усиливает, у Ван-Дейка фигура отрешена от тектонической основы. В первом случае фигура содержит в себе нечто фиксированное, во втором — она движется.

Тициан Красавица

Ван-Дейк Луиджия Тассис.

Всем пейзажам XVI века свойственна прямолинейная композиция, в которой, при всей ее «естественности», отчетливо чувствуется внутреннее родство с архитектурными произведениями. Устойчивое равновесие масс, спокойная заполненность плоскостей довершают впечатление.
Патинир Крещение Христа.

Картина является прежде всего прекрасным образцом плоскостного стиля. Христос изображен в одной плоскости с крестителем, протянутая рука которого также не выдвигается из этой плоскости. Наконец, в эту же зону включено дерево у края картины. Брошенная на землю (коричневая) мантия служит связующим звеном. Отчетливо различаемые поперечные формы тянутся параллельными пластами до самого горизонта. Христос сообщает картине основной тон.

Но композиция картины с такой же легкостью подчиняется понятию тектоничности. В таком случае, за исходный пункт следует принять чистую вертикаль крестящегося, которая еще больше подчеркнута перпендикулярными ей направлениями. Дерево целиком почувствовано в соотношении с краем картины, откуда оно черпает свою силу; с другой стороны, оно превосходно замыкает картину. Горизонтальность слоев пейзажа тоже согласована с основными линиями доски.
Позднейшие пейзажи никогда не дают такого впечатления. Формы на них не связаны с рамой, отрезок картины кажется случайным, и система осей не подчеркнута. При этом не чувствуется никакой насильственности. В Виде Хаарлема, не раз уже упоминавшемся нами, Рейсдаль изображает ровную местность со спокойным глубоким горизонтом. Кажется, что этой единственной, столь выразительной линии неизбежно должна быть присуща тектоническая роль.

днако получается совсем другое впечатление: чувствуется лишь безграничная ширь пространства, для которой обрамление не имеет никакого значения, и картина является типичным примером красоты бесконечного, которую впервые способен был понять барокко.

АРХИТЕКТУРА.
Тектонический стиль есть прежде всего стиль строгого порядка и ясной закономерности, атектонический стиль, напротив, — стиль более или менее прикрытой закономерности и свободного порядка. Там жизненным нервом всякого впечатления является необходимость слаженности, невозможность что либо переместить, здесь искусство тешится иллюзией беспорядка. Только иллюзией, потому что в эстетическом смысле форма, разумеется, необходима во всяком искусстве; но барокко любит прятать правила, ломает обрамление и нарушает пропорции, вносит диссонанс и охотно прибегает к декоративности, не останавливаясь даже перед впечатлением случайности.
Далее — к тектоническому стилю принадлежит все, что действует в смысле ограничения и насыщенности, между тем как атектонический стиль раскрывает замкнутую форму, т. е. обращает насыщенную пропорцию в менее насыщенную; отделанный образ заменяется мнимо недоделанным, ограниченный — неограниченным. Вместо впечатления спокойствия возникает впечатление напряжения и движения.
С этим связывается, в третьих, превращение застывшей формы в форму текучую. Нет надобности совсем исключать прямую линию и прямой угол, достаточно то там то здесь выпятить фриз, изогнуть крюк, и возникает представление, будто воля к атектонически-свободному существовала всегда и для своего проявления ожидала только повода.

Попытаюсь применить к современным фото.

Вельфлин: замкнутая и открытая форма

Тектоничность и атектоничность: замкнутая и открытая формы, они же «строгость» и «свобода», «правильность» и «неправильность» и т.д.

… «Замкнутым» мы называем изображение, которое с помощью большего или меньшего количества тектонических средств превращает картину в явление, ограниченное в себе самом, во всех своих частях объясняющееся собою самим, тогда как стиль открытой формы, наоборот, всюду выводит глаз за пределы картины, желает показаться безграничным, хотя в нем всегда содержится скрытое ограничение, которое одно только и обусловливает возможность замкнутости (законченности) в эстетическом смысле. 

… Свойство, присущее всем картинам XVI века: вертикальное и горизонтальное направления на них не только имеют место, но им принадлежит господствующая роль. XVII век избегает отчетливо выражать эти элементарные противоположности. Они теряют тектоническую силу даже в тех случаях, когда фактически проступают во всей своей чистоте. Части картины располагают в XVI веке около средней оси или же, где ее нет, таким образом, чтобы между половинами картины существовало совершенное равновесие, которое хотя и не всегда поддается точному определению, все же очень явственно чувствуется при сопоставлении с более свободным распределением частей на картинах XVII века.

… При заполнении картины для XVI века было естественно придерживаться данной плоскости.
… В XVII веке заполнение отрешается от рамы. Делается все для того, чтобы избежать впечатления, будто данная композиция придумана специально для данной плоскости. Целое все больше стремится к тому, чтобы выглядеть как случайный отрезок видимого мира.
… Все явственнее обнаруживается тенденция к тому, чтобы картина перестала выглядеть как самодовлеющий кусочек мира, но казалась преходящим зрелищем, которое радует зрителя именно тем, что приобщает его к жизни мгновения.
… Всякое пространственное направление сопровождается в XVI веке другим — уравновешивающим — направлением, всякое световое пятно, всякая краска дополняются соответствующими противоположностями. Барокко предпочитает преобладание какого-то одного направления. А краска и свет распределяются им таким образом, что в результате создается впечатление не насыщенности, а напряжения.

(с) Вельфлин.

Таким образом, происходит развитие от симметрии к асимметрии, от четко выраженных вертикальной и горизонтальной оси к их отсутствию и барочному диагональному «косому» движению и группированию картины.
На смену равномерному освещению классической картины приходит неуравновешенное освещение картины барочной.
От «равномерного» заполнения площади картины и «прикрепления» картины к раме в тектоническом стиле к кажущемуся случайным заполнению и стремлению выйти за пределы рамы в атектоническом.

Примеры:

Рафаэль. Диспута.
Строгая симметрия, явно выражены вертикальная и горизонтальная оси — замкнутость формы.

Рембрандт. Вечеря в Эммаусе
Симметрия присутствует (Христос посередине арки), но вертикальная ось смещена влево — открытая форма.

Рубенс. Андромеда.
Пример нарушенного колорита — асимметричная масса сброшенного красного плаща в правом нижнем углу.

Дюрер. Иероним.
«… помещение не ограничено справа, на картине можно наблюдать несколько несущественных пересечений, но вся она кажется совершенно замкнутой: мы видим обрамляющий столб слева, обрамляющую потолочную балку сверху и ступеньку спереди, идущую параллельно нижнему краю картины; два животных занимают всю ширину сцены, и в верхнем правом углу висит видимая целиком тыква, заполняющая и замыкающая картину».

СОСТАВИТЬ: Открытое и Закрытое

Композиция — это не только дизайн картины и не только предмет. Скорее речь идет о выборе: о том, как мы выбираем предмет, сколько из него мы выбираем, а затем как мы выражаем свой выбор в выбранном двумерном пространстве.

Иногда художники предпочитают заинтересовать зрителя, давая ограниченное количество подсказок о содержании своей работы, придавая произведению ощущение таинственности. Один из классических способов сделать это — это так называемая открытая композиция .

Тогда как в закрытой композиции весь объект появляется в пределах краев картины, открытая композиция показывает только часть объекта. На языке фотографов изображение обрезано.

Посмотрите фото ниже:

Мы знаем, что это человек, но где она? На улице или глядя в открытое окно? Что она делает? Она смотрит на пейзаж? Ветер развевает ей волосы? Открытая композиция может вырезать любую информацию, позволяющую нам, зрителям, завершить рассказ или просто задать вопросы.

По-прежнему открытая композиция , этот выбор и размещение дают нам больше подсказок. Теперь мы знаем, что она на велосипеде, но едет она или отдыхает? Она в шортах, брюках или юбке? Она разворачивается или собирается врезаться в забор?

Здесь у нас есть немного больше информации — мы знаем, что она носит шорты, но мы все еще не видим все изображение. Мы до сих пор не знаем, едет ли она, отдыхает или собирается разбиться. Ее волосы говорят нам, что движение исходит откуда-то, но это от того, как она движется, или от ветра? Состав еще открыт.

Но на этой фотографии история завершена, давая нам закрытую композицию , где нам показано все изображение. Девушка едет на велосипеде и собирается свернуть с одной тропы на другую вдоль забора. Остается единственный вопрос: дует ли ветер или она быстро разворачивается.

Следует отметить, что закрытая композиция не привлекает нас так сильно, как открытая. Чтобы сделать этот выбор для картины, потребуется сделать дополнительный выбор, чтобы заинтересовать нашу аудиторию.

Художница двадцатого века Джорджия О’Киф часто использовала открытую композицию, приближаясь к центру вещей, чтобы найти свой объект. На первый взгляд мы видим абстрактный узор, но, присмотревшись, мы понимаем, что смотрим в центр цветка.

«Красная канна» Холст, масло Джорджия О’Киф 1887-1986

Но художник двадцатого века Эдвард Хоппер использует устройство по-другому. Для удовольствия нашего воображения или для пространственного дизайна? А может, он нас дразнил.

Акварель «Два света» Эдвард Хоппер 1882-1967

Визуальный язык обращается к нашим чувствам, нашему интеллекту, нашей интуиции и нашим эмоциям. Использование открытой композиции дает хорошие шансы на то, чтобы полностью задействовать все четыре.

__________________________________
Смотри мою последнюю картину в «Путешествии одного художника». Каждое воскресенье выкладывается новая картина.

Композиция № 1: Открытая и Закрытая композиция

Здесь у нас есть довольно простой снимок бокала и бутылки вина, а также веб-сайт, на котором я его нашел.Этот кадр — хрестоматийный пример «закрытой» композиции. Почему? Потому что все изолировано внутри самого фрейма. Ничто не касается внешних границ и не выходит за их пределы. Никакая «окраска вне линий» на этом снимке и ничто из того, что мы видим, не выводит наш взгляд за пределы кадра. Все содержится, и все статично. Не то чтобы это плохо, заметьте, это просто ЕСТЬ. Закрытые композиции, как правило, статичны, хотя вы можете добавить размерности закрытой композиции, используя другие методы, такие как размытие движения. Но пока мы сохраняем простоту и говорим широко.В закрытой композиции объект часто располагается ближе к центру кадра.

Закрытые композиции будут более статичными благодаря тому, что все аккуратно заключено в рамку. Сила закрытой композиции часто проистекает из простоты. Простой может быть мощным, простой — информативным. В приведенном выше примере у нас есть два элемента, и, хотя у меня есть проблемы с размещением и результирующей «принудительной перспективой» (это либо одна крошечная бутылка вина, либо самый большой бокал, который я когда-либо видел), важно отметить здесь следующее: полное отсутствие чего-либо контекстного, кроме случайных отношений между бутылкой и стаканом.Добавление небольшого количества вина В бокал связывает эти два элемента вместе, но фон остается пустым, за исключением цвета и тени. Никаких задумчивых, туманных фоновых снимков виноградника на закате, никаких инструментов виноделов, только бутылка и стакан. Понятно, что «мусор» вывозили.

Я использую закрытые композиции, когда мне нравится то, что я называю эстетикой дзен: простые изолированные формы, которые отражают природу или создают ощущение органичности, даже если они созданы руками человека. Я не знаю, придумываю ли я этот термин или неправильно маркирую другой, и, честно говоря, мне все равно.Эта особая эстетика хорошо подходит для съемки крупным планом, хотя и обратное: «Негативное пространство» — это композиционный инструмент, который я действительно ценю … Но мы перейдем к «Негативному пространству» в другой раз.

Замкнутая композиция берет ваш объект и, как правило, удаляет контекст, поэтому субъект должен иметь возможность стоять самостоятельно и общаться без контекстной поддержки. Вино довольно сложно интерпретировать неверно. Итак, наш пример сильный и хорошо продуманный. Технически это выдающийся выстрел. Резкое, хорошо экспонированное и т. Д. Тоже статично и, если можно так выразиться, скучно. Проще говоря, здесь ничего не происходит, хотя у нас есть спокойное стабильное фото. У него приятное ощущение «законченности», без каких-либо недостатков. Закрытая композиция в первую очередь подходит для пейзажей, портретов и фотографий, но, конечно, всегда есть исключения. Вот почему я настаиваю на том, чтобы называть эти правила «руководящими принципами», а не «правилами».

Хорошо, этот снимок, позаимствованный с этого маленького сайта, демонстрирует открытую композицию.Почему? Потому что оба элемента в этом примере выходят за пределы кадра и создают ощущение движения. Литье вина действительно находится в движении, но все в этом кадре передает СМЫСЛ движения. Мы не можем ВИДЕТЬ бутылку, из которой наливают вино, но мы можем это представить. Мы не ВИДИМ ножку или ножку стакана, и мы не видим руку человека, держащего его, но мы можем расширить наше зрение за пределы кадра и представить его там. Кто держит эту бутылку вина и почему ее разливают? Посмотрите, как течет вино в бокале… Будет ли он переливаться через край или складываться в «идеальную заливку»? Посмотрите на углы в этом кадре, как они расположены по диагонали, что придает динамику, ощущение движения, в отличие от первого примера, где все прямо, сидит на твердой поверхности и явно никуда не идет. Но на этом втором снимке у нас нет опорных поверхностей, и у нас есть элементы, которые выводят наш взгляд за пределы кадра. Это уменьшение принуждения. Это то, что делает композицию открытой.Открытая композиция заставляет нас удивляться, воображать или визуализировать; он передает движение или чувство движения через динамику.

В заключение, я думаю, я должен упомянуть эти надоедливые кадры в промежутке; те, которые включают элементы как открытой, так и закрытой композиции. Такое бывает. Они случаются часто и, скорее всего, бесят людей, которые пытаются изучить базовые техники композиции и / или пишут учебные пособия по таким вопросам. Так что да, я готов к шквалу сообщений типа «О да, а как насчет ЭТОГО КАДРА, умные штаны ?! Открытые или закрытые?».И да, как и в большинстве вещей в жизни, есть те кадры, те композиции, которые содержат элементы как открытой, так и закрытой композиции.

На самом деле, я предлагаю вам найти некоторые из ваших собственных снимков и разместить их в этой теме. Покажите нам несколько снимков, которые, по вашему мнению, содержат элементы как открытой, так и закрытой композиции в одном кадре. Пожалуйста, объясните свои мысли остальной части класса. Также приветствуются кадры, наглядно демонстрирующие ту или иную технику.

……..

Что такое открытая и закрытая форма в искусстве? — Pursuantmedia.com

Что такое открытая и закрытая форма в искусстве?

В открытой форме, характерной для живописи 17 века, стиль «везде указывает за пределы себя и намеренно выглядит безграничным», в отличие от замкнутой формы замкнутой формы, в которой все «повсюду указывает назад. самому себе »(Wölfflin 1950, 124). …

Каков пример открытой формы в искусстве?

Прозрачность: В этих примерах открытой формы скульптуры используют линии и плоскости для замены твердых объемов и ограничивающих поверхностей.

Что такое закрытая форма в искусстве?

Замкнутая композиция имеет тенденцию быть статичной, заставляя зрителя сосредоточиться на предмете в пределах границ. Эта композиция закрытая. Фактически, кормушка определяет границы того, куда вы должны смотреть, но фон может расширяться.

Что такое открытая композиция?

В двумерном искусстве открытые композиции имеют формы, выходящие за края и стороны плоскости изображения. Элементы искусства, такие как линия (фактическая или подразумеваемая), форма, значение, текстура и цвет, создают направление и движение посредством повторения или выборочного размещения.

Что такое открытый том в искусстве?

Открытый объем. Когда художники окружают пространство не совсем прочными материалами, они создают открытый объем. Масса. — Масса предполагает, что что-то твердое и занимает пространство.

Что заставляет человека указывать на открытую форму?

В «Человеке указывает» фигура тонкая и хрупкая. Он демонстрирует открытую форму благодаря своей стойке. Фигура тянется, взаимодействует с публикой, демонстрирует открытую форму.

В чем разница между открытым и закрытым искусством?

Открытая композиция, как вы уже догадались, полная противоположность закрытой композиции.В то время как закрытая композиция часто связана со статичными предметами и чувством стабильности и последовательности, открытая композиция в той или иной мере динамична.

Как показать объем в искусстве?

Объем — это изображение массы в произведении искусства или скульптуре. Говорят, что трехмерная форма объекта или формы имеет объем. Художники имитируют объем в своих картинах, чтобы придать своим картинам трехмерный эффект. Обычно это делается путем нанесения тона или разных оттенков светлого и темного.

В чем разница между формой и массой в искусстве?

Обратите внимание на различие между двухмерными и трехмерными объектами: форма по определению плоская, но приобретает иллюзию массы за счет затенения элементами значения или цвета. В трех измерениях масса — это реальный объект, занимающий место.

Какая цветовая группа дает самые сильные контрасты?

Дополнительные цвета — это пары цветов, которые при объединении нейтрализуют друг друга.Это означает, что в сочетании они дают оттенок серого, например белый или черный. При размещении рядом друг с другом они создают самый сильный контраст для этих двух цветов.

В чем разница между изображениями в открытой и закрытой форме?

Если открытая форма означает стабильность и равновесие и опирается на горизонталь и вертикаль, открытая форма связана с движением, энергией и динамизмом и использует диагональные линии. В изображении открытой формы нет чувства замкнутости.Вместо этого он не связан и не скован ограничениями фрейма; вы можете почувствовать, как он вырывается наружу.

Какой пример закрытой формы?

Примеры закрытых форм: Примеры открытых форм: Дюшан-Вийон, «Голова Бодлера», 1911 г. Наум Габо, «Голова № 2», 1916 г. Генри Мур, «Вертикальная форма», 1966 г. Наум Габо, «Линейное построение № 4» ″, 1959. Контуры. В этом примере закрытой формы скульптура имеет контуры, которые, кажется, ограничивают форму и действуют как барьер.

В чем разница между открытой и закрытой композицией искусства?

Один мой одаренный учитель сказал нам, что хорошая картина удерживает наше внимание и, как путешествие, когда наш глаз устает блуждать, ему нужно дать место для отдыха.Это зрительный центр, и художник обычно обращает на это внимание. Закрытая композиция — это когда все в изображении находится внутри изображения, обычно в центре.

Как закрытые формы используются в искусстве эпохи Возрождения?

Если вы ищете образцы замкнутых композиций, произведения искусства эпохи Возрождения будут вам в изобилии. У них есть чувство замкнутости и сильное чувство равновесия. Следовательно, изображения в закрытой форме часто кажутся спокойными и в некотором роде завершенными.

Что означает закрытая форма в искусстве? — AnswersToAll

Что означает закрытая форма в искусстве?

Закрытые композиции Они обладают чувством самодостаточности и характеризуются сильным чувством равновесия. Следовательно, изображения в закрытой форме часто кажутся спокойными и в некотором роде завершенными.

Что такое открытая и закрытая форма в искусстве?

В открытой форме, характерной для живописи 17 века, стиль «везде указывает за пределы себя и намеренно выглядит безграничным», в отличие от замкнутой формы замкнутой формы, в которой все «повсюду указывает назад. самому себе »(Wölfflin 1950, 124).…

Что, кажется, говорят замкнутые пространства и формы?

Замкнутые формы и формы выглядят цельными и самодостаточными. Какие формы и формы бросают вызов гравитации?

Что такое открытая композиция?

Открытая композиция — это композиция, в которой все элементы изображения работают вместе, помогая направить взгляд от одного места к другому. В связи с этим для создания очень динамичной сцены часто используется использование линий, форм, текстур, цветов и т. Д.

Что такое закрытая форма в фильме?

Закрытая форма содержит всю важную информацию о картине или, в нашем случае, о фильме, внутри кадра.Этому противостоит открытая форма, которая вместо этого позволяет миру картины или фильма выходить за пределы кадра и занимать пространство, которое мы, как зрители, фактически не можем видеть.

Что подразумевается под выражением закрытой формы?

В математике выражение в замкнутой форме — это математическое выражение, выраженное с помощью конечного числа стандартных операций. Набор операций и функций, допускаемых в выражении закрытой формы, может варьироваться в зависимости от автора и контекста.

Кто делал коллаж?

Коллаж в искусстве был впервые придуман художниками-кубистами Жоржем Браком и Пабло Пикассо, которые были первыми пионерами этого движения.Брак и Пикассо, первые два художника, которые работали с разными средами в попытке создать искусство, начали свои передовые сборки примерно в 1910 году.

В чем разница между формами и формами?

В изобразительном искусстве форма — это плоская замкнутая область произведения искусства, созданная линиями, текстурами, цветами или областью, заключенной другими формами, такими как треугольники, круги и квадраты. Точно так же форма может относиться к трехмерной композиции или объекту в трехмерной композиции.

Что такое замкнутая композиция?

Фотография с закрытой композицией — это такой снимок, на котором все элементы аккуратно расположены внутри кадра. Элементы изображения, использующего замкнутую композицию, не отвлекают взгляд зрителя и не заставляют его прыгать с одного объекта на другой.

Что такое скульптура закрытой формы?

Скульптуры условно можно охарактеризовать как закрытые или открытые. Закрытая форма дает ощущение того же, что и традиционная форма твердой непрозрачной массы.Закрытая форма имеет направленный внутрь фокус на самой форме, изолированной от окружающего пространства.

В чем разница между открытой и закрытой формой?

Форма — это физическая структура или образец стихотворения. Основные формы поэзии — открытая форма и закрытая форма. В закрытой поэзии поэт следует установленному образцу; а в открытой поэзии поэт не следует никаким правилам, кроме своих собственных. Длина строки, ритм и структура рифм — все это вносит свой вклад в поэтическую форму.

Что такое закрытое и открытое?

Набор считается открытым, если каждая точка в нем является внутренней.Набор считается замкнутым, если он содержит все свои граничные точки.

Что делает картинку закрытой картинкой?

Но изображения в закрытой форме — это больше, чем просто изображения зданий. Они могут заставить вашу аудиторию задуматься о вашем предмете определенным образом. Сильные вертикали вместе с наклоненными внутрь стойками молодых монахов делают этот образ замкнутым и замкнутым. Закрытые композиции заставляют вас думать «стабильно», «надежно», «надежно».

В чем разница между закрытой формой и открытой формой?

Закрытая форма опирается прежде всего на изобразительные и архитектурные традиции; открытая форма на театральные и новеллистические начала.Эти две модели включают разные способы видения мира, разные способы переживания и ощущения.

Что делает скульптуру открытой или закрытой?

Скульптуры условно можно охарактеризовать как закрытые или открытые. Закрытая форма дает ощущение того же, что и традиционная форма твердой непрозрачной массы. Даже если в форме существуют пространства, они ограничены и ограничены. Закрытая форма имеет направленный внутрь фокус на самой форме, изолированной от окружающего пространства.

В чем разница между открытым и закрытым составом?

Там, где закрытая композиция часто связана со статичными предметами и чувством стабильности и последовательности, открытая композиция так или иначе динамична. Это не означает, что если у вас есть портретная фотография, на которой ваш объект движется, это должно означать, что ваше изображение основано на открытой композиции. Нисколько.

Блок A5 — Состав | Школа языков, культур и обществ

Блок A5 — Состав: Введение

Композиция картины — это способ организации плоского пространства на ее поверхности.Анализируя композицию, можно представить картину как состоящую из различных зон: левой, правой, центральной, нижней, краев и спросить, структурирована ли картина в соответствии с доминирующими линиями или формами. В этом разделе мы рассмотрим различные аспекты композиции.

В разделе а мы начнем с обсуждения роли, которую играют доминирующие линии и силовые линии.

В разделе b мы переходим к рассмотрению понятий открытой и закрытой композиции.

Затем в разделе c мы исследуем баланс и симметрию.

Наконец, в разделе d обсуждаются понятия ритма и движения.

Блок A5a — Состав: доминирующие линии и силовые линии

Во многих картинах структура создается за счет использования доминирующих линий, которые могут быть очевидны через реальные линии, то есть края предметов или фигур, или через силовые линии: линии, которые зрителю предлагается представить такими как посредством жестов, сделанных фигурами, их взглядов или подразумеваемых движений.

Активность (xvi)

Посмотрите на эту картину, Распятие Рафаэля (1502-03 гг.): Щелкните здесь (внешняя ссылка; Интернет-галерея искусств). Прежде всего, определите доминирующие линии, образованные краями объектов. Теперь определите линии, обозначаемые взглядами или жестами фигур. Как вы думаете, почему это может иметь значение?

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Деятельность (xvii)

Посмотрите на картину Жерико Плот Медузы (1819): щелкните здесь (внешняя ссылка: Лувр).На картине изображены выжившие с военного корабля, затонувшего в 1816 году, которым пришлось цепляться за плот в течение тринадцати дней, после чего выжили только пятнадцать. Гарико представляет, как выжившие замечают парус далекой лодки. Какие линии преобладают на этой картине?

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Блок A5b — Состав: Открытый и закрытый состав

Этот раздел знакомит с понятиями открытой и закрытой композиции на двух примерах.

г. Задание (xviii)

Посмотрите эту работу Эдварда Хоппера: Утреннее солнце (1952): щелкните здесь (внешняя ссылка). Какие основные формы и линии доминируют в композиции? (Ищите вертикальные линии, диагонали и повторяющиеся геометрические формы.)

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Деятельность (xix)

Посмотрите на эту картину Микеланджело: Doni tondo (ок.1506): нажмите здесь (внешняя ссылка). Какие здесь доминирующие линии и силовые линии? Картина самодостаточна?

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Блок A5c — Состав: баланс и симметрия

В примере Рафаэля Распятие , который мы обсуждали ранее в упражнении (xvi), баланс и симметрия были обеспечены очень четкими линиями креста, которые преобладали на картине.

Однако иногда мы видим художников, нарушающих баланс и создающих асимметричные структуры. Эффект от этого обычно заключается в создании нестабильного впечатления: глазу трудно устоять. Всегда стоит учитывать, насколько симметрична композиция на картине и каков эффект от этого.

Блок A5d — Состав: Ритм и движение

Когда мы смотрим на картину, наш взгляд перемещается по различным ее элементам. Таким образом, даже если картина статична, наше восприятие этого не так.Художники могут управлять тем, как наш взгляд движется по картине. Наши глаза стремятся следить за линиями и сосредотачиваются на очевидных фокусах. Мы склонны следить за взглядами и жестами людей. Наши глаза перемещаются с переднего плана на задний план и обратно. Тогда, глядя на картину, стоит спросить, как художник контролирует то, как мы движемся по ней. Вот что подразумевается под ритмом картины.

Активность (xx)

Посмотрите эту работу Василия Кандинского, Импровизация 31 (Морской бой) (1913): щелкните здесь (внешняя ссылка; Национальная художественная галерея).Попытайтесь определить способы, которыми манипулируют ритмом. На нем ничего не изображено. Но если мы подумаем о том, как она составлена ​​и как это направляет наш взгляд по картине, мы можем начать ощущать эффект, который производит произведение. Возможно, вам также будет полезно подумать о том, как цвет направляет взгляд по картине.

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Блок A5 — Состав: Сводка

В этом модуле мы рассмотрели ряд элементов композиции.Глядя на картину, стоит задать несколько вопросов о ее композиции:

• Какие линии на картине доминируют?
• Какие силовые линии очевидны или предполагаются на картине?
• Состав открыт или закрыт? Какой эффект это имеет?
• Композиция симметрична или асимметрична? Какие эффекты это имеет?
• Как композиция ориентирует наш взгляд на картину? Создает ли он сильный ритм или он более устойчивый?

Университет не несет ответственности за содержание внешних сайтов.

Этот ресурс был создан с помощью гранта на передачу знаний о предприятиях факультета искусств Университета Лидса.

© Мэтью Трехерн, Школа языков, культур и обществ, Университет Лидса, LS2 9JT.

2.

4: Форма и композиция — гуманитарные науки LibreTexts

Глядя на искусство, многие люди сегодня придерживаются целостного подхода, или гештальта , к его пониманию. При таком подходе произведение искусства воспринимается как единое целое, и делается интуитивный вывод.Этот подход к искусству — хорошее начало, но он также может быть полезен для изучения отдельных частей произведения искусства и отношения этих частей к целому. Когда мы исследуем произведение искусства, разбирая его, мы смотрим на его дизайн. Дизайн делится на две большие категории: элементы дизайна и принципы дизайна. Элементы дизайна являются физическими частями произведения искусства, или образуют . Принципы дизайна — это способы, которыми эти части расположены или используются, или композиция .

2.4.1 Элементы конструкции

Дизайн — это управляющий план или подход, с помощью которого создаются и собираются различные части художественного произведения. Редко можно найти произведение искусства, которое является полностью случайным или возникло полностью из бессознательной интуиции художника. Кроме того, рассмотрение того, как организованы различные части произведения искусства — даже интуитивно понятная или случайная работа — может раскрыть ключи к целям и убеждениям художника, сообществу, в котором художник работал, и проблемам, с которыми он работал. произведение искусства предназначалось для обращения.

Есть шесть основных элементов дизайна: линия, форма, масса / объем, перспектива, текстура и цвет. Один из способов подумать об этих элементах дизайна — это «подняться по лестнице» измерения. Наш воспринимаемый мир имеет три пространственных измерения и одно временное. Математически точка имеет нулевые размеры. Линия имеет одно измерение — длину. У фигуры есть два измерения: длина и высота. Форма с массой или объемом имеет три измерения: длину, высоту и ширину. Переходя от точек к объемам, мы «поднялись по лестнице» измерения от нуля до трех. Помимо трех измерений физического пространства, художники могут включить в свою работу еще две вещи. Они могут привнести текстуру и цвет.

Вот краткое объяснение определения и динамики каждого элемента дизайна.

2.4.1.1 Строка

Line — элемент дизайна первого порядка. Линия представляет собой бесконечный ряд точек, расположенных в определенном направлении. Направление линии может быть прямым (неизменным) или изогнутым (изменяющимся).Все виды объектов линейные или преимущественно сформированные с использованием линий. Каллиграфия , или «красивое письмо», — одно из популярных применений линии. Символ строки в письменной форме выполняет две основные функции. Во-первых, линейная фигура или форма письменного символа обозначает его значение. Во-вторых, способ создания фигуры может рассматриваться как выразительный сам по себе. тугра , или каллиграфическая подпись султана, и усовершенствованный текст арабской каллиграфии известны своей выразительной красотой, как и многие произведения азиатского письма. Во многих культурах письма красота письма так же важна, как и сообщение, которое он содержит. (Рисунок 2.35)

Одно из качеств линии — жест. Жест — это линия, создаваемая движением руки, руки или тела художника, своего рода танца с материалом, как это видно на этой фотографии Джексона Поллока посреди картины. (Джексон Поллок: upload.wikimedia.org/wikipedia/ en / b / b7 / Jackson-Pollock.jpg) Например, короткие, неровные строки стаккато могут быть прочитаны как нетерпеливые, неуверенные или изящные.Ровные горизонтальные линии выражают спокойствие. Прямые линии могут обозначать жесткость, что ни хорошо, ни плохо, но зависит от контекста. Жесткий мост — это хорошо для тех, кто рассчитывает на то, что он не уступит дорогу. Жесткое дерево во время урагана иногда будет вырвано с корнем.

Контур — это линия, где разные области встречаются и образуют края. Зрительное восприятие человека включает улучшенную способность обнаруживать края в природе. Контурные линии повторяют форму объектов там, где они выделяются на фоне. При составлении карты контурные линии указывают форму ландшафта с регулярными приращениями вертикальной высоты. На контурных картах линии, которые появляются близко друг к другу, указывают на быстрое изменение высоты. Линии, расположенные далеко друг от друга, указывают на более пологие склоны. (Контуры наземной истины: http://wiki.openstreetmap.org/w/imag…urs_Detail.png)

Перекрестная штриховка — это использование равномерно расположенных пересекающихся линий, которые создают ощущение ценности или светлого и темного.Эти линии штриховки обычно повторяют форму объекта. (Рисунки 2.4 и 2.36)

Некоторые линии вообще не прорисовываются. Вместо этого они подразумеваются или предполагаются путем намеренного совмещения форм. Изображение квадрата внутри круга является примером подразумеваемой линии. (Рис. 2.37). Линии, сходящиеся за краем произведения искусства, — еще одно, потому что они подразумевают удаленное пересечение. Третий пример линии, которой на самом деле нет, — это линия экстрасенс, .Два человека, смотрящие друг на друга на художественном произведении, создают между собой психическую грань.

Строка

содержит экспрессивных материалов, контент. По своей природе линия заставляет зрителя следовать по ее пути. Характер линии может управлять направлением, скоростью и вниманием зрителя. Движение линии может быть изогнутым или угловым. Он может прогрессировать плавно или в отрывистом ритме. Линия может быть толстой или тонкой, бледной или жирной. Эти качества «читаются» рационально и эмоционально; таким образом, линия может иметь выразительное и эмоциональное содержание, которое часто можно обнаружить путем самоанализа зрителя.

Line — это не просто элемент двухмерного дизайна. Например, проволока — это линейная среда, которую можно расширить в трех измерениях. Скульптуры и портреты Александра Колдера из проволоки — прекрасные примеры выразительной силы линии в трех измерениях. ( Acrobats , Александр Колдер: www.calder.org/system/post_im…/medium/A00504. Jpg? 1352222725) Другой пример — Пабло Пикассо, рисующий в космосе светом для фотографа Гьона Мили (1904-1984, Албания, жил в США) для журнала Life в 1949 году.(Световые рисунки, Пабло Пикассо: http://www.designboom.com/art/pablo-…ngs-from-1949/)

2.4.1.2 Форма

Элемент дизайна формы — следующий элемент на пути вверх по лестнице измерения. Форма имеет два измерения: длину и ширину. Формы могут быть правильными или неправильными, простыми или сложными. Формы могут иметь твердые или мягкие края. Фигуры с твердыми краями Фигуры
имеют четко определенные границы, а формы с мягкими краями медленно переходят в фон.Есть две широкие категории форм: геометрические и органические. Геометрические формы — это правильные и упорядоченные формы с использованием прямых линий и кривых. Органические формы обычно имеют неправильную форму и часто хаотичны. Ханс Арп (1886-1966, Франция, жил в Швейцарии) в своей работе Untitled использовал рваную бумагу и вырезанные формы для создания абстрактной композиции. В то время как квадраты являются геометрическими объектами, рваные и неровные края Арпа превращают их в органические формы. Ориентация этих форм примерно соответствует структуре сетки, но, опять же, их отклонение от регулярного порядка подразумевает хаотическое и случайное расположение.В этой работе Арп танцует на «грани порядка». (Рисунок 2.38)

В двумерных произведениях искусства формы — это фигуры, размещенные на двухмерной поверхности, известной как поверхность . Это создает связь между передним планом и фоном, известную как отношение фигура / фон . Цифра — это объект, который кажется находящимся перед землей. В некоторых произведениях искусства эта взаимосвязь намеренно неясна. В этом случае может произойти эффект, известный как переворот фигуры к земле.В развороте фигура / земля то, что считалось положительной формой фигуры, можно также рассматривать как отрицательное пространство земли. Этот эффект нарушает ощущение пространства в произведении искусства и дезориентирует зрителя. ( Escher Woodcut II Strip 3 , Мауриц Корнелис Эшер: http://www.tau.ac.il/~tsurxx/FigureGround/Escher2.GIF)

2.4.1.3 Масса / Объем

Следующая и последняя ступенька по размерной лестнице — это объем или масс. Том имеет три измерения: длину, ширину и высоту.Объемы могут иметь внутренние или внешние контуры, а также быть закрытыми или открытыми по форме. Масса — это количество вещества, часто означающее его вес. Закрытая форма — это объем, в котором нет отверстий и отверстий. Одна из целей древнеегипетской скульптуры заключалась в том, чтобы служить вечно. Поэтому они использовали закрытые скульптурные формы, которые более прочны и устойчивы к износу и поломке. (Рисунки 2.26 и 2.39) Пустое пространство окружает замкнутую форму, но не движется через нее.И наоборот, пустое пространство окружает, но также перемещается через открытую форму . Скульптуры открытой формы по форме ближе к фигурам, которые они представляют, и, следовательно, более реалистичны или «верны» исходному образцу.

Современные скульпторы, такие как Генри Мур (1898-1986, Англия), исследовали абстрактное использование закрытых и открытых форм, а также негативного и позитивного пространства. ( Лежащий рисунок 1969-70 , Генри Мур: upload.wikimedia.org/wikiped…_Israel_12097_ reclining_figure_by_henry_moore_in_tel_aviv.jpg) В трехмерном искусстве положительное пространство — это пространство, занятое данным объемом, а отрицательное пространство — пустое пространство в этом объеме. Обратите внимание, как фигура изгибается вокруг воображаемой границы. «Седло» посередине предполагает, что невидимый груз давит на форму. Эта скульптура зависит как от пустого пространства вокруг нее, так и от объема, занимаемого бронзой. Кроме того, его масса уменьшается из-за открытости формы, особенно по сравнению с древнеегипетской скульптурой, полностью закрытой.

Чтобы передать трехмерность, массу и объем форм на плоской поверхности, художники используют chiaroscuro (итальянский: «ясный-темный») или различные оттенки светлого и темного. Когда форма поворачивается к источнику света, она кажется ярче, а когда она отворачивается от источника света, она кажется темнее; смещение света и тени создает иллюзию объема в пространстве. Лицо и руки Леонардо Мона Лиза считаются шедеврами светотени.(Рисунок 2.7)

2.4.1.4 Перспектива

Перспектива в искусстве — это иллюзия пространства на плоской поверхности. До открытия геометрической системы линейной перспективы в Италии пятнадцатого века иллюзия пространства создавалась с помощью трех основных визуальных сигналов, указывающих на отступление пространства. Эти три реплики — высота, масштаб и перекрытие. Объекты, расположенные выше на поверхности рисования, объекты меньшего размера и объекты, частично закрытые другими объектами, — все это появляется дальше в пространстве.(Рисунок 2.40)

Линейная перспектива основана на правильном геометрическом сокращении пространства. Линейная перспектива использует точку схода и линию горизонта. Точка схода — это точка, где все удаляющиеся линии, кажется, сходятся на линии горизонта.

Линия горизонта — это набор всех возможных точек схода на уровне глаз. (Рисунок 2.41) Ортогональные линии — это линии, которые кажутся пересекающимися в точке схода и подразумевают регулярное сокращение пространства.Линии горизонта и точки схода могут дать ключ к разгадке замысла художника. Например, в картине Леонардо «Тайная вечеря » художник обнаружил точку схода прямо за головой Иисуса. (см. рис. 1.25). Поскольку точка схода — это видение зрителя, бесконечно расширенное в одном направлении, размещение Леонардо точки схода за головой Иисуса связывает Его с бесконечностью христианского Бога.

До того, как линейная перспектива была сформулирована как связная геометрическая система, художники использовали интуитивную перспективу для изображения удаляющегося пространства. Интуитивная перспектива осознает, что удаляющиеся линии сходятся, но не распознает, что они сходятся в единой линии горизонта и точке схода. Тем не менее, даже когда в картинах отсутствует строго согласованная геометрическая система линейной перспективы, определение того, где будет горизонт, может проинформировать нас о том, как художник смотрит на объект. Сравните две картины с таким же названием: Мадонна на троне , одна — работы Чимабуэ (1240–1302, Италия), а другая — Джотто (1266 / 7-1337, Италия).(Рисунки 2.42 и 2.43) Обе картины используют интуитивную перспективу. На картине Чимабуэ 1285 года подразумеваемый горизонт низкий, а зритель сидит у подножия трона, в то время как изображение Джотто, написанное в 1310 году, имеет горизонт выше, и, таким образом, зритель находится на том же уровне, что и Мадонна. Эта разница во взглядах означает изменение представлений об отношении Мадонны к личности. Картина Чимабуэ вызывает у зрителя покорное почтение, в то время как картина Джотто может показаться более доступной, что свидетельствует о крошечном, но значительном сдвиге в европейской мысли, который в конечном итоге перерос в итальянский ренессанс.

Есть разные типы линейной перспективы. Основные типы — одно-, двух- и трехточечная перспектива. Различие заключается в количестве используемых точек схода. Одноточечная перспектива использует линию горизонта и одну главную точку схода и обычно используется, когда простые виды имеют вид

изображен, например, исчезающий вдаль железнодорожный путь прямо на глазах у зрителя. Двухточечная перспектива использует линию горизонта и две отдельные точки схода, чтобы представить иллюзию пространства, которое отступает в двух направлениях.(Рисунок 2.44) Трехточечная перспектива включает в себя отступление пространства в третьем, вертикальном направлении выше или ниже линии горизонта, а также два горизонтальных направления в двухточечной перспективе. По мере того, как высокие здания отступают вверх от уровня улицы, они также уменьшаются в видимом размере, точно так же, как железнодорожные пути кажутся сходящимися на расстоянии к горизонту. (Рисунок 2.45)

Многие люди ошибаются, полагая, что линейная перспектива дает совершенно точную картину мира.Это не. Линейная перспектива — это ограниченный инструмент для представления того, как выглядит мир. Он считается достаточно «точным» только в пределах ограниченного «конуса восприятия» около 60 градусов. Таким образом, хотя линейная перспектива — отличный инструмент для представления нашего восприятия космоса, у нее есть ограничения, которые следует признать.

Атмосферная перспектива — это способ создания иллюзии расстояния на плоской поверхности за счет использования цвета и фокуса. В пейзаже, который простирается вдаль, дымка промежуточного воздуха изменяет цвета и четкость объектов.Чем дальше объект находится от зрителя, тем больше он приближается к цвету воздуха, то есть к светлому серо-голубому тону. Темные объекты становятся светлее и синее по мере удаления от зрителя. Кроме того, контраст между светлыми и темными объектами и восприятие деталей уменьшаются с увеличением расстояния. Альберт Бирштадт (1830–1902, Германия, жил в США) использовал этот эффект в своей картине « Скалистые горы, пик Лендера », чтобы создать ощущение монументального пространства. (Фигура 2.46)

2.4.1.5 Текстура

Термин текстура описывает качество поверхности произведения искусства. Текстура — важный элемент дизайна, потому что она задействует не только зрение, но и осязание. Предметы могут быть грубыми или гладкими, влажными или сухими, липкими или гладкими, твердыми или мягкими, хрупкими или гибкими. Два основных подхода к текстуре: фактическая, текстура и подразумеваемая, или имитированная текстура. Фактическая текстура в первую очередь — хотя и не исключительно — скульптурная, тогда как подразумеваемая текстура в основном используется в двухмерных произведениях искусства.

Художники Северного Возрождения и Золотого века Голландии, пятнадцатого-семнадцатого веков, очень интересовались моделированием самых разнообразных текстур. Одной из главных целей художников того времени было преуспеть в том, чтобы говорить правду о материальном мире. Они работали, чтобы охватить весь визуальный диапазон осязания. Рембрандт ван Рейн (1606–1669, Нидерланды) хорошо известен тем, что использовал impasto , или очень толстое нанесение краски, чтобы усилить ощущение реальности во многих своих картинах, добавив фактуру.Это можно увидеть в его обращении с плотью на некоторых из его автопортретов, а также в изображении металла и украшений на его картине Пир Валтасара . (Рисунок 2.47)

2.4.1.6 Цвет

Цвет — самый выдающийся элемент дизайна и один из самых сильных и вместе с тем субъективных элементов в искусстве. Американский трансценденталист девятнадцатого века Ральф Уолдо Эмерсон отметил это субъективное качество цвета, когда писал: «Природа всегда носит цвета духа. 1. Представления о цвете можно сгруппировать в три большие категории: история цвета, физика цвета и восприятие цвета.

Самое раннее использование цвета ограничивалось тем, какие виды пигментов или красителей можно было найти в местной среде: охры (желто-коричневые) из разных цветов земли, черные и серые из золы и обожженной древесины или древесного угля, красные и желтые из минералов, растений и насекомых. Палеолитические пещерные художники использовали эти материалы для своих росписей.В дополнение к натуральным пигментам древние египтяне разработали синтетические пигменты, такие как порошковое стекло, для создания египетского синего цвета, отличительного оттенка, используемого на статуях, стенах и памятниках. В Римской империи пурпур редкой формы добывался из особого вида улиток, и из-за его редкости использовался в основном для королевской одежды. В эпоху Возрождения темно-синий цвет создавался из мелко измельченного драгоценного камня — лазурита.

Египтяне ассоциировали цвета с богами; у бога Амона была синяя кожа, а у Осириса — зеленая. Древние греки использовали более научный подход к цвету. Древнегреческий философ Эмпедокл считал, что цвет делится на четыре категории: белый / светлый, темный / черный, желтый и красный. Древние китайцы ассоциировали цвет с пятью элементами, которым учит традиционная физика: вода (черный), металл (белый), дерево (зеленый), земля (желтый) и огонь (красный). В ряде азиатских традиций черный — это цвет неба, а белый — цвет смерти или траура. В западной культуре все наоборот.

Современные представления о цвете были значительно усовершенствованы в пятнадцатом веке архитектором и теоретиком искусства Леоном Баттистой Альберти (1404–1472, Италия). В своем трактате Della pittura ( On Paint ), опубликованном в 1435 году, Альберти заявил:

Путем смешения цветов рождается бесконечное количество других оттенков, но есть только четыре истинных цвета, из которых может быть создано все больше и больше других видов цветов. Красный цвет огня, синий цвет воздуха, зеленый цвет воды и серый цвет земли. . . белый и черный не являются истинными цветами, а представляют собой изменения других цветов. ²

---

1. К. А. Бартол, Ральф Уолдо Эмерсон: Беседа в Западной церкви (Бостон, Массачусетс: А. Уильямс и Ко., 1882), 14.
2. Леон Баттиста Альберти, О живописи, пер. Джон Р. Спенсер (Нью-Хейвен, Коннектикут: издательство Йельского университета, 1956), 49-50.

---

На основе этой ранней структуры были сделаны дальнейшие открытия.

Термин «цвет» описывает ощущение, вызываемое изменениями длины волны и интенсивности света при его взаимодействии с человеческим глазом. Видимый свет — это небольшая часть электромагнитного спектра , которую может видеть человек. Когда белый свет солнца проходит через призму, он преломляется на в цвета радуги от красного до оранжевого, желтого, зеленого и синего до фиолетового. (Рисунок 2.48)

Цвет, воспринимаемый людьми, можно разделить на три отдельные части: оттенок, насыщенность и яркость. (Рисунок 2.49) Оттенок — длина волны данного цвета. Цвета с большей длиной волны появляются на красном конце спектра, а цвета с более короткой длиной волны — на фиолетовом. Оттенок — это «название» цвета, например красный, желтый, синий, зеленый и т. Д. Цвет может быть как вычитающим, так и дополнительным. Насыщенность — это чистота цвета, она варьируется от нейтрального серого до чистого цвета, при этом яркость остается постоянной. Яркость — это светлота или темнота цвета, она варьируется от полностью освещенного (чистый оттенок) до полностью затемненного (черный).Каждый чистый оттенок также имеет относительную яркость, например, чистый желтый цвет имеет большую яркость, чем чистый синий.

Субтрактивный цвет , или отражающий цвет, возникает, когда белый свет отражается от поверхности, и все цвета спектра поглощаются этой поверхностью, за исключением цвета, который отражается обратно к зрителю. Вычитающее смешение цветов начинается с основных цветов красного, желтого и синего. Когда эти цвета смешиваются, создаются вторичных цветов зеленого, оранжевого и пурпурного.Смешивание желтого и синего дает зеленый, смешивание красного и желтого дает оранжевый, а смешивание красного и синего дает фиолетовый.

Английский математик и физик сэр Исаак Ньютон продемонстрировал в семнадцатом веке, что белый свет, преломленный через призму, может быть разделен на видимый спектр. В девятнадцатом веке писатель и государственный деятель Иоганн Вольфганг фон Гете и химик Мишель Эжен Шеврюэль отдельно опубликовали исследование, в котором был сделан вывод о том, что красный, желтый и синий являются основными цветами и что все остальные цвета могут быть смешаны с ними.В начале двадцатого века промышленные химики еще больше усовершенствовали понимание печатных красок и вывели субтрактивную цветовую модель CMYK (голубой, пурпурный, желтый и черный): начиная с белого, по мере добавления цвета смесь движется к черному. (Рисунок 2.50)

С появлением телевидения, компьютеров и цифровых изображений появилась аддитивная модель RGB (красный, зеленый, синий), в которой цвета складываются вместе, и цветовая система HSB (оттенок, насыщенность и яркость), основанная на человеческих восприятие, стали отраслевыми стандартами. Дополнительный цвет , или цвет пропускания, возникает, когда проецируется свет разных цветов. Основные оттенки аддитивного цвета — красный, зеленый и синий. Это цветовая модель RGB. (Рисунок 2.51) Когда красный и зеленый свет перекрываются, виден желтый. Когда красный и синий свет перекрывают друг друга, виден красный цвет, а когда перекрываются зеленый и синий свет, появляется голубой цвет. Это второстепенные оттенки аддитивного цвета. Когда красный, зеленый и синий свет перекрываются, виден белый свет. Телевизионные экраны на самом деле представляют собой крошечные точки или пиксели красного, зеленого и синего светящихся огней.Цвета, которые мы видим на этих экранах, складываются.

Наша модель аддитивного цвета RGB напрямую зависит от того, как функционируют человеческие глаза. Сетчатка человека — это слой нейронов, покрывающий внутреннюю часть глаза. В этом листе нейронов есть специализированные нейроны, называемые палочками и колбочками. Палочки — это нейроны, чувствительные к изменениям интенсивности света, а колбочки — к красному, зеленому или синему свету. Причина, по которой у нас есть компьютерные мониторы с RGB-подсветкой, заключается в том, что у нас есть глаза с RGB-подсветкой.

Художники иногда намеренно используют физиологию человеческого зрения. Поскольку человеческое зрение ограничено уникальной биологией, становятся возможными определенные эффекты. Нейроны хранят химические нейротрансмиттеры для отправки сигналов. Если нейрон должен постоянно «стрелять» из-за постоянной стимуляции, он может истощить запас нейромедиатора. Существует небольшая задержка между истощением и восстановлением этого химического вещества в нейроне. Между тем появляется остаточное изображение .Посмотрите на зеленый, оранжевый и черный флажки в течение 10 секунд, затем посмотрите на пустую стену или пустое белое пространство. (Рисунок 2.52) На некоторое время вы увидите дополнение или противоположность зеленого (красного), оранжевого (синего) и черного (белого) цветов в правильном месте на американском флаге. . Исчезновение этого изображения указывает на то, что нейротрансмиттеры в сетчатке пополнились.

Этот эффект регулярно использовался художниками во время импрессионистского движения (ок.1870-1886). Рассмотрим Impression Sunrise Клода Моне (1840-1926, Франция), одну из первых картин импрессионистов. (Рис. 2.53) Если вы смотрите на просторы синего на картине дольше, чем на мгновение, это «истощает» ощущение синего и создает дополнительную реакцию остаточного изображения, которая является оранжевой. Затем, когда мы смотрим на оранжевый восходящего солнца, мы видим не только оранжевый пигмент на самой картине, но и дополнительный эффект «усталой синевы» на нашей сетчатке. По этой причине оранжевая краска солнца выглядит ярче, чем если бы мы видели этот цвет сам по себе.Многие художники-импрессионисты намеренно использовали этот эффект, и это одна из причин, почему картины импрессионистов, как правило, выглядят такими ярко окрашенными.

В своей серии картин Homage to the Square , начатой ​​им в 1949 году, художник Баухауса Йозеф Альберс (1888-1967, Германия, жил в США) экспериментировал с относительным восприятием цвета. ( Посвящение площади , Йозеф Альберс: upload.wikimedia.org/wikiped…0/Josef_Albers’s_ painting_’Homage_to_the_Square ’% 2C_1965.jpg) Его главным интересом было продемонстрировать, как на цвет могут влиять другие цвета, которые его окружают. Его книга «Взаимодействие цвета» (1963) показала, что восприятие одного цвета может меняться в зависимости от контекста. Чтобы продемонстрировать это, посмотрите на прилагаемое изображение. (Рис. 2.54) Серая полоса в центре одноцветная, но кажется, что она смещается при размещении на контрастном фоне.

Современные художники используют определенные термины для различных применений цвета. Естественный, или локальный цвет , описывает цвет тела данного объекта. Наблюдаемый цвет , с другой стороны, показывает, как восприятие этого локального цвета изменяется при перемещении света на объект. В серии картин Руанского собора Моне его изображения различных условий освещения являются хорошим примером разницы между местным цветом и наблюдаемым цветом. Цвет камня собора — средне-серый. Но в разное время дня, например, в убывающем свете заката, он будет отражать апельсиновые и синие оттенки затяжного солнца и растущих теней.(Рисунок 2.55)

Фовисты были группой художников в начале двадцатого века, которые использовали интуитивный цвет как основу своего подхода к созданию искусства. Их больше интересовала выразительная сила цвета, чем роботизированный отчет о локальном или наблюдаемом цвете их предметов. Рассмотрим этот портрет Анри Матисса (1869–1954, Франция) его жены Амели Матисс. (Рис. 2.56) Очевидно, что на самом деле у нее не было зеленой полосы, проходящей по центру ее лица.Цвета, выбранные художником, должны были выражать нечто иное, чем простое визуальное наблюдение.

Другой аспект цвета, используемый художниками, — это цветовая температура . Цвета могут быть как теплыми, так и холодными. теплый конец спектра включает красный, оранжевый и желтый. Холодный конец видимого спектра содержит зеленый, синий и фиолетовый. При этом даже желтый может быть прохладным, а синий — теплым. Теплые и холодные цвета взаимодействуют по-разному, и художников учат замечать и использовать эту разницу; например, теплые цвета кажутся «продвигающимися», в то время как холодные цвета «отступают» в пространстве, и, следовательно, формы, представленные в этих цветах, оказываются на разной глубине.

Организуя идеи о цвете, художники и теоретики искусства разработали серию цветовых схем или упорядоченных отношений между разными цветами. В монохроматической цветовой схеме используется один цвет. Старый гитарист Пикассо — хороший пример монохромной цветовой схемы. (Рис. 2.57) Поза фигуры, текстура рваной одежды и волос, а также преобладающее использование синего цвета работают вместе, создавая единую эмоциональную реакцию усталости и одиночества на изображение.

В дополнительной цветовой схеме используются противоположные друг другу цвета на цветовом круге. Как упоминалось ранее, художники-импрессионисты использовали эффект дополнительных цветовых схем, чтобы усилить яркость своих цветовых палитр. Не будучи импрессионистом, в своей картине Звездная ночь Ван Гог (1853-1890, Нидерланды, жил во Франции) использует синий цвет ночного неба, чтобы зарядить оранжевый цвет своего полумесяца. (Рисунок 2.58)

Аналогичная цветовая схема использует только одну область цветового круга.Если, например, в качестве цвета привязки для схемы выбран зеленый цвет, художник будет использовать цвета, которые находятся между желтой и синей точками на колесе. Натюрморт со стаканом и устрицами — Ян Давидс. де Хем (1606–1684, Нидерланды, жил в Бельгии) — хороший пример аналогичной оранжевой / желто-зеленой схемы. (Рисунок 2.59 ) Есть много других цветовых схем, которые используются для различных приложений, но этих трех достаточно, чтобы проиллюстрировать идею.

2.

4.2 Принципы проектирования

Элементы дизайна — это визуальные компоненты, которые художники используют для создания произведений искусства. Принципы дизайна — это различные способы расположения этих элементов или компонентов для достижения желаемого эффекта. Есть столько же способов подойти к расстановке элементов искусства, сколько художников. Каждое произведение искусства уникально по замыслу, дизайну и исполнению. Последние достижения в изобразительном искусстве представили случайные и иррациональные подходы к созданию искусства.В этих подходах результат произведения искусства не планируется. Хотя можно сказать, что этим произведениям искусства не хватает осознанного дизайна, иногда они оказываются успешными. Часто успех иррационально или случайно созданных произведений искусства можно отнести к одному или нескольким принципам работы организации. Осведомленность о принципах дизайна в произведении искусства позволяет зрителю добавить глубины анализу этих произведений. Ниже приведены пять принципов дизайна. Список не является исчерпывающим, но с него можно начать.

2.4.2.1 Единство / разнообразие

Единство — в сходстве, а разнообразие — в различии. Дизайн, который показывает единство — это тот, в котором элементы произведения или отношения между элементами подобны или идентичны. Картина Леонардо Мона Лиза (см. Рис. 2.7) считается прорывом в искусстве итальянского Возрождения, потому что мягкие края фигуры аналогичны мягким тонам приглушенного фона, тем самым объединяя изображение. Дизайн, который показывает разновидность , — это тот, в котором элементы произведения различаются по размеру, цвету, форме или некоторым другим атрибутам.Одной из проблем, связанных с чрезмерным использованием единства в дизайне, является визуальная монотонность. Визуальное единство может происходить как на концептуальном, уровне, так и на физическом уровне. Элементы, выбранные на основе темы, могут отображать концептуальное единство и в то же время отображать разнообразие форм. Художественное произведение, лишенное разнообразия, может быть однообразным и неинтересным. Многие артисты вносят разнообразие в свои композиции, следя за тем, чтобы не было двух одинаковых интервалов. Интервал — это пространство между элементами, фигурами или объектами в произведении искусства.

Принцип построения шкалы и пропорции — это вопрос размеров элементов как по отдельности, так и по отношению к другим элементам. Знаменитым примером тонкого использования масштаба является относительный размер фигур в картине Микеланджело Piet à. (Рис. 2.60) Скульптура представляет собой изображение Марии, держащей тело своего сына Иисуса после распятия. Если мы измерим тела Иисуса и Марии от пятки до колена, от колена до бедра и так далее, а затем сравним их, мы обнаружим, что Мария больше Иисуса.Кроме того, фигура Марии непропорциональна, то есть размеры частей ее тела не совпадают. Это необычное использование масштаба и пропорций служит инфантилизатором Иисуса, чтобы тонко подчеркнуть отношения матери и ребенка. Еще одно применение масштаба и пропорции — использование форсированной перспективы. (Рисунок 2.61) Принудительная перспектива — это расположение фигуры и фона, которое искажает масштаб объектов, заставляя маленькие объекты казаться большими или большие объекты кажутся маленькими за счет сопоставления их с противоположностями.Принудительная перспектива наиболее убедительна, когда делается фотографически.

2.4.2.3 Баланс

Принцип конструкции весов заключается в визуальном «весе». Элементы дизайна, такие как линии и формы, могут привлекать наше внимание разными способами. Например, они могут быть ярко окрашены, они могут быть большими по сравнению с другими подобными формами или могут иметь необычную текстуру. Композиционный баланс достигается, когда эти конкурирующие визуальные веса примерно эквивалентны.Есть два вида композиционного баланса: симметричный и асимметричный .

Линии и формы в композиции, в которой используется принцип симметричного баланса , обычно одинаково расположены вокруг оси , или центральной линии. В «Таинство Тайной вечери» Сальвадора Дали (1904–1989, Испания) обратите внимание на баланс одинаковых форм слева и справа от центральной фигуры Иисуса. ( Таинство Тайной вечери , Сальвадор Дали: загрузить.wikimedia.org/wikipedia/en/f/f1/ Dali _-_ The_Sacrament_of_the_Last_ Supper _-_ lowres.jpg) Вертикальные и горизонтальные оси обычно зарезервированы для очень стабильных композиций, и эта стратегия часто используется в религиозном контексте для обозначения неизменной истины.

Асимметричный баланс достигается, когда визуальные веса не соответствуют друг другу по форме, размеру или расположению; они неравномерно распределены в композиции. Ксилография «Большая волна у Канагавы » Кацусики Хокусая (1760–1849, Япония) и «Натюрморт с яблоками и горшком с первоцветами» Поля Сезанна (1839–1906, Франция) являются хорошими примерами асимметричных композиций.Большое пространство справа от Большой волны Хокусая «смещает» приближающуюся волну в левой половине композиции. (Рис. 2.62) Подобным образом большая серая стена слева в картине Сезанна «Натюрморт с яблоками » компенсирует визуально сложный цветочный горшок справа. (Рис. 2.63) В каждой работе почти треть композиции (небо и стена), так сказать, не занята; в этих областях нет предметов. Однако в двухмерном пространстве произведения мы «читаем» каждую пустую область как имеющую визуальный вес, уравновешивающий формы в остальной части композиционного пространства.

Не всегда необходимо, чтобы произведение было сбалансированным. Очевидный дисбаланс может вызвать эффект неустойчивости, дезориентации или стресса, который может стать полезной частью более широкой идеи в произведении искусства. Большие пустые пространства на картине Одда Нердрума (род. 1944, Норвегия) имеют существенный визуальный вес и подразумевают как физическую, так и психологическую изоляцию. ( Человек и заброшенный пейзаж , Odd Nerdrum: s-media-cache-ak0.pinimg.com/736x/27/ a3 / 3b / 27a33b6c5d3c9e087d20f7cb3c34296a. jpg)

2.4.2.4 Выделение / движение

Принцип дизайна акцента или движения заключается в преднамеренном использовании направленных сил для перемещения внимания зрителя через произведение искусства. Когда мы видим изменение цвета внутри фигуры, это подразумевает движение. И когда мы видим линию в произведении искусства, мы вынуждены следовать ей. Например, стрелки любой формы обозначают направление и широко используются в рекламе для привлечения внимания потенциальных клиентов.

Есть более тонкие способы привлечь внимание зрителя через произведение искусства. Снятие с креста Рогир ван дер Вейден (1404–1464, Бельгия) использует положение рук, ног и голов фигур, чтобы обвести символ бесконечности, который напоминает число 8, лежащее на боку. (Рис. 2.64) Это тонкое напоминание о вечной жизни Христа призвано успокоить и вселить надежду в верующих, созерцающих эту сцену смерти и скорби.

2.4.2.5 Ритм / повторение

Принцип построения ритма — повторение визуальных элементов для создания рисунка. Затем этот узор можно использовать для создания сцены для особого объекта, или узор можно прервать, чтобы привлечь внимание к изменению. В своем комментарии к культуре массового потребления Энди Уорхол, используя повторение, заставляет нас заметить небольшие различия между внешне идентичными элементами его инсталляции, 32 Campbell’s Soup Cans . (Рисунок 2.65)

Что такое открытая и закрытая форма в искусстве? — MVOrganizing

Что такое открытая и закрытая форма в искусстве?

В открытой форме, характерной для живописи 17 века, стиль «везде указывает за пределы себя и намеренно выглядит безграничным», в отличие от замкнутой формы замкнутой формы, в которой все «повсюду указывает назад. самому себе »(Wölfflin 1950, 124).…

Что такое сбалансированный состав?

Уравновешивание композиции включает в себя расположение как положительных элементов, так и отрицательного пространства таким образом, чтобы ни одна часть дизайна не подавляла другие области. Все работает вместе и составляет единое целое. Отдельные части вносят свой вклад в их сумму, но не пытаются стать суммой.

Что такое составная ценность?

Значение, которое относится к относительной яркости или темноте цвета, является вторым слоем композиции.Обычно линия преобладает над значением, цветом и текстурой в композиции, но сила контрастов значений иногда может означать, что значение является доминирующим слоем.

Что такое открытая форма в искусстве?

«Открытая форма» означает скульптуры, которые не являются твердыми массами, но в которых буквально есть отверстия или в которых линии и плоскости часто заменяют твердые объемы или ограничивающие поверхности; таким образом, открытое (отрицательное) пространство скульптуры становится важным компонентом произведения.

Что является примером открытой поэтической формы?

Книга Джона Агарда «Проверяя меня» — это пример стихотворения в открытой форме, но все же имеющего форму и структуру. Он разделен на строфы — поэтические абзацы — и включает в себя некоторые рифмы и ритмы, но не в обычном порядке. Если мы посмотрим на вступительную строфу, то увидим это.

Что такое персонификация в стихотворении?

Персонификация — это поэтический прием, в котором животным, растениям или даже неодушевленным предметам наделяются человеческие качества, в результате чего получается стихотворение, полное образов и описаний.

Что такое открытая строка в стихотворении?

Первая строка стихотворения представляет собой первый раз, когда читатель имеет возможность увидеть ваш стиль письма или понять суть вашего стихотворения.Вот несколько отличных советов, которые помогут подтолкнуть вас к написанию идеальной вступительной строки для вашего стихотворения: Обдумайте свою форму.

Как написать открытое стихотворение?

Как писать стихи в открытой форме

1. Экономика. В каждое слово вкладывайте как можно больше энергии.
2. Грамматика и синтаксис.
3. Части речи.
4. Ритмы.
5. Физическая длина (количество слогов и фактическая длина) используемых вами строк.
6. Длина (во времени), необходимая для чтения каждой строки вслух.
7. Окончания строк.

Что такое открытое или закрытое стихотворение?

Стихи в закрытой форме написаны по определенному шаблону с использованием метра, длины строки и группировки строк, называемых строфами. В стихотворениях открытой формы, которые часто еще называют стихотворениями «вольного стиха», не используются обычные ритмические узоры (например, метрические футы), они обычно не рифмуются, имеют разную длину строк и не имеют заданных группировок строк.

Сложно ли писать стихи?

Чтение стихов — это обряд посвящения для американских школьников, но писать собственные стихи — непросто.Как и в случае с любой другой формой творческого письма, написание стихов может быть тяжелой работой, но также может приносить огромное удовлетворение. При правильном подходе вы легко сможете начать писать собственные стихи.

Поэзия — это талант?

Поэзия — это навык, который нельзя выковать. Оно либо есть, либо нет. Поэты очаровательны своим естественным потоком слов и рифм; у них есть врожденный талант, не требующий усилий. Поэты очаровательны своим естественным потоком слов и рифм; у них есть врожденный талант, не требующий усилий.

Почему так сложно писать стихи?

Поэзия сложна, потому что состоит из серьезного сжатия информации в очень немногих словах. Чтобы полностью оценить произведение, необходимо знать структуру, форму и литературные приемы. Поэзию сложно интерпретировать, потому что она состоит из серьезного сжатия информации в очень немногих словах.

Есть ли как правильно писать стихи?

11 правил написания хороших стихов

1. Читаю много стихов.Если вы хотите писать стихи, начните с чтения стихов.
2. Слушайте вживую декламацию стихов.
3. Начни с малого.

   No related posts.