Логотип музыки: Логотип на тему музыки: фото, создать онлайн — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Логотип на тему музыки: фото, создать онлайн

Вы музыкальный исполнитель или у вас есть своя группа? Открыли студию для записи звука или сайт, посвященный музыке? Тогда вам обязательно нужен логотип, который и станет той самой песней, что сделает любое начинание хитом. Подходящая эмблема поможет целевой аудитории оценить профессионализм и серьезность вашего увлечения или бизнеса, а также покажет, что вам не чуждо чувство прекрасного. Для создания логотипа прекрасно подойдут элементы, имеющие музыкальную направленность. Это могут быть изображения нот, медиаторов или прочих аксессуаров, проводных или беспроводных микрофонов, а также струнных, клавишных и других инструментов.

При желании, на логотип можно уместить силуэт поющего или музицирующего человека. Цветовая палитра может быть совершенно разнообразной. Наиболее распространенным вариантом считается «классическая» комбинация белого и черного цветов. Естественно, следует учитывать специфику вашего дела: возможно использование кислотного цвета для эмблемы не самая лучшая идея? Не можете определиться с выбором логотипа? Воспользуйтесь сервисом Turbologo.

Для этого достаточно открыть конструктор и потратить несколько минут на создание логотипа.

Создать логотип

Примеры музыкальных логотипов

Логотип Компакт-диска

Наушники И Сердце Логотип

Буквы J И R Абстрактный Логотип

Микрофон Диалог Облако Логотип

Музыкальная Нота Логотип

Мандала И Буквы M | E Логотип

Скрипичный Ключ Логотип

Череп И Кости Логотип

Логотип Группы Хэви-метал

Черная Электрогитара Логотип

Черная Звезда Логотип

Звезда И Микрофон Логотип

Панк Череп Логотип

Череп Рок Логотип

Синий Музыкальный Динамик Логотип

Логотип Уроки Фортепиано

Изучите лучшие идеи логотипов

IT, Разработка
Wix
YouTube
Абстракция
Авто
Алмаз
Аниме
Армия
Арт, искусство
Баскетбол
Безопасность

Бейсбол
Бесконечность
Бизнес
Бутик
Графический дизайн
Группа
Деньги
Диджей
Дом
Дом
Дракон
Еда
Здоровье
Империя
Инстаграм
Интернет
Камера
Киберспорт
Клининг
Книга
Компас
Компьютерные игры
Корона
Кофе
Круг
Крутой
Кулак
Лиса
Личный
Лошадь
Майнкрафт
Медведь
Медицина
Минимализм
Мода
Морской
Недвижимость
Обучение и образование
Огонь
Одежда
Оранжевый лев
Орел
Пекарня
Пиво
Подкаст
Призрак
Приложение
Птица
Пчела

Разнорабочий
Ресницы
Семья
Сердце
Собака
Современный
Спорт
Строительство
Телевидение
Тренер
Фитнес
Фотография
Футбол
Цветы
Чемпионат
Школа
Шопифай
Эл. адрес
Эстетичный

Больше идей логотипов

Турболого — создание логотипа онлайн, бесплатно.
© 2022 «Турболого»

Радио Орфей (Москва 99,2 FM)

Сетка вещанияПрограммыСобытияСпецпроектыО насПартнерыОркестры и хоры радио

Программы в эфире

Ведущие
Архив программ

Литературные мотивы

К творчеству Николая Васильевича Гоголя обращались многие композиторы. Но немногие решались вывести гоголевских героев в балетных спектаклях. Одним из них оказался Альфред Шнитке, создавший хореографическую фантазию «Эскизы».

Сегодня в 14:10

Тавор в мажоре

Этой осенью в Москве проходит 7 фестиваль «Видеть музыку», представляющий 30 музыкальных спектаклей российских театров, от Иваново и Самары до Барнаула и Иркутска. Художественный руководитель фестиваля, Президент Ассоциации музыкальных театров Георгий Исаакян — в гостях у программы.

Сегодня в 15:00

Пиотровский в эфире. Мысли вслух

Авторская программа директора Государственного Эрмитажа

Сегодня в 16:10

Былое и даты

20 сентября 1862 года в Санкт-Петербурге основана первая в России консерватория.

Сегодня в 17:10

Лишний билетик

Вечер 20 сентября – это абсолютное торжество рояля, многоликого и многозвучного.

Сегодня в 17:45

Партитура жизни: Игорь Стравинский

17 июня 1882 года на Швейцарской улице в Ораниенбауме появился на свет Игорь Стравинский. Он третий сын звезды Мариинского театра, баса Федора Стравинского — стройного красавца с породистым лицом польских шляхтичей и необузданным нравом.

Сегодня в 18:10

Экспомузыка

Клавир оперы Римского-Корсакова «Золотой петушок», напечатанный в издательстве Юргенсона в 1908 году, восхищает дизайном обложки — его выполнил знаменитый художник Иван Билибин.

Сегодня в 19:10

Музыка для глаз. Коллекция Ирины Кленской

Прогулки по музеям

Сегодня в 20:10

Утро в четыре руки

Сочиняем новый день

Завтра в 07:00

Из театра с любовью

Среди театральных премьер, «о которых говорят», — «Таня» Константина Богомолова в Театре на Малой Бронной.

В субботу в 00:45

Недетский вопрос

Можно ли научить ребенка общению с детьми и взрослыми? Начинать ли с незнакомым ребенком диалог или отстраниться? С чего начинать общение? Отличаются ли проблемы общения в подростковом возрасте? Нужно ли в детях воспитывать вежливость?

В субботу в 03:00

Концертный зал

В нашей программе прозвучит опера Антона Аренского «Рафаэль». Запись под руководством маэстро Сергея Кондрашева осуществили Симфонический оркестр радио «Орфей», Академический большой хор «Мастера хорового пения» (художественный руководитель – Лев Конторович) и замечательные солисты: Агунда Кулаева, Ольга Ионова, Николай Диденко и Алексей Татаринцев.

В субботу в 14:00

Последние события

20 сентября 2022

Погиб Сергей Пускепалис

Актер и режиссер Сергей Пускепалис погиб в ДТП в Ярославской области.

Новости

20 сентября 2022

Фестиваль Лундстрема в Забайкалье станет регулярным

Фестиваль Олега Лундстрема будут регулярно проводить в Забайкальском крае.

Новости

20 сентября 2022

Красноярская опера лишается худрука

Художественный руководитель Красноярского театра оперы и балета Сергей Бобров покинет свой пост 1 октября.

Новости

20 сентября 2022

Юстуса Франца высадили из поезда

Немецкого пианиста и дирижёра Юстуса Франца высадили из скоростного поезда в Германии из-за того, что на 78-летнем музыканте не было защитной маски.

Новости

20 сентября 2022

Новосибирск примет коллективы из девяти регионов

Фестиваль-форум «Сибирская национальная коллекция», посвящённый национальному культурному наследию регионов Сибири, впервые состоится в Новосибирске.

Новости

20 сентября 2022

Герберт Блумстедт вновь дирижирует

Дирижёр Герберт Блумстедт вернулся к активной творческой деятельности. По информации Королевского филармонического оркестра Стокгольма, 95-летний шведский маэстро проводит репетиции.

Новости

20 сентября 2022

У Комической Оперы появится «академия»

Парижская Комическая Опера решила основать собственную «академию». Новый руководитель театра Луи Лангре намерен таким образом передавать опыт владения жанром новому поколению артистов.

Новости

20 сентября 2022

Второй фестиваль-смотр выпускников музыкальных училищ стартует в Гнесинке

Открытие Второго Межрегионального фестиваля-смотра выпускников музыкальных училищ состоится 20 сентября в Гнесинке. Это проект, организованный Ассоциацией музыкальных образовательных учреждений.

Новости

20 сентября 2022

Джазмен Андрей Кондаков отпразднует юбилей концертами

Джазовый пианист и композитор Андрей Кондаков отпразднует 60-летие двумя программами. Первое выступление — «Кондаков. Юбилей. Автопортрет» — состоится 20 сентября.

Новости

Все
событияВсе
события

Слушайте «Орфей» в нашем приложении

Музыкальная классика стала ещё ближе!

Загрузите вЗагрузите в

Логотипы музыкальных компаний

Лучшие логотипы

Masters At Work

«Парни, за 23 года вы первые, кто спрашивает про лого», – говорит нам Кенни «Баклан» Гонсалес, DJ и сопродюсер хаус-лэйбла Masters At Work. Идея логотипа кажется простой: схематическое изображение двух голов. Одна принадлежит играющему хип-хоп Гонсалесу (повёрнутая набок кепка), другая – его партнёру и любителю сальсы «Малышу» Луи Веге (шляпа и бородка). Всё выполнено в стилистике промышленных плакатов Menat Work, предупреждающих, что на стройплощадке нужно носить каску. На самом деле история этого логотипа куда как интереснее.

До того, как в середине 80-х Вегу из Бронкса и Гонсалеса из Бруклина познакомил хаус-DJ Тодд Терри, Гонсалес играл бит на вечеринках, которые устраивал его приятель DJ Майк Дельгадо, и работал в местном музыкальном магазине WNR Music Center. Одним из постоянных покупателей был Луи Негрон (он же KAB-ONE) – граффитист и член команды более известного Ревлона (он же REVS, которого, в свою очередь, связывала давняя дружба с другим известным граффитистом Адамом Костом). Негрон делал флаеры для вечеринок Гонсалеса и Дельгадо, которые назывались Masters At Work parties, а также изготовил гротескный логотип для лэйбла Nu Groove и логотип для студии Гонсалеса Dopewax.

Кенни Гонсалес: «И, вот, когда мы решили объединить лэйблы… вот тогда и появились эти две головы».

Первый логотип для лэйбла Masters At Work Негрон сделал в 1989, название было вписано в изображение бобинного проигрывателя. По словам Гонсалеса, тот логотип использовался недолго и только на флаерах (хотя недавно Гонсалеса видели в футболке с таким принтом). К тому времени, когда Гонсалес и Вега уже выступали совместно, был придуман новый логотип: в центре взрыв, из которого разлетаются размотанная плёнка, музыкальные клавиши и ноты и две схематично изображённые головы по обеим сторонам. Позже логотип сократили до того, который известен нам сегодня. «Мы, когда решили на одном лэйбле работать и основали компанию, тогда и головы решили именно так рисовать. Ну, а потом и название сменили на MAW Records», – пояснил нам Гонсалес.

После того, как Негрон помог MAW с логотипом, он ушёл служить во флот, записался в ВМС США. В настоящее время он служит в Афганистане и для комментариев недоступен. Но со слов Гонсалеса понятно, что его авторства в MAW не оспаривают.

MTV

MTV, круглосуточный музыкальный телеканал, начал вещание 1 августа 1981 года, мгновенно изменив и музыкальный, и телевизионный мир. Эмблема, которая появилась вместе с этим новым миром, была не менее радикальна для своего времени, чем само явление, которое она обозначила. Задолго до появления анимированных GIF-изображений и «дудлов» от Google (Google Doodles), первый креативный директор нового канала Фред Сайберт практически наплевал на «добрые традиции» дизайна эмблем и продавил контракт на разработку логотипа с малоизвестной студией Manhattan Design, которая и создала знаменитую на весь мир заглавную букву «М», небрежно забрызганную рисунком в виде букв «T» и «V». И эта самая небрежность позволила позиционировать канал как молодёжный, бунтарский и непредсказуемый. Несмотря на требование руководства отдать заказ на изготовление логотипа какой-нибудь крупной известной студии, Сайберт отдал его в фирму Фрэнка Олински – друга детства, с которым они вместе выросли в Хантингтоне, на Лонг-Айленде, и который, по мнению Сайберта, открыл ему глаза на то, как музыка и анимация способны воздействовать на человека.

«Мой отец был промышленным художником и мультипликатором, и он учил меня использовать художественные методы в коммерческих целях», – поясняет Олински.

Фрэнк Сайберт: «Большинство логотипов создаётся обычными дизайнерами, а художники-аниматоры потом ломают голову над тем, как эти логотипы «оживить». Меня это вгоняет в ступор».

Студия занимала крошечную комнату в Гринвич Вилидж, в здании, на первом этаже которого располагалась аптека Bigelow, а на втором – зал для занятий гимнастикой тайцзицюань. Именно там, после восьми месяцев работы и задолго до того, как название канала было утверждено, Олински прикрепил на стену листок с черновиком логотипа.

Вдохновили его панк-музыка, граффити и детское шоу, которое он смотрел в детстве, Winky Dink and You, при просмотре которого нужно было самостоятельно дорисовывать рисунки из телевизора, прикладывая к экрану специальные листы прозрачного пластика. Это шоу было истинным благословением для творческой натуры, которой не терпится сделать что-то, что встряхнёт общественные устои; что-то, что может изменяться бесчисленное количество раз, заставляя тем самым меняться и время, и место вокруг себя. «Большинство логотипов создаётся обычными дизайнерами, и чтобы эти логотипы «оживить», аниматоры вынуждены головы ломать. Это абсолютно неприемлемый подход», – говорил Сайберт.

Эмблема должна была обозначать не что-то конкретное и предметное, а какую-то универсальную идею. А это, в традиционном понимании дизайна, совершенно «анти-логотипный» подход.

Боссам телеканала в логотипе не нравилось абсолютно всё, но они согласились его использовать при условии, что дизайнеры добавят под рисунком фразу «Музыкальный Телеканал», набранную шрифтом Helvetica. Примечательно, что именно эту подпись из логотипа убрали при его редизайне в 2010 году. И это доказывает, что логотип в своём сегодняшнем, исходном виде просто опередил время на 30 лет. Как говорит теперь Олински: «Эмблема должна была обозначать не что-то конкретное и предметное, а какую-то универсальную идею. А это, в традиционном понимании дизайна, совершенно «анти-логотипный» подход».

Nervous Records

У основателя лэйбла Nervous Records Майкла Вайсса музыкальный бизнес, в буквальном смысле, в крови: его отец занимался продажей музыки и управлял собственным диско-лэйблом под названием Sam Records. Так что Вайссу-младшему не оставалось иного выбора, кроме как стать продюсером. Поэтому он занялся современной ему танцевальной музыкой и основал собственный лэйбл. Вайсс выпускал хип-хоп- и хаус-альбомы и работал с такими музыкантами, как Black Moon, Тодд Тэрри, Арман ван Хельден и Masters At Work. В общем, ни волноваться, ни нервничать причин особо не было. Так откуда же название? Слово Майклу Вайссу: «До того, как я запустил Nervous Records, я работал для других лэйблов, продвигал на радио хип-хоп треки, и занимался этим, скажем так, сверхактивно. Обычно я старался размещать треки в эфире у знаменитого хип-хоп-DJ Чака Чилаута, который тогда работал на радио WBLS. Я прибегал в студию каждую пятницу к 23.30 и упрашивал Чака поставить нужный трек до того, как его эфир закончится в полночь. Ну, вот, за то, что я там кругами ходил и всё волновался, успеет мой трек выйти в эфир или не успеет, Чак дал мне прозвище «Капитан Нервный».

На логотипе, который Вайсс заказал в 1991 году, изображён такой же, слегка маниакальный DJ, которому не терпится заполучить самую новую и самую популярную, и самую редкую пластинку. «Основной идеей было сделать такой пародийный образ DJ-супергероя, – поясняет Вайсс, – тогда ведь DJ не были ещё такими суперзвёздами, как сейчас. А в моём тогдашнем понимании любой DJ или продюсер, который смог раскрутить в Нью-Йорке независимый лэйбл, был реально и героем, и звездой».

Марк Коцца: «Тогда очень модной была стрижка под «высокий ёжик», как у Арсенио Холла. И я подумал: а что если пластинка пролетит над башкой, и срежет этот «ёжик», словно циркулярная пила?»

Вайсс был знаком с арт-директором компании EMI/Chrysalis Марком Коцца, который в своё время сделал несколько обложек для Sam Records – и именно к нему Вайсс обратился с просьбой сделать логотип для нового лэйбла. «Я сразу же понял, что просто изображу схематически некий характер так, чтобы даже не было нужды добавлять в логотип слово «nervous», – рассказывает Коцца. – В то время я как раз зачитывался комиксами: Krazy Kat Джорджа Харримана, книжки издательства Superwest … А тут ещё Арсенио Холл со своей стрижкой «высоким ёжиком», которая была просто писком моды…, и я вдруг подумал: а что будет, если над его башкой «просвистит» пластинка и срежет ему этот его «ёжик», словно циркулярная пила? И вместо той причёски, которая была, сделает вполне аккуратную?»

Первый логотип был вписан в круг, так, чтобы его удобно было размещать на этикетках в центре виниловой пластинки, и шрифт для названия был выбран простой, без засечек. В 2004-м Вайсс заказал редизайн логотипа, чтобы он лучше смотрелся на обложке CD. Так логотип стал квадратным, позади фигуры DJ появился фон в виде кирпичной стены, а название лэйбла теперь написано авторским шрифтом от граффитиста и рэпера Блэйка «KEO» Летэма – это добавляет в лого урбанистическую атмосферу.

New York Hardcore

New York hardcore, особый музыкальный стиль, вобравший в себя идеи панка и металла, появился в первой половине 80-х и стал развиваться сразу в нескольких направлениях. Эта многообразность и вместе с тем идейная сонаправленность разных ответвлений одного стиля ярче всего просматривается в его символе – равностороннем кресте, в углы которого вписаны буквы N, Y, H и C. Символ, кстати, как и сам стиль, стал культовым и породил множество подражаний по всему миру.

В нью-йорских клубах вышибалы таким крестом помечали руки несовершеннолетних посетителей, пришедших на концерт. В силу определённых обстоятельств, Иэн Маккей и Джефф Нельсон (оба родом из Вашингтона, округ Колумбия; со-основатели групп The TeenIdles и, позже, Minor Threat) частенько получали такие кресты в клубе West Coast, и ставший дизайнером Нельсон позже использовал такой знак в своих работах.

Со временем, когда оба музыканта провозгласили политику отказа от наркотиков, воодушевлённые примером кумиров хардкора, группы Bad Brains, этот крест трансформировался в символ нового движения, стрейт-эджа. По словам Глена Каммингса, экс-гитариста хардкор-группы Ludichrist, идеология постепенно эволюционировала от «Я не могу с тобой выпить» к «Я не буду пить» и наконец, когда принципы стали ещё жёстче, к «Я тебе врежу, если ты вспомнишь про выпивку».

Кевин Кроули: «В определённом смысле, этот крест стал нашей декларацией, выразителем наших нью-йоркских принципов».

Нью-йоркский хардкор стал популярен благодаря таким командам, как Cro-Mags, Agnostic Front и Murphy’s Law. Крест как его символ вышел на первый план, благодаря фронтмену малоизвестной стрейт-эдж-группы The Abused Кевину Кроули. Он начал использовать его как часть своего тщательно продуманного дизайна флаеров на концерты группы в таких клубах, как CBGB или А7 в Алфавитвилле. Недавно Кроули заявил в интервью блогу Noise Creep: «Я хотел, чтобы наши флаеры были одним целым с нашей музыкой, [и] чтобы люди запомнили нас. Ведь зрители относились к хардкор-группам, как к спортивным командам: их любили по территориальному признаку. В этом смысле, мы были ограничены Нью-Йорком, Бостоном и Вашингтоном. И хотя мне нравилось, что играют команды из других мест, моей главной сценой, моим домом был Нью-Йорк! В определённом смысле, этот крест был нашей, нью-йоркской декларацией, выразителем наших нью-йоркских принципов».

В конечном счёте, крест стал не просто меткой, обозначавшей принадлежность к определённому городу. Он стал меткой принадлежности к одной тусовке. Поставить крест на своём флаере было всё равно, что сказать: «Эй, мы тоже играем хардкор», рассказывает Каммингс. А по словам Стивена Блаша, автора книги «История американского хардкора» (American Hardcore) и сценария к одноимённом фильму именно Кроули и The Abused продвинули крест «на новый уровень»; он особо отмечает, что использование букв N, Y, H и C, в целом, придало символу «завершённость и симметрию». На что Кроули скромно отвечает, что «даже не представлял, что всё получится именно так, как получилось».

Paradise Garage

Мускулистый мужчина с бубном, томным взглядом и татуировкой на бицепсе символизирует не просто определённое место и определённое время, он символизирует эпоху длиной в десять лет. Paradise Garage – это название клуба, располагавшегося в здании бывшего автомобильного гаража на углу Кинг-стрит и Варик-стрит с 1976 по 1987 годы. Это место называли раем для меломанов, которые в этих стенах могли вести себя открыто и чувствовали себя в полной безопасности. По пятницам и субботам DJ Ларри Леван давал тут вечеринки, которые проходили в атмосфере доверия и общности, и это выглядело полной противоположностью по отношению к другим заведениям Нью-Йорка.

«В то время в городе было две наиболее заметных вывески: это «Студия 54» с её гигантскими цифрами, и Paradise Garage с изображением татуированного мужчины», – рассказывает один из бывших DJ заведения, Дэвид Де Пино.

Практически все, кто был причастен к этому заведению, описывают его как сакральное место. «Это была церковь, – говорит Де Пино. – Люди приходили потанцевать, послушать прекрасную музыку, забыть обо всех проблемах прошедшей недели». Де Пино помог Левану и Майклу Броди найти место для клуба и сделал для него много чего ещё: например, он был одним из немногих DJ, которые, помимо Левана, соглашались крутить в клубе пластинки.

Дэвид Де Пино: «Через пять лет появился новый логотип: мужчина, танцующий на фоне радужной пирамиды. Публика взбунтовалась».

Де Пино не знает, кто именно нарисовал логотип для клуба, но он точно помнит, кто тот татуированный мужчина, который на логотипе изображён. Это Вилли Гонсалес профессиональный бодибилдер и начальник охраны клуба в первые пару лет его существования. Вряд ли кто-то помнит его с бубном в руке, но вот его курчавые волосы и накачанные бицепсы помнят все. А сам логотип более всего запомнился в виде неоновой вывески, которая висела над площадкой перед входом в клуб. Ну и конечно, окончательно его увековечил коммерческий подход Майкла Броди: он стал печатать рисунок на футболках.

Де Пино рассказывает, что некоторые посетители меняли по несколько футболок за ночь: «Люди приходили в обычной одежде, но системы кондиционирования в клубе не было, все потели. Поэтому многие просто переодевались в футболки. В один прекрасный момент Майкл сказал: я буду делать футболки с принтом и продавать их здесь же, в клубе. Первую же партию он распродал всего за одну ночь». Де Пино также помнит, как Броди решил логотип заменить: «К пятилетнему юбилею клуба он решил сломать традицию и сделал новый логотип, с танцором на переднем плане и радужной пирамидой на заднем. Но тот логотип никто не принял – публика, буквально, подняла бунт против него».

Public Enemy

Настоящая известность к хип-хоп-группе Public Enemy пришла в 1987 году, после их участия в турне группы The Beastie Boys под названием Licensed to Ill. Для поклонников The Beastie Boys это было настоящим открытием оборотной, буйной стороны творчества любимой группы: если у хедлайнеров турне концерт начинался с появления извивающихся девушек в клетках, то вот участники Public Enemy – Чак Ди, Флэйвор Флэв и DJ Terminator X – выходили на сцену с непроницаемо серьёзными лицами, по обеим сторонам от них двигался конвой в военной форме, а позади выносили огромный баннер, на котором был виден некий силуэт, пойманный в ружейный прицел. Выступление этой группы, в целом, должно было быть этаким тревожным звонком, предупреждением для зрителя.

Вся имиджевая составляющая их выступлений, включая логотип с трафаретом мишени, была разработана неформальным лидером группы, Чаком Ди. Его настоящее имя – Карлтон Дуглас Риденауэр. Он родился в Квинсе и получил диплом дизайнера в Колледже Адельфи в 1984 году, и должен был перейти на работу в художественный отдел звукозаписывающей компании. Он не видел себя успешным музыкальным исполнителем до тех пор, пока Рик Рубин, после долгих и неумолимых споров, не вынудил его подписать контракт с Def Jam, не говоря уже о том, чтобы оказаться претендентом на попадание в Зал Славы Рок-н-ролла.

Человека в кепке принимают за полицейского, но на самом деле, это E-Love, продюсер и закадычный друг LL Cool J.

Во время своего выступления в рамках Red Bull Music Academy в Барселоне в 2008 году Чак Ди сказал: «Мне всегда нравились рок-н-рольщики, потому что у всех у них были логотипы. Чем рэп-то хуже? Я хотел, чтобы эту музыку воспринимали так же, как любую другую». Макет логотипа Public Enemy Чак сверстал и склеил сам: правда, фигуру в кепке некоторые принимают за изображение патрульного полицейского в форме, но, по словам автора, этот человек – E-Love, продюсер и закадычный друг музыканта LL Cool J. В ответ на наш запрос по e-mail Чак написал: «Я вырезал фото E-Love из журнала, закрасил чёрным маркером, положил на рисунок с мишенью и пропустил через ксерокс». Окончательную обработку логотипа выполнял уже Эрик Хейз, дизайнер, который делал обложку для их дебютной пластинки, Yo! Bum Rush the Show. А арт-директор лэйбла Def Jam Си Адамс пояснил нам, что «к тому времени, когда нужно было решать что-то с дизайном, у Чака уже была готова идея. Суть её в том, что в Америке люди с тёмной кожей всегда находятся под прицелом».

Ramones

Четыре странных типа из Форест-Хиллз, что в Квинсе, собрались вместе в 1974 как братья по музыке (раз уж не по крови). Их аскетичная манера одеваться – футболки в обтяжку, байкерские жилетки, рваные джинсы и парусиновые кеды – резко контрастировали с тем, что они играли. А это был быстрый, чистый и неприукрашенный, настоящий рок-н-ролл. Вообще, девизом этих четырёх панк-рокеров – Джонни, Джои, Ди Ди и Томми – могла бы стать фраза «лучше меньше, да лучше».

Вот только их общий друг и художник Артуро Вега в своих работах руководствовался более близким ему девизом: «больше, значит, больше», и, делая для Ramones логотип, не только написал название группы крупным, тяжёлым шрифтом, но ещё и поместил в центре изображение Большой Печати США. За те 22 года, пока группа существовала, Вега не раз менял логотип, но неизменным в нём оставалось одно: родом из Мексики, Вега всегда преклонялся перед символами силы, а главным из всех для него был американский геральдический белоголовый орлан. «Я всегда думал о Ramones как… о всеамериканской группе», – объясняет он и признается, что в дизайне принта для футболок Ramones использовал изображение орла с «доллара Эйзенхауэра». А в ранних постерах группы он вообще использовал изображение орла, перерисованное с фотографии его собственной ременной пряжки, сделанной в кабинкедля экспресс-фото.

Джон Хольмстром: «Панки старались дистанцироваться от хиппи. А лучшее, что для этого можно сделать – это удариться в патриотизм».

Соучредитель журнала Punk и художник, также работавший с Ramones, Джон Хольстром рассказывает: «Всё это отдавало лёгким садомазохизмом, но, в упрощённом понимании, это было свойственно всей панк-тусовке Нью-Йорка». В 1976 году, когда праздновалась 200-я годовщина независимости, Вега решил ещё сильнее утяжелить логотип и, добавив вокруг «печати» с орлом ещё одну окружность, вписал туда имена участников (эта надпись, кстати, потом менялась каждый раз со сменой состава группы). В обновлённом виде логотип появился на втором альбоме группы, Leave Home (январь 1977).

«Использование государственной символики было отличным ходом, – отмечает Хольстром. – Так как панки тогда старались максимально дистанцироваться от хиппи. И лучшее, что можно было сделать в такой ситуации, это удариться в патриотизм». Для новой надписи с названием группы Вега выбрал простой и чёткий шрифт без засечек – Franklin Gothic. Точно такой же появится на логотипе Run-DMC десятилетием позже.

И хоть Ramones уже нет с нами, но футболки с их именами по-прежнему пользуются спросом. Тот логотип, по словам Хольстрома «стал символом, но символом не одной команды, а всего панк-рока».

Run – DMC

По сути, Run-DMC стала первой рэп-группой, пробившейся в музыкальный мейнстрим. Несмотря на внешний вид (обшарпанные, стоптанные, незашнурованные кроссовки Adidas, тяжёлые золотые цепи) и манеру исполнения (творчество на стыке жанров, простые рифмы, навязчивые мотивы и неизменные короткие гитарные риффы), на сцене это трио из Холлиса, Квинс, смотрелось реально круто.

«Пацанскому» имиджу вполне соответствовал и убийственный, непобедимый логотип, который стали печатать и на футболках, и на сувенирах. Вставленные между двумя жирными красными полосами, набранные тяжёлым шрифтом Franklin Gothic Heavy, эти шесть заглавных букв стали наиболее копируемым логотипом всех времён.

Чтобы отыскать автора логотипа, нам пришлось изрядно постараться. Дело в том, что распространённое мнение будто его нарисовал граффитист и дизайнер Си Адамс (он же оформлял для Run-DMC одноимённую дебютную пластинку) ошибочно. На соответствующий вопрос, Адамс нам ответил: «Сегодня уже точно никто не сможет сказать, кто именно его нарисовал. Это мог быть англичанин, который делал обложки для их второй пластинки, King of Rock, и для сингла You Talk Too Much в 1985». Но мы, всё же, сумели докопаться до истины.

Дизайн логотипа выполнила Стефани Нэш из звукозаписывающей студии Island Records, а заказал его Эшли Ньютон, который в то время отвечал в студии за поиск новых авторов и исполнителей, а сегодня работает генеральным директором в Columbia.

Стефани Нэш: «Шрифт Franklin Gothic – прямой, ровный. Он классический, но не старомодный».

Сегодня Нэш является одним из директоров лондонской студии дизайна Michael Nash Associates, и для неё вопрос об авторстве оказался, скорее, неожиданным. «Я помню, что, когда слушала рэп, всегда поражалась, насколько он визуален, – написала она в ответном e-mail. – В те времена я вообще находилась под большим впечатлением от этой музыки: она была настолько серьёзной, выразительной, наполненной смыслом, что я испытывала нечто, чего раньше не чувствовала никогда». Выбор шрифта она тоже объяснила довольно просто: «У нас тогда был не очень большой выбор шрифтов. И из тех, что были в наличии, Franklin Gothic подходил лучше всего: он прямой, чёткий, ровный; он классический, но не старомодный. Это хороший, пропорциональный, серьёзный шрифт. При написании именно этим шрифтом надпись RUN DMC удобно укладывалась в два ряда по три буквы каждый. За то, что логотип продержался так долго, стоило бы сказать «спасибо» автору шрифта, Моррису Фуллеру Бентону, и самой команде Run-DMC. Будь они очередной попсовой группой, вряд ли логотип собрал бы столько одобрительных отзывов».

Studio 54

Французы изобрели дискотеку на тридцать лет раньше, но именно американцы, выходцы из Бруклина, сумели превратить одну обычную дискотеку в живую легенду. Начало было положено 26 апреля 1977 года, когда Иэн Шрейгер и ныне покойный Стив Рубелл открыли на 54-й Вест-стрит клуб под названием Studio 54. Заведение занимало отремонтированное здание постройки 1927 года, в котором раньше располагалась опера. И, по словам британца Энтони Хейден-Геста – светского льва, писателя и колумниста – «клуб стал местом, где каждый мог сбросить с себя тяжкие и скучные одежды повседневности и балдеть ночь напролёт в этой общей вуайеристской толкотне».

Годом ранее, парижская «Королева Ночи» Режина Зильберберг решила повысить ставки в играх с дизайном клубов и потратила полмиллиона долларов на оформление собственного заведения в Нью-Йорке: внутри появился шестиугольный танцпол с подсветкой и фигурный зеркальный потолок. Увидев интерьер, журналист The New York Magazine написал, что он напоминает «нечто безумное: прижизненный памятник нарциссизму».

Спустя некоторое время Рубелл и Шрейгер наняли одного из лучших дизайнеров интерьеров на Бродвее и устроили в будущем Studio 54 грандиозный ремонт. Центральным местом клуба стал танцпол площадью 500 квадратных метров, окружённый диванами с обивкой из серебряной ткани и четырьмя сотнями гирлянд с разными световыми эффектами. В результате внутри клуба всегда шло бесконечное световое шоу. Но, конечно, одной из самых известных «фишек» этого заведения была инсталляция «Лунный человек» (Man in the Moon): под потолком постоянно двигались из стороны в сторону силуэт видимой стороны Луны и гигантская кокаиновая ложка, и когда они встречались, инсталляция «разряжалась» сильнейшей световой вспышкой. Короткие, плотные формы и тонкие наклонные линии логотипа напоминают форму письма «ар-деко», которая была на пике популярности в 70-х.

Логотип клуба, созданный Гилбертом Лессером (1935-1990), получился гладким, с чёткой геометрией шрифтов Bauhaus. Лессер был известен такими неповторимыми и характерными для его стиля работами, как афиши для спектаклей «Эквус» (1974) и «Человек-Слон» (1979), и цифры 5 и 4 в его исполнении также получились элегантными и уравновешенными. На первый взгляд, кажется, что плотные вертикальные формы и тонкие наклонные линии шрифта напоминают форму письма, свойственную позднему ар-деко и так популярную в 70-х, но на самом деле такая строгая геометрия и ясно видимая диагональная ось характерны, скорее, для 60-х. Так или иначе, форма логотипа была крайне удачной для размещения в углу флаера или чёрной VIP-карты, которые раздавались в клубе в первые годы его существования.

Рубелл хотел, чтобы в клубе всегда царила особая, эксклюзивная атмосфера, поэтому фейс-контроль в заведении был крайне строгим. Иногда снаружи стояла огромная толпа желающих попасть внутрь, а клуб оставался полупустым. Как сказал однажды обозреватель светской хроники еженедельника Village Voice Майкл Мусто, «этот клуб был – начало и конец всего, и для многих начало так никогда и не наступало». Для обычного люда даже просто постоять на крыльце клуба в числе ожидающих уже считалось достижением.

Tommy Boy

В 1981 году Том Сильверман увидел выступление DJ Afrika Bambaataa и понял, что у синтипанка есть будущее. Сильверман, который на тот момент был редактором музыкального информационного бюллетеня, посвящённого танцевальной музыке, имел определённое представление о DJ-культуре и отчасти предвидел, что хип-хоп придёт на смену диско. DJ Africa Bambaataa согласился поработать с Сильверманом. Так появился лэйбл Tommy Boy. Первым вышедшим под их маркой синглом стал (по предложению Bambaataa) Havin’ Fun от Cotton Candy. Логотип для первой обложки сделал сам Сильверман, просто срисовав надпись с деревянного ящика из-под винограда компании Tommy Boy grapes. Потом на лэйбле вышла пластинка самого Bambaataa, а следом – альбом Jazzy Sensation от Jazzy Five. Такая результативность просто неизбежно влекла за собой необходимость сделать серьёзный официальный логотип.

Главной задачей было создать такой логотип, который обладал бы неким визуальным зарядом и который заполучил бы авторитет в среде хип-хоперов.

Моника Линч, первая наёмная сотрудница (а в дальнейшем – полноправный партнёр в фирме) рассказывает: «Это была крохотная контора, денег не было вообще. Не было художественного отдела. Не компания, а притон какой-то». Она попросила своего друга, художника Стивена Мильо сделать для лэйбла логотип, и тот помог – «дёшево и сердито» слепил логотип с помощью наборной гарнитуры Letraset. Крайние буквы в словах «tommy» и «boy» он набрал заглавными, и расположил их так, чтобы верхние края оказались на одной условной линии, а нижние части букв «утонули» ниже линии строки. Под надписью он добавил три танцующих фигуры со стрелками, показывающими направление «движения» фигур. «За основу я взял изображение пацанов, которые крутят на улице хедспин на куске картона, – рассказывает он. – Предполагалось, что когда DJ будет крутить пластинку с логотипом, будет возникать ощущение, что эти фигуры «крутятся вживую».

Стивен Мильо: «Предполагалось, что когда DJ будет крутить пластинку, эти фигуры будут «крутить хедспин».

«Главной задачей было создать такой логотип, который обладал бы неким визуальным зарядом и который заполучил бы авторитет в среде хип-хоперов, – рассказывает Линч. – У Мильо получилось».

Первой пластинкой, вышедшей с новым логотипом, стала совместная работа Afrika Bambaataa и группы Soulsonic Force под названием Planet Rock. Пластинка стала хитом, было продано более 600 тысяч копий, и бренд Tommy Boy стал узнаваемым. Сегодня этот логотип прочно ассоциируется с такими именами как Queen Latifah, De La Soul, Digital Underground и многими другими.

В 1989 году Сильверман заказал Эрику Хейзу редизайн логотипа. Хейз убрал из него стрелки, изменил шрифт в названии и расположение букв, а также перерисовал фигуры и изменил их положение. Как отметил Сильверман, «на этих чуваках изначально были брюки-клёш, но Эрик полностью поменял им «гардероб».

Wu-Tang Clan

Буква W, стилизованная под крылья летучей мыши, появилась уже на дебютном сингле группы Wu-Tang Clan в 1993 году и была лишь частью излишне детализированной, перегруженной спиритической и воинственной символикой обложки. Математикс, автор самого первого, оригинального, логотипа рассказывает: «Идея была сделать что-то такое же выдающееся, как эмблема Бэтмена». Хотя бóльшая часть его работы с Wu-Tang заключалась в обработке музыки с помощью большого количества сэпмлеров, бывший граффитист, подавшийся в продюсеры, имел сносное представление о графике и промышленном дизайне, которые он изучал в средней технической школе Thomas A. Edison Career and Technical Education High School в Джамайке, Квинс.

На самом первом рисунке была ещё и рука, вырастающая из W, которая держала за волосы отрубленную голову, а внутри W стояла надпись Wu-Tang Clan, выполненная в псевдоазиатском стиле.

Математикс всё ещё слонялся без дела с черновиками логотипа, когда подошло время отправлять в печать обложку для сингла Protect Ya Neck. «Я тогда сидел и ремастерил у себя, а пацаны – RZA, Ghost, Power [Оливер Грант, исполнительный продюсер группы] и U-God – пришли и сказали, что пора что-то делать».

В своей книге Wu-Tang Manual RZA – лидер группы – пишет: «На самом первом рисунке была ещё и рука, вырастающая из W, которая держала за волосы отрубленную голову, а внутри W стояла надпись Wu-Tang Clan, выполненная псевдоазиатским шрифтом. Я сказал, что это всё слишком кровожадно, но мне нравится шрифт, и предложил дизайнеру еще помозговать. У него не получилось. Я тогда ему сказал, что в логотипе должны сочетаться меч, книга и символ разума».

Через год, когда вышел их первый полноценный альбом, Enter the Wu-Tang (36 Chambers), в логотипе не было ни меча, ни книги – осталась буква «W», стилизованная под летучую мышь и надпись внутри буквы. И ещё она стала жёлтой.

Кафедра народной музыки — МГУ им. Н. П. Огарёва

Главная / Университет / Институты / Институт национальной культуры / Кафедры /

О кафедре

Большой вклад в формирование кафедры внесли выдающиеся деятели музыкальной культуры – Н. С. Рузавина, Д. И. Еремеев, Г. Г. Вдовин, Н. И. Бояркин, Л. Б, Бояркина, Т. И. Одинокова.
В наши дни кафедра народной музыки располагает высокопрофессиональными педагогами-методистами, исследователями, музыкальными исполнителями, творчество которых получило широкое общественное признание, отмечено государственными наградами. Многообразная учебная, научная, творческая деятельность кафедры направлена на выполнение главной задачи – подготовку высококвалифицированных кадров для культуры Республики Мордовия и мордовских диаспор Российской Федерации.
На кафедре сложилась признанная в научном сообществе научно-педагогическая школа в области финно-угроведения, единственная в России и за рубежом, занимающаяся проблемами мордовской музыки (основатель и руководитель – профессор Н. И. Бояркин). Ее результаты в области полевой экспедиционной работы, фундаментальных и прикладных исследований, учебно-методических и творческих разработок вошли в обиход современной российской и зарубежной этномузыкологии, в учебную и музыкально-творческую практику вузов России, Венгрии, Финляндии, Эстонии, используются в музыкально-творческой деятельности композиторов и исполнителей.

На кафедре широко применяются инновационные технологии обучения, индивидуальная форма работы со студентами по дисциплинам, в кото-рых особо значим и ответственен национально-региональный компонент. Системной частью образовательных программ является музыкально-исполнительская деятельность студентов, реализуемая в форме публичных концертных выступлений. Созданы музыкально-творческие коллективы, работа которых стала заметной частью современной культурной жизни республики, получила признание общественности Мордовии и высокую оценку в России и финно-угорских странах: Народно-хоровая капелла, фольклорный ансамбль «Гайги моро», ансамбль народной песни «Сюлгамо», оркестр народных инструментов. Значительный вклад в концертную деятельность вносят студенты-солисты – лауреаты и дипломанты многих международных, российских и региональных фестивалей и конкурсов.
Плодотворной работе кафедры способствует ее сотрудничество со многими профильными российскими и зарубежными научными центрами, учебными заведениями и творческими организациями, с выдающимися учеными, музыкантами и исполнителями.

Кафедра имеет связи с Московской, Казанской, Нижегородской, Петрозаводской консерваториями, с Российской академией музыки им. Гнесиных, Российским институтом истории искусств РАН, Музыкальной академией им. Сибелиуса и Центром мировой музыки Финляндии, университетами гг. Хельсинки, Тампере, Ювяскюля, Институтом музыкознания АН Венгрии, Музыкальными академиями Эстонии, Литвы; Стэнфордским (США), Мельбурнским (Австралия) университетами, с обществами М. Кастрена, «Калевала», «Финно-Угрия» др.
Значительный вклад в развитие кафедры, мордовской этномузыкологии вносят выдающиеся деятели науки и культуры России и зарубежья профессора: М. А. Лобанов и И. В. Мациевский (СПб.), М. В. Медведева (г. Москва), Л. В. Бражник (г. Казань), В. Л. Калаберда (г. Петрозаводск), П. Вапаавуори, И. Саастамойнен, Я. Ниеми (Финляндия), Л. Фельфёльди (Венгрия), И. Рюйтел, А. Конт-Рахтола, Т. Оямаа, Ж. Пяртлас (Эстония), 3. Можейко (Беларусь), Д. Рученайте-Вичиниене (Литва), В. Копке (Германия), И. Земцовский (США), И.

Жордания (Австралия) и мн. др. Сотрудничество осуществляется по линии проведения экспедиций в мордовских селах, конференций и семинаров, издания научных трудов, обмена творческими работами студентов, выездов преподавателей кафедры за рубеж для повышения квалификации.

Кафедра народной музыки была создана в 1991 году для решения насущных задач культуры и образования, связанных с проблемами национального возрождения, сохранения и развития мордовских музыкальных традиций. За время своего существования она стала главным центром по подготовке дирижеров народного хора и певцов-солистов для республики и мордовских диаспор России и по исследованию актуальных проблем мордовской музыки, ее взаимосвязей с духовной культурой финно-угорских, славянских и тюркских народов. Большой вклад в формирование кафедры внесли выдающиеся деятели музыкальной культуры – Н. С. Рузавина, Д. И. Еремеев, Г. Г. Вдовин, Н. И. Бояркин, Л. Б, Бояркина, Т. И. Одинокова.
В наши дни кафедра народной музыки располагает высокопрофессиональными педагогами-методистами, исследователями, музыкальными исполнителями, творчество которых получило широкое общественное признание, отмечено государственными наградами. Многообразная учебная, научная, творческая деятельность кафедры направлена на выполнение главной задачи – подготовку высококвалифицированных кадров для культуры Республики Мордовия и мордовских диаспор Российской Федерации.
На кафедре сложилась признанная в научном сообществе научно-педагогическая школа в области финно-угроведения, единственная в России и за рубежом, занимающаяся проблемами мордовской музыки (основатель и руководитель – профессор Н. И. Бояркин). Ее результаты в области полевой экспедиционной работы, фундаментальных и прикладных исследований, учебно-методических и творческих разработок вошли в обиход современной российской и зарубежной этномузыкологии, в учебную и музыкально-творческую практику вузов России, Венгрии, Финляндии, Эстонии, используются в музыкально-творческой деятельности композиторов и исполнителей.
На кафедре широко применяются инновационные технологии обучения, индивидуальная форма работы со студентами по дисциплинам, в кото-рых особо значим и ответственен национально-региональный компонент. Системной частью образовательных программ является музыкально-исполнительская деятельность студентов, реализуемая в форме публичных концертных выступлений. Созданы музыкально-творческие коллективы, работа которых стала заметной частью современной культурной жизни республики, получила признание общественности Мордовии и высокую оценку в России и финно-угорских странах: Народно-хоровая капелла, фольклорный ансамбль «Гайги моро», ансамбль народной песни «Сюлгамо», оркестр народных инструментов. Значительный вклад в концертную деятельность вносят студенты-солисты – лауреаты и дипломанты многих международных, российских и региональных фестивалей и конкурсов.
Плодотворной работе кафедры способствует ее сотрудничество со многими профильными российскими и зарубежными научными центрами, учебными заведениями и творческими организациями, с выдающимися учеными, музыкантами и исполнителями. Кафедра имеет связи с Московской, Казанской, Нижегородской, Петрозаводской консерваториями, с Российской академией музыки им. Гнесиных, Российским институтом истории искусств РАН, Музыкальной академией им. Сибелиуса и Центром мировой музыки Финляндии, университетами гг. Хельсинки, Тампере, Ювяскюля, Институтом музыкознания АН Венгрии, Музыкальными академиями Эстонии, Литвы; Стэнфордским (США), Мельбурнским (Австралия) университетами, с обществами М. Кастрена, «Калевала», «Финно-Угрия» др.
Значительный вклад в развитие кафедры, мордовской этномузыкологии вносят выдающиеся деятели науки и культуры России и зарубежья профессора: М. А. Лобанов и И. В. Мациевский (СПб.), М. В. Медведева (г. Москва), Л. В. Бражник (г. Казань), В. Л. Калаберда (г. Петрозаводск), П. Вапаавуори, И. Саастамойнен, Я. Ниеми (Финляндия), Л. Фельфёльди (Венгрия), И. Рюйтел, А. Конт-Рахтола, Т. Оямаа, Ж. Пяртлас (Эстония), 3. Можейко (Беларусь), Д. Рученайте-Вичиниене (Литва), В. Копке (Германия), И. Земцовский (США), И. Жордания (Австралия) и мн. др. Сотрудничество осуществляется по линии проведения экспедиций в мордовских селах, конференций и семинаров, издания научных трудов, обмена творческими работами студентов, выездов преподавателей кафедры за рубеж для повышения квалификации.

Школа музыки в Москве. Профессиональное обучение музыке

ЛЮБОЙ ВОЗРАСТ — ЛЮБОЙ ИНСТРУМЕНТ

НАПРАВЛЕНИЯ

Мы предлагаем широкий выбор музыкальных инструментов для всех желающих: от 4 до 100 лет. Наша цель – подарить возможность заниматься музыкой.

Школа музыки «Артис» предоставляет возможность овладеть навыками игры на музыкальных инструментах и вокалом, поучаствовать в творческих коллективах, используя современные классы с профессиональной аппаратурой и инструментами. Обучение музыке у нас будет на 100% комфортным.

Любой возраст

Тебе от 4 до 100 лет? Тогда мы идеально подходим друг другу!

Гибкое расписание

Ты сам выбираешь количество уроков в неделю и время каждого занятия!

Близость к центру Москвы

8 минут пешком от станций метро Автозаводская и МЦК ЗИЛ и Автозаводская!

Занимайся самостоятельно

Ты можешь прийти в свободное время и заниматься самостоятельно на наших инструментах!

Играй с первого занятия

Даем инструмент в руки и начинаем обучать непосредственно игре с первого занятия!

Учи то, что нравится тебе

Учи что нравится. Только у нас ты можешь выучить и сыграть свою любимую песню за короткое время!

Создай свою группу

Половина наших учеников играют в коллективе. Приводи друзей или знакомься у нас, и начинайте творить!

Общайся

Общайся с учениками и преподавателями, знакомься с новыми людьми!

Музыкальная школа «Артис»

«Все виды искусств служат величайшему из искусств — искусству жить на земле» — Слова Бертольда Брехта полностью отражают наше отношение к музыке.

Мы уверены, что приобщение к этому прекрасному, светлому миру делает человека лучше, чище и добрее, и помогает ему жить более полной жизнью.

Что мы предлагаем и чего у нас точно нет

В «АРТИС» нет постоянной зубрёжки, скучных уроков, напряжённой атмосферы, когда вы чего-то не понимаете, и страха перед преподавателями (что зачастую убивает на корню любовь к музыке у детей).

Мы не ставим целью воспитать великих музыкантов (хотя успехам своих воспитанников мы искренне рады и гордимся ими). Наша цель — подарить всем, кто обращается к нам, возможность наслаждаться музыкой на новом уровне и дарить наслаждение от неё другим людям.

Мы ждём и детей, и взрослых — от 4 до 100 лет. Мы уверены, что возраст не имеет значения для тех, кто искренне любит музыку.

Начать можно всегда! А под руководством опытных профессионалов обучение становится увлекательным и интересным процессом, приносящим видимые плоды.

Мы не станем утверждать, что научим вас всему и быстро. В музыке так не бывает. Но если вы действительно хотите играть на музыкальных инструментах, петь соло или в составе ансамбля, если хотите развить в себе актёрские таланты — мы поможем вам в этом, используя весь свой опыт, задействовав весь ваш потенциал!

Как преподаётся музыкальное мастерство в школе «АРТИС»

Обучение в нашей школе проводится известными не только в Москве, но и в России педагогами, имеющими большой опыт преподавательской и концертной деятельности. Среди них есть и заслуженные преподаватели Российской Федерации, и настоящие звёзды эстрады. И каждый из них имеет свой собственный, сформированный годами практики, взгляд на преподавание и методику обучения.

В нашей музыкальной школе вы можете заниматься как одним, так и несколькими предметами — всё зависит лишь от вашего желания. Вы можете предпочесть обучение в группе или индивидуальные музыкальные занятия, подобрать оптимальное для себя расписание и даже выбрать педагога, у которого хотели бы учиться. Мы делаем всё, чтобы обучение прошло весело и непринуждённо и не только принесло свои плоды в виде уверенных навыков игры или вокала, но и оставило приятные воспоминания у учеников.

Приходя к нам, вы можете быть уверены в том, что сэкономите и своё время, и деньги. Ведь при желании посещать несколько классов вы можете делать это в одном месте, а стоимость наших занятий, несмотря на высокую репутацию школы и его педагогов, остаётся доступной для москвичей.

Школа музыки «АРТИС» предоставляет возможность овладеть навыками игры на музыкальных инструментах и вокалом, изучить музыкальную грамоту, поучаствовать в творческих коллективах различных стилей и даже отточить актёрское мастерство, используя современные, оборудованные по последнему слову техники, классы с профессиональной аппаратурой и инструментами, высокими зеркалами и идеальной звукоизоляцией. Обучение музыке у нас будет на 100% комфортным.

наши педагоги

Лауреаты и победители множества премий и конкурсов, руководители творческих коллективов уже выпустили немало учеников, достигших высот своих наставников.

Что мы думаем о наших учениках

Мы не ждём от своих учеников покорения великих вершин. Многие люди приходят к нам, потому что хотят научиться петь или играть на музыкальных инструментах, что называется, для себя, и мы уважаем их решение и ценим их старания, преподавая искусство для них максимально доступно и просто.

Это относится и к детям. Не все они станут музыкантами, пройдя курс обучения игре на клавишных, духовых или ударных инструментах. Но в каждом из них свет музыки оставит свой след, они станут увереннее, смогут развить скрытые таланты и способности, даже не связанные с музыкой. Они станут раскрепощённее, честнее и смелее — вот что мы гарантируем. Остальное — решение остановиться на начальном уровне или продолжать — только их дело. И мы не собираемся никого неволить. Музыка не терпит насилия.

Но если вы уверены в том, что музыкальная карьера — это то, что вам нужно в жизни, если вы хотите играть не просто «для себя», а по велению сердца и жить этим, тогда наши педагоги с радостью помогут вам развить ваши способности до профессионального уровня. Они разработают для вас персональную систему обучения, предусмотрев все нюансы: ваш уровень мастерства на сегодняшний день, особенности игры и многое другое, и обеспечат чуткую и профессиональную помощь на нелёгком пути к мечте.

Наш взгляд на результат

Несмотря на то, что наша музыкальная школа посещается люди с разным уровнем подготовки и различными целями:

от маленьких детей до взрослых;
от тех, кому игра на инструментах или вокал нужны для себя, до тех, кто без музыки каждый день не представляет своей жизни;
от тех, кто хочет овладеть азами или повысить своё мастерство, до тех, для кого каждодневное совершенствование в музыкальном искусстве — цель жизни,

мы стремимся сделать занятия для всех своих учеников волнующими, захватывающими и полезными.

И не потому полезность оказалась последней в списке результатов, что она для нас менее важна, а потому, что мы — сами влюблённые в музыку навсегда — знаем: без любви не бывает музыки. И поэтому мы хотим, чтобы наши ученики в первую очередь любили её.

А для того чтобы все наши ученики могли в должной степени отточить свои навыки и почувствовать себя более уверенно с инструментом, наша музыкальная школа регулярно организует концерты и мастер-классы.

Мы знаем, что не бывает людей, глухих к музыке, не способных её почувствовать, «лишённых музыкального слуха». Мы уверены: необходимо лишь попробовать, и каждый человек сможет открыть в себе источник бесконечного вдохновения, рождённого этим восхитительным миром самой тонкой из всех материй.

Просто поверьте в себя так, как верим в вас мы, и всё получится!

Логотип для музыкальной группы 3️⃣ 3️⃣ идеи дизайна логотипа — WeLoveBrands

История создания логотипов музыкальных групп полна парадоксов. Одни не делали акцент на использовании логотипа в оформлении конвертов альбомов и рекламных афиш. К примеру, у самой известной рок-н-ролл группы The Beatles в арсенале визуальных средств был выразительный логотип, но использовала его группа на небольшой части альбомов.

Другие же, наоборот, активно использовали фирменный знак для привлечения аудитории и повышения продаж. Так, американские представители глэм-рока Kiss были далеко не самыми выдающимися музыкантами. Но залогом успешных продаж альбомов и забитых концертных залов в первую очередь был их неоднозначный логотип.

Дизайнеры студии WeLoveBrands обладают знаниями и опытом, достаточными для создания уникальных фирменных знаков. И если вам нужен интересный музыкальный логотип, позвоните нам по телефону или напишите сообщение в чате.

Логотип исполнителя — главный элемент узнаваемости

Знаток музыкальной символики с первого взгляда на альбом или постер сможет определить, к какому стилю относится исполнение группы, ведь типографика хард-энд-хэви никогда не попадет на альбом диско-группы.

Логотип влияет на узнаваемость группы, повышает лояльность и доверие. Это важная часть имиджа любого артиста. Ведь визуальный образ – это часто первое, на что обращают внимание люди при знакомстве с личным брендом.

То есть, фирменный знак выполняет такие задачи:

Узнаваемость. Уникальные лого позволяют заметить диск любимой группы среди тысяч других. Можно также не читать информацию на билборде, чтобы понять, какая группа приезжает с концертом в ваш город.

Идентификация. Эмблема музыкантов работает, как маркер «свой-чужой». Поклонник шансона не станет брать в руки альбом с готическим шрифтом на обложке.

Привлечение внимания. Сильное лого наряду с интересным дизайном обложки обязательно привлекут внимание любителя музыки.

Стимуляция интереса. Оригинальный логотип — сам по себе произведение искусства. Он является дополнительным стимулом для покупки альбома.

Повышение лояльности. Фирменный знак культовой группы повысит лояльность и доверие к исполнителю. Это, в свою очередь, стимулирует желание посетить концерт, купить новый альбом или посмотреть очередной клип на YouTube, а также быть вовлеченным в деятельность группы в социальных сетях.

Увеличение продаж. Стильные логотипы продают не только альбомы и билеты на концерт. Продажи футболок, кепок, чашек, постеров, сумок со знаменитой символикой обеспечивают значительную часть доходов музыкального бизнеса.

В 2021 году музыка — это в первую очередь бизнес. Логотип призван решать и музыкальные, и маркетинговые задачи: сформировать образ исполнителя, оставить след в музыкальной индустрии и способствовать заработку группы.

Логотип музыкальной группы: какие элементы использовать

Для лого в большей части сфер главным визуальным инструментом служит цвет. В эмблеме музыкальной группы – это шрифт. Каждому направлению характерен свой стиль начертания. При этом, шрифт зачастую говорит о жанре больше, чем само название.

Шрифты

До начала 80-х годов в элементах графики больше проявлялась индивидуальность, но позже появилось стремление к простоте. Популярные исполнители применяли — и продолжают использовать — минималистичные логотипы. Они читаемые и обладают хорошей масштабируемостью. Простые фирменные знаки можно использовать в шаблонах изображений для социальных сетей, на фирменных футболках и на билбордах.

Для представителей «тяжелых» течений характерны два стиля графики:

Использование готического или псевдоготического стиля. Такой прием любят логотипы рок-групп. Яркие примеры — группы AC/DC, Motorhead, Judas Priest. Также готические шрифты применяют некоторые панк-рок группы, например, Social Distortion.

Второй стиль более разнообразен – чаще всего можно встретить рубленые, с острыми краями, сложной формы шрифтовые логотипы. Это символы групп Iron Maiden и Metallica.

Лого групп Yes, Pink Floyd, Led Zeppelin, Queen, The Rolling Stones до сих пор удивляют своей оригинальностью и художественной выразительностью. Можно отметить хорошие результаты работы дизайнеров в создании лого для представителей поп-музыки: групп ABBA, Bee Gees, Boney M, Earth, Wind & Fire, а также сольных исполнителей Gloria Gaynor, Michael Jackson и Diana Ross.

Цвет

В лагере «металлистов» популярны различные оттенки серого и синего, а также черно-белая гамма. Довольно часто встречается красный цвет – любимец представителей агрессивных направлений, реже – оранжевый. Зеленый и желтый можно увидеть крайне редко. В легких жанрах поп-музыки ценят серебристые и золотые лого. Универсальными остаются черный и белый, они подчеркивают минимализм оформления фирменного знака.

Символы и изображения

Использование комбинированных лого, а также символов без названия встречается крайне редко и относится скорее к разряду экспериментов. Так, на одном из альбомов легендарных Led Zeppelin размещены четыре символа, придуманные каждым из музыкантов и впоследствии названные почитателями «ZoSo». Примечательно, что этому решению предшествовала долгая борьба с компанией звукозаписи. Руководство лейбла считало, что такой «анонимный» альбом не найдет дорогу к покупателю. Тем не менее он стал одним из самых продаваемых в дискографии группы и среди мировых бестселлеров всех времен.

Еще одна интересная история связана с логотипом культовых The Rolling Stones. Художник просто изобразил губы с высунутым языком, вдохновившись… очертаниями рта солиста. Символ безошибочно угадывался меломанами на протяжении длительной музыкальной карьеры группы.

Эти примеры показывают, что большая часть исполнителей добивается успеха, используя лого, созданные по правилам и канонам. А самые харизматичные и смелые ломают эти правила.

Тренды в логотипах музыкальных групп

Раньше группы подчеркивали свой стиль и индивидуальность с помощью сложных визуальных форм. Теперь в приоритете минимализм. Большинство логотипов становятся простыми, подразумевая верховенство мысли и содержания над формой. Понятные шрифты, чистый фон, минимальное использование цветов и графических элементов — создать трендовое лого могут дизайнеры студии WeLoveBrands.

Кроме того, актуально использовать в логотипах:

Анимацию. Ее можно выбрать для профилей в социальных сетях исполнителя. В интернет-пространстве в 2021 году конкуренция растет, а разнообразие форматов развивает «баннерную слепоту». Пользователи просто пролистывают ленту и не замечают бэнд. Трехмерные анимации обратят на себя внимание в рекламных кампаниях и соцсетях.
Эффект размытости. Популярно размещение надписей и названий на фигурах с эффектом распыления или на акварельном фоне. Особенно подойдет такая стилистика поп-исполнителям.
Мятный оттенок. Его использование добавит логотипу свежести и яркости.
Контрастные градиенты. Тренд использовал Spotify и другие крупные бренды. Дизайнеры дополняют неоновые оттенки более светлыми, используют пастельные тона, которые отлично впишутся в лого исполнителей поп- и электронной музыки.

Иногда для создания интересного фирменного знака достаточно свежего взгляда и попытки поэкспериментировать. В конце концов, всегда можно вернуться к минимализму, актуальность которого не утрачивается уже более пяти лет.

Лучшие лого украинских исполнителей

Для украинских музыкальных групп характерны логотипы с ярким национальным колоритом. На альбомах Трио Маренич уже в конце 70-х название коллектива было выполнено традиционными украинскими шрифтами.

С 90-х годов прошлого и с приходом нового столетия в украинской популярной музыке произошел количественный и качественный прорыв. Молодые амбициозные музыканты начали активно использовать национальные мотивы в музыке и визуальных формах. С фольклорными мотивами в мелодиях и использованием народных инструментов в аранжировках группы Motanka гармонирует насыщенный украинской символикой логотип.

Первые лого «метров» украинского рока – группы «Океан Эльзы» – были насыщенными и детализированными. С ростом популярности группа перешла на минималистический шрифт, а сейчас использует простую эмблему из двух букв «О.Е.».

Музыканты из «ДахаБраха» смело экспериментируют с музыкальным и визуальным материалом. Каждый альбом отмечен уникальными логотипами.

Известные логотипы западных музыкальных групп

Поклонники рок-н-ролла утверждают, что лучшее лого принадлежит австралийской хард-энд-хэви группе AC/DC. К названию группы (постоянный ток/переменный ток) можно добавить эпитет «убийственной мощности». Именно так звучит их музыка, и так выглядит логотип, состоящий из рубленого готического шрифта. Акцент в виде молнии, которая разделяет буквы, еще больше усиливает накал. Особенно эмоционально знак выглядит в красно-черном исполнении.

Популярность американской группы KISS обусловлена их сценическим макияжем, костюмами, поведением на сцене, и, конечно, эффектным логотипом из букв КІ и двух S, оформленных в виде молний. До сих пор остается вопрос: намеренно ли создатели использовали в лого молнии, совпадающие с эмблемой нацистской секретной службы СС. Неоднозначность логотипа добавила группе скандальной славы и вывела ее в лигу монстров рока.

Суровый черно-белый логотип Metallica дополняют характерные буквы М и А, выполненные в виде гарпунов или молний.

Фирменный знак Van Halen остается культовым уже 40 лет со дня создания. Стилизованные под орла, расправившего крылья, буквы «VH» придают лого энергию и динамику.

Логотип Queen украшает насыщенный смысловыми элементами герб. Он состоит из гигантского феникса, сидящего на крабе, двух львов, стилизованной буквы Q, короны и двух фей. Логотип разработал фронтмен группы Фредди Меркьюри, который закончил высшую художественную школу. Композиция относит к знакам зодиака участников группы.

Логотип для музыкальной группы: где заказать и по какой цене

В 2021 году музыка — это прежде всего бизнес, который диктует свои законы. Некачественный, неэффективный логотип может разрушить имидж музыканта и повлиять на объемы продаж. Поэтому ответственно подходите к разработке лого.

Популярные способы создания лого:

В онлайн-сервисе или графическом редакторе. Платформы и программы позволят бесплатно или за небольшую плату разработать лого. Преимущественно в онлайн-сервисах доступны шаблоны, а также допускается возможность разработки эмблемы с нуля.

Плюсы: дешево.

Минусы: вряд ли удастся создать уникальный логотип, если вы не владеете профессиональными навыками.

Заказ эмблемы у фрилансера. Данный способ часто выбирают основатели стартапов. Важное правило при заказе лого у фрилансера: уточняйте, работал ли он с вашей сферой бизнеса, а также просите показать портфолио работ. Разработка лого у фрилансера стоит около 2000₴.

Плюсы: дешевле, чем в агентстве.

Минусы: можно попасть на специалиста низкой квалификации.

Квалифицированная разработка в дизайн-агентстве. Это самый надежный и эффективный способ. Разработка логотипа в студии происходит в команде, число участников процесса часто достигает десяти. Специалисты проводят многоэтапное исследование, а эмблема создается на основе полученных данных. Стоимость разработки в агентстве составляет от 150$ и зависит от сроков, сложности проекта, количества предварительных вариантов и возможных правок.

Плюсы: гарантия качества. Лого создается не с учетом красивой картинки. Перед его разработкой проводят исследования целевой аудитории, конкурентов, потребительских предпочтений и привычек.

Минусы: цена может показаться высокой.

Специалисты дизайн-студии WeLoveBrands тщательно изучат стиль, жанр и характер музыки перед тем, как приступить к работе. Знание трендов в дизайне логотипов и понимание воздействия цвета на потребителей помогут нашим дизайнерам создать уникальный логотип для музыкальной группы. Воплотим в реальность смелую идею? Свяжитесь с нами по номеру телефона или напишите в чате на веб-сайте и получите подробную консультацию.