Периодизация эпохи барокко: 18 Эпоха барокко

Эпоха Возрождения: Проторенессанс, раннее, высокое и позднее Возрождение | by Dana Markova | Dana Markova

История искусств #8

Возрождение, или Ренессанс — имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению и Новому времени.

Возрождение возникло в Италии — его первые признаки появились ещё в XIII-XIV вв. Но твёрдо оно установилось с 20-х годов XV в., а к концу XV в. достигло своего наивысшего расцвета.

В других странах Возрождение началось значительно позже. В XVI в. начинается кризис идей Возрождения, следствие этого кризиса — возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи Возрождения

Периоды истории итальянской культуры принято обозначать названиями столетий:

• Проторенессанс (дученто) — 2-я половина XIII в.-XIV в.
• Раннее Возрождение (треченто) — начало XV-конец XV в.
• Высокое Возрождение (кватроченто) — конец XV-первые 20 лет XVI в.
• Позднее Возрождение (чинквеченто) — середина XVI-90-е годы XVI в.

Для истории итальянского Возрождения решающее значение имел глубочайший перелом в сознании, взглядах на мир и человека, который относится к эпохе коммунальных революций 2-й половины XIII века.

Именно этот перелом открывает новый этап в истории западноевропейской культуры. Связанные с ним принципиально новые тенденции нашли свое наиболее радикальное выражение в итальянской культуре и искусстве так называемой «эпохи Данте и Джотто» — последней трети XIII века и двух первых десятилетий XIV-го.

В становлении Возрождения свою роль сыграло падение Византийской империи. Перебравшиеся в Европу византийцы привезли с собой свои библиотеки и произведения искусства, не известные средневековой Европе. В Византии никогда не порывали и с античной культурой.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма — общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. В середине XV в. было изобретено книгопечатание, которое сыграло важную роль в распространении новых взглядов по всей Европе.

Человек эпохи Возрождения

Человек эпохи Возрождения резко отличается от средневекового человека. Для него характерна вера в мощь и силу разума, преклонение перед необъяснимым даром творчества.

Гуманизм выставляет в центр внимания мудрость человека и ее достижения, как высшее благо для разумного существа. Собственно это и приводит к бурному расцвету науки.

Гуманисты считают своим долгом активно распространять литературу античных времен, ведь именно в познании они видят подлинное счастье.

Одним словом, человек эпохи Возрождения пытается развиваться и улучшать «качество» индивида посредством изучения античного наследия, как единственного основания.

А интеллект в этом преобразовании занимает ключевое место. Отсюда возникновение различных антиклерикальных идей, часто выступающих необоснованно враждебно к религии и церкви.

Проторенессанс является предтечей Возрождения. Он ещё тесно связан со средневековьем, с византийскими, романскими и готическими традициями.

Делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию.

Для искусства проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, светскость (в отличие от искусства Средневековья), появление интереса к античному наследию (свойственного искусству эпохи Возрождения).

У истоков итальянского Проторенессанса стоит работавший во второй половине XIII века в Пизе мастер Никколо. Он стал основателем школы скульптуры, просуществовавшей до середины XIV века и распространившей свое внимание по всей Италии.

Конечно, многое в скульптуре пизанской школы еще тяготеет к прошлому. В ней сохраняются старые аллегории и символы. В рельефах отсутствует пространство, фигуры тесно заполняют поверхность фона. И все же реформы Никколо значимы.

Использование классической традиции, акцентировка объема, материальности и весомости фигуры, предметов, стремление внести в изображение религиозной сцены элементы реального земного события создали основу для широкого обновления искусства.

В 1260–1270 годах мастерская Никколо Пизано выполняла многочисленные заказы в городах средней Италии.
Новые веяния проникают и в живопись Италии.

Подобно тому, как Никколо Пизано реформировал итальянскую скульптуру, Каваллини заложил основу нового направления в живописи. В своем творчестве опирался на позднеантичные и раннехристианские памятники, которыми в его время был еще богат Рим.

Заслуга Каваллини состоит в том, что он стремился преодолеть плоскостность форм и композиционного построения, которые были присущи господствовавшей в его время в итальянской живописи”византийской” или”греческой” манере.

Он вводил заимствованную у древних художников светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм.

Однако со второго десятилетия XIV века художественная жизнь в Риме замерла. Ведущая роль в итальянской живописи перешла к флорентийской школе.

Флоренция в течение двух столетий была чем-то вроде столицы художественной жизни Италии и определяла главное направление развития ее искусства.

Но самым радикальным реформатором живописи был Джотто ди Бондоне (1266/67–1337).

В своих работах Джотто подчас достигает такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения.

Трактуя евангельские эпизоды как события человеческой жизни, Джотто помещает его в реальную обстановку, отказываясь при этом от соединения в одной композиции разновременных моментов. Композиции Джотто всегда пространственны, хотя сцена, на которой разыгрывается действие, обычно не глубока. Архитектура и пейзаж в фресках Джотто всегда подчинены действию. Каждая деталь в его композициях направляет внимание зрителя к смысловому центру.

Еще одним важным центром искусства Италии конца XIII века — первой половины XIV века была Сиена.

Искусство Сиены отмечено чертами утонченной изысканности и декоративизма. В Сиене ценили французские иллюстрированные рукописи и произведения художественных ремесел.

В XIII-XIV столетиях здесь был воздвигнут один из изящнейших соборов итальянской готики, над фасадом которого работал в 1284–1297 годах Джованни Пизано.

Для архитектуры проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие.

Представитель: Арнольфо ди Камбио.

Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства.

Представитель: Никколо Пизано, Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио.

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм.

Представители: Джотто, Пьетро Каваллини, Пьетро Лоренцетти, Амброджо Лоренцетти, Чимабуэ.

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры.

Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессанского реализма, существенно отличавшегося от того”реализма деталей”, который был характерен для готизирующего искусства позднего треченто.

Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма.Они героизируют и возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности.

В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса.

То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях.

Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений.

Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

Главным очагом раннего Возрождения была Флоренция. Флорентийская культура первой половины и середины XV века разнообразна и богата.

Для архитектуры раннего Возрождения характерна логика пропорций, форма и последовательность частей подчинены геометрии, а не интуиции, что было характерной чертой средневековых сооружений

Представитель: Палаццо Ручеллаи, Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти.

Для скульптуры этого периода характерно развиватие свободно стоящей статуи, живописный рельеф, портретный бюст, конный монумент.

Представитель: Л. Гиберти, Донателло, Якопо делла Кверча, семья делла Роббиа, А. Росселлино, Дезидерио да Сеттиньяно, Б. да Майано, А. Верроккьо.

Для живописи характерно ощущение гармонической упорядоченности мира, обращение к этическим и гражданским идеалам гуманизма, радостное восприятие красоты и многообразия реального мира.

Представители: Мазаччо, Филиппо Липпи, А. дель Кастаньо, П. Уччеллo, Фра Анджелико, Д. Гирландайо, А. Поллайоло, Верроккьо, Пьеро делла Франческа, А. Мантенья, П. Перуджино.

Кульминация искусства (конец XV и первые десятилетия XVI века), преподнесшая миру таких великих мастеров как Рафаэль, Тициан, Джорджоне и Леонардо да Винчи именуется этапом Высокого Возрождения.

Сосредоточение художественной жизни Италии в начале XVI века перемещается в Рим.

Папы добивались под властью Рима объединить всю Италию, делая попытки обратить его в культурный и ведущий политический центр. Но, так и не став политической точкой отсчёта, Рим преображается на некторое время в цитадель духовной культуры и искусства Италии. Причиной этому послужила также и меценатская тактика пап, которые привлекали лучших художников в Рим.

Флорентийская школа и многие другие (старые локальные) теряли свою прежнюю значимость.

Единственным исключением стала богатая и независимая Венеция, демонстрирующая яркую оригинальность культуры на протяжении всего XVI.

За счёт постоянной связи с великими произведениями архаики, искусство освобождалось от многословия, зачастую столь характерному творчеству виртуозов кватроченто.

Художники Высокого Возрождения обрели способность опускать маленькие подробности, не влияющие на общий смысл и стремиться достичь в своих творениях гармонию и сочетание лучших сторон реальности.

Творчество характеризуется верой в неограниченность человеческих возможностей, в его индивидуальность и в рациональный мировой аппарат.

Главным мотивом искусства Высокого Возрождениявыступает образ гармонически развитого и сильного как телом, так и духом человека, который находится выше повседневной обыденности.

Так как скульптура и живопись избавляется от беспрекословного рабства зодчества, что и даёт жизнь к формированию новых жанров искусства таких как: пейзаж, историческая живопись, портрет.

В этом периоде архитектура Высокого Ренессанса набирает наибольшие обороты. Теперь все без исключения заказчики не желали видеть в своих домах и капли средневековья. Улицы Италии стали пестреть не просто роскошными особняками, а дворцами с обширными насаждениями. Надо отметить, что известные в истории сады эпохи Возрождения появились как раз в этот период.

Религиозные и общественные сооружения также перестали отдавать духом прошлого. Храмы новой застройки, как будто восстали из времен Римского язычества. Среди памятников архитектуры этого периода можно встретить монументальные здания с обязательным наличием купола.

Грандиозность данного искусства было почитаемо ещё и современниками, — так Вазари говорил о нём как о: «высшей ступени совершенства, которой ныне достигли наиболее ценимые и наиболее прославленные творения нового искусства».

Для архитектуры высокого Возраждения характерны монументальность, представительное величие, грандиозность замыслов (пришедшие из Древнего Рима), интенсивно проявившиеся в брамантовских проектах собора святого Петра и перестройки Ватикана.

Представитель: Донато Браманте, Антонио да Сангалло, Якопо Сансовино

Для скульптуры этого периода характерны героический пафос и, одновременно трагическое ощущение кризиса гуманизма. Ппрославляется сила и мощь человека, красота его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

Представитель: Донателло, Лоренцо Гиберти, Брунеллески, Лука делла Роббиа, Микелоццо, Агостино ди Дуччо, Пизанелло.

Для живописи характерна передача мимики лица и тела человека, появляются новые способы передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам.

Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан, Якопо Сансовино.

В это время происходит затмение и появление новой художественно культуры. Не вызывает потрясений и тот факт, что творчество данной поры крайне сложно и отличается преобладанием противоборства различных направлений. Хотя если не рассматривать самый конец XVI века — время вступления на манеж братьев Карраччи и Караваджо, то можно сузить всё разнообразие искусства к двум основным тенденциям.

Феодально-католическая реакция нанесла смертельный удар Высокому Возрождению, но не смогла убить мощную художественную традицию, которая формировалась на протяжении двух с половиной столетий в Италии.

Только богатая Венецианская республика, свободная и от власти Папы, и от господства интервентов, обеспечила развитие искусства в этом регионе. Возрождение в Венеции обладало своими особенностями.

Если говорить о творениях известных художников второй половины XVI века, то им ещё присущ ренессанский фундамент, но уже с некоторыми изменениями.

Судьба человека уже не рисовалась столь беззаветной, хотя отголоски темы героической личности, которая готова сражаться со злом и ощущение реальности всё же до сих пор присутствуют.

Основы искусства XVII столетия были заложены в творческих поисках этих мастеров, благодаря которым были созданы новые выразительные средства.

К данному течению относятся немногие художники, но зато именитые мастера старшего поколения, пойманные кризисом на кульминации их творчества, такие как Тициан и Микеланджело. В Венеции, которая занимала неповторимое положение в художественной культуре Италии XVI века, это направленность присуща и для художников младшего поколения — Тинторетто, Бассано, Веронезе.

Представителями второго направления являются совершенно разные мастера. Их объединяет лишь субъективность в восприятии мира.

Данное направление получает своё распространение во второй половине XVI века и, не ограничиваясь Италией, перетекает и в большинство европейских стран. В искусствоведческой литературе конца прошлого столетия именуясь «маньеризмом».

Пристрастие к роскоши, декоративности и нелюбовь к ученым изысканиям задерживали проникновение в Венецию художественных идей и практики флорентийского Возрождения.

Основные характерные черты творчества живописцев, скульпторов, архитекторов Флоренции и Рима не отвечали вкусам, сложившимся в Венеции.

Здесь ренессансное искусство питалось любовью не к античности, а к своему городу, определялось его особенностями.

Синее небо и море, нарядные фасады дворцов способствовали формированию особого художественного стиля, проявлявшегося в увлечении цветом, его переливами, сочетаниями. Венецианские художники, которые были только живописцами, видели в красочности и цвете основу живописи.

Пристрастие к цвету объясняется и укоренившейся в них любовью к богатым украшениям, ярким краскам и обильной позолоте в произведениях искусства Востока.

Для второй половины XVI века характерным является и возникновение бесчисленных художественных академий. Они существенно отличаются от ранее созданных свободных кружков, которые объединяли художников, стремившихся покончить с цеховым порабощением, и занимались утверждением своего места в социальной иерархии общества. Новые превращения предоставляют им статус общественных учреждений, который обладают правом самостоятельно руководить художественной жизнью.

Для архитектуры позднего Возраждения характерны эксперименты с формами, разработкой и комбинированием античных образов, усложнение деталей, изгиб, преломление и прерыв архитектурных линий, затейливая орнаментация, большая плотность колонн, полуколонн и пилястр в пространстве. Подчеркивается более свободное соотношение пространства и материи.

Представитель: Микеланджело, Джакомо Бароцци да Виньола, Андрее Палладио.

Для живописи характерны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции.

Представители: Пармиджанино, Понтормо, Бронзино.

Коперник — произвел первую революцию в научном мире, став автором гелиоцентрической системы мира.

Торунь: дом, где родился Коперник

Николай Кузанский — один из виднейших немецких мыслителей. Кузанский был универсальным ученым и энциклопедистом. Он отстаивал идеи неоплатонизма, считая смыслом философии соединение противоположностей в Едином.

Леонардо Бруни — итальянский гуманист, историк и писатель, а также выдающийся ученый своего времени. Он написал биографии Данте и Петрарки. Бруни видел в безграничных творческих возможностях человека смысл философии эпохи Возрождения.

Галилей стал основателем экспериментальной физики. Он впервые использовал телескоп в научных целях, сделав ряд важнейших астрономических открытий.

Доменико Тинторетто. Портрет Галилео Галилея, 1605–1607

Джордано Бруно был признан еще своими современниками одним из самых крупных мыслителей эпохи Возрождения. Его философия и многочисленные трактаты привели к конфликту с католической церковью. Бруно многим известен тем, что за свои научные и философские воззрения был приговорен к казни и сожжен на костре в Риме.

Мишель Монтень — французский философ эпохи Возрождения и автор известной книги «Опыты». Он одним из первых выступил против использования жестокости в педагогике.

Мартин Лютер — выдающийся немецкий богослов и реформатор. Стал родоначальником Реформации, которая привела к возникновению крупнейшего христианского движения — протестантизма. Именно Реформация во многом предопределила развитие Европы после эпохи Возрождения.

Других представителей философии эпохи Возрождения мы лишь перечислим: Марсилио Фичино и Лоренцо Валла, Джаноццо Манетти и Жан Боден, Томмазо Кампанелла и Никколо Макиавелли.

В эпоху Возрождения литература условно разделилась на два типа: народную поэзию и античную книжность. Именно это соединение породило такие удивительные, полуфантастические и поэтично-аллегорические произведения, как «Дон Кихот» Мигеля де Сервантеса и «Гаргантюа и Пантагрюэле» Франсуа Рабле.

Важно подчеркнуть, что именно тогда начинает четко проглядываться понятие национальной литературы, в отличие от средних веков, когда латынь была единым уделом всех писателей.

Становятся чрезвычайно популярными драма и театр, а наиболее известными драматургами — англичанин Уильям Шекспир (1564–1616, Англия) и испанец Лопе де Вега (1562–1635).

Слева- единственное известное достоверное изображение Шекспира — гравюра из посмертного «Первого фолио» (1623) работы Мартина Друшаута. Справа- Лопе де Вега

Если говорить о литературе Возрождения, то она начинается с гениального Данте Алигьери (1265–1321). Написав «Божественную комедию» он, по сути, раскрыл сущность человека своего времени.

Ад. Сандро Боттичелли (Ватиканская апостольская библиотека)

Франческо Петрарка (1304–1374) в своих сонетах воспевает самоотверженную любовь, как смысл жизни. Для него богатство внутреннего мира человека немыслимо без подлинной любви.

Во многом литература эпохи Возрождения была предопределена новеллами Джованни Боккаччо (1313–1375), трактатами выдающегося Никколо Макиавелли (1469–1527), поэмами Лудовико Ариосто (1474–1533) и Торквато Тассо (1544–1595).

Эти представители Ренессанса стали в один ряд с признанными классиками древнегреческого и древнеримского периода истории.

Исторические эпохи по порядку. Эпохи в искусстве по порядку

Исторические эпохи по порядку. Эпохи в искусстве по порядку

Историческая периодизация — незаменимая вещь как в науке, так и в повседневной жизни. Есть несколько эпох, которые охватывают определенные периоды времени. Их имена были придуманы совсем недавно, после того, как человек смог ретроспективно проанализировать, оценить и разделить прошлые события на фазы. Теперь по порядку пройдемся по всем эпохам, узнаем, почему они были названы именно так и как они характеризуются.

Содержание

• 1 Почему существует историческая хронология?
• 2 Античный период
• 3 Средние века
• 4 Ренессанс
• 5 Барокко
• 6 Классицизм
• 7 Романтический период
• 8 Просвещение
• 9 Новейшее время
• 10 Краткие итоги
• 11 Искусство: эпохи в хронологическом порядке
• 12 О чем расскажет перо… У истоков письменной речи
• 13 Средние века и эпоха Возрождения
• 14 Формирование строгих канонов
• 15 Сентиментализм и романтизм
• 16 Реализм и модернизм, а также современная литература
• 17 Изобразительное искусство

Почему существует историческая хронология?

Этот метод был разработан исследователями неспроста. Во-первых, каждый отдельный период характеризуется определенными культурными тенденциями. У каждой эпохи свое мировоззрение, мода, структура общества, тип бизнеса и многое другое. Рассматривая по порядку эпохи человечества, можно также обратить внимание на то, что для каждой из них характерны отдельные виды искусства. Это музыка, живопись и литература. Во-вторых, в истории человечества действительно были так называемые поворотные моменты, когда мораль кардинально менялась, устанавливались новые законы. Это, конечно, повлекло за собой смену страстей, проявившихся в искусстве. На такие изменения могли повлиять революции, войны, научные открытия, учения великих философов и церковных лидеров. А теперь, прежде чем мы рассмотрим все исторические эпохи по порядку, отметим, что в последнее время в нашем обществе произошли столь радикальные изменения. Научно-технический прогресс полностью изменил наше понимание общения, источников информации и даже работы. И причина тому — Интернет, без которого десять лет назад все обходились, а сегодня он является частью жизни каждого.

Античный период

Мы оставим в стороне историю первобытного общества, поскольку единой идеологии в то время, религии или хотя бы одной системы письма просто не существовало. Поэтому, если рассматривать эпохи человечества по порядку, они начинаются именно с античного периода, потому что в это время появились первые государства, первые законы и обычаи, а также искусство, которое мы до сих пор изучаем. Период начался примерно в конце восьмого века до нашей эры и длился до 476 года, даты падения Римской империи. В это время появилась не только политеистическая религия с четкой фиксацией всех божеств, но и система письма — греческая и латинская. Также в этот период в Европе зародилось такое понятие, как рабство.

Средние века

Даже если школа учитывает эпохи, особое внимание уделяется изучению средневековья. Период начался в конце V века, но даты его окончания, даже приблизительной, не существует. Одни считают, что он закончился в середине 15 века, другие считают, что средневековье длилось до 17 века. Эпоха характеризуется огромным ростом христианства. Именно в эти годы проходили великие крестовые походы. Вместе с ними родилась инквизиция, истребившая всех противников церкви. В средние века возникла такая форма рабства, как феодализм, которая существовала в мире много веков спустя.

Ренессанс

эту эпоху принято выделять как отдельную, но многие историки считают, что Возрождение — это, так сказать, светская сторона средневековья. Суть в том, что в конце 14 века люди начали плакать о человечности. Некоторые древние правила и обычаи вернулись, инквизиция постепенно отказалась от своих позиций. Это проявлялось как в искусстве, так и в поведении общества. Люди стали ходить в театры, там был многовековой бал. Возрождение, как и античность, зародилось в Италии, и сегодня это подтверждают многочисленные памятники архитектуры и искусства.

Барокко

Если рассматривать эпохи истории человечества непосредственно по порядку, барокко, хотя и просуществовало недолго, заняло важную ветвь в развитии искусства. Ниже мы рассмотрим это более подробно, а пока отметим следующее. Эта эпоха была логическим завершением Возрождения. Можно сказать, что тяга к светским развлечениям и красоте выросла до невероятных размеров. Возник одноименный архитектурный стиль, отличающийся пышностью и вычурностью. Похожая тенденция проявилась в музыке, рисовании и даже в поведении людей. Эпоха барокко длилась с 16 по 17 век.

Классицизм

Во второй половине 17 века человечество решило уйти от этого великолепного праздника. Общество, как и искусство, которое оно создавало, было канонизировано и адаптировано к четким правилам. Классицизм стал проявляться в оформлении зданий и интерьеров. В моду вошли прямые углы, прямые линии, строгость и аскетичность. Театр и музыка, находившиеся на пике своего культурного развития, также подверглись новым реформам. Появились стили, которые направили авторов в ту или иную сторону. Ниже мы рассмотрим эпохи в искусстве по порядку и подробнее узнаем, что такое классицизм.

Романтический период

В XVIII веке люди казались зараженными манией красоты и потусторонними фантазиями. Этот период считается самым загадочным в истории человечества, эфемерным и самобытным. В обществе сложилась тенденция, согласно которой каждый человек — это отдельная духовная и творческая личность, со своим внутренним миром, переживаниями и радостями. Как правило, когда историки представляют культурные эпохи в хронологическом порядке, одно из важнейших мест отводится романтизму. В этот период, длившийся до 19 века, появились уникальные шедевры музыки (Шопен, Шуберт и др.), Литературы (знаменитые французские романы) и живописи.

Просвещение

Параллельно с романтизмом совершенствовалось само общество в искусстве. При перечислении всех эпох по порядку, Просвещение, как правило, отодвигается от классицизма. Вместе с развитием науки и искусства в конце 17 века уровень интеллекта в обществе стал расти невероятными темпами. Это выразилось в отказе от православных религиозных норм. На смену сакральным знаниям пришли логика и блестящий ум. Это сильно подорвало авторитет аристократии и правящих династий, которые во многом ссылались на помощь церкви. Эпоха Просвещения была местом рождения новой философии, основанной на математике и физике. Был сделан ряд астрономических открытий, опровергающих многие религиозные догмы. Эпоха Просвещения коснулась не только Европы, но и России, Дальнего Востока и даже Америки. В этот период во многих державах было отменено крепостное право. Также стоит отметить, что в XVIII-XIX веках женщины впервые стали участвовать в научных и государственных собраниях.

Новейшее время

Мы кратко перечислили все исторические эпохи по порядку и подошли к 20 веку. Этот период известен расцветом различных художественных течений, многочисленными переворотами и сменой правительственных режимов. Поэтому с исторической точки зрения эта эпоха называется Новейшим Временем. С начала 20 века можно сказать, что общество стало полностью равноправным. Во всем мире было искоренено рабство, между государствами были установлены четкие границы. Такие условия стали оптимальной средой для развития не только искусства, но и науки. Сейчас мы живем в эту эпоху, поэтому, чтобы изучить ее подробно, достаточно оглянуться назад.

Краткие итоги

Изложив по порядку все эпохи мировой истории, описав их, узнав, каким было наше общество в том или ином веке, мы приступаем к изучению красоты. Ведь параллельно с формированием законов и государственных границ формировалось искусство, которое для многих является главным определяющим фактором разделения истории человечества на отдельные периоды. Ниже мы по порядку представим эпохи в искусстве, охарактеризуем их и сможем сравнить четкую картину того, как формировалось наше общество с незапамятных времен. Для начала обобщим основные «эпохи», а затем разделим их на отдельные сектора. Ведь музыкальные периоды не всегда совпадают с одноименными периодами в литературе или, скажем, в живописи.

Искусство: эпохи в хронологическом порядке

• Древний период. С момента появления первых наскальных рисунков, заканчивающихся восьмым веком до н.э.
• Античность — с VIII в. До н.э до н.э до VI в. Н.э.
• Рококо — 18 век.
• Модернизм — начало 20 века.
  Следует отметить, что модерн — родовое название этой творческой эпохи. В разных странах и в разных сферах искусства сформировались свои течения, о которых мы поговорим ниже.
• Романтизм — первая половина 19 века.
• Средневековье: романское и готическое. Первые относятся к 6-10 векам, а вторые — к 10-14 векам.
• Эклектика — вторая половина 19 века.
• Возрождение — знаменитый XIV-XVI век.
• Барокко — 16-18 век.
• Классицизм. Он формировался на фоне других направлений с 16 по 19 века.

О чем расскажет перо… У истоков письменной речи

Рассмотрим теперь литературные эпохи в хронологическом порядке: античная фаза (Античность и Восток), Средние века, Возрождение, Классицизм, Сентиментальность, Романтизм, Реализм, Модернизм и современность. Впервые литературные произведения стали появляться в Греции, Риме и странах Востока. Именно в этих силах возникла первая письменность. В античном мире стали появляться мифы: о Геракле, о Зевсе и других богах, о титанах и гигантских птицах. Позже появились первые философы, мыслители и писатели. Это Гомер, Сафо, Эсхил, Гораций. Этот жанр сейчас называют текстами, но такие рассказы часто называют достоверным историческим источником. Мир Древнего Востока славится только поучительными стихами. Однако не будем забывать, что именно в этой части мира в древние времена появилась самая важная книга человечества — Библия.

Средние века и эпоха Возрождения

Между этими периодами нет четкой границы и даже в этом нет необходимости. Действительно, в те годы, когда Европа только начинала формироваться как государственная система, у людей не было времени на искусство. Первые проявления творчества в средние века были подавлены церковью. Поэтому унаследованное нами с тех лет литературное наследие — всего лишь рыцарский эпос. Здесь можно назвать «Песнь моей стороны», «Песнь о Роланде» и «Песнь о нибелунгах». Спустя несколько веков наступает эпоха Возрождения, и такие фамилии, как Шекспир, Данте, Боккаччо, Сервантес, становятся известны миру. Их рассказы можно назвать свободными, поскольку нет четкой структуры и в центре событий находится человек и его чувства. Это главная особенность эпохи Возрождения.

Формирование строгих канонов

Когда мы перечисляем эпохи по порядку, век за веком, все становится на свои места, кроме классицизма. Кажется, что оно существует вне времени, пространства, на фоне других течений. С тех пор, как классика стала основой творчества европейских авторов, в написании литературных произведений появилось множество моделей. Они были четко разделены на жанры: ода, сатира, трагедия, комедия, эпос, басня. Можно сказать, что с тех пор установлены границы творчества, которыми мы пользуемся и сегодня (хотя бы обратите внимание на кино).

Сентиментализм и романтизм

Эти две тенденции, кажется, дополняют друг друга. Они известны своими романами, в которых описываются переживания, настроения, вкусы и интересы персонажей. Среди авторов романтизма красными буквами указаны такие имена, как Бальзак, Диккенс, Гофман, Виктор Гюго, сестры Бронте, Марк Твен, У. Скотт и многие другие. В последние годы романтизма работали такие авторы, как Оскар Уайльд и Эдгар Аллан По. Их рассказы уже лишены сентиментальности, но полны глубокой философии.

Реализм и модернизм, а также современная литература

На рубеже XIX и XX веков в литературе появилось много направлений. В нашей стране они получили название Серебряного века, в других просто назывались в стиле того или иного произведения. Самыми популярными стали символизм и декаданс. Представителями этих течений стали такие авторы, как Верлен, Бодлер, Рембо, Блок. Акмеизм был очень популярен в России. Его главным представителем была Анна Ахматова. С тех пор литература стала максимально реалистичной. Люди отказались от внутренних переживаний и иллюзий. С начала ХХ века до наших дней авторы описывают каждое событие с максимально реалистичной точки зрения, учитывая все новшества прогресса.

Изобразительное искусство

Пришло время рассмотреть по порядку все эпохи живописи. Сразу отметим, что их здесь намного больше, чем в литературе, поэтому мы коснемся каждого из них кратко и лаконично.

• Наскальная живопись.
• Искусство Древнего Египта и Ближнего Востока.
• Возрождение. Выдающиеся представители — Микеланджело, да Винчи и другие.
• В ХХ веке живопись разделилась на соцреалистическую и сюрреалистическую. Первое направление развивалось исключительно в России. Второй покорил весь мир. Это хорошо видно на картинах С. Дали, П. Пикассо и других художников того времени.
• Романтизм проявился в полотнах Делакура и Гойи.
• Критско-микенская культура.
• В конце 19 века появился импрессионизм. Ван Гог считается удивительным представителем этого, а с ним — Гоген, Лотрек Мунк и другие.
• Древние рисунки и письма.
• Средневековье: роспись готических икон и иллюстрации на религиозные темы.
• С 18 века в живописи появляется стиль барокко. Это ярко выражено в картинах Караваджо.
• Классицизм, который также сформировался в изобразительном искусстве с 16 века, нашел свое воплощение в творчестве Пуссена и Рубенса.

Поделиться:

• Предыдущая запись«Имя им легион»: значение фразеологизма, его происхождение
• Следующая записьСветлана Щелокова: биография

×

Рекомендуем посмотреть

Adblock
detector

Четыре эпохи классической музыки: краткое руководство

6 января 2022, 17:08 | Обновлено: 10 января 2022, 18:27

4 эпохи классической музыки. Рисунок: Гетти / Алами

Сиена Линтон

Учитывая многовековую историю, можно легко запутаться, когда речь заходит о различных эпохах западной классической музыки. Вот краткое руководство по четырем ключевым периодам, которые мы обычно изучаем в теории музыки: барокко, классика, романтика, 20 век и далее.

Загрузка аудио. ..

Эпоха барокко (ок. 1600–1750)

Эпоха барокко охватывает период с 1600 по 1750 год и включает в себя музыку Баха, Вивальди, Франчески Каччини, Генделя и Перселла.

Эпоха была насыщенной для музыкального развития. Композиторы и музыканты экспериментировали с новыми музыкальными стилями и различными способами записи своей музыки. Они также начали договариваться о системе настройки инструментов, которая облегчала совместную игру.

Одним из наиболее характерных элементов музыки эпохи барокко является клавесин, ранний клавишный инструмент, для создания характерного звука которого использовались струны.

Эпоха барокко также породила новые музыкальные стили, представив концерт, сонату и оперу. В моде были танцевальные сюиты, вдохновленные танцевальной музыкой, но на самом деле предназначенные для прослушивания.

Импровизация распространена в музыке барокко. Композиторы часто не указывали направления исполнения, позволяя исполнителю на месте придумывать собственную динамику, фразировку и орнаменты.

Некоторая музыка в стиле барокко может быть довольно сложной, когда одновременно воспроизводится более одной мелодии, также известной как полифония. Это характерно для большей части клавишной музыки того времени и встречается во многих самых популярных произведениях Баха.

Подробнее: 10 лучших композиторов эпохи барокко

Инструменты стали группироваться более стандартными способами в эпоху барокко, создав первые версии современного оркестра. Духовые и духовые инструменты имели ограниченный диапазон и могли играть только в определенных тональностях. Эпоха барокко также является домом для некоторых инструментов с чудесными названиями, таких как мешковина и колесная лира.

Классическая эпоха (1750–1830)

Мы используем термин «классическая музыка» (маленькая «до») как общий термин для западной инструментальной, оркестровой и хоровой музыки. Но классическая эпоха (большая до) конкретно относится к музыке, написанной между 1750 и 1830 годами.

Музыку классической эпохи иногда даже называют «венским классицизмом». В то время город был оживленным центром музыкальной жизни, здесь жили Глюк, Гайдн, Сальери, Моцарт, Бетховен и Шуберт.

В развитии музыкальных инструментов в классический период были сделаны большие скачки. Клавесин был заменен фортепиано как самый распространенный клавишный инструмент и больше не был музыкальной основой оркестра. Вместо этого классические оркестры были гораздо больше похожи на те, которые мы знаем и любим сегодня, с кларнетами, гобоями, флейтами, валторнами и трубами, присоединяющимися к струнам, чтобы создать гораздо более богатый звук.

С появлением более продвинутых инструментов, способных лучше воспроизводить сольные партии, больше внимания стало уделяться мелодии. Композиторы стали более конкретными в том, как исполнялись их произведения, записывая инструкции по динамике и орнаментам.

Сонатный и симфонический стили процветали вместе с новой формой струнного квартета.

Популярность сольных инструментальных концертов выросла, поскольку концерта гросси (концерты для более чем одного солиста) стали менее распространенными. Однако форма sinfonia Concertante оставалась популярной, ее отстаивали Жозеф Болонья, Шевалье де Сен-Жорж и Моцарт.

К концу классической эры музыкальные стили начали изменяться. Бетховен возвестил новую эру романтизма, бросив вызов традициям, переданным его учителем Гайдном, и став более амбициозным и изобретательным.

Подробнее: 10 лучших композиторов классической эпохи

Эпоха романтизма (ок. 1830–1900 гг.)

Несмотря на свое название, эпоха романтизма не известна своей романтикой. Композиторы того времени писали все более эмоциональную и насыщенную музыку, вдохновленную природой, литературой и поэзией.

Наряду с Бетховеном многие другие немецкие композиторы были на переднем крае жанра, включая Брамса, Феликса и Фанни Мендельсон, Карла Марию фон Вебер, Роберта и Клару Шуман.

Подробнее: Кем была Фанни Мендельсон, незамеченный композитор, чья музыка была опубликована под именем ее брата?

Все еще твердо придерживаясь тональности, композиторы по большей части начали экспериментировать с более хроматическим письмом, заимствуя ноты из других тональностей для создания более интересных и смелых гармоний.

Дальнейшее усовершенствование инструментов позволило увеличить виртуозность и создать более длинные и сложные фразы. И композиторы стали писать больше новых музыкальных форм, таких как симфонические поэмы, песенные циклы, ноктюрны и арабески.

Оркестры процветали в эту эпоху, резко увеличиваясь в размерах до 120 музыкантов, которых призвал Вагнер. Звук, воспроизводимый симфоническими оркестрами, был богаче, чем когда-либо прежде, с виртуозным письмом и расширенным диапазоном инструментов на обоих концах гаммы благодаря добавлению пикколо и кларнетов ми-бемоль в верхнем регистре, а также инструментов с низкими медными духовыми, такими как тромбоны и тубы. на нижнем конце.

Композиторы-романтики черпали вдохновение везде, где могли его найти, и многие начали писать «программную музыку» — музыкальные описания истории или обстановки, такие как «Пасторальная» симфония № 6 Бетховена, описывающая сельские сцены. Многие также были вдохновлены на написание музыки о своей родине, например, « Finlandia » Сибелиуса или набор из шести программных симфонических стихотворений Сметаны « Má vlast », что означает «Моя родина».

Подробнее: 10 лучших композиторов-романтиков в истории классической музыки

Шедевры из Зала славы Classic FM: Пасторальная симфония Бетховена

Пасторальная симфония Бетховена в исполнении Шанхайского симфонического оркестра — 上海交响乐团 🌳🎶 Какое ваше любимое симфоническое произведение? Убедитесь, что вы проголосовали за него в опросе Зала славы Classic FM в этом году. Зал славы Classic FM 2021 | Проголосуйте сейчас 👉 clssicfm. co/HOF21

Опубликовано Classic FM в пятницу, 12 февраля 2021 г.

Ближе к концу эпохи композиторы продолжали экспериментировать и раздвигать границы. Их музыка становилась все более бросающей вызов жанру до тех пор, пока примерно на рубеже веков классическая музыка не претерпела одно из самых больших изменений на сегодняшний день.

20 век и далее (1900-е и далее)

На рубеже веков музыкальные стили под «классическим» зонтиком начали диверсифицироваться и дробиться на поджанры больше, чем когда-либо прежде. Разделяющий политический климат во всем мире и огромные технологические достижения побудили композиторов создавать новые музыкальные стили в ответ на их обстоятельства.

Эпоха классической музыки 20-го века ознаменовалась рождением модернизма, импрессионизма, сериализма и минимализма, дальнейшим влиянием неклассических стилей, таких как джаз, и даже экспериментами с записанным звуком.

Глобальная политика 20-го века, особенно в Европе, оказала большое влияние на музыкальное творчество западных композиторов-классиков. Советский и нацистский режимы возлагали большие надежды на композиторов своей страны, занося в черный список тех, кто им не соответствовал. Композиторы, такие как Хиндемит и Шостакович, писали музыку, изобилующую политическим подтекстом, будучи вынуждены писать в стилях, которые их правительства считали «приемлемыми», чтобы избежать преследований.

Подробнее: 10 лучших композиторов ХХ века

Подробнее: Дмитрий Шостакович: Симфония №5 ре минор

В 20-м веке в творчестве некоторых композиторов также произошел полный отход от тональности: Шенберг разработал свою 12-тональную систему для композиции, а не придерживался традиционных тональностей. Эту систему продолжили два его ученика, Берг и Веберн.

Музыка, составленная с использованием математических элементов случайного выбора нот и ритмов, также известная как «музыка процесса», стала популярной у Джона Кейджа, Карлхайнца Штокхаузена, Филипа Гласса и Стива Райха.

Подробнее: Как я писал… Аплодисменты – Стив Райх

Такие композиторы, как Малер, Штраус и Сибелиус, обозначили переход от эпохи романтизма к ХХ веку, экспериментируя с популярными симфоническими формами и продвигая границы. Тем временем Дебюсси находился во Франции, культивируя начало импрессионистского движения, хотя и отвергал этот термин.

К концу века и в начале 21 века музыка из фильмов и видеоигр приобрела популярность, а такие композиторы, как Джон Уильямс, Ханс Циммер и Нобуо Уэмацу, провозгласили новую эру оркестровой и хоровой музыки.

Периодизация искусств — что такое период? — Периоды, произведения искусства, барокко и качества

Историки искусства и философы-эстетики используют несколько способов группировки мирового искусства в системы классификации, известные как периоды . Периодизация подразделяет непрерывный поток произведений искусства во времени и пространстве на группы. Группы периодов определяются восприятием того, что произведения искусства в них имеют одно качество или набор значимых качеств. Значимые качества могут включать формальные, стилистические, иконографические, тематические или другие аспекты искусства. Более того, группировки периодов дополнительно определяются восприятием того, что качество или качества, которыми определяется каждая группировка, являются отличительными.

Вместо того, чтобы быть нейтральным, периодизация организует искусство в соответствии с критическими точками зрения и объяснительными гипотезами. Определение периода отражает суждения о характере значимых связей между произведениями искусства и между искусством и его более широким контекстом. Разделение между периодами выявляет суждения о путях художественного развития или моментах художественного разъединения.

Периодизация также влияет на восприятие аудитории в соответствии с качеством или качествами, которые используются для группировки произведений искусства. Качества отдельных произведений искусства, которые считаются значимыми для того периода, более заметны для зрителей, в то время как другие качества тех же произведений искусства, как правило, упускаются из виду.

Нужна ли периодизация?

Некоторые теоретики возражают против концепции периодов как противоречащей самой природе искусства. Согласно этой точке зрения, периодизация объединяет индивидуальность художника и уникальность произведений искусства в однородность, что по своей сути является антитезой творчеству. Другие теоретики возражают против использования периодов как искажения исторического процесса. Согласно этой точке зрения, периодизация ошибочно разделяет непрерывность истории. Критики периодизации утверждают, что история должна быть написана как непрерывная хроника событий и их взаимосвязей и что основная цель написания истории искусства должна состоять в том, чтобы повысить нашу оценку уникальности отдельных произведений искусства.

Одним из таких критиков был Роджер Фрай (1866–1934). Используя названия периодов в своих критических работах, Фрай применил общий подход, который по существу неподвластен времени. В своем анализе искусства начала двадцатого века Фрай отрицал, что современное искусство было следующим элементом в цикле или последовательности периодов. Произведения искусства, по мнению Фрая, следует рассматривать как плоды независимых творческих актов и, следовательно, как принципиально неисторические. Вместо этого Фрай постулировал великую традицию, представители которой могут принадлежать к любой эпохе.

Несмотря на возражения, большинство искусствоведов и критиков использовали системы периодизации. Генрих Вельфлин (1864–1945) признавал, что время можно убедительно представить как непрерывный поток, и утверждал, что системы периодизации являются важнейшими инструментами интеллектуального понимания. Признавая, что на каком-то уровне концепция периодов изобретена, Вельфлин считал, что периодизация необходима для самосохранения ученого. Он прагматично заметил, что бесконечность образов и событий ошеломляет, если не структурировать их каким-либо образом.

Прагматическое обоснование периодизации, предложенное Вёльффлином, выходит за рамки его полезности на личном уровне. Периодизация отстаивается как необходимость в образовательной предприятия, включая общественные программы, курсы в колледжах и университетах и ​​программы для СМИ. Согласно этой точке зрения, периоды предлагают учебным заведениям полезный способ упаковать информацию в темы и курсы; периоды предлагают начинающим студентам разумный способ усвоения информации; и периоды предлагают профессиональным учителям общепризнанный способ определить особую область обучения, с помощью которой можно оправдать включение в академию. Когда образование рассматривается как деловое предприятие по продаже товара, информация должна быть упакована таким образом, чтобы в той или иной степени соответствовать ожиданиям всех ее потребителей.

Широко распространено мнение, что периодизация является удобной и утилитарной схемой. В то же время продолжаются споры о том, является ли периодизация произвольной системой, которая сегментирует историческую преемственность, или встроенной структурой, раскрывающей исторический смысл. Сторонники второй точки зрения утверждают, что без периодизации наблюдения за произведениями искусства состояли бы из массы несвязанных между собой визуальных наблюдений и исторических событий. Предполагается, что с помощью периодизации не только собираются и систематизируются визуальные данные, но и могут быть выявлены соответствующие сравнения произведений искусства во времени и пространстве; визуальные традиции прошлого могут быть осмысленно описаны; а нынешние образы можно интерпретировать как логический результат прошлого. Периодизация защищается как встроенная в историю, поскольку с ее помощью можно выявить интенции, закономерности и цели, а без нее становятся невозможными некоторые виды визуального анализа и интерпретации.

Какие типы периодов используются?

В изобразительном искусстве применяются как внешние, так и внутренние периоды. Внешние модели, которые используются для категоризации и организации искусства, опираются на элементы, внешние по отношению к самим произведениям искусства, в частности, на хронологическое время и политическую историю. Большинство внешних систем классификации привязаны к четким датам, чтобы отметить точки начала и окончания. Следовательно, названия внешних периодов могут быть общими для различных дисциплин (например, период неолита).

Модели периодизации, соответствующие определенным векам и десятилетиям, являются одними из наиболее традиционных и наиболее глубоко укоренившихся систем, используемых для разделения западного искусства на группы. Эти модели приводят к знакомым периодам, таким как средневековье, ренессанс и современный период.

Дополнительные факторы, не относящиеся к самим произведениям искусства, также могут служить основой для определения периодов. Некоторые системы периодизации определяются политическими деятелями и событиями. Эти модели генерируют периоды на основе факторов, включая правление определенных правителей (как в грузинском, викторианском или эдвардианском периодах) или династий (каролингов, оттонов, тюдоров), революций (таких как французская и большевистская революции), войн (таких как Первая и Вторая мировые войны) и другие массовые мероприятия. Другие внешние модели периодизации основаны на таких факторах, как изобретения (например, изобретение письма как конечной точки «доисторического периода» или металлургии как начала «бронзового века»).

Внешние периоды могут стать внутренними факторами, которые влияют на художников и наделяют произведения искусства особыми качествами. Художники последних десятилетий девятнадцатого века сознавали свое искусство как fin de siècle, точно так же художники последних лет двадцатого века сознавали, что они создают искусство конца тысячелетия. Но ходы хронологического времени и даже события политической истории редко являются детерминантами эстетических изменений или стилистического выбора. Поскольку внешние периодизации обычно чужды искусству, многие системы периодизации группируют произведения искусства на основе факторов, присущих искусству. Различия во внешнем виде произведений искусства, изменения в производстве произведений искусства, сдвиги в целях произведений искусства и другие факторы, характерные для истории искусства, часто упоминаются как более важные основания для определения периодов. Поэтому некоторые системы периодизации считаются внутренними, а не внешними по своей природе. Внутренние периоды могут определяться как отдельными, так и комбинированными качествами, в том числе навыками (такими, как открытие ракурса, перспективы, светотени в живописи), материалами (живопись маслом, железобетон), содержанием (дадаизм, сюрреализм), формальными качествами. выбор (абстрактный экспрессионизм, кубизм). Изменения этих качеств часто объясняют изменением идеалов, интересов, убеждений и/или образа жизни артистов и публики. Таким образом, внутренние периоды коррелируют с наборами значений, которые отличаются сами по себе и предположительно или явно отличаются от наборов значений, преобладающих в предыдущие или последующие периоды. Наиболее распространенная парадигма, используемая для объяснения изменений в ценностях, считающихся нормативными для определенного периода, представляет собой постепенный процесс, в ходе которого идеи сначала предлагаются, затем полностью реализуются, позже рассматриваются амбивалентно и, в конце концов, заменяются вновь сформулированными идеями.

В отличие от внешних названий периодов, которые могут быть распространены на многие дисциплины, внутренние имена периодов обычно подходят только для нескольких областей или одной области (например, абстрактный экспрессионизм или поп-арт). Хотя они возникают непосредственно в результате изучения произведений искусства, внутренние периоды в истории искусства могут стать сложными. Примером сложности внутренних названий периодов является термин барокко. Baroque изначально был уничижительным ярлыком для форм и дизайнов, которые считались причудливыми или экстравагантными. Он применялся как отрицательная характеристика для искусства XVII и первой половины XVIII вв., последовавшего за ренессансным искусством и отличившегося от него. Позже он стал отождествляться со стилем того периода, которым восхищались за свои собственные ценности. Как период барокко приобретает пространственный характер, определяемый распространением этих характеристик на разные регионы. Считается, что это распространение произошло раньше в одних странах и позже в других, в результате чего хронологические даты периода барокко различаются в зависимости от региона. Более того, период барокко также по-разному рассматривается с точки зрения последовательности периодов. Иногда его рассматривают как последнее крупное подразделение Ренессанса, а иногда как реакцию на «классицизм» искусства эпохи Возрождения. Но барокко также появляется в географических регионах, в которых искусство эпохи Возрождения отсутствует, и поэтому иногда оно не зависит от парадигматического стиля, которым оно определяется. Наконец, барокко иногда рассматривают как набор ценностей, придающий морфологическое единство всем произведениям того периода. Эта точка зрения подчеркивает предполагаемые общие ценности, лежащие в основе произведений художников-современников, таких как Жорж де Латур, Николя Пуссен и Пьетро да Кортона, художников, которые родились с разницей в три года друг от друга. Напротив, Собор Парижской Богоматери, ок. 1900. Нотр-Дам был построен во время характерного для архитектуры периода высокой готики, который, как отмечают искусствоведы, был отмечен высокими сводчатыми потолками, ощущением плавного, непрерывного пространства и обилием света. © БЕТТМАНН/КОРБИС С другой стороны, барокко рассматривается как то, что Джеймс Акерман описал как одну из нескольких «сливающихся, перекрывающихся и пересекающихся» стилистических тенденций. Эта точка зрения подчеркивает очевидные различия в визуальных качествах одних и тех же произведений одних и тех же художников.

Сложность терминов внутреннего периода дополнительно иллюстрируется другими вариантами использования термина Барокко. Барокко используется в качестве концепции периода либо для обозначения того, что набор идеалов или ценностей пронизывал эпоху, либо для обозначения набора визуальных элементов, которые преобладали в данном пространственно-временном контексте. В то же время барокко используется как название стиля, приписывающее определенное визуальное качество, не зависящее от времени и пространства. Таким образом, термин барокко может быть применен к одному из изобразительных искусств для обозначения формальных элементов, которые были широко распространены в семнадцатом веке. Но это также может быть применено к другим культурным явлениям, таким как орган «барокко», которые имеют общий временной контекст, но не имеют формальных элементов, которыми изначально характеризовалось барокко. И это может быть применено к визуальному дизайну, созданному в отдаленных регионах в разные даты, например, к современному латиноамериканскому барочному искусству.

Сложность периодизации усугубляется конвергенцией в практическом использовании внешних и внутренних периодов. Некоторые внешние периоды отождествляются с особыми культурными и интеллектуальными установками (например, «Римская империя»), другие — с набором общих мифов и воспоминаний (1960-е годы, «годы Рейгана»), третьи — с особым эстетическим мировоззрением. «викторианская эпоха»). Поскольку они могут принимать атрибуты внутренней периодизации, термины внешнего периода могут ошибочно подразумевать, что каждый период автоматически имел отличительный и единый визуальный характер и обязательно отличался от своего предшественника или преемника.

Периодизация осложняется по крайней мере еще одним вопросом: уникален ли каждый период или могут ли периоды быть аналогичными. Мейер Шапиро (1904–1996) утверждал, что периодизация должна признавать фиксированный и неповторимый порядок событий. Однако внутренние определения периодов основаны на качествах, потенциально применимых более чем к одному периоду. Одна стратегия, которая часто используется для сохранения уникальности периода, использует двойной метод описания. Описание периода может быть определено главным образом в Благовещение (ок. 1432) работы Фра Анджелико. Панель, темпера. Критик Генрих Вельфлин (1864–1945) составил аналитическое исследование искусства, которое разделило дисциплину на три этапа на основе противоречивых визуальных концепций. Он применил свою модель к европейскому искусству эпохи Возрождения. P HOTO C REDIT : ERICH LESSING/ART RESOURCE, NY с точки зрения внутренних качеств, но может также утверждать, что эти качества полностью реализуются только во внешнем контексте определенного времени и места. Как следствие, например, многие периоды могут содержать искусство с чертами барокко, но иногда утверждается, что барокко может быть только один период.

Как меняются месячные?

Поскольку периоды с их начальным и конечным моментами предположительно отображают сдвиги в визуальном выражении, использование периодизации ставит вопросы о природе художественных изменений на протяжении длительного периода истории. На природу этих изменений обращались многие писатели, в том числе Алоис Ригль (1858–1905). Согласно Риглю, искусство всегда развивается по универсальным законам, и эти законы диктуют, что искусство всегда движется вперед, в неуклонном прогрессе. Ригль считал заключительную фазу периода необходимой стадией, потому что она формировала основу, на которой будет покоиться следующая фаза. Таким образом, окончания и начала периодов слились воедино почти без проблем.

Использование периодизации также ставит вопросы о характере изменений в течение более коротких промежутков времени. Периоды обычно подразделяются на более короткие единицы времени, призванные отслеживать внутреннюю динамику стилистического развития. Описания развития искусства через последовательные подпериоды обычно используют метафоры либо органической эволюции, либо физической механики.

Метафоры органической эволюции описывают изменения в терминах биологических процессов рождения, цветения, распада и смерти. Одним из первых и очень влиятельных искусствоведов, использовавших такую ​​метафору, был Джорджо Вазари (1511–1574). В его Жизни художников (1568 г.) Вазари прославил достижения художников эпохи Возрождения в антологии биографий. Хотя Вазари изображал жизни знаменитых художников, скульпторов и архитекторов примерно в хронологическом порядке, он разделил корпус биографий на три характерные группы. В прологах, открывающих каждый раздел, Вазари раскрывает цель своих подразделений.

Согласно Вазари, качество работ художников соответствовало относительному периоду времени, в котором они работали. Вазари Обращение святого Павла (1600–1601) работы Микеланджело Меризи да Караваджо. Холст, масло. 90–170 В эпоху Возрождения ученые и историки впервые начали делить произведения искусства на определенные единицы или периоды. © АРАЛЬДО ДЕ ЛУКА/КОРБИС поместил самых ранних художников эпохи Возрождения, таких как Чимабуэ (Бенчивиени ди Пепо) и Джотто ди Бондоне, в свою первую группу. Работы Пьеро делла Франческа и Андреа Мантенья относились ко второй категории, в то время как третья и самая последняя по времени группа включала работы Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело. Основным критерием Вазари для оценки качества произведений искусства была степень соответствия искусства природе. Таким образом, Вазари восхищался теми художниками, в том числе Чимабуэ и Джотто, которые положили начало натуралистическим стилям изображения. Он высоко оценил Пьеро делла Франческу и Мантенью за их растущую способность точно изображать природу, но Вазари воздал максимальную похвалу Леонардо, Микеланджело и Рафаэлю не только за мастерское изображение природы, но и за то, что они превосходили природу, совершенствуя ее недостатки.

Схема Вазари установила биологическую модель как способ разделения периодов и оценки качества произведений искусства. Согласно Вазари, внутренние циклы диктовали развитие искусства, и эти вечные циклы превосходили таланты любого отдельного художника. Вазари приравнивал художественное изменение к человеческому жизненному циклу, циклу, управляемому часами, неподвластными человеку. Для Вазари искусство зародилось, достигло зрелости и в конце концов умерло. Художники, которые, по описанию Вазари, превзошли саму природу и тем самым достигли высочайшего уровня художественного мастерства, были отнесены к категории роста и цветения; они олицетворяли расцвет зрелости, который в конечном итоге пришел в упадок с последующими художниками семнадцатого века.

Биологическая аналогия, использованная Вазари, веками адаптировалась и применялась в искусстве. Литературный критик двадцатого века Нортроп Фрай (1912–1991) также сравнил стилистические изменения с органическим ростом. Фрай приписывал динамику изменений необходимому процессу технического мастерства, необходимому художникам и мастерам. Он утверждал, что в любой форме искусства, включающей сложные технические знания, каждое поколение практиков должно учиться у своих старших, поскольку оно также изо всех сил пытается внедрить инновации. За фазой первоначального экспериментирования следует другая фаза зрелого развития и заключительная фаза истощения и заброшенности.

В противовес метафорам органической эволюции к периодам также применялись метафоры физической механики. Эти метафоры описывают изменения в таких терминах, как циклы, колебания, волны и маятниковые колебания. Влиятельным критиком, использовавшим циклическую модель, был Генрих Вельфлин. Вельфлин открыл фазу художественного исследования, в которой формальные качества искусства составляли первичные данные. Используя эти первичные данные, Вельфлин разработал новый метод анализа, основанный на сравнении наблюдаемых формальных качеств. Согласно Вельфлину, искусство следует циклам трех фаз: ранней, классической и барочной. Чтобы определить эти фазы, Вольфлин определил пять пар противоположных визуальных концепций, с помощью которых можно анализировать искусство: линейное и живописное; самолет против рецессии; закрытое против открытого; множественность против единства; и абсолютная ясность против относительной. Вельфлин применил свою сравнительную схему видения к европейскому искусству пятнадцатого, шестнадцатого и семнадцатого веков и связал раннее Возрождение, или кватроченто, с ранней фазой художественного цикла, Высокое Возрождение, или чинквеченто, с классической фазой цикла, а барокко с поздней или барочной фазой того же цикла.

Некоторые теоретики эстетики восемнадцатого века, в том числе Эдмунд Берк (1729–1797) и Иоганн Кристоф Фридрих фон Шиллер (1759–1805), описывали периодические изменения в терминах серии маятниковых колебаний между полярными противоположностями, такими как оптическая и тактильная, аддитивная и разделительный. В двадцатом веке Мартин Варнке (р. 1955) предложил модель пульсации, в которой за каждой эпохой классицизма следует эпоха антиклассицизма.

Указывая на недостатки метафор маятника и пульсации, Эрнст Х. Гомбрих (1909–2001) использовали диалектику классического с неклассическим. Для Гомбриха за каждой формой единства, представленной классицизмом, следует неклассицизм, т. е. распад. Но Гомбрих также постоянно подчеркивал актуальность изменяющихся функций изображений в их социальном контексте и предлагал экологическую метафору искусства. Точно так же марксисты и социальные историки искусства объясняют динамику периода в демографических и социально-экономических терминах.

Критики возражали против аналогий из биологии и физической механики. По мнению Хорста В. Янсона (1913–1982), такие аналогии являются результатом навязывания схожих критических точек зрения, а не органического единства. По Янсону, эти аналогии представляют собой не более чем жалкие заблуждения, в которых живое сознание приписывается исторической случайности. Среди других скептиков — Джеймс Акерман (р. 1919) и Джордж Кублер (1912–1996). Акерман опроверг предположение, что изменения следуют врожденной динамике. Он считал, что процесс изменений мотивирован постоянными попытками проникнуть в неизвестное. Кюблер предупредил, что изменения в течение периода часто являются результатом бесчисленных случайных сдвигов во времени, а не закономерной прогрессии.

Почему следует оспаривать принятые периодизации?

Периодизацию можно считать интеллектуально ограничительной, если она принимается как неизбежная основа истории и теории искусства, а не как повод для критического анализа и дебатов. Изменения в принятых периодизациях часто возникают, когда исследователи восстанавливают материалы, которые были проигнорированы или отклонены. Переоценки художественного корпуса, инициированные для исправления социальной несправедливости и противодействия стереотипным образам, ведут не только к расширению визуальной записи, но и к пересмотру периодизации. Изменения в принятых периодизациях также возникают, когда обнародуются новые теории искусства или когда формулируются новые визуальные стили. Вызовы существующим периодизациям могут заключаться в модификации принятой структуры или в предложении совершенно иной схемы. Конкурирующие периодизации не обязательно уменьшают их полезность или дискредитируют концепцию периодов. Вместо этого они могут подчеркивать динамику художественной сложности и выражать множественность эстетического творчества.

No related posts.