2. Архитектура барокко в Италии
Характерные черты архитектуры барокко:
— стремление к величию и пышности;
— усложнённость планов;
— стремление к созданию ансамбля, где пейзаж привлекается в качестве
основного композиционного приёма;
— преобладание пластики над тектоникой: ордер становится менее
функциональным, чем в эпоху Возрождения, на первый план выходит
декоративность;
— чрезвычайная объёмная пластичность, выразительность, эффектное
выделение порталов;
— обилие криволинейных поверхностей;
— богатство и роскошь интерьеров, широкое использование живописи,
зеркал и скульптуры.
В развитии стиля барокко выделяют периоды:
Раннее барокко
Зрелое барокко с 30-х годовXVIIвека до концаXVIIIвека.
В Италии главным заказчиком архитектурных сооружений стала церковь, прежде всего в связи с необходимостью строительства новых храмов. Здесь прослеживаются три основные причины: во-первых, после Тридентского Собора церковь стала ратовать за возврат к базиликальной схеме, более отвечающей потребностям богослужения и новой идеологии, нежели принятая в эпоху Возрождения центрическая конструкция. Во-вторых, архитектура барокко выполняла пропагандистские функции, объединяя народ с церковью и являясь оружием контрреформации. В-третьих, сама конструкция культового здания должна была организовывать и направлять внимание посетителей.
Первым образцом барокко можно
считать церковь Иль-Джезу (купольная
базилика), возведенную к 1575 году
архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола
(1507 – 1573) и Джакомо делла Порта (около
1537 – 1602) для монашеского ордена иезуитов.
Очень торжественно выглядит интерьер храма, оформленный мощными колоннами и пилястрами, многочисленными скульптурными украшениями. Обилие деталей притягивает к себе внимание вошедшего в церковь, как бы намеренно затрудняя движение к области купола, где его ждёт пространственный прорыв вверх. Всё это напоминает духовный путь человека к общению с Богом – через преодоление страстей и пороков.
Интересна композиция фасада Иль-Джезу, выполненного Джакомо делла Порта. Мастер разделил огромную плоскость стены на два яруса, оформив каждый из них ордером. Более узкий верхний ярус обрамлён по краям спиралевидными деталями – волютами (итал.voluta– «завиток») и словно перетекает вниз. Это придаёт фасаду сложный, выразительный
облик. Впоследствии такое оформление стало типичным для многих соборов и церквей в стиле барокко (появился даже термин «иезуитский стиль», относящийся к этим постройкам).
Влияние композиции Иль-Джезу испытал
Карло Мадерна (1556 – 1629), внёсший огромный
вклад в создание церковной архитектуры
барокко (напр.
его церковь Св. Сусанны
в Риме (1596 – 1603) (Рис. 2.1)). Главным делом
жизни Мадерны была перестройка собора
Святого Петра (1607 – 1617 гг.) (Рис. 2.5). К
основному зданию, возведённому ещё в
эпоху Возрождения Микеланджело, он
прибавил большой притвор, превратив
весь собор из центрического в вытянутый
базиликальный. Помещение храма получило
стремительное движение к подкупольному
пространству
Рис. 2.1
Стремление барокко к взаимодействию
с пространством отразилось в перепланировке
городов. Первым по этому пути пошел Рим.
Его перепланировка была осуществлена
главным образом в период понтификата
Сикста V(1585 – 1590), под
руководством архитектора Доменико
Фонтана (1543 – 1607). Проект предусматривал
строительство прямых магистралей,
соединяющих семь основных римских
базилик, в том числе находящихся на
окраинах города.
В эпоху раннего барокко не столько
были созданы новые типы дворцов, вилл,
церквей, сколько усилен декоративный
элемент: интерьер многих ренессансных
палаццо превратился в анфиладу пышных
покоев, усложнился декор порталов, много
внимания барочные мастера стали уделять
внутреннему двору, дворцовому саду. В
архитектуре вилл развивались те же
принципы осевого построения, что и в
градостроительстве: центральная
подъездная дорога, парадный зал виллы
и главная аллея парка по другую сторону
фасада проходят по одной оси. Гроты,
балюстрады, скульптуры, фонтаны обильно
украшают парк. Декоративный эффект ещё
больше усиливается расположением всего
ансамбля террасами на крутом рельефе
местности. Одним из самых замечательных
садово-парковых произведений XVIвека явилась вилла д`Эсте (Рис.
Рис. 2.2
Архитектура Праги. Периоды 1620 – 1745 гг. и 1745- 80 гг. Барокко, рококо.
Церковь Девы Марии Победоносной (kostel Р. Marie Vítězné). Готический облик Праги до начала XVII века не претерпел значительных изменений, несмотря на ренессансные постройки с их характерными фронтонами и фасадами. Размеры и стиль зданий всё же тяготели к средневековой готике. После победы династии Габсбургов облик города изменился; некоторые районы совершенно утратили готический характер. Стиль барокко с […]
Церковь Девы Марии Победоносной (kostel Р. Marie Vítězné).
Готический облик Праги до начала XVII века не претерпел значительных изменений, несмотря на ренессансные постройки с их характерными фронтонами и фасадами.
Размеры и стиль зданий всё же тяготели к средневековой готике. После победы династии Габсбургов облик города изменился; некоторые районы совершенно утратили готический характер. Стиль барокко с чертами итальянского маньеризма проявился в застройке Праги ещё до событий на Белой горе. В период 1611-1613 гг. на Малом Месте построили костел Пресвятой Троицы (или девы Марии Победоносной) (kostel Р. Marie Vítězné). Изначально он был предназначен для живших в этом районе лютеран, но в 1624 году его передали ордену кармелитов.
Стиль раннего барокко хорошо заметен в архитектуре Матиашовых ворот (Matyášova brána), построенных в 1614 году. Широкое распространение барокко после 1620 года можно считать символом утверждения победы католической религии в Чехии. У католической церкви и местной элиты было достаточно средств, чтобы приглашать на работу иноземных зодчих и лучших мастеров-строителей из-за границы. В Прагу прибыли Каневалле и Орси, Лураго и Каратти.
Эти зодчие, а также многие скульпторы, резчики, художники, как и строители эпохи Возрождения, навсегда остались в Праге.
Ворота Матиаша (Matyášova brána).
История повторяется. Вновь прибывшие мастера создают постройки разного плана, но все они неорганичны для Праги. Они чужды чешской столице по стилю, а главное – по размерам.
Прожив в Праге какое-то время, иностранные мастера поняли её традиции и особенности. С этого времени в городе создаются подлинные жемчужины архитектуры. В XVIII веке здесь творили Аллипранди, Сантини и Ф.М.Канька; отец и сын Динценгоферы. О красоте чешской архитектуры скоро заговорили во всей Европе; чешское барокко стало высшим уровнем европейского зодчества.
Костел св. Томаша при монастыре августинов (Kostel svatého Tomáše).
В других видах искусства тоже было создано немало шедевров. Начиная с XVII века в мире живописи и скульптуры Чехии появляются новые имена: Петр Брандл и Вацлав Райнер; Матиаш Бернард Браун и Фердинанд Максимилиан Брокоф.
Имя Игнаца Платцера-старшего чехи узнали немного позднее.
Облик столицы радикально изменился. Появились новые дворцы, были построены костёлы, разбиты сады и парки. Постройки эпохи барокко во множестве сохранились до наших дней.
Церковь Святого Николая (Kostel svatého Mikuláše).
Самой выдающейся церковной постройкой барокко признан храм на Малостранской площади — Церковь святого Микулаша (Николая) (Kostel svatého Mikuláše). Этот костёл был построен в XIII веке, а в 1735 году Килиан Динценхофер его полностью реконструировал. Его отец — Криштоф Динценгофер – работал над проектом костела святой Маргариты для бенидиктинцев в Бржевнове.
Костел св. Яна Непомуцкого на Скалце (Kostel svatého Jana Nepomuckého na Skalce).
Килиан Игнац Динценхофер создавал Костел св. Яна Непомуцкого на Скалце (Kostel svatého Jana Nepomuckého na Skalce) на Градчанах; работал над реконструкцией Костела св.
Томаша при монастыре августинов (Kostel svatého Tomáše) , строил церковь Девы Марии в монастыре альжбетинок; храм Кирилла и Мефодия (Pravoslavný chrám svatých Cyrila a Metoděje) в Новом Городе на Рессловой улице.
Кафедральный собор Святых Кирилла и Мефодия (Pravoslavný chrám svatých Cyrila a Metoděje).
Лорета (Loreta).
Великолепная Пражская Лорета (Loreta) (Лоретанский монастырь) в Градчанах и костел святого Якуба с его знаменитым органом работы Адама Старка – также относятся к самым известным барочным постройкам Праги.
Кржижовницкая площадь (Křižovnické námĕstí).
Клементинум (Klementinum).
Ярче всего новый стиль проявился в архитектуре зданий на Малой Стороне и в Градчанах. Однако в других районах столицы тоже можно найти немало зданий барокко. В барочном стиле создан ансамбль Кржижовницкой площади – его формируют фасады костела святого Сальватора (Kostel Nejsvětějšího Salvátora) и костела Святого Франциска Ассизского (Kostel svatého Františka z Assisi).
Главный символ мощи ордена иезуитов – грандиозный Клементинум – также построен в стиле раннего барокко. (Старинный Клементинум во все времена был центром культуры, образования и религии, главным оплотом католицизма.)
Церковь Святого Игнатия из Лойолы (Kostel svatého Ignáce z Loyoly).
Церковь Святой Троицы (Kostel Nejsvětější Trojice).
Церковь святой Екатерины Александрийской (Kostel svaté Kateřiny Alexandrijské).
Дом Фауста (Faustův dům).
Тройский замок (Trojský zámek).
Комплекс Инвалидовна (Invalidovna).
В стиле барокко реконструировали множество старых костёлов. А в Новом Городе были построены новые здания: костёл Св. Игнатия (Kostel sv. Ignáce); церкови Святой Троицы (Kostel Nejsvětější Trojice) и Святой Катержины (Kostel svaté Kateřiny); Дом Фауста (Faustův dům) и другие.
Строительство ведётся и на окраинах города: замок в поселении Троя (Trojský zámek) (1679-1685 гг.) напротив зоопарка; костёл Святой Маргариты; комплекс Инвалидовна (Invalidovna) между Карлином и Высочанами. Этот монументальный барочный комплекс строили в 1731 — 37 гг. Он был задуман, как общежитие для инвалидов войны. После кончины Карла VI строительство было приостановлено и первоначальный замысел архитектора Фишера фон Эрлаха не был осуществлён.
Валленштейнский дворец (Valdštejnský palác).
Первым дворцовым комплексом Праги в стиле раннего барокко стал Валленштейнский дворец (Valdštejnský palác). Генералиссимус из Вальдштейна — Альбрехт фон Валленштейн купил участок земли на Малой Стороне и нанял итальянских зодчих. Роскошный дворец в XVII веке был значительно разрушен и разграблен шведской армией, но затем полностью реставрирован.
Многие представители пражской элиты строили дворцы: Туновский (Thunovský palác) Нерудова 214, Морзинский (Morzinský palác) Нерудова 256, Чернинский (Černínský palác) Лоретанская площадь 101 и другие, по богатству и помпезности не уступающие Валленштейнскому.
Дворец Сильва Тарукки (Palác Sylva-Taroucca).
Выдающийся образец архитектуры позднего барокко – красивейший дворец Сильва Тарукки (Palác Sylva-Taroucca) На пршикопе 852 (1743-1751 гг.). Его создавали зодчие К. И. Динценгофер и Ансельмо Лураго, а лепнина фасада и украшения в стиле рококо на лестнице создавались Игнацем Платцером-старшим.
Вышеград (Vyšehrad).
Также к барочным сооружениям Праги можно отнести Вышеградскую крепость (Vyšehrad). Это древнее укрепление X века было отстроено заново в XVII веке, уже в стиле барокко. Его окружили мощной кирпичной стеной с пятистенными бастионами.
Характерные черты рококо в чешских зданиях проявились в орнаментах — «рокайль» (в форме завитков морских раковин). Образцами стиля рококо в Праге можно назвать Архиепископский дворец (Arcibiskupský palác) на Градчанах; дворец Голтц-Кинских (palác Golz-Kinských) Староместская пл.
606; замок рыцарей Турбов.
Период барокко | Музыка 101
Это чтение предоставляет удобный обзор периода барокко. Он имеет тенденцию сосредотачиваться на характеристиках позднего или «зрелого» барокко, но все же является ценным обзором.
Период барокко в европейской музыке длился примерно с 1600 по 1750 год. Ему предшествовал Ренессанс, а за ним последовал классический период. Именно во время барокко была установлена тональная система мажор / минор, которая до сих пор доминирует в западной музыке. Этот период наиболее известен сложным контрапунктом зрелого барокко, типичным примером которого являются работы Иоганна Себастьяна Баха и Джорджа Фридриха Генделя.
Историческая справка
Это был европейский период, который часто называют «эпохой разума». Блестящие умы, такие как Галилео Галилей, Иоганн Кеплер, Исаак Ньютон, Рене Декарт и Фрэнсис Бэкон, закладывали основы современной науки и математики. Впечатленные открытиями, достигнутыми в этих областях, другие влиятельные мыслители, такие как Томас Гоббс и Джон Локк, стремились применить аналогичные строгие правила наблюдения и рассуждения к философии и политологии.
Многие историки считают, что это был критический период, заставивший Европу отказаться от статичных или ретроспективных взглядов Средневековья и Возрождения и перейти к импульсу движения вперед, который неумолимо привел к нашему современному миру.
В основе большей части музыки барокко лежат дисциплина и порядок, возможно, отражающие идеалы века разума. В частности, отличительными чертами этой эпохи являются упорядоченное развитие гармонии и дисциплина сложного контрапункта. Тем не менее, композиторы эпохи барокко также проявляли очень большой интерес к выражению эмоций или «привязанностей» через музыку. Фантазии и токкаты демонстрируют свободу выражения, которая имеет очень мало общего с разумом, и нет сомнений в радости, пафосе или страсти, выраженных в большинстве самых популярных произведений той эпохи. Даже более уравновешенные религиозные произведения часто стремятся выразить аффективный элемент мистицизма или массивного величия.
Это новое исследование эмоций в музыке могло быть основано на другом важном историческом влиянии на музыку этого периода.
Раньше большинство композиторов работало в церкви, что обычно и часто сильно ограничивало их свободу экспериментировать. В период барокко, хотя церкви по-прежнему были важными работодателями для многих композиторов, дворянство стало гораздо более активным покровителем музыки, а их дворы стали важными площадками для выступлений. Таким образом, в эту эпоху наблюдался расцвет светских (нецерковных) музыкальных форм, сочинений для определенных инструментов (ранее редкость) и экспериментов — с гармонией, ритмом и формой, а также с эффектом — которые сильно и навсегда изменили музыкальный ландшафт.
Музыкальный фон, развитие и влияние
Трамплин эпохи Возрождения
Барокко — самый ранний период европейской музыки, музыка которого до сих пор широко известна. Вероятно, это связано с тем, что музыка до этого периода имеет экзотическое, незнакомое большинству современных западных слушателей звучание. Музыка средневековья была скорее модальной, чем тональной; другими словами, он не был основан на аккордах и гармониях в мажорной и минорной тональности.
Одно из самых очевидных отличий — различие, которое можно услышать, даже если вы этого не осознаете или не можете объяснить, — в средневековой музыке — это отсутствие терции, интервала, из которого строятся современные (трезвучные) аккорды. Вместо этого средневековая музыка основывалась на интервалах чистой квинты и чистой четверти. Это придает старинной музыке открытую, пустую текстуру и гармонии, незнакомые современному уху.
Именно в эпоху Возрождения терции стали использоваться чаще, особенно в стилях параллельных третей и параллельных шестых фокбурдонов. (Секстакты тесно связаны с терциями так же, как четверти тесно связаны с квинтами.)
Прослушайте фразу, сопровождаемую параллельными квинтами (гармония в средневековом стиле) и параллельными терциями (гармония в стиле барокко и модерн).
Звук барокко
Основным звучанием эпохи Возрождения были не параллельные созвучия фобурдона, а сложная полифония равных, независимых (т. е. не движущихся параллельно) голосов. Звук, наиболее тесно связанный с барокко, сохранил независимые контрапунктические голоса, но с некоторыми важными отличиями.
Самым важным изменением, как упоминалось выше, было развитие в эту эпоху тональной гармонии. Композиторы зрелого барокко использовали не только мажорные и минорные аккорды, но и использовали их в тех видах аккордовых последовательностей и каденций, которые продолжали использоваться на протяжении последующих столетий до наших дней. Это не означает, что в системе гармонии, разработанной в эпоху барокко, не было более поздних изменений; В частности, в эпоху романтизма и раннего Нового времени было много экспериментов с гармонией. Эксперименты романтического периода расширили гармонические возможности, заложенные в тональной системе; его звучание также сильно повлияло на последующее развитие, в том числе в популярной музыке.
Многие современные композиторы вообще отказались от тональной системы, стремясь заменить ее другими возможностями. Их усилия были гораздо менее влиятельными в других жанрах, вероятно, потому, что их нетональные предложения просто слишком далеки от привычного для большинства слушателей диапазона.
Другим развитием периода барокко, которое до сих пор сильно с нами, было появление басовой партии. Голоса или строки музыки эпохи Возрождения и некоторых контрапунктов в стиле барокко обычно были одинаково важны. Но в большей части музыки барокко различные части быстро теряли свое равенство. Вместо этого верхняя линия (то, что мы слышим как мелодия) и самая нижняя линия (бас) стали наиболее важными частями, а средние линии просто заполнили гармонию. Фактически, от клавесинистов часто ожидалось, что они будут импровизировать под аккомпанемент, учитывая только басовую партию с некоторыми дополнительными обозначениями. Эта структура с преобладанием мелодии и баса, с басом, очерчивающим или явно подразумевающим гармонию, по-прежнему преобладает в большинстве западных музыкальных жанров и стилей.
Как упоминалось выше, у композиторов эпохи барокко было большое разнообразие музыкальных форм. Некоторые из них, такие как контрапунктические фуги и изобретения, тесно связаны с этим периодом. Другие, в том числе фантазии, вариации, сюиты, сонаты, симфонии и концерты, оказались более влиятельными, и многие крупные композиторы использовали, развивали и экспериментировали с этими формами на протяжении более поздних эпох.
Классические отклонения и преемственность
На композиторов классического периода сильное влияние оказали идеалы Просвещения, которые решительно предпочитали «естественное» формальному, а эгалитаризм — элитарности. Придя к выводу, что сложный контрапункт барокко был слишком формальным и элитарным, они сознательно решили разработать новый стиль с более простыми, медленными гармониями и доминирующими мелодиями, за которым публике было бы легче следовать и понимать. Хотя контрапункт, конечно, не исчез из музыки, настоящий равноголосый контрапункт, столь распространенный в эпоху Возрождения и барокко, стал гораздо реже.
(Когда к музыке классического и более поздних периодов добавлялись самостоятельные голоса, они часто явно подчинялись основной мелодии.) Более простая фактура и гармония классического периода создавали настолько заметно отличающееся звучание, что даже случайный слушатель мог легко различить мелодию. типичное произведение барокко из типичного классицизма.
И все же большинство других элементов музыки барокко не были отвергнуты. Самым важным элементом, который остался, была, конечно же, тональная гармония. Тенденция подчеркивать мелодию и басовые партии была, во всяком случае, усилена в более простых структурах классического периода. Кроме того, многие формы и ансамбли, разработанные во время барокко, были приняты, развиты и расширены в классический и более поздние периоды.
Cassical Music Хронология: Музыка барокко
Конфликт между католиками и протестантами завершился Тридцатилетней Властью, опустошившей Центральную Европу. Король Людовик XIV установил абсолютную монархию во Франции, но в Англии победа парламента в Гражданской войне способствовала установлению конституционного режима.
В Северной Америке основание колоний пионеров открыло новый этап мировой истории. В конце семнадцатого века упадок Турции, рост Пруссии и победы России над Швецией изменили карту Восточной Европы.
Семнадцатый век стал свидетелем огромного излияния литературных шедевров, таких как драмы Шекспира, Мольера и Расина, поэзия Донна и Мильтона и первые романы, в том числе «Дон Кихот» Сервантеса. В искусстве и архитектуре буйная самоуверенность стиля барокко нашла свое отражение в скульптуре Бернини, картинах Караваджо и Рубенса, замке Людовика XIV в Версале и соборе Святого Павла Рена в Лондоне. Голландия, разбогатевшая за счет заморской торговли, произвела на свет художников уровня Рембрандта и Вермеера.
Изобретение телескопа и микроскопа открыло удивительные новые миры. Достижения Кеплера и Галилея легли в основу великих работ Ньютона о законах движения и тяготения. Эти открытия и другие великие достижения в области анатомии и физиологии укрепили веру в то, что человек может взять под контроль природу, и проложили путь рационализму следующего столетия.
В этот период музыка неизмеримо обогатилась как новыми вокальными формами — оперой, кантатой, ораторией, так и инструментальными формами, такими как соната и концерт. Большинство новых музыкальных идей зародилось в Италии, где Скарлатти и Вивальди были выдающимися и где гений Монтеверди продвигал оперу.
Эпоха барокко стала свидетелем триумфального возрождения католицизма, обратив вспять некоторые неудачи, имевшие место в шестнадцатом веке. В этот неспокойный период Реформация разорвала Церковь надвое, разделив Европу на конкурирующие протестантские и католические фракции; турки продолжали угрожать восточным окраинам Священной Римской империи; а сам Рим, Святой Престол, был разграблен в 1527 году.
Папство отреагировало на эти бедствия не в духе компромисса, а с решимостью восстановить свою власть. В отличие от протестантских ценностей строгости и простоты, он поощрял создание грандиозной архитектуры и произведений искусства. Тщательно продуманные новые церкви и запрестольные образы должны были вызывать такое же чувство благоговения и величия, какое вызывали великие соборы Средневековья.
Вечеринка в саду — Дирк Халс
Стиль барокко: драматизм и сложность
Стиль барокко был разработан для удовлетворения потребностей этого католического возрождения. Этот термин, вероятно, произошел от barroco, португальского, означающего жемчужину неправильной формы. Акцент делается на «нерегулярности», поскольку барокко подразумевало отход от симметрии и гармонии эпохи Возрождения. В архитектуре это привело к созданию масштабных зданий с использованием богатейших материалов и преднамеренно сложных, драматических конструкций. Этот стиль был впервые применен в Риме художником, скульптором и архитектором семнадцатого века Джанлоренцо Бернини, который спроектировал колоннаду перед собором Святого Петра и великолепный навес над Главным алтарем вместе с Франческо Борромини и Пьетро да Кортона.
Художники эпохи барокко предпринимали подобные попытки воздействовать на эмоции и чувства. Такие художники, как Караваджо в Италии и Рембрандт в протестантской Голландии, стремились достичь этой цели с помощью драматических световых эффектов, в то время как другие, такие как Рубенс, наполняли фигуры в своих композициях энергичными, иногда искривленными движениями.
Музыка барокко и появление оперы
В музыкальном контексте термин «барокко» является гораздо менее точным термином, который часто используется для обозначения не более чем декоративного и довольно театрального стиля. Композиторы г. время, однако, сознавало разрыв с прошлым. В 1605 году Монтеверди провел четкое различие между PRIMA PRATTICA и SECONDA PRATTICA (первой и второй практикой), первая из которых относится к сложному стилю композиции эпохи Возрождения, а вторая — к новому акценту на ясности текста. В основе нового стиля лежала разработка BASSO CONTINUO (глубокий бас), системы обозначений для второстепенных инструментов.
Такие нововведения почти сразу принесли плоды, способствуя появлению оперы. С 1570-х гг. неформальная академия во Флоренции, известная как Камерата (Товарищество), собралась для обсуждения различных культурных тем. Одним из рассматриваемых предметов была древнегреческая драма, в которой, как считалось, музыка играла жизненно важную роль.
Несколько участников попытались возродить форму, используя «речитатив» (метод сольного пения, отражающий образцы обычной речи) как средство передачи драматического диалога публике. Поступая таким образом, они фактически вторили строгому утверждению Монтеверди о том, что музыка должна подчиняться своему тексту.
Самая старая из сохранившихся опера – «Эвридика» Якопо Пери, запущенная в 1600 году для празднования свадьбы Генриха IV Французского с флорентийкой Марией Медичи. Однако первым шедевром в новом жанре стал «Орфей» Монтеверди 1607 года, написанный для семьи Гонзага в Мантуе. Это было произведено в совершенно другом масштабе, чем предыдущие эксперименты. В то время как Пен использовал в своих операх всего несколько лютней и клавесина, незаметно спрятав их за декорацией, Монтеверди использовал полный оркестр, состоящий примерно из 40 инструментов.
Вкус оперы; Рим и Венеция стали новыми центрами музыкального мастерства. Рим взял на себя инициативу в 1620-х годах, во многом благодаря покровительству высокопоставленных священнослужителей.
Кардинал Барбенни построил в своем дворце хорошо оборудованный оперный театр в 1623 году, а один из самых талантливых либреттистов того времени Джулио Роспильози стал папой в 1667 году. Венеция, судя по всему, была богатым городом, хотя фасады ее зданий часто скрывал за собой распад. Несмотря на то, что у Рима не было возвышенных оперных связей, он сыграл решающую роль в распространении этого жанра на более широкую аудиторию.
Первый публичный оперный театр открылся здесь в 1637 году, и до конца века было построено еще не менее 15. В каждом районе был свой местный театр, похожий на современные кинотеатры.
Итальянские дивизии
Опера была самой захватывающей новой формой искусства того времени, укрепляя репутацию итальянских регионов как культурного центра Европы. Этот факт опровергает представление о том, что политический и художественный успех идут рука об руку, поскольку на итальянском полуострове тогда было немного больше, чем пестрый набор независимых княжеств и государств-сателлитов.
Слава регионов может привлечь художников и знатоков; они также привлекали захватчиков. На протяжении всей эпохи большая часть Италии находилась под властью Испании или Австрии. Рим, резиденция папства, имел влияние среди католических наций, в то время как Венеция и Генуя были независимыми торговыми городами с определенным статусом. Многие из оставшихся территорий, однако, были просто предметами для торга — мелкими владениями, которые передавались между великими европейскими державами, когда они боролись за господство на континенте. Такое положение вещей в какой-то мере сохранялось до объединения Италии в девятнадцатом веке.
Английская опера
В Англии в середине шестнадцатого века влияние пуритан положило начало эре строгой экономии. Театры были закрыты на время существования Содружества, солдаты были расквартированы в Вестминстерском аббатстве, а большая часть великолепной коллекции произведений искусства короля Карла I была распродана. По иронии судьбы, в тот же период зародилась и английская опера.
Пьесы, поставленные на музыку, квалифицировались как «концерты» и, таким образом, избежали запрета, который коснулся сцены. Следовательно, «Осада Родоса», которая впервые была исполнена в 1656 году и была описана ее авторами как «история, воспетая в речитативной музыке», была предварительно признана самой ранней английской оперой. По правде говоря, это и большинство его непосредственных последователей можно было бы точнее определить как «полуоперы». Генри Перселл, чей отец был одним из исполнителей «Осады Родоса», написал несколько полуопер, в том числе «Королева фей» и «Король Артур», а также поставил первую английскую оперу с подлинными достоинствами со своей «Дидоной и Энеем» в 1689 году..
Ян Вермеер. Урок музыки
Расширение роли музыки
Хотя церковь и двор оставались основными источниками покровительства, постепенно стало признаваться, что музыка может также служить полезной цели за пределами этих относительно ограниченных кругов, в Британии и других местах.
Вивальди, например, большую часть своей карьеры работал учителем игры на скрипке в Pio Ospedalc della Pieta в Венеции, приюте для девочек. Регулярные выступления девушек под руководством Вивальди не были коммерческими мероприятиями — публичные концерты такого рода не приживались до классической эпохи — а скорее символами гражданской гордости.
Растущая привлекательность музыки имела несколько важных последствий. Во-первых, это привело к необычайному увеличению объема необходимой музыки. Понятия «классики» или стандартного репертуара не существовало. Новые музыкальные произведения сочинялись, а затем выбрасывались с пугающей скоростью, примером чего является печально известная потрясающая продукция Вивальди. Иногда в них играли только один раз — возможно, по определенному случаю — прежде чем их отложили в сторону и забыли. Это, в свою очередь, означало, что умение быстро писать было необходимо. Наспех написанное музыкальное произведение рассматривалось не как явный признак небрежного отношения, а скорее как доказательство профессионального мастерства композитора.
С этим тесно связано растущее значение индивидуального исполнителя. Эпоха барокко была эпохой шоумена-виртуоза. Впервые и певцам, и инструменталистам было действительно предложено раскрыть свои таланты до предела. В области оперы это сделало звездами кастратов — певцов, чьи красивые юношеские голоса искусственно поддерживались путем кастрации. Эта практика достигла своего пика во время расцвета итальянской оперы в стиле барокко. Однако эти виртуозы помогли подорвать то драматическое напряжение, которое было достигнуто в опере, разработанной Монтеверди. Все чаще речитатив, несущий сюжетную линию пьесы, прерывался все новыми и новыми ариями — часто сложными, красивыми, шаблонными мелодиями, в которых певцы могли блеснуть своим мастерством.
Эксгибиционистские тенденции не ограничивались только вокалистами. Композиторы, в равной степени, стремились представить свои таланты в центре внимания. Одним из самых популярных способов сделать это было создание музыки, имитирующей естественные звуки.
Четыре сезона Вивальди с их пением птиц и погодными эффектами, вероятно, являются самым известным примером, но практика стала обычным явлением. Библейские сонаты Иоганна Кунау содержали искусную имитацию звука Давида, пускающего свою пращу против Голиафа, — играя, в первую очередь, на клавесине. Дж. С. Бах использовал тот же инструмент, чтобы передать звук гудков кареты в своем каприао, посвященном отъезду любимого брата, но величайшим виртуозом игры на клавишных был Доменико Скарлатти. В композициях, которые он написал для испанского двора, были спрятаны гениальные имитации уличных криков, бренчания гитар и ударов копыт.
Такого рода зрелищность появилась отчасти потому, что музыкальные развлечения становились все длиннее — полномасштабная опера, например, давала композиторам гораздо больше возможностей для творчества, — а отчасти потому, что инструменты становились все более изощренными. Основное развитие здесь получило в области производства скрипок. Скрипка появилась в первые годы шестнадцатого века, но именно в эпоху барокко в городе Кремона в Италии родились три гиганта скрипичного дела — Николо Амати, Джузеппе Гварнери и, самый известный из всех, Антонио.
Страдивари.
Тот факт, что провинциальный итальянский город должен был стать центром столь важного ремесла, не случаен, поскольку Италия оставалась доминирующей музыкальной силой в Европе на протяжении большей части этого периода. Такие разные композиторы, как Бах и Гендель, имели свои корни в итальянском стиле, а Жан-Батист Люлли, музыкант, который больше всего сделал для создания самобытной национальной школы во Франции, на самом деле родился Джованни Баттиста Лулли, итальянец.
Изображено выступление большого инструментального ансамбля в роскошном театре Аргентина. (Панини, 1747, Лувр)
Людовик XIV: Король-Солнце
Возникновение независимого музыкального стиля во Франции неудивительно, учитывая политическую мощь страны во время долгого правления Людовика XIV (1643-1715). Королю было меньше пяти лет, когда он унаследовал трон, его ранние годы были омрачены серией гражданских беспорядков, называемых Frondes (в честь пращей, используемых бунтовщиками).
Временами насилие становилось настолько сильным, что ребенка приходилось увозить из Парижа в Сен-Жермен, где он спал на соломе. Память об этих ужасных эпизодах оставила у Людовика постоянную неприязнь к Парижу и патологическое отвращение к беспорядку.
Соответственно, когда он стал достаточно взрослым, чтобы управлять своими делами, король решил покинуть свою ненавистную столицу и переместить резиденцию правительства в свой недавно расширенный замок в Версале. Буквально веря в божественное право королей, он стремился уменьшить влияние старой знати и Parlemcnt (могущественного панского суда), сосредоточив всю власть в своих руках. Он держал дворян в узде, побуждая их растворяться в излишествах своего двора в Версале, развращая их ослепительно экстравагантным образом жизни и, таким образом, ослабляя их способность действовать против него. Однако правление Людовика было гораздо большим, чем поверхностная демонстрация; под его правлением Франция приобрела новые системы дорог, порты и каналы, современную полицию, военно-морской и торговый флот, обрабатывающую промышленность и процветающий экспортный бизнес.
«L’litat e’est Мел» («Я есть государство») было девизом Людовика, красноречивым описанием абсолютизма.
Как в вопросах культуры, так и в политике Луи обладал полным контролем, руководя золотым веком искусства. Франция стала воплощением цивилизации, которой завидовали и подражали все остальные. Европа. Французская классическая драма была на пике своего развития, примером чему служат трагедии Корнеля и Расина, а также сатирические комедии Мольера. В тот же период в 1 648 году была создана Королевская академия обмороков и скульптуры, а в 1662 году была реорганизована знаменитая фабрика по производству гобеленов. Людовик стал известен как le Rot Soldi (Король-Солнце), отражение великолепие и блеск его режима.
На музыке тоже была королевская печать. Луи окружил себя музыкой в личной жизни и в торжественных случаях; его военные победы будут отмечаться специально составленными Те Deums. Музыкант и увлеченный танцор, Луи активно поощрял развитие комедии-балета, новой оперной формы, выросшей из сотрудничества Люлли и Мольера.
Эта экстравагантная смесь песни, танца, комедии и зрелища была в высшей степени элегантной и формальной, но при этом намного легче, чем преобладающие мелодии итальянской оперы, адаптированной к французским вкусам.
Великолепие двора в Версале затмило все остальные и породило бесчисленные подражания. Позже критики утверждали, что это изолировало монарха от его подданных и тем самым посеяло семена Французской революции. Возможно, в этом есть доля правды, но тем не менее в действиях Людовика была логика. Подобно папству в начале века, он стремился создать ауру величия, которая сделала бы монархию институтом, достойным почтения, вдохновляющим как лояльность, так и послушание.
В течение первой половины правления Людовика этот грандиозный образ подкреплялся победами на полях сражений. В 1667 году он вторгся в контролируемые испанцами южные Нидерланды. Его первоначальное продвижение было остановлено, но второе вторжение в 1672 году было более успешным, и голландцам удалось сдержать его, только открыв свои дамбы и затопив страну.
Триумфы Людовика были признаны в Неймегенском договоре (1678 г.), когда Эно и Франш-Конте были переданы Франции.
Золотой век Голландии
Несмотря на подобные неудачи, Соединенные провинции Голландии (северная часть Нидерландов, получившая независимость от Спама в прошлом столетии) переживали в то время свой собственный золотой век. Обширная торговля республики с Балтийским регионом и Индией помогла превратить Амстердам в финансовую столицу мира, а банковские, страховые и биржевые услуги города еще больше укрепили его репутацию. Это процветание и чувство безопасности, которое оно порождало, стимулировали расцвет искусств и наук. Христиан Гюйгенс изобрел маятниковые часы, а Антон ван Левенгук и Ян Сваммердам сделали важные открытия в области микроскопии. В мире искусства Голландия произвела на свет гениев уровня Рембрандта, Вермеера и Франса Хальса. В музыкальном плане наиболее значительной фигурой был Ян Свелинк, иногда известный как «отец фуги», который был городским органистом в Амстердаме с 1577 по 1621 год.
Его учения сделали его имя нарицательным даже в Польше, хотя он, вероятно, сегодня его лучше всего помнят за его влияние на Иоганна Себастьяна Баха.
Музыка и протестантская церковь
В Германии, как и в Голландии, органная музыка играла решающую роль в протестантском богослужении. Необходимо различать лютеран и наиболее крайних последователей Кальвина. Мартин Лютер был увлеченным музыкантом — он обладал прекрасным теноровым голосом и сам сочинял музыку — и активно поощрял продолжение традиции церковной музыки. Это резко контрастировало с кальвинистами, которые, следуя своим заповедям религиозного аскетизма, запрещали органную музыку и вырывали инструменты из мест отправления культа.
Эти акты идеологического вандализма вызвали особое беспокойство во многих общинах, поскольку орган считался материальным символом муниципальной гордости. Действительно, отдельные города соперничали за право выступить с самыми престижными исполнителями на органе, причем соперничество часто было таким же напряженным, как конкуренция между современными футбольными клубами.
Например, в Лейпциге в 1723 году городской совет был разочарован, когда им удалось заручиться услугами только Баха в качестве музыкального директора. Он был их третьим выбором после Телемана, который воспользовался ситуацией, чтобы потребовать повышения зарплаты на своем посту в Гамбурге, и Граупнера, у которого все еще был контракт с другим работодателем. Возможно, потому, что он «не был техническим новатором», Бах при жизни пользовался сравнительно скромной репутацией.
Карьера Генделя вряд ли могла быть более разнообразной, хотя он родился в один год с Бахом. Там, где последний был доволен тем, что продолжал работать в провинциальном уединении, Гендель искал и находил всеобщее внимание, наслаждаясь карьерой американских горок в Лондоне как композитор и импресарио. Его методы могли быть нетрадиционными — есть история, что однажды он выкинул одну из своих див из окна и пригрозил бросить ее, если ее пение не улучшится, — но вскоре они принесли ему международное признание. Когда мода на итальянскую оперу пошла на убыль, Гендель переключил свое внимание на ее религиозный эквивалент — ораторию.
Конец эпохи
Тот факт, что Гендель решил поселиться в Лондоне, который до сих пор был чем-то вроде захолустья в оперном плане, вполне может отражать сдвиг, произошедший в европейском балансе сил.
После 1680 года господство французов стало выглядеть менее надежным. На востоке угроза турецкого вторжения отступила, когда Ян Собицкий и его польские войска сняли осаду Вены в 1683 году. Это, однако, дало австрийскому императору возможность обратить свое внимание на Запад. Пять лет спустя Людовик XIV перенес еще больший удар «Славной революции» в Англии, когда католик Яков II был свергнут с английского престола и заменен его старыми противниками Вильгельмом и Марией (соответственно штатгальтер Нидерландов и дочь). Присутствие протестантского короля за Ла-Маншем стало еще более катастрофическим после отмены Нантского эдикта в 1685 году. Этим актом Людовик отменил права на свободу вероисповедания, предоставленные в 159 году.8, тем самым спровоцировав враждебность всего протестантского дела.
Масштаб проблемы стал очевиден во время войны за испанское наследство (1701-1714 гг.), когда французские войска были введены в бой на четырех отдельных фронтах — в Германии, Нидерландах, Италии и Испании. Громкие поражения при Бленхейме в 1704 г. и Мальплаке в 1709 г. грозили свести на нет все достижения Людовика, хотя неожиданная победа при Денене в 1712 г. частично исправила ситуацию. Утрехтский договор 1713 года оставил Францию территориально нетронутой, но принес большие выгоды растущей Британской империи, включая приобретение Гибралтара, Менорки и Новой Шотландии.
Смерть Людовика XIV в 1715 году после 72-летнего правления ознаменовала собой уход целой эпохи. На его похоронной процессии можно было услышать насмешки и освистывание, что означало похоронный звон абсолютизма. Во Франции теолог и писатель Франсуа Фенелон утверждал, что божественное право, на которое претендует монархия, противоречит христианским учениям; в Англии философ Джон Локк утверждал, что это несовместимо с неотъемлемыми правами личности.
