Почему изобразительное искусство барокко тяготело к декоративно: Изобразительное искусство барокко. Урок-презентация. МХК/Искусство, 11 класс, базовый уровень

Итальянская живопись эпохи барокко: яркие представители

Эпоха Возрождения подошла к концу. Наступил XVII в., ставший новым этапом в истории западноевропейского искусства. Укреплялись национальные государства Европы, на смену умирающему феодальному строю шел капитализм. Нарастало недовольство народных масс своим положением. К политической власти рвалась крепнущая буржуазия. В странах с развитой промышленностью и торговлей (Англия и Голландия) буржуазные революции завершились победой нового общественного строя. Борьба с феодализмом была направлена и против католической церкви, стоявшей во главе реакционных сил.

В эту сложную эпоху складывалась новая культура, давшая миру великих ученых — Галилея, Лейбница, Ньютона, философов — Бэкона, Спинозу, Декарта, писателей — Шекспира, Сервантеса, Мольера.

Развивалось и изобразительное искусство, высшие достижения которого связаны главным образом с такими странами, как Италия, Испания, Голландия, Фландрия и Франция.

Главным стилевым направлением в искусстве этой эпохи стало барокко, родившееся в Италии в конце XVI в. Название «барокко» буквально означает «странным», «причудливым». Именно эти эпитеты удивительно соответствуют особенностям нового стиля, сохранявшего свою популярность в искусстве Западной Европы до середины XVIII в. Барокко свойственны такие черты, как страстность и яркость чувств, взволнованность, доходящая до преувеличения, парадная торжественность и пышность.

Правители и католическая церковь стремились использовать его в своих интересах, пропагандируя с помощью искусства свою силу и мощь и укрепляя в народе веру. Именно поэтому искусство барокко было наиболее развито в странах с католической религией.

В то же время в этом стиле выразились и прогрессивные представления о многообразии и изменчивости мира, а человек предстает как сложная личность со своим миром глубоких чувств и переживаний.

Живопись в искусстве барокко занимала особое место. В ней эпоху появились новые жанры и темы. Теперь художники использовали для своих произведений не только религиозные и мифологические мотивы, но и темы, связанные с реальностями окружающей жизни.

Некоторые исследователи разделяют живопись барокко на три части в зависимости от того, кто был ее заказчиком: церковную, придворную, буржуазную. Церковная живопись характерна для Испании, придворная свойственна Фландрии, а буржуазная — Голландии, которая в то время имела наиболее прогрессивный общественным строй.

Мастера барокко использовали в своих произведениях в основном теплые оттенки и плавные цветовые переходы, умело применяли светотеневые эффекты и контрасты светлых и темных тонов. Их картины отличаются напряженным драматизмом; позы героев неустойчивы, жесты и движения резки и преувеличенно выразительный Возведенные к небу очи святым и мучеников, невероятно изогнутые тела персонажей в мифологических композициях должны были усилить впечатление от изображенного на полотне и заставить зрителя сопереживать героям.

Живопись Италии

В Италии, на родине барокко, в XVII в. переживала расцвет фресковая живопись. Большой известностью пользовалась семья художников Карраччи, создавших множество стенных росписей на античные мотивы в Риме и Болонье. Лодовико Карраччи и его двоюродные братья Аннибале и Агостино Карраччи основали в 1585 г. в Болонье мастерскую-академию, где проводили обучение молодых художников по собственной программе, которая была направлена на создание монументально-торжественного искусства. Среди учеников академии особо выщелялись Гвидо Рени и Доменикино, работавшие в Риме в начале XVII в.

Микеланджело да Караваджо

Значительное место в итальянской живописи рубежа XVI-XVII вв. занимает творчество Микеланджело да Караваджо. Родился в 1573 г. в Ломбардии. Художественное образование получил в Милане. Поселился в Риме в начале 1590-х гг. Живописец пользовался покровительством кардинала дель Монте. В 1606 г. во время игры в мяч Караваджо поссорился с одним из участников развлечения и убил его на дуэли. Скрываясь от правительства, художник вынужден бежать в Неаполь, а затем — на остров Мальта. После ссоры с одним из представителей местной знати ему пришлось уехать на Сицилию. В 1608-1609 гг. Караваджо скрывался от наемных убийц в Сицилии и Южной Италии. В Неаполе художнику не удалось избежать нападения, во время которого он был ранен. В 1610 г. Караваджо отправился по морю в Рим, надеясь на прощение Папы, но, не добравшись до конечного пункта, ограбленным перевозчиками, умер от малярии.

Бунтарский дух Караваджо проявился и в его творчестве. Стремившийся к правде, художник в религиозных и мифологических композициях изображает людей из простонародья. Таковы герои его ранних работ («Маленький больной Вакх», ок. 1591; «Вакх», 1592-1593), в которым слащаво-красивые герои академического искусства уступают место образам простых итальянцев с характерными чертами лица (миндалевидным разрез глаз, полные губы, темные шелковистые кудри). Реальность персонажей подчеркивается деталями натюрморта: цветами, фруктами, музыкальными инструментами. Интерес к натюрморту заметен во многих работах Караваджо. В 1596 г. художник исполнил одну из первых в истории европейской живописи композиций в этом жанре — «Корзину с фруктами».

Стремясь к достоверности, Караваджо всегда изображает в своих произведениях реальную жизнь, какой бы грубой и беспощадной она ни была («Жертвоприношение Авраама», 1594-1596; «Юдифь и Олоферн», 1595-1596). По свидетельствам современников, живописец, приглашенным на выставку античным статуй, остался равнодушен к их холодной красоте и, указав на толпы людей вокруг, сказал, что именно они, простые современники, вдохновляют его. В доказательство своих слов художник остановил проходившую мимо цыганку и написал ее предсказывающей судьбу молодому человеку. Так появилась знаменитая «Гадалка» (1595).

Своих героев Караваджо ищет на улицах, в маленьких тавернах, в богемной среде. Он пишет игроков, музыкантов («Игроки», 1594-1595; «Лютнист», 1595).

В зрелые годы Караваджо обращается к монументальному искусству. События Священной истории для церквей Сан-Луиджи деи Франчези и Санта-Мария дель Пополо он изображает так же реалистично и правдиво, как и жанровые сцены. Заказчики были недовольны этим: полотно «Апостол Матфей с ангелом» церковь не приняла, т. к. внешность святого показалась ей грубой и неприличной. Художнику пришлось писать другую картину.

Микеланджело да Караваджо. Лютнист. 1595 г.

Настоящими шедеврами стали две монументальные композиции Караваджо: «Положение во гроб» (1602) и «Успение Марии» (1605-1606). Последнее произведение из-за реалистичности изображения смерти Богоматери было отвергнуто заказчиком — римской церковью Санта-Мария делла Скала. Художник трактует тему вознесения Марии как простую жизненную драму: смерть обычной женщины оплакивают ее родные и близкие.

Картина «Положение во гроб» отмечена глубоким трагизмом, но в то же время ее отличают сдержанность и правдивость, нет в ней преувеличенной экспрессии и экзальтации, свойственным живописи многих художников эпохи барокко. Изображая мертвого Христа и скорбно застывших вокруг него людей, художник стремится передать идею героической смерти и делает это убедительно и реалистично.

Жизненные невзгоды и постоянные столкновения с церковью приводят к усилению трагического звучания в произведениях Караваджо последних лет жизни («Бичевание Христа», 1607; «Семь деяний милосердия», 1607).

Большое внимание итальянский мастер уделяет передаче освещения: действие в его произведениях происходит обычно в полутьме, сноп света, идущий из глубины, пересекает пространство полотна (т. н. подвальное освещение). Многие художники XVII в. использовали в своих работах этот прием, придающий драматизм изображению.

Творчество Караваджо оказало большое влияние не только на итальянских, но и на иностранных художников, работавших в Риме. Последователи живописца распространили его манеру, получившую название «караваджизм», по другим европейским странам.

Большинство итальянских караваджистов не достигли вершины славы великого мастера. Среди них можно выделить работавших в первой половине XVII в. Бартоломео Манфреди, Орацио Джентилески, Джованни Серодине, Джованни Баттисту Караччолло по прозвищу Баттистелло. В начале своего творческого пути караваджизмом увлекались Рубенс, Рембрандт, Вермер, Веласкес, Рибера.

Большой популярностью в XVII в. в Неаполе пользовался Сальватор Роза, чье имя связывают с появлением в живописи романтического пейзажа.

Сальватор Роза

В 1615 г. в доме землемера и архитектора Витантонио Розы в небольшом городке Аренелла близ Неаполя родился мальчик. Назвали его Сальватором. Из окон ветхой усадьбы Казаччио открывался чудесным вид на Неаполь и вулкан Везувий. Вокруг селения было немало местечек, очаровывающих своей красотой: высокая скала Сан-Эльмо, крепость Борго ди Аренелла, возведенная во времена правления Карла V, холмы Вомеро и Позилиппо, остров Капри, побережье Неаполитанского залива с прозрачно-голубыми водами. Все эти образы позднее найдут полное отражение в картинах Сальватора Розы. С ранних лет будущий художник на маленьких клочках бумаги пробовал запечатлеть взволновавшие его картины природы.

Заметив в сыне стремление к знаниям, науке и искусству, родители решили определить его в иезуитскую коллегию конгрегации Сомаска, расположенную в Неаполе. Там Сальватор Роза получил разностороннее образование: занимался классической литературой, изучал грамматику, риторику, логику. Кроме всего прочего, получил музыкальное образование, научился играть на арфе, флейте, гитаре и даже пробовал сочинять небольшие музыкальные произведения (известны написанные им серенады-донцеллы). Некоторые серенады пользовались такой огромной популярностью у неаполитанцев, что те распевали их и днем, и ночью под окнами своих возлюбленным.

Спустя некоторое время Сальватор Роза оставляет коллегию и возвращается в родной городок Аренеллу, где знакомится с местным художником Франческо Фраканцано, бывшим учеником пользовавшегося в те дни необычайно большой популярностью испанского мастера живописи Хусепе Риберы. Увидев картины Франческо, Сальватор делает несколько копий с них, за что и заслуживает похвалу от Фраканцано, сумевшего разглядеть в юноше талант настоящего художника и посоветовавшего ему всерьез заняться живописью.

Начиная с этого момента Роза много рисует. В поисках новым образов он отправляется путешествовать по Абруццким горам. В это время появляются пейзажи с изображениями долин Монте-Саркио с потухшим вулканом, гротов Палиньяно, пещеры Отранто, а также развалин древних городов Канузии и Брундизии, руин арки и амфитеатра Беневенто.

Там же, в Абруццких горах и Калабрии, молодой художник встретил бродяг-разбойников, среди которых находились и те, кто был изгнан из общества «добропорядочным» людей за свободолюбивые, смелые мысли. Обличье этих бандитов настолько сильно потрясло Сальватора, что он решил запечатлеть их в своем альбоме. Их образы были использованы затем в поздних композициях уже зрелого мастера (здесь уместно вспомнить гравюру из сюиты «Каприччи», где показано пленение юноши разбойниками во главе с атаманшей), а также нашли свое отражение в картинах, изображающих батальные сцены.

Путешествие было плодотворным и значимым для развития пейзажного творчества молодого живописца. Во время странствий он делал множество зарисовок с видами итальянской природы. Перенесенные затем на картины, эти ландшафты необычайно реалистичны, живы, естественны. Создается впечатление, будто бы природа лишь заснула на какой-то миг. Кажется, через секунду все оживет, подует легкий ветерок, заколышутся деревья, защебечут птицы. В пейзажах Розы заключена огромная сила, особая экспрессия. Фигуры людей и постройки, являясь частью единого целого, гармонично сочетаются с картинами природы.

Первая выставка Сальватора Розы прошла в Неаполе. Одним из тех, кто заметил и по достоинству оценил работы молодого художника, был знаменитый мастер монументальной живописи Джованни Ланфранко, купивший для себя на выставке несколько пейзажей.

В середине 30-х гг. XVII в. Сальватор Роза переезжает в Рим — столицу мирового изобразительного искусства, где царствуют барокко и классицизм. Именно в Риме Роза знакомится с творчеством таких крупных мастеров живописи, как Микеланджело, Рафаэль, Тициан, Клод Лоррен. Их манера письма во многом повлияла на становление творческого метода и художественно-изобразительной техники Розы. Наиболее заметно это в картинах с морскими пейзажами. Так, «Морской порт» написан в лучших традициях К. Лоррена. Однако молодой художник идет дальше учителя. Его пейзаж — естественный и конкретный: идеальные, скорее даже абстрактные образы Лоррена заменены здесь фигурами обыкновенных рыбаков из Неаполя.

Спустя несколько месяцев Роза, тяжело заболев, покидает пышную и прекрасную столицу Италии. Возвращается обратно лишь в 1639 г. Летом этого года в Риме проводили карнавал, на котором Роза выступил в роли странствующего актера под маской Ковиелло (плебея, не смирившегося со своей судьбой). И если другие Ковиелло изо всех сил старались как можно больше быть похожими на настоящих крестьян, то Роза превосходно обыграл свою маску, сочинив целый спектакль и показав поющего и играющего на гитаре, веселого, не унывающего ни при каких обстоятельствах и жизненным невзгодах молодого человека. Карнавальное действо проходило на Пьяцца Навона. Сальватор Роза с небольшой группой актеров выезжал на повозке, богато украшенной цветами и зелеными ветками. Успех Розы был огромным.

После завершения карнавала все сняли маски. Каково же было удивление окружающих, когда обнаружилось, что под личиной крестьянина скрытался не кто иной, как Сальватор Роза.

После этого Роза решил заняться актерским ремеслом. Недалеко от Порта дель Пополо в одной из пустующих вилл он открывает свой театр. Содержание пьес, ставившихся под руководством Розы, искусствоведам и историкам не известно. Однако существуют факты, говорящие сами за себя: после премьеры спектакля, в котором актеры высмеяли придворный театр под руководством известного в то время архитектора и скульптора Лоренцо Бернини, кто-то нанял убийц для Розы. Они подстерегали его возле дома.

К счастью, покушение не состоялось — молодой человек остался жив. Однако в силу этих обстоятельств он вынужден был вновь уехать из Рима.

Ответив на приглашение кардинала Джованни Карло Медичи, Роза отправляется во Флоренцию. Здесь художник создает
знаменитый «Автопортрет».

Полотно отличается своеобразием исполнения. Молодой человек, представленный на портрете, кажется несколько угловатым. Однако в нем чувствуются кипучая энергия, необычайная по силе воля и решительность. На картине юноша опирается на доску с надписью на латыни: «Avt tace, Avt Loqver meliora silentio» («Или молчи, или говори то, что лучше молчания»). Эта надпись звучит как сквозная мысль всего художественного произведения и одновременно как кредо молодого человека, изображенного на полотне (а значит, и самого живописца).

Художник мастерски владеет игрой света и тени. Выразительность изображения достигается именно эффектом тени, резко и порой даже неожиданно переходящей в светлые пятна.

Не случайно фигура молодого человека расположена на фоне вечернего неба: образ гордого, независимого юноши в темных одеждах выделяется на светлом фоне, а потому становится ближе и понятнее зрителю.

В том же ключе созданы и известные сатиры Розы, среди который особое место занимают «Поэзия», «Музыка», «Зависть», «Война», «Живопись», ставшая своего рода гимном молодого литератора и художника. Здесь автор говорит о том, что живописцы, являясь служителями одной из сестер искусства — художественно-изобразительного творчества, должны хорошо разбираться в истории, этнографии, точных науках. Стиль Розы в поэзии, равно как и в живописи, проявился во всей его полноте. Его стихи энергичны, порывисты, эмоциональны и в некоторых местах чересчур грубы и резки. Они являются своеобразным противопоставлением сложившейся в то время в литературе жеманной и искусственно-театральной манере построения и звучания стихотворный форм.

Сальватор Роза. Автопортрет. Ок. 1640 г.

Во Флоренции Сальватор Роза оставался до 1654 г. Дом его, по воспоминаниям современников, был тем местом, где постоянно собирались самые известные люди: поэт Р. Джамбатисти, живописец и литератор Ф. Бальдинуччи, ученым Э. Торричелли, профессор Пизанского университета Дж. Б. Риччиарди.

Одной из центральных в искусстве барокко быта идея «учить зрителя или читателя ненавязчиво, поучать посредством прекрасного». Следуя этому негласному правилу, художники создавали полотна, при взгляде на которые у зрителя возникали совершенно определенные ассоциации, вызывающие в памяти образы литературных героев. И наоборот, по мнению литераторов периода барокко, поэтическое произведение должно быть таким, чтобы по его прочтении перед глазами читателя представали живописные, яркие и красочные картины.

Почти все художественно-изобразительное творчество Розы основано на созданных им литературных образах. Именно так были написаны многие картины на сказочные сюжеты и полотна с батальными сценами, возникшие после создания сатир «Ведьма» и «Война».

Полотно под названием «Ложь» является хорошей иллюстрацией к стихотворению «С лица снимаю своего румяна я и краски». Заметно здесь и сходство главного героя картины с самим автором. Сальватор Роза демонстрирует прекрасное владение живописной техникой в передаче мимики и жестов. Сюжет построен на эпизоде, в котором два актера ведут беседу за кулисами театра после спектакля. Тон всему произведению задают необычные переходы света в тень и использование красок определенного цвета (темно-коричневым фон, желтоватые одежды актера символизируют ложь и обман). Особое значение приобретает взгляд одного из актеров, устремленный не на собеседника, а куда-то в сторону. Человек как будто пытается спрятать свои мысли от товарища.

Основную мысль полотна можно определить ставшими своеобразным девизом для искусства барокко словами У. Шекспира, сказавшего, что люди — актеры на театральных подмостках жизни. Главным приемом художественного изображения действительности и человека в театральной постановке является обман. Отсюда и идет в картине Розы связь понятия лжи с образом драматического актера, надевающего во время представления маску.

Мысль о возможности существования сверхчеловека, наделенного многими способностями, ярче всего проявляется у Сальватора Розы в портретах. Таковым является «Мужской портрет» («Портрет бандита»), на котором перед нами предстает человек с острым, пронизывающим, проницательным взглядом и застывшей на губах язвительной улыбкой. Этот образ нельзя назвать определенно однозначным. Есть в глазах бродяги что-то настораживающее и предупреждающее нас, зрителей, о сильном, решительном и гордом характере этого человека, эмоции которого могут прорваться и выйти наружу в любой момент. Портрет бандита оказывается сложнее открытого и несколько романтично настроенного юноши с полотна «Автопортрет». Двусмысленность в толковании образа возникает за счет особого сочетания и расположения на полотне света и тени. Необычайно яркая выразительность портрета достигается мастерским владением живописной техники и использованием контрастным красок (темная шляпа и светлый фон, белая сорочка и черная шуба).

Искусствоведы утверждают, что «Мужской портрет» — тот же автопортрет. Здесь автор, как профессиональный актер, пробует себя в роли бандита, каждую секунду готового вступить в борьбу со своими врагами. Современники писали, что и здесь (так же, как в «Автопортрете») во многом проявляется характер самого художника — бунтаря с решительным и сильным характером. Герой картины — уже не абстрактный персонаж, а реально существующий человек, в душе которого кипят бурные страсти.

Творчество Сальватора Розы является начальным этапом формирования и развития новой живописной формы — пейзажа-картины. Произведения, построенные подобным образом, соединяют элементы, реально существующие в обыденной жизни и вымышленные.

Особенно интересна и показательна работа Розы под названием «Пейзаж с мостом», хранящаяся в настоящее время в галерее Питти во Флоренции. На полотне представлен небольшой пейзаж с мостом и сразу же поднимающейся за ним в виде арки высокой скалой. Два путника едут по дороге. Они, видимо, заблудились в незнакомом для них месте. Спрашивают дорогу у какого-то оборванца. Вдали за скалой скрываются две фигуры. Солнце зашло за облако. У моста темно, из-за каждого куста или камня могут напасть на прохожего разбойники, скрывающиеся от правосудия и в одиночку ищущие правду.

Пожалуй, таковым может быть истолкование сюжета картины. Впечатление тревоги, некой двусмысленности создается в ней благодаря мастерскому владению художником техникой сочетания светлых пятен и теней. Солнечным свет, хорошо видным вдали, на заднем плане композиции, постепенно сменяется на полотне тенью, мраком, вызывая у зрителя тягостные ощущения и предчувствие опасности.

Изображенный на картине мост, а также арка-скала, уходящая ввысь, смена света и тени — все придает пейзажу необычайный динамизм, вдыхает в него жизнь.

Современники художника не раз говорили о присутствии и преобладании романтических элементов в творчестве Розы. Есть они и в «Пейзаже с мостом»: светлая, утонувшая в лучах солнца долина и темные, мрачные, полные тревожного ожидания скалы возле моста.

Часто природа оказывается в общей композиции доминантой. Причем этот элемент является значимым для оживления картины и создания определенного настроения и ассоциаций у зрителя. В картине «Испуг» особая выразительность достигается путем слияния человеческих фигур и природы в единое целое. Люди выступают здесь как неотъемлемая часть мира живой природы.

Особое настроение в пейзаже создается контрастом света и тени, в результате чего в картине появляются места, как бы вы-хваченные из мрака световым лучом. Ощущение беспокойства вызывается также и определенным положением фигур. Разворот тел, мимика и жесты людей, используемые художником, экспрессивные, густые краски вызывают у зрителя ощущение тревоги и надвигающейся опасности.

В настоящее время это полотно хранится в галерее Питти во Флоренции.

Сальватор Роза является создателем и такого вида пейзажа, как философский. Ярким примером служит знаменитым «Лесной пейзаж с тремя философами». Природа здесь не только задает тон общей композиции, но и выражает чувства, эмоции, душевное состояние трех мужчин, ведущих спор, быть может, о смысле земной жизни и ежедневной человеческой суете. Необычайная экспрессия выражена гнущимися под ветром могучими деревьями, стремительно движущимися вперед тучами, почти полностью закрывшими прозрачное небо, жестикулирующими людьми, пытающимися что-то доказать друг другу. Динамика и особая эмоциональность заданы в картине резкой сменой светлым и темным пятен.

Смелая, подчас даже несколько резковатая, волнующая зрителя манера письма Розы (контраст света и тени, детали пейзажа, яркая экспрессия общей композиции) была позднее продолжена в искусстве художниками-романтиками.

Тем же тревожным и мятежным характером отличаются и почти все натюрморты, созданные Розой. В Италии того времени большой популярностью пользовались картины-натюрморты Паоло Порпора и Джузеппе Рекко. Их полотна привлекали зрителей почти ощутимой реальностью выведенных образов. Создавалось впечатление, будто бы цветы, рыбы, фрукты не нарисованы, а просто перенесены на стену, приклеены к ней, настолько живыми они казались.

Следуя принципу искусства барокко (олитературивание произведений изобразительного искусства), Сальватор Роза создавал натюрморты, полные философского содержания. Постоянными объектами его внимания были древние книги в обветшалых переплетах, разнообразные музыкальные инструменты, нотные сборники, приборы для наблюдений за звездами и почти всегда — череп, символизирующий напрасную суету земной жизни — Vanitas (с лат. «суета сует») .

Сальватор Роза считается мастером в изображении батальных сцен. Выписывать битвы он научился в мастерской Аньелло Фальконе (1607-1656). На полотнах Фальконе невозможно найти героев главных и второстепенным. Все образы составляют единое целое и подчинены одной задаче: созданию реальной картины, передающей без каких-либо преувеличений характер той или иной битвы.

Та же манера свойственна и Розе. Его обращение к теме батальным сцен связано с ведением странами Западной Европы войны, названной позже Тридцатилетней.

Театр военным действий у Сальватора Розы необымайно выразителен и, как правило, располагается до самого горизонта на фоне разрушенных, застывших в молчании архитектурных построек (башен, дворцов, храмов) и прозрачно-голубого неба, местами закрытого еле заметными для глаз белыми облаками. Контраст чистого неба и поля, на котором разворачиваются драматические события с участием объятых ненавистью друг к другу людей с искаженными от боли или злобы лицами, еще более оттеняет и заостряет вечную для человечества тему бессмысленности и трагизма войны.

И здесь художник выступает как замечательный мастер, в совершенстве владеющий искусством сочетать свет и тень. Лучи света, выхватытая из мрака отдельные человеческие фигуры и лица, делают общую композицию выразительной, необымайно эмоциональной и динамичной.

Одной из самых интересных картин признана «Битва», изображающая сражение между отрядами повстанцев и регулярной испанской армией в период восстания под предводительством Т. Мазаньелло. Существует мнение, что Сальватор Роза участвовал в этом восстании. Предположение возникло в связи с тем, что на полотне, в левом углу, изображен сам художник. Догадка, помимо визуального сравнения, подтверждается еще и надписью на доспехах этого воина: «Saro» (Salvator Rosa).

Однако категорически утверждать участие Розы в восстании искусствоведы все же не могут. По мнению биографов, Сальватор Роза отсутствовал в это время в Неаполе. Он был во Флоренции и оттуда следил за страшными событиями, происходящими в большом городе. Необходимо заметить также, что художник целиком и полностью разделял взгляды повстанцев. И для того, чтобы хоть как-то выразить свое отношение к событиям и восставшим, решил изобразить себя в батальной сцене.

В 1649 г. Сальватор Роза уезжает из Флоренции и отправляется в Рим, где поселяется на Монте Пинчио, находящейся на Пьяцца делла Тринита дель Монте. Из окон дома открывался замечательным вид на собор Св. Петра и холм Квиринал. По соседству с Розой жили известные в те дни художники Никола Пуссен и Клод Лоррен, а недалеко от дома живописца находилась вилла Медичи.

Со времени появления Сальватора Розы во Флоренции жители улицы Монте Пинчио разделились на два лагеря. Одну группу возглавлял молодой человек аскетичного вида, Никола Пуссен. Другой, в которой были знаменитые музыканты, певцы и поэты, руководил Роза.

Одну из комнат своего дома Сальватор Роза превратил в мастерскую. Стены ее украшали авторские работы живописца. Мастер постоянно работал, создавая полотна различного содержания: на религиозные, мифологические и исторические темы. Его кредо было — постоянная работа, совершенствование техники. Он всем говорил о том, что «звездная болезнь» (как сказали бы сейчас наши современники) может погубить даже самый сильный и яркий талант. А потому, даже после того как к мастеру пришла слава и всеобщее признание, необходимо продолжать работать над собой и своими произведениями.

В поздний период творчества Сальватор Роза часто обращается к библейским и античным сюжетам. Для художника здесь оказывается наиболее важным передать самый дух того времени и его особенности. Мастер старается как бы возродить, вернуть к жизни все то, что существовало задолго до тех, чья жизнь послужила источником возникновения сказочно прекрасных и поучительным историй.

Таковыми являются достаточно известные полотна «Справедливость, спустившаяся к пастухам» (1651) , «Одиссей и Навсикая», «Демокрит и Протагор» (1664), «Блудным сын».

Картина «Справедливость, спустившаяся к пастухам» написана по известному сюжету «Метаморфоз» Овидия. На полотне взгляду зрителя предстает богиня Справедливость, дарящая пастухам меч и весы правосудия. Основную мысль полотна можно определить так: истинная справедливость возможна только среди простым людей.

«Одиссей и Навсикая», «Демокрит и Протагор» быти написаны Сальватором Розой после приезда из Венеции, где он познакомился с полотнами венецианских живописцев (в том числе и Паоло Веронезе, в лучших традициях которого и созданы названные выше работы).

Сальватор Роза. Морской пейзаж. Фрагмент

В картине «Блудным сын» сюжет, по сравнению с евангельской притчей, оказывается несколько упрощенным и приземленным. Так, герой представлен как простой неаполитанский крестьянин. Нет здесь и пышного окружения: блудным сын обращается к Богу в окружении баранов и коровы. Огромные размеры полотна с изображением несколько видоизмененной сцены вызывают ощущение издевки и сарказма по поводу того, что считается в обществе хорошим вкусом. Роза выступает здесь как продолжатель идей реализма, становление которого начинается с творчества Микеланджело да Караваджо.

С 1656 г. Сальватор Роза приступает к работе над циклом, состоящим из 72 гравюр, получившим название «Каприччи». Образы, выведенные на этих листах, — крестьяне, разбойники, бродяги, солдаты. Некоторые детали гравюр характерны для раннего творчества Розы. Это позволяет говорить о том, что, вполне возможно, в цикл вошли зарисовки, сделанные еще в детстве, а также во время путешествия по Абруццким горам и Калабрии.

Великий мастер живописи, поэт, замечательный актер и постановщик драматических спектаклей ушел из жизни в 1673 г.

Ярким представителем романтического течения в итальянской живописи XVII в. был Алессандро Маньяско, работавший в Милане и Флоренции. Он писал портреты, композиции на мифологические и религиозные сюжеты, но любимыми его жанрами были пейзажи и бытовые сцены.

Художника привлекают образы бродячих музыкантов, солдат, цыган, комедиантов. Большой интерес представляет цикл картин на тему монастырской жизни («Трапеза монахинь», «Похороны монаха»). Обычная, ничем не примечательная жизнь монастыря превращается у Маньяско в мрачную комедию. Гротескные фигуры монахов и монахинь непомерно вытянутый пропорции деформированы, а жесты и позы преувеличенно экспрессивны. Пустоту серой монастырской действительности подчеркивает колорит, выдержанный в темно-коричневых и зеленоватых оттенках.

Большое место в живописи мастера занимает пейзаж. Художник изображает мрачные руины, темные лесные чаши и морские бури. В природной стихии как будто растворяются гротескные человеческие фигуры, придающие ландшафтам фантастический вид («Пейзаж с прачками»; «Горный пейзаж», 1720-е; «Проповедь св. Антония Брешианского»; «Морской пейзаж», 1730-е). Несмотря на иронию, присутствующую в изображениях людей, глядя на картины, зритель испытывает чувство жалости к монахам, музыкантам, бродягам, населяющим причудливый мир живописи Маньяско.

90000 Vintage Vector Graphics Acanthus Baroque Frames Decorative 90001 90002 Set of vintage style vector graphics, you can now DIY Business Cards or Logo! Total of 10 pieces of Acanthus Baroque frames and design elements. These decorative clip art pieces are also perfect for DIY wedding stationery, invitations, scrapbooking layout, and more, for that antique look. Free for both commercial and personal use. These black graphics are transparent in the middle, perfect in any computer graphics program.The size of each clip art image is 6 «, vertical or horizontal. Supplied as individual files in 3 file formats including Vector EPS, JPG and PNG (complete details below). No watermarks will appear on the images. Fonts and backgrounds are not included unless mentioned otherwise. Colours may vary on different computer screens and printers. Instant digital download. 90003 90004 These black Acanthus leaf decorative frames are specially designed by May PL of maypldigitalart.etsy.com 90003 90004 DOWNLOAD INCLUDES THESE 3 FILES: 90007 — Vector EPS (line artwork scalable — enlarge or reduce without losing resolution!) 90007 — JPG (high quality raster 300 dpi file flattened on white background) 90007 — PNG (high quality raster 300 dpi file layered on transparent background) 90007 __________________________ 90007 THIS LICENSE 90007 Your purchase of this May PL Digital Art vintage style vector graphics product grants you one non-transferable , non-exclusive COMMERCIAL USE and PERSONAL USE LICENSE to utilise the image files as according to the Permitted Uses and Prohibited Uses (TERMS OF USE) as clarified in my Shop Announcement.90007 __________________________ 90007 INSTANT DOWNLOAD 90007 After purchase, you’ll see a ‘View Your Files’ link which takes you to your Downloads Page. Downloads are available the moment your payment is processed. You’ll also receive a download notification email separate from the transaction notification emails you receive from Etsy. For further help, do visit this link: https://www.etsy.com/au/help/article/3949 90007 __________________________ 90007 FAQ 90007 This section answers many of your questions! Kindly go to http: // etsy.me / 2wts3MJ 90003 90004 Thanks for visiting! 90003 90004 © 2020 May PL Digital Art. All rights reserved. 90003 .90000 decorative art | Definition, Examples, & Facts 90001 90002 90003 Decorative art 90004, any of those arts that are concerned with the design and decoration of objects that are chiefly prized for their utility, rather than for their purely aesthetic qualities. Ceramics, glassware, basketry, jewelry, metalware, furniture, textiles, clothing, and other such goods are the objects most commonly associated with the decorative arts. Many decorative arts, such as basketry or pottery, are also commonly considered to be craft, but the definitions of both terms are arbitrary.It should also be noted that the separation of decorative arts from art forms such as painting and sculpture is a modern distinction. 90005 90003 decorative art; tile 90004 Detail of a Victorian tile from a fireplace surround. 90008 © Christopher Elwell / Shutterstock.com 90009 90002 Britannica Quiz 90005 90002 Everything in Art and Design (Part Four) Quiz 90005 90002 Which architectural monument commemorates the Great Fire of London? 90005 90002 The decorative arts are treated in several articles.For treatments of particular decorative arts, see basketry, enamelwork, floral decoration, furniture, glassware, interior design, lacquerwork, metalwork, mosaic, pottery, rug and carpet, stained glass, and tapestry. For a discussion of clothing and accessories, see dress and jewelry. For treatments of decorative arts in particular cultures, see art, African; arts, Central Asian; arts, East Asian; art and architecture, Egyptian; arts, Islamic; arts, Native American; art and architecture, Oceanic; arts, South Asian; and arts, Southeast Asian.See also folk art. 90005.90000 What Was The Baroque Art Movement? 90001 90002 By Benjamin Elisha Sawe on April 25 2017 in Society 90003 90004 The Triumph of the Immaculate by Paolo de Matteis, a painting produced during the Baroque Art Movement 90005 90002 Baroque art began in Rome, Italy in the early 17th century and remained a prevalent style for more than a century.Baroque art was a dramatic and grandeur style that was incorporated in various disciplines such as architecture, music, paintings, and sculpture. The popularity of the art resulted in a movement that spread in most of Europe. 90003 90008 5.Overview of the Baroque Style- 90009 90010 90002 The Baroque art was exuberant and dramatic, and it incorporated precise detail and exaggerated motion in the disciplines of painting, sculpture, music, dance, and architecture.The Baroque Style was designed to appeal to the senses and used iconography that was direct, dramatic and obvious. The most common technique of the Baroque Style is the chiaroscuro trait, which employed the interplay between dark and light to form a highly contrast and dramatic atmosphere. The art rapidly developed with support from the Catholic Church, and until its decline, it was associated with grandeur, vitality, drama and sensuality. 90003 90008 4.History and Development- 90009 90010 90002 The background to the popularity of the Baroque Style began in the early 1500’s, when the Protestant Reformation, championed by Martin Luther, began to take root in Europe.Protestant denominations questioned some doctrines propagated by the Catholic Church, such as salvation by faith alone. The Council of Trent was subsequently convened to draft counter-reformation steps. The Catholic Church moved to re-assert itself in the religious landscape and needed to educate the masses on its doctrines, most of whom were illiterate. The Council of Trent resolved to use art as a tool for education, particularly art that was emotionally intense, dramatic and direct. The necessity for powerfully designed art by the Catholic Church inspired Baroque Style.The style inspired many artists across Europe and was used in paintings such as on ceilings and vaults of churches and palaces. Baroque architecture was incorporated in palaces, domes and bold spaces. The style was manifested differently in European countries in respect to their individual religious and political landscape. 90003 90008 3.Notable Artists and their Works- 90009 90010 90002 One of the most famous Baroque architects was Bernini who designed St.Peter’s Square in Rome. He ringed the square with impressive colonnades to evoke the feeling of being welcomed by the arms of the Catholic Church. The Baroque painter Peter Paul Rubens is renowned for various paintings as the ‘Four Continents’ and ‘Massacre of the Innocents.’ Peter alongside other Baroque painters as Caravaggio and Giovanni Bernini were famed for using clear dramatic, vivid imagery to mostly convey religious themes. Bernini is mostly famed for the painting of ‘St. Theresa in ecstasy ‘.Baroque music composers include George Handel and Johann Sebastian Bach. 90003 90008 2.Decline and Subsequent Successors- 90009 90010 90002 After enjoying massive success throughout Europe, Baroque style began its decline at the end of the 17th century.The decline coincided with the decline of Italy, which was the style’s cradle. In its place came the Rococo Style, championed by France which was the new European power. The Baroque style had been criticized as not being sincere, and the French developed the Rococo style as a resistance to the strict regulations of the Baroque Style. 90003 90008 1.Legacy- 90009 90002 The Baroque Style inspired the Beaux-Arts architecture style that developed in the 19th century and which was used in some modern buildings. The Baroque Style resulted in some majestic landmarks in modern Europe such as the St. Peters Square in Rome, Castellana in Malta, Queluz National Palace in Portugal, Royal Palace of La Granja in Spain, Parish Church of St. Anne in Budapest and St. George’s Cathedral in Romania.90003 .90000 Decorative Applied Art | Article about Decorative Applied Art by The Free Dictionary 90001 90002 a form of decorative art; it embraces a number of branches of art that are devoted to the production of art articles designed mainly to be used in everyday life. 90003 90002 Products of decorative applied art can be various utensils, furniture, textiles, work tools, means of transportation, and clothing and all kinds of ornaments. In addition to classifying works of decorative applied art in keeping with their practical purpose, it has become the practice in scholarly literature since the second half of the 19th century to classify the branches of decorative applied art on the basis of the materials used (metal, ceramics, textiles, wood) or the technique of execution (carving, painting, embroidery, printing on cloth, casting, chasing, intarsia, and so on).This classification is the result of the important role of the designing and technological principles of decorative applied art and its direct ties with production. While solving practical and artistic problems, as does architecture, decorative applied art at the same time belongs to the sphere of creation of material and spiritual values. Products of decorative applied art are inseparable from the material culture of the era in which they are created and have close ties with customs and manners, various local ethnic and national characteristics, and social-group and class distinctions.Since the works of decorative applied art are an inseparable part of the world of objects with which man is in daily contact, their aesthetic qualities, their character, and the images they create constantly affect his mental states and moods and are an important source of emotions that influence his attitude toward the world around him. 90003 90002 While saturating man’s environment aesthetically, works of decorative applied art are at the same time, as it were, absorbed by it, since they are usually apprehended in terms of the environment’s architectural and spatial content and of other objects or sets of objects ( dishes, matched furniture, clothing, jewelry sets) that are a part of it.Hence the ideological content of works of decorative applied art can be completely understood only if one has a clear picture (actual or mentally recreated) of the interaction of the object with man and his surroundings. 90003 90002 The architectonics of an object, which depend on the object’s purpose, the possibilities of the design, and the plastic qualities of the material, often play a fundamental role in the creation of an art article. Not infrequently in decorative applied art, the beauty of the material, the proportional relations of the composite parts, and the rhythmic structure are the only means for embodying the emotional and figurative content of the article (for example, undecorated articles made of glass or some other colorless materials).This is when the particular importance for decorative applied art of purely emotional, nonrepresentational means of artistic expression, whose use is evidence of its kinship with architecture, becomes manifest. The emotionally meaningful image is often evoked by the associative image (the comparison of the form of the article with a drop of water, a flower, the figure of a man, an animal, some of its own elements, or some other article such as a bell or a baluster). 90003 90002 The decoration on an article also has an important influence on its figurative structure.Often an object of everyday use becomes a work of decorative applied art precisely because of the way it is decorated. Possessing its own emotional expressiveness and its own rhythm and proportions (often contrasting with its form, as, for instance, in the works of Khokhloma craftsmen wherein the simple modest form of a bowl and the elaborate festive painting on its surface differ in their emotional impact ), the decoration both changes the form visually and fuses with it into an integral artistic image.In decorating works of decorative applied art, the craftsman makes wide use of decorative design and of elements of the visual arts (sculpture, painting, and more rarely graphic arts) individually or in the most varied combinations. The means of visual arts and decoration not only help create the design in decorative applied art but at times also affect the shape of the object (furniture parts in the form of palmettos, volutes, animal paws and heads; vessels shaped like a flower, like fruit, the figure of a bird, an animal, a man).Sometimes the ornament or figure become the basis for the form of the article (the pattern in a grating or lace; the design of the weave of a cloth or a rug). The need to coordinate the decorative design with the shape and to coordinate the rendering with the scale and character of the article and with its practical and artistic purpose result in the transformation of the figurative motifs and in a conventional treatment and juxtaposition of the natural elements ( for example, in shaping a table leg, the combining of the forms of a lion’s paw, an eagle’s wings, and the head of a swan).90003 90002 The unity of the artistic and utilitarian functions of an article-the interpenetration of form and ornamentation and of figurative and structural principles-reflects the synthetic character of decorative applied art. The products of decorative applied art are intended to be perceived both visually and through touching. Hence, bringing out the beauty of texture and the plastic properties of the material, the diversity of means used to fashion it, and the skill with which it is wrought acquire importance in decorative applied art as particularly active means of exerting an aesthetic influence.90003 90002 Having originated in the earliest period in the development of human society, decorative applied art for many centuries was the most important and, for many tribes and peoples, the principal form of artistic expression. The most ancient works of decorative applied art (dating from prehistoric times), which encompassed an extremely wide range of concepts about man and the universe, contained exceptionally meaningful images and were characterized by concern for the aesthetics of the material, for the aesthetics of objects produced by labor, and for the rational construction of form emphasized by the decoration.This tendency has been retained by folk art, which is devoted to tradition, to this day. 90003 90002 As society became stratified, a leading role in the stylistic evolution of decorative applied art began to be played by its special branch, which was called upon to serve the needs of the ruling social classes and be responsive to their tastes and ideology. Gradually, an interest in the richness of material and decoration, in their rarity and refinement, became increasingly important. Articles used to impress and to awe (objects employed in religious rituals and court ceremonies or to decorate the houses of the nobility) came to the fore, and in creating them, in order to increase their emotional impact, the craftsmen often sacrificed the functional relevance of form construction.However, up to the mid-19th century, the masters of decorative applied art preserved the integrity of their creative thinking and the clarity of their concept of aesthetic ties between the object and the environment for which it is intended. 90003 90002 The formation, evolution, and supplanting of artistic styles in decorative applied art occurred simultaneously with their evolution in other forms of art. Eclectic tendencies that developed in the artistic culture of the second half of the 19th century led to the gradual impoverishment of the aesthetic quality and figurative and emotional content of decorative applied art.The bond between decoration and form was lost, and artistic solutions were supplanted by mere adornment. The artists sought to counteract the predominance of tastelessness and the depersonalizing effect of mass machine production on decorative applied art with unique objects produced on the basis of artists ‘plans under craft conditions of labor (the workshops of William Morris in Great Britain, the Darmstadt Art Colony in Germany) or under factory conditions (the German 90019 Werkbund 90020) and to bring about the renascence of figurative and emotional integrity and ideological content of an artistically meaningful environment.These attempts were developed upon new ideological and aesthetic bases following the Great October Socialist Revolution, which opened up the prospect of creating an artistically meaningful environment in which the masses could work and live. Its ideas and goals inspired the artists who considered art to be one of the effective tools of revolutionary agitation (for example, the so-called agitational porcelain, 1918-25). The task of creating the complex furnishings of a worker’s apartment and of workers ‘communal apartments, clubs, and dining rooms, as well as comfortable work clothes and efficient equipment for a working place, designed for mass factory production, opened creative paths to constructivists in the USSR and to functionalists in Germany and other countries, in many ways anticipating the advent of design.The rebirth of the folk cottage industry in the USSR and interest in the Russian artistic heritage during the 1930’s played an important role in the assimilation of the best technological and artistic traditions of the past by Soviet masters of decorative applied art. However, the approach to works of decorative applied art from the standpoint of easel art and the pursuit of showy effects, which were particularly strongly felt in the years immediately following the Great Patriotic War, noticeably held back the development of decorative applied art.90003 90002 Since the mid-1950’s in the USSR, along with the search for functional and artistically expressive forms and decorations of objects of everyday use produced by the factory method, the artists are busy creating unique works, in which the emotional content of the image is combined with many different ways of treating the simplest materials and with an attempt to bring out the wealth of the materials ‘plastic and decorative potentialities. Such works (as well as the beautiful and unique works made by folk handicraftsmen) are to be highlights in an artistically organized environment formed mainly by less individualized artistic products manufactured at plants and objects that are created on a basis of design planning.90003 90002 90025 REFERENCES 90026 Arkin, D. 90019 Iskusstvo bytovoi veshchi 90020. Moscow, 1932. 90029 Kagan, M. 90019 O prikladnom iskusstve 90020. Leningrad, 1961. 90029 Saltykov, A. B. 90019 Izbrannye trudy 90020. Moscow, 1962. 90029 Chekalov, A. K. 90019 Osnovy ponimaniia dekorativno-prikladnogo iskusstva 90020. Moscow, 1962. 90029 Magne, L. 90019 L’art appliqué aux métiers 90020, vols. 1-8. Paris, 1913-28. 90029 Bossert, H. T. [Editor] 90019 Geschichte des Kunstgewerbes aller Zeiten und Vülker 90020, vols.1-6. Berlin, 1928-35. 90029 Marangoni, G., and A. Clementi. 90019 Storia dell’arredamento 90020, vols. 1-3. Milan, 1951-52. 90003.