Художники по направлению: Поп-Арт — WikiArt.org
направление
Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.
Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:
Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ.
Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)
Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.
Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ.
situation art)[источник не указан 2704 дня].
Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.
Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.
Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии».
Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».
Марио Амайя (англ.)
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Поп-арт5 художников поп-арта, повлиявших на моду
Воспев культуру массового потребления, поп-арт сам стал одним из наиболее цитируемых направлений в современной культуре. Мы выбрали 5 художников поп-арта, которые влияют на моду до сих пор
А мы в этой связи решили вспомнить, какие художники направления поп-арт внесли важный вклад в развитие моды.1. Энди Уорхол
Икона поп-арта, превращавший в произведение искусства в принципе любой продукт широкого потребления, не обошел вниманием и одежду. Знаменитое бумажное платье The Souper Dress, созданное по мотивам его работ с банками супа Campbell’s, положило начало долгой связи Уорхола и моды. Так, в той же коллекции, что и платье «Мондриан», Ив Сен-Лоран обратился к творчеству Энди, используя на трапециевидных платьях коллаж из его портретов. На этом влияние Уорхола на мир моды не закончилось. В 2013 году Dior выпускают коллекцию платьев и аксессуаров с эскизами обуви, сделанными Уорхолом, а Жан-Шарль де Кастельбажак создает ироничное платье с черно-белым портретом отца поп-арта и белым синтетическим мехом вместо волос.
2. Рой Лихтенштейн
По использованию мотивов картин в дизайне одежды и мебели Лихтенштейн занимает чуть ли не первое место.
3. Кит Харинг
Работы Харинга настолько плотно вошли в современную культуру, что в прошлом году универмаг Colette запустил pop-up-магазин, весь заполненный вещами, созданными под влиянием его творчества. Целая коллекция маек, аксессуаров и даже скейтборды пользовались огромной популярностью. Гвоздем модной программы тогда стало платье, придуманное Vivienne Westwood. Это не первый раз, когда модельеры обращаются к творчеству знаменитого ученика Уорхола: дизайнер обуви Николас Кирквуд уже создавал провокационную коллекцию туфель по мотивам работ Кита, впрочем, как и adidas, и даже Томми Хилфигер (дизайнер выпустил резиновые сапоги со знаменитыми человечками Харинга).
4. Такаси Мураками
Один из самых успешных современных японских художников работает в очень близкой к поп-арту стилистике. Источник его вдохновения — культура манга и анимэ. Сам Мураками говорит, что «это более всего представляло современную жизнь Японии». Его интерес к моде как части современной поп-арт-культуры вылился в сотрудничество с Марком Джейкобсом для линии сумок и других предметов коллекции Louis Vuitton. В итоге бутики по всему миру превратились в сказочную «страну Мураками», населенную анимэ-персонажами и по-детски яркими цветами.
5. Яей Кусама
Дом Louis Vuitton вообще занимает первое место по количеству коллабораций с художниками поп-арта. Яей Кусама — японская художница, известная на весь мир своим узнаваемым рисунком в горошек, которым она заполняет комнаты, предметы и даже обнаженные тела своих ассистентов, не стала исключением. В 2012 году результат ее коллаборации с Louis Vuitton превратил бутики бренда в арт-инсталляции, а образ художницы послужил прототипом для манекенов витрин марки по всему миру.
Присоединяйся офлайн к аудиовизуальной инсталляции «Портрет поколения» по случаю 10-летия BURO. — получи иммерсивный опыт.
Купить билетИскусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве
Просмотры: 10 532
История
Джаспер Джонс. Paскрaшeннaя бpoнза. 1960. Paскpaшеннaя бpoнза. Bысoтa 34 см, диaметp 20 смХотя поп-арт начался в начале 1950-х годов, в Америке он получил большой импульс в 1960-х годах. Термин «поп-арт» был официально введен в декабре 1962 года. Поводом стал «Симпозиум по поп-арту», организованный Музеем современного искусства. К этому времени американская реклама приняла много элементов и изгибов современного искусства и функционировала на очень сложном уровне.
Двумя важными художниками в создании американского поп-арта были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг. В то время как картины Раушенберга имеют отношение к более ранним работам Курта Швиттерса и других художников Дада, его заботой были социальные проблемы. Его подход заключался в создании искусства из эфемерных материалов. Используя актуальные события в повседневной жизни Америки, он придал своей работе уникальное качество. Работы Джонса и Раушенберга 1950-х годов классифицируются как нео-дада и
Poберт Pаyшенберг.
Дилаби. 1962. Cмeшaннaя тeхникa. 250 х 170 х 46 cм. Hью-Йopк, Гaлеpeя Coннaбендвизуально отличаются от прототипа американского поп-арта, взорвавшегося в начале 1960-х годов.
В произведениях американских поп-артистов (исключение составляет ранний Ольденбург) мир и искусство, зритель и художник впервые предстают как две анонимные, зеркально отражающие друг друга, разобщенные и одинаково дереализованные данности. Знаменитый в ближайшем будущем поп-артист Джеймс Розенквист в 1963 году сказал: «Анонимность новейшей истории поражает меня». Анонимный — безымянный, не имеющий устойчивого личного образа, возможно, безобразный. Слово «образ», связанное с традиционной эстетикой, пора менять на слово «имидж», более летучее, нестойкое, конвенциональное, внеистинное образование. Поп-арт демонстрирует обращенный к каждому соблазн прекрасного нового мира и одновременно указывает на то, что это — соблазн упаковки, бликующей поверхности, соблазн телеэкрана, транслирующего обществу мечты о процветании, урбанистическом рае для всех вперемешку с мелькающими катастрофами и политикой, фокусы которой показывают быстро сменяющие друг друга персонажи.
Все образы поп-арта пропущены сквозь адаптивные машины масс-медиа, которые и делают любое явление несубстанциальным, подобным пустой оболочке самого себя.
Выставки
Джордж Сегал. Пopтрет Cиднея Джениса с кaртинoй. Moндpианa. 1967. Смешанная техника. 177 x 143 х 69 см. Hью.Йopк, Мyзeй сoвpемeннoгo искyсствa, Koллекция Сиднея и Хаppиет ДжeнисoвВ апреле 1963 года поп-арт окончательно получает свое имя по названию выставок «Популярный образ» в Вашингтонской галерее современного искусства и «Популярное искусство: Художественные проекции общеамериканских символов» в галерее Нельсона и музее Аткинса в Канзас-Сити. Тогдашняя художественная общественность в массе своей негативно воспринимала поп-арт как популистскую критику абстракционизма, только что утвердившегося в качестве высокого американского модернизма. Действительно, в 1964 году Лихтенштейн делает работу «Композиции», иронически представляя сходство между живописью абстрактного экспрессионизма и обложкой для учебной тетради.
Позднее аналогичную картину об абстракционизме как об условном знаке творческой спонтанности показывает создатель немецкого поп-арта, или капиталистического реализма, Зигмар Польке. То, что поп-арт диагностирует одинаковую стандартизацию в области производства и распространения вещей и в сфере создания произведений искусства, показывает унификацию сознания современного человека, многим не нравилось. И в 1964 году на авансцене американского искусства появляется другая версия того, каким должно быть актуальное творчество: главное теперь — очищение стандартной формы от каких бы то ни было ассоциаций с конкретными вещами. Поп-арт подвергается не только внешнему, но и внутреннему давлению. К середине 1960-х годов поп-артисты становятся звездами, а их произведения — таким же рыночным искусством, как и абстрактная живопись. Критика общества потребления служит топливом для разжигания художественного рынка. Артур Данто считал, что поп-арт искупает массовую культуру, исправляет судьбу вещей, которые дороги миллионам.
Автор статьи «Shop After Pop» («Магазин после попа») Том Вандербильт отмечает, что в середине 1960-х двусмысленность этой искупительной жертвы с неизбежностью выходит на первый план: «Клэе Ольденбург однажды назвал это сущим
барышничеством, вспоминая телевизионное шоу, в котором „продавец поп-арта …продает поп-арт, чтобы добыть денег на покупку Пикассо». Неомодернизм переосмысливает стандартизацию и ведет поиск модульной первичной формы современного искусства и реальности. Ведь современность должна быть универсальной как формула, а не как моющее средство.
У Класа Олденбурга, Джима Дайна и Тома Вессельмана были первые показы в галерее Джадсона в 1959 и 1960 годах, а затем в 1960–1964 годах вместе с Джеймсом Розенквистом, Джорджем Сигалом и другими в Зеленой галерее на 57-й улице Манхэттена. В 1960 году Марта Джексон показала инсталляции и сборки в New Media — были представлены Ганс Арп, Курт Швиттерс, Джаспер Джонс, Клас Олденбург, Роберт Раушенберг, Джим Дайн и Мэй Уилсон.
1961 год был годом весеннего шоу Марты Джексон «Окружающая среда, ситуации, пространства». Энди Уорхол провел свою первую персональную выставку в Лос-Анджелесе в июле 1962 года в галерее Ferus Ирвинга Блума, где он показал 32 картины банок для супа Кампелла, по одной на любой вкус. Уорхол продал набор картин Блюму за 1000 долларов; в 1996 году, когда его приобрел Музей современного искусства, набор был оценен в 15 миллионов долларов.
Дональд Фактор, сын Макса Фактора-младшего, коллекционер и соредактор авангардного литературного журнала Nomad, написал эссе в последнем номере журнала Nomad / New York. Эссе было одним из первых о том, что станет известным как поп-арт, хотя Фактор не использовал этот термин. Эссе «Четыре художника» было посвящено Рою Лихтенштейну, Джеймсу Розенквисту, Джиму Дайну и Класу Ольденбургу.
В 1960-х годах Ольденбург, который стал связанным с движением поп-арта, создал много перформансов, которые были производством того времени, связанным с перформанс-искусством.
Название, которое он дал своим собственным постановкам, было «Театр Рэй Ган». Актеры-коллеги, принявшие участие в выступлениях: артист Лукас Самарас, Вессельман, Кароль Шиманн, Фальстрёй и Ричард Артшвагер; дилер Аннина Носей; искусствовед Барбара Роуз и сценарист Руди Вурлицер. Его первая жена была постоянной исполнительницей в его перформансах. Этот дерзкий, часто юмористический подход к искусству в значительной степени расходился с преобладающей позицией, что по своей природе искусство имеет дело с «глубокими» выражениями или идеями. В декабре 1961 года он арендовал магазин в Нижнем Ист-Сайде на Манхэттене, чтобы разместить «Магазин» — месячную инсталляцию, которую он впервые представил в галерее Марты Джексон в Нью-Йорке, со скульптурами, примерно в виде товаров народного потребления.
Открывшийся в 1962 году нью-йоркский арт-дилерский магазин Виллема де Кунинга, Sidney Janis Gallery,
Роберт Индиана. Большая восьмерка. 1968. Холст, акриловые краски. 220 х 220 см. Кёльн, музей Людвигаорганизовал новаторскую Международную выставку новых реалистов, обзор нового американского реализма в Америке, Франции, Швейцарии, Италии и Британский поп-арт.
Среди 54 представленных художников были Ричард Линднер, Уэйн Тибо, Рой Лихтенштейн (и его картина Блам), Энди Уорхол, Клас Олденбург, Джеймс Розенквист, Джим Дайн, Роберт Индиана, Том Вессельманн, Джордж Сигал, Питер Филлипс, Питер Блейк, Ив Кляйн, Арман, Даниэль Споерри, Кристо и Миммо Ротелла. Шоу увидели в Нью-Йорке европейцы Мартиал Рейссе, Ники де Сен-Фалль и Жан Тингели, которые были ошеломлены размером и внешним видом американского искусства. Магазин потерял некоторых из своих художников-экспрессионистов, когда Марк Ротко, Роберт Мазервелл, Адольф Готтлиб и Филипп Густон вышли из галереи, но получил Дайна, Ольденбурга, Сигала и Вессельманна. На вечере премьеры, организованном коллекционером Бертоном Тремейном, появился Виллем де Кунинг, от которого Тремейн отвернулся, владея несколькими работами де Кунинга. Розенквист вспоминал: «В тот момент я думал, что что-то в мире искусства определенно изменилось». Отказ от уважаемого абстрактного художника доказал, что уже в 1962 году движение поп-арта стало доминировать в художественной культуре Нью-Йорка.
Чуть раньше на Западном побережье Рой Лихтенштейн, Джим Дайн и Энди Уорхол из Нью-Йорка, Филипп Хеффертон и Роберт Дауд из Детройта, Эдвард Руша и Джо Гуд из Оклахома-Сити и Уэйн Тибо из Калифорнии был включен в шоу «Новая картина общих объектов» . Эта первая выставка музея поп-арта в Америке курировалась Уолтером Хоппсом в Художественном музее Пасадены. Поп-арт был готов изменить мир искусства. Нью-Йорк последовал за Пасаденой в 1963 году, когда в музее Гуггенхайма были представлены шесть художников — Джим Дайн, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист и Энди Уорхол. Еще одной ключевой ранней выставкой был Американский супермаркет, организованный Галереей Бьянкини в 1964 году. Шоу было представлено как типичная среда небольшого супермаркета, за исключением того, что все в нем — продукты,
Дэвид Хокни.
Изображени коробки чая в иллюзионистическом стиле. 1961. Холст, масло. 198 х 76 см. Лондон, Галepея Tейтконсервы, мясо, плакаты на стене и т. д. — было создано поп-артистами того времени, в том числе Эппл, Уорхолом, Лихтенштейном, Вессельманом, Ольденбургом и Джонсом. Этот проект был воссоздан в 2002 году как часть Tate Gallery «Shopping: Век искусства и потребительской культуры».
К 1962 году поп-артисты начали выставляться в коммерческих галереях в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе; для некоторых это было их первое коммерческое шоу. Галерея Ferus представила Энди Уорхола в Лос-Анджелесе (и Эда Руша в 1963 году). В Нью-Йорке в Зеленой галерее были представлены Розенквист, Сигал, Ольденбург и Вессельманн. Stable Gallery показал Р. Индиану и Уорхола (в его первой выставке в Нью-Йорке). Галерея Лео Кастелли представила Раушенберга, Джона и Лихтенштейна. Марта Джексон показала Джима Дайна, а Аллен Стоун показал Уэйна Тибо. К 1966 году, после закрытия Зеленой галереи и галереи Феруса, Галерея Лео Кастелли представляла Розенквиста, Уорхола, Раушенберга, Джона, Лихтенштейна и Руша.
Галерея Сидни Дженис представляла Ольденбурга, Сигала, Дайна, Вессельманна и Марисоль, в то время как Аллен Стоун продолжал представлять Тибо, а Марта Джексон продолжала представлять Роберта Индиана.
В 1968 году на выставке Сан-Паулу «Окружающая среда США: 1957–1967» была представлена выставка «Кто есть кто» в поп-арте. Рассматриваемая как суммирование классической фазы американского периода поп-арта, выставка курировалась Уильямом Сейцем. Художниками были Эдвард Хоппер, Джеймс Гилл, Роберт Индиана, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Клас Олденбург, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол и Том Вессельманн.
Ольденбург
Клас Ольденбург. Мягкая печатная машинка. 1963. Хoлст, aкpилoвыe кpаски, хлопкoвoe вoлoкнo, деревянные oснова и детали, шпагaт. 23х66х70см. Частная кoллeкцияВ 1961 году Клас Ольденбург, сын европейского дипломата и нью-йоркский художник, арендовал помещение небольшого магазинчика в Нижнем Манхэттене и превратил его в действовавший около года инвайронмент — окружающую среду из своих произведений, которые продавались всем желающим.
Произведения были созданы из разрисованного гипса, объединяла их не только технология — разбрызгивание краски по поверхностям, но и тема: это были имитации вещей и продуктов, обычно продающихся в дешевых магазинах. Как Джаспер Джонс, «Новые реалисты» и духовные отцы всех евро-американских работников с предметом сюрреалисты, Ольденбург выбрал источником своего вдохновения муляжи в витринах магазинов. В отличие от «Новых реалистов», которые занимались аранжировкой подлинных вещей, эстетизируя рэди-мэйд, Ольденбург творчески интерпретирует своих непосредственных предшественников в Нью-Йорке, прежде всего Джаспера Джонса, создавая рукотворный
«готовый объект», то есть извращая рэди-мэйд. Как и упомянутые выше художники, Ольденбург делает ценными, перенося в пространство искусства, неказистые реплики расхожих, поношенных, бывалых спутников человеческой жизни, имитации надкушенных лакомств, иногда просто мусор. Однако его «Чизбургеры со всякой всячиной» или «Гигантское мороженое», названное в 1962 году после выставки в галерее Green напольной скульптурой, разительно отличались от продукции как Джонса, так и Армана или Споерри своей очевидной антитрадиционностью, новым пониманием того, как надо делать современное искусство.
Если Джонс формовал электрическую лампочку в мастерской скульптора, а «Новые реалисты» создавали из бедных предметов красивые дизайнерские композиции для музеев актуального искусства и новейших интерьеров, то Ольденбург нашел способ так «портретировать» вещи, что антиэстетическая суггестия образов выводила за собой искусство обратно на улицы. Ольденбург перешифровал ритм реальности без потерь, многократно его усилив и драматизировав.
Ольденбург говорил о том, что хочет творить, как природа, и ему реально удались новые объекты с такой мощной энергетикой, которая позволила исследователю творчества художника Дж. Челанту назвать их «живорожденными» (ready-born), а не «сделанными» (ready-made). К этому результату Ольденбург приходит благодаря двум гениальным решениям. Во-первых, он переносит глубоко личную жестовость абстрактно-экспрессионистической фактуры из общественной сферы музейной живописи, где спонтанное и искреннее высказывание уже находится под подозрением, в среду обыкновенных предметов, где нет необходимости притворяться.
Таким образом, Ольденбург спасает живописность и инвестирует художественную энергию Поллока в новую сферу. Ольденбург в этом отношении выполнил программу другого американского художника, Алана Кэпроу, который в статье 1958 года для журнала «Art News» так оценил перспективы поллоковской традиции: «Поллок… оставляет нас там, где мы оказываемся
во власти или даже в ослеплении от предметов повседневной жизни, собственного тела, одежды, комнат или, если потребуется, пространства 42-й улицы. Не будучи удовлетворенными тем, как краска выражает другие наши чувства, мы используем особенную субстанциальность зрения, слуха, движений, людей, запахов, касаний. Предметы любого сорта — материалы нового искусства: краски, стулья, еда, электрические и неоновые лампы, дым, вода, старые носки, собака, кино, тысячи других вещей, которые еще откроет настоящее поколение художников. Эти смелые творцы не только покажут нам, словно впервые, мир вокруг нас, который мы не замечаем, они откроют совершенно неслыханные явления (хэппенинги) и события в мусорных бочках, полицейских файлах, вестибюлях отелей… Все станет материалом для нового конкретного искусства».
(В 1961 году Кэпроу превратил задний двор галереи Марты Джексон в абстрактный инвайронмент по Поллоку, хаотично завалив его автомобильными покрышками, кое-где тронутыми краской.) Во-вторых, Ольденбург последователен в подходе к фактуре: живопись жеста ложится не на музейную бронзу, как в скульптуре Джаспера Джонса, представляющей памятник двум банкам пива, а на родные улице по смыслу, по судьбе гипс, мешковину и упаковочный картон. Причем эти дешевые материалы художник показывает героическими, максимально «накачав» объем и площадь фактуры, сделав поверхность мороженого из разрисованного холста, набитого поролоном и картонными коробками, огромной и драматической. И любой зритель, попавший в «Магазин» или на выставку объектов Ольденбурга, обнаруживал себя в окружении монументальных образов из собственной повседневной жизни.
В «живорожденных» муляжах Ольденбурга, кажется еще искаженных родовой судорогой, образ современности становится суггестивно авторским, уникальным, биографическим, апеллируя вместе с тем к универсальному опыту большинства обитателей мегаполиса, тех, кто никогда не был в художественном музее и знаком лишь с низовыми уровнями городской жизни.
Ольденбург сумел придумать и реализовать такую новую скульптурную форму, которая, будучи монументальной и мемориальной, сохранила себя живой, незапакованной, открытой взгляду и ждущей прикосновения, как готовая к использованию функциональная вещь, но и при этом была эстетически взрывной, поскольку чего- чего, а привлекательности в объектах Ольденбурга не было вовсе, скорее, всем своим видом они предупреждали о стрессе городской жизни, как предупреждают о возможности наткнуться на оголенный электропровод. Между «Магазином» и улицей установилась энергетическая связь, совершенно необходимая для более пристального и глубокого понимания необратимых перемен, изменяющих все в мире.
Отправившись в путешествие по цветущей Калифорнии в 1963 году, Ольденбург неожиданно меняет жизнеутверждающую тональность своего раннего творчества. Его новое произведение под названием «Спальня» входит в историю как памятник серийной энтропии. Это повторение настоящего гостиничного интерьера, в котором фактуры панельных покрытий, покрывал, абажуров, мебельных тканей передает один материал — резина с модными узорами под зебру или леопарда в синтетических голубой или розовой гаммах.
Подлинность жизни неказистых ранних произведений здесь начинает вытеснять анилиновая раскраска. Холодный ровный блеск резиновых поверхностей напоминает о стандартных морозильных камерах морга.
Уорхол
Энди Уорхол. Большая банка супа Тома Кэмпбелла (oвoщнoe pary). 1962. Xoлст, маслo. 274 х 152 cм. Чaстнaя кoллекцияГлавным действующим лицом в новой истории американского искусства по праву считается Энди Уорхол.
Энди Уорхол, наверное, самая известная фигура в поп-арте. Фактически, искусствовед Артур Данто однажды назвал Уорхола «самым близким к философскому гению, которого породила история искусства». Уорхол пытался превратить поп-арт за пределы художественного стиля в стиль жизни, и его работа часто демонстрирует отсутствие человеческого влияния, которое обходится без иронии и пародии на многих его сверстников.
Вскоре после 1960 года он становится лидером так называемого поп-арта. Для Уорхола такой ход был более органичен, чем для других, поскольку он по образованию и призванию был не художником-живописцем, а дизайнером (в смысле fashion designer) и специалистом по моде и рекламе.
Использование рекламного дизайна как месторождения ресурсов для современной живописи начинает в Нью-Йорке в 1961-1962 годах Энди Уорхол, который уже лет десять как был признанным профессионалом в рекламной графике и мог на свои гонорары покупать дорогое актуальное искусство, например Джаспера Джонса. В 1962 году на выставке в Лос-Анджелесе он показывает 32 картины одного формата, размещенные четырьмя рядами по восемь штук в каждом с равными интервалами. На каждом холсте вручную изображена банка консервированного супа фирмы «Кэмпбелл», точнее, одна из серии банок, поскольку содержание
Энди Уорхол. 80 двухдолларовых банкнот. 1962супа, указанное на этикетке, всякий раз новое: куриный с лапшой, луковый, мясной, томатный, овощной с индейкой и т. д. Примечательно, что под рядами картин прибиты длинные полки, словно бы картины стоят на них, как продукты в супермаркете. Этот последний штрих, этот прием инсталлирования также был нов. Сама идея перерисовать разрекламированный продукт уже была освоена Фернаном Леже, Стюартом Дэвисом и Джеральдом Мёрфи в 1920-е годы. В предмете изображения, то есть банке супа, не было ничего нового: наоборот, это был классический, старинный бренд. По сведениям Кирка Варнедо, в 1961 году фирма отметила, что цена такой банки неизменна уже тридцать девять лет, а упаковка и этикетка были созданы еще в 1912 году и с тех пор тоже не менялись. Таким образом, Уорхол использовал в качестве прототипа, в сущности, академический образ. Но представление этого образа было новым: в пространстве галереи картины были показаны как серия товара одного наименования в супермаркете.
Поп-арт — это движение, направленное против картины, против музея, против эстетизма. Техника в поп-арте не важна: можно использовать фотографию и печатную графику, шелкографию или живопись.
Энди Уорхол. 129 пoгибших в реактивном самолете. 1962Дело не в средствах, так что специальной оппозиции против живописи тут не было. Можно и кистью писать, а можно и не писать. Средства (медии) художника не ограничены. Главное — произведение должно вводить нас в средоточие потребительского общества с его вещами и массовыми коммуникациями. Уорхол изображает товары массового спроса и долларовые банкноты, звезд кино, физиономии сенсационных личностей разного рода, аварии на дорогах, бутылки кока-колы и другие сюжеты, демонстративно принадлежащие к сфере самой пахучей массовой культуры. Живописание в обычном смысле (как эстетический, освященный музейной мифологией акт) здесь, разумеется, отсутствует. Умелое и основательное выделывание живописной фактуры, которое увлекало Джаспера Джонса, даром не нужно Уорхолу. Чаще всего берется фотография и посредством каких-либо технических приемов воспроизводится множество раз либо увеличивается до огромных размеров. Если изображение пишется кистью, то это полугладкая условная скоропись, как в рекламных щитах. Принцип тиражирования (один из принципов массовой культуры) строго соблюдается, и довольно часто применяется техника шелкографии.
Характерным образом Уорхол объявляет, что хотел бы сделаться машиной и видеть вокруг себя также машины, и чтобы все люди думали и чувствовали бы одинаково, и всем были бы приятны вещи вокруг них. Уорхол предлагает искусству не играть в героизм, не противостоять данному типу цивилизации, не приставать к современному человеку с напоминаниями о «вечных ценностях» и «великих истинах». Они, быть может, даром не нужны этому самому человеку. Лучше подружиться с ним, но не настырно и
Энди Уорхол. Золотая Мэрилин Монро. 1962истерично, как идеологи (любовь которых к людям столь же отвратительна, как и ненависть). Художнику и интеллектуалу надлежит быть отстраненным, ироничным, прохладным и благодушно безразличным. To be cool — вот выход из положения.
В 1964 году в Нью-Йорке в галерее «Bianchini» Уорхол участвует в выставке, которая прямо названа «Американский супермаркет», где художники показывают и продают имитации товаров. Он предлагает вниманию зрителей деревянные кубы, имитирующие упаковки кетчупа «Хайнц». Уорхол первым поднял тему, очень модную в начале XXI века благодаря тому, как ее в 1998 году емко сформулировал Мишель Уэльбек: мир как супермаркет.
На это подлинно философское открытие Уорхола нашлось множество критиков, которые хотели видеть мир принципиально другим. Так, уничижительному разбору художник подвергся в работе советского эстетика Михаила Лифшица под названием «Феноменология консервной банки» (1968), подразумевающим свысока, что изображение консервной банки никак не может быть художественным феноменом, вместилищем онтологического смысла. Лифшиц стремился продемонстрировать, насколько ничтожным является конец западного искусства и философии, одним из лозунгов которой был призыв основателя феноменологии Эдмунда Гуссерля «Назад, к самим предметам!», нацеленный на спонтанное выявление сферы чистого сознания, смысловой сферы восприятия, где интерферируют пространства сознания и предмета. Из текста Лифшица следовало, что художник показывает полную девальвацию культурного сознания западного общества, посвятившего себя бессмыслице и банальщине. Лифшиц как опытный пропагандист соцреализма делал неявными два важных обстоятельства. Во-первых, он намеренно не замечал, насколько глубоко серийность проникла во все циклы современного художественного производства, в том числе и соцреалистического; во-вторых, он предпочитал умалчивать о том, что поп-арту принципиально чужд феноменологический подход, которому следовали как раз художники-модернисты 1950-х годов. Уорхол предложил иной способ понимания мира, антипатичный модернистским живописцам: сознание индивида не обволакивает уникальный предмет, но через серийный предмет адаптируется к имперсональной реальности машинной цивилизации. Уорхол был первым, кто представил необратимость положения вещей, кто констатировал глобальное проникновение усредняющих признаков современной цивилизации в жизнь каждого человека. И более того, он предложил по крайней мере два способа отношения к этим фатальным изменениям культуры и общества. Первый способ заключался в том, что можно любить и разделять с другими мир, в котором живешь. Уорхол неоднократно заявлял, что изображает деньги, Элвиса и суп «Кэмпбелл» именно потому, что все это ему очень нравится, составляет его жизнь точно так же, как и жизнь множества его сограждан, вне зависимости от их социального положения. Художник, навигатор в мире уже готовых поп- образов, мимикрирует под анонимного производителя массовой культуры, предлагая зрителю разделить процесс коллективной социальной динамики образа.
Однако, иронично демонстрируя общедоступность искусства, провоцируя зрителя думать, что художником легко может быть каждый, Уорхол в тиражных повторениях банок супа, долларов, цветов, газетных фотографий Джекки Кеннеди и Мэрилин Монро «отправлял» образ в жизнь с непременным авторским вмешательством. Свидетельства этому очевидны: и ранние тщательные изображения банок, любовно пройденные кисточкой, и долларовые банкноты, в набросках проработанные карандашом, и светские портреты таких поп-звезд, как коллега Рой Лихтенштейн или певец Мик Джаггер, в каждом из которых по основе из фотоснимка, переведенного в большой формат и растиражированного шелкографским способом, Уорхол сделал финальную композицию линиями акриловой краски, типически выделяя характер и значение личности портретируемого. Так, в портрете Лихтенштейна Уорхол голубым контуром акцентирует глаза и брови, очертания лица, никак не дифференцируя обширные телесные поверхности лба, щек и
Энди Уорхол. Консервная банка от кэмпбелловского супа. 1968подбородка и словно бы выводя изображение в сферу пространственной пустоты, кругл ости, где остается один внеличностный взгляд, сканирующий всю эту сферу с постоянной пристальностью. Трудно представить себе более адекватный портрет художника, который к 1962 году изобрел увеличенные и тем самым пространственно опустошенные и очищенные для медитативного смотрения имперсональные паттерны поп-культурного трэша.
В 1963 году Уорхол повторяет прием многократного тиражирования образа, воспроизводя, опять-таки маслом на холсте, в черно-белом варианте изображение Джоконды под названием «Мона Лиза (Тридцать лучше, чем одна)». В вертикальный формат вписаны пять рядов по шесть портретов в каждом. Уорхол и здесь делает предметом своего рисования-тиражирования универсально известный образ: портрет Джоконды, должно быть, единственная картина в мире, к которой тянется ежедневная очередь. В качестве предмета потребления образ Джоконды, встречающийся на открытках и значках, не уступает продуктам повседневного спроса, таким как еда и одежда. Уорхол демонстрирует два смысловых аспекта нового массовидного образа реальности: он тиражей, доступен каждому; он пуст и не доступен никому, поскольку глаз не может сфокусироваться, видя множество идентичных объектов, не может идентифицировать оригинал, прообраз. Зоологам известен эффект множества одинаковых особей, которые всей поверхностью стаи как зеркальный экран отражают взгляд хищника. Уорхол предъявляет взгляду образ множества как пустоту, визуальную мантру, повторяя которую человек свободно движется через границы мира-как- супермаркета, поскольку они становятся прозрачными.
Подобно британским поп-артистам и «Новым реалистам», Уорхол практикует экологический подход к
Энди Уорхол. Оpанжевая автoмo6ильнaя aвapия, 10 пoвтopeний. 1963реальности, занимаясь ресайклингом внешности вещей и имиджей поп-культуры. Однако его система имеет одно важное отличие. Если в британском поп-арте медиа-образ подвергается очевидной иронической критике и никогда не воспринимается как нейтральная, «ландшафтная» деталь современного мира, если Арман, Сезар и Споерри с такой же иронией компонуют предметы, выдавая их скопления за произведения авторского искусства, Уорхол демонстрирует парадоксальную позицию. Она равно дистанцирована от любого тиражированного имиджа, взятого на воспроизведение, будь то репортажный снимок расовых волнений, будь то бесконечные ряды бутылок кока-колы; она сохраняет свободу от предмета изображения, и вместе с тем это — метапозиция всеприятия, признающая, следовательно, свободу и за предметом изображения. Если модернистское искусство стремилось изменить мир, в частности, улучшить его или сделать его иным, совершая мысленное и физическое насилие над предметом, Уорхол указывает, что мир — это данность, что взаимодействие с миром должно быть осторожным, «акупунктурным».
Лихтенштейн
Рой Лихтенштейн очень важен для американского поп-арта. Его работа и использование пародии, вероятно, определяет основную предпосылку поп-арта лучше, чем любая другая. Выбрав старомодный комикс в
Рой Лихтенштейн. Такка-Такка. 1962качестве предмета, Лихтенштейн создает четкую композицию с резкими краями, которая документирует и в то же время мягко пародирует. Лихтенштейн использовал масло и краску Magna в своих самых известных работах, таких как «Drowning Girl» (1963, на превью), которая была взята из главной истории в комиксах «Тайные сердца». (Работа входит в коллекцию Музея современного искусства.) Его работы отличают толстые контуры, смелые цвета и точки Бен-Дея для представления определенных цветов, как будто они созданы при фотографическом воспроизведении. Лихтенштейн сказал: «[абстрактные экспрессионисты] положили вещи на холст и отреагировали на то, что они сделали, на цветовые позиции и размеры. Мой стиль выглядит совершенно по-другому, но природа отрисовки линий почти такая же; моя просто не выгляди каллиграфически, как у Поллока или Клайна». Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, добавляя в смесь юмор, иронию и узнаваемые образы / контент.
Рой Лихтенштейн. М — может быть. 1965Изобретение Лихтенштейна, основанное на использовании комиксов, соответствовало второму способу отношения к современности, предложенному Уорхолом специально для тех, кто не может полюбить эту современность. Этот способ заключается в фильтрации или абстрагировании попсового образного смога, каждый день того же самого, с целью достижения прозрачности мира и собственного сознания.
Рой Лихтенштейн. Портрет мадам Сезанн. 1962Лихтенштейн придумал несколько приемов, позволяющих повысить формализацию изображения, нейтрализуя содержание комикса: он превращает в видимую основу растровые точки, за которыми, если перенастроить глаза, раскрывается всегда одна и та же пустота основы; кроме того, он исправляет композиции комиксов, освобождая их от суеты сюжета. Абстрагирование образов, открытых 24 часа и размножающихся в геометрической прогрессии, позволяло вобрать взглядом всю эту урбанистическую мультипликацию реклам, витрин и по-новому освоить «расширенное смотрение», освобождающее сознание от мелких подробностей, открывающее вечность Ничто за кипением симулякров.
Картины Лихтенштейна, как и картины Энди Уорхола, Тома Вессельмана и других, имеют прямую привязанность к общепринятому образу американской массовой культуры, но в то же время относятся к предмету безлично, ясно иллюстрируя идеализацию массового производства.
Розенквист
Американский художник и один из крупнейших представителей поп-арта. Опираясь на его опыт работы в знаковой живописи, произведения Розенквиста часто исследовали на предмет роли рекламы и
Джеймс Розенквист. F lll. 1964-1965. Холст, маслo. 305 x 2621 см. Hью. Йоpк, Мyзей сoвpeменнoгo искyсства. Даp мистеpa Алeксa Л. Хиллмана и миссис Лилли П. Блисспотребительской культуры в искусстве и обществе, используя методы, которые он изучил, делая коммерческое искусство для изображения популярных культурных икон и обыденных предметов. Хотя его работы часто сравнивают с работами других ключевых фигур поп-арта, таких как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, произведения Розенквиста были уникальны тем, что они часто использовали элементы сюрреализма, используя фрагменты рекламы и культурные образы, чтобы подчеркнуть подавляющий характер рекламы.
Розенквист учился в одной школе вместе с Ольденбургом и Робертом Индианой, а затем вместе они посещали уроки рисования. Лишь после этих занятий Розенквист нашел себя в рекламе.
Розенквист не боялся соприкосновения с коммерческим искусством. Он создавал картины, используя техники, изученные им во время работы рекламным художником. Решение увеличивать размер живописной
Джеймс Розенквист. Джоан Кроуфорд.1964поверхности так сильно, чтобы зрителю не удавалось охватить ее одним взглядом, также основывается на хитроумных рекламных стратегиях. Искусственный мир работ Розенквиста не имеет отношения к обычным проявлениям реальности, в том числе к природе, их заменяет искусственная действительность популярной культуры, захватывающая и одновременно угрожающая.
Розенквист крадет у рекламы ее убедительность, содержание и функцию. Неожиданно она превращается в эстетический феномен.
Работы Дж. Розенквиста, как правило, представляют собой соединение разорванных, созданных в различных пропорциях изображений, которые мастер умело комбинирует и противопоставляет, создавая при этом смысловые композиции, зачастую воспринимаемые абстрактным или провоцирующим образом. Кроме произведений живописи, работал в области коллажа, графики и рисунка. Работы Дж. Розенквиста оказали существенное влияние на творчество ряда художников последующих поколений.
Вессельман
Вессельман в начале своей творческой карьеры увлекается экспрессионизмом, затем пишет свои картины в
Том Вессельман. Kvpильщик 1 (Pот №2). 1967. Xoлст. маслo. 2 чacти. 277х216 cм. Hью-Йopк, Myзeй оoвpемeннoгo искyсствa, фoнд Cьюзeн Mopзe Хиллeсстиле поп-арт, став одним из крупнейших представителей этого направления. Мотивацию для своих работ, изображающих в основном обнажённое женское тело в различных сексуальных положениях, Художник подыскивал в рекламных материалах 60-х — 70-х годов XX века — в постерах, проспектах, плакатах, кинематографе. Начиная с 1983 года он работает и по металлу, вырезает свои рисунки на металлических плитах лазерным лучом.
Особенно репрезентативны произведения Тома Вессельмана из серии «Великая американская обнаженная», в которых художник изображает нечто вроде стандартной потребительской корзины популярных имиджей, куда
Том Вессельман. Пейзаж № 2. 1964. Хoлст, фoтoгpaфия, мaслo, плaстик. l93 x 239 см. Kёльн, Мyзей Людвигaвходят символы универсального эротического соблазна, государственной власти и достатка. Причем от 1961 года, когда серия начинается, к середине 1960-х годов репрезентация соблазна современной жизни становится все более плотной и одномерной. Если в ранних картинах художник представляет высшую метафорическую степень власти, оперируя знаками американского флага и высокой культуры (Вессельман стилизует в первых «Обнаженных» натуру Матисса), то в более поздних работах он переходит от живописи к инвайрон- ментам, используя в них реальные предметы, фотообои, в данном случае выполняющие свое второе назначение — служить суррогатным видом из окна. В исполнении Вессельмана мир абсолютно доступен и, со второго взгляда, абсолютно пуст, в смысле неодушевлен. Населенным по-человечески его не делает даже включение живого тела. Будучи поровну разделенным на всех, мир теряет качество воображаемой глубины, внутренней или душевной проекции, интроспекции.
- Андреева Е.Ю. Постмодернизм : искусство второй половины XX — начала XXI века. — СПб., 2007.
- Хонеф К. Поп-арт. — Москва: Taschen / «Арт-родник», 2005.
- https://en.wikipedia.org/wiki/Pop_art#United_States
Вконтакте
Google+
LiveJournal
Одноклассники
Мой мир
поп-арт Storytelling, или Истории в рисунках с художником-декоратором Ариной Грудиной Культурный центр «Меридиан»
с 14 по 31 Октября 2020
Storytelling, или Истории в рисунках с художником-декоратором Ариной Грудиной
Режим COVID-free. Посещение мероприятий Культурного центра «Меридиан» возможно только при наличии QR-кода, паспорта и защитной маски.
Сторителлинг. У этого инструмента множество достоинств, но основные — завладеть вниманием и вызвать эмоциональный отклик. О том, как убедительно и интересно донести любую информацию с помощью рисунка, новый проект молодого талантливого художника-декоратора Арины Грудиной. Первая встреча из цикла «Storytelling» состоится онлайн, она посвящена художественному движению, появившемуся в середине 1950-х годов и достигшему пика в 60-е — поп-арту.
Поп-арт — это стиль, перенёсший потребительскую культуру в область искусства и научивший человечество видеть прекрасное в тридцати трёх банках супа. Главным объектом поп-арта является массовая культура того времени: реклама, комиксы, обыденные предметы, новости, лейблы и доля китча. Это обыденная простота, которая понятна каждому потребителю.
На встрече мы окунемся в атмосферу этой культуры, вспомним двух самых ярких представителей направления (Роя Лихтенштейна и Энди Уорхола) и научимся рисовать картину в стиле Pop Art.
Арина Грудина — профессиональный художник-сценограф (мастерская театральной живописи МГАХИ им. Сурикова), художник-декоратор Культурного центра «Меридиан», обладатель медали Академии художеств РАХ. В её творческой мастерской узнаём о самых популярных техниках живописи и учимся не бояться работать с самыми разными красками.
Когда: 14 октября в 12:00
Где: YouTube и Вконтакте
В Петербурге показали, как король поп-арта повлиял на русское искусство
Необычные Микки, пицца, деньги — и не такое увидишь на выставке «Энди Уорхол и русское искусство», где представлено 100 знаковых произведений короля поп-арта вместе с работами российских современных художников. Авторы проекта поставили амбициозную задачу — одновременно рассказать о судьбе и творчестве Энди и проследить его влияние на отечественное искусство. Объять необъятное не удалось, однако на выставку попали действительно знаковые работы, которые стоит увидеть в одном «котле».
Символично, что выставка «Энди Уорхол и русское искусство» открылась в новом арт-пространстве Петербурга «Севкабель Порт», расположенном на территории действующего кабельного завода. Уорхол тоже «варил» свое новое искусство на «Фабрике». Арт-студия, которая первоначально располагалась на Манхэттене, а позже не раз меняла адреса, стала настоящим заводом по производству искусства и одновременно точкой притяжения музыкантов, писателей, художников, фотографов и режиссеров. Именно Энди сделал промышленные пространства модными.
Фото: Мария МосквичеваСтудия Энди стала явлением и изменила подход к производству и экспонированию искусства. Поэтому выставка на втором этаже нового петербургского кластера оформлена в стиле «Фабрики». Первый, вводный раздел как раз о ней. Здесь представлены обложки пластинок, которые оформлял Энди, его фотоаппарат, видео, связанные с ним. Стены блестят серебром, а над экспонатами тянутся металлические вентиляционные трубы. Даже этикетки с названием работ — серебряные. В каждом зале нас будет преследовать этот фабричный мотив, задача которого перенести зрителя в атмосферу арт-студии Уорхола.
Фото: Мария МосквичеваОднако каждый зал имеет свое «лицо». Так, после пролога мы попадаем в зал, отделанный розовым мехом, где рассказывается, как Энди стал Уорхолом. Настоящее имя художника — Андрей Вархол. Сын бедных иммигрантов из Восточной Европы родился в Питтсбурге, был четвертым ребенком в рабочей семье. Отец Энди работал на угольной шахте, а мать, не владевшая английским, подрабатывала уборщицей. Кстати, его мать Юлия Завацкая имела восточнославянские корни и родилась в русинской деревне Мико (тогда — территория Австро-Венгрии, сейчас — Словакии). В детстве будущий художник часто болел: в раннем возрасте перенес скарлатину, последствием которой стала пляска святого Витта. Странный мальчик, который время от времени как-то странно дергался (так проявляется это заболевание), был в классе изгоем. И вместо того чтобы играть с ребятами, чаще рисовал и делал коллажи из фотографий кинозвезд. В общем, шанс выбиться в люди у него был один на миллион.
Однако Энди повезло — после окончания Технического института Карнеги он уехал в Нью-Йорк, чтобы сделать карьеру в качестве коммерческого иллюстратора. Жил в общежитии с тараканами, где люди спали чуть ли не друг у друга на головах. Однажды пришел устраиваться на работу в модный журнал, открыл пример проекта, а оттуда поползли тараканы… И — бинго — получил работу. Редактор то ли пожалел юношу, то ли ему понравился «креативный ход», но с этого момента начинается карьера рекламщика и иллюстратора.
Микки-Маус Константина Беньковича. Фото: Мария МосквичеваПосле пролога, где насыщенная биография излагается в трех абзацах, начинается путешествие по главным темам его творчества. Работы Энди даются в сочетании с произведениями русских авторов. Так, раздел «Я — бренд» начинается с его автопортрета 1978 года. А за ним мы видим наших знакомых художников, которые следом за Уорхолом превращали себя в арт-объект. Вот обнаженный Олег Кулик, облепленный кусочками зеркал, а вот Дмитрий Александрович Пригов с демонической красной подводкой под глазами, рядом Влад Мамышев-Монро в образе Мэрилин Монро. Философия личного бренда у этого художника проявилась сильнее всего, к тому же он, как и Уорхол, преклонялся перед эффектной блондинкой. Так что работы Влада в разных образах можно найти почти в каждом разделе. И, забегая вперед, — в отдельном зале с красными стенами, который стал сердцем выставки, со знаменитыми шелкографиями Энди с раскрашенным ликом поп-дивы соседствует только фото Влада в образе Мэрилин.
Зато в других залах — разнообразная «сборка». Раздел, посвященный тому, как Энди превратил объект масскультуры в высокое искусство, открывается знаменитой шелкографией супа Campbell. А продолжается сгущенкой (картина Дмитрия Шорина), натюрмортом с опустошенными пакетами и стаканчиками из «Макдоналдса» (Виктор Пономаренко, холст, масло), огромным изображением этикетки икры (Александр Косолапов, печать на дибонде). Энди первым сказал, а главное — доказал, что искусством может стать любая вещь, даже банальная банка супа из магазина, а еще что художник не должен быть голодным.
Фото: Мария МосквичеваДеньги и Энди отдельная тема, которая продолжилась в творчестве русских художников в самых разных формах. На выставке можно найти, например, шарф в виде огромного чека или пиццу в характерной коробке, но вместе еды там — потрескавшаяся почва с надписью «Это искусство сделано на земле». Их автор — молодой художник Андрей Сяйлев. Хорошо вписались в разные блоки работы Константина Беньковича: магазинная тележка, образ Микки-Мауса и зеленого доллара из арматуры, живопись Владимира Потапова, «припороженная» мишурой, и оригинальная работа Олега Семеновых, который сделал деньги вообще из собственных волос…
А в финале масштабного проекта нас ждет Смерть — эта тема волновала Энди с юных лет. Она, впрочем, звучит нестройно. Не совсем ясно, что здесь, например, делает фото Влада Монро в образе Любови Орловой, зато очевидно не хватает самой знаменитой работы на тему Memento mori — серии «Смерть и катастрофа» Уорхола (коллажа из газетных фото, которые изображают скрюченное тело в искореженном салоне). Финальная точка скорее похожа на неочевидное многоточие. Им становится дуэль энкавэдэшника и Элвиса Пресли, которые изображены на картинах, расположенных друг против друга. Их герои достали револьверы, чтобы сделать роковой выстрел…
Опубликован в газете «Московский комсомолец» №28568 от 29 июня 2021
Заголовок в газете: Российский след Энди Уорхола
ПОП-АРТ. ИСКУССТВО УСПЕХА. По лабиринтам авангарда
ПОП-АРТ. ИСКУССТВО УСПЕХА
Поп-арт стал эпохой в развитии авангарда. Более того, воздействие его приемов и образов ощутимо и в настоящее время. Термин «поп-арт» (от англ, «pop-art») быстро стал популярным. Впрочем, как и многие термины авангарда, он мало что проясняет, да и история его происхождения имеет несколько версий. Эдуардо Паолоцци еще в 1947 г. употребил словечко «поп» в одном из своих коллажей. Художественный критик и писатель Лоурес Элоуэ, будущий хранитель в музее Гуггенхейм в Нью-Йорке, увидел в 1954 г. обозначение «поп» на одной из картин художника Р. Б. Китай и пустил его в оборот как новый, нарождающийся феномен. В 1956 г. в коллаже Ричарда Гамильтона под названием «Так что же придает нашему современному дому такое разнообразие, такую привлекательность?» снова мелькнуло знакомое «поп». Видимо, слэнговая частичка «поп» циркулировала инкогнито в качестве жаргонного в кругах художников, близких битникам, обозначая нечто, рассчитанное на вкус широких кругов публики. Кроме того, по своему звучанию оно напоминало хлопок пробки, вылетающей из бутылки, или удар, что намекало на определенную скандальную ситуацию.
Как бы там ни было, термин «поп-арт» легко вытеснил другие названия, вроде «нового реализма» и «супернатурализма». Он стал не менее употребительным, чем «поп-музыка» и «поп-культура». Уже в 1957 г. Гамильтон пытается дать описание народившегося феномена: это искусство популярное, рассчитанное на массовую аудиторию, переходное и занимающее небольшой период, легко распространяемое и легко забываемое, дешевое, массово-производимое, молодое и остроумное, сексуальное, хитроумное и трюковое, отдающее большим бизнесом. Многое было им названо верно, однако описание это относилось к годам зарождения поп-арта и потому, конечно, неполно. Появившись в середине 50-х гг., поп-арт достиг расцвета в 60-е гг. В 1964 г. Р. Раушенберг, крупнейший представитель американского поп-арта, получил на Венецианском биеннале «Гран-при».
Для многих распространение нового течения обозначало «конец» абстрактной живописи, что воспринималось по-разному. Для ряда критиков, для апологетов абстрактного искусства Г. Рида, Г. Розенберга, К. Гринберга и П. Селза новое искусство казалось «неискусством». Да, впрочем, поп-арт и не хотел им быть. Раушенберг говорил: «Живопись равна и искусству и жизни, я же ищу середину между ними». Представители нового движения стремятся выработать приемы, устраняющие возможность определения искусства. Слово «арт» могло появиться на любом объекте, т. е. здесь проявилась «годность всего», что есть «артефакт». Клаус Ольденбург, не менее знаменитый, чем Раушенберг, указывал, что «поп-арт — это искусство, которое не знает, что оно искусство». Характерен лозунг о «расширении ситуации искусства». Все может стать искусством, коль скоро оно названо таковым, утверждают мастера-«пописты». Не случайно поп-философ Маршалл Маклюэн предлагает рассматривать и всю «человеческую ситуацию» (имея в виду общество в данный момент) как произведение искусства. Ольденбург комментировал: «Я стою за искусство, которое берет формы из жизненных контуров, за искусство, которое (эти контуры) скручивает, распрямляет, собирает и отбрасывает, как слюну, — тягуче, тяжело, остро, мягко и глупо, короче, как сама жизнь». Так, между искусством и жизнью стирались границы; это стало возможно потому, что содержание и искусства и жизни беднело на глазах. Поп-арт — это своеобразное «искусство вне искусства», и если когда-то существовало «искусство для искусства», потом авангард и искусство, потом просто антиискусство, то теперь искуственное искусство… Вскоре, заметим, появится и неискусство и неавангард — далекое последствие «революции поп-арта».
Нередко поп-арт рассматривается излишне однородным, чуть ли не определенным стилистическим явлением. На самом деле это не так: в нем имелись свои школы и направления, вклад разных стран был различным; наконец, были такие художники, как, например, Роберт Раушенберг и Джаспере Джонс, своеобразные «диссиденты поп-арта», которые в него то входили, то выходили. Англичанин Питер Блейк порой делал исторические композиции в академической манере. Да и само это течение то уходило в тень, то становилось вновь актуальным.
Англичане и американцы — истинные пионеры поп-арта. Правда, он известен не только как американское изобретение. С начала 60-х гг. информационная машина США начала пропагандировать «поп» — «чисто американское искусство», отражающее определенный яркий образ жизни. Это было связано с тем, что со времени абстрактного экспрессионизма Нью-Йорк стал претендовать на звание «третьего Рима» в искусстве. Париж после второй мировой войны несколько потерял лидерство в развитии современной художественной культуры. Нью-йоркские галереи Грина, Кастелли, Стейбла, Джексона, Джодсона, Джениса, музей Утни стали зажигать «звезды» поп-арта, когда и сам художник становился участником акции, в данном случае, рекламы и вложенных денежных средств. Опыт Голливуда тут, несомненно, учитывался. Поп-арт, бесспорно, рекламное искусство, любящее рекламу как символ современности. Особенно прославились Р. Раушенберг, Д. Розенквист, Р. Лихтенстайн, Э. Уорхол, К. Ольденбург, представляющие «горячую пятерку» из Нью-Йорка, и Том Вессельман, Д. Сигал, Э. Руша, Р. Моррис, А. Джонс, Д. Джонс, Р. Индиана, Д. Дайн. Конечно, представителей поп-арта было намного больше, здесь названы только основные. В 1955 г. Раушенберг начал делать первые «комбинированные картины», представляющие из себя некие соединения живописи и отдельных предметов, а в конце 50-х гг. к нему примкнули Джонс, Уорхол, Розенквист. Параллельно, а может быть и раньше, свою концепцию разрабатывали англичане.
Рис. 27. Р. Лихтенстайн. Храм Аполлона. 1964
В 1952 г. в Лондоне возникает группа «Независимых». Один из инициаторов ее — Эдуардо Паолоцци, который демонстрировал через проектор на экране сопоставления различных рекламных материалов, перемешанных весьма прихотливо. В следующем году был проведен семинар «параллель жизни и искусства», само название которого созвучно «эстетике» поп-арта, искавшего связи между этими явлениями. «Независимая группа» вскоре организовывает «институт современного искусства», который устраивает выставки «Коллаж и объект» (1954), «Человек, машина и движение» (1955), «Это завтра» (1956). Наиболее активны Лоуренс Эллоуэй, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци, Питер Блейк. Они изучали фотографии, рекламу, жизнь большого города, стрессы, сопоставления изобразительных образов с текстами. Характерно, что англичане ориентировались на материалы американских массовых иллюстрированных журналов. Вскоре их заинтересовал начавший выходить (с 1956 г. ) журнал «Плейбой», тогда вполне «невинный» и позволяющий благодаря смягчению цензуры показывать обнаженную грудь модели из-под приспущенной рубашки. В американских журналах художников из Лондона интересовали достижения дизайна, мастерски сделанные фотографии, серийность образов, зрительные и смысловые контрасты. Их привлекала также реклама стандартных наборов мебели — «ливингрум». Англичане поняли, что перед ними не весь объект, а только одно его качество. Сами формы не изобретаются (они уже существуют), а переносятся в некие «блоки видеоряда», создающие стандартные визуальные образы, несущие определенную информацию и вызывающие определенные ассоциации и эмоции. Здесь есть радость «узнавания» в незнакомом знакомого, лишенная большой интеллектуальной нагрузки. Все это стало основой поп-арта. Но английский поп-арт был болен «прерафаэлизмом», был слишком рафинированным, так что он стал скорее духовной силой, чем подлинным «отцом» нового движения, вскоре захватившего США, ряд стран Европы и Японию. США стали претендовать на лидерство, поп-арт начал восприниматься исключительно как американское явление, что прочно укоренилось в сознании публики, и, характерно, англичане с этим согласились, более того, многие из них стали работать в Нью-Йорке или, по крайней мере, часто посещать этот город.
Возможно, что дело не только в проблеме лидерства авангардистских художников Англии и США; в Англии «поп» оставался некой экзотикой, в США он приобрел массовый, опирающийся на коммерческий успех, характер. Это и понятно; однако отметим и то, что в США имелась определенная традиция собственного авангардного искусства, создавшая условия для возникновения американского поп-арта. Стоит учесть, что в 30-е гг. окончательно «осел» в Штатах основатель дадаизма Марсель Дюшан; в 50-е гг. он сделал ряд повторений своих объектов «реди-мейд»; в начале 60-х гг. состоялась большая выставка 80-летнего художника; его поклонником и другом стал Раушенберг. В 1964 г. Дюшан писал о поп-арте: «Это течение меня восхищает». Большое влияние на молодых художников оказал «диссидент абстракционизма» Уильям де Кунинг; в 1950 г. он сделал коллаж «Штудии для женщины» с использованием обертки сигарет «Кембелл»; его влияние испытал и Р. Раушенберг и Д. Джонс. Кроме того, в 1952 г. была открыта в Сан-Франциско выставка «Собрания обыденного искусства», позволившая консолидироваться художникам новой генерации. В середине 50-х гг. Раушенберг делает свои первые «комбинированные» картины, а Джонс начинает серию картин «Флаг». Американские кубисты, например С. Дэвис, Ч. Демут, Дж. Мэрфи, в 20-е гг. использовали в своих живописных композициях коммерческие знаки, которыми так впоследствии заинтересовался поп-арт.
«Разбитое поколение», иначе битники, в середине 50-х гг. провозглашали анархический гедонизм, эротическую свободу, нигилизм. В творчестве писателей и поэтов-битников проявлялась тенденция к бессюжетности, свободному стиху, метафоричности и одновременно к известной натуралистичности. Оставаясь явлением экстравагантным, подготовившим своей «эстетикой» добровольную бедность и бродяжничество хиппи, битничество не могло не повлиять и на общий климат восприятия искусства. «Художники реальности», такие, как Э. Хоппер, Д. Кох, Э. Уайт, «магические реалисты» и «риджионалисты», с их обостренным вниманием к быту страны и естественной оппозицией абстракционизму, напоминали о важности всем понятных, легко усваиваемых образов действительности. Довольно сложным выглядит отношение «попистов» к абстрактному искусству. Обычно говорят, что поп-арт возник в полемике с абстрактным искусством, которое было понятно только посвященным и в принципе «ничего не изображает». Однако и здесь ситуация намного сложнее. Многие будущие художники поп-арта начинали с занятий абстрактным искусством, да и позже возвращались к нему или использовали его отдельные приемы. Де Кунинг все же был в основном абстракционистом, его влияние имело большое значение для Раушенберга и Джонса. Сам Раушенберг в 1964 г. заявил, что между поп-артом и абстрактным искусством нет непроходимой пропасти. Д. Сигал и А. Капроу признавались в воздействии на них примера Дж. Поллока. Дж. Дайн говорил, что его поколение связано с абстракционистами, как дети с родителями. Р. Китай подтверждал подобное мнение: «Абстрактный экспрессионизм сидит во всех нас: в Дж. Дайне, Р. Раушенберге и Дж. Джонсе…»
Не были забыты и сюрреалисты; так, «Завтрак в меху» Мереты Оппенгейма представлял собой чайный прибор, обтянутый шерстью, что очень напоминало последующие акции «попистов». Немало значили и приемы европейских авангардистов. Идея выделения отдельного изобразительного мотива и его последующее укрупнение были взяты у Фернана Леже, некоторое время прожившего в Нью-Йорке. Декупажи («вырезки») Матисса с их элементарными формами и яркими красками вполне соответствовали будущей эстетике поп-арта, тем более, что в американских музеях было достаточно поздних работ этого французского мастера. Наконец, в 50-е гг. происходит новое «открытие» искусства модерн, устраиваются выставки, посвященные этому наследию, выходят книги, рассказывающие о нем. Интерес к упрощенной символике, рекламной броскости образов, несомненно, идет из этого источника. Как всегда, авангардизм в своем развитии, в данном случае в поп-арте, опирается на широкие традиции. Китч, графика заборов и граффити вагонов «подземки» естественным образом дополняли арсенал средств, к которым обращались художники авангарда 50—60-х гг.
Художников-«попистов» привлекал окружающий их мир массовой культуры, рассчитанной на потребление миллионов, когда эстетические и социальные ценности приравнивались к потребительским, обыденным и бездуховным. Художники делали акцент на общественном, банальном и анонимном, легко узнаваемом. Действительность как бы демифологизировалась, мастера стремились представить некую энциклопедию современной жизни с ориентировкой на «великую американскую мечту». «Поп» был нефилософичен, полагая, что и сама жизнь есть уже определенная, по крайней мере на поведенческом уровне, философия. Внутри него могла существовать и некая пародийность; все могло восприниматься иронично, полушутя. Художник относился к зрителю добродушно-снисходительно, предлагая некую игру по взаимной «договоренности», давая понять, что он подозревает в зрителе нечто низменное, над чем можно и посмеяться. Но так как вещи и образы поп-арта не персонифицированы, т. е., иными словами, их обладатель как бы анонимен, то и зритель мог делать вид, что иронизируют не над ним. Телевидение, реклама, комиксы, радио, картинки из журналов, привычные образы массовых средств информации стали объектом изображения, приравненные к таким символам прекрасного, как «Мона Лиза» и Венера Милосская. Хотя на первый взгляд бесконечные повторы этикеток на банках консервированного супа «Кембелл» или бутылки кока-колы Уорхола ничего не выражали, кроме самое себя, художники попа искали за этим ту «формулу действия и состояния», которая бы воспринималась как факт действительности. Именно поэтому они стремились соединить жесткий и брутальный символизм «имиджа», с одной стороны, и «реализм» конкретного предмета, который можно осязать как некий товар в супермаркете, — с другой. Художники интересуются тем, что порождено современной цивилизацией, той, в которой «мы живем». Поэтому можно смешать в одну кучу хлам и подлинные ценности. Это и тиражирование, серийные образцы культурного ширпотреба, китча и отбросы; это образы рекламы и духовной нищеты. Иконография поп-арта специфична, она включает «лики» эстрадного певца Элвиса Пресли, президента Джона Кеннеди и Мерилин Монро, «репродукции» картин Моне, Делакруа, Леонардо да Винчи, Ренуара и Пикассо, натуральные ансамбли мебели, полное убранство ванных комнат, пишущие машинки, почтовые конверты, обложки книг, электроприборы, лампочки, выключатели, фойе, кассы, зрительные залы кинотеатров, принадлежности живописца, буквы и слова (так называемый «леттризм»), консервные банки и бутылки, обувь и одежду, обстановку баров и больниц, интерьеры лавочек и магазинов, еду и алкогольные напитки, сигареты и окурки, средства транспорта — автомашины, корабли, самолеты… Всего не перечислишь. Наконец, сюда относятся манекены и разного рода объекты «реди-мейд», имеющие опосредованную связь с миром реальности и миром фантазии.
Рис. 28. Д. Xокни. Мальчики в бассейне. 1.965
Все это легко могло вызывать самые простые ассоциации, и в этом смысле поп-арт являлся в определенной степени «демократическим» искусством. В нем есть привкус нравственного благодушия и бездумного оптимизма, хотя все это можно воспринять как «эстетику обыденного и вульгарного». Р. Индиана так описывал ситуацию: «…молодые художники возвращаются ко все менее возвышенным вещам, к таким, как кока-кола, мороженое, большие бифштексы, супермаркеты и «съедобные» символы. У них голодный взгляд—они «поп»». Поп-арт понял, что дистанция между человеком и потребляемым продуктом сокращена до минимума; все что потребляется — недалеко. Массовая информация, стандартизация предметов потребления, технологичность — вот истинная почва, на которой взращивался поп-арт. Если не сам предмет, то его образ («имидж»), как социально-эмоциональный символ, напомнит о мире, полном товаров. Поп-артисты среагировали на насыщенность среды обитания напечатанными, нарисованными, сфотографированными образами. Не случайно, что некоторые из них, например Уорхол, начинали свою карьеру как мастера рекламы…
Вещь в поп-арте или изображается, или подается сама по себе. Как есть, причем трактуется она, если изображена, иллюзионистически или в манере рекламного образа. Поп-арт — это постоянное визуальное и смысловое раздражение привычными образами и текстами. Так появляются гигантские бутерброды высотой в три метра, памятник в виде тюбика для губной помады, копии бутылок, лампочек. Предметы составляются друг с другом — нередко в неожиданных сочетаниях. Художники называют такой прием «комбинациями», а критики — «ассамбляжами». «Подарок Аполлону» Раушенберга — кухонный столик, перепачканный красками, и привязанное к нему мусорное ведро. Джорж Сигал показывал гипсовые слепки с моделей, помещая их в реальные пространства: в макеты мясных лавок, в кассу кинотеатра, в ванную комнату. Он как бы документировал действительность. С некоторыми его фигурами можно было даже посидеть за одним столом. Как выражались художники, «они концентрируют в одном месте хронологически и топографически случайное». Так, произведением может стать улица города, если ее, вместе с автомашинами и прохожими, рассматривать как объект искусства. Художники любят использовать прием, уже открытый дадаистами: постановкой предметов в неожиданный и несвойственный им контекст. Предмет изолируется, приобретает характер знака-символа — имперсональный и связанный с урбаническим окружением, новейшей техникой, реалиями быта. Том Вессельман сопоставляет нарисованное изображение обнаженной женщины в ванной с реальной дверью, с висящим на ней полотенцем, с репродукцией картины Ренуара. Ольденбург выставляет гладильную доску с рубашкой и утюгом на ней, вешалку с висящим плащом, кеды. Правда, чтобы их приравнять к искусству, он символически окрашивает блестящими акриловыми красками часть из своих «экспонатов». В поп-арте большое внимание уделятся надписям, например, «Мать—это мать», и названиям, где характерным может явиться такое: «Я люблю тебя вместе со своим «Фордом» (1961, художник Дж. Розенквист).
Пописты демонстративно отказались от «условности» живописи и рисования на плоскости, вышли в пространство. Они гордятся тем, что забросили традиционные палитры и кисти, взяв в руки распылитель и автогенный аппарат. Раушенберг постулировал: «Пара мужских носков не менее пригодна для работы, чем масло и холст». Англичанин Дэвид Хокни утверждал, что его искусство лишено приверженности к форме, и в этом — «его козырная карта». Традиционная живопись рассматривалась как «банальность». От нее остались только «кустовые» небрежные удары кистью с краской на некоторых «ассамбляжах» Раушенберга и «объектах» Ольденбурга. Механизация творческого процесса приводит к тому, что крупные лидеры поп-арта работают со своими бригадами (Р. Раушенберг), которые занимаются реализацией замысла их предводителя. Уорхол называл свою мастерскую «фэктори» (она и была в бывшем помещении фабрики). Рой Лихтенстайн переносил точки полиграфического растра, рассматривая свои переложения комиксов как результат действий «рисующей машины». Уорхол, открыв для себя технику шелкографии, механически повторял отдельные образы, будь то Пресли или Монро, используя цветной негатив с меняющимися фильтрами, так что одно изображение оказывалось в синей, желтой, красной тональностях. Серии и вариации характерны для Вессельмана; так, его известные «Американские ню» насчитывают до 100 произведений (все под номерами).
Характерный прием попистов — использование имитации материалов. Так создается новое «сотрудничество» материалов и образов. Муляжи «еды» у Ольденбурга сделаны из гипса, картона, покрытых акрилом. Джонс выставил свою «Раскрашенную бронзу», представляющую отлитые из традиционного материала скульптуры банки из-под пива «Балантай».
Проявляя большую гибкость и мобильность в понимании того, что может оказаться искусством, расширяя художественную ситуацию, художники уничтожают иерархию образов и сюжетов, у них может одинаково цениться Леонардо да Винчи и Микки Маус, живопись и технология, халтура и искусство, китч и юмор.
Своеобразным ответвлением поп-арта явился хеппенинг (от англ, «heppening» — происшествие) — определенная форма действий, акций, поступков, когда* художники стремятся завлечь зрителей в хитроумную игру, контуры сценария которой намечены приблизительно. Хеппенинг включает удивительные импровизации: из разрезанной туши барана каплет кровь на лежащую на полу женщину, некто живой курицей лупит по струнам рояля, маленькими ножницами срезаются лоскутки одежды с сидящей девушки-модели, студенты колледжа слизывают патоку, набрызганную на кузова старых автомобилей… Все это продолжение симультанных декламаций дадаистов, скандальных выступлений футуристов, эпатирующих выходок сюрреалистов, «живописи телом» Ива Клейна и разбрызгиванием красок «внутри» холста Дж. Поллока. Хеппенинг появился вначале в США, потом распространился в ФРГ, Италии и Японии. Пописты интерпретируют хеппенинг как «коллаж фактов, предметов и жестов в пространстве». С. Сонтаг говорила, что хеппенинг трудно описать и даже снять на пленку. В рассказе и съемке появятся невольно структурность, последовательность, а хеппенинг на самом деле — стихия, непредсказуемость, импровизация. Тут соединены пантомима, клоунада, приемы экспрессионистического театра, восточный символический ритуал. Сам термин был предложен Аланом Капроу, поставившим в октябре 1959 г. в галерее Рейбен в Нью-Йорке представление, названное «Восемнадцать хеппенингов в шести частях». На сцене с большими конструкциями вместо декораций, с пластическими объектами вместо скульптуры, с холстами, обрызганными краской, вместо картин, исполнялись танцы, читались монологи. Актеры стремились спровоцировать зрителей на какое-нибудь выступление. Это было действительно происшествие, и термин «хеппенинг», повторенный в прессе, с тех пор приобрел популярность.
Хеппенинг — ближайший родственник поп-арта, можно даже сказать, что поп-арт — это «застывший» («замороженный») хеппенинг, а хеппенинг это «активный» («действенный») поп-арт. История хеппенинга, как и поп-арта, начинается в 50-е г. В это время композитор Джон Кейдж пишет «Пять минут тридцать три секунды. Тишина» — музыкальную пьесу, когда в течение названного периода пианист сидит за фортепьяно не играя на инструменте. Алан Капроу так оценил опыт Поллока: «стоять не у холста, а внутри него, разбрызгивая краску». Капроу понял, что можно манипулировать объектами и людьми в пространстве. Фактически это ассамбляжи из нетрадиционных живописных и скульптурных форм, внутри которых, в этом организованном хаосе, движутся люди, создавая «искусство событий». Результат творчества, так как художники в хеппенинге ничего не производят, в самом процессе. Это использование смешанных форм с цветомузыкальными и световыми эффектами, когда тело, жест, мимика лица становятся смыслом отдельных композиций. Творческое начало должно проявиться у всех «игроков». Для всех — это выход энергии, пробуждение неожиданных эмоций, проверка своей реакции на непредсказуемые события. Коллаж вещей и людей в пространстве напоминает еще об одном явлении авангарда, об инвайроменте (от англ, «inviroment») — о переживании среды, созданной на основе «ручного» или индустриального творчества. В хеппенинге ассамбляж размещается «вокруг» человека, инвайромент создает эффект «актуализации» пространства, которое рассматривается как искусственное «окружение». Такая среда влечет человека к своему пересозданию. «Джанк-арт» (jank-art) мог бы дополнить гамму применяемых средств; это абсурдное сочетание разных вещей и объектов, как правило, имеющих бросовый характер: хлам, старье и т.п. Имело значение и развитие так называемого «невербального театра», использовавшего язык жестов и язык предметов. Именно тогда в студиях Манхэттена, в студиях «нижнего» Нью-Йорка, в «Театре лучевого пистолета.» Ольденбурга и «Фэктори» Уорхола можно было наблюдать своеобразные спектакли с «бунтом инстинктов», с «освобождением от эмоциональной анестезии». Спонтанно и бессюжетно (почти бессюжетно, так как некая общая программа, конечно, имелась) в действие вовлекались вещи вне зависимости от привычных условий их материального бытования. При этом говорилось, что участники переживают «не новую форму», а новый моральный и экзистенциальный опыт. В хеппенинге «Универсальный магазин» Ольденбурга, например, показанном в 1961 —1962 гг., можно было видеть пространство, заполненное продаваемыми товарами, сделанными художником из папье-маше и гипса, ярко раскрашенных. В «магазине» происходило 13 инцидентов, скажем, входили покупатели, что-то восклицая, что-то приобретая, затем начиналась для них лекция, дискуссия о дороговизне, борьба… Сам автор комментировал свою «реализацию» следующим образом: это идеальная ситуация на полпути между искусством и жизнью. Знакомые слова, кто из попистов их не произносил! В своем комментарии Ольденбург приводил слова «посетителей магазина», которые, видя трехметровый сэндвич из папье-маше, восклицали: «О, нет, это не сэндвич, это искусство!» И далее он декларировал: «Я хочу уйти от знания, как делать произведения, потому что это находится вне жизненного опыта… Искусство — это то, что локализовано в музеях, драгоценно, изысканно, аристократично, избрано и отобрано… Я настаиваю на редифиниции искусства». Хеппенинг, по словам автора, является синтезом явлений, подобных явлениям не искусства, а жизни. Это панорама жизни. Свой хэппининг, что показательно, он называл «тотальный инвайромент», т.е. подчеркивал связь действия и среды. Чтобы понять, на чем строится эффект подобного воздействия, может быть, стоит вспомнить и слепки людей Д.Сигала, эти застывшие мумии, рядом с которыми можно стоять, сидеть и которые являются словно «современной книгой мертвых».
Раушенберг совместно с Робертом Моррисом стал ставить «балеты». Обнаженная танцовщица Ивон Райнер действовала конвульсивно, каталась на полу, кричала, плакала, смеялась, пела, по ее телу стекала ртуть, прожектора мигали, давали столбы цветного пламени. Раушенберг стремился к своеобразной синестезии, т.е. к искусству, которое воздействует на все чувства сразу: тут могли объединиться кинематограф, танец, живопись, телевидение. Капроу поставил хеппенинг «Слова» (1961), который назвал «инвайромент со светом и звуками» представление «Апельсиновый сок» (1964). В одном люди проходили через «стены» развешанных листов бумаги с обильными надписями, в другом видели ванну с девицей, обливающей себя соком. Сам Капроу в 1961 г. заполнил двор автомобильными шинами, которые затем перетаскивал с места на место. В своей книге «Хеппенинг — инвайромент» Капроу приводил в качестве примера действие, организованное в одном из американских колледжей: группы студентов, разделившихся на «мужскую» и «женскую» части, начали строить «деревню» из старых автомобилей, потом кузова их обмазывали сладкой патокой, которую слизывали, после чего сожгли все собранные машины.
Авторы хеппенингов, инвайроментов стремились предельно расширить место действия. Как писал критик Эллоуэй, «весь город, со всеми его жителями, может быть не только субъектом искусства, но и его субстанцией». Вскоре такое мышление пришло к практической реализации: один художник заявил, что в какой-то день весь Нью-Йорк объявляется произведением искусства, на что другой критик отреагировал ироничным вопросом: «С пригородами или без?» Выход за пределы искусства, под которым понималось исключительно искусство в музеях, воспринималось авангардистами тех дней как возвращение к «нормальному состоянию». Произведение, говорили они, это «кое-что, занимающее пространство, не более», это «искусство, которое не знает, что оно искусство». Характерно, что в таких экспериментах 60-х гг. фигурировали обычные вещи, помещенные в чуждую им среду и выступающие в чуждой им функции. Испытывались позиции зрителя и позиция исполнителя действия: авторы стремились к стиранию границ между ними, почему и предполагалась провокация публики, попытка вовлечь всех в абсурдное действие. Стрессовое поведение публики в контексте «случайного» должно было вести к перестройке связей между людьми, между человеком и вещью (включая улицы, магазины, товары, образы популярной культуры и урбанистический фольклор). Для исполнения многих хеппенингов требовалась большая техническая оснащенность, которая интерпретировалась в духе поп-арта: работа с материалом.
Другим движением стал «флюксус» («fluxus») — показ свободной игры форм, «истечения» творческой энергии. «Флюксус» не связан ни с каким конкретным направлением; главное — создать при, использовании своего тела, пространства и вещей парадоксальную ситуацию, не мотивированную логикой обыденного существования.
Помимо американского и английского поп-арта своя школа сложилась во Франции — «новый реализм» во главе с идеологом П. Рестани и такими мастерами, как Арман, Сезар, Бен, Эрро (все это псевдонимы). «Новый реализм» более эстетичен, более анекдотичен и более ироничен, чем в США и Англии. Стоит посмотреть, как Арман располагает на плоских основах распиленные корпуса музыкальных инструментов, воплощая в реальность то, что делали Пикассо и Брак, как раскрашивает свои «компрессы» (сдавленные корпуса автомобилей) Сезар, как делает «живописные монтажи» Эрро и реконструирует по фотографиям интерьеры старинных лавочек Бен, чтобы понять это. В Италии развивалось «бедное искусство», пропагандистом которого являлся Дж. Челант. Это направление отличалось известной театральностью и мистичностью, иногда выбором крайне простых средств и материалов. В Германии яркой личностью являлся И. Бойс, образовавший целую школу. Довольно эклектичный, он поражал своей неугомонной активностью. В Японии поп-арт стал после увлечения абстрактным искусством «вторым» языком авангарда (если под первым понимать абстракцию). Известный представитель — Акакава. В Испании в период диктатуры Франко поп-арт находился под запретом; там официально, что редкость для тоталитарных режимов, поддерживался абстракционизм, а поп-арт с его изобразительностью оказывался неприемлемым. Наконец, ветвь поп-арта появилась в Москве, если иметь в виду работы В. Янкелевского и И. Кабакова. Характерно, что они пародировали нередко саму попытку создать «благоденствующее» общество в рамках социализма, которое было бы способно конкурировать с американским. В. Комар и А. Меламид, основатели «соц-арта», устроили совместную выставку в Нью-Йорке в 1976 г. Последователи этого направления нашлись и в других странах, представляя его модифицированные «диалекты».
Был ли политичен поп-арт, только ли он воспевал американскую мечту? Как всегда в таких случаях, авангард политически точно неопределим. Характерно, что наряду с рекламными образами и «мусором» цивилизации поп-артисты, изображая отдельных политических деятелей, скажем, Дж. Кеннеди или Мао Дзедуна, позволяли себе дерзкие сопоставления, не соответствующие принятой иерархии. В 1968 г. они показали свои работы на антивоенной выставке (против войны во Вьетнаме), где, в частности, экспонировалась уменьшенная копия статуи Свободы с лентой через плечо—и надписью: «Мисс Напалм». Ольденбург принял участие в выступлениях студентов, «в политических хеппенингах» и размещал свои работы во дворах мятежных университетов. В Йельском университете он выставил гигантский тюбик помады на платформе с танковыми гусеницами. Чуть позже Уорхол выставил красное изображение серпа и молота на синем фоне под названием «Натюморт».
У поп-арта имелся дух массовости, вовлекаемости, почему он и покорил так много людей и так много стран. Его структура была преднамеренно открытой, завлекающей. И думается, именно поп-арт явился первым большим течением авангарда, который был социализирован, вживлен в общество, и общество приняло его в конечном итоге как «своего», почему он и стал определенным стилем 60-х гг. Поп-арт вошел в кино, в рекламу, из которой сам первоначально исходил, в моду, в поведенческий тип жизни. Преднамеренная неряшливость в одежде, ее разностильность, хождение в джинсах и использование рекламных пластиковых пакетов в качестве сумок и портфелей Время поп-арта еще не закончилось.
все из того времени.
Новая выставка в Новосибирске собрала более 80 работ лучших художников западного поп-арта — Сибирь
НОВОСИБИРСК, 10 июля. /ТАСС/. Копии работ лучших западных мастеров, работавших в направлении поп-арт, представлены на выставке «Поп-арт форум», открывшейся в среду в Новосибирском художественном музее. Посетители смогут увидеть более 80 уникальных картин, написанных в различных техниках, сообщил ТАСС куратор выставочных проектов музея Сергей Тиханов.
Поп-арт — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950-1960-х годов, особенностью которого является эпатажность, образность и использование примитивных объектов массовой культуры, например, банки с кока-колой. В основных техниках поп-художников — постеры, коллажи, шелкография, комбинирование рисунка с частью предмета.
«Для нас важно, чтобы зрители смогли увидеть живое искусство. <…> Уникальность нашей выставки в том, что мы собрали около 80 работ самых известных мастеров поп-арта, начиная с 50-х годов и заканчивая современностью. <…> (К примеру) Бэнкси — известный художник в стиле стрит-арт — он рисует на зданиях, прячась от местной полиции. Мы соединили на одной площадке мастеров с разной техникой, подачей действительности, вектором мысли», — рассказал Тиханов.
В выставочном зале зрители смогут увидеть и работы художников-классиков 70-х годов XX века, в том числе — популярную серию «Мэрилин» Энди Уорхола. В экспозиции представлены известные американские поп-художники XX века: Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Роберт Индиана и современные Бэнкси и Ричард Райн. Для удобства современного зрителя экспозиция оснащена табличками с биографией художников, описанием их авторских стилей и историей картин.
Графику, афиши, постеры, собранные от частных коллекционеров и галерей посетители музея смогут посмотреть до 15 сентября.
В новость внесена правка (11 июля 11:20 мск) — передается с уточнением формулировок по просьбе спикера в лиде и цитате
10 известных художников поп-арта, которых вы должны знать
Как бы вы определили, что такое поп-арт, и что он представляет для вас? Международный феномен Pop Art возник в середине 1950-х — начале 1960-х годов. Примерно шесть десятилетий спустя влияние и след художников поп-арта можно увидеть почти во всех аспектах нашего современного общества. Поп-арт, которого некоторые считают прямым потомком дадаизма, с точки зрения того, как он высмеивал устоявшийся мир искусства, присваивая изображения с улиц, супермаркетов, средств массовой информации и представляя это как искусство само по себе, поп-арт был сосредоточен на массовом производстве, знаменитостях и расширяющихся отраслях. рекламы, телевидения, радио и печати.В конечном итоге сформировал совершенно новую культурную идентичность в области искусства и дизайна. Движение в искусстве было направлено на то, чтобы поднять массовую культуру на уровень изящного искусства, стирая тем самым границы между высоким и низким искусствами. С одним из ключевых принципов, заключающимся в том, что не существует иерархии культуры и что искусство должно иметь возможность заимствовать из любого источника, поп-арт бросил вызов традициям изобразительного искусства, поставил под сомнение установленные рамки творчества и представил совершенно новый мир эстетики.Итак, давайте взглянем на десять самых известных художников поп-арта, чьи работы сформировали, развили, повлияли и сформировали красочный и яркий мир поп-арта. Своими картинами, скульптурами и изображениями эти художники поп-арта оставили значительный след в мире искусства и захватили воображение грядущих поколений, переопределяя наш визуальный взгляд на популярную культуру вокруг нас.
Рой Лихтенштейн
Рой Лихтенштейн — Революция в современном искусстве
Одно из первых имен в поп-арте, получившее широкую известность, Рой Лихтенштейн быстро стал ведущей фигурой этого движения.Его работа была в основном вдохновлена комиксами , и хотя она часто встречалась с негативной критикой банальности и отсутствия оригинальности, она определяла основную предпосылку поп-арта через пародию. Эффектные культовые изображения Лихтенштейна произвели революцию в поп-арте и современном искусстве. Отстранив себя от доминирующего абстрактного экспрессионизма, сосредоточенного на трагических темах душ художников, Рой черпал вдохновение в окружающей культуре, а не в исследовании индивидуальных чувств художника.Он построил значительный объем работ из массово воспроизводимых изображений, которые вызвали бесконечные споры по поводу понятий оригинальности, потребительства и исследовали тонкую грань между искусством и развлечением. Это как раз один из основных принципов поп-арта, основанный на исследовании всех форм коммуникации и сообщений через коды или язык.
Смотрите другие работы Роя Лихтенштейна на нашей торговой площадке!
Кейт Харинг
Кейт Харинг — вневременной визуальный язык
Один из наиболее широко известных визуальных языков 20-го века возник прямо из поп-арта, за его создание отвечал Кейт Харинг.Когда вы видите его работы, в них нет ошибок, вы сразу понимаете, Харинг это или нет, не нужно повторять догадки. Его знаковые персонажи и фирменный стиль по-прежнему широко распространены и популярны в современном обществе. Харинг был еще одной ведущей фигурой в усилиях по разрушению барьеров между высоким и низким искусством и созданию искусства для всех. Стремясь сделать свое искусство еще более доступным для людей, он открыл розничный магазин под названием Pop Shop, где продавал плакаты, футболки и другие доступные изображения в стиле поп-арт с его фирменным дизайном.Несмотря на то, что его жизнь внезапно оборвалась из-за осложнений, связанных со СПИДом, Харинг оставил после себя весьма плодотворную карьеру новаторского художника, чьи работы десятилетиями спустя находят отклик в современной культуре.
Роберт Раушенберг
Роберт Раушенберг — Захват визуального шума в рамках иронической аллегории
Радикальное смешение материалов и методов вывело Роберта Раушенберга на передний план нескольких направлений в искусстве, включая поп-арт. Будучи одним из первых новаторов шелкографии, Раушенберг воспользовался преимуществами новых коммерческих процессов печати того времени, перенося фотографии и изображения на холст.Множественная воспроизводимость изображений, которая до этого момента использовалась только в коммерческих приложениях, стала инновационным инструментом в творческих руках Роберта Раушенберга. Объединив масляную живопись с фотографической шелкографией, он отразил наш опыт СМИ , уловив визуальный шум в рамках иронической аллегории. Вместе с Джаспером Джонсом Раушенберг заложил основы моста между абстрактным экспрессионизмом и тем, что впоследствии стало американским поп-артом.
Не забудьте проверить доступные работы Роберта Раушенберга на нашей торговой площадке!
Ричард Гамильтон
Ричард Гамильтон — игривый и смелый, делая все, что ему казалось
Мы переходим к еще одному известному исполнителю поп-арта. Вдохновленный пошлостью и повседневностью, игривый и влиятельный Ричард Гамильтон был назван отцом движения поп-арта . По некоторым данным, Гамильтон даже был автором самого термина, заявив, что он впервые использовал Pop Art в письме архитекторам Элисон и Питеру Смитсону относительно одной из выставок.В любом случае, Гамильтон, безусловно, остается одним из первых и самых влиятельных художников этого движения. Его коллаж 1956 года под названием Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? представлял собой жилое пространство, загроможденное множеством предметов желания, таких как пылесос, телевизор, консервная банка, магнитофон, мускулы для бодибилдинга и т.д. уровень ужасного беспокойства того возраста.Фаллические леденцы, всплывающие тостеры, переработанные изображения из популярных американских журналов … это лишь некоторые из символов, которые Гамильтон смело использовал в своих новаторских произведениях искусства и которые лучше всего описывают его карьеру и, возможно, даже весь принцип создания искусства в мире. В общем, оставим вам одну из цитат Ричарда Гамильтона:
Люди, кажется, не понимают, что художник волен делать все, что хочет, и мне всегда нравилась такая возможность. Я делаю все, что хочу.
Энди Уорхол
Энди Уорхол — Первопроходец поп-арта
Конечно, обсуждение поп-арта невозможно без включения одного из самых плодовитых и популярных художников своего времени, Энди Уорхола.Суперзвезда поп-арта, Уорхол прославился во всем мире благодаря своим уже легендарным Campbell’s Soup Cans и Gold Marilyn Monroe . Среди многих новаторских вещей, которые связаны с этим плодовитым художником поп-арта, он также был одним из первых художников, когда-либо выставлявших видео в качестве произведения искусства. В наши дни это может показаться обычным и нормальным, но в 1960-х годах, когда движение поп-арта процветало, оно считалось почти революционным. Обычно окруженный знаменитостями, Энди Уорхол был заметной фигурой в ночной жизни Нью-Йорка. Знаменитая фраза, используемая многими в то время, гласила, что вы знали, что были на хорошей вечеринке в Нью-Йорке, если бы Уорхол появился.Поскольку поп-арт сыграл важную роль в разделении между высокими и низкими формами искусства, работы Уорхола послужили новаторским маяком в этом развитии, и, в конечном итоге, его карьера повлияла на бесчисленное количество других художников и остается важным фактором даже сегодня.
Хотите получить гравюру Энди Уорхола? Вы можете сделать это, посетив нашу торговую площадку!
Дэвид Хокни
Дэвид Хокни — Плейбой современного искусства и пионер поп-арта в Великобритании
Перенося его из США в Великобританию, Дэвид Хокни считается пионером в области поп-арта в Великобритании .Несмотря на то, что Хокни лично отвергает обозначение своего искусства как поп-арта, его разносторонняя работа охватывает живопись, фотографию, гравюру, сценическое оформление и другие области, в которых есть множество влияний, некоторые из которых происходят от популярного искусства и культуры. Из-за похотливых отношений, которого часто называют плейбоем современного искусства, Хокни был самоотверженным творцом на протяжении всей своей карьеры. В 1963 году британский художник влюбился в Лос-Анджелес, в результате чего он разработал залитую солнцем палитру, с которой началась его серия картин, основанная на его фантазиях о гомоэротической жизни в Калифорнии.Эти картины калифорнийских бассейнов, несомненно, связывают его с движением поп-арта, зародившимся как в Великобритании, так и в США в 1960-х годах.
Роберт Индиана
Роберт Индиана — Американская идентичность и сила языка
Самопровозглашенный «художник знаков», наиболее известный своим поп-артом, Роберт Индиана использовал уникальный словарь дорожных знаков и рекламных работ , чтобы изобразить культуру Америки 1960-х годов. Сногсшибательные рисунки с текстом, числами и символами, которые отражали абстракцию времени, также содержали политический и социальный подтекст и несли подчеркнутый смысл.Немногие произведения из поп-арта получили более широкое признание, чем ЛЮБОВЬ Индианы. Сделанное в 1966 году его фирменное изображение, которое довольно просто написано буквами L O V E , было воспроизведено в бесчисленном множестве различных материалов и цветов, став иконой поп-арта. Роберт Индиана сосредоточился на реальности американского общества с помощью простых, но визуально смелых композиций и фигурных полотен, которые сделали его одним из самых известных художников американского поп-арта.
Джеймс Розенквист
Джеймс Розенквист — художник рекламного щита
Ранние описания Джеймса Розенквиста часто включают тег «Поп-арт», который художнику не нравился.Увы, Розенквист определенно был одной из основополагающих фигур движения. За счет сложного наслоения популярных мотивов, таких как бутылки кока-колы, упакованные продукты, кухонные принадлежности, губы с помадой женщин и ухоженные руки, работы Розенквиста воплощали головокружительную вездесущность мира потребителей. Его крупномасштабные фрагментированные картины в стиле поп-арт трансформировали визуальный язык коммерческих работ на холст. Работая художником по оформлению рекламных щитов, он часто использовал остатки краски для создания небольших абстрактных картин.Розенквист исследовал эффекты использования стиля рисования на рекламных щитах на меньших холстах, создавая произведения, которые играли бы с изменениями в масштабе и технике. В его творчестве вошли различные поп-образы и символы рекламного языка и поп-культуры. Фирменные произведения Розенквиста включают фрагментированные, странные изображения, объединенные и наложенные друг на друга, чтобы сформировать визуальную историю на холсте. Его ссылки на товары массового производства, журналы, фильмы и другие аспекты средств массовой информации сделали его одной из ключевых фигур в развитии поп-арта в Соединенных Штатах.
Нажмите, чтобы увидеть подборку изображений Джеймса Розенквиста на нашей торговой площадке!
Алекс Кац
Алекс Кац — В предвкушении поп-арта
Еще один создатель, который не назвал бы себя художником поп-арта, но несомненно оказал влияние и развил движение поп-арта, — это Алекс Кац. Конечно, Кац начал раньше и продолжал развиваться после этого, и в целом его искусство кажется более тонким, спокойным и дружелюбным , чем другие произведения известных художников поп-музыки. Его стилизованная, упрощенная техника была вырезана, чтобы радовать глаз, но в то же время она никогда не переходила в тривиальность.Кац, казалось, нашел определенный уровень между поп-музыкой и глубиной, где он использовал свой фирменный стиль для создания простых, но впечатляющих произведений искусства. Вначале он использовал монохромный фон, который позже стал определяющей характеристикой его стиля и предвосхитил поп-арт. Работы Каца ликвидировали разрыв между традициями абстракции и фигурации. Сам художник утверждал, что его искусство «поверхностное», возможно, имея в виду то, что его образы не имели явной психологической сложности.Взяв реплики из фильмов и рекламных щитов Cinemascope, можно с уверенностью сказать, что его стилизованные картины предвосхитили поп-арт.
Такаши Мураками
Такаши Мураками — современный наследник движения поп-арт
Всемирно известный современный японский художник Такаши Мураками однажды сказал, что художник — это тот, кто понимает границы между мирами и старается их познать. Мураками — творец, который полностью осознает современную эпоху, в которой он работает и живет, принимая тот факт, что все искусство сегодня продается.Он явно отказывается обманывать себя по поводу внутренних глубин и подчеркнутых сообщений, он даже отрицает их наличие. Хорошо известно, что стирает грань между высоким и низким искусством, творчество Мураками включает в себя широкий спектр средств и обычно описывается как суперплоский — термин, который он ввел в употребление. Используя мотивы традиционной и популярной японской культуры и используя плоские / глянцевые поверхности, Мураками успешно создал свой собственный стиль. С повторяющимися мотивами и знаковыми персонажами, такими как улыбающиеся цветы, грибы и черепа, он даже затрагивает буддийскую иконографию и сексуальные комплексы культуры отаку .Яркие цвета, сверкающие цвета и эстетика в стиле аниме делают стиль Мураками мгновенно узнаваемым. Вдохновленный поп-артом, художник считается наследником Уорхола в его способности превращать популярные коммерческие изображения в высококачественные произведения изобразительного искусства.
Смотрите другие работы Такаши Мураками на нашей торговой площадке!
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Избранные изображения:
Роберт Индиана — Любовная скульптура; Ричард Гамильтон, Джон Макхейл — Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Кейт Харинг — Ромеро
Обзор движения поп-арт | TheArtStory
Краткое изложение поп-арта
Освежающее повторное введение в поп-арт узнаваемых образов, почерпнутых из средств массовой информации и массовой культуры, стало серьезным сдвигом в направлении модернизма.Уходя корнями в нео-дадаизм и другие движения, которые ставили под сомнение само определение «искусства», Pop родился в Соединенном Королевстве в 1950-х годах в послевоенном социально-политическом климате, когда художники обращались к прославлять обычные предметы и возводить повседневность в первозданное состояние. уровень изобразительного искусства. Американские художники Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джеймс Розенквист и другие вскоре последуют их примеру и станут самыми известными поборниками движения в своем собственном неприятии традиционных исторических художественных предметов вместо вездесущего проникновения современного общества в продукцию и изображения массового производства. это доминировало в визуальной сфере.Возможно, благодаря использованию коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.
Ключевые идеи и достижения
- Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арта стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Представление об отсутствии иерархии культур и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.
- Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как художники поп-музыки искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом. Но, пожалуй, точнее будет сказать, что поп-артисты первыми осознали, что нет прямого доступа к чему-либо, будь то душа, мир природы или искусственная среда. Поп-художники считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях искусства.
- Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая часть его в некоторой степени эмоционально удалена. В отличие от предшествовавшего «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт, как правило, «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или шокирующий отказ от него, было предметом множества споров.
- Поп-артисты, казалось, приняли послевоенный производственный и медиа-бум. Некоторые критики назвали выбор изображений поп-артом восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он циркулировал, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-артистами повседневного искусства к высокому: привязка статуса товара товаров, представленных статусом самого арт-объекта, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.
- Некоторые из самых известных художников поп-музыки начали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным иллюстратором журналов и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника для рекламных щитов. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и поп-культуры.
Обзор поп-арта
От первых изобретателей в Лондоне до более поздней деконструкции американского образа такими, как Уорхол, Лихтенштейн, Розенквист, — движение поп-арта стало одним из самых популярных художественных направлений.
Поп-арт — Art Term
Рой ЛихтенштейнВау! 1963 г.
Галерея Тейт
© Поместье Роя Лихтенштейна
Возникнув в середине 1950-х годов в Великобритании и в конце 1950-х годов в Америке, поп-арт достиг своего пика в 1960-х годах.Это началось как восстание против доминирующих подходов к искусству и культуре и традиционных взглядов на то, каким должно быть искусство. Молодые художники чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и то, что они видели в музеях, не имело ничего общего с их жизнью или тем, что они видели вокруг себя каждый день. Вместо этого они обратились к таким источникам, как голливудские фильмы, реклама, упаковка продуктов, поп-музыка и комиксы для своих изображений.
В 1957 году поп-художник Ричард Гамильтон перечислил «характеристики поп-арта» в письме своим друзьям, архитекторам Питеру и Элисон Смитсон:
Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение). ), Расходный (легко забывается), низкая стоимость, массовое производство, молодой (нацеленный на молодежь), остроумный, сексуальный, трюк, гламурный, большой бизнес
Модернистские критики были в ужасе от использования поп-артистами такой «низкой» темы материи и их явно некритичным обращением с ней.Фактически, поп не только открыл искусство в новых предметных областях, но и разработал новые способы представления его в искусстве, и его можно рассматривать как одно из первых проявлений постмодернизма.
Американская поп-музыка против британской поп-музыки
Хотя они были вдохновлены схожей тематикой, британская поп-музыка часто отличается от американской поп-музыки.
Ранний поп-арт в Великобритании подпитывался американской популярной культурой, рассматриваемой на расстоянии, в то время как американские художники были вдохновлены тем, что они видели и пережили, живя в этой культуре.
В Соединенных Штатах поп-стиль был возвращением к репрезентативному искусству (искусство, которое изображало визуальный мир узнаваемым образом) и использованием резких граней и различных форм после живописной раскованности абстрактного экспрессионизма. Используя безличные, приземленные образы, поп-артисты также хотели уйти от акцента на личных чувствах и личном символизме, которые характеризовали абстрактный экспрессионизм.
В Великобритании движение было более академичным.Используя иронию и пародию, он больше сосредоточился на том, что представляют собой популярные американские образы, и на их способности манипулировать образом жизни людей. Художественная группа 1950-х годов The Independent Group (IG) считается предшественницей британского движения поп-арта.
Поп-арт Направление: Художники и произведения искусства
Энди Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелла», 1962 год. Предоставлено MoMA.«Поп-артисты создавали изображения, которые любой, идущий по Бродвею, мог бы распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитостей, занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы — все великие современные вещи, которые так старались абстрактные экспрессионисты. вообще не замечать.”
Энди Уорхол
Определение поп-арта: что такое поп-арт?
Первое определение поп-арта было дано британским куратором Лоуренсом Аллоуэем, который в 1955 году изобрел термин «поп-арт» для описания новой формы искусства, характеризующейся образами потребительства, новых медиа и массового воспроизведения; Одним словом: массовая культура. Благодаря смелым, простым, повседневным изображениям и ярким цветам, поп-арт был одним из первых художественных движений, сокративших разрыв между коммерческим и изобразительным искусством.
Художники поп-арта черпали вдохновение из рекламы, журналов, рекламных щитов, фильмов, телевидения, комиксов и витрин для своих юмористических, остроумных и ироничных работ, которые можно рассматривать как праздник и как критику поп-культуры. Но как появился поп-арт, кто был ключевыми игроками и каковы их художественные цели?
Ключевые даты: 1955-1965
Ключевые регионы: Великобритания и США
Ключевые слова: Популярная культура, СМИ, консьюмеризм
Ключевые художники: Энди Уорхол, Рой Лохтенштейн, Роберт Раушенберг, Клас Ольденбург, Ричард Гамильтон, Дэвид Хокни
Истоки поп-арта
Хотя поп-арт в основном ассоциируется с Соединенными Штатами, поп-арт рано получил признание в Великобритании как критическое и ироничное отражение послевоенной потребительской культуры конца 1950-х годов.
Фактически, в 1952 году в Британии группа художников, писателей и критиков, которая впоследствии стала известна как «Независимая группа» — или просто «IG» — начала регулярно встречаться, движимая общим восприятием разрыва между искусство и жизнь того времени, чтобы обсудить новые теории и методы включения в художественную практику тех аспектов визуальной культуры, которые традиционно не были ее частью, но которые неизбежно стали элементами повседневной жизни, от упаковки продуктов до знаменитостей кино.
Коллективная выставка группы This Is Tomorrow, , проходившая в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году, послужила ключевой отправной точкой для поп-арта, представляя беспрецедентный пример интеграции искусства и современной жизни.
За границей, в те же годы поп-арт возник как реакция на доминирующее художественное движение, абстрактный экспрессионизм. Развивая идею о том, что искусство — это индивидуальное выражение гения художника, поп-арт позволил художникам повторно ввести фрагменты реальности в искусство с помощью изображений и сочетаний повседневных предметов.
Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг были одними из первых художников в Америке, которые уловили силу обычного, положив начало движению. Первые исследовали границы между искусством и повседневным миром, буквально включив обычные предметы в окрашенные холсты; последний представляет то, что он определил как «вещи, которые уже знает разум», набор повторяющихся концепций и популярных образов.
Ключевые идеи поп-арта
Английский поп-художник Ричард Гамильтон в 1957 году перечислил характеристики поп-арта: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), дешевый. , Массовое производство, молодежное (направленное на молодежь), остроумное, сексуальное, бесподобное, гламурное, крупное.
Поп-арт, созданный из эстетики банальной его подписи, отражает времена массового производства и быстрых, банальных развлечений, а также исследует превращение славы в товар. Предметы повседневного обихода, такие как консервные банки Кэмпбелла и знаменитости поп-культуры, такие как Мэрилин Монро, были превращены в искусство и стали иконами движения.
Элементы множественности и воспроизводства — типичные для культуры массового производства — также отражены в художественных средствах и процессах: в то время как акриловые краски позволяли художникам создавать яркие плоские поверхности, техника трафаретной печати создавала смелые цветные изображения в виде повторяющихся узоров, разрушающих идею живописи как средство самобытности.
Энди Уорхол и его коробки Brillo. Предоставлено HBOБританский поп-арт против. Американский поп-арт
Хотя британский поп-арт в значительной степени вдохновлен американской поп-культурой, это было довольно игривое и ироничное исследование того, что представляют собой популярные американские образы и как они влияют на жизнь и образ жизни людей.
Для американских художников, с другой стороны, поп-арт означал возвращение к репрезентации: теперь царили резкие грани, четкие формы и узнаваемый сюжет, контрастируя со свободной абстракцией и символизмом абстрактных экспрессионистов.
Находясь под сильным влиянием практики коммерческого искусства, эти художники черпали вдохновение из того, что они видели и пережили напрямую. Неудивительно, что многие начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был иллюстратором журналов и графическим дизайнером, Эд Руша был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начинал как художник по оформлению рекламных щитов. Их опыт дал им отличный визуальный словарь массовой культуры, а также технические навыки, позволяющие легко переходить между высоким искусством и популярной культурой и объединять эти два мира.
Известные исполнители поп-арта
Среди ведущих британских художников поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936–2006), Ричард Гамильтон (р. 1922), Дэвид Хокни (р. 1937) и Аллен Джонс (р. 1937).
Среди известных представителей поп-арта в американском искусстве были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (род. 1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87). Среди других американских представителей были Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (р.1928), Рэй Джонсон (1927-95), Алекс Кац (род. 1927), Клас Ольденбург (р. 1929), Эд Руша (р. 1937), Джеймс Розенквист (р. 1933-2017) и Том Вессельманн (р. 1931 г.).
Знаковые произведения поп-арта
Ричард Гамильтон, Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956 Ричард Гамильтон, «Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными?», 1956. С разрешения PhaidonКоллаж Ричарда Гамильтона представляет собой пространство гостиной, наполненное объектами и идеями, которые, по словам Гамильтона, теснились в послевоенном сознании.Внимание зрителя привлекает фигура культуриста, держащего гигантский леденец с нацарапанным на нем словом «ПОП». Неудивительно, что этот коллаж часто называют первым образцом поп-арта.
Энди Уорхол, Мэрилин Диптих , 1962 Энди Уорхол, Мэрилин Диптих, 1962. Предоставлено Тейт. Увлечение Уорхола популярной культурой и славой привело к тому, что он создал большое количество экранных снимков с портретами знаменитостей, экспериментируя с вариациями цветов и умножением.
Его Мэрилин Диптих содержит 50 изображений Мэрилин Монро, половина из которых окрашены в цвет, а другая половина — в черно-белые. Работа была завершена через несколько недель после смерти актрисы.
Роя Лихтенштейна Whaam! — это большая картина на двух холстах, напоминающая полосу комиксов о взрыве ракеты в небе.Лихтенштейн был заинтересован в изображении крайне напряженных ситуаций в этой особенно отстраненной, расчетливой манере.
Кейт Харинг, Сияющий младенец , 1982 Кейт Харинг, «Сияющее дитя», 1990. С любезного разрешения Тейт.В Нью-Йорке 1980-х Кейт Харинг превратил метро в свою студию. Мелом он нанес свой фирменный рисунок на стены. Одним из них был его Radiant Baby , который для него был одним из самых чистых и положительных человеческих опытов.На протяжении многих лет он стал повторяющейся визуальной идиомой Харинга и теперь считается визитной карточкой художника.
Роберт Индиана, ЛЮБОВЬ , 1967 Роберт Индиана, Любовь, 1967. Предоставлено MoMA.Роберт Кларк родился в Индиане. Роберт Индиана взял имя своего родного штата, когда переехал в Нью-Йорк в 1954 году. Этот тип вдохновленного поп-музыки восхищения силой обычных слов никогда не проявлялся так отчетливо, как в его работах LOVE . LOVE Индианы — одно из самых известных образов поп-арта. Первоначально он был задуман как рождественская открытка для Музея современного искусства в 1965 году. С тех пор LOVE принял форму гравюр, картин, скульптур, баннеров, колец, гобеленов и марок.
Прием критиков против публикиВ то время как многие академики и критики были потрясены тем, как поп-артисты используют приземленные темы и их очевидно неизбирательное использование их, более образные и приземленные образы поп-арта понравились широкой публике и вскоре стали одним из них. самые популярные стили искусства, а также одно из первых проявлений постмодернизма.
Коллекционирование поп-артаПоп-арт удалось добраться до широкой публики так, как это сделали — или сделали с тех пор немногие направления современного искусства, — и коллекционерам это тоже нравится. Например, картина Джаспера Джонса «Фальстарт» (1959), проданная в 2006 году за 80 миллионов долларов, занимала 9-е место в рейтинге самых дорогих произведений искусства в истории того времени. Работа Энди Уорхола «Зеленая автомобильная авария» (1963) (синтетический полимер, шелкография, акрил на полотне) была продана на Christie’s, Нью-Йорк, в 2007 году за 71 доллар.7 миллионов, что делает его 14-м произведением искусства, проданным на тот момент по самой высокой цене. Неплохо для произведения неброского искусства.
Клас Ольденбург, Spoonbridge and Cherry, TK. Фото m01229, через Flickr.Соответствующие источники, чтобы узнать больше
Подробнее о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь
6 известных художников, которые определили яркое движение поп-арта
Вслед за популярностью абстрактных экспрессионистов, Pop Art вдохнул новую жизнь в современное искусство с середины 1950-х до конца 1970-х.Художники движения стремились преодолеть разрыв между «высокой» и «низкой» культурой, чтобы сделать искусство доступным для людей любого происхождения. Они заимствовали и деконструировали образы потребительской и популярной культуры, часто демонстрируя обычные предметы в новом и красочном свете.
В отличие от эмоционально заряженных работ абстрактных экспрессионистов, художники поп-арта создавали произведения, которые были составлены и амбивалентны. Они хотели бросить вызов ценностям массовой культуры, послевоенного производства и медиа-бума.Читайте дальше, чтобы познакомиться с шестью известными художниками, которые определили радикальное движение.
Вот шесть культовых художников, которые доминировали в движении поп-арт.
Энди УорхолЭнди Уорхол, 1968 г. (Фото через Wikimedia Commons, общественное достояние)
Когда вы думаете о движении поп-арт, первое, что приходит на ум, это Энди Уорхол. Этот плодовитый и новаторский творческий человек получил всемирную известность в конце 1950-х годов благодаря своим красочным шелкографическим принтам и картинам.
Уорхол начал свою карьеру в качестве коммерческого иллюстратора. В 1949 году он получил заказ от журнала Glamour для иллюстрации обуви для рекламы. Обувь стала для художника чем-то вроде навязчивой идеи, но это не единственный мотив, который Уорхол посещал снова и снова. Он был увлечен потребительской культурой и продолжал переводить фотографии повседневных предметов, в том числе консервные банки Кэмпбелла, коробки с мыльницами Brillo и бутылки от кока-колы, в картины «массового производства».
Используя технику трафаретной печати, Уорхол снова и снова получал одно и то же изображение в нескольких цветах. «Причина, по которой я рисую таким образом, заключается в том, что я хочу быть машиной, — сказал он в 1963 году, — и я чувствую, что все, что я делаю и делаю, как машина, — это то, что я хочу делать». Уорхол даже открыл свою мастерскую, которую ласково называли «Фабрика», где он создавал свои работы с командой помощников, похожей на конвейер.
Уорхол также был заметной фигурой на социальной сцене Нью-Йорка и часто исследовал связь между культурой знаменитостей и художественным самовыражением.В некоторых из его самых знаковых работ изображены такие известные лица, как Мэрилин Монро и Элвис Пресли.
Ричард ГамильтонИзвестный как «отец движения поп-арта», Ричард Гамильтон , как полагают, был человеком, придумавшим сам термин. В письме архитекторам Элисон и Питеру Смитсонам он заявил: «Поп-арт — это популярный, преходящий, расходный материал, недорогой, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, бесподобный, гламурный и крупный бизнес.”
Коллаж Гамильтона 1956 года под названием Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , было первым произведением поп-арта, получившим статус культового. Сделанный с использованием изображений, вырезанных из журналов, он изображает домашнее жилое пространство, загроможденное каталогом потребительских товаров, таких как пылесос, телевизор и магнитофон. Черно-белое изображение мускулистого мужчины, стоящего в позе бодибилдера, держит гигантский леденец со словом «ПОП», когда он указывает на полуобнаженную женщину на противоположном диване.Работа отражает циничный интерес Гамильтона к популярной культуре и современным технологиям.
Рой ЛихтенштейнРой Лихтенштейн, 1967 (Фото через Wikimedia Commons, (CC0 1.0))
Американский художник Рой Лихтенштейн стал ведущей фигурой движения поп-арт в 1960-х годах. Возможно, наиболее известен своими картинами, вдохновленными комиксами, он создавал яркие, впечатляющие работы, представленные его фирменными толстыми черными контурами и точками Бена-Дэя.Многие из его работ были адаптациями уже существующих коммерческих изображений и иллюстраций к комиксам. Одна из его самых известных работ, Фигура из картины «Девушка с мячом », была вдохновлена печатной рекламой Mount Airy Lodge в горах Поконо в Пенсильвании. Лихтенштейн также создал свою культовую картину Drowning Girl на обложке комиксов. Он использовал проектор, чтобы обвести изображение, воспроизводя мотивы в своем отличном точечном стиле.
Акт «копирования» часто встречался с критикой, а оригинальные художники часто не указывались.Однако раннее презрение к его творчеству никогда не мешало ему попытаться преодолеть разрыв между поп-культурой и искусством «высокомерия». «Я номинально копирую, но на самом деле я переформулирую скопированное в других терминах», — сказал Лихтенштейн. «При этом оригинал приобретает совершенно иную фактуру. Это не толстые или тонкие мазки, это точки, плоские цвета и жесткие линии ».
Ближе к концу своей карьеры Лихтенштейн начал отходить от своих комедийных произведений. Хотя его смелый графический стиль остался прежним, он начал исследовать другие темы, включая переработку знаменитых шедевров Ван Гога, Моне и Сезанна.Таким образом, Лихтенштейн превратил классические картины в работы в мультяшном стиле, которые находят отклик у современных масс.
Роберт РаушенбергРоберт Раушенберг, 1968 г. (Фото через Wikimedia Commons, (CC0 1.0))
Американский художник Роберт Раушенберг работал в самых разных средах, включая живопись, скульптуру и фотографию. Посетив студию Энди Уорхола в 1962 году, он решил заняться шелкографией.Он начал переносить найденные фотографии и изображения из журналов и газет на свои холсты, чтобы визуализировать хаос средств массовой информации. Его гравюры часто накладывались выразительными мазками масляной краской. Объединив живопись с фотографической гравюрой, Раушенберг преодолел разрыв между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом.
Дэвид ХокниНесмотря на то, что Дэвид Хоккей отверг идею обозначить свои работы как поп-арт, он по-прежнему считается одним из пионеров этого движения.83-летний британский художник работает художником, рисовальщиком, гравером, сценографом и фотографом. Тем не менее, он, пожалуй, наиболее известен своими яркими картинами бассейнов Лос-Анджелеса.
Для одной из своих самых известных работ под названием « A Bigger Splash » Хокни создал всплеск на фотографии, которую он нашел в руководстве по бассейну. Его целью было запечатлеть происходящее за доли секунды в неподвижном изображении. Он сказал о произведении: «Мне понравилась идея нарисовать эту вещь, которая длится две секунды: у меня уходит две недели, чтобы нарисовать это событие, которое длится две секунды.”
Кейт ХарингЛинейные рисунки Кейта Харинга , являющиеся торговой маркой, мгновенно узнаваемы как его собственный визуальный язык. Он начал свою карьеру в качестве подпольного художника-граффити в Нью-Йорке, но приобрел международную известность в 1980-х годах. Он использовал свое искусство для изучения тем, имеющих социальное и политическое значение. В частности, его работы часто посвящены темам гомосексуализма и СПИДа. Этот предмет имел для художника особое значение, так как ему самому был поставлен диагноз в 1988 году.К сожалению, жизнь Харинга оборвалась в 1990 году, когда он умер от осложнений, связанных со СПИДом, в возрасте 31 года. Однако его наследие живет.
Стремясь сделать искусство более доступным для всех, Харинг открыл свой Pop Shop в 1986 году, где он продавал плакаты, футболки и многое другое, украшенное его культовыми рисунками. Даже сегодня его мотивы продолжают впечатлять ценителей искусства, а его работы продолжают выставляться по всему миру.
Статьи по теме:
6 современных художников, которые сохраняют жизнь поп-арту сегодня
7 красочных шедевров, определяющих движение поп-арта
6 удивительных фактов о поп-артисте Рое Лихтенштейне
15 необычных подарков, вдохновленных поп-артом
Блог— Что такое поп-арт? Определение, художники и шедевры
Когда вы слышите поп-арт, вам, вероятно, приходят на ум образы Энди Уорхола Campbell’s Soup Cans и стилизованные под комиксы Роя Лихтенштейна.Движение поп-арта зародилось в 1950-х годах, но его преходящий, одноразовый и гламурный стиль продолжает вдохновлять художников и по сей день, а его сексуальный, молодой и крупный бизнес по-прежнему притягивает коллекционеров произведений искусства по всему миру. Давайте углубимся в это направление искусства и найдем истинное определение поп-арта.
Что такое поп-арт? Определение и основные характеристики
Рождение оригинальной формы искусства
Движение Pop art зародилось в середине 1950-х годов в Англии и через несколько лет стало популярным через Атлантику в Соединенных Штатах.Это художественное направление было создано как реакция на абстрактный экспрессионизм, который некоторые художники того времени считали слишком жестким и претенциозным. Независимая группа 1950-х годов (IG) считается предшественником британского движения поп-арта. Эту группу возглавил Эдуардо Паолоцци, король коллажей, его работы были одними из первых, в которых использовалась реклама, персонажи комиксов и обложки журналов.
Энди Уорхол: воплощение художественного обновления
Энди Уорхол (1928–1987) представляет собой одну, если не самую важную фигуру в поп-арте.Он родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, США, сначала работал коммерческим иллюстратором, прежде чем погрузиться в мир искусства. Он стал художником, трафаретом, режиссером, музыкальным продюсером и автором. Его картины с изображением американских икон (Трой Донахью, Мэрилин Монро, Элвис Пресли, Натали Вуд, Уоррен Битти и др.) И товаров народного потребления (банка для супа Кэмпбелла ) стали известны во всем мире.
Что такое поп-арт?
Аббревиатура от Popular Art, Pop art характеризуется деконструкцией изображений, которые можно увидеть в массовой культуре — телевидении, комиксах, журналах, фильмах и других различных формах рекламы.Эти элементы были представлены объективно и заимствовали коммерческие методы, используемые СМИ, из которых были заимствованы сюжеты.
Определение поп-арта сквозь призму социологии
Что такое поп-арт с социологической точки зрения? Поп-артисты осознали тот факт, что их изображения могут быть массовыми, легко доступными, одноразовыми и временными. Эту идею продвигал писатель Вальтер Бенджамин в своей книге Произведение искусства в эпоху механического воспроизводства (1935).Бенджамин заявил, что копия имеет более высокое социальное значение, чем оригинал, потому что покупатель может владеть ею и пользоваться ею в любой момент. Эта идея оказала глубокое влияние на постмодернистскую мысль и сильно повлияла на движение Pop art .
Социальная критика
Поп-арт — критика материализма и потребительства, присутствующих в современных обществах. Идея произведения искусства стала важнее, чем само произведение.
В Бразилии Поп-арт стал инструментом для осуждения социальных злоупотреблений политического режима и тоталитарных аспектов его политики во время военной диктатуры 1960-х годов.Ромеро Бритто и Габриэль Греко являются яркими примерами бразильских исполнителей поп-музыки. Однако техника Греко колеблется между Стрит и Поп-арт со свежим голосом, который напоминает голос Бэнкси.
Ключевые фигуры и шедевры
Механизм Pop art создал множество других крупных художников, помимо Энди Уорхола, чей Marylin Diptych известен во всем мире. Часто лучший способ определения крупного художественного движения, такого как Поп-арт , лучше всего делать, глядя на примеры ключевых произведений и фигур, которые способствовали им.
Рой Лихтенштейн
Рой Лихтенштейн родился в Нью-Йорке в 1923 году и является мастером рисунка, который учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. Он известен созданием огромных стилизованных репродукций комиксов с использованием точек, имитирующих плоские тона, используемые в коммерческой печати. Этот художник-новатор является ключевой фигурой Pop art наряду с Энди Уорхолом. Плачущая девушка (1963) — одна из самых известных его работ.
Сэр Питер Томас Блейк
Англичанин сэр Питер Томас Блейк, 1932 года рождения, учился в лучших художественных институтах Англии.Он создавал коллажи, сочетая изображения из поп-культуры и изобразительного искусства. Он наиболее известен тем, что стал соавтором обложки для альбома The Beatles Sgt. Группа Клуба Одиноких Сердец Пеппера .
Джаспер Джонс
Джаспер Джонс — всемирно известный художник и гравер в стиле неодада. Его работа была сосредоточена на изображении обычных объектов, таких как флаги и карты, и помогла создать переход от абстрактного экспрессионизма к Поп-арт . Его самая известная работа — энкаустическая картина Flag (1954-1955).Он создал это произведение после того, как ему приснился сон, в котором он рисовал американский флаг.
Уэйн Тибо
Уэйн Тибо — американский художник и гравер, которого часто сравнивают с Эдвардом Хоппером. Он наиболее известен своими натюрмортами с предметами повседневного обихода, такими как еда и косметика. Некоторые историки искусства классифицируют его как Pop Artist из-за банальности его темы, однако тот факт, что он рисовал из реальной жизни, а не из медиа-изображений, делает его технически неклассифицируемым как Pop Artist .Одна из его самых известных работ — Dark Cake , созданная в 1983 году.
Если вам понравилось узнавать о Pop art , не стесняйтесь просматривать веб-сайт Artalistic. Мы являемся одной из ведущих мировых онлайн-площадок для покупки и продажи современного искусства. У нас есть обширная и тщательно подобранная коллекция картин, скульптур, фотографий и рисунков известных и начинающих художников.
Поп-арт | Национальные галереи Шотландии
Художественное движение 1950–1970-х годов, которое в основном базировалось в Великобритании и США.Поп-артистов называют так из-за того, что они используют образы популярной культуры. Они также представили методы и материалы из коммерческого мира, такие как трафаретная печать, в практику изобразительного искусства.
Поп-арт появился примерно через десять лет после Второй мировой войны, прежде всего в Великобритании и Соединенных Штатах. Это так называется, потому что художники использовали образы из популярной культуры. После периода послевоенной жесткой экономии движение сосредоточилось на гламурном коммерческом дизайне и медиа-культуре, говоря об оптимизме и возможностях.Многие поп-художники, особенно в Соединенных Штатах, выступили против более раннего интроспективного языка абстрактного экспрессионизма, стремясь привлечь внимание масс, смешивая элементы поп-культуры, коллажей и гравюры, с традиционными техниками живописи.
С начала 1950-х годов группа художников и писателей под названием «Независимая группа» собиралась в лондонском Институте современного искусства, чтобы обсудить растущую культуру кино, рекламы и консьюмеризма, эмигрирующих из Соединенных Штатов.Среди членов были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, Лоуренс Аллоуэй, Элисон и Питер Смитсон. Считается, что термин «поп» имеет несколько источников, о которых писали Аллоуэй, Смитсон и Гамильтон. Паолоцци также использовал это слово в коллаже под названием Я был игрушкой для богатого человека , 1947. Его коллажи 1940-х и 1950-х годов теперь часто называют «прото-поп», а его новаторская лекция «Крах» в Институте для современного искусства в 1952 году следовал аналогичным идеям.
Эдуардо Паолоцци, Я был игрушкой богатого человека, 1947© Попечители Фонда Паолоцци, Лицензия DACS 2017.
В 1956 году Гамильтон привлек международное внимание своим коллажем « Just What is it, который делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными» , 1956. Создан для групповой выставки « This is Tomorrow » в 1956 году в галерее Уайтчепел в Лондоне. сатирический подход к новому поверхностному «американскому образу жизни».В 1957 году Гамильтон написал письмо Элисон и Питеру Смитсон, в котором описал характеристики Попа как:
«Популярный, преходящий, расходный, недорогой, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, трюковой, гламурный и большой бизнес».
— Ричард Гамильтон
В Нью-Йорке к 1950-м годам художники начали исследовать популярную культуру в стилях нео-дада, фанк, бит и перформанс. Среди известных людей были Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол, которые участвовали в ряде персональных выставок.В 1962 году в галерее Sidney Janis в Нью-Йорке прошла международная выставка New Realists , на которой художники исследовали такие популярные темы, как «повседневный объект», «средства массовой информации» и «повторение». Аллоуэй, который переехал в Нью-Йорк, чтобы работать куратором в Музее Гуггенхайма, ввел британский термин «поп», чтобы обозначить эту новую эру в искусстве, которая распространилась по остальным Соединенным Штатам и Европе.
Многие культовые образы поп-музыки из США были созданы Энди Уорхолом, и его имя стало синонимом стиля.Уорхол, как известно, копировал такие бренды, как Coca Cola и Campbell’s Soup, вместе с изображениями знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Джеки Кеннеди и Элизабет Тейлор, в массовом производстве с использованием методов шелкографии, но он также создавал фильмы, цифровые произведения искусства, картины и скульптуры. Название студии Уорхола, The Factory , связано с его массовыми работами. Позиция Уорхола о том, что искусство и жизнь должны быть взаимосвязаны, продолжает влиять на современную практику сегодня.
Во Франции поп-арт возник в форме модернистского реализма, определенного критиком Пьером Рестани как «новые способы восприятия реальности». Художник Арман отказался от своего более раннего абстрактного стиля живописи в пользу создания скульптур из найденных или выброшенных произведенных предметов. В Германии термин «капитальный реализм» стал обозначать художников, находящихся под влиянием американской поп-музыки, основанной Зигмаром Польке, включая участников Герхарда Рихтера и Конрада Люга, которые исследовали и анализировали образы и фотографии поп-культуры с понимающей иронией.В Великобритании поп продолжал развиваться в Лондоне, среди представителей которого были Дэвид Хокни, Джо Тисон и Билли Эппл.
Влияние поп-музыки продолжалось на протяжении 1960-х и 70-х годов, пока его не затмили концептуальное искусство, инсталляция и перформанс. В конце 1970-х — начале 1980-х годов идеи поп-музыки начали возрождаться как нео-поп, возглавляемый Джеффом Кунсом, который прославляет американскую культуру потребления и китч диковинными картинами, скульптурами и фотографиями. Такаси Мураками также был связан с нео-попом, с его присвоением японской поп-культуры и культуры моды и его «суперплоским» стилем рисования.Оба художника придерживаются делового подхода к производству произведений искусства, нанимая помощников на крупных фабриках для производства товаров, что напоминает Фабрику Уорхола в 1960-х годах.
.